Colección poesía y diseñoEl surrealismo de la fotografía - Vol. 2 by Andrea Sánchez Díaz

EL SURREALISMO EN LA FOTOGRAFÍA

Anggy Lorena Martínez Díaz Claudia Andrea Sánchez Díaz

ÍNDICE INTRODUCCIÓN FOTOGRAFÍA Y SURREALISMO 7 La fotografía en las vanguardias 11 La fotografía surrealista 15 Temática de las fotografías surrealistas 19 Técnicas surrelistas 23 John Stezaker 27 Linder Sterling 31 Christian Marclay 35 Melinda Gibson 39 Ava Seymour 43 Eduardo Recife 47 Pierre Faucheux 51 Man Ray 55 Erik Johnsson 57 CONSTRUCTIVISMO RUSO 59 Hannah Höch 61 John Heartfield 65

Aleksandr Rodchenko 69 Josep Renau Berenguer 71 Bruno Munari 73 Lazló Moholy-Nagy 77 BIBLIOGRAFÍA 79

Fotografía y Surrealismo

a importancia de la imagen: Los medios icónicos han adquirido una gran importancia ya que, hoy en día, son reproducibles, están al alcance de todos y se deshacen del concepto ‘burgués’ de la obra de arte única dando lugar a la multiplicidad de obras de arte. Los medios icónicos que captan la realidad ( o al menos transmiten tal sensación), son el cine y la fotografía. Esto es debido a: - Las posibilidades de experimentación - La sensación de realidad pese a ser una ficción - El alejamiento de las representaciones formales de la burguesía, algo que sin duda pretendía el movimiento revolucionario dirigido por Bretón.

Fotografía surrealista y constructivismo ruso

Contexto El Surrealismo se gesta en París entre 1921 y 1923 de manos de un grupo de escritores que, descontentos con la anarquía predominante en el Dadá, dan lugar a la primera generación de surrealistas en torno a la revista ‘Literature’. En 1924, André Bretón proclama el primer manifiesto surrealista: “Puro automatismo psíquico por el cual se intenta expresar bien verbalmente o por escrito la verdadera función del pensamiento. Dictado verdadero en ausencia de todo control ejercido por la razón, y fuera de toda preocupación estética o moral” (Andre Breton1, Primer Manifiesto Surrealista, 1924). En la herencia Dadá y en las teorías freudianas del psicoanálisis, se abre a la mente hacia lo irracional a través del automatismo psíquico. Este es el medio idóneo para acceder al mundo simbólico del inconsciente y hacer aflorar las fuerzas ocultas del hombre. Se considera la escritura automática como el modo más eficaz para llegar a la verdad al margen de la razón. Los escritores, sumidos en un estado semiinconsciente plasmaban sobre el papel ideas insólitas. A nivel plástico, el automatismo divergió en una doble tendencia: 1. Como automatismo gráfico, improvisando dibujos, formas y colores sin ninguna voluntad consciente o bien, dejando caer los materiales de forma aleatoria sobre el soporte. Joan Miró o André Masson son considerados los principales impulsores de la escritura automática.

André Masson, Dans le tour du sommeil, 1938

Joan Miró, Interior holandés I, 1929

(Tinchebray, Francia, 1896-París, 1966) Escritor francés. Participó durante tres años en el movimiento dadaísta, al tiempo que investigaba el automatismo psíquico a partir de las teorías de Charcot y Freud sobre el inconsciente, que había descubierto durante sus estudios de medicina.

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2. Como automatismo que toma la figuración para presentar imágenes que no obedecen a la lógica, dotadas de una gran capacidad para sorprender al espectador, ya sea planteando enigmas y misterios o bien evocando y traduciendo los sueños o instintos del sujeto. Salvador Dalí o René Magritte.

René Magritte, Ceci n’est pas une pipe, 1929

Salvador Dalí, El gran masturbador, 1929

En 1930, se publica el Segundo Manifiesto Surrealista, se reconsideran algunas deserciones o expulsiones de algunos miembros del grupo, algo nada extraordinario. Breton y muchos de sus seguidores se afilian al partido comunista para hacer posible el sueño de la revolución surrealista.

Publicación en ‘La Révolution Surrealiste’ del Segundo Manifiesto, 15 de Diciembre de 1929

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En los años 40 y 50, el surrealismo fotográfico se adaptó al mundo de la publicidad. Este es elc aso de Cecil Beaton, fotógrafo de modo que fue tachado de ‘surrealista kitsch’.

Cecil Beaton, La princesa Natalie Paley, 1930

Tras la Segunda Guerra Mundial, Bretón rehízo el grupo el EEUU en 1966. El movimiento se disolvió con la llegada de las revueltas de mayo del 68. La posterior influencia del Surrealismo se hace palpable en distintos movimientos como el situacionismo, la action painting o el tachismo. Uno de los autores surrealistas contemporáneos destacados es Les Krims. Su arte, imaginativo y anti racional da lugar a resultados absurdos y violentos. En el ámbito fotográfico, experimentó con cámaras Polaroid aprovechando su flexibilidad para modificar imágenes.

Les Krims, The Electric Estathic Effect Of Minnie On Mickey Mouse Balloons, 1968

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La fotografía en las vanguardias Desde sus orígenes y a lo largo del siglo XIX, la fotografía se usaba como herramienta para retratar a la sociedad industrial y burguesa. También como herramienta para el fotoperiodismo a fotografías de paisaje o científicas hasta el punto de equipararse la pintura con la fotografía. No obstante, numerosos fotografías del siglo XIX se pueden poner en relación con lo que será posteriormente la estética de la fotografía surrealista. Pese a esta afirmación, solo unas cuantas eran consideradas ‘dignas’ de compartir su ideología y por ello adecuadas para ilustrar las publicaciones surrealistas. Esta era la obra de Atget, autor por el que el grupo sintió una gran admiración. La fascinación por Atget resulta paradójica si te tiene en cuenta el carácter documental de su obra, puesto que es el primer fotógrafo que registro la realidad sin distorsión alguna de la cámara. No obstante, las situaciones íntimas que transmitiría evocan las sensaciones a la perfección. El carácter surrealista estuvo presente desde el origen de la fotografía pero el mérito de los surrealistas ha sido haberlo aislado.

Retrato de finales del S.XIX

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En 1900, en plena época pictorialista, se daban las primeras manipulaciones llamadas ‘impresiones nobles’ que transformaban el positivo en una obra única para tratar de alinear la fotografía con la pintura. Tras la Primera Guerra Mundial, nace la idea de que la fotografía es algo distinto a la pintura y por ello no debe tratar de imitarla.

Impresión noble, Imagen actual, Cámara Estenopeica

Este es el concepto que comparten todos los movimientos vanguardistas. Es el nuevo concepto de la modernidad, totalmente identiﬁcado con Estados Unidos. Allí destaca ﬁguras como Stieglitz o Steichen que dan el paso hacia una fotografía ‘directa y libre’.

Edward Steichen, Torso, 1902 Alfred Stieglitz, Entrepuente, 1907

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Hay que destacar previamente la previa intervención de los futuristas italianos así también como de Schad, creador de las Schadografías, ensalzadas por Tristán Tzara como expresión dadaísta. El mismo Tzara haría el prólogo en 1922 para la exposición de las doce rayografías de Man Ray bajo el nombre de ‘Les Champs Délicieux’. Cabe destacar también a Laszlo Moholy-Nagy que denomino a sus obras fotogramas. Por otro lado, este tipo de fotografías ideadas por Schad, Man Ray o Moholy-Nagy viene a ser lo mismo que Talbot denominó en 1839 como ‘photogenic drawings’ en que se obtiene una imagen negativa obtenida por la impresión directa de los objetos colocados encima de la superficie fotosensible sin el intermedio de la cámara.

