Warp 39 Digital by Edgardo Dominguez

otra foto de portada

Friendly Fires No es casualidad que como cada año, gran parte de las propuestas sonoras que inundan el mundo de la música provengan de Reino Unido. Tampoco es casualidad que una de éstas le de la vuelta al mundo con su segundo álbum como pretexto. En WARP MAGAZINE creemos que Ed Macfarlane, Jack Savidge y Edd Gibson, miembros de Friendly Fires, representan con exactitud el momento que vive la industria del conjunto de islas del noreste europeo, donde un trabajo como Pala, concebido en una disquera independiente, puede figurar en cualquier chart, no por el dinero que se le haya invertido, sino por la calidad de cada uno de sus detalles.

001

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© WARP Marca Registrada ®. Año III No.39 Fecha de Publicación 19-08-2011. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15, Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx. Distribución Nacional e Internacional de CODIPLYRSA. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

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editorial

SHOW ME LIGHTS: LA INDUSTRIA MUSICAL DEL REINO UNIDO Por: Edd Gibson de Friendly Fires Foto: Rubén Márquez

o primero que se me viene a la mente cuando pienso en la industria musical de Reino Unido es Adele, quizá porque en mucho tiempo nadie ha conseguido volverse tan grande y tan exitoso a un paso tan acelerado. En estos días en que se supone que la gente ya no compra CDs, resulta que ella vende más de los que cualquiera ha vendido en varios años. Y este tipo de fenómenos sólo se dan en nuestra industria… Por ejemplo, mientras estábamos grabando nuestro nuevo álbum, Pala, nos mudamos a un pequeño lugar al este de Londres; Jack Savidge manejó desde la terminal de trenes hasta un sótano y durante todo el camino escuchamos la BBC Radio 1 —yo no escucho mucha la radio, pero creo que Radio 1 es un buen referente musical—; en esa ocasión escuchamos mucha 004

buena música, pero también descubrimos que la radio está llena de cosas convencionales que, aunque de pronto puedes oír en cualquier lugar, al final del día terminarán esfumándose. El drum and bass o el dubstep, en este momento, son géneros tan populares que, si pones atención, puedes escucharlos hasta en el sonido local de las escuelas públicas. Eso nos lleva a otro sector: aquí, dentro de nuestra industria, siempre hay algún periodista entusiasta que se asusta porque no hay ningún género nuevo al cuál rendirle culto y, de paso, decide cuál es el movimiento a seguir… Para lo que queda del año, el ganador en esa categoría es el dubstep. Pero ya estamos acostumbrados: sabemos que eso es sólo un poco de lo que una industria tan grande y tan diversa como la del Reino Unido nos puede ofrecer.

silencio por favor

Rodrigo y Gabriela Por: Alejandra Ayala Fotos: Alejandro Franco para WARP

ras su exitoso álbum 11:11 (2009) y su respectiva gira, con la que lograron conquistar gran parte del mundo, la dupla conformada por Rodrigo y Gabriela grabó en los estudios de Abdala en la Habana, Cuba y en Bugambilias Studios, en Ixtapa, Zihuatanejo, los tracks que conformarán su próxima placa (aún sin título). Este trabajo será producido por Peter Asher y el mismo Rodrigo Sánchez , por cierto, contará con la colaboración de Carles Benavent, e incluso se podrían sumar Tommy Lee y Al Di Meola. El disco se trata de reinterpretar varios de sus temas al lado de músicos cubanos bajo los arreglos de Alex Wilson y llegará a los estantes en enero de 2012.

006

the main review REVIEWS

Skying

The Horrors / Terrícolas Imbéciles / 2011

7.9

Calificación

uando The Horrors lanzó Strange House, allá por 2007, se colocó como uno de los más claros ejemplos del cliché visual y sonoro: en una era protagonizada por la carencia de actitud en la música, el quinteto saltó a los escenarios proclamándose como la encarnación de la muerte del lado aburrido de la industria discográfica de los dos-miles —esa que ya mostraba simpatía por el arquetipo del rockstar de barba y camisa a cuadros. El costo de ganar hordas de fanáticos de uñas negras y ánimo caído, sin embargo, fue perder credibilidad en su música. Entonces, en 2009, los ingleses le dieron un giro a su música, dejaron atrás su horror punk y adoptaron un post punk más complejo, para presentarlo a una generación que poco sabía de Joy Division, Killing Joke y algunos otros de aquella época. La placa titulada Primary Colours no sólo colocó a Faris Badwan y compañía como una de las grandes propuestas a seguir en los siguientes años; también les mereció la atención de la prensa especializada y de algunos músicos de la vieja guardia. El material contó con la producción de Geoff Barrow (Portishead), Craig Silvey, y el director Chris Cunningham: un experimento que se ganó su lugar dentro de lo mejor de ese año.

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En 2011, The Horrors lanza Skying, su tercer material de estudio, y pese a las grandes expectativas generadas respecto a la supuesta “evolución” que envolvería su sonido, no hay mucho de qué sorprenderse. La placa, en su totalidad, fue producida y grabada por la banda, claramente influenciada por los encargados de la dirección sonora de su anterior trabajo. Así, Skying no ahonda en experimentación, ni contiene la ferocidad que algún día expresaron en su música los originarios de Southend-on-Sea, Inglaterra. Sin embargo, es notoria la madurez musical alcanzada por cada integrante de la banda en sus respectivos terrenos, lo que puede implicar que, en un futuro cercano, podríamos descubrir una nueva cara de la banda. Por ahora, muy a nuestro pesar, no hay sorpresa en escuchar una versión extendida —y menos potente— de Primary Colours. Este parece ser el momento exacto para que The Horrors haga un replanteamiento de su trabajo y cuestione sus alcances sonoros; quizá sea momento de componer, una vez más, influenciados por la adrenalina adquirida sobre el escenario y no dentro de un estudio de grabación. -Diovanny Garfias

REVIEWS

8.7

Calificación

Ritual Union Little Dragon / Peacefrog/EMI 2011

Con cinco años de carrera y apenas dos discos, Little Dragon lanza su tercer material de larga duración, condensando sus influencias en once sólidas canciones. Con interesantes armonías que van desde el soul y el jazz, soportados por una electrónica inteligente y la voz de Yukimi Nagano, cortes como ‘Little Man’, ‘Crystalfilm’ y ‘Summertearz’ provocan inevitables ganas de bailar y, por momentos, tan sólo escuchar atentamente cada sonido y su compactación como una pieza completa. La retroalimentación de sus colaboraciones con músicos como José González y Gorillaz se ve reflejada en la calidad de un disco que, sin duda, marcará un antes y un después en aquello que manufacture la agrupación. -Karina Luvián

7.0

8.1

Calificación

La Liberación

Calificación

Instrucciones. iPhone e iPad: Descarga el programa SCAN desde App Store. Blackberry: Descarga el programa BARCODE ASSISTANT desde tus aplicaciones. Computadora: Descarga el programa QREADER e instálalo.

7.4

Calificación

Stephen Malkmus And The Jicks /

A Dramatic Turn Of Events

CSS / Co-Op / 2011

Arts & Crafts México / 2011

Dream Theater / Roadrunner Records / 2011

La banda originaria de Sao Paulo regresa este 2011 a los escenarios, luego de tres años de ausencia, con La Liberación, su tercera producción de estudio y la primera con un nombre en español, grabada mientras la banda se encontraba de gira. Para este nuevo disco, CSS optó por invitar a diferentes músicos para colaborar en un par de temas, como es el caso de su primer sencillo, ‘Hits Me Like A Rock’, que cuenta con la participación de Bobby Gillespie, vocalista de Primal Scream, y de ‘Red Alert’, en colaboración con Ratatat. El disco resulta una combinación de canciones con riffs rápidos y melodías de rock y punk, mientras que otros, más cadenciosos, podrían clasificarse como reggae. Con este álbum, CSS comenzará una extensa gira de presentaciones alrededor del mundo, México incluido. -Abraham Huitrón

Stephen Malkmus se puso a trabajar en un nuevo material para su proyecto en solitario (luego de su gira de reencuentro con Pavement), bajo la producción, ni más ni menos, que de Beck. El resultado fue Mirror Traffic, un álbum divertido y algo más maduro que los anteriores, pues conjunta líricas inteligentes y creativas con mucho humor e ironía. Lo anterior, aunado a una música bien interpretada, da como resultado una amalgama que va de sonidos pantaneros de blues —‘Brain Gallop’— y de folk —‘Asking Price’—, hasta rock puro y clásico —‘Spazz’. Mirror Traffic es un disco ecléctico, donde Malkus se da completa libertad de experimentar con todos estos géneros para imprimirles un toque de novedad, volviéndolo un indispensable para cualquier melómano que guste del rock de calidad. -Leonel Hernández

En septiembre de 2010, Mike Portnoy salió de Dream Theater. Después de una serie de pruebas —filmadas en el minidocumental The Spirit Carries On —, Mike Mangini fue elegido como el nuevo baterista. La banda compuso gran parte de la música de esta nueva placa antes de la entrada de Mangini, por lo que él se limita sólo a interpretar, quizá con algunos toques que lo diferencian de Portnoy. El disco, entonces, suena prácticamente como siempre, con solos instrumentales muy a la vieja escuela del progresivo clásico, y ciertos toques orquestales. Será hasta su próximo trabajo cuando en realidad notemos un cambio sustancial en la banda, por ahora, en A Dramatic Turn Of Events tenemos un álbum más de Dream Theater. -Samuel Segura

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Mirror Traffic

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REVIEWS

7.8

8.8

Calificación

Father, Son, Holy Ghost

8.2

Calificación

Worship Music

Slave Ambient

Anthrax / Megaforce Records/Nuclear Blast

The War On Drugs / Secretly Canadian /

Girls / Arts & Crafts México / 2011

2011

‘Honey Bunny’ crea conflicto, la batería es ideal pero la melodía demasiado rosa. ‘Alex’… seguramente grabaron algo mejor. Viene la mejor canción ‘Die’, riffs potentes y luego una especie de cosmos, una voz tímida, moviendo diferentes planos. ‘Saying I Love You’ y ‘My Ma’ son inocentes y cálidas. ‘Vomit’ y ‘Just a Song’ van de la mano, opuestas pero sacadas del mismo lugar, un ambiente que se proyecta a lo celestial y otro de cuerda solas, algo triste y con arreglos de viento. ‘Magic’ es cotidiana, acompañada de coros y luz. ‘Love Like A River’ es buena de inicio a fin, suena a otra época. ‘Jamie Marie’ sólo es voz y guitarra al inicio, termina hacia arriba, optimista y de manera cortante. Suenan más enamorados y más deprimidos. El anterior definitivamente nos hará bailar mucho, pero este podrá acompañarnos cuando sea necesario. -Michèle Albertini

We’ve Come for You All (2003) fue el último disco de estudio de Anthrax. Ocho años después, Worship Music sale a la luz prácticamente con la misma alineación (Ian, Benante, Bello, Caggiano) y casi la misma portada (creada por Alex Ross). Este nuevo álbum también marca el regreso de su vocalista clásico, Joey Belladona, quien grabó por última vez con la banda en Persistence Of Time de 1990, y qué manera de volver. Anthrax reencontró ese sonido suyo, tan peculiar, que los ha hecho parte del Big 4 (Metallica, Slayer, Megadeth y Anthrax) y que también los ha fortalecido. Thrash metal con tintes heavy, como si hubiera sido concebido en los ochenta, pero grabado en nuestros tiempos. ‘Fight’em Till You Can’t’ fue un enorme acierto como sencillo, como también lo es Worship Music como disco. -SS

Aunque un tanto diluidas entre nuevos sonidos, The War On Drugs mantiene raíces folk y country en el sucesor del Wagonwheel Blues, disco debut de la banda de Philadelphia, que ahora, en su mezcla, imprime tanto frescura como renovación. Así, en un viaje vertiginoso de casi 50 minutos, el disco avanza entre subidas y bajadas, sin que esto signifique que existan canciones pésimas que desentonen; se trata más bien de canciones rápidas que desembocan en cortes más lentos y melodiosos que invitan a disfrutar de la placa por completo. Cuatro años de trabajo no son pocos y el resultado, sin duda, se ve reflejado en piezas como ‘Come To The City’, ‘I Was There’ y ‘Black Water Falls’. -KL

The Rip Tide Beirut / Arts & Crafts México / 2011

012

7.4

Calificación

A cuatro años de distancia, Beirut regresa a los escenarios con su esperado tercer álbum de estudio. El disco fue escrito, grabado, producido y puesto a la venta por Zach Condon en la ciudad de Nueva York. Tal vez por ello, en esta nueva producción, se escucha a un Beirut diferente, o quizá al verdadero. La música de esta banda ha sido influenciada por lugares como Los Balcanes, Francia y México, siendo catalogada como folk pop. Sin embargo, The Rip Tide suena más a pop, sin dejar de lado ese sonido creado a partir de instrumentos de viento, piano, guitarras acústicas y la voz de Condon, que se escucha más educada y con mejor técnica que antes. Para muchos puede que no sea su mejor trabajo, pero no cabe duda que en este álbum nos damos cuenta del verdadero sonido de la agrupación y de quien lo protagoniza: Zach Condon. -AH

profile

Vision Of Trees Por: Michelle Apple / Foto: Alex de Mora Integrantes: Sarah Atalar / Joni Juden Escúchalos en: soundcloud.com/visionsoftrees

Mira a Puro Instinct en vivo a través de www.noisey.com

l género electrónico sigue expandiéndose, cada vez son más los proyectos musicales que escogen recorrer los caminos sonoros que las cajas de ritmo, los sintetizadores y otros gadgets ofrecen. Entre las bandas que ocupan este espacio está Vision Of Trees, dupla originaria de Londres, Inglaterra, integrada por Sarah Atalar y Joni Juden. Pop, synth, hip hop y otros ritmos son los ingredientes que conforman ese ecléctico ente musical al que bautizaron como daRk&B. Toda esta variedad quedó plasmada en su EP debut Sometime It Kills, disponible desde 2010 y que los ha llevado a pararse en diversos escenarios. Sin duda, estamos frente a una propuesta a la que hay que seguir de cerca.

Noisey.com una plataforma en línea para descubrir música que presenta a varias de las nuevas bandas más talentosas alrededor del mundo. A través de cautivadores y originales cortometrajes Noisey le otorga al espectador acceso sin precedentes a la vida de las bandas dentro y fuera del escenario. Este mes no puedes dejar de ver “The Offsets: Spectacles – Live – Beijing, China”.

