Cinéfagos - Número 19

No. 19 Ene.-Feb. 2016 Edición Bimestral

#Tr3sAños

cinéfagos

Alimentándonos del séptimo arte

FHERNANDA SIMENTAL “El cine es mi adicción” Especiales -El Ocaso de Juan -Cine en Nuevo León -México y James Bond -El cine de Patricio Guzmán -El circo como tragedia -Películas románticas -La reticencia de la memoria -El cine de Wes Anderson Reseñas -Expresso de Media Noche -Simón del Desierto -Adiós al Lenguaje -The Master -Xenia -Spectre

Además: -“Adscripción”, un cuento gráfico de cine

Editorial Alimentándonos del séptimo arte

Ciclos para crecer DIRECTORIO En 2013 inicié dos proyectos de cine

los Lumiere proyectaron por primera

que no esperaba realizar el día que

vez el cine en un café Parisino.

decidí dedicarme a esta labor, uno de ellos fue esta revista en la cual les escribo, y el otro fue un cine club, el Cine Club Korova.

Fueron casi tres años compartiendo las películas de mi agrado, las cintas

Colaboradores

décadas,

Seth Álvarez Carlos Garza Juan José Ortiz Alejandra Arellano Daniela del Palacio Paloma Cominetti Christian Sida-Valenzuela

pero

también

a

la

humanidad, porque el cine sí cambio

la cual había cambiado drásticamente

este mundo. Todo lo que me llegó

desde que dije “¡Acción!” por primera

durante el lapso de Korova sería una

vez. Desde entonces han pasado

charla extensa, no me alcanzarían

muchísimas cosas, conocí gente que

estas líneas para contarlo, pero les

se volvieron parte fundamental en mi

puedo decir que fueron cosas que me

desarrollo,

han

las

llegué

a

marcado

para

siempre…

querer tanto, y también conocí gente

Después de 31 ciclos y 180 películas

famosa, actores, actrices, directores

proyectadas más horas y horas de

de cine, pero sobre todo conocí

charla sobre las cintas, Cineclub

personas que me enseñaron a crecer

Korova llegó a su fin, un ciclo más se

y más que nada a vivir, a que yo

ha cerrado en mi existir, el primero

fuera alguien, ese que seré hasta el

que se cierra dentro de mi profesión

día que dé mi último suspiro.

cinematográfica, una decisión nada

En poco más de 8 años todo eso me

Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa

que forjaron el mundo del cine en 12

Empezaron nuevos ciclos en mi vida,

algunas

Director General Andrei Maldonado

Fotografía Ernesto Rios Fotografía externa Cortesía Diseño Andrei Maldonado Ilustraciones Itzel Maldonado

fácil pero necesaria.

ha pasado, cosas que no viví en mis

Ahora en adelante hay que continuar

primeros 22 años de vida. A partir de

con lo que realmente sueña un

un día de octubre comencé ciclos de

amante del séptimo arte, materializar

arte, uno de ellos llegó un 16 de

en películas todos esos sueños y

mayo de 2013, en un pequeño café

experiencias

coloqué una pantalla y un proyector

persona. En esta revista prometo que

enfrente de ella, hacia honores a los

me seguirán leyendo por mucho

inicios de la cinematografía cuando

tiempo más.

que

forman

a

una

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Eric Eduarte Villa

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Contenido

ADEMÁS

FHERNANDA SIMENTAL (página 3)

El Ocaso de Juan... 9 Cine en Nuevo León... 11 Spectre...15 México y Bond...19 Adscripción... 23 Simón del Desierto... 27 Patricio Guzmán... 31 Adiós al Lenguaje... 35 Wes Anderson... 39 Xenia... 42 Midnight Express.. 43 The Master... 47 Amor de Celuloide... 53 El circo y la tragedia... 55 La memoria y el Cine... 57 La Representación... 59

FHERNANDA SIMENTAL

EL CINE ES MI ADICCIÓN por ANDREI MALDONADO fotografía ERNESTO RIOS

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La esperanza de vida de un cortometraje es realmente muy corta y, por ende, su apreciación por los públicos, escaza. Pese a que los festivales de cine han reivindicado su trascendencia, al despojarlos de esa aura meramente académica en la que se hallaban sometidos a ser considerados como lo que son, películas, todavía hoy hay un cierto menosprecio al cortometraje y una imposibilidad para poder visualizar aquellos trabajos que, quizá por casualidad, nos tocó apreciar.

Dos de los cortos más significativos que existen en este formato realizados por una duranguense se llaman Úsame e Instinto, producciones realizadas entre 2004 y 2006, una época en donde los circuitos locales de exhibición, como es hoy el Festival de Cine Mexicano de Durango, sencillamente no existían. Al respecto charlamos con su realizadora, Fhernanda Simental, la cual no solo aró el camino de hacer cortometrajes dignos de competir internacionalmente, sino que además lo hizo en un género muy complicado: el terror.

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¿Por qué el cine?

Desde siempre me di cuenta de la importancia de contar historias, del efecto que estas tienen en las personas, y eso nos remonta incluso al hombre primitivo, a su necesidad de preservar la memoria. En mi caso, te seré sincera, inicia con mi abuela, que era muy fan de Joaquín Pardavé.

Recordar sus risas al ver sus películas, el ver cómo después de ver una historia eres capaz de empatizar con tu contexto, con otras personas y situaciones que en la vida real no vivirías. Eso es lo que hace grande al cine, hermanarnos. Creo que quien hace cine es un especie de juglar, que hace magia y que permite que las personas tengan un momento de diversión, de reflexión. Por eso el cine. ¿Cuál es la primera película que te hizo ver distinto al cine?

La primera que vi completa fue Marcelino, Pan y Vino. Pero la primera que me marcó, a la edad de 8 años, fue Nazarín, de Luis Buñuel.

Me encantó porque no le entendí. Ver como niña que los adultos reían o tenían ciertas expresiones con las escenas y no entenderlo hizo que me naciera la curiosidad, el deseo de tener que comprenderla ¿por qué si está en español no la entiendo?

Saber por qué el sacerdote sale por la ventana y no por la puerta, por ejemplo. Otra película que también es muy importante para mí es Lo que el viento se llevó. Una historia que logra

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tenerte emocionado por cinco horas es extraordinaria, sobre todo si tenemos en cuenta que apenas tenía 9 años. ¿Qué cineastas te han marcado especialmente?

No quiero sonar pretenciosa y decir como otros que me fascina Tarkovski.

Sí lo he visto, pero no soy fan. Uno de los que realmente sí me han trascendido es Kubrick, con El resplandor. Ese terror tácito e implícito que hay en el relato y en muchos de los de Stanley. Otro sería Krzysztof Kieślowski con Azul, que es una de mis películas favoritas.

Cuando la vi me fascinó descubrir que no solo los diálogos, sino también la música, pueden construir una historia. Y por supuesto Luis Buñuel, que desde aquél primer momento de la niñez me incitó a indagar más en la psicología de los personajes y me permitió plasmarlo en mis trabajos, aunque sea en pequeños guiños. Conforme vas viendo más cine vas nutriendo tu visión. Así fui conociendo varios directores de terror como Sam Raimi y Mario Bava, pero Kubrick, Kieślowski y Buñuel son los fundamentales.

Háblanos sobre tu corto Úsame, en el cual encontramos ciertas referencias al cine de Hitchcock ¿Cómo fue que surgió esta historia?

Qué bien que lo mencionas, porque en efecto, Hitchcock es otro que ha marcado mis historias. Cuando yo elaboró guiones como Úsame parto de dos premisas: una, la de Hitchcock, que dice que el suspenso se basa en una bomba que se encuentra debajo de la mesa donde dos personajes charlan, solo el espectador sabe de esa bomba, pero no sabe cuándo explotará. La otra es de Lushino Visconti que dice: “dame una mirada, la respuesta a esa mirada, y yo te daré una historia”.

