Cinéfagos - Número 34

No. 34 Jul-Ago. 2018 Edición Bimestral

Alimentándonos del séptimo arte

Krystian Ferrer Martha Higareda Jesús Ochoa Miguel Rodarte Angélica Aragón Damián Alcázar Humberto Busto Rafael Inclán Arcelia Ramírez Luis Felipe Tovar Ana Claudia Talancón Ignacio López Tarso Alfonso Arau Cassandra Ciangherotti Shane Vieau Iván Ávila Amat Escalante Marcelo Tobar Artemio Narro Luis Estrada

Juan Antonio de la Riva Jorge Ramírez Suárez Marcos Almada

Alejandro Pelayo Felipe Cazals Juan Carlos Rulfo

Alfonso Arau

Iván Ávila Miguel Littín Xabier Robles Hernando Name

Shane Vieau Claudia Ramírez Claudia Goytia Christina Michaus

#CineDesdeLaTierraDelCine

Editorial La función de los espacios culturales Muchas veces damos por hecho que las cosas, tal como las vivimos, han estado y estarán ahí siempre.

Personas, empleos, cosas, edificios se vuelven una parte más de nuestro diario vivir e ignoramos el principio básico de que todo en esta vida cambia, nada permanece. Como se diría científicamente las cosas no se crean ni se destruyen, sólo se transforman.

Es así que los espacios culturales a los que nos habituamos y pasamos por delante de ellos diciendo “bah, vendré mejor después” puede que un día simplemente ya no estén, o que su función original ya no se cumpla como tal porque el administrativo a su cargo fue remplazado o las políticas públicas de un gobierno nuevo no cuadran con lo que se venía haciendo.

Los cineclubs y cinetecas son espacios alternativos que destinan su tiempo de exhibición a películas de arte tanto nacionales como extranjeras, mismas que no encuentran espacio en salas comerciales o bien son clásicos que no toda la gente alcanzó a ver en la gran pantalla; además brindan espacio a creadores locales y albergan en ellos actividades paralelas como cursos y talleres.

Hoy en día, con la flexibilidad que han puesto de su parte autoridades gubernamentales a nivel federal como el Imcine o distribuidoras y exhibidoras a nivel nacional resulta

realmente incomprensible que las cinetecas y cineclubs exhiban cine comercial que acapara no solo las salas de cine sino también se encuentran disponible en línea, en DVD o en televisión abierta.

Es imprescindible que aquellos que están al frente de estos espacios conozcan la responsabilidad que tienen hacia un público ávido de buen cine de calidad, y que no se vayan por la fácil de programar películas que si bien tienen mucho contenido son ya un lugar común; también deben aprovechar sus audiencias para ofrecer cine-debates, charlas y talleres, especialmente a los jóvenes.

Desde hace treinta años Durango cuenta con el cineclub Universitario de la UJED, el cual ha sobrevivido incluso al desinterés de algunos de los rectores de la máxima casa de estudios, y desde hace 20 años de una Cineteca como pocas ciudades tienen, en una auténtica sala de cine.

Otros esfuerzos han surgido en distintos cafés refrendando la naturaleza cinéfila de la ciudad.

No echemos por la borda todo el esfuerzo y los largos años de experiencia que se tienen y rescatemos estos espacios para que cumplan con su objetivo: ser una ventana para el verdadero cine. En el público está la responsabilidad de demandar más de aquellos espacios que sean administrados por el gobierno, pues estos funcionan con nuestros impuestos.

Andrei Maldonado

DIRECTORIO Director General Andrei Maldonado Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa

Fotografía Andrei Maldonado Joshael Rojas S. Fotografía Externa Cortesía Colaboradores Joshael Rojas Juan José Antuna Héctor Preciado Guillermo Rocha Luis Abel Chávez Mario Bermúdez Nitiza Ruiz Zapatero Ulises Flores Diseño Andrei Maldonado

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DAMIÁN ALCÁZAR pag.

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Contenido Miguel Rodarte... 9 Hermanos Burciaga... 15 Día del Cine Mexicano... 19 Galerías... 20 Fenadu 2018... 21 Galerías... 25 Cineteca Zacatecas... 27 Galerías... 29 Neorrealismo... 31 Wong War Wai... 37 Descubriendo a Morrisey... 43 No todo es cine... 45

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DAMIÁN ALCÁZAR

SER GENEROSO, ANTE TODO texto ANDREI MALDONADO fotografía CORTESÍA

Para entender el cine mexicano de los últimos treinta años es necesario conocer quiénes han sido sus protagonistas, quiénes han estado detrás de la cámara y delante de ella, quiénes han contribuido desde sus trincheras para formar eso que llamamos el nuevo cine mexicano.

