No. 14 mar.-abr. 2015 Edición Bimestral
Alimentándonos del séptimo arte
EDICIÓN ESPECIAL
MÉXICO Reseñas: Amor, Dolor y Viceversa El Lenguaje de los Machetes Elisa antes del fin del mundo Los insólitos peces gato Biografías: Alejandro González Iñárritu Emmanuel Lubezki Carlos Enrique Taboada Eventos: Cortos Duranguenses Noche CAI Entrevistas: Omar Deneb Humberto Busto Galería: Durango Tierra del Cine
Además: Whiplash - Los Amantes del Círculo Polar No Todo es Cine: Damon Albarn
Editorial
Cine mexicano ¿Apoyar por apoyar?
Alimentándonos del séptimo arte
DIRECTORIO El año pasado me propuse –como objetivo personal- ver la mayor cantidad de películas mexicanas posibles tanto en salas comerciales como en cineclub e incluso desde la comodidad de mi sillón. Es así que ante mis ojos desfilaron títulos como Obediencia Perfecta, I Hate Love, Cásese quien pueda, El crimen del Cácaro Gumaro, Guten tag Ramón, Paraíso, Más negro que la noche, Los visitantes y La dictadura perfecta, entre otras, las cuales miré en el cine comercial. Gracias a mi buen amigo Christian Sida-Valenzuela, el cual tuvo a bien proyectar una cinta mexicana por mes en la Cineteca Municipal Silvestre Revueltas, pude conocer películas como Fecha de Caducidad, El lenguaje de los Machetes y Workers, además que en ese mismo recinto aprecié Los insólitos peces gato y Club Sándwich dentro de la 57 Muestra Internacional de Cine. Durante el Festival de Cine Mexicano –cuya selección corre a cargo del mismo Christian- todos los asistentes nos deleitamos con las mejores producciones contemporáneas como Somos Mari Pepa, Navajazo, González, El Cuarto desnudo, Los Hámsters y Las Búsquedas, sin mencionar las clásicas cintas El Apando y La mujer del puerto, al igual que diversos cortos nacionales y locales.
En la comodidad de mi hogar me di tiempo de ponerme al corriente con tantas películas de nuestra cinematografía como El castillo de la pureza, Profundo Carmesí, Elisa antes del fin del mundo y Te presento a Laura, por referir algunas, por lo que, sin ser algo demasiado meritorio, hice de mi 2014 el año en que más le he dedicado tiempo a la filmografía nacional. Fue de ahí que desde hace varios números atrás tenía la inquietud de poder dedicarle un espacio aún más fuerte del que cada edición le damos al cine mexicano. Y es que no se trata de apoyar solo por ser nacionalistas o, como diría el propio Juan Antonio de la Riva, chovinistas. Se trata de que si existen cosas positivas en nuestro cine éstas deben ser promovidas, pues es la única manera de que compitan en un mercado dominado por el cine de Hollywood. Este año me he topado con apuestas no tan sólidas como las del 2014. Francamente no se puede ser solidario con productos débiles que no están a la altura de cintas muy bien pensadas y logradas en los últimos años. Sin embargo confío, en base a la experiencia, que este 2015 el cine mexicano nos sorprenda, y por ello le dedicamos muy especial mención en este número.
Director General Andrei Maldonado Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa Colaboradores Seth Álvarez Ana Carolina Ruelas Itzel Maldonado Fotografía Andrei Maldonado Eric Eduarte Villa Diana Reyes Ali Sandoval Fotografía externa Alfredo Ochoa Omar Deneb Osiris Ocampo Jesica Rangel Diseño Andrei Maldonado
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Andrei Maldonado
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Contenido
Iñárritu...
3 ADEMÁS
Lubezki...
Alimentándonos del séptimo arte
7
El lenguaje de los machetes... 11 Los insólitos peces gato... 13 Noche CAI... 15 Noche de cortos duranguenses...16 Elisa antes del fin del mundo... 17 Amor, dolor y viceversa... 19 Galería Durango Tierra del Cine... 23 Entrevista a Humberto Busto... 37 Entrevista a Omar Deneb Juárez... 41 Carlos Enrique Taboada... 45 Los amantes del círculo polar... 47 Whiplash... 49 Damon Albarn... 53
Alejandro González Iñárritu
DEL
CINE
MAESTRÍA MEXICANO por ERIC EDUARTE VILLA
Entraba el nuevo milenio, la industria del cine mexicano buscaba dejar una década pobre para regresar a la añorada época de oro, pero en lugar de ello emprendería nuevos horizontes, entre ellos el surgimiento de jóvenes realizadores que sin duda dejarían huella en la historia del séptimo arte nacional. Uno de ellos fue Alejandro González Iñárritu, quien comenzaría su andar por la travesía cinematográfica estrenando en el 2000 su ópera prima: Amores Perros.
Hasta muchos años después se logró apreciar la obra de arte que el director capitalino había plasmado para el llamado ‘Nuevo cine mexicano’, la forma narrativa se convirtió en un gran atino para la industria nacional y aunque se pretenda ver al relato como un cliché de lo que es la sociedad mexicana, en aquel tiempo fue, y sigue siendo, una de las mejores películas del cine nacional de este nuevo siglo.
