No. 25 Ene.-Feb. 2017 Edición Bimestral
4
años
Alimentándonos del séptimo arte
CF
-LITERATURA Y CINEADEMÁS -Escuela de Cine en Durango-Filmación de “La Revolución”-Entrevista Eric del Castillo-Entrevista a Oliver Rendón-Entrevista Brenda Medina-Roger Waters en México-Adiós al VHS-
Editorial
Ver, escribir y fabricar cine DIRECTORIO
El cine de alguna manera se ha
nuestra meta como realizadores no
convertido en nuestra fuente de ver
es
y apreciar la vida, el arte en general
grandes
logra eso en cada persona, pero
compartir este sueño, este mundo
para quienes iniciamos Cinéfagos
paralelo a la realidad que también
se convirtió en nuestro alimento
es realidad, porque lo que hace el
diario. Un alimento que antes de
cine
comenzar
escuchamos, lo sentimos.
la
revista
ya
consumíamos, ver películas desde pequeños fue quizá nuestra manera de
apreciar
la
cinematografía,
desde que comenzamos a tener conciencia en este mundo y a querer explorarlo nos empezaba a maravillar el séptimo arte, claro, sin saber cómo se llamaba.
lograr
la
grandeza
estudios,
existe,
lo
es
de
sin
los duda
vemos,
lo
Y eso que sentimos cada uno se ha
al mundo. Porque sabemos que el
alguna manera nos salva, nos hace sentir vivos a nosotros y a quienes
parte de él. Fue entonces que su
críticas,
servidor
Maldonado
informando de festivales, muestras
la
y mostrando a los demás colegas
de
revista)
de
cineastas,
el mundo de la cinematografía,
conocidos.
cortometrajes,
documentales, escribiendo guiones, queriendo ser de grandes como los directores
que
admirábamos
y
seguimos admirando. Antes
de
iniciar
compartir
publicando
emprendimos cada uno su andar en
realizando
Fotografía Externa Cortesía Colaboradores Juan José Antuna Seth Álvarez
partir de la realización nació la otra
escribiéndolo, redactando reseñas,
general
Fotografía Andrei Maldonado Ángel Meraz
lo admiran como espectadores. A
nos dominó llegó el momento de ser
(director
Diseño Andrei Maldonado
cine y todo el arte es lo que de
forma
Andrei
Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa
vuelto una necesidad de mostrarlo
Para cuando el mundo de la ficción
y
Director General Andrei Maldonado
conocidos
el
cine,
eventos
y
e
no
Porque el cine no sólo es mientras se proyecta la película, es y sucede antes de que esta comience a
www.revistacinefagos.blogspot.mx
exhibirse, desde la formación de un guión y culmina cuando alguien
Cinéfagos
ya
habla de la película después de su
escribíamos para el cine, creando
presentación al público. Ver, hacer y
historias,
las
escribir para el cine, que lleva de
pantallas. Aún no se llega a los
alguna manera a la formación del
grandes
ser.
plasmándolas
reflectores
y
en
aunque
/revistacinefagos
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Eric Eduarte Villa
Contenido
LITERATURA Y CINE pag.
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Mezcal y Cine... 15 Dualidades cinematográficas... 16 Eric del Castillo... 17 Miguel Rico... 19 Escuela de cine en Durango... 21 Los Amorosos... 23 Desde la cabina... 25 Oso Polar.. 27 Adiós al VHS... 29 Café Society... 33 Brenda Medina... 39 Oliver Rendón... 43 Roger Waters... 47
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Literatura y Cine
Un discurso divergente por ANDREI MALDONADO
La literatura ha servido como base para la construcción de nuevos mensajes a través de otros medios distintos al impreso, como son el teatro, la radio, la televisión y el cine. Este último (a diferencia de los otros) ha despertado, desde sus inicios un debate, si no gastado, sí altamente recurrido entre expertos de ambas corrientes artísticas en cuanto a la adaptación de la literatura al celuloide.
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llamados Best Sellers (Harry Potter, Crepúsculo, Millenium) se han gestado opiniones tanto a favor como en contra de las “versiones” cinematográficas de novelas, cuentos, leyendas y poesía.
Afirma José Luis Sánchez Noriega, profesor de la Universidad Complutense de Madrid, que “Literatura y cine están condenados a coexistir, fecundarse mutuamente, dialogar entre sí y entretejerse”. Apoyando dicha sentencia, el teórico comenta que “Dentro de la relación cine-literatura la adaptación es la gran cuestión, tanto desde el interés del debate cultural como desde el análisis de las formas artísticas”. Y es que a lo largo de la historia a partir de los filmes de Georges Méliès (más certeramente Le Voyage das le Lune, 1902) hasta las más recientes adaptaciones de los
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Hay múltiples críticos literarios y de cine que condenan a aquellos directores que “alteran” de forma importante la versión original de las historias. Sin embargo, a visión de otros autores, la obra fílmica es totalmente independiente, un discurso teórico que solo obedece a los intereses y gustos que el director tiene por la obra original. Carlos Benpar comenta que “Lo que un cineasta hace es simplemente transformar una forma de obra en otra, que es la película. Pero la obra original queda intacta, nadie la toca”. El tratamiento o crítica debe ser entonces no un comparativo con el texto original, sino un metadiscurso: analizar la película por la película misma. Además de la adaptación existen las denominadas “historias inspiradas”, que son precisamente préstamos o licencias que toma el director de otras obras (no solo literarias) para engendrar nuevos relatos; así como el retomar guiones incompletos o sin publicar de escritores fallecidos en los cuales, sentencia el mismo Benpar, deben –a diferencia de la adaptación y la inspiración- ser respetadas en su totalidad.