Uno de los nombres que no pueden faltar en la lista de responsables de construir el imaginario del cine nacional es sin duda Damián Alcázar.

Hombre sencillo, humilde, sumamente comprometido con la actuación, el cine y las causas sociales.

En Durango estuvo presente para ser parte de la planta docente del Centro de Cinematografía y Actuación Dolores del Río y aprovechamos para conversar con él sobre el séptimo arte, los cambios sociales y la vida.

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¿Para ti qué es la actuación?

Es un asunto personal, el cine se hace en grupo pero con el esfuerzo personal y creativo de los individuos.

Para mí actuar es darle voz a los que no la tienen. De pronto puedo ser el campesino que puede ser escuchado en una película con su historia.

Puedo ser un obrero que se las ve difíciles para mantener a su familia con 80 pesitos con los que paga renta y transporte.

Tengo voz para hablar en nombre de ellos y eso es lo más importante para mí. Lo tienes en cada película como en cada obra de teatro. Tienes que investigar en qué momento se está contando esa historia, eso quiere decir que tengo que saber qué pasa en el marco histórico y social del momento, así haga yo a Shakespeare o Carballido o una película.

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Aquí en Durango hice Chicogrande, que pasaba en la época cuando Francisco Villa andaba en la sierra solo, herido, mientras era perseguido punitivamente por los Estados Unidos ¿qué pasaba en esa época? ¿Cómo era la historia, qué buscaba ese hombre? Buscaba la mejora de los pobres, con la intuición de ser un mexicano que le importaba su gente.

Todo eso te permite tener una conciencia, no puedes escapar, debes tener una conciencia de lo que vas entendiendo. Eso es actuar, y en el asunto técnico es darle vida a un personaje que no existe, que está escrito y tú como actor le das vida, ahora existe, respira, siente y piensa.

¿Qué responsabilidad tenemos quienes nos dedicamos al audiovisual (actores, realizadores) en una época altamente consumista?

No hay exactamente una responsabilidad más allá de hacerlo muy bien. La pregunta es individual también. No podemos decir que todas las películas o documentales tienen que tener una conciencia social, hay para todos. Lo que sí es que las nuevas generaciones normalmente hablan de lo que está ocurriendo en su entorno porque es lo más cercano que tenemos y es lo más cercano que queremos conocer.

La ficción es una cosa bien rara, muy particular que solo algunos realizadores logran hacerlo bien y la mayoría habla de su familia, de su barrio, de su ciudad, y eso habla de un conocimiento de su contexto. Lo que vemos son propuestas bien interesantes porque tienen que ver con la realidad de todos. Eso es en lo general, pero el artista puede hacer lo que quiera, sólo que lo haga muy bien. Al público hay que hacer que lo disfrute, que se emocione y principalmente que reflexione. ¿Por qué es importante descentralizar el cine en este país?

Es importante descentralizar todo. No es posible que la gente que está interesada en cierto tópico tenga que irse a la Ciudad de México. En los países de verdad, de avanzada, con

una historia democrática de años, no se centralizan las cosas. El cine estaría genial que estuviera aquí en Durango, tienen las mejores locaciones y la mejor gente, que tendría más condiciones para mejorar su calidad de vida.

El cine vale la pena sacarlo de la Ciudad de México porque además es una ciudad caótica, con muchísima gente. Las personas que van a trabajar y se encuentran con que la calle está cerrada por camiones de filmación ya están hasta el gorro. Ya no quieren que haya cine en la Ciudad de México, hay que salirse. ¿Por qué es importante generoso en esta profesión?

ser

Es importante ser generoso en la vida, en cualquier profesión. Si yo fuera dentista haría el mejor trabajo al mejor precio. Si yo fuera presidente municipal de una ciudad como Durango haría todo lo mejor para que los habitantes tuvieran espacios agradables, que los jóvenes tuvieran dónde crecer como los futuros adultos y que los turistas pudieran pasear y, como en Berlín y Ámsterdam, hubiera lugares donde pudieran echarse su ‘meadita’ (risas), eso sería útil para nuestros policías y obreros. En fin, hay que ser generoso en la vida, siempre. La mezquindad no da nada más que tristeza, rencores y violencia.

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Háblanos un poco de La Ley de Herodes La primera vez que leí el guion le dije al director ‘nos van a meter la cárcel’ (risas) él sacó la Constitución y me dijo ‘no nos van a meter a la cárcel’.