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hot hot hit

Ellie Goulding

Texto: Karina Luvián / Foto: Cortesía EG

Letrista desde los 14 años, Elena Jane Goulding, mejor conocida como Ellie Goulding, saltó a la escena mainstream de la música inglesa luego de ser reconocida por la crítica que integra los Brit Awards en 2010. Ese mismo año, la intérprete nacida en la localidad de Hereford, Inglaterra, haría entrega de Lights, disco debut que por su propuesta soft rock mezclada con tintes electrónicos ha creado gran expectativa en lo que será su siguiente material, mismo en el que ya trabaja desde hace unos meses y que verá la luz el próximo año. 016

shuffle

Sky Ferreira Fashion! Turn to the right Por: Michelle Apple Foto: Cortesía SF

uizá la cara de Sky Ferreira sea más conocida por evocar imágenes de marcas costosas, aunque lo cierto es que, durante los últimos años, la modelo originaria de Los Ángeles se ha empeñado en aprovechar su fama ganada en el mundo del glamour, para difundir y compartir su música: una mezcla de pop, electro y dance, suficientemente buena como para que la dupla sueca Bloodshy & Avant la firmara en su discográfica. En exclusiva para WARP MAGAZINE, Sky revela los secretos detrás de su música… ¿Cómo haces para mezclar tu carrera de modelo con la de compositora? Inicié mi carrera musical antes de entrar al modelaje; ser modelo fue algo que se dio y que me ha abierto muchas puertas, lo que me ayuda a hacer dinero [risas]. Creo que es muy inusual lo que está pasando ahora: no existen muchos músicos que sean modelos; lo que sí vemos es a un músico de gran fama modelando y haciendo promoción para diferentes marcas, por ejemplo Madonna, que no es reconocida por ser una figura de las pasarelas, pero sí un ícono de la moda.

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¿Cómo te sientes ahora que Myspace muere cada día más? Myspace está desapareciendo, pero ahora está Facebook, Twitter, Soundcloud y los blogs: siempre habrá alternativas para compartir tu música y auto-promoverte. Hablando un poco de As If, ¿por qué decidiste hacer un EP pudiendo lanzar un álbum completo? Hice un EP porque así tenía la oportunidad de corregir y escoger mejor las canciones; además, he mejorado mucho en la manera en que escribo. Estas canciones significan mucho para mí, pues son experiencias por las que he pasado; las que aparecerán en el disco son mis canciones favoritas y quise incluirlas todas para reflejar lo que soy. ¿Podemos esperar algo distinto en tu primer álbum? Quizá será similar al EP, aunque definitivamente algo más maduro.

Y en tu caso todo pasó al revés… Sí, así fue. Pero te aseguro que, cuando me ves como compositora, me dedico sólo a eso: a hacer música. Y cuando estoy en las pasarelas, sólo modelo.

¿Será tal vez menos electrónico y más orgánico? Definitivamente será menos electrónico y tendrá más partes grabadas en vivo. También notarán una mejoría en mi voz, porque he estado practicando mucho. Ahora me siento como si en realidad fuera una cantante y tuviera que mostrarlo.

Hablando de tu música, podemos decir que eres de las últimas compositoras descubiertas en Myspace… Sí, Christian Karlsson (Bloodshy) y Pontus Winnberg (Avant), productores de sencillos como ‘Toxic’, de Britney Spears, me firmaron en Ändersson, su sello, gracias a mi Myspace.

Para terminar, ¿hay alguien en la industria musical con quien quisieras trabajar? Claro, con mucha gente, pero en particular me encantaría trabajar con David Bowie… ¡Sería grandioso! Bowie me gusta y se me hace romántico.

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Fleet Foxes Not just any helplessness blues Por: Paco Sierra Foto: Cortesía FF

a agrupación originaria de Seattle, Fleet Foxes, regresa con esa propuesta sonora que hechiza, además de letras que invitan a reflexionar. Con Helplessness Blues, su nuevo álbum —a pesar de su corta carrera—, se coloca como una de las bandas más importantes de su género. WARP MAGAZINE pudo platicar con Casey Wescott, uno de los integrantes de la banda, quien describe la experiencia detrás de la grabación de la placa. ¿Cómo te sientes hoy respecto a los inicios de Fleet Foxes? En los primeros días, cuando me uní a la banda, nos preocupábamos por grabar y tocar en la ciudad. Tenía un trabajo, otros proyectos, pero ensayábamos tres veces a la semana; trabajábamos por horas en nuestras ideas: fue un proceso de más de un año para grabar nuestro primer álbum. Después vinieron 18 meses de gira y, cuando aquello terminó, regresamos al mismo punto: mucho esfuerzo durante mucho tiempo, con el mismo entusiasmo para hacer un nuevo álbum. La diferencia es que, para hacer la nueva placa, le dedicamos más tiempo al proceso creativo. ¿Cómo fue grabar Helplessness Blues? Muchas cosas sucedieron. Robin (vocalista y compositor de la banda) llegó con canciones en su guitarra acústica, con la intención de que se mantuvieran así; pero estaban incomple-

tas y debimos tener mucho cuidado al hacer los arreglos; tan sólo eso nos mantuvo ocupados cerca de un año. Para mí fue mucho trabajo en mi habitación, con mi computadora, intentando diferentes versiones de las canciones y muchas ideas de armonía para los teclados. Tuve todo el tiempo del mundo para intentar diferentes ideas y algunas de ellas funcionaron. ¿Qué es lo que más disfrutas de Fleet Foxes? Es como mirarse en un espejo… Lo que más disfruto, definitivamente, es a mis amigos. He estado en otras situaciones musicales, pero con Fleet Foxes me siento inspirado por sus ideas, por sus perspectivas. Todos tenemos diferentes filosofías, las que aportamos a la banda, por lo que nos complementamos unos a otros. Fleet Foxes ha logrado renombre por sus presentaciones en grandes festivales pero, ¿qué disfrutan más: tocar en lugares pequeños o en los grandes festivales? Son retos diferentes, pero en los lugares pequeños nos sentimos más cómodos: de allí venimos y, personalmente, disfruto más la intimidad que dan esos shows; pero tocar en festivales también es algo muy especial, es algo hermoso y emocionante… Creo que, los shows íntimos y los festivales, son animales distintos que provocan sentimientos diferentes.

›› Paco Sierra es Editor en Jefe de WARP.la y puedes leer su entrevista con Pat Smear de Foo Fighters en WARP MAGAZINE #35.

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Miss Bala

Guanajuato International Film Festival Por: Michelle Apple Foto: Cortesía GIFF

n el Estado de Guanajuato se llevó a cabo la edición 2011 del Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF, por sus siglas en inglés), que busca consolidar el séptimo arte creado en México, así como su difusión internacional. Y, como cada año, WARP MAGAZINE estuvo reportando, de primera mano, cada detalle de este encuentro tan importante. Como parte de las primeras actividades a realizarse en el festival, el miércoles 27 de julio dio inicio el Tercer Rally Universitario, convocando a un numeroso público en las afueras del Auditorio del Estado. La misión, para los ocho equipos de diferentes universidades del país, fue producir y filmar un cortometraje con un tiempo límite de 48 horas. Más tarde se llevó a cabo una de las conferencias de prensa más esperadas: el fotógrafo, director, escritor y productor norteamericano, Larry Clark, por más de una hora, compartió con la prensa su experiencia detrás de las cámaras. También se estrenó la cinta Miss Bala, de Gerardo Naranjo, la cual inauguró de manera formal las actividades del festival en la capital de Estado, recibiendo muy buenas críticas por parte de la prensa especializada. El jueves 28 de julio, en la Casa del Conde Rul, el escritor Javier Millán presentó su libro Jorge Negrete: No basta ser charro, resultado de una exhaustiva investigación que conmemora el centenario del nacimiento de “El Charro Cantor”. Después, al mediodía, se presentó el filme Labios Rojos, de Rafa Lara, estelarizado por Silvia Navarro y Jorge Salinas, primera película mexicana con estreno simultáneo en México y Estados Unidos.

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El Teatro Juárez, por la noche, se convirtió en la sede que albergó el homenaje al director coreano Joon-Ho Boong, quien se puso en la mira internacional gracias a su trabajo en las cintas The Host (2006) y Mother (2009). Para terminar la velada, se presentó la película muda Crossroads Of Youth (1934), que además contó con musicalización en vivo, performance y narración en su idioma original, evocando la vieja tradición coreana de la proyección de cintas de la década de los años treinta. El viernes 29 de julio sucedió el homenaje a las actrices Isela Vega, Marissa Garrido y Soyoung Kim, y se proyectó el largometraje argentino Medianeras. Para culminar las actividades, por la noche, el Teatro Cervantes fue testigo del musical Hedwig And The Angry Inch, una obra intensa que trata temas de transexualidad acompañados de música rock ejecutada totalmente en vivo. El cierre del GIFF estuvo dominado por la conferencia magistral del fotógrafo Spencer Tunick, quien el sábado 30 de julio charló con la prensa y dejó claro su amor a la cultura mexicana y al Estado de Guanajuato donde, por cierto, aprovechó para desnudar y fotografiar a los locales. Para concluir con las actividades del Festival Internacional de Cine de Guanajuato 2011, el Auditorio del Estado albergó la ceremonia de premiación, donde se reconoció el esfuerzo de todos los cineastas que participaron y se premió a lo más destacado del certamen. Así, una vez más, Guanajuato se convirtió en un espacio para la difusión del arte visual expresado desde las entrañas de un proyector.

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City And Colour Their Little Hell

Por: Paco Sierra Foto: Cortesía CAC

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uando un individuo con tan sólo una guitarra se atreve a exteriorizar, en forma de música, sus miedos, pensamientos, frustraciones, alegrías, nostalgia, anécdotas, ideas, sentimientos y todo lo que podamos crear y sentir, bien vale la pena escucharlo; a pesar de ser una fórmula clásica, siempre será valiente. Así el caso de Dallas Green, quien a pesar de formar parte de un proyecto exitoso como Alexisonfire (banda ahora extinta) se embarcó junto a seis cuerdas a concebir City and Colour. 2011 vio nacer a Little Hell, tercer álbum de este proyecto, donde el canadiense Dallas Green proyecta sonidos sofisticados junto a letras sombrías y reveladoras. Un proceso de catarsis para el compositor y para el escucha es lo que revela Green, en entrevista para WARP MAGAZINE. Para verificarlo, hagamos un ejercicio: citemos líneas de canciones junto a sus palabras, para ver qué tan cierto es lo que dice.

acumulé algunas, pude armar un álbum y hacer que tuvieran sentido.

¿Qué te dejó escribir Little Hell? Con City and Colour nunca tuve la oportunidad de escribir un álbum, nunca me había tomado un tiempo para hacerlo, más que nada porque estaba con mi otra banda (Alexisonfire). Las canciones se presentaron de repente, aquí y allá, las escribía (“They found each other in the dark” – se encontraron unas a otras en la oscuridad). Cuando junté 12 o 13 canciones fue cuando decidí grabar el álbum. Fue muy interesante, las canciones llegaron de muchos lugares y cuando

¿Vives o viviste un “pequeño infierno” - little hell? Creo que todos; la vida es un pequeño infierno definitivamente. (“From my haunted past comes a daunting task of living through memories” – de mi perturbador pasado viene la difícil tarea de vivir a través de los recuerdos).

¿Tenías algún sentimiento específico al escribir estas canciones? No alguno en especial, cada canción tiene sus propias cosas. Escribo canciones sobre cosas de las que pienso, no escribo historias, son de mi vida (“There’s a degree of difficulty in dealing with me” – hay un grado de dificultad para tratar conmigo). Lo que esté en mi mente en ese momento: de mi familia (“Then there’s my father he’s always looking on the bright side” – ahí está mi padre, siempre viendo el lado bueno), de lo que observo en lugares mientras estoy de gira (“This highway’s dark and empty.” – esta carretera oscura y vacía), cosas de mí que me molestan (“I was raised in catholic school, taught to obey that one golden rule” – fui educado en una escuela católica, me enseñaron a obedecer esa regla dorada), pero ninguna constante.

Dallas Green, bajo el nombre de City and Colour, lo dice todo a través de su música.

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LIBROS Y DISCOS PARA COMPARTIR SIN PRESUMIR Por: Sr. Flavio

ompartir: de eso se trata y no deberíamos olvidarlo. Nos pasa, me pasa, te pasa… Te pasa un auto veloz en la Panamericana: no importa. Nada importa. Libros, discos, cuentos y poesía que me gusta y quiero más: Herbert West: Reanimador. Cuento. De uno de los maestros de lo siniestro: Howard Phillips Lovecraft. Una obra maestra del terror, sin lugar a dudas. Comenzó a publicarse en febrero de 1922. Narrativa de las sombras y lo abominable que, a mediados de los años ochenta, mereció la adaptación Re-animator en largometraje, dirigida por el artesano del cine, Stuart Gordon, con Jeffrey Combs en el rol protagónico. Es una especie de Frankenstein, aunque un poco más macabro, sádico y menos preocupado por los procedimientos y la ética. El relato describe las investigaciones de un joven estudiante de medicina, posteriormente médico, sobre personas muertas y sus experimentos para lograr la reanimación de cadáveres. Podemos ver la peli, pero es muy atrayente leer a Lovecraft y sus virtudes en la narrativa del horror. Hasta los títulos de los capítulos de Lovecraft resultan una obra de arte en sí misma: “El demonio de la pestilencia”, “El alarido del muerto”, “Seis tiros bajo la luz de la luna”... El relato se puede conseguir en diferentes antologías de cuentos del autor, junto a otros cuentos imperdibles, como “La Llamada De Cthulhu” y “El Color Que Cayó Del Cielo”. La habilidad descriptiva de Lovecraft, a la hora de representar situaciones aterradoras, es única, pues narra incluso olores, o bien “hedores infernales”. Así escribe: “Hubo una explosión como la de un globo que se revienta, un líquido nauseabundo como el que sale al cortar un pez luna, un hedor como de mil sepulturas abiertas y un sonido que el narrador no pudo detallar...” (Fragmento de “El Llamado De Cthulhu”). Un disco en el medio: Sessions, de 13 Al Diablo. Disco 003 de Frost Bite, sello

emprendimiento de Rodrigo Ibáñez, con predominancia en publicar discos de la escena hardcore y punk del Buenos Aires de aquellos tiempos. Y ahora sí voy a presumir: tengo el original, grabado y publicado en 1992-1993. 13 Al Diablo eran, nada menos, que Mariano González en la voz —quien lea El Carrito Loco sabrá de quién estamos hablando—; Gastón Vandam en la guitarra; Alejo de Jesús en la batería; y Fabián “Pil” Irazábal en el bajo… “Una extraña y poderosa fuerza se apodera de mi cuerpo y alma…”, dice la canción ‘Árboles’. Letras y músicas llenas de humildad y espiritualidad, aunque con todo el poder de la distorsión corrosiva del sonido aguerrido. Me gusta el contrapunto que ‘Reggae Sin Nombre’ da en la obra, en medio de temas de contenido distorsionado y trashero-core, asumiendo la buena influencia de los pioneros de la mezcla del punk: The Clash y, posteriormente, Bad Brains. Los fui a ver un par de veces en vivo, en el Baires de mediados de los años noventa. Recuerdo una fecha, en el Die Schule: Pil se encintó los dedos con tela adhesiva para tocar el bass: Ahhhggrrr… Y el disco, precisamente, lleva una combinación de bases y líneas de bajo con técnica slapping potentes, que finamente se entrecruzan con los riffs punzantes y machacantes de la guitarra trashera: algo poco común en aquellos días en la escena bonaerense. Por su parte, las melodías de la voz desafían estilos muy bien encriptados, otorgándole originalidad a la obra. Discos, libros, cuentos, relatos y poesía para compartir y disfrutar… Lean libros, y no lo digo desde la moral careta: lean, no se pierdan ese placer sin igual que logra la literatura. Y ni hablar de hacerlo escuchando un buen disco. Soy el Señor Flavio, en sintonía-poder para la jefatura libertaria de WARP MAGAZINE, hoy releyendo a Lovecraft mientras suena Sessions, de 13 Al Diablo en todo lo alto de mis altoparlantes.

