No. 28 Jul.-Ago. 2017 Edición Bimestral
4
años
Alimentándonos del séptimo arte
CF
ADEMÁS *Cine Existencial*Paterson*Cine en Chile* *Rally 72 Horas*Elmer Mendoza* *Alberto Cortez* *Fiestas de la Ciudad*La Butaca del Cácaro*
Editorial DIRECTORIO Rumbo a los 10 años de la fiesta del cine mexicano
Concluyó la novena edición del Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango. La Tierra del cine consolida su festival, un festival que le ha dado la oportunidad a realizadores jóvenes de todo el país para mostrar sus trabajos, casi todos con una corta filmografía. A 11 meses de volver a vivir la fiesta en su décimo aniversario para la celebración del cine mexicano, como dicen los cinéfilos, ya estamos pidiendo “más cine por favor”. 2018 será un año importante para muchos aspectos del país, tanto en lo deportivo y en lo político, el primer punto por ver nuevamente el campeonato mundial de fútbol que sólo se repite cada cuatro años y el otro punto, el más importante para México, las elecciones presidenciales, y en ese año el único festival dedicado completamente al cine mexicano cumplirá su primer década de vida.
Con el décimo aniversario es prioridad que estos festivales se vuelvan un motor para llevar a cabo la consolidación de la ciudad como capital del cine. Mucha es la expectación cada año sobre el festival y teniendo en cuenta los retos a los que se enfrenta un realizador mexicano por producir y llevar su película a una pantalla es aquí donde hay que empezar a mezclar la industria con la exhibición, que si bien es un hilo que los mantiene unidos, es de gran acierto que ambas partes se involucren entre sí. La fiesta del cine mexicano en Durango llegó a nueve años. Ha crecido gracias a los jóvenes duranguenses. Crecer año con año no es fácil ante los manejos gubernamentales de nuestro país, pero las vías por donde transitar son bastas y todas llegan al mismo lugar, a la consolidación de un festival grande, grande como querer hacer una película. Durango en 2017 se fortalece con dos festivales, el mexicano y el internacional. Satisfechos, sí, y con las ganas de ver esto crecer.
Director General Andrei Maldonado Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa Diseño Andrei Maldonado
Fotografía Andrei Maldonado Ángel Meraz Fotografía Externa Cortesía Colaboradores Juan José Antuna Butaca del Cácaro César Díaz Ramos Portada Manuel Escareño
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Eric Eduarte Villa
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Contenido pag.
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Nirvana Paz... 11 Distinto Amanecer... 13 Fiestas de la Ciudad... 15 Cine Existencial... 19 Paterson... 23 La Butaca del Cácaro... 29 Mapa de Cineclubs... 31 Dolores del Río... 33 Heidy Cásarez... 37 Cine en Chile... 43 Alberto Cortez... 49 Elmer Mendoza... 53
NACE UNA NUEVA CELEBRACIÓN
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9° Festival del Nuevo Cine Mexicano
Nueve años alimentándonos del nuevo cine nacional por ANDREI MALDONADO
por ERIC EDUARTE VILLA foto CORTESÍA FCM
El verano se ha convertido en una sucursal del cine mexicano en la ciudad de Durango. Nuevamente la fiesta de un festival envolvió a los duranguenses, poco a poco va consolidándose un certamen único que celebra la cinematografía mexicana. Los museos y teatros de Durango hicieron una interrupción en sus actividades diarias de la puesta en escena, de los pinceles y los oleos para entregarnos por una semana la magia del cine.
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Desde hace cuatro años que Cinéfagos comenzó la cobertura del Festival; ha sido para la redacción el evento más importante que se ha cubierto. Cinco ediciones y siempre volvemos listos a la mesa de trabajo para dejar las crónicas que año con año encuentran en estas páginas.
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Y entonces llegó la novena del festival, que como se es costumbre paraliza a la comunidad cinematográfica de Durango para apreciar lo nuevo que nace en la industria cinematográfica de nuestro país, largometrajes, cortometrajes y la sección ya favorita de los cinéfilos y realizadores durangueños, "Hecho en Durango", donde vemos el crecimiento de los directores y directoras de la Tierra del Cine. acompañados por la también tradicional sección de cortometrajes nacionales.
Pero si de tradiciones se trata el festival representa la juventud que también desde su quinta edición el certamen adquirió el nombre de 'Nuevo', sí, el Nuevo Cine Mexicano, y en eso ha resaltado el grupo del Jurado Joven, características del festival que ya se quedarán para siempre.
Las exigencias vienen con cada nueva edición y siempre llegan actividades que le dan ese sentido de crecimiento al mismo festival, y en esta ocasión llegó una voz que dio crónica diaria al festival, la emisión de radio "Distinto Amenecer", nombre que hace homenaje a la película del cineasta duranguense Julio Bracho protagonizada por la actriz Andrea Palma, también originaria de Durango, y por el actor Pedro Armendariz. Y para fundar las transmisiones de radio qué mejor que el subdirector de radio UNAM el escritor y crítico de cine Carlos Narro.
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Ahora que si hablamos de cosas nuevas en el Festival fue curioso ver una película dentro de la competencia de largometrajes que se sitúa su historia y está filmada en Bosnia, pero a pesar de ello la película está escrita y dirigida por un mexicano, la producción también es mano de obra mexicana en conjunto con el país europeo: 3 Mujeres o despertando de mi sueño bosnio, del director Sergio Flores, la que se llevó el premio del Jurado Joven. Dentro de las innovaciones fue más que curioso ver la inauguración con una obra de teatro, que llevó al escenario del Teatro Victoria (sede del festival) el movimiento del Cerro de Mercado llevado a cabo en 1966 en Durango.
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Y uno de los puntos a favor fue llevar el festival al Centro de Readaptación Social (Cereso), donde personas privadas de su libertad pudieron apreciar un poco de aquello que les ha sido negado en su búsqueda por incorporarse a la sociedad hacia nueva y mejor vida. Desde su lugar de encarcelamiento lograron disfrutar de algunas de los largometrajes que estuvieron en competencia y no sólo eso, sino que tuvieron el honor de votar por su película favorita y otorgarle un galardón físico fabricado por ellos mismos a El Sueño del Mara’akame de Federico Cecchetti. De esa manera se contribuye más a su readaptación y culturización que es aquello que, rjunto con el arte, dan libertad y bienestar al hombre en este mundo.
