Cinéfagos - Número 27

No. 27 May.-Jun. 2017 Edición Bimestral

Alimentándonos del séptimo arte

Daniela del Palacio Moniel Nitzia Ruiz Zapatero Seth Álvarez Fabiola González Ali Sandoval Abril Arreola Diana Reyes Leticia Maycotte Alejandra Arellano Juan José Antuna Ortiz Nora Victoria Jiménez Karla Piedra Mata Joshael Rojas S. Ricardo Pereda Sac-Nicté Calderón Arturo Terrones Romero Mario Bermúdez Xitlali Compeán Berenice Gurrola Erik Camarillo Luis Abel Chávez Alejandra Castañeda Roberto Cárdenas Jhonatan Juárez Ismael Lares Elea Franco Arturo Perales Carlos Correa Óscar Fernández Ruth Rivera Iván Delhumeau Pablo Álvarez Fernando Teodoro Ángel Meraz Carlos de la Barrera Fermín Revueltas Gabriel Torrecillas Alejandra Quiriarte Paloma Cominetti Ana Carolina Ruelas Itzel Maldonado Omar Deneb Alfredo Ochoa Osiris Ocampo Jesica Rangel Fabrizio Cadena Jorge Sandoval Ismael Campos Denis Ricalday Bárbara Gómez Arturo Campos Zavala Christian Sida Valenzuela Óscar Palomares Leonel Zúñiga León Carmelo Alvarado Carlos Garza Ernesto Ríos Noé Sánchez Ulises Flores Hernández López B. Guadalupe Eduardo Alanís Estefany Sánchez Alekz Ramón García Qucho Monero Sergio Raúl López Laura Barreras Ana Karen Consuelo Abraham Castañeda César Mendoza

4

años

CF

Editorial DIRECTORIO

Cuatro años de alimentarnos de cine ¿Cuántas cosas pueden pasar en cuatro años? Mucho o poco pero desde el día que presentamos Cinéfagos, una tarde del 4 de junio de 2013, han pasado grandes experiencias en quienes fundamos la revista, la primera de ellas nos llevó al rancho que fue de alguna vez de John Wayne, La Joya, donde se

Director General Andrei Maldonado Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa

filmaron varias películas del actor norteamericano.

Diseño Andrei Maldonado

En dicha travesía de ‘Los Cinéfagos’ (como nos han llamado diversas

Fotografía Andrei Maldonado Eric Eduarte Villa César Mendoza

personalidades del cine de nuestra ciudad entre ellos el cineasta Juan Antonio De la Riva) buscamos la filmación de la película La Verdad Sospechosa hoy conocida como La Dictadura Perfecta todo para conseguir nuestra primera gran entrevista al director Luis Estrada. Una travesía donde nos perdimos en el

Fotografía Externa Cortesía

camino, luego de mirar camionetas sospechosas siguiéndonos en medio de la nada y de pronto a lo lejos se dejaban ver los vehículos de la producción de la película, fue como haber encontrado un tesoro.

Así Cinéfagos iniciaba su viaje. Luego llegarían los festivales de cine, donde se han cruzado en los micrófonos y cámaras de la revista grandes actores y

Colaboradores Juan José Antuna Ana Karen Consuelo Sergio Raúl López Abraham Castañeda Laura Barrera Amaya Blanca Maldonado

actrices del cine nacional como Ernesto Gómez Cruz, Ignacio López Tarso, Martha Higareda, Ana Claudia Talancón, Alfonso Arau, Luis Felipe Tovar, Amat Escalante, Angélica Aragón, entre muchos otros.

También nos ha llevado a cubrir festivales en Guanajuato, La Paz, Colima y Guadalajara, con colaboradores en diversos estados del país. Incluso nos llevó a grandes premieres como 007: Spectre en el Auditorio Nacional. Cinéfagos apenas tiene cuatro años de edad, pero llenos de arduo trabajo que sin duda hemos y seguiremos disfrutado. Somos pequeños pero tenemos mucha

www.revistacinefagos.blogspot.mx

hambre de cine y de compartir este alimento mágico que es único en el universo, que nació en un café de París y Cinéfagos, en una tarde muy

/revistacinefagos

discreta, nació en un café de Durango.

Eric Eduarte Villa

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Contenido

años

CF Hernando Name... 3 Xabier Robles... 11 Emilio “El Indio” Fernández... 27 Las Armas... 29 Alien: Covenant... 32 Dinastía Coppola... 39 Roger Moore... 43 Soldado Ryan... 49 Chris Cornell... 53 Gorillaz... 57

NACE UNA NUEVA CELEBRACIÓN

En el cine la charrería ha ido desapareciendo Hernando Name y el cine campirano a caballo texto SERGIO RAÚL LÓPEZ fotografía CORTESÍA

Un muy joven durangueño, experto en caballos y las artes de la charrería como Hernando Name Vázquez, se insertó muy naturalmente en el ámbito del cine, justo cuando las grandes producciones de Hollywood –principalmente westerncomenzaron a arribar, cada vez en mayores cantidades, a su estado natal. Con los años, el intrépido jinete y doble, experto en caídas de caballos y escenas de riesgo, se labró una amplísima trayectoria no sólo como doble, sino como coordinador y director de escenas de acción, luego como actor y, finalmente, como prolífico director de cine, con más de medio centenar de títulos, que justo este 2014 celebra 60 años en la industria cinematográfica. En las líneas que siguen, el graduado de la Universidad de Chupaderos –que tal es el nombre de unos famosos estudios en Durango- , relata algunos pasajes de de su existencia.

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En alguna ocasión, trabajé en tres películas distintas en el mismo día.

En la mañana hice un pleito de cantina, me sacaron de ahí para hacer una caída de altura en un interior y luego me llevaron para hacer una caída con todo y caballo en la tarde. Filmábamos entre 150 a 200 películas al año, esa era la industria a la cual pertenecí.

Yo no dirigí ninguna película que haya sido patrocinada por el gobierno o por alguna institución, todas mis películas fueron impulsadas por los productores del cine, los de a de veras, porque si una película no se recuperaba en taquilla, el director se tenía que regresar a su casa.

Mi primer contacto con el cine fue en 1954, en la película Pluma Blanca (White Feather, Estados Unidos, 1955, de Robert D. Webb) –la primera producción hollywoodense filmada en Durango por decisión del director de arte Jack Martin Smith.

Llevaba unos caballos por la zona arqueológica de La Ferrería, cuando noté que había un movimiento raro y al preguntar me dijeron que estaban filmando una película.

Me preguntaron si quería trabajar y me pasaron con todo y caballos. Me quedé a trabajar de extra y, desde entonces, me propuse llegar a ser director. Afortunadamente me llegó la luz, vi mi vocación y la perseguí durante toda mi vida, desde los 15 años hasta ahora, a lo largo de 60 años.

Vi mis primeras películas en aquel cine rural que llegaba a los ranchos.

Ahí veía El charro negro (México, 1940, de Raúl de Anda) y al siguiente día yo era el charro negro; la hija del

caporal era la dama joven y otro muchachito era el villano, y ya desde entonces les decía que entraran por aquí y dijeran esto y lo otro.

Interpretábamos lo que veíamos en pantalla.

Luego, el primer establecimiento al que fui a ver una película fue el Cine Ideal de Guadalupe Victoria, Durango, que es por mi ANDREI tierra, donde yo MALDONADO nací el 6 de febrero de 1939. Mi papá era libanés, don Paulo a Name, que vino a México muy joven desde Oriente, y mi madre era durangueña, mi abuela era la famosa India Bonita de Analco, una princesa india tepehuana. Ser de Guadalupe Victoria es un privilegio, ser Durangueño es un orgullo y ser cineasta es una bendición.

He conseguido lo que he querido y dios me ha dado de sobra todo. He trabajado con los más grandes realizadores del mundo: John Huston, Henry Hathaway, Louis Malle, King Vidor, Anthony Mann. Y también con las más grandes luminarias: Charlton Heston, Burt Lancaster, Kirk Douglas, John Wayne, Anthony Quinn, hasta con Rita Hayworth.

Doble y director de acción Cuando estábamos haciendo Lo que no perdonan (The Unforgiven, Estados Unidos), que dirigió John Huston, vino Mel Ferrer, que era coproductor de la película, y Rita Hayworth, con una niña chiquita. Me pidieron que trajera mi caballo, me la ponía en ancas y la andaba paseando, yo quería estar con la raza pero ella quería seguir. Luego me enteré que era hija de Rita con el príncipe Alí Kahn, la princesa Yasmín.

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Platiqué la anécdota en España con Ramón “Tito” Fernández, un gran realizador amigo mío –su último trabajo fue la serie Cuéntame cómo pasó- , que vino a dirigir Las mujeres de Jeremías (México, 1981), y resultó que eran amigos y que era una de las impulsoras de la fundación contra el Alzheimer. Nos juntó en una comida y se acordó de mí y de Durango. Así eran las oportunidades que tenía uno, la dimensión de conocer personas en el cine.

Hace tres años perdí a mi prima hermana, Faride Name Harp, corresponsal de guerra en Medio Oriente para la BBC de Londres, una periodista muy importante a nivel mundial, con quien colaboré tres o cuatro años, dirigiendo las puestas en escena de sus entrevistas, emplazaba las cámaras. Con ella era me tocó conocer a personajes como Mohammad Reza Palhevi, el Ayatola Jomeini, Charles De Gaulle. Pero como su familia vive en Sao Paulo, Brasil, eran los dueños del periódico El Fígaro, pude levantar proyectos grandes como director de acción en Manaos (España-Italia-México, 1981, de Aberto Vázquez Figueroa) y, en el mero Amazonas, por 16 semanas, la película Manto verde. Luego en España filmé Grupo de muerte, con Lee van Cleef y George Peppard, en Almería y Marruecos; y la segunda unidad de La máquina de matar (España-México, 1984, de José Antonio de la Loma), con Margaux Hemingway, Jorge Rivero, Lee van Cleef y Hugo Stiglitz.

