No. 15 may.-jun. 2015 Edición Bimestral
Edición especial de aniversario -Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango -Homenaje a Luis Buñuel -57 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca -Encuentro Iberoamericano de Escritores Cinematográficos Reseñas: -Perdidos en Tokio -Boyhood Eventos: -Cine en los Gurza -Ensayo fílmico de Juan Antonio de la Riva -El salón de la superstición Entrevistas: -Ricardo Benet -Luis Martín Gerardo Especial: -El Batman de Nolan
Además: La afección de la música - La butaca del cácaro - El regreso de Blur
Editorial
Cinéfagos ¿hasta cuándo?
Alimentándonos del séptimo arte
DIRECTORIO En alguna ocasión Arturo Perales, amigo del Cineclub Korova junto a Erik Camarillo y el coordinador editorial de esta revista Eric Villa, me preguntó al aire en su hoy tristemente extinto programa de televisión on line: “¿hasta cuándo Cinéfagos?, ¿hasta dónde quieren llegar?”. En esa ocasión he de confesar que la pregunta me cayó de sorpresa y aún hoy me sorprende lo que le respondí: “hasta que alguien haga una mejor revista, hasta cuando ya no seamos necesarios”. Y sí, en efecto, esa es todavía hoy la perdurabilidad de Cinéfagos. Porque créanme cuando les digo que no hay ningún otro objetivo para nosotros más que compartir el cine que nos gusta y darle un espacio a todas las actividades relacionadas con el cine en nuestra ciudad. Por lo que el día en que alguien haga eso de mejor manera que nosotros y los lectores ya no necesiten de nuestro servicio, entonces, ese día, con gusto nos haremos a un lado. Pero hasta que no llegue ese día esta revista, contra viento y marea, seguirá en pie. Seguirá dando lo mejor de sí con la firme convicción de contribuir con un granito de arena en la consolidación de Durango como la “tierra del cine”. Lo sabemos: no somos los únicos y mucho menos los mejores, y lo que hacemos no es nada del otro mundo. Sin embargo siempre nos vamos a dormir con la satisfacción de que, por ese día,
hicimos cuanto estuvo en nuestras manos. Porque el cine es, primordialmente, un arte escrito. Es en la palabra gráfica el que las ideas que vuelan en nuestras mentes aterrizan en el suelo firme del papel en forma de guión y ahí, solamente ahí, inicia en verdad el arte de relatar historias por medio de imágenes en movimiento. Por eso nos sentimos orgullosos de cumplir otro año más, vigentes en todos ustedes ¿mejor, peor que el primer aniversario? No lo sabemos, júzguennos. Por lo pronto no nos queda más que agradecer a cada uno de los colaboradores que han hecho posible estos dos años, quien escribió, quien nos compartió sus fotografías, los que nos recomendaron, los que leyeron y compartieron. Los que nos dedicaron palabras y a quienes puntualmente nos hicieron ver nuestros errores. De verdad no alcanza –irónicamentepalabras para agradecerles toda la alegría que nos da sabernos leídos por sus ojos.
Director General Andrei Maldonado Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa Colaboradores Seth Álvarez Juan José Antuna Ismael Campos Itzel Maldonado Fotografía Andrei Maldonado Eric Eduarte Villa Fotografía externa Jorge Sandoval Fabrizio Cadena IMAC ICED Cortesía Diseño Andrei Maldonado
www.revistacinefagos.blogspot.mx
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@revistacinefagos
Andrei Maldonado
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Contenido
Festival del Nuevo Cine Mexicano...
3 Homenaje a Buñuel...10
ADEMÁS Cine en Los Gurza... 9 El salón de la superstición... 15 Leviathan... 17 Fuerza Mayor...19 Güeros...21 Iván Delhumeau... 25 Luis Martín Gerardo... 29 Encuentro de Escritores Cinematográficos... 35 Entrevista a Ricardo Benet... 39 El Batman de Nolan... 45 Perdidos en Tokio... 51 Boyhood... 55 El regreso de Blur... 57 La afección de la música.. 63
Rumbo al
FESTIVAL DEL NUEVO CINE MEXICANO DE DURANGO por ERIC EDUARTE VILLA
3
Una vez más la ciudad de Durango
Durango”,
correrá a 24 cuadros por segundo. La
preparándose y no tardaron en enviar
espera de una año a finalizado para
sus solicitudes a los diversos talleres
los miles de cinéfilos de esta ciudad,
que se convocaron, así como ser
quienes se quedaron con un grato
parte del Jurado Joven. Muchos
sabor de boca en el Festival de Cine
estudiantes se animaron a participar y
Mexicano
Las
vivir una experiencia única que desde
nostalgias empezaron después de la
hace siete años podemos presumir el
clausura, prometiéndose estar en
tener un festival de cine.
2015
del
de
año
pasado.
nuevo
admirando,
La fama tiene un precio, siempre lo apreciando, disfrutando y ha tenido. Y no, lanoexperiencia solo son las compartiendo del apuestas, el alcohol o las drogas. No séptimo arte con compañeros, es solo los sacrificios personales o amigos y con todos los visitantes de emocionales. El mayor precio que se directores, tieneotros que estados; pagar poractores, la fama es que esta fiesta del cine al que se vive esta etc, es aefímera, conlleva olvido y, al año porcolectivo, cuatro largos días.o parauna el vez imaginario nada poco tiene que ver con el arte. A muy poco tiempo de iniciar la séptima
edición
del
Festival
del
En
otros
entrevista
coordinador
buscan
para
del
seguir
Cinéfagos
festival
de
el
cine
mexicano, Christian Sida-Valenzuela, nos habló de lo que se aproxima a este festival, que en este año hará un homenaje
al
cineasta
aragonés
nacionalizado mexicano Luis Buñuel. ¿Qué podemos esperar de esta nueva edición del FCM?
la
El festival tiene una estructura que ya
efervescencia cinematográfica no se
es muy sólida y que no nos hemos
hizo
salido de ella, que son primeros y
Nuevo
Cine
esperar
Mexicano,
desde
que
se
de las primeras convocatorias para el
segundos largometrajes de directores MALDONADO mexicanos porenANDREI competencia, fotografía CORTESÍA cortometrajes nacionales,
festival la participación de los jóvenes
cortometrajes
se hizo notar inmediatamente. Sus
charlas. Y es una estructura que ya
ganas de formar parte de este
maneja el festival, para que ante todo
certamen
sea
anunciaron las fechas para esta nueva edición. Desde el lanzamiento
los
llevó
a
producir
cortometrajes para integrarse a la
un
locales,
festival
sólido
talleres
que
y
se
mantenga.
competencia oficial de “Hecho en
44
¿Qué habrá de novedad en este festival? El festival este año se dedica al cineasta aragonés Luis Buñuel, quien filmó la gran mayoría de su cine aquí en México, habrá charlas magistrales sobre la obra de él, funciones de su cine, se dedicará mucho a la obra del cineasta hispano-mexicano. ¿Por qué se decidió hacer el homenaje a Luis Buñuel? Viene de la idea de que el año pasado se cumplió un centenario del natalicio del escritor duranguense y también guionista José Revueltas. Él fue co-guionista junto a Buñuel en la cinta: “La ilusión viaja en tranvía”, entonces de ahí nació la idea de presentar esa película como una función de gala, lo cual vamos hacer. Y con una relación que yo tengo con el director de la casa Buñuel de España hubo el vínculo con él para que pudiera venir por medio de la embajada España-México, así que creamos diferentes aspectos entorno a Luis Buñuel y a José Revueltas, y es por eso que lo llevamos a cabo.
5
¿Cómo va la participación de los
en la programación, que no siempre
jóvenes en este festival?
se puede cumplir porque no hay
El festival se ha caracterizado por ser un festival de muchos jóvenes, hay un Jurado joven que lo integran 25 estudiantes de la ciudad de Durango, también hay talleres de formación. La
tantas películas mexicanas que más que todo reúnan la calidad que creemos que es necesaria para que estén en el festival, pero es una programación pequeña.
participación de los jóvenes es muy
Son
importante, el festival está abierto
competencia,
para toda la audiencia pero lo han
documentales, como “Matria”, que
ganado los jóvenes, así que para
ganó el Festival de Cine de Morelia a
nosotros esa interacción que haya
mejor documental, el documental “La
mediante talleres y los diálogos con
danza del Hipocampo”, que ha estado
los directores es muy importante.
seleccionado
¿Qué películas vienen al festival? Tenemos
siete
siete
largometrajes tres
en
de
en ellos
Guadalajara
y
Morelia, y el documental “Made in Bangkok”, que ganó el premio de la
largometrajes
prensa en el Festival de Guadalajara.
mexicanos en competencia, el festival
En los otros cuatro que respecta a la
no
decir
ficción viene la película “Me quedo
presentamos cine documental y cine
contigo” y “Los muertos”, ambas
de ficción en la misma sección, son
ganaron en el pasado Festival de
siete
que
Cine de la Rivera Maya, “Filosofía
tratamos de presentar es que sea un
natural del amor” y la “Asteroide”,
cine innovador, no muy personal que
todas son un poco diferentes del cine
sólo sea para un nicho de cinéfilos,
mexicano
que sea un cine más abierto pero que
acostumbrados a ver.
distingue
películas
géneros,
distintas.