Christian Schad, Schadografia n.2. 1919

William Fox Talbot, Photogenic Drawing, 1839

Moholy-Nagy, Fotograma, 1924

Man Ray, Les Champs Delicieux, 1922

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La influencia del constructivismo soviético tuvo una gran afluencia en el surrealismo alemán que recurrió con gran frecuencia al fotomontaje*. En contrapartida, la ‘Nueva Objetividad’, no quiere recurrir a ningún trucaje sino que pretende expresar lo que el ojo observa. El grupo californiano f/64, surgido simultáneamente, busca la nitidez preconizando la fotografía pura.

Aleksandr Ródchenko, Cartel para la pelicula 'El acorazado Potemkin', 1925

Albert Renger - Patzch, Railroad Bridge, 1927

Por otro lado, Salvador Dalí y Paul Eluard coleccionaban postales. En 1937 se imprimió una serie llamada ‘Le carte Surrealiste’ donde se incluian postales de Duchamp, Ernst, Miró y Man Ray entre otros.

Ansel Adams, Amanecer, Lago Mc.Donald, 1942

Le Carte Surrealiste, 1937

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La fotografía surrealista En los años veinte y treinta la fotografía se convierte en un medio de expresión para todos los afiliados al movimiento. El surrealismo tomó prestado el modus operandi de la cámara: su carácter inconsciente y automático y generó dos procedimientos: las fotografías manipuladas o surrealismo técnico y las que no fueron retocadas o surrealismo encontrado. La manipulación de imágenes se consideraba plenamente aceptable en cuando se rompen las reglas de la realidad. Se producen así extrañas formas que rozan lo onírico y que ayudan al inconsciente a aflorar por medio de los sentidos. Sin embargo, fue grande el número de fotógrafos surrealistas que no presentaron una realidad distorsionada y que optaron por tomar el carácter documental de la fotografía y que transmiten los llamados objets trouvés (objetos encontrados). Las fotografías no tomaron solo un carácter artístico sino también uno divulgativo para ilustrar sus revistas o libros, para retratar a los miembros del movimiento etc. Dust breeding (cría de polvo) de Man Ray, por ejemplo, registra una capa de polvo de dos años sobre Large Glass (Gran Vidrio) de Duchamp. Tales imágenes pasaron, en general, sin pena ni gloria, ya que unas fotografías así escapaban del ámbito del arte y entraban dentro de los dominios de la documentación. Los dadaístas de Nueva York, sin embargo,disfrutaban de su condición inequívoca. Al no sobrevivir las construcciones originales por sus condiciones efímeras más allá de su registro fotográfico, las fotografías substituían literalmente al objeto artístico. La reproducción era la analogía visual apropiada de las improvisaciones de los artistas.

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Man Ray, Dust Breeding, 1920

Existen también diversas imágenes que muestran objetos cotidianos descontextualizados que llegan a a alcanzar otras dimensiones y que, pese a no estar manipuladas, rompen igualmente con la asociación normal de ideas. Los pies y dedos gigantes de Boiﬀard no se muestran como parte integrante de un cuerpo sino con autonomía propia lo que les ofrece un carácter un tanto grotesco. En 1927, el mismo Dalí publico un artículo en que elogiaba la objetividad, la rapidez y la capacidad que tiene la fotografía de trastocar los objetos con un simple cambio de escala dado que provocaba ‘insólitos parecidos, analogías inimaginables y, no obstante, existentes’.

Boris Ignatovich, Ermitage, 1929 Jacques Boiffard, Sans Titre, 1927

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René Magritte, Autrorretrato doble, 1936

René Magritte, La Clarividencia, 1936

Otra temática surrealista es la que busca una mitología contemporánea en que se personiﬁcan temores, frustraciones y dilemas de forma que lo retratado se convierte en un símbolo del estado de la mente. El cuerpo femenino toma también una gran importancia. Bellmer tomó la imagen de la ‘niña-mujer’ como ﬁgura seductora para la construcción de sus muñecas articulas a partir de un maniquí. Por otro lado, la distorsión del cuerpo humano es un tema habitual en la plástica surrealista. Destacan Herbert Bayer, Nathan Lerner o André Kertesz. Destacan también dos importantes fotografías de Man Ray: ‘El violín d’Ingres, 1924’ y ‘Blanco y Negro’ donde, a través de la solarización, enfatiza el contorno de los cuerpos del mismo modo que lo haría un pintor.

Hans Bellmer, Muñeca de Hans Bellmer

Brassai, Graffiti, 1930

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Herbert Bayer, La Solitud del Ciudadano, 1932

Dora Maar, Pere Ubu, 1936

Además de esta representación del cuerpo humano, no es extraño encontrar fotografías de objetos surrealistas que incluso a veces eran creados con el único propósito de ser fotografiados.

Philippe Halsman, Dalí Atomicus, 1948

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Temática de las fotografías surrealistas Si el movimiento surrealista estuvo interesado por renovar la psicología, la filosofía, la etnografía, la antropología y por supuesto, la sociología, no es extraño que encontremos en sus fotografías estos temas; así es que habiéndose convertido la fotografía en uno de los vehículos más eficientes y presentes en el proyecto surrealista, el movimiento acabó asumiendo el medio fotográfico no sólo con un carácter artístico, sino también con otros aspectos divulgativos para ilustrar sus revistas o libros, como retratístico de los miembros del movimiento, como medio para conocer otras culturas lejanas, entre otros. Podemos entonces encontrar numerosas fotografías de las calles de París, unas que no se diferenciarían de cualquier otra fotografía, y otras que aprovechan acontecimientos que marcan la introducción en la vida cotidiana, de fuerzas irracionales, así como de elementos captados por la cámara al azar, resaltando de este modo la azaridad de las cosas y estableciendo con ello un vínculo con escritura automática.

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Tenemos también numerosas imágenes que muestran objetos cotidianos pero que, al presentarse descontextualizados, llegan a alcanzar otras dimensiones, lo cual no implica que se trate de imágenes menos multidimensionales que las manipuladas, ya que se rompe igualmente la asociación normal, como ocurre con las pinturas y las fotografías de Magritte, cuyos enigmas dependen de las interrelaciones de simples objetos y las asociaciones que ellos despiertan.

René Magritte, Los amantes, 1928

Brassaï también utilizó imágenes sin trastocar, en las que pretendía encontrar, sin ninguna intervención, las figuras ocultas que yacen en cada imagen mental. La fotografía se convierte así en la materia prima, en el punto de partida de las mutaciones y las transmutaciones de los objetos. Además Brassaï ejecutó series de fotografías de graffitis de las calles de París que para el autor llevaban a vías sugestivas para la imaginación que intentaban liberar efectos alucinatorios a través de la contemplación, y así se puede usar el graffiti como el punto de partida para la meditación, permitiendo al espectador derivar el graffiti en imágenes de su propia imaginación.

Brassaï, Graffiti, Serie VII: "La muerte", 1930

Brassaï, Graffiti, Serie VI: el amor, 1935

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Otro tema utilizado en las fotografías surrealistas es aquel que busca una mitología contemporánea, donde en vez de tener dioses y diosas habría personificaciones de nuestros temores, frustraciones o dilemas. Las personas retratadas no se representan -a no ser que se trate de un retrato- como individuos, sino como símbolos de los estados de la mente. Son numerosas las fotografías de cuerpos femeninos, utilizados como objeto surrealista, al igual que en la pintura. Por ejemplo Bellmer2 utilizó la imagen de niña-mujer como seductora erótica en sus variaciones en la construcción de muñecas articuladas, para lo que se valió de un maniquí que ensamblaba para hacer figuras imposibles que rozan con el inconsciente.

Hans Bellmer, La muñeca

Hans Bellmer (Katowice, 1902-París, 1975) Pintor y escultor alemán. Formado en Berlín, trabajó como diseñador industrial y como grafista publicitario y formó parte del dadaísmo berlinés. Tras su traslado a París, creó minuciosos dibujos de corte surrealista.

