Cinéfagos - Número 18 by Cinéfagos

No. 18 nov.-dic. 2015 Edición Bimestral

Alimentándonos del séptimo arte

120 AÑOS DE CINE -Cine Documental -La Música en el Cine -Audrey Hepburn -Woody Allen -Alfred Hitchcock -Andrei Tarkovsky -James Bond -Dogma 95 -Nouvelle Vague -Cine de los 90´s -Cineastas Mexicanos

ADEMÁS Entrevistas: -Morgana Love -Christian Sida-Valenzuela -David Rodríguez Estrada -Sergio Gutiérrez -Deniss Barreto -Eva García Luna -Isabel Fregoso -Eleuterio “Tello” Rivera -While The Hearts Becomes Cobertura: -Festival Colima de Cine -Premier Spectre

Editorial Alimentándonos del séptimo arte

120 años del mejor invento del mundo DIRECTORIO Un 22 de marzo de 1895 los hermanos Lumière presentaron, de manera muy privada en París, la primera filmación realizada con su invento el cinematógrafo: La Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir. A finales del mismo año, el 28 de diciembre, organizaron también en la capital francesa la primera sesión de una proyección cinematográfica de pago. Fue en el Salón Indio del Gran Café del Boulevard des Capucines con el cortometraje antes citado, junto con el igualmente célebre La Llegada de un tren a la estación de la Ciotat y El regador regado. Desde entonces han pasado 120 años, y conmemorando esta docena de décadas desde que el llamado séptimo arte nació oficialmente, en Cinéfagos hemos decidido dedicarle un número especial a eso que tanto nos alimenta y nos hace sonreír a diario: el cine. Hablar de cine no es una empresa fácil, mucho menos después de 120 años de un arte que comenzó como un avance tecnológico, que luego pasó a ser una simple novedad para más tarde ser tratada como atracción circense, después arte y posteriormente como negocio, transitando actualmente entre estas dos últimas.

desapercibida, y entregamos en una modesta colección de textos los momentos, las corrientes, los cineastas, los actores y las películas que a la consideración de cada uno de los colaboradores son clave en este aniversario. No están todos los que deberían, pero están los que han sobresalido principalmente para cada autor, porque ante todo esa es la esencia básica del cine: el impacto individual de discursos lanzados al mundo. Adicionalmente, y continuando con lo que nos ha caracterizado, traemos para ustedes entrevistas con personajes de la localidad que aportan, cada uno a su manera, un granito de arena para construir también lo que llamamos con tanto orgullo “la tierra del cine”. Desde curadores y proyeccionistas, hasta realizadores y fotógrafos de cine, pasando por actores y programadores que ponen muy en alto el nombre de Durango aquí y en el extranjero. Dejamos pues, a su consideración, este pequeño presente que le damos al cine, esperando que sea de su agrado.

Director General Andrei Maldonado Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa Colaboradores Seth Álvarez Juan José Ortiz Sac-Nicté Calderón Daniela del Palacio Nitzia Ruiz Zapatero Fotografía Roberto Cárdenas Leonel Zúñiga Eric Eduarte Villa Diana Reyes Fotografía externa Cortesía Diseño Andrei Maldonado

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Sabedores de la gran deuda que tendremos con los lectores –sobre todo los más ávidos amantes del cine- el equipo editorial de Cinéfagos quiere que esta fecha no pase

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Andrei Maldonado

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Contenido

MORGANA LOVE ...3 ADEMÁS

Eva García Luna... 9 Christian Sida... 15 David Rodríguez...19 Deniss Barreto...23 Sergio Gutiérrez... 27 Isabel Fregoso... 33 Eleuterio Rivera... 35 Festival Colima de Cine... 39 Cine de los 90´s... 42 Alfred Hitchcock... 43 Tarkovsky.. 46 Cineastas Mexicanos... 50 Woody Allen... 51 Audrey Hepburn... 55 Cine Documental... 61 Música y Cine... 65 Nouvelle Vague... 71 Dogma 95... 77 James Bond... 79 Premier Spectre... 97 While The Hearts Becomes... 101

MORGANA LOVE

LA CLAVE ESTÁ EN CREER por ANDREI MALDONADO fotografía LEONEL ZÚÑIGA

Durante el Festival del Nuevo Cine Mexicano, en el mes de junio, Durango conoció a Morgana Love a través del documental Made in Bangkok, del director argentino Flavio Florencio. Ha sido tal el carisma de su protagonista que esta tierra la ha acogido casi como si fuera una reina. En esta ocasión Cinéfagos pudo charlar con la responsable del “amorganamiento” que se vive en la Tierra del Cine acerca de su vida, su transformación como mujer transexual y los retos que vienen en su carrera como cantante de ópera.

¿POR QUÉ EL NOMBRE MORGANA LOVE?

¿CÓMO HA SIDO TU VIDA A PARTIR DE MADE IN BANGKOK?

Morgana es el nombre de una bruja que conocí de niña a través de las películas de Hollywood sobre el mago Merlín y el Rey Arturo, pero además significa “nacida del mar”, y a mí siempre me han gustado las sirenas. Investigando más descubrí también que en realidad no se trataba de una bruja sino de la reina de las hadas, por lo que me gustó aún más, y como sonaba fuerte quise combinarlo con el sentimiento más fuerte, que es el amor. Por eso Morgana Love.

La verdad me ha cambiado mucho. Acaba de presentarse en París y hubo buena respuesta, creo que en México nos falta mucho sobre respeto y aceptación. Este documental me ha permitido ahora enfocarme en lo que me gusta, que es el canto y la música.

¿Y MORGANA TIENE UN LADO DE BRUJA? ¿CÓMO SE MANIFIESTA? (Risas) Creo que toda mujer lo tiene. Yo lo manifiesto con la música, porque es magia. La vida tiene mucha magia y la decisión es usar esa magia para bien o para mal. ¿DESDE CUÁNDO TE INICIASTE EN LA MÚSICA? Desde los 4 años. Muy joven ingresé al Conservatorio Nacional de Música y terminé la licenciatura en Cantante de Ópera. Fui clasificada como hombre por lo que me dieron el título de contratenor, el tono más agudo en voces masculinas, y ahora que soy mujer soy soprano.

¿CUÁL HA SIDO LA RECEPCIÓN EN MÉXICO DE ESTE DOCUMENTAL? Ha sido muy buena, afortunadamente es un trabajo hecho desde el corazón que ha vencido el morbo. Aquí en Durango se llevó el Premio del Público y una Mención Honorífica del jurado, en Guanajuato fue premiado como mejor documental y en Guadalajara recibimos el premio de la prensa. CUÉNTANOS, ¿CUÁNDO Y CÓMO DECIDISTE SOMETERTE A ESTA TRANSFORMACIÓN? Yo lo decidí cuando tenía 28 años, cuando caí en una profunda depresión. Yo no sabía qué era lo que me pasaba, sólo sabía que era una mujer atrapada en un cuerpo de hombre. Entonces comencé a informarme y cuando supe de este procedimiento decidí someterme a él, pues si iba a ayudarme a tener una vida plena valía la pena.

¿Y CÓMO FUERON ESOS PRIMEROS 28 AÑOS PARA TI?

¿QUÉ REACCIONES HA HABIDO CON TU FAMILIA Y AMIGOS?

Muy difíciles pues sufrí mucho bullying. Los demás chavitos no sabían qué era yo y ni yo sabía qué onda conmigo y es una situación que sufren actualmente muchas personas. Yo soy de San Miguel de Allende, un pueblito muy tradicionalista de Guanajuato, por lo que incluso ha habido muchos suicidios de chavos de 15 que sufren bullying. En ese sentido ceo que me fue bien, porque me agarré de la música para seguir.

Mis amigos siempre me han apoyado, igual mis hermanos. Creo que en eso he sido muy afortunada. Mis papás no tanto, les cayó el mundo encima cuando se enteraron, hay que entenderlo, son de un pueblo costumbrista, pero terminaron entendiéndolo, sabiendo que era para bien mío. Hoy mi madre me dice “eres mi hijo hija, no sé bien lo que eres, pero te quiero a mi lado”.

¿CUÁNTAS CIRUGÍAS SE NECESITAN PARA CONVERTIRSE EN MUJER? Realmente no te conviertes en mujer, naces mujer y sabes que hay algo en ti que está demás. Yo solo me sometí a una intervención que fue la cirugía de reasignación sexual. Es una cirugía que cuesta hasta 10 mil dólares. Me la hice en Tailandia por cuestión de la música, pues había entrado a un concurso para ganar el premio y operarme. No gané el premio, pero el médico comparte mi gusto por la ópera y al enterarse de mi caso decidió ayudarme con los gastos. A final de cuentas el universo se alineó para que la cirugía fuera una realidad y ahora pueda enfocarme en lo que realmente deseo.

TÚ YA TE ASUMISTE COMO MUJER ¿PERO LOS DEMÁS TAMBIÉN LO HACEN? La verdad no me interesa mucho si me asumen o no, algunos sí lo hacen y otros no, pero cada quién piensa como quiera, yo creo que mucho tiene que ver con el rol que tú asumas de ti mismo. ¿TE HA SERVIDO DE PUBLICIDAD TODO ESTE PROCESO? (Risas) quizá sí porque vivimos en un país con mucho morbo, pero yo no lo hice por eso, lo hice para solucionar la distancia que tenía con mis padres, porque es lo que más me dolió todo este tiempo. Creo que algo en lo que tú no tuviste la culpa no debe hacer tanto daño, y no solo hablo de las personas transexuales, hablo de todo aquél que quiere hacer cosas diferentes y que muchas veces son contrarias a lo que nuestros padres quieren para nosotros.

¿NO TEMES QUE ESPECTACIÓN HACIA DISMINUYA CONFORME MORBO DESAPAREZCA?

LA TI EL

No porque ante todo no me considero una mujer transexual, antes de todo soy una cantante, tengo diez años de formación. Creo que lo del documental fue una circunstancia como toda persona está llena de circunstancias. ¿QUÉ HA CAMBIADO A PARTIR DEL PROCESO AL QUE TE SOMETISTE? Creo que me ha dado mucha confianza. Antes de las cirugías sí me faltaba mucha confianza, la cual ahora tengo. Creo que cuando haces las cosas por convicción y con amor la gente te va respetando. ¿QUÉ SIGUE PARA MORGANA? Tengo en puerta mi primer disco como solista y la publicación de un libro con lo que ha sido este viaje y mi vida. ¿AHORA CON EL DOCUMENTAL INGRESAR AL MUNDO DEL CINE COMO ACTRIZ NO LLAMA TU ATENCIÓN? La verdad es que sí, les tengo mucho respeto a los actores de verdad que llevan años de formación, pero la verdad es que sí me gustaría. Platicando con Arcelia Ramírez me dijo que no estaba tan distante, pues como cantante de ópera llevé clases

de teatro. No es lo mismo, pero puede ayudar, quizá en un futuro. ¿QUÉ CREES QUE HACE FALTA EN MÉXICO PARA RESPETAR A LAS PERSONAS DE LA DIVERSIDAD Y QUÉ RIESGOS CREES QUE ENFRENTAN? Creo que la base de todo está en la educación y en los niños. Tenemos que educar a los niños en el respeto, y no hablo solo de las personas de la diversidad, sino a todas las personas que parecen “diferentes”. Tenemos en este país una gran diversidad que debemos preservar. En cuanto a los riesgos creo que todos los corremos cuando luchamos en lo que creemos. Quiero pensar que las autoridades trabajan en ello, pero lo que sí veo es que cada vez más la sociedad mexicana se va abriendo a esos temas.

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28 20 8

Amor por la actuación en las venas

EVA GARCÍA LUNA por ANDREI MALDONADO fotografía CORTESÍA

Eva García Luna es el nombre de una actriz y cantante que ante todo es una gran amiga y un maravilloso ser humano. Segura de lo que quiere y hacia dónde quiere llegar, pero sobretodo conocedora del camino que debe recorrer, nos compartió un poco de su vida y experiencia, que hoy la tiene conquistando por igual los sets de filmación como los escenarios y los teatros de Los Ángeles.

¿De dónde nace tu afición por la actuación?

¿Qué anécdotas o experiencias significativas te han marcado?

Desde siempre, es algo con lo que nací. Yo sé que a muchas personas les surgió el deseo de empezar esta carrera después de ser inspirados por alguna película, programa de TV, obra de teatro o por una gran actriz o actor al cual admiran. Pero en mi caso no fue así, yo nací con esto, yo nací sabiendo que esto es lo que quería hacer, no tuve que encontrar una inspiración del exterior, ha estado dentro de mi desde siempre.

Esta pregunta me cuesta mucho contestarla, tengo muchísimas, es difícil escoger, pero en general serian aquellas en las que he tomado decisiones importantes. He sido muy curiosa y aventurera y he vivido en diferentes países y ciudades y todo eso me dio mucha experiencia, aprendizaje y muchísimas anécdotas de las cuales aprender. Nunca me he detenido, siempre he ido por lo que quiero, busco y busco hasta que encuentro, seria imposible contar todas esas anécdotas, no acabaría de contarlas y la verdad me da gusto darme cuenta de esto, porque así puedo decir que he vivido al máximo y no me he quedado con ganas de nada.

¿Cuál ha sido académica?

formación

La escuela Lee Strasberg (Los Ángeles) para actuación de Método y teatro musical; David Stroud (Vocalizeu) (Los Ángeles) canto; con Armando Méndez de Music Studio (Monterrey) canto; en la ENAM (Ciudad de México) y en Music Business House of DJ (Monterrey) producción de música; actuación del método de Grotowski en la Casa de la Cultura de Durango (Durango); actuación y canto en el ITESM (Monterrey); la licenciatura en Ciencias de la Comunicación; un curso de Actuación y Danzas Árabes en Diffusion Cultural Casa Azul Artes Escénicas (Ciudad de México); curso de Actuación en EL SET de Luis Felipe Tovar (Ciudad de México) y actuación para teatro, TV y cine, además de que en la Manchester University (Inglaterra) obtuve el certificado de Ingles

¿En cuántos y en qué proyectos has participado? En varios gracias a Dios, el más reciente en cine es el de mi primer protagónico en una película llamada La Otra Vida, la cual está en postproducción, y fue dirigida por Pamela Velázquez, quien también realizo el cortometraje Ni Aquí, Ni Allá en el cual también participé y ganó como mejor cortometraje en el Festival de Cine Mexicano de Durango 2015 y en el Festival Colima Cine fue escogido para acudir a Quebec, Canadá, para ser presentado como selección oficial en el Festival Regard Sur Le Court.

Otro proyecto que me llena de gran satisfacción es el de Solidarity, dirigida por Dustin Todd, el cual realicé en Los Ángeles y ha sido merecedor de varios reconocimientos en diferentes festivales de cine alrededor del mundo; llegó a ser exhibido en el Festival de Cannes 2014 y tuve la oportunidad de participar con Elpidia Carrillo, una gran actriz mexicana, reconocida en Hollywood, quien ha participado en grandes proyectos como Siete Almas con Will Smith. Otras producciones en las que he participado en Los Ángeles son Concidental Romance, dirigido por Joseph Brandon, Desert Of Injustice, dirigido por Kieran Medina, Vicky, Christina, Arecibo, dirigida por Nick Barr; en Durango Cenicienta Rota dirigida por Andrei Maldonado, y en Monterrey Gracias Covey, dirigido por Manuel Anguiano, quien es actualmente es un reconocido director de teatro en la ciudad de Monterrey. Yo comencé mi carrera de actuación haciendo obras de teatro en la ciudad de Durango por mencionar las más importantes están Los Cuervos están de Luto y Cuca Mía en el teatro Victoria, dirigidas por Francisco Cázares; y El Instituto Ecuménico y Tommy igual en el teatro Victoria dirigidas por Víctor Hugo Galván. En Monterrey realicé la obra Cada Cosa en Su Lugar en el Auditorio Luis Elizondo, dirigida por Eduardo Cantú,

y en Los Ángeles Do you know Why en el Lee Strasberg Stage. También he tenido la oportunidad de realizar diferentes musicales en la ciudad de Los Ángeles tales como The Glory og Love, For the record, Musical that Rocks y The winner is en el Marylin Monreo Theatre, dirigidas por Wendy Rosoff y Troy Rintala. Como cantante he grabado dos sencillos en Ingles “Hot Caliente” y “Thank you”, además de un álbum en español llamado “Merezco”, del cual dos sencillos, “El Café” y “Quiero Volar”, se encuentran en tiendas digitales tales como Itunes, Amazon Music, Aple Music, Spotify, Claro Música, entre otros. También he realizado colaboraciones con Whilhem Cázares con la canción “Un día, Un mes y Un año”, un tributo a Selena “Love right back to you” del cual también realizamos video musical y una canción en reguetón en Los Ángeles con Los Insoportables, llamada “Vuelve”, igual con video musical el cual pueden ver en YouTube. Por último acabo de grabar el video musical de mi sencillo Merezco, el cual será lanzado en diciembre en internet y en diferentes canales de televisión en México y Estados Unidos. Este video fue dirigido por un director reconocido en Los Ángeles; Carlos Hurtado, el cual cuenta con varios reconocimientos.

