WM No.37
MÉX USA EUR CHI ARG
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warp.la l @WARPmagazine
OPEN AIR MUSIC La historia del verano en Festivales Featuring:
ARCTIC MONKEYS
La banda de Sheffield cuenta en exclusiva la historia de su regreso Entrevistas con:
GLASVEGAS INTERPOL
CUT COPY FUJIYA & MIYAGI
Cobertura Especial: Coachella 2011
Minus The Bear Regina Spektor Javiera Mena Kate Nash Spoon Julieta Venegas The Temper Trap White Lies Pante贸n Rococ贸 Los Bunkers Enanitos Verdes Faithless DapuntoBeat Ra Ra Riot Chikita Violenta
TEMPORADA5 MAYO 2011 LATINOAMร RICA
ESTRENOS
JUEVES 8:00PM (Mex/Arg/Col/Bra) 08:30pm Vzl, 07:00pm Chi
REPETICIONES
Sรกbados 9:00pm (Mex/Arg/Col/Bra) 09:30pm Vzl, 08:00pm Chi
otra foto de portada
Arctic Monkeys Nueve años han pasado desde la formación de Arctic Monkeys, tiempo en el que han dejado atrás su imagen juvenil para elegir un camino más serio reflejado en su música. Nuevamente bajo la producción de James Ford (Simian Mobile Disco), Alex Turner, Matt Helders, Jamie Cook y Nick O’Malley regresan con su cuarto álbum de estudio, Suck It And See, retomando su puesto como una de las agrupaciones más influyentes del Reino Unido en la actualidad.
002
Warp Magazine 37 / contenido EDITORIAL Director General
Alejandro Franco Fernández twitter.com/AlejandroFranco Directora de Contenidos
Anna Stephens
twitter.com/Stphns Editor en Jefe
Diovanny Garfias
twitter.com/Androgyn
Destacado
Editora GUARP
041
Open Air Music / Arctic Monkeys, Coachella, Glasvegas y los festivales del 2011
twitter.com/Pamoleon
Pamela Carrillo
Asistentes Editoriales
Paco Sierra
twitter.com/PacoSierra
Secciones
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Editorial / Matt Helders de Arctic Monkeys
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Silencio por Favor / How To Destroy Angels
016
Music Is My Radar / Si te Viera en el Cielo
twitter.com/melcochabarata Editora de Arte y Fashion
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Profile / Off!
twitter.com/Chelaolea
020
Hot Hot Hit / Oh Land
022
From Spain / La Madre (Patria) De Los Festivales
026
Blogaggedeon Times / Guadalajara, Herzog y más Cine
028
Rock Fiction / Save As Milk
030
The Beautiful Ones Project / Adiós Poly Styrene
032
Calendario / Junio 2011
088
Encore / Mirrors
Colaboradores Invitados Matt Helders (Arctic Monkeys) Edoardo Chavarin
Reviews
010
The Main Review / Beastie Boys
Colaboradores Abraham Huitrón, Elsa Núñez, Karina Luvián, Michelle Apple, Alejandra Ayala, Samuel Segura, Andrea Paz, Mariana del Valle, Marla Guedimin, Daniel Estrada.
012
Reviews / Art Brut, Atari Teenage Riot, Friendly Fires y más
Mail: magazine@warp.com.mx
Paola del Castillo
twitter.com/PaodlCastillo Correctora de estilo
Berenice Andrade Chëla Olea
Columnistas Paul Stokes (Editor Noticias, NME) twitter.com/Stokesie, Sr. Flavio (Los Fabulosos Cadillacs), Adolfo Vergara twitter.com/ToBeFreak, Marc (Dorian) twitter.com/MarcDorian.
ARTE Y DISEÑO
Shuffle
023
Insert / Fujiya & Miyagi
024
Playlist / Festivales 2011
025
Insert / Feria Internacional de la Música
Dirección de Arte Oscar Sámano Producción Edgardo Domínguez Editor de Fotografía Sergio Gálvez Fotografía Sergio Gálvez, Leslie Del Moral
027
Insert / Interpol
COMERCIALIZACIÓN Y PUBLICIDAD
028
Insert / Cut Copy
Gigs
034
Gigs / Caifanes, Brandon Flowers, The Chemical Brothers y Deftones
Warp TV
070
Digital / Bjarke Ingels
072
Technologic / Gadgets
074
Lust in the Movies / Harmony Korine y Jan Svankmajer
076
Fashion Nugget / Torreblanca
078
Art Brute / Tony Solís
Guarp
082
Coachella
084
Glasvegas
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Arctic Monkeys
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Dirección de Estrategias Comerciales Eduardo Montes montes@sentido.com.mx twitter.com/monteslalo Coordinación Comercial Andrea Arbide andrea@sentido.com.mx Publicidad Celia Fernández fernandez@sentido.com.mx Gabriela Toriz gaby@sentido.com.mx Distribución Paulina López Tel. 5280 0243
Los artículos realizados en este número por los colaboradores, no necesariamente reflejan el punto de vista de WARP MAGAZINE.
© WARP Marca Registrada ®. Año III No.37 Fecha de Publicación 20-05-2011. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15 Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx. Distribución Nacional e Internacional de CODIPLYRSA. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.
editorial
THIS IS A CIRCUS Por: Matt Helders de Arctic Monkeys
L
os festivales definitivamente son muy importantes para la difusión de nuevas bandas y propuestas musicales. Hay muchas bandas muy buenas que no tienen la difusión necesaria y por ello nadie sabe de su existencia y, por medio de los festivales, más gente puede conocerlas. Las personas que van a los festivales suelen ir dispuestas a conocer y escuchar. Realmente nos encantaría ver que una nueva banda haga lo que nosotros hicimos. Por ejemplo, aquí en Inglaterra las listas de ventas de discos están llenas de pura basura, claro que también hay buenas propuestas pero no tienen el reconocimiento que nosotros tuvimos.
006
Fuimos muy afortunados en ese aspecto. Supongo que ahora debe ser aún más difícil destacar del resto, pero creo que sólo tienes que ofrecer muchos conciertos y mejorar en lo que haces. Hoy en día el ser una buena banda en vivo es fundamental porque casi no se venden discos. Pero no todo es depresión y oscuridad, nosotros estamos de regreso, y obviamente estaremos en algunos festivales este año –Lollapalooza, Rock Werchter, T In The Park, Oxegen, Benicassim, entre otros– y creo que gracias a los festivales que se avecinan también surgirán algunas nuevas bandas buenas.
silencio por favor
How To Destroy Angels Por: Diovanny Garfias Foto: Cortesía HTDA
E
l año pasado fuimos testigos del nacimiento de How To Destroy Angels, proyecto integrado por Mariqueen Maandig, Trent Reznor y Atticus Ross, así como de la salida de su EP homónimo. Este 2011 promete la llegada de su primer álbum a nuestro espacio sonoro, un material que en palabras del propio Reznor estará listo en otoño, será gratuito y también se podrá adquirir en formatos digitales de alta calidad, CD y vinil. Al fin sabremos si Trent puede dejar de lado el sonido ejecutado en Nine Inch Nails a lo largo de su carrera, e integrar el talento y creatividad de Atticus y Mariqueen en una nueva creación.
“We’ve spent a lot of time experimenting and finding our own sound and identity this time around and we’re very happy with the results.” - Trent Reznor
008
SHUFFLE
playlist
the main review REVIEWS
Hot Sauce Committee Part Two Beastie Boys / EMI Music / 2011
9.3
Calificación
E
l sonido de Beastie Boys es algo único. Ha influenciado la música hip hop desde hace un par de décadas y es referente indispensable para entender la evolución y el estado actual en el que se encuentra dicho género. Cuando hablamos de algo tan relevante como Beastie Boys, es difícil comprender por qué la triada neoyorkina se ausentó durante tantos años tras la salida de To The 5 Boroughs en 2004, en una época en la que el scratching, los sampleos y los beats sintetizados dominan el panorama musical mundial. Sin embargo, si hacemos memoria, tendremos que repasar el doloroso episodio que retrazó por casi dos años la salida del trabajo que hoy nos ocupa, el diagnóstico de MCA (Adam Yauch) con cáncer, noticia que lejos de terminar con la carrera del trío, parece haberlos llenado de nuevos bríos. Aquellos tracks que escuchamos filtrados en la red bajo el nombre de Hot Sauce Committee, Pt. 1 hicieron su debut con sonido
010
totalmente pulido y retrabajado en Hot Sauce Committee Part Two; lo que aquí encontramos en términos sonoros es la fórmula de estos músicos traída a una nueva década, con una producción que se manifiesta en cada elemento, desde las líneas de bajo pasando por los efectos, hasta llegar a las voces, casi brillante. Las letras, en el mood que ha hecho de los Beastie Boys una banda inteligente pero divertida. Sin duda, los singles ‘Lee Majors Come Again’, ‘Too Many Rappers’ y ‘Make Some Noise’ son una excelente carta de presentación para esta placa, mientras que otros como ‘OK’ y ‘Multilateral Nuclear Disarmament’ son una prueba de las diferentes caras que estos tres músicos nos pueden mostrar. Definitivamente, algo parecido a lo logrado por Beastie Boys con la salida de Hello Nasty allá en 1999, hablando de resultados en concreto. En resumen, un gran disco, de una gran banda, un regreso en la forma y tiempo que todos esperábamos. -Diovanny Garfias
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Brilliant! Tragic! Art Brut / Downtown / 2011
7.9
Nacida en plena explosión de bandas cuya carrera ha alcanzado reconocimiento en todo el mundo, Art Brut continúa su creación musical sin obtener la fama que quizá debiera tener ya. Con su calidad intacta, atenúan su sonido en este cuarto material y Eddie Argos hace un intento —fallido— por mejorar su interpretación vocal. Aun así, la portada, hecha por el famoso dibujante Jamie McKelvie, es atractiva y muy en la línea de su placa anterior, Art Brit Vs. Satan (2009), mientras cada canción encapsula el crecimiento y solidez del talento propio, la irreverencia añeja del punk y la experiencia de Frank Black, quien repite su participación como productor. De este disco cabe resaltar cortes como ‘Clever, Clever Jazz’, ‘Is Dog Eared’, ‘Martin Kemp’ y ‘I Am The Psychic’, aunque seguramente tampoco con este disco alcanzarán demasiada proyección dentro de la escena musical. -Karina Luvián
Calificación
7.7
8.0
Calificación
7.8
Calificación
Calificación
Helplessness Blues
Holy Ghost!
Burst Apart
Fleet Foxes / Arts&Crafts México / 2011
Holy Ghost! / DFA Records / 2011
The Antlers / Transgressive Records / 2011
Después de tres años de espera desde su primer disco, Robin Pecknold y compañía ofrecen un viaje sonoro a su barroco y mágico mundo folk, tal y como la portada del disco infiere. ‘Montezuma’ abre las puertas con aires de grandeza y destacan temas como ‘Sim Sala Bim’, ‘Battery Kinzie’ y el que nombra al disco casi a manera de himno, ‘Helplessness Blues’. A lo largo de la placa, los de Seattle recuerdan que no pretenden cambiar las reglas del juego, pero dejan en claro que no temen llevar al límite sus creaciones y hacerlas explotar en lo más recargado posible. El disco cierra con canciones más down-tempo pero igual de majestuosas que inevitablemente apuntan a la introspección, como ‘The Shrine/An Argument’, con lo que corroboran que son uno de los mejores exponentes del folk actual. -Paola Del Castillo
A pesar de que en este homónimo podemos encontrar algunos temas de Static On The Wire EP, los nuevos temas se mantienen en el mismo nivel, por lo que las ganas de bailar al ritmo de episodios tan simples —pero bien estructurados— como ‘Do It Again’ jamás se ven opacadas. ‘Wait And See’ es una buena manera de entender aquellos casos en los que el lado más kitsch de la década de 1980 es utilizado como una influencia. El ritmo baja poco a poco hasta llegar a momentos oscuros como ‘Say My Name’, en el que el misterio da la bienvenida mientras que las voces se sustentan en la solemnidad del bajo y de una batería que hace de esqueleto. ‘It’s Not Over’ y ‘Slow Motion’ son los temas a destacar, el ritmo de los instrumentos que va integrando mientras la textura de las voces los convierten en espacios diseñados especialmente para dejar que el cuerpo se deje llevar sin prejuicio alguno. -Elsa Núñez
En 2009, la banda originaria de Brooklyn nos presentó el ambicioso Hospice, catalogado como uno de los mejores discos de ese año. Ahora, con el nuevo material, pareciera que ese tipo de objetivos se olvidaron y se concentraron en mostrar algo más personal e introspectivo. Elementos de los que no prescindieron fueron los acordes electrónicos y las notables influencias del post rock como en el track ‘Tiptoe’. Peter Silberman, Michael Lerner y Darby Cicci hacen de Burst Apart una montaña rusa de sonidos gracias a contrastes como ‘French Exit’, con el beat necesario para ponernos a bailar, para después dejarnos llevar por ‘Parentheses’. Un momento que sin duda es de los mejores dentro de la placa es cuando comienza ‘Every Night My Teeth Are Falling Out’, canción que le da el toque necesario para agradar por completo. -Andrea Paz
012
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8.0
8.0
Calificación
5.0
Calificación
Calificación
Suck It And See
Pala
Moment Bends
Arctic Monkeys / Domino Records / 2011
Friendly Fires / XL Recordings / 2011
Architecture In Helsinki / V2 Records / 2011
Nuevamente bajo la producción de James Ford de Simian Mobile Disco y aún con cierta influencia de Josh Homme (quien colabora en ‘All My Own Stunts’), los de Sheffield están de vuelta con 12 canciones que recopilan rasgos de sus álbumes anteriores, pero esta vez con melodías más tranquilas y, dicho por ellos mismos, con un sonido “más pop” compuesto en su mayoría por baladas como ‘Black Treacle’, ‘Reckless Serenade’ y ‘Piledriver Waltz’. Sin embargo, su energía y explosividad usuales aún pueden percibirse en temas como ‘Library Pictures’ y ‘Brick By Brick’ que con seguridad se unirán a la lista de éxitos con la que ya cuentan. Como el nombre lo indica, Arctic Monkeys proponen escuchar su propuesta para juzgarla... y finalmente, si la respuesta del escucha es negativa, hacer caso omiso de ella. -PC
Los ingleses originarios de St. Albans, están de vuelta y con el mismo cometido de su álbum debut del 2008: canciones para bailar y justo a tiempo para ser el soundtrack de nuestro verano, con Pala. Sin miedo de ofrecer un sonido mainstream, el álbum comienza con ‘Live Those Days Tonight’; sintetizadores, percusiones y lo suficiente para mantener pegada la arena al cuerpo en la playa. Se mantiene el ritmo con ‘Blue Cassette’. Sigue ‘Running Away’ dominada por el bajo y la voz de Ed Macfarlane. ‘Hurting’ tiene ese “groove funky/R&B” diferente a otras canciones, cuentan con la participación de un coro de Harlem. ¿Cansado de bailar? llega la lenta ‘Pala’. ‘Show Me Lights’ y ‘True Love’ mantienen los falsettos de Ed, teclados y percusiones. Cierra ‘Helpless’ enmarcada de olas y playa. Los 11 tracks de Pala servirán para decidir si pasar o no unos días en la playa próximamente. -Paco Sierra
Luego del afortunado Places Like This, esta agrupación australiana decidió trabajar en su soso quinto álbum. La chispa que los dio a conocer parece estar guardada en algún recóndito lugar, caso que se demuestra desde la apertura a cargo de ‘Desert Island’. ‘Escapee’ hace pensar que el ingenio no está perdido, gracias al insistente piano al que sucesivamente se agregan elementos como percusiones y unos riffs ligeros. Pero el esfuerzo se va a la basura cuando en ‘Contact High’ se emulan los sonidos más electrónicamente ridículos de la década de los ochenta. ‘W.O.W.’ no es más que una promesa de que la línea del álbum cambiará, por desgracia no hace más que advertirnos que lo peor está por venir al ritmo de ‘YR Go To’ que hace recordar la monotonía de The Russian Futurists. Un álbum que se siente comprometido con seguir tendencias sin la menor intención de innovar o, al menos, dar continuidad. -EN
Is This Hyperreal? Atari Teenage Riot / Digital Hardcore Recordings 2011
014
8.7
Calificación
12 años después los precursores del digital hardcore (bautizado así por su frontman Alec Empire) están de regreso y los que pensaban que la música electrónica violenta había dado todo lo que podía en los noventa estaban equivocados. Con nueva alineación conformada por Empire, Nic Endo y CX KiDTRONiK, la ahora triada nos entrega un álbum completo en todos los sentidos. Por un lado tenemos la compleja producción que representa cada álbum de ATR: sampleos y sintetizadores texturizados hasta la exageración y beats techno punks listos para reventar cabezas; los mensajes de izquierda también están presentes en cada línea, la lucha contra el gobierno y sus intentos por controlar Internet o el trafico de órganos son algunos de los muchos tópicos que aquí se tocan. La lucha (una vez más) ha comenzado: “Midijunkies gonna fuck you up!”. -Diovanny Gafias
music is my radar COLUMNA
SI TE VIERA EN EL CIELO Por: Joselo Rangel
N
o me gusta Eric Clapton. Al menos, no tanto como para adquirir un disco de él. Nunca he comprado algo de su extensa discografía, ningún disco de su trabajo como solista ni de los grupos a los cuales ha pertenecido. No tengo ni siquiera un disco recopilatorio de sus éxitos, que resolvería de manera sencilla su ausencia en mi colección de música. Pero aun así, soy consciente de su importancia y lugar en la historia de esta música que amamos (tú también, si no, no estarías leyendo esta revista) que se llama rock. Aunque la mayoría de nosotros pensemos que no hemos escuchado a Clapton, me atrevo a decir que todos los que gustamos de la música lo hemos escuchado al menos en una canción: la guitarra solista de ‘While My Guitar Gently Weeps’ de los Beatles es de él. Tal vez han escuchado, igual que yo, sus canciones más famosas: ‘Cocaine’, ‘Layla’, ‘Tears In Heaven’. Es extraño, yo escuché primero ‘I Shot The Sheriff’ en voz de Clapton que de Marley, seguro que eso habla más de mi edad que las canas en mis patillas. Clapton perteneció a los Yardbirds, a los Blues Breakers de John Mayall, a los Cream, a Blind Faith, nombres que tal vez no nos dicen mucho en esta época, pero que han influido, de una u otra manera, a todas la bandas que salen de esa isla llamada Inglaterra. Y aunque no soy fan de Clapton, no pude resistir la tentación, las ganas de saber más de este genio, y bueno ¿para qué negarlo?, también quería saber bien el chisme de Pattie Boyd, quien fuera la musa de Harrison y después de Clapton. Así que me leí el libro completo. No me arrepiento. La autobiografía de Clapton se lee sin problemas, fluye de manera orgánica, como si un amigo te estuviera contando su vida enfrente de una cerveza en un bar. La diferencia es que Clapton no puede, no quiere volver a beber, así que tal vez platique contigo a la hora del té. Eso sí, supongo que lo toma muy cargado. La historia de Eric Clapton está llena de reveses. Nació muy pobre, criado por sus abuelos, a quienes creía sus padres, hasta que a los nueve años se enteró de la verdad: su mamá lo había abandonado cuando eran un bebé. Su afición a la guitarra lo sacó del lugar en donde vivía para llevarlo a Londres. Pronto se labró un nombre entre los músicos ingleses, tanto que en las paredes había graffitis que lo elevaban a alturas inimaginables: “Clapton is God”. Clapton nos cuenta cómo, apenas lograba el éxito con alguna de sus bandas, sentía la urgencia de salirse de ellas, de
Clapton Autobiografía de Eric Clapton Global Rhytym, 2009
intentar otra cosa. Obsesionado con la mujer de George Harrison, Pattie Boyd, no descansó hasta hacerla suya. Se enganchó a la heroína, de la cual pudo salir para caer en otro vicio, que por cotidiano puede ser igual de peligroso: el alcohol. Vida intensa, llena de reveses, ni mandada a hacer para este amante del blues. En 1991, ya sobrio, recibió un duro golpe. Su hijo Connor, de escasos 4 años, se cayó desde un piso 53, en un departamento de Nueva York donde vivía con su madre. Eric Clapton tiene 65 años. Está sobrio después de haber sido un heroinómano y de varios años de abuso de alcohol. Era muy pobre y ahora es dueño de un barco. Muchas de sus guitarras se vendieron en una subasta para recaudar fondos para el centro de rehabilitación que él dirige: Cross Roads. La que mejor se vendió (por 450 mil dólares) fue una Fender que él llamaba Brownie. Nada mal para un tipo que sólo sabe tocar la guitarra y pescar. Me gusta la historia del rock y últimamente me he dado cuenta de que leyendo biografías (o autobiografías como ésta de Clapton) voy entendiendo mejor cómo se fueron gestando los movimientos musicales. La música, las canciones, están hechas por individuos, que después llegan a grandes multitudes y se convierten en movimientos. Pero siempre salen de una persona. Conocer la vida de esa persona esclarece muchas cosas. Y aunque, como dice el dicho, “nadie experimenta en cabeza ajena”, algo de la vida de los genios nos puede inspirar. Y como dice mi mamá: ojala que copiemos lo bueno y no nada más lo malo.