›› Sr. Flavio es bajista y miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs, músico, productor y escritor, su más reciente novela se titula The Dead Latinos.

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Playlist

Here They Come: UK 2011 Por: Staff WARP

Reino Unido posee una de las industrias productoras de música más sobresaliente a nivel mundial, cada vez que un artista proveniente de estas frías islas se encuentra trabajando en el estudio —para después lanzar un nuevo trabajo discográfico—, podemos asegurar que marcará estilo y tendencia en los reproductores de todo el planeta. En WARP MAGAZINE creemos que aún en otoño, hay algunos lanzamientos que darán mucho de que hablar en lo meses por venir y que no deben quedar afuera de ninguna selección musical.

‘Switchblade Smiles’

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Kasabian

‘Little Shocks’ Kaiser Chiefs

‘Still Life’ The Horrors

‘Hurts Like Heaven’ Coldplay

‘Mirage’ Ladytron

‘Somehow’ Joss Stone

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‘New Year’s Day’ Viva Brother

‘Is It Me’ The Kooks

‘The Death of You and Me’ Noel Gallagher

‘Shuffle’ Bombay Bicycle Club

‘Sophia’ Laura Marling

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rock fiction COLUMNA

THE STONE ROSES Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

u megalomanía debió configurarse, necesariamente, desde niño; algunos creen que inició el mismo día de su mudanza desde Warrington, Cheshire, a lo que hoy se conoce como Gran Manchester: el pequeño Georgie —como le decía su abuela— tenía cinco años y, en el mercado, de la mano de Mrs. Brown, su madre, escuchó el acalorado diálogo entre un anciano vagabundo esquizo y el imaginario Bob:

—¡Krishna, el azul, hace 5 mil años! —gritó el vagabundo.

—¡Zoroastro, hace 3 mil! —exclamó el imaginario Bob.

—¡Luego vino Buda, el engañador de demonios!

—Y el advenimiento de los Elegidos se acorta cada vez más…

El pequeño Georgie, al pasar junto a ellos, ignoró por completo al vagabundo, pero el imaginario Bob lo había cautivado…

cidió fabricarse unos chacos con dos pedazos de escoba y un cordón de cortina; lo malo fue que el viernes por la tarde salió a practicar un poco contra los aparadores de Market Street. El lunes siguiente, al salir a la luz luego de purgar 72 horas por vandalismo en una celda del ayuntamiento, Georgie recargó sus manos sobre la tapia del Town Hall de Manchester y regaló al mundo tres o cuatro arqueadas de vómito verde; entonces tuvo su verdadera revelación: percibió la textura que acariciaban sus dedos, alzó la vista y tuvo ante sí ese hermosísimo relieve barroco que hacía llover flores de piedra en la barda cuan larga era. Una paloma blanca descendió a sus pies y, sin recelo —sin recato, dirían algunos—, comenzó picotear el vómito verde. Al regresar a casa, George —que oficialmente ya no era pequeño—, cerró la puerta de su habitación.

—¡Abre! —le gritó el imaginario Bob— ¡Abre, hijo de puta! Pero George permaneció firme.

—Jesús, Mahoma y Quetzalcóatl: los tres vinieron en menos de mil años… —dijo el imaginario Bob como si se le hablara al aire; pero luego, abiertamente, se dirigió al pequeño Georgie:— ¿Eres tú el Avatar de nuestra era?

—Me deprimes, Bob, no me dejas dormir… Y necesito estar solo: creo que ya no tienes lugar en mi vida… Pero Bob siguió golpeando la puerta…

Pocos años después, Mr. Brown, el padre de Georgie, hubo de tener una de esas charlas motivacionales que los padres trabajadores y con poca suerte suelen tener con los niños problema… —Serás grande, lo sé, lo veo en tus ojos… Además, si yo soy carpintero, entonces tú puedes ser como Jesús, ¿no es cierto, Georgie? El pequeño se sintió poderoso por unos días, alentado por el imaginario Bob:

—¡Vamos! ¡Puedes hacerlo!

El primer reproche, como era de esperarse, vino de Mrs. Brown la tarde misma en que el pequeño Georgie intentó caminar sobre las aguas del río Mersey: —¿Eres estúpido? ¡Tu padre podrá ser carpintero, pero yo trabajo 12 horas diarias en una fábrica y me queda muy poco de maldita virgen! El siguiente comentario perturbador que el imaginario Bob le susurrara al oído al pequeño Georgie —que ya tenía quince años—, fue que sería el siguiente Bruce Lee. Así, Georgie de-

—No desperdicies tus palabras, Bob; no necesito nada de ti; no me importa dónde has estado ni cuáles son tus planes; si soy el Siguiente, lo sabré en su momento… Tu lengua bífida sólo lame la tierra… El imaginario Bob desapareció. En cuanto a George —como sucediera con Krishna, Buda y Jesús—, nadie sabe dónde pasó los siguientes diez años; algunos piensan que estuvo castigado en su cuarto por sus padres, sin comer, sin dormir; otros, más místicos, piensan que viajó al Tíbet, a Egipto, a la India, a Yucatán, dictando cátedra a los Grandes Maestros… Lo cierto es que, cuando el Universo conoció sus trece piezas, ya no existía ningún George. La Era del Rey Mono había comenzado: luego de mil años, la Resurrección había sucedido, dando paso a Su adoración.

The Stone Roses The Stone Roses Silvertone 1989

›› Adolfo Vergara Trujillo es escritor y especialista en Literatura Mexicana, autor de los libros de relatos Freak Y Otros Tormentos y Absolut Punch.

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La Gusana Ciega Entra en el Agua

Texto: Michelle Apple Foto: Cortesía LGC

res años después de lanzar Jaibol, La Gusana Ciega regresa con Conejo En El Sombrero, un álbum cargado de sonidos de los ochenta, en su mayoría perpetrados por sintetizadores, conducidos por letras más reales, situaciones cotidianas y una sensualidad mucho más obvia. Daniel Gutiérrez, Germán Arroyo, Jorge Vilchis y Lu Martínez, en entrevista para WARP MAGAZINE, diseccionan su nuevo trabajo… ¿Cuál es la principal diferencia entre La Rueda Del Diablo y Conejo En El Sombrero? Jorge: Este es un disco más redondo, tiene otro beat. Tal vez es más rítmico, pues las estructuras de las canciones son más fluidas. Creo que La Rueda Del Diablo es más experimental: tiene cambios drásticos y es oscuro. Conejo En El Sombrero es, de alguna manera, más simple. Lu: Yo no siento que haya un giro total, porque La Rueda Del Diablo es un disco muy cargado en las guitarras y Conejo En El Sombrero todavía más. Daniel: Para mí, Conejo En El Sombrero es mucho más colorido y su espíritu es más alegre: tiene melancolía, cinismo y desencanto. ¿De dónde salió el título del disco? Germán: Me acuerdo que estábamos Daniel y yo en el estudio; debíamos anunciar que iba a salir el disco, pero aún no teníamos un título. Los nombres de las canciones estaban listos y a mí se me ocurrió sugerirle: “Conejo En El Sombrero”. Sin embargo, desde el principio, tratamos de no imaginar a un conejo y un sombrero; o sea: tratamos de que el arte no tuviera nada que ver con eso, pues simbólicamente representa una sorpresa: lo inesperado. Se nos hizo muy interesante el hecho de tratar de sacar de su sentido literal una frase tan gráfica. En cuanto a las letras, ¿todas tienen una temática o cada canción es diferente? D: Yo creo que para este disco hay una carga intensa de amor/ desamor, lo que tiene dos intenciones: hacer un disco de carga erótica muy consciente en sus letras, en sus descripciones de mujeres y de escenas, lo que lo acerca a encontrar situaciones de pareja, de encuentros y desencuentros. La otra intención fue utilizar analogías más terrenales y no de un mundo mágico en algún lugar del cosmos; son canciones de situaciones tangibles que, en ese contexto real, intentan crear mundos mágicos —situaciones especiales— que sorprenden.

¿Con Conejo En El Sombrero ha cambiado radicalmente su sonido o La Gusana Ciega continúa bajo el mismo concepto que ha seguido a lo largo de su historia? D: Diría que, de Merlina para acá, ha habido un cambio radical en nosotros como personas, como músicos y como intérpretes. Creo que puedes escuchar el nuevo disco y reconocer el sello de La Gusana Ciega, su sonido, su forma particular de hacer las cosas; pero dentro de esa espina dorsal, definitivamente ha habido una metamorfosis tremenda. Siendo cuatro individuos con personalidades, intereses y gustos diferentes, ¿les resulta difícil mantenerse unidos? G: La respuesta es “sí”, pero eso es lo que hace a La Gusana Ciega especial, que no son sólo las ideas de Daniel, no son nada más las ideas de Jorge, sino que es un conglomerado de ideas y eso es lo que hace que sea diferente. ¿Qué nos pueden decir sobre la manera en que La Gusana Ciega distribuye su material (sólo en presentaciones y directamente)? D: Para este disco, por primera vez en la carrera de La Gusana Ciega, somos dueños del master, de la grabación. Eso nos abre las posibilidades acerca de lo que podemos hacer con el disco. Podemos tomar decisiones de inmediato. En ese contexto, una de las decisiones que tomamos fue, primero, lanzarlo en forma digital para su venta y después hacer una venta personalizada: creemos que si alguien considera comprar el disco físico, debería tener un plus; y el hecho de que podamos acercarnos a nuestros fans y hacerlos sentir apapachados es algo muy importante para la banda. Decidimos que el disco, físicamente, lo vamos a vender nosotros: vamos a hacer una gira por la República para ir a vender el disco; la gente, a través de nuestras redes sociales, se enterará dónde va a estar La Gusana Ciega; así, van a poder ir a comprar el disco, tomarse una foto con la banda y cotorrear un rato. Como empresa, esto es mucho más redituable que poner el disco en la tienda. Una vez terminado este proceso, el disco va a entrar a los estantes comerciales, aunque la idea es que esa sea una edición especial: una edición en vinil. Cuéntenos sobre la aplicación de Conejo En El Sombrero para iPhone… G: Siendo adicto a los gadgets, y sabiendo que no soy el único, creo que es un modo muy cercano de estar con los fans, de que se enteren muy rápido de lo que nos tienen que decir o de lo que nosotros tenemos que decirles a ellos… Bájenla (a través de lagusana.com.mx), está muy completa y es una forma de estar en contacto con nosotros. 031

calendario SHUFFLE

septiembre 2011 01

Katy Perry Auditorio Telmex Guadalajara, Jal

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The Wailers José Cuervo Salón México, DF

Kaiser Chiefs José Cuervo Salón México, DF

Katy Perry Palacio de los Deportes México, DF

Sum 41 José Cuervo Salón México DF

Sonata Arctica Circo Volador México DF

X-Japan Circo Volador México, DF

Babasónicos Auditorio Nacional México, DF

Caifanes Auditorio Banamex Monterrey, NL

Thieves Like Us Voilá Acoustique México, DF

16-19

ACL Music Festival Zilker Park Austin, TX

5o Aniversario WARP Cake y Ximena Sariñana José Cuervo Salón México, DF

Bloc Party Auditorio Nacional México, DF

Warpaint Voilá Acoustique México, DF

Judas Priest Palacio de los Deportes México, DF

Primal Scream Premier México, DF WARP Aniversario 5 | CAKE / Ximena Sariñana | 28-09-2011 | 20 hrs. | José Cuervo Salón

Lago Andromaco #17 esq. Moliere, Col. Ampliación Granada, México, DF 08400 | Boletos en taquilla y en Ticketmaster

WARP.la | @WARPmagazine

Tears For Fears Auditorio Nacional México, DF

System Of A Down Palacio de los Deportes México, DF

Gang Gang Dance Teatro Fru Fru México, DF Tiesto Expo Bancomer México, DF

Ladytron Six Flags México, DF 033

gigs

Interpol Palacio de los Deportes Ciudad de México Foto: Fernando Aceves Para leer las reseñas de estos conciertos, escanea el código o visita: warp.la/gigs

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gigs

Austin TV Teatro Metropólitan Ciudad de México Foto: Cortesía OCESA Para leer las reseñas de estos conciertos, escanea el código o visita: warp.la/gigs

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gigs

ITLA Fest Recinto Ferial Pachuca, Hgo. Foto: Sergio Gálvez Para leer las reseñas de estos conciertos, escanea el código o visita: warp.la/gigs

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DESTACADO

La industria musical de Reino Unido: tan grande, tan compleja y tan llena de contrastes, una de las más nutridas en el mundo y la única capaz de competir con la estadounidense, superándola en marcadas oportunidades; imposible no voltear a verla y como cada año, hacer el análisis correspondiente. WARP MAGAZINE presenta en esta edición The UK Issue 2011, un número dedicado a las bandas propuestas, artistas consolidados y los característicos festivales que conforman la industria musical del Reino Unido.