EVENTOS ESPECIALES **Taller de Cine Guerrilla con Sebastian Hiriart **Estreno de la serie “La Revolución” **Proyección de la Red de Polos Audiovisuales **Homenaje al cineasta Hernando Name
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Dentro de los ganadores se encontraron El trato de la Mona Lisa de Xenia de la Rosa en la sección Hecho en Durango, que además otorgó mención honorífica a Guajiro de Juan José Hinojosa y El Supuesto final de toda supuesta historia de amor de Gerardo González Veloz; el premio del público fue otorgado a El Vigilante de Diego Ros, y el premio a mejor película se lo quedó Extraño pero Verdadero de Michel Lipkes, que además fue otorgado por el jurado de la crítica que, como en las últimas ediciones, deliberó en público, siendo esta modalidad única no solo en México, si no en prácticamente todos los festivals del mundo. La cuenta regresiva para la décima edición del festival está en marcha, las calles vuelven a estar en calma esperando una vez más recibir lo major del cine nacional y hacer una fiesta por ello. Y Cinéfagos estará ahí nuevamente para hacer crónica de tan memorable festejo.
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DISCURSO DE PREMIACIÓN DEL JURADO JOVEN PARA LA NOVENA EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE MEXICANO DE DURANGO Muy buena noche a todos los que nos acompañan a la ceremonia de clausura de la Novena Edición del Festival de Cine Mexicano de Durango. Somos jóvenes provenientes de Durango, Zacatecas, Coahuila, Sinaloa, Chihuahua, Ciudad de México y Michoacán y nos sentimos sumamente contentos y honrados por ser elegidos como Jurado Joven para otorgar el premio a uno de los largometrajes que formaron parte de la programación para este año.
Premiamos a la película que nos brinda la oportunidad de encontrarnos más allá de nuestras diferencias, a la imagen en movimiento que mantiene viva la belleza de la vida de una forma estética y sencilla, pero con un estilo propio y consolidado. Premiamos a la película que aviva en nosotros la empatía y la necesidad indómita de sabernos capaces de poder tomar una cámara y salir a realizar la mejor película de nuestra vida. Por hacernos pensar que el cine sólo se vive cuando se asume como un compromiso de vida, hemos decidido otorgar el premio del Jurado Joven a 3 Mujeres de Sergio Flores Thorija.
Como Jurado Joven hemos decidido otorgar el premio al largometraje que nos ha inspirado no sólo a pensar el cine de manera distinta, sino que nos ha motivado a creer que la paciencia y la disciplina son fundamentales para todo proceso creativo; además de que nos ha llevado a considerar como necesario el romper con las dificultades que representa la producción cinematográfica para poder concentrarse en la certeza de la claridad y pasión que el cine es capaz de despertar en nosotros.
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NIRVANA PAZ El arte de la cotidianidad
La cotidianidad llega a ser una cuestión aburrida, un andar sin sentir que cansa. Convierte a la vida en algo nefasto a lo que no se quiere pertenecer. Los pasos, las miradas de las personas cada día, el sistema de transporte colectivo de la Ciudad de México, transmiten la pesadez y el ritmo sin freno de una ciudad que parece no dormir. texto ERIC EDUARTE VILLA
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Pero cuando esa cotidianidad es reflejada en un espejo, en este caso en la lente de la fotógrafa mexicana Nirvana Paz, adquiere una transformación mágica y artística. Escaleras eléctricas, puertas de vagones que se abren y cierran automáticamente, túneles, gente subiendo y bajando, avanzando hacia la derecha y hacia la izquierda. Con filtros a las imágenes en blanco y negro que dan un toque más profundo a la realidad de esa cotidianidad no se puede dejar de pensar en Metrópolis de Fritz Lang, que de alguna manera contiene esa esencia de una ciudad pesada y agotadora.
Las secuencias grabadas por Nirvana con un IPhone le entrega vida a las personas y color a su travesía cotidiana y aparentemente sin sentido. Una normalidad que adquiere belleza, siendo ahora un bocadillo lleno de arte. Los viajes del Ojo no es una búsqueda hacia el descubrimiento del hilo negro del cine, es una película que de manera curiosa nos hace disfrutar aquello que pareciera no tener disfrute. Una mancha urbana en un ir y venir donde los usuarios sólo quieren llegar a su destino, queriendo olvidar el agobio de su viaje bajo tierra y el pequeño trabajo cinematográfico de Nirvana lo vuelve hermoso.
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DISTINTO AMANECER La voz del festival, la voz del nuevo cine mexicano texto ERIC EDUARTE VILLA foto ANDREI MALDONADO
Cada amanecer del festival se escuchó una crónica diaria de lo vivido el día anterior, un resumen y hasta crítica de cada una de las películas presentadas; largometrajes, cortometrajes y cualquier expresión cinematográfica realizada durante la jornada festivalera. “Distinto Amanecer”. Inspirado en una de las películas más emblemáticas del cineasta de origen duranguense Julio Bracho, la emisión y voz del festival llevó el título de la cinta mexicana filmada en 1943.
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Dirigidos por la voz del maestro Carlos Narro, cada día en uno de los recintos artísticos y culturales más importantes de Durango, el museo Francisco Villa, los invitados ofrecían a través de la radio el relato de cada uno de los eventos realizados. Siendo esta nueva actividad una manera para llevar el festival más allá de sus asistentes y haciéndose llegar hasta la capital del país. El Festival llegó a oídos de los radioescuchas de Radio Universidad (y Radio UNAM en Ciudad de México.