¿Qué trabajas para poder crear a tus personajes?

no solo la admiro como actriz, sino como persona también.

En la empatía, en la realidad, en la comprensión, en la paciencia, en observar y saber escuchar a las personas, en comprender lo que estoy viviendo y lo que viven los demás. Sobre todo tener empatía con las personas a tu alrededor ayuda mucho a entender cualquier personaje, ya que entiendes a profundidad el alma y los sentimientos de tu personaje. Una vez entendiendo realmente quien es mi personaje, me puedo fusionar fácilmente con el y entender su manera de reaccionar, de sentir, de moverse, de comportarse ante cualquier situación a la que se enfrente.

¿Platícanos de tu carrera musical, desde cuándo, cómo ha sido?

¿Qué prefieres, cine o teatro? Los dos, para qué escoger si puedo hacer los dos. ¿Qué actores admiras?

influyen

No soy de las que siguen a actores, pero me gusta observar a las personas de las cuales puedo aprender, grandes personajes de la historia de la humanidad que han dejado grandes mensajes y enseñanzas como Jesucristo, Gandhi, Madre Teresa, Juana de Arco, Benito Juárez, etc. No solo como actores, pero también como personas, pero si tuviera que escoger una actriz seria Meryl Streep, ya que

Nació sin querer queriendo (risas) estudiando Actuación en Los Ángeles. Comencé a hacer teatro musical y entonces comencé a cantar y a descubrir que podía cantar (risas). Una nueva pasión surge en mí, que siempre había estado ahí, pero que por ciertas inseguridades en mi persona no había fluido. Pero ahora que la he reencontrado la disfruto más que nunca. ¿Qué proyectos tienes a futuro? ¡Muchos! No terminan, ¡quiero tanto! Pero ahora comprendo que todo se puede a su debido tiempo y que lo mejor que se puede hacer es disfrutar el proceso. A corto plazo seria hacer un tour por todo el mundo donde comparta mis canciones con las demás personas, brindar alegría y un buen rato, lleno de mensajes positivos en cada una de mis presentaciones. Otro proyecto seria producir mi propia película de la cual ya estoy desarrollando el guion. Poner una escuela de cine y actuación, con grandes maestros como todos los que he tenido oportunidad de conocer. Que mi empresa de entretenimiento crezca fuerte y exitosa. ¡Ayudar a mi comunidad latina!

Ganar reconocimientos, grammys, oscars, etc., pero sobre todo ser exitosa en lo que emprenda, ya sea como actriz, cantante o empresaria. Mantener una carrera fuerte y duradera. Que prevalezca por el resto de mi vida y tener la bendici贸n de siempre hacer lo que amo.

Javier Espada

LA INTERMINABLE HERENCIA DE BUÑUEL por ANDREI MALDONADO fotografía ROBERTO CÁRDENAS

CHRISTIAN SIDA-VALENZUELA

CON EL OJO PUESTO EN LATINOAMÉRICA por ERIC EDUARTE VILLA fotografía DIANA REYES

Cuando un artista o un visionario se va de su ciudad, no es por huir, es por ir a aprender y traer ese aprendizaje a su tierra. Su pasión por el cine Latinoamericano lo llevó a conocer festivales en el norte, centro y sur de América, de igual manera en el Caribe, donde encontró su verdadero gusto del cine, el cine de La Habana. Coordinando dos festivales de cine: el Latinoamericano en la ciudad de Vancouver, Canadá, y en su ciudad de origen, el Festival de Cine Mexicano de Durango, Christian Sida-Valenzuela compartió para Cinéfagos parte de su trayectoria como difusor y programador de festivales de cine.

¿Cómo fue tu acercamiento al

también llevó siete años asistiendo,

séptimo arte y hacía los festivales?

cuatro años que voy al de Morelia,

Mi inicio es yendo a festivales. Vivo en Canadá desde hace 15 años, trabajé en la radio pública, era periodista e iba a muchos festivales de cine y fui conociendo gente y en un momento me ofrecieron hacer un trabajo

voluntariado

como

programador de cortometrajes. ¿Desde

cuándo

has

dos años que he ido al Festival de Rio de Janeiro, son festivales que frecuento porque son modelos para conocer el cine latinoamericano, o hay algunos que he ido sólo alguna vez porque son de invitación especial y esos han sido al Festival de Cine de Trinidad y Tobago, el de Guatemala, el de Valladolid en España, el de

sido

Buenos

Aires,

Argentina.

Voy

programador de festivales y qué

muchos por invitación, o porque soy

experiencias has tenido dentro de

jurado o porque me invitan a ser

ellos?

asesor.

El festival de Vancouver tiene 13

¿Habido alguno especial para ti?

años y yo lo he dirigido por cinco ediciones,

antes

programador,

eso

coordinador

fui de

voluntarios, gerente de teatro. De experiencias han sido muchas pero lo mejor fue conocer el cine y directores latinoamericanos.

festivales distintos pero hay algunos festivales que he repetido muchas veces, por ejemplo tengo siete años visitando el festival de La Habana, o de

que más me gusta es el festival de La Habana en Cuba que se dedica a puro cine latino. Otro festival al que asistí este año fue al Festival de Cine

Guadalajara

Cartagena

Colombia

que

también me interesa mucho, pero

Han sido alrededor de 15 a 20

Festival

festival de cine latinoamericano, el

¿Qué festivales has recorrido?

Bueno, como me especializo en

sobre todo me gusta el festival de cine

Habana,

porque

conozco, he sido jurado ahí, he programado, es un festival que me gusta mucho.

que

¿Has tenido alguna complicación

para cortometraje, para largometraje

durante la organización de algún

la hacemos por invitación directa por

festival?

el hecho de que no me dedico todo el

Como

programador

uno

siempre

batalla con los distribuidores, porque las películas no son del director, le pertenecen a un agente de ventas, a un distribuidor o de alguien que ya compró los derechos de la película, entonces

distribución,

batalla

porque

las

con

películas

cuestan, no son gratis, dependiendo en qué función las requieras. Y muchas veces tienen un costo de proyección que puede ser muy caro, y también no sabes a quien le pertenece, quien tiene los derechos y es un trabajo de investigación. Y ya con el tiempo ya sabes con quien ir, aseguras los costos. En lo personal pues ya conozco a casi todos los distribuidores

cine

latinoamericano. Dentro

del

Durango, sólo lo hago por unos meses, entonces no hay el tiempo suficiente

para

abrir

festival

cine

de las películas? Este festival es un poco sui generis porque normalmente un festival tiene una convocatoria abierta, nosotros sólo tenemos este tipo convocatoria

una

convocatoria, de hacer un visionado de muchísimas películas, entonces asisto

los

festivales

más

importantes de México y ahí conozco a los productores y distribuidores y de ahí sé qué películas nos pueden interesar y se hace invitación directa, hasta este año y en los tres que he ayudado a coordinar nos hemos basado en películas de directores que no han dirigido más de dos películas, es algo como para nuevos directores, y es así como lo hemos hecho, no sé cómo lo haremos el siguiente año, si estará

abierto

para

todos

los

directores, pero así es como lo hemos venido trabajando.

mexicano ¿Cómo es la selección

año al Festival de Cine Mexicano en

La Butaca del Cácaro Alimentándonos del séptimo arte

Woody Allen la recomienda

David Rodríguez Estrada

EL DESAFÍO: HOLLYWOOD 19

por ERIC EDUARTE VILLA

De chico ya tenía atracción por el

¿Cuáles son las historias que te

arte,

gusta contar y por qué?

durante

adolescencia

descubrió que hacer cine era uno de

Dicen que un cineasta debe contar

sus sueños y como gran ejemplo ha

historias que conoce, que ha vivido y

dejado claro que no sólo hay que

en parte esto es cierto pues todos mis

perseguirlos, hay que alcanzarlos y

cortometrajes

buscar mantenerse ahí. Lejos de su

conflictos que son cercanos a mí o

tierra natal, David ha demostrado que

con

no importa donde se esté uno, sino

relacionar, sin embargo me encanta

que hay que hacer lo uno desea, y

hacer uso de mi imaginación y

parte de su trayectoria y experiencia

explorar

en el séptimo arte nos la compartió

través del cine, siempre enraizados

en Cinéfagos.

en la experiencia humana desde

¿Como inicio tu atracción hacia el séptimo arte? De niño era fanático de la novela gráfica y coleccionaba cómics. Luego empecé a dibujar y crear los míos. Después me interesé en escribir historias mientras que aprendía a

los

tratan

cuales

mundos

temas

puedo

desconocidos

luego. Me identifico con todos los temas de discriminación, intolerancia e injusticia, temas tabú que muchas veces preferimos no tocar, quizás esto se deba a que crecí en una sociedad tan conservadora como la de Durango.

usar la cámara VHS de mi papá.

¿Qué es lo más complicado de

Crecí en la nueva era digital y el

realizar tus historias allá?

haber tenido acceso a esta cámara

Las he hecho en Los Ángeles porque

me dio la posibilidad de grabar mis

acá fue donde estudié cine y es

historias y experimentar con mis

donde me quedé a vivir y como mis

amigos haciendo películas totalmente

historias tienen mucho que ver con mi

caseras. Después me dije que un día

presente

producido en Estados Unidos.

iría

Hollywood

trabajar

pues

por

eso

las

haciendo películas y así lo hice.

¿Qué experiencias te ha dado el

En tu cortometraje ¿Existes? La

filmar en otro país?

tensión del acto al que se someten

El grabar en Los Ángeles me dio la

los personajes es fuerte. ¿Tuviste

oportunidad de trabajar con actores y

alguna complicación en que ellos

fotógrafos internacionales, además

lograrán hacer la escena?

Todo

aprender

directamente

muy

bien

cuidado

cineastas establecidos. Sin embargo

momento de grabar las escenas, solo

siempre tuve el anhelo de producir

estábamos presentes la fotógrafa, el

una historia mexicana y por eso

sonidista y yo. Necesitaba que los

surgió

actores

Metástasis,

corto

que

sintieran

totalmente

grabamos en Durango en el 2013 y

cómodos para poder realizar un acto

que aborda el secuestro. Considero

tan íntimo como lo es el de la

que no importa donde grabes tu

masturbación. Todos lo hicieron de

película siempre debes considerar el

distinta manera, e incluso la actriz

lugar donde se desarrolla tu historia

persa, al ser una actriz devota del

como un personaje más de la misma,

“método”, lo hizo de verdad.

uno importante. ¿Cuál

fue

¿Proyectos futuros? mayor

reto

Actualmente

desarrollo

primer

momento de irte a otro lugar lejos

largometraje Trip, que trata acerca

de tu país?

del viaje de una chica norteña en

Fueron varios los retos y miedos que

peligro y unos surfers californianos

tuve que vencer para poder decirme a

por la costa del Pacífico hacia la

mí mismo esto es lo que quiero y por

sierra de Oaxaca, y también estoy por

esto voy a luchar. Empezando por las

grabar mi cuarto cortometraje que se

barreras del idioma, la cultura y la

titula Polychromatic, que explora el

falta de recursos, pero sobre todo me

amor a primera vista a través del

tomó algo de tiempo reconocerme a

baile.

mí

mismo

como

realizador

cinematográfico y validar mi voz como tal.

fue

Deniss Barreto

FEMINIDAD Y SOLEDAD por ANDREI MALDONADO fotografía ROBERTO CÁRDENAS

Existen historias que nos hablan, con discreta dulzura, sobre la soledad. Pero no es una dulzura que empalague, es más bien una dulzura casi agria, que nos recuerda que los sitios más bellos encierran también cierta desolación, la cual marca la delgada frontera entre lo cruel y lo real. Con pasos silenciosos pero certeros Deniss Barreto ha comenzado a constituir su propio lenguaje a partir de reminiscencias que entremezclan a Charlotte y Serge Gainsbourg con Sofía Coppola, para dar como resultado un cine que se aleja de los paradigmas que dictan que el séptimo arte mexicano debe centrarse en imágenes violentas o críticas a nuestra sociedad. En Cinéfagos tuvimos una amena charla con la joven realizadora, que ha tenido la oportunidad de filmar en España y la Ciudad de México, presentando su trabajo en el Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango este año.

¿DESDE CUÁNDO Y POR QUÉ EL CINE? Desde muy chica. Mis cuatro hermanas y yo teníamos acceso a televisión por cable y ahí veíamos muchas películas. Teníamos una pequeña cámara con la cual hacíamos nuestras pequeñas producciones: películas y videoclips. Tenía 8 años, después más grande compré un libro de efectos especiales. En secundaria me interesaba estudiar cinematografía, pero no se dio, y ya en la Escuela de Pintura y Escultura vi el cine como un soporte más para el arte. Y sobre el por qué pues porque yo pinto, entonces siento que cada fotograma es una pintura a la cual solo hace falta añadir música, y saber cómo narrarla. ¿CUÁL ES LA PRIMERA PELÍCULA CON LA QUE SENTISTE QUE EL CINE ERA ALGO MÁS QUE UN ESPECTÁCULO? Las Vírgenes Suicidas de Sofía Coppola. Me identifiqué mucho con la feminidad y la soledad expresada en esa película, es la única que me ha influenciado de gran manera no solo para el cine, también para la pintura.

¿PARA CREAR HISTORIAS PIENSAS EN DIÁLOGOS O EN IMÁGENES? En imágenes. A veces no son historias, son imágenes aisladas las que me ayudan para de ahí partir a contar una historia. MENCIONAS A SOFÍA COPPOLA Y SÍ, ESTÁ MUY PRESENTE EN TUS HISTORIAS, PERO TAMBIÉN NOTO MUCHA INFLUENCIA DE CHARLOTTE FOREVER Y DEL VIDEOCLIP DE “LEMON INCEST”, AMBOS DE SERGE GAINSBOURG, EN AMELIA PARA SIEMPRE Sí, “Lemon Incest” fue partidario para hacer lo que fue Amelia Para Siempre. De hecho todo lo relacionado con la familia Gainsbourg me llama mucho la atención, esa mezcla entre lo inocente y lo oscuro.

EN TUS TRABAJOS ESTÁ MUY MARCADO EL ROL PROTAGÓNICO, CASI ABSOLUTO, DE LA FEMINIDAD Sí, en mis primeros trabajos estaba más presente un tono romántico, después decidí no ser tan vanidosa y hablar solo de mujeres o de la feminidad, sin embargo regresé a esos temas porque no es fácil cambiar la visión que has decidido tener, no sé en qué punto decidí que esos temas no van a desaparecer. CUÉNTANOS DE TU EXPERIENCIA FILMANDO EN ESPAÑA PRELUDIO Se dio por medio de los programas de movilidad cuando todavía estaba en la universidad. Fui por un semestre y se suponía que era el primero en la clase de Audiovisuales, aunque ya tenía algunos trabajos pequeños, y tenía que hacer dos trabajos, uno de ellos fue Preludio, el cual no presenté formalmente. Es un trabajo experimental donde la actriz, Pilar Aberásturi, es una amiga mía que me invitó a pasar las vacaciones de Navidad en el País Vasco. La historia no estaba clara cuando empezamos, solo sabía que fuera mucho de introspección y de hecho el viaje que se ve es el viaje que las dos hicimos, solo introdujimos la cámara y después añadí el texto.

¿CUÁL ES LA PREMISA EN TU MÁS RECIENTE TRABAJO LA NUCA DESNUDA DE OLIVIA? Es una historia circular cuya premisa se centra en cómo nosotras como mujeres podemos admirar y enamorarnos de otra mujer sin este lado romántico. Es una narración sobre una adolescente y sus inquietudes sobre su sexualidad. SUPE QUE LO SOMETISTE AL CROWDFUNDING ¿EN QUÉ PROCESO SE ENCUENTRA? Lo metimos a Fondeadora, lamentablemente no se obtuvieron los montos, pero esto sirvió para que una productora, Angular Rentals, decidiera apoyar con todo el equipo, actualmente se encuentra en post producción. ¿QUÉ PROYECTOS TIENES A CORTO, MEDIANO O LARGO PLAZO? Me acostumbré al formato cortometraje, pero una de las razones por las que regresé a Durango de la Ciudad de México es para trabajar en mi primer largometraje, ya que haya me sentía muy lejana al ritmo de vida de la sociedad. Espero que no sea un proyecto a muy largo plazo (risas).