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the UK Issue 2011 DESTACADO

Glastonbury 2011 Por: Diovanny Garfias Fotos: Sergio Gálvez y Diovanny Garfias para WARP La cobertura de Glastonbury 2011 es presentada por:

Con cielo nublado, promesa de lluvia y mucha expectación, dieron inicio las actividades musicales en los escenarios de Glastonbury durante la edición 2011 del Festival y el Worthy Farm, una vez más, se convirtió en el punto trascendente del planeta en materia de música. Desde luego, WARP MAGAZINE estuvo presente…

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día 1

Pasadas las 12:20 hrs., del 24 de junio, Brother hizo su aparición en el Other Stage y, una hora después, los neoThe Vaccines zelandeses The Naked And Famous tomaron el mismo escenario. ‘Punching In A Dream’ y ‘Young Blood’ hicieron que el campo frente al Other Stage comenzara a lucir repleto. Sin embargo, cuando la congregación rebasaba las 15 mil personas, fue que la nueva sensación de Londres, The Vaccines, tomaron el tercer turno del escenario, haciendo que aquellos que aún no se conectaban con el festival empezaran a disfrutar. — Puestos a tono, nos dirigimos al Pyramid Stage, donde el maestro BB King mantuvo abarrotado el escenario, mientras que en The Park, Big Audio Dynamite, el proyecto de Mick Jones (The Clash), daba cátedra de rock punk. Sin embargo, algo curioso sucedió: conforme se acercaba a su cierre, Jones observó cómo miles y miles se acomodaban frente a su escenario… La razón, lo que ya todos sabíamos: Radiohead era “el invitado sorpresa”. — Pasadas las 20:00 hrs., Thom Yorke, Jonny Greenwood, Ed O’Brien, Colin Greenwood y Phil Selway saludaron al público; y lo cierto es que, mientras las canciones se sucedían, se hacía evidente que esa no sería una noche de éxitos: Radiohead celebraba el In Rainbows y el The King Of Limbs. Después de un pequeño encoré, Radiohead volvió al escenario para interpretar ‘Street Spirit (Fade Out)’, logrando finalmente la conexión entre todos los presentes y concretando la que sería una de las actuaciones más recordadas del festival. — Para cerrar con las actividades del viernes, U2 se adueñó del Pyramid Stage; y es que, tras su cancelación del año pasado, Bono y compañía eran uno de los actos más esperados. Sin su famosa carpa “The Claw” y bajo una lluvia intensa, a los irlandeses no les quedó sino mantener saltando y gritando a miles tan sólo con la venerable fuerza interpretativa de su música. 042

Radiohead

BB King

The Naked and Famous

Viva Brother

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Graham Coxon

White Lies The Kills

día 2

El sábado 25 de junio nos mostró una cara diferente del festival: tuvimos un cielo prácticamente despejado y un sol que, pasados los minutos, picaba como agujas. Esto provocó en los locales una gran sonrisa, avivando el apetito de música y diversión. Así, poco después del mediodía, los australianos de Tame Impala repartieron psychedelic rock en cantidades industriales para el Pyramid Stage. Por su parte, en el John Peel Stage, los aprendices londinenses de Dinosaur Jr. hicieron su aparición, dando paso a Yuck que, apoyados en su noise rock, liderados por Daniel Blumberg, reunieron una cantidad considerable de público. — Pasadas las 13:00 hrs., The Gaslight Anthem tomó el Pyramid Stage; su actuación, con claras reminiscencias sonoras a Bruce Springsteen, puso a bailar a miles. En ese momento, pero al otro lado del Worthy Farm, en The Park, Graham Coxon saltaba al escenario acompañado de su banda. — Poco antes de que The Kills tomara el Other Stage, Jessie J abarrotó el campo frente al escenario, donde más de 20 mil personas se reunieron para disfrutar la actuación de la intérprete de ‘Price Tag’. Para las 17:00 hrs., Alison Mosshart y Jamie Hince ambientaban la huida de miles que corrían a otros escenarios; los que permanecieron, sin embargo, disfrutaron intensamente del garage rock de la dupla. — The Horrors reunió a algunos nostálgicos ansiosos de escuchar los éxitos de su álbum debut, Strange House; sin embargo, los británicos dieron un paseo por Primary Colours y aprovecharon para presentar en vivo ‘Still Life’, su nuevo sencillo. — Parecido a lo que ocurrió el día anterior, por poco más de una hora The Park se convirtió en el Main Stage: Pulp volvía a Glasto después de años de falsos rumores; y poco antes de las 20:00 hrs., la espera finalmente terminó: Jarvis Cocker recordó que esta era su cuarta presentación en el festival y luego se dirigió a los presentes… —Les queremos hacer una pregunta… ‘Do You Remember The First Time?’ Así, durante más de una hora, Pulp entregó clásico tras clásico,

Pulp

The Horrors

Coldplay

Glasvegas

creando un ambiente de fiesta a lo largo de The Park, hasta que la celebración concluyó, desde luego, con ‘Common People’. — Casi al mismo tiempo, en el Pyramid Stage, Elbow redondeaba el éxito conseguido con su álbum Build a Rocket Boys!, lo que, según algunos, resultó el preludio perfecto para presenciar el regreso de Coldplay a Glasto. White Lies hizo lo propio en el Other Stage, mientras Glasvegas reunía apenas unos 2 mil asistentes en la carpa John Peel; sin embargo, la opinión generalizada fue que el show de los escoceses presentaba una iluminación que, por sí misma, merecía estar en cualquiera de los escenarios principales. — Ya cerca del final, en el Other Stage, The Chemical Brothers dieron cátedra de cómo ofrecer una fiesta electrónica sobre un campo lleno de lodo y basura, sin dejar que la voluntad por mantenerse de pie de tanta gente junta ceda. — Cerrando las actividades del día, en el Pyramid Stage, Coldplay llenó de emotividad el escenario principal con un show de temas clásicos; fue opinión de los que estuvieron reunidos frente al escenario que Chris Martin y su banda pintaron de luces y juegos artificiales una noche que no podría concluir de mejor manera. 043

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— En el Pyramid Stage, Beyoncé reunió gran cantidad de espectadores, todos deseosos de comenzar, todos deseosos de comenzar la fiesta y llevarla hasta sus últimas consecuencias; los momentos más destacados fueron sus interpretaciones de ‘Sex On Fire’, de Kings Of Leon, y ‘You Oughta Know’ de Alanis Morisette. Queens Of The Stone Age, al mismo tiempo, saltaba al escenario del Other Stage y el proyecto encabezado por Josh Homme dio, sin duda, uno de los conciertos más emocionantes de su carrera. Homme comentó para el público: —Al principio no queríamos tocar aquí… No tenemos un disco nuevo o un motivo para hacerlo… Pero ahora sabemos que hicimos bien en aceptar.

Queens Of The Stone Age

día 3

El día comenzó con el sol cayendo a plomo desde las primeras horas, lo que provocó que la gente tuviera el ánimo de convertir esa gigantesca trampa de lodo llamada Worthy Farm, en una improvisada playa europea, topless incluidos. Luego del mediodía, la carpa John Peel recibió a Foster The People, la banda angelina que, apoyada en su debut Torches, ha llamado la atención de diversos públicos en el mundo. Por su parte, alrededor de las 15:00 hrs., el Pyramid Stage fue tomado por Laura Marling; la cantautora inglesa mantuvo al público cautivado con su folk rock y, a pesar de parecer tímida en un principio, la rubia superó la prueba, dando paso a OK Go, quienes ofrecieron un show apenas para un par de miles. — Poco antes de las 16:00 hrs., resultaba imposible acercarse al Pyramid Stage: la actuación de Paul Simon, evidentemente, había convocado a un numeroso grupo de amantes del folk. Así, la leyenda tomó su guitarra y durante más de una hora mantuvo a los asistentes bajo el intenso sol de Glasto sin queja alguna. — Casi al mismo tiempo, puntuales a su llamado, TV On The Radio hizo su aparición en el Other Stage, dejando bien claro que los de Brooklyn no son tan grandes en Europa como en Estados Unidos. Poco antes de las 19:00 hrs., Eels relevó a los neoyorkinos e interpretó temas del Tomorrow Morning, su más reciente álbum. Más tarde, el Pyramid Stage se convirtió en la catedral del drum and bass gracias a la actuación de Pendulum, cargada de energía y adrenalina en todo momento. — Robyn, en la carpa John Peel, inició su show con algunos problemas de audio, lo que la llevó a arrojar el micrófono en un par de ocasiones; y los contratiempos duraron hasta que se escuchó ‘Dancing On My Own’. Por su parte, los ingleses de Kaiser Chiefs abarrotaron el Other Stage y, de regreso a la carpa, ahora era Mike Skinner quien reventaba el John Peel con pocos pero muy devotos seguidores: al ser esta la última presentación de The Streets en Glastonbury, previa a la disolución del proyecto en 2012, su show se convirtió en algo emotivo para los presentes. 044

Con un setlist escogido vía web por los fans, Queens Of The Stone Age protagonizó un show que dejó con la boca abierta a las más de 20 mil personas que cubrían el campo frente al escenario. ‘A Song For The Dead’ fue la pieza que puso punto final a una noche llena de garage rock perpetrada por los californianos. — Así llegamos al final de las actividades del Festival Glastonbury 2011, una edición llena de contrastes musicales, anímicos y climatológicos, pero a la altura del que seguirá siendo el mejor festival del mundo… Y deberemos esperar dos años para el próximo: Glastonbury cierra sus puertas en 2012 para dar pasó a los Juegos Olímpicos de Londres… De cualquier forma, WARP MAGAZINE estará llevando los pormenores del Glasto 2013. La cobertura de Glastonbury 2011 fué presentada por:

Beyoncé

Eels

The Streets

TV On The Radio

Foster The People

Robyn

the UK Issue 2011 DESTACADO

Amy Winehouse

What’s next? Por: Paul Stokes / @Stokesie Foto: Hedi Slimane

¿Han oído de la banda británica que se negó a dar entrevistas, que rechazó contratos discográficos de casi todas las disqueras que se le acercaron, y que a través de un sitio web –vagamente secreto con textos extraños y collages surrealistas– y a través de un club de fans poco ordinario, dijeron que ellos habían moldeado el funcionamiento de su banda de acuerdo con la línea de los miembros del equipo FC Barcelona (el club de fútbol con más socios del mundo)? Sé lo que están pensando: por ley, ellos deberían estar haciendo la música más autoindulgente que uno puede imaginar. Pero en vez de eso, les presento a Wu Lyf –su nombre es una abreviación de World Unite! Lucifer Youth Foundation, así que quizás sea preferible decirlo de la forma abreviada–, quienes a pesar de hacer todas estas cosas, me complace informar que su álbum debut lanzado recientemente Go Tell Fire On A Mountain, es todo lo opuesto a ese show del terror. Grabado dentro de una iglesia de su natal Manchester, no escucharás un álbum más obscuro, eufórico y vital este año: una mezcla de grandes baterías, bajos fuertes, un órgano tubular eclesiástico, guitarras intrincadas pero melódicas, y el vocalista, Ellery Roberts “cantaullando” (algo similar a lo que sonaría un animal herido y un predicador poseído juntos). Con todo ese aislamiento, encubrimiento y su actitud cortante hacia las entrevistas, Wu Lyf no hacen música para sí mismos, sino que la están haciendo para la gente. Y, en efecto, cuando tocaron en Londres hace poco, una gran cantidad de personas terminaron con ellos en el escenario durante la última canción, lo que nos recuerda pictóricamente a esas invasiones del escenario con The Smiths en sus épocas de máximo apogeo. Y sé que podrán decir que, estando en Manchester, siendo enigmáticos y creando su propio mundo, cualquier comparación es demasiado buena para ser verdad. Pero tal vez esta sea la excepción. Notablemente, Wu Lyf no fue nominada este año al Mercury Prize, galardón que cada septiembre en Reino Unido, a través de un panel de jueces anónimos, escoge al “álbum del año”. Para ser honesto, nadie toma muy en serio al premio como tal –es una cosa divertida las apuestas previas o las discusiones posteriores–. Pero es muy raro que siendo una pequeña lista de apenas 12 álbumes –generalmente bien pensada–, los jueces –quien quiera que sean– hayan pasado por alto a Wu Lyf (aunque debo aceptar que merecen crédito por el reconocimiento de Anna Calvi y su álbum debut). Esperemos que los Q Awards (organizados por

mi nueva revista) no cometan el mismo error este mes de octubre. Siguiendo con el tema de personas que “lo hacen ellos mismos”, aprovecho esta oportunidad para dirigir sus miradas hacia Baxter Dury, el hijo de Ian Dury, vocalista de Hit Me With Your Rhythm Stick. A este chico mockney (que es un término afectivo dirigido a la gente de clase media alta que habla con un acento como si hubiera crecido vendiendo cosas en puestos de mercado – pueden tomar a Damon Albarn como ejemplo–) no se le puede acusar de navegar sobre la reputación de su padre, pues ha luchado en todo momento por “hacer” su propio nombre. Titulado Happy Soup, este introspectivo y agridulce álbum de Baxter Dury, es lo opuesto a Wu Lyf; con un alcance de poca fidelidad en las grabaciones y sus letras tristes. Pero es igualmente una gema. Si ustedes, amigos mexicanos, realmente quieren saber cómo somos los británicos de sangre fría y pesada cuando nos enamoramos, esto es lo que más se le aproxima. Por último, no podría terminar un artículo sobre la escena musical de Reino Unido, sin mirar al triste deceso de Amy Winehouse al final de julio. Muchos rumores comenzaron a girar alrededor de la industria musical apenas pocos días después de su muerte, sobre un álbum póstumo que podría ser lanzado este mismo año, basado en demos y partes de tracks. Cualquiera que sea el futuro de su legado discográfico, espero que Amy sea recordada como la “verdadera”, honesta y colorida artista que ella era. Posiblemente, su personalidad la dejó llegar demasiado cerca de sus demonios. Pero fue esa misma personalidad, esa alma, la que le hizo destacar en una época de estrellas de pop idénticas y robotizadas. Personalidades como la de ella surgen muy –muy– raramente, y por desgracia no duran mucho. Adiós Amy.

›› Paul Stokes es Editor Asociado de la prestigiada publicación de Reino Unido Q Magazine.