Muchos son los ejemplos de adaptaciones e inspiraciones a lo largo de más de cien años de historia de la cinematografía y muchos también los discursos que se han hecho entorno a dichos relatos, llegando a diversos puntos de vista pero, en su mayoría, concordando en la imperiosa necesidad de separar a la obra literaria de su versión fílmica. México no se ha quedado atrás en el tema, llevando a la pantalla grande innumerables textos, entre ellos Como agua para chocolate (1990) y Arráncame la Vida (2006). Sin embargo, en el ámbito local – refiriéndonos a Durangola generación de discursos teóricos al respecto es mínimo, aun siendo esta la llamada “tierra del cine”; sin mencionar que, a pesar del amplio folklor literario, las adaptaciones en cualquier versión (llámese corto, medio o largometraje) son escasas o nulas. Hablar de Cine Hablar de cine es hablar de dos constructos: uno, el cine como lugar de confluencia social, desde su comienzo hasta la actualidad; y dos, una de las expresiones artísticas consideras como bellas artes. La visión del cine y la cinematografía no es homogénea, incluso para aquellos que han trascendido en la historia de este arte. Alfred Hitchcock, maestro del suspense, afirmaba que para él el
cine era también butacas qué llenar”.
“cuatrocientas
Por otra parte Riccioto Canudo manifestó en 1911 que de las siete artes, el cine, era una “síntesis de todas las artes”. En diversos trabajos se ha referido al cine como “El arte de contar historias a través de las diversas manifestaciones artísticas”. En palabras de María José Fresnadillo Martínez “El cine aglutina espacio y tiempo, imagen y palabra, realidad y ficción, conocimientos y sentimientos”. En efecto, es imposible pensar en cine sin referirnos a la música, que incluso ha elevado al grado de icono a diversos filmes; a la escultura, la pintura y la arquitectura en la construcción de escenarios; a la danza incluso como género (musicales); y al teatro y la literatura como base estructural de su desarrollo. Quizá lo puntual en la cinematografía resida en su capacidad de armonizar y conjuntar estas artes al mismo tiempo para contar historias. Una frase que puede darnos una idea de lo que es el cine para los mismos directores es la expresada por David Lynch: “Todas mis películas son acerca de mundos extraños, mundos a los que nunca podrías ir a menos que los construyas y los reproduzcas en una película”.
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No todo en el cine es mero entretenimiento; no debemos olvidar la labor educativa e informativa que desempeña. En un principio, durante las películas se exhibían noticias y anuncios publicitarios. Adolfo Hitler y el partido Nazi utilizaron al cine como parte de su campaña política, en los inicios de lo que hoy conocemos como propaganda o proselitismo. Hoy en día es común ver la proyección de cortometrajes y mini documentales de contenido educativo o de reflexión, anuncios de campañas sociales y políticas y diversos anuncios culturales, lo que renueva la idea de que el cine, más allá de encontrarse en una constante renovación, mantiene las bases que le dieron origen: ser un espacio de difusión y recepción de mensajes, de retroalimentación y construcción de ideas. La labor de la Literatura Puede considerarse a la literatura no tanto como una cualidad o un conjunto de cualidades inherentes que quedan de manifiesto en cierto tipo de obras, sino como las diferentes formas en que la gente se relaciona con lo escrito..
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Concebimos entonces a la literatura como un “gran arte” o una “madre de las artes”, que permite generar las bases de las demás. La música, por ejemplo, es literatura en esencia y no solo haciendo referencia a las canciones; los géneros musicales meramente orquestales e instrumentales (desde la música de cámara hasta el new web ambiental) conllevan un contenido literario. Lo mismo ocurre con la pintura, la danza, el teatro y el cine (en mayor o más evidente grado) y en menor nivel la arquitectura y la escultura. En el caso del cine la literatura ha establecido una relación aún más estrecha, no solo al servir de inspiración, sino de generar entre ambos nuevos discursos y géneros. Más allá de lo que se piense, la literatura hoy en día está más vigente que nunca, pues permea en todas las artes y en la vida cotidiana de las personas.
(algunos expertos lo comparaban con Ana Karenina de León Tolstoi) los hermanos Lumiere y los trabajos de Georges Méliès a finales del siglo XIX los que marcaron el uso de la literatura como inspiración para la cinematografía y que, a lo largo del siglo XX, se convertiría en tendencia. Y es que en su estrecha relación, el cine ha hecho con la literatura tantas vertientes como textos literarios existen en el mundo a lo largo de la historia. Basta con pensar en la enorme posibilidad de contar diversas versiones de una misma historia teniendo tantos poemas, novelas, relatos históricos, cuentos, canciones, etc.; o en la fusión de todos estos medios. Así mismo el cine nutre de una nueva posibilidad de construir y resignificar los lenguajes y discursos que posee la literatura. Textos marginados o en el olvido pueden cobrar realce a través de un buen filme.
Orígenes de la adaptación literaria en el cine La adaptación de obras literarias al cine tiene la misma tradición centenaria que el séptimo arte. El cine, como el teatro, encontró cobijo a sus primeras historias en base a las grandes obras literarias; en un principio como estricta transcripción, más tarde como adaptación. Quizá sea la proyección de L’arrivée d´un train en gare de la ciotat en 1885
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Relación Cine-Literatura a lo largo del siglo XX En cuanto a narración, el cine no puede sino ser hijo de la tradición literaria. Son diversos los autores que han recorrido a obras literarias (consagradas y no consagradas) para realizar sus filmes, como lo hizo constantemente Stanley Kubrick. Pero no hay que dejar de lado que el cine, en esencia, es literatura en estado puro. Cada guión, tanto basado o inspirado en alguna obra literaria consagrada o no, como tratándose de una historia inédita, representa la estructura básica de la película; y el guión no es otra cosa que una versión estructurada a manera de guía de un concepto literario. Es decir, toda película pasa por un proceso similar a un cuento o una novela. Un concepto que los une y que se conoce como narratividad. Dicho concepto se refiere a “la posibilidad que tiene un evento de ser narrado. (…) esta propiedad como punto de convergencia entre el cine y la literatura, ya que ambos discursos narran una historia”. Al ser este el punto de encuentro, los argumentos en contra de la pérdida de la fidelidad de llevar a la literatura al cine pierden potencia, sobre todo al entender la diferencia entre adaptación e inspiración. La adaptación tiene éxito en adaptar los
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temas principales, la inspiración lleva a crear, en base a dichos elementos, un nuevo discurso. Pero del mismo modo en que la literatura baña con su influencia al arte del celuloide, este ha generado historias tan influyentes que han sido convertidas a diversos formatos literarios como el cuento, la novela, el guión teatral y el guión televisivo. Los argumentos que se encuentran en contra de que el cine “abarate” o “desgaste” las historias originales es sumamente arbitrario, pues el cineasta no hace otra cosa más que darle otra visión al discurso original, como se ha hecho de otras artes, sin que se le cuestione como al cine. Ejemplo claro está las diversas versiones hechas de cuadros como el Guernica de Pablo Picasso o la Mona Lisa de Leonardo da Vinci.
