Warp 34 digital by Edgardo Dominguez

WARP MAGAZINE No.34 $35.00 Méx, $2.99 USA, €2.99 Europa, $1,950 Chile, $9.50 Argentina

THE FUTURE WILL COME

LO QUE VIENE EN 2011

WHITE LIES FEATURING:

RATATAT • SHIT ROBOT • ZOLA JESUS • GOOSE THE NAKED AND FAMOUS • BEAR IN HEAVEN • RA RA RIOT THE RADIO DEPT. • CRYSTAL FIGHTERS • LOCAL NATIVES THE PAINS OF BEING PURE AT HEART • CAPRI • POLOCK

Cortesía Universal Music

o nuevo de 2011, lo que seguramente estará en boca de todos ya es una realidad. Las propuestas más importantes que deben ser escuchadas son encabezadas por White Lies, gracias a que con su disco debut en 2009, se posicionaron entre las bandas a seguir. Hoy, con Ritual, su álbum más reciente, los originarios de Londres están listos para trascender a nivel mundial.

WARP MAGAZINE

No.

Director General Alejandro Franco Fernández twitter.com/AlejandroFranco

Editorial

Editor en Jefe Milton Barboza Arriaga twitter.com/MiltonBarboza Coordinador Editorial Diovanny Garfias twitter.com/Androgyn Asistentes Editoriales Paco Sierra twitter.com/PacoSierra Paola del Castillo twitter.com/PaodlCastillo Corrector de estilo Berenice Andrade twitter.com/melcochabarata Editor de Film Mario Székely twitter.com/Capimalpasz Columnistas Joselo Rangel (Café Tacvba) twitter.com/cafetacvba, Paul Stokes (Editor Noticias, NME) twitter.com/Stokesie, Sr. Flavio (Los Fabulosos Cadillacs), Samantha López (Corresponsal Madrid/Londres) twitter.com/Samanthalopezs.

Jack Lawrence-Brown de White Lies

Destacados

THE FUTURE WILL COME

El comienzo de año nos da la oportunidad de buscar a las mejores propuestas

con sus más recientes trabajos musicales. En esta ocasión 2011 ya nos ha

puesto en la mesa discos de bandas que ya se presumen entrañables como

White Lies, quienes bajo la tutela de su segundo álbum Ritual, están listos

para ser considerados de los más respetables de la escena actual. Y no sólo

estos ingleses, sino otros proyectos como Local Natives, Shit Robot, Capri,

The Radio Dept., Goose, etc. están en la mira de este Especial dándonos a

conocer sus ideas musicales.

Secciones Editorial

Hot Hot Hit

Harry McVeigh de White Lies

Lykke Li

¡Silencio Por Favor!

Shuffle

Foo Fighters

OMD, Draco Rosa, The Flaming

Set List

Lips, Air, Los Daniels

Featuring

Warped

Saúl Hernández

TV, Film, Fashion, Sports, Art

Mis Videos y Discos

110

Vintage

Gigs

Joy Division

Ra Ra Riot, Roger Waters, Gail

112

Encore

Ann Dorsey, The Whitest Boy

Ra Ra Riot

Alive y Symmetry Spins

*YA PUEDES VER GRATIS LA REVISTA COMPLETA EN LÍNEA A TRAVÉS DE: www.warp.com.mx/digitalmagazine Foto de Portada: Cortesía Universal Music

Colaboradores Invitados Harry McVeigh (White Lies), Saúl Hernández, Marc (Dorian), Colaboradores Abraham Huitrón, Adolfo Vergara, Anna Stephens, Chëla Olea, Elsa Núñez, Fito Montes, Héctor Padilla, José Villanueva, Karina Luvián, Luisa Reséndiz, Marcela Muñoz, Michelle Apple, Samuel Segura. Mail: magazine@warp.com.mx Arte y Diseño Dirección de Arte y Creativa Oscar Sámano & Edgardo Domínguez Diseño Diana Urbano Editor de Fotografía Sergio Gálvez Fotografía Sergio Gálvez, Leslie Del Moral, Pola (MTY) Comercialización y Publicidad Dirección de Estrategias Comerciales Eduardo Montes montes@sentido.com.mx twitter.com/monteslalo Coordinación Comercial Andrea Arbide andrea@sentido.com.mx Publicidad Celia Fernández fernandez@sentido.com.mx Gabriela Toriz gaby@sentido.com.mx Distribución Paulina López Tel. 5280 0243 Los artículos realizados en este número por los colaboradores, no necesariamente reflejan el punto de vista de WARP MAGAZINE. WARP MAGAZINE está fabricada con material ecológico sustentable certificado, el cual ayuda a la conservación del medio ambiente. © WARP Marca Registrada ®. Año III No.34 Fecha de Publicación 15-02-2011. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15 Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx. Distribución Nacional e Internacional de CODIPLYRSA. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

EDITORIAL // WARP34

WHITE LIES RITUAL

Harry McVeigh de White Lies Sergio Gálvez

Hacer un disco nunca es difícil; siempre es un reto; siempre se trata de mostrar y hacer lo que se quiere hacer; de ampliar nuestro sonido y ser ambiciosos con las canciones. Por eso, porque nosotros disfrutamos los retos, trabajar con Alan Moulder fue definitivamente agradable y fantástico. Él es un excelente productor, un hombre muy agradable y una gran persona, y creo que eso es lo que hace que sea un gran productor. Para realizar ese trabajo debes sentir a la gente e involucrarte con ella, respetarse y sentirse cómodos a la hora de trabajar en equipo. Creo que el éxito en la generación de un nuevo disco radica en empezar a hacerlo, y aunque el proceso es largo (desde escribirlo hasta llevarlo a la grabación y hacer algo nuevo) para nosotros realmente fue muy rápido. Nos sentimos contentos al ver los resultados, y creo que es el primer paso cuando lo haces: debes estar contento con lo que vas a dar a conocer. Nunca sabes que pasará, tal vez les puede gustar o no a los fans y a los productores, pero si uno como banda lo disfruta, seguro es lo que vas a transmitir con tu música.

SILENCIO POR FAVOR // WARP34

Foo Fighters Diovanny Garfias

Cortesía Foo Fighters

Con la promesa de lanzar el álbum más pesado en su historia, la banda liderada por Dave Grohl, recién finalizó la grabación de su nuevo material. El sucesor de Echoes, Silence, Patience & Grace (2007), cuenta con la producción de Butch Vig (Nirvana, Garbage, Sonic Youth, etc.) y el regreso a la guitarra de Pat Smear. Por cierto, Krist Novoselic, ex bajista de Nirvana, también colabora en algunos tracks.

Se espera que este nuevo disco llegue a los estantes en la primavera de 2011. Estos son algunos de los tracks que podrían aparecer en la selección final: ‘White Limo’ ‘Miss The Misery’ ‘Dear Rosemary’ ‘These Days, Walk’ ‘A Matter Of Time’ ‘Bridge Burning’ ‘Better Off’ ‘White Limo’ ‘I Should Have Known’ ‘Arlandria’ ‘Back + Forth’ ‘Rope’ ‘To No End’

SET LIST // WARP34

Set List

1•‘Synchronize’ – Discodeine feat. Jarvis Cocker (Francia) 2•‘One In The World’ – Tapes N’ Tapes (Estados Unidos) 3•‘Phoner To Arizona’ – Gorillaz (Reino Unido) 4•‘The Betrayer’ – Kaki King (Estados Unidos) 5•‘Oaxaca’ – Maserati (Estados Unidos) 6•‘To Disappear’ – You! (Francia) 7•‘H*A*M’ – Kanye West & Jay-Z (Estados Unidos) 8•‘Tuff Enuff’ – Shit Robot (Reino Unido) 9•‘Still Windmills’ – Sky Larkin (Reino Unido) 10•‘More Than Her’ – ELAN (México) 11•‘Kill Them’ – jj (Suecia) 12•‘Daphne’ – Lia Ices (Estados Unidos) 13•‘Infinity’ – Sun Airway (Estados Unidos) 14•‘Mongk II’ – British Sea Power (Estados Unidos) 15•‘Cloud Rain Club’ – Anoraak (Francia) 16•‘Indy Kidz’ – Cage The Elephant (Estados Unidos) 17•‘Undertow’ – Warpaint (Estados Unidos) 18•‘Quién Fuera’ – Los Bunkers (Chile) 19•‘Synrise’ – Goose (Bélgica) 20•‘Pena Capital’ – Ventilader (México) 21•‘Amsterdam’ – Fixers (Reino Unido) 22•‘The Roller’ – Beady Eye (Reino Unido) 23•‘The Heron And The Fox’ – Little Scream (Estados Unidos) 24•‘Bronx Science’ – Wires Under Tension (Estados Unidos) 25•‘Triple Double’ – Girl Talk (Estados Unidos)

Escucha y descarga todos los martes Set List conducido por Milton Barboza, Editor en Jefe de WARP MAGAZINE a través de <www.warp.com.mx/warpcasts>

FEATURING: Saúl Hernández // WARP34

SAÚL HERNÁNDEZ: REMANDO Saúl Hernández (Músico)

Cortesía EMI Music

Para la realización de mi disco solista Remando, venía pensando hace tiempo, inclusive desde la grabación de Crónicas De Un Laberinto (Jaguares, 2005), y le había comentado a Alfonso y Vampiro que tenía muchas ganas de hacer algo diferente por una simple necesidad creativa. Llegó el momento en el que sentí la necesidad de buscar otros territorios. La mecánica para escribir los temas fue interesante. Tenía ganas de juntar al Saúl de 47 años y al Saúl de 12 años que componía canciones pero no tenía grupo. Esa relación de antaño se refleja como curiosidad de ver si estos personajes tenían algo en común. Y sí, descubrí que todavía existía el antiguo personaje. Fue muy agradable ver que hay muchas similitudes, mucho asombro, mucha ilusión, que se juntaran ambos territorios en ese sentido. Como siempre también me mueve a escribir sobre la situación en la que estamos viviendo hoy en día en nuestro país. Es muy evidente: hay una decadencia. Estamos en un nivel muy absurdo. Inaceptable. Y en algunas canciones pensé en todos nosotros, en México, ya con un concepto más general más amplio más de nación, y escribí algunos temas pensando en todo esto. Falta recuperar nuestra conciencia y volver encontrar ese camino para salir adelante. La grabación en el estudio es algo que me dejó muy sorprendido, éramos tres nada más: Marco Rentería en el bajo, Gustavo Nandayapa en la batería y yo en todas las guitarras. Y así nos vamos a ir en directo: transportar todo lo que se hizo en el estudio al en vivo. Curiosamente con Don Was, el productor, armamos toda la producción basándonos en eso. Para un sonido enfrente de tus narices, el disco se grabó prácticamente en vivo. Hacíamos dos o tres tomas de

una rola y se quedaba casi todo; brincábamos a la voz, luego a una parte de la guitarra que se ocurría en el momento. Tuvimos un ritmo de desarrollo muy fluido. En dos semanas terminamos el disco. Después del proceso de grabación vendrán estas presentaciones en vivo. Empezamos con ensayos, armar la dinámica de las canciones y ya posteriormente sólo quedará salir y tocar. Tengo ganas de explorar en el escenario otras cosas. Ya me han escrito para tocar canciones de Jaguares o de Caifanes, la gente lo está pidiendo, finalmente yo no tengo ningún pro-

blema en complacer en ese sentido. Creo que sería interesante un giro musical en el escenario y brincar en otros territorios. Y en relación a las presentaciones de Caifanes (Vive Latino, 9 de abril y Coachella, 15 de abril), no sé qué esperar. Obviamente el escenario es nuestra alma mater, subiremos y tocaremos. Esperemos que todos estemos juntos y sobre todo en un ejercicio de ubicación. Las circunstancias se aprovecharon, se lanzaron los dados a la mesa y ahí están dando vueltas viendo a ver qué pasa.

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP34

9.0

Ritual

Calificación

White Lies Universal Music 2011

Dos años casi exactos pasaron entre la salida del disco debut de los originarios de Ealing en Londres, To Lose My Life..., y este nuevo trabajo, Ritual. La situación de trabajo arduo en giras no permitían el regreso al estudio de White Lies como se debía, pero, afortunadamente para sus fans, la banda se metió tres semanas a grabar. Para esta ocasión, el trío logró trabajar con el experimentado Alan Moulder (Depeche Mode, Gary Numan, My Bloody Valentine, Elastica y un largo etcétera), quien los animó a experimentar más con sonidos electrónicos que se escuchan en casi todos los tracks. Esta premisa es un

plus a la elegancia que ha caracterizado a los de Ealing, quienes siguen perfilándose como una de las bandas promesa para esta década. Desde que suena ‘Is Love’, canción que abre el disco, se genera una carga emocional única que consigue encumbrarse casi de inmediato con el primer sencillo del disco, ‘Bigger Than Us’, que es el cimiento sobre el cual recae Ritual. ‘Peace & Quiet’ es uno de los temas con mayor profundidad emocional, y que incluso recuerda a grandes clásicos como el maestro Gary Numan e incluso en los coros a Sting cuando The Police existía.

Aunque tal vez la mejor canción del disco sea ‘The Power & The Glory’, que con la carga melancólica y el sonido perfecto de principio a fin, convoca a escucharla una y otra vez. En Ritual podemos descubrir que el bajo suena a new wave, la guitarra sigilosa se asoma al brit pop y la batería sigue siendo potente y con el beat a punto. Sin lugar a dudas este regreso era uno de los más esperados y seguramente tendrá buenos resultados en una banda que ha logrado conjuntar las giras con el trabajo en el estudio, sin olvidar la calidad en su esencia. -Milton Barboza Arriaga

Showroom Of Compassion

Cake Upbeat Records 2011

8.0 Calificación

7.5

6.4

Calificación

Kaputt

Tras varios años de ausencia, la sensación noventera Cake se coloca una vez más en el terreno musical. Desde Pressure Chief (2004) los liderados por John McCrea no habían vuelto al estudio para crear nuevo material, y con la llegada de Showroom Of Compassion las cosas vuelven a la normalidad. Contrario a lo que uno pueda imaginarse el disco recorre un camino sonoro más acústico en comparación a lo hecho en el pasado por la agrupación. Se nota que la presencia del piano en la estructura de composición se volvió básica para esta placa; sin embargo, el toque humorístico y humano característico de Cake no se ha perdido, aunque la madurez de los integrantes ha alcanzado también a su música. Un buen regreso que servirá para introducir a nuevos escuchas en la sonoridad de los originarios de Sacramento, California. -Michelle Apple

6.8

Calificación

Grown Unknown

Calificación

Broken Dreams Club

Destroyer Merge 2011

Lia Ices Jagjaguwar 2011

Girls True Panther 2010

Pocos son los melómanos que se toman el tiempo de escuchar proyectos solitarios de músicos pertenecientes a agrupaciones reconocidas internacionalmente. Por lo general estas placas dejan mucho que desear cuando son erróneamente comparadas con el trabajo del músico en cuestión como integrante de una banda. Dan Bejar de The New Pornographers presenta Kaputt, la novena producción de Destroyer, su proyecto solista. Un álbum de tersas capas musicales que refieren a las composiciones más delicadas de David Bowie de los 80. La producción no tiene grandes sobresaltos entre canciones, lo que lo hace fácil de escuchar y disfrutar. ‘Kaputt’ y ‘Chinatown’ definen el concepto pop de este excelente músico canadiense. -Anna Stephens

A lo largo de nueve canciones y gracias a su tenue y bien educada voz, la originaria de Brooklyn, Lia Ices, da a conocer este disco que, bajo el encanto de los sonidos elegantes, pausados y precisos, nos colocan en una idea musical rupestre que a muchos sorprenderá de buena manera. El encanto de ‘Love Is Won’, primer corte del disco, recrea atmósferas en donde Lia eleva su voz hasta engancharnos de una vez. ‘Daphne’, fue la canción idónea para que Justin Vernon de Bon Iver la acompañara, dando tonalidades únicas. Es un disco que va de tonos claros a más claros, lo que tal vez termina por cansar casi al final de la escucha y que hace de Grown Unknown un disco un tanto monótono. -José Villanueva

Este material fue descrito por Christopher Owens, vocal y líder de la banda, como una carta de agradecimiento a todos aquellos que han dedicado tiempo a escucharlos desde el lanzamiento de su primera placa, Album (2009). En esta misma dirección, parecieran demasiadas las emociones acumuladas luego de su reciente éxito, pues, sin perder el estilo hasta ahora planteado, la mezcla de sonidos de este EP resulta un tanto extraña. Desde la abridora ‘The Oh So Protective One’, con ambientación tipo Air, pasando por el country de ‘Heartbreaker’, este disco termina por ser un cúmulo de mucho y a la vez de nada. Será de las pocas críticas contrarias a una banda por la cual varios apuestan, pero si el anuncio de Owens resulta cierto, esta “descripción del horizonte” no augura un futuro promisorio. -Karina Luvián

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP34 Rolling Blackouts

The Go! Team Memphis Industries 2011

8.5

Single

Calificación

Luego de cuatro años de ausencia, The Go! Team está de vuelta con un álbum que se presenta como inminente, ya que de golpe desatan el ritmo de los metales y los retadores cánticos de porristas que inundan los oídos en ‘T.O.R.N.A.D.O’. La mezcla lúdico-nostálgica fue plasmada en momentos como ‘Secretary Song’ y ‘Ready To Go Steady’, en la que se dejan influenciar por las voces femeninas del sonido motown de la década de 1960. El funk se siente en los metales de ‘Bust Out Bridge’ que, si bien no es un tema novedoso, nos refresca la memoria con respecto al trabajo de esta agrupación inglesa. ‘Super Triangle’ y ‘Yosemite Theme’ son esos tranquilos paisajes sonoros por los que todos quisiéramos transitar, obra de sintetizadores vintage, muy al estilo de Air. Una grata sorpresa es la participación de Satomi Matsuzaki de Deerhoof y Bethany Cosentino de Best Coast en ‘Buy Nothing Today’. -Elsa Núñez

Vicki Leekx

M.I.A. Independiente 2011

7.4

Calificación

No conforme con haber presentado su tercer material discográfico en 2010, la cantante de origen ceilandés regresa con Vicki Leekx, un mixtape que ella misma creó para regalar (en vickileekx.com se puede descargar de manera gratuita). M.I.A. comenzó de manera no oficial su carrera junto con el DJ y productor Diplo (Major Lazer), con quien realizó hace ya algunos años Piracy Funds Terrorism, un material muy parecido a éste, en donde se hicieron una especie de jammings mezclados, y cuya premisa era aterrizar ideas para el futuro debut de la cantante. En esta ocasión, Vicki Leekx nos muestra a una M.I.A. que se nota a gusto en las mezclas. Su voz es parte fundamental en los poco más de 36 minutos que dura el mixtape. Deja claro en todo momento que su música puede ser ideal para bailar, y sigue ideando letras de protesta contra muchos problemas sociales y políticos que se presentan en este mundo. -Luisa Reséndiz

8.1

Calificación

‘Listen To Your Love’

Mona Zion Noiz Recordings 2010 Con riffs estridentes y un sonido explosivo, la banda originaria de Nashville presenta un tema que los ha hecho pasar del anonimato a estar presentes en las páginas de

8.3 Calificación

ha sido comparado ya con otra banda sureña: Kings Of Leon; sin embargo, los demás temas en su haber muestran un estilo completamente distinto al de los

Cage The Elephant es una de esas bandas jóvenes que se rehúsan a dejar morir el rock a la “antigüita”. Con Thank You Happy Birthday muestran un crecimiento sonoro en relación con su primer material homónimo del 2009. Se disponen a explorar sonidos totalmente diferentes y se muestran muy cuidadosos con detalles de producción. Matt Shultz, vocalista y compositor, refleja un crecimiento personal a través de letras fuertes y provocativas. Las influencias no pueden ser más evidentes: ‘Aberdeen’ tomó su nombre del pueblo natal de Kurt Cobain y ‘Around My Head’ es un claro ejemplo de que Pixies sigue marcando tendencia en la actualidad. Shultz grita “Sell yourself, don’t be a fool!” dirigido no sólo a sus críticos, sino a la misma banda, que bien podrían dar el salto al mainstream con este álbum un tanto nostálgico, pero honesto y con el distintivo Cage The Elephant en cada uno de sus tracks. -Paco Sierra

Followill. Tomando la década de los cincuenta como principal fuente de inspiración, aquellos años dorados de Estados Unidos en los que James Dean y Marilyn Monroe personificaban el sueño americano, Mona emplea esa iconografía y simbolismo para escribir este primer track, para que le regrese a la gente la fe en la música. -Paola Del Castillo

017

Cage The Elephant Relentless Records 2011

americana e inglesa. Su sonido

warp magazine / www.warp.com.mx

Thank You Happy Birthday

la prensa especializada norte-

Single

‘Wreckin’ Bar (Ra Ra Ra)’

The World Is Yours

Motörhead EMI/Motörhead Music 2010

The Vaccines Columbia Records 2010

7.9

Endlessly

-P. C.

Duffy Universal Music 2010

6.0 Calificación

Bien versa la sabiduría popular que no todas las segundas partes son buenas, lo cual aplica a la perfección en el caso de esta entrega de Duffy, misma que con su debut Rockferry nos hundió en pasajes llenos de soul. Tal como su nombre lo indica, este álbum parece no tener fin: tanta miel empalaga al grado de ponerle pausa para descansar durante su escucha. ‘My Boy’ abre marcando una ligera diferencia a su antecesor, ya que se siente más fresco; en ‘Too Hurt To Dance’ se tira al drama rememorando ese amor fallido, atmósfera que se mantiene en ‘Don’t Forsake Me’, ‘Breath Away’ y ‘Endlessly’. Es evidente que no todo es sufrimiento: ‘Keeping My Baby’ es mucho más festiva con discretas secuencias que invitan a moverse; el toque funk corre a cargo ‘Well, Well, Well’ y los metales que la acompañan. ‘Lovestruck’ es el tema a destacar: fresco, alegre y bailable. -E. N.

Kiss Each Other Clean

Iron & Wine Warner Music 2011

Calificación

El disco número veinte de esta banda inglesa bien podría ser el primero por su sonido casi intacto, porque a Lemmy no le interesa evolucionar ni ser profundo. “No, el mundo no es mío, el mundo tampoco es suyo, ¡pero es un buen título!... No busquen significados especiales con Motörhead”, dijo a Radio Metal. Así, las palabras se justifican con los hechos, The World Is Yours es más de lo mismo: rock a raudales, con baterías rápidas, coros pegadizos y la ríspida voz de Lemmy. No hay sorpresas. Con una formación que desde hace años se mantiene (Phil Campbell en la guitarra y Mikkey Dee en la batería), Motörhead explota su propia fórmula como sólo ellos o AC/DC saben hacerlo: con rock puro y duro. -Samuel Segura

Calificación

Las comparaciones llovieron sin control desde el primer acorde. “Los Strokes ingleses”; “los nuevos Libertines”; “los descendientes de The Ramones y The Jesus And Mary Chain”. Todas las similitudes encontraron lugar por el estilo versátil de la banda, pero también dejaron lugar para una nueva historia. Sólo un minuto y veinticuatro segundos son necesarios para que este fugaz y espontáneo tema logre representar el estilo despreocupado y divertido de la banda; un sonido retro que trata de mezclar lo que ellos establecen como sus influencias: rock n’ roll de los cincuenta, garage y grupos femeninos de los sesenta, punk de los setenta y new wave de los ochenta.

8.0

8.5 Calificación

Sam Beam puede estar orgulloso de portar esa barba, si eso significa que para su último álbum no tuvo tiempo ni para pasarse un rastrillo porque lo dedicó, todo, a producir Kiss Each Other Clean. Iron & Wine demuestra que el folk no siempre tiene que ser tradicional. ‘Me And Lazarus’ más que llamar la atención por guitarras acústicas y melodiosas voces, lo hace por el uso del saxofón y bajo funky. Su sencillo ‘Tree By The River’ hace querer cantar la canción desde la primera vez que se escucha por la característica voz de Sam Beam, con una pegajosa melodía reforzada con una voz femenina (aportación de Sarah Simpson) como en ‘Half Moon’. La exploración con nuevos instrumentos para Iron & Wine sigue con ‘Monkeys Uptown’ y ‘Rabbit Will Run’ dejando en claro que para esta producción, Beam no escatimó en el aspecto creativo. ‘Godless Brother In Love’ es la porción de folk clásico y la intimidad que provocan una guitarra, piano y voz. Justo para después invitarnos a explorar una vibra setentera con ‘Big Burned Hand’. Producido por Brian Deck este puede ser el mejor álbum de Iron & Wine a la fecha, con lo que demuestra crecimiento. -P. S.

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP34 Fenech-Soler

Fenech-Soler B-Unique 2010

7.2

Video

Calificación

El poder de la cultura electrónica se ha extendido en gran medida gracias a la fuerza sonora que llega a tener este género. Bajo este legado, llegó a la escena esta banda directamente desde Northampton, Reino Unido, que a finales del año pasado sacaron su disco debut. Lleno de sintetizadores y voces dramáticas, los hermanos Duffy (Ross y Ben) junto con Daniel Soler y Andrew Lindsay, generaron un álbum potente y presto para las pistas de bailes. Muy al estilo de Goose, Friendly Fires, Anoraak, Justice, Grafton Primary, Midnight Juggernauts, entre otros actos electro de la nueva generación, Fenech-Soler es una propuesta que ha creado hits interesantes como ‘Demons’, ‘Battlefields’, ‘Lies’, entre otros. Valdría la pena esperarnos a un nuevo álbum para que Fenech-Soler se consolide completamente. -J. V.