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Oxegen Festival Green music to the world

Texto y Fotos: Sofía Delgado / @LaBebaDelgado

Arctic Monkeys

Foo Fighters

Imelda May

Conocemos la pasión musical del mundo por el Reino Unido y es que, ¿cómo no tenerla? Allí han nacido —o se han hecho— la mayoría de las estrellas más alabadas de la música en inglés, además de varios festivales que nos permiten disfrutar de cientos de artistas al mismo tiempo, en ambientes que nos trasladan a los años sesenta y nos permiten ser hippies por un par de días, acampando, durmiendo y desayunando con los mejores sonidos del planeta. El caso es que la Irlanda que no pertenece a ese Reino Unido también tiene grandes artistas; podría hablar de U2, por mencionar a la crema de la crema, o festivales que sirven de plataforma para nuevos músicos, entre los cuales resaltan el Electric Picnic o el húmedo y más concurrido festival de toda la Isla —algunos dirían “la versión irlandesa de Glastonbury”— y opción para los que, en la misma fecha, no pueden ir al T In The Park (Escocia)… Me refiero al Oxegen Fest. Aquél que no sabe que en el mes de julio se vive en Irlanda el fin de semana con más rock and roll de todo año, es porque no tiene idea de que, desde 2004, se realiza este festival a las afueras de Dublín. La edición 2011, que para muchos no presentó un cartel sólido como años anteriores, a otros nos parece que sirvió para volver a ver en escena a bandas como Arctic Monkeys o los Foo Fighters, quienes no pisaban las tarimas irlandesas desde hace más de cinco años. La edición de este año abrió el viernes 8 de julio con Black Eyed Peas, The Strokes, My Chemical Romance, Tinie Tempah, Weezer, The Script, Shit Robot y Fun Lovin’ Criminals, entre otras bandas, que encendieron las luces del más rockero fin de semana de todo el año, en Punchestown Racecourse, Irlanda. El sábado —segundo día del festival que, por tradición, es el que alberga más asistentes— comenzó con la música de los escoceses de Big Country, dando paso a The Minutes, British Sea Power, Jessie J y a los locales Two Door Cinema Club, quienes anunciaron que luego de esa presentación harían un receso para grabar nuevo álbum, del que regalaron dos temas de adelanto. Por su parte, Bruno Mars, Imelda May, Paolo Nutuni, Diplo, Plan B y Brandon Flowers, antes de subir al escenario, disfrutaron del show del exintegrante de Oasis, Liam Gallagher, ahora con Beady Eye, quienes ofrecieron un set movido que cerró con un salto de su líder gritando: —¡Tómenme una foto! 046

Con la ausencia de la lluvia y el lodo que todavía no manchaba las botas de nadie —cosa fuera de lo común durante este fin de semana musical cada año—, los asistentes disfrutaron del show de Arctic Monkeys, liderados por Alex Turner, quienes presentaron su más reciente producción discográfica, Suck It And See, de la cual interpretaron casi todos los temas. Sin embargo, preguntando al público qué querían escuchar, complacieron con singles como ‘When The Sun Goes Down’, ‘Teddy Picker’, ‘Don’t Sit ´Cause I’ve Moved Your Chair’ y ‘The Hellcat Spangled Shalalala’. Para finalizar la noche apareció Deadmau5 en el Vodafone Stage, mientras que el sonido limpio, generoso y único de Foo Fighters se hizo presente en el escenario principal. Y por supuesto que Foo Fighters se robó más de la mitad de los asistentes, quienes entraron en éxtasis cuando Dave Grohl gritó: —El día fue largo, pero la espera terminó… ¡Estamos aquí! Y prepárense, porque cantaremos demasiadas canciones… ¡Los dejaremos sin voz! Así, temas como ‘Everlong’, ‘Times Like This’, ‘Best Of You’ y ‘Let It Die’, y otros más recientes, como ‘Rope’ y ‘Walk’, del álbum Wasting Light, hicieron brincar y cantar a los irlandeses, quienes quedaron sorprendidos al escuchar en solitario al baterista Taylor Hawkins y ver su conexión con Grohl. Claro está que Dave no podía dejar de hacer sus típicos comentarios como: —Que quede claro que no somos una banda que utiliza computadora… Nosotros tocamos de verdad… Nuestro sonido es único… ¡Somos los mejores! El Oxegen continuó hasta el domingo, tercer y último día de festival, cuando Coldplay, Slash y Beyoncé bajaron el telón y apagaron los micrófonos del fin de semana más ruidoso del año.

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Munich Right Place, Right Time Por: Karina Luvián

Propuesta WARP thisismunich. co.uk

Foto: Cortesía Munich

Aunque pareciera que el jardín de enfrente siempre será más verde, la dificultad que tiene una banda para lograr la proyección suficiente y expandir su música en el mundo, es la misma en Reino Unido que en otros puntos del globo. El quinteto Munich —conformado por Stuart Slade, James Mckeown, Stuart Weller, Josh Holmes y Tom Howland— lo sabe y con un EP producido por Paul Corkett (The Cure, Placebo, Björk, Biffy Clyro), presentaciones exitosas en Glastonbury y un disco de larga duración en puerta, buscan mostrar su música más allá de las islas. En plática con WARP MAGAZINE, Stuart Weller, guitarrista de la agrupación, nos habla de su breve carrera como banda y hace consideraciones interesantes sobre la escena del Reino Unido… ¿Cómo nació Munich? Todo inició cuando James Mckeown y yo nos conocimos en la escuela; nos hicimos amigos y, casi al mismo tiempo, comenzamos a tocar. Empezamos una banda llamada Early Morning Soundtrack y, tiempo después, llegamos hasta aquí. Hemos perdido algunos miembros y otros han llegado; así que como “Munich”, formalmente, tenemos alrededor de tres años. ¿Cuál es la situación que enfrentan las bandas de rock que empiezan en la escena de Reino Unido? Por el momento parece ser muy difícil. Todo está muy dominado por el dance y es bastante complicado tratar de tocar, de animar a la multitud y hacer que tu música se escuche. Me parece que la escena en Londres es un lugar bastante difícil; para la música muy producida y bailable es mucho más fácil.

¿Qué tan complicado es para una banda como Munich ser firmada por un sello y lanzar un disco? Es muy difícil. Creo que para las nuevas bandas la situación no es nada fácil y en el circuito independiente el panorama no es mejor, pues no hay mucho flujo de dinero y ya no firman a tantas bandas. Hay que trabajar duro antes de que una disquera se involucre; por eso creemos que debemos continuar a través de un sello creado por nosotros mismos. ¿A qué suena Munich? Seguimos siendo descritos como “épicos” y parece que funciona bastante bien. Al principio no me gustaba la etiqueta, porque suena muy cinematográfica; suena grande y creía que nosotros no teníamos un sonido así. Pero me di cuenta de que si vienes y nos ves tocar en vivo, el nuestro es un gran sonido, muy completo; sin duda, creo que tenemos mucha influencia de distintos géneros. ¿Cuáles son sus siguientes proyectos? En septiembre lanzaremos el sencillo ‘Into The Rain’. Es una de mis canciones favoritas y parece que también lo es para el público; así que pensamos darle un lanzamiento oficial, pues ya ha estado en rotación a través de YouTube. Después de eso, empezaremos con el álbum que actualmente está en proceso de composición; lo hemos detenido un poco por nuestra gira, pero nos tomaremos un mes para que las nuevas canciones suenen lo mejor posible… Intentaremos lanzar el disco el siguiente año.

›› Karina Luvián es Coordinadora de Editorial de WARP MAGAZINE, puedes leer su entrevista exclusiva con Le Butcherettes en WARP #30.

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Murkage Lovers, fighters, dreamers, seekers Por: Leonel Hernández Foto: Cortesía David Lewis

A veces pareciera que la fórmula de ciertos géneros de música permanece inalterable a lo largo de los años y el caso del hip hop y el rap es un ejemplo de esa especie de estancamiento de ideas. Sin embargo, en la fría Manchester —ahogada de rock—, surge Murkage, una banda/colectivo que hace rap experimental, llevando al límite los elementos del hip hop, incluyendo atmósferas y elementos electrónicos en sus canciones. WARP MAGAZINE conversó con “Murkage” Dave Lewis, fundador y parte medular en la estructura de este proyecto. ¿Cuál es el significado del hip hop para Murkage? El hip hop significa diferentes cosas para diferentes personas. Para nosotros significa surfear; son las pollitas mostrando sus “encantos”, son disturbios, explosiones; es poder y, desde luego, dientes de oro. No creo que para todos sea igual. Todos los miembros de Murkage tienen proyectos personales, como productores o MCs… ¿Cómo se decidió crear este colectivo? El proyecto fue creciendo por sí mismo. Además, hemos decidido aunar nuestros esfuerzos para que uno de nosotros, por lo menos, llegue a hacer un video sexual con Rihanna. ¿Cómo ven la escena de la música rap en una ciudad dominada por las bandas de rock? ¿Cuál es la respuesta de la gente? Es curioso: tenemos más en común con algunas de las bandas indie de Manchester, que con la escena urbana; y sin duda más éxito. Creo que Murkage tiene una gran influencia punk y, como tal, hemos sido bien acogidos tanto por la escena indie, como por la escena electrónica, lo cual es genial. ¿Cuál es la principal diferencia entre el rap americano y rap británico en su opinión? El rap británico, en realidad, tiene sus raíces más firmemente

vinculadas al dancehall y la cultura soundsystem; además, tiende a ser más rápido y nuestras habilidades están generalmente afinadas en un entorno más real, así que supongo allí está la diferencia. Nosotros no alardeamos sobre el dinero ni esas cosas. ¿Qué tipo de temas suelen incluir en la música de Murkage? Nuestra música es muy profunda y tratamos de hacer frente a las cosas grandes: la política, la religión, el dilema del alcoholismo… Decimos cosas que, muchas veces, otros no dicen por temor a ser etiquetados de “intelectuales”. Pero la intención tan sólo es brindar algo más. Ustedes tienen una presencia muy fuerte en las redes sociales… ¿Qué significa ofrecer su nuevo EP, Default Sovereign (2011), de forma gratuita en su sitio web? Significa mucho… Somos como comunistas con cocaína, socialistas con champagne… ¿Cuáles son sus planes para el último tercio de 2011? Hacer un poco más de música, comer más pollo… En fin, mantenernos en movimiento.

Propuesta WARP murkage.net

›› Leonel Hernandez es poeta y traductor y puedes buscar su entrevista exclusiva con Holy Fuck en WARP #38.

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Chaos And Creation In The Backyard They Predicted A Riot Por: Alejandro Franco Foto: Stefan Wermuth

Parece que ninguno entendemos bien por qué Londres se levantó con malas noticias hace algunas semanas, con varios de sus jóvenes amenazando la seguridad local y nacional del lugar que será sede de los próximos juegos Olímpicos en 2012. Dicen los que saben a través de voces tan poderosas y siempre políticas como M.I.A., que la música y la lírica de varios de los involucrados en los disturbios, ya nos habían dado un aviso claro que algo se estaba gestando. Dicen líderes de opinión como Guy Garvey, vocalista de Elbow, que hará lo imposible por tratar de entender qué motivó a tantos británicos a tomar las calles y revelarse en esa actitud anárquica que se convirtió, ya, en la más grande que haya ocurrido en Reino Unido en la historia actual. Algunos músicos como Kate Nash o Hot Chip se han unido a los movimientos que intentan reducir el daño en los lugares afectados como #RiotCleanUp y han salido a las calles a ayudar a los que se quedaron sin casa, sin ropa y sin tranquilidad. Lo cierto, es que Reino Unido nos está dando un mensaje, que para la mayoría, era ya claro mucho tiempo antes de que explotaran los actos violentos el primer fin de semana de agosto de 2011. El mundo es el mismo de siempre, porque una vez más, está cambiando. Los movimientos violentos locales contra lo establecido son cada vez más co-

tidianos; las bolsas internacionales se desploman, Estados Unidos es un país de segunda en cuestiones crediticias y Noruega cuenta historias reales de terror. Lo curioso es que la música siempre lo supo, lo sabe y lo sabrá antes que todos. El arte, en general, nos ha relatado a lo largo de la historia todo lo que pasa, como si fuera aquella canción de los ingleses Kaiser Chiefs, ‘I Predict A Riot’. En México no estamos aislados, con tantas canciones regionales que nos decían qué tan dentro estamos involucrados en el narcotráfico mundial desde hace un par de décadas. El asunto, es que no pusimos atención… o no quisimos. Es una lástima que no tengamos los oídos abiertos a lo que nos dicen nuestras mentes más sensibles en este planeta y nuestros jóvenes en el mundo, a través de sus distintos instrumentos de expresión como la música, o las redes sociales hoy en día. Es una pena aún más grande, que los centenares de viniles de disqueras independientes quemados en una bodega londinense en estos terribles actos de violencia… Esos discos se reponen, el mensaje podría perderse.

›› Alejandro Franco es Director General de WARP, conductor y creador de Sesiones con Alejandro Franco y conductor del show de radio Backstage 40.

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“Estamos en una época oscura. Hay algo que debe cambiar y será un mundo completamente diferente cuando suceda.” - Nick Baines

›› Michèle Albertini es Asistente Editorial de WARP MAGAZINE y también estudiante de Gestión Cultural en la universidad Sorbonne Nouvelle Paris III.

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Kaiser Chiefs Presente en transición, futuro medieval Texto: Michèle Albertini Foto: Cortesía KC

A finales de junio, de manera súbita, Kaiser Chiefs estrenaron su más reciente álbum, The Future Is Medieval. Y desde la lluviosa Londres, con unos días de descanso antes de continuar su gira, Nick “Peanut” Baines, tecladista de la banda, habló con WARP MAGAZINE y nos dio cuenta sobre los pormenores de la nueva placa, previo a su próxima presentación en México.

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¿Recuerdas alguno de los momentos de mayor inspiración previo a la salida del álbum? La noche antes de estrenarlo en la página, realmente no pude dormir. Estaba preocupado pensando: “¿va a funcionar?”. Tuvimos muchas dudas; incluso pensamos en la posibilidad de que alguien usara la misma idea que nosotros una semana antes. Ese fue el momento de mayor inspiración: después de haber trabajado durante 18 meses en secreto, intentamos algo diferente y funcionó. En el momento final nos sentimos inspirados por haber tomado una buena decisión.