Sergio Gutiérrez PAMELA VELÁZQUEZ

MEJOR DEJAR UNA HUELLA QUE DEJAR UNA PELÍCULA texto y fotografía por ANDREI MALDONADO

Resulta curioso cuánto tiempo debe pasar para darse la oportunidad de por ANDREI MALDONADO conocer de verdad a las personas que te rodean. Cuando conocí a Mejor Corto Sergio Gutiérrez, hace cinco años, poco o nada sabía del que, por habladurías, era el maestro más estricto que hubiera impartido clases de Apreciación Cinematográfica en la Universidad Autónoma de Durango. Con el paso del tiempo he podido darme cuenta que más que ese rumor o algunos otros, más allá de ser el director de Cinematografía de la Secretaría de Turismo en Durango, Sergio es un gran ser humano y un estupendo artista de la lente. Por fin, y por vez primera en cinco años, tuve la oportunidad de charlar con él no más como alumno y maestro, sino como colegas de arte y amigos.

“Hecho en Durango”

¿POR QUÉ EL CINE? Quizá porque quería plasmar ideas con imágenes. Desde pequeño me provocaba crear con ideas imágenes y deseaba plasmarlas. Una vez que aprendí a plasmarlas en una película surgió la necesidad de contar algo con esas imágenes. Nunca me imaginé siendo cineasta, sino fotógrafo, pero no de bodas, pensaba ser corresponsal de guerra. Después fui aprendiendo que no se necesita estar en la guerra, pues con una imagen puedes hacer sentir a la gente como si estuvieran ahí. ¿PRIMERO PIENSA EN IMÁGENES O EN IDEAS? Es un poco simultáneo. Sí, primero empieza con imágenes pero casi al mismo tiempo vienen la ideas. Así fue en un principio, después estudié cine y me especialicé en dirección fotográfica y una vez que te especializas en este método te es más fácil pensar en imágenes. ¿CUÁL FUE LA PRIMER PELÍCULA QUE LO MARCÓ? En realidad hubo varias. Recuerdo que de muy pequeño fueron las películas de El Santo. Cuando vivía en Camargo, Chihuahua, recuerdo que me mandaban a la matiné, y aprovechaba los cortes intermedios para “interpretar” los personajes de las películas con otros niños al pie de la pantalla y a partir de ahí me di cuenta que lo que hacíamos era

hacer la misma película pero de otra manera, una nueva historia. Fui creciendo y entonces hubo otro tipo de películas que me llamaron la atención, de suspenso, principalmente Los Pájaros, de Alfred Hitchcock, pues hacer que al salir del cine les tengas miedo a unos simples pájaros me sorprendió. Otra fue Tiburón pues hasta hoy en día no puedo echarme un clavado al mar sin pensar en esas imágenes, y no creo ser el único que le pase. Fue ahí cuando entendí que el cine tenía ese impacto, hacer que una imagen se te quede en tu mente, fue ahí cuando me interesó más el diseño de la imagen: los colores, las luces, las sombras, la perspectiva. Después vinieron otras películas como las de Kubrick, por su perfección en cuanto a perspectiva y profundidad; películas como Stars War, por la creatividad de George Lucas por empezar a contarnos su historia en el cuarto capítulo, siendo yo un jovencito, y hoy ver el principio después de haber estudiado cine y entender por qué lo hizo. Hoy me inclino por un cine mucho más lento, ya no disfruto igual el cine espectacular. Me fascina, por ejemplo, el cine asiático. Sin embargo he descubierto que el cine no es más que el arte de contar historias con imágenes, sonidos y secuencias.

CUÉNTENOS DE SU FORMACIÓN, USTED ESTUDIÓ EN LA UNIVERSIDAD DE SANTIAGO DE LOS BAÑOS, EN CUBA No solo fue ir a Santiago de los Baños, sino el año en que pude hacerlo, aún no había muchas cosas. Creo que el estudio no es indispensable para hacer a un cineasta, pero sí es importante, pues incluso el que es autodidacta lo que hace es estar estudiando. Hoy en día es mucho más fácil pues puedes bajar libros, ver películas, agarrar una cámara. Sin embargo la experiencia es importante y hace la diferencia, eso es lo que puede compartir un maestro. A mí la universidad me dio el parteaguas para hacer cine con pocos recursos. En Cuba te enseñan el cine muy diferente a como te enseñarían en Nueva York o Los Ángeles, donde hay muchos recursos. Creo que la mayor enseñanza fue esa posibilidad de hacer con poco mucho, de leer el guión, de hacer historias con pocos planos pero bien diseñados, a hacer que todo el equipo entienda la idea, es lo que me dejó Santiago de los Baños, pues se especializan en eso. Creo que un fotógrafo debe ser la mano derecha del director y tiene que enamorarse del guion tal cual como lo hace el director para poder diseñar la fotografía de la película, para sumarle al proyecto. Eso me enseñaron en

Cuba, esa es la formación que yo tengo. COMO PROFESOR ¿QUÉ EXPERIENCIAS GRATIFICANTES O MEMORABLES TIENE PRESENTE? Usted es una de ellas. El tener un alumno que haya escrito un cortometraje que ganó en un festival internacional de cine es de lo más gratificante que se pueda imaginar. Tener alumnos que ya tienen su productora y hacen videoclips y publicidad brinda mucha alegría, pues te indica que la semilla que sembraste en ellos, buena o mala, germinó de alguna manera, y eso reconforta el corazón, ya no solo como cineasta, sino como ser humano. Creo que es más importante dejar una huella en alguien que una película. Me gusta mucho enseñar. Al principio no le hallaba el modo y hoy hay que enfrentarse a nuevos retos como las tecnologías y el cine personal, pero es una satisfacción muy grande encontrarte alumnos que tienen una revista de cine, que han competido y ganado con sus cortometrajes, que tienen su empresa, en fin, que están haciendo cine. Te dice “algo hice bien”, aunque no sé qué fue (risas).

ABORDEMOS UN TEMA QUE QUIZÁ NO QUIERA USTED TRATAR, PERO DEDICARSE A ELLO POR 10 AÑOS HACE IMPOSIBLE NO ABORDARLO: SU EXPERIENCIA COMO FUNCIONARIO ¿CÓMO HA SIDO SU TRABAJO, PRINCIPALMENTE PARA PODER MOSTRAR A LAS GRANDES PRODUCTORAS LOS PAISAJES DE ESTE ESTADO? (Risas) Sí, ya me imaginaba por donde iba (risas) y para responderle vuelvo a hace dos preguntas: ha sido por la experiencia. La formación que se me dio en Cuba me ha permitido conceptualizar los guiones. Cuando a mí me contactan productores o directores les pido el guion, y una vez que lo leo les digo “¿no estarás buscando esto?” y entonces se asombran de que en efecto, lo es. Han sido diez años de entender a cineastas muy radicales, pues me han tocado los que son de extrema derecha y los de la extrema izquierda, en cuestiones políticas y de cine. Tan radicales que hemos tenido que encontrar rincones de Durango que nunca creímos que pudieran ser locaciones, y eso es lo que les digo a mis alumnos, cualquier lugar es una locación si lo logras ver con el ojo del guión. Me acaba de pasar con Jorge Ramírez Suárez, quien venía a filmar Guten Tag, Ramón una semana en Durango y terminó por quedarse un mes, pues le encontramos todas las

locaciones que buscaba. Para su siguiente película, Cámara Oscura, ya escautiamos locaciones y me decía “esta ya la conozco, pero la vi con ojos de Guten Tag, y ahora traigo otros”. Si tú como creativo consigues eso podrás ver locaciones en cualquier parte. DERIVADO DE ESO MISMO HA PODIDO VIAJAR Y CONOCER CINE DE TODAS PARTES, COMO FUE HACE POCO EL DE INDIA ¿QUÉ EXPERIENCIAS HA APRENDIDO Y CUÁNTO DE ESO PUEDE REPLICARSE EN MÉXICO Y EN DURANGO? ¿Se lo digo cómo cineasta o como funcionario? (risas) creo que lo complicado es dimensionar las cosas, y cuando aprendes a hacer eso cambia toda tu perspectiva. Por ejemplo, en India se tienen 6 mil salas, en Durango no más de 35. Para tener actividad en todas esas salas se requieren mínimo mil películas al año ¿se imagina cuántos fotógrafos, cuántas empresas de renta de equipos, cuántos crew se necesitan para mil películas al año? Para sobrevivir allá se requiere ser una eminencia, pues mientras en México se gradúan al año 30 cineastas allá lo hacen mil 500 ¡tienes que ser muy bueno! Eso deberíamos aprender, pues no es un cine que se exporte, sino uno que se autoconsume.

CINE ¿INDUSTRIA O ARTE? Mire, me ha tocado ir a otras partes, a Cannes, por ejemplo, y te encuentras con la industria, la que te enseña a hacer películas al gusto de la gente y de acuerdo a la época del año en que decidas proyectarla. Eso no lo quita lo artístico a la película, porque para poder hacer una comedia romántica que le llegue al público debes de saber hacer lo tuyo muy bien. Creo que son dos conceptos que no deben estar peleados, de hecho coexisten. La industria permite que se siga haciendo cine de arte, y el arte fomenta a que exista industria. Creo que a lo que debemos apostar los cineastas mexicanos es a crear producciones de calidad que compitan con cualquier otra, y creo que se está haciendo. Debemos dejar de pensar que el “cine mexicano”, y recalco las comillas para quien no me ve (risas) no es un género, es el que está hecho por mexicanos, pero en él existen todos los géneros. Creo que en eso debemos especializarnos, en crear directores de terror, directores de ciencia ficción, directores de drama. LO DEJÓ CLARO PERO ¿POR CUAL SE INCLINA? (Risas) Por las dos. Creo que coexisten, que son necesarias. Pienso que se debe apostar por hacer cintas comerciales para poder seguir haciendo las artísticas. Entiendo la parte de “yo hago el cine

que me gusta”, pero no creo que haya por qué pelearse con la fuente de ingresos de este arte. Toquemos la puerta del espectador e interesémonos por lo que quiere ver, pues el cine genera sentimientos, pero también genera empleos. Hay que hacer industria para seguir haciendo arte. ¿PROYECTOS A FUTURO? Un cortometraje con usted (risas) creo que seguir haciendo que más películas vengan a Durango. Creo que soy de los pocos a los que les gusta su trabajo, sobretodo la parte de sensibilizar no a uno, sino a dos gobiernos, de la importancia de reactivar la industria fílmica en el estado y todo lo que con ello ha venido: que exista un festival de cine, que aumenten las producciones locales, que hoy en día puedan los jóvenes pedir un museo para hacer un trabajo y se abran las puertas, pues ya se encuentran acostumbrados a eso. Como director de fotografía quiero seguir fotografiando películas, es algo que me fascina. Siempre he creído que el cine es el arte de contar historias con imágenes en movimiento y eso es algo que voy a amar toda la vida. Llevo en esta industria que me albergó desde 1992, así que si se viene la oportunidad de fotografiar una nueva película lo haré, aunque ya no puedo moverme igual que antes, pero por fortuna las cámaras son más pequeñas (risas).

Isabel Fregoso

DOCUMENTAL: ARTE DE ESENCIA HUMANA texto y fotografía por ERIC EDUARTE VILLA

Recientemente arribó a tierras duranguenses la cineasta originaria de Guadalajara Isabel Cristina Fregoso para impartir un taller de cine documental, así como inaugurar la edición 2015 de la gira DOCTUBRE en Durango. Durante su estancia compartió y enseñó a un grupo de jóvenes que se inician en el ambiente cinematográfico el quehacer en el cine documental. En esta oportunidad Isabel nos compartió un poco de su visión cinematográfica.

¿Cómo viste la participación de los

¿Crees que haya una diferencia en

jóvenes duranguenses en el taller?

lo que cuenta una película de

Vi una participación muy nutrida, muy

ficción y un documental?

entusiasta, de quienes tomaron el

Pues son dos géneros distintos,

taller e incluso llegó más gente

partiendo de que en el cine de ficción

conforme pasaban los días. Al ser

se plantea un guión y una creación

una semana de curso abarcábamos

del cien por ciento. Claro que también

los

hay una investigación para tener la

una

verosimilitud en las películas, ya sea

reflexión respecto al cine documental.

de época o de ciencia ficción o de lo

Me dieron gusto los comentarios que

que sea, y también debe tener un

escuché, pues fue que se habían

planteamiento estético, pero que al

descubierto nuevas miradas, con una

final es eso, cien por ciento ficción en

aproximación

una

alguna forma. Y el documental lo que

tiene es que retoma o cosecha de la

temas

propósito

mayor

muy era

rápido, en

apertura,

pero

realidad

documental, en

términos

lenguaje, de la preparación y de los

realidad

alcances que puede tener nuestra

construir un nuevo relato, como una

creatividad en el cine documental.

adaptación de la realidad, que nos

¿Cómo

has

visto

ambiente

cinematográfico en Durango? Es la segunda vez que estoy aquí, ya había venido a acompañar a Felipe

Cazals

cuando

hizo

Chicogrande, estuve como tres días porque en ese tiempo yo trabajaba en la Universidad de Guadalajara y fuimos co-productores de su película, y ahí vi muchos jóvenes con muchas ganas de aprender del cine y de otras artes.

muchos

elementos

para

ayude a mirarla con mayor detalle, esa es la idea. Y por supuesto que permite al ser humano trascender las ideas y las creencias. Permite además evocar: nuevos paisajes y nuevos retos de la persona. Para eso son los dos, tanto para ficción como para el documental. No creo que uno sea menor que el otro, al contrario, los dos pueden desplegarse y ser buenas o malas películas, simplemente.

Eleuterio Rivera “Tello”

LA NOSTALGIA DE UN CÁCARO texto y fotografía por ERIC EDUARTE VILLA

Alguna vez nos preguntamos quien

Eleuterio

Rivera

era

conocido

como

responsable

Tello,

mejor Cácaro

proyectarán las películas en una sala

querido de los cinéfilos y asistentes a

de cine para disfrutar de esa magia.

Los siempre incógnitos y refugiados

Revueltas, bajó de la cabina mágica

en un pequeño cuarto donde tienen a

para compartir con Cinéfagos su vida

la mano el arma más fantástica que

y experiencias como proyeccionista

se haya creado para el universo

de salas de cine.

cinematográfico, el proyector.

que

González,

Cineteca

Municipal

Silvestre

¿Cómo fue que empezó a trabajar

entrada al cine costaba 4 pesos.

en los cines?

Después de limpiar me preguntó que

Empecé a trabajar en un cine de Santiago Papasquiaro, me metía de trampa a ver las películas, y había un

si quería laborar ahí y le dije que si, y así fue como comencé a trabajar en los cines.

guardia de seguridad que me sacaba

¿De qué manera logró llegar a

a cada rato, después a la dueña del

operar los proyectores de cine?

cine la cansé porque me dijo que ya la tenía harta por colarme a las funciones.

Precisamente

ese

tiempo, por ahí de los años 84 y 85, fue cuando yo vi la primera película del Titanic en blanco y negro, una cinta alemana de los años 30. En ese tiempo la dueña del cine me dijo que si quería ver la película completa que le barriera el lobby del cine y le dije que sí se lo barría y ya con eso me dejó entrar a la sala.

Fue después de un tiempo que yo ya trabajaba de manera formal en el aseo del cine. Un día subí a la caseta de

proyección

para

ver

como

trabajaban las máquinas y el Cácaro de ahí me corría a cada rato porque no le gustaba que nadie entrara a ver los proyectores, me dijo que no volviera a subir porque era muy peligroso y cosas así. Pero igual yo seguí insistiendo hasta que un día me preguntó que si yo quería entrar a

Estando ya adentro volvió el guardia

aprender a mover las máquinas y le

de seguridad y me sacó nuevamente,

dije que sí, me advirtió que este

y le pregunté que qué era lo que

trabajo era pesado y aburrido, le dije

pasaba y me dijo: “Te habla la

que

patrona del cine”, al llegar con ella me

aprender. Y así fue como empecé a

dijo que fuera a dulcería por un

operar las máquinas.

importaba,

quería

refresco y un hot-dog y dije “¡A todo dar!” Para cuando terminó la película y salí ella me dijo que volviera a barrer el lobby y me pagó 4 pesos por volver asear. En aquel entonces la

¿Cuánto tiempo estuvo trabajando

que ese era el problema, ya que yo a

en esa sala?

nadie conocía aquí en Durango.