El músico italiano Alessandro Cortini sigue dando de qué hablar con su proyecto SONOIO. Luego de entregarnos unos meses atrás su álbum homónimo, Cortini nos presenta un trabajo de nueve cortes, remixes de temas originales desprendidos de su debut. Así, nos encontramos con versiones de ‘Houdini’, ‘Not Worth Remembering’ y ‘Heartbeat’, entre otras, cortesía de Big Black Delta (Jon Bates), Turk Dietrich (Belong), Tremblexy (Sara Ludy y Austin Meredith), Implex Grace (Perry Goodman), Mat Mitchell, Surachai (Trash Audio), Richard Devine, Ladytron y Christopher Bissonnette. El resultado es, en general, profundo en términos de producción. No hablamos de los típicos remixes con beats forzados de fondo, y es que cada corte fue retrabajado desde la raíz para obtener un resultado que no niega el origen de cada uno de sus autores. Por cierto, Cortini promete lanzar un nuevo álbum en este 2011. -Diovanny Garfias

Kills (Mixtape)

jj Sincerely Yours 2010

8.0 Calificación

9.3

Calificación

‘Synchronize’

Discodeine featuring Jarvis Cocker DFA Records

Drogas, sexo, televisión y tatuajes. Pocas veces la grandeza de un tema musical se ve realzada con un video de tal manera que logre una simbiosis perfecta como lo alcanzado por el director de ‘Synchronize’, JF Julian. Jarvis Cocker, vocalista de Pulp, desarrolla un excelente papel mostrándonos la desesperación, no sólo de los personajes de la historia, sino también la propia. Con una iluminación de tonalidades amarillas y azules en un en-

El dueto sueco presenta 10 cortes que, a su vez, se integran por decenas de tracks. Después de buenas entregas con sus dos LP, jj nº 2 (2009) y jj nº 3 (2010), jj se dispuso a regalar (vía web) un recorrido a través de clásicos del hip-hop y éxitos pop más recientes. Es una sorpresa escuchar la dulce voz de Elin Kastlander sobre el beat de ‘Still D.R.E.’ de Dr. Dre, o no sentirse culpable bailando ‘Dynamite’ de Taio Cruz. Éxitos recientes como ‘Paper Planes’ de M.I.A. o ‘Empire State Of Mind’ de Jay-Z obtienen un fresco segundo aire después de haberlas escuchado cientos de ocasiones. Los clásicos del hip-hop se hacen presentes a través de nombres como Tupac, Diddy y Notorious B.I.G. Como es un mixtape publicado a finales de 2010, no podía faltar Kanye West y samples de ‘Power’, ‘Dark Fantasy’ y ‘Runaway’ pertenecientes a My Beautiful Dark Twisted Fantasy (2010). -P. S.

torno sumergido en la oscuridad, y una fotografía que permite adentrarnos en la intimidad de los personajes, se nos presentan sus flaquezas, frustraciones y desesperanza, abriéndonos las puertas a un submundo donde tres historias se entrelazan en los excesos y la adicción, teñidos de un velo de nostalgia. -P. C.

019

7.8

Calificación

warp magazine / www.warp.com.mx

NON

SONOIO Independiente 2010

Single

All You Need Is Now

Duran Duran Tapemodern 2010

8.2 Calificación

Jamás hubiera imaginado que Duran Duran fuera capaz de realizar una obra que pudiera, al menos, aproximarse a las joyas pop que produjeron en los 80 de la mano de Colin Thurston o Alex Sandik; pero resulta que a 30 años de su disco debut, entregan una pieza realmente valiosa que está a la par del Rio o Seven And The Ragged Tiger. Y era de esperarse, al saber que el genio detrás de la producción es el talentoso Mark Ronson, quien logra rescatar los elementos más importantes del sonido trendy fashion, pretencioso y desfachatado que llevara a la fama a Duran Duran, para cuajar un disco digno de atención. Es evidente que los tiempos han cambiado y se antoja casi imposible que Duran Duran impacte a la escena musical del modo en que lo hizo hace 30 años, pero el álbum merece, al menos, una nominación a los Mercury Prize. -Fito Montes

Cults EP

7.4

Calificación

‘It Happened Today’

R.E.M. Warner Music 2011

Colapse Into Now (2011) es el décimo quinto disco de estudio de la banda originaria de Athens,

Cults Forest Family Recordings - In The Name Of / Columbia Records 2010

8.0 Calificación

La dupla originaria de San Diego formada por Brian Oblivion y Madeline Follin, presenta un EP de tres canciones bajo el nombre de Cults. Se conocieron en el verano de 2009, se hicieron novios, se mudaron a Nueva York, grabaron temas, los subieron a sus redes sociales personales y ahora han sido firmados por Columbia Records para crear un LP programado para ser lanzado en mayo de 2011. Dream pop lo-fi con tintes de surf rock, caracterizado por la dulce e infantil voz de Follin y la simplicidad de los acordes de Oblivion, dibujan un escenario de los años sesenta con una innegable esencia enigmática, aunada a la poca información disponible acerca de la dupla creadora de contagiosos temas como ‘Go Outside’. -P. C.

Georgia, que saldrá a la venta en marzo próximo. Producido por Jacknife Lee, ya se han presentado algunos avances y uno de ellos es ‘It Happened Today’, que cuenta con la colaboración de Eddie Vedder de Pearl Jam

Zeroes QC

Suuns Secretly Canadian 2010

8.0 Calificación

y de Joel Gibb de The Hidden Cameras. Con casi cuatro minutos de duración, la canción es acústica y con melodía lenta; sin embargo, el bajista Mike Mills afirmó que quieren “poner más variedad en este disco y no limitarnos a un solo tipo de canción”. De cualquier forma, es un buen teaser de lo que podemos esperar cuando la placa llegue a los estantes. -Abraham Huitrón

Rock oscuro, electro, psicodélico, sería la definición más completa para el primer álbum de la banda canadiense Suuns. Este primer intento logra combinar rock elegante sintetizado muy a la NIN y con tonos vocales que nos recuerdan a Alexis Taylor de Hot Chip. El disco arranca con ‘Armed For Peace’, que es una de las mejores piezas de esta composición. Brillan a la vez en el material los dos sencillos que han lanzado, ‘Up Past The Nursery’ que es de las más diferentes, con un toque bastante sexy, y ‘Arena’, que como su nombre lo dice, evoca a una tormenta desértica bastante electrónica. Por último, vale la pena mencionar ‘Pie IX’, la canción más rara y paranoica del álbum que le da este cierre oscuro a la banda. Las demás canciones, aunque no son malas, pasan un poco desapercibidas. Definitivo, un disco para escucharse varias veces. -Samantha López

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP34

Snake! Snake! Snakes!

Snake! Snake! Snakes! (EP) Modern Art Records 2010

7.0

Video

Calificación

Primer EP de este cuarteto de Arizona cuya constante en las cinco canciones es la desolación y aridez que se extraña de la escena estadounidense actual. Si bien el grupo recuerda a las primeras piezas musicales de Interpol y Arcade Fire, la diferencia entre éstos y los de Arizona, es que ninguno de los instrumentos opaca al resto y su orquestación no es monumental. El primer sencillo del EP fue ‘We Come Out At Night’, que define el resto de la producción. La voz de Jon Messenger no es educada, pero sabe cómo utilizarla para dar el significado justo a cada palabra que canta. Snake! Snake! Snakes! es sin duda, un proyecto que necesita pulirse un poco más, pero que no pasará desapercibido este 2011. -A. S.

Elysium

Stratovarius Armoury Records 2011

7.8

Calificación

El nuevo álbum de Stratovarius es lo mejor que ha entregado esta banda finlandesa en los últimos cinco años. En sonido, bien podría ser la continuación de Polaris, disco de 2009 que ya marcaba una mejora respecto a Stratovarius de 2005. Elysium comienza potente con ‘Darkest Hour’, secundada por una canción con mucho gancho, ‘Under Flaming Skies’, cuyo coro es pegadizo, de guitarrazos potentes y batería en constante cambio. Recuerda al trabajo hecho en Elements, Pt. 2 (2003), con canciones a medio tiempo, intercaladas con otras más rápidas de power/speed metal, ambientaciones, coros y demás elementos que producen una atmósfera épica. Su punto débil es la duración: más de una hora en nueve canciones, que llega a cansar si no se tiene suficiente paciencia. -S. S.

7.0

Calificación

‘The Last Living Rose’ PJ Harvey Island Records 2011

Polly Jean regresa a los escenarios en este 2011 con su nuevo álbum Let England Shake, del

Calificación

Seamus Murphy. El tema central de la canción (y de todo el disco) es Inglaterra, por eso podemos apreciar tomas de algunos paisajes de dicho país como el campo, la playa y un lago, mien-

La magnificencia de la música siempre se ha pensado como propiedad de las orquestas o de la utilización de muchos músicos. Lo que la tecnología nos ha dado hoy en día es la posibilidad de eliminar esto, para dar paso a la creación de grandes canciones. Sun Airway es uno de esos proyectos que, con base en la electrónica y de los elementos específicos, pueden generar canciones tan bien planteadas que terminan por ser obras de gran impacto. Su nuevo material Nocturne Of Exploded Crystal Chandelier, lleva a otro nivel la música electrónica, por medio de atmósferas y hooks perfectos que a más de uno pondrán en sintonía con la buena vibra y, sobre todo, con la tranquilidad que la música debe tener. Originario de Filadelfia y comandado por Jon Barthmus, Sun Airway puede ser de esos grupos que logren establecerse entre los más propositivos de la escena underground. -J. V.

tras se intercalan con fotografías de personas y objetos, además de PJ Harvey interpretando la canción en medio de una sala. Es interesante que de la misma forma en la que empieza el video es como finaliza: con los restos de un esqueleto humano que se encuentran en la sala de exhibición de un museo. -A. H.

021

Sun Airway Dead Oceans 2010

8.2

corte audiovisual dirigido por

warp magazine / www.warp.com.mx

Nocturne Of Exploded Crystal Chandelier

cual se desprende este primer

Single

Valhalla Dancehall

British Sea Power Rough Trade 2011

6.5 Calificación

Valhalla Dancehall es el quinto disco de estudio del sexteto inglés British Sea Power. Esta banda ha tratado desde 2003, cuando salió su primer material The Decline Of British Sea Power, de crear un estilo propio; sin embargo, les sigue siendo difícil, ya que no consiguen tener una fuerza musical que marque algún esquema. A este álbum le pasa lo mismo: aunque su nombre trate de vender un “salón de baile”, escasamente dos canciones evocan ese sentimiento. ‘Who’s In Control?’ y ‘Mongk II’, son de las más bailables y las que podrían entrar en las listas de popularidad. El resto del disco, aunque está bien hecho, tira bastante del melodrama, tanto en letras como en melodía, y aunque hay público para todo, se esperaba mucho más de la banda, ya que en vivo suenan muy bien y parecía que se acercaban a la consolidación. -S. L.

8.3 Calificación

‘Darling Buds Of May’ Brother Geffen 2010

Esta banda formada en Slough, Reino Unido, nos presenta el primer sencillo de su carrera aun sin contar con un álbum de

Hardcore Will Never Die, But You Will Mogwai Rock Action Records/Sub Pop 2011

7.7

Calificación

Mogwai es una de esas bandas que con el tiempo ha ido desarrollando un sonido propio y particular. En Hardcore Will Never Die, But You Will, su séptimo disco de estudio, están presentes el post-rock y su música instrumental que nos han mostrado a lo largo de su carrera. Sin embargo, los originarios de Glasgow, Escocia realizan un álbum que combina, con un tracklist muy acertado, canciones rápidas y llenas de distorsiones con otras más lentas, melódicas y sobre todo, atmosféricas. Este disco marca el fin de su relación con Matador, su disquera durante diez años, pero también el de un sonido con una producción impecable a cargo de Paul Savage (The Delgados), además de que la mayoría de sus canciones no sobrepasan los cinco minutos de duración, lo que lo vuelve aún más accesible. -A. H.

estudio. Sin embargo, la ausencia de una placa no representa limitante alguna para la enorme popularidad que ya han generado en su tierra natal bajo la promesa de revivir al britpop, en contraposición a aquel ideal del

Synrise

Goose !K7 Records 2010

7.6

Calificación

2010 de traer al grunge de vuelta. Una tonada sencilla con un coro contagioso, acordes limpios y una voz que irradia sinceridad, caracterizan a este corte de la banda que parece seguir los pasos de los mayores exponentes del britpop, los hermanos Gallagher, con sus ya notables actitudes prepotentes y atrevidas. Definitivamente uno de los actos a seguir en este 2011. -P. C.

En 2006, esta banda originaria de Bélgica encabezó el surgimiento del electro rock acompañados por Simian Mobile Disco, MSTRKRFT, LCD Soundsystem y por supuesto Justice, y probablemente el único grupo de éstos que no alcanzó los niveles de difusión y fama de los demás fue Goose. Cuatro años después regresan con un disco que logra refrescar una escena electrónica que ha perdido adeptos, casi con la misma velocidad que los adquirió. Todos y cada uno de los cortes del álbum son acertados sincretismos de los dos géneros que componen el sonido y logran atrapar la atención del escucha. De los pecados contados que tiene el disco, están el de la colaboración con Peaches, que pasa casi inadvertida en la canción que da título al disco y, por otro lado, la inclinación extrema hacia la música instrumental, detalle que resta explosividad a la placa. De ahí en fuera, este disco nos demuestra que Goose está listo para cobrar el tributo que la escena electro le debe. -F. M.

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP34

4.0

Adult Contemporary

Casey Spooner Reprise Records 2011

Calificación

Fischerspooner nos tienen acostumbrados a materiales vibrantes en los que las secuencias se desbordan en la pista de baile para hacernos pasar momentos agradables. Con dichos antecedentes no hay quien se resista a querer escuchar a Casey Spooner, el showman que hace tan amenos los shows del dúo. El resultado: bajo un título simplón, Spooner nos demuestra que no es precisamente la mente maestra detrás de la dupla neoyorquina. El bajo al inicio de ‘Exquisite Corpse’ denota la influencia de New Order, misma que va desenvolviéndose de distintas maneras en temas como ‘Cinnamon Toast’, con todo y su aparente ritmo decadente. Un leve cambio se presenta en ‘Tuxedo’ con su potente batería y los riffs de la guitarra que la vuelven un poco más interesante, mientras que ‘C.R.E.E.P’ rompe la línea con la simpleza de una voz femenina. Destaca ‘Spirit Cooking’ por el simple hecho de aparecer como una pausa. -E. N.

Classic

Daltónico

Enjambre EMI (2010)

8.0 Calificación

Daltónico: confusión, imposibilidad de diferenciar tonos de otros. La última placa de Enjambre, banda que ha adquirido fuerza conforme pasa el tiempo, resalta respecto a su anterior trabajo, El Segundo Es Felino (2009). Aunque mantienen su sonido, han creado un disco que no tiene desperdicio en las trece canciones que lo componen. Una tras otra, cada canción podría ser un sencillo. La voz de Luis Humberto Navejas marca diferencia respecto a otras bandas: suenan a viejo, aunque se definan como “un ensamble de jovenzuelos unidos para crear rock contemporáneo”. Recuerdan a grupos que hacían música a principios de los 70, como Los Ángeles Negros y Los Pasteles Verdes. El amor es el hilo conductor de sus letras, decoradas con bellas melodías, coros alegres y muchos colores. -S. S.

Tron: Legacy OST Daft Punk Walt Disney 2010

7.0

Calificación

El nombre de esta dupla francesa involucrada en un proyecto tan ambicioso creó expectativas altísimas sobre el resultado final. Dar play y escuchar acordes orquestales casi idénticos a otros tantos en el mundo cinematográfico, no fue el mejor pago para tan larga espera. Y es que a lo largo de los 22 tracks que conforman este score, pareciera que el mundo virtual de Tron devoró a Daft Punk y los puso de vuelta poco antes de morir. Sobresalientes cortes como ‘Fall’ y ‘Derezzed’ salen de las atmósferas oscuras y de los tonos repetitivos que permean en todo el disco. Este trabajo es inconcebible fuera de la estética visual y los fascinantes efectos creados para la cinta. En solitario no pasa de ser el sonido ambiente de una película cualquiera en una sala de cine. -K. L.

023

9.8

Calificación

warp magazine / www.warp.com.mx

Pretty Hate Machine

Nine Inch Nails TVT Records 1989

Son pocos los músicos que entregan un material tan sólido y completo en su primer contacto con el público, uno de esos extraños casos es el debut de Nine Inch Nails. El álbum fue desarrollado por Trent Reznor durante sus descansos, mientras trabajaba como conserje en el estudio Right Track de su natal Cleveland. La ejecución de todos los instrumentos (mayormente sintetizados) también corrió a cargo de Trent, quien grabó en diversos puntos del mundo bajo la producción de Flood, Keith LeBlanc, Adrian Sherwood y John Fryer. La propuesta era sencilla: industrial rock (con estructuras pop) coronado por letras rabiosas plagadas de referencias a emociones primarias, el resultado fue una patada electrónica, visceral y humana, lista para ser digerida por la generación X. Gracias a sus enérgicas actuaciones en vivo, NIN se hizo de adeptos que convirtieron a Pretty Hate Machine en un clásico de culto que hoy, permanece como uno de los documentos sonoros más importantes en su género. -D. G.

PROFILE // WARP34 Integrantes: Katie Harkin-Voz, Guitarra | Doug Adams-Bajo | Nestor Matthews-Batería

SKY LARKIN Luisa Reséndiz

Cortesía Sky Larkin

Formada en 2005 en Leeds, Reino Unido, y actualmente firmada con la importante disquera Wichita, Sky Larkin es una banda cuyo sonido enarbola el rock sencillo y de potentes canciones que a más de uno

pondrá a bailar. Actualmente promociona su segundo material, Kaleide, además de su EP Year Dot, que salieron a finales de 2010 y que tienen mucha pila para este nuevo año.

Escúchalos en: www.weareskylarkin.com/ | www.myspace.com/skylarkinskylarkin

GIGS // Roger Waters / WARP34 Para leer la reseña de este concierto ingresa a: www.warp.com.mx/gigs/rogerwaters

Roger Waters

Palacio de los Deportes, Ciudad de México 19 de Diciembre Cortesía OCESA

Escúchalos en: www.wearesk

warp magazine / www.warp.com.mx

GiG

025

The Wall salió a la venta en 1979

GIGS // Ra Ra Riot / WARP34 Para leer la reseña de este concierto ingresa a: www.warp.com.mx/gigs/rararaiot

Wes Miles

fdgfhgjhgZeller Rebecca

GiG

02 Ra Ra Riot Lunario del Auditorio Nacional, Ciudad de México 16 de Diciembre Sergio Gálvez

GIGS // Gail Ann Dorsey y Mike Garson / WARP34 Gail Ann Dorsey

GiG

Mike Garson

Gail Ann Dorsey y Mike Garson Voilá Polanco, Ciudad de México 11 de Diciembre Synthia Franco

Para leer la reseña de este concierto ingresa a: www.warp.com.mx/gigs/gail_mike

GIGS // The Whitest Boy Alive / WARP34 Erlend Øye

GiG

04 Sebastian Maschat

The Whitest Boy Alive José Cuervo Salón, Ciudad de México 20 de Enero

Para leer la reseña de este concierto ingresa a: www.warp.com.mx/gigs/whitestboyalive

warp magazine / www.warp.com.mx

029

Sergio Gálvez

Symmetry Spins / WARP34

Symmetry Spins At W Mexico City Hotel

(Michaelangelo y SLKTR DJ Set) Paco Sierra

Sergio Gálvez

El viernes 28 de enero se llevó a cabo la primer noche Symmetry Spins del año en el Hotel W Mexico City, una serie de eventos con la participación de Dj’s nacionales e internacionales. La ocasión fue ideal para el lanzamiento del Symmetry CD y para celebrarlo se contó con las presentaciones de SLKTR Dj set (Alejandro Franco) y Michaelangelo L’Aqua director global de música de W Hotels. Una velada llena de buena música y el mejor ambiente, a penas una de las muchas que el Hotel W Mexico City tiene preparadas con Symmetry Spins.

SLKTR DJ set

Para leer la entrevista con Michaelangelo ingresa a: www.WARP.com.mx/destacado/michaelangelo

Michaelangelo DJ set

Time For Action

Samantha López, corresponsal Madrid/Londres

Este 2011 promete en el mundo entero y, sobre todo, en Europa, materiales nuevos en formatos nunca antes vistos, festivales con artistas masivos, conciertos que dejen huella. Después del Reino Unido, España es el país Europeo con más festivales de reconocimiento y artistas internacionales en el mundo. Pasando por Rock in Rio (Madrid), Sonisphere (Barcelona) y FIB (Benicássim). La Madre Patria cubre casi todos los géneros musicales, sin poder dejar a un lado la cantidad de festivales más pequeños de música, desde black metal hasta reggae. Desde principios de noviembre las entradas para el FIB (Festival Internacional de Benicássim), eran ya peleadas, sin siquiera tener cerrado el cartel. Pero los rumores de la participación de bandas grandes eran fuertes y poco a poco han sido confirmados. Unos de los más esperados en la península ibérica son The Strokes,

quienes prometen un regreso triunfal al lado de un disco que, supuestamente, superará los anteriores. También se confirman para este cartel la banda que causó furor en el Palacio de los Deportes de Madrid el 20 de Noviembre de 2010: Arcade Fire. Junto a ellos estarán Arctic Monkeys, Beirut, Elbow, Friendly Fires, y otro muy esperado regreso: Portishead, banda de la que se rumora volverá a trabajar con uno de los directores de cine mexicano más reconocidos de estos tiempos, Alfonso Cuarón, con quien trabajaron anteriormente en el sountrack de Great Expectations. Y con esto nos vamos a otro fenómeno que está ocurriendo cada vez más en el mundo audiovisual: día con día más directores de cine se unen con cantantes y compositores para hacer no sólo soundtracks y scores, sino para contar historias a través de la música.

warp magazine / www.warp.com.mx

Gail Ann Dorsey

Es el caso de Tron Legacy, el remake de Tron de 1982. Vale mucho más la pena ver la película por la historia que nos cuenta Daft Punk con el gran score que hicieron, que por el filme en sí. Ejemplo de ello es que en Europa está siendo más solicitado el material de los franceses que la misma película. The Social Network, por el contrario, encontró el balance perfecto entre David Fincher y Trent Reznor, quienes cuentan una historia apoyada en la música y viceversa. El 2011 nos regalará otra obra maestra de estos artistas que llevan trabajando desde 1995, cuando Reznor le dio al director uno de sus grandes éxitos para los créditos iniciales de Seven: el clásico ‘Closer’. Este año toca el turno a la trilogía de Millenium, y ya están trabajando en varios tracks de The Girl With A Dragon Tattoo, que se rodará a finales de diciembre. No podemos dejar a un lado algo muy inteligente que hacen las bandas en estos tiempos, cuando la mayoría de la música es descargada ilegalmente. Además de sacar formatos de colección (vinilos, material extra no descargable, box sets), como lo que hace Third Man Records, el sello discográfico de Jack White, ahora las agrupaciones y solistas están haciendo DJ sets en lugares pequeños en donde, con mezclar una hora, dejan contentos a los espectadores que han pagado entradas baratas y pueden seguir de fiesta toda la noche. En México sucede bastante en salas como el Vive Cuervo Salón y el Imperial. Aquí en Madrid, donde en cada cuadra hay una sala de rock, nos encontramos muchas veces con DJ sets sorpresas, organizados por marcas de telefonía celular y cervezas, entre otras. En el 2010 fueron Klaxons y Cut Copy, por poner algunos ejemplos. Y apenas empezaba el 2011 cuando ya nos encontrábamos en una pequeña sala con Alexis Taylor de Hot Chip, quien pinchó aproximadamente una hora y media. Por más que los problemas económicos amenacen muchas industrias, la música siempre logrará colarse de una u otra forma, ya que es imposible vivir sin ella y esto nos lo demostrará el año que empieza.

031

GIGS // Getting Louder / WARP34

hotHOThit // WARP34

Lykke Li Michelle Apple

Cortesía Warner Music

Lykke Li está por lanzar nuevo material titulado Wounded Rhymes, donde la cantante originaria de Suecia continúa creando híbridos musicales entre pop, electro, rock y más. Precedida por el éxito de su ecléctico debut Youth Novels (2008), y gracias a su particular estilo, 2011 parece ser el año que la situará ante los ojos del mundo.

Los álbumes más esperados

Arctic Monkeys, The Strokes y The Kills preparan algunos de los álbumes más esperados de este 2011. El de Arctic Monkeys llegará a los estantes en la primavera, la cuarta placa de The Strokes a finales de marzo, mientras que Blood Pressures de The Kills verá la luz el 5 de abril. Seguramente podremos escuchar adelantos online de cada uno en poco tiempo. www.warp.com.mx/breakingnews/01

breaking news 02

Vive Latino 2011

Como cada año, el Foro Sol recibirá a miles de adictos a la música, que por segunda ocasión se congregarán durante tres días para gozar de algunos de los mejores exponentes latinos, entre los que destacan Babasónicos, Charly García y la esperada reunión de Caifanes. Las sorpresas del lado internacional las integran Jane’s Addiction, The National, The Chemical Brothers y Sepultura. La cita es el próximo 8, 9 y 10 de abril y los boletos ya están a la venta. www.warp.com.mx/breakingnews/02

Myspace en venta

La red social MySpace se vio forzada a despedir al 50 por ciento de su fuerza laboral el pasado mes de enero. La razón principal de esta operación internacional se debió a la pérdida de popularidad y de tráfico en el sitio, el cual se ve imposibilitado para competir con el líder de la red, Facebook. Ahora, el sitio está a la venta y se rumora que el grupo Yahoo es uno de los mayores interesados en adquirir la compañía, para renovarla y darle prioridad a la sección musical del sitio: la única que sigue generando ingresos. www.warp.com.mx/breakingnews/03

SHUFFLE // WARP34 04

Más festivales en la Ciudad de México

El 12 de marzo se llevará a cabo la séptima edición del Indie-O Fest en el Polyfórum Siqueiros; el cartel lo conforman: The Pains Of Being Pure At Heart, Bear In Heaven, Zola Jesus, The Concretes y Childs. El 25 del mismo mes el Infield del Hipódromo de las Américas será la sede del Spring Quesadila Tour, que contará con la participación de Edward Sharpe And The Magnetic Zeros, Local Natives, OK Go y Yeasayer. Los boletos para ambos eventos ya están a la venta. www.warp.com.mx/breakingnews/04

The Social Network arrasa con los Golden Globes

David Fincher y su retrato cinematográfico del fundador de Facebook, Mark Zuckerberg, se llevó globos de oro en la premiación organizada por los miembros de la Hollywood Foreign Press Association (HFPA) el pasado 16 de enero. Las categorías donde The Social Network resultó triunfadora fueron: “Mejor Cinta de Drama”, “Mejor Director” (David Fincher), “Mejor Guión” (Aaron Sorkin) y “Mejor Música Original” (Trent Reznor y Atticuss Ross). Se espera que el filme repita la hazaña durante los premios de la Academia, los Oscares. www.warp.com.mx/breakingnews/05

Chris Cunningham de su exitoso Primary Colours (2009). -Al fin pudimos ver a Andrew Garfield enfundado en su uniforme de Spiderman, el reboot de la franquicia arácnida dirigido por Marc Webb, que llegará en 3D el próximo año. -Moneros mexicanos protestan por medio de las redes sociales ante la terrible situación de violencia que se vive en el país con la campaña: ¡Basta de Sangre!