A la vez se tenía a los realizadores que habían presentado un día antes su película en el festival, entregando de esa manera una mayor difusión y conociendo más a fondo el trabajo de los nuevos cineastas mexicanos. “Distinto Amanecer” incluso fue la última actividad del festival, entregando una última emisión al día siguiente de la clausura. Una narración diaria por parte del maestro Narro, quien espera volver el próximo año. En caso que no fuera así, espera más que nada que las emisiones de radio diarias en el festival continúen y dejó ver que existen jóvenes que fácilmente pueden tomar las riendas en las crónicas de cada amanecer en el Festival.
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FIESTAS DE LA CIUDAD El cine presente en el 454 Aniversario por CINÉFAGOS foto CORTESÍA
En días recientes las Fiestas de la Ciudad por su 454 Aniversario de Fundación dieron fin a los 43 días de actividades culturales, deportivas y de entretenimiento, y en el caso del cine se tuvieron diversas actividades que involucraron la proyección de películas, la exhibición de espectáculos temáticos y la realización de cortometrajes.
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A través de la Dirección Municipal de Educación se llevó a los fraccionamientos Huizache, San José y Fidel Velázquez, así como a las colonias Tierra y Libertad, Universal e Hidalgo, películas como La Historia de Francisco Villa, Un jefe en pañales y El Libro de la Selva. Desde el 28 de junio hasta el 13 de julio, todos los días jueves y viernes a partir de las seis de la tarde, cientos de niñas y niños, así como adultos de las diferentes zonas de Durango, disfrutaron de diferentes historias a través del cine. Así mismo el "Viejo oeste" de John Wayne y de los hermanos Almada volvió a cobrar vida, ahora no sólo en los legendarios sets cinematográficos ubicados en Chupaderos, sino en diferentes lugares del municipio, donde chicos y grandes gozaron las historias entre el humor que caracteriza a estos integrantes del show más visitado en Durango a lo largo del año. Hombres a caballo, apaches y pistoleros han tomado las calles de Durango al estilo "Villas del Oeste”, pero con diferentes locaciones las cuales han sido funciones itinerantes. Este espectáculo, mismo que fue gratuito, se presentó en la Plaza IV Centenario, el poblado El Conejo, el fraccionamiento Villas del Guadiana y el poblado 5 de mayo.
texto ANDREI MALDONADO foto ANDREI MALDONADO ERIC EDUARTE VILLA
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De igual manera la Cineteca de Durango, perteneciente al Instituto Municipal del Arte y la Cultura (IMAC), llevó a cabo el Concurso de Cortometraje Rally Cine en 72 horas. Juan Antonio de la Riva, director de la Cineteca, comentó que se inscribieron 12 grupos y terminaron 10 de ellos, dos por razones de diferente índole no alcanzaron a llegar a la hora establecida y finalmente de estos 10 el jurado calificador decidió premiar a tres y dar una mención especial. Los ganadores fueron en primer lugar La cuarta puerta de Elías Ramos; segundo lugar En el camino, de Juan José Hinojosa, y el tercer lugar Mi papá es John Wayne de Armando Oropeza. La mención especial del jurado, que estuvo conformado por la productora Libertad Salgado, la cineasta Denise Barreto, el crítico Iván Delhumeau y el director del Cineclub Universitario Luis Abel Chávez, fue para el cortometraje La señora de las almas de Mónica Berenisse Barraza y Jacobo Guajardo Carrillo. “Creo que todos tienen un buen nivel de trabajo, los diez cortometrajes. Realmente existe talento y la voluntad creativa, y particularmente en los que ganaron, creo que la presión de realizar un cortometraje en un lapso determinado de tiempo hace que la creatividad se eleve y se encuentran soluciones prácticas y creativas”, mencionó el maestro De la Riva.
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Alimentándonos del séptimo arte
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Cine Existencial Hombre, ser y cine por LUIS ABEL CHÁVEZ
El existencialismo filosófico ahonda en el mundo del cine a finales de la segunda mitad del siglo XX, posterior a la efervescencia del neorrealismo italiano. Estas corrientes filosóficas influyeron en muchas formas de expresión artística, pero encontraron en el cine una plataforma para su expansión en las masas.
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El existencialismo es un movimiento filosófico que se originó entre el siglo XIX y XX. Esta corriente se enfocaba en el estudio de la condición humana, las emociones, el compromiso individual y la libertad. El existencialismo le devolvió al hombre su papel como individuo, colocándolo en el medio de la reflexión filosófica y distinguiéndolo como un ser sin ataduras y totalmente autoconsciente. Su enfoque se centra en la existencia propia del hombre, de su ser, y en la búsqueda de soluciones a los problemas del hombre. En el cine italiano se puede observar la preocupación social, por lo que se enfoca en la relación entre hombres, su comunicación y sobre los sentimientos frente al modelo social y económico. Ocho y Medio, la obra cumbre de Federico Fellini, muestra el existencialismo con un fuerte matiz psicológico. Es una catarsis visual en la cual se suscita una preocupación existencial artística de sí mismo; es la encrucijada interior al cuestionarse si sabía lo que traía entre manos y si tenía algo qué decir. Después del rotundo éxito de la película La dolce vita, el realizador se enfrentaba a una presión por los rumores de que ya no tenía ideas. Así en algunos diálogos de Ocho y medio pueden leerse frases como: “Tú ya no eres el de antes ¿una crisis de inspiración?, ¿y si fuera la caída final de un cochino farsante sin olfato ni talento?”.
Se puede decir que Ocho y medio es la ruptura de Fellini con el neorrealismo al presentar esta realización prácticamente autobiográfica. En esta película vemos el cine dentro del cine, en la cual el protagonista se ve bajo presión de todos los personajes que quieren salir beneficiados, por lo que el director escapa para adentrarse en sí mismo. Esta sin embargo se convirtió en una moda del cine de la época: cine de auto-reflexión, introspectivo; sin embargo Ocho y medio se convirtió en una de las más extremadamente personales. El lugar de donde proceden los directores también influye en la forma en que abordan las temáticas existenciales; al ser la religión luterana predominante en Suecia, en El séptimo sello, Bergman aborda el tema de la religiosidad, el sentido de la vida, el más allá de la muerte y el silencio de Dios. Ambientada en la Suecia medieval, la historia se acompaña frecuentemente de imágenes religiosas, además en el desarrollo de los diálogos está presente el juego contra la muerte, que es el tema central de este filme. Por otro lado el director italiano Michelangelo Antonioni, quien debido a la región de dónde provenía se vio influenciado por los paisajes rurales, la niebla, la soledad y la incomunicación, aspectos que se ven plasmados en su obra.