Hicimos la película y sí, fue un parteaguas en el cine mexicano hace 20 años. Luego hicimos otra película, y otra, todas en pro de mejorar la vida de todos los mexicanos. Había que romper esa estructura férrea del poder absoluto para hacer la vida más estable, y uno hace lo posible desde su trinchera.

Terminamos la película y luego luego quisieron detenerla. Estábamos en Acapulco en el Festival de Cine Francés y el director, que era francés, nos dijo que la película no iba en la programación. Supe que eso era censura y entonces empecé a escribir, porque soy medio guarro y si hablaba empezaba a soltar picardías (risas).

El día de la inauguración presentaron todas las películas, en otras dos iba yo como actor, y nos hicieron pasar al frente. Entonces agarro el micrófono y digo ‘no sé por qué razón La Ley de Herodes está fuera de programación, claramente es un acto de censura. Es el año 2000 y nuestro presidente Zedillo ha asegurado que existe la libertad de expresión. La película no atenta contra nadie, solo es muy divertida’.

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Entonces la gente, incluso los franceses, comenzó a gritar ‘libertad, libertad’. Al día siguiente pasó La ley de Herodes y de ahí nos fuimos a salas comerciales y duramos tres meses en las portadas de los diarios.

Finalmente rompimos la barrera y desde entonces se puede hacer otro tipo de cine. La censura la aplica la gente insegura, la gente que sabe que lo está haciendo mal, si no no existiría.

A El Infierno le pusieron ‘solo para adultos’, cuando los niños pudieron verla con la piratería. La censura no debería existir, nadie puede decirnos qué tenemos que ver y qué no ver.

Todavía quisieron aplicarle la censura a la película muchos años, pero las nuevas generaciones ya no se están dejando.

Miles de personas que salieron a votar esperan un cambio en México ¿El cine qué puede esperar?

El cine lo que necesita es expresión.

En la Ciudad de México hacemos actualmente entre 70 y 100 películas, de las cuales podemos ver entre cinco o seis y las podemos ver cinco o seis días y se acabó, se van.

Además las ponen en cines que quedan lejísimos, como de aquí a Gómez Palacio. Nadie puede ir a ver eso. Necesitamos exhibición.

El cine tenía el apoyo del estado.

Esas grandes salas de cine recibían en un 70 por ciento apoyo para mantenimiento del estado. Eso era antes de la llegada de los tecnócratas neoliberales. Se podía ver cine de todas partes del mundo y mucho cine nacional. Eso cambió con la llegada precisamente del neoliberalismo, que ya va a pasar a la historia.

Los apoyos que se daban a las salas desaparecieron y quedaron en manos de tres consorcios, unos gringos (Cinemark), un minero muy rico (Cinemex) y los señores Rodríguez de Michoacán (Cinépolis). Se volvió un negocio, pero el cine no solo es eso. Es la manifestación de un pueblo, es la historia registrada, imagen en movimiento.

¿Qué le hace falta al cine de Durango? Pues si yo fuera presidente municipal tendría una cineteca con dos salas, con muy buena tecnología.

Una para exhibir el mejor cine de todas partes del mundo y otra únicamente para cine nacional.

Porque las películas comerciales gringas ya tienen su espacio. No se trata de quitarle público a nadie, se trata de devolver a la gente el maravilloso placer que es el séptimo arte universal.

El cine es arte, es cultura. Si uno ve películas chinas aprende algo de esa cultura.

Si uno ve películas mexicanas de los 40’s puede saber más de aquella época. El cine no puede ser tratado como un objeto de compra-venta, como un artículo comercial. ¿Es un gran negocio? Sí, sí es un gran negocio, pero también es una gran manifestación humana.

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MIGUEL RODARTE

DE PRODUCIR NACE EL AMOR texto ANDREI MALDONADO fotografía CORTESÍA

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Cuántos no han sido los actores que se convierten en directores o productores ¿pero sucede a la inversa? Quizá sí, quizá hasta más frecuente de lo que uno se pudiera imaginar, pero no tenemos constancia de ello. Quizá porque la aparición de productores sea solo en sus propios proyectos y algo casi incidental, al más puro estilo de Stan Lee. Pero en el caso de Miguel Rodarte, al cual hemos disfrutado ver en pantalla protagonizando lo mismo una comedia televisiva como “Los héroes del norte” hasta películas icónicas de nuestra cinematografía como El Tigre de Santa Julia, cuesta imaginárnoslo únicamente como productor y mucho menos como mercadólogo. Esta y más confesiones nos relató a Cinéfagos durante su visita a Durango.