¿Qué parte fue la más complicada para el lanzamiento del disco? Estuvimos trabajando durante un año; queríamos mostrar al mundo 20 canciones sin ningún anuncio previo. Trabajamos muy duro, pero no podíamos decírselo a nadie. Era un poco complicado, porque la gente creía que no estábamos haciendo nada. En total hicimos 24 canciones, de las cuales escogimos 20 para subirlas a la página. No queríamos agregar canciones débiles: una tenía que ser igual de precisa que otra. Creo que cada uno de sus sencillos ha tenido éxito por la manera en que están estructurados: son directos, divertidos y bailables… ¿Crees que están acostumbrados a buscar un sonido específico para cada canción, en lugar de hacerlo para cada uno los álbumes? En el mundo real, cuando comenzamos a tocar en los ensayos, sabemos cuándo un arreglo comienza a convertirse en una canción y cuándo no. Sabemos que si no terminamos una canción, es porque desde un inicio no fue buena. Por ejemplo, teníamos una canción muy electrónica, pero todos estuvimos de acuerdo en no integrarla; queríamos algo con guitarras fuertes y baterías. Con el tiempo que llevamos trabajando, puedo decirte que, definitivamente, la manera de hacer canciones cambió. ¿Sientes que la relación entres ustedes es diferente, comparada a la época de Ruston Parva? Probablemente ha evolucionado, pero ello no significa que haya cambiado. La parte interesante en este disco es que hicimos muchas grabaciones en vivo, todos juntos en el cuarto y tocando al mismo tiempo. Eso terminó recordándome cómo sonábamos en el cuarto de ensayo cuando solíamos tocar como Ruston Parva. Capturamos un sonido que no habíamos logrado capturar en ninguno de los discos anteriores. Avanzamos mucho en la manera de componer y de tocar nuestros instrumentos. Sentimos que dimos un paso hacia atrás en el buen sentido: encontramos el sonido que teníamos cuando estábamos en una pequeña sala de ensayo sin productores; y nos tomó cuatro álbumes llegar ahí: fue como regresar a las canciones de antes, ir a lo básico, alcanzar la manera sencilla de crear. 052

Nick Hodgson y Simon crearon Chewing Gum Records. ¿Con que otras bandas trabajan aparte de The Neat? De cierto modo, Chewing Gum Records se creó especialmente para The Neat. Y aunque han platicado con un par de bandas más, no hay momento para proyectos alternos: no quieren quitarle el tiempo a otras bandas, para luego desaparecerse en México o en Rusia. No sería una manera muy responsable de hacer las cosas. Y en cuanto a ti y Ricky, tampoco tienen tiempo extra para hacer algo que no sea tocar… Por el momento no, aunque tengamos dos años “libres” por delante. Durante el último año hemos platicado sobre la manera de trabajar en una idea y llevarla a cabo. No tenemos tiempo por la gira, aunque puedo decir que he tomado muchas fotos por todo el mundo: disfruto mucho hacerlo con viejas cámaras de rollo; se ven bien ya reveladas, pero toma tiempo. Me gustaría mucho tener una galería dónde exponerlas, pero de aquí a Navidad estamos llenos de fechas. ¿Qué música escuchan últimamente? El último disco de The Horrors es bueno; lo hemos escuchando mucho, aunque siempre terminamos volviendo a las compilaciones de canciones de The Who, Faces y, en fin, de música vieja. Creo que es un trazo común entre nuestras influencias —el motown, el soul y el groove— nos conectan y es ese tipo de música la que intentamos escuchar para poder obtener el mismo tipo de sentimientos. ¿Tienen algún set especial en mente para sus próximas presentaciones? En septiembre añadiremos unas siete canciones del nuevo disco y tocaremos todos los sencillos de los primeros álbumes. Actualmente tocamos un muy buen show. ¿Tienen algún recuerdo particular de su última vista a México? Hace cuatro años que fuimos y todavía puedo recordar cómo me sentí cuando estábamos tocando; fue un momento realmente bueno. Esta vez daremos tres fechas y puedo asegurar que será una locura. ¿Si “el futuro es medieval”, en que época se sienten actualmente? Desde el lado de la industria musical, estamos en una época muy oscura, como si algo no estuviera bien. Hay algo que debe cambiar y será un mundo completamente diferente cuando suceda: será toda una nueva experiencia. No creo que alguien sepa dónde estamos situados exactamente. Creo que muy pronto, afortunadamente, las cosas pueden cambiar para bien.

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Propuesta WARP wolf-gang. co.uk

Wolf Gang Symphonic pop outside a dream Por: Karina Luvián Foto: Cortesía WG

Pop, género venido a menos tras el surgimiento de cantantes plásticos; armonías calificadas como superfluas; descalificación por prostitución involuntaria. Afortunadamente, músicos especialmente salidos del viejo continente romperían este estigma, dándole al género un giro completo e inspirando a nuevas generaciones. Durante la primera década del nuevo milenio surgieron artistas como Max McElligott, que renovaron el panorama. Influenciado por el jazz, el folk, el electro, la música clásica y, desde luego, por el pop, la mente detrás de Wolf Gang muestra su talento, se abre espacios y llega este 2011 para cautivar con su álbum debut, Suego Faults. WARP MAGAZINE platicó con él sobre la escena de Reino Unido, su música y el futuro cercano. Crecimiento acelerado de la industria musical… ¿Crees que existe diferencia entre la música británica y la de otros países? No estoy seguro de que existan muchas diferencias. Recientemente he escuchado mucha música de Estados Unidos, Escandinavia e incluso Brasil, y parte de esos sonidos son similares en muchos sentidos. Creo que Reino Unido tiene un gran patrimonio musical, con una escena saludable y variada. Hay tantas nuevas bandas, que todas en su conjunto logran conformar una escena fuerte. Soy muy malo y no estoy muy al día con lo que está sucediendo, así que quizá no soy la mejor persona para opinar. Suego Faults tiene una vibra pop predominante a nivel general… ¿Qué diferencias encuentras entre la música pop hecha en estos días y el pop clásico de décadas pasadas? Creo que el pop de los años setenta y ochenta tiene muchísimo carácter y personalidad; ahora me parece que hay gente escribiendo música que suena muy similar a otra. Encuentro que gran parte de todo eso está sobre-producido y lleno de

simpleza, al menos en comparación con la mayoría de la música de antaño. ¿Cómo describirías la música y el proceso creativo de Wolf Gang? Suego Faults tiene un sonido muy veraniego, soñador y alegre; está influenciado por la música con la que crecí y tiene un montón de capas que forman un gran sonido. Al momento de crear, empiezo en el piano o con la guitarra; toco acordes y tarareo algunas armonías; cuando encuentro algo que me gusta, empiezo a crear una estructura concreta que se convierte en un verso o un coro, agrego otros instrumentos y hago un demo completo de la canción. En tu sitio oficial mencionas a David Bowie, David Byrne y Brian Eno como influencias… ¿Hay músicos nuevos que te inspiren? Muchos artistas están haciendo cosas interesantes: las armonías de Grizzly Bear, los sonidos de Arcade Fire y la sicodelia de MGMT son realmente interesantes. ¡Hay un montón de cosas buenas allá afuera! He estado de gira con bandas como Florence And The Machine, Miike Snow y Metric, y siempre es interesante compartir escenario con bandas más grandes, ver cómo actúan en vivo, cómo tienen todo bajo control y conocer su nivel de profesionalismo… Se necesita tiempo para alcanzar ese grado. ¿Qué sigue para Max McElligott? No mucho: escribir un segundo álbum de lunes a viernes y tocar en festivales sábados y domingos… 053

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The xx

Sobre la industria musical británica Por: Marc Gili (Dorian) / @marcdorian

En el verano de 2010, mientras acudía a un ensayo al este de Londres, un autobús de dos plantas, de línea regular, se cruzó en mi camino; era el típico autobús londinense, pero tenía una equis gigante cubriendo toda su parte trasera. No había frase o referencia alguna a lo que aquel símbolo pudiera significar… Se trataba, en efecto, del símbolo de la banda The xx y a la cubierta del álbum que, a la postre, sería uno de los mejores discos del año. Tan sólo eso, una equis gigante paseándose por Londres; un anuncio, de costo considerable, asumible sólo por una disquera que lo estaba apostando casi todo por una banda cuyo éxito les había estallado en las manos. Es bastante usual que, en Reino Unido —donde la venta física de discos sigue siendo considerable, mientras que la venta digital no deja de aumentar cada año—, una disquera independiente —en este caso, la independiente Young TurksXL— se permita anunciar a algunas de sus bandas en el metro de Londres o en las calles de Manchester, siempre y cuando la susodicha banda esté por sacar un nuevo álbum al mercado. Sin embargo, ese carísimo anuncio de The xx se paseaba por las calles de Londres ni más ni menos que un año después de la salida del álbum, dando su disquera toda una lección de poderío en materia de marketing musical. Sólo una discográfica de Reino Unido —y quizá de algunas ciudades de Estados Unidos— podría permitirse el lujo de pagar un anuncio como ese, un año después de la salida de un álbum, sobre todo cuando hablamos de una banda de música independiente más bien bizarra y difícil de radiar, como The xx. En cualquier ciudad del mundo las fachadas de los edificios, los autobuses y las paredes de las estaciones del Metro están tapizadas de anuncios de marcas de ropa, autos o aerolíneas. Por fortuna, esto no siempre es así en UK. Pero no sólo el dinero es lo que hace grande a la industria musical británica, sino su costumbre de arropar a todos sus artistas en bloque, independientemente de la disquera en la que estén. Yo mismo he sido testigo de cómo el director de un importante

sello indie de Londres se alegra, de todo corazón, por los éxitos de la competencia. Por otro lado, es muy raro que la prensa musical británica deje malparado un disco patrio: aquí, todo el mundo rema a la vez, con tal de exportar el producto nacional al resto del planeta, y ese sentimiento de unidad y confianza es fundamental a la hora de tener una industria musical fuerte. Esta fuerza, sin embargo, también tiene su lado oscuro: Reino Unido es capaz de encumbrar a sus artistas con la misma celeridad con la que, en ocasiones, los aplasta y los olvida. You Could Have It So Much Better, segundo álbum de Franz Ferdinand (¡el segundo!) ya sonaba a déja vu en UK, mientras en medio mundo registraba mayores ventas que el primero. La industria musical británica vive por y para la novedad, y en este sentido, muy a menudo, se encuentra acorralada por su deseo de encontrar lo siguiente: la nueva banda, el nuevo sonido, la nueva imagen. Esta psicosis empuja irremediablemente a la industria británica a cometer errores como encumbrar a artistas mediocres (cosa que le resta credibilidad) o a dar por muertas a bandas y solistas que, con el tiempo, demuestran que les quedaba talento para rato. Quizá a los británicos les falta otorgarle a las bandas el derecho a equivocarse, a arriesgar y a tratar de evolucionar sin que se cohíban, sin que se censuren sus cambios y, en fin, sin que se les marque con una equis antes de que hayan tenido oportunidad de grabar siquiera un segundo material.

›› Marc Gili es líder y compositor de la banda originaria de Barcelona, Dorian.

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UK Music Industry Getting the top

La industria musical en Reino Unido se ha revolucionado de tal manera que tiene afianzada su posición como la segunda más importante a nivel mundial, sólo después de Estados Unidos… Y trabaja duro para ser la número 1 dentro de algunos años; sin embargo, para lograrlo, más allá del talento, es necesaria una fuerte inversión financiera tanto del gobierno como de la iniciativa privada. A continuación, presentamos algunas cifras que dejan al descubierto el trabajo detrás de la música británica.

Sales

Digital

Piracy

Festivals

El álbum 21, de Adele, es el disco digital más vendido en toda la historia de Reino Unido, representando el 10 por ciento del total de discos vendidos.

Desde el 2004, año en que se creó la primera tienda online en Reino Unido, se han pagado mil millones de libras en música digital.

El 76 por ciento de la música obtenida online en Reino Unido, durante 2010, fue sin licencia.

Reino Unido es un destino donde se realizan los festivales y conciertos de música más importantes del mundo.

Los artistas británicos representaron casi el 12 por ciento de las ventas mundiales de música grabada en 2010 y se espera que en 2011 se supere.

El crecimiento de los canales digitales de Reino Unido ha sido del 29 por ciento, mientras que en Estados Unidos es a penas del 13 por ciento.

La industria musical inglesa contribuye con 5.6 miles de millones de euros a la economía británica, siendo el segundo mercado musical más grande del mundo.

Según reportes, el impulso en el mercado digital está dando sus frutos tanto para los consumidores, como para las comunidades de la música inglesa.

En Estados Unidos, país con el mercado musical más grande del mundo, los artistas británicos representan uno de cada 10 de los más vendidos durante 2010, mientras que en Reino Unido casi la mitad de todas las ventas de álbumes fueron de artistas nacionales.

Según el último estudio de la British Phonographic Industry, el 19.5 por ciento de la población compró, al menos una vez, música en formato digital durante 2010.

La organización representativa de la industria musical británica, UK Music, pretende desbancar a Estados Unidos del primer lugar como potencia musical en un lapso máximo de diez años.

El Reino Unido será el primero en implementar la etiqueta “Parental Advisory: Explicit Content” a servicios como YouTube o Spotify, para marcar aquellos contenidos que sean considerados “demasiado explícitos”.

El gobierno de Reino Unido busca la forma de proteger a las industrias creativas y lucha contra los sitios que venden música de forma ilegal, aunque de momento no se han alcanzado las metas propuestas. También ha desistido en elaborar una ley que imponga el bloqueo de los sitios infractores del copyright. Como parte de la lucha contra la piratería en la industria musical inglesa, los sellos discográficos más importantes — Sony y Universal Music— han puesto a la venta los nuevos sencillos de sus artistas más significativos en el momento en que se difunden por la radio. En la nueva norma británica contra la piratería se introducirá un sistema de avisos para los usuarios que descarguen copias protegidas, llegando, si se persiste, a la perdida total de conexión a internet.

Los conciertos y festivales musicales realizados en Reino Unido generan, al menos, 990 millones de euros al año, según un estudio realizado por la organización británica UK Music. Esta organización ha recomendado implementar una estrategia nacional de turismo de música en vivo con el objetivo de incrementar el número de turistas extranjeros. Los festivales de música en Reino Unido atraen, al menos, 7.7 millones de turistas nacionales y extranjeros al año. Aunque el 5 por ciento de los turistas provienen del extranjero, contribuyen con un total del 18 por ciento en el gasto turístico musical británico. El festival de Glastonbury se ha consolidado como el más importante, económicamente en Reino Unido.

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Friendly Fires Embracing the nights of fully ghosts Por: Diovanny Garfias Fotos: Rubén Márquez y Sergio Gálvez

“Componer es un proceso muy intenso, nos cuesta trabajo obtener algo con lo que estemos contentos.” - Edd Gibson ›› Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP MAGAZINE, puedes leer su entrevista con exclusiva con Paul Landers de Rammstein en WARP #38.

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Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

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Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

Estamos en una era en la que la música ha dejado de lado el coqueteo que tuvo con los sentimientos oscuros, las líricas destructivas y la sonoridad alternativa. En esta década, las bandas y su trabajo tienen que ver más con la brisa del mar que con los cielos nublados de Seattle y ni qué decir del lluvioso clima inglés. No es de extrañar que un trío de jóvenes dedique su arte al clima hawaiano y a las vivencias generadas alrededor de una alberca; lo que es curioso es que no hayan nacido, siquiera musicalmente, en algún lugar del Caribe, sino en Hertfordshire, Inglaterra.

Ed Macfarlane, Jack Savidge y Edd Gibson son tres músicos que, bautizados como Friendly Fires, lanzaron su álbum debut homónimo en 2008, y que desde entonces han permanecido en la mira de la crítica especializada. Luego de ser nominados al codiciado Mercury Prize en 2009, colocarse como la próxima gran banda de las islas de Reino Unido y darle la vuelta al globo, la banda entró de nueva cuenta al estudio para dar vida a Pala (2011), una extensión de su marcado estilo, pero conducido por caminos distintos. 058

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WARP MAGAZINE platicó en exclusiva con Jack y Edd durante su más reciente visita a nuestro país: los pormenores detrás de su nuevo material, sus planes a futuro, el momento que vive su industria y su fijación consciente con la arena y las aguas saladas… Todos estos tópicos fueron abordados. ¿Cuál es la historia detrás de su nuevo álbum? Jack: Estuvimos de gira durante mucho tiempo y, en octubre de 2009, comenzamos a pensar en un nuevo álbum; empezamos el proceso lentamente en un sótano al este de Londres y, bueno, ese fue el principio. Y siempre es duro cuando estás entre dos cosas; en este caso, como banda, sabíamos que teníamos que salir de gira y tocar en vivo, pero también nos gusta grabar… Creo que por eso fue difícil pasar repentinamente de una gira muy larga al estudio. ¿Les costó trabajo empezar a componer después de estar tanto tiempo de gira? Edd: Las primeras canciones que creamos, curiosamente, fluyeron muy rápido; las últimas en completar las compusimos en el estudio: las cosas iban bien; tanto como se podía; pero sentimos que teníamos que regresar al lugar donde nació nuestro primer álbum… Teníamos como cuatro canciones empezadas, pero cortamos todo de tajo y nos mudamos a ese sótano; allí nos desconectamos del mundo y nos concentramos en terminar el nuevo álbum. Hablando de Pala, se siente como un álbum más maduro, quizá dirigido a una audiencia más diversa y numerosa… J: Nuestra intensión nunca ha sido llegar a un nivel masivo o hacer música muy elaborada; por ejemplo, con nuestro primer disco, sólo hicimos la música que nos gustaba y que sabíamos hacer. En esta ocasión no fue diferente, al menos para mí.