›› Joselo Rangel es integrante de Café Tacvba, músico, productor, asiduo lector y también columnista del periódico Excélsior.
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profile
Off !
Por: Diovanny Garfias / Foto: Jake Burghart Integrantes: Keith Morris – Voz / Dimitri Coats – Guitarra Steven Shane McDonald – Bajo / Mario Rubalcaba – Batería Escúchalos en: www.offofficial.com
Mira a Off! en vivo a través de www.noisey.com
L
as superbands no sólo existen en el mundo de la música mainstream; el harcore y el punk también tienen a sus representantes. Es el caso de Off!, agrupación integrada por Keith Morris (Black Flag, Circle Jerks), Dimitri Coats (Burning Brides), Steven Shane McDonald (Redd Kross) y Mario Rubalcaba (Thingy, Rocket From The Crypt, Hot Snakes, etc.). Su álbum debut First Four EPs vio la luz el pasado diciembre de 2010 y los ha llevado a presentarse en diversos escenarios alrededor del mundo, incluyendo la reciente edición del Festival Coachella.
Noisey.com, una plataforma en línea para descubrir música que presenta a varias de las nuevas bandas más talentosas alrededor del mundo. A través de cautivadores y originales cortometrajes Noisey le otorga al espectador acceso sin precedentes a la vida de las bandas dentro y fuera del escenario, capturando por completo la experiencia musical en vivo.
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hot hot hit
Oh Land
Texto: Michelle Apple / Foto: Cortesía Oh Land
Nanna Øland Fabricius es la mente detrás de Oh Land, una mezcla experimental entre pop, electro y dance. Originaria de Dinamarca y con orígenes artísticos en la danza clásica, esta rubia lanzó su álbum debut Fauna en 2008, y gracias a ese disco ganó atención en distintos rincones del mundo. Para 2011, Oh Land sorprendió una vez más con su más reciente álbum homónimo, el cual la ha llevado a entregar su música en algunos de los escenarios más importantes del globo. 020
ESTRENOS
MARTES 9:30PM (Mex/Arg/Col/Bra) 10:00pm Vzl, 08:30pm Chi
REPETICIONES
Miércoles (2:30pm Mex/Arg/Col/Bra) 03:00pm Vzl, 01:30pm Chi Viernes (2:30pm Mex/Arg/Col/Bra) 03:00pm Vzl, 01:30pm Chi Sábados (8:30pm Mex/Arg/Col/Bra) 09:00pm Vzl, 07:30pm Chi Martes (11:30pm Mex/Arg/Col/Bra) 12:00pm Vzl, 10:30pm Chi
from Spain COLUMNA
LA MADRE (PATRIA) DE LOS FESTIVALES Por: Marc Gili (Dorian) / @marcdorian
E
spaña goza en la actualidad de una escena musical fuerte, cohesionada, y capaz de lanzar excelentes discos todos los años. Posiblemente nos hallemos ante la mejor generación de bandas que ha surgido en el país desde la ya lejana movida madrileña, también conocida en Latinoamérica como nueva ola española, título que resulta mucho más acertado, ya que ni mucho menos todas las buenas bandas de principios de los ochenta surgieron de Madrid. Sin embargo, nada de lo que está ocurriendo en la nueva escena independiente española habría sido posible sin la existencia de grandes festivales como Espárrago Rock, FIB o Sónar que, a principios de los noventa, contribuyeron de forma decisiva a poner las bases de un circuito profesional de sellos, salas, promotores y medios de comunicación, que hoy configuran una escena capaz de exportar bandas a todo el mundo. Pero el camino ha sido largo, muy largo. A finales de los ochenta la movida madrileña era un cadáver que se arrastraba por los ayuntamientos de los pueblos vendiendo humo, y las grandes transnacionales dominaban el mercado lanzando productos nefastos. Era necesario un cambio de panorama y éste llegó de fuera cuando bandas como Nirvana o Sonic Youth pusieron patas arriba la industria de la música. En España ese fenómeno se reflejó en la forma de la creación de multitud de sellos independientes que se convirtieron en la casa de una nueva generación de ban-
das. También nacieron numerosas revistas musicales y de tendencias, pequeños clubes de rock y techno, y los tres festivales ya mencionados: Espárrago Rock, FIB (Festival Internacional de Benicàssim) y Sónar. Creados de forma artesanal, esto es sin el apoyo de grandes sponsors ni de ayuntamiento alguno, estos tres festivales contribuyeron a vertebrar una escena todavía precaria que tenía ganas de ponerse al día. El resto de Europa enseguida se hizo eco del éxito masivo de FIB y Sónar (con el tiempo Espárrago Rock quedó relegado a una segunda división), y miles de jóvenes de todo el continente empezaron a venir a España motivados por el buen tiempo y la calidad de la oferta musical. Paralelamente a este fenómeno, la escena local había ido consolidándose y ya era capaz de general bandas de referencia como Los Planetas o Sexy Sadie, lo que motivó la creación de toda una red de pequeños y medianos festivales que, nacidos a la sombra de las grandes citas veraniegas, consolidaron la escena nacional y crearon un potente tejido al amparo del cual las bandas locales pudieron ponerse a la altura de las extranjeras. Hoy en día festivales de entre 4 mil y 30 mil asistentes como Sonorama, Low Cost o Primavera Sound, por citar tan sólo unos pocos, se han revelado como citas absolutamente consolidadas que contribuyen a hacer de España uno de los países con mayor número de festivales del mundo.
›› Marc Gili es íder y compositor de la banda originaria de Barcelona, Dorian.
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shuffle Fujiya & Miyagi Sixteen Shades Of Black & Blue Por: Vélez / Foto: Cortesía F&M
P
erdidos en algún extraño limbo entre las densas capas sonoras del kraut y los intensos bajos de la electrónica británica, están Steve Lewis, David Best, Matt Hainsby y Lee Adams, mejor conocidos como Fujiya & Miyagi, quienes llevan un poco más de una década como exploradores de sonoridades agresivas y ritmos ingeniosos. A inicios del 2011 publicaron Ventriloquizzing, una pieza oscura que hipnotiza. WARP MAGAZINE charló con Matt, previo su primera visita a México. En su página tienen unos videos de una película llamada Dead Of Night (1945). ¿De ahí proviene la inspiración para Ventriloquizzing? Esa idea se la debemos a David, nuestro vocalista. Se acordó de haber visto esta película cuando era más joven y tuvo un impacto muy fuerte en él. Un día íbamos en un avión y David nos dijo que tenía esta idea increíble de hacer muñecos de ventrílocuo y que éstos tomaran nuestro lugar en los videos, sesiones de foto, etcétera. ¿Y qué más hay detrás del concepto de Ventriloquizzing?. ¿Tiene algún significado especial para ustedes? La idea detrás de un muñeco de ventrílocuo es que te permite distanciarte de las personas con las que hablas, eso fue lo que David tenía en mente. A mí me gusta pensar que el muñeco es un canal para decir cosas que normalmente
no podrías, puedes hacer algo travieso y salirte con la tuya culpando al muñeco. Este distanciamiento que mencionas también se hace notar en el sonido del disco. ¿Qué hicieron para transformar su sonido? El elemento clave fue dejar atrás la caja de ritmos y tener un baterista en vivo. También hay mucha más guitarra. David siempre la tocó muy limpia, sin distorsión, ni fadero delay. Queríamos que las guitarras sonaran como sintetizadores y que éstos sonaran más como instrumentos reales de cuerda. Como bajista, tocar con un baterista me llena de alegría, nuestro sonido está más completo. La caja de ritmos no deja espacio para equivocaciones y eso se volvió algo aburrido y ahora nos hemos vuelto mejores músicos sin ella. Es prácticamente imposible encontrar una reseña de algún disco de Fujiya & Miyagi que no mencione al kraut como influencia más importante. ¿Qué otros géneros o bandas han influenciado su sonido? ¡Es verdad!, pero desde el inicio, nuestro tecladista Steve Lewis ha estado enamorado del sonido de la disquera Warp con bandas como Aphex Twin. Tenemos gustos musicales muy diferentes, las influencias pueden llegar de todo tipo de lugares, siento que la música que escuchamos cuando componemos es la que más absorbemos y si hubiéramos hecho este mismo disco un año antes o uno después, las canciones serían las mismas, pero el sonido sería diferente.
›› Vélez es estudiante de comunicación y colaborador de Ibero 90.9 FM, así como de otros medios electrónicos / @soyvelez
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playlist
Playlist:
Festivales
2011 Por: Staff WARP
Año con año crece el número de eventos al aire libre cuya temática central es reunir a miles de personas frente a varios escenarios y presentar la mejor música del planeta. En otra época uno sabía que los mejores festivales estaban en Europa y Estados Unidos, hoy estamos conscientes de que cualquier rincón del mundo es lo suficientemente importante como para reunir un line up de primer mundo. Es por eso que WARP MAGAZINE te presenta un playlist con los artistas más representativos de los festivales de 2011.
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‘Burning Bridge’ Foo Fighters
‘The Hellcat Spangled Shalalala’ Arctic Monkeys
‘Punching in a Dream’ The Naked And Famous
‘The Wilhelm Scream’ James Blake
‘Dye the World’ Smith Westerns
This is Hardcore’
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Pulp
07 08 09 10 11
‘Shake Me Down’ Cage The Elephant
‘Forget’ Twin Shadow
‘The Wall’ Yuck
‘Pumped Up Kicks’ Foster The People
‘Baptism’ Crystal Castles
insert SHUFFLE
Feria Internacional de la Música Música Desde Occidente Por: Alejandra Ayala Foto: Cortesía FIM
C
omo parte de las actividades que realiza la Universidad de Guadalajara se encuentra la Feria Internacional de Música, evento que tendrá lugar del 16 al 19 de junio en diferentes recintos de la ciudad tapatía, entre los que se encuentran Expo Guadalajara, el Teatro Diana y el Cine Foro de la Universidad. La FIM tendrá como tema “La música en evolución”, del cual se desprende un abanico de actividades como conciertos, talleres, showcases, mesas de diálogo y negocios, arte y cinematografía. Ana Teresa Ramírez, Directora General de la FIM, en entrevista con WARP MAGAZINE adelantó algunos detalles: ¿Qué artistas podremos ver en la Feria Internacional de la Música? Los conciertos tendrán lugar en el Foro Diana durante los 4 días y
¿Qué otras actividades se esperan en el encuentro? La feria también contará con talleres como Taller de producción de una canción en tiempo real, con Meme de Café Tacvba como productor, así como el Taller para bandas de rock, con algunos productores de la industria musical. También se citarán encuentros profesionales con disqueras independientes, festivales musicales en el país, management y promotores. Asimismo, en la FIM se llevará a cabo un concurso de bandas, en el cual se podrá grabar y producir una canción, a la vez que se tendrá una alianza con iTunes. La convocatoria ya se lanzó a través de la página de internet www.fimguadalajara.mx. Existe también la muestra de documentales que abordan los temas de actualidad. Se llevarán a cabo en el Cine Foro de la Universidad de Guadalajara.
se presentarán artistas como El Personal, Jaime López, Saxx de Maldita Vecindad, Rubén Albarrán y Joselo Rangel de Café Tacvba, Belanova presentando un set acústico, La Gusana Ciega, Los Daniels y bandas invitadas de Colombia y Guadalajara, entre otros. ¿Cuáles serán los temas de debate? El tema principal es la música en evolución y de ahí algunos de los temas que se debatirán en los foros son derecho de autor, cómo vender y comprar en internet, alternativas de negocio en el mundo de la música, música en internet y redes sociales.
¿Cuáles son las expectativas para esta edición de la feria? Es una feria que ha causado gran expectativa y, sobre todo, es una posibilidad de ir creciendo para poder formar una plataforma interesante de discusión de temas que no se han discutido en México, un lugar de encuentro entre profesionales de la música. En lo personal creo que tendremos una muy buena respuesta.
La Universidad de Guadalajara y la FIM te regalan una guitarra acústica, se el primero en escribir a promociones@warp.com.mx con tus datos y adjunta una foto de los últimos cinco ejemplares de WARP.
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blogaggedeon times COLUMNA
GUADALAJARA, HERZOG Y MÁS CINE Por: Sr. Flavio
24-III-2011. Buenos Aires, rumbo a Guadalajara, México. Festival de Cine Internacional. 01:30 horas. Subiendo al avión con Astor Boy. Un mes atrás recibí a través de Tom, mi manager, la invitación para participar como curador y padrino de la sección “Son de Cine” de este importante evento del cine internacional. Vuelo relajado. Astor Boy escucha Sublime en su IPod la mayor parte del vuelo. Yo, leo a Rollins. Duermo de a ratos. 25-III-2011. Guadalajara, México. Nos recibe Enrique, un importante periodista de rock y cultura de México. Curadores en ediciones anteriores de este foro del festival fueron Manu Chao, Andrea Echeverri de Aterciopelados, Joselo de Tacvba. Esta vez me toca a mí. Me pidieron que proponga películas y documentales de rock para proyectar. Traigo conmigo dos cortometrajes, uno de Boom Boom Kid, otro de Fun People de gira por el Japón. También tengo conmigo Todoterreno, largometraje de Kapanga. Tuve la suerte de estar invitado a participar en un papel de la película. También actúan Lorio, Pablito Lescano, y otros más. Los Kapanga se pasan actuando. Mucho talento histriónico. Sugerí a la producción otros filmes documentales, Control, Ian Curtis y Joy Division, y Out Of Time de la Mano Negra. Todo será proyectado en este foro que se llama “Son de Cine” del festival de Cine Internacional de Guadalajara. El día comienza con una serie de entrevistas en radios y en medios gráficos de la ciudad. Siempre me gusta dar entrevistas en México, en general me gusta lo que preguntan, pocas veces me he cruzado con nabos que no entienden una. Aparte de hablar del festival de cine, estoy promocionando Nueva Ola, mi próximo disco solista, y también mi nuevo libro que estamos por publicar con una editorial mexicana. Las Crónicas del León, el diario personal de la gira LFC 2008-09. Astor Boy me acompaña a todas las entrevistas. Ya tiene 13 años, se escapó unos días del colegio para tocar la batería junto a su papá. Siento que somos un dúo modestamente formidable. No es por presumir, es la sangre que nos funde, hecha canción, creo que eso se siente, brota desde el escenario hacia afuera. Se me ocurre decir en las entrevistas que tocaremos juntos, guitarra, voz y batería, en un íntimo-power-íntimo. 20:30 horas. Llegamos al Teatro en donde se celebra la iniciación del Festival. Función de Gala sin estar vestidos de
gala la mayoría. El teatro es adonde tocamos con Los Cadillacs en la última gira. Enorme sala. Entramos por la alfombra roja. Ya estaba pautado. Me hacen unas preguntas para un medio de televisión. Pienso que por este lugar de ingreso al enorme estadio cerrado entró la gente para ver a LFC. Esta vez estoy de este lado. Cuando vinimos a tocar jamás pasé por la puerta de adelante. Esta vez sí. Nos ubican en las butacas correspondientes. Estamos Tom, Astor y yo. Mucha gente del Cine Mexicano. Homenajean a Werner Herzog, antes me lo cruzo a unos pocos metros de distancia: wow. Pienso en Nosferatu, sinfonía del terror. Me acuerdo de mis amigos en Baires, algunos admiradores del cine del alemán, Aguirre, La Ira De Dios. Herzog hablando en el escenario, wow otra vez. Pienso: “qué loco que soy parte de este evento”. 26-III-2011. Guadalajara, México. En el hotel. Hablando con Tommy de mi nuevo disco Nueva Ola. Ya tengo ganas de grabar otro. Mucha ansiedad. Me gustaría grabar un disco en dub, una obra conceptual. Pregunto por qué tenemos que esperar hasta el lunes para tocar si es sábado. Tenemos ganas de tocar en algún lugar de sorpresa. Al rato Enrique consigue un bar para tocar. Lo mejor de esta mini banda de tanta sangre es que prescindimos de altos requerimientos de producción para tocar, con lo mínimo indispensable ya salimos, padre e hijo, guitarra eléctrica, voz, batería, amor, canciones. El arte es amor, dice un amigo. 21: 30 horas. En el bar esperando para tocar. Astor Boy tiene algo de sueño. La diferencia horaria entre Buenos Aires y Guadalajara le esta pesando. 22:30 horas. Subimos al escenario. Arrancamos con ‘El Regalo’. Me gusta tocar esta canción por primera vez. Me agrada estrenar canciones nuevas, es una sensación similar a cuando te comprás un instrumento y lo sacás del estuche por primera vez, único. Lo mismo dice mi otro hijo Jay que le pasa con una tabla de skate recién armada… La crónica del Sr. Flavio continúa en warp.la/editoriales a partir del próximo 23 de mayo.