3
La fama tiene un precio, siempre lo ha tenido. Y no, no solo son las apuestas, el alcohol o las drogas. No es solo los sacrificios personales o emocionales. El mayor precio que se tiene que pagar por la fama es que esta es efímera, conlleva al olvido y, para el imaginario colectivo, nada o poco tiene que ver con el arte.
por ANDREI MALDONADO fotografía CORTESÍA
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5
Iñárritu daba el primer y gran paso en su faceta como director. De inmediato llamó la atención de los reflectores de la meca del cine al ser su cinta nominada a mejor película extranjera en los premios de la Academia. Pocos años después se empezaba consolidar con su segundo largometraje: 21 Gramos. Comenzaba a abrirse paso en la industria fílmica, no sólo como uno de los directores más importantes de nuestro país, sino de toda Latinoamérica. Su tercer largometraje, Babel, rodado en cuatro países (México, EUA, Marruecos y Japón) y que relata la separación del mundo a través de sus idiomas y lenguajes, dejaba en claro algunos temas básicos para Alejandro como la discriminación por no formar parte del mismo entendimiento. Historias que de algún modo se relacionan, habiendo tenido en el cast a Brad Pitt, Cate Blanchet, Gael García Bernal y Adriana Barraza. Cuatro años después emigró a la madre patria para filmar Biutiful. El desfile de grandes actores no podía faltar y en esta ocasión le cedió el papel principal a uno de los mejores actores del cine español, Javier Bardem, quien tomó este reto del “Negro” con una historia dramática y sensible que por cuarta ocasión consecutiva se volvía a meter a la pelea por una estatuilla dorada. Al igual que su primer film y que Babel
competía por el galardón a mejor cinta de habla no inglesa. El año pasado estrenó su más reciente producción, Birdman, donde conjuntó diversas técnicas que lo acompañaron en sus primeras películas, logrando uno de los mejores montajes. Acompañando a la excelente historia estuvieron las actuaciones de Michael Keaton, Edward Norton, Emma Stone y Noami Watts. Y fue esta producción que lo consagró como uno de los mejores directores llevándose tres Oscares en la pasada entrega (guión, director y película). Pero su éxito no sólo está en sus largometrajes. Su aportación al cine incluye cortometrajes como Power Keg, film convocado por la empresa automotriz BMW, teniendo como protagonista a Clive Owen. Iñárritu no dejó de lado su visión sobre el dolor de la humanidad, de la sociedad misma que ha plasmado en cada una de sus cintas, misma que reflejó en la serie “11'09"01 - September 11” formada por mini relatos de lo sucedido en los ataques al World Trade Center en 2001. Pero hablar del cine de Iñárritu no es posible sin mencionar a dos artífices que lo han acompañado desde su primera película, el guionista y director Guillermo Arriaga y el músico argentino Gustavo Santaolalla, quienes ayudaron a darle forma a cada una de sus cintas..
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EMMANUEL LUBEZKI
LA MIRADA MEXICANA QUE CONQUISTA EL MUNDO por ERIC EDUARTE VILLA
Detrás de los reflectores de Cuarón e Iñárritu Emmanuel Lubezki demuestra que es el mexicano más ganador en estos dos años dentro del cine mundial.
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El mejor ojo de pájaro de la cinematografía actual pertenece a un hombre nacido en la ciudad de México de apodo “El Chivo” y de apellido Lubezki, y no es de sorprenderse que lleve un par de Oscares en las dos más recientes ediciones de los premios de la Academia. Por su amplia filmografía como fotógrafo, productor, director y sus siete nominaciones para la estatuilla dorada, su trabajo ha sido reconocido por los críticos del país con el mercado más difícil: Estados Unidos. Con estudios de historia en la UNAM y de cinematografía en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), Emmanuel inició su aventura en el séptimo arte con el cortometraje “Será por eso que la quiero tanto” de Carlos Marcovich en 1985. Tras haber saltado al largometraje en 1992 con la película Como agua para chocolate, comenzó el extenso camino del éxito al conseguir su primer galardón como director de fotografía llevándose el Ariel, repitiendo mismo premio en sus dos siguientes trabajos para las cintas Miroslava y Ámbar. Tras haber conquistado el cine nacional emigró hacia Estados Unidos, donde comenzaría una nueva etapa de su carrera artística haciendo notar la calidad de su visión con la cámara. En su primer filme en el extranjero recibió su primera nominación al Oscar por la película
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La princesita, dirigida por Alfonso Cuáron. A pesar de que no consiguió la estatuilla dorada el mejor premio estaba por venir. Le siguieron años gloriosos trabajando con directores de renombre mundial como Tim Burton, Michael Mann y Terrence Malick en cintas como Sleepy Hollow, The new world, To the Wonder, Niños del Hombre, El árbol de la vida, Grandes esperanzas, ¿Conoces a Joe Black?, El asesinato de Richard Nixon, Lemony Snickets: Una serie de eventos desafortunados, entre otras. Su visión en la imagen ha sido diversa con cada película donde ha estado presente pero en sus dos últimas intervenciones, tanto en Gravity como en Birdman, le dio el aspecto dramático a los emplazamientos con movimientos sutiles de cámara en mano, siempre manteniendo una limpieza visual en cuanto los encuadres y planos secuencias de larga duración. Con esto Emmanuel Lubezki se une al gran Gabriel Figueroa como uno de los máximos cinefotógrafos de la filmografía mexicana. Destacar también su tarea hecha con el director Terrence Malick en los filmes “The tree of life” y “To the Wonder” al usar tonalidades cálidas, haciéndolas acompañar por una cámara que asemeja tomas caseras sin serlo, manteniendo ese estilo sutil que lo caracteriza.
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El lenguaje de los machetes
Los amores postmodernos por ANDREI MALDONADO
Si algo caracteriza a la postmodernidad es su hartazgo sobre todo lo que le rodea: la sociedad, la cultura, la política. Un hartazgo en gran medida inmóvil, porque el hecho de desear cambiarlo ya es bastante molesto. Bajo esa condición el amor de Ray (Andrés Almeida) y Ramona (Jessy Bulbo) está presidido ante todo por la desgracia, aderezado por el enfado y perpetuado por el deseo fallido de la perduración.
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Ramona –que toma bastante de la propia Jessy- es una cantante underground emparejada con un anarquista de familia acomodada llamado Ray. Ambos –cada cual a su manera- se manifiestan en base a lo que tienen, pero todavía más de lo que carecen. Ella, hija de guerrillero, desea la estabilidad de una familia, pero no cualquier familia, sino una con Ray. Él, por su parte, odiando provenir de una vida cómoda desea encabezar revueltas sociales, lejos del hogar. Kyzza Terrazas consigue en esta obra ensamblar a la perfección la ficción de una realidad latente, de la cual todos somos no solo testigo sino también protagonistas ¿Qué hay detrás del que marcha, del que se inconforma? ¿Una rockera cuyo único futuro ideal es poder engendrar un hijo? ¿Un paria que quiere hacer estallar la Basílica de Guadalupe? ¿Una pareja que se consume a sí misma como una vela cuya flama inicia con intensidad pero que se apaga al momento?