Entonces Úsame surge de una nota policiaca de un asesinato y de la pregunta de qué hubiera pasado si dicho asesinato hubiera sido por cuestiones pasionales, lo que permitió también darle un sesgo feminista, sobre todo para el año en que lo hicimos, al mostrar que no todas las mujeres son indefensas, inocentes o “buenas”. ¿Y cuáles fueron las premisas de Instinto?

Instinto lo escribió otra persona, aunque surgió de una inquietud mía acerca de contar una historia de vampiros sin preponderar el hecho de que ellos eran vampiros, precisamente para ahondar en cuál es nuestra naturaleza como humanos, siendo la figura vampírica

una de las más recurrentes en la historia para afrontar este cuestionamiento. Los dos personajes tienen un debate acerca de cuál es la verdadera naturaleza humana y del espíritu. Fue un ejercicio que permitió explorar en la deconstrucción de la psique humana que a final de cuentas queda corto, pues estos temas son muy amplios. Aun así creo que fue un guión muy bien desarrollado. ¿Qué circulación tuvieron estos dos cortometrajes? Úsame estuvo participando en el VII Festival Internacional de Cine de Guanajuato en 2004 en la categoría de corto de ficción, siendo el primer trabajo que se exhibía en el festival originario de Durango, curiosamente el mismo año en que el certamen se dedicaba a Dolores del Río. Ese mismo año estuvo en el Festival Internacional de Cine de La Habana, en Cuba, y en 2005 obtuvo el premio Alberto Tejada de video aquí en Durango. Además circuló por buen tiempo en el Festival El Cine a las Calles en varias ciudades, desde Texas hasta Guatemala.

Instinto obtuvo el premio del jurado en 2006 en el Festival Internacional de Cine de Chihuahua, participó en la Muestra Independiente de Cine de Austin, en Texas, y en el Festival de Cine Fantástico y de Terror Macabro 2007 en la Ciudad de México. Son cortometrajes a los cuales les tengo mucho cariño y que en su momento marcaron una época.

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Por otro lado ¿Cuál es tu posición frente al uso de no-actores en el cine contemporáneo?

Creo que estamos en la época de los reality shows, en sacar a gente común de su contexto para obtener una cierta naturalidad. Yo respeto a quien decide optar por esta vía, pero respeto también el trabajo de los verdaderos actores, los que tienen un compromiso con hacerte sentir lo que dice el guión.

Agradezco la colaboración que en su momento dio Víctor Hugo Galván, que es muy generoso a la hora de actuar, y también de Saúl García Mesta (q.e.p.d.), del cual me siento agradecida de que uno de los pocos trabajos que hizo para cine haya sido regalado en uno de mis proyectos.

Lamentablemente en Durango no hay una escuela de actuación, porque actuar para cine y teatro no es lo mismo. Una cámara te exhibe, revela quien eres, te expone. Y la capacidad de afrontar esta presión solo un actor de verdad lo puede hacer. Creo que si los gobiernos le apostaran a esto Durango sería un gran semillero de actores, pues hay voluntad, pero sin las tablas no se podrá hacer nada y eso pone en riesgo cualquier trabajo.

Es como a la hora de la realización.

Cualquiera puede hacer un corto con un celular, pero no será lo mismo si le das un celular a Tarantino que a alguien sin erudición. Terminará haciendo videos a la Werevertumorro (risas).

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¿Qué viene para ti en el futuro?

Yo siempre lo he dicho: el cine es algo que ha estado presente en mí toda la vida. El cine es mi marido y lo engaño con la prensa (risas) aunque ese engaño ya duró mucho tiempo.

Quiero dedicarme más al cine, hacer más trabajos. En la búsqueda de un estilo debes encontrar el género en el que mejor te desarrollas, y para mí es el terror, y no cualquier terror, especialmente el psicológico. Me gusta porque a través de él puedes exponer la verdadera naturaleza humana a través de enfrentar a los personajes a situaciones imposibles pero terribles. Eso es lo que me gusta hacer, provocar que el espectador reflexione, pues creo que es la función del cine.

Hoy en día estoy muy involucrada en la labor periodística, por lo que tampoco me sentiría muy ajena en una película de sátira política. Así que dentro de mis proyectos, no sé si a corto, mediano o largo plazo, sí se encuentra hacer cine. Yo no tengo ninguna adicción, pero si podemos considerar al cine como una, entonces, el cine es mi droga. Si yo no viviera, comiera, respirara cine, si no estuviera sumergiéndome en una película, yo no me sentiría viva.

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EL OCASO DE JUAN Selección Oficial FICG 31 por SETH ÁLVAREZ

Durante el próximo Festival Internacional de Cine de Guadalajara se estrenará, como parte de la selección oficial de cortometraje iberoamericano, uno de los proyectos independientes más importantes del estado de Colima: El Ocaso de Juan, de Omar Deneb Juárez. Este cortometraje, concebido gracias a una interesante idea del director y en el que participo como escritor cinematográfico, fue rodado en su totalidad en diferentes escenarios de la región, y es una de las aportaciones más significativas al medio local cinematográfico.

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Al tener una pequeña charla con el joven director, comentó entre otras cosas, que el reto más importante que tuvo que enfrentar fue que la historia resultara creíble: “teníamos un presupuesto reducido y necesitábamos recrear un ambiente de violencia y hostilidad. Suplimos la falta de dinero con sentido común para realizar escenas complejas.

Como por ejemplo una persecución en medio de una carretera”.

cortos todo el tiempo. No importa si solo son ejercicios, pero que los hagan y vayan perfeccionando sus errores. Que sean humildes ante las críticas y las acepten; y por último, que traten de ser coherentes consigo mismos. Que no pretendan ser nadie más a la hora de contar las historias.

Que las plasmen de la manera en que ellos visualicen esa idea. Eso es lo que los hará diferentes de los demás”.

Respecto al resultado de su trabajo, aseguró sentirse muy satisfecho: “la verdad fue muy difícil hacerlo y ver el esfuerzo de mucha gente reflejado en la pantalla es gratificante. Creo que a todos les va a gustar mucho. Es un cortometraje que tiene la dosis necesaria de acción, drama y suspenso. Kristyan y Alberto fueron fundamentales para lograrlo”.

En cuanto al futuro cercano del cortometraje explicó que primordialmente la intención es mandarlo a diferentes festivales nacionales e internacionales: “Tendremos el estreno nacional en el FICG31 y esperamos de ahí en adelante enviarlo a muchos más”, concluyó el cineasta.

Sobre el hecho de trabajar con actores profesionales, expresó que fue un verdadero acierto, ya que eso contribuyó a mejorar la calidad de la historia: “trabajar con actores tan reconocidos y experimentados fue lo mejor que le pudo pasar al cortometraje. Ellos potenciaron todas las virtudes del guión que escribiste y las magnificaron.

Son unos excelentes actores y extraordinarias personas. En ciertos momentos de incertidumbre, dada mi falta de experiencia, me ayudaron a despejar dudas y dieron lo mejor de sí.

Definitivamente, volveré a trabajar con ellos”.

Al preguntarle por algunos consejos para los nuevos cineastas independientes recomendó ser constantes, originales y honestos: “que practiquen mucho. Que hagan

La historia se centra en Juan, un humilde campesino de Suchitlán, que se ve forzado a realizar un trabajo especial para el patrón y esto representará un impresionante giro en su vida. El cortometraje fue producido por Sauce Negro Films con el apoyo de CONACULTA y la Secretaria de Cultura de Colima.

Dentro del proyecto colaboraron diferentes personalidades del medio cinematográfico. Entre ellos se encuentran Octavio Arauz en la fotografía, Samuel Kishi Leopo en la edición, Odín Acosta en el sonido, Camilo Gutiérrez Galván en la producción, Francisco Ramírez en sonido directo y Carlos Virgilio Mendoza en la composición musical.