Adaptación en el cine mexicano Tratar de contar la historia del cine en México sin hablar también sobre adaptación literaria a la pantalla grande sería imposible pues, al igual que en el resto del mundo, el cine en nuestro país encontró su nacimiento a través de obras de la literatura, sobretodo de la hispana. Dos obras literarias marcan el nacimiento del cine mudo y el cine sonoro en México: Don Juan Tenorio (1899) de José Zorrilla y dirigida por Salvador Toscano, y Santa (1931) (ya se había filmado en 1918 por Luis G. Peredo), de Federico Gamboa, dirigida por Antonio Moreno. Por lo que la literatura no solo se constituyó como una fuente de inspiración, sino que marcó un hito y se fue convirtiendo en parte del lenguaje cinematográfico de las décadas siguientes.
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La época de oro del cine mexicano tomó en sus manos la constitución del cine como herramienta literaria. Es en esos años que los guiones son obra de literatura propia, sin dejar de lado las adaptaciones e inspiraciones, pero es en los años 70´s cuando, una vez marcada la culminación del ciclo de películas de temática rural, de transición del campo a la ciudad y del charro mexicano, aparecen de nuevo las adaptaciones, algunas veces de filmes ya realizados en tiempos pasados y otras veces de libros e historias que aparecían en las fotonovelas, como fue el caso de Rubí, escrita por Yolanda Vargas Dulché y dirigida en 1970 por Carlos Enrique Taboada.
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En los años siguientes la tendencia continuó, y es hasta nuestros días una constante, destacando no solo libros clásicos, sino también textos contemporáneos, no solo del género novela, sino también de leyendas populares, mitos, poemas y cuentos. Algunos ejemplos de adaptaciones hechas en el cine nacional en tiempos recientes destacan a Otilia Rauda, novela de Sergio Galindo; El Crimen Del Padre Amaro, creación de Eca de Queiroz; Pedro Páramo, de Juan Rulfo; Dos Crímenes, novela de Jorge Ibargüengoitia; Rosario Tijeras, de Jorge Franco Ramos; La Habitación Azul, de Georges Simmenon; Vivir Mata, de Juan Villoro; Arráncame la Vida, de Ángeles Mastretta; Asesino en serio, de Javier Valdez; El Coronel No Tiene Quién le Escriba, de Gabriel García Márquez, y Amor, dolor y viceversa, de Blas Valdez, por mencionar algunos.
Adaptación e inspiración La discusión entre los puristas de la literatura (llámese críticos, lectores o escritores) y quienes hacen o gustan del cine, con respecto a la fidelidad de interpretación que se hace en un film sobre una obra literaria encuentra punto crucial y divergente cuando se habla de inspiración. Si ya una adaptación es en sí una obra particular, independiente al texto original, que solo obedece a los conocimientos, gustos y deseos del director, la inspiración es aún más independiente, puesto que su fuente de recursos no se limita a una obra en sí. El guión cinematográfico de una película aparentemente inédita puede tener base en poemas, cuentos, leyendas, mitos o novelas, de diversos géneros y autores, convergiendo todos al mismo tiempo, a fin de crear un relato nuevo. Esto sin duda marca al guión cinematográfico como un género literario propio, cuyas posibilidades de múltiples discursos es ilimitada. Y es que es libre de tomar elementos de obras diversas y retomarlos desde lenguajes solo conocidos por el director, ha contrario de una transcripción, que es una rigurosa traslación de lo mostrado en el texto dramático original, en el cual solo se hacen modificaciones para poderlo plasmar al celuloide; e incluso más.
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Contexto actual literario al guión
del
discurso
Mucho se ha dicho con respecto al tema y mucho está por decirse. A finales del siglo pasado, y durante la primera década del Siglo XXI, la adaptación literaria en el séptimo arte ha tomado un nuevo auge, llevando a la pantalla grande a autores contemporáneos y con ellos a los llamados Best Sellers. En tiempos actuales hemos visto la saga de Harry Potter, de J.K. Rowlling, El Código da Vinci, de Dan Brown, la saga de Crepúsculo, de Stephanie Meyer y la trilogía de Millenium, de Stieg Larsson, por nombrar algunos. Incluso géneros como el suspense y el thriller se han basado durante años, casi por entero, a la adaptación de obras completas de novelistas como John Katzenbach, Michael Connelly y John Grisham, entre otros.
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Y es que el discurso es sumamente arbitrario: mientras algunas adaptaciones son elevadas a grado de culto, como lo fue El Erizo (Le Hérisson, Francia, 2009), dirigido por Mona Achache, basado en el libro La elegancia del Erizo, de Muriel Barbery; otras, como las mencionadas sagas y trilogías, son vistas como cintas de poca valía en cuanto a adaptación, limitadas simplemente al campo comercial. A pesar de la innegable relación existente entre literatura y cine, podemos decir que el cine merece recibir una lectura independiente, aunque se trate de historias adaptadas del libro al filme. Contrario a lo que muchas personas consideran, la adaptación no debe ser una reproducción fiel del texto; al contrario, será más valiosa en tanto el cineasta sea capaz de traducir los puntos más importantes e incluso aportarle importancia a elementos ignorados en el texto.
Al final, la decisión de hasta donde se desea llegar cuando un elemento literario se lleva al guión de cine depende únicamente del responsable de hacer tal guión, a su conocimiento de la lectura, del lenguaje cinematográfico y de sus propios gustos. No hay una regla estricta para realizar una adaptación cinematográfica, menos si se tiene en cuenta que se puede adaptar desde una frase hasta una novela. La adaptación debe, en todo caso, ser independiente del texto literario. Tomar parte de él pero ser, en esencia, una nueva versión del mismo. En cuanto al auditorio, tampoco existe un parámetro de aceptación o de lectura. La crítica a las adaptaciones también responde al grado de afinidad a la lectura, pero es importante recordar que la adaptación no está obligada a reproducir fielmente el contenido literario original.