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“Toda obra de arte adquiere un valor social en su contacto con el público; es decir que promueve y determina ciertas corrientes concretas e ideológicas, ciertas agitaciones de opiniones y de humores que nunca permanecen estériles, sino que fermentan fuertemente en la masa heterogénea de los factores sociales como anticipaciones ideales de la historia próxima”. Para una mayor comprensión de los filmes hay que conocer el contexto socio-histórico en el que fueron realizados; así en películas como El último tango en París (Bernardo Betolucci, 1972), Francia, Italia y España se vieron sacudidas en los años setentas por las revueltas de estudiantes y trabajadores. Por ende se integran diversos elementos sociales, que al momento de apreciar la obra se percibe una situación muy dramática por esos años de agitación.
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Para Dolores Cabrera Déniz la iluminación juega un papel fundamental en la obra de Bertolucci: “Recurre al claroscuro en las escenas de mayor dramatismo y haciendo uso de escenarios oscuros, que contrapone a amplios espacios luminosos en representación de las vidas opuestas de los protagonistas”. Y es precisamente una de las aportaciones de esta corriente al cine mundial. Al hablar de las cualidades estéticas de iluminación de este filme nos remite a las pinturas del pintor italiano Caravaggio; los claroscuros y las composiciones en sus obras de arte que inspiran a cineastas para luego ser replicados en las obras cinematográficas.
Así la influencia de esas corrientes filosóficas crearon un concepto de estética visual y contenidos psicológicos que continúa hasta el cine de nuestros días y que podemos apreciar en los filmes de realizadores como: Lars von Trier, Woody Allen, Andrei Tarkovsky, Cristopher Nolan, Jaco van Dormael, por mencionar algunos. En filmes de estos cineastas se incluyen temas filosóficos como la muerte, la injusticia, la naturaleza de nuestras acciones, y se exploran los confines de la experiencia humana. Recientemente el cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu en la película Birdman abordó fuertemente ese concepto existencialista, donde el personaje principal busca salir del encasillamiento como actor, para consolidar su esencia y llenar de sentido su vida.
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#ProduccionesLaViejaEscuelaPresenta
Ese cine de autor tan necesario para sobrevivir
por JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ
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Si de algo se ha encargado esta
Pero esta ocasión el cineclub en el
revista, ademas de alimentarnos del
que vi esta película era de ensueño,
séptimo arte, es de mostrarnos la
un lugar al aire libre con un enorme
importancia de los cineclubes en la
árbol en el patio, cayéndonos el
vida de un cinéfilo, de un cinéfago, al
atardecer y mirando altas palmeras a
tener a sus dos fundadores dentro del
lo lejos y con una pantalla que
circuito interno de lo que es un
parecía estar viva, no hacían más
cineclub,
que hipnotizar al espectador, algo
tanto
como
fundadores,
ponentes, y espectadores, por lo que
que
hablar de la importancia de estos
distribuidoras nacionales no pueden
espacios es un poco redundante en
brindarte.
esta ocasión, pero de lo que sí les quiero hablar es de una película que vi en uno de estos espacios y que recae muy bien en la finalidad que tienen
los
cineclubes
según
su
servidor.
los
grandes
cines
de
las
La película en cuestión de la que les quiero hablar es el más reciente trabajo del cineasta Jim Jarmusch, Paterson. La sinopsis breve que les podría dar de la película es que trata de una semana dentro de la vida de
Para empezar les comento que he
Paterson, un joven conductor de
estado en muchos cineclubes y salas
transporte público en la pequeña
de cine alternativas, he visto películas
ciudad de Paterson, New Jersey, el
en estos lugares que de otro modo no
cual es un admirador de William
hubiera
pantalla
Carlos Williams y le gusta escribir
grande, y digo, siempre existe la
poesía sobre su vida cotidiana de
opción de verla en un sitio de
este lugar, lo que pasa cada día, lo
streaming, pero no te da la misma
que ve cada día, lo que escucha cada
sensación que si la ves a lo grande,
día, mientras escribe a la par un
lugares donde puedes beber café,
poema de amor para el amor de su
una cerveza, una copa de vino y
vida, y ya; de eso va la película, pero
charlar
solo en la forma, porque en el fondo
podido
y
ver
escuchar
en
a
personas
desconocidas por minutos que al
esta película es mucho más.
igual que tu aman el cine como arte.
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Antes que todo quizá sea pertinente
plagada de cosas que ya hemos visto
comentarles que esta película se
del mismo director, la forma como las
exhibió el año pasado dentro de la
plantea es lo que hace valioso este
selección
de
trabajo. Un trabajo contemplativo,
Cannes, y eso no es casualidad, de
lleno de detalles, donde la fotografía
hecho, para profundizar aún más y
juega un rol más que importante.
oficial
del
Festival
sólo como comentario general, creo que no es casualidad el hecho de que el Festival de Cannes exhiba este tipo de películas y las de a conocer al mundo en el mes de mayo, un mes antes
de
que
empiece
la
tan
tormentosa temporada de verano del cine hollywoodense que, aunque sin generalizar, nos quita más de lo que nos deja.
tan profundamente la trama de la película más que la pequeña reseña ya realizada, ni indagar tanto en el cine de Jarmusch, del cual tampoco conozco todo a profundidad y del cual ya les comentaré algo en próximos números, hablemos en cuestión sólo del trabajo dentro de esta película. película
también podemos ver su amor por la música, su amor por las charlas sin sentido con todo el sentido del mundo, su amor por los silencios, por el blanco y negro (hay más de un guiño sobre este tema y en concreto hacia su cinta Coffee and Cigarettes)
está
plagada
por la poesía. Y es que la poesía acá está en todos lados,
literalmente
"se
respira
poesía", pero no es una poesía de otro mundo, no nos lleva a volar ni es fantasiosa
ni
mucho
menos
pretenciosa, es poesía que uno ve todos los días y no ve, al despertar, al ir a trabajar, al ver gemelos, al
de
platicar de lo que soñamos, de cómo
referencias y pestañeos a lo que ha
asociamos una caja de fósforos con
sido el cine de Jarmusch desde
la dualidad.