-Sarah Blackwood, vocalista de la agrupación electrónica Client, dejó la banda “para concentrarse en nuevos proyectos”. Kate Holmes la otra integrante, seguirá con las actividades de la banda. -Mark Ronson acompaña en el estudio a Black Lips, quienes afinan detalles previo a la salida de su siguiente material. -Dave Rowntree, baterista de Blur, comentó que la banda está “tratando de hacer algo” y que “definitiva-

mente algo va a pasar este año”. -Trish Keenan, vocalista de la agrupación electrónica originaria de Inglaterra: Broadcast, falleció el 14 de enero a causa de neumonía. Su legado, tres álbumes con la banda.

www.warp.com.mx/ breakingnews/tambien

-Gorillaz tiene nuevo miembro, The Evangelist; su posición dentro de la banda aún no está muy clara. -The Horrors autoproducirá su tercer material de estudio, basados en las enseñanzas de Geoff Barrow, encargado junto a Craig Silvey y

The Horrors

035

También...

warp magazine / www.warp.com.mx

Broadcast

-Se suman a los conciertos de este 2011: Godsmack como teloneros de Iron Maiden (18 de marzo – Foro Sol), The Chemical Brothers (9 de abril – Foro Alterno de Guadalajara) y Foals (11 de mayo – José Cuervo Salón).

SHUFFLE // THE PLAYLIST OF OUR LIVES / WARP34

THE PLAYLIST OF Our Lives CANCIONES DEL FUTURO PASADO Fito Montes / twitter.com/fitomontes

Las predicciones sobre el futuro han sido una constante a lo largo de la historia humana. No podemos dejar de pensar y preguntarnos: ¿qué nos depara el destino? Miles de obras como, 1984, de George Orwell; Viaje A La Luna, de Jules Verne, o Soylent Green, de Richard Fleischer, han especulado sobre la vida en el futuro cercano; algunas veces con fortuna y otras con total desatino. Presentamos una lista con 10 canciones que han hecho lo propio y, al igual que los ejemplos anteriores, han caducado ya debido a que el tiempo del cual hablaban o la circunstancia a la que se referían, hoy en día las ha rebasado.

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The Beatles Azul Violeta Blur Jimi Hendrix Garbage The Ramones David Bowie Prince Jimi Tenor Pulp 037

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warp magazine / www.warp.com.mx

‘When I’m Sixty-Four’ ‘Tu Luz’ ‘The Universal’ ‘1983… (A Merman I Should Turn To Be)’ ‘When I Grow Up’ ‘I Don’t Want To Grow Up’ ‘1984’ ‘1999’ ‘Year Of The Apocalypse’ ‘Disco 2000’

Electricity

Por: Paola Del Castillo Fotos: Cortesía Satus Media Liverpool, 1978. Andy McCluskey y Paul Humphreys, de tan sólo 15 años de edad, experimentan con la música electrónica inspirados por bandas alemanas como Kraftwerk y Neu! Años después, forman parte de todo un movimiento musical de la electrónica en el Reino Unido, hasta que en 1989 se separan, convirtiéndose en una leyenda y punto de partida para actos de hoy en día como LCD Soundsystem, The xx, MGMT y Mark Ronson, por nombrar sólo algunos que han declarado su admiración por O.M.D. Hoy, dos décadas después, retoman las riendas con su nuevo álbum, History Of Modern (2010), y WARP MAGAZINE tuvo la oportunidad de platicar con Andy McCluskey sobre el camino recorrido. ¿Qué opinas de la influencia que han tenido en la escena musical actual? Es interesante. Si alguien me hubiera dicho hace diez años que habría una nueva generación de gente haciendo música electrónica, música inteligente en la que los músicos no temen expresar lo que piensan y ser ellos mismos, no lo hubiera creído. En los noventa, las bandas que querían regresar a los clichés del rock n’ roll que nosotros odiamos en los setenta y ochenta, nos dijeron que éramos anticuados. Así que es bastante impresionante que personas que prácticamente podrían ser mis hijos me digan: “¡hey, eres cool!”. Con este regreso a la escena musical, ¿piensan hacer música para la gente que los conoce desde sus inicios o quieren llegar también a generaciones más jóvenes? Obviamente nos encantaría que nos escuchara gente de todas las edades y que les gustara, pero no pensamos en un público objetivo. Cuando nos reunimos llegamos a la conclusión de que nuestros mejores discos se hicieron cuando no nos importaba quién los escuchaba ni si no vendíamos ningún disco. Hicimos un álbum porque queríamos hacerlo para nosotros mismos, usando el sonido o el estilo que inventamos. Por ello, en algunos aspectos, hacer History Of Modern es un poco como tener 19 años de nuevo… ¡no nos importa! Lo hicimos para nosotros. Pero cuando hacemos eso, solemos hacer nuestra mejor música.

Prácticamente iniciaron un movimiento de la música electrónica inglesa, ¿consideras que queda algo de esa etapa en la actualidad? Sí. Hay gente dentro de ese género que está tratando de hacer música genuinamente moderna y no solamente copiar el pasado. Personalmente, mi acto favorito es Robyn. Creo que algunos de los tracks de sus dos mini álbumes del 2010 son increíblemente modernos y futuristas. Ha tomado ideas y las ha desarrollado hacia adelante; creo que es fantástica. También The xx tienen un increíble y distintivo nuevo estilo que no suena a nada parecido. Creo que todavía queda un futuro, algunas personas aún están haciendo cosas interesantes. ¿Qué nos puedes platicar de la época en la que fueron parte de la disquera de Tony Wilson, Factory Records? [Risas] No sé, fue hace tanto tiempo que ya casi no lo recuerdo. Cuando Paul Humphreys y yo empezamos, él tenía 15 y yo 16, y nos atrevimos a subirnos a un escenario en Liverpool. Sólo habían 30 personas y no aplaudieron, pero los promotores nos dijeron: “Tenemos unos amigos en Manchester, deberían ir a tocar allá”. Nos mandaron a un centro nocturno donde conocimos a Tony Wilson y él fue la primera persona que nos dijo: “Lo que ustedes hacen es el futuro de la música pop”, y nosotros dijimos: “No, no lo es, cállate. Nosotros hacemos música experimental, no música pop, eso es horrible” [risas]… Él estaba en lo correcto y nosotros no. Después nos dijo: “Estamos lanzando una nueva disquera, podemos grabar algo de ustedes y llevarlos al programa de televisión Top Of The Pops y a los mejores programas de radio.” Y nosotros dijimos: “Estás completamente loco. Pero queremos hacer un disco”. Así que lo hicimos, lo envió a las grandes compañías en Londres, obtuvimos un contrato con Virgin y en tres años vendimos millones y millones de discos… fue increíble. ¿Hay alguna visita a México entre sus planes a futuro? Terminamos apenas una gira por el Reino Unido y Europa. Esperamos tocar más conciertos el próximo año; por el momento estamos pensando en Estados Unidos y tal vez Japón y Australia, pero si alguien en la Ciudad de México nos hace una oferta para que vayamos a tocar y podamos llevar nuestro staff y equipo, ¡me encantaría ir a México, sería fantástico!

039

Orchestral Manoeuvres In The Dark

¿Qué canciones de O.M.D. le recomendarías a la gente joven que no los conoce? Lo interesante de nosotros es que creo que hacemos de todo. Así que algunos pueden conocer ‘If You Leave’, ‘Enola Gay’, ‘Electricity’ o ‘Pandora’s Box’, que son las canciones más pop, pero yo diría que escuchen también los demás tracks de los discos, los cuales están llenos de energía; son muy extraños e inusuales y en muchas ocasiones temperamentales y melancólicos. Probablemente el mejor disco para empezar es Architecture & Morality de 1981, que es una buena mezcla de todo. History Of Modern es también una buena mezcla de pop, melancolía y cosas hermosas.

warp magazine / www.warp.com.mx

insert

SHUFFLE // WARP34

Blogageddeon Times Nueva Ola 2011

Para descubrir, para mirar… el 2011 emerge, apuntando hacia el cosmos tecnológico globalizado, el mundo puede mirarse desde varios ángulos, todo puede observarse desde diversos puntos. El fuego del vintage parece haber encontrado recodo en la casa terráquea, mucho re-issue, re-edición, revisitas; se rinden honores póstumos a las glorias de la industria que alguna vez fue electro-mecánica y más artesanal, con tiempos más extensos para dedicarse a, sin preocuparse por el rafting televisivo. Skateboards, instrumentos musicales, autos, cámaras de fotos, licuadoras, en fin, todo vuelve a lucir como cuando yo era chiquito, infancia marplatense (califas bonaerense y más allá), las olas de la playa popular que viene y van. Soy el Señor Flavio, ahora en pleno veraneo de hedonistas, en las costas atlánticas filo-pampeanas de Chapadmalal, Playa Luna Roja. Nuestros días son así: Levantarse temprano, nos ponemos el traje de neopreno, tomamos unos mates, estamos en la playa a la espera de buenas olas, nuevas olas, nos metemos al agua con tablón grande, mi longboard Conosur de 9’ 2”; mis hijos con tablas más cortas y amables, vamos al agua. Horacio Ipucha nos augura buenas olitas. Soy el Gran Kornalo de la Luna Roja, afilo mis manos para remar on the water. Pienso mientras remo hacia la rompiente amable con mis muchachos, frases que voy juntando como souvenir coloquial: “ … Si el trabajo es salud, entonces que trabajen los enfermos…” (Aguja Di Pacce, surfer pro grand master marplatense, capo di tutti capi). “ …Cuando muera quiero que mi esposa me entierre en el Unicenter*” (Por Carlos Cadena, personaje cacique de Playa Luna Roja y Devoto, Buenos Aires). *Unicenter: Centro comercial, maul, Shopping que le dicen, de la provincia de Buenos Aires, en la zona norte de la ciudad. La frase de Carlitos Cadena encierra una lógica sustentable y pragmática. Hablábamos en nuestras carpas de balneario de la muerte y su celebración, le conté entusiasmado de mi experiencia en el día de muertos mexicano, cuando estuve allí y pude ver con mis ojos cómo celebraban en los panteones. A mí me tocó viviendo en Villa de García, Nuevo León, de donde era Blue Demon, a 30 kilómetros de Monterrey, Nuevo León, la ciudad natal de mi esposa. Estuvimos poco más de dos años viviendo allí después que nos separamos Los Cadillacs. El fondo de la reflexión de Cadena es que los argentinos no vamos casi nunca, o nunca a visitar nuestros muertos. Entonces, ha decidido “ocultar” o enterrar sus cenizas en un Shopping-

maul, allí su esposa lo va a visitar más seguido. Continúa nuestro día en Luna Roja. Salimos del agua, el sol, agobiante. La gente llegando al balneario y al lugar destinado como playa pública. Nos sacamos las chaquetas de neopreno. Dejamos las tablas a salvo del sol, el fiberglass puede dañarse considerablemente expuesto directamente al rayo solar. Pasamos un día de playa apacible y familiar, jugueteamos antes con unas olas de derecha amigables con mis hijos en las tablas. Horacio Ipucha, otro grand master, ícono del surf marplatense de los ochenta y noventa, hoy a sus 44 años, en rigor competitivo y alto ritmo de surfing, me muestra una foto que corrió con el swell de octubre marplatense, una ola mutante y chocolatosa, gigante. Me cuenta anécdotas de surfing en Puerto Escondido, México, paraíso surfero latino por excelencia, en Máncora, Perú y al norte de Chile de olones magníficos y fríos del pacífico sur. Yo le cuento mi modesta experiencia de veterano beginner surfer. Hoy nos siguió un cisne mientras remábamos en las tablas, era hermoso, todo blanco como la nieve, en contraste con su largo cuello y cabeza negra azabache. Estaba todo el tiempo cerca, casi podíamos tocarlo, sentados en nuestras tablas a la espera de la poca ola del día. Supongo que estaría extraviado, enfermo, o tal vez cansado y deshidratado después de un largo viaje en vuelo. Más tarde, algunos veteranos amigos surfistas me proponen volver al agua en busca de las olas del fin de tarde. Les digo que no, quiero guardar celosamente el poco crédito de reserva física que me queda el día de hoy para ir a la rampa del Ñoki en la posada Flor de Lis, para ir a rampear un rato, a patinar con mis hijos en busca de la olita de madera a falta de olas oceánicas. Nos vamos con los chicos y algunos amigos a la posada Flor de Lis de mi amigo el Ñoki Iannone, con un mini ramp chupadito y old Skull, en medio de un jardín enorme y romántico, surf camp, hostel para jóvenes que pasan de hoteles cadena cinco estrellas. Patinamos lo que queda de la tarde, no tarda en caer “el kavayo” (así le gusta escribir su apodo), llega con instrumentos: batería, equipos de bajo y guitarra, arman todo, nos ponemos a tocar al borde de una pileta de natación cerca de la rampa chupada. Suena algo como funky-reggae-instrumental-new agepunxs-bariaja (“bariaja”, palabra skater argentina que significa algo así como homeless, vagabundo, despojado, así nomás). Soy el Señor Flavio, sonidero, antipoeta, león de leones, esperando la nueva ola, un día más en Cha-PalMall-land, gran Kornalo de la Luna Roja y sus embrujos.

041

Diana Urbano

warp magazine / www.warp.com.mx

Por: Sr. Flavio

SHUFFLE // WARP34

insert Draco Rosa Esto Es Vida

Por: Paco Sierra Fotos: Cortesía Satus Media

Draco Rosa es uno de los nombres en la industria musical latina más respetados; años de trayectoria, exitosos proyectos y varios premios lo respaldan. Con su último álbum Amor Vincit Omnia (El amor todo lo vence) nos enseña un abanico de sonidos influenciados por su natal Nueva York, hasta un interesante reencuentro con sus raíces puertorriqueñas. WARP Magazine pudo platicar con el artista para conocer un poco más de él. ¿Cuáles son tus primeros recuerdos relacionados con la música, y los que más te marcaron? Son varios, al principio cuando tenía 5 ó 6 años acompañaba a mi mamá al YMCA, un sitio de la comunidad negra donde había clases de cerámica, lecturas; escuchaban mucho funk, me enteré que existía Sly Stone, Marvin Gaye o Stevie Wonder, los encontré interesantes. También las

presentaciones en vivo de otros artistas; soy muy fan de Led Zeppelin, los vi en su último concierto en el O2 Arena en Londres, estando ahí sentía que me moría, todo estaba bien. Con mi papá era más de música clásica o artistas como Camilo Sesto y Julio Iglesias, disfrutaba mucho la música dramática e intensa. Fue importante porque me dejó apreciar otros aspectos de la música, y ya en el momento que me tocó producir, buscaba grabar con 120 músicos, inclusive en los 90 con el presupuesto bajo pudimos hacer varias grabaciones intensas; la culminación de eso fue la producción que hice para un disco de Julio Iglesias, me fui a Abbey Road en Londres, con la “London Philharmonic Orchestra”. Fueron momentos emocionantes. Tengo que mencionar uno que también es bien importante, el Bitches Brew de Miles Davis, que me encanta hasta el día de hoy.

¿Cuál es tu principal inspiración para crear música? La inspiración me llega cuando me pasa algo intenso o si alguien a quien quiero mucho le está pasando algo, me afecta. La inspiración siempre llega a través de ese dolor. Si me siento muy feliz no puedo ni entrar al estudio, me siento un poco ridículo. Y mi forma de componer ha cambiado bastante. Hubo un momento en mi juventud que quería tratar de apuntar el caos, la agresión, entender la locura, lo bizarro, todo lo absurdo y hoy sí me interesa pero no lo comparto mucho. Pero los años me han enseñado a respetar y a ser más serio con esos temas. De tu último disco Amor Vincit Omnia, ¿qué nos puedes decir? Es importante para mí ya que no repetiría algo como este disco, es un disco muy de trovador, con salsa, muy latino, caribeño. Cuando estuve enfermo una temporada de 2008 a 2009 sentí una necesidad enorme de acercarme a esos sonidos. Lo que me enseñó mi padre, los sonidos de Nueva York de los 70 y combinar un poco con la vida del campo. Tratar de juntar esos elementos y hacer un disco; una combinación de canciones existenciales para hacer un agradecimiento y un tributo por ser boricua.

La historia de Draco Rosa está en curso, con su gira Vagabundo Por El Mundo visitará muchos puntos de Latinoamérica y el mundo, transmitiendo el mensaje de que el amor todo lo vence.

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Rock Fiction …And A Time To Dance Por: Adolfo Vergara (@ToBeFreak) Diana Urbano

Ya iba a cumplir 18 años y yo sin novio; y es que ser prima de Moy Trigo en East L.A. significaba que tenías que cruzar la ciudad entera para que alguien se atreviera a mirarte. Pero eso mero fue lo que hice: un martes, saliendo del colegio, tomé el autobús y me fui a tomar una nieve al Lado Oeste; y más tardaron en traerme la bola de chocolate, que los gringos en mosquearla; y vaya que son desabridos: los pecosos se fueron rebanando, uno por uno, en mi desdén, hasta que unos ojitos azules —azules como mis pecados— me miraron gentilmente nomás para pedirme la hora. —Me llamo Anselma —que le digo luego-luego. El güerito se llamaba Johnny, Johnny Holtz, y era alto como una torre: tuvo que agacharse bastante para que le plantara un picorete; y nomás con ese besito se enganchó. Le di mi teléfono y me anduvo cortejando, hasta que dos jueves después me pidió mi dirección. —¿En East L.A.? —me preguntó sorprendido.

—¿Y dónde te imaginabas? ¿En las colinas? Iban a ser los XV Años de Marita, hermana de Moy, y estaba todo listo para el baile en Verona Street el sábado por la noche. —¿Vienes? —le pregunté. Johnny me dijo que sí, pero ya no me llamó de nuevo. El sábado por la tarde, en punto de las 06:00, estaba yo en la primera fila de la iglesia de Santa Teresita, sola, viendo el cortejo de Marita escoltada de sus chambelanes. Y ya me había resignado a bailar nomás con mis primos, cuando mi güerote, más alto que cualquiera ese día en misa, se asomó a media ceremonia. Los amigos de Moy le hicieron el feo en cuanto lo vieron, pero de inmediato lo alcancé y ya no lo solté del brazo. Llegamos a la fiesta y Johnny no bailaba ni una pieza. Lo que me extrañó fue que, luego de tres tequilas, se pusiera a husmear del lado del trío duranguense; platicó con los músicos no sé de qué cosa, entre canción y canción, y de pron-

to se plantó en el escenario con el acordeón en el pecho. Y de veras que hizo chillar la dientona en la polca; tanto que hasta la comadre Lucha se levantó a zapatear. El cabrón se olvidó de mí toda la noche y apenas si se despidió: se fue con los músicos; dijo que quería “aprender más de su música”… Me dio coraje; de entrada pensé en decirles a los amigos de Moy que le partieran la madre, pero felicidad era todo lo que había en los ojos de Johnny Holtz. Luego supe que su abuelo, un alemán —un tal “Hans Holtz”, ovejero de oficio—, le había enseñado a tocar el acordeón desde niño, aunque a la usanza teutona; esa para cuidar cabras… —Pero este es el ritmo —dijo Johnny cuando se fue.

…And A Time To Dance (EP)

Los Lobos Slash Records 1983

Turn It On

Por Hugo Javier Muñiz Oliva, ganador de Reportero Rockampeonato Telcel Fotos: Sergio Gálvez

Una llamada me sorprendió un día del pasado mes de noviembre: “Eres el ganador del Reportero Rockampeonato, vienes al D.F. a entrevistar a The Flaming Lips”. En ese preciso momento me invadió una euforia enorme que liberaba a gritos mientras observaba la caja del Yoshimi Battles The Pink Robots en mi escritorio y la foto de Wayne Coyne, Steven Drozd y Michael Ivins en el salvapantallas de mi computadora. Al final del concurso esperamos a que Wayne Coyne atendiera a todos los fans presentes en los camerinos. Coyne nos dio la señal para pasar a charlar, puso dos sillas para nosotros y se sentó. Enseguida comenzamos la charla que se tornó sumamente interesante. ¿Su estado natal, Oklahoma, es un lugar tan interesante como nos imaginamos? ¡Por supuesto que no! Para mí es un lugar único, he estado ahí toda mi vida y creo que venir de Oklahoma podría parecer interesante para algunos, pero no. Es exageradamente conservador, republicano, la gente posee armas, aman la biblia y el fútbol americano, y para nada escuchan música rara. Se produce mal country nada más. Pero a mí no me importa, amo a mi familia y mi vecindario.

Los discos que desarrolla la banda han reflejado una gran libertad creativa hasta hoy. ¿Hay algo que no hayan podido cumplir como banda? La idea de un musical en Broadway y llevar Yoshimi Battles The Pink Robots podría resultar algo bueno… o malo. Pero sería algo interesante, ya tengo alguien en mente que podría dirigir el proyecto, alguien sumamente creativo y loco. Hemos hecho muchos álbumes desde 1983, y lo que me pasa con ellos es que los escucho cinco años después y no me gustan tanto, suenan “nuevos” pero no suenan a mí; luego los escucho 10 años después y me parecen que suenan muy frescos. Algunos tienen 20 o más años, esos son irreconocibles, como de otro mundo… me encanta el Yoshimi (2002), es un buen disco, lo escucho ahora y es emocionante, me gusta Embryonic (2009) aunque soy yo ahora, y resulta un poco incómodo porque sé exactamente de qué trata. ¿Qué opinas de las disqueras o bandas que se dedican nada más a producir para obtener éxitos comerciales? Creo que no existen bandas que se crean exclusivamente para eso, si luego toman la decisión de hacerlo, es diferente. Y entiendo que algunas disqueras quieran hacer mucho dinero, no siempre quieren que se haga música rara. Warner Music nunca ha sido así con nosotros, siempre nos han dejado hacer lo que queremos y hemos sido muy afortunados, pero también es porque hemos obtenido resultados exitosos. ¿Cuáles han sido las bandas que te han influenciado? De todo. Nací en 1961, mis hermanos le hacían un poco a las drogas, escuchaban buena música, usaban motocicletas y hacían un montón de tonterías. De los 60, The Beatles, Dylan, Led Zeppelin y Pink Floyd. De los 70 descubrí a The Who, The Eagles… he visto muchas bandas en vivo… The Rolling Stones 3 ó 4 veces, hemos tocado con ellos. Y cuando llegó el punk rock, The Sex Pistols, de hecho tocaron en Oklahoma. Increíblemente, aunque estaba en medio de la nada, muchas bandas pasaban por ahí. En los 80 escuchaba mucho underground, Butthole Surfers y Sonic Youth, para luego pertenecer a esa ola de música rara. Hasta con Nirvana llegamos a tocar en sus primeros años. The Flaming Lips es sin lugar a dudas una banda importante para la historia de la música, que hoy en día siguen teniendo esa energía y euforia como cuando comenzaron su carrera hace ya varios años… eso siempre se agradecerá.

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The Flaming Lips

Desde el primer concierto de The Flaming Lips en el “Blue Note Lounge” hasta la actualidad, ¿ha cambiado su entusiasmo para presentarse en vivo? Cuando empezamos en 1983 pensaba que The Flaming Lips iba a durar un año, no éramos muy buenos. Pero fuimos muy afortunados, le gustamos a la gente. Y seguimos disfrutando esto. De hecho creo que lo disfrutamos más ahora, al principio éramos más nervios que cualquier otra cosa, ahora tenemos burbujas espaciales, un gran show, la gente canta nuestras canciones, definitivamente está mejor ahora.

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Everything In Its Right Place

Chunk Of Change Volver a Comenzar

No hay nada como volver a empezar. Renunciar a algo puede sufrirse tanto como disfrutarse y comenzar desde cero siempre lleva una curva de aprendizaje un tanto dolorosa pero siempre enriquecedora. Entre mi anterior columna y esta que suscribo, han habido varios cambios que me afectan directamente y que les quiero compartir a manera de terapia. Renuncié a mi programa de radio: Durante tres años fui conductor del programa de radio “El Tlacuache” en la cadena española Los 40 Principales de lunes a jueves todas las noches en cadena nacional a varias ciudades de México. Decidí terminar esta etapa con la finalidad de ganar un poco de tiempo para mí evitando el tráfico surrealista de la caótica Ciudad de México pero sobretodo por sacar adelante un proyecto radiofónico que tengo entre manos desde hace tiempo que tiene que ver más con la música y lo que hacemos en esta revista que con lo que solía ser mi querido pero ya ajeno ex programa radiofónico. El Editor en Jefe de WARP se va: Mejor dicho, para el cierre de este número ya se fue. Mi amigo y colega Milton Barboza deja de llevar la edición de esta revista a partir del siguiente número para emprender nuevos proyectos. Fuimos juntos en la universidad (aunque para ser honesto nos caíamos mal) y luego

hicimos dupla en Dirección y Edición cerca de ocho años juntos en la extinta revista Sónika, luego en www.warp.com.mx y finalmente en este medio. Lo voy a extrañar pero le deseo lo mejor en su carrera. Las separaciones duelen, pero son parte de crecer. En el próximo número se enterarán de la nueva estructura editorial de WARP y estoy seguro que la disfrutarán tanto como nosotros lo estamos haciendo en construirla… con un poco de sufrimiento involucrado por supuesto y como debe ser. The White Stripes se separan: Esta es la noticia más triste de todas. Como quiera no tantos van a sufrir si regreso o no al aire en la radio mexicana. Como quiera esta publicación tendrá nuevos integrantes en su staff. Pero que no existan más los Stripes, eso sí duele y duele mucho para cualquier amante de la buena música. Jack White tiene aún a The Raconteurs y eventualmente de nuevo a The Dead Weather pero la crudeza y solidez simultaneas de Meg en la batería y él en la detonante guitarra no tienen similar. Así, sin explicación alguna se fueron y le dijeron a su público que disfruten lo que hicieron porque esa será la única manera de preservar su legado. Dirían mis amigos de Café Tacvba: “Dulce tentación… de dejarlo todo.” Amén.

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Diana Urbano

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Por: Alejandro Franco

Do The Joy

Por: Diovanny Garfias Fotos: Cortesía EMI Music Por primera vez el dúo francés Air visitó la Ciudad de México, promocionando su más reciente placa de estudio, Love 2. Durante su estancia en nuestro país, WARP Magazine tuvo la oportunidad de platicar con Nicolas Godin y Jean-Benoît Dunckel, las mentes detrás de este proyecto y, de paso, desentrañar algunos de los misterios detrás del sonido que han desarrollado a lo largo de sus más de quince años de carrera. Cada álbum de Air mantiene el sonido de la banda; sin embargo, cada uno tiene una personalidad propia… ¿Cómo hacen para que cada una de sus placas sea diferente? Nicolas: Siempre tenemos una idea acerca de cómo queremos que sea cada álbum. En este caso, podemos hablar de un disco más “feliz”, porque así fue concebido; aunque lo realmente extraordinario pasa en el estudio de grabación: en ocasiones, la inspiración surge de manera fortuita; los accidentes son lo que hacen que tu creación se convierta en algo totalmente diferente, lo que no necesariamente es malo; al contrario, le da un giro al sonido, resultando en algo único. Recuerdo que, cuando estábamos en el proceso de grabación de 10 000 Hz Legend (2001), teníamos prácticamente armada la canción ‘Caramel Prisoner’ pero, justo antes de grabarla, accidentalmente, pusimos a correr el secuenciador donde teníamos la línea melódica en reversa; dejamos que siguiera y así descubrimos un nuevo track, uno tan bueno que terminó remplazando al original. Estas experiencias te enseñan que los errores también funcionan. ¿Hay alguna fórmula que hayan encontrado justamente para no repetirse creativamente? N: No, no hay una receta que te diga qué hacer y qué no hacer para no repetirte; es un aprendizaje que se da con el paso de los años. Y te diría que este es uno de los aspectos que más amo de mi profesión: buscar nuevas formas de llegar a un mismo resultado; o sea, hacer música. Entras al estudio de grabación y piensas: “voy a estar aquí los próximos meses, ¿cómo haré para no aburrirme?” [risas], y es justo cuando empiezas a experimentar con los instrumentos y a abordar las canciones desde diferentes ángulos: tratas de no quedarte con un solo resultado. Por eso soy músico, porque cada vez que estás detrás de un instrumento es emocionante: nunca sabes lo que va a pasar después.