La clave en El lenguaje de los machetes parece resumirse en una palabra: desencanto. Desde sus carencias personales son incapaces de completarse con lo que le ofrece el otro, pero tampoco existe la posibilidad de alejarse. Se entrelazan en un destino caótico impulsado por una pasión desenfrenada, un amor entregado de manera furtiva ante el inminente riesgo de desaparecer, de inmolarse ante los ojos de todos. Lejos de la primera impresión –la cual puede invitar a pensar de que se trata de otra historia de pornomiseria- El lenguaje de los machetes resulta una agridulce tragedia bien realizada gracias al trabajo no actoral de Jessy, que sorprende al no ser utilizada de manera oportunista como gancho del morbo. Todo lo contrario, su falta de malicia frente a la cámara termina siendo su mejor arma, mientras la vemos perder el maquillaje cuando canta “Muñequita sintética”.
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cine recomienda LOS INSÓLITOS PECES GATO por ERIC EDUARTE VILLA ¿Cuándo es el momento en que
realismo necesario para la trama de
apreciamos la vida? Siempre es
la película, sorprendiendo en gran
cuando surge algo, la mayoría de los
medida la actuación de Ximena Ayala
casos
la
y la experiencia de la ya reconocida
tragedia, entonces nos damos cuenta
Lisa Owen, junto a un elenco en
de lo que dejamos ir, de cuando fue
plena juventud pero que demuestran
posible convivir con ello y que no
que están creando una muy buena
quisimos porque creíamos que podría
generación dentro de la actuación del
haber más tiempo, sin ver que se
cine nacional.
viene
acompañado
de
estaba yendo poco a poco.
Galardonada con el premio Ariel de la
Un mensaje conmovedor el que nos
Academia
entrega la cinta de la mexicana
Ciencias Cinematográficas (AMACC)
Claudia Sainte-Luce “Los insólitos
como
Peces Gato”, mostrándonos el lado
dirección y mejor guión original, la
frágil de las personas y el amor hacia
cinta trata la soledad también como
quienes
manera
un tema trascendental, al igual que la
cercana. Un viaje para despedirse y
forma de cómo afrontarla estando y
disfrutar lo que se añoró por años,
conviviendo por un largo tiempo o
sufrir por dentro pero sin preocupar a
quizá para siempre con extraños que
los seres queridos con tal de entregar
se convierten en familia.
nos
rodean
de
esa felicidad de estar nuevamente a lado de ellos, disfrutando en familia los últimos días antes de partir
13
Mexicana
mejor
Claudia
supo
ópera
como
de
Artes
prima,
y
mejor
impactar
al
espectador y lo hizo a través de los sentimientos de nosotros mismos
La labor destacable dentro del film no
hacia los demás, una cinta que viene
sólo es esta historia que nos desnuda
a caer en el mejor momento donde
y deja a flote la sensibilidad del ser
más
humano hacia nuestros compañeros
estabilidad que necesitamos como
de esta vida, amigos, familiares,
sociedad misma, como humanos para
parejas, etc. También las excelentes
estar cerca de una de las cosas que
actuaciones le dan el dramatismo y
nos salvan como especie, el amor.
se
necesita
buscar
esa
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NOCHE
EN DURANGO por ERIC EDUARTE VILLA
Se presentó en Durango la noche CAI
Pero no sólo fue una hora para
con
los
admirar
los
cortometrajes que se realizaron en el
fílmicos
de
Campamento Audiovisual Itinerante
durangueños, también se tuvo al final
en su edición 2014, donde se tuvo la
de la exhibición una charla con los
participación del talento duranguense.
participantes
El
Oscar Fernández, María de Jesús
la
verano
proyección
pasado
se
de
logró
la
15
los
de
Rafael
materiales realizadores
nuestro
Ávila
Durango que se acompañarían en
expresaron
esta aventura cinematográfica de tres
anécdotas de la experiencia vivida,
semanas en la comunidad zapoteca
así como sus planes a futuro dentro
de Calpulalpan de Méndez, en la
del quehacer cinematográfico.
sus
Salvador
estado.
selección de los participantes de
Sierra Norte del Estado de Oaxaca.
y
nuevos
Aguirre
experiencias
y
Al tiempo los asistentes e invitados
La reunión cinéfila se dio en el Museo
no perdieron la oportunidad para
Regional de la UJED donde se dieron
aclarar sus dudas y saber más sobre
cita los tres jóvenes que acudieron al
este campamento que se realiza año
campamento del año pasado. La
con año. De igual manera los jóvenes
proyección incluyó los cortometrajes
realizadores hicieron la invitación a
La flor amarilla, Jarabe, Miradas y La
fomentar y hacer cine y sobre todo a
semilla que sembramos. Cada uno de
entrar
los trabajos mostrados reflejó la
campamento de este año que se
cultura y la naturaleza de ese estado
realizará del 11 de julio al 2 de agosto
sureño, que se conjuntaron con la
en el poblado de Santa Catarina
visión y las ideas de los participantes.
Lachatao, en el estado de Oaxaca.
a
la
convocatoria
del
El conglomerado cultural “The English Villains”, perteneciente a la Escuela de Lenguas de la Universidad Juárez del Estado de Durango, a través del Cineclub Universitario UJED, llevó a cabo una noche de proyección de cortometrajes de autores locales subtitulados al inglés para la práctica del idioma y de paso conocer más del séptimo arte. Los trabajos exhibidos en el Museo del Aguacate fueron “Sin retorno”, de Roberto Cárdenas, y “Alicia”, de Andrei Maldonado, así como “Para el amor de mi vida” y “Abigail” de jóvenes estudiantes pertenecientes a la Universidad José Vasconcelos, los cuales compartieron con los asistentes la experiencia de adentrarse al mundo del arte audiovisual. Benito González, fundador de “The English Villains”, compartió que el grupo cultural que encabeza continuará realizando acciones en favor de la cultura y el arte, con el objetivo de dar a conocer lo que se genera en Durango y de paso contribuir a que más personas aprendan directa e indirectamente un idioma tan básico hoy en día como lo es el inglés.