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Noche de mezcal y cine de Nombre de Dios Como parte de las actividades de la conformación de la Ruta del Mezcal y los trabajos Pro-Pueblo Mágico, se llevó cabo la Noche de Mezcal, Música y Cine de Nombre de Dios en la capital de Durango, así lo dio a conocer Víctor Hugo Castañeda Soto, secretario de Turismo del Gobierno del estado. Dijo que atendiendo las instrucciones del Gobernador del estado José Rosas Aispuro Torres, se están realizando diversas actividades para fortalecer la imagen de los distintos destinos y que resulten más atractivos al turismo.
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Indicó que además de la presentación del documental “Desde que Dios Amanece” de Eugenia Galván, se realizó una muestra gastronómica con las tradicionales gorditas y quesos, una degustación del mezcal y música en vivo del municipio de Nombre de Dios, donde estuvieron presentes las autoridades municipales, legisladores, representantes de las cámaras empresariales, empresarios restauranteros y hoteleros.
Dualidades Cinematográficas en Cineteca Durango El pasado 17 de diciembre los realizadores locales Andrei Maldonado y Eric Villa presentaron en la Cineteca Durango cortometrajes que realizaron en 2016, entre ellos varios galardonados. De Eric Villa se proyectó “Expreso”, el cual fue ganador del Rally 48 en Corto y que se presentó en el Little Mexico Film Festival de Chicago; “Arma de Cine”, ganador del concurso "Durango en un minuto" del Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango, y “Octubre Resplandor” filmado en la Ciudad de México.
De Andrei Maldonado se exhibieron “Metamorfosis”, participante del concurso "Durango en un minuto" del Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango, y “Los Misterios de la Fe”, del cual será su primera exhibición pública. Al término hubo una charla con los asistentes sobre el trabajo realizado por ambos cineastas.
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“Nunca hay que dejar la vocación” entrevista a Eric del Castillo texto y fotografía ANDREI MALDONADO
El primer actor Eric del Castillo se encuentra en Durango filmando un capítulo de la miniserie “La Revolución” llamado “La batalla de Ciudad Juárez” en donde interpreta al gobernador de Chihuahua y amigo de Pancho Villa Abraham González. Él aconseja a los jóvenes que quieren vivir del cine y la actuación que no abandonen su verdadera vocación. 17
Con 62 años de carrera actoral y más de 300 películas en su haber el también productor y guionista consideró que los jóvenes deben estar seguros que la actuación y el cine, si los han elegido como una forma de vida, sean realmente para ellos; “no se equivoquen de vocación, yo les recomendaría que no entren a esto por querer fama, popularidad o dinero. Si es lo que aman, adelante”, dijo. En lo que tiene que ver con la actuación indicó que desde que se inició hasta la actualidad la pasión lo ha mantenido tanto en teatro como en cine e igualmente en la televisión, a pesar de que ha pasado por muchos personajes; “todos servimos en la actuación, aunque seamos guapos o no, siempre hay un personaje para nosotros. Tengo 82 años y asumo los papeles que me dan. Siempre hay nervio”. Del Castillo confirmó que “La Revolución”, de la cual ya se filmó el primer capítulo “La batalla de Celaya”, narra de forma muy distinta la historia de personajes como Francisco I. Madero, Porfirio Díaz y Francisco Villa y, a propósito de su personaje, dijo: “para trabajar un personaje me imagino qué haría yo en esas circunstancias. Nunca dejas de ser tú al actuar, debes estudiar y tratar de ser alguien más”.
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“La Revolución: La batalla de Juárez” Miguel Rico, director de la mini serie “La Revolución” episodio “La batalla de Ciudad Juárez”, misma que se está filmando actualmente en la ciudad de Durango, destacó que además de sus paisajes Durango fue elegido como la sede de esta producción porque en ella se vive más la historia de la Revolución que en el resto del país. Destacó que Durango, además de ser la tierra del cine, cuenta con mucho apego a la vida y obra de los revolucionarios, por lo que no fue difícil encontrar las condiciones para llevar a cabo el segundo episodio de esta serie que es producida con el actor Eric del Castillo.
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Agregó que también contó a favor la gran cantidad de talentos que hay, muestra de ello es que actores locales trabajarán como protagonistas y en 25 papeles más, sin mencionar que sus locaciones, cielo y paisajes lo convirtieron en el sitio ideal para grabar; “estamos trabajando en La Ferrería, el Centro Bicentenario y el rancho de John Wayne”.
texto y fotografía ANDREI MALDONADO
Alimentándonos del séptimo arte
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La ciudad de Durango tendrá escuela de cinematografía texto y fotografía ANDREI MALDONADO
Durante el claquetazo de la mini serie “La Revolución” el gobernador del estado, José Rosas Aispuro Torres, confirmó la creación de la escuela de cine en Durango “Dolores del Río”, la cual usará las instalaciones del Centro Cultural y de las Artes (Cecoart) para cumplir con el anhelo texto ERIC EDUARTE VILLA de miles MALDONADO de duranguenses fotografía ANDREI interesados en el séptimo arte.
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De la mano de Víctor Hugo Castañeda Soto, secretario de Turismo, y de Christian Sida Valenzuela, director de Cinematografía, el mandatario estatal recibió la propuesta de plan de estudios y la plantilla de docentes de los cuales se adelantó son expertos en la materia, directores y catedráticos con reconocimiento a nivel nacional e internacional en Latinoamérica. El titular del Ejecutivo estatal afirmó que concretar un proyecto de esta envergadura permitirá no solo aprovechar el talento que existe en Durango, sino que además se tendrá una oferta que beneficie a la región, convirtiendo a la de Durango en una escuela pionera en el norte del país para estudiantes de estados como Coahuila, Zacatecas y Chihuahua.