siempre, y aunque uno podría pensar qué caso tiene ver una película
25
Jarmusch el elenco es minimalista,
y por sobre todas las cosas, su amor
Y como ya lo dije antes, sin comentar
La
Como en todas las películas de
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Vemos cómo en una semana en la vida de Paterson, que pareciera todos los días pasa lo mismo, nada pasa igual. Este personaje que fácilmente se podría identificar con el mismo Jarmusch, al cual no le llama la atención
ni
la
fama,
ni
el
reconocimiento, que ve el muro de las grandes celebridades que han nacido o pisado Paterson. Aunque sabe que él podría estar ahí, eso no le quita el sueño, él sólo gusta de disfrutar la música en ese lugar justo después de dar un paseo con Marvin y las charlas que se suscitan y nacen ahí mientras bebe y ve su tarro de cerveza.
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Como
pequeño
les
Hay montones de situaciones que se
está
podrían ir al lado cómodo para darle
dedicada al perro que interpreta a
más ritmo a la película, caer en
Marvin, quizá otro pequeño spoiler
clichés
seria la referencia a otro cineasta
Jarmusch tiene muy claro desde un
independiente y del cual sí conozco
inicio lo que nos quiere decir y a eso
un poco más como lo es Wes
me refiero cuando digo el fondo. El
Anderson, al mostrarnos a la pareja
final no se siente vacío como en otras
de niños de Moonrise Kingdom ya
películas muy profundas que nos
grandes teniendo una charla en el
entregan algo tan incoherente para
autobús preguntándose si serán los
comentar. Esta película termina y
únicos anarquistas que quedan en
termina, como diría Shakespeare, ni
Paterson.
ahí es pretencioso Jarmusch ni cae
comentaré
que
spoiler la
sólo
película
Este hombre podría publicar sus
propios
del
cine,
pero
en el cliché.
poemas, pero no le interesa, a él sólo
Paterson es una de esas películas
le importa escribir para la mujer que
que te hacen sentir feliz y pleno
los inspira, una mujer un tanto
cuando acabas de verlas, porque te
complicada pero que la ama. Un
hacen apreciar más las cosas que
hombre sin teléfono celular pues el
pasan frente de ti y antes veías tan
mundo ya funcionaba antes de estos,
comunes. Una película contemplativa,
un
de
un cine que probablemente no sea
reconocerse a sí mismo en una niña
para todos los gustos, por eso sólo la
de 10 años. Y así podría seguir
verás en lugares como un cineclub,
hablando de este personaje que es
lugares tan necesarios para que el
Paterson, porque toda la película gira
arte y su esencia puedan sobrevivir.
hombre
que
es
capaz
alrededor de él, de su percepción en todas las cosas, en el tiempo, en su mirada, en su pluma, su cuaderno secreto y sus letras.
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29
L A B U T A C A D E L C Á C A R O 30
M A P A
1
2
D E 3
C I N E C L U B S 31
4
CINECLUBS DURANGO 1. Corazón de Villa Café
Funciones Martes 21:00 Gratuito con consumo 2. Cineteca de Durango Sala Silvestre Revueltas Funciones de Martes a Domingo 16:30 18:45 21:00 $17.00 Dulcería 3. Cineclub Universitario
Funciones Jueves y Viernes 19:00hrs Gratuito 3. Cineteca de Durango Sala Diana Bracho Funciones Programadas Horarios según grupo Museo de la Ciudad 450
5
5. Cineclub CEPCOD
Funciones: Viernes 18:00hrs $50.00 Cine Debate
Alimentándonos del séptimo arte
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DOLORES DEL RÍO EL LEGADO Y EL OLVIDO texto y fotografía ANDREI MALDONADO
La figura de Dolores del Río es una de las más emblemáticas del cine mexicano. En vida recibió múltiples homenajes en su ciudad natal, mismos que ella correspondió abriendo espacios públicos para el arte, la cultura y el cine en Durango. Sin embargo las más recientes administraciones estatales y municipales se han olvidado de difundir su trabajo entre los propios duranguenses.
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En el marco del aniversario 113 del natalicio de María de los Dolores Asúnsolo y López Negrete, mejor conocida como Dolores del Río, el cronista e historiador de la ciudad, Javier Guerrero Romero, comentó que si bien en vida fueron muchos los homenajes que se hicieron a la actriz, como darle su nombre al bulevar donde antes era la Acequia Grande, al día de hoy no hay interés en difundir su obra por parte de ningún gobierno. Ninguna política pública al respecto de ella.
Recordó que a pesar de que sólo una de sus películas se filmó en tierra duranguense (La Cucaracha, al lado de la otra diva de México María Félix) Dolores visitaba constantemente la ciudad y en cada ocasión gestionaba recursos para abrir espacios como fue el Ágora Casa de la Cultura, edificio que fue donado por iniciativa suya y del entonces secretario de Cinematografía Francisco Canales, al igual que la remodelación del Teatro Victoria que había fungido como cine. Por ello fueron varias las ocasiones que se intentó regalarle a la diva un museo en su honor con artículos personales que ella misma donó durante el sexenio de Héctor Mayagoitia, sin embargo en la gestión de Armando del Castillo eso se vino atrás y Dolores falleció, por lo que ni de sus prendas ni del museo quedaron rastro, solamente una exposición en las antiguas instalaciones de la Feria llevó su nombre, y otra en calle Gómez Palacio que fue la primer sede de la Cineteca. Posteriormente, durante el gobierno de Maximiliano Silerio Díaz, se crearon dos museos del cine, uno en dónde hoy se encuentran las oficinas de la secretaría de Turismo en el Barrio del Calvario, el cual era temático y tenía un camerino que replicaba el de Dolores; y el otro ubicado en el actual Centro Cultural y de Convenciones Bicentenario, el cual tenía toda una sala dedicada al legado cinematográfico de varios personajes, mayormente Dolores y John Wayne.