es
Lo
que
estamos
sea un cine descubridor, arriesgado, un cine mexicano contemporáneo que rompa los clichés de lo que estamos acostumbrados a ver. Esa es más o menos la base que tenemos
6
Christian añadió que en esta nueva edición del FCM la participación de los cortometrajes inscritos fue mayor con relación al año pasado tanto en la categoría de cortometrajes nacionales así como en la sección “Hecho en Durango”. Los cortometrajes nacionales que vienen a competir son: 400 Maletas, Zimbo, Tome la pistola y comience a despachar, Nunca Regreses, La tierra vacía, Huellas y Trémulo. Y en la selección “Hecho en Durango” se incrementó a nuelosve cortos participantes a diferencia de los seis del certamen anterior, los que estarán en competición son: Dur Labour, S/N° Sin Número, Zänä, El Bunker, Come and See, Ni aquí ni allá, Eve, Ceremonia y 1:100. Christian comentó que la calidad de los trabajos recibidos es mucho mejor que la de los proyectados hace un año, esto nos habla que cada vez los jóvenes duranguenses buscan exprimirle lo más que se pueda a la buena calidad de sus proyectos. En cuanto a los a las actividades externas a la exhibición en competencia se contará con cuatro talleres de capacitación en la áreas de crítica cinematográfica, que se realizará por segundo año consecutivo y que nuevamente lo impartirá el crítico y fundador de la página CineGarage Erik Estrada, el taller de guión para cine impartido por Sofía Gómez quien es co-guionista
7
de la película Somos Mari Pepa, cinta que ganó el premio del público el anterior festival de cine mexicano; el taller de acercamiento a la actuación cinematográfica que será impartido por Mónica Del Carmen, actriz ganadora del Ariel por la cinta Año Bisiesto; y el taller de ¿Cómo hacer cine con bajo presupuesto? impartido por Julio Hernández Cordón, quien lleva un pequeña pero bastante premiada filmografía en diversos festivales y que actualmente da la cátedra de dirección en el Taller Cinematográfico de la productora Mantarraya de México. Añadiéndose a estas actividades se ofrecerán las charlas magistrales entorno a la obra fílmica de Luis Buñuel, que serán dadas por Javier Espada, quien es el director de la Casa Buñuel en España
8
CINE EN BREVE EN EL PALACIO DE LOS GURZA
́Durango es conocida como la tierra del cine, cada vez mas jovenes de la entidad se dan a la tarea de experimentar y realizar sus propias producciones, tal es el caso de Itzel ́Anahı Gonzalez y Fabiola Vargas, estudiantes del 6° semestre de la Carrera de ciencias ́y tecnicas de la comunicacion de la Universidad Autonoma de Durango (UAD); quienes como parte del programa Cultural las artes en el Palacio de los Gurza ́presentaron en la proyeccion “Cine en breve”, — ćoordinada por el tambien estudiante de comunicácion Joseph Gonzalez—, una serie de cortometrajes de su ́creacion. ́Con los cortometrajes Sionismo, Ghaffar, Reflejo, Sentı que lo ame, quedate en mı y No ́̃estoy bien y esta bien. Itzel y Fabiola, y sus companeros de la carrera, demostraron ́que existe talento para la produccion cinematografica en los estudiantes locales, ilustrando historias que iban desde conflicto de palestina, romances terminados en ́tragedia, adaptaciones a la obra de Edgar Allan Poe, suspenso psicologico y trastornos ́emocionales. Durante esta actividad los jovenes creadores compartieron experiencias, difícultades y el proceso de creacion de sus trabajos fılmicos; recibiendo elogios y ́felicitaciones por parte del numeroso publico presente durante el espacio de comentarios y preguntas. cortesía ICED
HOMENAJE A
LUIS BUÑUEL por ANDREI MALDONADO y ERIC EDUARTE VILLA
10
El ángel exterminador
¿Qué nos retiene? por ANDREI MALDONADO
Charlando en una ocasión con el gran maestro Juan Antonio de la Riva comentábamos acerca del aporte de cineastas extranjeros a la filmografía nacional. Salieron a relucir personajes como Arcady Boytler o Sergei Eisenstein y, obviamente, el trabajo de Luis Buñuel. Afirmaba Juan Antonio que fue el español el que mejor entendió el cine mexicano, y lejos de querer implementar forzadamente el surrealismo que Bretón buscaba con ahínco en la pintura de Frida Kahlo, Buñuel consiguió tomar los elementos que tenía a la mano –actores, recursos, escenarios- y entregar a México y al mundo una filmografía llena de metáforas, pero también de realidades. Y, sin temor a errar, puedo asegurar que es El ángel exterminador (1962) la obra que mayor resalta este hecho. En primer lugar porque, a pesar de evidenciar claramente a una sociedad burguesa, la historia podría ocurrir por igual en la Condesa o en la Roma como en los barrios más acaudalados de Londres o Nueva York. En segundo término su desarrollo como obra coral, donde cada personaje es tanto incidental como protagónico, permite llevar un ritmo constante no lineal del absurdo –más no incoherente- hecho de no poder abandonar una mansión por más que se desee, y sin que nadie pueda entrar en ella, sin razón aparente.
11
Buñuel plasma con un sentido narrativo más que crítico los extremos de una humanidad al borde de la animalidad, del caos siempre presente en el orden y de lo innecesario de las etiquetas que la sociedad ha implantado cuando se trata de salvar la vida. No sin cierta malicia el aragonés brinda un contexto de un grupo de acaudalados y pretenciosos burgueses que quedan atrapados en su propia trampa, de la cual oportunamente la clase baja ha escapado y, sobre el cierre, gira la cabeza hacia otro sector que ha basado su poderío también en la explotación de los marginados: la Iglesia. El discurso de Buñuel en esta obra es, en síntesis, la dualidad extrema entre lo que abruma y lo que se desconoce ¿qué retiene a los huéspedes de los Nóbile? ¿Será su miedo, su humanidad, su fragilidad? ¿O es acaso el paso divino del ángel de la muerte? El ángel exterminador es de ese tipo de películas cuya seña particular es su capacidad de dejarnos en la inopia intelectual, en la brusquedad del abandono de las respuestas, naufragando entre lo ignoto y lo que leve, pero conciso, parece ser cine mexicano. Y en efecto, lo es. Afortunadamente lo es.
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Los olvidados
El arte de la agresividad por ERIC EDUARTE VILLA
13
La tragedia y la cruda realidad nunca
nada desconocida le daba el enfoque
supieron
las
natural de donde se vivía en aquellas
mayores obras cinematográficas de la
lugares y años, y que para nada nos
historia nos da ese deleite. Ya se
sigue siendo una situación ajena.
tan
bien.
Una
de
habían hecho dramas trágicos que enriquecieron la industria nacional, pero Buñuel vino a dejar un legado no sólo para disfrutar, sino también para reflexionar sobre las causas sociales de nuestro país. Y es la conjunción de
los
elementos
técnicos
y
contextuales de la película que le dan ese gran mérito que perdurará.
Los olvidados que recordaremos con una de las historias más denigrantes, tal vez la obra de Buñuel sea un diamante negro que resplandece con otro brillo que sigue gustando y sobre todo enseñándonos. Todo esto no sería posible sin el sello en la cámara de uno de los mejores fotógrafos que ha dado México, Gabriel Figueroa,
El encanto del Distrito Federal de los
que supo captar la transgresión del
años
y
director Aragonés. Puede que lo que
alterado por la realidad exhibida de
hace tan importante a esta cinta es lo
algunos de los barrios más pobres y
que nos genera al ver esta indigencia
denigrantes en la cinta de Buñuel. La
que se volvió artística. Si habría que
lucha de un pueblo, de unos cuantos
clasificarla en algún género sería
por sobresalir, era lanzado de la
inapropiado etiquetarla como drama,
forma más cruel pero verdadera.
pues va más allá. Si se creará el
Dentro de su estética Luis no deja
género
fuera ese encanto de la ciudad sólo
término indicado para la película que
por
luego
forma parte del patrimonio cultural de
regresando a la humildad y miseria,
la humanidad. Una marginalidad que
mostrándonos de esa manera las dos
es y será por siempre memoria del
caras de esa mítica capital mexicana.
mundo.
cuarenta
ciertos
fue
modificado
momentos,
de
la tragedia
sería
un
Usando matices naturales de su gente, ni uno de los personajes denota cierta ficción en su forma de ser, calles aterradas, una suciedad
14
premier de
cortesĂa IMAC
15
Durango, “La tierra del cine” vuelve
Minutos después, se proyectó este
a
corto
brillar
por
su
talento
que
cautivó
a
los
cinematográfico dentro del marco
espectadores. Éste
del Festival de las Artes “Ricardo
historia de Tom Scott, uno de los
Castro”, la noche del miércoles 1 de
hombres más buscados en el viejo
abril
público
oeste, quien vuelve a su antiguo
duranguense el cortometraje “El
hogar después de pasar varios
salón de la superstición”.
meses
se
presentó
al
Este cortometraje, fue realizado por el licenciado en Ciencias y Técnicas de la Comunicación Elías Ramos, es un filme de la casa productora “Visual
Film”,
hecho
en
tierra
duranguense y creado por cineastas del mismo Estado. La Cineteca Municipal “Silvestre Revueltas”, fue el recinto donde se estrenó esta obra fílmica, en punto de las 21:00 hrs. Se realizó una ceremonia, donde el Ing. Miguel Ángel Orona, expresó la importancia de apoyar los proyectos locales, así mismo, los creadores y actores agradecieron el apoyo del público presente.
en
las
nos relata la
montañas
de
Dutchman buscando oro, pero al volver
encuentra
el
pueblo
abandonado, salvo la presencia de una peculiar mujer que lo espera en la cantina, ella lo hace revivir sus errores y pasado, a través de un poder que parece sobrenatural. “Es una pequeña historia de una serie de 4 o 5 cortometrajes, por lo que quisimos empezar por ésta para dar un poco de pauta a la otra historia que queremos hacer un tiempo después” expresó el director del
cortometraje,
así
mismo,
enfatizó la importancia de realizar cine hecho en Durango y de que el público se acerque a ver el trabajo hecho por artistas locales.