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Y es que los surrealistas reinventan el cuerpo femenino como síntoma, lo inmovilizan como maniquí, lo someten a un proceso de fetichización que, como dice años más tarde Laura Mulvey, no habla de su placer, sino de su miedo. Sí es cierto que en la fotografía abundan los cuerpos, pero no siempre es el femenino, pongamos por ejemplo los dedos y pies gigantes de Boiffard, de los que no se sabe a quien pertenecen y que además no se muestran como parte integrante de la totalidad de un cuerpo, sino que toman una autonomía propia que también nos lleva a un campo onírico, un tanto monstruoso.

Jacques-André Boiffard, s/t, vers 1930

Jacques-André Boiffard, Beneath the Mask, 1930

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Técnicas surrealistas ('Procedimientos fotográﬁcos de Niépce a las Vanguardias) Pintar los negativos. Duplicar y triplicar la exposición. La solarización y la rayografía.

Otras técnicas:

Guerin juntó dos negativos, uno de un paisaje convencional y otro de una cristalización producto de haber permitido que cerveza u otros líquidos cristalizaran en un cristal. Raoul Ubac y David Hare inauguran el Brûlage, que consiste en quemar el negativo con una llama de alcohol etílico. De este modo el artista sólo tenia control parcial sobre el resultado y el resto se daba a causa del azar.

Raoul Ubac, Objeto Posible

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Ubac experimentó también con la combinación de técnicas. Produjo un complejo ensamblaje de fotografía de cuerpos humanos que eran deformados, pegados en un fondo negro, re fotografiados y después solarizado dando lugar a extrañas formas que escapaban de la razón.

Raoul Ubac, Le Combat de Penthésilée II, 1937

El fotomontaje y el fotocollage, fueron usados por muchos surrealistas como Dalí, paul Eluard o André Breton como única conexión con la fotografía.

Max Ernst, Fatagaga, 1920

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Por otro lado, Herbert Bayer, realizó también fotoplásticas. Tomaban su nombre de huesoso o cuerpos geométricos que se combinaban con elementos naturales como nubes, aguas o sombras.

Herbert Bayer, Metamorfosis, 1936

La diversidad de técnicas empleadas nos hace tener una idea del carácter experimental de la fotografía en el ámbito surrealista para llegar más allá de la realidad. No obstante, es importante también exponer el carácter documental de la fotografía surrealista. En los años treinta, la fotografía documental había incrementado su número en periódicos y revistas. Hay que tener en cuenta que la mayoría de fotógrafos surrealistas eran escritores o amigos de estos.

Primera Edición de 'La Révolution Surréaliste', Diciembre de 1924. Incluye obras de Giorgio de Chirico, Ernst, Masson, and Man Ray

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Las revistas ‘La Révolution surrealiste’ , ‘Le surrealisme au service de la révolution’, ‘Minotaure’ etc, además de varios libros como Nadja, de André Breton son claros ejemplos, pese a que Bretón concluyó que la fotografía jamás podría representar puramente el modelo interior por él propuesto. No existe ningún tipo de fotografía surrealista que se adecue plenamente a su ideario.

Portadas de la Revista Minotaure. 1. Invierno de 1937. R. Magritte / 2. Junio 1936, Salavador Dalí

En Nadja, Man Ray tomó los retratos de los surrealistas mientras que Boiffard y Henri Manuel se encargaron de las calles y monumentos, las fotografías de los cuales produjeron una gran decepción en Bretón ya que la fotografía no transmitía el misterio que los surrealistas percibían en las calles. (Y que no obstante, tanto se había admirado de las fotografías de las calles parisinas tomadas por Atget).

Andre Breton, Boulevard Magenta, devant le Sphinx Hôtel, Paris, 1964

Andre Breton, L’affiche lumineuse de Mazda sur les grands boulevards, París, 1964

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John Stezaker Es un artista conceptual británico que estudió en la Slade School of Art en Londres en la década de 1960. Nació en 1949 y conocido por su pop-art. es uno de los principales artistas de collage fotográfico moderno y apropiación. El empleo de fotografías de época, antiguos fotogramas de películas de Hollywood, viaje postales y otros materiales impresos, Stezaker crea collages de pequeño formato seductores y fascinantes que llevan cualidades del surrealismo, el dadaísmo, y encontraron el arte. En efecto, al referirse a la gran compendio de imágenes que ha recogido, Stezaker afirma que las imágenes "lo encuentran," no a la inversa. Con quirúrgica-como la precisión, los impuestos especiales Stezaker, superposiciones y conjuga imágenes distintas para crear nuevas personalidades, paisajes y escenas. John Stezaker estudió en la Slade School of Art, y actualmente enseña Críticos e Históricos estudios en el Royal College of Art de Londres. En septiembre de 2012, fue galardonado con el premio de fotografía Deutsche Börse. El trabajo de Stezaker se ha exhibido internacionalmente desde la década de 1990 y ha sido adoptado en renombradas colecciones de los museos de todo el mundo.

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El trabajo de John Stezaker re-examina las diversas relaciones a la imagen fotográfica: como documentación de la verdad, proveedor de la memoria, y el símbolo de la cultura moderna. En sus collages, Stezaker apropia de imágenes que se encuentran en libros, revistas y tarjetas postales y los utiliza como 'readymades'.

John Stezaker, Love XI

John Stezaker at Whitechapel Gallery

Usando fotos publicitarias de las estrellas de cine clásico, Stezaker empalmes y se superpone caras famosas, creando 'iconos' híbridos que se disocian lo familiar para crear sensaciones de lo siniestro. El

John Stezaker, Pair IV

A través de sus elegantes yuxtaposiciones, Stezaker adopta el contenido y contexto de las imágenes originales para transmitir sus propios significados ingeniosas y conmovedoras. En su serie Matrimonio, Stezaker se centra en el concepto de retrato, tanto como arte género histórico y la identidad pública.

acoplamiento de la identidad masculina y femenina en caracteres unificadas, Stezaker apunta a una armonía desarticulada, donde el irreconciliación de diferencia ambos complementos y resta valor.

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En sus imágenes correlacionados, personalidades (y nuestras idealizaciones de ellos) se convierten en auxiliares y vacío, dictada abyecta a través de sus defectos y lucha por el dominio visual magnificados. En el uso de imágenes de estilo de la época dorada de Hollywood, Stezaker involucra tanto temporal como conceptualmente con su interés por el surrealismo .

John Stezaker, Vanishing Point / Vantage Point, 1979

Situado en contexto contemporáneo, sus retratos conservan su aura de glamour, mientras que opera simultáneamente como exóticos "artefactos" de una cultura obsoleta. Al igual que en las fotos de 'primitivismo' publicado en Documentos de George Bataille3, retratos de Stezaker celebran lo grotesco, lo que hace el romance con el modernismo igualmente convincente y perversa.

John Stezaker, Big clock, 1967

Nació en Billon, Francia, en 1897 y falleció en Malmaison en 1962. Hombre a quien gustaba trabajar en la sombra, pasó a ser sin embargo uno de los pensadores europeos más innovadores e importantes de entreguerras. Fundó diversas revistas, entre las cuales dos que hicieron historia: Documents y Critique.

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Rescata del olvido fotos y fotogramas cinematográficos. Con un método de fotomontaje intuitivo transforma estos retratos en seres extraños apelando al subconsciente y lo surrealista. A base de corte manual y pegamento construye una visión fragmentada y desarticulada muy acorde a la realidad contemporánea.

John Stezaker, Untitled, 1989

No han sido muchas sus exposiciones individuales, sin embargo, a mediados de la década del año 2000, el trabajo de Stezaker fue redescubierto por el mercado del arte, que ahora es recogido por varios coleccionistas y museos internacionales.

John Stezaker, Mask XIV, 1949

la imagen pre-existente. Utiliza postales, fotogramas de películas y fotografías de publicidad. A través de sus elegantes yuxtaposiciones, Stezaker adapta el contenido y el contexto de la imagen original para transmitir sus propios significados.