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Lamentablemente ambos museos desaparecieron y hoy en día el único que exhibe algo de Dolores, aunque muy poco, es el Museo de la Ciudad, por lo que se habla de dos sexenios y cuatro administraciones municipales que no le han dado el peso correspondiente a su figura, más allá de mencionarla dentro de campañas de turismo, los homenajes luctuosos y de natalicio de cada año en la estatua en su honor, además de una estrella en corredor Constitución. Guerrero Romero indicó que incluso la casa donde vivió se encuentra en el abandono, en pleno Centro Histórico, cuando podría ser la sede de la propia escuela de cine que tanto se ha demandado por los duranguenses; “lo mismo pasa con su casa de verano, una hacienda que quedó derruida y que podía ser parte de un atractivo mayor. Hoy en día no existe política pública dedicada a reconocer su obra. Todavía es muy buen tiempo para retomar su legado”.
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Heidy Cásarez
ALIMENTAR EL ALMA CON CINE texto y fotografía ANDREI MALDONADO
Conocí a Heidy Cásarez un 17 de junio de 2011, hace poco más de seis años ¿Por qué memoricé la fecha? Porque ella fue quizá la primera persona que me enseñó a entender el cine como un ser pensante, deseante, amante. Un ente de vida el cual nos alimenta y a su vez hay que alimentarlo. Porque ese día, en medio de un seminario de arte, aprendí de Tornatore, de Wells, de Lynch, de Kubrick y de Hitchcock. Aprendí a ser un cinéfago.
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Heidy Cásarez es licenciada en Letras, máster en Filosofía e Historia de las Ideas, con estudios especializados en cine (guion, dirección de arte y producción) así como en arte moderno y contemporáneo, lo que le permite desenvolverse en la cátedra cinematográfica desde la perspectiva de la literatura, las bellas artes y la filosofía, con una sensibilidad especial hacia la constitución sonora de las películas, aunque más bien de la vida misma.
Ex directora de Cineteca Zacatecas, se ha desempeñado de forma extraordinaria como catedrática, pero también como creadora multidisciplinaria. Se ha dedicado por igual a los performance como a la literatura por medio de la poesía, la cual ha extendido hacia la música; y la narrativa, donde ha recibido reconocimientos por sus creaciones que, dicho sea de paso, le han servido de excusa para crear guiones cinematográficos y conceptos musicales.
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Otra área en la que se ha desempeñado fluidamente ha sido la curaduría de muestras cinematográficas y exposiciones visuales, la crítica, la comunicación social, el periodismo. Ha dejado presente su trabajo en nuestro (y suyo también) Durango, así como en Zacatecas, Aguascalientes, Ciudad de México, entre muchas otras ciudades del país y en naciones como Venezuela, Cuba, Colombia, Chile y Argentina, sólo por mencionar algunas. Hablar de ella a través de trabajos destacados lo considero tratar de condesar lo inmenso en lo mínimo, sin embargo destaco por sobre todo su cuento “Ojos que se van, que no regresan”, mismo que posteriormente se convirtió en el guion de “Debieron ser los cuervos”, ambicioso proyecto cinematográfico; así mismo su trabajo literario para “Insaboro sosiego de la misma luna”, de Ziguryha, y “Pequeñas Hiroshimas” de A Shelter in the Desert. Pero este trabajo no trata ser una semblanza o un mero currículum profesional. Intenta ser un pequeño homenaje a una de las personas responsables en forjar en mí el gusto por el cine. A través de sus enseñanzas he conocido películas, cineastas, músicos, escritores, paisajes y personas que seguramente sin ella no hubiera conocido. Sin ella estaría lejos de intentar hacer cine,
no habría creado una muestra fílmica y esta revista tampoco existiría. Pensé durante mucho tiempo rendirle un debido homenaje en Cinéfagos (término que ella mismo me enseñó), pues a través de la pantalla ya lo hice –o al menos lo intenté- por medio del cortometraje Cenicienta Rota (2013), el cual es una adaptación de un texto suyo homónimo publicado hace algunos años en la revista Grita Fuerte en la Ciudad de México, el cual sin duda alguna forma un antes y un después en mis intentos por hacer eso que llaman cine. Claro que podía hacerse por medio de la manera más sencilla, una entrevista, pero creo que lo sencillo no se me da muy bien ¿O será que simplemente me gusta complicarme la vida? La verdad es que quería hacer evidente que si el público espectador en una sala o los lectores de esta edición en algún momento reconocen en mí algo digno de mencionar sepan que nada de eso me pertenece, pues se lo debo entero a sus lecciones no de cine, de vida. Para no hacer demasiado extenso este relato y empezar a perderme en ideas que fluctúan más rápido que mis dedos frente al teclado cerraré esta pequeña reseña reconociendo la enorme trayectoria de Heidy Cásarez, su gran capacidad e inteligencia y su inconmensurable talento, pero ante todo su calidad humana.
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De visita en Chile
CINE AL SUR DEL CONTINENTE texto y fotografía ANDREI MALDONADO
Durante años mis sueños estuvieron puestos en el sur. Por una inexplicable razón desde niño soñé con conocer un país largo, delgado, rodeado por el océano y las montañas, donde conviven perfectamente tanto el glaciar como el desierto. Me refiero a Chile, nación que comencé a admirar por la música de La Ley –la cual ha formado parte del soundtrack de mi vida- y que posteriormente se le sumó la poesía de Neruda, Nicanor y Mistral, la majestuosa voz de Violeta, la música de tantas bandas como Los Prisioneros, Lucybell, Saiko, Los Tres, entre otros.
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Poco a poco me fui empapando de su historia. Me estremece hasta ahora los hechos que sacudieron a miles de chilenos el 11 de septiembre de 1973, cuando el ejército de Pinochet atacó La Moneda consumando así el golpe militar contra el presidente Salvador Allende. Me fascinó como el país recuperó la democracia y construyó un modelo de prosperidad digno de imitarse en toda América. Y entre todo ese enamoramiento que incluyó la gastronomía, las costumbres y su forma de hablar se entremetió en mí también la cinematografía chilena.