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Leviathan Cine que devora y gusta por ERIC EDUARTE VILLA
17
Definitivamente habrá que establecer
De la corrupción dentro de la trama
el género de la tragedia dentro de la
no es nada nuevo pero resulta
cinematografía
clasificar
impresionante saber que en todos
muchas películas, entre ellas el más
los lugares que se pueda pensar
reciente film de Andrei Zvyagintsev,
sucede, aunque en el sistema ruso y
quien ya ha demostrado plasmar
de la desparecida unión soviética
excelentes historias de este nuevo
existen
muchos
capítulos
cine
incómodos
y
de
ruso
para
que
comienza
a
llenos
esa
desplazarse a gran ritmo, con sus
corrupción. “Todos somos culpables
anteriores cintas Elena y su ópera
de algo” se dice en la película y es
prima El regreso.
una verdad que no se puede negar, dejando a más de un espectador en
Leviathan nos introduce en una atmósfera
oscura
dentro
de
reflexión sobre la cinta.
la
política y la Iglesia. Ambientada en la ciudad costera Pribrezhny, Andrei muestra una metáfora de libro de Job y de la criatura mítica Leviathan, donde ambos elementos se mezclan entre sí.
También toma la vertiente de la forma de la estructura del guión y de su deleite visual que no hace en ningún momento cansado a pesar de su lentitud que viene más a agradar que a desesperar, eso habla del excelente trabajo desde la
El director ha sabido utilizar uno de los pasajes del libro bíblico y lo representativo de esta serpiente de los océanos para crear una de las cintas de mayor polémica y llena de
escritura del mismo guión hasta la edición, demostrando que el cine ruso sigue dando frutos, enseñando y gustando como la ha sido desde hace tiempo.
una imagen artística enmarcada por una fotografía grisácea y un azul melancólico que imprime la esencia trágica y dramática que viven los personajes.
18
Fuerza Mayor
Avalanchas y emociones adversas Las historias sobre algĂşn percance empiezan a contarse despuĂŠs de la tragedia, a partir del momento que hay que empezar a mover escombros o, en este caso, a quitar la nieve. por ERIC EDUARTE VILLA
19
Fuerza Mayor es la nueva apuesta
cinta, donde habrá que salir del
del director sueco Ruben Östlund,
entierro blanco en el que se han
quien centra su trama en una familia
sumergido
que decide vacacionar en los Alpes
familiares
Suizos. Desde el comienzo Ruben
protagonistas (la madre y el padre de
nos advierte la forma de la película
familia) que se han inmerso en
con planos de cámara fijos y largos,
decisiones
usando musicalización clásica y con
pueden considerarse erróneas para
la sinfonía de los paisajes blancos de
quien las toma, pero que se hacen
las
un
como parte de una reacción de
ensamble lento pero que no deja de
supervivencia, en este caso por la
gustar
montañas
por
acciones
la
frías
produce
sencillez
y personajes
en e
las
dificultades
individuales
que
en
el
de
los
momento
de
sus
avalancha que aterrorizó a la familia
más
que
mientras tomaban el desayuno en
comunes.
uno de los restaurants del lugar.
Si bien la escena de la avalancha es
Esa desesperación de ambos padres
impresionante
las
es acompañada por la fotografía
medidas adecuadas de seguridad
grisácea y tonos cafés junto con los
para no representar riesgo tanto para
juegos
el elenco como para el crew, aunque
llegarían a resultar cansados no
en aquellos lugares turísticos de los
dejan de ser atractivos en todo el film,
Alpes es común ver explosiones
demostrando que para diálogos no
deliberadas para evitar acumulación
siempre es necesario pasar al plano
de nieve y así no poner en riesgo la
de cada actor.
se
contó
con
de
cámara,
que
aunque
vida tanto de los deportistas como de visitantes que gustan admirar del paisaje. Ya dentro de la película la historia trasciende a partir de dicha avalancha donde ese suceso se vuelve una metáfora para los personajes de la
20
21
G Ăœ E R O S la realidad capitalina por DANIELA DEL PALACIO 22
La historia lineal de dos hermanos buscando a un músico que les recuerda a su padre y la historia, de alguna forma, perdida en el tiempo de dos estudiantes que se quedan estancados, mientras que una larga huelga estudiantil transcurre. Un guion demasiado sencillo pero que encaja muy bien con los personajes, una cuidada composición, buena fotografía, actuaciones aceptables — en especial la de Tomás (Sebastián Aguirre)- y pequeños detalles que le dan algo de profundidad a los personajes —como los ataques de pánico de Sombra (Tenoch Huerta) o la discriminación y misoginia de que es víctima Ana (Ilse Salas), quien no termina de encajar ni con los huelguistas ni con los “fresas”. Algo de eso es Güeros.
23
La película podrá resultarle a muchos divertida, por ese humor simplón de los protagonistas que estaban “en huelga de la huelga” y puede también resultar interesante, principalmente, porque aunque con claras referencias a la huelga del 99 en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) la trama estudiantil puede suponerse antigua o presente. Incluso podría decirse que la primera parte de la película da la impresión de desarrollarse en el pasado, hasta que de pronto los celulares y las construcciones actuales trasladan la historia a estos días. Un momento también muy particular es cuando se le pregunta a uno de los personajes qué opina del guión de la película y éste dice que “es malo, muy malo”. Ello, sumado con los comentarios de los personajes que critican la forma en que los cineastas mexicanos muestran a México en los festivales internacionales de cine genera un tono de humor simplón y autocritico. Pese a que técnicamente la película es bastante aceptable y la historia tiene detalles sobresalientes, es difícil recomendar Güeros. El problema es de contenido. Las declaraciones de Alonso Ruizpalacios referentes a su primer largometraje no ayudan a pasar por alto las deficiencias de guión, contenido e incluso referentes al mensaje que envía este filme. Un ejemplo de las grandes deficiencias de contenido es el
desnudo innecesario e injustificado que se ve en los primeros minutos de la cinta, mismo que resulta algo burdo, incluso vulgar. Lo anterior no es porque se haga un juicio moral al respecto sino porque parece metido a la fuerza, no encaja, no luce, no ofrece nada. Pareciera más bien estar sobre puesto en la historia como un acto de “rebeldía” que suelen tener muchos directores mexicanos que creen que por poner un desnudo están emancipándose de todas las ataduras moralinas de su sociedad conservadora. Respecto a la postura del director con la huelga del 99, Ruizpalacios no se ayudó en nada cuando fue cuestionado recientemente en el Festival de Tribeca sobre si su película era una burla a la huelga al responder: “Mira: el actor formaba parte del movimiento de huelguistas. La primera vez que leyó el guión me dijo: ‘Esto es una basura. Te estás burlando de los huelguistas’. Pero varios días después me llamó y me preguntó: ‘¿Cuánto pagan?’”. No se sabe si su postura y su intención de ridiculizar o no a los huelguistas tenga que ver con que el director no pudo estudiar en la UNAM debido al paro por la huelga, pero de lo que sí hay certeza es que los temas relacionados con la lucha estudiantil por la gratuidad de la educación pública son temas que hoy, al igual que en otras épocas, resultan bastante polémicos.
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Iván Delhumeau
UNA ESCRITURA DE HOMENAJE por ANDREI MALDONADO foto CORTESÍA IMAC
Menciona Iván Delhumeau en su ensayo sobre la obra fílmica del cineasta duranguense Juan Antonio de la Riva que las películas de éste son un claro homenaje a la cultura duranguense, a su pasado en San Miguel de Cruces, a su familia y al cine en general. Si es así la de Iván es una escritura de homenaje a la herencia que el maestro de la Riva ha dejado a la historia de la cinematografía nacional, pero muy especialmente a la cinematografía del estado.
25
Y es que con certeza el autor de “De lo personal a lo universal” afirma que lo más importante en los 60 años de historia cinematográfica industrial en la entidad son las películas filmadas en la “tierra del cine” por el cineasta serrano. Y en efecto, lo son, pues como dijera el mismísimo Felipe Cazals en su última visita a Durango “puede haber cine mexicano filmado en Durango, pero el cine duranguense es solo el que hacen los duranguenses”.
Cine comercial contra cine de autor, es una de las premisas manejadas durante el discurso del ensayo ¿qué convierte a un cine “cine de autor”? el público, sin duda. Pero esto siempre será después de que el director, en su papel de dios todopoderoso en la obra, haya logrado plasmar en su película todo lo que para él representa el cine. De ahí la atrevida comparación que hace Iván entre los objetivos que persiguen Cuarón y De la Riva, cada uno por su lado.
El año pasado, durante el desarrollo de la sexta edición del Festival de Cine Mexicano de Durango, tuve la oportunidad de comer en la misma mesa junto a Juan Antonio y, precisamente, charlábamos sobre filmar lo personal y proyectarlo para generar impacto en lo universal. De ahí a que la forma en que Iván titula su ensayo sea no solo acertada sino también justa, directa y sintetiza lo que en realidad significa filmar para De la Riva.
Partir de lo personal hacia lo universal. Iván nos acerca por medio de su digerible manera de escribir a los motivos familiares que llevaron a Juan Antonio a decidirse por cada uno de sus proyectos. Desde Polvo vencedor del sol hasta El Gavilán de la Sierra, el cineasta consigue filmar el terruño, retratar su realidad y la de los suyos y, al mismo tiempo, generar un discurso que tenga incluso un mayor impacto más allá de nuestras fronteras que en nuestro país.
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Después de leer el libro de Iván no nos queda duda de que nos sobreviven pocos grandes cineastas. Sin duda alguna debemos valorar y agradecer el trabajo de cada hombre que consigue construir de nuevo el cine tras cada película, pues en el cine nada es ficción. De la Riva consigue, como lo hiciera Giuseppe Tornattore, crear un idilio de romance con la nostalgia de otras épocas, de un cine concebido no solo como medio sino también como espacio.