El tono surrealista de su obra lo realiza usando el collage y la apropiación de

“Cortando una fotografía puede sentirse como cortar a través de la carne” - John Stezaker

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Linder Sterling Su verdadero nombre era Linda, Linda Mulvey, nacida en Liverpool en 1954. Los trabajadores pronto cambiaron de Linder, más neutral, y se trasladó a Manchester. La confusión de géneros muy apropiadas para su arte transgresor, híbrido, provocativas: fundó la banda Ludus, cuya aullador era oficial, y fue "el radical primera de punk feminista", como se describe por Jon Savage, biógrafo de los Sex Pistols, que con ella Hizo el libro El collage Pública Secreto. Amigo cercano, tal vez amante y musa de algunos de Morrissey, por la que dibujó portadas de discos (como Su Arsenal) y fotografió largo (el libro de imágenes es Morrissey Shot '93), los noventa se dedica a ' arte visual : su última aparición "musical", soft-porno, es de 82 vestido de una sola carne y con un vibrador negro. La heroína en Manchester en los años setenta, donde palpitantes revolución del punk, es ahora el protagonista de una exposición en el Museo de Arte Moderno de París, una exposición que, según lo explicado por Luca Beatrice, “ha hecho de la explotación de los artistas underground como Robert Crumb Larry Clark o su misión”.

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En los años setenta la "quimeras biomecánico" Linder, construido por la reordenación de los códigos de la publicidad a partir de fragmentos cortados de las revistas femeninas (el hogar, cocina, telenovelas) y masculino (porno, automóviles y hágalo usted mismo), se recogieron en serie, publicado, se convirtió en portadas de dis-

cos . ¿Cómo, por ejemplo, el famoso Adicto Orgasmo en el primer single de los Buzzcocks: una mujer desnuda con una plancha (tomado de un catálogo de Argos) por cabeza y dos bocas sonrientes para los pezones. "Hacer esos collages no fue difícil", le dijo. "Fue como cuando se tiene que hacer un rompecabezas y usted ha per-

dido la tapa de la caja. En los días de tungsteno4, días sin luz, tarde o temprano se encontraron las piezas correctas". Centrado en el cuerpo, en el deseo femenino y la alienación cultural, su auto-ensamblaje eran, y son, ataques intransigentes todos " imágen convencional de las mujeres, objeto sexual y de consumo.

Linder Sterling, Sans titre, 1981

Hace referencia a una fuente de luz artificial que usa una bombilla con filamento de tungsteno, elemento metálico de muy elevado punto de fusión y muy resistente a la corrosión, que es, por ello, muy apropiado para su uso en bombillas eléctricas.

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"El arte de Linder, generada y alimentada por la cultura indie era tiempo de pulso, un momento en el collage era raro, alternativa, y puede ser hoy, en un momento en su lugar es la corriente principal . " La obra de Linda Mulvey -más conocida como Linder Sterling- se caracteriza por su subver-

siva, contestataria y evidente propuesta feminista que ha influenciando la cultura punk inglesa de los 70’. Combinando imágenes femeninas con objetos domésticos, decorativos y comida, la inglesa reflexiona por medio de su trabajo en collage, sobre el rol de la mujer y su imagen ideal,

además del rol fundamental que revistas de moda, tendencias y decoración han tenido en este hecho. En resumen, el punk no ha muerto, todavía hay mucho que gritar.

"A veces me veo en 80 años, todavía estoy gritando. Así que yo naciera, así que me voy a morir” - Linder Sterling

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La música y artista plástica británica Linder Sterling elabora fotomontajes en los que combina imágenes de revistas pornográficas antiguas, de revistas para público femenino, elaborando a través de ellas un marcado discurso feminista. Su obra más conocida es la portada del disco.

Linder Sterling, Oh Grateful Colours, Bright Looks VI, 2009

La obra de Linda Mulvey -más conocida como Linder Sterling- se caracteriza por su subversiva, contestataria y evidente propuesta feminista que ha influenciando la cultura punk inglesa de los 70’. Combinando imágenes femeninas con objetos domésticos, decorativos y comida, la inglesa reflexiona por medio de su trabajo en collage, sobre el rol de la mujer y su imagen ideal, además del rol fundamental que revistas de moda, tendencias y decoración han tenido en este hecho.

Linder Sterling, Teapot face

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Christian Marclay Es un artista visual con sede en Nueva York y compositor cuyo trabajo innovador explora la yuxtaposición entre la grabación de sonido, fotografía, vídeo y cine. Nacido en California en 1955 y se crió en Ginebra (Suiza). Su madre era estadounidense por lo que mantuvo una doble nacionalidad. Estudió en la Ecole Supérieure d'Art Visuel from 1977 - 1980 en Ginebra, Suiza. Desde 1977 - 1980 estudió escultura en el Massachusetts College of Art en Boston. También estudió como profesor visitante en la Cooper Union en Nueva York en 1978. Como intérprete y artista sonoro Christian Marclay ha estado experimentando, componiendo y tocando con discos fonográficos y tornamesas desde 1979 para crear su único "teatro de sonido encontrado." Christian Marclay fue influenciado por Marcel Duchamp . Christian Marclay ofrece una voz única, fresca e innovadora que ha inspirado a toda una generación de músicos, artistas y teóricos. En 2002 Christian Marclay fue profesor visitante del collage de vídeo y sonido en el European Graduate School.

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Durante los últimos 30 años, Christian visible, a través del desempeño físico, coMarclay ha explorado la fusión de las be- llage, escultura, instalación, fotografía y llas artes y las culturas de audio, sonidos video. transformación y la música en una forma

Christian Marclay, Voices of Venus, 1992

Marclay comenzó su exploración en sonido y el arte a través de actuaciones con tornamesas en 1979, cuando todavía era un estudiante. Los primeros trabajos incluye una serie de "Registros reciclados '(1980-1986), discos de vinilo fragmentadas y reensamblados que se convirtieron en objetos híbridos que podrían ser reproducidos, repleta de saltos bruscos

Christian Marclay, Untitle

en tono y sonido. Para su serie 'Mix Body' (1991-1992), se mantuvo unida portadas de discos en obras para crear fantasmas extraños de la música y la cultura - como conductores Deutsche Grammophon con las piernas delgadas de Tina Turner - que traen a la mente surrealistas 'Cadáveres Exquisitos '.

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Esta transformación de instrumentos musicales u objetos para crear juegos de palabras visuales es un componente esencial del trabajo de Marclay. Virtuoso (1999), por ejemplo, cuenta con un acordeón con su fuelle alarga a más de siete metros.

Esta alegría con el sonido y la imagen es también una característica de su "instantáneas", una serie en curso, informal de fotografías que representan elementos de sonido y la onomatopeya5 que el artista descubre en situaciones cotidianas.

Christian Marclay, Sergeant Pepper , 1990

Palabra que proviene del latín tardío onomatopoeia, aunque su origen se remonta a un vocablo griego. Se trata de la imitación o recreación del sonido de algo en el término que se utiliza para significarlo. También puede referirse a fenómenos visuales.

Fotografía surrealista y constructivismo ruso

Artista visual y compositor de música, explora conexiones entre sonido, pintura, fotografía y cine. Fue pionero en realizar collages sonoros. Parecidos propósitos emplea en sus collages como “Voz de Venus” que vemos a continuación, para el que emplea covers de discos.