También como director de acción, hice la adaptación de las novelas de John Reed, Campanas rojas, primero México en llamas (Meksika v ogne,

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Unión Soviética-México-Italia, 1982), de Sergei Bondarchuk, que filmé en México, en Florencia, en Moscú y luego me quedé a filmar la segunda parte, Rusia 1917 (Rossía 1917).

Como Bondarchuk era ministro de cinematografía, me quedé a dar dos conferencias en la Universidad de Ciencias y Artes Cinematográficas de Moscú y en el libro sobre cómo se filmó la película, dedican varias páginas a “Hernando Name, el hombre de los caballos, el hombre de la acción”.

También colaboré con los realizadores del Nuevo Cine Mexicano. A Felipe Cazals lo conocí en la casa de Antonio Aguilar, cuando hicimos Zapata (México, 1970), en la que monté toda la acción. Luego trabajé con él en El jardín de la tía Isabel (México, 1971); en Canoa (México, 1975), y monté todo el final de El apando (México, 1975), una secuencia estremecedora, planeada perfectamente bien, se ensayó durante 15 o 20 días, tres veces al día, con todos los cortes, los movimientos, se necesitaba hacer el final de una película de ese tamaño.

Siempre me pareció un cine muy interesante de directores valientes y con propuesta.

Los caballos, grandes compañeros Mi vocación era la de hombre de espectáculo, de alguna forma o de otra, pero mi gran aliado, mi gran compañero al exponerme, ha sido el caballo y la charrería que aprendí, desde luego, aquí en Durango.

También varios hombres de la charrería me impulsaron y me animaron a seguir mi camino, los recuerdo con mucho cariño, fueron medulares en mi vida, como el doctor Alfredo López Yáñez, charro y hombre de honor, que siempre me apoyó. Todo eso influyó muchísimo a que buscara estos caminos.

Y el caballo ha sido medular, fundamental, para mi vida. Siempre digo que la patria se hizo en lomos de un caballo. Igual que las grandes guerras y revoluciones de los grandes países de Europa. Lo que más quiero en la vida son mi familia, mis hermanos, mis padres, mis hijos, mis nietos, pero también mis caballos, y mi pasión de cineasta. Eso es lo mío.

Son mis fuentes de valor, mis fuentes de energía.

pasión, además de valor exponerse, para decir y hacer.

para

Escenas de riesgo La primera escena fuerte que hice, fue cuando llegué a México a trabajar en ¡Viva María! (Viva Maria!, FranciaEstados Unidos, 1965, de Louis Malle), como doble de Brigitte Bardot, porque yo era muy delgadito. Había una escena en la que, desde el techo de la Hacienda de Cocoyoc, en que es muy alto, había que brincar a una carreta que pasaba. Acepté, pero ya arriba, la carreta se hizo muy pequeñita y ya me empezó a entrar el temor, porque había que aventarse antes que la carreta llegara, para que coincidiéramos. Esa es una de las grandes escenas que hice, era muy peligrosa y la hicimos con precisión, pero resultó bien.

Antes, las caídas y las escenas de acción tenían gran realismo, porque sí ocurrían. Ahora, en el cine nuevo, parte lo hace el hombre y parte la computadora. Antes no teníamos eso, había que caerse de arriba del muro de San Sebastián, entonces ponían la cámara y uno decía dónde iba a caer.

Había que hacer caídas con todo y caballo, y toda la caballería detrás de uno, tenía que hacerse en un pedacito de terreno y estar atento a los que vienen atrás. Era un asunto de precisión, si te salías de cuadro había que repetirlo y ese era el cine que hacíamos antes. En aquella época el cine debía tener vocación y

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Hice muchas otras escenas. La última semana que hicimos El muro de San Sebastián, me quedé solo, porque todos los stunts acabaron lastimados y se fueron al hospital, yo hacía cinco caídas con caballo en la mañana, cinco caídas desde lo alto en la tarde.

En Guanajuato hice una caída brincando un tianguis en una calle empedrada y me caí con todo y caballo, y el caballo se mató, se desnucó. En algunas ocasiones nos sucedió eso. Otras, los dobles se llegaban a lastimar muy feo. Era un cine que exigía mucha técnica, una gran condición y una gran preparación para poderlo soportar, porque se necesitaba de un gran realismo. En alguna ocasión, trabajé en tres películas distintas en el mismo día. En la mañana hice un pleito de cantina, me sacaron de ahí para hacer una caída de altura en un interior y luego me llevaron para hacer una caída con todo y caballo en la tarde. Filmábamos entre 150 a 200 películas al año, esa era la industria a la cual pertenecí.

“Mi vocación era la de hombre de espectáculo, de alguna forma o de otra, pero mi gran aliado, mi gran compañero al exponerme, ha sido el caballo y la charrería que aprendí, desde luego, aquí en Durango”.

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Actor y cantante Como actor tuve mucha suerte, porque los directores se empeñaban en darme papeles y en que fuera galán de cine. Hice Zacazonapan (México, 1976), porque don Julián Soler, que la dirigió, me dijo que yo era el personaje que él quería para la película. Y su hermano, don Andrés Soler, que fue mi padrino de bodas cuando me casé con Zoila Quiñones, me dijo que no tenía por qué andarme arriesgando, que me fuera con “Juliancito” e hiciera la película.

Ahí incluso canto dos o tres canciones.

Luego ya hice varias películas más como Una leyenda de amor (México, 1982, de Abel Salazar), en el personaje de Gilberto Montesinos, en la que monté toda la acción, que fue espectacular, muy bonita. Hice muchos otros papeles, primero porque había que ganar dinero y segundo porque era importante participar, tener una imagen para estas escenas de acción, me parecía que era importante.

Realizador de cine Yo no dirigí ninguna película que haya sido patrocinada por el gobierno o por alguna institución, todas mis películas fueron impulsadas por los productores del cine, los de a de veras, porque si una película no se recuperaba en taquilla, el director se tenía que regresar a su casa. Logré filmar más de cincuenta títulos, al lado de productores como Alfonso Rosas Priego, con Producciones Esme, con Filmex, con Películas Latinoamericanas, con Baja Films, muchas compañías me contrataban, me entregaban el guión y yo calculaba en cuánto tiempo tenía que terminarla y qué costo tenía, había que filmarla tal y como se prometía, entonces se debía tener la capacidad.

Además había que llenar las salas para poder seguir adelante o la película salía de cartelera. Me decían, tiene 35 mil pies para hacer la película, tiene tantas semanas y tiene este costo, con tantos tiros de salva, y si uno se pasaba, le decían que lo pagara de su propia bolsa.

Cuando hice mi primer intento, le dije a la compañía, Producciones Esme, que quería hacer esta historia, La muerte cruzó el río Bravo (México, 1984), y me preguntaron dónde se

desarrolla, y dije que en Santiago Papasquiaro, un pueblo de Durango, con tal costo. Aunque me dieron menos, me mandaron a hacerla.

Regresé con mi película bajo el brazo y fue un éxito taquillero. En ese tiempo nos daban 10 o 12 salas en Estados Unidos, en Los Ángeles, y tenían que pasar el tope. Hubo tres películas mexicanas estrenadas en Estados Unidos, que, en su primer semana, hicieron el primer millón de dólares, lo que fue histórico: El judicial (México, 1984, de Rafael Villaseñor); Siete en la mira (México, 1984, de Pedro Galindo II), y La muerte cruzó el Río Bravo, que quedó en segundo lugar pero con dos salas menos, lo cual significaba 6 mil u 8 mil dólares menos, por sala en una semana. Y me ganaron por 900 dólares, pero siempre se consideró que la película más taquillera de ese año fue la mía.

Hay una película que se llama El placer de la venganza (México, 1988), que la hice hace treinta y tantos años con Pedro Armendáriz, Susana Dosamantes, Hugo Stiglitz, ahí lanzamos a Andrés García chico, a Raúl Araiza chico, a Eleazar Lorenzo “Chelelo” chico, en la que anticipé cómo iba a estar la delincuencia juvenil hoy en día, como si la hubiéramos filmado ayer, avisando lo que iba a poder pasar.

La evolución de la camioneta y el campirano que se baja muy elegante y trae una chica pistolota escuadra, una R-15, es un cine en el que verdaderamente han desaparecido nuestras raíces y costumbres, la historia campirana auténtica, y eso me entristece.

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Otros tiempos Ojalá me hubiera tocado estar cerca de un Tito Guízar, que es un histórico, pilar fundamental de la industria de cine mexicano en el mundo, Allá en el Rancho Grande (México, 1936, de Fernando de Fuentes), fue la primera película mexicana de distribución mundial, fue la que abrió los mercados. O con un hombre como Jorge Negrete, de esa dimensión, con esa voz, que era un actor tan completo que hizo lo mismo un torero que zarzuela, villanos galanes, ese era un gran actor.

Pero me tocó una época más suavecita, más light, dicen ahora, ya con Luis Aguilar “El gallo giro”, de salida; con la desafortunada desaparición de Javier Solís. Y ya a los galanes nuevos como que les venía muy grande el traje de charro.

Creo que afectó el cambio de temática semirranchera, moderna, urbana, con respecto de la temática original; además que el blanco y negro era más dramático, cuando llegó el color ya da otra cosa. Pero siempre he dicho que todos esos conceptos no son buenos ni malos, hay que verlo como la verdadera evolución de lo que es el cine hasta hoy día.

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En el cine, la cultura de la charrería, del caballo, ha ido desapareciendo, y las películas campiranas ahora se manejan con dos o tres caballos en el fondo y grandes camionetonas al frente, con los rancheros en los casinos manejando dólares y mucha película pesada de narco. Si observan mi cine, raras películas tocan eso y sólo cuando el productor lo exigía, pero es una cosa de la que he estado alejadito. Soy enemigo tanto del narco como del porno corriente, mi cine tiene la característica de que es espectáculo y, casi todo, es cine familiar. Eso me ha interesado mucho.