Y en el caso del autor que hoy nos concierne, el gran mérito de Iván es recordarnos que ante todo el cine es un arte escrito. El cine comienza como idea que se proyecta sobre el papel y encuentra su gran culminación no cuando se ve en pantalla el último de los créditos, sino cuando se lee la última línea de una crítica. Pues de la cotidianidad fílmica de Juan Antonio pasamos a la documentación de lo propio de parte de Iván. Lejos de un afán proteccionista y cursi de carácter localista, el autor busca demostrar, en base al análisis de expertos en la materia, que es el cine escrito y dirigido por Juan Antonio de la Riva lo realmente valioso de seis décadas de industria fílmica en Durango, y puedo asegurar que con éxito lo consigue. El discurso del cineasta en sus películas es honesto, sin máscaras, tal y como es la reflexión y conclusión del escritor en su ensayo. Libros como este son los que deberían ser de cabecera para todos los jóvenes realizadores del país, en especial de Durango. No se puede soñar con ser alguien de reconocimiento mundial si no se conoce lo propio y si no se empieza por saber qué se ha hecho antes de lo que nosotros podamos hacer. En otras palabras todo aquel que pretenda hacer cine debe antes ver cine, sentir el cine.
27
Alimentándonos del séptimo arte
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¿Sabías qué...?
Luis Martín Gerardo
c n
e n i
e v jo
c n
e a
t s a
e i m
i c re
fotografía por ANDREI MALDONADO
o t n
por ERIC EDUARTE VILLA foto FABRIZIO CADENA/// JORGE SANDOVAL
El cine de Durango también reside fuera de la ciudad. El duranguense Luis Martin Gerardo Gurrola estuvo de visita en la capital, su ciudad natal, para
grabar
un
corto-documental
como parte de su formación dentro del séptimo arte. 29
de
Lo que me trae aquí a mi tierra es
Capacitación Cinematográfica (CCC)
este proyecto del curso precisamente
en la ciudad de México, Luis siente
de
una gran necesidad de filmar en la
Capacitación Cinematográfica, que es
ciudad que le vio nacer y crecer para
un
enriquecer la cinematografía de su
básicamente desde inicios de este
estado, pero más allá de proyectar a
año. Han sido varias clases las que
Estudiante
del
Centro
LA CASA DE DOLORES DEL RÍO
documental
curso
del
que
Centro
hemos
de
tenido
tuvimos por ahí, muchos ejercicios, la llamada tierra fotografía del cine, es laMALDONADO por ANDREI búsqueda de darle luz a sus propias
muchos maestros. Sin embargo el
historias como la que es ya su más
final
reciente producción, una historia muy
culminación de estos conocimientos.
allegada a él, ya que retrata y documenta la vida de sus abuelos. Historias humildes y personales son las que terminan tocando el corazón a más de uno, ya que son parte de los recuerdos de alguien y que de alguna manera llegan a relacionarse con historias de uno mismo.
de
este
ejercicio
es
la
Acá en Durango vine porque se trata de un proyecto personal, que es sobre mis abuelos. Porque con ellos viví toda mi infancia, incluso hoy que vengo de vacaciones siempre voy a esa casa a visitarlos, es un lugar al que
siempre
cuando
se
regreso. me
Entonces
presentó
la
A pocas horas de haber concluido
oportunidad de hacer el ejercicio pues
grabaciones Luis accedió a
una
pensé en mis abuelos, pensé en la
entrevista para la revista Cinéfagos,
relación cotidiana que ellos tienen.
en donde nos compartió su visión del
Tengo muchos recuerdos, buenos y
cine y lo que espera lograr. Al igual
malos. Y es confrontarlos, es una
nos
confrontación
habló
de
este
pequeño
a
la
cotidianidad
pronto
conflictiva que tienen ellos, entonces,
compartir con la gente de cinéfila de
¿de qué forma voy a incomodarlos?
Durango.
Mediante sus recuerdos, y esa es la
documental
que
espera
¿Qué te trae a venir a filmar a Durango?
forma en que yo como realizador me incluyo.
30
¿Cómo surge la idea de este cortodocumental? Surgió
porque
yo
tenía
un
documental inicial que iba a realizar en la ciudad de México, sobre una señora que vive en la central de abastos del DF. Sin embargo al final no se pudo hacer ya que esta señora me canceló. Puesto que yo tenía que presentar un proyecto documental para la escuela, en diciembre pasado que
vine
Durango,
a
vacacionar
básicamente
aquí fue
a
para
pasear por el estado para sacar ideas, al final yo quería contar algo de mi tierra y como tenía el tiempo encima tenía que hacer algo personal para
saltarme
investigación.
31
el
paso
de
la
Y después de 15 años regreso a la
entran muchas dudas morales. Sabes
casa de mis abuelos a intervenir de
que tienes que preguntarles cosas
otra forma, ya con una película. Y es
dolorosas y sabes que se van a
así como di con este proyecto, y es
quebrar pero sabes también que es
algo que siempre he querido contar.
bueno para la película. Es complejo y
En la escuela en una de las clases un
yo tuve muchos momentos de duda, y
maestro nos comentó que hay un
a veces yo mismo me decía ¿seguiré
ejercicio que se llama ‘La huella del
con esto, indagando en los recuerdos
dolor’,
de ellos? es difícil.
él
nos
decía,
nos
recomendaba que para hacer un documental escribiéramos sobre una Huella
de
Dolor,
algo
que
nos
¿Cómo reaccionaron tus abuelos ante un equipo de producción?
afectara o que nos afectó en algún
Al principio si estaban un poco
momento de nuestra vida y ese
cohibidos,
podría ser un buen momento para
producción que éramos básicamente
elaborar un documental, y al final
yo como director, mi sonidista Raúl
también esto urge como una Huella
Galindo,
de Dolor.
Cadena, eran personas extrañas a
¿Qué es lo más difícil en este tipo de proyectos? Lo más difícil es hacerpor unANDREI documental fotografía MALDONADO de personas cercanas a ti. Es difícil porque en el camino, en el trayecto de ir preguntando, te das cuenta de cosas que tú no sabías, porque son dolorosas para ellos, pero si es doloroso para tu abuelo, también es doloroso para ti. Y si vez que tu
porque
y
mi
mi
equipo
fotógrafo
de
Fabricio
mis abuelos, e incluso era la primera vez que ellos dos venían a Durango. En los primeros días de grabación surgió mucho material grabado que al final en la edición no va a quedar, porque
mis
abuelos
se
sentían
incómodos con la cámara, y lo que tuve
que
ir
haciendo
fue
una
estrategia para crear una empatía entre ellos y el crew.
abuelo tiene un quiebre, también te está doliendo como director y te
32
Para eso en lo que fuimos entrevistando a mi abuelo y mi abuela, en los tiempos muertos en que teníamos que comer, en lugar de ir a una tiendita a una fondita a comer y a platicar lo hecho del día lo que yo hice fue comer con mis abuelos para que mis compañeros, mi equipo de producción, les contarán también sus vidas y de esa forma dejarán de ser unos extraños. Y se fue creando un clima donde se creó empatía y poco a poco mis abuelos iban reaccionando frente a la cámara con naturalidad, y esa fue la estrategia que se siguió para obtener las imágenes, las situaciones y los recuerdos que yo quería que se generarán entre ellos.
33
la butaca del cácaro
consume
Alimentándonos del séptimo arte
por SETH ALVAREZ
Con Motivo del 3er Encuentro Iberoamericano de Escritores Cinematográficos sostuve una pequeña charla con Antonella Samaniego; guionista, directora y miembro activo de Escritores Cinematográficos El Garfio A.C.
35
¿Cómo llegaste a esto del cine? Pues desde niña siempre me gustó escribir y dibujaba muchos cómics e historietas, así que ya más grande me sentí atraída por esta cuestión de la imagen y la escritura, que quedaban muy bien unidas en el cine. Aunque en realidad me sigo inclinando más hacia la escritura. Estudiaste en el CCC. Sí, en Guión Cinematográfico, de la generación "Aserejés". ¿Y eso? Es que cada generación del CCC tiene un nombre diferente, y bueno, esa era la canción de moda en el 2002, así que fue el nombre que eligieron para nosotros. Entonces, estudié del 2002 al 2004 en guión. Bien ¿Y como pasaste a ser miembro de El Garfio? En el 2006 El Garfio convocó a un concurso de guiones de cortos para un evento llamado "Maratón de guiones", así que mi guión "Corazón robado" quedó como finalista y se realizó una lectura dramatizada en el Maratón de Guiones. De ahí me invitaron a participar en el taller de El Garfio, que en aquel entonces era todos los miércoles y como yo estaba trabajando un guión de largo para mi tesis del CCC, pues me latió la idea, y de ahí me gusto mucho el trabajo del taller, y aquí sigo. Háblame un poco más de El Garfio. El Garfio es una asociación civil que reúne a varios guionistas con la finalidad de mejorar la calidad de las historias de cine. Nos reunimos cada semana para tallererar nuestros guiones, ya sean de largo, corto o serie de TV. Y otro de los objetivos de
El Garfio es el generar espacios de intercambio y encuentro en torno a la escritura de cine, dar difusión, reflexionar y resaltar el trabajo del guionista. Excelente ¿Y como nació la idea de los encuentros iberoamericanos de escritores, que en esta ocasión será el tercero? La idea de un encuentro siempre estuvo presente en El Garfio desde hace ya bastante tiempo, pues había una necesidad de intercambiar reflexiones y experiencias con otros guionistas; estar unidos, pues es el guión el inicio del proceso cinematográfico. Era importante una reunión donde se reflejara la situación actual de cine mexicano e iberoamericano, las diferencias y similitudes que hay. Generar más interés en el guión y la profesionalización del escritor de cine. Más que excelente. En esta ocasión el tema son los géneros cinematográficos Sí, este año decidimos hablar sobre los géneros porque hay muchas polémicas al respecto, que si hay géneros puros, que si ya no existen los géneros, que si ahora se fusionan o se rompen, que si unos venden más que otros, que si no son indispensables, y bueno, todo eso lo vamos a discutir en esta tercera edición.