›› Sr. Flavio es bajista y miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs, músico, productor y escritor, su más reciente novela se titula The Dead Latinos.
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insert SHUFFLE
Interpol Nowhere To Say Por: Paco Sierra Foto: Cortesía Interpol
P
aul Banks, Sam Fogarino y Daniel Kessler llevan un largo recorrido en la industria musical, gracias a un gran esfuerzo y trabajo, hoy se reconoce a Interpol en todas partes del mundo. Con cuatro álbumes producidos y una inmensa y productiva gira, WARP MAGAZINE pudo platicar con Sam Fogarino antes de su visita México, a continuación las palabras del baterista de la banda. ¿Qué experiencias les ha dejado esta gira? Va, muy bien. Algunos festivales como Coachella pero sinceramente prefiero no estar como headliner, aunque los disfrutamos por igual.
Vamos a la mitad del 2011 ¿Qué sigue para Interpol este año? Terminaremos la gira en septiembre, después nos tomaremos un descanso. Nuestro último álbum ha tenido larga vida, trabajamos en el desde el 2009 y lo seguimos tocando. Luego nos juntaremos para seguir con algo nuevo. ¿Que experiencias te ha dejado pertenecer a Interpol? Estoy convencido que lo mejor que ha vivido la banda es este momento. Me encantan nuestros primeros álbumes aunque se sienten como si los hubiéramos hecho ayer, pero ya quedó ahí, en el ayer.
¿Cómo ha sido la evolución de Interpol a través de los años? Es algo difícil de señalar desde mi perspectiva, no siento que haya pasado mucho tiempo, parece que fue ayer cuando comenzamos. Pero al escuchar nuestra música si siento que hay una progresión. Creo que hay un crecimiento reflejado en lo que hacemos.
Se han involucrado mucho en la parte visual ¿Qué tan importante es para ustedes? Es una extensión de lo que hacemos, es muy importante, desde un video clip hasta el arte del álbum. Con The Creators Project ha tenido mucho sentido lo que hemos hecho, ya que cubren todas nuestras expectativas.
Tienen un sonido que los identifica ¿Podrían experimentar con algún sonido radical? Espero que sí, es un proceso de colaboración. No depende de una sola persona. A mi me han inspirado bandas que hacen lo que quieren hacer en el momento, como The Clash y que mantienen cierta esencia en todo lo que hacen.
¿Qué se siente regresar a México? No nos tienen que preguntar dos veces (risas). Es un gran lugar para ir, la respuesta que recibimos de la gente es impresionante. Es un bello lugar. Me encanta ir de vacaciones también, siempre descubro cosas nuevas, mucha historia y cultura.
›› Paco Sierra es Editor en Jefe de WARP.LA y Asistente Editorial de WARP MAGAZINE.
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rock fiction COLUMNA
SAFE AS MILK Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak
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uentan que, una noche de tornado, desencordó su guitarra y ahorcó al gato; luego tomó un six con cuatro latas de Budweiser y se fue al desierto de Mojave, bajo la luna, en busca de la danza del crótalo. Se enfiló al Norte, sobre la carretera y, cuando pensó que había andado lo suficiente, viró a la derecha, rumbo a la cordillera de Tehachapi. Abrió la primera lata y le dio un trago. Se especula sobre su mala brújula —dicen que fue el tornado—, y es que en realidad iba rumbo a San Gabriel, adentrándose en el Valle de la Muerte. Cuando se acordó, buscó sus cigarros en la bolsa de su chamarra de mezclilla: —Mierda… Los cigarros no estaban. La resaca del tornado acercó una solitaria planta rodadora que, en su intento de esparcir su semilla por el desierto, chocó en su pierna izquierda, siguiendo de largo rumbo al Sur. —¡Señora! —le gritó— ¡Señora! ¿Sabe en dónde encuentro al crótalo? —y correteó a la señora planta rodadora por una milla entera, llamándole, pero la señora planta rodadora nunca respondió. Ciertamente sofocado, abrió la segunda lata de Budweiser; estaba fría; y es que la madrugada del Mojave, como todas, era helada. Le dio un buen trago a la cerveza, quizá hasta la mitad, y se abotonó la chamarra hasta el cuello. Una brisa salina, extrañamente tibia, lo hizo virar a su izquierda, algo torpe, y fue que el crótalo, enorme, sonando su cascabel, se enroscó frente a él y amartilló sus colmillos.
La cerveza cayó de su mano y, cuando la oscuridad le ardió en el tobillo, miró la luna. Siguió unos cuantos pasos, ya sin rumbo, hasta que encontró el árbol de Joshua más hermoso del mundo; se recargó en él, destapó la tercera lata y bebió a sorbos. —Hasta mañana… Quedó allí, inerte, hasta que sintió los besos de una lengua húmeda; y no fue lo húmedo, sino lo áspero, lo que lo despertó: ya era medio día y su gato tenía hambre. Retiró al animal de un manazo y se levantó; tenía la chamarra abotonada hasta el cuello. Tres latas vacías y una todavía adherida al hule del six, yacían a sus pies. Recargado en el árbol de su jardín, se levantó algo torcido y orinó una larga meada dorada. Caminó a la casa, derecho, pero la cuerda anudada a su cintura, esa que inexorablemente lo unía al árbol, lo sentó de nuevo en el suelo de un jalón. Cuentan que, por años, durante las noches de tornado, soñó que desencordaba su guitarra y ahorcaba al gato: condición litúrgica para encontrar la danza del crótalo. El ermitaño confesaría, poco antes de morir, que el silencio perturbaba su sueño.
Safe As Milk Captain Beefheart And His Magic Band Buddha Records (BMG) 1967
›› Adolfo Vergara Trujillo es escritor y especialista en Literatura Mexicana, autor de los libros de relatos Freak Y Otros Tormentos y Absolut Punch.
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Cut Copy Through the Zonoscope Por: Clarissa V. Foto: CC
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apaces de hacer bailar a quien sea sin importar el lugar en el que se presenten, los australianos regresan a la escena con una digna placa sucesora del exitosísimo In Ghost Colours. Dan Whitford (vocalista) platicó con WARP MAGAZINE respecto a los pormenores de Zonoscope. Actualmente los artistas están reduciendo el tiempo de lanzamientos entre nuevas producciones discográficas. A Cut Copy le toma 3 ó 4 años. Aunque nos gustaría que nos tomara menos tiempo, siempre hay retrasos en el camino. Zonoscope pudo haber salido mucho más rápido, pero estuvimos mucho tiempo de gira con In Ghost Colours porque su lanzamiento no fue simultáneo en todo el mundo. Hemos mejorado nuestra planeación y calendarios para que con este nuevo disco no nos suceda lo mismo y que se edite casi al mismo tiempo en todos los países. ¿Cómo cambiaron las influencias musicales entre In Ghost Colours y esta nueva producción? Creo que este álbum definitivamente refleja algunas de las cosas nuevas que nos han influenciado, como percusiones africanas y álbumes de los años setenta y ochenta como Talking Heads, Fleetwood Mac y Malcolm Mclaren, específicamente. Creo que Bowie fue una verdadera inspiración para nosotros, como un modelo a seguir en cuanto a las reinvenciones que él ha tenido a lo largo de su carrera. ¿En qué fue diferente el proceso de grabación de Zonoscope? Cuando comenzamos a hablar sobre el nuevo álbum, concluimos que nos gustaría contar con un espacio propio para
grabarlo y producirlo. Con la ayuda de nuestra disquera encontramos una bodega abandonada en Melbourne. Decidimos montar ahí nuestros instrumentos como un lugar de ensayo e improvisación en vivo. Después de algún tiempo nos dimos cuenta de que nos estaba gustando mucho lo que estábamos logrando con estas sesiones de improvisación; así que decidimos quedarnos, conseguir equipo para grabar el álbum y hacerlo todo en esa misma bodega abandonada. En este nuevo álbum podemos escuchar que sobresalen más los ritmos tribales. ¿Es algo previamente pensado o que surgió durante esas sesiones de improvisación? Es el resultado de nuestra atención a las percusiones. Creo que la actitud de este álbum era concentrarse en los elementos rítmicos de cada canción como punto de partida para la misma. La gran mayoría de las percusiones en Zonoscope son acústicas y todos nos involucramos con ellas. El “sonido espacial” es definitivamente una presencia natural en el álbum, ya que la amplitud de la bodega provocaba que la reverberación se construyera por sí sola. Incluso tuvimos que construir un cuarto aislado para poder procesar el sonido que necesitábamos sin reverb. ¿Cómo transformó Zonoscope a Cut Copy en vivo? Implicó la inclusión de muchos más instrumentos en el escenario, nuevos sintetizadores y por supuesto una gran cantidad de percusiones. Hemos tenido la suerte de llegar a nuevas ideas y hacer que funcionen, así como colaborar con escenógrafos y videoastas increíbles. No puedo adelantar nada más. Prefiero que quienes vayan a nuestro concierto en México se lleven una sorpresa. 029
the beautiful ones project COLUMNA
ADIÓS POLY STYRENE Por: Anna Stephens / @Stphns / Foto: Fabrizio Rainone
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l pasado 25 de abril se informó del lamentable fallecimiento de Marianne Elliott-Said, mejor conocida como Poly Styrene. La ex vocalista de X-Ray Spex murió a los 53 años de edad, víctima de cáncer de mama. El legado de Poly es poco conocido y reconocido dentro de la historia musical. Su aportación como una de las primeras riot grrrls y pionera del punk queda inadvertida a favor de actos más populares y escandalosos como Sex Pistols. Poly integró a X-Ray Spex en 1976. X-Ray Spex no fue una banda arquetipo del punk de aquellos días. La inclusión de un saxofón como instrumento distintivo y tener como líder a una mujer, lograron el reconocimiento al quinteto originario de Londres, dentro del movimiento punk. La vocalista entendió al punk no como un movimiento de moda, en el cual era necesario usar pantalones de mezclilla rotos, vestir de colores oscuros, usar chamarras de piel o peinarse con mohawks. A diferencia de otras líderes y vocalistas del género musical, Poly Styrene no explotó su sensualidad ni belleza femenina para llamar la atención del público. Cuando a Styrene se le preguntaba respecto a su imagen, respondía que para ella “el punk era una forma de expresión individual y que no le interesaba seguir la moda o vestirse como los demás, ya que perdería su identidad al
convertirse en el eco de alguien más.” Arriba del escenario, su comportamiento fue el de alguien que únicamente le interesaba subir a cantar con su banda sin hacer mayores aspavientos. La propuesta de X-Ray Spex siempre apeló al anticonsumismo, aunque encontró también cabida en el individualismo del movimiento punk de aquel entonces. Los londinenses editaron dos álbumes a lo largo de toda su (inestable) carrera: Germ Free Adolescents (1978) y Conscious Consumer (1995). Germ Free... es considerado como uno de los pilares musicales del punk y de la música británica en general. Con la promoción del disco, llegaría la desintegración del grupo. El cansancio y el diagnóstico de esquizofrenia, hizo que Poly se retirara de la música por un tiempo. Para 1980 Poly grabó Translucence, su primer disco solista. Una propuesta innovadora, alejada por completo del punk que hacía con su banda. Bajo esta misma línea, en 2004 presentó Flower Aeroplane. El 28 de marzo pasado, Poly sacó a la venta su tercera producción discográfica: Generation Indigo. El legado de Poly Styrene continuará influyendo a la música infinitamente. La fuerza e ideología de Marianne Elliott-Said nos recordará por siempre que el punk vive en cada uno de nosotros, más allá de las etiquetas sociales.
›› Anna Stephens es locutora de Ibero 90.9 desde hace 6 años y actualmente es también Directora de Contenidos de WARP.
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calendario SHUFFLE
junio 2011 2
Cut Copy Six Flags México, DF
6
Blackfield Teatro Metropólitan México, DF
9-12 3
The Green Hornes Pasagüero México, DF
STRFKR Bar Caradura México, DF
The Sword José Cuervo Salón México, DF
Soul Asylum Teatro Caupolicán Chile, Sant.
Music & Arts Festival Bonnaroo Great Stage Park Estados Unidos, TN
10, 11 y 12 Isle Of Wight Festival Isla de Wight Inglaterra, IOW
10
Belanova Sessions Lunario del Auditorio Nacional México, DF
Minus the Bear José Cuervo Salón México, DF
3y4
Los Daniels Lunario del Auditorio Nacional México, DF
4
Los Bunkers Teatro Metropólitan México, DF Festival Urbano José Cuervo Salón México, DF
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19
Zoé Auditorio Telmex Guadalajara, JAL
21
Slayer Palacio de los Deportes México, DF
22 - 26
Glastonbury Festival Of Contemporary Performing Arts Worthy Farm Inglaterra, SOM
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DLD José Cuervo Salón México, DF
25
Adanowsky Lunario del Auditorio Nacional México, DF
11
Friendly Fires Six Flags México, DF
18
Enjambre Teatro Metropólitan México, DF
28
Interpol Palacio de los Deportes México, DF The Gathering Teatro Caupolicán Chile, Sant.
gigs
Vive Latino
Caifanes Foro Sol Ciudad de México 8, 9 y 10 de abril Foto: Rubén Márquez
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Brandon Flowers José Cuervo Salón Ciudad de México 11 de abril Foto: Ocesa Para leer la reseña de este concierto visita warp.la/gigs
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gigs
The Chemical Brothers Foro Corona Ciudad de México 11 de abril Foto: José Jorge Carreón Para leer la reseña de este concierto visita warp.la/gigs
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gigs
Deftones Palacio de los Deportes Ciudad de MĂŠxico 11 de abril Foto: Ocesa
Para leer la reseĂąa de este concierto visita warp.la/gigs
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DESTACADO
Lo mejor de ver a una banda en vivo es que no importa cuantas veces estés parado frente a su escenario, siempre te podrá sorprender con una actuación diferente, que ya sea por la producción, el clima o simplemente por el hecho de compartir el momento con alguien especial, queda marcado en tu memoria para siempre. Si multiplicamos esta experiencia por cincuenta (o más) y le añadimos la adrenalina y la euforia contagiosa de miles de personas hambrientas de música, entonces nos acercaremos a la descripción perfecta de lo que entendemos por Festival.
Estamos en la época del año en la que las grandes extensiones de pasto y tierra dejaran de ser un parque, un estadio o una granja, para albergar a algunas de las bandas más solicitadas del año y calmar la sed sonora de todo aquel que este en los alrededores, estamos en época de Festivales. WARP MAGAZINE te presenta la información que no te debe faltar si planeas ser parte de cualquiera de estos acontecimientos masivos, el trasfondo histórico y los datos que los han convertido en un hecho mediático, la exhaustiva cobertura de Coachella 2011 y entrevistas exclusivas con los protagonistas de la música al aire libre de este verano. Para rematar, la crónica detrás de la organización de un evento de tales magnitudes en viva voz de sus creadores. Preparen las gafas, el bloquedor y la ropa ligera, nos vamos de Festival.
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Coachella 2011 Por: Anna Stephens / Fotos: Carolina Castillo
La cobertura de Coachella 2011 es presentada por:
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Open Air Music DESTACADO
El Empire Polo Club en Indio, California, fue escenario, por décimo segundo año, de uno de los festivales más esperados del mundo: Coachella. Como cada edición, Coachella no sólo ofreció lo más popular, sino también el talento que apenas comienza a hacerse de un nombre y que busca mayor reconocimiento internacional. Coachella 2011 contó con dos escenarios grandes –Coachella Stage y Outdoor Theatre–, dos carpas medianas –Sahara y Mojave–, una carpa pequeña –Gobi– y un domo –Oasis Dome–, que albergaron a 190 artistas del cartel oficial. Mientras que el Heineken Dome ofreció un cartel de aproximadamente 15 artistas, entre ellos Toy Selectah y Dirty Vegas.