Christian Marclay, Dorsiana, 1991 Christian Marclay, Untitle

Christian Marclay, Footstompin, 1991

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Melinda Gibson Melinda nació en el Reino Unido, y en la actualidad vive y trabaja en Londres. Estudió fotografía en el London College of Communication y después de graduarse en 2006, ella ayudó a varios fotógrafos, especialmente Martin Parr y Wolfgang Tillmans, sin dejar de desarrollar su propia práctica fotográfica. En 2010, la Fundación Magenta la seleccionó como uno de los ganadores británicos del Premio Emerging Fotógrafo y Melinda es 1 de los 15 ganadores de la convocatoria de Talento anual elegido por la revista ESPUMA en 2010. Melinda participa en la Capital Europea de la exposición Cultura "Alice in Wonderland" fotografía contemporánea más grande exposición de Finlandia celebró en Turku, Finlandia lo largo de 2011. Es difícil ignorar una declaración como: “Estoy interesado en las cambiantes perspectivas del medio fotográfico, cómo son vistos y entendidos a través de los avances tecnológicos en fotografía y la ayuda y obstáculos Esto comienza adelante en nuestra cultura contemporánea imágenes” Está bastante claro de su afirmación de que Melinda Gibson está mirando la fotografía de una manera nueva. Sus imágenes son maravillosamente compleja y estratificada, y nos permiten cuestionar la realidad.

Fotografía surrealista y constructivismo ruso

Esta serie de trabajos titulada, "La fotografía como arte contemporáneo" examina el texto educativo por Charlotte Cotton. Por medio del fotomontaje, cada pieza es un trío de imaginería quitado del libro y re-contextualizada como una sola. Este cuerpo de trabajo trae preguntas que rodean nuestro sistema educativo, los derechos de autor y licencias, así como la participación del público.

Melinda Gibson, Photomontage IV, 2009-2010

Melinda Gibson, Photomontage VI, 2009-2010

Fotograf铆a surrealista y constructivismo ruso

Muestra en sus fotomontajes el juego e interacci贸n entre forma y relleno. De fondo, sin embargo, subyace la cuesti贸n del apropiacionismo de una fotograf铆a de autor, a la que se recorta el contorno de los retratados, para pegarle un relleno imposible y sorprendente.

Melinda Gibson, Photomontage XVII, 2009-2010

Fotografía surrealista y constructivismo ruso

Cada pieza se compone de tres partes separadas, donde las mismas imágenes de tamaño se manipulan en uno; colocado bajo o sobre otros, partes han eliminado, descartados, mientras que otros se han añadido. Cada imagen es una apropiación de un original, re-organizada con elemen-

tos adicionales que hacen de sí mismo en una nueva originales. A través de esta deconstrucción de empezar a ganar una mayor apreciación de las obras y empezar a entender por qué y cómo estos fotógrafos, estas imágenes se han vuelto tan prominente.

Melinda Gibson, Photomontage XX, 2009-2010

Melinda Gibson, Photomontage XXII, 2009-2010

Fotografía surrealista y constructivismo ruso

Ava Seymour A partir de papel, tijera y pegamento ha ido conformando su peculiar universo surrealista donde muestra su visión de la sociedad rural neozelandesa. Fascinada en un principio por el fotomontaje dada, suelen tener de base una imagen en b/n a la que pega rostros, cuerpos enteros o fragmentos, generalmente desproporcionados. Sus imágenes atraen tal vez por lo naif que las emparentan con lo lúdico infantil; y la par repelen por lo bizarro de ciertas escenas y personajes. ha estado perfeccionando el arte astuta de fotomontaje desde hace algunos años. Engañosamente simple en sus medios, papel, tijeras y pegamento crear escenas que son bordes duros, irregulares, y lejos del surrealismo por etapas de, por ejemplo, una fotografía Boyd Webb, o la mancha, país de las maravillas loco de un anuncio generado por computadora para gel para el cabello . Seymour cultiva su estilo de marca mientras vivía en Alemania, y no es ninguna sorpresa que los linajes más evidentes en su trabajo incluyen Hannah Hoch y John Heartfield. Pero mientras que estos exponentes clásicos de Dadá yuxtaposición hacen arte con fines específicamente polémicos, Seymour ha repudiado agencia política. Su trabajo se basa hacia los estados de ánimo en lugar de los mensajes, mientras se crea escenas que están invitando al mismo tiempo y repelente.

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En su serie de 1995 titulado goma Amor, Seymour nos llevó por un viaje de ojo de cerradura de exuberantes interiores. Pero estas House and Garden a balón parado son pobla-

das por grupos de gente de caucho revestido, con pertrechos como máscaras de gas y perros mullidos. Las almohadillas de lujo, ya chillones en su color saturado estilo de los setenta,

Ava Seymour, Day Care Walkabouts, 1997

Ava Seymour, State Highway I, 1997

se hacen camas calientes de iniquidades extraños, escenas que pueden ser de miedo o sexy, pero son en su mayoría sólo muy gracioso.

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Sin embargo, lo que emerge es lejos de ba- de Seymour se convierten en una s贸lida jar o c铆nico.Las deformidades representa- presencia en estos entornos suburbanos dos en panoramas claustrof贸bicos de Sey- desiertas lo contrario. mour se usan como insignias peculiares de honor. Al igual que los fantasmas existen en otro plano en el hospital el colapso de Lars von Trier "El Reino, los personajes

Ava Seymour, Valley of the Fruitcakes, 1997

Ava Seymour, Yellow Oval Room, 1994

Ava Seymour, Mummy ist Tot, 1993

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Estas criaturas, y la amalgama de los sueños rotos y esperanzas de los inquilinos pasado y el futuro, dar vida a los alrededores bastante pesado con actividad perpetua, convirtiendo la desesperación en una comedia de las debilidades humanas.

molesto u ofensivo en su retrato de la capacidades diferentes, la mayoría se han identificado con su humor, viendo la serie como una elegía con un borde de historietas, que retrata con precisión el estado de ánimo de los suburbios en este país.

Aunque muchos espectadores pueden encontrar el contenido de este trabajo

Ava Seymour, Who Done It?, 1993

Ava Seymour, Acción Mutante, 1993

Ava Seymour, Einsturzende Neu Bacon Baby Bauten, 1993 Ava Seymour, Murder Ecke, 1993

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Eduardo Recife (Nacido en 1980 en Belo Horizonte, MG, Brasil) es un ilustrador, diseñador gráfico y diseñador de tipos. A finales de los años 90, creó el sitio Misprinted Tipo, que muestra collages, ilustraciones y distribuye fuentes digitales propias. Su obra es una poderosa combinación de estética de la vendimia con el lenguaje del grunge. Reconocido internacionalmente por sus collages expresivos, Eduardo fue a trabajar como ilustrador freelance en su totalidad a partir de 2002. Ha desarrollado trabajos para The New York Times, Nike, YouTube, la FIFA y muchos otros. Al mismo tiempo, su trabajo con la tipografía se ha convertido en un punto de referencia y Misprinted Type, y pionero, se convirtió en uno de los más exitosos fundiciones brasileñas. Sus fuentes gratuitas y comerciales siguen una línea muy experimental y muestran una "tierra digital de post-punk", el estilo que acompaña a su trabajo como ilustrador.

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En la segunda mitad de los años 90 tuvimos la oportunidad de conocer a algunas personas que trabajaron con la creación de fuentes digitales.Identificó mucho y en medio de la influencia de la escena grunge de la época comenzó a desarrollar ex-

perimentos con la tipografía y el collage. Eduardo era dedicado y produjo muchos trabajos personales, cada vez mejor lugar por ensayo y error. En 1997 comenzó a crear dibujos de alfabetos y producir suministros para uso personal.

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Según el propio artista, se dio cuenta de que sería una buena idea para distribuir estas fuentes experimentales en Internet para que otros los utilizan. Después de un período de tiempo con este material en un portal de descargas gratuitas, Eduardo

recibió de uno de los propietarios de la sugerencia de crear su propio sitio web. Su trabajo fue muy elogiado y ha tenido muchas descargas.Así creó el sitio Misprinted tipo, llamado así debido a sus primeros tipos de proyectos.

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Utiliza para sus fotomontajes6 o collages viejas ilustraciones, fotografías o grabados. Para recrear en sus obras cierto estilo retro emplea colores desvaidos. Aunque están realizados por ordenador, parecen hechos a mano.