Aispuro Torres ahondó que esto va de la mano con el arranque de la temporada de filmaciones que tan solo durante el primer semestre del año traerá consigo el rodaje de tres películas que dejarán una derrama económica en la ciudad superior a los 20 millones de pesos, además del episodio “La batalla de Ciudad Juárez” de la mini serie que será trasmitida en Canal 22. En el evento se dieron cita el director del proyecto Miguel Rico, así como el primer actor Erik del Castillo el cual será uno de los protagonistas y que, además, compartirá elenco con talento local ya que varios actores duranguenses participarán junto a un gran número de extras y gente de producción en locaciones como La Ferrería y el rancho La Joya.
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#Galería
LOS AMOROSOS DEL CINE MEXICANO
En la sala de exhibición Juan Antonio de la Riva de la Cineteca de Durango se montó la exposición fotográfica “Los amorosos del cine mexicano”, con los besos más emblemáticos del cine nacional. texto y fotografía ANDREI MALDONADO
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#Galería
DESDE LA CABINA DEL CÁCARO Con motivo de la proyección en 35mm de “Redes” hicimos una visita a Eleuterio Rivera “Tello”, el cácaro de Cineteca Durango, para ver funcionar el proyector. texto y fotografía ERIC EDUARTE VILLA
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Cine filmado en un iPhone El séptimo arte y sus nuevos derroteros
texto y fotografía ANDREI MALDONADO
La Dirección de Cinematografía y la Secretaría de Turismo de Durango llevaron a cabo el lunes 28 de noviembre de 2016 una charla sobre la realización y concepción de Oso Polar, película de Marcelo Tobar, teniendo como sede el Centro Cultural Multimedia. Oso Polar es el nuevo trabajo del director mexicano Marcelo Tobar y fue rodado completamente con teléfonos celulares y financiada por medio del crowdfunding, buscando corroborar la auténtica democratización del cine. Durante la charla compartió esta experiencia con los jóvenes realizadores duranguenses que asistieron, recomendándoles aprovechar los medios que hoy existen.
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Tobar ha escrito, dirigido y coproducido sus dos primeras películas independientes Dos Mil Metros (2008) que se estrenó en la Cineteca Nacional logrando seis semanas en cartelera y luego fue la primera película mexicana de libre acceso en la red con una licencia Creative Commons; y Asteroide (2014) que lo llevó a los festivales de Miami, Rio de Janeiro, Vancouver, entre otros. En la charla lo acompañó Elsa Reyes, reconocida productora de cine mexicano de autor. En 2007 fundó su casa productora Zensky Cine cuyas más recientes películas son Workers (ganadora de los festivales de Guadalajara, Morelia, Biarritz y Huelva); Las Horas Muertas y Los Parecidos, estrenada en 2016.
La co-productora de Asteroide de Marcelo Tobar compartió que con Oso Polar quiso volver al esquema indie de su primer largometraje de ficción producido que fue Adán y Eva (Todavía) de Iván Ávila Dueñas (2004), consiguiendo con esta experiencia renovar aprendizaje y demostrar así las bondades de la tecnología para fomentar el cine de calidad con bajo presupuesto.
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Hasta siempre VHS... por ERIC EDUARTE VILLA
Todas las mañanas al despertar veo al fondo de mi habitación un televisor que no recuerdo cuándo fue la última vez que lo encendí. Debajo está mi vieja videocasetera de cuatro cabezas. A las nuevas generaciones les parecerá raro esos términos, pero nada tienen de culpa, la tecnología avanza y les es más familiar los megas, los píxeles de una cámara, etc. Tendrán que saber que a partir de este año se va a echar de menos por quienes nos consideramos mayores o “rucos” los formatos analógicos del cine.
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Este año también le decimos adiós al legendario formato casero de cine VHS. Ese enorme cassette negro que nos entregó fantásticas tardes de película en familia pero que también nos dieron más de un dolor de cabeza cuando estas quedaban atascadas dentro del aparato. La cinta en ocasiones tenía que romperse para poder sacarla de ahí, a pesar de eso es inminente la nostalgia que queda. La única empresa en electrónica que los fabricaba en el mundo la Funai Corporation, con sede en Japón, dejará de fabricar de forma definitiva el reproductor para el VHS (Vídeo Home System).
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No hace mucho la empresa Kodak decía adiós a la fabricación de sus cintas de celuloide y la demolición del icónico edificio donde se fabricaban. Sí, esas cintas que muchos grandes directores de cine se inmortalizaron en grandiosas fotografías.
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También nos dice adiós el mundo de los video-clubs, donde se podía alquilar películas. En México predominaron primeramente los clubes privados, después llegaron las cadenas de Videocentro y Blockbuster. Su disolución marca el desenlace de la hegemonía de llevar cine a casa temporalmente. Las nuevas plataformas digitales de cine por internet comienzan a desplazar los formatos como el DVD y el mismo Blu-ray que parecía ser el nuevo rey del 'Home Video'. No quisiéramos que se fueran todos los formatos de cine en físico y que se nos regresarán los sistemas de 35 mm y el VHS. Quedarán para los museos y para los libros de historia pero siempre se agradecerá que un cine-club o cinema proyecte una vez más el cine como lo fue durante más de un siglo, ver esos defectos de cinta, las famosas quemadas de cigarro y escuchar ese pequeño claqueteo continuo de la cinta mientras corría a través del enorme proyector, si sucede o no, al menos puedo garantizar que en la casa de su servidor aún habrá cine en VHS.
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#CineRecomienda
Café Society Belleza y elegancia por JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ
Hace unos días leyendo una crítica precisamente sobre Café Society (y es que les comento que aunque no suelo hacerle mucho caso a las críticas de cine, sí me gusta leer críticas de cine) reflexionaba sobre el cuestionamiento que hacían acerca de que si por el simple hecho de ser una película entretenida se podía considerar como un buen "Woody Allen" (refiriéndose por supuesto a la película). Pues déjenme comentarles lo que yo pienso.
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34
Café Society es la película que nos presenta
este
año,
una
película
romántica, para mí la más romántica desde Midnight in Paris y trata sobre Bobby, su alter ego nuevamente, esta vez
protagonizado
Eisenberg,
un
joven
por
Jesse
que
busca
alejarse de Nueva York y su familia para ir a buscar fortuna a Hollywood, buscando que el hermano de su madre, su tío Phil (interpretado por el buen actor Steve Carell después de que Bruce Willis fuera despedido de la producción por no aprenderse sus diálogos) el cual es un famoso agente de los actores más famosos de la época dorada de Hollywood en los años treinta, para que le pueda ayudar a realizar su cometido.