Ficha del autor Sergio Raúl López.

Periodista especializado en cultura y cine. Colabora en De Largo Aliento. Fue director editorial y fundador de 24xsegundo Magazine. Ha colaborado en medios como Reforma, National Geographic en Español, Caras, Chilango, Canal 22, Metapolítica, Mira y la Revista Mexicana de Cultura de El Nacional. Mantiene colaboraciones con Fuera de hora y Ruleta china, en Argentina; Plus TV Magazine, de Perú; Periódico Performance, de Jalapa, Letras de Cambio, de Michoacán; Tijuaneo, de Tijuana, y Cultura a la carte, de Guanajuato. Es uno de los autores de los libro Reflexiones sobre cine mexicano contemporáneo (Cineteca Nacional, 2012) y de Ruleta china (Ediciones Doble Z, Buenos Aires, 2012).

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XAVIER ROBLES y las voces de la sociedad en el cine mexicano

11

¿Qué sería de los acontecimientos trágicos

que

han

manchado

y

marcado la historia de nuestro país sin los guiones del escritor Xavier Robles? Es una respuesta difícil de dar o podría ser algo complejo, pero al momento de planteamos para qué sirve el cine y cualquier otro arte

nos

damos

cuenta

que

cualquier cosa que suceda en este mundo necesita de él para ser escuchado y más que nada para reflexionar sobre ello.

Para Xavier Robles cada guión que ha escrito tuvo un motivo para mover las conciencias del futuro, las conciencias de las generaciones que van entrando hacia la sociedad.

En una visita a su casa en la Ciudad de México Xavier nos compartió precisamente

esa

reflexión

del

porqué de sus guiones, aquellas basadas en hechos como el 2 de octubre o la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa. texto ERIC EDUARTE VILLA ANA KAREN CONSUELO fotografía CÉSAR MUÑOZ

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Haciendo memoria sobre cada una

Lo sucedido en Tlatelolco en 1968

de las películas que escribió Xavier

fue hecho sangriento ¿Cuál es el

nos platicó algunas anécdotas en

motivo de un escritor de llevar

varias de sus cintas y el trabajo que

acontecimientos trágicos hacia al

realizó junto a Felipe Cazals.

arte?

En Cabeza de Vaca retiré mi

En primer lugar porque se trata

crédito porque destrozó el trabajo

de reflexionar sobre ese suceso,

de guión Nicolás Echevarría y

sobre esa situación para que no

además

pésima

vuelva a ocurrir. En el caso de

relación personal. Él me lo sigue

Rojo Amanecer se trata de un

poniendo pero yo lo retiré. Pero

genocidio y un genocidio es

tengo otras cosas muy padres

intolerable por cualquier motivo,

como la película Los motivos de

es

Luz de Felipe Cazals. Y hay una

sociedad,

película que me gusta mucho que

político que sea el genocidio, el

se llama El tres de copas que

genocidio simplemente no debe

curiosamente no es de política,

ser

es un melodrama histórico que

permitido, debe ser erradicado de

también dirigió Felipe Cazals y

la cultura humana. Y entonces

desde luego Bajo la Metralla, que

esa es una poderosa razón para

está considerada por algunos

escribir

analistas y críticos de cine como

circunstancias en que ese algo se

una

da, para que no vuelva a ocurrir.

de

tuvimos

las

una

películas

más

redondas del cine mexicano, pero básicamente mis clásicos, que se puede considerar que ya tengo clásicos dentro del cine son Rojo Amanecer, Las Poquianchis y Los motivos de Luz.

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algo

inadmisible de

tolerado,

algo

para

cualquier

no

y

debe

en

la

signo

ser

las

En Rojo Amanecer casi no se ve algo

político,

no

resolución

se

al

ve

una

problema,

simplemente vemos la tragedia que ocurre en Tlatelolco pero lo vemos desde un encierro, jamás hay una imagen del exterior de la matanza. ¿Por qué contarlo de esa manera?

Aquí

hay

dos

reflexiones,

la

primera es que si toma un tema político y es el hecho de que no se había mencionado al ejército como un asesino en una película, excepto

en

La

Sombra

del

Caudillo y no sale bien en la película.

Otra

cinta

fue

El

automóvil gris. Digamos que han sido las películas donde peor se ha

visto

mexicano

parado y

el

esta

ejercito

vez

Rojo

Amanecer los ve como asesinos, como represores y eso es como el

principal

mérito

político,

porque esta película se filmó en una

época

totalmente tema.

donde

prohibido

Había

estaba tocar

tres

el

temas

prohibidos en el cine: La religión, el

Ejército

Guadalupe.

y

la

Virgen

Entonces

en

de ese

sentido Rojo Amanecer marca un nuevo

camino,

marca

una

diferencia.

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La otra cuestión es porque en un ambiente

encerrado.

Digamos

que el Ejército no nos iba a prestar sus tanques ni a sus soldados,

iba

ser

muy

complicado filmar en la plaza (De las 3 Culturas) y eso es algo que detiene a muchos directores al momento de editar. Sin embargo a Guadalupe y a mí se nos ocurrió que no podíamos ver la represión, sino escucharla. Esto tiene un origen dramático muy interesante,

por

ejemplo

una

película de Ridley Scott que se llama Alien: El octavo pasajero nunca vemos al monstruo, sólo vemos fragmentos del monstruo, esto a su vez esta basado en un pasaje de “Drácula” de Bram Stoker, donde Drácula viaja en un barco

y

desparecen

misteriosamente

todos

los

marinos que viajan a Londres, eso tampoco se ve ni se describe en la novela. Hay elementos muy importantes en lo que no se ve y de hecho el cine es el arte de contar lo que no se ve. De aquí surgió la idea de escuchar la represión, pero esa represión en fragmentos

de

manera

sonara aterrorizador.

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que

Usted menciona que estás películas

Entonces no se trata de tener un

son para reflexionar pero desde

objetivo. Es decir: voy a escribir

entonces

muchas

Rojo Amanecer, claro para que

cosas incluso peores. ¿Cree que se

esto no vuelva a suceder, ese es

logró algo con Rojo Amanecer?

el objetivo, para dejar constancia,

han

ocurrido

Yo creo que las películas no tienen un objetivo de lograr algo, las perturbaciones sociales o las transformaciones profundas

no

películas,

las

políticas

las

hacen

películas

cineastas

las

y los

nada

más

reflexionamos de la realidad de sucesos

tristes,

dolorosos,

alegres, melancólicos, etc. Pero

para dejar memoria. Finalmente el cine es el registro de la memoria de que los pueblos no deben olvidar y de que los gobiernos no deben de hacer, y tampoco es para

decir

metí

cinco

mil

espectadores al cine, ese no es un objetivo y sí los tiene, Rojo Amanecer sí tuvo más de cinco mil espectadores en el cine.

el cine nunca ha cambiado la

¿Y por qué contar la historia de Las

realidad de un país, el cine es

Poquianchis, cuál fue la intensión?

como un libro, un libro no cambia ni una realidad por más que los enciclopedistas influyeron

franceses

en

francesa,

la

no

revolución fueron

la

enciclopedia y los trabajos de Diderot

y

de

Voltaire

que

transformaron la realidad social, fueron las armas, las armas...

Entonces

el

por muchos motivos. En primer lugar se trataba de escribir sobre la realidad de la prostitución campesina, en el cine nunca se había tocado ese tema y hasta la fecha sigue sin tocarse como un objeto de glamour, es decir, las mujeres o son amas de casa o

es

un

son putas ¿no? son monjas,

aquel

que

nunca se había tratado a la mujer

quiera ver y analizar la vida como

desde la prostitución campesina

un libro, como un espectáculo de

como mujer, como una mujer que

teatro,

sufre, que tiene hijos, que tiene

instrumento

música objetivo

como

cine

Las Poquianchis es interesante

para

un

también

musical; cumple

la su

sustancialmente.

sufrimientostexto muyANDREI grandes como MALDONADO prostituta.

foto ANDREI MALDONADO ERIC EDUARTE VILLA

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Aquel que paga una prostituta no

La prostitución campesina tiene

sabe lo que sufre una prostituta,

un ingrediente muy grave; Son

si

los padres que venden a sus

lo

porque

sabe lo

parece fomenta

ignorarlo ayuda.

hijas, ellos son los tratantes de

Entonces la prostitución tiene

blancas, (secuestradas) es decir

muchas

hay un delito añadido. Finalmente

caras,

ya

y

decía

Sor

Juana Inés: “Hombres necios que

el

gobierno

acusáis a la mujer sin razón, sin

cualquier cosa menos el crimen,

ver que sois la ocasión de los

cuando el gobierno comete un

mismo que culpáis”.

crimen

hacia

puede

la

ocultar

sociedad

ya

estamos mal, una sociedad no es para criminalizarla de ninguna forma. Esto por un lado, por el otro lado; se había presentado el caso de las Ponquianchis por la revista Alarma, ya saben, de una manera

amarillista,

sucia,

analizar a fondo del problema.

17

sin

Entonces esto le sirvió a Tomás

cadena de actos delictivos. Y por

Pérez Turrent con el que escribí

último tenía esta cosa que hay

el guión, para burlarnos un poco

que reflexionar por qué ocurre

de todo eso, es decir, atrás de la

para que estas prostitutas se

película hay una burla sangrienta

convertían en golpeadoras, unas

hacia los periodistas amarillistas,

eran

hacia los reporteros que andaban

verdugos les decían, la verdad es

buscando el morbo, hay toda una

que

burla e ironía muy fuerte. Por otro

verdugos, golpeaban en alguna

lado las mujeres, las hermanas,

ocasión

Las

golpeadas.

Ponquianchis

finalmente

víctimas

ambas

y

eran

y Es

en

común y corriente, hijas de un

víctima

finge

señor

como

delincuente.