Técnica que consiste en combinar dos o más fotografías con el objetivo de crear una nueva composición. El fotógrafo inglés Henry Peach Robinson es considerado el promotor del fotomontaje, ya que fue el primero en utilizar la mencionada técnica al poco tiempo de iniciar su carrera profesional en el año 1857.

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Pierre Faucheux Nacido el 12 de febrero de 1924 en el 14 º arrondissement de París y murió 16 de diciembre de 1999en Suresnes, Hauts-de-Seine 1 , es un tipógrafo y diseñador gráfico francés. Estudiante en la École Estienne , Pierre Faucheux unió Flammarion en 1942. En la liberación , después de haber sido periodista de unos meses a combate , fue contratado por Edmond Charlot para renovar todas las portadas de sus libros. Presenta el periódico Terre des hommes y La Rue . En 1946, se convirtió en director artístico del Club del Libro francés , que, bajo su impulso creativo, profundamente modificado los gráficos editoriales francesas. A partir de ese momento, Pierre Faucheux aparece como una escuela de director artístico, incluyendo la transformación del concepto de un modelo de libro; que impone su nombre en la justificación empate. Pierre Faucheux reemplaza el trabajo automáticos en los lineamientos de la impresora, un trabajo detallado y meticuloso, página por página, línea por línea y con frecuencia. Su modelo de los Aforismos de Georg Christoph Lichtenberg , cuyo colofón es del 05 de noviembre 1947, es considerado como el manifiesto de la nueva edición de la escuela gráfica donde la inspiración surrealista está presente.

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Faucheux luego colaboró con proyectos ambiciosos de ediciones K, fundadas o revistas de anime de arte y diseños arquitectónicos exposiciones. Cerca de Le Corbusier , que finalmente llevan una doble carrera como diseñador gráfico y arqui-

tecto. Se incorporó en 1954 las incipientes libreros equipo Club de Francia, rival Book Club francés que dejó en 1951. En relación con los surrealistas , que participaron en varios de sus eventos.

Pierre Faucheux, Anthology of Black Humor, Le Livre de poche, 1970

En 1963, después de mucho trabajo de ción del gráfico de bolsillo , donde da nudiseño gráfico , arquitectura, museología merosas portadas permanecieron famosa , fundó el Atelier Pierre Faucheux: su pri- por ejemplo, , Letras por Jacques Prévert. mer trabajo es hacerse cargo de la direc-

Pierre Faucheux, Diferencia Absoluta 1965

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Con su equipo, que ha tenido que trabajar para casi todos los editores franceses y ha dejado su huella especialmente en la Libertad colección de la editorial Jean-Jacques Pauvert . Él estableció el modelo ge-

neral de la primera edición de la Enciclopedia Británica , un regreso a casa, ya que es, en el momento en una filial del Club del Libro Francés.

Pierre Faucheux, Portrait Harmonique de Fourier, 1965

Contemporáneo Jeanine Fricker , Daniel los gráficos modernos franceses ya veces Jacques , Robert Massin y Jacques Darche es reconocido como un líder de la escuela. , él fue uno de los principales actores en

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Fue portadista muchos años del “libro de bolsillo” (Livre de Poche) innovando y explorando las posibilidades del fotomontaje.

Pierre Faucheux, Ecartelage, 1967

"Cerca de los surrealistas, que la llamaron “el hombre con 100.000 mantas” diseñados a partir de la década de 1960 cientos de portadas para el libro de bolsillo, se basa sobre todo en el concepto de “paisaje imágenes” y lo que él llama “la écartelage”, método gráfico de apalancamiento del mismo patrón. Esta gramática visual, lo que distorsiona la realidad para crear un nuevo surrealista.”

Pierre Faucheux, Fables, 1966

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Man Ray Su verdadero nombre era Emmanuel Radnitzky. Nació en 1890 en Filadelfia (Estados Unidos) de familia judía, su padre era de Kiev, Ucrania y su madre de Minsk, Bielorrusia. Su familia se traslada a Nueva York en 1897. Man Ray estudia en la High School y en La Escuela de Bellas Artes del Francisco Social Center de NY. En 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz. En 1915 hizo el primer one-man-show, con el que se hizo famoso su nombre por América, como uno de los primeros pintores abstractos.Adquiere su primera cámara para hacer reproducciones de sus cuadros. Con Duchamp participa en experimentos fotográficos y cinematográficos y en la publicación del número único de New York Dadá. Impulsado por Duchamp,Man Ray se mudó a París en 1921, con la única excepción de 10 años (entre 1940 y 1951) que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial, pasó el resto de su vida allí.

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Captó la atención con sus primeras fotos abstractas, a las que bautizó como rayogramas. Erróneamente se consideró inventor de la técnica aplicada para ello, que ya la habían ex-

perimentado otros artistas anteriormente, entre otros Talbot (hacia 1840) y Schad (1918). Publicó 12 de sus rayogramas bajo el título "Champs delicieux".

Poseedor de una gran imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas.

Man Ray, Glass tears, 1932

Man Ray, Le Violon d’Ingres, 1924

Man Ray, Noire et Blanche, 1926

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Erik Johansson Es un artista de origen sueco radicado en Berlín que crea imágenes surrealistas recombinando fotografías y otros materiales. Él capta las ideas mediante la combinación de imágenes en nuevas maneras de crear lo que se parece a una verdadera fotografía, pero con inconsistencias lógicas para impartir un efecto de surrealismo . Algunas imágenes acabadas son la combinación de "cientos de fotografías originales", así como las materias primas, y Johansson gasta decenas de horas usando software de manipulación de imagen, tales como Adobe Photoshop para alterar la imagen digital y para ilustrar su idea. Reportero Robert Krulwich escribió que Johansson crea una "fantasía meticulosa", que es "fotografía de la parte, la construcción, la parte de dibujo" con "tantas capas de tonterías en sus imágenes , no se puede tirar de la ilusión de diferencia, que encaja a la perfección.

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Desafinando la realidad que conocemos Johansson plasma la idea que tiene en mente antes de realizar cualquiera de sus trabajos mezclando con increible sus conocimientos del retoque fotográfico con con distintos objetos reales a su antojo. El resultado es una visión única e imposible de escenarios y objetos.

informática, que aprendió por curiosidad y afición la magia del Photoshop.

Cada trabajo es único y puede llevar más o menos tiempo, dependiendo de la dedicación del artista. El resultado son estas imposibles ilusiones ópticas7 retorcidas, que desafían la realidad más coherente y que nacen con el propósito de parecer que Una única fotografía puede contener di- el objetivo de la cámara fue el que capturó ferentes imágenes que no pertenecen a la esa escena. misma escena pero que casan a la perfección una vez que pasan por la cabeza y las manos de este estudiantes de ingeniería

Erik Johansson, Perro perezoso, 2007

Erik Johansson, Cara vs. puño, 2009

Erik Johansson, Isla pescado, 2009

Son efectos sobre el sentido de la vista caracterizados por la percepción visual de imágenes que son falsas o erróneas. Falsas si no existe realmente lo que el cerebro ve o erróneas si el cerebro interpreta equivocadamente la información visual.

Constructivismo ruso Y Z

ntre los años 1910 y 1940 se desarrollan las llamadas vanguardias históricas. Entre ellas fueron el dadaismo y el constructivismo ruso las que más emplearon el fotomontaje como una nueva técnica rompedora capaz de saltar tabús y unir disciplinas como fotografía y tipografía, etc. Sin la influencia del collage cubista, no se puede entender la explosión del fotomontaje en los itsmos posteriores. Figuras de estos movimientos como: Rodchenko, El Lizitsky, Hanna Hoch, Grosz, Kurt Schwitters, Popova, Hausmann, Heartfield, emplearon el fotomontaje para explorar las posibilidades del corta y pega, casi siempre movidos por la rebeldía. El limitado desarrollo que entonces tenían la tipografía, fotografía, artes gráficas, más que un obstáculo, fueron un acicate que superar. En el ámbito artístico, el constructivismo es un movimiento de vanguardia que se interesa por la manera en que se organizan los planos y por la expresión del volumen empleando aquellos materiales propios de la industria. El movimiento nació en Rusia en torno al año 1914 y se fortaleció después de la Revolución Bolchevique.