En cuanto al reparto, se contó con la participación de Kristyan Ferrer, Alberto Trujillo, Alex Flores y Diane Ove.

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Descubriendo el cine de

Nuevo León

por CARLOS GARZA

Monterrey, una ciudad industrial por excelencia, con sus más de 4 millones de habitantes, cuenta con excelentes aportaciones hacia México y el mundo, ya sea en el futbol con dos equipos triunfadores (uno ganador recientemente del torneo Apertura, cómo olvidar ese beso que nos hizo vibrar a todos) o en la comida, disfrutando de un buen cabrito o un machacado exquisito, pero “¿y la cultura apá?”.

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Monterrey, siendo una ciudad de negocios, cuenta con múltiples espacios culturales, entre museos, galerías, teatros, etc. Sin embargo, queridos amigos lectores, en este artículo nos concentraremos en un ámbito en particular de esta cultura: El Cine. Monterrey y su área metropolitana cuentan con diversos lugares donde uno puede disfrutar desde una buena película clásica hasta algunos de los estrenos más recientes de cine independiente.

Comenzamos este recorrido en el Parque Fundidora, donde en su interior se encuentra ubicada la pequeña y modesta Cineteca de Nuevo León. A pesar de que al entrar uno se siente desconcertado por no ver nada relacionado al cine (la Cineteca fue construida en lo que fue una nave de fundición de acero), se puede disfrutar de un paseo por la exposición fotográfica que se encuentra en el lugar, o bien, curiosear en la tienda de regalos por algún buen libro, película o por qué no, una camiseta de la Cineteca.

Después de haber comprado los boletos, subimos por la rampa para llegar al lobby del lugar, donde podremos sentarnos en alguna de las mesas o bien, comprar las palomitas y refresco obligatorios de una ida al cine (aunque sea independiente).

Procedemos a entrar a alguna de las tres salas y entonces poder disfrutar de tu película.

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Continuamos este recorrido trasladándonos al primer cuadro de la ciudad, el Centro. Localizado a una cuadra de uno de los mercados más famosos de la ciudad se encuentra el Centro Cultural Universitario "Colegio Civil", donde constantemente se realizan diferentes ciclos de cine donde se proyectan a algunos de los mejores directores tales como Fritz Lang y Sergei Eisenstein.

Aunque la sala de proyección es pequeña y modesta uno puede disfrutar a gusto de la película sin ningún problema, además, Colegio Civil cuenta con diferentes eventos que realizan todos los días, así que siempre habrá algo que hacer antes o después de la película.

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Pero ¿Qué tal si yo prefiero ver una película más actual o menos "alterna"? No te preocupes querido amigo cinéfilo, que contamos con diferentes opciones para los gustos de cualquiera.

Continuando en el Centro, a solo unas cuadras de la estación del metro "Golfo", nos encontramos con "AMBAR Galería Cinema Café", en donde podemos disfrutar de las proyecciones semanales acompañadas de un buen café y un panini.

Igualmente en el Centro, en el área de Barrio Antiguo, encontramos el restaurante "Trece Lunas" donde puedes disfrutar de una deliciosa crepa de pollo y una limonada mientras ves una buena película.

Moviéndonos hacia el área de San Jerónimo nos podemos encontrar con el café "The Nada", donde igualmente podemos disfrutar de un buen café mientras vemos una película en las funciones semanales.

Aunado a esto Monterrey cuenta con los programas "Cine en el parque" y "Parque Cinema", donde se realizan funciones en diferentes parques del área metropolitana.

Monterrey igualmente cuenta con el FIC Monterrey (Festival Internacional de Cine de Monterrey), en el cual cada año se proyectan más de 20 películas durante una semana.

Para finalizar, si eres una persona que le gusta ahorrar o que simplemente tiene un presupuesto limitado, estas de suerte, pues en todos estos lugares las funciones son gratuitas o a un bajo costo (la Cineteca tiene un costo máximo de 40 pesos por persona) y siempre son en horarios accesibles para la gente.

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007 Spectre

NO QUERRÁ RENUNCIAR, SEÑOR BOND ... (¿O SÍ?)

por ERIC EDUARTE VILLA

Poco antes de fallecer se le preguntó a Ian Fleming si habría una novela donde se terminarán las aventuras del 007 y James Bond muriera. El escritor soltó una risa y respondió: “No puedo darme ese lujo”, y tal parece que condenó al agente con licencia para matar a la eternidad.

15

16

62 años después, con 14 novelas

Pero la expectación también se venía

publicadas de Fleming, más otras que

dando por la cinta antecesora de la

en la última década han surgido por

saga, Skyfall, quien se llevó las

distintos

películas,

palmas por todos lados, y también

parece que se tomaron en serio el

por el título, que con sólo escucharlo

significado de las palabras de Ian. La

evoca al villano más grande del

última cinta, Spectre, dejaba gran

universo Bond, Erns Stavro Blofeld.

expectación

su

Desde el comienzo no nos hace

estreno, principalmente en nuestro

esperar la escena de México, sino

país por haberse realizado parte de la

toda la película con el ya famoso

filmación en la Ciudad de México.

Gunbarell (El cuarto de Daniel Craig)

autores

hasta

y

26

antes

de

que

después

de

tanto

tiempo

reaparece al principio de la película.

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De principio a fin fue un homenaje a

La música, uno de los elementos

la famosa saga, una de las escenas

importantes de estas películas, se

recrea la pelea a bordo del Orient

enfocó a la situación amorosa del

Express de la cinta From Russia With

espía con su chica, donde por fin el

Love en la segunda entrega de la

Bond de Craig se quedó con una al

franquicia en 1963. Pero también

final, siempre tenía la desgracia de

están las escenas que plasman el

que sus relaciones terminarán de

mundo de hoy, con esa reunión de

manera trágica, dando al soundtrack

Spectre en Roma, donde los agentes

ese camino con la letra y voz de Sam

hablan de los negocios del mundo.

Smith que nos hizo ver el verdadero

Sí, la película toca temas reales sobre quiénes y cómo dominan este planeta, una escena aterradora hasta cierto punto, donde se descubre la presencia de Bond en la reunión.

“Cucú”,

¡Sorpresa

James!

El

verdadero terror de la organización y la forma en cómo opera se dejó ver en

ese

momento,

todos

objetivo de este espía, su simple amor por una mujer; no tanto un agente queriendo acabar con el villano, eso tal vez desestabilizó el objetivo

central

de

la

trama,

evidenciando así la falta de solidez tanto en sus sentimientos como en sus tareas.

somos

Dejándonos un final donde prefiere

vigilados. Pero no era todo, había que

dar paso a una nueva vida para

ir más al fondo con el pasado del

Bond, el cual sí fue un buen acierto

mismo personaje, del cual quedaron

para

ganas de ver más.

desconcertante para el futuro del

Y sobre los homenajes ¿Debió ser esta la cinta para el 50 aniversario? ¿Vemos lo de siempre? Si, pero distinto.

Desde

que

llegó

Craig

cambio la esencia 007 y hasta el momento ha mantenido ese cambio.

el

desenlace

pero

personaje en el cine; al menos todo indica que es el adiós del actor Daniel Craig como agente Británico. A pesar de los grandes detalles y huecos en esta

última

cinta,

Bond

sigue

convenciendo el porqué no deja la licencia definitivamente.

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BOND Y MÉXICO Una relación casi perfecta por ERIC EDUARTE VILLA

Al parecer el espía inglés y México tienen buena amistad. En Spectre nuestro país aportó actores, actrices y alrededor de mil 500 extras de una convocatoria de poco más de 5 mil personas.