Películas como Fuga –que dio inicio a mi afición por el cine de Pablo Larraín-, La vida en el espejo, Julio comienza en Julio, Mi mejor enemigo, La vida de los peces, En la cama, Sangre eterna, Qué pena tu vida, entre muchas otras, me dieron elementos que he integrado a mi propia labor fílmica. Conocer este año a Miguel Littín únicamente lo confirmó he hizo que el sueño de toda una vida tomara un rumbo especial: aprovecharía un viaje a tierras andinas para filmar los lugares que visitara y los integraría a mi próximo trabajo documental: Deriva. Fue así como por fin ocurrió lo tan deseado: viajé a Santiago de Chile, ciudad de la cual memoricé los sitios que terminé visitando: el magnífico cerro San Cristóbal con su funicular y el teleférico, que permiten una gran vista de la cordillera eternamente nevada mientras se sobrevuela el enorme Parque Metropolitano. También conocí el cerro Santa Lucía con el Castillo Hidalgo desde donde se ven los altísimos edificios que pueblan la ciudad. A sus faldas el barrio Lastarria donde se haya la Tienda Nacional, sede de libros, música y películas chilenas.
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No iba a desaprovechar la visita y dejar de asistir a las salas de cine de arte, por lo que muy cerca de ahí tuve mi primer encuentro con una de ellas. Se trataba del Cine Arte Alameda, un par de salas distribuidas de forma muy peculiar. A la sala dos, donde ingresé a ver Poesía Sin Fin, de Alejandro Jodorowsky, únicamente se accede a través de un puente colgante y su interior, muy pequeño, asemeja más a un bunker que a una sala de cine y que además cuenta con cafetería y espacio para otras expresiones artísticas como la danza aérea con telas.
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Durante mi recorrido por las calles de Santiago me topé con un par de chicos disfrazados del Xenomorfo y del Depredador, con los que no dudé en retratarme ya que se encontraba en vísperas de su estreno la cinta Alien Covenant. Por debajo de la Plaza de La Ciudadanía, en el sótano del Palacio de La Moneda, encontré la Cineteca Nacional, y calles más abajo, por el Paseo Bulnes, el Cine Arte Normandie, bellísimos espacios en donde la agenda no me permitió regresar para poder presenciar en ellos alguna película, cosas de horarios.
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A donde sí volví fue al Barrio Lastarria, sólo para entrar a El Biógrafo, una sala sumamente única pues en muy poco terreno puede albergar a un buen número de asistentes en una sala que pareciera más un mini teatro y en donde pude apreciar la cinta inglesa 45 Años. Y como no puede faltar conocer las salas comerciales asistí al Cine Hoyts de Paseo San Agustín, en el centro, que dicho sea de paso pertenece a Cinépolis. Ahí, acompañado de unos nachos llamados “Pancho Villa”, pude disfrutar de Una mujer fantástica, del chileno Sebastián Lelio. El resto del recorrido santiaguino incluyó, en Lastarria, el encuentro con una exposición única de bocetos y dibujos originales del cortometraje Historia de un Oso, primera producción chilena que gana un Oscar. La exposición, ubicada en la galería de arte “Plop!”, presentaba el trabajo de Gabriel Osorio, director, y Antonia Herrera, encargada del arte, que los llevó a hacer historia. Para mi propio trabajo documental visité otros sitios y tuve tiempo de asistir al bar Pacto para conocer a los integrantes de Saiko durante un concierto íntimo y acústico. Finalicé la aventura en tierras chilenas con un viaje exprés a Viña del Mar y Valparaíso, dos sitios mágicos que también retraté y de los cuales me llevo muy buena experiencia, aunque mi corazón será.
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+ cultura alimentándonos del séptimo arte
Les presentamos CINÉFAGOS+cultura, un nuevo concepto que incluye notas y entrevistas especiales acerca del acontecer artístico en la música, la literatura, el teatro y todas las bellas artes, porque #NoTodoEsCine
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‘Siempre habrá cosas simples’
ALBERTO CORTEZ texto ANDREI MALDONADO fotografía ÁNGEL MERAZ
“Durango forma parte especial de la infancia de todos aquellos que hemos visto películas de Cowboys”. Así es como Alberto Cortez, el gran cantautor de las cosas simples, se presentó ante los medios hace casi un año ¿por qué lo relato hasta ahora? No lo sé. Lo cierto es que al recordar cómo el gran maestro se cautivó ante un niño que casi cae al agua en el hotel donde se efectuaba la rueda de prensa no pude hacer otra cosa que darme a la tarea de recuperar el audio que resguardaba las preguntas que pude hacerle en octubre de 2016 previo a su presentación en el Festival Revueltas.
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Maestro, usted es conocido como el ´cantautor de las cosas simples’ ¿cree que todavía hay cosas simples a las cuales cantarles en un mundo donde persiste la injusticia y la violencia? No crea que todo es así, así nos lo plantea ese bicho prejuicioso que es la televisión, dicho esto como en broma en el sentido de que nos informa de tantas cosas que nunca nos habían informado que hace resaltar lo negativo que pasa en lugares tan distantes. Por supuesto que siempre habrá a qué cantarle ¿usted vio al niñito que casi cae al agua? ¡Cómo no cantarle a eso! ¿Hay algo más importante que esa criatura en este momento para los que creemos en la vida y la humanidad? Ese niño será un día como nosotros, grande, y tendrá la oportunidad de desarrollarse con lo mejor que él tenga. Las cosas simples están siempre ahí. A mí, cierto es como usted dice, me llaman el cantautor de las cosas simples, pero también son cosas simples las que canta Serrat y tantos otros como Bob Dylan, que le han dado un Nobel por esas cosas simples.