Tienen una trayectoria musical de 15 años, ¿hay algún momento en especial que haya definido su carrera? N: No estoy seguro… En lo personal conservó el recuerdo de cuando escuché un track de Air en la radio; fue algo mágico: uno trabaja muy duro para lograr que sus sueños se hagan realidad y, en mi caso, era grabar música. No pensaba en que nuestro trabajo se vendiera en todo el mundo, o que lo escucharan todos; más bien era un reto personal: uno sabe que puede hacer las cosas, pero en mi caso, cuando al final escuché la canción, bueno, no estoy seguro de poder describir ese sentimiento; eso me dio la confianza para seguir creando. Han trabajado musicalizando piezas visuales (en cine, con Sofia Coppola) y de literatura (la novela City, de Alessandro Baricco)… ¿Qué tanta diferencia hay entre hacer un álbum de Air y trabajar con alguien más a la cabeza del proyecto? N: Ambos casos que mencionas han sido experiencias placenteras, incluso sencillas; distan mucho de estar en el estudio componiendo para Air: es totalmente diferente. Con Air, nosotros tenemos control absoluto; en estos casos hubo alguien a quien le rendimos cuentas, lo seguimos y trabajamos bajo su dirección. Pero en esas dos ocasiones nos la pasamos muy bien.

HARD DATA -En la década de los ochenta, Dunckel y Godin formaron parte de una banda llamada Orange; en esa alineación también se encontraban los músicos Alex Gopher, Xavier Jamaux y Etienne de Crécy, músicos que, ocasionalmente, han hecho remixes de Air. -Jean-Benoît Dunckel es conocido como músico solista y miembro de la dupla francesa; sin embargo, pocos saben que cuenta con estudios universitarios en física y matemáticas. -Nicolas Godin ha declarado que la selección francesa de fútbol hizo el ridículo en Sudáfrica 2010; incluso ha ofrecido disculpas en su nombre. -La dupla hace un cameo en el video de su corte ‘Playground Love’, tema principal de la cinta The Virgin Suicides (2000), de Sofia Coppola. -El vocalista del tema ‘Playground Love’ es Thomas Mars, de Phoenix, quien aparece bajo el seudónimo de Gordon Tracks; por cierto, él es el esposo de Sofia Coppola.

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Air

Dunckel, en 2006 lanzaste tu debut homónimo bajo el nombre de Darkel… ¿Podemos esperar nueva música de este proyecto para el próximo año? Dunckel: No lo creo. Por ahora estoy cien por ciento concentrado en Air, y no es algo que vaya a durar poco. El año pasado hice el soundtrack para una cinta francesa (Cyprien), pero fue algo muy local.

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insert Los Daniels En Otra Dimensión

Por: Paola Del Castillo Fotos: Cortesía Sony Music

¿Dirían que ha habido una evolución de sus primeras producciones a este álbum? Charlie: Cada disco es distinto porque cada año que pasa pensamos diferente. Además, en este nuevo material fue la primera vez que trabajamos con un productor ajeno a la banda, Juan Carlos Moguel, mientras que en los primeros dos discos René estaba a cargo de la producción. Antes éramos cinco cabezas distintas, ahora se sumó esta sexta. Hay una relación evidente en los nombres de los discos (Se Renta Cuarto Para Señoritas, Mooddanza, A Casa), ¿ha sido a propósito? R: Es curioso porque no lo pensamos desde el principio, la palabra “pretencioso” no nos queda. Estábamos presionados por parte de la disquera porque necesitábamos un título y fue la opción que quedó. Finalmente, tarde o temprano todos vamos a casa. Rasheed: No pensábamos en ninguna trilogía, en ninguna continuidad, pero al final se dio. También está relacionado de manera inconsciente con la familia. Siempre le llamamos familia Daniels a toda la gente que nos ha apoyado y a nosotros mismos. Ismael: Lo más chistoso es que la canción ‘A Casa’ la teníamos desde antes de que Los Daniels existieran. Hicimos algunas canciones por separado resultando en cuarenta y tantas, finalmente entraron siete temas nuevos y cinco anteriores que según la disquera tenían bastante calidad, entonces ahora les vamos a dar la promoción que merecían. ¿Qué nos pueden decir sobre el cover que hicieron de ‘Sin Documentos’? I: Es un tema que a todos nos gusta mucho de Andrés Calamaro en la época de Los Rodríguez. Se ha hecho una buena relación entre el rock argentino y el rock mexicano, y la disquera nos pidió que hiciéramos un cover de algún grupo argentino que nos gustara.

Con un nuevo disco bajo el brazo llamado A Casa, la banda originaria de la Ciudad de México, Los Daniels, hablaron con WARP Magazine acerca de este nuevo trabajo y el lugar en el que se encuentran actualmente en la escena nacional. Cambiaron de disquera (de Iguana a Culebra/Sony Music), ¿ha habido algún cambio en su música? René: En cuanto a la música, no tanto. La energía y la naturalidad de Los Daniels sigue estando ahí. Más bien se maximizó en cuestiones técnicas; al tener un equipo mejor, un estudio más grande. Todo ese tipo de cuestiones. El cambio fue un granito de arena a nuestra música, pero la banda sigue siendo la misma.

¿Creen que el cambio a una disquera grande significa volverse mainstream? R: Desde que empezamos Los Daniels y presentamos nuestra primera canción, ‘Te Puedes Matar’, en el Vive Latino, nos dimos cuenta de que podíamos hacer cosas muy grandes y no nos dio miedo. De hecho eso es lo que queremos. I: No estamos vendiéndonos ni regalando nuestro trabajo como la gente puede llegar a decir, simplemente estamos buscando oportunidades, aprovechando, además, que muchos grupos se espantan de firmar, lo cual a nosotros nos da ventajas para darnos cuenta del mercado interno en donde hay un espacio bastante grande. Si somos honestos, las bandas más grandes de México siempre han estado apoyadas por una transnacional. Sabemos qué es lo que no queremos y nos hemos mantenido en una frecuencia, la misma que la banda ha mantenido y seguirá manteniendo.

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Blitzkrieg Bop Because We Must… Por: Milton Barboza Arriaga Diana Urbano

e mundo en el qu En semejante ma más todo se cuenta, el ar vez cesible y a la fácilmente ac ón. más mortal es la divulgaci

Este 2011 se augura muy bueno para la escena internacional, con momentos perfectos en la música, aunque no hay que descartar decepciones, de eso está hecho el mundo. Para terminar, quisiera despedirme desde esta trinchera llamada WARP MAGAZINE en la que pude desarrollar mi pasión por la música y por la que tuve excelentes momentos y logros. No me queda más que agradecer a todos y cada uno de los que me han apoyado y, ¿por qué no?, también a los que han criticado mi labor ya que me ayudó a mejorarla. Comienza una nueva etapa profesional en mi vida y lo único que puedo apuntar es que seguimos en la escena; simplemente cambiamos el uniforme. Eso sí, esta columna continuará mes tras mes, así que seguimos en la ola; por siempre... siempre.

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-Milan Kundera de su libro La Lentitud

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El año siempre inicia con datos acerca de ventas de discos y otras cifras que a más de uno les siguen preocupando, claro está que, sobre todo a las disqueras les causa el mayor problema. Pero estos datos vertidos hace unas semanas por la empresa Nielsen, hacen darnos cuenta que ni siquiera la venta de música digital está siendo redituable; esta venta disminuyó en un 20 por ciento y la descarga gratuita llamada por muchos “ilegal”, sigue in crescendo. Pero ya lo hemos platicado hasta el cansancio, es momento de que todos aquellos involucrados en la industria den pasos agigantados hacia el crecimiento propio con sus proyectos, olvidando que el artículo llamado “disco” es prioridad; mejor busquemos las nuevas armas para conseguir que en este 2011 se logre que la industria crezca de manera uniforme. En fin que ese tipo de datos, más que asustarnos, deberían convertirse en parte de la historia de nuestra era que será leída por nuestros hijos y ya. Pasando a otros temas, comenzó 2011 con una nueva ola de bandas que vendrán a posicionarse en nuestros oídos con sus discos. Debo decir que ya pude escuchar el Zonoscope de Cut Copy y la verdad no termina por convencerme; sinceramente la banda australiana me parecía la más importante de aquella región, pero hoy está dejando de hacer, creo yo, un buen trabajo. En el lado de la tradicional nueva oleada de bandas del Reino Unido, nos encontramos con Brother y The Vaccines que, siguiendo los pasos de White Lies y Glasvegas, tienen atónitos a los medios por aquella región. Seguramente en América les irá bien con ese revival sonoro muy del estilo de Joy Division el cual, esperemos, no termine por caerse. Y en nuestro país ya por fin se anunció el regreso de Caifanes, al parecer con la alineación original. El Vive Latino y Coachella son los escenarios más importantes que se han anunciado hasta la fecha; más congruente el primer festival que el segundo; a Coachella seguramente los irán a ver muchos paisanos residentes en California, aunque no creo que vayan a tener la misma euforia que la que viviremos seguramente en el Vive.

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From SPAIN

Going On Lanzamientos Para 2011 Por: Marc (Dorian)

Quienes pensamos que 2010 fue un año excelente para la música, tenemos motivos para ser optimistas con respecto a este recién inaugurado 2011. El rock seguirá sonando en clubes y festivales de la mano de algunas de las bandas que marcaron el final de la década pasada. The Horrors ya están grabando la continuación de ese Primary Colours (XL/2009) que supuso un importante paso hacia adelante con respecto a su anterior Strange House (Loog/2007), y White Lies están de regreso con Ritual (Fiction), un disco ciertamente continuista que, no obstante, debería colocar a la banda de Harry McVeigh en la primera división del panorama mundial, cosa que no consiguió con su notable To Lose My Life… (Fiction/2009). Este 2011 será también el anunciadísimo regreso de The Strokes, así como el de Glasvegas, Fleet Foxes y Patrick Wolf, que no ha tenido mucha suerte con sus sellos últimamente. Como ya ocurrió en 2010, en términos generales la electrónica más interesante volverá a huir de las pistas de baile: el barcelonés John Talabot podría ser una de las sorpresas de la temporada con un disco debut que, amparado por el sello Young Turks (The xx, Holly Fuck, El Guincho), explorará las posibilidades del tropicalismo mezclado con una electrónica psicodélica que lleva meses colándose en los blogs y sitios más exigentes. El dubstep seguirá mutando de la mano de artistas como James Blake, una de las sensaciones en Ingla-

terra actualmente, que está retorciendo las reglas del género de un modo admirable. Mientras que la electrónica más pop vendrá firmada por bandas tan esperadas como Cut Copy, que regresan con Zonoscope (Modular), Fujiya Miyagi, M83, o los neozelandeses The Naked And Famous, sin lugar a dudas una de las bandas a tomar en cuenta para los próximos meses, gracias a su extraordinaria capacidad para hacer hits infalibles. En 2011 llegará también el esperadísimo álbum de Jay Z y Kanye West, lo nuevo de The Streets con Computers And Blues (Atlantic), y esa sonada colaboración entre Burial y Massive Attack en la que, los de Bristol, dejarán que el geniecillo del dubstep remezcle, revisite, retuerza, manipule o, como quieran llamarle, sus nuevos cortes. A destacar también, tres regresos importantes: en primer lugar PJ Harvey, que lleva meses calentando su nuevo disco Let England Shake (Vagrant), áspero y profundo trabajo que llevará de nuevo a la cantautora británica al frente de los principales festivales del mundo. En segundo lugar los escoceses Mogwai que, tras una temporada de letargo, regresan con un trabajo de sugerente título: Hardcore Will Never Die But You Will (Sub Pop); y por último un clásico, Wire, que por suerte para sus fanáticos (porque en su caso no podemos hablar precisamente de fans) están de vuelta con el notable Red Barked Tree (Pink Flag).

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Calendar 12

Indie-O Fest 2011 México, DF Polyforum Siqueiros

DLD México, DF Lunario del Auditorio Nacional

Eyescream Metal Fest III México, DF Circo Volador

Kashmir México, DF José Cuervo Salón

Manzarek & Krieger de The Doors y Mark Farner México, DF Auditorio Nacional

1120

SXSW (South By South West) Austin, TX

Iron Maiden Monterrey, NL Auditorio Banamex

Iron Maiden México, DF Foro Sol

Spring Quesadilla Tour México, DF Infield del Hipódromo de las Américas

Röyksopp México, DF Six Flags

Slash México, DF José Cuervo Salón

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Telefunka y La Orquesta de Chamaco Guerrero Gudalajara, JAL Teatro Diana

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MARZO

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THE FUTURE WILL COME

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Inicio de año y la escena ya nos deja entrever lo que sucederá en los próximos meses por venir que se antojan simplemente inolvidables y llenos de buenas producciones. Ya algunos grupos han presentado sus nuevos discos y ya han visto la repercusión en medios especializados y sobre todo con los fans, que poco a poco comienzan a alistarse para ver a estos nuevos ídolos en los festivales que están a la vuelta de la esquina. Esta es una oportunidad perfecta para dar a conocer a esas bandas que, desde la perspectiva de WARP MAGAZINE, serán parte esencial de este 2011 y escribirán la historia de lo que ahora ya se presume como un año con regresos importantes, reuniones de antología y presentaciones de agrupaciones que en un futuro no muy lejano se convertirán en serios aspirantes a ser llamados: Nuevos Clásicos. Sean bienvenidos al futuro que ya nos alcanzó y que ahora nos enseñará a entender el presente que vivimos.

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THE FUTURE WILL COME

WHY YOU HAVE TO FOLLOW THEM?

Capri

-Lanzó su EP debut Deformator Plus (2001) a través del sello alemán Gigolo Records, propiedad de DJ Hell. -Ganador del premio MTV Latinoamérica a “Mejor Artista Independiente”. -Su álbum Discotape (2009) cuenta con la producción del argentino Tweety González, quien ha trabajado con Emmanuel Horvilleur, Gustavo Cerati y Ximena Sariñana entre otros.

CAPRI

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THE FUTURE WILL COME

NEURO FREAK

Cortesía Universal Music

¿Cuéntanos qué hay detrás de Discotape, un álbum que te llevó mucho tiempo completar? Detrás de Discotape (2010) hay un montón de samples y pedacitos de grabaciones que estuvimos haciendo durante varios años. Es un disco que, a diferencia de Mamma Killer Night (2004), es muy orgánico: se grabaron muchos instrumentos acústicos, pero se mantuvo esa energía y fuerza que tiene la pista de baile. Fue un gran desafío llegar a realizar canciones que mantengan esa energía y ese poder que se pueden encontrar en los tracks de la electrónica, pero llevándolos a un lado donde uno puede identificar más los elementos acústicos. Lo hicimos así para salir a mostrar un show en vivo y ejecutarlo con una banda. Para mí era muy importante tener un disco que se pudiera ejecutar, que lo puedan tocar músicos, porque en vivo es donde la gente lo disfruta y puedes conectarte de una manera más cercana al artista. Discotape es un disco muy elaborado a nivel musical, pero también tiene su parte lírica, que es muy visual, ¿de dónde provienen todas estas imágenes? Es curioso que lo menciones, de hecho, para mí la música y el cine son cosas que van muy ligadas. Mi gran proyecto a futuro es hacer una película, empezar con una y luego hacer más. Y sí, Discotape dispara muchas imágenes. Yo creo que

cada uno tiene su mundo interno y le da la interpretación que quiere, pero habla mucho de lo cotidiano, de lo que nos sucede a todos y tiene un mensaje: “estamos vivos, vamos para adelante, pónganle todo”. La verdad, nunca me lo había dicho, pero es un disco muy visual. Y hablando del cine, eres una persona que abarca el arte en varias de sus disciplinas... Sí, soy una persona muy inquieta en el mundo del arte. Estoy muy comprometido con lo que hago y me encanta formar parte de todas las cosas, todos los aspectos: desde la realización del arte del disco, la puesta en escena del show y la realización de videos. Todos los visuales de este último disco los produje y los dirigí con otras personas. A partir de este 2011 abro una productora que se llama The Music Sounds que está dedicada 100 por ciento a la producción artística visual de videos e imágenes para show y, por supuesto, mi parte como productor artístico musical de bandas y remixes, ahí estoy asociado con Uriel Dorfman que es un ingeniero de audio de Argentina muy reconocido, que ha trabajado en mi disco y con Gustavo Cerati, Charly García, Los Pericos. Ahora estamos asociados en este proyecto al que le dedicaré mucho tiempo este año. Eres reconocido por hacer remixes para Babasónicos, Kinky, Gustavo Cerati y Miranda!, entre otros, pero, ¿qué hace de los remixes algo especial? Hacer un remix es siempre un desafío: estás toqueteando la obra de otro artista que seguramente le puso mucho amor y dedicación. Es una responsabilidad y un honor estar haciendo un remix. Mi intención es potenciar la canción. Generalmente el remix está orientado a la pista de baile, así que lo que

suelo hacer es ponerle un beat bien contagioso y salirme un poco de la canción como está pensada y darle un twist, para volver después a la canción y al final meterlos en un trance que te incite al baile. Definitivamente el sonido electrónico es el que ha definido tu personalidad sonora. ¿Cuál es tu perspectiva del género en los umbrales de una nueva década? Para mí la música electrónica es un género que ya no se distingue porque ya no sabes dónde empieza un género y termina el otro. Claro, existen las corrientes de nicho como en todos los estilos, pero el concepto de electrónica es tan amplio como el rock o como el pop, y la música evoluciona todo el tiempo y va de la mano con la tecnología. Bandas de los ochenta como New Order no hubieran existido si no se hubiesen inventado las cajas de ritmos, o si Roland no hubiera lanzado el 808. La tecnología y la música van de la mano, no sé hacia dónde van, pero sé que van a estar siempre. Ahora que has experimentado con instrumentos orgánicos, ¿piensas que podrías tratar de hacer música que no sea precisamente electrónica pura? Como artista y como músico tengo muchas inquietudes. La electrónica es algo que me encanta de toda la vida porque me encanta bailar, el groove, esa sensación que genera la música viva. Creo que en mi música está muy cuidado el tema del beat, de la fuerza y de su poder frente a tu reacción de movimiento, la parte que te pone la piel de gallina, donde no es necesario poner el beat más duro y asesino para que te incite a bailar. Entonces… quién sabe, puede ser que con una guitarra acústica y una melodía de voz se puede llegar a la misma emoción de una forma más agradable.

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Ariel Aguisky, mejor conocido como Capri, músico argentino, productor, DJ y artista visual, quien desde joven cambió su formación clásica para darse a la tarea de mezclar el ente sonoro electrónico con algo de funk, rock y un twist ochentero, platicó en exclusiva con WARP MAGAZINE acerca de su más reciente disco y de los diversos proyectos que integran su futuro inmediato.

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Michelle Apple

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THE FUTURE WILL COME Spoon en Sesiones con Alejandro Franco

WHAT’S NEXT? Hemos comenzado un nuevo año y con él, proyectos interesantes para todos los gustos, los cuales se estarán presentando en diferentes plataformas propias de la gente que sigue WARP. Esto es lo que en 2011 podrán disfrutar...

Regina Spektor en Sesiones con Alejandro Franco

Sesiones con Alejandro Franco 5ta Temporada

Melómano por naturaleza y apasionado de todo aquello que marca las tendencias musicales del panorama por venir, Alejandro Franco es uno de los periodistas musicales más importantes de México de los últimos diez años. No sólo cuenta con un largo historial de entrevistas con diferentes personajes icónicos como Robert Smith (The

Cure), Brian Wilson (The Beach Boys), Peter Hook (Joy Division / New Order), John Taylor (Duran Duran), Andy Fletcher (Depeche Mode), Ry Cooder (Buena Vista Social Club), Gustavo Cerati (Soda Stereo), Café Tacvba, Kanye West, Franz Ferdinand, Goldfrapp e Ian Brown, entre muchos más; también ha estado a la cabeza de shows de radio en algunas de las cadenas más importantes (W Radio, WFM, W Radical y Los 40 Principales). Por supuesto, el fundador y director general del centro de información en línea WARP.com.mx y WARP MAGAZINE, es también el productor general y conductor de Sesiones con Alejandro Franco que se transmite en toda Latinoamérica a través de Sony Entertainment Television y Animax. Porque no hay nada mejor que ver a una banda en vivo y disfrutar de la música en su estado más puro y natural, Alejandro Franco te lleva los mejores artistas nacionales e internacionales hasta la comodidad de tu casa; sesiones exclusivas donde la atmósfera creada entre la banda en el escenario y el público presente resulta en un show donde las agrupaciones dan cátedra de lo que mejor saben: tocar en vivo. La 5ta Temporada de Sesiones con Alejandro Franco cuenta con la participación de: Spoon (USA), Minus The Bear (USA), Regina Spektor (USA), Javiera Mena (Chile), Kate Nash (UK), Julieta Venegas (México), The Temper Trap (Australia), White Lies (UK), Panteón Rococó (México), Los Bunkers (Chile), Enanitos Verdes (Argentina), Faithless (UK), DapuntoBeat (México), Ra Ra Riot (USA) y Chikita Violenta (México). Son 15 artistas dando lo mejor de sí mismos en shows únicos que no tienen

Bomba Estéreo en Sesiones Off Season

Kashmir en Sesiones Off Season

Le Butcherettes en Sesiones Off Season

Rey Pila en Sesiones Off Season

comparación. Sesiones con Alejandro Franco en su quinta temporada se transmitirá en toda Latinoamérica a través de Sony Entertainment Television y ANIMAX. También visita www.SesionesConAlejandroFranco.com y sé testigo de un archivo histórico con material del show a lo largo de sus cuatro temporadas, material extra y exclusivo de cada episodio: videos, fotografías, biografías y making of, además de material único respectivo a Sesiones Off Season. Si durante cuatro temporadas Sesiones con Alejandro Franco te ha presentado a un line up que no tiene competencia en Latinoamérica, en su quinta temporada las emociones llegarán a nuevos límites.

(Suecia) y Rey Pila (México). También busca próximamente contenido exclusivo de Sesiones Off Season (fotos, videos, biografías, making of) a través de www.sesionesconalejandrofranco.com y se parte de una nueva forma de vivir la música.

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Durante cuatro temporadas el show Sesiones con Alejandro Franco te ha llevado lo mejor del talento musical nacional e internacional en exclusiva, presentado directamente desde el escenario y completamente en vivo. Pero, ¿qué pasa cuándo los artistas están en el estudio de grabación? La respuesta a esta interrogante la encontrarás en Sesiones Off Season, el nuevo show que te trae a las bandas desde la intimidad del estudio. Una sesión donde lo importante es la música y su ejecución de una forma enérgica pero minimalista, 30 minutos con entrevistas y el testimonio de propia voz de quienes participan, con anécdotas y la fórmula detrás del proceso creativo que hace de su sonido algo único. Son ocho episodios semanales con participaciones de Kashmir (Dinamarca), The Boxer Rebellion (UK), The Dears (Canadá), Quiero Club (México), Bomba Stereo (Colombia), Le Bucherettes (México), Thieves Like Us

La televisión es un medio que con el paso de los años crece y se diversifica, aún está librando una lucha por adaptarse a la era digital, aunque en definitiva, día a día llega a más lugares, conquistando a público nuevo. Hablamos también de un medio que no ofrece opciones respecto a sus contenidos, donde se sigue creyendo que el público delante de la pantalla es una masa homogénea que se conforma con consumir aquello que tiene enfrente. En medio de ese sandwich receptor están los jóvenes, la mayor parte del tiempo con pocas alternativas a su alcance que reflejen sus intereses o la información que les interesa... hasta ahora. Presentamos WARP TV, un programa donde la cultura alternativa y el estilo de vida de los jóvenes es el hilo conductor que desemboca en entretenimiento. Los temas que más te interesan presentados de la manera que a ti te gusta: música, cultura, tecnología, arte, cine, la red, moda, televisión y más, sólo una pequeña muestra de todo lo que puedes encontrar. Entrevistas exclusivas, videos, reseñas, reportajes y cápsulas con lo mejor de cada uno de los tópicos que forman parte de tu acontecer diario. 2011 es el año en que la revolución visual y auditiva llegará hasta tu pantalla, no te pierdas WARP TV próximamente y también su versión para Brasil.

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Sesiones Off Season 1ra temporada

WARP TV

BEAR IN HEAVEN BEAST IN PEACE Paola Del Castillo

Cortesía Tell All Your Friends PR

Bastó con que Pitchfork Media le otorgara al disco Beast Rest Forth Mouth (2009) la etiqueta de Mejor Música Nueva para que a Bear In Heaven, banda formada en Brooklyn e integrada por Jon Philpot (voz), Adam Wills (guitarra) y Joe Stickney (batería), se le abrieran muchas puertas, incluidas las de la edición pasada de Austin City Limits. “Éramos una banda que tocaba en conciertos para no más de 30 personas al mes en Nueva York y que salía

de gira máximo dos semanas al año, pero después salió el disco, le gustó a Pitchfork y su sello de aprobación nos abrió muchas puertas, lo cual es tanto bueno como frustrante, porque hay muchas bandas que son muy buenas pero que no tienen ese reconocimiento. Es la parte difícil e injusta de la música independiente”, cuenta el guitarrista Adam Wills en entrevista exclusiva para WARP MAGAZINE. La banda inició como un proyecto solista de Jon Philpot, quien más tar-

de decidió formar una agrupación a la que nombró Bear In Heaven. “El nombre viene de un dibujo que un amigo de Jon hizo de un oso en las nubes. Tan sencillo como eso.” Su carrera comenzó con el lanzamiento de Red Bloom Of The Boom (2007), el cual recibió buenas críticas pero poca atención, hasta que la suerte brilló para la banda con la ya mencionada segunda placa que le valió el reconocimiento de Pitchfork Media.