Estuve trabajando ahí como unos 11

¿En cuál sala de cine comenzó a

años. De pura proyección me aventé

trabajar aquí en Durango?

como 8 años, ahí aprendí a proyectar películas, pegar, despegar las cintas y lo más importante, a arreglar las máquinas.

había muchas personas que querían trabajar ahí, entonces había que hacer méritos para agarrar plazas en

¿En qué momento vino a Durango

los cines. Fui a Santiago Papasquiaro

y porqué?

por la carta de recomendación y volví

Llegue a Durango porque entraron las nuevas

tecnologías,

las

videocaseteras y poco a poco se fueron cerrando las tres salas que estaban en Santiago Papasquiaro. Yo llegue aquí en 1992 una vez que cerró la última sala en Santiago, aparte que yo allá estaba sólo, aquí en Durango se encontraba toda mi familia. Después de un rato de llegar fui al sindicato de las salas de cine de Durango, ahí contacté al secretario general del sindicato. Cuando le pedí el trabajo me preguntó que qué sabía yo hacer en los cines, y le dije que de todo; desde barrer hasta trabajar los proyectores, todo lo que aprendí en Santiago. En ese momento me pidió una carta de recomendación y le dije

Fue en la sala Cinema 2001, pero

inmediatamente,

entonces

entregué la carta de recomendación al secretario y ese mismo día me mandó a trabajar al Cinema 2001. ¿En cuántas salas de cine laboró? Fueron muchas, empezando en el cinema 2001, luego en el Cine Durango, después en el Cinema Centauro, seguí en la sala Dolores del río, Cinema Insurgentes, sala 2000, sala Vizcaya, continué en el Cinema Dorado 70 para después ir a Cinépolis, posteriormente llegué a la sala Silvestre Revueltas que luego se convirtió en la Cineteca Municipal.

¿Qué diferencia apreció de trabajar

pegarlas y embobinarlas. Eso si se

en una cadena como Cinépolis a

extraña. Porque no es lo mismo

este tipo de salas en las que hoy

manejar una cinta que un disco.

trabaja?

Tras todos esos cambios¿Cómo se

Las máquinas, principalmente, que

siente

eran muy diferentes, cuando yo entré

operador de cine?

Cinépolis

proyectores

operaba la

vez

cuatro todavía

alcance a operar 4 máquinas durante unos 4 años.

trabajando

aún

como

Bueno, yo soy el operador más viejo pero me siento muy bien en mi trabajo, siempre me ha gustado, prácticamente casi toda mi vida he

¿Cuáles han sido sus experiencias

trabajado en este tipo de salas, tengo

más agradables en el cine?

30 años trabajando en puro cine, es

Mis experiencias más agradables es ver

sala

llena,

que

haya

movimiento, que haya mucha gente. Porque es muy triste como las salas

toda una vida, me siento bien. Al principio me aburría porque estaba más pleno, pero ahorita ya a mi edad ya es mucha la diferencia.

se van cerrando poco a poco, y

¿Hay alguna película que lo haya

también se va yendo la fuente de

marcado?

empleo y todo gracias a lo digital. Porque antes trabajar una máquina era bonito, ahorita con lo digital es más calmado, era muy agradable trabajar

con

las

cintas

milímetros. ¿Qué siente de ese cambio? Lo que se siente es que ya no hay tanto movimiento, uno ya no tiene que despegar tantas cintas, ya no hay que enviarlas, pedirlas, despegarlas,

Hay una y precisamente la vi aquí en la Cineteca. La película es la de Cinema Paradiso. No es por nada pero yo me reflejo en esa película como trabajador de un cine. A lo que hace el niño en la película es lo que yo hacía, cuando iba a ver cómo trabajaban las máquinas y cómo el operador lo sacaba de ahí, cómo lo corría. Es lo mismo que me pasaba a mí.

Festival Colima de Cine

MÁS CINE PARA COLIMA ¡POR FAVOR! por SETH ÁLVAREZ fotografía CORTESÍA

Del primero al cinco de octubre, se llevó a cabo uno de los acontecimientos cinematográficos más importantes del estado de Colima: El Festival Colima de Cine 2015. Este evento reunió la mejor selección de películas nacionales y extranjeras; cursos, conferencias y cortometrajes, de manera gratuita e incluyente. En esta ocasión, y como cada año, durante su celebración se honró a dos invitados especiales con grandes méritos en el ámbito cinematográfico. En la emisión pasada, le tocó al actor cómico Rafael Inclán y esta vez a la excelente actriz Vanessa Bauche y al prestigiado director colombiano Víctor Gaviria.

Vanessa Bauche se ha destacado en importantes proyectos como Amores Perros, Hasta Morir y Al Otro Lado, por nombrar solo algunos, y en esta ocasión, y como reconocimiento a su importante carrera, durante el evento se presentaron de manera exitosa sus películas Piedras Negras, de Ángel Flores Torres, Las Vueltas de Citrilo, de Felipe Cazals, y Silent Love de Federico Hidalgo. Por otro lado el invitado especial extranjero, Víctor Gaviria, reconocido cineasta colombiano y ganador de diversos premios en importantes festivales de cine alrededor del mundo, dio la interesante conferencia “Cine de Realidad” y presentó sus películas Sumas y Restas, La Vendedora de Rosas y Rodrigo D: No futuro.

Dentro de los talleres de formación se llevó a cabo el curso “Guion y Producción” impartido por Ozcar Ramírez, un destacado productor cinematográfico con amplia experiencia en el medio. Hay que señalar que dicho curso contó con el apoyo del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) y que resultó muy concurrido, en su mayoría, por estudiantes interesados en el medio cinematográfico. De las películas que se disfrutaron en la muestra se exhibieron también: Güeros, La Última y nos Vamos, El Comienzo del Tiempo, Perdidos, Me Quedo Contigo, La Delgada Línea Amarilla, Eddy Reynolds y los Ángeles de Acero, Club Sándwich, Carmín Tropical y por último La Increíble Historia del Niño de Piedra, interesante película de animación que fue muy bien recibida entre el público infantil.

La entrada a todos los eventos fue gratuita y cada película se exhibió en diferentes ocasiones y en distintas sedes. Después de cada función, el público tuvo la oportunidad de charlar con las personalidades invitadas, entre las que se encontraban los directores Víctor Gaviria, Diego Cohen, Gustavo Moheno, Celso R García, Noé Santillán López, Artemio Narro y Bernardo Arellano; los actores Vanessa Buche, Álvaro Guerrero y José Sefami; así como la escritora Diana González y el productor Jaime Bernardo Ramos.

Además, como cada año, se proyectaron los finalistas del concurso “Colima en Corto”, del que resultó como ganador el proyecto Volverte a Ver de Abraham Escobedo. Así mismo, se otorgó una mención especial al cortometraje La Bicicleta de Alejandro y Alberto Anguiano, y una segunda mención para el corto Madrid de Jonathan Torres. Al mismo tiempo, se eligió el corto Ni aquí, ni allá, de Pamela Velázquez, para presentarlo en el Festival de Regard Sur Le Court, en Quebec, Canadá, y se dio otra mención especial en el mismo rubro a Hilda Paulina Meléndez por su proyecto Aurea. Al finalizar el festival se concedió, como en otras ocasiones, un reconocimiento simbólico por parte de la audiencia para la película La Delgada Línea Amarilla del director Celso R. García, una entrañable cinta que narra los conflictos que atraviesan un grupo de trabajadores que son contratados para pintar la línea divisoria de la carretera y que tiene entre sus créditos la participación de Silverio Palacios, Joaquín Cosió, Damián Alcázar, Gustavo Sánchez Parra y Américo Hollander.

Con respecto a la gran aceptación que ha tenido las anteriores emisiones, el director del festival, José Antonio Elo, manifestó sentirse muy contento con los resultados y comentó emocionado, refiriéndose a la cantidad de proyectos que se recibieron para el concurso de cortometrajes, que ya se ven los frutos y que cada vez son más los trabajos que se están haciendo en el

estado y la calidad de los mismos ha aumentado considerablemente. El FCC se viene realizando desde el 2012 y es organizado por la Secretaría de Cultura del Estado de Colima, Cinérgica y Conaculta. Tiene como objetivo el acercamiento del séptimo arte, especialmente el cine mexicano, a todas las personas; así como fomentar y promover la actividad cinematográfica en el Estado de Colima. Después de una intensa semana de cine mexicano, trabajo arduo y amor al séptimo arte, solo resta decir que esperamos con ansias la siguiente edición. Más cine en Colima por favor…

Cine Recomienda: Cintas que revolucionaron los 90's Los 90´s fueron años de cambios políticos, ideológicos y tecnológicos en todo el mundo. El cine no se quedó atrás y brindó su aporte con cineastas llenos de ideas frescas y cintas que se volvieron de culto. Estas son solo tres recomendaciones que en Cinéfagos les hacemos.

Pulp Fiction (Q. Tarantino) La obra maestra de alguien que no estudió cine, pero fue al cine. Ejecuciones indiscriminadas, diálogos simples, el mejor soundtrack y John Travolta bailando ¿se puede pedir más?

PI (D. Aronofsky) Catalogada de “bizarra”, en realidad PI ha sido la mejor carta de presentación de Darren, el cual nos entregó un guion exquisito, innovador, revulsivo por sus emplazamientos de cámara y su narrativa visual.

Trainspotting (D. Boyle)

¿Quién que haya vivido los 90´s puede no sentirse identificado con esta cinta? Si gustan de ver locuras, estafas, traiciones entre amigos y gente saliendo de inodoros esta es su película.

UN GÉNERO, UNA ESCUELA texto por ERIC EDUARTE VILLA

Cuando el cine lograba posicionarse

Esa tensión por fin se pudo sentir en

en el mundo como un medio de

gran medida en la década de los

atracción

donde

años veinte, en la cual director inglés

imágenes

con

ensamblaban

música

estas

Alfred

Joseph

Hitchcock

contaban una historia, causó gran

mantenía al espectador aferrado a su

impresión para el espectador cuando

butaca.

exhibió

por

vez

primera

cortometraje Asalto y robo de un tren del director Edwin S. Porter en 1903, durante la época del cine silente.

Este

film

mostraba

una

historia ficticia, llena de drama, acción y hasta de tensión, pero apenas era el comienzo de esas emociones para el espectador.

llamado

Iniciador de grandes elementos y conceptos que hoy caracterizan a películas

dentro

del

thriller,

maestro del suspenso le daba un giro espectacular y sutil al momento de admirar películas, por lo que también se le considera Maestro del cine.

Desde sus primeros trabajos ya daba

Se puede decir que Psicosis es hoy

cuenta de su revolución fílmica. Su

en día una de las cinta completas,

especialidad se detonó en cuatro

donde en este rompecabezas no falta

géneros cinematográficos, atrapado

ni una pieza, ya que lo tiene todo:

al espectador de principio a fin,

personajes

asombrándolo, asustándolo, llevando

historia

al límite.

dramáticos en su punto, un misterio

Trabajos de espionaje, de suspenso, de drama, de atemorizar a más de uno. Plasmó personajes realistas en situaciones realistas, para emociones realistas. No sólo sabía explotar grandes novelas para adaptarlas a la pantalla, supo más que nada explotar audiencias.

despiadado

hasta

carácter

frívolo,

cierto

punto,

exigiendo el límite de los actores y llevándolos más allá, fue parte clave para la atmosfera reflejada en sus

bien

fabricados,

lograda,

con

una giros

que no deja dormir y una música que la

complementa

para

ser

una

exquisita obra de arte. Pero ese miedo lo trasladó a unas criaturas aparentemente inofensivas, hacia las aves. Después de que la gente vio la película Los Pájaros el temor de que en cualquier momento estos animales pidieran atacar a los transeúntes era mayor, sobre todo al salir del cine ya muy tarde y al ver una congregación de pájaros en cables y árboles.

cintas, algunas muy oscuras como

Pero

Psicosis, donde desnuda al humano

especialidades que antes del terror,

para

perversos

llevaba a la audiencia al suspenso e

deseos de maldad, con el mítico

intriga con una serie de películas que

personaje de Norman Bates, dando

realizó sobre espionaje, películas que

un final nunca antes visto en el cine,

influenciaron en gran parte a sagas

un hombre con una dualidad de

mundialmente reconocidas como las

personalidad aterradora, inquietando

de James Bond, que también en

al espectador, como si este fuera el

parte inspiró a su amigo Ian Fleming

verdadero Dr. Jekyll y Mr. Hayde.

en la escrituras de las novelas del

revelar

sus

más

Alfred

tenía

tantas

famoso espía británico.

Su cuarta carta lleva por título el Drama, donde también daba maestría de su forma psicológica para capturar a la audiencia. En este género entran películas

como

Rebeca,

Vértigo,

Suspicion, Con M de Muerte. Una filmografía de más de 50 películas y la mayoría bajo el sello del suspenso. Pero

puede

hablar

Hitchcock sin recordar su programa Alfred Hitchcock presents, que fue una serie televisiva entre los años de 1955 y 1965, donde ofrecía una serie llena de dramas, thrillers y misterios, lo que mejor siempre supo hacer. En esta

serie

numerosos

actores

participaron como Charles Bronson, Robert

Duvall,

Steve

McQueen,

Roger Moore, Robert Redford, Burt Reynolds, Martin Sheen, entre otros. Su legado prevalece en cada escena de

intriga

que

nos

llega

presentar en alguna pantalla; algunas son muy notorias, otras realmente parecen haber aprendido del buen Alfred,

algunas

homenajeando a su cine.

terminan

Maestro del cine soviético

TARKOVSKY: IMPRESCINDIBLE por NITZIA RUIZ ZAPATERO

Resulta imprescindible para el séptimo arte y su historia hacer alusión a la aportación del cine soviético, propuesto de inicio por el gran Sergei Einsenstein y seguido por un director, escritor y actor que será considerado por muchos el mejor de todos los tiempos: Andréi Tarkovsky

Siendo uno de los máximos representantes del cine ruso por el grado receptivo que logra con el espectador, encontrando en sus películas las más hermosas escenas y composiciones, fotogramas cargados de información; películas controvertidas que han sido catalogadas como lentas o difíciles de entender por el intenso grado de intimidad y profundidad que alcanzan, una verdadera muestra de lenguaje cinematográfico, lenguaje creado por un poeta del cine. Hablar de su legado y filmografía representa una exhaustiva tarea, por ello, una relación de coincidencia con el séptimo arte y la curiosa anécdota cuando se preguntaba a Tarkovsky sobre su retiro, la explicación era que, una bruja le había dicho que solamente serían siete sus películas, y así fue, y le dijo también que serían siete importantísimas películas del cine, y así fue también. La primera de ellas, La infancia de Ivan (1962), está basada en un relato de Vladímir Bogomólov sobre el periplo de un niño de doce años que queda huérfano durante la Segunda Guerra Mundial y es "adoptado" por los soldados. En 1966, una película épica de 205 minutos, Andrei Rublev, sobre un místico pintor iconográfico medieval, describe la era del terror de los mongoles y los tártaros a principios del insalubre siglo XV, filme que en sus épocas las autoridades prohibieron por rigor histórico, violencia y por ser aterradora, no obstante es catalogada como su primer gran obra maestra.

Solaris, filmada en 1972, dice ser la respuesta de Tarkovsky a 2001 de Kubrick, la cual consideraba fría y estéril; sin embargo de ella heredó sus tomas XXL y los meticulosos encuadres simétricos. Solaris ganó el gran premio del jurado de Cannes. The mirror (1975), basado en un proyecto autobiográfico sobre la infancia del realizador, se titulaba originalmente Un luminoso, luminoso día, un verso del famoso poeta Arseniy Tarkovski, su padre. Stalker (1979), un verdadero thriller psicológico, la destreza sumamente destacable de Tarkovsky para jugar con la mente del espectador, imágenes completamente inolvidables, belleza y suspenso inteligente. Nostalgia, realizada en 1983, narra la historia de un escritor que al sentirse asfixiado por el típico vacío existencial que les sucede a los intelectuales cuando les llega el éxito, escapa de su infeliz matrimonio y huye a la Toscana, donde todo es sepia, donde conoce a un señor que le advierte del fin del mundo, situación que lo pondrá a reflexionar. El Sacrificio (1985) Los amigos y enemigos de un crítico de teatro viajan a su isla para celebrar su cumpleaños, la radio interrumpe para declarar la II Guerra Mundial, una película sobre la guerra fría que para muchos tiene una tendencia bergmaniana, acompañada de la inspiración y admiración por Buñuel.