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Open Air Music DESTACADO
Cee Lo Green
VIERNES 15 DE ABRIL DE 2011 Después de una exitosa presentación en la Ciudad de México, los australianos de Tame Impala ofrecieron una impactante presentación, al mismo tiempo que tocaban Ms. Lauryn Hill, Ariel Pink’s Haunted Graffiti, The Pains of Being Pure At Heart y A-Trak en el resto de los escenarios. Cee Lo subió al escenario 20 minutos después de lo previsto debido al retraso de su vuelo. Por esto ofreció una rápida actuación que dejó rostros de desilusión entre los presentes. Intentó revivir la energía del público con ‘Fuck You’ en el Coachella Stage, para después despedirse con un cover de ‘Don’t Stop Believin’ de Journey. El anuncio, a través de Matador Records, del show multimedia dirigido por David Lynch para hacer una “yuxtaposición de lo visto con lo no visto que convertirá al observador en el observado” causó gran conmoción entre los asistentes al festival. Como parte del concierto de Interpol se estrenó una animación de Lynch titulada I Touch A Red Button Man con la canción ‘Lights’. Los neoyorquinos comenzaron su presentación en el Coachella Stage con ‘Success’ para seguir después con ‘Slow Hands’, ‘Narc’, ‘Barricade’ e ‘Evil’. Una enorme cantidad de gente esperaba a The Black Keys en el escenario principal. El dueto interpretó una buena selección de todas sus producciones ante un público que no dejaba de corear casi todas las canciones. Kings of Leon arrancaron su presentación con ‘Closer’ para continuar con ‘Crawl’ y ‘Taper Jean Girl’, tema incluido en Aha Shake Heartbreak y con el cual la gente no paró de brincar y corear. Caleb Followil anunció que tocarían más canciones viejas y menos del nuevo álbum. ‘Mi Amigo’, ‘Back Down South’, ‘Fans’, ‘The Inmortal’, ‘Four Kicks’ y
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‘On Call’ se escucharon. Finalmente se despidieron entre fuego y pirotecnia con ‘Black Thumbnail’. En el Outdoor Stage, Caifanes inició su presentación con ‘Amanece’, después vinieron ‘Mátenme Porque Me Muero’, ‘Nubes’, ‘Detrás De Ti’ y ‘Dioses Ocultos’. Saúl Hernández dedicó ‘Antes De Que Nos Olviden’ a todos los paisanos que cruzan la frontera y son asesinados o maltratados. “Ningún ser humano es ilegal. Recordemos que no cruzamos una frontera, sino que la frontera nos cruzó a nosotros”, dijo durante su presentación. Con un excelente audio, la banda continuó con ‘La Célula Que Explota’, ‘Afuera’ y se despidieron con ‘No Dejes Que’. Sin duda, una presentación impecable que no sufrió de la mala calidad de sonido que se escuchó en el Vive Latino una semana anterior. Una actuación memorable para todo el público latinoamericano que coreó todas sus canciones. The Chemical Brothers fueron los encargados de cerrar las actividades del primer día ante un Coachella Stage completamente abarrotado y que no dejó de bailar en ningún momento. Los Chemical ofrecieron algunas variantes de producción visual en comparación con sus conciertos días antes en la capital mexicana. Sin duda, un contundente y espectacular cierre.
SÁBADO 16 DE ABRIL DE 2011 Durante el sábado Coachella vivió uno de sus días de mayor relevancia e intensidad debido al nivel de artistas presentes y a los complicados horarios. Latinoamérica estuvo presente con Bomba Estéreo, banda originaria de Colombia, quienes pusieron a bailar a todos en el Coachella Stage con su mezcla de ritmos electrónicos y rap, que los ha diferenciado en la escena musical de su país y que los ha colocado como una de las bandas más importantes para la región, gracias a su constancia y presencia
Open Air Music DESTACADO
The Black Keys
Caifanes
en eventos de reconocimiento internacional como Lollapalooza Chile, Vive Latino y el escenario principal de Coachella. Ante una pequeña audiencia, Don Letts ofreció un excelente set con lo más selecto del reggae, el dubstep y versiones en estos géneros de artistas como Gorillaz y Coldplay. Mantuvo a los presentes cautivos en el domo. En la carpa Mojave, una pequeña cantidad de personas se reunían en espera de ver a Elbow. El lugar fue llenándose poco a poco, mientras los oriundos de Manchester presentaban su set. A pesar de esto, el público demostró ser gran conocedor de los británicos y corearon todas las canciones que el grupo interpretó. Material nuevo del Build A Rocket Boys! se dejó escuchar. Al final, después de haber escuchado ‘Grounds For Divorce’, Guy Garvey y compañía se despidieron con ‘One Day Like This’, tras una estupenda pero –sobretodo– emotiva presentación. Llegó el momento para Alison Mosshart y Jaime Hince en el Outdoor Theatre que se encontraba con lleno total. The Kills interpretó ‘Future Starts Slow’, ‘DNA’ y ‘Baby Says’. Mientras tanto, One Day As A Lion, el reciente proyecto de Zack De La Rocha junto al ex baterista de Mars Volta, se presentaba en la carpa Mojave, interpretando ‘If You Fear Dying’, corte que fue el primer sencillo del disco homónimo de este trío. En ese momento no hicieron falta las guitarras para reproducir los riffs y distorsiones con sintetizador que los ha caracterizado; sin embargo, fue claro que de haber tenido mejor audio hubiera sido mucho mejor. Por su parte, en el Coachella Stage, Mumford & Sons iniciaron su más grande presentación (de acuerdo a sus propias palabras), en donde interpretaron ‘Awake My Soul’ y ‘Roll Away Your Stone’, para cerrar su acto con ‘The Cave’. Animal Collective en el Coachella Stage reunió a un buen
número de seguidores que se mantenían atentos a los audiovisuales que trajeron para esta ocasión. Los originarios de Baltimore contagiaron a todos con su música en un show indescriptible. Su propuesta visual incluyó cubos luminosos y figuras psicodélicas repletas de color. Suede se reencontró con el público norteamericano después de más de 10 años de ausencia en sus escenarios. La carpa Mojave lucía a medio llenar, lo cual dio una gran intimidad y fuerza a la actuación de los británicos. Entre las piezas interpretadas estuvieron ‘Trash’, ‘So Young’, ‘Metal Mickey’, ‘Can’t Get Enough’, ‘Drowners’ y cerraron con ‘Beautiful Ones’. Llegó el momento, en el escenario principal, de ser testigos de la gran producción de Arcade Fire, cargada de efectos audiovisuales y producción escenográfica que contrastó con la escueta producción que tuvieron la primera vez que se presentaron en Coachella. Su actuación incluyó temas como ‘Rebellion (Lies)’, ‘City With No Children’ y ‘The Suburbs’, además de ‘Crown Of Love’, ‘Rococo’ e ‘Intervention’. Mientras la noche avanzaba, la música no dejaba de sonar, pues aún quedaban por escuchar canciones como ‘We Used To Wait’ y ‘Keep The Car Running’. El clímax de la noche llegó con ‘Wake Up’, momento en el que, desde la parte de arriba del escenario, una grúa con una enorme caja negra, liberó hacia el público decenas de enormes globos blancos que se iluminaban por dentro de distintos colores y al unísono de la canción. Aunque parecía el final, Arcade Fire, regresó al escenario para interpretar ‘Ready To Start’ y ‘Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)’, con la cual terminaron su presentación ante un Coachella extasiado de la energía de los canadienses.
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Open Air Music DESTACADO
The Kills
The National
The Strokes
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Arcade Fire
Open Air Music DESTACADO
Kanye West
DOMINGO 17 DE ABRIL DE 2011 Tercer y último día de Coachella 2011. El ambiente que se vivió en el Empire Polo Field no fue de tristeza, sino de gran celebración que se reflejaba en el rostro y actitud de los asistentes. El día comenzó con la desafortunada noticia de que Los Bunkers se vieron forzados a cancelar su presentación, debido a que no les fueron entregadas visas de trabajo por parte del gobierno estadounidense. Los chilenos estaban programados para iniciar las actividades del escenario principal de Coachella al medio día. Lo que se auguraba como una ratificación del desarrollo y expansión del rock latinoamericano en Estados Unidos, terminó por ser opacado por decisiones diplomáticas inexplicables. The National subió al Outdoor con la mayor confianza que los años de anonimato como banda pueden otorgar, a pesar de que el volumen del Coachella Stage, donde tocaba Duran Duran, se entrometía en su presentación. Chromeo transformó el Outdoor Stage en una gran fiesta funky. El dueto declaró que fue la mejor audiencia con la que se han topado en su historia. Después tocó el turno a PJ Harvey de presentarse por primera vez en Coachella y lo hizo clausurando el Outdoor Stage y reconociendo al mismo tiempo ese sentimiento de fiesta que se sintió a lo largo del último día de actividades del festival. She Wants Revenge y The Presets hicieron lo propio en la carpa Gobi y la Mojave respectivamente. Uno de los pocos casos de éxito británico en Estados Unidos, Duran Duran, reclamó el territorio conquistado en la década de los ochenta con una propuesta audiovisual y producción escenográfica modesta (en comparación con lo que hizo Animal Collective o Empire of the Sun la noche del sábado), pero con una calidad de audio impecable. Canciones como ‘Rio’, ‘Girls On Film’ y ‘All You Need Is Now’ de su más reciente producción, fueron co-
readas a la perfección por los presentes. Destacó la presencia de Ana Matronic (Scissor Sisters) en el escenario para cantar ‘Safe’ con Simon LeBon. The Strokes, los neoyorquinos liderados por Julian Casablancas, ofrecieron un concierto con mucha potencia interpretativa, pero con evidente desinterés por lo que hacían. Eso sí, el malestar y reclamo de su vocalista por escoger a Kanye West para cerrar Coachella 2011, fue evidente. La nula comunicación entre sus integrantes, el protagonismo de Casablancas y la abrupta salida del escenario del grupo, demostró que aunque los Strokes gozan de popularidad y reconocimiento gracias a su regreso con Angles, la banda atraviesa por un mal momento. Con rapidez técnicos del festival y staff de Kanye West transformaron el Coachella Stage para que un grupo de bailarinas salieran al escenario con ‘H.A.M.’. El egocéntrico rapero apareció de entre la multitud en una grúa que lo elevaba mientras cantaba ‘Dark Fantasy’. La pirotecnia llegó con Kanye en el escenario para interpretar la segunda canción, ‘Power’. El oriundo de Chicago contó con la colaboración en el escenario de Bon Iver para interpretar tres canciones, y con Pusha T para ‘Runaway’. West continuó interpretando una buena selección de composiciones de todos sus álbumes y después de más de 20 canciones se despidió con ‘Hey Mama’. Lo que ofreció Kanye West en el Coachella Stage disipó las dudas respecto a ser él quien clausuraba el festival. La cobertura de Coachella 2011 fue presentada por:
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Open Air Music DESTACADO
Glasvegas A gal & three Scots
Por: Pamela Carrillo B. / Fotos: PIP
Si el disco (homónimo) de Glasvegas capturaba las problemáticas ajenas a la banda de Glasgow, como lo hicieron con ‘Flower y Football Tops’, canción escrita sobre el suceso real de una madre que pierde a su hijo al morir apuñalado trece veces, cubierto en gasolina y prendido en llamas frente a un estadio de fútbol, o ‘Geraldine’, la mujer que dejó su trabajo en el servicio social para seguir a la banda y ayudarlos a vender sus souvenirs; Ahora EUPHORIC /// HEARTBREAK \\\ parece reunir sentimientos encontrados por la banda en la playa californiana, en tan sólo cinco meses. ›› Pamela Carrillo es Editora de GUARP.LA, puedes leer su entrevista con Yelle en WARP MAGAZINE 36.
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James decidió mudarse (y llevarse consigo a toda
la banda) a una casa multi-millonaria en Santa Mónica, porque se sentía en casa cuando tocaba en Los Angeles. Él describe que esto pudo haber sido inducido porque creció con las películas de The Karate Kid y Teen Wolf, y le causaba mucha gracia estar en el mismo lugar donde se desarrollaron aquellas cintas. Al parecer, el lugar más conocido por el glamour y la fama no jugó mucho con sus sentimientos e hizo que apreciara las caminatas sobre la arena, las cuales lo llevaron a escribir las once canciones de este nuevo álbum. Mientras los escoceses vivían por allá, la historia cuenta que ya habían inundado la casa (dos veces) por dejar prendido el jacuzzi y que cada vez que había un atardecer, James se volteaba con Rab y le decía “mira ese hermoso atardecer y habrá otro mañana” y Rab le contestaría “sí, pero no será ese atardecer.” Parece ser que cada país que han visitado para escribir las letras de sus canciones libera un cierto recuerdo que no pudieron generar en Glasgow. Ellos no hubieran podido escribir este disco sin la presencia del mar y los atardeceres, ni tampoco hubieran podido hacer el EP de Navidad A Snowflake Fell (And It Fell Like A Kiss) sin Transilvania. EUPHORIC /// HEARTBREAK \\\ no agrega más tamborazos o guitarrazos como se esperaría. El álbum fue inspirado “sonidos distintos cual Blade Runner”, y contó con un toque de “vocales estimulados por los Righteous Brothers”. La producción corrió a cargo del mismísimo
Flood (Nine Inch Nails, The Jesus And Mary Chain, The Smashing Pumpkins) ya que Rad (el guitarrista de Glasvegas) pidió específicamente por él después de escuchar una y otra vez el disco de Songs Of Faith And Devotion de Depeche Mode. Después de 3 años, Glasvegas regresa con un nuevo disco y una nueva integrante llamada Jonna Löfgren (en sustitución de Caroline McKay, quien no quiso pertenecer a una banda con tanta atención mediática y tantos tours mundiales). El 14 de diciembre, Glasvegas anunció que la sueca tomaría el puesto de Caroline. James describió a Jonna como “un caballo negro que los toma por sorpresa” y Rab no pudo pedir por alguien mejor. Afuera del edifico de la BBC en Londres, Jonna compartió unos minutos con WARP MAGAZINE, a continuación lo platicado con la baterista de la banda: Si existe un lugar que ama a Glasvegas, es el tuyo. Es más, Rab (el guitarrista de la banda) quiso que la nueva baterista proviniera de Suecia. ¿Cómo se siente llenar estos zapatos? Se siente muy bien, como puedes imaginarte. Aunque realmente no conozco la locura de mi país hacia Glasvegas, todavía no me ha tocado esa experiencia, pero cuando voy a casa sí me siento en otro mundo al cual no estaba acostumbrada. No he tenido mucha oportunidad de ir para allá porque me mudé a Glasgow y hemos estado en tour pero recuerdo que en febrero, cuando estaba en Suecia, escuché por primera vez (desde que entre a la banda) ‘Euphoria’ en la radio y fue una experiencia muy agradable. Me estoy divirtiendo mucho.
ESTE VERANO ENCUÉNTRALOS EN: RockNess 2011 - 12 de Junio / Hurricane Festival - 17 de Junio / Southside Festival - 18 de Junio / Día de la Música 2011 - 19 de Junio Glastonbury Festival 2011 - 25 de Junio / Where The Action Is Festival - 28 de Junio / Itunes Festival 2011 - 10 de Julio / Latitude Festival 2011 - 17 de Julio / V Festival 2011 - 21 de Agosto
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Open Air Music DESTACADO
“Nos gusta crear un disco en donde cada quien puede sacar sus propias conclusiones y opiniones.” - Jonna Löfgren
¿Y cuál ha sido el cambio más brusco al pertenecer a una banda de tres escoceses? Yo creo que fue el acoplarse. Me mudé a Glasgow, me estaba acostumbrando a cómo toca la banda. El principio siempre es difícil pero creo que al final nos sentó bien. Ya me empecé a llevar con ellos, a conocerlos y divertirnos. De hecho, al principio ellos me querían cuidar y checar que todo estuviera bien, pero poco a poco se les está quitando. Ya me siento parte de la banda.
Glasvegas ha sido el telonero de bandas como Kings of Leon, U2 y Oasis. ¿Con qué bandas les gustaría compartir el escenario? Hemos intentado conseguir una banda llamada Beach House porque los chicos los escuchaban mucho cuando estaban en Santa Monica y cuando entré a la banda, mis compañeros me mostraron su música y me encantó, entonces hasta ahora podrían ser ellos. ¿Cuál ha sido el lugar más raro en el que han escuchado su música? Es una historia muy chistosa que me contó James porque todavía no estaba en la banda, en ese entonces. Pero James tenía un departamento en el centro de Glasgow, en el séptimo piso. Era un viernes por la noche y, como a las tres de la mañana, James escuchó cómo un borracho estaba cantando ‘Daddy´s Gone’ en medio de la calle porque tenía la ventana abierta. No podía creer lo que estaba pasando… un borracho estaba cantando un viernes en la madrugada su canción, afuera de su departamento y el borracho no tenía idea.
¿Qué fue lo que te sorprendió al conocerlos? Que eran y son muy lindos. ¿Cuál es la historia detrás de la portada del álbum, EUPHORIC /// HEARTBREAK \\\? James está parado en un cuarto desordenado, viendo hacia una cortina con una chica proyectada en ella. La chica es Marilyn Monroe cuando está en la playa de Santa Mónica, porque los chicos estaban ahí haciendo el demo para este álbum, se fueron cinco meses y querían darle énfasis al lugar donde se habían inspirado. En este álbum siento que hablan mucho del proceso de recuperación después de un momento difícil. ¿Por qué hicieron esto cuándo normalmente en un disco de shoegazing se presenta temas opuestos a los que están manejando? No sé, nunca lo pesamos así. Nos gusta crear un disco en donde cada quien puede sacar sus propias conclusiones y opiniones, sólo entonces las canciones se pueden defender por sí mismas y tienen muchos usos, dependiendo de quien lo escuche. No importa el significado, si a ti se te hace útil. Cada opinión cuenta para nosotros. El pasado álbum hablaba de los problemas ajenos y este habla más sobre los sentimientos internos, ¿Qué podríamos esperar para el próximo disco? Pues nunca sabes [risas]. Hemos estado trabajando en canciones y en la música pero no tengo idea para cuando estará listo un tercer disco.