“Éramos una banda que tocaba en conciertos para no más de 30 personas al mes en Nueva York y que salía de gira máximo dos semanas al año.” -Adam Wills

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Bear In Heaven

-Su álbum Beast Rest Forth Mouth fue considerado por Pitchfork como uno de los mejores 50 del 2009. -Sitios online como Allmusic.com y algunos más, dieron críticas positivas a Beast Rest Forth Mouth. -Jon Philpot, líder de la banda ha hecho remixes para Crystal Castles, Matthew Dear y más.

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THE FUTURE WILL COME

creatividad no se limita a la música, ya que tanto Jon como Adam trabajan para cine y televisión, actividades que también se reflejan en su sonido. “Jon y yo tenemos una influencia innegable del cine. He visto millones de películas; leo mucho sobre teorías del cine. Así que tratamos de pintar imágenes con sonidos, crear música que experimentes no sólo con tus oídos. El arte de nuestras canciones está definitivamente influenciado por el cine; creo que veo más películas que los discos que escucho”.

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comparados con agrupaciones que tienen su propio mérito artístico es excelente, porque es lo que nosotros queremos lograr también.” Sea cual sea su estilo, su música resulta un coctel de sorpresas: “tenemos canciones sencillas y no tan demandantes como ‘Lovesick Teenagers’ que es la más accesible para todo tipo de público y con la que más se identifican. Pero también tenemos canciones que, cuando la gente escucha, se queda con cara como de ‘¿qué?’ Es agradable tener canciones accesibles pero también otras que hagan pensar o que confundan a las personas. Es parte de la diversión. “En cuanto al tema que más define nuestra música, me vino a la mente la última canción del disco, ‘Casual Goodbye’. Creo que representa en esencia la estructura de nuestro sonido”, comenta Wills. Además de su talento musical, su

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“Han habido muchas modificaciones, sobre todo, debido a cambios en la alineación de la banda, así que hemos tenido que cambiar de idea sonora. Me gustaría pensar que el sonido del nuevo álbum es más refinado y cada vez nos acercamos más a lo que queremos ser.” Su sonido resulta una mezcla de géneros como asegura Wills, “parte psicodélica, parte rock, parte krautrock, tenemos de todo un poco”. Y su estilo ha sido comparado con el de Animal Collective, e incluso, con el de Pink Floyd. “Es un gran halago, me encanta Pink Floyd, definitivamente son una de mis bandas favoritas, y Animal Collective es grandiosa. Ser

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THE FUTURE WILL COME

FACTS -Marcus Lambkin es de origen irlandés, durante su residencia en Nueva York a finales de los años 90 conoció a James Murphy de LCD Soundsystem. -Entre las influencias principales de Marcus se cuentan Andrew Weatherall y Carl Craig; pilares de la escena techno de Detroit en los ochenta. -El nombre Shit Robot, deriva de un pésimo dibujo de un robot que realizara James Murphy.

SHIT ROBOT

I GOT A FEELING Fito Montes

Sean Dack

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Shit Robot

-Está firmado por DFA Records, el sello de James Murphy, líder de LCD Soundsytem. -Su álbum debut From The Cradle To The Rave (2010) recibió grandes críticas de sitios especializados como NME.com. -La placa incluye la participación de John MacLean (Juan MacLean), James Murphy y Alexis Taylor (Hot Chip).

preguntarle a alguien que marca la pauta del sonido techno hoy en día, hacia dónde va la música electrónica en general y su sonido en particular, a lo que Marcus responde con una humildad casi conmovedora: “No sé, de verdad, no lo sé, solamente lo sabe Dios [risas]. La verdad es que creo que todo va afortunadamente en un sentido más retro, escucho cosas que rescatan el sonido de la vieja escuela, pero también es cierto que no escucho la vanguardia de la música electrónica, de tal modo que, alguien más joven y con mayor involucramiento en las nuevas tendencias lo podría resolver. “Lo que sí sé es qué sigue para Shit Robot: este año habrán algunas presentaciones conmigo solo en el escenario y unas pantallas con visuales, el año que viene armaré un tour mundial con apoyo de más gente para presentarnos como acto en vivo, y entre una cosa y otra, regresaré al estudio a trabajar en un disco nuevo, del cual simplemente no sé qué sentido pueda tener”. En cuanto a una visita próxima a México, Marcus está interesado en regresar, pero hasta el momento no hay ninguna propuesta concreta. Es una obviedad mencionar que Shit Robot estará sonando en las bocinas de los aparatos de sonido de muchos de nosotros. Lo que no resulta obvio pero sí fundamental es que el éxito de Shit Robot está cimentado en su profundo conocimiento y minucioso estudio de aquellos que le precedieron en la escena electrónica, y que es esta afición, combinada con lo honesta y humilde de su propuesta y actitud, lo que por fin, después de dos décadas, le abrirá las puertas del éxito… No estaría de más seguir el ejemplo.

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Quizás lo primero que llama la atención de Shit Robot es el sentido retro que tiene su música, lo cual no es común en la escena electrónica, ya que ésta con frecuencia se relaciona con visiones futuristas y tendencias avant-garde, “Lo que pasa conmigo es que soy un tipo ya de 41 años, ya no voy a los clubes como solía hacerlo en mis años mozos, y lo que realmente me apasiona es el house de Detroit, el acid house de Manchester o el electro alemán. Lo que quiero hacer con mi propuesta es un sincretismo de eras, ¿me explico?, quiero que el sello tenga el groove de aquellos años, pero con la identidad que yo pueda darle y el sonido de hoy. No trato de romper paradigmas, sólo quiero fusionar dos épocas y evocar aquellos sonidos que me enriquecieron cuando crecía. Es un homenaje a la gente que admiro”. La segunda sorpresa que nos llevamos al conocer más a fondo el proyecto Shit Robot, radica justo en el tópico de que un veterano de 20 años en la música, con 41 años de edad, sea considerado, en este punto, la promesa del electro para el incipiente 2011, al grado de que la crítica especializada le llama ya “The Next Big Thing”. “No sé realmente por qué me llaman ‘The Next Big Thing’ [risas]… El disco estaba terminado casi en su totalidad, es decir, hace como dos años el 90 por ciento del disco ya estaba armado, pero nació mi hija y todo se detuvo… No sé, de verdad no creo ser ‘The Next Big Thing’, digo, siento el cambio, tengo 20 años de DJ y, de repente, aumentan las entrevistas, la gente me reconoce cuando voy a un lugar público y me dice que le gusta el disco –lo cual agradezco– pero no ha habido hasta el momento una diferencia sustancial en mi estilo de vida, así que no sé si realmente voy en ese curso.” Y con un boom tan repentino y un conocimiento tan profundo de la escena electrónica es inevitable

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Cada vez es menos común que los músicos en particular y los artistas en general conozcan a fondo el trabajo de sus predecesores, lo cual los condena, con frecuencia, a repetir fórmulas, métodos o formas expresivas previamente experimentadas y a caer con ello en el fusil, la anacronía o simplemente, en la caricatura burda de aquellos a los que voluntaria o involuntariamente reproducen en su obra. Éste no es el caso de Marcus Lambkin, conocido en el mundo musical como Shit Robot. Él sabe que, como dijo George Santayana, “aquellos que no conocen su pasado están condenados a repetirlo”. En un tenor relajado, Shit Robot conversó con nosotros acerca de su nuevo álbum From The Cradle To The Grave, el futuro de la música, sus influencias y proyectos. “From The Cradle To The Grave es el producto de más de 20 años de escuchar música electrónica, desde mi descubrimiento del acid house, a mediados de los ochenta, pasando por el techno, el hard techno y todos los subgéneros de electro que me han interesado. Es simple: es engendro de la pasión por este tipo de música.” El disco, grabado y producido por DFA, está ya posicionándose en la escena independiente. Sin duda Shit Robot se sumará, junto con The Juan MacLean y LCD Soundsytem, a la caballada de grupos que pertenecen a esta disquera y que dominan el panorama electro-rock. Dentro de los tracks que más ruido han hecho están ‘Tuff Enuff’ y ‘Grim Receiver’, los cuales no son necesariamente los favoritos de Marcus. “Mis canciones favoritas son ‘Losing My Patience’ y ‘Take ‘Em Up’, tal vez porque son las menos oscuras del disco; además me encanta cómo la voz de Alexis (Taylor de Hot Chip) refresca al disco, le resta densidad, y me recuerda la vocal-house de los noventa.

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THE FUTURE WILL COME

THE NAKED AND FAMOUS PUNCHING IN A DREAM Diovanny Garfias

Cortesía Universal Music

Este 2011 está cargado de nuevas propuestas sonoras en todas sus vertientes, desde rock de garage aceitoso, hasta otras más alternativas con paletas multicolor que ilustran su personalidad sónica. Tal es el caso de The Naked And Famous. Esta quinteta originaria de Nueva Zelanda encontró en su single ‘Young Blood’ el vehículo ideal para introducir al mundo su álbum debut Passive Me, Aggressive You (2010). WARP MAGAZINE conversó en exclusiva con Aaron Short, quien siente que “la banda aún está haciendo el cruce hacia nuevos terrenos”. ‘Young Blood’ se colocó como número uno en algunos de los charts neozelandeses más importantes tan pronto vio la luz, ¿cómo se sienten al respecto? En definitiva son tiempos muy emocionantes para nosotros. Antes lanzábamos música y por ahí nos tocaban en las radios de música alternativa; hicimos algo de ruido con

nuestros primeros dos EP. Con la salida de ‘Young Blood’ y al poco tiempo del álbum (Passive Me, Aggressive You) nos situamos en un nuevo terreno para nosotros: el mercado comercial, algo que no esperábamos y que nos parece emocionante.

“Creo que música pop alternativa es la mejor forma en la que podemos describir nuestro trabajo.” -Aaron Short El reconocimiento de la prensa y del público les ha llegado muy rápido, ¿les causa algún tipo de presión o sólo es una razón para seguir haciendo buena música? Definitivamente hay un poco de ambos. La presión no es algo que nos asuste y, al mismo tiempo, tampoco es algo en lo que nos concentremos. Para nosotros hacer música es un gusto, lo hacemos porque nos sentimos bien con ello. Si nuestra música llega al público y

le gusta, eso es algo extra para nosotros, pero nunca ha sido nuestra intención hacer una canción que se convierta en un hit. ¿Cuál fue la principal diferencia entre grabar sus primeros dos EP: This Machine y No Light y su álbum debut? Para empezar la banda sólo tenía cuatro integrantes cuando salieron los EP. La producción fue algo minimalista, los encaramos de un modo casi acústico. Y después, para cuando trabajábamos en Passive Me, Aggressive You nos convertimos en una banda de cinco integrantes; entonces pudimos ponerle más capas a nuestra música y evolucionar de verdad el sonido que trabajamos en los primeros materiales. El 2010 fue un gran año para ustedes, ¿qué esperan como banda para este 2011? Hay diferencias respecto a 2010, cuando apenas lanzamos el sencillo

“Passive Me, Aggressive You es sólo la evolución lógica de lo que veníamos haciendo en los EP.” -Aaron Short

‘Young Blood’ y se nos empezaron a abrir las puertas en Reino Unido, Estados Unidos y después en otros lugares del mundo. Pienso que lo que vamos a hacer a lo largo del año es estar de gira por mucho tiempo y creo que nos mudaremos a Londres, ahí será más fácil seguir con nuestras operaciones. Vamos a grabar menos, de eso estoy seguro. Uno siempre está creando demos y registrando ideas, pero creo que en este 2011 nos vamos a concentrar en las giras y en tocar todo nuestro material nuevo.

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¿Tienen planes de tocar en festivales grandes como Coachella, Glastonbury, Big Day Out, este año? Sí, es un reto y este año estaremos haciendo muchas cosas importantes. Estaremos en SXSW, estaremos en otros festivales en el Reino Unido, en Europa y un tour por los Estados Unidos.

The Naked And Famous -Su single ‘Young Blood’ debutó en el lugar número 1 del chart de Nueva Zelanda en 2010. -Su álbum debut Passive Me, Aggressive You (2010) también debutó en el número 1 del chart neozelandés. -Fueron nominados por la BBC al premio

¿Cuál es tu perspectiva de la escena actual en Nueva Zelanda? Es difícil, porque es una escena pequeña. Todavía no es como algo que encontrarías en Londres o en Los Angeles donde puedes tocar en cinco o seis lugares antes de que tengas que repetir el venue. Aún existe esa línea entre la música independiente y la música comercial, la cual estamos empezando a

Sound Of 2011, que reconoce a las figuras más prometedoras de la música.

¿Podemos decir que The Naked And Famous forma parte de un nuevo movimiento musical que está surgiendo en Nueva Zelanda? Creo que están pasando cosas nuevas en el país. Algunas bandas y nosotros estamos haciendo la fusión entre rock con algo de música electrónica y parece que la gente lo está disfrutando allá afuera, sienten que algo nuevo está por explotar, está presente desde hace un año pero lo mejor está por venir. ¿Los veremos en México próximamente en concierto?

Sí. Aún no tengo idea de cuando sucederá, pero estoy seguro de que en algún momento del año estaremos aterrizando por allá.

DATA INTEGRANTES David Beadle Thom Powers Aaron Short Jesse Wood Alisa Xayalith DISCOGRAFÍA This Machine (2008) No Light (2008) Passive Me, Aggressive You (2010)

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cruzar. Antes teníamos una pequeña base de fans, después nuestra música empezó a sonar en la radio y los fans aumentaron.

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Mencionaste que estarían concentrados en la gira de este año pero, ¿hay alguna posibilidad de que escuchemos música nueva de The Naked And Famous en los próximos meses? Definitivamente sí dedicaremos algo de tiempo a grabar nuevo material. Tenemos algunos lados B que quisiéramos terminar y después lanzarlos de alguna forma. Pero nada como hacer un nuevo disco. No, al menos hasta el próximo año.

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THE FUTURE WILL COME

CRYSTAL FIGHTERS FOLK VASCO, ELECTRÓNICA LONDINENSE Paola Del Castillo

Cortesía Club Cobra

Con una visita a la Ciudad de México agendada para el 2 de abril, esta interesante banda multicultural (Sebastian y Gilbert ingleses; Graham, estadounidense; Laura, mitad española mitad francesa, y Mimi, mitad española mitad italiana) presentan una fusión perfecta entre la música tradicional vasca y la electrónica londinense. En entrevista para WARP MAGAZINE Sebastian nos cuenta un poco de la historia detrás de su sonido. ¿Qué podemos esperar de su disco Star Of Love? Es una mezcla de influencias que hemos descubierto al vivir en Londres, para algunos de nosotros creciendo aquí, estaciones de radio, música dance, toda esa mezcla. Pero también de música vasca, música folk tradicional que descubrimos a través de una de nuestras cantantes, Laura, que trajo un libro del país vasco que pertenecía a su abuelo, el cual contenía muchas referencias a la txalaparta, al estilo musical, cultural y mitología de ese lugar. ¿Qué otros instrumentos vascos usan en sus canciones? El txistu que es una especie de flauta con tres agujeros; la triki-

tixa, un pequeño acordeón diatónico; el danbolin que es un tambor, entre otros. También usamos las melodías de piezas de música vasca antigua que descubrimos por el libro y por nuestra propia investigación. Nos gusta mucho su estilo tenebroso, su forma y modo, y al mezclarlo con música dance adquiere una cualidad especial que nos encanta.

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Crystal Fighters

-Definen su música como emotrónica o folktrónica, con algo de dubstep, techno y drum and bass. -Su nuevo álbum Star Of Love (2010) es considerado por medios como NME como uno de los más innovadores de los últimos meses. -Su actuación en vivo ha sorprendido a

¿Qué influencia tiene Londres en su música? La música de Londres y la naturaleza submulticulural de la ciudad tienen una gran influencia en nosotros. Hemos conocido un sin fin de personas de contextos diferentes, entre ellos mucha gente española que conseguimos que cantaran en el disco porque nos gusta mucho el acento y la manera en la que cantan en inglés. ¿Tiene algún significado la portada del disco? Las figuras están basadas en la mitología vasca. Las dos figuras con sombreros de bruja se llaman exatxo, una especie de gigantes que atemorizaban al pueblo y fue nuestra figura favorita de muchas que descubrimos. La chica es parte de una pintura titulada La Chica con el Tambor Vasco y alrededor

diversos públicos alrededor del mundo.

aparecen los instrumentos vascos que tocamos en el álbum. El arte fue una comisión hecha por un artista llamado John Stark, quien se especializa en pintar figuras mórbidas relacionadas con la muerte, así que quisimos que tomara sus impresiones sobre lo que nos gustaba de la cultura vasca y lo reflejara en un escenario bizarro. ¿Qué esperan de su visita a México? Toda la gente mexicana que hemos conocido en los conciertos en España y a través de Europa han sido personas increíbles, así que estamos muy emocionados por conocer el país porque hemos escuchado mucho acerca de él.

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THE FUTURE WILL COME

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Ratatat

-Han compartido escenario con Bjรถrk, Daft Punk, Mouse On Mars, Interpol, Franz Ferdinand, CSS, The Faint, Super Furry Animals, Clinic, Panther, The Killers y Vampire Weekend. -Su mรกs reciente รกlbum LP4 (2010) entrรณ al chart Billboard 200 durante su semana de lanzamiento por vender 6,700 copias. -Han hecho remixes para Bjรถrk, Shout Out Louds y The Knife, entre otros.

RATATAT WE CAN’T BE STOPPED Cortesía XL Recordings

¿Qué podemos esperar de sus shows en México? ¿Qué han preparado para sus presentaciones? Será divertido, tocaremos muchas de las nuevas canciones. Ahora tenemos muchos más instrumentos, más videos, más valor [risas]... para la gente que ya conoce el disco y que nos ha visto antes, creo que la experiencia en vivo es más envolvente; puedes usar más recursos. El sonido del LP4 tiene ritmos diferentes y beats muy particulares. Destacan cuerdas japonesas, un tambor iraní y algunos otros elementos. ¿Cómo fue el proceso de recolección de estos instrumentos? Fue algo que surgió a lo largo de varios meses, recolectamos todo lo que ya teníamos y lo conservamos; también buscamos y ordenamos cosas por Internet. A lo largo del tour se nos presentaron instrumentos que ni imaginábamos. Un día, por ejemplo, llegó un paquete por correo y era un instrumento japonés [risas]... y bueno, nosotros siempre estamos buscando nuevos sonidos. ¿Y ahora ya sabes tocar todos esos instrumentos? Más o menos… no tanto como en un nivel profesional. Bueno, creo que es profesional pero, por ejemplo, si hablamos de ese instrumento japonés lo puedo tocar un poco,

pero no podría asegurar que como un experto. ¿Siguieron una línea específica para componer las canciones de este disco? Es decir, primero la batería, las sesiones de guitarras... ¿cómo fue el proceso? Puedo decir que todo ha sido parte del mismo proceso: la mayoría de las veces comenzamos con el beat, Evan lo crea, de hecho él siempre está haciendo beats; después de eso empezamos a improvisar juntos. Básicamente seguimos la misma línea de hacer varias cosas a la vez; escribimos el eje, la secuencia y lo demás empieza a sonar. Después tratamos de encontrar el sonido adecuado que quede con eso y además escribimos todo lo que grabamos previamente. Siempre lo hacemos de esa manera, en esta ocasión con LP4 tenemos muchos nuevos sonidos, así que el disco suena algo diferente, pero la composición o el proceso fue exactamente el mismo. Dado que su música es instrumental, ¿cómo fue la selección de los samples de los diálogos que usaron en algunas de sus canciones? Siempre tratamos de tomar a alguien con una voz atractiva [risas]... son simplemente de películas que vamos viendo cuando estamos haciendo el disco, tomamos partes de ellas y vemos cómo nos funciona. En este caso fue Days Of Heaven del director Terrence Malick. ¿Qué hay del perico, uno de los nuevos sonidos en esta producción? Incluso está en el video ‘Party With Children’ ¿no? ¿Cuál es su historia? Es mío y de mi esposa, estuvo un día en el estudio con nosotros y empezó a hacer lo suyo. Lo pusimos cerca del piano y en cuanto escuchó el sonido se asustó, le pusimos el micrófono y lo grabamos.

¿Qué pasó cuando terminaron de grabar LP4? ¿Existe algún material no incluido para lanzar un B side o algo así? Algunas de las canciones surgieron durante el tour así que por ahora no hay ningún plan. Vamos a Australia, a México y después probablemente podamos trabajar en algo parecido. ¿En qué se inspiran cuando componen? ¿Se guían por el instinto musical de cada uno, por la escuela que traen o es una mezcla de ambos? Puedo decir que son ambos; creo que es más cultura como músicos y bueno, yo tengo más la parte de la escuela musical. Intentamos complementarnos, en un momento determinado a uno se le ocurre una idea y tal vez al otro no, así que ahí es donde entra la ayuda. Por eso te digo que es una mezcla, porque Evan siempre me está sorprendiendo con nuevas ideas y se guía por mi formación, lo cual tiene mucho sentido y a la vez siempre es un reto para mí porque yo tengo que aplicar las bases para saber cómo hacerlo funcionar; así que es una mezcla de los dos. Después de sus discos de estudio, de los remixes y singles. ¿Cómo se siente Ratatat en este momento? Se siente bien cuando estamos de vacaciones [risas]... creo que es mucho trabajo. Después de esta gira vamos a tomarnos un descanso, vamos a pensar en nueva música, vienen algunos festivales. En realidad nos sentimos entusiasmados y optimistas. ¿Qué otros planes tienen para este 2011, musicalmente hablando? Seguiremos de gira en los festivales que vienen en verano, terminaremos la promoción del LP4. Tenemos también varias fechas en Estados Unidos, entonces seguiremos con eso y bueno, después empezaremos a trabajar en el próximo disco.

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A pesar de ser su tercera vez en nuestro país, a los neoyorquinos de Ratatat se les espera como si fuera la primera. Después de más de seis meses de la salida de su última producción discográfica, LP4, aún quedan muchos lugares en donde presentarlo y la ciudad de México es uno de ellos. A propósito de su visita a nuestro país, Mike Stroud platicó con WARP MAGAZINE sobre la gira, los nuevos instrumentos que aprendieron a tocar, su manera de componer y sus planes para este año.

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Marcela Muñoz

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THE FUTURE WILL COME “Valusia es un experimento en el que traté de encontrar el balance entre el lado oscuro y el brillante”. -Nika Roza

Cuando Nika Roza no está creando música para Zola Jesus, está trabajando junto a Freddy Ruppert y Jamie Stewart (Xiu Xiu) en Former Ghosts, un proyecto donde el synthpop, noise, rock y el post punk convergen, y en donde la voz de Nika acentúa las atmósferas frías y electrónicas. El más reciente álbum de estudio de la banda vio la luz el pasado octubre de 2010.

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Zola Jesus

-Pitchfork la nombró una de las artistas más prometedoras del 2009. -Ha compartido escenario con Xiu Xiu, Warpaint, Fever Ray y The xx, entre otros. -Planea lanzar nuevo material en 2011.

ZOLA JESUS

I CAN’T STAND

Cortesía Arts & Crafts México

El 2010 fue un gran año para ti, no sólo recorriste varios puntos del mundo, también lanzaste cuatro materiales discográficos (Stridulum EP, Stridulum II, Valusia EP y New Love con Former Ghosts), ¿esa era tu meta el año pasado? Las cosas pasaron muy rápido, mi intención nunca fue sentarme y grabar cuatro discos, yo sólo me puse a escribir canciones, cuando sentí la necesidad de hacerlo y luego las lancé. Sólo pasó. Aún cuando cada uno de estos materiales vieron la luz en el mismo año, cada uno tiene diferente personalidad, producción y feeling, ¿cómo hiciste para llegar a cada resultado? Cuando me siento a escribir muchas de las canciones o todas terminan en el mismo lugar o con la misma melodía. Así que mis metas eran algo altas, aún cuando conocía el sonido que buscaba en específico, también quería hacer algo diferente. La gente se sienta, escribe y hace el mismo disco una y otra vez. Para mí es muy natural continuar creciendo, cambiando y seguir haciendo música inspirada en diferentes emociones.

Como artista, ¿sigues algún proceso creativo? Inicialmente tengo una idea muy vaga del disco que quiero hacer, luego paso a tratar de crearlo partiendo de lo más sencillo, que en realidad es complicado. Luego me siento y empiezo a escribir las cosas que surgen de mi cabeza, todo lo que estoy sintiendo y trato de traducir todo eso en música. A veces es muy difícil, otras es muy fácil. Tratar de sacar esas canciones de mi cabeza puede resultar en una pelea. Has sido parte esencial de Former Ghosts, el proyecto de Freddy Ruppert, ¿cómo es trabajar con él? A Freddy le gusta colaborar con gente con la que comparta sus ambiciones y potencial. Es una de las personas más grandiosas, apasionadas y dulces que jamás haya conocido en mi vida, lo que hace fácil trabajar con él. Básicamente, me manda canciones, a veces es una canción en bruto a la que le tengo que poner la melodía vocal y en otras canto lo que Freddy me pide, porque necesita escuchar cierta melodía a través de mi voz. De cualquier forma siempre nos divertimos mucho. ¿Cómo te sientes más cómoda, colaborando con alguien o creando música sola? Es muy diferente: con Zola Jesus es algo muy personal e íntimo, añadir gente a ese proceso es siempre difícil y retador, pero es un hecho que me gusta cooperar con gente, pueden nutrir la experiencia musical. Cuando lo hago es por diversión y termina siendo un reto, porque estoy acostumbrada a hacer las cosas por mi misma, pero las dos formas de trabajar son muy emocionantes.

Hablemos de New Amsterdam, sin duda, tu trabajo más experimental y agresivo en términos musicales, ¿qué buscabas obtener de ese álbum? New Amsterdam es básicamente una colección de lados b, no es formalmente un álbum, tiene todas las canciones que integraban mis shows en vivo. Pero es algo único, porque es una muestra de las primeras encarnaciones de mis presentaciones en vivo: algo minimalista y primario. Es parte de mi pasado, de lo que era y hasta dónde he llegado, es muy emocionante pero no es un álbum como tal. Ahora, pasando a Valusia EP, tu más reciente material, creo que es un nuevo punto de partida en tu sonido y forma de hacer música, ¿qué buscabas obtener en términos de sonido? Creo que Valusia es un experimento en el que traté de encontrar el balance entre el lado oscuro y el brillante, o entre música dark, industrial y pop. Es muy difícil encontrar el balance perfecto, así que lo que traté de hacer fue explorar esa línea y retarme a mi misma como escritora de canciones, que es algo básico en mi música. Además de estar de gira en 2011 ¿que te gustaría hacer? Este año voy a trabajar mucho en mi próximo álbum, estar de gira y cuando salga promoverlo, creo que eso es todo. Va a ser la misma rutina circular que representa ser músico. Definitivamente trabajar en el nuevo disco va a traer y a abrir nuevas ideas a mi cabeza, cosas que quizá no había descubierto en el pasado y que pueden surgir en esta oportunidad; va a ser muy emocionante porque siento que puedo hacer lo que sea.