Añadido a su filmografía, en su ensayo Esculpir el Tiempo, pondrá en manifiesto parte importante de su legado, siendo un texto de relevante en las artes. En este, Tarkovsky considera al cine como el arte supremo, escribiendo a todos aquellos interesados en conocer al artista detrás de las películas, a aquellos que buscan hacer una mejor lectura de las películas (no solo de las suyas. sino de cualquier película), lecturas donde podamos clarificar qué se habrá querido decir y cómo es que se contó. Tarkovski criticó al cine de producción de obras no artísticas, al cine comercial, y sobre todo, apostó por el cine que busca sensibilizar, convencido de que el séptimo arte debe ser “un medio para explorar los problemas más complejos de nuestro tiempo”. Ingmar Bergman, su mejor alumno, lo consideraba el máximo cineasta. Akira Kurosawa y Roberto Rosellini, sus grandes seguidores. Un cineasta interesado en el hombre y la búsqueda de respuestas de la vida misma, profundizó sobre la decadencia de la verdadera espiritualidad en la sociedad moderna y la incapacidad de la humanidad para responder a las demandas de la tecnología. En nuestros días, donde lo tecnológico diariamente es potenciado, las reflexiones y experiencias que el legado de Tarkovsky ha compartido seguirán trayendo frutos al presente, poniendo al infinito en lo finito de cada una de sus películas.

Cine Recomienda: Tres cintas para entender el cine mexicano

Por sus temáticas, impacto en las audiencias influjo en otro cineastas y aporte al cine estas películas las hemos considerado como las más importantes de la filmografía nacional.

LOS CAIFANES (J. Ibáñez) Sin duda alguna la película más adelantada a su propio tiempo que haya dado este país. Los Caifanes resultó ser más que un simple revulsivo a la monotonía del cine mexicano de los 60´s, significó, por las formas en que se filmó, la primera película de carácter independiente.

EL APANDO (F. Cazals) Guión que el escritor duranguense José Revueltas escribió durante su encierro en Lecumberri, El Apando es de lo mejor que cuenta el cine mexicano, sobretodo teniendo en cuenta que se filmó durante la complicada década de los 70's.

EL CASTILLO DE LA PUREZA (A. Ripstein)

Basada en una historia real, esta película cuenta con las actuaciones inigualables de Claudio Brook, María Rojo, Diana Bracho y Arturo Beristain. Una joya inigualable que no le pide nada a ningún cine extranjero.

especial

Woody Allen Genio, figura y locura por JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ

Quizá la manera en que tendría que empezar a hablarles sobre este peculiar director tendría que ser de la manera más objetiva y racional, pero eso sería ir en contra de todo lo que el psicoanalista cine de Woody Allen nos ha enseñado, así que empezaré diciendo que este señor es mi director de cine favorito -peleándose muy de cerca este puesto con el violento Quentin Tarantino-.

Lejano aquél 1969 en que después

Un amigo bloguero se referiría a

de que Jerry Lewis no pudiera dirigir

Woody Allen al respecto como "el

Take the Money and Run í ◘◘ŕ Ŧ

director de los diálogos perfectos" Y

Allen

guión

sin duda lo es, pues sus guiones son

-coescrito con Mickey Rose, viejo

tan inteligentes y perfectos que uno

compañero de la escuela- dirección y

creería que esas palabras ni siquiera

papel principal, y sin darse cuenta, ni

existen, pero quizá por eso sea tan

él, ni el público, ni los críticos -o quizá

íntimo y exquisito el cine de este

si- estaba empezando una de las

hombre de 80 años.

hizo

cargo

del

carreras más prolíferas y respetadas de la historia del cine moderno.

Un hombre que nos puede llevar desde ir tras un ladrón nada astuto, o

Woody Allen tiene en su haber 46

hasta un hombre de cuarenta y tantos

películas -una película filmada por

años

año desde aquel 1969- y aunque ha

rompimiento con una mujer a la que

incursionado en prácticamente todos

prácticamente consideraba una tonta,

los géneros de la dramaturgia, como

hasta ese escritor fracasado que

comedia romántica, comedia criminal,

termina

comedia

celebridades de Hollywood

documental,

suspense,

que

no puede

escribiendo

superar el

sobre

las y se

intriga, y otros, siempre esta ese sello

enamora de la joven y promiscua

Allen, el más amante declarado del

novia de uno de ellos, o de ese mago

cine de Ingmar Bergman -y quizá su

lleno de racionalidad que termina

influencia más grande a la hora de

enamorándose

filmar en algunas de sus películas

charlatana, o de un tenista que está

como September- y de Groucho

dispuesto a hacer cualquier cosa por

Marx; Woody Allen quizá sea el

cubrir la tentación en que cayó con tal

director que más ha hecho un cine

de no perder todo lo que le han dado,

intelectual e inteligente que no sea

o de un pintor que se enamora "no de

europeo,

una, de dos norteamericanas" por las

acceso.

que

todos

tenemos

una

joven

que está perdiendo la cabeza; o de un escritor que descubre el Paris del que todos quisiéramos una asomada.

En fin, la lista es interminable y más

dos mujeres para al final no quedarse

sin embargo por muy compleja que

con ninguna. Tan loca es su manera

sea tienen dos cosas en común; la

de hacer cine, que en la vida real no

primera es que en todas Woody Allen

podía ser distinto. Pesimista a más no

logra enamorarnos de sus musas y

poder de lo que es la vida, ateo, que

de esa maravillosa fotografía, ya sea

tiene

en el extranjero o en su amada

premiaciones y galardones del cine

Manhattan a blanco y negro o a color;

comercial, un amante de su clarinete.

y la segunda es que todo nace de la

De su vida personal hablaremos en

cabeza de este director. Amante de la

otra ocasión.

magia, de la escritura y literatura rusa -como ya no lo ha dejado muy claro en sus películas- del buen cine como el de Fellini y la buena música. Quizá eso sea lo más valioso de su cine, que Woody Allen es uno de los pocos directores norteamericanos -y quizá uno de los últimos del siglo pasadoque logra cumplir la tarea más importante del séptimo arte, y esta es comprimir y hacer cómplices a los otros seis artes en poco más de 90

odio

declarado

las

Zelig, Bananas, Manhattan, Annie Hall, Sueños de un Seductor, Anna y sus hermanas, La Rosa Purpura del Cairo, Amor y Muerte, Poderosa Afrodita, Vicky Cristina Barcelona, Medianoche en Paris, Blue Jasmine y la más reciente visita del tío Woody -como lo llamaran en El Clarín hace unas

semanas-,

Hombre

Irracional, son sólo algunas de las películas de este gran director. Algunas nos han regalado cuadros

minutos. Aunque quizá el verdadero arte de Woody está en hacer que un buen y verdadero

cinéfilo

identificado,

adentro

cómplice

cada

sienta

siendo

una

sus

películas. Yo por mi parte les puedo decir que amo tomar el papel del hombre maduro que se enamora de

para la eternidad, no sólo en la historia del cine, y otras han sido completamente, de inicio a fin; obras de arte. Así que sólo me queda decirles que genios y locos en este mundo quedamos muy pocos, y quizá este señor sea uno de los más valiosos que nos quedan.

Dos vagabundos:

HOLLY GOLIGHTLY Y LA BÚSQUEDA DE UN HOGAR por SAC-NICTÉ CALDERÓN

Un hogar puede adquirir diversas

Sin embargo, descubrir este espacio

formas. Para los más convencionales,

puede ser un camino complejo y

es una casa con puertas y ventanas,

doloroso, con el riesgo de que ante el

el lugar donde crecimos o el que nos

menor descuido se convierta en

hizo madurar. Para los aventureros,

laberinto,

es una ciudad en su totalidad: los

recurrente tanto en la literatura como

rincones

en el cine: personajes que buscan

cierto

barrio,

las

sido

desesperadamente

que

pertenecer, como si al encontrarlo lo

medianoche y las calles que se

hicieran con ellos mismos. Así, la

recorren

los

búsqueda de un hogar no es sólo la

románticos, bastan los brazos de

necesidad de un espacio físico para

quién se ama.

pasar los días, sino un viaje de

cierra

esa

sino

hora.

hasta

Para

lugar

tema

escaleras de un teatro, una cafetería no

para

introspección que va de la mano con el anhelo de experimentar, de crecer.

En su carrera, Audrey Hepburn interpretó a una serie de personajes que, por situaciones distintas, perseguían ese sueño, encontrar el lugar correcto y transformarse al descubrirse a sí mismas. Si bien esta evolución se encuentra en Vacaciones en Roma, Sabrina, Mi bella dama y Funny Face, en este texto, sin embargo, hablaré de una “muy encantadora y muy asustada chica, que vive sola, a excepción de un gato sin nombre”: Holly Golightly. Tiffany de madrugada. Desayuno con diamantes, dirigida por Blake Edwards, narra la historia de Holly Golightly, una joven neoyorquina que lleva una vida sencilla y sin ataduras, pero a ratos extravagante. Un día, se muda a su edificio Paul Varjak, un escritor que si bien en personalidad resulta ser completamente opuesto a Holly, desde el primer momento el espectador entiende que lo que tienen en común es su condición de seres solitarios. Basada en una adaptación libre de la novela del mismo título de Truman Capote, con George Peppard en el papel de Paul Varjak, la película ha cargado con una polémica desde su estreno en 1961: Capote quería que Marilyn Monroe interpretara a Holly Golightly. En su artículo “Breakfast at Tiffany’s: when Audrey Hepburn won Marilyn Monroe’s role”, publicado en The Guardian en 2009, Sarah Churchwell escribe que: “como El Gran Gatsby, de Fitzgerald, Desayuno con

diamantes es fundamentalmente una historia sobre el sueño americano. La novela de Capote, si no es sobre pesadillas, es acerca de los costos de ese sueño. El filme –como la mayoría de las películas de Hollywood- está enfocado a ver esos sueños como el cumplimiento de un deseo […] como Holly Golightly y Monroe, Jay Gatsby es un verdadero farsante. Pero Hepburn representó un sueño de autenticidad en lugar de imitación, de éxito en lugar de fracaso, de seguridad en lugar de escape […] La película es, en una palabra, radiante; está llena de esperanza”. “¿Te importa si te llamo Fred?” Tal vez ahora resulte imposible imaginar a alguien más usando un vestido negro de Givenchy, parada frente al escaparate de Tiffany, o cantando Moon River con una toalla en el cabello. Pero la realidad es que para muchos críticos de cine Hepburn no encajaba con el personaje creado por Capote, pues la perciben mucho más “atrevida” de la Holly que ella encarnó. Sin embargo, hay quien opina lo contrario y es fácil entender el porqué: la actriz le dio una dosis de melancolía que salta en cuánto pretende disfrazar sus sentimientos; cuando finge que no le duele lastimar a Paul o despedirse de Doc Golightly.

Este sentimiento que la rodea recae principalmente en los años que ha estado separada de su hermano Fred. Cada acción que realiza, sus intenciones de ahorrar, de ganar dinero “haciendo lo que tenga que hacer para conseguirlo”, están guiadas hacia el anhelo de estar de nuevo a su lado. Es el único fragmento de su pasado que desea conservar. El parecido de Paul con ese joven del que sólo se sabe que se encuentra en el ejército, es uno de los motivos iniciales de la simpatía que Holly desarrolla hacia el escritor: 4:30 a.m. y Holly ha entrado al departamento de Paul por una ventana. “¿Te importa si te llamo ‘Fred’?”, le pregunta, para minutos después dormir a su lado porque “somos amigos, ¿verdad?”.

Así, la conexión con Paul se vuelve inmediata y, para quién observa, creíble: ella es una “dama de compañía” que recibe “cincuenta dólares para ir al tocador, más cincuenta para el taxi”, cansada de los canallas y “súper canallas” que la persiguen pero cuya presencia suele desaparecer con tanta facilidad que parecen vulnerables a la luz del día.

A él lo mantiene una mujer mayor. Casi sin darse cuenta, Holly comprende que puede mostrarse de forma honesta frente a él, y por instinto así lo hace. Tal vez por su propia soledad, Paul advierte los motivos por los que Holly está asustada y, también por instinto, logra entenderla: comprende que la soledad algunas veces es traicionera, que Holly se niega a darle un nombre a su gato porque aunque busca un hogar, no significa que encontrarlo y establecerse sea menos aterrador que continuar vagando bajo una falsa sensación de confianza. Él ve más allá de lo que su vecina muestra al mundo y siente que, por primera vez, puede cuidar de alguien. En “La posibilidad de una casa”, Erik Alonso escribe que “Roithamer ama a su hermana ‘más que nada en el mundo’. Y Wittgenstein también. Y Bernhard decía eso mismo de su abuelo. Y mi abuelo de su familia. Como si el amor fuera una representación específica de la construcción, algo que no termina nunca de edificarse, que se erige y se derrumba. Pienso que si la vida sirve para algo, sería para eso: para edificar conos en el bosque, casas en los cerros, para empeñar la vida en las ideas más desmesuradas, para construir con las manos un lugar donde descubrir el mundo”.

Two drifters off to see the world / There's such a lot of world to see / We're after the same rainbow's end… canta Holly Golightly y Paul Varjak, que en esos momentos escribía sobre ella, se levanta de su escritorio para escucharla desde la ventana. La canción parece un aviso: dos vagabundos que persiguen el final del arcoíris. No es necesario resumir por completo uno de los finales icónicos de la historia del cine, basta decir que Holly, bajo la lluvia, abrazada al gato sin nombre que momentos antes había desechado de su vida con la intención de probar su independencia y que finalmente ha aceptado como suyo, mira a Paul y entiende que tenía razón: “las personas sí pertenecen a las personas”. Y tal vez, en ese breve instante, descubre que ahí radica el secreto del hogar que ha perseguido: el amor para resguardarse de la lluvia, el amor que, como dice Erik Alonso, permite construir un lugar desde el cual se descubre el mundo.

Cine Documental

EL PRIMER PLANO DE LA CINEMATOGRAFÍA por ERIC EDUARTE VILLA

El cine se convirtió en el arte de conservar los recuerdos del mundo una tarde en un café de París. Aquella vez aún nada existía de lo que hoy conocemos como el séptimo arte, simplemente se daba a conocer un aparato nunca antes visto que registraba el andar de las personas. Un registro que varios años después se le llamó Cine Documento. Después de que las historias ficticias se apoderaban del cine, el documentar los acontecimientos diarios no dejó ser un atractivo para contar historias.

La gente quería saber cómo era su mundo, había que seguir haciendo registros fílmicos de todo lo que se pudiera. Entonces los documentales nacían poco a poco, hasta llegar a ser un género cinematográfico de gran importancia y necesidad de saber como vivían las personas, como eran las ciudades, las historias que guardaban.

En 1922 nace el primer documental

manera ir construyendo parte del

titulado

lenguaje audiovisual.

Nanook

the

North,

traducido al español como Nanuk, el Esquimal, irigido por uno de los padres

del

documental,

Robert

Flaherty. Documental que fue dos veces filmado, ya que los primeros 10 mil metros de cinta con material ya capturado fueron destruidos por un incendio. Curiosamente fue algo que a Flaherty no le preocupó ya que todo lo que había registrado no le había

Después de aquellos trabajos de Robert y de Vértov llegaron más creadores a seguir guardando la realidad como tal, el documental fue evolucionando

hasta

tener

clasificaciones dentro del género. En esa

evolución

nuevos

directores

dejarían su huella en la historia del cine.

después

Uno que dejó una gran huella en la

algunos especialistas del género no

filmografía de México fue el ruso

lo consideraron un documental ya

Serguéi

Einseinstein

que ciertas escenas se encontraban

excelsa

obra

manipuladas por el mismo director,

titulada ¡Viva México! que Serguéi

casi al grado de caer en algo de

nunca llegó a montar, y que durante

ficción. Un trabajo que sólo se enfocó

mucho tiempo fue reconstruida por

a registrar la vida de un esquimal.

varios directores presentándola bajo

gustado.