También contó con servicios de producción, transporte, cientos trabajadores en diseño de arte, tramoya, ingenieros, carpinteros, pintores, cocineros, vestuaristas y asistentes. La filmación duró dos semanas en la capital del país y en el estado de Chiapas, con escenas de alto riesgo, con un helicóptero maniobrando peligrosamente cerca de los edificios históricos aledaños al Zócalo y con stunts sostenidos por unos cables fuera de la aeronave en pleno vuelo.

Una coordinación bien cuidada para evitar el más mínimo percance. Lo destacable es el reflejo de nuestra cultura en una película de este calibre, aunque para muchos vieron exagerado la forma como se representó la fiesta del día de muertos; para otros la producción hizo lo que deberíamos hacer cada 2 de noviembre. Sin importar que se hiciera bien o mal, se plasmó nuestro folklor y tradiciones a una película.

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Pero la historia del 007 en México ya fue plasmada anteriormente, en 2008 se filmó una escena para la cinta Quantum Of Solace en el aeropuerto de San Felipe en Baja California, después de casi 20 años de no haber pisado el 007 tierras aztecas; cuando lo hizo por vez primera en 1989 con la cinta Licence To Kill con el entonces actor Timothy Dalton.

Aquella ocasión las locaciones tuvieron lugar en el antiguo edificio de la Oficina Central de Correos y en el Gran Hotel de la Ciudad de México, ubicado en la calle 16 de Septiembre.

También se rodó en El Centro Ceremonial Otomí, ubicado en Temoaya, Estado de México; así como en el antiguo teatro de la ciudad en calle Donceles de la capital del país, y en el lujoso restaurante del Casino Español en calle Isabel la Católica de la colonia Centro. La última locación fue en la famosa y accidentada carretera La Rumorosa en Tijuana, Baja California Norte, donde se filmó una espectacular y explosiva persecución con tráileres y una avioneta.

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Pero no sólo México ha aportado locaciones, extras y un centenar de mano de obra, sino también talento actoral reconocido de nuestro cine nacional. Para la cinta From Russia with love el actor Pedro Armendáriz se volvió aliado de James Bond después de haber triunfado en la época dorada del cine mexicano.

Desafortunadamente Armendáriz no pudo verse en pantalla a lado del 007, murió antes de que la película se terminara de filmar, todas sus escenas ya habían sido rodadas. Su hijo Pedro Armendáriz Jr también recibió la oportunidad de interpretar un papel secundario en Licence to Kill. Para cuando Bond regresó a tierras mexicanas en 2008 otros dos actores mexicanos serían contratados, Joaquín Cosío y Jesús Ochoa.

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Cine cuento

ADSCRIPCIÓN por SETH ÁLVAREZ ilustraciones ITZEL MALDONADO

Le tuve que dar un zape a Brandon en cuanto dijo que él había escrito el guión y que casi dirigió la película que estaba post produciendo.

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-De que hablas, zopenco -le dije-, si apenas puedes hilar una idea.

-Pues si quieres creerme –me contestó con un tono algo altanero. – Por eso no le pagaremos nada al escritor.

Ya no supe qué decir, tenía sentimientos encontrados.

Una mezcla de hilaridad y molestia.

Brandon era buena persona. Pero cuando se le metía algo en la cabeza, ni quien pudiera con eso. Tenía poco tiempo en la industria. Había hecho de productor en algunos proyectos y ahora pensaba que por haber corregido algunas oraciones, él también había escrito el guión.

-Creo que estás en un error –dije. – Pero tu soberbia no te deja verlo.

-Yo estuve ahí –comentó molesto-, estuve ese día que escribieron la película.

-Yo también estuve ahí -lo interrumpí, y no me siento para nada, el escritor.

-Tú no entiendes. En verdad, que no entiendes nada.

-¡Oye!, ¿Siquiera has leído un libro en tu vida? –arremetí burlón.

-¡Claro que sí!

-¿Cómo cuál?

–pregunté. ¿El Principito?

-No –dijo en un tono que parecía que estaba mintiendo. –Tuve que leer un poco de Poe en la secundaria, pero todo era suspenso y realmente resultaba muy aburrido. Además – continuó-, la lectura era muy complicada.

-Sabías-, dije rápidamente en broma, como que no quiere la cosa –que está científicamente comprobado que los imbéciles no pueden escribir historias.

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De pronto la habitación se quedó en silencio. Reparé en su rostro y rápidamente noté con gran alarma que Brandon estaba a punto de explotar. Caminó de un lado a otro.

Bufó en varias ocasiones. Volteó a verme y entonces, por fin explotó.

-¡Eres un hijo de puta! Siempre sales con la misma cosa ¿Crees que no puedo escribir una pinche película?

-No lo sé, Brandon. Nunca te he visto escribiendo una. Y si te soy sincero, en verdad no es tan fácil. Llevo años tratando de terminar la mía.

-¡Pues sí! –gritó.

-¿Si, qué? –le dije- ¿Si has escrito una película o si es muy difícil escribir una?

-Si sé lo difícil que es escribir una. Y sí he escrito, no una, un montón.

Acto seguido, abrió la puerta de un enorme librero que contenía una infinidad de guiones. Rápidamente, como un desquiciado, sacó documentos engargolados con su nombre en la portada. Yo estaba inmóvil mientras él extraía sus textos.

Cuando terminó, me miró a la cara algo agitado. Yo permanecí callado unos segundos. Asentí con la cabeza.

Di media vuelta y murmuré decepcionado: -Entonces, ¿Por qué diablos quieres adjudicarte el crédito de esa película?

25

La Butaca del Cácaro

Alimentándonos del séptimo arte

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SIMÓN DEL DESIERTO Ensayo teológico y cinematográfico por ANDREI MALDONADO

Simón del Desierto es una película mexicana de 1965 escrita y dirigida por el cineasta español Luis Buñuel, la cual narra las vivencias del asceta Simón, discípulo de Simeón el Estilita, el cual ha permanecido sobre una columna de 8 metros por seis años, seis meses y seis días. Al término de ese plazo los fieles, que siguen devotos su práctica en busca del ascenso divino, le regalan una columna aún mayor, de 17 metros, para que así continúe con la práctica del ayuno y la oración.

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Sin embargo su férrea convicción sobre sus actos –incluso negándose a recibir la orden sacerdotal al no ser digno de tal investidura y renunciando al amor de su madre al considerarlo mundano en comparación al amor divino- se verá en entredicho cuando comience a recibir la visita del diablo encarnado en mujer, primero, buscando tentarle carnalmente.

Después tomará posesión de uno de los monjes que le siguen para tratar de calumniarlo.

En el transcurso de estos hechos podemos ver constantes referencias teológicas, como lo es la representación del ascetismo, doctrina seguida por varios religiosos anterior al tiempo de la persecución de los santos mártires, en la cual se busca alcanzar la espiritualidad asemejando a Cristo cuando decide vagar por el desierto, lugar en el que fue tentado por Satanás. Tal y como marca la doctrina Simón persigue la gracia de Dios por medio de una vida sin lujos.

El calvario al que se somete el protagonista –al grado de hacer penitencia en un pie- hace clara referencia a aquellos seguidores de las escrituras que llevan hasta el último grado el castigo del cuerpo en pos de la búsqueda de la gracia divina. Sin embargo ésta no será la única barrera a la que se enfrente su ascesis, pues ante las tentaciones del demonio también están presentes las dudas de quienes dicen ser sus seguidores, quienes no comprenden su sacrificio.

Aquí de nuevo una referencia teológica indiscutible: al principio de la cinta, cuando el vulgo le pide obre un milagro para refrendar su fe, Simón ora por un hombre al que le han cortado las manos por robar. La obra divina se manifiesta en el milagro: el hombre recupera sus manos. Sin embargo el acto no le sorprende, al contrario, usa sus nuevas manos para golpear a uno de

sus hijos, mientras el resto de los presentes tampoco se maravilló ante lo sucedido.