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Estamos en tiempos en los que los géneros dejaron de pertenecer a una corriente determinada, las líneas se borraron y, para suerte de quienes gozamos de la música, vivimos un momento en el que está más nutrida que nunca. Nika Roza al frente de Zola Jesus es una de estas encarnaciones eclécticas que ofrece en su arte sonoro una mezcla de sonidos agresivos, psicodélicos, narcóticos e inolvidables. El resultado es un ambiente ondulante entre oscuridad y luz, que difícilmente puede ser ignorado. WARP MAGAZINE platicó en exclusiva con Nika de sus logros en 2010 y sus planes para los meses por venir.

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Diovanny Garfias

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THE FUTURE WILL COME

RA RA RIOT DO YOU REMEMBER Paco Sierra

Cortesía Arts & Crafts México

La energía y dinamismo han sido elementos particulares durante la carrera de Ra Ra Riot, una de las bandas jóvenes que más han llamado la atención mediática en Estados Unidos. Cinco años de carrera y vivencias intensas (como la lamentable pérdida de su baterista John Ryan Pike en 2007) han consolidado la fresca propuesta de la banda. Milo Bonacci (guitarra) y Rebecca Zeller (violín) platicaron en exclusi-

va para WARP MAGAZINE durante su más reciente visita a nuestro país, donde pudimos apreciar su pop orquestal, además de disfrutar las canciones de su más reciente álbum The Orchard. ¿Cómo fue el comienzo de Ra Ra Riot? Milo: Odio sonar como si estuviera tomando el crédito por empezar la banda.

Rebecca: Pero sí, él la empezó. M: Estaba a punto de graduarme y sólo quería tocar algo de música antes de ir al mundo real y tener un “trabajo”. Estaba en una clase con Rebecca, no nos conocíamos… R: Nos sentábamos en lugares opuestos en el salón. M: Pero comenzamos a platicar y, a través de ella y algunos otros conocidos, reunimos poco a poco a todos; empezamos tocando en

“No se suponía que esto iba a durar tanto. Pensaba que iba a durar tres meses a lo mucho, pero aquí estamos cinco años después.” -Milo Bonacci

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Ra Ra Riot

-Su video ‘Can You Tell’ ganó el premio del Festival de Cine de Finger Lakes, en la categoría de Best Music Video en 2009. -Reconocidos por SPIN.com como “una de las mejores bandas jóvenes que hayamos escuchado en un largo tiempo”. -Su single ‘Boy’ entró al iTunes Popularity Chart el día de su lanzamiento.

¿Su estado natal influyó de alguna manera en su música? M: Influyó más que nada en el sentido de que no existe una escena musical, no hay muchos lugares dónde tocar… R: Creo que eso permitió a la banda convertirse en lo que es hoy, ya que no existía competencia. Al norte del estado de Nueva York no existían bandas en las universidades, de repente nosotros nos organizamos en unas vacaciones de invierno y dos semanas después estábamos dando un show, éramos la novedad y eso nos permitió tocar en vivo muchas veces… M: La mayoría de los universitarios no tenían mucho qué hacer, así que asistían a nuestros shows. Ahora tienen The Orchard, ¿cómo fue el proceso de grabación? M: Estuvimos encerrados en un estudio en Nueva York. Pasamos un mes o mes y medio trabajando juntos, fue un proceso de mucha colaboración entre nosotros, también con nuestro ingeniero de audio, que es amigo de la universidad y nos

Estuvieron de gira casi todo el año 2010, ¿sigue entre sus planes de este año continuar con shows en vivo? R: Sí, 2011 definitivamente nos tendrá de gira y viajando mucho, espero que no con horarios tan apretados como los que hemos tenido. ¿Tienen planes para trabajar en un nuevo material? R: Cuando hayamos finalizado nuestras giras, tal vez en el otoño de 2011, nos tomaremos un descanso, escribiremos música cada quien por su lado y en 2012 nos juntaremos para trabajar como banda. M: O quizá en 2013 [risas]… Tienen muchos amigos en la escena musical, ¿con quiénes les gustaría colaborar? R: Siempre me he imaginado trabajar con Joanna Newsom… M: ¿De verdad? Yo también… R: Con su arpa y siendo ella una excelente compositora… siento que haríamos magia juntos. Entre los instrumentos característicos de Ra Ra Riot encontramos algunos no tan convencionales para una banda, ¿les gustaría experimentar con algún otro instrumento? R: Lo hemos intentado. En dos conciertos en Nueva York colaboramos con una orquesta con violines, chelo, viola… M: Fue un ensamble contemporáneo, expandimos nuestro sonido a algo más orquestal. Fue muy divertido de verdad. Para concluir los integrantes de Ra Ra Riot prometieron, no sólo regresar a nuestro país, sino también visitar países de Sudamérica, para derrochar su singular energía y compartir su música.

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¿Cuáles han sido los grandes cambios entre su primera presentación y estar cerrando su tour en la Ciudad de México? R: Es muy diferente, nuestra primera tocada fue en una fiesta [risas] en un sótano en Nueva York rodeados de universitarios, y ahora nos encontramos viajando constantemente teniendo la oportunidad de hacer mejores shows, presentarnos en programas de televisión. Es bastante surrealista recordar que empezamos en un sótano… M: No se suponía que esto iba a durar tanto. Pensaba que iba a durar tres meses a lo mucho, pero aquí estamos cinco años después.

acompaña durante nuestras giras… R: Fue regresar a nuestras raíces… M: Claro, nos involucramos en todo el proceso y se refleja en los resultados.

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la escuela y en fiestas de amigos, y todo partió de ahí. Unos meses después estábamos tocando en la ciudad de Nueva York y se fue perpetuando todo.

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Goose

-En 2007 se hicieron con el premio en la categoría de Best National Alternative Act de los TMF Awards de Bélgica. -Su single ‘Black Gloves’ fue incluido en el trailer del videojuego Football Manager 2009. -Su álbum Synrise se colocó como uno de los más esperados en 2010 en Bélgica.

GOOSE

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CAN’T STOP ME NOW Cortesía Universal Music

Goose solía tocar covers de AC/DC y de rock en general. ¿Cómo fue que decidieron pasar de este género a la electrónica-dance y cómo fue esta transición? Fue una evolución natural. Con el paso de los años fuimos coleccio-

nando muchos sintetizadores y cajas de ritmos. Cuando comenzamos a grabar nuestro primer material Bring It On, literalmente queríamos que la gente se moviera durante nuestros conciertos. Creo que de alguna forma estábamos celosos de los DJs que hacen bailar a las personas. ¿El rock ha muerto o sólo ha quedado en segundo plano detrás de la electrónica? Creemos que el rock es una cuestión de actitud. Nosotros tocamos música electrónica pero como una banda de rock y, en Io personal, creo que este es el futuro de la música electrónica. La gente está ya muy aburrida de ver al artista “tocando música” por medio de una laptop. Así que más bien podríamos decir que el rock está arrasando con el mundo del dance. La música de Goose ha sido utilizada en anuncios en Europa; sin embargo, otros artistas no permiten que su música sea utilizada para campañas de publicidad, ya que sienten como si estuvieran rebajando la calidad de sus composiciones o siendo una banda “vendida”. ¿Qué les dirías? En Goose lo vemos como una forma de dar a conocer nuestro trabajo, de llegar a más oídos. Es difícil lograr que una radiodifusora toque tu música, así que si existe la oportunidad de que tu música se escuche en la televisión, ¡¿por qué habría de decir que no?! ¿Les ha resultado difícil dar a conocer su música en otros países? No hemos salido de gira al continente americano, pero en Estados Unidos contamos con una buena base de fans. Fuimos muy afortunados de que DJs como Steve Aoki o MSTRKRFT nos hayan apoyado tanto utilizando nuestros tracks para sus remixes y que también toquen

nuestro propios remixes como el que le hicimos a Scissor Sisters. ¿Cómo describirías la escena musical en Bélgica? Es muy diversa. Va del heavy rock al drum & bass y a la electrónica. Estamos rodeados de influencias musicales de países como Francia, Alemania y el Reino Unido. Creo que tener estas influencias permite que Goose tenga una mayor amplitud de propuesta. Bélgica es un país muy pequeño, pero tenemos un legado cultural exquisito. Al ser la música electrónica tan trascendental en Europa, ¿cuál es el elemento que define y hace la diferencia de Goose entre el resto de las propuestas? Que nosotros somos la única banda que realmente toca en vivo. ¿De dónde parte el proceso de composición: de instrumentos convencionales como la guitarra o el bajo, o a partir de computadoras y software para crear música? De la improvisación con instrumentos convencionales. Sólo utilizamos la computadora para el proceso de grabación. Grabamos nuestra música a la vieja usanza. ¿Qué es lo que más extrañas de la escena del rock? Tocar en foros sucios llenos de hombres con barba.

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Si usted es de los que hace cara de asco cada vez que se entera que surgió una nueva banda de covers de su grupo de rock favorito, le sugerimos que lea esta historia. No todas las bandas de covers son felices haciendo esta clase de “homenaje” y, por supuesto, muchas de ellas no logran dar el siguiente paso evolutivo a crear: tocar y vivir de su propia música. Goose es un cuarteto de belgas que al inicio del milenio se dedicaban a hacer covers de rock, principalmente del catálogo de AC/DC. Su afición por la música de Air, Daft Punk y David Bowie los llevó a la evolución y progreso de un sonido que actualmente es catalogado como rock electrónico. Sin el miedo al qué dirán y con la conciencia de que en Europa el dance y electro son algo que se respira día con día, Goose siguió adelante sin importar la gran oferta de artistas del género. La motivación para escribir su primer álbum Bring It On (Skint Records, 2006), fue escapar de casa y vivir la experiencia de todo lugar de música electrónica con el que se toparan. Para su más reciente placa Synrise (¡K7 Records, 2010) los elementos de pensar en el sintetizador como una guitarra continúan, pero se aprecia una exploración más profunda. Mientras que Bring It On fue un álbum de ritmos felices y fiesta, para Synrise el cuarteto se inspiró en bandas sonoras de películas de los ochenta y artistas como Philip Glass, Giorgio Moroder y Vangelis. Así, desde su natal Bélgica, Mickael Karkousse, vocalista de Goose platicó en exclusiva para WARP MAGAZINE sobre Synrise y lo que viene para este año.

Aunque a cada momento surgen nuevas colaboraciones, proyectos, DJs y artistas nuevos de la escena dance/ electrónica, es cierto que muy pocos de estos grupos tienen tal respeto por la música y cuentan con el objetivo claro de hacer bailar a cualquiera que escuche su música, como es el caso de Goose. Ya lo sabe, la próxima vez que escuche a una banda de covers, puede estar ante la siguiente propuesta de vanguardia.

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Anna Stephens

LOCAL NATIVES SHAPE SHIFTERS Paola Del Castillo

Cortesía Red Light Management

Gorilla Manor fue considerado uno de los mejores discos del año pasado y es que las armonías creadas por los originarios de Silver Lake, Los Ángeles, en su álbum debut cautivaron a más de uno con una mezcla exacta de alegría y melancolía, de rock y folk, con una naturalidad que sólo se logra con la más sincera pasión y entrega. Conquistaron el 2010, pero el 2011 se vislumbra como un año todavía más grande para el crecimiento en ascenso de Local Natives. WARP MAGAZINE platicó con Kelcey Ayer sobre lo que viene

para esta banda que se perfila como una de las más importantes. Vienen a México el próximo 25 de marzo, ¿cuáles son sus expectativas? No sé, estamos emocionados de tocar en un lugar de habla hispana; mi madre es de Colombia, así que estoy familiarizado con el idioma. Hablo un poco de español, debería ser mejor pero no sé qué pasó, supongo que no me apliqué lo suficiente. Pero en general, estoy emocionado de ir a un nuevo lugar.

En el Spring Quesadilla Tour también se presentará Edward Sharpe And The Magnetic Zeros para quienes fueron teloneros en una gira. ¿Influyó esa experiencia en ustedes de alguna manera? Sí, fue una gran gira, abríamos nosotros y otra banda de Los Ángeles que se llama Fool’s Gold. Edward Sharpe es del mismo pueblo que nosotros, así que fue una especie de privilegio local poder ser sus teloneros. Fue muy divertido y definitivamente nos ayudó, cada gira que hicimos ese

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THE FUTURE WILL COME

año nos impulsó hacia arriba brindándonos un gran 2010.

más que ir a toda prisa y descuidar algunos aspectos.

Ese día también estarán presentes Ok Go y Yeasayer, ¿les gusta su música? Sí, me gustan mucho algunas de las canciones de ambos. Estoy emocionado porque creo que va a ser un gran concierto, todas las bandas son muy buenas. De hecho tocamos con Ok Go hace unos cuatro años cuando aún nos llamábamos Cavil At Rest...

¿Están trabajando en un nuevo disco? Todos tenemos ideas y queremos empezar, pero próximamente tendremos un show en el Walt Disney Concert Hall en LA, que es algo muy importante para nosotros y estamos trabajando 24/7 en ello. Juntamos a una orquesta de 22 músicos y vamos a tocar la mitad del set con ellos y la otra mitad serán versiones acústicas de las canciones junto a un cuarteto de cuerdas. Será un gran honor poder estar tocando ahí.

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Local Natives

-Han sido comparados con Arcade Fire, Fleet Foxes y Vampire Weekend. -Su álbum debut Gorilla Manor (2010) se posicionó en el lugar número 3 de New Artist de Billboard. -Gorilla Manor también alcanzó críticas favorables de sitios especializados como Metacritic.

La prensa los ha comparado con Grizzly Bear y Fleet Foxes, ¿qué opinas de esto? Nos gustan mucho esas bandas. Entendemos que la gente necesita hacer comparaciones para hacerle saber a las demás personas qué es lo que van a escuchar. No puedes simplemente decir “escucha esta banda porque son increíbles”, tienes que dar algunos puntos de referencia para que la gente sepa que puede ser algo que le interese. Y en cuanto al simple hecho de ser comparados con ellos, es un honor, es mejor eso a ser comparado a bandas pésimas que no te gusten. Así que es definitivamente el mejor cumplido que nos pueden hacer.

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De ese momento a que lanzaron Gorilla Manor pasó mucho tiempo, ¿a qué se debió el retraso? Grabamos lo que pensábamos que iba a ser todo el álbum en el verano de 2008. Teníamos diez canciones pero queríamos lanzarlas apropiadamente con una disquera, así que pasamos el siguiente año buscando a las personas con las que queríamos trabajar. En el curso de ese tiempo escribimos nuevos temas, grabamos un cover de la canción ‘Warning Sign’ de Talking Heads, una versión diferente de ‘Cards And Quarters’ y escribimos nuevas canciones como ‘Wide Eyes’, ‘Shape Shifter’, ‘Sticky Thread’. Invertimos mucho tiempo en revisitar algunas cosas, volver a pensar otras, y finalmente hicimos el mejor disco que pudimos hacer. Estamos muy orgullosos de él. Preferimos tardarnos

Trabajan juntos en cada proceso involucrado en su música. ¿Resulta difícil encontrar un punto en común entre sus opiniones? Siempre debes tratar de esforzarte por ver de dónde viene la otra persona, tratar de ponerte en sus zapatos, desprenderte de tus ideas y tu propio ego, escuchar y entender las ideas ajenas. Creo que tenemos mucha suerte con dejar ser a cada uno tan abierto con sus ideas y opiniones, siendo respetuosos entre todos. Aunque también puede resultar difícil trabajar todos juntos, tornándose a veces como “demasiados chefs en la misma cocina”, pero de alguna manera logramos que funcione y nos encanta el resultado.

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Hablando de eso, ¿por qué cambiaron de nombre? Porque Cavil At Rest era una banda de preparatoria. Taylor y Ryan la empezaron y yo me integré casi en la recta final. Fue una etapa de gran crecimiento. Cuando progresamos encontramos a Andy y a Matt y ya llevamos cinco años tocando juntos. En ese momento empezamos a preguntarnos qué música queríamos hacer. Entonces decidimos que era momento de un cambio, de hacer algo un poco más serio, no tan juvenil. Empezamos a escribir las canciones que ahora están incluidas en Gorilla Manor y nos convertimos en Local Natives. Todo esto fue hace poco menos de dos años y medio.

THE RADIO DEPT. HEAVEN’S ON FIRE Elsa Núñez

Cortesía Ache Producciones

Desde siempre, los nórdicos han tenido una peculiar manera de comunicar calidez. Tal vez se trata del clima y la realidad tan distinta a la nuestra en la que se han desarrollado, lo cierto es que tienen un toque especial en el que la melancolía nos posee al momento de escuchar su música. En ese panorama lleno de bandas que optan por melodías que retratan paisajes serenos, destaca The Radio Dept., quienes después de una larga ausencia nos llevan en un misterioso paseo por los bos-

ques suecos. WARP MAGAZINE conversó con Johan Duncanson y Martin Larsson, sobre Clinging To A Scheme y sus percepciones sobre el futuro de la banda. ¿Cómo se sintieron al regresar al estudio después de casi cuatro años de no dedicarse a trabajar en un álbum completo? Martin: Pareciera que nos dedicamos a otras cosas durante ese tiempo, de hecho vivimos tres de esos cuatro años en el estudio, aunque estuvimos trabajando en diversos proyectos,

prueba de ellos fueron Freddie And The Trojan Horse (2008) y David (2009), esos experimentos en los que nos entretuvimos previo a lo que sería nuestro siguiente álbum. Después nos alejamos un poco del estudio porque vivimos en diferentes ciudades y viajamos por todo el mundo, pero no dejamos de trabajar en lo que sería dicho material. Fuimos componiendo y grabando algunas maquetas en el camino. Es un proceso común para las bandas cuando están de gira, aunque definitivamente nos era muy necesario

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THE FUTURE WILL COME

The Radio Dept.

-Su álbum Lesser Matters alcanzó el sitio 9 en la lista de NME de los mejores 50 álbumes de 2004. -Sus tracks ‘Pulling Our Weight’, ‘I Don’t Like It Like This’ y ‘Keen On Boys’ están incluidos en el soundtrack de la cinta Marie Antoinette de Sofia Coppola. -Pitchfork incluyó su álbum Clinging To A Scheme en su lista de lo mejor del 2010 colocándose en el número 40.

relajarnos y regresar al estudio para definir lo que realmente buscábamos con Clinging To A Scheme. El sonido del nuevo álbum es mucho más fresco y relajado, ¿cómo fue el proceso detrás de Clinging To A Scheme? M: Para nosotros fue un momento de mucha inspiración, es por ello que nos tomó tanto tiempo prepararlo. Trabajamos muy duro para lograr lo que realmente queríamos. Tomamos muchos elementos como inspiración, tal vez momentos que

Previo a las elecciones en Suecia lanzaron un tema llamado ‘The New Improved Hypocrisy’, ¿cómo y por qué nace esta idea? J: Lo que todos buscamos es vivir bajo gobiernos justos y limpios. Creo que en Suecia la situación política no marcha tan mal como en otros países, pero nos pareció necesario reflejar nuestra perspectiva sobre cómo se están haciendo las cosas en nuestro país, asuntos con los que estamos familiarizados. Formaron parte del soundtrack de Marie Antoinette, ¿les gustaría componer la música de alguna película? J: Claro, sería muy agradable. Hay muchos directores, a mí me gusta mucho el trabajo de Ang Lee, así que no me molestaría para nada trabajar con él.

¿Qué esperan del show, del público mexicano y qué debemos esperar nosotros de The Radio Dept. en su próxima visita? M: De entrada sabemos que el clima es una delicia, así que eso nos hace esperar que la vamos a pasar muy bien. En cuanto al show, no sabemos a ciencia cierta qué pasará, lo único que puedo decir es que esperamos que nadie salga decepcionado, ya que nos entusiasma mucho esta presentación y esperamos que sea genial, tanto para ustedes como para nosotros. J: Vamos a tocar canciones de todos los álbumes y una que otra rareza. Eso sí, quiero aclarar que somos un poco tímidos estando en el escenario, nuestras presentaciones son muy discretas y siempre tratamos de dar lo mejor de nosotros. Queremos tocar el mayor número de canciones de nuestro repertorio, podría decir “de nuestra carrera”, pero aún no llevamos tantos años como para utilizar dicho término aunque es la primera palabra que se me ocurre [risas].

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Ustedes produjeron el álbum, ¿cuál fue la diferencia entre el proceso creativo de éste y los anteriores? Johan: Pienso que en esta ocasión nos encontrábamos mucho más inspirados que antes. Creo que el anterior, Pet Grief (2006), se siente un poco frío y muy calmado. Nos sentíamos muy ansiosos por comenzar a trabajar en este álbum ya que buscábamos romper el molde con respecto a la línea que habíamos marcado en nuestra música. Para llegar a ese grado de inspiración nos fue indispensable la confianza, la cual logramos forjar después de tantos años de trabajar juntos, de ahí que necesitáramos regresar a nuestro entorno para grabar. Tenemos un estudio en casa, así que lo hicimos ahí, como siempre.

El 2010 fue un gran año para la banda, Clinging To A Scheme entró a las listas de lo mejor del año, ¿qué esperan de 2011 y qué podemos esperar de ustedes en este año que comienza? J: Lo primero que esperamos es sobrevivir [risas], tenemos muchos planes a futuro y cosas que hacer. Muchas cosas están pasando y simplemente esperamos tener el tiempo necesario para hacer lo que deseamos y nos corresponde llevar a cabo, obviamente en el terreno musical. Espero que nos dé tiempo de cumplir todas nuestras metas porque al parecer será un año muy ajetreado en cuanto a compromisos. Queremos seguir haciendo música. Lo más seguro es que este año comencemos a grabar un nuevo álbum.

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vivimos en esos años. Una de las cosas que deseábamos era precisamente renovar nuestro sonido, en lo cual enfocamos todo nuestro esfuerzo. El resultado nos tiene satisfechos y al parecer la gente que ha escuchado el disco lo ha notado.

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RELATIVITY THERE’S NO OTHER WAY Paul Stokes, NME News Editor

La mayor parte del año ser un periodista musical involucra ir a muchos conciertos, pararse en muchos campos lodosos para presenciar festivales (bueno, por lo menos, así es aquí en Inglaterra), burlarse/ alabar algunos discos y pasar todo con una barata y sencilla cerveza, o cualquier otra mezcla de elección propia. Pero una vez al año agregamos a nuestro rol tradicional una tarea mucho más fuera de lo común: predecir el futuro. Al ser el inicio de un nuevo año, todo lo que se nos pide son nuestras “recomendaciones para el año en puerta”. Obviamente no hay ninguna razón para que una banda se lance en enero en vez de junio –y como podemos ver, en los 365 días del año emergen nuevos actos– pero, por lo menos en el Reino Unido, el principio del año se ha convertido en un boom de clarividentes. La BBC hace encuestas masivas a críticos, DJs, músicos y el resultado son 15 (cuéntenlos) nuevos actos que pueden emerger en los próximos 12 meses, mientras que los Brit Awards dan el premio “Critics Choice” a una banda que ni siquiera ha grabado un álbum, y que mucho menos tienen fans aún. En NME hicimos nuestro número tradicional de nuevas bandas presentando a The Vaccines (artpop estilo Syd Barrett pasando por el prisma de The Ramones) y Brother (exponentes de Britpop que pretenden revivir el género, que hablan como Oasis y que suenan parecido a Blur) en la portada. Bueno, mi previsión me dice que

si no puedes contra ellos, predice, y con WARP MAGAZINE, que no limita las predicciones sólo a nuevos actos, aquí están mis recomendaciones para el 2011 en orden reversivo: 5. Aphex Twin. No hay detalles concisos, sólo rumores de un disco, otro volumen de Ambient Works y bóvedas de material escondido debajo de Londres. Básicamente, hemos soportado demasiado tiempo sin Richard James (cuando la página de los Brit Awards fue hackeada recientemente, su nombre se mostraba en las opciones de votación) así que esperemos que los próximos 12 meses marquen su regreso de una reverencial manera. 4. Arctic Monkeys. Acaban de irse a Estados Unidos con el productor James Ford para grabar su quinto álbum, y un gran festival musical inglés programado para agosto (según apuntan varios rumores) este año los mantendrá ocupados. Puede que Humbug no haya impresionado a los críticos, pero cualquiera que haya presenciado a la banda transformar presentaciones indie en mares de audiencias eufóricas en su gira de estadios en 2009, confirmará que siguen siendo la banda más emocionante de su generación. 3. Suuns. Vi a esta agrupación en su natal Montreal el año pasado, y su álbum debut Zeroes QC no ha decepcionado. Guitarras estridentes, como Television, y una arquitectura sónica de los gigantes pop, Battles, producen una y otra vez una experiencia claustrofóbica pero a la vez eufórica.

Escuchen su canción ‘Arena’ para saber por qué deben estar entre su colección de discos. 2. The Strokes. Pasó mucho tiempo, pero por fin regresará en marzo la banda más afamada de Nueva York con el enlace perdido entre Room On Fire y First Impressions Of Earth. Con el disco solista de Julian aumentando el nivel y un declarado perfeccionismo dentro del estudio (sesiones interrumpidas, peleas y más) tengo un buen presentimiento de que, aunque no recapturen el espíritu de Is This It –un rayo no cae dos veces en el mismo lugar– unos The Strokes más maduros y diestros musicalmente podrían reinventar el juego por completo una vez más. 1. Anna Calvi (en foto). En marzo del año pasado fui afortunado al presenciar a esta pequeña chica silenciar un cuarto repleto de bulliciosos fans de Arctic Monkeys (leer arriba) por medio de la delicada belleza y fuerza de su voz. Si agregamos a eso su increíble habilidad en la guitarra, su espíritu estilo matador (al igual que su look) se posiciona grande y triunfante con su álbum debut homónimo, que mezcla la atmósfera y alegría de Calexico con una belleza y fuerza similar a PJ Harvey, y ni siquiera eso la describe adecuadamente, porque Anna Calvi es, bueno… Anna Calvi. Única, individual y revigorizante. Ya sea que venda millones de discos o ninguno, por sus logros artísticos hasta el momento, pero por lo que a mí concierne, el 2011 ya le pertenece a la pequeña londinense.