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¿Y usted qué opina de que sea reconocido a un cantautor con un Nobel de literatura? Bueno, yo no soy sueco (ríe), no participé en la votación, a mí me parece un hecho insólito ¿usted sabe cuántas personas fueron nominadas a un premio Nobel de la paz? Yasser Arafat, que fue vinculado a células terroristas, tenía un premio de la paz y muchos otros que fueron gestores y autores de cosas que no eran precisamente buenas ni aumentaban el valor de nuestra cultura. Henry Kissinger, otro. Yo le hubiera dado el Nobel de la paz a Bob Dylan, mucho más que el de literatura, que no es muy extensa. Su imaginación para la música ha sido importante para mejorar la conducta de las personas, creo yo. ¿Se ha terminado el romanticismo en la música? No, para nada, sigue estando ahí. Lástima que se nos ha ido un grande que aportó mucho en ese sentido, Juan Gabriel ¿qué sería de nosotros sin esos poetas que llevan el romanticismo como punta de flecha para atravesar la historia y el tiempo y mejorar la vida? Todos somos románticos ¿quién no se conmueve con un niño, como el de hace rato, o con un animal que nos demuestra todo el afecto que nos tiene?
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¿Tiene una canción favorita? La que a usted le guste más (risas). No, yo no tengo una canción favorita. Tengo la suerte de haber alcanzado un estilo, una forma de hacer música, y eso es más importante que una canción. Una canción es un accidente. A uno se le ocurre hacer, por ejemplo, una canción sobre una persona a la cual le mandas una rosa todos los días. Al final la carrera se hace con una colección de accidentes. Háblenos del respeto a la música y al público Los que trabajamos en la música, entre comillas, nos ganamos la vida con eso. Tenemos una casa, criamos a nuestras familias. Yo tengo respeto por todo lo que sea inherente al ser humano, y si el ser humano acepta que yo le proponga una canción y la gente la asume y la respeta a mí no me queda más que darles las gracias, ‘gracias a la vida que me ha dado tanto’, como decía Violeta Parra. Lamentablemente no hubo respeto a la vida de Facundo Cabral, mi entrañable amigo con el cual formaba un dueto único, con el cual compartía las comidas, las giras, los hoteles. Pero dos miserables balas le quitaron la vida, pero no le quitaron el alma. Esa sigue acompañándonos por siempre.
¿A qué atribuye que las canciones que llevan tanto tiempo acompañándolo sigan significando incluso a generaciones que nunca lo han visto en vivo? Es el respeto. Cuando yo escribo una canción no me conformo con que las cosas se digan de manera clara, sino que además lleven un signo de belleza. Hay canciones mías que todavía al ensayarlas me hacen llorar y es eso, que las escribí con tanta pasión que me hacen introducirme en ellas. ¿Qué más le queda por escribir, a qué le gustaría cantarle? Pensaría mejor ‘¿qué me queda por hacer?’. Por ejemplo cantar, que me gusta mucho. Sobrevivir, dormir y soñar. Porque eso es lo que no quiero que me abandone. Soñar es una especie de vivir en otra vida paralela a la que estamos viviendo, y yo sueño muchas cosas. Me gustaría que se tuviera en cuenta más a la gente que a los intereses políticos del mundo. Si así fuera no existirían niños muriendo aplastados por las bombas.
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ELMER MENDOZA El escritor y el detective por ANDREI MALDONADO
La novela policiaca y la novela negra no son géneros nuevos, pero sí poco explorados en la literatura mexicana. El escritor sinaloense Elmer Mendoza es uno de los que ha incursionado de mejor manera que ningún otro, y aprovechamos su más reciente visita a Durango para charlar sobre cómo se inició en el arte de las letras impresas. ¿Cuándo nació su interés por la literatura? ¿Cómo ha sido desarrollarla en un país donde hay poco fomento a la lectura?
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Creo que es algo genético. Un día, quizá por accidente, empecé a leer una novela, me gustó y seguí leyendo toda mi vida. Entonces resultó que tenía talento para escribir y comenzó el proceso de desarrollarlo, de practicarlo mucho, de escribir durante años, es lo que me ha llevado hasta acá. Y no importa el país donde viva, yo tengo que desarrollar mi vocación que es esa. Si tengo la suerte de tener lectores, pues qué bueno.
¿Cómo descubrió que la novela policiaca era su vocación? De eso no estoy muy seguro, porque en primer lugar leía novelas de aventuras, después policiacas y me gustó el papel del detective, que gana pero sufre, que no gana todas, que es solitario, que nunca se queda con la chica como el héroe tradicional, eso es lo que me hizo meterme en este género tan especial y tan exigente. ¿Qué parte de usted se queda en sus historias? Creo que mi tenacidad, mi deseo de escribir bien, de contar bien las historias, de hacer juegos originales, la intención de ser un escritor realmente diferente.
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¿Con qué se queda de todos estos años? ¿Qué experiencia es la más gratificante? La de ayudar a otros a que escriban un poco mejor de como lo hacen. Es una de las experiencias más ricas. No creo que los que asisten a un taller me enseñen, es al leer sus historias donde aprendo, y como he hecho muchísimos cursos en 20 años creo que he aprendido mucho de las otras personas que están escribiendo una novela. Háblenos de su última novela, “Besar al Detective” “Besar al Detective” es la cuarta novela de la saga del detective ‘Zurdo’ Mendieta que salió a finales de 2015 y ha ido ganando prestigio, ganando lectores. Me gustó presentarla en Durango al ser una ciudad muy próxima a de donde yo soy, Culiacán. Creo que hay muchas cosas que nos pasan en común y siempre que vengo de viaje o a trabajar me siento muy a gusto. El propio nombre de Durango me fascina y tengo afortunadamente muchos lectores aquí.
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¿Qué le hace falta a México para salir de ese marasmo de no leer? Creo que se debe dar una orientación adecuada de cuáles son los procesos de lectura y sabe cuál es el libro adecuado para cada uno, porque no porque un libro le guste a muchos le va a gustar a todos. Se cree que los maestros son quienes deben encargarse de eso, pero no todos los maestros leen. Nos toca a nosotros explorar eso y descubrirlo. Saber cuál es la literatura que me gusta y ahí buscar. Pero debe existir alguien que te impulse para que sepas que una lectura te puede cambiar la forma de ver el mundo, mientras eso no pase nunca te dará interés.
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