Fotograf铆a surrealista y constructivismo ruso

Boris Iganatovich, Monumento F Lassalle. Leningrado, 1930

Aleksandr R贸dchenko, Girl with a Leica, 1934

Boris Iganatovich, Monumento F Lassalle. Leningrado, 1930

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Hannah Höch (1 de noviembre de 1889- 31 de mayo de 1978) fue una artista plástica y fotógrafa alemana integrada en el movimiento dadá que utilizó como modo de expresión el fotomontaje, estando considerada como pionera en esta técnica fotográfica. Era la mayor de cinco hermanos y abandonó los estudios a los quince años para encargarse del cuidado de su hermana, sin embargo, en 1912 comenzó estudios de artes gráficas y dibujo sobre cristal en la escuela de artes y oficios de Berlín teniendo como maestro a Harold Bergen. Al comenzar la primera guerra mundial ofreció sus servicios en la Cruz roja, aunque pronto comenzó a estudiar con Emil Orlik y en 1915 conoció a Raoul Hausmann con el que tuvo una aventura extramatrimonial con resultados «artísticamente productivos pero con una relación turbulenta». También conoció a Kurt Schwitters que sugirió que se cambiase el nombre de Johanne por Hannah y a Johannes Baader que la llamó «la dadásofa» al ser la compañera del «dadásofo» como llamaban a Raoul Hausmann, a partir de este momento se implicó activamente en el movimiento dadá.

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Una de sus preocupaciones era la presentación de una «mujer nueva» en la república de Weimar y la denuncia de una sociedadmachista y misógina. Fue la única mujer que participó en el movimiento dadá y colaboró con Jefim Golyscheff en

su «Antisinfonía» actuando como percusionista. También participó en la primera exposición dadá en Berlín en 1919 y en la presentación de sus muñecas Dadá en la Feria internacional Dadá de 1920.

Hannah Höch, Love, 1931

Hannah Höch, Mestiza, 1924

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Tras su paso por el dadaísmo se integró en el Novembergruppe participando en todas las exposiciones del grupo hasta 1931 y se aproximó al grupo De Stijl, en 1937 sufrió la prohibición del gobierno nazi por lo que tuvo que exponer en el extranjero. A partir de los años cuarenta su trabajo se centró en los fotomontajes en color.1 En-

tre los temas que abordó se encuentran la androginiay el amor lésbico que lo abordó desde la experiencia personal al mantener una relación con la escritora holandesa Til Brugman durante nueve años entre 1926 y 1935.2 Entre 1938 y 1944 estuvo casada con el pianista Kurt Matthies.

Hannah Höch, El ramo

Hannah Höch, Flight, 1931

Hannah Höch, The Beautiful Girl, 1920

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Unica mujer integrada en el grupo dada, experimento a lo largo de su prolongada vida artística las posibilidades del fotomontaje como herramienta de creación y de denuncia política contra los abusos del poder, y contra el machismo.

Hannah Höch, Desfile de modas, 1925-1935

Hannah Höch, Photomontage, 1946

Hannah Höch, Love in the bush, 1925

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John Heartfield (9 de junio de 1891 - 26 de abril de 1968) fue artista alemán del período dadaísta, especializado en elfotomontaje. Su nombre real era Helmut Herzfeld. Vivió una infancia poco común (fue abandonado por sus padres) y mostró desde muy pronto un raro talento artístico. Durante la Primera Guerra Mundial, se vio obligado a alistarse en el ejército (aunque luego lo abandonó, fingiendo una depresión nerviosa). Fue en este momento cuando, a modo de protesta, cambió su nombre por el de John Heartfield. Al finalizar la guerra, Heartfield se unió al grupo Dadá, así como al Partido Comunista. A partir de este momento, el trabajo del artista alemán tendría una gran carga de denuncia política (fue muy crítico con la República de Weimar, al igual que su amigoBertolt Brecht). Cada vez más implicado en el terreno del fotomontaje, trabajó en revistas ilustradas. Durante 1930 y 1931, viajó por la Unión Soviética.

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Cuando el régimen de Hitler se estableció en Alemania, Heartfield huyó a Checoslovaquia. Fue durante el período de la Segunda Guerra Mundial cuando su trabajo resultó más productivo y más representativo de su personalidad como artista. La mayoría del arte de Heartfield es una crítica satírica al Tercer Reich9, y en par-

John Heartfield, Dada- Merika, 1919

ticular a la figura de Adolf Hitler (una de sus obras más conocidas es “Adolf, el superhombre, traga oro y vomita basura”). Asimismo, condenó el antisemitismo y la sociedad industrial capitalista. (“El capitalismo les está robando su última pieza de pan”, “La conquista de las máquinas”).

John Heartfield, Dada- Merika, 1919

El Tercer Reich comenzó en 1933 con la llegada al poder del Partido Nacionalsocialista Obrero Alemán (el nazismo). Este reich tuvo a Adolf Hitler como principal dirigente, ya que se convirtió en el presidente y el canciller alemán de manera simultánea.

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No volvió a su país natal hasta 1948 (a Leipzig, en la República Democrática Alemana). Desempeñó trabajos de profesor universitario y fundó su propia editorial. Para

entonces, ya estaba gravemente enfermo. Fue durante la década de los cincuenta, y en Alemania del Este, cuando su obra fue realmente reconocida por el público.

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Fue de todos ellos el más behemente, sus fotomontajes son verdaderas soflamas subversivas frente al poder emergente del nacismo, desprendiendose con el paso de los años del toque experimental del dadaismo para centrarse en la lucha política. En otro sentido su profundo rechazo a la maquinaria nazi, le obliga obviamente una vez encumbrado Hitler, al exilio in-

John Heartfield, Adolf: El super hombre. Traga oro y escupe mentiras.

mediato de Alemania. Asi, una vez establecido el nazismo desde 1933, emigra a Checoslovaquia y con posterioridad, a partir de 1938, se traslada a Gran Bretaña donde colabora con la creación de fotomontajes para libros y diversas portadas en el News Reynolds, Picture Poste o el Penguin Post.

John Heartfield, Fritz Thyssen juega con el títere Adolf Hitler, 1933

"John Heartfield es uno de los artistas europeos más importantes. Trabaja en un campo que él creo a si mismo, el campo del fotomontaje. Es a través de este arte cuando se ejerce la auténtica crítica social." - Beltolt Brecht

John Heartfield, Hierro y sangre.

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Aleksandr Ródchenko Ródchenko nació en San Petersburgo en el seno de una familia obrera. Su familia se mudó a Kazán en torno a 1905. Luego estudió en la Escuela de Arte de Kazán donde impartían clase Nikolái Feichin y Georgui Medvédev, y también en el Instituto Stróganov de Moscú. Ródchenko hizo sus primeros dibujos abstractos, influido por el Suprematismo de Kazimir Malévich, en1915. Ródchenko, como muchos miembros del avant-garde, se alinearon con los bolcheviques, que lo nombraron Director de la Oficina del Museo y del Fondo de compras en 1920. Fue el responsable de la reorganización de las escuelas de arte y de los museos. Entre 1920 y 1930 también impartió clases en el Estado Superior de Talleres de Artistas-Técnicos (Vjutemas/Vjutein). Entre los años 1923 y 1925, Ródchenko junto a Vladímir Mayakovski creó lo que hoy conoceríamos como una agencia de publicidad, llamada Mayakovski-Ródchenko Advertising-Constructor. Crearon más de 150 piezas publicitarias, packaging y diseños. En esta sociedad publicitaria, era Ródchenko el encargado del diseño gráfico, mientras que Mayakovski creaba eslóganes breves y muy directos.