Mucho

tiempo

El segundo padre del documental, Dziga Vértov, llegaría a dejar un gran legado con su film El hombre de la cámara, que muestra la vida en día de un operador soviético, dedicado a filmar San Petersburgo desde el amanecer

hasta

anochecer,

relacionándose con la modalidad de documentales urbanos que tuvieron gran éxito en aquella época y de esa

diversos

con

fílmica

nombres:

aquella

inconclusa

Thunder

Over

Mexico, Eisenstein in Mexico, Death Day y Time in the Sun. Y fue a finales de los 70´s que el compatriota de Einseinstein,

Grigori

Aleksándrov,

tomó los story boards originales e hizo

montaje

del

documental,

teniendo una aproximación a lo que Serguéi buscaba obtener, siendo esa edición la que se ha exhibido por todas partes.

Este trabajo no sólo ha pasado a la historia siendo una de las obras inconclusas de unos de los mejores directores rusos, sino también por ser la pionera en registrar monumentos arqueológicos de México, dándoles un aire cinematográfico, reflejando también el sincretismo de las distintas visiones que coexisten en México alrededor del tema de la muerte.

A lo largo de estos 120 años de cine, el documental ha dejado grandes trabajos por todo el mundo y registrando la historia diaria que se genera. A lo largo de ese tiempo han surgido diferentes tipos de documental; Centrado en un acontecimiento, De viaje, Ciudad amurallada, de carácter Histórico, El documental del absurdo, Película de tesis, La comedia excéntrica, Película biográfica, El documental negro, Documental cronista, Documental abogado y Documental explorador.

La ficción también se ha valido para mezclarse con el documental, creándose el llamado Falso documental, que de ser un experimento se ha convertido en género bien logrado, teniendo un recurso narrativo diferente tanto de la ficción como del documental mismo, una apuesta aceptable por la audiencias y que poco a poco ha obtenido excelentes resultados. Los primeros trabajos de los Falsos documentales incluye la obra fílmica de Woody Allen titulada Zelig, de 1983, que narra la vida de un hombre que adopta la apariencia de las personas que tiene alrededor. Han sido muchos los trabajos bajo este formato donde destacan las películas The Blair Witch Project, Rec, Alien Aduption, Noviembre, Un día sin mexicanos, The Fourth Kind, La verdadera historia del cine, entre otros. Algunos de ellos dentro del género del terror donde llevan al espectador a ser un protagonista más, teniéndolo en primer plano y experimentar la tensión y los miedos de forma casi real y personal de la forma más cercana posible.

Además de las películas ya mencionados les dejamos esta breve lista con 10 documentales recomendados. 1. Born into Brothels (Nacidos en el Burdel) Dir. Ross Kauffman & Zana Briski 2. Waltz With Bashir (Vals con Bashir) Dir. Ari Folman 3. 5 Broken Cameras (Cinco Cámaras rotas) Dir. Emad Burnat, Guy Davidi 4. Searching for Sugar man (Buscando a Sugarman) Dir. Malik Bendjelloul 5. War Photographer (Fotógrafo de Guerra) Dir. Christian Frei 6. The Imposter (El Impostor) Dir. Bart Layton 7. Quebranto – Dir. Roberto Fiesco 8. Let It Be - Michael LindsayHogg 9. Pina – Dir. Wim Wenders 10. Suite Habana – Dir. Fernando Pérez

Música en el cine

Cuando las películas cantan por ERIC EDUARTE VILLA

Desde que apareció el cine sonoro,

No se puede negar que existen

allá en los años treinta, la música

excelentes temas a pesar de lo mal

llegó para adueñarse de nuestros

de la película. Pero esa incursión y

sentimientos hacia un film. A lo largo

éxito de la música en el cine provocó

de casi un siglo las bandas sonoras

que se generará un género nuevo: los

han sido tan galardonadas como la

musicales, que crearon grandiosas

propia cinta. Muchos han sido los

cintas, historias a partir de la música,

clásicos auditivos que prevalecerán

como los grandes clásicos: Cantando

como cualquier éxito musical fuera

bajo la lluvia, La novicia rebelde,

del cine. Desde aquellas soundtracks

Mary Poppins, Grease, Dirty Dancing,

emblemáticos

como

entre otros. También influyó a crear

Casablanca con la canción “As time

historias donde la música es el

goes

Sam

enrollo de la trama, cintas donde sus

(Dooley Wilson) en una de las

personajes tienen a la música como

escenas más memorables del cine,

aliado para lograr su objetivo, tal es el

hasta

orquestaciones

caso de películas como La leyenda

monumentales que nos hacen evocar

de 1900, Violines en el cielo, El violín,

la película o hasta un fragmento

Fuga, Whiplash, La Vie en Rose y

importante de nuestras vidas.

muchas más.

by”

películas

interpretada

las

por

A lo largo de estas 10 décadas nos

Fanfare de la 20th Century Fox del

hemos dado cuenta que no sólo

compositor Alferd Newman, quien fue

crecemos con las películas, sino

director musical en la cinta Tiempos

también con las bandas sonoras.

Modernos

Canciones, instrumental, no importa

nominado muchas veces al Oscar,

el género, tienen algo especial, es

galardonándose

quizá

que

dorada en varias ocasiones; pero no

proviene del séptimo arte, que le da

fue todo, dejo una gran herencia en

un toque único, conquistándonos y

quedándose

también se convirtió en un icono en la

esa

chispa

para

mágica

siempre

hijo

Charles

con

Thomas

Chaplin,

estatuilla

Newman,

quien

nosotros.

música del cine.

Pero ¿cuáles son esos ensambles

sonoros de letras y notas musicales

instrumentales que nos han motivado

que

quedarán

día a día como cinéfilos, se encuentra

plasmadas en nuestros recuerdos?

entre tantos soundtrack´s la sinfonía

Son muchas pero vale hacer un breve

de películas como Rocky que si bien

listado de las más emblemáticas,

la cinta es para muchos un producto

dividiéndolas

comercial y lo que busca crear en

sinfonías, al igual grandes nombres

taquilla, la música cuenta otra cosa y

de intérpretes y músicos.

es lo que genera e inspira en la vida;

prevalecido

canciones

Primeramente hay que saber que no sólo

las

películas

han

tenido

grandiosos soundtrack, así mismo series de televisión muestran un antecedente musical muy rico y hasta los intros de los grandes estudios se agregan

las

musicalización

cinematográfica. La más conocida de los grandes

hablamos

las

piezas

la composición de Bill Conti es una fortaleza

para

hombre,

para

superarse a sí mismo y romper con los obstáculos que se atraviesen, sin importar a lo que se dediquen, no tienen que ser boxeadores de un ring para

dejarse

empapar

por

ese

mensaje musical, la vida misma es un combate y Bill logró dejar ese legado interno en cada persona.

estudios es sin duda la sintonía

Otra sinfonía con esa transcendencia

con

Cinema Paradiso.

libertad

superación

encontramos en el soundtrack de la cinta Victory (Escape a la victoria) también compuesta por Conti, y qué decir de la obra maestra de Vangelis en Chariots of the fire, que ha sido acompañante en cada atleta de la olimpiadas

para

ganar

alguna

medalla.

maravillosa

música

Si existe un camaleón en las bandas sonoras es el músico alemán Hans Zimmer, que ha entregado múltiples sonidos: melancólicos, de esperanza, de libertad, hasta oscuros. Quien no recuerda

infancia

aquella

música de El rey león que ha sacado más

una

lágrima

las

Pero esa inspiración y motivación

generaciones que crecieron con esa

también

cinta, o aquella carrera de autos en

soundtracks que de alguna manera

Days of Thunder de un piloto que

ayudan a vivir y superarse en la

busca vencer sus miedos ¿cuántos

soledad y en dolor, como aquel tema

de nosotros no luchamos con miedos

principal de la cinta Midnight Express,

composición

Giorgio

excelente soundtrack para luchar; con

Moroder, quien también nos deja un

la música de The Last Samurai, y de

excelso soundtrack en Scarface que

esos tonos oscuros y al mismo

tanto al comienzo como al final de la

tiempo de una grandeza motivacional

cinta nos adentra en el ser, en los

convertida en arte puro con las

sentimientos de Tony Montana sin

sinfonías de The Davinci Code y

dejar esa vivencia personal de triunfar

Batman

Begins

en la soledad.

crédito

con

encuentran

del

italiano

Otro director italiano que nos ha enamorado con sus composiciones en sin duda el gran maestro Ennio Morricone, que nos ha llevado a sentir la tensión de un duelo del viejo western hasta sentir amor por el cine

esa

diario?

Hans

estadounidense Howard.

nos

donde el James

deja

otro

comparte compositor Newton

Alguien que no debemos pasar por

Melody” de Rigtheous Brothers en

alto y que su música nos hace sentir

Ghost, “She” de Elvis Costello en

niños y jóvenes para enamorarnos de

Nothing Hill y la más famosa “My

las protagonistas de las películas

heart Will Go On” de la voz de Celine

donde suena su música, siendo casi

Dion. Cabe destacar que dentro del

la mano derecha del maestro Hayao

romance

Miyazaki, es el maestro japonés Joe

composiciones que derraman pasión

Hisaishi. No se puede dejar de

y dolor como es el caso la banda

pensar en Chihiro, en Sophie, en

sonora

Totoro, en las grandes historias de

Corazón, piezas musicales de la

Miyazaki al escuchar los temas de

película hechas por el argentino

Joe.

Osvaldo Montes, o dónde ese amor

En el universo de los soundtrack también existen las letras vocales, aquellas interpretadas por actores o cantantes. Como al principio de este artículo se encuentran los temas de los

musicales,

haciendo

evocar

escenas míticas como Gene Kelly en

desamor

lado

existen

Oscuro

del

se lleva a la misma música causando ese efecto amargo de una pasión no lograda y después ser usada como método de escape, como sucede con la sinfonía Rapsodia Macabra en la película

Fuga

del

chileno

Pablo

Larraín.

Cantando Bajo la Lluvia, que de

Viendo hacia los soundtracks de

manera magistral la replicó Alex

Latinoamérica no se puede escapar

DeLarge en La Naranja Mecánica. Y

uno de los más grandes compositores

aquel baile romántico de Patrick

que ha dado este continente y es el

Swayze

argentino

y Jennifer Grey mientras suena “Time

culpable de grandes bandas sonoras

of my life” en Dirty Dancing, al igual la

para películas como Amores Perros,

épica canción de Grease en la voz de

Diarios de Motocicleta, Secreto en la

John Travolta y Olivia Newton-John.

montaña, Babel y 21 gramos.

Gustavo

Santaolalla,

Y si de temas románticos se trata, basta

con

recordar

“Unchained

No todo ha sido composición original,

Un tema que no debemos descartar y

han habido películas, pero sobre todo

que lo primero que nos atrapó de esta

directores,

utilizado

película no fue su historia ni los

canciones ya lanzadas anteriormente

grandes efectos especiales, fue su

a la película, alguno de ellos hasta

banda sonora con la cual conquistó a

temas

millones de cinéfilos en todo el

Strauss,

que

clásicos

han

Tchaikowsky

Beethoven, Wagner,

mundo desde los primeros segundos,

como Kubrick. Tarantino es otro que

y es esa explosión sonora y magistral

de John Williams en Star Wars, con el

título de la película cubriendo en su

optado

grabados

por con

usar

temas

anterioridad;

filmografía está repleta de excelentes

totalidad

pantalla,

visual

temas que vuelven a tener otro giro

auditivamente cautivó a millones de

de éxito tras la incursión en las

personas en todo el mundo, mismo

películas.

efecto con la música de las películas de James Bond al mirar ese círculo blanco donde aparece el legendario agente secreto disparando.

Breve

lista

soundtrack’

recomendables.

1. But the Blame on Mame – Rita

Sinfonía:

Heyworth (Gilda) 2. Over the Rainbow – Judy

1. Amélie – Yann Tiersen 2. Schindler´s

List

–

John

Paradiso

–

Ennio

Williams 3. Cinema Morricone

6. The Lord of the ring – Howard Shore 7. El viaje de Chihiro – Joe Hisaishi

9. El lado oscuro del Corazón – Osvaldo Montes

Gustavo Santaolalla

(Breakfast at Tiffany´s) 4. The circle of life – Elton John

(Karate Kid II) 6. Street of Philadelphia - Bruce Springsteen (Philadelphia) 7. The

Wrestler

–

Bruce

Springsteen (The Wrestler)

8. Blade Runner – Vangelis

Motocicleta

3. Moon River – Audrey Hepburn

5. Glory of love – Peter Cetera

5. The Godfather –Nino Rota

Garland (The wizard of Oz)

(The Lion King)

4. Inception – Hans Zimmer

10. Diarios

Canciones:

–

8. Raindrops Keep Falling ´on my head – Burt Bacharach 9. Sing on the rain – Gene Kelly ĈĆB Born to Be Will – Steppenwolf

(Easy Rider)

Cuando el cine no bast贸, hubo que reinventarlo por ANDREI MALDONADO

Cada cierto tiempo el cine, y el arte en general, requieren un movimiento, una revolución que sacuda sus cimientos y elimine eso que trata de convertirse en canon. A lo largo de 120 años muchas han sido las épocas y etapas del cine, pero quizá una de las más significativas, tanto en estética como en argumentos, fue la Nouvelle Vague francesa.

â&#x20AC;&#x153;Toda historia debe tener un inicio, un punto de desarrollo y un final, pero no precisamente en ese ordenâ&#x20AC;?

-Jean-Luc Godard-

Primero fue el invento tecnológico, después el espectáculo circense, poco más tarde la posibilidad del arte y entonces llegó la industria. Pero cuando la industria comenzó a dominar la esencia primigenia del cine un grupo de jóvenes, provenientes del mundo de la crítica cinematográfica, salieron al mundo armados de cámaras, pocos recursos y muchas ganas de que el cine mostrara algo más que historias en un set. Fue precisamente esa, el filmar en locaciones abiertas, una de las principales características de la Nueva Ola. Motivados por el cine de Alfred Hitchcock, los jóvenes cineastas asaltaron las calles parisinas subiéndose a techos, trepándose a los cofres de los autos, destruyendo los paradigmas que hasta el momento dominaban el séptimo arte. Otra premisa estaba por romperse: cámaras más baratas contra las grandes producciones norteamericanas. Y es que los noveles realizadores surgidos de la Cahiers du cinema querían historias reales, personajes de verdad, jóvenes que también pensaran en política, en el futuro, en lo que acontecía en su país y en el mundo, y no solo los muñecos prefabricados que quisieran bailar rock´n roll en las cintas de Hollywood. Segunda premisa, quedarse sin reglas para hacer que el cine fuera, ante todo, vía de reflexión y catarsis.

De esta generación de innovadores creadores surgen cintas emblemáticas para la historia de la cinematografía mundial como Los 400 Golpes, Hiroshima Mon Amour, Sin Aliento, El Año Pasado en Marienbad, Una Mujer es una Mujer, Jules y Jim, Cleo de 5 a 7, Pierrot el Loco, Besos Robados, Masculino Femenino y Fahrenheit 451, por mencionar algunas, orquestadas por cineastas como Jean-Luc Godard, Francois Truffaut, Alain Resnais, Agnes Varda, entre otros.

El poder de esta revolución ideológica dentro del cine se expandió y dominó de 1958 a 1972. Después los movimientos ideológicos en Francia y el hecho de que muchos de sus miembros (con excepción de Godard, que hasta el día de hoy sigue experimentando y haciendo cine a su manera), terminaran anexándose al cine industrial –sin dejar de lado su aguda visión- provocaron que la Nouvelle Vague terminara.

Pero, más allá de que el movimiento como tal haya concluido, los alcances que este tuvo y sus repercusiones en las siguientes generaciones de cineastas quedan vigentes hasta nuestros días, prueba de ello es cada realizador que rompe con el eje, que lanza planos aberrantes, que se atreve a hacer largas secuencias con pocos diálogos, que apuesta por el plano secuencia. Todos estos aspectos son herencia de los hijos de André Bazin, los miembros de la Nueva Ola.

Cine y nada más

Del mismo modo que François Truffaut o Jean-Luc Godard en Francia, en Dinamarca también se iba a cultivar un sentimiento de romper con los cánones establecidos por la industria cinematográfica del momento.

Así, el director danés pasó a leer lo que ellos mismos llamaron como “Manifiesto del Dogma 95”, una serie de reglas que se debían seguir para crear una obra que se adaptase a las exigencias de este nuevo modo de hacer cine.

El momento seleccionado para inaugurar el Dogma 95 no fue escogido al azar. En 1995 se celebraba el centenario del séptimo arte, 100 años desde que los hermanos Lumière efectuaran su primera proyección, una ocasión que no fue aprovechada por Lars von Trier para leer un discurso sobre dicha celebración, sino para inaugurar ante todo el mundo la vanguardia que intentaría quebrar los pilares sobre los que se sustentan las producciones de Hollywood.