El

Salto,

víctimas

decir

sistema

de

eran

después

fueron acusadas. Era una familia

ranchero

otras

donde como

y

eran es

la

un

propia

cómplice, Entonces

Jalisco, que era un cantinero

todos estos ángulos de análisis

como cualquier otro, un hombre

nos parecieron a mí, a Tomás

de pueblo.

Pérez y desde luego a Felipe

El caso de las Ponquianchis se han

involucrado

dos

Cazals,

que

merecían

ser

analizados con profundidad.

exgobernadores; el de Jalisco y el de Guanajuato. Esto hacía ya totalmente intolerable el acto de corrupción, prostitución, trata de blancas, tráfico de drogas y todo lo que eso implicaba. Entonces por cualquier ángulo que veamos la película es un referente de un montón de cosas que no deben de

suceder,

un

soldado,

un

sargento y un general del Ejército estuvieron involucrados en este suceso ampliamente, claramente en este acto delictivo o en esta

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Hay artistas que toman eventos

La conducta soberbia determina

trágicos que la gente busca olvidar,

mucho

pero

particularmente

la

moderna

y

clásica.

Hay

¿Hasta dónde el artista se permite

también

una

situación

que

llegar, aprovechándose de aquellas

manejaban

situaciones que han marcado y

posteriormente Shakespeare, la

manchado a la humanidad?

tragedia Isabelina, Marlowe, que

los

recrean

permanentes

para

en

la

dejarlas memoria.

Yo no diría de aprovecharse de esas situaciones porque es un tema un poco duro, pero sí diría que la tragedia existe en general desde tiempos muy remotos. Yo escribí un libro que se llama “La oruga y la mariposa: Los géneros dramáticos en el cine” y ahí abordo el tema de los géneros dramáticos

en

el

cine

precisamente, y desde luego la tragedia es un tema fundamental del arte escrito; desde Esquilo y Sófocles

hay

una

persistente

manera de mirar todo aquello que es doloroso y que esta causado muchas veces por una conducta soberbia.

19

la

la

los

tragedia, tragedia

griegos

y

es la situación de violencia que se da a partir del estado.

Si ustedes analizan una tragedia

Tlatelolco hay un rompimiento del

griega, por ejemplo Medea mata a

“Dique” y esos son elementos y

sus hijos pero porque Jason la ha

situaciones

abandonado para casarse con la

mismas. Es decir, es el plano

hija del Rey, del dictador, del

natural de la tragedia. No es que

Creonte o si Edipo es rey; es

el escritor piense: voy a escribir

decir, el Estado siempre esta

algo que apantalle o que llame

involucrado en la tragedia y en la

mucho la atención o que impacte

tragedia moderna mantenemos

a X o Y, no, tiene una serie de

ese

razones dramáticas y estéticas.

elemento.

La

tragedia

además esta determinada por una decisión

trágica,

es

decir

el

personaje trágico asume siempre su condición trágica, ese es por lo general un personaje fuera de serie,

excepcional

por

algún

motivo, y lleva su patología hasta

Sobre

trágicas

por

sí

su más reciente trabajo

cinematográfico, el cual dirige el mismo Xavier, un documental que habla sobre la desaparición de los 43

estudiantes

normalistas

de

Ayotzinapa nos platicó:

sus últimas consecuencias y eso

El documental existe y se llama

es producto justamente de una

Ayotzinapa: crónica de un crimen

decisión trágica. Finalmente en la

de Estado. Es un documental que

tragedia hay un elemento que se

realizamos hace dos años, que se

llama “Tique”, lo que los griegos

exhibió con mucho “éxito” en

llamaban el “Dique”. El Dique es

todo el mundo. Cuando hablo de

la

la

la palabra éxito la pongo un poco

sociedad, del género humano.

entre comillas porque ¿Qué es el

Cuando

ese

éxito? Pues es muy difícil decir

“Dique” era castigado por los

qué es, pero digamos que ha sido

Dioses, en el caso de la tragedia

exitosamente presentada en más

griega e Isabelina era castigado

de 300 ciudades de 50 países de

por

todo el mundo, se ha exhibido en

armonía

las

universal

alguien

fuerzas

de

rompe

malignas.

Entonces cuando se asesina o se

Uruguay,

Cuba;

ha

obtenido

desaparece a 43 normalistas de

premios en algunos lugares como

Ayotzinapa, cuando se asesina y

Italia, Francia, en Nueva York, se

se reprime a 200 estudiantes en

Melbourne, en Nueva Zelanda.

20

Entonces

digamos

que

a

tal

que

dé

a

través

de

grado esto que ha ocurrido que

fideicomisos. Por ejemplo Bimbo

Eduardo de la Vega Alfaro, un

no va a apoyar una película de

reconocido

cine

una tragedia política, Bimbo va

mexicano, califica a la película

apoyar una película donde se

como “el documental más visto

coman ricos panes dorados en el

del

el

desayuno. Entonces este es el

extranjero de todos los tiempos”,

problema de los fideicomisos y

entonces podemos llamar que

del Estado, el Estado tampoco va

esto

los

a apoyar este tipo de cine y no

objetivos iniciales exitosamente.

nos quejamos, sólo pedimos que

La película además no tenía un

nos dejen trabajar.

crítico

cine

del

mexicano

es

haber

en

cubierto

ingreso para nosotros, la mitad de

los

ingresos

era

para

recuperar los costos y la otra mitad

21

mucho

fue

donado

estudiantes

de

la

Ayotzinapa,

y

ellos

a

normal

los de

¿Qué se siente recibir un premio por un película que habla de algo que quisiéramos que nunca hubiera pasado?

lograron

Nunca hemos ido a recibir un

recaudar a través de nosotros

premio al extranjero, el costo del

170 mil pesos hasta ahora, y una

viaje es demasiado caro, siempre

sala de cómputo que les donó la

nos lo envían. Por lo general son

Unión Nacional de Trabajadores

menciones, papeles, no llegan a

Agrícolas, entonces eso también

ser premios económicos. Por otro

es un logro del documental. Y

lado, decía mi hermana y no le

nosotros recuperamos, que ese

faltaba razón, que los premios

es

cine

son para los niños que se portan

independiente, porque estamos

bien. Y también podemos decir

en una época donde es muy

que

difícil hacer cine sin apoyo del

desprestigiados, el mismo Nobel

Estado. Y esa es la virtud que

de la Paz esta desprestigiado.

tiene como cine independiente,

Cuando

que es ajena a cualquier política

desprestigiados

estatal o a cualquier política de

mucho sentido. Yo no hago el

una empresa. A veces se da

cine por los premios.

otro

logro

del

los

premios

los

premios ya

no

están

están tienen

Si

los

de

Se llama ¿Quién mató a Seki

Tlatelolco, de normalistas y el caso

Sano?, es una adaptación de

de las Poquianchis no hubieran

Adam Guevara y trata de quién

pasado,

mató al arte, quién mató al teatro

escrito

eventos

¿Qué

trágicos

películas

Xavier

Robles,

habría que

le

gustaría escribir?

Me

encantaría

cómo fue este crimen ¿Cómo, vivir

en

una

sociedad donde yo pueda escribir comedias pudiera

musicales, escribir

una

donde película

como El último show de Robert Altaman, La última estación de Radio, escribir películas amables, divertidas. divertidas

No

entretenidas,

solamente,

amables

con sentido del humor. Me habría gustado

mucho

escribir

una

comedia

musical,

no

melodramas,

francamente

los

detesto, pero me habría gustado escribir una pieza con mucha profundidad. De hecho mi último proyecto es eso, y como tal vez esa

sea

último

mi

testamento,

proyecto

que

este estoy

planeando, pues es un poco hablar de la belleza del teatro, de lo bello que es.

en México y cómo se murió,

quién y porqué lo mató? Seki Sano no fue un muerto por nadie, simplemente así se llama la obra.

No trata de Seki Sano, trata del Teatro.

Y

hacemos

sus

referencias y representaciones a cosas

de

actualizadas

Shakespeare, y

llevadas

a

la

práctica del contexto actual hasta reflexiones

muy

bellas,

por

ejemplo, cuando tú te miras en un espejo ¿Quién de los dos mira a quién? Yo porque yo me moví y él se queda, no, él no se queda, el también se va. Entonces este tipo de reflexiones tienen un sentir filosófico y político profundo en la obra, que es lo habitual en mi cine, pero tiene básicamente este concepto de la belleza y ese el tipo

de

lugares

que

yo

me

dedicaría a filmar. Si hubiera sí, si el ‘sí’ existiera, si el ‘sí’ hipotético existiera.

Pero

gustado

mucho

me

hubiera

escribir

una

comedia musical con la nueva trova.

22

Y ¿Por qué se tardó, por qué no lo hizo en algún momento?

Porque

siempre

había

temas

urgentes qué tratar. Como canta Silvio Rodríguez en alguna de sus canciones “le debo una canción a esto, le debo una canción a esto otro”. Siempre hay alguien a quien

le

debes

una

película.

Entonces vas relegándolo, lo que a ti te gusta, lo que a ti te gustaría ser lo vas relegando en función de

lo

urgente,

de

lo

más

necesario, de los más importante.

2 de Octubre, Ayotzinapa ¿habrá un día que todo esto desaparezca, que dejen de pasar tragedias como esas y

que

lleguen

los

días

que

tengamos paz, motivos para escribir cosas más agradables, con otro tipo de reflexiones que enriquezcan a las personas?

Yo pienso que la tragedia como género nunca va a desaparecer, pero independientemente de eso voy hacer una reflexión muy dura.