El shoegazing fue nombrado así porque los críticos estaban cansados de que los artistas vieran sus zapatos al tocar. ¿Tú te puedes identificar con esto? Lo que pasa conmigo es algo un poco difícil de explicar. Veo un punto fijo y sé dónde estoy pero al mismo tiempo no siento que estoy ahí [risas]. ¿No sé sí me explico? También me gusta ver cómo reacciona el público porque tenemos fans increíbles y también a veces me gusta ver cómo va la banda, me fijo un poco en todo. Solamente intento divertirme para que se divierta también el público, me siento muy afortunada por los increíbles fans que tiene Glasvegas.
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Open Air Music DESTACADO
Directory
Upcoming Festivals Primavera Sound
Headliners: Foo Fighters,
Valencia, España
Poble Espanyol y Parc del Fòrum
Incubus y Arcade Fire
14 al 17 de Julio 2011
Reading and Leeds
Barcelona, España
Clima: Soleado / Despejado
Headliners: Arcade Fire,
Bramham Park
25 al 29 de Mayo 2011
Lleva: Ropa ligera y protector solar
The Strokes, Arctic Monkeys,
West Yorkshire, Inglaterra,
The Streets
Reino Unido
Clima: Soleado
Reading y Leeds, Inglaterra
Lleva: Ropa ligera y protector solar
26 al 28 de Agosto, 2011
Headliners: Pulp, Flaming Lips, Mogwai, Animal Collective,
Glastonbury
Belle & Sebastian
Worthy Farm
Clima: Soleado / Despejado
Pilton, Inglaterra, Reino Unido
Lleva: Ropa ligera y
22 al 26 de Junio 2011
protector solar
Headliners: Coldplay, U2,
Sonisphere Getafe Open Air
Beyoncé
Madrid, España
Con probabilidad de lluvia
Clima: Soleado / Lluvioso
15 y 16 de Julio 2011
Lleva: Impermeable y wellies
Grand Stadium Park
Lleva: Impermeable,
Headliners: Alice Cooper, Iron
Manchester, Tennessee,
wellies y bandera
Maiden, Apocalyptica
Bestival
Clima: Soleado / Despejado
Robin Hill Country Park
Lleva: Ropa ligera y protector solar
Isla de Wight, Inglaterra,
Bonnaroo Estados Unidos
Foo Fighters y Muse Clima: Despejado /
9 al 12 de Junio 2011
Rock al Parque
Headliners: Eminem,
Parque Metropolitano
Arcade Fire, The Black Keys
Simón Bolívar
Fuji Rock
Clima: Soleado / Despejado
2 al 4 de Julio 2011
Ski Resort
Headliners: The Cure, Primal
Lleva: Ropa ligera y
Bogotá, Colombia
Naeba, Japón
Scream, Brian Wilson,
protector solar
Headliners: Bomba Estéreo,
29 al 31 de Julio 2011
Robyn y Crystal Castles
Choc Quib Town, Systema Solar
Headliners: Arctic Monkeys,
Clima: Soleado / Despejado
y La 33
Cake, The Chemical Brothers,
Lleva: Ropa ligera y
Clima: Lluvioso
Coldplay
protector solar
Lleva: Ropa ligera e impermeable
Clima: Soleado / Despejado
Isle Of Wight Festival Hampshire, Winchester Isla de Wight, Reino Unido
Lleva: Ropa ligera protector solar
Reino Unido 8 al 11 de Septiembre, 2011
Austin City Limits
10, 11 y 12 de Junio 2011
Oxegen
Headliners: Pulp, Kasabian,
Punchestown Co. Kildare, Irlanda
Kings Of Leon y
7 al 10 de Julio 2011
Roskilde
Foo Fighters
Headliners: Arctic Monkey,
Roskilde, Dinamarca
16 al 18 Septiembre, 2011
Clima: Nublado
Foo Fighters, The Strokes
30 de Junio a 3 de Julio 2011
Headliners: TBA
Lleva: Impermeable y wellies
Clima: Soleado / Despejado
Headliners: Kings Of Leon,
Clima: Despejado /
Lleva: Ropa ligera, protector solar
Iron Maiden
Con probabilidad de lluvia
y repelente contra bichos
Clima: Despejado /
Lleva: Ropa ligera
Con probabilidad de lluvia
e impermeable
Pinkpop Megaland
y repenlente contra bichos
Silkjer Park Austin, Texas
Landgraaf, Holanda
T In The Park
11 al 13 de Junio 2011
Campo Kinross-Hire
Headliners: Foo Fighters,
Balado, Escocia
Kings Of Leon y Coldplay
8 al 10 de Julio 2011
V Festival
Clima: Soleado / Despejado
Headliners: Foo Fighters, Coldplay,
Weston Park / Hylands Park Chelms-
Octubre 2011
Lleva: Casa de campaña,
Blink 182, Arctic Monkeys
ford y Staffordshire, Reino Unido
Headliners: Elton John,
sleeping y ropa ligera
Clima: Soledado
20 y 21 de Agosto 2011
Red Hot Chili Peppers,
Lleva: Ropa ligera y protector solar
Headliners: Eminem,
Metallica, Shakira, Coldplay
Arctic Monkeys y Rihanna
Clima: Despejado /
Clima: Soleado
Con probabilidad de lluvia
Lleva: Ropa ligera y repelente
Lleva: Ropa ligera, protector
contra bichos
solar y repelente contra bichos
Hurricane ScheeBel, Alemania
Benicassim/FIB Heineken
17 al 19 de Junio 2011
Recinto Venue
Campo Eichenring
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Headliners: Kasabian,
Lleva: Casa de campaña, sleeping e impermeable
Rock in Rio Rio de Janeiro, Brasil 23 de Septiembre a 3 de
Open Air Music DESTACADO
Behind The Scenes Por: Diovanny Garfias / Entrevistas: Alejandro Franco Fotos: Alejandro Franco y Rubén Márquez
Michael Eavis
Emily Eavis
Crear
un festival y conservarlo como uno de los eventos musicales más importantes a nivel mundial nos es tarea fácil. Cada año más y más personal es requerido para mantener al máximo sus estándares. Pero en algunos casos, detrás de estos eventos se mantienen las personas que los crearon y que los han mantenido vigentes durante décadas. WARP MAGAZINE platicó con Michael y Emily Eavis, las mentes detrás del Glastonbury Festival Of Contemporary Performing Arts y también con Perry Farrell, quien diera vida a Lollapalooza. En exclusiva, cada uno comparte su perspectiva histórica acerca de cada festival.
Cada día protegemos el festival de corporativos. No es que no nos lo hayan ofrecido, simplemente negamos ser parte de ellos porque no tiene que ver con lo que somos y preferimos involucrarnos con canales creativos como los Green Fields. Yo me divierto mucho trabajando aquí. Sé que no es para todos pero es asombroso cuando nos acercamos a bandas y recibimos una respuesta positiva al ver cómo aceptan y se emocionan por tocar en “Glasto”. Claro, hay una enorme responsabilidad de mantener la calidad sin la ayuda de mucho dinero, es como estarse balanceado en el filo de un cuchillo, pero al final todo vale la pena.
MICHAEL EAVIS, CREADOR GLASTONBURY El festival al que fui era enorme (Bath Festival of Blues and Progressive Music 1970) y de ahí conseguí mi inspiración. Entonces hice mi propia versión de las cosas e inmediatamente me empecé a emocionar. No podía esperar a poner las bandas y demás. En aquel tiempo solamente había mil personas, pero lo hacíamos una y otra vez, y se volvió más grande y mejor. Diría que el primer fundamento y lo más importante para el festival es que no le pedimos dinero a nadie para no depender de grandes corporaciones, no les pedimos nada para poder ser auto sustentables y donar gran parte de las ganancias.
PERRY FARRELL, LÍDER DE JANE’S ADDICTION Y CREADOR DE LOLLAPALOOZA Hace poco más de veinte años sabía que todo sería genial, ni siquiera sabía que sería un músico, sólo fui a California a surfear y hacer arte y luego me encontré a unos chicos que les gustaba tocar música punk rock, no lo hice porque pensara que fuera a ser un músico sino porque era divertido. De pronto invertí todo mi tiempo en ello. Luego hicimos el primer año de Lollapalooza en 1991 y yo sólo uní la fiesta. Esperaba que la gente se divirtiera pero no que me invitarán el próximo año a hacerlo de nuevo y de nuevo. Me decían “hagamos esto” y yo decía “está bien, lo haré” y así fluyó todo. Es un sentimiento maravilloso presenciar que todo mundo se reúne de manera masiva para algo que es una reunión pacífica y por la música. Es importante ver a todos, ver sus caras, ver lo que comen, ver lo que están escuchando y qué les emociona. También es fundamental hacer todo esto alrededor de árboles y sobre pasto.
EMILY EAVIS, CO-ORGANIZADORA DE GLASTONBURY Empecé en el festival desde muy chica porque el teléfono de mi casa se volvió el número de la oficina del festival, entonces me involucré desde temprana edad sin realmente pensarlo.
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Perry Farrell
Open Air Music DESTACADO
Singing In The Rain Por: Paul Stokes / @Stokesie Foto: Glasto 2009, Alejandro Franco
¿Puedes
nombrar la cosa más utilizada en los festivales británicos?. No, no son la camisas de bandas –maltratadas y viejas-, ni las toallitas húmedas (que muchas veces son lo más cercano a bañarte dentro de ese fin de semana) o el “vodka” escondido en una vieja botella de limonada. Hablo de que siempre, sin importar el clima, las botas de lluvia Wellington siempre estarán a la mano. No importa el mes o dónde se llevé acabo el festival; sí en este verano estás presenciando la música en un campo británico, lo más probable es que te encuentres con un par de “Wellies”. A pesar de que somos el hogar de algunos de los festivales más grandes del mundo – ya que transmitimos cualquier acontecimiento de fin de semana entre el mes de mayo y septiembre- el Reino Unido es uno de los peores lugares para celebrar un festival porqué siempre llueve… y mucho… en especial, cuando uno ruega que sea una día seco. Tanta es la inevitabilidad de la lluvia que ahora las fotos de Kate Moss usando botas en Glastonbury es considerado “moda de alto nivel” , mientras que en Londres la marca Selfridges quedan sin mercancía, semanas antes de los eventos. Antes de hacer esta columna, le pregunte a mis amigos de WARP si era tanto problema la lluvia en los festivales mexicanos pero parece ser que no tienen tanto inconveniente como acá. Mis condolencias por lo que se pierden; a pesar de los mudfests, los dedos del pie congelados y noches frías en la tienda de campaña (en el nombre de la música); hay algo único cuando uno presencia una festival mojado. Nadie quiere que llueva pero cuando pasa, cosas especiales y extrañas suceden. Mi primer Glastonbury fue uno de los días más calientes del año y cuando llegue al Worthy Farm por segunda vez en 1997, las nubes grises
que nos rodeaban no eran nada inspiradoras. Pero después de algunos días caminando -hasta las rodillas- de lodo y durmiendo mojado y con frío (cuando era junio), una pequeña sensación de comunidad superaba la situación. En lugar de quejarse -los extraños quienes no hubieran hablado contigo si no estuviera lloviendo- comparten leña, ayudan a las personas que se cayeron y crean una comunidad improbable que combate las terribles condiciones. Fue este espíritu lo que hizo la presentación de Radiohead en Glastonbury una de las cosas más bellas que he visto. Sí, Thom Yorke y compañía se veían auténticamente deslumbrantes pero lo que ayudó fue la atmosfera del público que crearon un espacie de aura única. De hecho, lo mejor de la presentación fue la energía que el público enfatizó hacia ‘Karma Police’, unos de los momentos más espectaculares de que fui testigo. Ahora adelantémonos a la presentación del año pasado en el festival Reading, en donde Arcade Fire tocó. De nuevo, una banda muy especial pero haberlos visto tocar el mismo set en un lugar cerrado y ahora, en un campo lleno de lodo en Leeds, destacó lo mejor de la presentación. Fue alegre, eufórica y burbujeante con energía, fue uno de los pocos sets en el cual me ha dado el bajón, al final, por la cantidad de adrenalina que manejaba. OK, entiendo que los festivales secos tienen sus pros – puedes obtener un bronceado, te puedes sentar en el pasto y no tienes que cargar tantas cosas como si te fueras al Everest (por lo que voy al festival Primavera Sound en España, este mayo) pero mientras el frío podría ser desagradable, la lluvia en un festival no sólo es buena para el alma, mejora la experiencia de la música. Tal vez en su siguiente festival, lo que deberían de hacer es rezar por un poco de lluvia.
›› Paul Stokes es Editor de Noticias del semanario inglés NME, una de las revistas con contenido musical más importantes del Reino Unido.
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Open Air Music DESTACADO
Destination: Coachella Por: Edoardo Chavarin / Foto: Benny Campa
Cada
Coachella tiene una historia distinta. El cartel siempre tiene algo que decir y la historia es construida por las bandas que lo componen. Definitivamente el conjunto de grupos, estilos, música y demás, siempre comunican visualmente algo o despiertan uno o varios sentimientos. A veces la idea es más oscura, otras más ochentas, a veces alguna de las reuniones es la que va encabezando la imagen del cartel. El equipo de diseño con el que trabajo trata de encontrar lo que nos quiere decir el cartel y el listado de bandas, e interpretarlo con colores, tipografías e historias gráficas. Desde chico estuve muy expuesto a la música y era muy fan de ésta y del arte de los discos. Después de terminar la preparatoria, me vine a estudiar artes a Los Angeles, California, con la intensión de diseñar portadas de discos. Ya en la universidad, fui becario en A&M Records. Ahí servía café y sacaba fotocopias mientras veía cómo se hacían las cosas. Después del proceso como becario me dieron trabajo como diseñador independiente y luego
tuve la fortuna de conocer a Gustavo Santa Olalla. Con él he trabajado muchísimo, he diseñado alrededor de 15 discos para su disquera, incluyendo de Molotov, de Juanes, de Liquits, de Kronos Quartet y otros. Entonces poco a poco me fui metiendo. Me acuerdo que al primer Coachella fui como fan a ver qué onda. El grupo de amigos con los que iba y yo quedamos muy emocionados. Nos dimos a la tarea de buscar en Los Angeles quién lo hacía para ver cómo nos podíamos involucrar. Conocí un par de personas, les enseñé mi trabajo. Empezamos a platicar también de por qué no había talento latino en Coachella y entré. Ahora parte de mi trabajo para Coachella, además de diseñar el merchandising y señalización, es colaborar en el diseño de los instructivos que le enviamos a la gente. Así fueron mis primeros pasos hacia la música y así fue como forjé relaciones de casi 14 años, personas con las que todavía trabajo, con quienes mantengo contacto y sigo creciendo.
›› Edoardo Chavarin es co-fundador de la marca NaCo y diseñador de carteles, señalización y merchandise para el Festival Coachella.
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Open Air Music DESTACADO
Woodstock 1969
Story Telling Por: Alejandra Ayala
A través
del tiempo los festivales nos han dejado un acervo de experiencias, unas positivas y otras no tanto, de cualquier forma todas quedaron registradas en la historia de la música. WARP MAGAZINE presenta algunas de las más representativas de las últimas décadas.
• The Beatles, The Doors, Led Zeppelin y The Byrds son algunos de los artistas que rechazaron tocar en Woodstock durante sus primera edición.
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fue salvado por el Consejo de Bogotá, declarándose patrimonio cultural de la ciudad.
con la leyenda “How Fragile We Are” (Que frágiles somos).
• En 1994 Nirvana fue contemplada para encabezar el festival Lollapalooza pero su participación fue cancelada tras darse a conocer la noticia de la muerte de Kurt Cobain. Su lugar fue tomado por Smashing Pumpkins.
• Diferentes medios reportaron que los disturbios (peleas, violaciones e incencios) registrados en Woodstock 99 iniciaron cuando Limp Bizkit interpretaba el tema ‘Break Stuff’, otros que causaron polémica fueron Rage Against The Machine, quienes quemaron una bandera norteamericana mientras tocaban ‘Killing In The Name’.
• En Bestival del 2005 se hizo un intento por establecer el Récord Guinness Mundial por el mayor número de gente disfrazada dentro del evento, sin embargo fue en 2010 cuando se logró este objetivo con 55 mil asistentes.
• En su edición de 1998, el festival Rock Al Parque en Colombia corría peligro de desaparecer debido a que no se consideraba al evento como de desarrollo cultural para la capital del país. Finalmente
• En la edición del 2000 de Roskilde, nueve personas perdieron la vida al ser arrolladas por la multitud durante la actuación de Pearl Jam. En memoria a los fallecidos se encuentran nueve árboles y una piedra
• Primavera Sound 2007 presenció el regreso a los escenarios de Smashing Pumpkins; en la edición de este año se reúne Pulp, tras un descanso de casi 10 años. • Sonisphere tiene previsto para este 2011 tener sedes en la India, Francia e Italia, marcando así la primera presentación de Metallica en la India.
• En los reportes de incidentes de 2011 en SXSW se encuentra un video en donde se ve a Ben Weasel, vocalista de la banda Screeching Weasel, atacando a dos mujeres luego de que se molestara por ser agredido con un hielo. • El Vive Latino 2011 fue la sede para que la banda mexicana Caifanes se reencontrara luego de 17 años de separación. • Los organizadores de
Glastonbury declararon que en 2012 no se llevará a cabo el festival por la celebración de los Juegos Olímpicos en Londres, la razón, la falta de baños portátiles en Inglaterra para cubrir la necesidades de ambos eventos.