NOCHE DE CORTOS LOCALES
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la inocencia es una perversión por ANDREI MALDONADO
En su momento Freud acuñó el término de “perversidad poliforma” a la etapa que viven los niños hasta los cinco años, en la cual el centro del placer no se limita al área genital, sino que está presente en todo su ser. Para el padre del psicoanálisis el no desarrollar adecuadamente las etapas siguientes –oral, anal y fálicaconlleva a crear un adulto neurótico. Esta teoría dejaría en claro que más que vivir una “experiencia traumática” lo que afirma al infante es no perder el camino hacia las reglas sociales. En ese sentido la inocencia también sería una perversión. En Elisa antes del fin del mundo (1996), dirigida por el duranguense Juan Antonio de la Riva, esta condición lleva a Elisa a estar segura de que el fin del mundo se acerca. Basada en la crisis económica que atraviesa su familia y los argumentos apocalípticos de su padre, la niña llegará a la conclusión de que para sobrevivir la humanidad terminará comiendo cucarachas, por lo que debe asegurarse de que estas no desaparezcan.
Al mismo tiempo tendrá que asegurarse que su familia sobreviva el tiempo suficiente, por lo que habrá de hacerse de cualquier medio para proveer dinero. Cualquiera. De esta manera una polimorfa tardía –pues Elisa ronda los 9 años- derivará en una niña cuya línea entre inocencia y perversión se encuentra sumamente delgada. Junto a ella Paco –un chico de 15 hermano de una vándalo fallecido- y Miguel –vecino de 6 años enamorado de Elisa- emprenderán un viaje a lo que parece literalmente el fin del mundo. Con la actuación de unos jovencísimos Sherlyn e Imanol, bajo la guía de la experimentada Susana Zabaleta, este guión de Paula Marcovich nos asoma a un mundo donde por igual vemos a un niño extremadamente inocente hasta el que piensa salirse con la suya robando una juguetería. No es de extrañar que el mismísimo Roberto Gómez Bolaños haya producido esta cinta, pues por momentos parece que estamos viendo una versión cruda de su adorable El Chavo, donde las tortas de jamón son sustituidas por cucarachas y pistolas. Hay que entender a la perversidad no como una condición sobrenatural tendiente a la maldad, sino más bien como la propia naturaleza del hombre, puesto que el infante es un lienzo en blanco al nacer, susceptible a cualquier tinta que se impregne en él. Eso, adicionalmente al retrato de
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多EL DESTINO
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O LAS DESICIONES? por ANDREI MALDONADO
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¿Crees en el destino? ¿Qué te llevó a conocer a esa mujer ideal o a tu príncipe azul? ¿Fue que los dos estaban predestinados a conocerse? Si es así y los sueños se vuelven realidad ten cuidado, pues las pesadillas también son un tipo de sueño. En Amor, dolor y Viceversa (2008) de Alfonso Pineda Ulloa y basada en el cuento “Violonchelo” de Blas Valdez, el mundo onírico y la realidad se entrelazan en un drama-thriller relatado de manera no lineal sino fragmentado, en el cual Consuelo (Bárbara Mori) vive enamorada del hombre de sus sueños, mientras que Ricardo (Leonardo Sbaraglia) lleva noches enteras en vela porque en sus pesadillas siempre es asesinado por la misma mujer.
Ambos comienzan un peligroso juego en el cual el único desenlace posible es la tragedia. Este es un relato que nos deja claro que en vez de drama la clasificación para muchas cintas debería ser “tragedia”, pues nos remonta a Edipo, quien tratando de huir del destino profetizado por lo oráculos termina como la serpiente que se muerde la cola, siendo víctima de un futuro trazado quizá no por los dioses omnipresentes, sino más bien por obra de un demonio loco. Es cuando nos asaltan las inquietudes ¿Es verdad que nada podemos hacer ante el plan infinito del universo? ¿Será que son nuestras decisiones las que conforman el destino y no éste quien confabula para que tomemos ciertas determinaciones? Consuelo –que es todo menos eso en Ricardo- se volverá una pesadilla viviente para el hombre que la soñó, al que soñó, y con el que por diversas situaciones terminará compartiendo el mismo camino. Todo esto nos lleva a un cuestionamiento todavía mayor: y si supieras lo que te depara el destino ¿aun así elegirías tomar ese camino?
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DURANGO, TIERRA DEL CINE En Cinéfagos estamos convencidos de que Durango en verdad es la “Tierra del cine”, y para ello hemos montado una galería especial con los sitios más emblemáticos de la ciudad con referencia al séptimo arte.
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sets cinematográficos y paseos turísticos Villa del Oeste y Chupaderos ///fotografía ANDREI MALDONADO
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Paseo de las luminarias
La historia fílmica del estado de manera industrializada posee una antigüedad de más de 60 años en los cuales personajes como Anthony Quinn, John Wayne, Bulls Reynolds, Audrey Hepburn y Penélope Cruz, por mencionar algunos, han visitado tierras alacraneras para filmar grandes cintas. fotografía por ANDREI MALDONADO
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CINE ANTI GÜO fotografía por ANDREI MALDONADO
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¿Sabías qué...? El Multifamiliar Francisco Zarco fue utilizado como set de la película “Suave Patria” por su similitud con el Multifamiliar Benito Juárez de la Ciudad de México. fotografía por ANDREI MALDONADO
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LA CASA DE DOLORES DEL RÍO fotografía por ANDREI MALDONADO
Fue en Durango donde nació la más grande actriz del cine nacional y fue en la casona de Hidalgo y 20 de Noviembre donde la diva vivió.