23

Yo creo que el género humano se

Ganó Trump en Estados Unidos,

va a transformar, aunque pudiera

Putín esta muy bravo, Corea está

ocurrir que tengan que pasar 10

brava y puede ocurrir una tercera

millones de años, una vez que

Guerra

esta sociedad cambie y tengan

extrañaría que ocurriese. Siria

que pasar esos 10 millones de

puede ser nada más un pretexto,

años y vuelva a surgir el ser

Palestina, el Medio Oriente esta

humano y vuelva a surgir un

que arde. Todas las situaciones

nuevo concepto de ser humano.

de la mayoría de los gobiernos

Voy hacer esta reflexión tan dura,

son una forma de capitalismo

porque

la

diferente, la misma China es un

historia, la sociedad cayó en

capitalismo de Estado. De alguna

manos

forma

lamentablemente

de

lo

que

se

llama

Mundial

están

y

tirando

no

me

a

la

capitalismo y de algo mucho peor

destrucción de la sociedad y eso

que

de

no me agrada a mí, no me gusta

mentes

verlo al final de mis días. Sin

es

el

pensamientos criminales.

imperialismo, y

embargo, tengo la esperanza, soy un optimista irreductible, tengo la esperanza de que así pasen 10 millones de años esta sociedad va a resurgir como algo nuevo y como algo que nos merecemos todos.

24

25

Justo partiendo de esta reflexión

debe estar al servicio del artista,

que nos ha compartido a través de

y los partidos políticos también al

toda su trayectoria como escritor, y

servicio del artista.

más

como

humano.

escritor,

como

ser

Algo

que

quisiera

a

las

nuevas

compartirle

generaciones porque tal parece que conforme

estalla

la

revolución,

porque creo que si vivimos en una revolución y es una revolución entre mismos civiles que ha propiciado el capitalismo como el imperialismo. ¿Qué les diría a esas generaciones que

hoy

caminan

individualización,

donde

en ya

esa no

existe una comunidad?

Entonces a estos jóvenes yo les diría, no cosas como “sigan su camino, su voz interior” y todo eso. Yo les diría: Sirvan a la gente, muévanse con la gente, caminen entre la gente. Peleen con la gente, luchen con la gente, muéranse con la gente. Y también les diría que busquen transformar su sociedad, de esto que no es vivible ahora en casi en ningún lugar del mundo, en un lugar que sea vivible, habitable para todos.

A las generaciones yo les pediría únicamente que comprendan que vienen de una sociedad, que se deben a esa sociedad, que su talento y su esfuerzo no sirve sin una sociedad atrás y por tanto

El cine es ese instrumento de reflejar una realidad y a veces es complejo hablar de esa realidad y ante eso ¿Que sería lo que le agradecería usted al cine?

que estén al servicio de ella, que

Todo,

estén al servicio de la gente. Yo

agradezco

pienso

partidos

absolutamente nada sin el cine.

políticos ni el estado pueden

Pero digamos que ese cine que

determinar el arte. Si hay partidos

encontré

políticos

cuando estaba al servicio de los

que

ni

que

los

por

ejemplo

financian el arte sólo para que los

toda

mi al

sólo

vida

cine,

tenía

se

no

la

sería

sentido

demás.

promuevan propagandísticamente

eso

no

debe de existir. El artista sólo debe servir a la gente y el Estado

26

#Galería

EMILIO “EL INDIO” FERNÁNDEZ

Se inauguró en la sala de exposiciones de la Cineteca de Durango la exposición de fotografía en honor a Emilio “El Indio” Fernández, uno de los más grandes cineastas y actores de la época de Oro del Cine Mexicano.

fotografía ANDREI MALDONADO

27

28

LAS ARMAS REVELANDO LA HISTORIA texto ERIC EDUARTE VILLA fotografía ANDREI MALDONADO

Filmada en 2012 en la ciudad de Durango la película que narra los hechos reales sucedidos en 1965 donde un grupo de profesores normalistas en busca de justicia realizaron un ataque al Cuartel Militar de Madera en Chihuahua, evento que marcó el inicio de las guerrillas en México, sirviendo de inspiración a futuros movimientos armados en el país, principalmente el que encabezó en los 90’s el EZLN. Décadas más tarde, y después de que existiera una novela escrita por Carlos Montemayor, se adaptó este suceso a la pantalla grande de la mano de los escritores y guionistas Xavier Robles, Jaime Casillas, el productor José Dolores Ortiz y el director de la cinta José Luis Urquieta, quien nos compartió para Cinéfagos todo lo que envuelve la realización de esta película que tardó siete años en tener luz verde para ser filmada.

29

¿Por qué la película no se filmó

pero aquí la oligarquía es la que

en

determina qué es y lo que se hace,

Chihuahua

y

terminó

produciéndose en Durango?

pero todas estas contradicciones de

Porque en Chihuahua aconteció esta

situación

y

los

gobiernos

priistas son muy sensibles con esto porque

de

alguna

manera

se

las que también estamos llenos en México nos permitieron a su vez que el estado pusiera dinero para la película.

exponen los malos gobiernos que

Entonces es una historia bastante

han existido relacionados con el

larga y bastante compleja porque

PRI, esa es la realidad. Pese a eso,

necesitábamos

Reyes Baeza (el gobernador en ese

necesitábamos armas y para venir a

entonces) nos atendió y tenía la

filmar con ellas se requería de un

intención de ayudarnos, él es el

permiso de la Sedena. La mayoría

exgobernador anterior a este ladrón

de las escenas se hicieron sin

que ha sido el más ladrón de la

armas, sin embargo, como repito,

historia y que salió del cargo

las

recientemente.

nuestro querido México es que el

Baeza hizo una convocatoria a la crema

y nata, a la oligarquía

chihuahuense, reunión

convocó

donde

a

todos

una los

empresarios más importantes de Chihuahua

acudieron.

Pero

los

grandes

del

ejercito,

contradicciones

de

Ejército trabajó en la película, así que tuvimos las armas y tuvimos al propio ejército, les mandamos un guión y ellos nos enviaron unas recomendaciones

que

yo

hice

omisión.

Creel, en este caso Enrique Creel, habló de lo sensible que era esta situación y volverla a poner en juego

por

las

cuestiones

evidentemente obvias que afectaba o afectaría la situación o ‘la paz que ellos

han

trabajo’,

construido de

tal

con

tanto

manera

nos

rechazaron porque el dinero es el que manda en el país, es desgracia

30

Pero esta historia es un parteaguas,

¿Cuál es el objetivo principal de

este acto es el fundamento para

‘Las Armas’?

que

exista

la

“Liga

23

de

septiembre” que es todo un hito en la historia, en la subversión del país, ya que fue el 23 de septiembre de 1965 el asalto al cuartel de Madera y

de

allí

movimiento

se

generó

todo

revolucionario,

un un

movimiento subversivo en México con muchísima gente en casi todo el país y hubo muchísimos muertos que se generaron en base a esto, en memoria a esta gente y por eso se llamó la ‘Liga 23 de septiembre’ y nosotros

mismos

la

autocensuramos, perdóname, y era de ni siquiera mencionar el asunto, era doblemente peligroso exhibirla.

Y mira qué bueno que hoy ha despertado gran interés y ahora Cruz Valles es quien ha movido con el gobernador actual que parece tener una visión diferente y le dio luz verde a la exhibición de la película.

31

El

objetivo

principal

es

que

debemos conocer nuestra historia, porque creo que si conoces nuestra historia

podrás

entender

mejor

nuestro presente, y esta historia es apasionante.

Yo

creo

que

hay

muchas historias que están ocultas, que están empolvadas o enlodadas por el sistema. Hay muchísima gente

que

comparte

la

idea

fundamental de que las cosas se modifiquen y no estoy de acuerdo con que somos un país agachado, aquí hay mucha rebeldía, lo que sucede es que el gobierno somete y mata, y no es broma.

Alimentándonos del séptimo arte

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ALIEN COVENANT (O sobre el origen de las especies) texto ANDREI MALDONADO

En un principio, David creó los cielos y la tierra…

Cuando se publicó “El origen de las especies” de Charles Darwin en 1859 comenzó un amplio debate con respecto a la transmutación de las especies que chocaba con la idea de una teología natural perfectamente diseñada por un ser superior. La Iglesia no concebía la idea de que entre los animales y los seres humanos hubiera una relación directa de biología evolutiva ¿dónde quedaría Dios en todo esto?

33

Si en Prometeo (2012) Ridley Scott ya nos había planteado cuestionamientos existenciales en torno a que el origen del hombre provenía del espacio, en Alien: Covenant el director de Blade Runner no abandona esa directriz por la presión ejercida tanto por el público como por la propia Twenty Century Fox de traer de vuelta al Xenomorfo.

Al contrario, da un giro tremendo al agregarle un ingrediente fundamental al arché primigenio que significaba la sustancia negra de los “ingenieros”: David.

Es un acierto del experimentado cineasta abrir la película con el sintético que tanto perturbó en la precuela de la saga Alien. David, quien fue diseñado para imitar cualquier emoción humana sin sentirla y tomar decisiones que a los humanos les parecieran “poco éticas”, es el motor de la cinta, aún más que el icónico monstruo.

Cuestionando el por qué debería estar a la órdenes de un ser que, pese a ser su creador es inferior a él por su condición de mortal, David traza en ese momento el orden de la película.

Todo lo demás hasta el punto del encuentro con el único sobreviviente de la nave Prometeo pareciera un simple trayecto, mero trámite, pero no. Mantiene el suspenso y permite ubicarnos en la línea que guarda este film con su antecesora, con el encuentro de una grabación extraña, el descenso a un planeta “escondido” en el confín del universo, hasta el encuentro de la nave de los ingenieros estrellada y las imágenes de Elizabeth Shaw, último humano sobreviviente del viaje a LV-223.

Scott nos devuelve al terror de la primera entrega de Alien, ese temor al espacio que se ha ido perdiendo por la sobre explotación de películas del género y los avances en la tecnología, un temor a cosas que parecieran tan obvias, pero que ignoramos, como el hecho de vida microscópica, hostil vida microscópica que se incuba en los humanos para engendrar nueva vida, una aún más hostil, que romperá esófagos, cajas torácicas o espaldas para nacer, una visión violenta del estado de pregnancia.