En esta parte la podemos entender por dos vías: una, que la fe no necesita pruebas, sin embargo pocos están dispuestos a hacer a un lado su razón para entregarse a eso que los ojos no pueden ver; la segunda vía nos hace pensar en los incrédulos que pedían a Jesucristo efectuar milagros que comprobaran que en verdad era hijo del Señor. La idea nos cruza la mente: no todos son dignos de recibir un milagro y no todos están dispuestos a hacer uno.

Del mismo modo la película revela cómo existe un gran desconocimiento de los preceptos religiosos, lo que convierte a un inexperto sacerdote en alguien que solo persigue el hábito y no el obrar para el bien ajeno, pues cuando el diablo grita “¡viva la apocatástasis!” los frailes responde por instinto “¡muera la apocatástasis!”, aunque ninguno de ellos supiera qué significaba tal palabra.

La tesis de Buñuel se hace más firme cuando, después de haber sido tentado en dos ocasiones, la fe inquebrantable del anacoreta Simón parece irse perdiendo, pues no recuerda todos los Salmos que se grabó de memoria, empieza a echar de menos andar entre la gente y comienza a perder la razón, pues comienza a bendecir a cuanta criatura encuentra a su paso.

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Es en esta parte cuando entendemos la visión ateísta del oriundo de Calandas, pues critica fuertemente a la Iglesia como una institución que ha basado la difusión de la fe en acciones milagreras, de falsos diáconos y tergiversación de las escrituras. Y es cuando hacemos este análisis que comprendemos el enigmático e inesperado final que le da Buñuel a esta historia.

Tras su larga penitencia Simón rechaza bajar de su columna cuando uno de los monjes sube a decirle que las huestes del anticristo han llegado hasta Roma. Acto seguido aparece Satanás –una mujer desnuda que surge de un ataúd, referencia escatológica de la resurrección de Cristo- y pese a sus rezos se lo lleva al infierno, el cual es representado como una fiesta de rock’n roll en Nueva York.

29

Aunque en una primera instancia parece un destino un tanto cruel para alguien que persiguió con sus actos el bien, este final puede entenderse desde la perspectiva de que el peor pecado de Simón fue alejarse de su rebaño, del resto de los hombres, en su afán de agradar a Dios, un acto de tremenda soberbia, pues varias veces cuestiona a Dios “¿Cuánto me falta para ser de tu gracia?”. Ésta quizá sea una de las películas más racionales de un discurso religioso generada desde una perspectiva ateísta. Buñuel, que de joven tuvo formación jesuita, muestra en Simón del Desierto un elevado conocimiento de pasajes religiosos y preceptos enseñados a lo largo de la historia, lo que nos brinda una perspectiva aún más amplia de la influencia que tiene en nuestro día a día la teología, misma que no ha sido ajena a los discursos del arte.

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NOSTALGIA DE LA LUZ

EL SILENCIO EN EL CINE DE PATRICIO GUZMÁN por CHRISTIAN SIDA-VALENZUELA

“La televisión le tiene terror al silencio, pero los documentalistas no” -Patricio Guzmán-

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Entraba al auditorio donde comenzaría el seminario de cine documental impartido por Patricio Guzmán, en la Universidad de Santiago, en Chile, y a quien primero me encuentro es a otro gran documentalista, Ignacio Agüero (a él lo conocí cuando lo invitamos a Vancouver a presentar El diario de Agustín, gran documental sobre periodismo y la dictadura).

Ignacio me preguntó si quería que me presentara a Patricio, le dije que no, así mejor, de lejitos, como dice el crítico de cine mexicano, Jorge Ayala Blanco, “cada vez me interesa más el cine y menos los cineastas”. A Patricio Guzmán lo admiro demasiado para una decepción personal, mejor me quedo con su obra.

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Hace más o menos nueve años, la escritora chilena Carmen Rodríguez, quien es parte de esa diáspora de artistas e intelectuales a quienes Pinochet y sus sicarios corrieron de su patria, nos había propuesto en Vancouver realizar una retrospectiva de Patricio Guzmán, quien, como Carmen, huyó de la dictadura chilena, pero él fue de los que terminaron en Francia ¡qué suerte de los franceses!

Para la retrospectiva no realizada tuve que conocer su cine, pero más precisamente cuando vi Nostalgia de la Luz en el 2010, fue cuando me declaré admirador total de un cineasta congruente con sus circunstancias.

Nostalgia de la Luz la vi una, dos, tres veces, la presenté en ocasiones cuando me invitaban a hablar de cine latinoamericano en las universidades de Vancouver.

En ese momento yo desconocía la obra de Guzmán y, aunque la retrospectiva no la pudimos realizar, me sirvió para adentrarme en el trabajo de quien es uno de los grandes autores del cine documental contemporáneo (Patricio Guzmán ha realizado más de 15 documentales, los cuales se han presentado en festivales como Cannes o Berlín, su trilogía, La batalla de Chile de 1975, es considerado por muchos como uno de los filmes políticos más importante de todos los tiempos)

La cinta, así en breve, narra lo totalmente recurrente en la obra de Guzmán, la memoria, el no olvidar, reconstruir, repensar y tener presente los acontecimientos que derivaron de la dictadura de Pinochet, en el caso de esta cinta, los desaparecidos en el desierto de Atacama, en el norte chileno, pero aquí además realiza un paralelismo con otra de sus pasiones, la astrología, en el desierto de Atacama se encuentran los más grandes telescopios, debido a que es una de zona del planeta desde donde el espacio se ve con mayor claridad.

.

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En el desierto de Atacama, astrólogos buscan estrellas y mujeres buscan restos de sus desaparecidos. Con este punto inicial Guzmán desata una obra inmensa.

Nostalgia de la Luz es una oda hacia el tema de vida del director. De un tema que marcará a los chilenos para siempre, Guzmán encuentra una fuerza artística contundente.

En Nostalgia de la luz noté algo para mí fundamental en el cine documental: los silencios. Para Guzmán, la pausa, las dudas, incluso las contradicciones, pueden decir más; acciones que normalmente en el montaje se eliminarían, él decide incluirlas. Cuando el personaje deja de hablar, el cineasta no pregunta, deja grabado el silencio de esa persona. La televisión le tiene terror al silencio, pero los documentales no, afirma el cineasta chileno. El silencio, bien es sabido, puede decir mucho más que una frase.

Y esta forma de filmar del creador chileno es una forma de recuperar el tiempo, hoy día, dice Guzmán, nos han acostumbrado a un tiempo que miente, todo es rápido y sin embargo el cuerpo humano es lento.

El cine de acción nos hace estar en muchos lados a la vez, pero eso es irreal, así es como el documental recupera el tiempo lento y cuando recuperas el tiempo lento, recuperas el silencio.

Nostalgia de la luz es la primera cinta de una trilogía donde el cineasta hace un paralelismo entre los desaparecidos y una región geográfica en Chile; la segunda cinta es El botón de nácar (2015), filmada en la Patagonia. La trilogía culminará en los Andes.

PD: En el camino desde mi hotel a la Universidad de Chile, el autobús pasaba por el Estadio Nacional, donde Guzmán y otros miles fueron recluidos como prisioneros, días después del golpe de estado en 1973.

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35

Jean-Luc Godard

BIENVENIDO EL LENGUAJE por ANDREI MALDONADO

Tras 120 años de vida el cine sigue su curso hacia la transformación, sin saber a qué, profesionalizando el cómo. En esas 12 décadas el llamado “séptimo arte” ha encontrado maneras para renacer, resignificarse, deshacerse y reconstruirse tanto en forma como en fondo, en sustancia y en esencia.