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DGO Y SU CINE
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En Durango el cine y el deporte no están conflictuados, prueba de eso son estas pinturas afuera del estadio de fútbol Francisco Zarco fotografía por ANDREI MALDONADO
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Monumento que conmemora los 60 años del Cine en Durango //fotografía por ANDREI MALDONADO
Sala dedicada al cine en el Museo de la Ciudad //fotografĂa cortesĂa IMAC
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¿Dónde ven cine los duranguenses? Por supuesto que además de las salas comerciales Durango cuenta con salas de cine de arte y cineclubs en su bello Centro Histórico, pues para ser la Tierra del Cine no solo hay que saber hacerlo, sino también saber verlo.
Cineteca Municipal Silvestre Revueltas// foto: Diana Reyes
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Centro Revueltas CORE//
Museo Palacio de los Gurza//
fotografía: Diana Reyes
fotografía: Andrei Maldonado
Teatro Victoria//
Cineclub Korova//
fotografía: Ali Sandoval
fotografía: Eric Eduarte Villa
Cineclub Universitario// fotografía: Andrei Maldonado
Teatro Durango-IMSS// fotografía: Andrei Maldonado
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entrevista a
HUMBERTO BUSTO por SETH ÁLVAREZ fotografía JESICA RANGEL
Con motivo de la reciente presentación del corto La Teta de Botero tuve una pequeña entrevista con Humberto Busto, reconocido actor y director mexicano.
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Platícame un poco cómo llegaste al medio cinematográfico. La primera película que realicé fue Amores Perros. Desde siempre he querido dedicarme al cine en distintas áreas. Comencé como actor en ese proyecto gracias a un casting y el trabajo realizado en el CUT de la UNAM. ¿Cómo es tu proceso creativo como actor? Me gusta explorar las distintas aristas de un personaje, como si fueran vectores de un análisis personal, sobre los temas que le conciernen. Que todo se relacione con la creación del personaje: lecturas, exposiciones, películas, referencias. Y luego trabajando el guión, y entendiendo los fundamentos de carácter y necesidades vitales, para darle el motor a explorar dentro del set, en combinación con las especificaciones del director. ¿Quiénes son tus mexicanos favoritos?
actores
Roberto Sosa, Damián Alcázar, Juan Manuel Bernal, Damián Bichir.
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¿Y directores? Natalia Beristain, Marcelo Tobar, Alonso Ruizpalacios, Sebastián del Amo, Alejandro Andrade, muchos… El Incidente es una peli que está causando sensación en todo el mundo ¿podrías hablar un poco de ella? Es ciencia ficción existencial. Gente atrapada en el tiempo como metáfora de los propios obstáculos que nos ponemos los individuos para avanzar cuando nos quedamos estancados en algo que ocurrió en el pasado y no lo queremos soltar. ¿Cómo fue trabajar con el director Issac Ezban? Se ha convertido en un gran amigo con el que me gusta disfrutar de buenas pláticas sobre el cine. Es un apasionado de la construcción narrativa y tiene un mundo desorbitadamente genial de ideas frescas.
¿Cómo fue tu transición de actor a director?
¿Cómo nació la idea de tu primer corto Hasta la Ciruela Pasa?
Estudiando cine lo surtimos años, mientras trabajaba como actor. Ahora al combinarlo me parece un proceso integral, porque nunca he pensado las películas exclusivamente desde el punto de vista actoral. Amo la maquinaria que la conforma y las dificultades de tantas coordenadas en una sola dirección.
A partir de los principios de Alzheimer de mi abuela y la muerte de mi mejor amiga, que estuvo en coma una semana antes de partir.
¿Qué es lo que más te gusta de la dirección? Trabajar con la gente y los actores en particular. Contar lo que realmente deseo comunicar. Tener posibilidad de creer en mi visión del mundo. Aprender nuevos roles. Saber escuchar mejor. ¿Y qué onda con los guiones? ¿También le pegas a la escritura? Algunos sí. Dependiendo de lo que tenga necesidad de contar. Ahora también estoy trabajando con varios guionistas jóvenes, para no acabar repitiéndome sin darme cuenta.
Platícame sobre La Teta de Botero Nació de la posibilidad de transformar sucesos clínicos reales, que me habían ocurrido a mí y a Patricia Reyes Spíndola, principalmente con el cáncer de mama del que es sobreviviente. Quería contar una historia donde la gente que ha tenido alguna pérdida o enfermedad pueda tener un espejo y transmutar sus vivencias sintiéndose menos solos. Muy interesante, hay que verla. Tus próximos planes. Postproducir mi siguiente corto llamado HULKITA, estrenar El Incidente, filmar una película española sobre el asesinato de Trotsky, dirigir un unipersonal en teatro, estrenar una obra llamada DESTINY en la Gruta a finales de mayo.
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me gusta que mis historias tengan un sustento en la realidad
OMAR DENEB JUÁREZ
por SETH ÁLVAREZ fotografía ALFREDO OCHOA
Omar Deneb Juárez, originario de Colima, es un joven director cinematográfico con el que hace unos meses escribí un cortometraje. Tuvimos una pequeña charla donde me comentó, entre otras cosas, sus próximos proyectos. 41
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Platícame un poco como fue tu acercamiento al medio cinematográfico. Mi gusto por el cine empezó desde muy temprana edad. Desde niño me gusta ver películas, tanto independientes como comerciales. Pero fue hasta que tuve 12 años que descubrí que se podía estudiar para ser cineasta. Fue entonces que decidí que quería ser director, desde entonces me preparo todos los días. Veo muchas películas, leo libros y practico constantemente con mi cámara. No hubo nada en especial que me haya influenciado a querer ser cineasta. En mi familia nadie se dedica a eso. Simplemente fue algo que fue creciendo poco a poco en mí. ¿Y cómo reaccionó tu familia cuando te decidiste completamente por esta carrera? Para mi sorpresa todos lo recibieron muy bien; en especial mi papá que siempre me apoya. En ocasiones he tenido dudas sobre si este es el camino correcto, pero él siempre me anima para que continúe buscando mi sueño. ¿Dónde estudiaste cine? En la Universidad de Audiovisuales (CAAV) Guadalajara.