Open Air Music DESTACADO
Exit Music (For A Festival)
Por: Alejandro Franco / @AlejandroFranco
Radiohead en Glasto ‘97
Dicen
los que estuvieron ahí que fue el mejor concierto de la historia. Dicen los organizadores que ha sido el momento más inspirador de todas las ediciones del festival. Dice la banda que sigue siendo su presentación más importante al mismo tiempo que la más difícil. Dicen los medios locales que será irrepetible. Era el 28 de junio de 1997 en Glastonbury. Todos recuerdan ese año por dos cosas: toneladas de lodo desbordándose por doquier y Radiohead en el Pyramid Stage. Días antes a ese fin de semana, la Worthy Farm había recibido lluvias torrenciales que convirtieron el lugar en una zona de desastre tal, que hoy se le recuerda como el “year of mud” (año del lodo) y aunque yo no estuve ahí, he escuchado atentamente las historias de propios y extraños que lo lograron o que estuvieron a punto de hacerlo. Llegar a Glasto siempre es complicado pero en ese tiempo lo era aún más; vivir un fin de semana en esas condiciones (las del 97) era una misión suicida y pensar en que después de caminar por horas con el denso y pesado lodo hasta las rodillas, presenciarías el momento más hermoso de tu existencia no se veía probable. Del lado de la banda no parecía mejor. Los monitores no funcionaban bien y cada uno de los integrantes escuchaba solamente su propio instrumento. La noche era fría y oscura; no se veía la gente. Pasados los 35 minutos del show y ante la abrumadora respuesta del público, Thom Yorke le pide a Andy, su ingeniero de luces, que las encienda hacia el público para poder verlos. Nada volvió a ser igual. Una oleada interminable de gente aplaudía, gritaba y celebraba a los de Abingdon, Oxfordshire mientras que ellos no sabían lo bien que estaban sonando, ni las repercusiones
de ese concierto en el futuro (bandas como Editors dicen haberse inspirado directamente en ese instante, mágico y maravilloso para la historia de la música contemporánea), aunque fue entonces cuando lo empezaron a disfrutar. Y es que pocas veces pasa algo así. Una banda puede decidir incluir premeditadamente factores épicos en la producción de su show, como Arcade Fire cerrando Coachella 2011 con pelotas gigantes que emitían luz propia al ritmo de los beats de su música o Caifanes reunidos al final del Vive Latino de este mismo año también, pero la magia entre ciertos momentos, bandas, lugares y audiencias no se puede planear. Yo no viví ese Radiohead del 97 en Glasto pero recuerdo vívidamente el cierre de Kings Of Leon en 2008 cuando dejaron de ser en una hora y media, la banda a la que le iba “bien” para convertirse en una explosión mundial; también viví la de Blur y su reunión en 2009 retratada a detalle en su documental No Distance Lef To Run y derramé un par de lagrimas cuando todos los presentes seguimos cantando el coro de ‘Tender’ cuando la banda había ya terminado y Damon Albarn rompió en llanto al vivir tan afortunada escena para cualquiera que ame la música. Entonces según los que saben, no estuve en el mejor concierto que se ha dado en la historia. Mis labores universitarias y mi poco conocimiento de los festivales en aquel entonces me impidieron darme siquiera una idea de lo que me estaba perdiendo. Sin embargo siendo un profundo seguidor de Radiohead y un fanático de Glastonbury no lo lamento ni lamentaré. La magia siempre puede ocurrir, cada que uno logra llegar a un “gig”, se apagan las luces y…
›› Alejandro Franco es Director General de WARP, conductor y creador de Sesiones con Alejandro Franco y conductor del show de radio Backstage 40.
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›› Paola Del Castillo es Editora de Noticias de WARP.LA, Community Manager de redes sociales de WARP y Conductora de Gamers TV.
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Open Air Music DESTACADO
“Suck It And See es una mezcla de nuestros tres discos anteriores pero con una visión diferente a la vez.” - Matt Helders
Arctic Monkeys Singing a reckless serenade
Por: Paola Del Castillo / Foto: AM
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Open Air Music DESTACADO
Sheffield, Inglaterra, 2002. En el pleno boom de la difusión de propuestas musicales por Internet a través de canales como MySpace (la red social más popular para compartir música a principio de los dosmiles), cuatro amigos tratan de sobresalir entre la extensa oferta musical del Reino Unido con un sonido explosivo y audaz. Pero, contrario a lo que muchos creen, Alex Turner, Matt Helders, Jamie Cook y Andy Nicholson no dependieron por completo de Internet para lograr la fama y posicionamiento que adquirieron posteriormente en la escena musical. Talento, esfuerzo, perseverancia y suerte son otros elementos clave que los Arctic Monkeys debieron poner en práctica para que el mundo supiera acerca de su existencia.
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Open Air Music DESTACADO
“La Internet fue evidentemente importan-
te en nuestro lanzamiento”, comenta el baterista Matt Helders, “pero tampoco dependimos de ello. Lo importante para nosotros fue tocar para mucha gente por todo Inglaterra, regalar música como demos y demás extractos, pero realmente nunca dependimos totalmente de Internet como una herramienta. No sé si puedas confiar en ello como tal. Tal vez muchas bandas nuevas creen que sólo deben grabar canciones, subirlas a Internet y sentarse a esperar a que alguien las descubra pero yo no creo que eso funcione. Debe haber más esfuerzos al respecto. Cuando nosotros subimos nuestras canciones a MySpace, habían muchas otras bandas que hacían lo mismo pero probablemente no todas lo lograron”. Los Arctic Monkeys llegaron para cambiar las reglas del juego. Se hicieron de un nombre incluso antes de lanzar un primer álbum de estudio; lograron reconocimiento y una fuerte base de seguidores de forma viral: tocando constantemente en donde pudieran, regalando una compilación de demos conocida ahora comúnmente como Beneath The Boardwalk y, sobretodo, no dejando de hacer música y haciendo caso omiso de los comentarios y opiniones de la industria musical. ¿Pero qué fue lo que realmente diferenció a Arctic Monkeys del resto desde un inicio, y por qué en los últimos años no se ha repetido un ejemplo similar en el que una banda prácticamente desconocida salte a la fama de manera súbita? Las respuestas a estas preguntas recaen sobre la inagotable energía de la música del cuarteto de Sheffield, sobre el gran compañerismo que se respira entre ellos y en el ingenio y creatividad musical y lírica de su líder, Alex Turner. La música de esta banda resulta atemporal, honesta, intensa y a la vez profunda. Tema tras tema, éxitos asegurados. Así, su disco debut Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not de 2006 se convirtió en el álbum debut con ventas más rápidas en la historia del Reino Unido y los hizo acreedores del Mercury Prize. Tan sólo un año después, tras la partida del bajista Andy Nicholson –quien rápidamente fue sustituido por Nick O’Malley– y el lanzamiento del EP Who The Fuck Are Arctic Monkeys?, la banda continuó su ascenso con paso firme con Favourite Worst Nightmare, álbum del cual se desprenden éxitos como ‘Brianstorm’, ‘Teddy Picker’ y ‘Fluorescent Adolescent’. Para junio de 2007, Arctic Monkeys habían
llegado a lo más alto y se desempeñaban como headliners del festival Glastonbury. Fue en el año 2009 que la agrupación se consolidó con un material mucho más maduro y pulido que sus antecesores titulado Humbug. Bajo la producción de James Ford de Simian Mobile Disco y Josh Homme de Queens Of The Stone Age, el cuarteto obtuvo un sonido mucho más oscuro y retador para el escucha.
FLOURESCENT ADOLESCENTS Dos años después, Arctic Monkeys están de regreso con una nueva placa discográfica titulada Suck It And See con James Ford en la producción una vez más. “Siempre nos ha gustado trabajar con James”, dice Helders, “es un buen amigo nuestro, un excelente productor y un gran músico, así que pensamos ‘hágamoslo de nuevo y veamos a dónde nos lleva’. Nunca había hecho un disco entero para nosotros, de principio a fin, así que esta vez quisimos intentarlo y ver qué resultaba. Estoy seguro de que continuará trabajando con nosotros en nuestros próximos álbumes, de una u otra manera. Definitivamente es una mancuerna que funciona bien.” Homme no fungió esta vez como productor, pero colaboró en uno de los temas del disco. “Lo veíamos muy seguido allá (Los Ángeles, California) porque vive muy cerca de donde estábamos grabando. Pasábamos el rato con él y después se nos ocurrió pedirle que hiciera coros de apoyo, así que cantó en la canción ‘All My Own Stunts’, sólo coros, como armonía. Tenerlo en el disco fue muy emocionante. No habíamos hecho algo así, así que pensamos ‘¿por qué no?’.” El resultado final es un disco en la misma línea de sus antecesores, con un estilo muy Arctic Monkeys, pero a la vez muy distinto al referente más próximo, Humbug, debido a que las canciones son mucho más tranquilas –incluso románticas– sin tanta explosividad. “Creo que tiene elementos de todos nuestros discos en uno solo. Definitivamente es más tranquilo y tal vez un poco más pop que lo que fue Humbug. Todos disfrutamos mucho de hacer Humbug, fue un gran disco para nosotros, y nos dio mucha experiencia que después nos puso en el camino de hacer este nuevo álbum. Hicimos lo que quisimos en Humbug. Así que creo que (Suck It And See) es una mezcla de nuestros tres discos anteriores pero con una visión diferente a la vez”, asegura el baterista.
ESTE VERANO ENCUÉNTRALOS EN: Rock A Field Festival - 26 de Junio / Rock Werchter - 01 de Julio / T In The Park - 08 de Julio / Oxegen - 09 de Julio Les Nuits de Fourvière - 11 de Julio / Super Bock, Super Rock Festival - 14 de Julio / Benicassim Festival - 16 de Julio Gurten Festival - 17 de Julio / Fuji Rock Festival - 29 de Julio / Jisan Valley Rock Festival - 30 de Julio Rock En Seine - 27 de Agosto / I-Day Festival - 03 de Septiembre
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Open Air Music DESTACADO
Y es que analizando lo que Alex Turner, líder y principal eje creativo de la banda, hizo en el tiempo libre entre discos, resulta evidente que su trabajo alterno musicalizando Submarine, filme inglés dirigido por Richard Ayoade, influyó notablemente en su proyecto principal. En este soundtrack, Turner realiza un gran trabajo dando vida a las imágenes de la cinta con una mezcla sencilla y emotiva. “Creo que inevitablemente hubo cierta influencia. Obviamente mientras más canciones escribe (Turner), obtiene más práctica. Es fácil descifrar hacia dónde se dirige. Cada que escribe una canción ésta sonará un poco como la última o tendrán algo en común. Así que innegablemente, aunque trate de separar sus proyectos, cambia un poco su manera de escribir o canta un poco diferente. Todo lo que haga tendrá un impacto en lo siguiente que realice”, afirma Helders.
BRICK BY BRICK Fue en el mes de marzo que finalmente concluyó la espera para los seguidores de Arctic Monkeys con el lanzamiento del video de ‘Brick By Brick’, el primer tema que se reveló de Suck It And See, pero que no fue lanzado como un sencillo oficial, sino como una muestra de lo que vendría en abril con el primer sencillo de la placa, ‘Don’t Sit Down Cause I’ve Moved Your Chair’. “’Brick By Brick’ es una canción que no hubiéramos usado como un sencillo oficial, así que lo usamos como una especie de teaser. Escogimos ese tema porque le hemos puesto el disco a varias personas y esa parece ser la canción que más se le queda grabada en la mente a todos. Creo que hay algunas cosas interesantes acerca de ella, es algo un poco diferente a lo que hacemos usualmente”, agrega el baterista. En cuanto al peculiar nombre de su nuevo álbum, la razón detrás del título reside en una mentalidad de correr riesgos para lograr lo que uno quiere, sin limitarse por lo que pueda suceder después. “Nos gusta esa expresión, es una expresión inglesa muy típica. Es algo que la gente en Inglaterra dice y que quiere decir algo como ‘sólo tómalo y déjate llevar’, porque puede que salga bien y puede ser algo que te guste. Es como decir ‘toma el riesgo porque nunca sabes, puede que sea algo bueno’.”
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SUCK IT AND SEE ¿Escogerías alguna canción en particular de Suck It And See como tu favorita? Cambia constantemente. Usualmente tengo una favorita para tocar en vivo y una para escuchar, pero como no hemos tocado ninguna de ellas en vivo, es diferente. No sé, supongo que la que más me gusta escuchar es ‘Black Treacle’ o ‘That’s Where You’re Wrong’, hay varias… Tengo que escucharlo más para decidir exactamente cuál es mi favorita. ¿Piensan tocar este álbum en vivo antes de su lanzamiento oficial? Sí, en algunos lugares. Vamos a ir a Estados Unidos, con The Vaccines apoyándonos como teloneros, a mediados de mayo y ahí tocaremos algunos temas del nuevo disco en los conciertos. Después regresaremos y daremos algunos conciertos en Sheffield, nuestra ciudad natal, y el disco estará disponible justo antes de esas fechas. Después salimos de gira por casi todo lo que resta del año. Hablando de conciertos, vinieron a la Ciudad de México hace un año y para el público fue un concierto bastante caótico. ¿Cómo fue esa noche desde su perspectiva? Sí, fue bastante caótico y problemático y en cierto momento pensamos que no podríamos tocar porque se estaba poniendo todo muy loco. La banda abridora canceló su concierto porque ya era nuestro tiempo, pero a pesar de todo, eso lo volvió más emocionante porque todo se decidió en el último momento. Tuvimos que tocar un set rápido y corto pero la audiencia evidentemente estaba feliz de vernos y no queríamos decepcionar a nadie. Nunca habíamos tocado en México así que definitivamente no podíamos irnos sin tocar. ¿Piensan regresar a México? Sí, nos encantaría. Aún no hemos planeado bien nuestra agenda para el resto del año, así que tenemos mucho tiempo para regresar a México.
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Pepe Monta単o twitter.com/pepemontano
EN EL AUTO #36
CALENDARIO OFICIAL 2011 QUERETARO PUEBLA CIUDAD DE MEXICO SAN LUIS POTOSI MONTERREY QUERETARO PUEBLA TUXTLA GUTIERREZ AGUASCALIENTES CIUDAD DE MEXICO
JUNIO 05 JUNIO 19 JULIO 17 AGOSTO 07 AGOSTO 21 SEPTIEMBRE 04 OCTUBRE 02 OCTUBRE 23 NOVIEMBRE 06 NOVIEMBRE 27
digital
Bjarke Ingels Yes Is Fuckin More And Im Willing To Take It Por: Mariana del Valle / @chaparra / Fotos: english.dac.dk / Jakob Galtt
“E
l hedonismo es la doctrina filosófica basada en la búsqueda del placer y la supresión del dolor como objetivo o razón de ser de la vida. Es la doctrina que considera el placer como el fin de la vida, por lo que se deduce que los seres humanos deberíamos dedicarnos exclusivamente a vivir en su eterna búsqueda”. - wiki La primera vez que escuché de Bjarke Ingels fue en el CAT de NY (Creative and Technology Innovations Day) hace un año, todo el mundo hablaba de este nuevo despacho de Arquitectos llamado BIG y de su fundador, quién recientemente se mudaba a la cuidad y que era el nuevo “Starchitect” de la gran manzana. Tiempo después tuvimos la oportunidad de encontrarnos y charlar acerca de Yes Is More su regalo al mundo.
Yes Is More, hedonismo arquitectónico, es tu modjo y una nueva corriente de arquitectura, háblame de esto. Yes Is More (Si es más) es un manifiesto hacia una aproximación arquitectónica inclusiva, más allá de una revolución en contra de la sociedad. En BIG creemos en la evolución social y humana, creemos que al decir “Sí” ante los conflictos y contradicciones del mundo que nos rodean nos permite convertirlos en la fuerza motora del diseño. Esta postura nos quita la etiqueta de “creadores” de ciudades y nos convierte en madres que asisten a la sociedad para parirla así misma. Buscamos escuchar las necesidades y observar como la vida evoluciona para luego generar diseño y edificaciones alrededor de ella. La arquitectura se convierte entonces en una series de mutaciones entre lo bello, lo funcional y lo sustentable. Yes Is More es cambiar de forma radical la construcción hacia las necesidades de los espacios y sus habitantes. 070
La Arquitectura Hedonista es un reto en cada ciudad porque creamos ecosistemas enteros que tienen que ser social y económicamente sustentables, tenemos que convertir lo sustentable en mejor, más divertido y más lindo, de otra forma, el mundo jamás cambiará. ¿Cuál será para ti la tendencia tecnológica dominante dentro de la arquitectura durante los próximos 10 años? Hablando específicamente de arquitectura me parece que la tendencia que se convertirá en regla será “Engineering Without Engines” (Ingeniería sin maquinaria). En el pasado las maquinas se adaptaban a la vida, entonces primero se veían las necesidades de la gente: sistemas de ventilación, plomería, electricidad y luego, una vez que los ingenieros cumplían con su labor nos dejaban a los arquitectos la tarea de adaptarnos
warp tv
Bjarke Ingels
a esto, entonces terminabas con un edificio convertido en una caja aburrida de estilo universal. Todos los edificios y casas son idénticos en cualquier lugar del mundo, desde Copehnaguen a México todos se ven iguales. Todas estas cajas aburridas tienen en sus sótanos muchas maquinas que generan electricidad, aire fresco y temperatura. El resultado son edificios aburridos que gastan cantidades inmensas de energía, mi conclusión es que todos esos edificios están mal construidos porque jamás pudieron ser funcionales desde su nacimiento para los seres humanos y por ende tuvieron que entrar las maquinas a acondicionar la vida para nosotros. Hoy creo que podemos utilizar lo último en tecnología para simular y modelar espacios y calcular su funcionalidad, podemos “insertar” las
cualidades requeridas para estos espacios e integrarlas dentro del diseño, la orientación y el ángulo de los muros. Así, los edificios de Copenhague serán completamente distintos a los mexicanos porque los climas son completamente distintos y requieren de distintas necesidades. Si quieren saber cómo este genio resuelve problemas como el Hedonismo Sustentable en países en vías de desarrollo, como convertirá una planta de reciclaje en un parque de diversiones y como convenció al gobierno danés de mudar a la Sirenita (monumento nacional de su país) de Copenhague a Shanghái no se pierdan WARPtv, me quedo profundamente inspirada a dar un sí cada vez que me digan que no, a lo que sea.