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Por todos esos años han desfilado hombres y mujeres que han hecho del cine su forma de vida. Entidades de luz que han transformado actores y locaciones en historias de vida, que han sabido dónde poner el ojo y la cámara en búsqueda de una historia, un sentimiento. Muchos, sin duda, pero pocos como uno: Jean LucGodard, quien con más de 60 años de carrera continúa descubriéndose y regalándonos magia en forma de películas.

El máximo sobreviviente de la “Nueva Ola Francesa” entregó al mundo en 2014 Adiós al lenguaje, cinta con la cual el francés no despide al lenguaje cinematográfico, sino más bien le da una bienvenida, le hace giño, y demuestra que lo que creemos que son estructuras y dogmas inamovibles en la actualidad, no son más que las entidades que hoy nos significan, que más tarde han de perecer y convertirse en nuevas realidades.

Lejos de agotarse en sus posibilidades, el cineasta demuestra en poco más de una hora, bajo el empleo de imágenes aparentemente inconexas, a su más fiel estilo, que el cine sigue dando vueltas sobre sí mismo, y con él la sociedad, como un perro que persigue su cola. “En el cine no hay nada nuevo, todo ha sido contado, lo que siempre habrá será maneras distintas de hacerlo” nos dice JLG, y en Adiós al Lenguaje esto cobra relevancia.

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Un perro viaja del campo a la ciudad, ingresa en la vida de una pareja en conflicto, que vive en un entorno dividido entre el materialismo tecnológico y la inestabilidad política y social. La pareja crece, tiene un hijo, el perro debe irse. Tanto lenguaje, que comunica, que hiere, que dice todo y a la vez nada, termina diluyéndose entre balbuceos de un bebé y los ladridos del perro.

Palabras, solo palabras, que cambian, que abundan significado sin significante.

Godard nunca ha escondido su influenciada visión, desde joven, en las ideologías marxistas, en el pensamiento de filósofos como Nietzsche y Foucault, como no ha escondido tampoco su aversión a la sociedad americana y su espíritu comercial-competitivo. Quizá por ello haya decidido no asistir a recoger el Oscar honorífico que le otorgó la Academia, quizá también por eso haya decidido combatir el cine industria con sus propias armas: cámaras 3D. Adiós al lenguaje es una invitación a ver el mundo sin cifrarse en los paradigmas de siempre, en deconstruir, como dijera Derrida, el lenguaje a su más mínima expresión; “los indios apaches de la tribu Chikawa llaman al mundo ‘El bosque’”. A final de cuentas el discurso termina siendo sólo un cuestionamiento, como quizá el cine mismo lo es, acerca de qué somos.

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WES ANDERSON y su cine “para niños” por JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ

Si hoy en día hay un director respetado por su técnica a la hora de filmar y contar una historia, única en estos tiempos (aunque su influencia más grande es claramente Stanley Kubrick) sin duda alguna ese es Wes Anderson, un joven cineasta que aunque desde sus inicios ha tenido muy presente su técnica y su manera de hacer cine y las historias que a través de esta cuenta, en los últimos años ha tenido más relevancia su trabajo y aquí mi opinión sobre este y porque lo considero uno de los mejores talentos de los últimos años en la cinematografía.

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Con una forma simétrica de llevar sus escenas,

con

colores

muy

contrastantes y muy vivos (sello Kubrick) siempre con escenas de baile,

amores

imposibles

y

reivindicadores (todas las películas de

Anderson

películas

son

en

románticas)

realidad Anderson

hacen de sus películas relatos muy peculiares, fáciles de seguir, y sin duda de las favoritas de muchos tanto amantes del cinema y el cine de culto;

incluso

los

críticos

más

exigentes caen rendidos a sus pies.

Sin duda alguna Wes Anderson es uno de los directores de cine más importantes de los últimos tiempos y sin la egocéntrica fama de algunos otros.

Si hablamos de las marcas y sellos que llevan las películas de Wes podemos mencionar sus temáticas, mismas que pueden ser vistas como "Cine para niños", siendo esta quizá la verdadera razón por la cual a los adultos amantes del cine les gustan tanto, porque pueden ver una película para niños que no es animada salvo El Fantástico Señor Zorro, la cual fue creada bajo la técnica stop-motion y que esta magníficamente narrada.

40

Además

de

peculiaridades

Ha trabajado además co-escribiendo

simétricas de las que ya hablamos,

y produciendo con Roman Coppola

sin duda alguna sus dos de sus

(hijo y hermano de Francis Ford

grandes sellos son Owen Wilson y Bill

Coppola

Murray.

respectivamente)

Al

las

primero

lo

conoció

Sofia

Coppola,

y

Schwartzman

(psicología, otro monstruo que nos

Roman) con los que pareciera ha

enseña que no se necesita estudiar

logrado establecer mejor su sello.

y con él escribió su primera película, además

de

también colaborador

colaborar

como

en

otras

co-escritor

en

diferentes

y

áreas,

además de actuar.

(primo

Jason

mientras estudiaba en la Universidad

sobre algo para ser un master en ello)

también

de

Sin duda, aunque de temática infantil, las

películas

de

Wes

son

tan

geniales, buenas y atractivas para la vista, bien actuadas y mejor escritas, que no verlas, en verdad, es un pecado para cualquiera que ame en

Con Bill es más cercana la relación, a

verdad el cine. Y miren que si el

pesar de no conocerlo de tanto

propio Scorsese ha dicho que él

tiempo como a Wilson, con Murray

(Wes) es el siguiente Scorsese y se

desde que lo conoció la comunión y

ha nombrado como "uno de sus más

la

fue

grandes admiradores" es porque hay

inmediata. Con excepción de su

que ponerle mucha atención a este

primera

joven (que dicho sea de paso ya no

complicidad

entre

película

estos

Murray

ha

colaborado en todas las cintas de Anderson,

ya

sea

en

papeles

principales, secundarios, de paso, incluso haciendo especies de cameo como los solía hacer Hitchcock en sus películas (en los que aparecía caminando cualquiera).

41

y

como

un

"extra"

es tan joven).

Cine Recomienda

XENIA por DANIELA DEL PALACIO

Dirigida por el griego Panos H. Koutras, de corte multinacional (Bélgica, Francia y Grecia) Xenia es una película de giros inesperados que cuenta la historia de dos hermanos que emprenden un viaje en busca de su padre. La música, a cargo de Delaney Blue, les dará mucho en qué pensar; probablemente la encuentren graciosa, incluso patética, pero reveladora de emociones profundas en cada personaje.

Las actuaciones son sencillas y conmovedoras; una de ellas es en especial de gran calidad, la del protagonista Danny (Kostas Nikouli), quien es impulsivo, atrevido, sentimental y se ve forzado a madurar a un ritmo probablemente acelerado pero necesario a consecuencia de sus experiencias. El director logra transmitir el drama emocional de su protagonista y envolver al espectador en un juego sutil entre lo “esperado” y lo “completamente inesperado”.

La película es del año 2014 pero llegó a México apenas a finales del 2015.

Parte de la selección oficial del Festival Internacional de Cine de Toronto, competidora en el Festival de Cannes y ganadora al premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Gijón. Xenia, divertida pero muy seria, queda más que recomendada.

42

texto por ERIC EDUARTE VILLA

43

Tan hostil y desgarradora, que motiva

“Un aburrido policía turco de uniforme arrugado revisó de mala gana el bolso de mano y le dio una mirada al pasaporte del hombre. Con tos provocada por el cigarrillo que fumaba, el agente le indicó al pasajero que avanzará. Observe cómo el hombre regordete desaparecía en la sala de pasajeros. Sí, sí, me dije. Así debe de hacerse, parece fácil… Caminé hacía el mostrador y con lo que me quedaba de dinero compré un pasaje a Nueva York para el día siguiente” -Billy Hayes, 6 de Octubre de 1970.