Medios en
¿Cuál es tu proceso creativo? Todos los proyectos en los que he estado he sido guionista y director.
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En realidad nunca me siento en mi escritorio a pensar “¿Qué voy a escribir?” Por lo general las historias llegan solas a mi cabeza, ya sea por una noticia que leí en el periódico o por una historia que me contaron. Me gusta mucho que mis historias tengan un sustento en la realidad. A la hora de dirigir soy mucho más ordenado. Siempre trato de seguir al pie de la letra el guion técnico y el shot list que realizo en pre-producción, aunque también en ocasiones me gusta improvisar. Tienes dos cortos realizados, Jonás, que ganó el Festival de Colima de Cine 2013, y Tv Boy, que quedó seleccionado en el mismo festival en 2014 ¿Cómo fue la experiencia en estos proyectos? Ambos fueron un proceso de aprendizaje constante. En Jonás, mi primer cortometraje, todo fue mucho más sencillo. Solamente teníamos dos actores y en el equipo de producción habíamos solo cinco personas. Todo fluyó a la perfección. En Tv Boy fue muy diferente, tuvimos que trabajar con más de 50 extras y más de 10 locaciones. Por momentos fue un caos, pero nunca perdimos la fe en el proyecto y las ganas de trascender. Afortunadamente los dos fueron muy bien recibidos por la gente y eso es lo que hace que valga la pena todo.
¿Qué directores mexicanos son tus favoritos?
Leopo. Vamos a grabar en El Terrero y en Cuauhtémoc, Colima.
Hay muchos que me gustan, me parece que estamos en una época de buen cine mexicano. Creo que entre mis favoritos están Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón, Carlos Reygadas y últimamente me gusta mucho el cine de Fernando Eimbcke.
Y ¿Hay algún otro proyecto?
Pronto trabajarás con dos actores muy importantes, Krystian Ferrer y Alberto Trujillo ¿Con quién más te gustaría trabajar? Me gustaría mucho trabajar con Tenoch Huerta, creo que actualmente es el mejor actor mexicano. Me gusta todo lo que ha hecho. Otro actor al que admiro es Damián Alcázar. Excelentes actores. Bueno, no sé si puedas hablar un poco de tu próximo proyecto. Actualmente trabajo en un corto que llevará por nombre El Ocaso de Juan, el cuál escribí contigo. Será protagonizado por Kristyan Ferrer y Alberto Trujillo. El cortometraje es producido por Sauce Negro Films, mi productora. En él está trabajando mucha gente talentosa del estado como Erivan Marx, Camilo Galván, Estibaliz Valdivia, Leobardo Juárez, Alfredo Ochoa y Carlos Virgilio Mendoza. Además, en la dirección de fotografía tendremos a Octavio Arauz, el cual hizo la fotografía de Somos Mari Pepa, película de Samuel Kishi
Éste año voy a realizar un cortometraje documental sobre la vida de Mitchell Ventura Fishgold, ciudadano inglés que al tratar de evitar un robo fue asesinado a las afueras de un centro comercial en Colima. También, junto con mi productora, estamos preparando un festival de cine independiente; tenemos pensado realizar la primera edición a principios de 2016. Genial. Y ¿Para cuándo te animas por un largometraje? Espero poder tenerlo en un par de años. De hecho después de éste corto que tengo en puerta he pensado en dedicarme a escribir una idea que tengo para un largometraje. Luego buscar financiamiento y producirlo. En 2 o 3 años espero poder tenerlo listo, es mi sueño. ¿Como ves el panorama cinematográfico en Colima? Me parece que hay buenos intentos y que cada vez hay más gente que se interesa por hacer cine, pero aún nos falta mucho. La mayoría de nuestros trabajos se quedan en el estado. Creo que es momento de que empecemos a producir trabajos con la suficiente calidad para entrar a cualquier festival nacional, y eso solo se logra estudiando, practicando y viendo mucho cine.
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Carlos Enrique Taboada
LA FORMA ARTÍSTICA DEL HORROR MEXICANO por ERIC EDUARTE VILLA
Taboada supo quitarles el sueño a nuestros padres y abuelos cuando finalizaban de ver sus películas.
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Cuando se salía tarde del cine, cuando el ocaso aparecía por encima de las calles desoladas y los faros iluminaban apenas algunos rincones de esa oscuridad que se avecinaba, cualquiera podía imaginar mil cosas aterradoras que pudiesen ocurrir en el camino a casa, después de salir de la sala, de haber presenciado la historia del niño Hugo o de aquel internado con aquella chica de mirada diabólica. Lo que menos se quería era toparse con un gato negro al pasar de noche por esas enormes casas del siglo pasado. El terror no ha sido el fuerte para el cine nacional. Contadas son las películas que sobresalen en este género, pero cuando hablamos sobre el tema es difícil no mencionar a Carlos Enrique Taboada, quien marcó una buena época para el cine de horror de nuestro país. Su atmósfera sombría y alejada de la urbanización le daba ese aspecto tétrico necesario para sentirse poseído por rincones oscuros de bosques o casas alejadas. La arquitectura de sus locaciones jugaba con el encanto espeluznante de sus historias. El personaje de Hugo, por ejemplo, aterró a miles de espectadores durante un largo tiempo. La mayoría de los cinéfilos de aquellos años no pueden dejar de pensar en El Libro de Piedra cada vez que se encuentran con alguna estatua de niño o escuchar en silencio el sonido del viento en alguna calle gris
ausente de luz de sol un domingo por la tarde cuando nadie habita esas arboladas y desérticas veredas. Aunque su trilogía Más negro que la noche-El libro de piedra-Hasta el viento tiene miedo son sus trabajos más reconocidos, no hay que olvidar Rapiña, La guerra santa y Veneno para las hadas, su última cinta de horror que lo regresó al éxito que había tenido en sus primeras películas, valiéndole 4 premios Ariel en 1984, destacando en las categorías a mejor película y mejor director, pero fue además la cinta que le dio el adiós al cine, dedicando sus últimos años de vida a la televisión, escribiendo, produciendo y dirigiendo capítulos de la serie Telaraña. Carlos dejó un gran legado cinematográfico al grado en que directores como Guillermo del Toro, Quentin Tarantino y Daniel Gruener entre otros han mencionado tener una fuerte influencia de Taboada para sus películas. El cine de Taboada se volvió de culto para nuestra industria nacional. Hoy han existido intentos de crear y retomar lo que se prometía décadas atrás con este género, películas que buscan evocar a estos grandes clásicos, pero que no han logrado trascender como lo hicieron directores como Carlos.