›› Mariana del Valle es Chief Marketing Office @SCLBits y Curadora de la sección Digital de WARPtv.
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technologic WARP TV
techstyle Por: Daniel Estrada / @dabolo
›› PARA
LOS AMANTES DE LOS JUEGOS
Sony Ericsson presenta el smartphone ideal para aquellos amantes de los juegos de video, en especial a la primera consola de Sony. Una de las actividades más comunes que se pueden hacer con un teléfono celular es la de jugar videojuegos. Seas el tipo de persona que seas seguro te entretienes con Tetris, la famosa viborita o, si ya tienes un teléfono más nuevo, con Angry Birds, pero ¿te imaginas jugar con juegos de PlayStation One en tu dispositivo móvil? Suena interesante ¿no? La idea de entretenimiento en la palma de la mano cambia con el nuevo Xperia Play, el primer smartphone android con certificación PlayStation que no por esto es un PSP con opción a llamadas o mensajes SMS, más bien es un teléfono con opción a juegos 3D con botones y controles sensibles al tacto. Tiene una pantalla táctil de cuatro pulgadas, conexión a Wi-Fi o redes 3G, un par de cámaras, la frontal es VGA para autorretratos o chats y la trasera de 5.1 Mpixeles para grabar video o fotos espectaculares. Sony Ericsson Xperia Play incluye la última versión del sistema operativo Android, mejor conocida como Gingerbread o Android 2.3. Con esto en mente puedes descargar más de 150 mil aplicaciones o juegos exclusivos para Xperia Play y guardarlos en la tarjeta microSD externa. Incluso es posible ver, sin problema alguno, sitios en Flash como YouTube. El teléfono incluye seis juegos, uno de ellos es de PlayStation One: Crash Bandicoot.
›› TRABAJA
O DISFRUTA DE BLU-RAYS EN 3D
Sony quiere que vivas la tercera dimensión a otro nivel, es por eso que las nuevas VAIO incluyen tecnologías de avanzada. La VAIO VPCF215FL te deja ver un blu-ray o un videojuego de nueva generación en 3D. Requieres de lentes para poder ver las imágenes saliéndose
del monitor. La sensación que da su pantalla LCD de 16 pulgadas es muy diferente a lo que has visto en otras, si la ves en las tiendas debes robarle unos minutos. Gracias a que Sony desea que tengas lo último en tecnología, opta por integrar la segunda generación de procesador Intel Core i7, 6GB de memora RAM DDR3, por supuesto el lector de blu-ray, ranura para tarjetas SD, salida HDMI, tarjeta gráfica nVIDIA GeForce GT540M, puertos USB 3.0, cámara web con sensor EXMOR, Bluetooth 3.0, disco duro de 640GB y una gran cantidad de software, el cual te apuesto que nunca ocuparás pero que viene incluido. Si estás por comprar una laptop, eres fanático de VAIO o simplemente te gusta presumir que tienes lo mejor, esta Sony seguro es para ti. Por cierto, convierte contenido 2D a 3D.
TechGames.com.mx es un sitio en México que habla sobre lo más nuevo en Tecnología, Videojuegos, Gadgets y Ocio Digital, todo lo que necesitas saber respecto al techstyle.
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lust in the movies WARP TV
NOTAS DE CINICIADOS
Harmony Korine El Señor Solitario
Por: Martín Rodríguez García
E
l cine de Harmony Korine se distingue por su honestidad y desinhibición. A los 19 años renunció a su licenciatura en literatura inglesa en la Universidad de Nueva York para convertirse en skater. Fue entonces cuando Larry Clark lo conoció mientras hacía una serie de retratos de patinadores. A cambio, Korine le compartió una historia sobre un adolescente que es llevado por su padre con una prostituta. Al leer esta historia, Clark se percató del talento de Korine y le pidió que escribiera un guión sobre su vida cotidiana. El resultado fue Kids (1995), la visión del mundo decadente en el que vivía Korine en aquellos años, escrita por el mismo Korine.
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Escribir fue el primer paso. En 1997, Korine debutó como director con Gummo, una película sórdida que muestra lo deplorable, divertido y siniestro de una comunidad en Ohio, atrapada en el dolor y las afectaciones que un huracán le dejó después de arrasar con casas y vidas. Su segunda película como director, Julien Donkey-Boy (1999), se centra en la historia de un esquizofrénico que trabaja en una escuela para ciegos. Alejado de la narrativa tradicional que va en orden cronológico y desarrolla un conflicto, Korine construye sus películas como una serie de viñetas. Las personas deambulan en situaciones que resultan incoherentes pero ciertas, gracias a que todo, tanto en la estética como en la historia, concuerda. La lógica que impera en un momento y espacio determinados es cuestionada y replanteada cuando algo o alguien se le opone. Crecer es inevitable. No es casualidad que el personaje central de Mr. Lonely (2007) sea un imitador de Michael Jackson, el artista que quería ser como Peter Pan para nunca crecer. A través de este Michael, no el verdadero, Harmony Korine construye una metáfora de la búsqueda de uno mismo. La filmografía completa de Harmony Korine afirma con mucha claridad que sin importar las situaciones a las que te enfrentes –un tornado, una sobredosis de drogas, un suicidio, un hombre esquizofrénico, un imitador de Sammy Davis Jr. bailando en la azotea de un castillo o un milagro– el mundo que nos rodea es imperfecto y enigmático, así como nosotros, los seres humanos.
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ALTAVOZ
Jan Svankmajer La Invocación De Lo Maravilloso En Imágenes Por: Agustín Gendron
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ara mí, los objetos siempre están más vivos que las personas, porque perduran más y son más expresivos. Jan Svankmajer. Jan Svankmajer, cineasta, ceramista, escultor, diseñador, ilustrador y poeta checo nacido en 1934, es el realizador de seis largometrajes y más de treinta cortos que mezclan la animación cuadro por cuadro con actores humanos, y que representan una de las obras cinematográficas más originales de la historia. A Svankmajer lo que más le interesa no es contar una historia, sino que su trabajo contribuya a “la transformación de la vida”. En las propias palabras de este genial alquimista de la imagen, el objetivo primordial de su obra es “la liberación de nuestros demonios interiores y exteriores que son los que nos hacen sufrir. Ahí veo el cometido de toda verdadera obra artística. Si creemos que el arte todavía tiene sentido, éste no debería consistir en hacernos mejores personas, ni en vivir simplemente una experiencia estética, sino precisamente en liberarnos. Para que esto sea posible, el arte tiene que ser capaz, en primer lugar, de liberar a su propio autor, es decir, toda auténtica obra de arte debe ser también una autoterapia”. Para Svankmajer, los objetos son muy importantes, pero no tanto por su valor intrínseco, sino por la forma en que nosotros mismos les conferimos un significado especial al proyectar sobre ellos partes de nuestras emociones, a veces incluso de manera subconsciente. La pasión de Svankmajer por las cosas
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le ha llevado a inventar y diseñar objetos surrealistas de misterioso uso y series enteras de dispositivos que pueden mezclar partes orgánicas con partes mecánicas, como su célebre colección de maquinas masturbatorias o sus alteraciones de objetos de uso diario con delirantes variaciones táctiles. Más allá Jan Svankmajer de su aparente excentricidad, esta postura artística conlleva una tesis filosófica muy interesante: se puede afirmar que, en realidad, todos nosotros somos animadores de objetos. La manera en la que un juguete, una prenda de vestir, un mueble o un utensilio puede sacudir nuestra memoria y evocar todo tipo de emociones constituye en sí un verdadero acto de creación mágica, más fascinante por cotidiana y recurrente. Todos nosotros, desde la niñez más temprana, somos también alquimistas: trasmitimos alma a lo inanimado. Al hacer explícito este acto en su obra, Jan Svankmajer nos recuerda que la verdadera poesía, como lo sabían los surrealistas, está presente todos los días de nuestra vida, escondida dentro de los actos más insignificantes.
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fashion nugget WARP TV
Lost in a forest
Fotografía: Fernando Velasco para Luciérnaga / Estilismo: Mariana Martín del Campo / Banda: Torreblanca •De izquierda a derecha: Alejandro, Jerson, Juan Manuel, Andrea Balency y Carlos
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Alejandro:
Jerson:
Juan Manuel:
Andrea Balency:
Carlos:
Pantalones, COMME DES
Jeans, VIVIENNE
Pantalones, WARRIORS para
Vestido, GIVENCHY
Jeans, DIESEL
GARCONS para
WESTWOOD para Magistral
Common People
para Magistral
Camisa, ALEXIS MABILLE
Common People
Blusa, BANG BURO para
Camisa, COMME DES GAR-
Collar, HOUSE OF FLORA
para Magistral
Camisa, DIESEL
Common People
CONS para Common People
para Magistral
Tennis de Carlos
Tennis de Alejandro
Tennis de Jerson
Botas de Juan
Botas de Andrea
fashion nugget WARP TV
Jerson:
Carlos:
Andrea Balency:
Juan Manuel:
Alejandro:
Jeans, VIVIENNE
Jeans, DIESEL
Vestido, DIESEL
Jeans, DIESEL
Jeans, DIESEL
WESTWOOD para Magistral
Cinturón, DIESEL
Cinturón, DIESEL
Camisa, sudadera, cinturón y
Jeans, DIESEL
Camisa y tennis de Jerson
Blusa y tennis de Carlos
Chamarra, DIESEL
botas de Juan
Saco, Comme des Garcons
Collar de la estilista
para Common People
Botas de Andrea
Blusa y tennis de Alejandro
192 es una publicación dedicada a estudiar y diseccionar al mundo de la moda, el arte, la música y demás tendencias que rodean y son parte de la vida mordena.
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art brut WARP TV
Gemelas
Tony Solís Mad As Rabbits Texto: Chëla Olea
T
oda la vida buscamos cómo definir las cosas, y en el concepto visual y alternativo de la latente creativa, encontramos el arte, los nuevos talentos, las nuevas propuestas, toda una oleada de cosas que gustamos y otras, no tanto. Uno de los “principios” para considerar algo como obra artística es que simplemente cause alguna reacción, inclusive repulsión. En México nos encontramos haciendo un gran esfuerzo para romper la monotonía y crear arte, ser un país con voz de propuesta y, como
mencioné, no siempre debe gustarnos o ser de nuestro entendimiento. Probablemente es el caso de la obra del artista visual Tony Solís. Sus fotografías e historias no han sido del entendimiento de la gran mayoría, pero la realidad es otra en el extranjero. Su obra trata de un concepto único y puntual que no adorna las imágenes ni altera la percepción del significante resultado de la evocación visual. Es simplemente una historia, una imagen pura sin adorno ni alevosía.
›› Chëla Olea es editora de arte de WARP MAGAZINE, curadora de la sección Art Brut de WARPtv y make up artist.
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art brut WARP TV
Dosis de Pánico
Actualmente una de sus actividades es fungir como editor de fotografía de Nylon México, en dónde vemos una nueva tendencia de hacer fotografía de moda. La estética de Tony rompe los parámetros establecidos y hace de su obra algo fresco e interesante. En su estudio ubicado en el Centro Histórico, este artista, quien tiene en puerta una exposición en Ámsterdam, nos relata cómo es que las cosas sólo se dan… sin imaginar lo que viene. ¿Cómo fue que decidiste cambiar de tu antigua carrera a lo que haces hoy en día? No tengo antigua carrera, sólo ex ambiciones. Estudié artes visuales, y estando ahí decidí estudiar producción audiovisual. Empecé a tomar mis primeras materias de foto en la universidad y no pude dejar mi cámara. Hacía retratos a amigos, bandas de rock, amigas modelos, series o historias. Solía participar mucho en bienales y concursos de arte, cuando aun creía en eso. Algún editor pensó que mis historias fotográficas parecían de moda y empecé a ganar dinero publicando. Supongo que tuvo mucho que ver el trabajar en agencias de modelos y publicidad. Al principio no era moda, sólo historias con personajes caracterizados. ¿Quiénes son los personajes que fotografías? Me los invento. En algún punto mi trabajo personal y mi trabajo de moda se han ido mezclando más y más. Así que mucho del proceso que tenía para crear historias personales se ha ido volcando al proceso de foto de moda. Mis personajes salen de conversaciones ajenas que escucho en la calle, o de cosas que veo en la tele, alguna canción que me hace pensar en algo. Soy muy disperso y creo que cuando veo o escucho algo que me causa curiosidad, empiezo a inventar muchas historias alrededor de eso, a veces esas historias terminan en series fotográficas. ¿Cómo describes tu trabajo? Pregunta difícil. Me gusta pensar que sigue siendo “musical”, que son como frames de un video o una película. La nostalgia siempre ha jugado un papel importante en mi trabajo, me gustaría que siguiera así. ¿Consideras que México está tomando otro rumbo en la cuestión moda/arte? Empieza a tomar uno, y eso ya es mucho. Considero que
Manzana
Sin título
hay muchos distractores, mucho mal arte, mucha mala foto. Pero hay talento, lo importante es no perder la objetividad y ser muy autocríticos. ¿Qué consejo le das a los jóvenes que desean hacer algo creativo o artístico? Primeramente tienen que estar seguros de que tienen talento. Jamás le crean a sus amigos o parientes cuando les digan que su trabajo es “padrísimo”, ellos nunca tienen idea. Esto toma tiempo y a medida que crecen su trabajo mejora. Prepárense y tomen los consejos de los viejos lobos de mar. Un blog no te hace ni artista ni escritor ni fotógrafo. Esos son los principales distractores, es momento de tomarse esta carrera en serio y respetarla. 079
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GLASVEGAS A gal & three Scots
ARCTIC MONKEYS
Singing a reckless serenade
coverage GUARP
Coachella Written by: Anna Stephens / Photo by: Carolina Castillo
Summary: Day 1, 15th of April The Empire Polo Club in Indio, California took on for the twelfth consecutive year, one of the most awaited for festivals in the world…Coachella. Not only does the Coachella festival offer a range of what is popular and “in” (like they do every year) but it also happens to show music’s raw talent that are recently becoming big and want to make a name for themselves. Coachella 2011, had two big stages (Coachella Stage and Outdoor Theatre), 2 medium stages (Sahara and Mojave), a small tent (Gobi) and a dome (Oasis Dome). All of these stages hosted approximately 180 bands and solo artists of Coachella’s official line-up whilst the Heineken Dome offered approximately 15 artists that have included past performances by Toy Selectah and Dirty Vegas. It was the responsibility of The Rural Alberta Advantage to initiate activities at the Outdoor Stage, at the same time that Moving Units, New Pants, Miguel, Alf Alpha and Metaphase did the same at their respective stages. Afterwards, The Drums took to the Mojave Stage at the same time the girls from Warpaint played their hits from their album The Fool. The band that received a lot of commotion at that time were The Morning Benders, as the public cheered and sang each of the bands songs like ‘Waiting For A War’ and ‘Excuses’. Later on, Tame Impala offered an impeccable performance similar to what Ms. Lauryn Hill, Ariel Pink’s Haunted Graffiti, The Pains of Being Pure At Heart and A-Trak were doing at their own stage. Cee Lo was 20 minutes late (as sources say that his flight was delayed) and so he offered a quick show, which made the public unhappy but the audience seemed to forgive Cee Lo when he started performing ‘Fuck You’. As a token of his appreciation, he ended his performance with a cover of Journey´s ‘Don’t Stop Believing’’. At the Coachella Stage, Interpol’s show started off with ‘Success’ then ‘Slow Hands’, ‘Narc’, ‘Barricade’ and ‘Evil’ (these became some of the most singed along-tracks of their act) David Lynch who wanted to convert the “observer as the observed” directed the multimedia show that would be 082
streamed and broadcasted through Interpol’s big screens. At some part of the concert, Lynch premiered his animation called I Touch A Red Button Man that came as a background image to the song ‘Lights’. The Kings of Leon started their performance with ‘Closer’ and then hits like ‘Crawl’ and ‘Taper Jean Girl’ (track included in Aha Shake Heartbreak, 2005) came to light. The songs that started all the frenzy were ‘Velvet Snow’, ‘Pistol Of Fire’ and ‘Molly’s Chambers’ as Caleb Followill then announced that they would take it back and play a couple of older songs like ‘Mi Amigo’, ‘Back Down South’, ‘Fans’, ‘The Immortal’, ‘Four Kicks’ and ‘On Call’. The Kings of Leon finally said their goodbyes with ‘Black Thumbnail’. At this precise moment it seemed that everyone was heading to different stages but the Latin public appeared to have risen to the occasion as they wanted to see the return (and second concert) of Caifanes and stayed put on the field’s of the Outdoor Stage. Caifanes started off with ‘Amanece’, and then came ‘Mátenme Porque Me Muero’, ‘Nubes’, ‘Detrás De Ti’ and ‘Dioses Ocultos’. Saúl Hernández took the time to declared: “before you guys forget us. Our countrymen crossing the border are killed or are abused. They should remember that no one is illegal and that the border crossed our path and not the other way round”. The Mexican band then followed with ‘La Célula Que Explota’, ‘Afuera’ and closed with ‘No Dejes Que’. Without a doubt, the performance was impeccable and never suffered any audio problems, as heard on their first comeback performance a week before at the Vive Latino (Mexico City). This was one of the most memorable performances for the Latin public (who were most of them) as they sang every song and didn’t want the presentation to end. The Chemical Brothers closed the activities for that day; The Coachella Stage was completely full and the people never stopped dancing. The Chemical Brothers offered a visual production and without reservation, a spectacular closing towards Coachella’s fist day in business.