36
¿Quiénes serán los invitados? Estarán con nosotros Alicia Luna y Carlos López de España, Guillermo Arriaga, Jacaranda Correa, Michael Rowe, Víctor Ugalde, Julián Hernández, Guillermo Ríos y Marco Julio Linares de México, Eduardo Sacheri de Argentina. De Cuba viene Xenia Ryvery. Ignacio Agüero de Chile. Este año Ecuador es el país invitado, así que estamos a la espera de que nos confirmen quiénes vendrán y otros tantos que nos irán confirmando a lo largo de estos meses. Existen algunas convocatorias dentro del Encuentro, ¿Cuales son? Tenemos dos concursos de guión. El primero es el Concurso Iberoamericano de Guión Cinematográfico que es sólo para los asistentes al 3er EnIbEsCine, por lo que hay que completar la inscripción para poder participar. El premio consiste en que 8 guiones serán seleccionados para presentarse en un pitching ante productores, además de que habrá un único premio de $30,000.00 para el mejor guión. El segundo concurso es para obtener una beca y poder asistir al Encuentro, y este está abierto para todos los escritores nóveles de Iberoamérica. Se elegirán hasta 8 becarios. La beca consiste en transporte, hospedaje y la inscripción al encuentro.
37
En los encuentros pasados han participado escritores cinematográficos de la talla del Sr. Leñero, el Sr. Arraiga y la Sra. Novaro por nombrar algunos. ¿Tienes alguna anécdota que compartir? Pues en cuanto a Leñero fue curioso porque ya no le entusiasmaba mucho dar conferencias, ya se sentía cansado, pero cuando le propusimos las actividades en las que iba a participar le gustó mucho la idea. En el caso del primer encuentro, la charla con Arriaga, y en el segundo, disfrutó mucho la actividad "Del guión a la pantalla" donde se habló sobre El Crimen del Padre Amaro. Buenísimas por cierto, con la presencia de Don Carlos Carrera. Por último ¿Dónde se puede obtener más información del Encuentro? La información se puede obtener a través de la página http://enibescine.com, ahí vienen todas las convocatorias y el formulario de registro para inscribirse al encuentro. La sede, el programa de actividades. Los invitados que se irán actualizado conforme vayan confirmando. También a través de nuestras redes sociales escritores El Garfio AC y en twitter @elgarfioac
cinéfagos +RADIO con ANDREI MALDONADO
TODOS LOS JUEVES A PARTIR DE LAS 2:40PM EN
39
Conociendo a
RICARDO BENET por SETH ALVAREZ
Conocí al director Ricardo Benet en el Festival Colima de Cine 2014, cuando presentaba su segundo Largometraje Nómadas. Hace poco, me puse en contacto con él para charlar un poco sobre sus inicios, su trabajo y sus futuros proyectos.
40
Mi estimado Benet, platícame un poquito cómo llegaste al cine. Pues por contagio. Mi padre, ingeniero civil, se iba de avanzada con su maquinaria adonde había chamba. Para mi madre era más promisorio quedarnos con los abuelos en mi natal Cardel, Veracruz, y ya una vez establecido, lo alcanzáramos. A ella le encantaba el cine. Desde niña se escapaba a la carpa de los húngaros que llevaban unos inverosímiles programas dobles a los pueblos. Por ejemplo, una ranchera se complementaba con otra de Bergman. Mi madre y yo, desde que tenía los 3 años, esperábamos a mi padre en el Distrito Federal. Entonces, ahí, cargaba conmigo al cine París o al Paseo a ver películas europeas. Yo desde luego me dormía a los 10 minutos, pero aquellas primeras imágenes me contaminaron. El daño estaba hecho. ¿Y cómo fue que decidiste estudiar cine? Pues fui un estudiante de cine tardío. Salí joven de prepa. A los diecisiete. Como la carrera de cine implicaba tiempo completo y yo tenía que trabajar, me decidí por el plan B: Arquitectura. Esta carrera las estudié en la UNAM. La ejercí bastante tiempo y cuando tenía ya veintiocho recuperé el viejo sueño del cine. Tras una temporada en Europa, regresé, hice el examen en el CCC y me quedé.
41
Aparte del CCC ¿estudiaste en otras escuelas? Pues antes yo había comenzado como muchos cineastas, con la fotografía fija. En París había tomado algún curso. Desde niño era un gran cinéfilo y lector de todo asunto cinematográfico. Pero formalmente hasta la carrera en el CCC. Donde por cierto comencé como cinefotógrafo y luego me decidí por la dirección. Tu opera prima, “Noticias Lejanas”, ganó muchísimos premios a nivel internacional. Platícame un poco de ese proyecto. Pues estaba en una etapa muy frágil en mi vida. La carrera de cine se había alargado por razones presupuestales. Agrégale la construcción del nuevo Centro de las Artes y otras cosas. Entonces un día fui a ver un par de malas películas mexicanas. Entre la indignación y la ansiedad veo la nueva convocatoria 2003- para el proyecto Ópera Prima. Esta es una convocatoria para egresados del CCC que aspiran por un largometraje. Me senté y apuré de entre muchos apuntes y correcciones que ya tenía- a escribir sin parar por tres semanas un guión que resultó en Noticias Lejanas.
Tras casi un año agotador de decisiones y de entre más o menos diecinueve proyectos, finalmente fue el ganador. Ya estábamos en octubre y se nos pedía, por cosas presupuestales, tener listo todo el rodaje antes de fin de año. Entonces nos apuramos. Filmamos tres semanas de noviembre en las altas llanuras de Puebla-Veracruz y una semana de diciembre en el Distrito Federal. Después, a esperar el 2004 para los dineros de post-producción. La película estuvo lista para estrenarse en marzo del 2005, en el Festival de Guadalajara. Vaya que le fue muy bien, ya que recibió muchos premios, entre ellos 3 Arieles. Sí. En Guadalajara comenzamos con 3 premios e invitaciones a una decena de festivales. Finalmente se fue a más de sesenta. Se vio y ganó más premios en el extranjero que acá. Fantástico. Ahora, ¿Cómo es tu proceso para escribir una película? Usualmente la imaginación y las ganas de filmar se me destapan con la literatura. Un buen libro me emociona y entro en un periodo de ansiedad creativa. Entonces recuerdo lugares, recorro paisajes y ciudades. Luego me viene una preocupación de vida: el desplazamiento, el encierro, la fragilidad del individuo. Entonces trato de armar una historia lo más aterrizada y lo más simple posible en anécdota. Pero sin soltar la preocupación filosófica. Un crítico apuntaba, a propósito de Noticias Lejanas, que "era una película potencialmente plagada de lugares comunes, que sin embargo inauguraba otra mirada".
¿Guión o dirección? Ambos. Me gusta mucho la posibilidad de transformar mis preocupaciones éticas y filosóficas en historias e imágenes. Claro, si hay un texto o historia que coincida con mis obsesiones, también. Como en el caso de mi próximo guión y película la tercera- que estará basada en un hecho real de los años ochenta. Por otro lado, la dirección me da la oportunidad de decirlo de la manera gráfica y estética que yo deseé. Me gusta ver la pantalla como un lienzo donde se puede explorar más allá de la anécdota; con paisajes, rostros, texturas, movimientos de cámara. Bien. Háblame de Nómadas, tu segundo largometraje. Fíjate que todo fue armándose de manera extraña. La historia surgió en 2005 cuando, invitado con Noticias Lejanas a Tribeca, vagaba en una tarde de domingo por una parte solitaria y abandonada de Nueva York. De pronto vi a un par de obvios inmigrantes ilegales. Deambulaban en su día libre en una ciudad que no era la suya, tratando de ser invisibles. Esa idea destapó la historia. Interesante. Y ¿Cómo fue trabajar con Tenoch Huerta y Lucy Lui? Inicialmente pensé en la relación de un treintañero con una mujer madura que evitara un encuentro convencional. Siempre quise a Susan Sarandon -de hecho el personaje conservó el nombre de Susan- pero fue imposible contactarla; llegar a ella. Con los dineros ya conseguidos y el tiempo encima, nuestros coproductores en California, que se encargaban de casting gringo, le pasaron el guión a Lucy Liu y la atrapó.
42
A la mañana siguiente pidió un encuentro y a los dos días estaba yo en Beverli Hills almorzando con ella. Claro, había que variar algunos mecanismos en el guión, ya que era mucho más joven que lo que el personaje suponía. Mientras, en D.F., seguía en la búsqueda del actor de treinta años. No tenía a nadie en mente. Mi idea era alguien con carácter; muy mexicano, de clase media, con personalidad. Una especie de Salvador Sánchez o Gómez Cruz a los treinta. Vi algunos de los actores más solicitados y alguien me habló de Tenoch, vi Sin Nombre y llegó al casting. Atrapaba la cámara, tenía esa intuición y carisma necesarios para el personaje. Y se quedó. ¿Cómo fue rodar en el extranjero? Más arduo de lo que nos dicen o uno supone. A pesar de sus calcomanía de "I Love Filming in NY" al final todo te cuesta. Tienes que pedir permisos para todo. Ir al Actor's guild porque tu película, aunque sea barata y underground, tiene una estrella de Hollywood. Así que nos "robamos" muchas tomas. No teníamos recursos para cerrar la 5th Avenue (Risas), pero fue una experiencia maravillosa para todo el crew -todos mexicanos en los puestos principales-. En esos momentos había la huelga de guionistas en EU y nosotros, muy desfachatados, estábamos filmando por allá. Que fantástica experiencia. ¿Y cómo le ha ido a la peli? Bien. Se vendió a Cinépolis, que en 2013 le dio su circuito de arte. Se presentó en más o menos quince ciudades del país. Dos semanas al menos, en cada plaza y siete
43
semanas en Cineteca Nacional. No es un blockbuster, vamos, pero ha encontrado su nicho. Le falta aún más promoción y venta internacional; luego la TV, donde en los canales adecuados capta muy buen público. Muy bien. Hay que ver cine mexicano. ¿Y qué haces actualmente? Primordialmente, estoy en la tarea de encontrar recursos para "Buscando a Rita" que será la nueva película que te comentaba. Es sobre una tarahumara que, en los años ochenta, anda en busca de su hijo. La mujer camina desde las Barrancas del Cobre hasta la frontera. No se sabe por meses de ella. De pronto aparece en Kansas City hurgando en la basura y al no entenderla -solo habla rarámuri- la dictaminan loca. La encierran en un psiquiátrico por trece años. Cuando un cambio de custodios trae a alguien cuyo abuelo era tarahumara, logra comunicarse con ella y convence a las autoridades que la mujer no está loca, sino pérdida. Bueno, también ando en mi chamba cotidiana al frente del Departamento de Cine de la Universidad Veracruzana. Y por supuesto, en mi entrañable actividad que llevo algún tiempo desarrollando: llevar los talleres de cortometraje a el Totonacapan -al norte del estado- de donde han resultado ya veintiún cortos, algunos en lengua totonaca, con buenos resultados y varios premios.