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¿De dónde nace tu gusto por el cine?

Cuéntanos productor

Empecé por actuar en las tareas escolares. Recuerdo que en la primaria estaba yo en la obra de “El principito”, creo que a mí me tocaba ser una estrella (risas) pero la simple experiencia de salir de alguna manera me marcó, pero no lo suficiente como para crecer pensando que yo iba a terminar dedicándome a ser actor o a hacer cine. Eso llegó mucho más tarde. Lo que yo buscaba era dedicarme a un oficio que me permitiese salir, viajar, conocer el mundo, conocer gente con talentos especiales y fuera de lo común.

De hecho antes de ser actor soy productor. Desde mi formación actoral yo ya buscaba la manera de producir cortometrajes y no era con mis historias o conmigo actuando, era con mis amigos ayudándoles a conectar gente, pidiendo, preguntando. Y de ahí surgían proyectos que financiábamos con fiestas y que a su vez estos proyectos nos dejaban ingresos para nuevos.

Terminé metiéndome a mercadólogo en el Tec de Monterrey y como tarea de último semestre los estudiantes hacían un corto en la materia de cine.

Recibí la invitación de dos equipos para actuar en sus historias y la experiencia de trabajar en el set, pero sobretodo ver el resultado en la pantalla, me dejó muy impresionado y es cuando recibí el llamado de que eso era lo que tenía que hacer en la vida. Entonces renuncié a todo, a mi carrera, a mi trabajo y me metí a estudiar actuación y ponerme a trabajar de lleno en eso.

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de

tu

faceta

de

Sí creo que hay una diferencia cuando el actor toma conciencia de lo que cuesta tenerle en el set un café caliente o su catering en comparación al que solo llega y exige. Hasta el momento sigo metiendo proyectos a Eficine de documental, porque ya no es mi fin actuar en ellos sino exponer contenidos que para mí son importantes para compartir, esperando que sean un negocio.

Y es que ahora también hay ganancias con la exhibición y la distribución, no solo en el tema de las salas comerciales sino también en lo que son las plataformas on-line y streaming, por lo que si una producción te cuesta 500 mil y con la reducción de costos y las ventas de exhibición sacas unos 40 mil ya la hiciste.

¿Cuáles son las problemáticas del cine actual?

Yo considero que estamos en un muy buen momento en cuanto a la calidad de las producciones y audiencias.

Creo que sí empatan ambos conceptos. Antes decir ver cine mexicano era ir a ver una mala película. Creo que hay mucha calidad y eso deja satisfechos a los espectadores. La parte que todavía falta es la exhibición y distribución.

Hacen falta muchos canales de apoyo de gobierno.

debería ampliar sus apoyos para mejorar las negociaciones con las otras plataformas como son Netflix, Blim, Amazon, Claro y tantas otras que después quieren pagar muy poco por los derechos.

Antes el gobierno tenía sus propias salas y la gente agradecía poder ver cine hecho en el país. Ahora los intereses son meramente mercantiles y las salas están en manos de unos cuantos. De pronto una película con mucho contenido pero que los empresarios creen que no tendrá impacto comercial no sale a la luz y en realidad hay cine para todos los gustos.

Yo he hecho mucho cine comercial que por supuesto es generador de industria, empleos y palomitas, pero también hay un abanico amplio de historias donde caben cualquier tipo de idea que se quiera transmitir y ese abanico está siendo sacrificado porque no hay donde exhibirlo.

También en el tema de distribución hay un gran esfuerzo por crear ventanas alternativas como lo es el streaming con plataformas como Filmin Latino, aunque el Imcine

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¿Crees que es justa la crítica que a las comedias románticas?

con un lenguaje cinematográfico muy bueno.

Yo lo que veo de positivo en el tema de las comedias románticas es que logran quitar el énfasis y el dedo del renglón en el tema del narcotráfico, los asesinatos y la violencia exacerbada. No es que sea alguien que no quiera ver la realidad, yo he hecho muchos personajes, desde sicarios hasta narcotraficantes, pero llega un punto donde esto se satura y hay muchas otras opciones de contar historias.

El que una historia tenga contenido artístico no significa que tenga que sacrificar calidad ni lenguaje accesible para el público. Los grandes cineastas como fueron Hitchcock o Kubrick tenían una maestría para llevar al público a lo largo de la película y sus películas tienen un gran contenido. Es cuando el lenguaje se torna denso y al espectador le cuesta entender lo que está viendo que el público se aleja de asistir a esas películas.