34

El Neomorfo no solo es una criatura que busca hacer más robusto el guion, es un ser que da certeza a la zoología fantástica que Ridley viene creando desde Prometeo y el responsable de ella resulta ser David, quien cansado de ser un no-ser se convierte en Dios y da principio a la manipulación genética. Se nos revela su perversidad a la hora que confronta a su “hermano” de nueva generación Walter acerca de su desprecio hacia la humanidad y su deseo de crear una especie que de verdad sea “perfecta”.

Es entonces que el Xenomorfo hace su primera aparición en una escena que evoca dignamente a la famosa obra de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, “La creación de Adán”, saludando –más que dándole el toque de vida- al nuevo ser. David se resiste a “servir en los cielos” y prefiere “reinar en los infiernos” y demuestra lo cierto que era la frase con la que inicia Dante Alighieri el viaje de Virgilio en La Divina Comedia: “el camino al paraíso comienza en el infierno”, tomando el lugar de Walter para convertir el plan de escape de la humanidad, Origae6, en su nueva caja de Petri.

Han sido muchos los elementos que Ridley Scott integró a esta cinta, desde los meros guiños de El octavo pasajero (la música y cómo se nos presenta el título de la película) hasta el de las referencias literarias como la de Robinson Crusoe (la isla en la que

35

está varado David desde hace 10 años) y la del poema Ozymandias, donde David parece compararse con el faraón egipcio relatado por Shelley con la famosa línea “¡contemplad mis obras poderosos, y desesperad!” al recordar cómo acabó él solo con los ingenieros.

Y así como se han visto estos elementos existen muchos otros que no son referencias o geeks, sino que forman parte del discurso vertebral de la película como es el concepto de amor para David, quien asegura haberse enamorado de la doctora Shaw, sin embargo se descubre veladamente que en realidad Elizabeth sirvió para engendrar los monstruos surgidos de la mezcla de la sustancia negra con los animales nativos del planeta y que a la larga traerán consigo la generación de la famosa criatura.

Se distingue claramente también un acercamiento con los Replicantes de Blade Runner incluida una escena que ruborizó a muchos por el beso que le da en la boca a Walter y un diálogo digno del relato ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? y que hasta el día de hoy desconcierta a los espectadores: “¿Cuándo cierras los ojos, sueñas conmigo?”.

36

Y si hemos hablado de la relación de la literatura y la filosofía con el discurso de Alien: Covenant no podemos dejar de lado a la pintura, la escultura y la música: la primera, con el cuadro “La Natividad” de Piero della Francesca, pues el nacimiento de Jesús desde el vientre de una virgen toma sentido si recordamos que Elizabeth Shaw era infértil y “gracias” a David da vida a la extraña criatura cefalópoda en Prometeo (y al parecer da vida a los huevos de Xenomorfo también).

La liga con la escultura se da con el David de Miguel Ángel, obra que le da nombre al androide y que busca replicar su perfección en el diseño del Xenomorfo; y por último la música con “La entrada de los dioses al Valhalla” de Richard Wagner, que no solo nos vincula con 2001: una Odisea del Espacio, también con la mitología nórdica, pues esta pieza es la elegida por David se dispone a manipular la genética humana.

37

Estamos ante un nuevo clásico del horror y la ciencia ficción ¿Qué el entramado de la franquicia se ha complicado? Sí ¿Qué Scott deja más preguntas que respuestas? Sí, y eso es un acierto, pues nos deja esperando todo, ya que de las mil teorías que se tenían de lo que sería “Paraíso” (título que pretendía ponerle a la película) Ridley nos dio otra totalmente diferente con Alien: Covenant y si tenemos en cuenta los caprichos de la Fox entonces todo puede ocurrir, pero de entrada se agradece una propuesta tan cerebral para una película que muchos podrían pensar “palomera”.

38

39

#ProduccionesLaViejaEscuelaPresenta

LA DINASTÍA COPPOLA Hablar de la familia Coppola es hablar de una de las familias más reconocidas de la industria del cine norteamericano, aunque no siempre haya sido así. texto JUAN JOSÉ ANTUNA

Liderada por el rebelde en su tiempo

Su trabajo nos muestra nombres

y revolucionario director Francis Ford

como Apocalipsis Now y Drácula

Coppola, nacido en Estados Unidos

además de escribir la adaptación de

pero hijo de italianos, su padre un

El Gran Gatsby de 1974 y producir

compositor

muy

una de las películas de culto más

reconocido y su madre actriz durante

vanagloriadas, American Grafitti de

su juventud en Italia; estudió Artes

George Lucas. Pero sin duda alguna

Teatrales. Junto con su gran amigo

su más grande trabajo es reconocido

George Lucas y otros directores

de sobra por todo amante del séptimo

como Steven Spielberg vinieron a

arte: El Padrino, para algunos mucho

darle una sacudida a una industria

mejor la primera que la segunda, para

cinematográfica

otros rompe el estigma y quizá sea la

de

orquesta

que

se

había

encasillado con sus productoras de

excepción

siempre haciendo que nuevas como

partes nunca son buenas, y la tercera

Paramount

muchos ni siquiera le dan mérito, el

tuvieran

aquellos años.

un

lugar en

de

que

las

segundas

caso es que en este trabajo ya nos mostraba a parte de su descendencia y familia.

40

En ella actúa también su hermana

Ahora que si habláramos del segundo

Talia Shire, a la cual la recordamos

miembro Coppola en importancia,

por su papel de Connie Corleone en

quizá deberíamos de hablar de la ya

esta trilogía y en su papel de

no tan joven pero talentosísima Sofía

Adrianna Pennino en Rocky. Ella tuvo

Coppola, aquella muchachita que

tres hijos, de los cuales uno es el

primeramente

actor y cómico Jason Schwartzman al

una bebé en El Padrino y años

cual recordamos por sus buenas

después la viéramos en otro papel

actuaciones en películas como María

dentro de la misma trilogía como la

Antonieta

hija de Michael Corleone en la tercera

ahorita,

(de no

la

hablamos

adelantemos)

parte y la cual protagonizara la

Saving Mr. Banks, además de ser un

escena más impactante de esta, años

notable colaborador en películas de

después nos maravillaría con la que

Wes Anderson junto con su primo e

es una de mis películas favoritas de

hijo de Francis, Roman Coppola, el

todos los tiempos: Lost In Traslation

cual

la

del 2001 (también con Bill Murray, el

producción y como guionista de

cual es muy cercano a los hijos de

películas, (en específico en algunas

Coppola)

de las últimas películas de Wes junto

acreedora al Oscar por mejor guion

a su primo, aunque también sirvió de

original. Directora de otras películas

asistente de dirección del mismo Wes

como Las Vírgenes Suicidas, la ya

y de su padre y su hermana) aunque

mencionada

también

Somewhere, entre otras. Este año la

trabajado

ha

más

dirigido

en

algunos

videoclips,

cortometrajes

largometrajes

como

Un

la

María

cual

la

Antonieta

hizo

y

veremos llevando a la pantalla un

Mirada

remake de The Beguiled, película de

III protagonizada por Charlie Sheen, Bill Murray y Jason.

cinta

y

Dentro de la Mente de Charles Swan

41

como

y

ha

nos

cual

conociéramos

Clint Eastwood del año 1971.

Del hermano mayor de Francis sólo

Y así es como podemos notar que sin

podemos rescatar el nombre de uno

duda los Coppola, quizá sin tantos

de

también

miembros como otras dinastías de

podríamos hablar de este señor

Hollywood como lo son los Fonda, o

llamado August, pues si bien no se

no tan longeva como los Douglas, o

dedicó de todo al mundo del cine, sí

no

produjo algunas películas, entre ellas

mexicanas

la más rescatable de su hermano

Rodríguez, o los De Anda, han hecho

Francis Drácula) y este es el de su

su marca muy particular en la historia

hijo Nicolas Kim Coppola, o mejor

de la cinematografía y eso es digno

conocido como Nicolas Cage.

de reconocimiento, por encima de

sus

hijos

(aunque

tan

importante de

los

como

las

Almada,

los

cualquier galardón.

42

43

ROGER MOORE 00-7 VECES JAMES BOND “Sería muy desagradecido si no dijera que me gustó ser James Bond. Es como ser una piedra preciosa en un mercado muy costoso. Una película Bond es de lo más costoso que puedes conseguir como actor”. texto ERIC EDUARTE VILLA

Razón a Roger Moore no le faltaba

Casi siempre vestía formal, un

sobre el costo que tenía un actor al

toque

convertirse en James Bond, un

elegancia como siempre lo hacía

personaje que marcará por siempre

Bond. Roger, con una mirada seria

al que lo interprete. Un riesgo que

y a la vez llena de carisma, y

Roger decidió tomar a comienzos

mientras te hablaba bajo un acento

de los 70's, desde entonces el resto

inglés de buen humor sosteniendo

de su vida quedaría relacionado con

en una de sus manos un puro,

el mítico personaje creado por Ian

siempre disfrutaba de charlar de su

Fleming.

etapa como James Bond.

sutil

a

diferencia

de

la

44

A su corta edad le tocó presenciar y

Connery. Fue hasta 1973 que,

sobrevivir

Guerra

finalizados sus compromisos con la

Mundial. Bajo los bombardeos en

televisión británica, fue nuevamente

Londres nunca perdió su deseo por

llamado para interpretar a Bond. No

admirar las bellas artes. Pasados

lo pensó dos veces para tomar la

los

su

“licencia para matar”. Durante su

juventud, su vida se enfocaría hacia

fama en la televisión londinense ya

la actuación, llegando su gusto por

había probado ser 007 en un

este arte tras acompañar a su padre

episodio para un show, sólo que era

quien fue policía e investigaba un

para parodiar al personaje, y aun

robo en la casa de un director de

así mantenía el porte necesario

películas (Brain Desmond Hurt).

para el papel serio. Connery había

la

Segunda

conflictos,

entrando

a

su padre dejaba conocer a Moore al entonces director de cine, siendo así su intervención al séptimo arte contratado

para

ser

extra

en

algunas películas de Brian. Poco a poco

fue

teniendo

mayor

personaje, los cinéfilos de la saga apostaban que era el fin de 007 tras la despedida de Sean y del trago amargo que en ese entonces había dejado George Lazenby.

experiencia hasta que, pasando la

Al estrenarse la película Live and

década de los cincuentas, llegó a

Let

Estados

fue

segundos en que aparecía Roger

contratado para tener su primer

como Bond, demostró que el agente

papel de reparto en un largometraje.

inglés volvía de mejor manera y

Posteriormente volvió a su natal

terminó realizando siete películas

Inglaterra donde empezaría la gran

del 007, culminando su etapa en

etapa de su carrera como actor.