44

45

Se dice que una buena historia nace

Una superación interna para enfrentar

viviendo, pero las mejores nacen

el exterior, el mensaje de la cinta, que

cuando se sobrevive. El día que Billy

para nada nos hace disfrutar 120

Hayes quiso regresar con un poco de

minutos

hachís para consumir y compartir con

película, sino que al contrario, nos

sus

se

vuelve partícipes, nos introduce en

encontró con el infierno que lo

los ojos de Billy Hayes, en su mente,

perseguirá por el resto de sus días,

hasta quisiéramos ayudarlo, pero no

que sin duda le dio una gran lección,

somos los guionistas, simplemente

pero también dejó el argumento para

testigos, sufriendo como él.

amigos

en Norteamérica

una de las obras más grandes de la cinematografía.

de

una

impresionante

Y todavía nos acompaña una melodía hermosa y triste de la composición de

No había pasado ni una década

Giorgio Moroder (Scarface) y ese

cuando su asombrosa historia de

latido

encierro en una cárcel de Estambul

confundir ¿Es el corazón de Billy o el

se llevó a la pantalla grande. Un

de nosotros? Entonces es de esas

hombre que buscaba dejar un país en

películas que no se entienden, sino

tiempos difíciles. En lugar de escapar,

que se sienten.

su pequeño vicio lo hizo quedarse con una condena de 30 años, una vida y la muerte ahí. La soledad, su única compañera. Pero si su fortaleza interna es lo suficientemente fuerte la podría usarla de aliada, aunque en un lugar como ese, fácilmente se vuelve enemiga.

Una

que

de

película

pronto

se

puede

desesperanzadora,

cuando uno cree que habrá salida todo se complica y la perdición parece

inevitable.

Un

discurso

inquietante, doloroso y al final una libertad con ganas de volver a casa y cambiar, de agradecer a la vida una nueva oportunidad.

46

El lado

47

oscuro de

48

Freud tenía una teoría (aún hoy

El mundo del cine nos ha mostrado

debatida y cuestionada al igual que

ejemplos muy complejos de esta

su teoría de la sexualidad polimórfica

clase

en la infancia) de que todo trauma o

Shame de Steve Mcqueen, Stanley

problema

psicológico,

Kubrick con su emblemática Naranja

cualquier

patología

psicótica

y

Mecánica o Matador del genial Pedro

problemas

como

masturbación

Almodóvar, ejemplifican como, para

y

conductas

olvidar o enterrar viejos traumas,

que

sufrimientos

crónica,

la

aislamiento

antisociales

o

-problemas

incluso

eran

temas,

y

películas

problemas,

como

no

reprimidos por no tener cura y por los

precisamente de la infancia, sino

cuales los pacientes eran destinados

cualquier otro trauma, se suele utilizar

a

con

el sexo para llenar esos vacíos y

electroshock y drogas y vivir en

olvidar por minutos lo que somos y lo

manicomios- podía deberse a un

que hicimos para que todo nuestro

trauma de la infancia producto de

mundo, no hace tiempo atrás, se

algún abuso sexual y del cual nunca

derrumbara.

recibir

tratamientos

se habló y nunca se expuso.

Pero ¿qué pasa cuando, además de

Quizá eran recuerdos que las mismas

tener algún trauma, se le suma el

víctimas olvidaban y bloqueaban por

hecho de reprimir necesidades tan

el shock del trauma. De ahí la

elementales como la comunicación?

necesidad

el

¿qué pasa cuando se sufre un trauma

psicoanálisis de Freud, método que

como se supone pasa en una guerra

en su tiempo fue muy atacado,

en la que tanta gente muere a manos

además de que se enfrentaba a cierto

de otra gente? Lo más razonable y lo

sector de la Iglesia que tachaba de

que quizá todos pensaríamos al

demonios a los que tenían estas

instante sería que se necesitaría la

conductas (tema que se narra muy

ayuda de alguien, de la familia tal vez

profundamente en el filme Un Método

en un primer plano.

por

la

que

nació

Peligroso de David Cronenberg).

49

de

Pero si la familia no está y la religión

Eso es lo que nos plantea P.T.

no nos interesa, muchos dirán que la

Anderson en la que quizá sea su

respuesta es la bebida (que al igual

película más oscura, más celebrada,

que el sexo muchas veces agrava el

y la que para mí es su mejor joya (lo

problema, o lo acaba de curar). Pero

considero sólo por la realización y

quizá la verdadera y única respuesta

cómo se concibió el trabajo, porque

sería la ayuda de un guía, un

sin duda su película emblema y con

maestro. Pero, ¿Y si el maestro tiene

la que en verdad deja un legado a la

problemas

los

historia del cine es Magnolia, película

nuestros? ¿Si predica algo que en

de la que ya les he hablado en esta

verdad sólo nació de un fraude o algo

revista ediciones atrás).

más

graves

que

que él mismo inventó como todos lo asumen?

50

especial

No es un secreto la gran admiración

Muchos tachan al cine de P.T. (al

que siento por el trabajo de Paul

menos en su faceta oscura, aunque

Thomas, pero con este filme sí me

también en sus otras películas como

llevó a lugares que pocas películas

Punch-Drunk

me pueden llevar, una película que

pretencioso y que quiere alcanzar

en verdad hace cuestionar cosas, que

temas muy complejos y plasmar las

asume querer cambiar tu manera de

cosas como en la vieja Europa en

pensar, que te hace meterte en la

una industria que sin duda de lo

cabeza

artístico carece mucho, pero en esta

de

personajes.

cada

uno

de

sus

cinta

logra

y

Magnolia)

cuestionar

ideologías sobre ídolos falsos.

51

de

ciertas

Pareciera en verdad que empiezan a

ángulo, que trae al enorme universo

ayudarte, para después cuestionarte

del cinema un filme más que si bien

si en verdad todo lo predicado por tal

no es el típico cine que se hace en

profeta

la

Hollywood (razón por la cual las

salvación o simplemente tu mente es

grandes productoras lo desecharon

tan débil para ser engañada, para

en su momento), aporta demasiado

caer en cuenta al final que la cura de

para cuestionarnos propiedades y

todo

satisfacer

condiciones del ser humano aún a

necesidades simples y no reprimir

veces poco tratadas y comprendidas

nuestros

a partir de este universo.

falso

era

en

verdad

simplemente

deseos

e

es

instintos

por

traumas del pasados. Pero como bien lo dijo una vez el mismo P.T. en uno de sus filmes: "Puede que nosotros hayamos acabado con el pasado, pero él no ha acabado aún con nosotros".

Este tema tan controvertido, tabú, y por qué no decirlo, delicado, nos hace pensar ¿en verdad son una cura? ¿O sólo son personas con un problema aún más grave que el de nosotros? ¿Es mejor reprimir nuestros instintos

Esta película encuentra en la mente

animales

maestra detrás del proyecto, en quien

controlados? ¿O es mejor dar la

se basa la historia (aparentemente

libertad a

mucho de la historia se basa en la

experimentar e incluso creer en las

vida de L. Ron Hubbard, fundador de

teorías más locas, teorías que las

la

de

mismas religiones nos exponen, pero

realización (analógica 35mm y no

como algo obligatorio y no como una

digital), su fotografía en verdad mejor

posibilidad en un universo del cual

que magnífica, pero sobretodo en los

nadie entiende nada? Lo más valioso

tres monstruos que actúan en esta

de esta película sin duda es eso, te

(Adams

primero-,

hace pensar, te hace cuestionar y, al

Phoenix, y el siempre recordado

menos para mí, eso es una de las

Seymour Hoffman) y en el "master"

cosas fundamentales que hace el

detrás

cine (al menos el buen cine).

cienciología)

-las

de

perfección

todo vista

su

damas

modo

(Anderson) desde

una

como

el

sexo

y

vivir

nuestras mentes para

cualquier

52

53

por ALEJANDRA ARELLANO

54

EL CIRCO Representación de la tragedia por ANDREI MALDONADO

¿Cómo un sitio lleno de payasos, globos, malabaristas, equilibristas, domadores de leones, bestias amaestradas y mimos puede resultar un lugar siniestro en donde sus protagonistas están al borde de la tragedia a cada instante? ¿Será que nunca hemos sido capaces de conocer qué son en realidad la mujer barbuda, el niño lagarto y el hombre más fuerte del mundo?