E: Yo no creo que sea tan “maduro”, pues allí se sigue encontrando el lado feliz de nuestra música; lo que es un hecho, es que el beat está más abajo y que quizá es más intenso, pero al final… [Silencio] ¡No sé! Es difícil de definir… En algunos cortes de Pala trabajaron con Paul Epworth. Él no sólo es uno de los productores más diversos y prolíficos de Reino Unido (Bloc Party, Primal Scream, The Rapture, Kate Nash, Cee-Lo Green, Florence And The Machine, etc.); también está de moda por trabajar con Adele. ¿Cuál fue su experiencia con él? E: Bueno, él se fija mucho en los detalles, como la forma en que ciertos plugs terminarán afectando el producto de la consola o si el bajo tiene el sonido melodioso que está buscando y cómo lo va a mezclar, ese tipo de cosas… Y es meticuloso: podría cortar todo el sonido de lo que estás haciendo, con tal de que la canción dé lo mejor de sí. Hicimos como cinco canciones con él y todo salió muy bien: tan sólo éxito en el proceso. Completar Pala, por lo que cuentan, no fue tarea sencilla… ¿Les gustaría empezar a componer mientras están en su actual gira? E: Nunca hemos sido el tipo de banda que escribe mientras está de gira: no tenemos mucho tiempo entre un show y otro; a veces tocamos en un país una noche y unas horas después tocamos en otro… Estar en un cuarto de hotel y tratar de trabajar en nuevas canciones no funciona para nosotros; preferimos concentrarnos en la gira y, en cuanto tengamos algo de tiempo libre, seguro empezaremos a trabajar… J: Quizá al final de año tengamos algo de tiempo libre para trabajar en algunas canciones; lo seguro es que en enero iremos de gira otra vez. 059

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El nombre Pala proviene de la novela Island, de Aldous Huxley… ¿A quién se le ocurrió? E: Así es… Ed estaba leyendo el libro mientras trabajábamos en el disco y bautizó así la canción, porque está específicamente basada en el libro. Creo que al final decidimos nombrar Pala al disco entero, porque sentimos que también manejábamos un concepto, como en el libro; y si bien el concepto no es ideológico, el disco está hilado sonoramente por una misma idea. Esto no quiere decir que, si escuchas las letras, encontrarás una filosofía; puede que ni siquiera tenga sentido; pero es un hecho que el título Pala nos ayudó a enlazar todas las canciones del álbum de la manera en que queríamos. J: Cierto: trabajamos en el título mientras le dábamos los toques finales al disco; eso nos hizo las cosas más fáciles y, al final, se quedó. Este número de WARP MAGAZINE está dedicado a la industria musical del Reino Unido y, dada su visón privilegiada, sería muy interesante saber cuál es su perspectiva de esta… J: Creo que la parte positiva de una industria musical tan grande como la de Reino Unido es que tenemos disqueras como XL Records, que lanzan al mercado un número pequeño de álbumes al año, aunque tratan de que todos sean buenos; y trabajan para ello. No veo que las grandes disqueras hagan lo mismo; esas siguen el mismo proceso aburrido de lanzar un montón de cosas que al final están vacías. Las disqueras pequeñas se mantienen porque la gente siempre está buscando un nuevo movimiento; dicen: “esta es la nueva escena musical, esto es lo más nuevo”, y ese tipo de cosas: la gente ama la idea de tener algo nuevo a qué rendirle culto. Tocaron un punto importante: estamos en una época en la que los sellos independientes están en competencia con las transnacionales… ¿Cómo es, para ustedes, estar firmados con una disquera independiente (XL Recordings) de Reino Unido? J: Muy bueno… Digo: no tenemos con qué compararla… [Risas] ¿Les gustaría probar en una disquera transnacional? J: No lo sé, probablemente no; algunos nos han dicho que no tienen mucha libertad creativa y otras cosas con las que no creo que nos gustaría lidiar. E: Creo que hay algo muy espantoso en el hecho de que una transnacional decida firmarte y poner tu cara en todos lados y tener el control de tu vida. 060

Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

O sea que no pueden hacer otra cosa, que no sea escribir, mientras están en modo creativo… E: Componer es un proceso muy intenso para nosotros; nos cuesta trabajo obtener algo con lo que estemos contentos, así que no es algo en lo que podamos concentrarnos mientras estamos de gira.

Ese tipo de estrategias mainstream dan una imagen equivocada a los nuevos músicos, pues buscan ser famosos antes de compartir su música. En ese contexto, ¿creen que para los nuevos talentos es más fácil hacerse de un nombre en Reino Unido o por el contrario? J: Probablemente sí; creo que siempre resulta difícil presentar algo único; pero ahora Internet aloja mucha música y puedes encontrar cosas muy específicas, así que no creo que sea fácil o difícil, aunque siempre hay que tener algo de suerte y trabajar muy duro: necesitas de ambas cosas para tener éxito. E: Yo pienso que ahora es muy importante tomar otro elemento en cuenta: la autopromoción. Puedes saltarte a la disquera y hacer que tu música llegue a las personas por cuenta propia. ¿Qué me dicen de proyectos alternos? ¿Les gustaría colaborar con algún músico o productor en el futuro cercano? E: Estamos trabajando con Andrew Weatherall (productor, músico y DJ inglés)… J: Cierto: es algo que estamos tratando de hacer desde diciembre del año pasado: hay una canción que tenemos casi terminada y quedará lista seguramente para diciembre de este año… Eso esperamos. O sea, un año después de iniciar la colaboración… J: Sí, exactamente un año después… [Risas] Han estado en México en un par de ocasiones y, como saben, nuestras playas son famosas en todo el mundo. Ya que su música está claramente influenciada por la playa, ¿han visitado alguna mientras han estado en nuestro país? E: Siempre que venimos a México ha sido para dar conciertos y no hemos tenido tiempo… ¿Cuál es la playa más cercana? Debe ser Acapulco… E: ¿De verdad? Bueno, eso es algo que tenemos que aprender… ¡A programar shows de modo que tengamos unos días libres para ver algo más que cuartos de hotel y hablar de negocios! Siempre llegamos, tocamos y nos vamos, y ninguno de nosotros logra ver qué hay a nuestro alrededor. La próxima vez trataremos de hacerlo…

P65. LUST IN THE MOVIES. Christopher Nolan / Ken Loach P68. FASHION NUGGET. Kinky P72. ART BRUT. Ray Caesar

WARP TV

‘Impromptu’, Ray Caesar

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lust in the movies WARP TV

La explicación Por: Sofía Ochoa

también sigue? La persecución sube de nivel. Cobb le muestra a Bill cómo el allanamiento conduce a un mayor conocimiento de la presa. Sophie Calle, la artista visual francesa, en 1979 sale a las calles de París a seguir y fotografiar gente que elige aleatoriamente. Se obsesiona Following con una de sus víctimas y la sigue hasta Venecia. Se deja Convertirse en la sombra de alguien es darle,de hecho, una doble vida, una existencia paralela. llevar por su obsesión y, como -Jean Baudrillard, Please Follow Me mucama, penetra en su habitación e investiga la vida de ay una película con un tótem, un objeto robado de los este turista a través de sus posesiones. Toda esta experiencia —los sueños de la amada; ese objeto la vinculaba con el mundo diarios de calle, las fotografías en blanco y negro (valga la coinciy, una vez transgredido, es su puerta hacia la muerte. Al interfer- dencia), así como un texto de Baudrillard, el filósofo francés, están ir en la posesión íntima, el ladrón le roba la vida a su dueña. La vertidos en un libro publicado en 1988, Suite Vinitienne/Please Follow película es El Origen (Inception, 2010); el ladrón, Cobb (Leonardo Me. En éste, el pensador postula: “Un extraño orgullo nos impulsa Di Caprio); y el director, el inglés Christopher Nolan. no sólo a poseer al otro sino también a penetrar su secreto. No sólo Es 1998 y la opera prima del mismo director es Following… para que nos quiera, sino para resultarles fatales. Placer de la gris Su primera escena: un close up a las manos de un invasor que eminencia: el arte de hacer que el otro desaparezca.” busca objetos personales. El invasor es Cobb (Alex Haw, no Di El protocolo del doble en Following funciona como un espejo Caprio); sus razones argumentan que “interrumpir la vida de equidistante a sus dos personajes que lo observan, cada uno, alguien lo hace ver lo que da por sentado”. Desaparecer para desde lados opuestos. Bill, primero, imita los movimientos aparecer. Cobb es un ladrón de vidas con una estrategia mejor de Cobb. Cobb continúa con la absurda pantomima y Bill, sin que la de cualquier ilusionista: le inserta a alguien la idea de darse cuenta, se acerca poco a poco al espejo. Cobb imita convertirse en su doble y se apodera de su vida para siempre. igualmente los movimientos de Bill, acortando también la El otro, al perder su identidad, se convierte en una sombra. distancia entre ambos. Pronto se fusionan en esa superficie Pero demos un paso atrás: Bill (Theobald), la víctima de Cobb, plana y, por un instante, ambos desaparecen; aunque al final inicia con un juego de palabras: “la siguiente es mi explicación” uno logra salir. La necesidad de Cobb, sus deseos, desorientan (the following is my explanation), y continúa, “he estado solo a Bill y exterminan su identidad. por un tiempo, sintiéndome algo aburrido… Fue entonces que A pesar de sus torpezas de debutante —pues el sonido es empecé a convertirme en sombra de las personas (shadowing)”. deficiente, hay algunos movimientos bruscos de cámara, variBill, que lleva una vida totalmente trivial, busca trascender su os diálogos trastabillados y una pésima escena de acción—, existencia a través del rescate del otro. La mirada constante tiene no es cualquier debutante: con este filme vintage en blanco y el poder de invertir el anonimato del desconocido y de desapanegro, Nolan funda sólidamente su obra y establece congrurecer al perseguidor, mimetizándolos a ambos. De hecho, sigue entemente con sus trabajos posteriores algunos de sus temas, su propio rastro hasta convertirse en su sombra. ¿Qué sucede, especialmente el del doble. Después de más de una década de entonces, cuando alguien que sigue, se enfrenta con alguien que carrera, Following es una explicación y, también, el origen.

Enfilme.com es un sitio que te permite estar al tanto de todo lo relacionado con el cine nacional e internacional, con entrevistas, coberturas, investigaciones y más, este mes no te pierdas su entrevista exclusiva con el actor Jakob Cedergren (Submarino).

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lust in the movies WARP TV

Ken Loach

La conciencia fílmica de la Gran Bretaña Por: Alfonso Flores-Durón

Buscando a Eric

n cualquier lista que integrara a los autores en activo que más aportan al arte de hacer filmes, no puede excluirse el nombre de Ken Loach. Desde mediados de los sesenta comenzó a dirigir series de sobresaliente factura para la BBC, clavando su mirada en las vicisitudes de la clase trabajadora británica como proclama del rasgo social que, en su opinión, debe nutrir al arte. En 1965, casi debutando, dirigió Up The Junction (1968), con la que impactó por partida doble a la audiencia televisiva debido, por un lado, a la audacia con que abordó estilísticamente la vida de tres obreras —al mezclar la ficción creada alrededor de su trabajo y la vida hogareña con entrevistas reales—; y por el otro, por enfocarse en las peripecias de una de ellas que queda embarazada de su novio y decide practicarse un aborto ilegal, tema que entonces, en la Gran Bretaña, aún causaba controversia. En 1967 filmó Poor Cow, su primer largometraje para el cine, y en 1969 concibió Kes, una de las obras británicas más celebradas de la historia (el maestro Krzysztof Kieslowki comentó alguna vez que jamás le hubiera gustado ser asistente de dirección, pero que gustoso le habría preparado el café a Loach mientras dirigió Kes). En el transcurso de todos estos años, su discurso ha estado siempre imbuido por una necesidad apremiante de exponer la precariedad en que vive, convive y subsiste la clase trabajadora, en especial la británica y, particularmente, la injusticia inherente al capitalismo. Congruente, opta por hacer un retrato sin artificios ni afectaciones, recurriendo al estilo realista, similar al que entronizaron los italianos de la posguerra; es decir, asumiendo una postura muy cercana a la del documental, en la que se intenta anular toda idea de puesta en escena en el espectador, haciéndolo pensar que cualquiera que sea

la reacción de la cámara (incluso en un violento desliz que la apartara de la órbita donde se desarrolla la trama), ahí captará una escena de la realidad que se está desenvolviendo. La combinación de forma y fondo ha propiciado que a su cine se le etiquete como “realismo social”. Sin embargo, como todo buen artista, Loach trasciende los rótulos, atreviéndose también a manifestarse en temáticas de índole político, incluso en geografías alejadas de su isla —la España franquista, de Land And Freedom (1995); los inmigrantes mexicanos en Estados Unidos, de Bread And Roses (2000); la violencia en Nicaragua, de Carla’s Song (1996)— pero, particularmente, estampando en su inconfundible sello el rescate del más jocoso humor con el que impregna las terribles situaciones en que suele colocar a sus personajes. Buscando a Eric (2009) —filme sobre un cartero deprimido que recibe consejos de su ídolo, el genio francés del futbol, Eric Cantona (interpretado por el mismo Cantona)— no marca el primer desvío de Loach respecto a su habitual realismo social pero, no hay duda, sí representa su primera incursión en lo que podríamos llamar un realismo mágico mancuniano (de Manchester, pues). Su más reciente película, Route Irish (2010), escruta los perversos intereses comerciales involucrados en el fatídico conflicto iraquí y, para balancear ciertos guiños con patrones de cine ajenos a su idiosincrásico estilo, en compañía de Paul Laverty —su guionista habitual— concibe una intrincada trama que, además de acudir a teorías conspiratorias de carácter económico con el gobierno británico involucrado, teje con hilo negro relaciones personales espinosas que vuelven aún más conflictiva la vida, de por sí trastocadas por la guerra de Irak, en las lejanías de las islas del Norte. 067

fashion nugget WARP TV

Dream Machine

Banda: Kinky / Fotografía: Oscar Turco / Asistentes de fotografía: Pepz Vásquez y Franco / Estilismo: Mariana Martín del Campo Mural: Homero Leyva, Galería Luis Adelantado. *Agradecemos al restaurante Le Mat por las facilidades otorgadas para la realización de estas fotografías. Le Mat. Emilio Castelar, Col. Polanco. C.P 11560. Del. Miguel Hidalgo. Tel: 5281.1962

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fashion nugget WARP TV

César: Camisa, ETRO / Omar: Suéter, Commes des Garcons para COMMON PEOPLE / Carlos: Camisa, Riviera Club para COMMON PEOPLE Gil: Blusa, Warriors of Radness para COMMON PEOPLE / Ulises: Saco, ETRO

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fashion nugget WARP TV

Todos visten prendas propias / Ulises lleva una corbata PINK

192 es una revista mexicana de moda y cultura. Twitter: @revista192.