1985 con la cinta A View To a Kill.

Unidos

donde

En 1962 recibe una llamada de los productores Harry Saltzman y Albert R. Broccoli para que tome el rol del agente secreto James Bond, pero su compromiso con la serie de televisión El Santo se lo impediría, en su lugar fue contratado Sean

45

dejado la vara muy alta con el

Die,

desde

los

primeros

Moore había escrito con letras de oro

su

historia

en

el

cine,

especialmente en la saga del espía.

46

Su despedida con el personaje fue emotiva, su gran sentido del humor no sólo lo dejó en algunas frases icónicas de James sino también en el set, en cada día de filmación dentro de los estudios Pinewood.

Se convirtió en mentor de muchos actores y actrices jóvenes de la época, incluso de los futuros Bond como Pierce Brosnan.

47

Para muchos es considerado el

Moore se convirtió en uno de los

mejor James Bond de la historia ya

actores más queridos de las islas

que Roger nunca se quejó de algo

Británicas y de toda Europa, todos

de su personaje, era muy abierto a

los buscaban en los eventos, en las

la charla con cualquiera que se

premieres donde se presentaba. El

acercara durante los días de rodaje,

23 de mayo de 2017, a los 89 años

fue quien más ha disfrutado ser

de edad en su casa en Suiza, tras

007. Su humildad como actor llegó

una corta batalla contra el cáncer

a decir que no fue el mejor Bond y

Roger Moore se despedía de este

que sus predecesores lo han hecho

mundo físico, siendo el primer actor

mucho

de los seis que encarnaron a Bond

regresar

mejor.

villano

quiso la

en morir. El luto ha sido enorme

franquicia que le dio fama, nunca le

entre familiares, amigos, la gente

llegó la oportunidad, como también

cercana a las producciones de 007,

quiso ser recordado como uno de

todo el mundo cinematográfico, y

los mejores Hamlet de la historia y

sobre

tampoco le llegó tal anhelo, a pesar

fanáticos de la saga que aún se

de

encuentran en duelo. Pero como

ello

como

Siempre

conservaba

su

de

humor

inigualable.

los

millones de

cinéfilos

decía Moore, todo lo que llegue hay

Pero su mayor logro, su misión más

que disfrutarlo.

grande lograda no fue como el gran

El mundo, su familia, amigos lo

actor del cine inglés, fue como

recordarán por su bondad, por su

embajador de la UNICEF a partir de

arte y maestría en la actuación, por

1991, cargo que sostuvo hasta su

su cariño hacia la vida, hacia la

muerte, labor que le valió el título de

hermandad de la humanidad. “No

Caballero (Sir) otorgado por la

se debe notar que estas actuando.

Reina Isabel II en 2003, y en 2008

Creo que lo maravilloso de una

el

actuación

gobierno

francés

lo

nombró

es

que de

tenga

Commander of the Ordre Des Art et

espontaneidad

que

des Lettres (Comandante de la

ocurriendo en el momento”.

la está

Orden de Artes y Letras).

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#CineRecomienda

RESCATANDO AL SOLDADO RYAN texto ABRAHAM CASTAÑEDA ORTIZ

“Dulce y digno es morir por la patria” -Horacio

Pocas películas tienen esa atmosfera que captura y retrata los horrores de un combate como Rescatando al soldado Ryan (1998, Steven Spielberg). Es una película que muestra sin pudor la sangre, las tripas y el sufrimiento de aquellos que fueron expuestos a la carnicería. Se cuenta que durante los primeros minutos de exhibición la mayoría de los veteranos de guerra salían de la sala, e incluso que durante meses se creó una línea de ayuda para tratar a los hombres que debido a los horrores de la guerra vieron reflejados sus más profundos temores en las escenas de la película.

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Las escenas rodadas en una película

La película no solo es realista en

tienen una atmosfera gris, confieren

muchos aspectos, si no que logra

al

haberse

transmitir el concepto de la tragedia

transportado a 1944 entre los pueblos

de una manera refinada. La tragedia,

franceses, o de ver un documental.

en su concepción original, nos dice

Lo que se muestra visualmente es de

que aún los hombres magnos tienen

una gran brutalidad. Por ejemplo el

un defecto que suele destruirlos y

director muestra a aproximadamente

destruir lo que aman. Es un concepto

40 hombres que avanzan en una

que es útil al devolver a quienes

lancha de desembarco a una playa

están en una situación de tensión y

sólo para ser asesinados por las

riesgos, la posibilidad de fallar y, aun

ametralladoras de los bunkers desde

así, conservar la dignidad de haber

el segundo en que la rampa de la

caído luchando.

espectador

de

lancha baja. En este film se puede ver escenas de hombres que lloran mientras agonizan con las tripas de fuera y eso se contrapone al de aquellos que yacen muertos en el suelo o caen abatidos sin poder disparar una sola bala, mientras que los que sobreviven lo hacen para cometer

crímenes

primer

plano

de

de

guerra. los

El

rostros

horrorizados de hombres que saben que van a morir en los próximos minutos se contrapone al de las ciudades

derruidas

por

los

bombardeos.

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El personaje principal es el capitán

El dilema que tiene ahora el héroe es

del segundo de Rangers John H.

ético ¿Vale la pena masacrar a sus

Miller, un hombre que pese a tener

propios hombres para salvar la vida

inicios

continúa

de uno solo? No es algo que pueda

liderando a sus hombres en una de

cuestionar a sus superiores, pero que

las campañas más sangrientas de la

sus hombres si le cuestionan a él. Su

guerra, la invasión de Normandía. Es

cualidad: conseguir el cumplimiento

un hombre con un sentido arraigado

de la misión se convierte en una

del deber, que sabe que en orden de

pesada carga. Y a la larga provoca la

cumplir

muerte

de

una

párkinson

misión

tendrá

que

sacrificar las vidas de algunos de sus soldados. Quizá esa es su principal cualidad, el hecho de cumplir con la misión

alcanzando

los

objetivos,

cualquiera que sea el costo. Sólo que en este caso la misión es rescatar a un único hombre.

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de

buenos

hombres,

atrapados por las circunstancias.

La pelĂ­cula, a pesar de ser larga, tiene

un

ritmo

que

atrapa

al

espectador, alternando escenas de violencia

extrema

y

diĂĄlogos

convincentes, que convierten a esos desconocidos

soldados

en

seres

humanos por los cuales se siente pesar cuando la muerte les alcanza.

En suma es un film que todo aficionado al cine bĂŠlico debe de tener entre los imprescindibles y, a mi parecer, la mejor obra del repertorio de Steven Spielberg.

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Chris Cornell

Maybe a Higher Truth Una promesa de sobrevivir, perseverar y prosperar texto LAURA BARRERAS AMAYA

Él escribió con la misma profundidad

Chris Cornell se presentó ante el

con la que también llegó a regalar al

mundo como un artista completo a lo

cine temas de una sensibilidad y

largo de su carrera, cuyos comienzos

potencia memorables. Esta inmortal

desde

voz que ha quedado finalmente en

tuvieron una marca muy personal de

silencio, ahogada quién sabe si por el

compromiso y pasión reconocible.

dolor o la confusión, en un acto que

Dicha pasión es evidente también en

aún

las grandiosas contribuciones que

resulta

incomprensible

para

temprana

cantante

edad

realizó

siempre

quienes la duda destroza el corazón.

este

de

forma

Dos pequeños hijos, esposa y miles

frecuente en el cine al escribir temas

de admiradores, colegas y amigos

y soundtracks con un sentido especial

que seguramente se preguntarán por

en cada trabajo, captando el tono y

muchos años ¿Por qué?

sentido del film, las experiencias de los personajes y una profunda huella emotiva, sin lugar a duda reconocible.

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De la misma forma en conjunto con la

“Misery Chain”, Great Expectations

banda

(1998)

Soundgarden

memorables

realizaron

aportaciones

a

la

la

muy

recordada

“Sunshower” y la que sería su última

pantalla grande, como por ejemplo en

colaboración

el film de Cameron Crowe, Singles

memorable en el film The Promise

(1992), tanto con una aparición en la

(2017) con su homónimo soundtrack,

cinta

cinta

como

interpretando

su

y

quizá

protagonizada

la

por

más

Christian

soundtrack. Igualmente, otras piezas

Bale, ambientada en los últimos años

de la banda hicieron su aparición en

del

Say Anything (1989), Wayne’s World

referencia

(1992), S.F.W (1994), Blind Dogs

enmarcado con una instrumentación

(1995) y más recientemente en The

profunda, una

Avengers

melancólica de quien declaró “intenta

(2010),

por

mencionar

algunas.

Sin

imperio

Otomano

al

que

genocidio

hace

armenio,

voz memorable

y

pensar en el dolor como un grito”.

embargo,

el

trabajo

más

Así es como aquí nos despedimos de

recordado y especial para el cine es

uno de los mejores músicos del siglo

el desarrollado por Chris como solista

XX y XXI, recordando “La promesa

en donde se cuentan films de acción,

que siempre permanece, Sin importar

como Mission. Impossible II (2000)

el precio, Una promesa de sobrevivir,

con “Mission 2000”, 007: Casino

Perseverar

Royale (2006) con “ You Know My

siempre hemos hecho”.