THE PAINS OF BEING PURE AT HEART A TEENAGER IN LOVE Anna Stephens

Cortesía Slumberland Records

Sin duda uno de los peores momentos de nuestra vida lo vivimos durante la adolescencia. Pero también esta inestable etapa de nuestra vida nos dio a uno de nuestros mejores amigos o nos presentó a nuestro álbum favorito. Esos momentos de vértigo emocional extremo, de recuerdos de grandes momentos y dolorosas memorias, están encapsulados en las canciones de The Pains of Being Pure at Heart (TPOBPAH). El cuarteto de Nueva York que apenas se integró en el 2007, ha desarrollado un sonido

nostálgico con letras que describen cómo esos ideales de la niñez, van desintegrándose con cada una de nuestras vivencias. Kip Berman, Kurt Feldman, Alex Naidus y Peggy Wang son el platillo principal del Indie-O Fest en su edición 2011. Kip Berman (vocalista, guitarrista y líder de la banda) platicó con WARP MAGAZINE previo a su presentación en el Polyforum Siqueiros el 12 de marzo próximo. TPOBPAH son una banda de reciente éxito y me parece que este

éxito radica, no sólo en sus composiciones, sino en que no han dejado que esta fama invada su trabajo musical. Somos muy apasionados respecto a la música que escribimos, aunque no nos tomamos a nosotros mismos tan en serio porque creemos que la música debe ser algo divertido. Si no lo ves de esta forma entonces estás haciendo las cosas mal. En la banda todos tratamos de mantener una actitud positiva y hacer cada vez un mejor trabajo, no sólo en cuanto a composi-

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THE FUTURE WILL COME

The Pains Of Being Pure At Heart

-Su álbum debut homónimo se colocó en el número 9 del Billboard del chart Heatseekers. -Han sido comparados con The Jesus And Mary Chain, Joy Division y The Smiths. -Su nuevo álbum Belong (2011) está producido por Flood (Depeche Mode, U2) y mezclado por Alan Moulder (Smashing Pumpkins, The Jesus And Mary Chain, NIN).

Ya que mencionabas tu admiración por la década de los noventas y los movimientos musicales que se gestaron entonces ¿cómo describirías la música actual? ¿Crees que exista un movimiento como tal o un estilo líder? En los noventa en Estados Unidos las bandas tenían un sonido muy crudo, sus vocalistas gritaban y se expresaba mucha angustia y enojo. Nadie tenía miedo de decir las cosas como las sentían o como las vivían. A diferencia de la década de los noventa en donde toda la música se regía y estaba definida por un mismo género, a mi parecer estamos pasando por un gran momento musical a nivel mundial. ¡Tienes bandas para todos los gustos!. No podría pensar en cuál es el género o el estilo que predomina, me emociona mucho saber que tienes a grupos como Beach House o MGMT y por otro lado estamos nosotros… Esto lo atribuyo al poder que tiene Internet a favor de nosotros. La música se construye desde quien la hace y no desde una oficina o una industria que decide que se debe hacer. Eso es lo que hace a esta época tan excitante. No creo que tengamos un sonido que predomine, ni tampoco una escena de alguna ciudad, como por ejemplo Nueva York o Londres, de donde provenga una moda musical.

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¿Creen que el trabajo de una banda que lleva más de veinte años haciendo música sea tan honesto como en sus inicios? En lo personal me gusta mucho la música de los noventa. Bandas como The Smashing Pumpkins, Nirvana, Weezer, pero también crecimos con muchas bandas escocesas e inglesas del indie pop, como Teenage Fanclub, Orange Juice, que son una importante influencia para nosotros. Es difícil mirar atrás y darte cuenta de que lo que admirabas tanto de aquella época, se ha convertido actualmente en una caricatura; que la música de esas bandas de las que eras fanático ya no importa para ellos… ahora la mayoría son una caricatura de sí mismos. Sin embargo, también me parece egoísta y demasiado duro juzgarlos de esa forma. Es natural que haya cambios en tu vida, no puedes evitarlo. Eso, por supuesto, se refleja en cómo te desenvuelves en las actividades que tienes. Prefiero quedarme con el gran recuer-

do vivencial y el impacto musical de aquel entonces y no juzgar la música (que esas bandas hacen) ahora. Por el momento no puedo pensar en cómo seríamos en diez o veinte años, pero definitivamente no me imagino vistiendo igual ni escribiendo canciones sobre los temas que ahora nos influyen. Debes de aprender y eso te da perspectiva para hacer las cosas.

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ciones sino también el arte de nuestros discos, etcétera. Es toda una vida nueva para nosotros y nos consideramos afortunados al poder tener la oportunidad de hacer y vivir de lo que nos gusta. Por esa razón es importante tenerle respeto a la música, pero sin perder la perspectiva de que es algo divertido también, porque no lo sentimos como un trabajo. Cuando te diviertes, no piensas en el futuro, no planeas las cosas, y eso a algunas bandas no les importa. Claro que todas (las bandas) nos imaginamos llenando estadios y en giras por todo el mundo, porque es a lo que siempre hemos aspirado de alguna forma u otra: a acercarnos o convertirnos en esa figura icónica del rock.

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Polock

-Son considerados como una de las bandas españolas más exitosas de la generación MySpace. -Han compartido escenario con Franz Ferdinand, Mando Diao y Starsailor. -Su álbum debut Getting Down From The Trees fue catalogado como uno de los más esperados del 2010 por la prensa española.

POLOCK

FIREWORKS

“Tenemos espíritu joven. Intentamos ser serios cuando de hacer música se trata, pero siempre desde una perspectiva actual, porque es lo que queremos transmitir”. Esta es la forma en que Polock, banda española formada durante 2006, describe su sonido en entrevista para WARP MAGAZINE, característica que queda clara en el momento en que los primeros acordes de su disco debut, Getting Down From The Trees (2010) empiezan a sonar. Fuertemente influenciados por el rock anglosajón de este nuevo milenio tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, Pablo, guitarrista de la banda, asegura que todo es resultado de los gustos personales de cada integrante. “Desde el principio quisimos hacer rock de guitarras pero con sintetizadores antiguos. El EP con el que nos dimos a conocer no lo refleja tanto por la rapidez con que lo hicimos. En esa primera grabación las guitarras son más crudas, pero para nuestro primer disco las cosas cambiarían”. En este punto de la entrevista, Pablo describe la propuesta de Polock y no deja de notarse (aún por teléfono y estando a miles de kilómetros) el orgullo que le causa la buena respuesta que ha conseguido su música: “Para este primer material quisimos pulir el sonido, veníamos escuchando nuevas cosas y luchamos por dar mayor importancia a los sintetizadores, pues pasaron de ser simples melodías a formar atmósferas, de manera que el sonido se volvió más interesante”. Y es que si bien el EP lanzado en el verano del 2007 logró excelentes comentarios de la crítica especializada, el público no acabó de responder; esto dejó de ser problema tras el lanzamiento de su primera

placa, “al igual que el EP, tardamos un poco para grabar el disco. Nos internamos en una casa que tenemos en el campo y nos pusimos a pensar bien cómo queríamos sonar, y aunque las canciones estaban hechas desde hace tiempo y algunas habían sido parte de nuestro trabajo anterior, logramos imprimir un estilo particular”, afirma Pablo. Grabado en Berlín bajo el sello Mushroom Pillow, este material despide frescura y actualidad, conjugando la vitalidad de su juventud con la madurez de las bandas de antaño. “Creo que la diferencia que marca Polock con respecto a las bandas que actualmente giran en España es la construcción de una idea, de una propuesta. Pensamos en la necesidad de crear acordes que transportaran a la gente a otro sitio. Nuestra música es muy cuidada pero a la vez llena de espontaneidad, de manera que cuando la escuches te transmita energía positiva”, remata Pablo respecto a este tema. Polock define su posición en el contexto musical de su país, pero no deja de reconocer que forma parte de una camada de músicos de reciente formación que está marcando un estilo a seguir durante un rato más en la sonoridad española. Pablo opinó sobre esto: “Nuestras generaciones tienen clara influencia de Estados Unidos e Inglaterra, tan es así que nuestras canciones son en inglés. Es el sonido del que hemos mamado y el que nos ha emocionado; sin embargo, no podemos negar que hemos puesto nuestro sello y hemos concebido el rock de una manera diferente. Nosotros vamos de la mano con grupos como Dorian o Triángulo de Amor Bizarro y estamos orgullosos

de lo que hemos logrado”. Sin duda debieran estarlo, pues la calidad que han demostrado ha hecho que los ojos de cientos de personas alrededor del mundo, volteen a ver lo que hacen y ha logrado su integración al cartel de la reconocida conferencia musical SXSW, a realizarse este mes en Austin, Texas. Ahí tendrán la oportunidad de compartir escenario con músicos consolidados como Graham Coxon y con bandas que, al igual que ellos, buscan hacerse de un nombre en mercados internacionales, tal es el caso de Le Butcherettes (México) y Bombay Bicycle Club (Inglaterra), entre otras. Papu, Pablo, Sebas, Alberto y Marc iniciaron una aventura musical hace cinco años que “los ha sorprendido por el alcance logrado. Hemos llegado a muchos países como México, Estados Unidos, Canadá y Japón, cosa que nunca imaginamos con sólo un disco… pero así sucedió. Ahora estamos planeando el lanzamiento en Alemania, Holanda, Bélgica, Reino Unido y esto, al mismo tiempo, nos está dando la oportunidad de dar conciertos en muchos lugares… sería genial poder presentarnos en México ahora que crucemos el océano”. Eso es lo que harán durante los siguientes meses, exponer su música en directo y hacerla llegar a todos los oídos que gusten del rock independiente, sólido y con “aires nuevos” que con cada vez más fuerza se va formando. Aún no hay planes de sacar un siguiente material, pues prefieren “disfrutar de la gran acogida que han tenido y no apresurarse a dar el siguiente paso”. Buena decisión, pues esta es sin duda una de las bandas que acapararán la atención de varios y vale ser precavidos.

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Cortesía Cookman Entertainment

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Karina Luvián

Minus The Bear Regina Spektor Javiera Mena Kate Nash Spoon Julieta Venegas The Temper Trap White Lies Panteón Rococó Los Bunkers Enanitos Verdes Faithless DapuntoBeat Ra Ra Riot Chikita Violenta

TEMPORADA5 MAYO 2011 LATINOAMÉRICA

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THE FUTURE WILL COME

WHITE LIES

BIGGER THAN US El imaginario colectivo puede ser un buen pasatiempo para olvidar los problemas y evitar caer en depresión. Cuando esta imaginación se comparte tiene mayores atmósferas y posibilidades de crecer; eso pasó por las mentes de tres teenagers de Londres, cuyo imaginario apuntaba a crear una banda con la cual pudieran expresar y explotar sus inquietudes musicales. Paradójicamente, y pese a las ganas de sobresalir, su primer proyecto llevó por nombre Fear Of Flying, con el que se dieron a conocer en 2004. El par de sencillos de esa placa tenían una naturaleza sonora nada especial. Fue para 2008 cuando deciden darle vuelta completa a su personalidad como banda, para proyectarse bajo el nombre de White Lies.

La punta de lanza fueron sus sencillos ‘Death’ y ‘Unfinished Business’, con los que se posicionaron de inmediato entre los melómanos, y con los que obtuvieron la posibilidad de presentarse en el importante programa de TV inglesa Later With Jools Holland. White Lies era una realidad que, por inercia, comenzaba a despuntar entre los nuevos actos del Reino Unido, terminando en la inclusión de la banda a las filas de Fiction Records y por consiguiente, la producción de su primer material To Lose My Life… (2009). Lo que siguió los ha colocado como una banda de puro poder. Se trata de canciones elegantes y a la vez melancólicas de tres músicos que buscan la identidad de la vida

en las propias, intercambiando lo banal por lo fundamental. Con el paso del tiempo Harry McVeigh, Charles Cave y Jack Lawrence-Brown, han sido incluidos en la escena británica gracias a ese proyecto que comenzó desde las aulas escolares, como evidencia de la importancia de ser y estar en esta nueva década. Hoy, a poco más de seis años de esa primera vez, White Lies llega a WARP MAGAZINE para dejar en claro que éste debe ser su año gracias a su segundo material, Ritual, el cual es un reto gracias a las expectativas vertidas sobre él por propios y extraños. En Exclusiva Harry McVeich (voz y guitarra) y Jack Lawrence-Brown (batería), hablaron sobre lo que viene para White Lies.

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Cortesía Universal Music

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Milton Barboza Arriaga

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THE FUTURE WILL COME “Nos tomó alrededor de tres meses y medio tenerlo todo terminado: desde la composición, la grabación, la mezcla y todo.” -Jack Lawrence-Brown

¿Cuál es la canción que más te gusta de este nuevo disco? H: Puedo decir que es una canción que se llama ‘Peace & Quiet’, y creo que es la canción que mejor me hace sentir del disco ya que es un track que demuestra lo mucho que hemos crecido los últimos años. Es una canción para tocarse juntos, el tocarla como banda me hace sentir bien y ese es el propósito: permanecer juntos. Disfruto mucho escuchar esa canción por muchas razones.

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White Lies presentó el pasado 17 de enero Ritual, segundo material de su carrera y el cual pone a la banda en la mira de medios y fanáticos que esperan su consagración. Al respecto comenta Jack: “nos tomó alrededor de tres meses y medio tenerlo todo terminado: desde la composición, la grabación, la mezcla y todo eso. Realmente estamos contentos con el resultado, es un paso adelante después de nuestro primer disco. Lo grabamos en Londres, también fuimos algunas veces a París. Pero regresamos a Londres un par de semanas para hacer la pre-producción y terminar todas las canciones. El productor es Alan Moulder, y él es muy muy profesional, tiene su estudio en Londres y fue en donde empezamos a grabar. Desde el primer día estuvimos muy contentos con lo que estaba pasando y su forma de trabajar, por eso decidimos quedarnos ahí y terminar de grabarlo en Londres”. Sobre Ritual, Harry apunta que “estuvimos trabajando con él por un tiempo, realmente lo disfrutamos, fue una experiencia muy emocionante. Estábamos en la etapa en donde nos sentíamos con ganas de hacer un disco ambicioso, un gran disco y es justamente lo que tratamos de hacer”. La inspiración es muy importante; las letras, fundamentales para saber de qué está hecha una banda y hacia dónde apuntan sus expectativas. Harry, quien escribe todas las letras, habla sobre sus musas al momento de plasmarlas sobre el papel: “creo que ha sido muy importante la música que hemos escuchado a través de los últimos años. Hemos tratado de escuchar canciones que seguramente amaremos en el futuro y, como consecuencia, yo he tratado de descubrir y sacar el mejor sonido de todo lo que he hecho y llevarlo sobre la marcha dentro de la producción. Se trata de experimentar y tener la ambición de hacerlo. Aun así, ha sido extraordinario todo este proceso y Alan (Moulder) siempre le puso atención a nuestras propuestas y a todo lo que queríamos hacer. Hizo muchas pruebas, mezclas, y nos mostró algo más interesante para nosotros”.

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The Power & The Glory

WHY YOU HAVE TO FOLLOW THEM?

White Lies

-En 2009 ganaron el segundo lugar en los premios de la BBC Sound Of 2009. -Su álbum debut To Lose My Life... se colocó en el número 1 del chart Inglés de ventas en 2009. -Allmusic.com calificó su segundo álbum Ritual (2011) con cuatro estrellas sobre cinco.

Is Love

Lo que ha diferenciado a White Lies de otras bandas es que trabajaron Ritual mientras estaban aún de gira con su disco debut To Lose My Life…, lo cual hizo que su calidad musical se afinara. El resultado, al final del día, fue la capacidad de poder entrar al estudio de grabación y sacar un disco en poco tiempo mientras tenían algunos días de descanso. Jack habla sobre esos pocos momentos que se deben disfrutar al máximo: “ya tuvimos un poco de tiempo para descansar antes de empezar a grabar el nuevo disco. Nos relajamos un poco cuando estamos viajando. Sabemos que viene mucho trabajo con la promoción y todas esas cosas pero estamos acostumbrados y también disfrutamos mucho cuando estamos de gira, así que está bien”. Ese amor al arte resulta en un disco redondo, con canciones propias de una banda que pareciera tener años en la escena y que deja claro que tiene cuerda para rato. Ritual es un opuesto a To Lose My Life… y así se puede ver en cada una de las canciones… Y para muestra basta un botón: el pasado mes de octubre en México fuimos testigos del poder de White Lies en vivo, no sólo en el festival Corona Capital de la ciudad de México, sino también en sus presentaciones en Guadalajara y Monterrey. Jack apuntó al respecto que “todos los integrantes de White Lies estamos de acuerdo en que este viaje ha sido maravilloso y la gente fantástica, porque no habíamos estado antes aquí y fue lo que percibimos. Nos sentimos muy contentos de haber dado estas presentaciones. Bueno, siempre es un riesgo, cuando no tienes ni idea y vas a un lugar por primera vez, no sabes lo que va a pasar, pero ha sido increíble, el público es magnífico y claro que esperamos regresar para dar más conciertos en México y para ver otra vez a los fans que hemos hecho. La gente en verdad se involucra mucho y escuchan con detenimiento porque quieren encontrar nuevos sonidos, que quizás algunos de ellos nunca han escuchado. Valoramos que sean tan atentos y que podamos tocar nuestras canciones. Es genial”. Harry también se sintió muy bien: “quiero decirles que son fantásticos, las presentaciones en Guadalajara, Monterrey y la Ciudad de México fueron increíbles. Sin duda nos quedamos con ganas de regresar y ojalá que les guste el disco, esperamos poder volver a tocar este año. Es lo que podría decir [risas]”. Además de presentarse en estas ciudades, White Lies estuvieron presentes en las grabaciones de la nueva temporada de Sesiones con Alejandro Franco, en donde tuvieron a bien cantar algunas de las nuevas canciones incluidas en Ritual: ‘Streetlights’, ‘Strangers’, ‘Holy Ghost’, ‘Peace & Quiet’ y ‘Bigger Than Us’, que fue el primer sencillo del disco y cuya versión en vivo promocionaron y regalaron vía Rolling Stone (USA) hace unas semanas. En esa ocasión pudimos darnos cuenta de la gran capacidad como músicos y lo bien acoplados que están como banda: cada uno realiza su labor en gran forma. No hubo que repetir ninguna canción, lo que habla de ese profesionalismo que hay entre ellos: un grupo en toda la extensión de la palabra. Obviamente hay algunos cambios en Ritual, disco que se vislumbra ya como uno de los mejores álbumes del año.

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THE FUTURE WILL COME

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“De hecho me gustan los dos discos por igual porque creo que To Lose My Life... es potencialmente bueno, y Ritual es en donde estamos ahora y creo que su sonido es mejor.” -Harry McVeigh

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THE FUTURE WILL COME

White Lies en la Temporada 5 de Sesiones con Alejandro Franco

¿Cuáles creen que son las diferencias más importantes entre sus dos discos? H: Hablando del sonido, sentimos que hemos crecido mucho en los últimos dos años, desde que salió el primero a la fecha. Eso se siente en nosotros y creo que esa es la principal diferencia entre ambos discos para mí. En el primer disco aún éramos bastante ingenuos, ahora el nivel es diferente, somos más maduros, hemos crecido mucho, ya no somos los “jovencitos”. Ésa es la principal diferencia, ahora somos más seguros y hacemos discos más maduros. Personalmente... ¿cuál de los dos discos te gusta más? H: De hecho me gustan los dos por igual porque creo que To Lose My Life… es potencialmente bueno, y Ritual es en donde estamos ahora y creo que su sonido es mejor. El primero no se queda atrás, también creo que es muy buen disco.

Peace & Quiet

Este 2011 apunta a que seguiremos teniendo gran producción de discos como sucedió el año pasado, pero con la premisa de que la era digital es más que evidente y que bandas como White Lies lo que buscan

es seguir encumbrándose en los escenarios antes que en la venta de discos, que a final de cuentas ya es asunto secundario. Harry y Jack denotan de manera palpable su forma de ser, muy inglesa: tranquila, callada, seria, por momentos dibujando una sonrisa ante pensamientos que lo ameritan, pero siempre con la convicción de que su profesión, su pasión, está en la música y en lo que puede venir para un futuro que parece promisorio y sobre todo increíble para esta banda que poco a poco va marcando su camino a una gloria segura… Hablando de sus planes futuros, ¿cómo ven este año para la banda? H: Creo que estamos en el punto justo de mucho trabajo, por la promoción del disco y demás. Hay muchos países y ciudades que nos gustaría visitar, eso es lo que haremos este año, nos emociona viajar y tocar tantas veces como se pueda alrededor del mundo. En lo personal ahora me encuentro muy emocionado por eso. ¿Cómo definirían White Lies en una palabra? Yo sé que es complicado pero es importante, deben tener

una palabra... J: Depende, para describir a la banda, siempre he dicho que es como mi familia, eso creo. Para mí eso es lo que significa White Lies, porque he estado ahí desde hace mucho tiempo. Pero bueno, musicalmente diría que... no puedo encontrar un palabra que pueda describir nuestra música. Creo que White Lies ha sido algo que me ha hecho increíblemente feliz, es la oportunidad de estar con mis amigos, es así como lo describiría. H: ¿White Lies? [risas] No lo sé, ya no puedo decir grande [risas]… Diría que, ambiciosos. ¿Cómo definirían este nuevo disco en una palabra? Es decir, Ritual es: H: Diría que, diría que, diría que... grande, creo que es un gran disco, así que mi palabra sería grande. Sin pensar tanto en el futuro lejano sino en lo que está a la vuelta de la esquina, White Lies está logrando posicionarse en la nueva sonora internacional, que va marcando tendencia. Seguramente en muy poco tiempo serán parte fundamental de la historia musical. Ritual es un proyecto que, con su generación de sonidos, merece estar en los cuernos de la luna.

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WARPED

Watch! Lo que viene para 2011 en TV Pada / twitter.com/eseauto

La más reciente entrega de los Globos de Oro nos permite irle poniendo banderitas a las series que ya deberíamos estar viendo. Por una parte, al parecer ha terminado el reinado que Mad Men y 30 Rock habían tenido en los últimos años en el área de drama y comedia, respectivamente, mientras que los shows de minorías, como Glee y The Big Bang Theory, continúan con paso fuerte y, por supuesto, siguen levantando la mano las maravillosas producciones de HBO, como es el caso de Boardwalk Empire. Sin embargo, todavía falta lo que tengan que decir los Emmy al respecto. El 2011 representará el regreso de varias series que todavía tienen que mostrar su acreditación. Llegar a la segunda temporada ya es gran mérito, pero habrá que comprobar que tienen material para sostenerse. Tal es el caso del remake de V, que digamos pasó de panzaso y llegará en el primer cuatrimestre del año. La corta primera temporada de The Walking Dead ha sido aclamada por la crítica, no tanto así por el público, que tendrá que ser paciente pues

los episodios de estreno llegarán para la segunda mitad del 2011. En este año, y después de 10 temporadas, Smallville se retira para siempre, pero los superhéroes seguirán presentes en la pantalla chica con la ya iniciada No Ordinary Family, a la cual todavía le falta llamar la atención del público en general, y con la llegada de The Cape, cuyos primeros episodios ya están siendo destrozados por la crítica. Mientras tanto, continúan los rumores sobre si La Mujer Maravilla podría regresar a la televisión, pero al ser rechazado el primer borrador sobre la trama en general, se complica su posible estreno para este año. Hablando de salidas, quizás la más interesante sea la de Steve Carell de The Office versión estadounidense, cuyo evento ya Ricky Gervais, creador original del concepto, criticó en los mencionados Globos de Oro. Michael, interpretado por Carell, saldrá del show cuatro episodios antes de que termine la actual temporada y, por supuesto, la gran incógnita es si la serie podrá sostenerse sin este personaje, pues, si bien cuenta con un gran elenco de reparto, no deja

de ser eso: de reparto. Si lo de ustedes son los vampiros, no se preocupen, pues su salida de la televisión está lejos, ya que viene una nueva serie: se trata de la versión estadounidense de la británica Being Human, en la cual veremos a los chupasangre, hombres lobo y además... fantasmas. En el área de comedia y hablando de la BBC, ya se estrenó la serie Episodes, en la que uno de sus integrantes es Matt LeBlanc, el otrora Joey de Friends. Lo interesante es que se está interpretando a sí mismo y le ha ido bien en la crítica. Habrá que ver si los integrantes del más popular sitcom de los 90 no padecen la misma maldición que el elenco de Seinfeld, pues a pesar de lo genial que Matthew Perry lo hizo en Studio 60 On The Sunset Strip, la serie sólo duró una temporada; aunque no se ha dado por vencido y ya estrenó nueva serie: Mr.Sunshine. Por su parte, Courtney Cox ahí la lleva, primero en Dirt, extraordinaria serie que al parecer nadie vio, pero su Cougar Town se mantiene e, incluso, obtuvo una nominación en los Golden Globe.

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En el 2011, los Linterna Verde se enfrentarán unos con otros en War Of The Green Lanterns, preparando el terreno para el estreno de la primera película del superhéroe de DC en junio. Sin embargo, el evento “grande” en este universo para 2011 estará basado en Flash, porque uno de sus villanos podría viajar al pasado y ocasionar que ningún superhéroe se convierta en eso, sino que, por el contrario, se mantengan como civiles comunes y corrientes. Del lado de Marvel, el evento del año será conocido como Fear Itself, en el cual los principales personajes tendrán que enfrentar al Dios del Miedo, al mismo tiempo que vencen a sus propios demonios y fantasmas que les impiden ser completamente felices. Por supuesto veremos mucha actividad con Thor y el Capitán América, al ser también 2011 el año en el que se estrenen sus películas. Y por último, veremos el nuevo trabajo de Frank Miller, que se trata de la muy esperada precuela de 300 y que llevará por nombre Xerxes. Será un agasajo ver nuevamente el característico y único estilo de Miller en el arte y, ¿por qué no?, conocer de antemano lo que seguramente se convertirá en otra gran película.

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Hay otras dos comedias a las cuales hay que ponerles especial atención, pues podrían dar la sorpresa para éste y el siguiente año. La primera es Community, que se estrenó el año pasado y cuenta, por una parte, con Chevy Chase, quien nos demuestra que puede hacer comedia inteligente y no quedarse en las viejas glorias de la serie de películas de “Vacaciones...”, y por otra, con Joel McHale el conductor de The Soup, el mordaz programa de crítica y burla televisiva de E! Ahora como actor hace precisamente a un personaje ácido, mal encarado y completamente antisocial. La otra es Parks And Recreation, estelarizada por Amy Poehler, otro de los talentos femeninos salido de Saturday Night Live y que tendrá que demostrar que puede salirse de la sombra de su amiga y compañera Tina Fey, para comenzar a posicionar su nombre por separado, aun cuando ya fue nominada al Emmy por su trabajo en esta nueva serie. Y por último, también habrá que estar pendientes de Two And A Half Men, pues en una de esas estaríamos disfrutando de sus últimas temporadas. Ya hubo un simulacro de salida de Charlie Sheen y ahora falta ver si los productores van a estar aguantando las “travesuras” del protagonista, y claro, ver si soltarán los recursos económicos para mandar a recogerlo a donde sea que haya amanecido en los días de grabación.