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Ródchenko volvió a pintar a finales de 1930 y paró de fotografiar en 1942, produciendo cuadros expresionistas abstractos en los años 40. Él continuó organizando exhibiciones de fotografías para el gobierno durante estos años. Murió en Moscú en 1956.

Aleksandr Ródchenko, Libros, 1924

Ródchenko exploró el fotomontaje para el diseño de carteles y cubiertas de libros. Lo usó como una alternativa a la pintura por reproducirse más fácilmente. La experimentación formal que caracterizan su obra fotográfica la extrapola también a sus fotomontajes en los que generalmente combina gráficos y tipografías con fotografías.

Aleksandr Ródchenko, Cartel por el derecho de la mujer al trabajo, 1925

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Josep Renau Berenguer (Valencia, 17 de mayo de 1907 - Berlín, 11 de noviembre de 1982) fue un pintor, fotomontador,muralista y militante comunista español, hijo de José Renau Montoro, profesor de dibujo en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. usó en los fotomontajes de su época de madurez recortes de revista que en ocasiones ampliaba, combinados con técnica de aerógrafo. El sueldo exiguo de su padre como profesor de dibujo obligó a Renau Berenguer a realizar una gran variedad de trabajos extra para lograr que sus cincos hijos se situaran en la emergente clase media de la España de principios del siglo XX. Renau tuvo una facilidad innata para el dibujo. En la Escuela de Bellas Artes entre 1919 y 1925 y en la litografía Ortega, donde trabajó desde la adolescencia, aprendió los oficios de pintor y litógrafo. Ello le permitió crear una serie de acuarelas, de estilo art déco, y que en la exposición que celebró en Madrid en diciembre de 1928 causaron una impresión excelente entre las autoridades del arte oficial y la política.

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Entre 1919 y 1925 estudió Bellas Artes en Valencia. Ganó su primer concurso de carteles con 18 años. Trabajó también comofotógrafo y muralista y sus carteles cinematográficos eran apreciados en todo el mundo. Militante del Partido Comunis-

Josep Renau Berenguer, Fata Morgana

Posteriormente se le nombró Director General de Bellas Artes en 1936, siendo quien encargó a Pablo Ruiz Picasso la realización del Guernica en 1937 para la Exposición Internacional de Artes y Técnicas de París (donde realizó los fotomontajes expuestos en el Pabellón de la Repú-

ta de Españadesde 1931 y fundador de la Unión de Escritores y Artistas Proletarios (1932), inició el despegue de su obra con carteles editados para apoyar a la República durante la Guerra Civil Española.

Josep Renau Berenguer, American Way of Life

blica Española) y quien decidió el traslado a las Torres de Serranos de Valencia parte de la obra del Museo del Prado, para salvarla de los bombardeos de Madrid, organizando con posterioridad su traslado a Suiza (véase: Las cajas del Prado).

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Bruno Munari (Milán, 24 de octubre de 1907 - 30 de septiembre de 1998) fue un artista y diseñador italiano. Es considerado "uno de los máximos protagonistas del arte, del diseño industrial y gráfico del siglo XX"1 aportando contribuciones fundamentales en diversos campos de la expresión visual (pintura, escultura, cinematografía, diseño industrial, diseño gráfico) y no visual (escritura, poesía, didáctica) con una investigación polifacética sobre el tema del movimiento, la luz, y el desarrollo de la creatividad y la fantasía en la infancia mediante el juego. Munari constituye una figura "leonardesca" (polímata) dentro del Novecento italiano (Siglo XX). Junto al espacialista Lucio Fontana, "el perfectísimo" Bruno Munari domina la escena de arte milanés en las décadas de 1950 y 1960; es durante estos años que se gesta un boom económico en el que nace la figura del artista operador-visual que se convierte en asesor empresarial y que contribuye activamente en el renacimiento industrial italiano de la posguerra.

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Munari participa a una edad muy temprana en el futurismo10, del cual se destacan su sentido del humor y ligereza, inventando la Máquina Aérea (Macchina Aerea, 1930), el primer "móvil" de la historia del arte, y las "Máquinas Inútiles" (Macchine inutili,

1933). A finales de la década de 1940 funda el MAC (Movimiento de Arte Concreta) que sirve como punto de encuentro de las muestras abstractas italianas en una prospección de "síntesis de las artes", en grado de incorporar a la pintura tradicional nuevos

Bruno Munari, Aeroplanes and Archers, 1932

instrumentos de comunicación y de demostrar a los industriales y 'artistas-artistas' la posibilidad de una convergencia entre arte y técnica.

Bruno Munari, In those Days the Aeroplane was Made of Bamboo and Canvas, 1936

Movimiento artístico de vanguardia que se originó en Italia a principios del siglo xx y que intenta romper con los valores estéticos del pasado reivindicando el futuro y con él la era de la técnica moderna, la velocidad, la violencia y las máquinas.

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En 1950 realiza la "pintura proyectada" mediante composiciones abstractas encerradas dentro de diapositivas y descompone la luz mediante el uso de un filtro Polaroid, realizando en 1952 la "pintura polarizada", que presenta en el MoMA en 1954 con la muestra "Munari's Slides".

Es además considerado uno de los protagonistas del arte programado y cinético, pero sobresale por la multiplicidad de sus actividades y por su grande e intensa creatividad en cada definición, en cada catalogación.

Bruno Munari, And Thus we Would set About Seeking an Aeroplane Woman, 1936 Bruno Munari, And Thus we Would set About Seeking an Aeroplane Woman, 1936

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El artista y diseñador milanés practicó el fotomontaje y collage desde su juventud. Sus obras siguen siendo hoy en día referencia en el campo de la pedagogía del diseño gráfico y en la experimentación editorial. Estos fotomontajes son de los 30 y 40. En los primeros se puede comprobar

Bruno Munari, Carátula de L’Ala d’Italia, 1934

la fascinación futurista que sentía hacia los aviones. El último de ellos fue un encargo para la portada de la revista italiana de los 30 Campo Gráfico.

Bruno Munari, T, for a 1935 advertisement in Campo Grafico magazine.

"Cuando los objetos que utilizamos todos los días y el entorno en que vivimos se han convertido en sí mismos una obra de arte, entonces podremos decir que hemos logrado un vida equilibrada".

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László Moholy-Nagy Nació el 20 de julio de 1895 en Hungría, concretamente en la ciudad de Bácsborsod, y falleció el 24 de noviembre de 1946 en la ciudad americana de Chicago. Aunque su verdadera pasión fue la pintura, hoy en día es recordado como uno de los mejores fotógrafos de los años 20, pionero en este campo. También fue profesor en la escuela Bauhaus. La I Guerra Mundial estalló mientras Moholy-Nagy desarrollaba sus estudios de jurista, y hubo de abandonarlos para alistarse en el ejército de su país. Durante los años que duró el conflicto bélico, empezó a dar sus primeros pasos artísticos, con algunos trabajos enfocados en dibujos a la tiza y a la tinta china. Una vez que terminó la I Guerra Mundial, abandonó sus estudios de Derecho y se dedicó por completo al arte.

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Su publicación “Pintura, Fotografía, Film”, aparecida en 1925, constituye el octavo volumen de los “Libros de la Bauhaus” y es uno de los principales pilares de la fotografía. En este volumen, Moholy-Nagy establecía una relación entre la pintura y

la fotografía. El artista clasificaba la pintura como un medio para dar forma al color, mientras que la fotografía servía de instrumento de investigación y la exposición del fenómeno luz.

László Moholy-Nagy, Photomontage, 1930

László Moholy-Nagy es una de las grandes figuras de la modernidad. Su concepción de las artes como un todo y su deseo de suprimir la separación y jerarquización entre ellas, su confianza en las posibilidades de una nueva cultura industrial en la que las distinciones entre arte y no arte dejaran de ser pertinentes.

László Moholy-Nagy, Olly dolly sisters, 1958

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