Al margen de si somos adeptos o críticos del Dogma 95, como mínimo, debemos reconocer que intentar combatir la industria estadounidense en plena década de los noventa supone un signo de valentía. Las corrientes buscan cambiar el rumbo de lo existente, y son éstas las que en su conjunto resultan necesarias para definir nuestra cultura actual.

Manifiesto ? [ ◘ℓ ŉ◘ŕ Ă╨ śℓ Ċ╜ś■ś■ ĳ ĵ ś ▄▄śōĂŉℓ ś Ă

cabo en locaciones reales. No se puede decorar ni crear un "set".. ? El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar ). ? Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película tiene lugar). ? La película tiene que ser en color. Luz especial o artificial no está permitida (si la luz no alcanza para rodar una determinada escena, ésta debe ser eliminada o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara). ? Se prohíben los efectos ópticos y los filtros. ? La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden mostrarse armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia). ? Se prohíbe la alienación temporal o espacial.. ? No se aceptan películas de género. ? El formato de la película debe ser el Académico de 35mm (1:1.85) ? El director no debe aparecer en los títulos de crédito.

BOND... JAMES BOND

(53 años después nadie lo hace mejor) por ERIC EDUARTE VILLA

Un mundo se calmaba para observar

Ahí, en esa exótica isla del Caribe,

lo que estaba dejando uno de los

Fleming

mayores sucesos que cambió el

Goldeneye. Su complicidad en el

rumbo de la humanidad. Cuantas

evento más sangriento del siglo XX le

historias se contarían, cuántos libros

daría las herramientas para dejar un

se escribirían y cuantas películas se

gran legado al mundo del cine, un

filmarían,

legado sutil, elegante y explosivo

Segunda Guerra Mundial. Una guerra

cuando se ha pronunciado a lo largo

que inspiró a muchas obras de arte.

de medio siglo, una frase tan corta y

Una de esas obras nació en la mente

significativa para el séptimo arte:

de un excombatiente que trabajó para

Bond… James Bond.

todo

para

recordar

el servicio de inteligencia de la Gran Bretaña. Concluido el holocausto el militar naval de nombre Ian Lancaster Fleming decidió renunciar al servicio secreto y refugiarse en Jamaica, lejos del conflicto bélico que aún sus cenizas ardían por toda Europa.

levantaría

residencia

Después de unos años, en 1953 se

entonces presidente John F. Kennedy

publicaba en librerías del Reino Unido

dio a conocer su top ten de libros

una novela con el título Casino

favoritos a una revista. En la lista

Royale, de inmediato causó gran

figuraba la novela “From Russia With

expectación

lectores

Love” de Fleming. Los productores

británicos la historia de un espía con

decidieron que esa fuera la segunda

código

película

entre

los

esparcía

como

del

agente

marcó

realizarse,

Norteamérica. Fue entonces el 5 de

parámetro y la forma de hacer cine de

octubre de 1962 que nacían quizá los

espionaje. Si bien el maestro del

dos grandes íconos de la cultura

suspenso

musical y cinematográfica de la Gran

considerado de uno de los pioneros

Bretaña. Por un lado cuatro chicos de

del género de espionaje en el cine,

Liverpool grababan su primer sencillo

fueron las cintas de JB las que más

en una cadena de televisión. “Love

han influido en este tipo de películas.

me do” era el tema que presentaba al

El mismo Hitchcock a nada estuvo de

mundo a The Beatles; al mismo

dirigir la primera cinta del 007. A

tiempo, cerca de ahí, en uno de los

pesar de su declinación se le hizo un

teatros más importantes de Londres,

homenaje en una de las escenas

un hombre en la pantalla vestido

finales de la misma From Russia With

elegantemente mientras la cámara lo

Love con la famosa escena de la

seguía inesperadamente disparaba

película North By Northwest donde

hacía la audiencia. El 007 también se

Cary Grant huye de una avioneta.

presentaba al mundo.

Connery repite la misma acción pero

Dr. No, el efecto Bond no tardó en dar la vuelta al mundo a pesar de que en Estados Unidos apenas se posicionó en el lugar 20 del ranking de taquilla, pero no tardaría en estar en el gusto

perseguido

Alfred

por

que

espuma por toda Europa, no así en

Tras estrenarse la primera película,

cinta

Inglés

Hitchcock

helicóptero.

También Cary estuvo a punto de convertirse en el primer 007 del cine, pero al final la dirección fue para Terence Young y el protagónico para Sean.

del público norteamericano cuando el

Sean Barry Nelson; El primer intento. James Bond apareció primero en la televisión antes de su aventura en el cine. En 1954 se creó un telefilm con el título de la primera novela, Casino Royale. Aún sin los elementos que hoy se conoce en las cintas del 007, esta serie televisiva fracasó y salió del aire tras su muestra inicial. Como dato curioso, el actor que personificó a Bond era estadounidense, al igual que el mismo agente, en lugar de ser británico.

Connery;

Escocés.

Sus

Caballero

primeros

empleos

fueron repartidor de leche, pulidor de ataúdes y chofer de camión. En su juventud se alistó en la Marina Real británica, tras un tiempo de servicio retomó su vida en Escocia para encontrar una nueva faceta en su vida. Habiendo madurado su cuerpo para

deportes,

fisicoculturismo

se y

integró

años

después

formó parte de un club de fútbol de la liga

oportunidad

Escocia, de

teniendo

firmar

la buen

contrato. Decidió colgar los botines para formarse en la actuación, tras varios pequeños papeles le llegó la oportunidad de interpretar al agente 007, siendo esta participación la que lo

catapultara

reconocimiento

fama

mundial.

Pero

al no

sería todo para Connery. Después de Bond demostró ser un maestro en la actuación, consiguiendo un Oscar por su participación en The Untouchables en 1987. Perduró en Dr. No (1962), From

Russia

Goldfinger

With

Love

(1964),

(1963),

Thunderball

(1965), You Only Live Twice (1967), Diamonds

Are

Forever

(1971)

Never Say Never Again (1983).

Extraído del modelaje y de algunos David Niven; El Bond cómico. Tras la Bondmanía se decidió llevar la primera novela del espía a la pantalla grande bajo el formato de comedia. Para ello se convocó a distintos directores para que realizaran la parodia del espía creado por Ian Fleming, Niven fue el seleccionado para tener una licencia para… ¡hacer reír! La comicidad de este Bond fue mal recibida por la crítica. Y quizá eso fue un punto a favor para David para saltar a otros personajes y otras películas donde realmente obtuvo elogios

reconocimiento,

comerciales para la TV, anunciaba un apocalipsis para el famoso personaje y la saga misma, y a pesar de que no fue bien visto por los fans, interpretó a un James Bond distinto, sensible y hasta

enamorado.

única

participación en un film del 007 entregó una película con otro toque a las demás, con un final inesperado, trágico pero con un gran sabor de boca, que hoy ya es una de las elementales cintas de la franquicia. Su licencia doble 0 le alcanzó sólo para

Her

Majesty's

Secret

Service (1969).

participación en la cinta Separate

Tables (Mesas separadas) le valió para galardonarse con la estatuilla dorada de la academia, su fama también se debe por algunas películas de la Pantera Rosa. George

Lazenby;

debut

despedida. Único actor 007 que no nació

isla

anglosajona.

Originario de Australia, para muchos eso fue una maldición para que interpretara en una sola ocasión al espía británico, además de su nula experiencia como actor de cine.

Roger Moore; Sencillez de un espía. Si por algo se le recuerda a Moore tras ser James Bond es que vivió y dejó morir, y por ese gran carisma y buen humor que reflejaba en cada producción y por donde quiera que se le viera. De esa forma se ganó el apreció de los fanáticos de la serie, elevó la saga a un camino largo por existir. El actor londinense tuvo dos momentos de éxito y fama, el primero de ellos se dio con la serie de televisión, El Santo (de 1962 a 1969) en la Gran Bretaña, y su interpretación de agente secreto por la cual fue mundialmente reconocido. Pero ese reconocimiento también va más allá de personificar al famoso espía de Fleming, y es que desde 2001 es embajador de la UNICEF. Debutó como 007 con una mayor madurez como lo hicieron Connery y Lazenby. Su licencia doble 0 le otorgó 7 películas: Live and Let Die (1973), The Man With The Golden Gun (1974), Spy Who Loved Me (1977), Moonraker (1979), For You Eyes Only (1981), Octopussy (1983) y A View To a Kill (1985).

Timothy Dalton; Agresividad y frialdad. Para muchos Dalton llegó a interpretar a un verdadero espía, lejos de los estereotipos que dejaron Connery y Moore, Timothy mostraba un 007 de más acción con mayor juventud que sus antecesores. Su participación cayó en el momento justo para dar un nuevo y fresco aire a la serie, ya que a finales de los 80´s las cintas de acción que se llevaban los reflectores eran las icónicas Duro de matar, Blade Runner e incluso el boxeador Rocky se vestía de héroe en el cine. Bond necesitaba renovar su licencia, sus dos únicas películas que interpretó al espía fueron suficientes para reclamar su sitio dentro del género cinematográfico. Su licencia doble 0 le valió para dos cintas: The Living Daylights (1987) y Licence to a Kill (1989).

encontrar un 007 que fuera algo que Pierce

Brosnan;

noventera

Elegancia

servicio

majestad. Pareciera que la fórmula del 007 se encontraba en las series de

televisión

Inglaterra.

Tras

concluir su participación en la serie Remington Steele se le otorgó la licencia para matar. Quizá es el Bond con el que más se identifica la juventud de hoy, al ser el James que muchos vimos por primera vez. El humor volvía en el espía, algo que no veíamos desde Moore, además que era un Bond nuevo por sus películas que se adaptaban a la nueva era. “¿Esperabas a alguien más?” fueron las

primeras

presentación agente

palabras

inglés,

Brosnan

como

durante el

primer

teaser de la cinta Goldeneye. Eso denotó que Bond viniera renovado, distinto, algo que no habíamos visto antes. Su licencia le bastó para 4 películas:

Goldeneye

(1995),

Tomorrow Never Dies (1997), The World is Not Enough (1999), Die

nunca habían sido los demás. Había más candidatos y mayor exigencia para interpretar al personaje. De entre una enorme lista llegó un casi desconocido

rubio

Daniel

Wroughton Craig. Su elección fue polémica por su falta de parecido con los anteriores actores que dieron vida al espía del MI6. Ya con amplió antecedente fílmico y con un cuerpo atlético dio razón desde la primera escena por qué fue él el elegido. Su interpretación hasta el momento ha sido de un James Bond sensible, que se

rompe

humano,

como e

cualquier

incluso

con

ser sus

sentimientos, que con un disparo muere, y que ya no es como un héroe del cine. Sus cintas más que de acción se volvieron un drama de espionaje, llevando a las películas a un nivel oscuro. Su licencia doble 0 prevalece 10 años con 4 películas: Casino Royale (2006), Quantum of Solace

(2008),

Skyfall

(2012)

Spectre (2015).

Another Day (2002). Daniel Craig; Un Bond humano que por fin sangró y sufrió. La elección esta vez no fue fácil, había que

de Blofeld y su famosa presentación Con licencia para matar a Bond.

ante el 007 mostrando su cicatriz que

tipos,

corría desde su ojo izquierdo hasta

malévolos que quieren conquistar el

por debajo de su boca, acariciando su

mundo, ricos y obsesionados con el

gato blanco de Angora; la otra

oro, asesinos pagados para acabar

aparición se dio en la más reciente

con

cinta Spectre donde el villano regresó

Los

habido

mismo

muchos

Bond,

hasta y

a una cinta Bond después de 30 años

terroristas cibernéticos. Los villanos

bajo la interpretación de Christoph

juegan un papel primordial desde la

Waltz.

financiadores

terrorismo

primera novela escrita por Fleming. En este apartado encontramos al favorito de los seguidores, su nombre Erns Stavro Blofeld, mejor conocido como el Número 1 de Spectre: Ejecutivo

Especial

Contraespionaje, Venganza

para Terrorismo,

Extorsión.

organización criminal más peligrosa que existe en el universo Bond, no muy lejos de los reales grupos terroristas

que

enfrentamos

nuestro mundo, al igual que con el llamado Nuevo orden mundial. Blofeld ha tenido distintas caras al

Pero si hablamos de villanos icónicos dentro de la serie Bond no se puede olvidar a Auric Goldfinger, que más por su avaricia por el preciado metal dorado se le recuerda por su forma de engañar a sus clientes y ser sádico con sus víctimas e incluso con el mismo James, al tenerlo atado a una mesa metálica mientras un rayo laser esta por partir en dos al espía británico desde sus genitales y el diálogo que prosiguió a esa acción es uno de las más representativos de la saga: -Bond: “¿Espera que hable?”

igual que el espía, sus mejores personificaciones hasta el momento

–Goldfinger: “¡No señor Bond, espero

han sido bajo la piel del actor Inglés

que muera!”.

Donald Pleasence en la cinta You Only Live Twice de 1967. Fue ahí donde por vez primera vimos el rostro

El oro seguiría como emblema de los villanos, con la llegada de Francisco Escaramanga, El hombre con el revólver de oro; un asesino a sueldo que también se quedó con el favoritismo de los fans. Y su interpretación no pudo tener mejor actor que al reciente fallecido Christopher Lee, quien le dio el toque exacto a este villano, que cobraba la suma de un millón de dólares con su legendaria pistola dorada única en su tipo, que tomaba forma a partir de un encendedor (la culata), un bolígrafo (el barril), una cigarrera (el mango) y un gemelo (el gatillo), todos chapados en oro.

Si de metales brillantes seguimos hablando dentro de los villanos no puede pasar de desapercibido la enormidad y la fuerza de Jaws, mejor conocido como Mandíbulas, bajo la actuación de Richard Kiel. Este querido villano apareció en dos cintas Bond, Spy Who Loved Me y Moonraker. Como hubo de todo en los antagonistas, no podía faltar un villano que hace que se relacione con el mundo verdadero y se trata de Franz Sánchez interpretado por el estadounidense Robert Davi, narcotraficante que Bond enfrenta en la cinta Licence to Kill. También en esta película aparece el actor puertorriqueño Benicio del Toro, que en ese instante, con sus 21 años de edad, se transformó en el actor más joven en interpretar a un villano Bond, como ayudante de Franz.

Las chicas Bond son para siempre. Si bien le dan un glamur y exquisitez Si algo caracteriza a las películas del 007 es la belleza y sensualidad de las mujeres que acompañan al agente secreto durante sus misiones. Nadie que haya visto Dr. No quedó ajeno a la

cautivante

belleza

Ursula

Andress interpretando a Honey Rider, saliendo del mar con un bikini blanco que

combinaba

con

cuerpo

exuberante y atlético, mientras ella contempla las conchas que recolectó y un pequeño cuchillo sostenido por un sutil cinturón de piel que rodeaba su cintura. Una imagen que ha quedado para la historia del cine y que ha sido replicada cientos de

al hombre elegante que viste de esmoquin con un Vodka Martini en la mano, no siempre es así. No todas las chicas Bond han sido amantes del espía dentro de sus hazañas. Las mujeres en un film-Bond también le ha quitado la tranquilidad y puesto en riesgo la vida al espía británico, basta con recordar en la cinta From Russia With Love a la malvada Rosa Klebb; coronel y la número 3 de Spectre, personificada por la actriz Lotte Lenya quien intenta asesinar a James bond con una cuchilla envenenada que sale de uno de sus zapatos en una escena dramática.

veces en distintas películas e incluso en 2002 volvió a repetirse para una cinta del 007, cuando Halley Berry hace lo propio que Ursula para la película Die Another Day.

sus ocupantes, cerca de su escape Autos Bond.

se incluyen unos tubos para derramar

Existen los coches famosos del cine y

aceite o bien expulsar humo blanco

existen los autos Bond. Más que un

para que sus perseguidores perdieran

medio de transporte son un arma más

de vista el camino por delante.

para enfrentar las arduas misiones a las que se aventura el 007. Estos coches deben cumplir con ciertas características: deben ser elegantes, veloces y tener bajo el capó un arsenal capaz de sustituir a un tanque de guerra. A lo largo de 24 películas se han utilizado un centenar de vehículos para Bond y para sus villanos.