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Después de mucho esperar su tío lo
amada a través de las cartas que le
recibe y acepta ayudarlo a empezar
envía a su hermana, Vonnie lo
en el negocio haciendo mandados
rechaza pues tiene una relación
para él hasta que algo grande salga,
tormentosa la cual al enterarse Bobby
entonces encarga a su secretaria y
después de que ellos empiezan a
objeto del deseo Vonnie, interpretada
salir hacen que Bobby regrese a la
por
Stewart,
ciudad de donde jamás debió salir,
siendo quizá éste su mejor papel
donde a su regreso tiene todo, pero
junto con el que hace en Clouds of
no tiene a la mujer que amó desde el
Sils María, (papel por cierto también
primer momento en que la vio.
la hermosa
Kristen
se podría decir es un alter ego del típico personaje del director) que le dé un paseo a Bobby para que conozca la ciudad.
Con la actuación también de la encantadora Blake Lively (en la única película que me ha gustado esta mujer y su personaje también se
Así que Bobby y Vonnie se hacen
llama Verónica) esta es una película
muy buenos amigos y entre más
que me parece un homenaje al cine,
tiempo pasan juntos Bobby se va
uno que Allen aún no le hacía, pues
enamorando más de ella, como si se
desde mi perspectiva esto es esta
pudiera enamorar más de la persona
película, un homenaje a ese cine que
de la que te enamoraste a primera
hacía Hollywood en aquellos años,
vista.
antes del bullicio y los excesos.
Entonces,
mientras
vemos
cómo Bobby se desvive por su
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Café Society es la película número 46 de la filmografía de Woody Allen, un director que ha logrado lo que pocos, incursionando prácticamente en todos los géneros de la cinematografía; es actor,
músico,
escritor,
guionista;
tiene 81 años y le pedimos más genialidad.
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Las referencias a películas que ya
La música que utiliza, los diálogos,
conocemos
de
los personajes bien desarrollados, los
Woody como La Rosa Purpura del
flashbacks, Woody como narrador…
Cairo, Manhattan, incluso a películas
la película es muy entretenida y
como When Harry Met Sally, ese
desde mi punto de vista es la mejor
humor tan característico de Woody,
película de Woody desde Midnight in
esas frases que si bien ya no son tan
Paris, sin tantos sinsabores, pero
innovadoras, siguen siendo geniales,
tampoco es una joya como lo fue
aunque algunas las recicle, siguen
Match Point o Annie Hall.
de
la
filmografía
estando donde deben estar.
Así que más de una razón podría
La fotografía maravillosa (más que
darles para que no dejen de ver Café
maravillosa,
que
se
Society, pero solo les daré una: el
aquí
es
final, es uno de esos finales que uno
"hermosa") del señor Vittorio Storaro.
ama en el cine. Para terminar sólo les
con ese brillo y colores que le da a la
diré que siempre que voy al cine y
película
fácilmente
veo una película como esta el mundo
diferenciamos en la película dónde es
es un lugar más hermoso. Una
Hollywood y dónde es Manhattan) y a
película que nos habla sobre esos
las actrices haciendo que el rostro les
sueños que son sueños, y de esas
brille como lo hacían los rostros de
emociones y sentimientos que nunca
estrellas del viejo Hollywood como
mueren.
debería
de
Vivien Leigh
la
palabra emplear
(que
Bette Davis, Greta
Garbo o Ingrid Bergman en la misma Casablanca.
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Entrevista con
BRENDA MEDINA por SETH ÁLVAREZ
Tuve una pequeña plática con Brenda Medina, quien es la directora de Escribe Cine, una asociación civil que tiene como objetivo apoyar el desarrollo, producción y difusión de obras cinematográficas. Brenda también promueve el Laboratorio Cinematográfico de invierno del que fui parte en diciembre pasado. Brenda, hablemos un poquito de cómo llegaste al medio ¿cómo fue tu acercamiento? Pues desde los 18 años, cuando empecé a estudiar cine, estudié producción y edición. Sólo estuve dos años y de ahí uno de los dueños de la escuela me refirió a una casa productora para trabajar en el departamento de postproducción. Básicamente llegué al medio como editora. ¿Lo tuyo es la producción? Sí. Es lo que me gusta y es en lo que me desempeño actualmente Pero también haces guion, ¿no? Sí, principalmente como coguionista
¿Cómo es trabajar coguionista? ¿Te gusta?
como
Me gusta mucho, es una dinámica que creo enriquece mucho al guión. Son dos o más personas trabajando en una misma idea, confrontando y resolviendo. Como guionista es un buen ejercicio para dejar ir, no aferrarte, no ser tan emocional con tus ideas, permitir la opinión y el trabajo de otras personas con un mismo fin: una buena obra. ¿No hay broncas de quién es el verdadero autor? yo en una ocasión trabajé, -se podría decircomo coguionista y aunque fue una experiencia muy chida, al final, la otra persona se adjudicó todo el crédito. Creo que como en todo proceso de creación de una película se debe saber con quién se está trabajando y sobre todo siempre firmar contratos. Por mucho que tengamos una larga amistad con alguien eso no garantiza que no haya problemas posteriormente. Esa es la mejor situación para conocer a tus verdaderos amigos.
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Yo olvidé lo del contrato. Sí, yo siempre me he asegurado de proteger mi trabajo y con ello todo ha salido bien. Pero en general, para ti ha sido una experiencia positiva. Recomiendas la coautoría. La recomiendo mucho más ahora, que hay mucho trabajo para los guionistas en la televisión y donde es indispensable el trabajo en equipo. Eso es interesante, las series, Una serie mexicana que recomiendes. Club de Cuervos hasta ahora mi favorita, no tan mexicana, o Hasta que te conocí Hasta que te conocí, con guión del maestro Alfredo Mendoza. Alfredo es uno de los guionistas del proyecto, en la cabeza está Raúl Olivares.