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art brut WARP TV

Ray Caesar Shadowplay

Por: Chëla Olea Imágenes: Cortesía Gallery House

i tuviera que resumir quién es Ray Caesar en dos líneas, diría que es un renombrado artista digital/surrealista que afirma haber nacido siendo perro. Exintegrante de la GVFX (Gajdecki Visual Effects) de Toronto y nominado al Emmy, nada de esto se compara, por supuesto, con lo que dice su obra. La perspectiva sensorial de este artista es basta en destellos delirantes: habla de contusiones y fracturas emocionales que van más allá de la imagen de cuerpos frágiles. En su obra habita cierto espíritu mutante, inocente y hasta cierto punto corrupto, pero que siempre es persistente. “Suelo describir mi trabajo como un ‘trastorno

de identidad disociativo’; como una extensión de mi subconsciente; esto me ayudó a colocar mis sentimientos en un mundo de papel, volviéndose un santuario, un refugio de mis emociones”. ¿Quiénes son estos personajes? Son fragmentos de mí. Trabajé 17 años en un hospital para niños y, retratarlos con tubos, enfermos, dejó huella en mí. Los describo como el arquetipo del niño divino, que es el núcleo de todos y cada uno de nosotros, el antecesor de lo que todos hemos desarrollado, de lo que somos hoy. Ellos son la familia que ha crecido conmigo desde la infancia y que me ha hecho compañía durante muchos años.

Day Trip ›› Chëla Olea es editora de arte de WARP MAGAZINE, curadora de la sección Art Brut de WARPtv y make up artist.

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art brut WARP TV

¿Cómo traduces el simbolismo de las arañas, de los tentáculos? Las arañas son criaturas de la oscuridad, ya sean del jardín o del subconsciente… simplemente son profundidad. En cuanto a los tentáculos, me llama la atención que cada uno tenga vida, mente propia. La araña, muy a menudo, es una metáfora de mi madre, quien era una mujer muy extraña; ella teje una trama de misterio a través de mi pasado, que vive conmigo hoy; lo único que conservo de ella es un broche con ocho diamantes con el que solía jugar de niño: siempre me ha recordado a una araña. ¿Cómo te convertiste en artista? Nunca tomé esa decisión: somos creaturas creativas y nuestra creatividad es lo que nos define como especie: hacer fotos o pintar, es sólo un lenguaje que usamos en lugar de palabras, son canciones en movimiento. Tengo la teoría de que, cuando creamos, usamos un estado diferente de conciencia, como si soñáramos despiertos. ¿Qué les aconsejas a los jóvenes que buscan un lugar en el mundo del arte? Mi consejo sería no intentar encontrar un lugar en “el mundo del arte”. El arte vive dentro de ti, y empieza y termina dentro de ti; por ello creo que es más valioso el camino que “el mundo del arte” en sí mismo: ese lugar no existe; al menos, yo no lo he encontrado aún…

Eternity

Descent

Building Eden

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EXCLUSIVE GUARP coverage LAMC 2011 warp.la l @laGUARP

THE UK ISSUE FEATURING:

FRIENDLY FIRES SPECIAL REPORT:

Latin American Music Conference 2011

feature GUARP

Latin American Music Conference 2011 By: Marla Guedimin / Photos by: Nacional Records

EXCLUSIVE GUARP coverage LAMC 2011

Ely Guerra

DAY 1

The Latin Alternative Music Conference 2011. A five-day of networking. Where artists, label executives and the most influential people of the Spanish-language alternative music scene gather. People who do programming and decide our music scene; or at least, they influence it. This year is their 12th Anniversary and so far, one of the smoothest productions they have ever had. The first day was about Registration, getting our badges and programs to be able to assist to all the events around the LAMC 2011. The first event LAMC offered, was the Music Night, part of the Summerstage: An annual festival in NYC that offers music, theater, and dance, with over 100 free performances from around the neighborhood and around the globe. The headliner was catalan Jarabe de Palo and Mexico represented with Ely Guerra. Also performances by Novalima (AfroPeruvian electronica folk) and Mr. Pauer, an extraordinary DJ from Miami. Central Park was packed and the event was truly worthy to watch. Even the production had some issues with the audio after Ely Guerra’s performance and at the beginning of Pau Donés’, the people were really thankful for such a beautiful evening in Central Park. Latin Alternative Music was really warming up this beautiful summer in New York! 076

Cuarto Poder

DAY 2

What is a good way to attract people from the same industry to gather? We all are interested in the same affairs. So, LAMC produces panels for us to discuss them and must of all, to learn from the experts. We were at the Roosevelt Hotel, for the first panel: @Digital: Engaging Your Audience & Monetizing Music. All these people talked about running a working organization as musicians and the industry in general. This was an approach to the music and live shows industries, as viable businesses.

feature GUARP

you can possibly imagine. The invited artists even go and give interviews to the media, sign autographs to some fans. You get tons of flyers with information, business cards from label companies, music houses, music studios, Managers, PR’s, Agents, Publishing companies, brands, non-profit organizations and from whoever thought would be worthy to let you know who they are. You can’t imagine how many music demos laGUARP got. But you will know all about them, soon. Then, after wrapping up the last panel, we headed to the Prospect Park for the outdoors Show within Celebrate Brooklyn party. Performances by: Los Lobos, Hello Seahorse! and Zigmat.

Hello Seahorse!

Amaral

Of course the advertising and online streaming as sources of revenue, brought the heat to the conference room. They talked too much about how artists, labels and promoters are able to use social media to get publicity, or even revenue. Now, after another conference, we headed to the SOBs (also known as Sounds of Brazil, located in SoHo, lower Manhattan), for this year’s acoustic showcases: Cuarto Poder, No Te Va Gustar, La Vida Boheme, Diego Garcia, Ely Guerra, Hello Seahorse!, Napoleon Solo, Superlitio, Gaby Moreno and One Chot. The showcase –open only to LAMC badge-holders and just a few tickets available for the public- presented all kind of music, rap, indie-pop, ska, rock and Latin and Alternative sounds.

DAY 3

And the whole became eclectic. This was the schedule for the day: Patrons Of The Arts: Who Are Today’s Music Investors, 99 Problems: And Putting Together A Tour Shouldn’t Be One and Soy tu brand: Latin Music and the Art of Sponsorship, Branding & Licensing. A lot goes on while these panels happen. There is a hall full of stands, a press room, a small stage for showcases, sponsorships and all the possible marketing and networking

Los Lobos

DAY 4

Well, now, let’s ran over to Central Park. We still have a program to cover: LAMC and Central Park Summerstage Show and Central Park, Rumsey Playfield. The best thing about LAMC, is that you will be surprised by the new talent, it is a great frame for a lot of Zigmat new artists. The LAMC has brought together the best independent artists from the Spanish-language alternative music, and of course, their fans. This year was not different from the others: another 4-day marathon of Latin-Alternative showcases, concerts, panels, networking, parties and after-parties. Now, these days, the LAMC brings the non-commercial music, regardless the language, but played strictly by Latinos; such as rock, electronic, reggae, hip hop, etc. 077

insert GUARP

Speaking of Pala, it feels like it´s a more mature album, maybe aimed for an audience more diverse and numerous ... J: Our intention was never to reach a massive scale or make a very elaborated music, for example, on our first album, we just did the music we liked and knew. This time was no different, at least for me. E: I do not think it´s so “mature” because there you still find the happy side of our music, what it is a fact is that the beat is lower and perhaps more intense, but in the end ... [Silence ] I do not know! It is difficult to define it ...

Friendly Fires Embracing the nights of fully ghosts By: Diovanny Garfias / Photo: Rubén Márquez and Sergio Gálvez Translator: Marla Guedimin

We are in an era in which music has stopped flirting with the dark feelings, the destructive lyrics and the alternative sound . In this decade, the bands and their work have more to do with the sea breeze than with the cloudy skies of Seattle (to say nothing of the rainy English weather). It´s not rare that a trio of young guys devoted their art to the Hawaiian weather and to the experiences around a swimming pool. What is curious is that they were not born, even musically, somewhere in the Caribbean, but in Hertfordshire, England. Ed Macfarlane, Jack Savidge and Edd Gibson are three musicians who, dubbed Friendly Fires, released their eponymous debut album in 2008, and have since been targeted by specialized critics. After being nominated for the coveted Mercury Prize in 2009, being positioned as the next big band from the islands of Britain and being around the globe, the band entered again into the studio to give life to Pala (2011), an extension of their strong style, but driven by different routes. WARP MAGAZINE talked on exclusive with Edd and Jack during their latest visit to Mexico: the details behind their new material, their future plans, the moment that music industry is living and their conscious fixation with sand and salt water ... All these topics were addressed. Whats the story behind your new album? Jack: We were on tour for a long time and, in October 2009, we began thinking about a new album, we started it with a slow process in a basement in East London and, well, that was basically the beginning. And it’s always hard when you’re between two things, in this case, as a band, we knew we had to go tour and play live, but we also like to record ... I think that´s why it was difficult to pass suddenly from a very long tour to the studio. Was it hard to start composing after spending so much time on 078

So, listening to you, Completing Pala, was not an easy task ... Would you like to start composing new materials while you are in this current tour? E: We have never been the kind of band that writes while on tour: we don´t have much time between a show and another, sometimes we play in a country one night and a few hours later we play in another ... Being in a hotel room and try working on new songs doesn´t work for us, we prefer to concentrate on the tour and as soon as we have some free time, we start working ... J: Maybe at the end of the year we have some free time to work on some songs, But for sure, on January we will go on tour again. So you can´t do anything else than write, while in a creative mood? E: Composing is a very intense process for us, we have trouble on getting something that makes us happy, so it’s not something that we can concentrate on while we’re on tour. The name of Pala comes from the novel Island, by Aldous Huxley ... Who came up with the idea? E: That’s right ... Ed was reading the book while working on the album and named the song, because it is specifically based on the book. I think we finally decided to name Pala the entire album, because we also were driving a concept, as in the book, and while the concept is not ideological, the album is all structured by the same idea. This doesn´t mean that if you listen to the lyrics, you´ll find a philosophy (it can´t even make sense), but it is a fact that the title Pala helped us to link all the songs the way we wanted. J: That’s right: we were working on the title, while we gave the finishing touches to the album, and that made things easier, and ultimately stayed. You have been in Mexico in a couple of times. As you know, our beaches are famous around the world. And your music is clearly influenced by the beach. Have you visited one of our beaches while being in our country? E: Everytime we have came to Mexico, it has been to give concerts, so we have not had time... What is the nearest beach? It should be Acapulco… E: Really? Well, that’s something we have to learn ... To schedule our shows so that we have few days off to see something else than hotel rooms and talk business! We always come, play and go; and none of us gets to see what’s around us. The next time we´ll try to do it...

insert GUARP

What’s Next By: Paul Stokes

So have you heard the one about the British band who refused to interviews, turned down a record deal from almost every label in the land and via a vaguely secretive website of strange texts, surreal collages and – via a far from the run of the mill – ‘fan club’, say they’ve modelled the running’s of their group along the lines of FC Barcelona’s membership-led structure? I know what you’re thinking: by rights they should be making the most self indulgent, musical nonsense imaginable. Instead meet Wu Lyf – it stands for World Unite! Lucifer Youth Foundation, or possible it just sounds good phonetically – who despite doing all these things, I’m pleased to report that their recently released debut album Go Tell Fire On A Mountain is the exact opposite of that horrorshow. Recorded in a church in their native Manchester, you will not here a more darkly euphoric, yet vital record this year. A blend of big drums, pounding bass, a pipe organ, intricate yet anthemic guitars and frontman Ellery Roberts’ yelping vocals (which are pitched somewhere between a wounded animal and a possessed preacher) for all of their isolationism and cloak and dagger attitude towards interviews Wu Lyf don’t in fact make music for themselves, instead they’re making it for the people. Indeed when they played London recently, a lot of people ended up on stage with them for the final song it actually recallws grainy images of The Smiths’ stage invasion heyday. I know, from Manchester, enigmatic and creating their own world, any comparison is too good to be true… well maybe not in this case. Remarkably Wu Lyf weren’t been nominated for the annual Mercury Prize which via an anonymous panel of judges attempts to pick an album of the year each September in the UK. To be honest no one takes the prize itself too seriously – it’s a fun thing to argue over or have a bet on – but it’s shortlist of 12 albums is generally well thought of, and it’s odd that whoever the judges are, they missed it out (though they should get credit for recognising Anna Calvi’s self titled debut album

which I wrote about in these pages earlier this year). Hopefully the Q Awards – organised by my new magazine – won’t make the same mistake this October. Keeping with a theme of people doing it themselves, I will also take this opportunity to direct you towards Baxter Dury. The son of Hit Me With Your Rhythm Stick singer Ian, the Mockney (it’s an affectionate term aimed at middle class people who talk like they grew up running market stalls in EastEnders, see Damon Albarn as an example) can hardly be accused of surfing on his dad’s reputation having struggled at every turn to make his name. Entitled Happy Soup, this introspective, bittersweet album is the opposite of Wu Lyf with it’s lo-fi approach and mournful lyrics, but it’s an equal gem. If you folks in Mexico want to know what us cold-blooded Brits are like when we’re in love, this could be the closet you’ll get. Finally, I can’t finish a piece about the UK music scene, without looking back at the sad passing of Amy Winehouse at the end of July. Rumours were swirling around the UK music industry just days after her death that a posthumous album based on demos and partly finished tracks could be released before the year is out. Whatever the future of her recorded legacy, I hope that Amy will be remembered as the real, candid and colourful artist she was. Possibly that personality let her get too close to her demons, but it was that personality, that soul that made her stand out in an era of identikit popstars. Her like come around very rarely and sadly they don’t last long. Goodbye Amy. 079

encore

#WARP5

Ximena Sariñana By Sergio Gálvez for WARP

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