28 44
BATMAN y la casi perfecta trilogía de Nolan por ISMAEL CAMPOS ADAME
Después de que el director Tim Burton entregara dos magníficas y oscuras películas del hombre murciélago, “Batman” (1989) y “Batman Regresa” (1992), este le pasó la estafeta a Joel Schumacher para que continuara dirigiendo una franquicia que destruyó totalmente con dos filmes demasiado caricaturizados e infantiles del icónico héroe de Cuidad Gótica, “Batman Eternamente” (1995) y “Batman y Robin” (1997), esta considerada una de las peores producciones de la historia.
45
Tuvieron que pasar muchos años
convenció a los ejecutivos de la
para que se reiniciara la franquicia
Warner Brothers para narrar, con la
con una nueva trilogía que por fin le
ayuda del guionista David S. Goyer,
hiciera justicia a uno de los héroes
una historia realista de los orígenes
predilectos
de
del
mundo
de
las
Batman,
el
enmascarado
historietas y para esta tarea se tomó
justiciero atormentado por la muerte
en cuenta al ahora consagrado
de sus padres y némesis de los
director británico Christopher Nolan,
delincuentes que hacen de las
quien en ese entonces contaba
suyas en una ciudad ficticia hundida
solamente con dos largometrajes, la
en la corrupción.
obra maestra “Memento” (2000) y la regular “Insomnia” (2002).
Esta joya, que se convirtió en una importante influencia para todos
A continuación un breve análisis
aquellos
crítico de las tres entregas de esta
reinventar
peculiar
del
historietas en los siguientes años,
caballero oscuro, producto del gran
se basa en el cómic de culto de
ingenio de uno de los mejores
Frank Miller “Batman Año Uno” y es
cineastas de la actualidad.
hasta ahora la mejor película que
y
original
trilogía
filmes
que
pretendían
superhéroes
de
cuenta los orígenes de un héroe de Batman Inicia (2005)
las viñetas, por contar con un guión muy directo y nada complejo que
En este filme se cuenta de una forma realmente magistral el por qué Bruce Wayne, personificado increíblemente por Christian Bale, toma la decisión de transformarse en
esa
pesadilla
de
cualquier
criminal de Ciudad Gótica.
nos
presenta
excelentemente
una
construida,
personajes
cuyas
están
bien
muy
historia con
motivaciones planteadas
y
aspectos justificados que no dejan dudas
ni
al
más
exigente
espectador, fórmula única de Nolan.
Fascinado Christopher Nolan por la psicología de Bruce Wayne, el hombre detrás de esa máscara negra que intimida a todo criminal,
46
El director, respetando la esencia de
encuentran su clímax en un final
los
muy emotivo e inolvidable.
personajes
del
reconstruye
a
volviéndolos
más
cómic,
su
los
manera, y
Christopher Nolan repite la misma
desenvolviéndolos en una historia
fórmula que aplicó en la primera
llena
y
entrega, y la diferencia radica en
situaciones inesperadas que hacen
que en esta secuela nos presenta
de esta gran película un verdadero
escenas cargadas de tensión, las
festín
se
cuales no hubieran sido las mismas
maestra
sin esa genial música compuesta
de
realismo,
que
convirtió
creíbles
emoción
instantáneamente
en
una
obra
dentro del cine de superhéroes.
por Hans Zimmer, quien después de hacer un buen trabajo con la banda
El Caballero de la Noche (2008)
sonora de “Batman Inicia”, inyecta a esta
Para
esta
película,
Christopher
Nolan escribió junto con su hermano Jonathan
Nolan
un
guión
más
segunda
parte
de
composiciones cargadas con dosis melancólicas y pizcas de terror psicológico.
maduro y complejo en el que optaron por incluir al villano número uno
de
Batman,
El
Guasón,
espléndidamente interpretado por Heath
Ledger,
quien
falleció
posteriormente y recibió un Oscar póstumo
por
esta
antológica
actuación en una cinta en la que el resto del reparto da también lo mejor de sí.
Tomando la esencia de El Guasón de las páginas de cómics clásicos, los Nolan lo reconstruyen para adaptarlo al cine de la manera más realista posible, dotándolo de una filosofía que lo hace un interesante personaje dentro de la galería de los mejores villanos de la historia del séptimo arte, aquellos que después de
Los Nolan dotaron al guión de un ritmo visceral lleno de suspenso y que logra mantener tenso al público durante más de dos horas que se pasan
47
rápidamente
y
que
ser
apreciados
haciendo
maldades en la pantalla grande, se quedan para siempre en nuestra mente.
El
Caballero
de
la
Noche
Se puede decir que el argumento en
Asciende (2012)
general de esta tercera parte es
Ansiosos estaban los seguidores de
mejor que el de las primeras dos
la franquicia por ver la última
entregas, pero lo explicado en el
entrega que supuestamente cerraría
párrafo anterior fue lo que afectó
con broche de oro esta trilogía, y el
mucho a la cinta que cuenta con la
resultado
poco
participación del brillante actor Tom
un
Hardy, quien interpretó al villano
largometraje que hasta la mitad es
Bane, famoso y temible personaje
de aplaudir, y de ahí en adelante
del universo de Batman que ya
cae de manera desconsiderada por
había sido tratado injustamente en
no seguir esa metodología que
la odiada “Batman y Robin”, y que
Nolan había aplicado en las dos
en esta ocasión sí se respetó su
entregas
la
psicología pero no esa monstruosa
justificación de pequeños detalles
apariencia física que refleja en los
que
cómics, teniendo además en la
fue
decepcionante
un por
anteriores,
traen
dudas
ser
que
es
y afectan
coherencia de la historia.
la
trama un desarrollo que concluye ridículamente.
48
Un verdadero y apreciable acierto de esta última entrega es la madurez técnica de Nolan, es decir, los movimientos de cámara en las secuencias de acción, espectacularmente fenomenales, y qué decir de la fotografía a cargo del brutalmente talentoso Wally Pfister, simplemente asombrosa.
En la cinta, escrita nuevamente por Christopher Nolan y su hermano Jonathan, se cuenta además con la presencia de otros nuevos personajes que logran aportar sentido a la trilogía, pero que no tienen un atractivo desarrollo y desenlace dentro de la trama, lo que se convierte en una de las debilidades principales del cierre de esta saga cinematográfica casi perfecta.
49
50
Perdidos en Tokio
El arte de perderse y encontrarse por JUAN JOSÉ ANTUNA
51
"¿En realidad es necesario viajar
Entonces una noche en el bar del
hasta el otro lado del mundo, donde
hotel, ambos siendo victimas de un
no se habla nuestro idioma y donde
terrible insomnio, se conocen y
no
para
empiezan una relación de amistad
encontrarnos con nosotros mismos
con fecha de caducidad (algo muy
y sentirnos realmente conectados
similar
con alguien más?" Esta es sólo una
Speechless). Es entonces que con
de las miles de interrogantes que
la ausencia de su esposo Charlotte
abordarán tu cabeza después de
empieza a salir con Bob que sufre
mirar esta maravillosa película.
una crisis en la relación con su
entendemos
nada,
a
lo
que
pasa
con
esposa a la cual no le puede decir Lost in Traslation (o Perdidos en Tokio como fue llamada en américa latina) lleva como trama la vida de un
par
Charlotte
de y
estadounidenses, Bob.
La
primera
(interpretada por una jovencísima y encantadora una
joven
Scarlett
Johansson)
veinteañera
que
acompaña a su esposo fotógrafo y que suele pasar la mayor parte de
lo que él quisiera. Entre carreras, pláticas y desvelos compartidos la relación
entre
los
dos
se
va
haciendo muy dependiente y a la vez no, pues necesitan la compañía del otro para ser quien en verdad son y no lo que involucra la reclusión casi involuntaria del ser al estar en un entorno que sabes y reconoces como no tuyo.
su tiempo a solas recorriendo todo Tokio tratando de encontrar algo
Y es que si la película algo nos
con qué conectarse, encontrar qué
muestra
será de su vida y el significado de
aislamiento al que todos en su
esta. Y Bob, un actor de cuarenta
determinado
años con una carrera en descenso
sometemos, que es más evidente
que llega a Tokio para promocionar
ahora que en aquellos años, o quizá
un whisky japonés ("Tenga un
sea igual, al final de cuentas uno
momento Santory" es una de las
siempre busca la soledad como
grandes frases y escenas de la
busca la compañía ("nos gusta el
película).
frío, pero nos abrigamos en el
es
esa
reclusión
momento
y
nos
calor").