Como muchas expresiones del arte el cine no ha sido ajeno a la tentación de retratar a los circos como sitios en donde las tragedias más crueles ocurren en la vida de personajes atormentados por malformaciones que los han convertido en fenómenos, asesinos prófugos, locos y gente que simplemente ha caído en el infortunio y encuentra únicamente bajo la carpa una forma de subsistir en un mundo para el cual han dejado de existir como seres humanos, para convertirse tan solo en una atracción.

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Uno de los primero relatos –quizá el más perturbador de todos- que mostró la miseria en la que viven los cirqueros fue Freaks de Tod Browning (Drácula), la cual en 1932 mostró en la pantalla grande a “fenómenos” reales de circo, personas con malformidades físicas que simplemente reprodujeron su vida cotidiana adaptando el cuento “Espuelas” de Tod Robbins, donde se encuentran integrados el engaño, el asesinado y la venganza.

Otra película que por igual aborda los senderos de la tragedia que toman los solitarios personajes dedicados al espectáculo circense es La strada de Federico Fellini, donde el show no solo se queda bajo la lona sino que precisamente, se vuelve de “la calle” y someterá a Zampanó (Anthony Quinn) y Gelsomina (Giulietta Masina) en una danza de dependencia, desencuentros y soledad de dos, envueltos en una relación dependiente y lastimosa.

Las tragedias del “freak show” tomaron un toque esotérico en 1989 cuando Alejandro Jodorowsky presentó Santa Sangre, un relato que entremezcla el surrealismo típico de los filmes del chileno con el terror psicológico de las andanzas de Fénix quien, atormentado por el fantasma de su madre, cederá parte de su vida para cobrar venganza y, al mismo tiempo, buscar a la única persona que le prodigó amor genuino en el circo, una niña mimo muda.

Y llevando todo al borde de la locura cerramos este recuento circense con Balada triste de trompeta, obra maestra del cineasta español Alex de la Iglesia, quien con su clásica comedia-gore –al más puro estilo de El día de la bestia- retrata la obsesión de Javier por convertirse en un payaso triste y en encontrar en Natalia, “la chica de la tela”, a esa mujer que le dé el amor que la guerra le quitó de su padre encerrado y de su madre muerta.

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56 56

La reticencia de la memoria

De la nostalgia al recuerdo por PALOMA COMINETTI

Hablar de cine es hablar de emociones, de sensibilidad. Es hablar, sin duda, de la nostalgia.

Nostalgia por lo que vino y se fue, por lo que no se tiene o por lo que no se tendrรก. Nostalgia que nos lleva (pues no es lo mismo) al recuerdo.

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No es lo mismo en tanto que mientras que la nostalgia aparece como un sentimiento inexplicable de la extrañeza, el recuerdo –aunque muchas veces confuso y entrecortado- se nos presenta en imagen, siempre en imagen. Nos enfocamos en él, rebuscamos entre la mente a fin de tenerlo entre nosotros. Lo sacamos de su tumba esperando resucitarlo y es ahí cuando se une a la nostalgia, pues sentimos una tragedia inmensa. Sí, justo con ese término, tragedia, al ver que el recuerdo no es más que un cadáver sin tiempo.

La labor del cineasta, entonces, no es más que la de un profanador de tumbas. Retrata recuerdos, evoca la nostalgia y juega con el tiempo, el cual no tiene vida cronológica en sí, a pesar de lo que diga el reloj.

Hablar de la relación semántica recuerdos-nostalgia-tiempo retratada en el cine sería imposible de abordar en unas cuantas líneas, quizá porque sea una de las raíces primigenias del séptimo arte, aún más si hablamos de la reticencia que la memoria tiene para transformar y moldear a su favor el pasado, sesgando aquellos caminos adversos, maximizando los instantes gratos. Sin embargo, a fin de ejemplificar la teoría básica del presente ensayo, habremos de tomar dos ejemplos concretos.

El primero de ellos es El curioso caso de Benjamin Button, cinta dirigida por David Fincher y basada en la novela homónima de F. Scott Fitzgerald, la cual juega de forma magnífica con la cronología humana invirtiendo el ciclo de la vida. Mezcla la nostalgia vivida en el presente por el pasado añorado y la angustia del futuro de manera inteligente, sin mencionar que el recuerdo está siempre latente en todo el relato, como en los siete rayos que recibió a lo largo de su vida Mr. Daws y que terminan siendo un exquisito macguffin.

El otro ejemplo es Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, película dirigida por el genial Michel Gondry, en la cual el tiempo es el que juega con el espectador, se entrelaza con él, se confunde y se convierte en una sola materia no regida por medida humana alguna, sino por los recuerdos, el grado afectivo que cada uno de ellos genera en nosotros y que los hace precipitarse en la mente junto a la nostalgia ante el peligro de perderlos, pero también el riesgo de retenerlos.

En resumen podríamos decir que el cine, desde su nacimiento, es nostalgia, es tiempo y es recuerdo, no solo en sus historias, sino en todo lo que inspira en los espectadores.

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LA REPRESENTACIÓN de la esencia de la humanidad por ERIC EDUARTE VILLA

Son

muchas

inquietan

la

preguntas

la

existencia,

que desde

¿Quiénes somos? hasta ¿por qué estamos

aquí?

pregunta

que

Pero no

ha

hay

otra

dado

una

respuesta sólida para comprender en totalidad su causa ¿Para qué sirve el arte?

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Cuántas películas, libros y obras de

Esos finales que dejan maravillado,

teatro han generado tal inquietud.

atónito y reflexionando sobre lo que

Una de esas obras es la puesta en

somos. Es cuando entonces llega la

escena

representación”,

pregunta ¿Para qué es el arte?

dirigida por la duranguense Carmen

Muchos lo ven como algo positivo,

Flor, que desde hace tiempo reside

con un mensaje para crecer, pero es

en la Ciudad de México, siendo ahí

también el arte una realidad de este

donde ha forjado su carrera artística,

mundo, una espejo de la humanidad,

y recientemente regresó a su ciudad

de su forma de ser y pensar, aquí en

natal para presentar una obra que en

esta “Representación” llega a ser

verdad sacude lo más profundo de

hasta algo heterodoxo.

de

“La

nuestro ser.

Carmen comentó que llega a tener

Con tres personajes en el escenario

toques de machismo y feminismo, al

narra la historia de la obsesión de un

tiempo que hace una burla al teatro,

hombre

su

burlándose de su propio trabajo como

esposa, buscando a una actriz que

ella misma lo señala. Una obra

interprete el papel que tenía su

artística que deja bastante en el

querer. Mientras pasan los minutos el

interior tras presenciarla, con un cast

montaje va de un drama a una

que

atmosfera oscura, llegando a un final

convencionalismos

más que inesperado, aterrador, negro

llevarlos

como el ser malvado que se esconde

naturalidad de actuar. La directora

en todo ser humano, evocando a uno

añadió que espera pronto hacer el

de los personajes icónicos del cine

salto del teatro al cine.

con

el

recuerdo

de

precisamente

a

ese

deja

los

teatrales

para

realismo,

a

la

creado por Alfred Hitchcock, Norman Bates en Psycho.

60

AlimentĂĄndonos del sĂŠptimo arte

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