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Ok. Bueno, dime ¿crees que pronto tendremos algo como Breaking Bad o un House of Cards en México? Creo que en cuanto a calidad es algo que es posible, ¿cuánto tardemos? es una carrera larga, estamos aprendiendo a escribir y producir series. Como en todo existe un proceso y hay que trabajar y confiar en él. Y sobre tu peli, ¿puedes hablarnos un poco? Claro, Descarnados es un thriller filmado en blanco y negro con guión y dirección de Mario Alberto Román, con quien trabajo desde hace varios años. Es una producción independiente que participó en 2015 en Incubadora del Guanajuato Film Fest y el año pasado en el Work in Progress de Blood Window de Ventana Sur. Este mes se termina la postproducción y vamos a seguirle con la venta.
Excelente. Ahora, hablemos de Escribe Cine. Pues Escribe Cine surgió por querer crear una comunidad de personas jóvenes que fueran empezando en el medio; que quisieran hacer cine y sobre todo contar historias. De ahí el tener como bandera al guión. Se empezó buscando el apoyo a la producción y sobre todo al estudio del guión. Actualmente somos una asociación civil con el objetivo de apoyar el desarrollo, producción y difusión de obras realizadas por jóvenes. A lo largo del año realizamos cursos, talleres y clases magistrales de guión principalmente, pero también de otras áreas del quehacer cinematográfico. Por supuesto tenemos el Festival de Guión y Muestras de Cine y también apoyamos a otros festivales y asociaciones con su difusión.
de la Ciudad de México y que están privadas de toda la oferta de estudios de cine ya que por tiempos, distancia y costos no pueden tener acceso. Esa falta de conocimiento afecta en su trabajo y por supuesto sus relaciones con profesionales del medio. Gracias por eso. Al contrario fue muy grato conocer a todos los participantes, saber qué están haciendo, sus intereses y verlos desarrollarse. Excelentes tutores los que impartieron los talleres. Un agradecimiento a Angélica Ramírez, Alfredo Medina y Luis de Velazco. Sé que para los ellos fue igual de grato el conocerlos y todos estaban encantados con su trabajo.
¿Y cuál ha sido la respuesta?
¿Y qué sigue para escribe cine?
La respuesta ha sido excelente, sobre todo los guionistas a los que dedicamos todas nuestras actividades a lo largo del año. El Festival de Guión que tenemos desde 2013 ha crecido sobremanera en recepción de material.
Lo principal es seguir creciendo para poder ofrecer a la comunidad de guionista más apoyos para su escritura y por supuesto, la producción de sus obras.
Genial, y laboratorio invierno.
de ahí surge cinematográfico
el de
Sí, justo con el festival nos dimos cuenta de la gran necesidad que tenían las personas que radican fuera
Y para Brenda Mediana ¿qué sigue? ¿Qué proyectos hay en puerta? Para mí este año está completamente enfocado en distribuir la película que tengo ahora y empezar la búsqueda de nuevo material para producir.
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Oliver Rendón
Haciendo cine en el desierto Platiqué con Oliver Rendón, cineasta y director de Festival Internacional de Cine del Desierto. En octubre pasado fuimos parte de la residencia de guionistas: visiones del desierto, que se llevó a cabo en Magdalena de Kino, Sonora.
por SETH ÁLVAREZ
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Platiqué con Oliver Rendón, cineasta y director de Festival Internacional de Cine del Desierto. En octubre pasado fuimos parte de la residencia de guionistas: visiones del desierto, que se llevó a cabo en Magdalena de Kino, Sonora. Platícame un poquito cómo llegaste a esto del cine. Se abrió un diplomado en Hermosillo de cine documental en el que premiarían a las mejores carpetas de producción con su financiamiento para producirlos. Mi proyecto resultó ganador y fue así que hice mi primer documental llamado En tierra de vaqueros. Así empecé en el mundo del cine. ¿Pero ya habías pensado en dedicarte a esto? ¿Siempre te gustó el cine? Había estado siempre alrededor del cine, pero no pensaba en dedicarme a esto. Ósea, trabaje de creativo en agencias de publicidad, de copywriter, de locutor de radio, de conductor y productor de Tv. Estudié comunicación y luego arte dramático y aunque fantaseaba con el cine porque me gustaba mucho, nunca pensé que lo haría.
Qué te gusta más ¿el documental o la ficción? La verdad me gustan ambos por igual. ¿Guionista o director? Director Trabajas con guiones propios o utilizas algún guionista. Siempre propios ¿Cómo es tu proceso creativo a la hora de escribir? No sé (risas) no lo tengo claro, ha sido diferente siempre. Me obsesiono con alguna historia y me siento a escribir. Debido a que las convocatorias para conseguir apoyos te piden ciertos pasos, como el argumento desarrollado, etc. etc. Pues así lo hago, pero si fuera por mí solo me sentaría a escribir directamente el guión. Disfruto inventarme los perfiles sociológicos y biografías de mis personajes. Lo hago porque me divierte más que por pensar que es una herramienta útil para el desarrollo del guión. No me voy a escribir frente al mar, ni aislado en una cabaña, ni nada de eso, sólo me pongo a escribir donde me agarre la inspiración.
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Ahora estás promocionando un nuevo proyecto, ¿podrías hablar de él? Mi nuevo cortometraje se llama Loving South. Lo hice con el Fondo de Apoyo para la Producción de Cortometrajes de Sonora (FAPS). Es un guión que trabajé en el Shortfilm Station de la Berlinale pero que no había podido producir por falta de lana.
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Exelente ¿Cuánto tiempo duró el rodaje? ¿Quiénes participaron? ¿Cómo te sentiste con este proyecto? Trata sobre un Minuteman, que son estos guardianes civiles que tienen como cometido el resguardar la frontera de Estados Unidos del paso de los migrantes. Lo hacen por su patriotismo exacerbado, no porque trabajen para el gobierno. Este minuteman de nuestra historia se ha enamorado de uno de los migrantes a los que atrapa y sufre al tenerlo que dejar ir. El rodaje duró 2 días y ha sido el trabajo fílmico que más me ha emocionado hasta hoy.