52
Pero,
¿qué
aislamiento
pasa no
cuando
lo
ese
Esta
es
una
de
esas
tantas
controlamos?
películas que hay, que si bien no
¿Qué tal si la barrera va más allá de
puedes considerar dentro de tu lista
lo cultural o lo verbal? Y es que
de películas favoritas definitiva de
siempre
de
todos los tiempos, si se puede llegar
comunicación cuando lo que se
a sentir por ella un gran amor (algo
quiere
es
así como lo que te puede llegar a
importante y valioso, pero cuando
pasar por Eterno Resplandor de una
no nos podemos comunicar con
Mente Sin Recuerdos de Michel
alguien más, y de repente llega
Gondry). Además cabe señalar que
alguien y nos saca de ese canal de
esta película consagra y hace entrar
incomunicación y entre más sea el
a las grandes ligas como directora a
contacto, más podemos creer que
Sofia Coppola, quien escribe el
es algo más especial de lo que
guión de esta cinta basándose en
quizá en este caso era.
un amorío que tuvo con el aquel
hay
decir
formas
en
verdad
entonces La película trata y narra muy bien este suceso y este evento cuando Charlotte va entre las maquinas de
también
muy
joven
cineasta Spike Jonze, historia que le valió su primer y único Oscar hasta el momento.
juegos, y al mismo momento que ve a los jugadores tan absorbidos en
Sofia es hija del gran director
un mundo de mentira y fantasía ella
Francis Ford Coppola, quien la hace
se
siente
no
poder
debutar a muy temprana edad -
nadie.
Pero
cuando aún era una bebé- en El
cuando conoce a Bob en vez de
Padrino Parte I, y años más tarde
llenar el vacío de su transición con
aparece en El Padrino Parte III,
sexo o sólo una aventura más como
pero ahora como hija de Michael
cualquiera, en verdad se conectan,
Corleone y nos regala una de esas
y crean un lazo indestructible, ese
escenas en la cinematografía difícil
lazo que todos deberíamos de crear
de olvidar junto con Al Pacino
con nosotros mismos antes de
cuando le dan el balazo en frente de
querer estar con alguien en verdad.
él casi al final de la película.
comunicarse
53
igual con
al
54
Cine Recomienda
por JUAN JOSÉ ANTUNA
"Si amas las charlas sin descubrir el amarás las Linklater."
largas caminatas, y las sentido tratando de significado de la vida; películas de Richard
Si nos hubiéramos preguntado qué director podría imaginar, escribir e idear una película que nos narrara la vida de un niño que creía que las avispas venían de aventar agua al cielo hasta convertirse en un joven universitario antisocial que busca algo más que atención y saber qué sentido tiene la vida, sin duda alguna todos habríamos pensado en Richard Linklater.
55
El director del "tiempo real" como a mí me gusta llamarlo, y creador de la trilogía “Before”, nos regaló una de las películas más maravillosas y emotivas del año pasado; multiganadora en varias entregas de premios y una labor titánica del director para filmar durante doce años para entregarnos esta historia. La película narra la vida y los cambios de Mason, un pequeño niño que vive con su madre soltera y su hermana mientras su padre no está por completo en su vida.
Y es que desde el inicio es imposible
se sienta. La película termina como
no engancharte con la película, la
nos
banda sonora prácticamente es la
director, como terminan todas las
música con la que todo chico de esa
películas
generación creció y vivió su juventud.
empieza la verdadera historia.
Coldplay, Blink 182, Kings of Lion, Foo
Fighters,
Arcade
Fire,
The
Beatles, son sólo algunas bandas que podemos escuchar. Pero sin duda con lo que más se identifica uno en esta película que es una clase de documental ficticio, es que es una película prácticamente real, no hay ninguna sorpresa y en momentos te puedes llegar a fastidiar que no pase nada extraordinario, pero es la vida misma.
Con
tiene
unas
acostumbrados
de
Linklater,
maravillosas
este
cuando
y
reales
actuaciones, Boyhood o Momentos de una vida es una película que no te puedes perder por el simple hecho de que Linklater nos hace participes de una película única. Quizá recuerdes algo que olvidaste de tu infancia como a muchos ya nos ha pasado: un paseo en bicicleta con tu mejor amigo de la infancia, la colección de rocas que tenías y presumías a tus primos, aquella noche especial en la que ya
Una madre que lucha todos los días
eras grande, o cuando eras niño y
por
creías que las avispas venían de
pagar
después
las
de
matrimonios
cuentas
pasar y
varias
por
cuando malos
aventar agua al cielo.
mudanzas
decide criar a sus hijos sola. Esas pláticas con tu padre al que casi no ves sobre sexo, chicas o tú futuro. Incluso si nunca las tuviste te puedes sentir cobijado por esta película al sentir que esas son las pláticas que te hubiera gustado tener con tu padre. La vida tiene varios cambios, varias etapas y "cada momento nos vive", por muy diferente que se viva y
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Blur y el látigo mágico
LA ESPERA TERMINA AHORA The Magic Whip, es el octavo álbum de estudio de la banda británica Blur, liderada por el vocalista Damon Albarn. Después de 12 años de espera, los fanáticos de Blur abren nuevamente sus corazones y están listos para recibir con los brazos abiertos a este cuarteto que nos trae buenas nuevas este 2015. Desde Think Tank (séptimo álbum de la banda) no se había hecho ningún nuevo material, tan solo se había contado con algunos conciertos (como el de Hyde Park en 2010, Quilmes Rock en el 2013 y Glastonbury en 2009). Think Tank estuvo conformado solamente por el ya mencionado líder de la banda, Damon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree, dando por sentado así la salida del guitarrista Graham Coxon. Muchos fans estuvieron en descontento de que el amado guitarrista de la banda se fuera, pero por problemas como su alcoholismo hicieron que los demás integrantes decidieran expulsarlo de Blur. Esto provocó la ira de Graham, el cual se desquitó burlándose, insultando y degradando a sus ex compañeros de banda. Con Think Tank terminado, y con el sabor de boca amargo, los tres últimos integrantes decidieron hacer sus propios proyectos. Un nuevo comienzo para cada uno de ellos. Un descanso permanente… hasta ahora.
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por ITZEL MALDONADO
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involucrado en una marca de lácteos ingleses que harían a este hombre aún más rico. Ambos se dedicaron a cuidar a sus familias.
Damon Albarn es reconocido por ser un hombre de mundo, una persona con proyectos que rebasan los límites de la imaginación. Él fue el primero en sacar a flote su creatividad y nos trajo la más famosa banda virtual que existe y obtuvo existo al instante: Gorillaz. Con Jamie Hewlett como colaborador (creador del comic Tank Girl) Después surge The Good, The Bad And The Queen (colaborando con Paul Simonon de The Clash, Tony Alen de African Express y Simon Tong de The Verve) a mediados de 2007. Y no olvidemos su reciente álbum solista ‘’Everyday Robots’’ sacado el 25 de Abril de 2014. Sin duda él es el más influyente de la banda (por algo es el líder) Luego están Dave y Alex, los cuales no tuvieron proyectos musicales ni álbumes solistas. Hicieron algo más adecuado a sus gustos. Rowntree encontró amor en la política y se hizo un importante abogado en Inglaterra. Por otra parte James sacó a flote su amor desde joven: los quesos. Estuvo
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Del lado del amargado ex guitarrista él hizo varios álbumes solistas y también se dedicó a su amor desde que era un adolescente: la pintura (igualmente cuidando de su hija y esposa). Sin importar cuánto fuese el coraje de este hombre, su remordimiento fue más fuerte. Decidió ponerle fin a su actitud inmadura e ir con su mejor amigo desde los trece años (Damon) y pedirle sinceras disculpas. Hecho esto se presentaron en diferentes lugares (como se mencionó al principio) y uno de esos fue Hong Kong. Ahí tuvieron 5 días para empezar a realizar The Magic Whip (sin que los fans ni sus propias familias supieran nada). Este álbum contó con la producción de Stephen Street (quien en los ochenta trabajó con The Smiths y The Cranberries). En este álbum se nota un fuerte sello musical en Damon, dando a demostrar que cada proyecto suyo lo ha llevado a tener más sabiduría en cada una de sus canciones.
Cuando escuchas por primera vez The Magic Whip, te das cuenta que no suena al tipo Blur de los 90’s, tiene un toque más moderno, pero sin dejar de lado la forma anterior de sus discos. La banda nos trae de entrada ‘’Lonesome Street’’ un track en donde se escucha de inmediato la guitarra de Graham, luego de algunos canticos de Damon escuchamos a Coxon cantar. Este tema es de alguna manera algo cercano al anterior Blur. Después pasamos a ‘’New Word Towers’’, un track en que se nota la tranquilidad del lugar en donde fue grabado, y dando una vista del nuevo, mejorado y maduro Blur. Como siguiente tenemos ‘’Go Out’’, el primer track que se dio a conocer. Sin duda esta es la canción más pegajosa y alegre del álbum la cual no dejamos de escuchar. Podríamos repetirla una y otra vez ¡y no nos cansaremos de ella! Entrando con una línea de bajo, muy característica de Alex James, luego, la voz alegre de Albarn, la forma de tocar la guitarra de Graham y grandes ritmos en la batería del señor Rowntree hacen que esta sea la favorita de muchos.
El siguiente en la lista es ‘’Ice Cream Man’’, que siguiendo con la típica ‘’tradición’’ de la banda, que hace referencia a personajes, pero en esta melodía es algo más acústico y tranquilo sin los coros que se encuentran en canciones como ‘’Charmless Man’’ y ‘’Top Man’’. En ‘’Thought I Was A Spaceman’’ encontramos muchos cambios de ritmo. Por ejemplo, esta pieza comienza muy tranquila y algo relajante, después, Dave hace su aparición con su batería, para luego el señor Coxon hacer una entrada con su guitarra. Este es el track de más larga duración comparada con otras canciones del disco. ‘’I Broadcast’’, con una duración de 2:51, demuestra ser una canción con mucha energía, además de que es bastante pegajosa. Y claro, lo que la hace más atractiva es esa gran forma de tocar la guitarra por parte de Graham Coxon, nombrado uno de los mejores guitarristas de su generación.