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los amantes del círculo polar
¿LA CASUALIDAD O LA CAUSALIDAD?
Coincidir en espacio y tiempo. Pensar qué habría pasado si uno decide ir a la derecha y no a la izquierda. Si un compañero no hubiese volado el balón al otro lado de la barda tal vez nunca habríamos conocido a esa persona que nos cambiaría la vida, de
la
que
Seguiríamos
nos
enamoraremos.
nuestro
camino
que
hemos trazado sin darnos cuenta que ahí se encontraba a lado o detrás de nosotros
ese
ser
que
alteraría
nuestros sentidos y el curso de nuestro andar.
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por ERIC EDUARTE VILLA
Pero cuando surge ese encuentro
de unión sin poderse tocar sabiendo
queda ahora ir en su camino, ya no
que son el uno para el otro.
podemos desprendernos de él o de ella. Aunque no quisiéramos sentimos que esa persona es nuestro destino. Entonces el amor se vuelve hermoso y peligroso. Pero si de verdad existe un lazo entre uno y esa persona se dice que en algún punto, en algún momento
de
nuestras
vidas,
tendremos que conocer y quedarnos
No es una película de amor, es una tragedia de amor de la mente del cineasta español Julio Medem (Lucia y el sexo, Habitación en Roma). No es
para
enamorarse,
es
para
comprender el amor y sentir más nostalgia por esa persona especial que vive en nosotros sin nosotros.
a lado de ella para siempre, sin
Una apasionada y secreta historia de
importar qué distancias lleguen a
amor contada por sus protagonistas,
cruzarse entre los dos, podemos
Ana y Otto, desde los ocho años
perseguirla hasta el círculo polar
hasta
porque realmente ese destino nos
momento en que a la salida del
dice, a ambos, que nos debemos
colegio sus vidas se entrelazan para
volver a encontrar.
iniciar una historia que volverá una y
Pero nada es para siempre y sí, existen cosas que nos separarán un día de esa persona y hará lo posible
los
veinticinco.
Desde
el
otra vez a encontrase en el círculo polar, donde el sol de media noche ilumina el amor de una pareja.
por mantenernos separados por la “eternidad”. La muerte incluso no
FICHA TÉCNICA:
descansará
Director: Julio Medem
para
intervenir.
Ser
amantes no significa que se tenga que serle fiel a otra persona para serlo, ser amantes son dos personas que buscan estar juntos y que no pueden estarlo por algún capricho del destino,
de
mantenerlos
Año de producción: 1998 País: España Género: Drama Clasificación: B15 Cast: Najwa Nimri (Ana) y Fele Martínez (Otto)
sólo
enamorados, bailando en ese ritual
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W H I P LAS H de m煤sica y obsesi贸n
por ANNA CAROLINA RUELAS
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Birdman; Esa película que si bien para algunos (y me incluyo) dejó la satisfacción de que el dinero en taquilla había valido la pena, para otros cuantos haters fue “La inesperada pretensión de la ignorancia”, cosa que ya no sorprende hoy en día en las redes, aunque lo que sí me atrapó fue un comentario bastante simplón en el cual, cito: “Parece que pusieron a un baterista a improvisar por dos horas, y solamente le subían al volumen en la película cada que algo ‘interesante’ estaba por suceder…Cosa que nunca pasó”. No duele leer que para varios no les haya parecido interesante la película, pero lo que sí me dejó cavilando fue: ¿realmente Iñárritu hizo un buen trabajo en el área de sonido original? Aunque etimológicamente “Jam” e “improvisación” no necesariamente se refieren a lo mismo (y casi-casi es solo porque el jam session está directamente influenciado por jazz) ¿Cómo reconocer la diferencia entre improvisación y perfectos tiempos marcados en un baterista de orquesta de jazz? Bueno pues con todo y mis obligatorios redobles de tambores (nótese mi intento de chiste) llega a mi vida Whiplash. Película dirigida por Damien Chazelle, joven de 30 años quien en 2005 presentó su opera prima Guy
and Madeline on a Park Bench, la cual también lleva una trama relacionada con el jazz, Whiplash se estrenó en Estados Unidos en 2014, pero en México nos tocó verla en cines hasta enero de este 2015. Durante un año Chazelle reveló este épico homenaje a la efusión que algunos músicos pueden llegar a experimentar e incluso tener que sobrevivir cuando se trata de ser el mejor en su categoría e instrumento. Diríamos que justo es donde se encuentra el meollo del asunto en este filme: supervivencia del más fuerte. Cuando conocemos al personaje principal, Andrew Neyman (Miles Teller), estudiante de batería en el mejor colegio de música en el país, es imposible no percibir la calidad y el prestigio de tal conservatorio desde el minuto 2:00, cuando conoces a su antagónico el director de música Terrence Fletcher (J. K. Simmons). Fletcher es el talentoso director de una de las mejores orquestas de jazz, el cual no se tentará el corazón con Neyman ni con algún otro estudiante que pudiera estropear su tempo, mucho menos su conjunto, sobrepasando los límites entre estudiante y profesor. J.K. Simmons muestra el verdadero coraje y disciplina que se requiere para ser el mejor.