En su interior existe un radar y sobre la palanca de velocidades se esconde un botón rojo y al ser presionado este eyecta el asiento del copiloto fuera del vehículo, para así deshacerse de pasajeros

incómodos

(¿Quién

quisiera tener uno incorporado en su auto?) A lo largo de las películas se han llegado otros modelos de la Aston Martin y de otras marcas donde

Las marcas más famosas han sido la

inglesa Aston Martin y la alemana

dispositivos que han salvado en más

BMW, siendo la marca británica

de una ocasión la vida del agente

considerada como la pionera en estos

007,

coches del agente 007, aunque en la

emergencia se les añadió el circuito

primera novela el espía maneja un

para autodestrucción. Los otros autos

Bentley de 1931. Pero la fama de

Bond que más se recuerdan son: El

estos coches se inició con la película

Lotus Spirit S1 (Transformable a

Goldfinger, donde se presentó el

submarino en la película Spy Who

ahora famoso Aston Martin DB5, que

Loved Me); Aston Martin V8 Vantage

había

para

(The Living Daylights, 1987); BMW Z3

incorporarle armamento militar, que

Roadster (Goldeneye, 1995); BMW

incluía detrás de sus faros principales

750iL (Tomorrow Never Dies, 1997);

metralletas, en su parte trasera se

BMW Z8 (The World is not Enough,

podía elevar la lamina de acero para

1999); Aston Martin V12 Vanquish

detener impactos de bala y proteger a

(Die Another Day, 2002).

sido

modificado

han

algunos

agregado

incluso

múltiples

para

una

Para la segunda entrega de la GADJET´S

franquicia, Desde Rusia con Amor,

Si los autos no bastasen, Bond se ha

llegó

hecho de piezas y artilugios que le

Llewelyn y fue el único que nunca fue

ayudan a abrir puertas, paredes para

remplazado para su papel. Estuvo en

salvar su vida o hasta para bajar el

17 films del 007 hasta El mundo no

cierre del vestido de una chica

basta. En la única película que no

mientras la besa, con un delicado

estuvo presente fue en Live and Let

toque magnético de uno de sus

Die, donde simplemente el personaje

relojes de pulsera. Se ha hecho de

no tuvo participación. La última vez

todo tipo de artefactos, desde muy

que vimos a Desmond en pantalla fue

pequeños

en la escena de El mundo no Basta

desplazamiento de algún vehículo o

cuando le entrega a Bond la mejor

para que lo rastreé su propia agencia

estrategia de Q: "Siempre quise

y hasta grandes vehículos; como la

enseñarte dos cosas... la primera:

lancha de velocidad para perseguir a

Nunca dejes que te vean sangrar" –

una francotirador por el río Támesis,

dijo Q. "¿Y la segunda?" , preguntó

en una de las persecuciones más

Bond: "Siempre ten un plan de

asombrosas que tiene la saga.

escape".

para

rastrear

actor

Con

Galés

esas

Desmond

palabras

despedía del 007. Al acabar el rodaje Todos estos instrumentos o armas de

Desmond falleció en un accidente

espionaje

automovilístico, no alcanzó a ver el

departamento de Q, quien así se

estreno de lo que fue su última

hace

interpretación como Q. El personaje

son

llamar

elaborados

jefe

del

mismo

departamento. A la vez que este

volvió

personaje es de lo más icónicos de la

actuación del actor Ben Whishaw.

Skyfall

ahora

bajo

serie, apareciendo desde la primera película ‘Dr. No’ haciéndose llamar el Mayor Boothroyd por el actor Peter Burton, el primer “Gadjet” que le entregó a Bond fue una Walther PPK sustituyendo a la tradicional Beretta.

para los villanos, porque esa es la Sólo Para Tus Oídos.

verdadera esencia de Bond.

Si existe algo que nos haga sentir en una película de James Bond sin mirar a sus bellas mujeres o intrépidas acciones, es la música. Siempre que se acerca una nueva película de Bond

también

genera

expectativa por quien será el nuevo músico o cantante que interpretará el tema de los créditos iníciales. Todo inició con Dr. No con la composición

Y curiosa la mezcla química de estas películas con su música que se genera en la mayoría de los que asisten a ver una cinta del 007 al cine, y es que al terminar la última escena y al comenzar los créditos finales; las mujeres salen de la puerta buscando tener un hombre como Bond y los hombres salen caminando regiamente.

de Monthy Norman que lleva por título “James Bond Theme” que en

Algunos temas musicales son: “From

conjunto con el músico de cine John

Russia with love” de Matt Monro,

Barry afinaron la melodía y ésta

“Goldfinger”

comenzó a sonar desde el inicio de

“Thunderball” de Tom Jones, “We

los créditos y sería el tema de Bond.

have all time in the world” de Louis

Shirley

Bassey,

Armstrong, “Live and let die” de Paul Desde entonces hay un tema por película y cada una parece que ha adquirido un lenguaje 007 a pesar de que no todas suenan similar a la composición pionera. Si hay una canción que hable de quien es este personaje mítico es ‘You know my name’ para la cinta Casino Royale, creada

interpretada

por

exvocalista de la banda Audioslave, Chris Cornell. La letra describe que este hombre es un asesino, un tirador de sangre fría, no un héroe, un villano

McCartney and Wings, “Nobody Does it Better” de Carly Simon, “All time high” de Rita Coolidge, “For your eyes only” de Shenna Easton, “A view to a Kill” de Duran Duran, “The Living Daylights” de A-ah, “Licence to Kill” de Gladys Knight, “Goldeneye” de Tina

Turner,

“The

world

not

enough” de Garbage, “Die another day” de Madonna, “Skyfall” de Adele y en Spectre “Writing's On The Wall” del cantante y compositor Sam Smith.

Secuencia Pre-Créditos. Otro elemento característico de las cintas Bond es sin duda su comienzo, con una escena antes de presentar los créditos generales, una forma impuesta con la segunda película Desde Rusia con Amor y antes de lanzar secuencias de mucha acción, no puede faltar la presentación del protagonista

disparando

hacia

cámara. Y por si eso no fuera suficiente la animación de los créditos nos

habla

también

los

que

veremos a lo largo de la película, elementos ya obligados y únicos de la saga.

El legado Bond continuará cautivando Locaciones exóticas.

a las nuevas generaciones ¿Hasta

Las películas de Bond van y vienen

cuándo? por mucho tiempo o quizá

por el globo, buscando siempre los

para siempre. Porque existen dos

rincones

hasta

razones por la cual el 007 será eterno

surrealistas para filmarse. Desde sus

mientras existamos; la primera es

inicios se demostró que no sólo es

porque una vez que termina una

una producción Británica, sino una

película de James Bond en el cine ya

producción mundial. Sus locaciones

queremos ver la siguiente. Y la

incluyen el Caribe, el Mediterráneo,

segunda razón, es porque en una

ciudades europeas, de América, así

entrevista que se le realizó al autor

como islas extravagantes al sur de

Ian Fleming se le preguntó si algún

Asía, llegando incluso a los lagos

día veríamos una novela donde Bond

congelados de Islandia, restaurantes

muera y se termine la legendaria

en la cumbre de los Alpes suizos y

saga, a lo que contestó: “No me

las profundidades del océano. La

puedo dar ese lujo”.

más

extraños

variedad de lugares donde ha estado el 007 es inmensa, hasta en sus tramas incluye una visita al espacio exterior en Moonraker. No ha habido película de Bond que solo esté filmada

territorio

Británico.

Mientras exista Bond, seguiremos deleitándonos con la cultura de otros países.

Cr贸nica de una Premier

SPECTRE por VILLA... ERIC VILLA

Cuando pisé el Distrito Federal el 1

Entonces jugué y como Bond en

de mayo de este año quería ver la

Casino Royale obtenía la victoria en

filmación de Spectre. Llegué tarde,

la mesa, yo, mi pasaje hacia la

por un día. La producción tenía unas

premier. Llegue a la capital del país el

horas

día marcado, había que apurarse y

haberse

marchado

México. Mi objetivo aquella vez era

otro, ajeno a Bond. Pero me dije: “el

hospedarme, un agente me tenía un

día que James Bond regrese a

lugar pero los planes tuvieron que

México

ahí,

cambiar y todo indicaba que llegaría

saludándolo o trabajar al lado de él”.

con maletas al Auditorio Nacional, en

Entonces paso el tiempo y algunos de

esa ciudad que es un monstruo.

tengo

que

estar

mis informantes me hicieron saber que Spectre regresaría a México, con la premier. La fecha: día de muertos, y a mi mente llegaba que la escena filmada en México era precisamente un 2 de noviembre. Sabía también que las posibilidades de que Bond regresará a tierras aztecas eran muy bajas a pesar que ya se tenía el antecedente de 3 películas rodadas en este país. Sobretodo recordé mi promesa y misión de estar frente a frente con el 007 la próxima vez que nos visitará.

tenía

reservación

para

Llegaron las 17:00 horas, media hora antes del anuncio de la llegada de los actores al recinto, y mi agente y yo apenas buscábamos un sitio en el centro donde hospedarnos, y en un pequeño, sutil y encantador hostal donde aún quedaban habitaciones (muy pocas) me instalé, me cambié de

camisa

nos

lanzamos

Auditorio. Sí. en metro, el Aston Martin que pedimos no había llegado, se lo había volado un espía inglés, vaya cosa. Llegamos a las 18:35 al Auditorio, una gran fiesta del día de

Revisé mis números, eran pocos para

muertos nos recibía, por fortuna los

una apuesta tan grande. Como en los

ingleses y el resto del cast estaban

naipes sólo dependía de una carta, si

más

era la incorrecta perdía la gran

previa nos cayó bien a mí, a mi

oportunidad y lo peor: el tiempo, pues

agente y a los miles de asistentes

la fecha estaba a tan sólo 3 días.

que esperaban a Bond.

demorados.

celebración

Caía la noche y los minutos eran

estar con él. Fue difícil acercarme,

cada vez menos para el momento

pero verlo ya era suficiente.

esperado. Pasadas las 20:00 llegaron uno a uno cada integrante del elenco; la belleza de Mónica Bellucci, de Léa Seydoux, de Noamie Harris y hasta de Stephanie Sigman, tranquilizaba y salvaban

día.

Después

Dave

Batista, de los más animados, así fueron llegando el resto, todos, hasta el

director

parecía

Sam

reflejar

Méndez, los

quien

meses

filmación, las premieres en Europa y el largo trayecto por el Atlántico; a pesar de ese cansancio no dejó de atender a los fans y a la prensa.

terminamos justo sobre la entrada al Auditorio, a un par de metros de hacerse el valiente y colarse a la presentación de la película. Nuestra sorpresa fue que Sam y Daniel aún no

ingresaban

dejaríamos

y, sin

a frente. Firmas, selfies y unas breves con

ellos

hicieron

que

misión.

habíamos logrado.

nadie

esperaba, surgió de pronto por ese camino que todos veían, dirigiéndose a pie hacia el público, entregando autógrafos y selfies. Craig, Daniel Craig había llegado, se mostraba muy entusiasmado atendiendo a todos los que pudo, casi a todos, y de pronto apareció frente a mí y la lente de mi teléfono móvil. Grabé como pude, todos gritaban, empujaban, querían

sus

encontramos con Bond y Sam frente

llegaría. Y si se presentaba ¿cómo lo

como

obtener

los

de mucho tiempo de espera nos

completáramos

Llegó

vez nosotros empujamos y después

Pasaban los minutos y nadie sabía si

Martin?

claro,

autógrafos y alguna fotografía. Esta

palabras

haría? ¿Sería a bordo de su Aston

Mi agente decidió ir más cerca,

No había chica Bond para el premio pero llegó a mis manos una entrada para la premier, algo aún difícil de creer,

aún

sigo

pensando

realmente eso sucedió, pero sucedió. Sólo un boleto y éramos dos, mi agente decidió que yo fuera el afortunado, él ya había cumplido. Le di las gracias y me dirigí hacia la entrada. La misión fue un éxito, la experiencia

única

acompañará por siempre.

que

“Nos vemos señor Bond, y la próxima vez será para trabajar en una de sus películas, esa es la siguiente misión”.

100

lo que pasa mientras el corazón se convierte por ANDREI MALDONADO fotografía CORTESÍA

Todo cambio obliga a una transformación. La vida es transición, un camino constante para irnos construyendo a nosotros mismos. Acaso el corazón pueda sobrevivir al hundimiento, acaso él pueda convertirse. Pero ¿Qué pasa mientras el corazón se convierte? Y, en todo caso ¿en qué se convierte? ¿Bajo qué paradigmas se da la transformación? ¿Para mejor, para peor?

101

Canciones positivas enmarcadas en un género aparentemente violento son las que los integrantes de While The Heart Becomes (Mientras el corazón se convierte, en su traducción más fiel al español) traen consigo en su primer material “The sinking” (El hundimiento). Cinéfagos tuvo la oportunidad de charlar con Christian Fernández, baterista de esta gran banda de metalcore, la cual ya acumula un amplio kilometraje en presentaciones internacionales. ¿CÓMO NACE EL PROYECTO, CUÁNTO LLEVAN TOCANDO? La banda nació a finales del 2011, la mayoría de los integrantes nos conocemos desde niños, iniciamos las clases de música juntos. Todo el 2012 fue de componer nuestro primer disco, en 2013 lo grabamos tras tres meses y medio de trabajo y lo presentamos a finales de ese año. A partir de febrero de 2014 empezamos con los tours en México, en mayo fuimos a Centroamérica y cerramos otra vez en México ¿POR QUÉ LLAMARSE WHILE THE HEART BECOMES?

¿QUIÉNES INTEGRAN LA BANDA? Erik Torrecillas en la voz, Jonatán Salazar en la guitarra, Uriel Ramírez en el bajo, César Hernández en guitarra y Cristian Fernández en batería. ¿BAJO QUÉ DEFINEN?

GÉNERO

Nuestro género en sí es metalcore, es lo más “ligero” del metal, más melódico, con voces limpias. ¿CÓMO HA SIDO LA EVOLUCIÓN DE LA BANDA? Ha ido en ascenso desde que comenzamos. Cuando iniciamos ya sabíamos tocar nuestros instrumentos, pero nos faltaba conocer aspectos de organización. Somos nuestros propios mannagger, tuvimos que aprender a cómo mover una banda. Fuera de lo musical debes aprender a moverte en muchos ámbitos. Todos hacemos una parte del trabajo. Yo soy mercadólogo y me encargo del marketing digital, de los contactos para los tours; el bajista es diseñador gráfico y se encarga de la imagen de la banda; César es productor y nos aporta su experiencia.

Nuestras letras, a pesar del género pesado, son muy positivas. El nombre en español es “Mientras el corazón se convierte”, es un poco hablar del proceso de madurar, de hacerte mejor cada día.

102

103

¿CUÁLES SON SUS PRINCIPALES INFLUENCIAS, TANTO MUSICAL COMO LÍRICAMNETE? ¿Y VOCALMENTE?

¿QUÉ IMPRESIONES HAN PODIDO CONSTATAR EN EL PÚBLICO DURANTE SUS PRESENTACIONES?

Muchas bandas de metal, no sé si quieras que te diga todas pues sus nombres son medio raros (risas), pero escuchamos de todo. Lo más tranquilo podría ser Kings of Leon y Coldplay. Nos gusta rock alternativo mexicano como División Minúscula y Kinky. Bandas que no tienen que ver con el género y que nos sirven para no caer siempre en lo mismo. De metal más conocido serían bandas como Korn y Slipknot.

La gente en Durango siempre nos ha apoyado mucho, eso nos motivó a salir a los tours en México. Cuando comienzas siempre estás con la duda de cómo te van a recibir, pero también nos recibieron muy bien. Ya cuando fuimos a Centroamérica era un paso más a hacer cosas más grandes y afortunadamente hubo shows llenos, la gente se sabía las canciones. En Honduras se sabían casi todas y eso nos emocionó mucho, pues fueron hechas en Durango, en nuestras casas, y ahora las estaban coreando gente de tan lejos, eso fue muy chido.

¿DE QUÉ CANCIONES?

HABLAN

SUS

Son muy positivas. Una de ellas, “A New Chance To Begin”, en español “una nueva oportunidad para comenzar”, habla precisamente de que no importa lo que hallas hecho, siempre sale el sol para todos, puedes salir adelante. Es una canción que ha gustado mucho pues casi todos se identifican si tienen un problema. Por ejemplo un chavo de Tijuana se tatuó el nombre de la canción, pues le había ayudado a salir de una etapa de depresión y eso nos causó mucha impresión, descubrir el alcance que puede tener una canción. ¿QUÉ PROYECTOS TIENEN EN PUERTA? Vamos por el segundo disco, lo va a producir nuestro guitarrista y saldrá en enero de 2016 y con él volveremos a hacer un tour en México, Centroamérica y a finales de año en Europa.

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