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Después tenemos ‘’My Terracota Heart’’, una melodía algo melancólica, que demuestra esos tiempos de un Damon serio, melancólico y algo introspectivo, como en Everyday Robots (su trabajo en solitario). Además de eso está canción habla sobre aquella amistad entre Damon y Graham, una amistad tan fuerte, casi como una hermandad. Esta canción es realmente muy bella. Una de las favoritas de los fans que gustan de este tipo de canciones. Como siguiente tenemos ‘’There Are Too Many Of Us’’, esta canción demuestra tanto trabajo y esfuerzo, jamás nos imaginamos que Blur pudiera traer algo de esta magnitud. Esta, personalmente, la recomiendo mucho, sin duda, otra de las favoritas de los fans. Además de que fue el segundo track en darse a conocer. Con un vídeo sencillo, muy a la Blur, con esa forma tan bella y original del señor Albarn para cantar, esta es, la mejor de todas. ‘’Ghost Ship’’ la hemos escuchado varias veces en vivo, y a la mayoría del público le ha parecido fantástica. Es una melodía bastante relajante, se puede imaginar tantos lugares bellos, vale la pena escucharla. Luego, tenemos ‘’Pyongyang’’, un track muy a los últimos estilos de 13 (sexto álbum antes de Think Tank). La favorita de Dave. ‘’Ong Ong’’ es algo muy cercano a Blur, más bien la más parecida al viejo y genial Blur de los 90’s. Este
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track es parecido a Modern Life Is Rubish (otro álbum de la banda, muy bueno y jamás olvidado). Es divertida y algo sencilla, pero muy buena. Y por último ‘’Mirrorball’’, el track que finaliza este álbum. Esta canción es parecida al trabajo solista de Graham, como la mayor parte del disco suena más a Coxon, pero eso no lo hace menos bueno que otros álbumes. The Magic Whip, como octavo álbum, ha tenido un reconocimiento musical enorme. A pesar de que lleva poco tiempo de ser lanzado, la banda ha dejado claro que se han vuelto más maduros en su forma de hacer música. Aquellos tiempos en los que un Blur despreocupado podía lograr muchas cosas verdaderamente buenas, pero el de ahora suena tan diferente, aunque eso no lo hace menos bueno. The Magic Whip es un álbum que hay que escuchar una y otra y otra vez para darse cuenta de los sentimientos de cada melodía, disfrutar al máximo cada sonido, cada forma de hacerse, es, única. Los invito a que lo escuchen y se den cuenta del cambio drástico que han hecho estos músicos a lo largo de su carrera musical. Gracias al querido e ingenioso Damon, al divertido y controversial Alex, el serio y maduro Dave y el profundo y sentimentalista Graham. Esperamos mucho trabajo para el futuro.
No todo es cine
La afección de la música por ILSE AGUILAR Es un suceso que al escuchar música
En la Grecia Antigua el estudio de la
nos agrade la sensación que provoca
música alentó dos mil años de
en nosotros por alguna cosa en
exploración en su relación con las
particular, sea el ritmo, la letra, la
matemáticas
armonía,
inclusive
astronomía, como lo dice Diógenes
llevarnos a algún recuerdo en la
Laercio al narrar sobre Pitágoras. En
memoria, despertar algún sentimiento
Platón,
o propiciarnos algún estado mental.
apreciar que en La República le
La música tiene la cualidad de activar
dedica un espacio considerable a la
la vida mental así como también la de
influencia de la música sobre la
comunicar emociones más profunda y
formación
eficazmente.
ciudadanos y la armonía de la Polis.
etc.
Puede
por
y
también
ejemplo,
del
con
se
carácter
la
puede
de
los
En efecto, se puede discutir acerca de una relación directa con la actividad psicológica de una persona porque estimula la memoria, afecta
La música nos llama de una manera tan arrebatadora porque ella misma es
y
revela
nuestra
propia
naturaleza, ella misma es nosotros
la imaginación y, en el más amplio
ya que no hay un medio alterno o
sentido, nos evoca pensamientos.
representativo más que uno mismo cuando escuchamos una pieza.
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Para Platón y los presocráticos era
psicología y por lo tanto a la política y
de gran importancia tener la música
moral
presente
en
básicas. Figura como una excelente
enseñanza
y
conocimiento
cuestiones
de
a
su
educación
en
el
herramienta
metafísico
y
el
educación,
epistemológico
por
vez,
para
en
cuestiones
propósitos
como
lo
de
era
la
sus
transmisión de los cantos homéricos
características positivas, entre ellas,
de generación en generación sobre
la de moderar el temperamento. La
los dioses del Olimpo y el terrible
música junto con las demás artes es
destino del que eran víctimas. La
indispensable para generar hombres
filosofía
libres,
mencionar,
ciudadanos
de
la
polis
de
la era
música, una
cabe
importante
ateniense; el cuidado del alma, la
preocupación para la mayoría de los
mesura y la armonía que debe de
grandes
haber en el carácter para ser un
"moderna" que se extiende desde la
hombre virtuoso está a cargo, en
revolución científica hasta principios
buena parte, de las bellas artes.
del siglo XX. No es exagerado decir
Sin embargo hay que remarcar que no toda la música es aceptable para
filósofos
de
la
época
que la música fue tema central en los debates estéticos en el siglo XIX.
la educación del ateniense: Platón
¿Cómo es posible que algo tan
prohíbe
que
intangible como invisible nos afecte
despierta un exceso de emoción en
de tan profunda e inmediatamente?
la audiencia ya que demasiada
¿Qué relación hay entre la música y
excitación desata en los mesurados
nuestra
atenienses lo más íntimo y horroroso
entenderla como tal? ¿Por qué ésta
de su propia naturaleza.
comunica mejor que el lenguaje? En
aquella
música
La música en Platón y en general en toda Grecia, podemos decir, ocupa una
posición
forjamiento
del
importante carácter
en de
el los
subjetividad
para
poder
la obra de Friedrich Nietzsche, El origen
de
la tragedia, se trata
precisamente el tema del fenómeno musical.
helenos, ella, por sus nexos a la
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Como es bien sabido el término
bárbaros celebraban, pero desde lo
“dionisiaco”
más
es
introducido
por
de
lo
helénico
Nietzsche en la obra mencionada,
comenzaron a sentirse esos instintos
para desarrollar una teoría estética
y ese fue -escribe Nietzsche- “el
desde
las
momento más importante del culto
particularidades de la tragedia ática y
griego”: la reconciliación de Apolo y
que se sostiene en base a la relación
Dionisio, o bien, el nacimiento de la
entre dos principios o “instintos”: lo
tragedia.
la
apolíneo
y
potencias
que
lo
interpreta
dionisiaco.
son
Estas
antagónicas,
representantes cada una de un aspecto estético opuesto al otro pero que
al
mismo
tiempo
se
complementan, y al converger en lo que sería una obra de arte, dan a luz a la tragedia ática.
La música
tiene su manifiesto
principal en la excitación y el olvido de sí en las fiestas dionisiacas, recordando que en el instinto griego existen
dos
figuras
estéticas,
también cada una tiene su música: la música
apolínea
dionisiaca,
y
la
música
respectivamente.
música
arte escultor y
por otro lado, el
Nietzsche: “la música como tal”, es la
dionisiaco es el arte no
intensificadora máxima de todas las
representativo: la música. El dios
capacidades simbólicas del humano,
Apolo es el dios de todas las fuerzas
en donde tiene lugar la aniquilación
figurativas, es el representante de la
del velo de Maya y la unificación con
apariencia bella, de la luz, de todo lo
la naturaleza por medio del olvido.
que tiene límite. Dionisio, por otro lado, es el dios representante de la desmesura,
del
éxtasis
y
del
descontrol, del ímpetu subyacente en todas las cosas vivientes. En el mundo helénico Apolo protegía a los griegos de los instintos dionisiacos atroces que sólo los despreciables
dionisiaca
como
La
El instinto o principio apolíneo es el
instinto
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profundo
dice
musicales en las cuales la expresión de la solemnidad de las pasiones del hombre y los aspectos grandiosos de la
naturaleza
sensación de
conllevan
a
la
la subyugación del
ánimo y arrebato que envuelve la Esa música es la vida, es decir, la
experiencia de su música. Baudelaire
máxima representación de la vida
concluye la carta dirigiendo unas
misma. Aquí es donde se ve la
palabras de agradecimiento profundo
influencia de Schopenhauer, quien
a Wagner, primero por el acto de leer
consideraba
su
la música como
la
carta
y
también
por
sus
expresión de la voluntad misma y no
creaciones musicales: “Usted me ha
algo que la representase, como
restituido a mí mismo y a la grandeza
ocurre con otras artes. De hecho
y, además, en momentos bajos".
Schopenhauer jerarquizó las bellas artes
de
acuerdo
al
grado
de
manifestación de la voluntad, siendo la música la más suprema.
La
manera
en
que
Baudelaire
describe el carácter
majestuoso y
arrebatador
la
wagneriana,
de
sensaciones
música que
le
En una carta dirigida a Wagner
llevan a percibir “una vida más
Baudelaire confiesa ser un gran
amplia que la nuestra”, el modo en
admirador de su música, y cuenta
que ésta música respira tanto ímpetu
que en su país, Francia, no le habían
y orgullo por la vida, la pasión y
hecho mucha justicia las críticas y
exceso del espíritu, bien puede
artículos que escribieron sobre él y
recordarnos a lo que Nietzsche
en consecuencia querría distinguirse
expresa con la noción de música
“de todos esos imbéciles”. Lo que
dionisiaca,
enseguida
escribe
una
concepciones hacen de la música la
descripción
detallada
la
expresión por antonomasia de la
experiencia a la que conduce la
vida, que lleva al arrebato de las
música wagneriana. Reflexionando
emociones y colman el espíritu de
sobre la fastuosidad de las piezas
una voluptuosidad realmente intensa.
es de
pues
ambas
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