Name”, marcando un fresco impulso a esta franquicia presentando el desarrollo de un joven Bond con este soundtrack a lo largo de todo el film hasta

que

maduración

finalmente cierra

con

en

su

el

tan

emblemático tema del 007.

Así mismo en cintas dramáticas como en 12 Years a Slave (2013) con

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con

y

prosperar,

Como

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#NoTodoEsCine

LA ASCENCIÓN DE GORILLAZ ‘’Those who fear music are dangerous’’. Con esta imponente frase nos adentramos en una nueva era de la banda virtual más conocida en el mundo.

texto BLANCA MALDONADO

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Gorillaz es una banda virtual creada por dos genios británicos: Damon Albarn, músico, creador de un sinfín de proyectos, entre ellos Blur’, ‘The Good, The Bad and The Queen, dos musicales y una ópera. Y luego tenemos a Jamie Hewlett, historietista y animador, co-creador del cómic ‘’Tank Girl’’ y el musical ‘’Monkey Journey to West’’ (también creado junto con su compañero Damon).

Ambos, durante siete largos años, no daban señales de que la banda regresara. Incluso se llegó a pensar que jamás volverían ya que los creadores tuvieron algunas diferencias durante el proceso del disco “Plastic Beach”. Sin embargo en 2015 comenzaron a publicarse algunas creaciones visuales en la cuenta de Instagram de Jamie. Este mostraba de poco en poco a nuestros cuatros queridos protagonistas de la banda: Murdoc Niccals (bajista, compositor principal y líder) 2-D (vocalista y encargado de los teclados) Russel Hobbs (batería y percusión) y la hermosa y renovada nipona Noodle (guitarra y coros).

Los fans comenzaron a sospechar que la temática del disco seria la guerra ya que los antecesores también tenían una temática bastante interesante (como “Plastic Beach” con piratas y el océano, y “Demon Days” con demonios y cosas infernales). Sin embargo aún no había algo que comprobara si esa teoría era cierta.

Pasó el tiempo y Jamie seguía publicando un poco del proceso y cambios de los personajes y sus experimentos con una nueva forma de dibujo que nunca antes se le había visto. Pero en todo este tiempo jamás se mostró nada de Damon. Y era algo que tenía en duda a todos, ya que él seguía manteniéndose en la oscuridad… esperando el momento de que todo fuera una sorpresa para los fans… y, hasta cierto punto, lo logró.

El pasado febrero un vídeo fue publicado en el canal de Gorillaz.

Cuál sería la sorpresa de los fans al enterarse de que no era cualquier vídeo… ¡Era una nueva canción!

Llamada ‘’Hallelujah Money’’. Y no sólo en ese mes se dieron sorpresas.

En marzo se dieron noticias de que Damon estaría en una entrevista en la BBC Radio. En ella hablaría del regreso de la banda y la muestra de una de las canciones del disco.

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Durante la entrevista se subió a Youtube dicha canción, pero… ¡También otras tres! Y el nombre del disco el cual sería ‘’Humanz’’.

También se nos mostró la portada, el total de canciones, una versión Deluxe del disco y los colaboradores.

Días después Jamie, en una entrevista, dejó confirmado que habría una serie animada para la banda. Él se haría cargo de animar el primer y último capítulo. Lo mejor de todo esto es que dijeron que habría alrededor de 10 capítulos la primera temporada. Esto quiere decir que lo más seguro es que tendríamos más temporadas en un futuro. Esta noticia hizo muy feliz a todos los fans (incluida yo), ya que la serie se había previsto desde el 2001 pero se pospuso por falta de interés de los creadores.

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Los cambios en los personajes fueron espectaculares, especialmente en el diseño de la portada. Y además cada uno de ellos hace referencia a personajes de la música y literatura muy conocidos. 2-D nos muestra su estilo a lo ‘David Bowie. Ese estilo tan elegante y extravagante que utiliza Russel es nada menos que de Notorious B.I.G. Murdoc es Keith Richards (aunque se parece un poco a Liam Gallagher y que por cierto Jamie se lució con Mudz… ¡Nunca se le había visto tan atractivo!). Y por último Noodle, quien nos hace una referencia a Björk y a Lolita, la famosa protagonista de la novela homónima de Vladimir Nabókov.

Como álbum “Humanz” es bueno. Se goza perfectamente con un par de audífonos y un buen equipo de sonido. Líricamente es precioso e incluso hay canciones que profundizan más que otras; sin embargo sólo se queda como eso, ‘’bueno’’, ya que en cuanto a lo musical puede ser un poco repetitivo.

Además los ‘’interlude’’ incluidos en el álbum hacen de un grandioso viaje musical algo tedioso.

Comencemos con el primer cuadro.

Primeramente escuchamos el intro ‘’Switched My Robot Off’’ que realmente sólo nos da un paso de entrada para continuar con ‘’Ascension’’ (ft. Vince Staples) una canción que da frescura al escucharla, todo un orgasmo musical.

Sin embargo el ambiente se rompe cuando entra ‘’Strobelite’’ (ft. Peven Everett).

Y es que esta canción no es mala, sino que es muy distinta a la anterior, además de que Peven se roba la canción y la hace suya, dejando nulo el protagonismo de Damon (2-D). Es muy buena, y una de las favoritas, pero no concuerda con la siguiente canción hecha a lo futurista. Me refiero a ‘’Saturnz Barz’’ (ft.

Popcaan). Tiene ese toque de hiphop que entra con fuerza y finaliza con la melodiosa voz de Albarn para dejarnos con un final espectacular.

El contenido de su letra es muy bueno y además de ello va acorde con la temática del disco la cual es ‘’una fiesta post-apocalíptica’’. Sin embargo, está mal acomodada.

Probablemente, la que podría ser la sucesora de Ascension y quedara acorde con este cuadro seria ‘’Momentz’’ (ft. De la Soul).

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El siguiente cuadro comienza con el primer interludio: ‘’The Nonconformist Oath’’ que nos da paso a la que considero la mejor canción de “Humanz”, Submission (ft. Danny Brown y Kalela), una melodía hermosa que más de la mitad interpreta Kalela y luego sigue Danny Brown, aunque es un poco dejado de lado considerando que se pudo haber sacado más provecho de él. Y aunque Damon no cante en ella en verdad que esta canción vale la pena al igual que Charger (ft. Grace Jones) cargada de un sonido ochentero y pegadizo. En esta, ahora sí escuchamos de nuevo a Albarn y la imponente voz de Grace que hace que esta canción genere un ambiente increíble tanto para escucharla con audiófonos como sin ellos.

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Después continua el segundo interludio, ‘’Elevator Going Up’’, que acaba para adentrarnos hacia ‘’Andromeda’’ (ft. D.R.A.M) con Damon interpretándola la mayoría del tiempo. Esta canción en cuanto a lírica es relajante y hermosa. Nos expresa el amor profundo que se tiene a las personas que no están más con nosotros. Su música es buena, pero la supera la letra.

Aunque no pasa lo mismo con ‘’Busted and Blue’’, la cual es la canción más triste del disco. En esta solamente es Gorillaz, sin ningún colaborador. Tanto la letra y la música son excelentes. Ambas se unen para crear un ambiente relajante pero al mismo tiempo, cuando la escuchas, sientes como si estuvieses entre la lluvia… gritando “be my love!’’.

El tercer cuadro comienza con el interludio ‘’Talk Radio’’, y a partir de aquí comienzan las canciones con fuerza y que de verdad tienen el sentido de “Humanz”. ‘’Carnival’’ (ft.

Anthony Hamilton); toda una feria gótica mezclada con una increíble fiesta apocalíptica.

Aunque la siguiente no se queda atrás y nos proporciona ese sentimiento antipolítica que desea expresar el disco ‘’Let Me Out’’ (ft. Mavis Staples & Pusha T) es esa canción. ‘’Penthouse’’ es el siguiente interludio que abre sus puertas a ‘’Sex Murder Party’’ (ft. Jamie Principle & Zebra Katz) una canción que va llevándose los primeros puestos. Con Albarn en el coro, se vuelve una canción potente y agradable al escucharla; aunque ‘’She’s My Collar’’ (ft. Kali Uchis) queda muy por debajo de calidad de su antecesora. Comienza a ser un poco repetitiva, sin embargo se sostiene gracias a Kali Uchis.

recorrido. Sin embargo aún no logra serlo, a pesar de lo buena que sea. El segundo disco en la versión Deluxe nos ofrece buenas canciones, aunque son pocas. Personalmente la mejor es “The Apprentice (feat.

Rag'n'Bone Man, Zebra Katz & RAY BLK). Bastante fresca y relajante.

Como fanática de Gorillaz el disco me gustó, sin embargo creo que tiene unas cuantas carencias en comparación con sus predecesores (por ejemplo el no incluir a Noodle en el canto ni a los demás miembros de la banda). Si esto fue bueno, antes hacían magia. A pesar de ello estoy feliz con su regreso y escuchar a Kali Uchis fue bastante grato. Si continúan creando música y elementos visuales probablemente los “Gorillaz” puedan trascender a ‘’Humanos’’.

Y casi para finalizar entra el último interludio ‘’The Elephant’’ el cual nos muestra ‘’Hallelujah Money” (Feat.

Benjamin Clementine), otra de las mejores canciones del disco. Esta expresa completamente la esencia del disco. La fuerza en la voz de Clementine expresa la autoridad política anti Trump y el canto de 2-D, la voz del pueblo. Y para concluir ‘’We Got The Power’’ (ft. Jehnny Beth). Su letra es muy buena y la música desea expresarnos un himno de libertad después de todo el

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