Day 2, 16th of April This was one of the most intense and relevant days of the festival. It was already Record Store Day and the people just kept on coming. The complicated schedules and artists making way just made the day seem complete. The festival began its activities with EE, The Love Language, DJ Heavy Grinder and Mariachi El Bronx. Latin America was represented as Bomba Estéreo took to the stage; the mixture of electronic rhythms with rap lyrics and Latin beats has made this show explain itself as one of the most representatives of its region (Colombia), since they are constant and have been making a noise at international festivals like Lollapalooza Chile, Vive Latino and now on the main stage at Coachella.
coverage GUARP
Don Letts offered an excellent and selected set of reggae, dubstep and he would sometimes mix these genres into his own version of a Gorillaz song or a Coldplay song. Gogol Bordello on the other side made the audience wild, while Foals would be fortunate to have so many dedicated followers. At the Mojave tent, a small crowd gathered to see Elbow but as the Englishmen started playing the people would stop dead in their tracks. The audience had seemed to know a lot of the Manchester bands songs. Their latest album Build A Rocket Boys! was played, leaving it clear why Elbow was on the cover of last months WARP MAGAZINE. At the end, after listening to ‘Grounds For Divorce’, Guy Garvey and company said goodbye to their US performance with ‘One Day Like This’. The time had come for Alison Mosshart and Jaime Hince to go onto the Outdoor Theatre, that was completely full. The duo played ‘Future Starts Slow’, ‘DNA’ and ‘Baby Says’. As the recent project form Zack De La Rocha and ex-guitarist from Mars Volta, Jon Theodore presented One Day As A Lion at the Mojave tent. They played ‘If You Fear Dying’, their first single out of their self -titled album. The trio then suffered some problems with the audio, which made things difficult to appreciate, but the known for riffs and distortions seemed to have saved the day. The Outdoor Theatre –before setting stage for Empire Of The Sun- brought Mick Jones and his Big Audio Dynamite. The show started with ‘Medicine Show’, ‘The Battle Of All Saints Road’ and ‘Beyond The Pale’ which was then dedicated to all of the immigrants of California and Arizona. It was Empire of the Sun’s turn, they had all of the spectacular production that they are known for, and so the viewers quickly responded by dancing and jumping during the entire set. Animal Collective at the Coachella Stage gathered a good amount of people that were amused with all of the audiovisual effects. The band had shown up with illuminating cubes and psychedelic figures filled with colors all throughout the performance. The time had arrived for Arcade Fire’s show. They had special effects and a huge production on stage that had been up-graded from the last time that the band performed in Coachella. “If somebody would of told me that we would be headliners with Animal Collective. I would of never believed it“ said the vocalist Win Butler as ‘Rebellion (Lies)’, ‘City With No Children’ and ‘The Suburbs’ made way, also ‘Crown Of Love’, ‘Rococo’ and ‘Intervention’ were played. The band announced that part of the proceeds would be donated to Haiti’s relief found and Win Butler asked that his birthday present would be celebrated a day earlier so that the public could donate some more money as well. A huge crane holding a big box indicated that something big was going to happen but before that, songs like ‘We Used To Wait’ and ‘Keep The Car Running’ made everyone’s night. ‘Wake Up’ opened the big box on top of the stage that made way for hundreds and hundreds of balloons (which had light in them) to fall onto the viewers. When everyone thought that the show was over, Arcade Fire’s encore came bearing ‘Ready To Start’ and ‘Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)’ that finalizes the activities for the band and the second day of the Coachella Festival.
Day 3, 17 April The third and final Coachella day started off with the Empire Polo Field having a celebratory mood as the viewers wanted to end their time at the festival with a big bang. If Saturday was memorable (with bands like Arcade Fire, One Day As A Lion and Animal Collective), Sunday was filled with surprises. The day commenced with the sad news that Los Bunkers were forced to cancel their show because the US government didn’t give the Chilean band a workers visa. HEALTH became one of the fewer bands that really didn’t fit in with Coachella’s target, maybe that’s why hundreds of people left when the first notes were played but that didn’t stop the quartet who kept on going. After HEALTH, the public was taken aback with the melodic sound of Fistful of Mercy as Dhani Harrison (son of the legendary Beatle), Ben Harper and Joseph Arthur brought a totally different genre to the band before. It was Trentemollers turn who kept the party going until Ratatat made way to the stage. The Mojave tent was so full that no one could get in or out. We witnessed the return of Death From Above 1979. Surprisingly enough DFA1979 couldn’t fully connect with the people who seemed somewhat confused, as they didn’t understand the music or it may be the fact that they were situated on a main stage (or maybe cause the crowd was waiting for Duran Duran who was next on stage and this totally took them off guard) but to the knowledgeable few who stayed to watch, the dance-punk seemed to satisfied their expectations. Duran Duran came on next, the Englishmen that are one of the few well received bands in the US, brought few audiovisual effects compared to Animal Collective or Empire of the Sun shows on Saturday. These guys conquered the eighties, so now they reclaimed their throne once more with hits like ‘Rio’, ‘Girls on Film’ and ‘All You Need Is Now’. After that, the songs came from their recent production and were by all means chanted by the audience. At this performance what stood out the most was the collaboration with well-known Scissor Sisters, Ana Matronic who was invited on stage to sing ‘Safe’ along side Simon LeBon. The Strokes offered an indifferent concert that could’ve had huge potential but evidently Julian Casablancas stated his disapproval when he couldn’t believe that Kanye West was closing the festival instead of them. There was no communication between the band members, Casablancas magnitude and the sudden walk-out of the band as they finished, only confirmed that The Stokes might be going through a hard time. As fast as they could, the staff and crew from Kanye West transformed the Coachella Stage so that a group of dancer could come out with ‘H.A.M.’ The egocentric rapper appeared on a floating platform that took him between the audience while singing ‘Dark Fantasy’. The fireworks came out when Kanye sang his second song of the night ‘Power’. After that came ‘Jesus Walks’, ‘Can’t Tell Me Nothing’, ‘Diamonds From Sierra Leone’, ‘Hell Of A Life’ and a really short version of ‘Monster’. Mr. West had the help of Bon Iver for three of his songs and Pusha T helped out with ‘Runaway’. Kanye continued performing his hits and after 20 of them, he said good-bye with ‘Hey Mama’. Closing this years festival and showing off why he was the main man to do the job. 083
feature GUARP
Glasvegas A Gal & three Scots
Written by: Pamela Carrillo B. / Photos by: PIP
If the first and self -titled album by Glasvegas was external and discussed problems out of the bands range (such as ‘Flower and Football Tops’, a song about the murder of Kriss Donald who was tortured and stabbed thirteen times in front of a football stadium or ‘Geraldine’ the woman who left her job in social services to follow the band and help them sell souvenirs) the third album EUPHORIC /// HEARTBREAK \\\ seems to go inside the minds of the band from Glasgow as they found out what they were made of in a Californian beach, within only five months of being there. James decided to move (and take the whole band with him) to a multi-million dollar home in Santa Monica because he felt home when performing in Los Angeles. He describes that this may have been induced because he grew up with movies like The Karate Kid and Teen Wolf and it was amusing for him to be in the same place as those films. Apparently, the most known for place of glamour and fame, did not play much with James feelings and made him appreciate walking on the sand, which consequently led him to write the eleven songs found on this new album. The stories about the Scots living over there had already resurfaced. They had already flooded the house (twice) because the jacuzzi was left on and every time there was a sunset, James turned to Rab and said to him: “look at that beautiful sunset, there will be another one tomorrow” and Rab would answer “yes, but it won’t be that sunset.” 084
It seems that each country they visited had inspired them in some way. It sort of freed some memory particles that they couldn’t reach being in Glasgow. They would not have been able to write this album without the presence of the sea and sunsets, neither could they have done the Christmas EP A Snowflake Fell (And It Fell Like A Kiss) without Transylvania. EUPHORIC /// HEARTBREAK \\\ does not add more drums or guitars as it would be expected. The album was inspired by “different sounds like Blade Runner”, and had a touch of “vocals stimulated by the Righteous Brothers”. The album was produced by the great Flood (Nine Inch Nails, The Jesus And Mary Chain, The Smashing Pumpkins) because Rad (Glasvegas guitar player) specifically asked for him, after he had listened to Depeche Mode’s album Songs Of Faith And Devotion over and over again.
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“We like to create an album in which everyone can draw their own conclusions.” - Jonna Löfgren
After 3 years, Glasvegas returns with a new album and a new female band member named Jonna Löfgren (replacing Caroline McKay, who didn’t like the attention). On December 14th, Glasvegas announced that the Swedish girl would take Caroline’s spot. James described Jonna as “a black horse that takes them by surprise” and Rab could not have asked for someone better. Outside the BBC’s building in London, Jonna gave us some of her spare time and here is the chat with had with her, the now drummer of the band: If there is a place that loves Glasvegas, it would be Sweden. Moreover, Rab (guitar player) wanted the new drummer to be from Sweden. How does it feel to fill-in these shoes? It feels really good, as you can imagine. Although I really don’t know the madness of my country toward Glasvegas, I haven’t had that experience yet, but when I go home I do feel I’m in another world, which I was not used to before. I haven’t had much chance to go there because I’ve moved to Glasgow and we have been touring but I remember that on February, when I was in Sweden for the first time I heard (since I joined the band) ‘Euphoria’ on the radio and it was a very nice experience. I’m having a lot of fun. How does it feel to be part of a band with three Scots? It’s been really good. I think that the adjustment was the difficult part because I moved to Glasgow and I was getting used to how the band played. At the beginning it’s always difficult but I think we did great. I now get along with them and I’m having fun. In fact, at the beginning they wanted to take care of me, and checking that everything was ok but little by little that is going away. I already feel like I’m part of the band. What surprised you when you first met them? I think that they are genuinely very nice guys. What is the story behind the cover of the album EUPHORIC /// HEARTBREAK \\\? James is standing in a messy room, facing a curtain with a girl projected on it. The girl is Marilyn Monroe at the beach in Santa Monica because the guys were there, making the demo for this album. They were gone for five months, so they wanted to emphasize the place they were inspired by.
I feel you talk a lot about the recovery process on this album. Why are you guys doing this, when normally on shoegazing album it consists of different topics than these? I do not know, we never thought of it that way. We like to create an album in which everyone can draw their own conclusions to and only then can the song defend itself and have many usages, depending on who listens to it. The meaning doesn’t matter, if it is useful to you. Every opinion counts for us. The last album approached the problems of others and this one talks about the inner feelings. What could we expect for the next album? Well you never know [laughs]. We have been working on songs and on the music but I have no idea when the third album will be ready. Glasvegas has been the opening act for bands like Kings of Leon, U2 and Oasis. What band would you like to share the stage with? We have tried to get a band called Beach House because the guys listened to it while they were in Santa Monica and when I joined the band, my mates showed me their music and I loved it. So, right now that band could be it. Which has been the most unusual place where you have heard your Music come from? Well, it is a very funny story that James told me because I was not yet in the band at the time. But James had an apartment in Downtown Glasgow, on the seventh floor. It was a Friday night and about three am, James heard how a drunk man was singing ‘Daddy’s Gone’ in the middle of the street because James had the window open. He could not believe what was happening... a drunk man was singing his song on a Friday night, outside his apartment and the drunk man had no idea. The shoegazing was named like that because the critics were tired of the artists gazing at their shoes while playing. Do you identify yourself with this? What happens with me is something a bit difficult to explain. I see a certain point and I know where I am but at the same time I don’t feel I am there [laughs]. I don’t know if I make sense? I also like to see how the audience reacts, because we have incredible fans, and sometimes I like to see how the band is going, I see a bit of everything. I just try to have fun so the public does as well, I feel very lucky for the incredible fans Glasvegas has. 085
feature GUARP
Arctic Monkeys Singing a reckless serenade
Written by: Paola Del Castillo / Photos by: Courtesy AM
Sheffield, England, 2002. Right in the boom of musical projects distributed online through channels such as MySpace (the most popular social network for sharing music in the early twothousands), four friends try to stand out from the extensive range of UK’s musical offers with an explosive and fearless sound. Contrary to what many believe, Alex Turner, Matt Helders, Jamie Cook and Andy Nicholson did not depend entirely on the Internet to achieve their fame and position. Talent, effort, perseverance and luck are other key elements that have made the Arctic Monkeys well known around the world. “The Internet was clearly important for our launch “ says Matt Helders drummer for the band; “but we didn’t depend on it. The most important thing for us was to perform for as many people as we possibly could. We gave away our music as demos and other extracts but we really never depended on the Internet as a tool. I don’t know if you can trust it. Maybe many new bands think they should just record songs, upload them on the Internet and sit and wait for someone to find them but I don’t think that works. There should be more of an effort. When we uploaded our songs on MySpace, there were many other bands doing the same thing, but probably not all of them succeeded”. The Arctic Monkeys appeared to have changed the rules of the game. They made a name for themselves even before launching a first studio album, they achieved recognition and a strong and viral fan base, constantly playing wherever they could. They would give away a compilation of demos now commonly known as Beneath The Boardwalk and most of all, they didn’t stop making music as they ignored comments and opinions made by the Music Industry. But what really differentiated the Arctic Monkeys from the rest of the bands, since the beginning? And why was it that in recent years there has not been a similar example in which a virtually unknown band becomes suddenly famous? The answers to these questions lay on the infinite energy of the music by the quartet from Sheffield, on their great partnership and on the music and lyrical talent of their front man Alex Turner. This band’s music is timeless, honest, intense and profound at the same time. Tune after tune, a guaranteed success. 086
Thus, their debut album Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (2006) became the fastest-selling debut album in UK history, which also made them win the Mercury Prize. A year later and the bass player Andy Nicholson left –who was quickly replaced by Nick O’Malley- following the release of the EP Who The Fuck Are Arctic Monkeys?. The band steadily continued growing with Favorite Worst Nightmare, an album containing hits such as ‘Brianstorm’, ‘Teddy Picker’ and ‘Fluorescent Adolescent’. So by June 2007, Arctic Monkeys had reached the highest point of their careers and were headlining the Glastonbury Festival. It was 2009, when the band united with a much more mature and polished substance, than their predecessors named Humbug. Produced by James Ford from Simian Mobile Disco and Josh Homme from Queens Of The Stone Age, the quartet launched a much more obscure and challenging sound for their listeners.
Fluorescent Adolescents
Two years later, Arctic Monkeys are back with a new album named Suck It And See with James Ford once again in charge of the production. “We have always enjoyed working with James”, says Helders, “He is a good friend of ours, a great producer and a great musician, so we thought: “Let’s do it again and see where it takes us.” He had never done a whole album for us, so, this time we wanted to try and see the outcome. I’m sure he will continue working with us on our next albums, one way or another. He is definitely a partnership that works well.”
feature GUARP
“I����������������������������� s a mixture of our three pre� vious albums but at the same time it brings something new as well.” - Matt Helders
Homme did not produce this time, but worked in one of the album tracks. “We saw him very often (in Los Angeles, California) because he lives very close to where we were recording. We spent time with him and then we came to ask him to support the backing vocals, so he sang in ‘All My Own Stunts’. Having him on the album was very exciting. We have not done anything like that, so we thought “why not?” The final result is an album in the same lines as its predecessors but also very different from it’s closest referent Humbug. These songs are calmer –even sort of romantic- without the explosiveness that the Arctic Monkeys are known for. “I think it has elements of all our albums mixed into one. It’s definitely quieter and perhaps a little more poppier than it was in Humbug. We all enjoyed doing Humbug, it was a great album for us and it gave us a lot of experience to do this record. So I think that (Suck It And See) is a mixture of our three previous albums but at the same time it brings something new as well “, says the drum player. Looking at what Alex Turner -leader and creative songwriter of the band- did in his spare time, it is evident that his alternate work as Music Supervisor for Submarine (English film directed by Richard Ayoade) greatly influenced the Arctic Monkeys. “I think there was some influence. Obviously the more songs Turner writes, the more practice he gets. It’s easy to tell where is he going. Whenever he writes a song, it will sound a bit like the last one or have something incommon with it. So undeniably, he tries to separate his projects by changing the writing or sings. Everything he does will impact the next thing”, says Helders.
Brick by brick
In March, the wait was finally over for the Arctic Monkeys’ fans, as their video for ‘Brick By Brick’ was released. This marked their first track revealed from Suck It And See album but this was not the official single but more as a teaser of things to come on April, with the first single being ‘Do not Sit Down Cause I’ve Moved Your Chair’. ‘Brick By Brick’ is a song that we wouldn’t use as an official single, so we used it as a kind of teaser. We chose this track because we’ve played the album to few people and that one seemed to be the song that their minds gravitate towards. I think there are some interesting things about it. Something a little different than what we usually do”, says the drummer.”
About the peculiar name of their new album, the reason behind the title lays on an English saying that explains how you can achieve something by just trying. “We like that expression, it’s like a typically English expression. It’s something that people in England say that means something like “just take it and go with it” because it may be something that turns out good and it may be something you like. It’s like saying ‘take the risk because you never know, it might be a good thing at the end.”
Suck It And See
Would you choose a particular song from Suck It And See as one of your favorites? It constantly changes. Usually I have a favorite to play and a favorite to listen to but because we have not played any of them live, then it makes things a bit different. I don’t know, I guess the one I quite like to hear the most is ‘Black Treacle’ or ‘That’s Where You’re Wrong’... I have to listen to them more often to decide exactly which one is my favorite. Are you planning on playing this album live before the official debut? Yes, in some places. We will go to the United States with The Vaccines in mid-May and we’ll play some songs from the new album at the concerts. Then we’ll come back and give some concerts in Sheffield, our hometown and the record will be available just prior to those dates. Then we will be on tour for almost the rest of the year. Speaking of concerts, you came to Mexico City a year ago and the concert got pretty chaotic. From your perspective, how was that night? Yes, it was quite chaotic and problematic and at one point we thought we were not going to be able to perform because it was getting so crazy. The opening band had to cancel their performance because it was already our show time but nevertheless, it became more exciting because everything was decided at the last minute. We had to play a fast and short set but evidently the audience was happy to see us and we didn’t want to let anyone down. We had never played in Mexico so we definitely couldn’t leave without performing. Are you planning to come back to Mexico? Yes, we would love it. We haven’t fully planned our agenda so we have plenty of time to return to Mexico. 087
encore
The Great Escape Festival 2011 Mirrors 11 -05-11 / Brighton, UK / By José L. Montaño Pillo warp.la/gigs
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