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Es aquí donde digo que la palabra sobrevivir es parte vital de esta película, la cual nos habla de la pasión en personas que logran transmutar el sentimiento de supervivencia, pasando de lo que podría ser para algunos un “hobbie”, para otros pocos, pero mucho más clavados, el ‘todo o nada’ en su carrera. En un mundo de ridículos excesos y grandes carencias, la pasión podría ser el único escape coherente a las necesidades emocionales y materiales de un joven ermitaño que tiene en sus manos una oportunidad de demostrar su talento y cambiar la historia.
de los Oscars se llevó el galardón a mejor mezcla de sonido, mejor edición de sonido y mejor actor de reparto. Con o sin galardones, esta película se quedará para el recuerdo como uno de los mejores largometrajes dedicados al Jazz en lo que sería esta última década, pero sobre todo a los estudiantes que dedican horas de estudio, practica y hasta lágrimas en su carrera por la tan excitante y valorada vida de un músico de primer nivel. Simplemente apasionante. J.K. Simmons; Reparto.
Mejor Actor de
Es así como Chazelle nos deja con este tipo de reflexiones al terminar los 160 minutos de este largometraje que inicialmente nació como corto de 18 minutos y antes de eso concebido como 85 páginas que entraron en el 2012 a “The Black List” (una selección de lo mejor en guiones que aún no hemos visto, o sabremos si veremos).
Desde el editor del periódico neoyorquino que contrata y despide siempre a Peter Parker en cualquiera de las películas de Spiderman, hasta el papá de la adolescente embarazada en Juno; J.K. ha participado en diferentes tipos de proyectos en su carrera, ahora consolidándose como uno de esos actores “camaleónicos”.
Merecidas casi 90 nominaciones al redor de 40 organizaciones entre festivales y crítica estadounidense y extranjera, destacando como ganador a mejor actor de reparto, mejor película, mejor guión original y mejor director. Aclamada por la audiencia y ganando el gran premio del jurado, Damien sale de Sundance con excelente aceptación. Y en la entrega
Aunque bastante establecido en su zona de confort al momento de tomar nuevos roles, logra en Whiplash sacarse el estigma de actor de televisión, logrando ganar el reconocimiento de sus colegas en los Screen Actors Guild Awards, llevándose la estatuilla por Mejor Actor de Reparto.
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Damon Albarn
por ITZEL MALDONADO
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Primeramente es debido decir que es uno de mis álbumes favoritos. Este es un trabajo solista creado por el compositor y músico Damon Albarn, vocalista de la popular banda británica Blur. Si bien este proyecto creado en 2014 fue hecho con un solo fin, me permito y me doy la oportunidad para hablar de una manera más profunda acerca de la vida que llevó a Damon a ser el gran músico que es ahora. Como se sabe este británico ha tenido un sinfín de proyectos. Ejemplo de esto son nada más y nada menos que la banda britpop Blur, en la que trabajó por dos décadas junto con el guitarrista Graham Coxon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree. Otro gran trabajo que sin duda alguna consiguió gran éxito en cuanto salió a la venta el primer álbum fue Gorillaz, la primer y más exitosa banda virtual que el mundo jamás haya conocido. Este grupo está conformado por las animaciones de 2-D (vocalista) Murdoc Niccals (bajista y líder de la banda), Russel Hobbs (baterista) y Noodle (guitarrista). Y claro, Damon no pudo haberlo hecho solo, contó con el apoyo en diseño y animación de personajes de Jaime Hewlett. Otro proyecto más de Damon surge con el nombre de ''The Good, The Bad And The Queen'', que sin duda alguna podemos notar que este trabajo tiene bastante parecido a su
álbum solista. Ahora, como bien dice el titulo de esta nota, hablemos más acerca de este disco. ''Everyday Robots'' sin duda alguna es y seguirá siendo un gran éxito musical y no solo por quien es su creador, sino porque este disco va de la mano con 12 tracks que se pueden apreciar de una forma tranquila. Si te das la oportunidad de escucharlas tu cuerpo sentirá en un solo momento lo que quieren expresar las canciones. Las melodías te harán vibrar, soñar despierto y tranquilizarte por un momento. Este disco es, sin duda alguna, una verdadera representación de toda una vida de esfuerzo. Personalmente considero que las mejores canciones del disco son ''Everyday Robots'' -tema que nos habla de cómo el ser humano se deja llevar por las cosas electrónicas que nos rodean-, ''Hostiles'' y “The Selfish Giant'' -las canciones más melancólicas en las cuales Damon demostró msyor esfuerzo- y no podía faltar ''Heavy Seas Of Love'', la cual da cierre y nos presenta una pequeña lección que deja ese sabor de boca de ''quiero más''. Este álbum da a entender que Damon no parará de hacer arte, de expresar a través de canciones su amor por la música. No me queda más que decir ¡Gracias Damon! esperaremos con ansias el siguiente álbum solista.
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La carta Mr. Albarn: Primero que nada déjeme decirle que es alguien a quien admiro mucho ¿Y por qué? Por su forma de pensar, la forma en cómo expresa a través de canciones su amor por la música. Cada uno de sus proyectos son muy buenos y todos han tenido mucho éxito. Tanto Blur, Gorillaz, The Good The Bad and The Queen y otros tantos proyectos que ha hecho son dignos de admirar. En estos momentos lo que en verdad me dejó sin palabras fue su álbum solo ''Everyday Robots''. Cada una de las canciones tiene algo que impacta, que hace que cada una de las emociones emitidas llegue rápidamente a nosotros y gocemos de ello, o al menos a mi parecer es lo que produce en cada uno de sus fans. Otra cosa que admiro mucho es su talento musical, que no para, siempre inquieto, jamás deja de crear música ¿Cómo es posible que todo lo que se proponga le salga bien? ¿Cómo? De verdad es algo increíble. No me queda más que decir, siga así, siga con esas ganas, y yo, como tantos fans que lo admiramos, esperamos más creaciones de una mente tan brillante como la suya. Le deseo felicidad y espero algún día lograr todo lo que me he propuesto así como usted lo ha hecho.
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