Trabajé con puro chingón. Gente de la que aprendí mucho, casi como si fueran clases de cine. El productor fue Fernando Álvarez Rebeil que en realidad es actor de oficio, pero descubrimos que es el mejor de los productores, riguroso y detallista. El actor protagónico es un norteamericano que vino desde Nueva York. Se llama John Adams, un súper ser humano; comprometido, humilde, chambeador y un actorazo. El director de foto un español del cual me he enamorado para siempre; se llama Julio Llorente y a él le debo yo creo que más del 50 por ciento de lo logrado en este corto. ¿Y ya anda en los festivales? Estamos ahora comenzándolo a mover en festivales, aun esperando resultados. Hablando de pelis, alguna que recomiendes. Te diría que Los reyes del pueblo que no existe. Es un documental hermoso de Betzabe García.
No lo he visto, pero he escuchado muy buenas críticas; habrá que verla. En octubre pasado se llevó a cabo la residencia de guionistas: Visiones del desierto, que gracias a Mónica Luna, Gabriela Vidal, Ximena Escalante y Gibrán Pórtela resultó uno de los proyectos más interesantes del medio cinematográfico. ¿Sabes cómo nació este evento? Híjole, en ese evento sólo fui un alumno. Quiero decir, no formé parte de su organización ni de su gestión ni de su nacimiento. Hice el mismo proceso que todos los alumnos para ser seleccionado. La residencia de guionistas en Magdalena de Kino fue algo que levantaron entre Mónica Luna y Gaby Vidal y que me parece que repetirá para 2017.
Estoy completamente de acuerdo, fueron dos semanas muy intensas y productivas. ¿Y del Festival Internacional de Cine del Desierto qué nos puedes decir? La convocatoria está abierta hasta el 3 marzo y es para corto documental latinoamericano, corto de ficción latinoamericano, corto sonorense y guión de corto de ficción latinoamericano. Y por último, ¿qué planes hay para más adelante? Por ahora terminar el guión de esa misma película que fui a trabajar a la residencia, seguir planeando el FIC Desierto de 2017 y gozar la vida (risas).
Genial. ¿Y cómo viste toda experiencia de la residencia? Fenomenal. En lo personal me ayudó un montón para continuar escribiendo lo que será mi primer largometraje, no solo por la instrucción recibida de Gaby, Ximena y Gibrán que ya de por sí es un lujo, sino por la retroalimentación con los compañeros.
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#NoTodoEsCine
MÚSICA PARA DERRIBAR
MUROS ROGER WATERS EN MÉXICO
Existen bandas que prevalecerán en la memoria de la música, así como los hay músicos que pasarán a la historia por sus composiciones y habrá quienes coloquen el tercer diamante a la corona sagrada de la música,
aquella
conciertos
épicos
escenarios
que
que
incluye
en
grandes
marcarán
las
páginas de la biblia musical a nivel mundial.
por ERIC EDUARTE VILLA
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Uno de esos lleva grabada con
Ese día, justo a las 16:30 (tres
letras doradas la fecha '1 de octubre
horas y media antes de que se
de 2016, Zócalo de la Ciudad de
iniciará el concierto) el exvocalista,
México'. Aquella tarde soleada, con
bajista y Co-Fundador de la banda
una temperatura que agobiaba los
Pink Floyd, Roger Waters, saldría a
sentidos a los cientos de miles de
saludar
asistentes que aguardaban lo que
moribundos
ya
mejor
temperatura y por la espera de pie
espectáculo musical ofrecido en la
en casi todo lo que llevaba de vida
plancha
ese sábado; la multitud enloqueció
es
para
mexicana.
muchos
central
de
el
la
capital
con
a
ese
los por
gesto
prácticamente vendaval nosotros.
asistentes
de
la
infernal
del
fue agua
Sabíamos
casi
músico,
como para
un todos
que
nos
esperaba una fantástica noche con las letras icónicas de Pink Floyd.
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Después
de
aquel
salvador
momento solo era cuestión de esperar, todo estaba listo. Para las 18:30 alrededor de 200 mil almas estaban reunidas en la plaza de la Constitución
y
en
sus
calles
aledañas, así como en las terrazas de los edificios que rodean el zócalo capitalino ya se veían filas de personas listas para presenciar lo que
el
señor
Waters
tenía
preparado. Las sorpresas estaban a la orden del día y siendo las 20:00 (Hora de inicio del concierto) Roger tuvo un invitado bendito. El dios Tláloc lo acompañó
desde
el
primer
momento del concierto, un diluvio que supo a gloria, el agua que tanto gritábamos desde muchas horas atrás por fin había llegado. Breath in the Air fue el primer himno cantado por todos después de una asombrosa e increíble caminata lunar que sirvió de intro proyectada en la pantalla de poco más de 100 metros de largo. No hubo canción que no fuera cantada por los cientos de miles congregados esa noche. Siguiendo así los éxitos de los álbumes: The Dark Side of The Moon,
Wish
You
Animals y The Wall.
Were
Here,
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Entre los temas que formaron parte
"Escuche
del
Time,
presidente. Los ojos del mundo lo
One of These Days, The
están observando”, encendiendo en
Great Gig in The Sky, Shine On You
euforia y hasta en exigencia a los
Crazy Diamonds y Pigs; la cual usó
miles de presentes esa noche,
para hacer una dura crítica al
donde las voces de reclamo de
candidato
todos se dirigieron hacia la sede del
repertorio
Money,
destacaton
republicano
por
la
presidencia de los Estados Unidos Donald Trump, hoy presidente de ese país. Pero
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a
su
gente,
señor
Palacio Nacional. Para finalizar y sellar con broche de oro Waters interpretó Comfortably
si no fuera suficiente
el
Numb dejando un ensordecedor
mensaje y cuestionamiento político
canto
también tenía dirección para el
congregados
actual
nuestro
haciéndonos saber que en este
México tras el tema clásico Another
mundo no deben existir los límites
Brick in the Wall, el cual dejó un
entre razas y donde todos podamos
claro mensaje descrito en una carta
vivir en el único país libre, el país de
leída en vivo por el músico:
la hermandad, el de la humanidad.
mandatario
de
por
parte
de al
todos
los
concierto,
#LaButacaDelCรกcaro
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AlimentĂĄndonos del sĂŠptimo arte
28 20