UNA NUEVA GUERRA, UNA PRECUELA, LOS MIEDOS DE TODOS Y REALIDADES ALTERNAS

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LA HABLANDO DE SALIDAS, QUIZÁS MÁS INTERESANTE SEA LA DE STEVE CARELL DE THE OFFICE

WARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP34 Escena de Amores Perros

res actores que Puede haber mejo ncia Edward Furlong, pero la decade que tuvo fuera de cámaras juega a favor de This Is Not A Movie. Él entendió muy bien su papel como persona que ayudaba a la pel ícula.

¿De dónde surge la idea de This Is Not A Movie? En el 2003 un amigo mío llamado Charlie Iturriaga, de la casa de efectos visuales Ollin Studio (Zodiaco, The Curious Case Of Benjamin Button) me propuso que trabajáramos juntos, él produciendo y yo dirigiendo. La idea era hacer un proyecto muy austero y que tuviera mucha post-producción con animación y efectos. Además de que yo podía tener acceso a todo eso a precios muy accesibles. Comencé a escribir el guión y para cuando iba en la página siete me dije: “esto no es una película, estoy escribiendo una especie de monólogo teatral; pero definitivamente no es una película”. This Is Not A Movie la empecé a escribir en inglés porque así me nació. Hay otros proyectos que surgen en español, pero éste no.

Mario P. Székely

Cortesía Videocine

Lo hemos escuchado por muchos años en la radio. Su nombre es sinónimo de rebeldía y de opinión fuerte para criticar al status quo en que vivimos. Él es Olallo Rubio y aunque jamás podrá desprenderse de la estela de controversias que logró al ser conductor de la desaparecida Radioactivo 98.5 FM, sus manos están ya en el cine, como escritor y director. En This Is Not A Movie, Rubio nos encierra como espectadores en la suite de lujo de un hotel en Las Vegas. Ahí conocemos a Pete Nelson (Edward Furlong), quien nos anuncia que en unas horas terminará el mundo y que él está ahí para aguardar la cuenta regresiva y a su vez preguntarse: ¿quién es él?, ¿por qué somos presa de los embates de la mercadotecnia, el gobierno, las drogas, el sueño americano y el materialismo? Entrevistado en una sala de proyección de la ciudad de México, Olallo, como sus amigos le dicen, compartió con WARP MAGAZINE su odisea de filmar su ópera prima de ficción, después de debutar en 2007 como director con el documental ¿Y Tú Cuánto Cuestas?, donde también jugó con ideas sobre la identidad, el consumismo y el impacto de aspirar al sueño americano.

¿Por qué Edward Furlong como actor protagónico? Pensé en él por distintas razones. La primera, por sus antecedentes del personaje de John Connor (Terminator 2, 1991) y la otra por su vida personal. Es decir, en la vida real: ¿qué pasó con Terminator, Schwarzenegger? Se convirtió en el gobernador del sexto estado más rico del mundo, California. ¿Y qué pasó con Furlong?, ¿qué ocurrió con ese adolescente que iba a salvarnos de la tiranía de las máquinas? En This Is Not A Movie, Furlong está encerrado en una suite del hotel de Las Vegas esperando el fin del mundo, en un escenario apocalíptico, olvidado, destrozado, sin memoria. La semiótica inter-textual fue un lugar muy importante en la narrativa de la película. Y ese tipo de referencias meta-ficcionales a mí siempre me han llamado mucho la atención.

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This Is It

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THIS IS NOT A MOVIE

¿Cómo llegas al concepto de un hombre solo con sus pensamientos en un cuarto en Las Vegas? La idea de que fuera un solo personaje y un solo cuarto sí fue estratégico por motivos de presupuesto y producción, pero lo que iba a decir ese personaje fue algo que fui elaborando. Desde el inicio me gustó la ironía del título. La iba a filmar, pero no iba a ser una película y por otra lado, conforme fui escribiendo, me di cuenta de que iba explorando diversos géneros. Había humor, aunque no era una comedia de acción, pero tenía detallitos o sátiras de comedia de acción; no era un thriller, pero podía tener momentos de este género de repente. Esa fue la primera versión de la primera versión del guión. En total fueron tres versiones y acumulé 49 tratamientos (borradores del guión), porque lo fui trabajando a lo largo de los años.

Quise hacer antes que nada una película que no hubiera visto y que pudiera tener muchas lecturas. ¿Cómo te beneficia para fines dramáticos que la gente sepa que la vida de Edward Furlong no ha sido un picnic? Me ayuda mucho. Es como Mickey Rourke en The Wrestler, que su presencia le agrega un valor increíble. Supe que hubo un momento en que los productores consideraron a Nicolas Cage, pero creo que no hubiera sido lo mismo. Furlong también es un actor muy preparado; basta saber que ha trabajado al lado de Meryl Streep, Lian Neeson, Kathy Bates, Frank Langella, Edward Norton, Danny Trejo, Steve Buscemi y Jeff Bridges, de quien me dijo aprendió muchas de sus técnicas actorales. Igualmente Eddy estuvo en producciones de alto presupuesto en Hollywood, otras independientes, e incluso cine tipo B. ¿Qué sucede cuando conoces a Furlong? Cuando hablé con Eddy inmediatamente conectamos. Teníamos las mismas referencias culturales y también es alguien muy vinculado con el rock. Y gran parte de la imaginería de la película está inspirada por el rock. Él es el protagonista de un videoclip de Aerosmith muy importante que se llama ‘Living On The Edge’; su grupo favorito es Metallica. Siempre ha tenido esta actitud como de rockanrolero, muy rebelde, muy transgresor. Tú ves fotografías de él del pasado y siempre sale levantando el dedo de en medio; es ese tipo de actitud, muy del rock. En el fondo él hubiera querido ser rockstar. Y por otro lado Furlong es alguien que entiende las alucinaciones, sabe del mundo de los psicotrópicos y el surrealismo que ellos provocan, los ácidos y hongos. Si él no aceptaba el papel, yo no sabía quién podría ser.

¿Qué puedes decirnos de Peter Coyote, único actor que aparece acompañando a Furlong? Peter Coyote ha sido siempre uno de mis actores favoritos. Quien al igual que Furlong siempre ha estado en su onda (activista político, miembro de la generación de la psicodelia, escritor, dramaturgo y actor). Para su papel en This Is Not A Movie me ayudó pensar en Luna Amarga y la decadencia de su personaje en esa película, al igual que Keys en E.T. El Extraterrestre, donde él era lo mismo un miembro de la NASA que de la CIA. ¿Cómo describes la metáfora que representa en tu película Pete Nelson? A través del personaje de Pete Nelson estamos satirizando a un sector de la población de Estados Unidos, sobre todo a las dos últimas décadas del siglo XX. Ese sector de la población, creo yo, está enfermo de psicosis y ésta es una combinación de megalomanía y paranoia, con elementos de un desprendimiento fantasioso de la realidad estimulado por los medios electrónicos. Por lo anterior, vemos a otras dos versiones del mismo Pete –interpretado también por Furlong– que representan al paranoico cerebral y por otro al hedonista autodestructivo; incluso hay un tercer Pete que es la conexión entre ellos dos y el poder superior que los creó. Claro, que en un tono digerible, con imágenes referentes a la cultura pop (Disney, Top Gun, las películas de Chuck Norris, Slasher Films, Star Wars y la serie de Terminator…), rock and roll y múltiples lecturas disponibles de los mismos símbolos y metáforas.

cula vie es una pelí Mo A t No Is is Th en la era de Reagan y centrada en la transición de los 80 a los 90.

WARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP34 Maestro de la guitarra eléctrica:

Olallo Rubio

Con: Edward Furlong

y Peter Coyote

Sinopsis: Faltan horas para

el fin del mundo y Pete Nelson (Furlong) se ha confinado en una suite lujosa de Las Vegas. Antes de morir desea contestarse quién es él. Para lograrlo, dos versiones de ese mismo Pete lo visitan, disertando con ellos sobre sus miedos y terror que su vida tal vez no tuvo sentido.

Mario P. Székely Cortesía Abogados con Cámara/Cinépolis Distribución

El mundo de un reclusorio es retratado en Presunto Culpable (2011) que cuenta la historia de Toño, un joven de Iztapalapa que en diciembre del 2005 fue señalado, levantado y aprehendido por la policía erróneamente en la calle, para después sentenciarlo a 20 años de prisión por un crimen que no cometió. En este documental, ganador de premios en festivales de Londres, Madrid, San Francisco, Los Ángeles, Morelia y Guadalajara, además de una docena más, se cuentan con los elementos de un buen thriller, con suspenso de principio a fin, momentos emotivos y de alta indignación ante una injusticia que sucede en México todos los días. Toño, vuelve la experiencia de encarcelamiento algo personal para el espectador, sobre todo cuando acude a su arte de bailar breakdance y hacer saltos mortales, mostrando que no está dispuesto a rendir su espíritu. WARP MAGAZINE platicó con Toño y le pedimos que nos dijera lo primero que le venía a la mente con estas palabras, vocabulario utilizado en su confinamiento de dos años y medio. La rima aquí no importa, pero si los significados. - Cárcel: Increíble. Un mundo oculto, subalterno. Personificación de tus pesadillas. Aprendizaje de vida totalmente. - Abogado: No hay bueno ni malo, hay abogados dedicados a su trabajo y abogados que no. Algunos no tienen

amor a su profesión. Abogado es para mí bueno y malo, contraparte de algo. El enfrentamiento de estas dos partes que simbolizan la justicia y la injusticia. Es como una pelea. De todo hay. - Cámara: Pienso en testigo inmediatamente. La cámara es un testigo que es fiel a la verdad. Si no te conviene no te conviene. La cámara es neutral, es testigo fiel a la verdad. Ni al bien ni al mal sino la verdad. - Reja: Nostalgia. Base de la tristeza. Pienso en rejas y pienso en 100 mil cosas: mi familia, mis amigos, mis gustos, ¿dónde quedo yo? Es la base de toda la tristeza que te puedas imaginar. - Litera: Es un lujo. Lo mismo que hablar de agua caliente. Es un sueño. Comodidad. Descanso de verdad. De pronto es un lujo tremendo tener dónde dormir que tenga un colchón y te proteja del frío. - Concreto: Una demostración no directa de la fuerza que tienen para mantenerte encerrado ahí. Te intimida e imposibilita mentalmente hablando. Parte del adiestramiento psicológico. - Baile: Es volar. Que sin importar cómo eres, que tipo de cuerpo tienes, guapo o feo, el baile es la manera de expresar lo que eres, lo que sientes. Es como el instrumento para poder mostrar qué tienes en el alma. - Música: Es como un todo. De pronto sirve para que captes un sentimiento, sientas una idea. A veces el oído capta cosas que no podrías captar de otra manera. La música es el condimento de la vida entera.

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This Is Not A Movie (2011) Dirige y escribe:

PRESUNTO CULPABLE

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“A Slash le mandamos el guión, él no tenía ni idea de mi trabajo. Yo había jurado que no lo iba a leer y a la hora de la hora le encantó y se involucró como nadie en la película. Trabajó durante seis meses para la composición –porque nunca antes había trabajado en la creación de una banda sonora– hizo 36 tracks, incluyendo el tema de los créditos finales que canta Mark Lanegan (ex vocalista de los Screaming Trees) que se llama ‘So Long Sin City’. Trabajamos mucho con base en referencias, además de que coincidimos mucho en gustos de música. Yo quería un score muy ecléctico pero que tuviera rock psicodélico, y Slash creció escuchando mucho este tipo de estilo. Le pasé música de Hawkwind, Open Mind, Dirty Pretty Things, Monster Magnet, Captain Beyond y también cosas de Ennio Morricone, hasta de John Williams; además de melodías de la Montaña Sagrada de Jodorowsky. Slash es un tipazo, súper cercano. Muy buen tipo, nos volvimos amigos” -Olallo Rubio

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Presunto Culpable Dirige:

Desde:

ALWAYS LOVED A FILM

Roberto Hernández y Geoffrey Smith Música: Toy Selectah, con letras de Toño Zúñiga.

Sofía Ochoa Cortesía Warner Bros., Fox, Videocine, Mantarraya

- Juez: Alguien muy desafortunado que tiene el horripilante trabajo de decidir quien sufre y quien no. La pobre persona debe decirle a alguien, usando su pluma y su mano, si te vas o no. Responsable de quien entra a la cárcel, algo que ha de ser horrible. - Ley: Justicia, es un sueño que todo mundo quisiera que fuera realidad. Que te paguen bien por el trabajo que hiciste eso es justicia. En que si alguien se le cae algo se lo devuelvo. En que si estás embarazada no te corren. Ojalá viéramos que todo fuera justo. - Amigo: Es lo más básico e importante que debes tener en esta vida. De pronto es una palabra enferma. Las acciones significan más que esta palabra, es lo que haces para una persona y ella contigo. Se siente, no se dice. - Familia: Es algo que te mantiene a flote. Sea como sea, hables como hables siguen ahí contigo. La sangre se siente. Es como sentir ese lazo que te mantiene a flote, por el cual luchar, por lo que darías todo. PRESUNTO CULPABLE: Me parece como si fuera el símbolo de la Liga de la Justicia, de esas caricaturas viejitas de los superhéroes. Imagino un ticket del cine para que te vayas de la cárcel.

El 2010 cinematográfico nos dejó algunas buenas lecciones: el cine comercial puede ser inteligente (Inception), la animación está madurando (Toy Story 3) y el 3D necesita perfeccionarse (Tron). Nos dejó también un amable recordatorio: hay cine mexicano que tiene nivel suficiente para sobresalir en la escena internacional (Año Bisiesto, Somos Lo Que Hay). Y aunque es temprano para dar un diagnóstico de 2011 en cuanto a lo que sucederá en cartelera, van aquí algunos pincelazos. El pasado de algunos es el futuro de otros. Esto es un hecho más que conocido. Basta con ponerse a leer retrospectivas de 2010 publicadas en Estados Unidos o Europa, para darse una idea de lo que sucederá aquí en 2011. The King’s Speech, la rival de The Social Network en los Golden Globes, la vimos en México hasta mediados de febrero. También para esas fechas estuvo programada Black Swan, de Darren Aronofsky, que no saca de cuadro más que por minutos a la cada vez más grandiosa Natalie Portman. Mientras el mundo espera con altas expectativas el estreno de Melancholia en Cannes, la nueva película del verdugo del set, Lars Von Trier, protagonizada por Kirsten Dunst, en México seguimos cruzando los dedos para que ahora sí se estrene en salas comerciales la polémica Anticristo de 2009. El fin de las sagas. Habrá lágrimas, algunas de tristeza y otras tantas de alegría, porque este año conoceremos finalmente el desenlace del mago con Harry Potter And The Deathly Hallows,

parte 2 y veremos el Breaking Dawn de esos guapos y pálidos colmilludos. Los geeks siguen siendo cool. Con superhéroes, ciencia ficción o adaptaciones de cómics, ellos están en todos lados. Este año con Suckerpunch, X-Men: First Class, Source Code y otros, seguramente se apoderarán de la taquilla. El 3D se perfecciona. Como prefijo o sufijo, ‘3D’ aparece en un gran porcentaje de los títulos por venir: Yogi Bear, Drive Angry, protagonizada por Nicolas Cage, y Top Cat, son sólo algunos. Esperemos que lleguen también a cartelera los experimentos de Wim Wenders, Pina, una película inspirada en la recientemente fallecida coreógrafa Pina Bausch, y el documental de Werner Herzog, quien asistirá como invitado al Festival de Guadalajara, The Cave Of Forgotten Dreams. México sigue dando ganchos al hígado. La reveladora Presunto Culpable pone el dedo en la llaga del sistema de justicia mexicano de manera cruda y apabullantemente honesta. Y la ópera prima de la escritora Paula Markovitch, El Premio, sobre una niña en la época de la dictadura argentina, representará a México en la Berlinale. Como epílogo, el filme del tailandés Apichatpong Weerasethakul, El Tío Boonmee, acreedor al más alto reconocimiento en Cannes en 2010, se estará proyectando en cartelera. Es un filme que nos exige una mirada absoluta: hay que llevar nuestros sueños, miedos, imaginación y más frágiles sentimientos a la sala.

Camiseta -Escarabajo Amarillo- $600 Falda -No Problem- $800 Zapatos -PLOMO- $2875 Collar -TEAMO- $250

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SWEET DISPOSITION

Blusa -Rosie Music- $250 Falda -Pepe Jeans-$1299 Sandalias -PLOMO-$3345 Collar -Mar de Luz- $420 Diadema -Rosie Music- $200

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Agradecimientos especiales: ‘Lilit’ Orizaba 125-E Col. Roma www.lilit.mx 52642669

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Coordinación de Moda: Chëla Olea Fotografía: James Alberich Asistente de fotografía: Sergio Gálvez Peinado: Olvido Herrerías Maquillaje: Chëla Olea Modelos: Cristina y Ulises para

Camiseta -Marvin y Quetzal- $450 Pantal贸n Rosa -Pepe Jeans- $990 Zapatos -TEAMO- $2500 Dije -Mar de Luz- $1250

ALWAYS SOMETHING Chaleco de Piel -Pepe Jeans- $4499 Playera -Pepe Jeans- $590 Brazalete Piel -Mar de Luz- $200 Zapatos deportivos -Pull&Bear- $780 Jeans -Pepe Jeans- $2899

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MANIRE Staring

Chëla Olea

Cortesía Nathan Manire

Nathan Manire reside en la ciudad de Nueva York. Su trabajo ha sido publicado en diversas editoriales alrededor del mundo. A la edad de 28 años, ha sabido mostrar su estilo fresco y consolidarse en una disciplina tan única y demandante en el campo laboral: la ilustración.

bujo por el di n ó i s a p i M sde muy dio inicio de haber pequeño. Recuerdo jando comenzado dibu deportistas y personajes del mundo del atletismo; más adelante desarrollé destreza en re tratos y pinturas. La evolución en los trazos de este artista lo hizo armar una cartera de clientes importantes como Nike, Wired, Cosmopolitan, Clear Magazine, SS+K, Adobe, y Computer Arts, cuestión que, comentó, lo mantiene felizmente ocupado. A través de los años se ha destacado por su disciplina y profesionalismo impecable. El otro distintivo en su obra es la técnica “pixeleada” que obliga al espectador a entrecerrar los ojos para apreciar y “enfoncar” con totalidad a David Bowie o a Freddy Mercury, y la cual Nathan ha demostrado manejar con gran destreza.

WARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP34 ¿Cuál ha sido uno de los momentos más memorables de tu carrera? Sin duda alguna podría decir que fue la primera vez que vi uno de mis retratos publicados, recuerdo que fue en el 2007. Es una hermosa sensación ver algo tuyo finalmente impreso y distribuido en masa. ¿Cómo es tu proceso creativo? La diferencia de ser un diseñador a ser un artista más parecido a un pintor es que yo dependo de la tarea que me asignen. Es un viaje muy interesante, porque en realidad no tienes idea de lo que realmente quiere tu cliente, por lo tanto, partir de una pista es algo que te hace crear y crear hasta llegar a la pieza final. Esta dinámica es completamente distinta cuando trabajo en una de mis piezas personales, y suele ser un proceso más verbal, una idea que platico y maduro hasta que la dibujo. Nunca comienzo una pieza sin saber qué haré, siempre me baso en una cadena de directrices previamente estudiadas, un proceso demasiado coherente que viene acompañado de mucho café, buena música y cerveza de vez en cuando.

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¿Algún consejo para los jóvenes con talento que quieren tener éxito en el arte? Es muy importante definir primero lo que quieres lograr. Las personas que quieren ser artistas deben saber lo que conlleva vender en galerías, participar en el trabajo hacia la venta de sus piezas, etcétera. Aquellos que quieren ser ilustradores comerciales necesitan aprender a trabajar con los clientes y entregar lo que el cliente les pide. El término “artista” es tan indefinido que ayuda de cierto modo a llegar al núcleo de lo que quieres hacer, pero eso sí, siempre tratar de divertirte con lo que haces para que así no tengas que hacerlo por necesidad. En conclusión, debo admitir que mi meta siempre ha sido dibujar o pintar cosas que me gusten, dependo mucho de eso. Si una pintura va bien, me siento en las nubes; pero si va mal sólo quiero renunciar. Son justamente los dos umbrales que hacen que mi trabajo sea tan gratificante o desgarrador, y ser paciente me ha hecho evolucionar de ser un diseñador gráfico a un artista.

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¿Cómo describes tu trabajo? En pocas palabras podría decir que mi trabajo es “retrato contemporáneo ilustrado”. Aunque puede ser difícil de resumir, ya que me gusta cambiar estilos y experimentar con ideas que son persistentes en mi cabeza durante meses, creo que pasan por fases y algunas de mis etapas han sido retratos lineales, retratos de pixeles y retratos collage. Un elemento constante en mi trabajo es trabajar con personajes famosos, del ámbito de la música y el deporte.

JOY DIVISION / NEW ORDER A Means To An End

Diovanny Garfias

Inspirados por el punk de The Sex Pistols y otros rabiosos de la época de los setenta, Ian Curtis, Peter Hook, Stephen Morris y Bernard Sumner dieron vida a Joy Division, y la historia de la música cambió para siempre. Empezaron como Warsaw, para después adoptar el nombre de la división encargada del placer de los soldados nazis en los campos de concentración. Para 1979, con el reconocimiento de la escena under de Manchester y ya con experiencia frente al público, la banda comenzó a grabar material del

que sería su primer disco de larga duración. Tras un par de meses encerrados en los estudios Strawberry y con la producción de Martin Hannett, Unknown Pleasures vio la luz. La placa es una muestra de cómo la depresión y otros sentimientos bajos se unían con el espíritu punk, sólo que de una manera elegante y sombría: la batería, explotando, marcada al compás del swing; el bajo brillante y melodioso, siempre arriba; la guitarra arpegiada o en riffs distorsionados, pero dura y desgarradora; Curtis y su voz de

Cortesía Warner Music

barítono, exclamando esa poesía muy personal. En 1980 la banda lanzó Closer, su segunda placa. Poco antes, el sencillo ‘Love Will Tear Us Apart’ se volvió un fenómeno que con el tiempo trascendió y se convirtió en una de las canciones más representativas de los ochenta. Closer continuó con el sonido explorado en su primer álbum, a veces, acompañado con los elementos que los distinguieron del resto de las bandas: un sintetizador y una caja de ritmos, además, claro, de la figura y la lírica de su vocalista.

Losing Control Para 1975 Ian Curtis ya era un hombre de familia. Al año de contraer matrimonio con Deborah Woodruffe, entró a la banda. Antes de que Joy Division se convirtiera en un éxito, Curtis trabajó como empleado del gobierno. Durante ese periodo se convirtió en padre y también fue diagnosticado con epilepsia. La iluminación estroboscópica de algunos clubs llegaron a provocarle ataques. Con la salida de Unknown Pleasures todo se volvería más difícil: las giras hacían que Ian pasara mucho tiempo fuera de su hogar y que la relación con su esposa empeorara. Al poco tiempo el cantante inició una relación con Annik Honoré, periodista de un fanzine belga. En planes de divorcio, listo para embarcarse a Estados Unidos, harto de los medicamentos para su padecimiento y con la mente destrozada, acudió al domicilio de su aún esposa y la convenció de dejar la casa junto a su hija. Ya solo, Ian escuchó el álbum The Idiot (1977) de Iggy Pop, vio la película Stroszek (1977) de Werner Herzog y, acompañado de algo de alcohol, escribió una nota para Deborah. El 18 de mayo de 1980, Ian puso fin a su vida. Unos dicen que a Curtis le asustaba que la banda no tuviera éxito en Estados Unidos; otros alegan que sus problemas personales se lo estaban comiendo vivo; algunos más dicen que su enfermedad y un poco de todo lo anterior (sumando, claro, alcohol y drogas), fueron los causantes.

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DISCOGRAFÍA

Joy Division

• Closer (1980)

New Order • Movement (1981) • Power, Corruption & Lies (1983) • Low-Life (1985) • Brotherhood (1986) • Technique (1989) • Republic (1993) • Get Ready (2a001) • Waiting for the Sirens’ Call (2005)

Curtis no supo del éxito de Closer; tampoco supo que después muchos serían influenciados por su obra; que su trabajo sería la columna para una nueva oleada de músicos por venir. Con la muerte de Curtis, se acabó Joy Division pero no la música. Ceremony Tras la partida de Ian, los integrantes del desaparecido Joy Division, Peter, Stephen y Bernard llegaron a un acuerdo: cambiarían el nombre y seguirían haciendo música. Con la adición de Gillian Gilbert, novia de Morris, y bajo el nombre de New Order, la naciente banda empezó a escribir su propia historia. A partir de las bases sonoras fundadas en Joy Division, el cuarteto lanzó Move-

ment (1980), su disco debut. En 1983 New Order le dio un giro a su sonido. La banda renació para tomar un lugar dentro de la cultura electrónica y, de la mano de Power, Corruption & Lies (1983), llevaron su sonido a lugares nunca antes imaginados. Sumner y compañía dejaron atrás su pasado post punk, e iniciaron una revolución de sintetizadores y secuenciadores que derivó en un híbrido entre rock y música bailable. Low-Life (1985) y Brotherhood (1986) continuaron por la misma línea, siempre con un espíritu de innovación y experimentación por encima de la comercialidad. Cuando Technique llegó a los estantes en 1989, la banda empezó a viajar a lugares más comunes, pero sin perder un ápice de creatividad. Con Republic (1993) New Order cerraría su primer ciclo. Get Ready (2001) y Waiting For The Sirens’ Call (2005),

aparecieron en un momento en el que ya eran una leyenda viviente; sin embargo, marcaron un nuevo enfoque de la idea general que siempre ha representado la banda. Después de esto, Peter Hook se ha dedicado a ser DJ, presentándose en diferentes partes del mundo. Para Hook estar de gira era una adicción que ya no compartían los demás integrantes, por lo que en 2007 se anunció el adiós definitivo de New Order. Ian Curtis, Peter Hook, Stephen Morris y Bernard Sumner marcaron el comienzo de una colérica y tempestuosa forma de hacer música que años más tarde, con la partida de Ian y la suma de Gillian Gilbert, se tornaría en programaciones y beats de avanzada. Joy Division y New Order son nombres que pesan -y pesarán- en la historia sonora de la humanidad gracias a la genialidad implícita en su música.

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• Unknown Pleasures (1979)

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Unknown Pleasures es una muestra de cómo la depresión y otros sentimientos bajos, se unían con el espíritu punk, sólo que de una manera elegante y sombría.

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THE WHITEST BOY ALIVE Diovanny Garfias

Sergio Gálvez

Erlend Øye y compañía visitaron una vez más nuestro país, en esta ocasión no hubo incidentes vergonzosos que perjudicaran la actuación la banda, sólo una gran fiesta dominada por buena música. The Whitest Boy Alive dio un recorrido por su breve pero sustanciosa discografía, haciendo hincapié en Rules (2009), su más reciente placa, para dejar claro su status como una de las nuevas bandas consentidas de los mexicanos.