Esto no quiere decir que te vayas a la fácil de las comedias románticas y a la historia del amor imposible que encuentra muchos obstáculos pero al final termina venciendo y todo mundo aplaude. Son fórmulas que se repiten y han estado funcionando. Si tú te pones a ver qué tipo de películas son las más taquilleras en el país, tanto de las que se filman como de las que vienen de fuera, en primer lugar está el horror y en segundo la comedia.

Y en cuanto a las mexicanas en horror han existido muy pocas películas que han sido un éxito taquillero y en las comedias sí y al público le siguen gustando. Y el tema no es que las dejes de hacer sino cómo le abres espacio a otro tipo de manifestaciones. La película con la que acabo de estar en los Arieles se llama Tiempo Compartido y es una película de suspenso con elementos de terror pero tiene lo suficiente para que la puedas digerir muy fácil pero

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Creo que es un buen tiempo para el cine mexicano, hay mucha gente que va a ver cine nacional. Hay que estar conscientes de que hay muchos países con un porcentaje mucho menor de consumo de su propio cine.

No estamos en los tops pero estamos en un nivel muy sano. Lo ideal sería estar como India, donde sus producciones no necesitan salir del país, pero confiamos en que la relación entre películas y audiencias siga mejorando.

Porque esto pasa en todos los países. Si nosotros observamos las películas que vienen de Hollywood un 20 por ciento son joyas de la cinematografía, 30 por ciento son películas pasables, domingueras. Del resto hay un gran porcentaje que son realmente malas y otro tanto que son bodrios inenarrables y lo mismo pasa en México.

De las cien películas que se hacen en nuestro país al año cuatro son geniales, diez están más o menos y el resto sí son horrendas. En la medida que aumentemos el porcentaje de películas geniales aumentará el número de salas y espectadores, y esto se logra con esfuerzos como los que se están haciendo aquí, con escuelas y festivales de cine, con capacitación, con incentivos.

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HERMANOS BURCIAGA

TALENTO POR PARTIDA DOBLE texto ANDREI MALDONADO fotografía principal JOSHAEL ROJAS fotografía complementaria CORTESÍA

Adriana y Avelardo comparten algo más que la sangre. En las venas de estos dos hermanos no solo corre el mismo gen, también habita la misma pasión: el cine. En una breve charla para Cinéfagos los hermanos Burciaga nos hablaron de su próximo proyecto: Darik, un cortometraje escrito por Adriana y que será dirigido por Avelardo.

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¿Por qué y desde cuándo les gusta el cine?

Avelardo: Mi historia es muy curiosa.

Cuando cumplí siete años fuimos a un viaje a La Joya, el rancho de John Wayne. Al ver los sets y los shows me empezó a interesar el cine al ver cómo se hacían las suertes y los trucos. Indagando con gente que sabía de cine fui investigando más sobre lo que hay detrás de las películas y fue como fui consolidando mi deseo de dedicarme a esto.

Adriana: En mi caso estoy más enfocada en la actuación porque mi meta es ser actriz tanto de cine como de teatro, aunque últimamente me he metido más en la realización por mi hermano. Me gusta escribir desde niña, empecé a escribir cuento y novela y ahora estoy escribiendo cine. ¿Qué trabajos realizado?

previos

han

Avelardo: Yo ya había realizado algunos proyectos desde que estaba en la prepa, cortos y mediometrajes.

Desde niño me ha gustado el cine y mis maestros me impulsaban a hacer tareas con trabajos audiovisuales.

Hicimos dos versiones de Romeo y Julieta, una dramática y otra satírica.

Con el productor Jhonatan Juárez realicé el cortometraje Lirium que todavía está en post producción.

Y el reciente cortometraje donde asistí quedó pre seleccionado en la Semana de los realizadores en Cannes donde fui invitado y pude comprobar el gran nivel de cine que se hace en Europa y el mundo.

Avelardo, platícame experiencia en Canadá

de

tu

Avelardo: Estudié film production, ahí aprendí a desenvolveré en todos los departamentos de una producción. Fue un programa muy intensivo, trabajábamos de las nueve de la mañana a las nueve de la noche, en actividades de teoría y práctica grabando 31 cortometrajes entre todos los alumnos y a mí me tocó participar en 15 de ellos.

Mi pasión es la dirección pero sentí que era necesario especializarme también en la producción. Allá en Canadá hay un nivel muy grande en lo que es el cine, hay miles de actores dispuestos a trabajar. Hay mucho donde desenvolverse en el tema de arte y diseño porque existen muchas producciones y gente trabajando en lo audiovisual.

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Cuéntenme acerca de Darik Avelardo: Me fui un tiempo a Canadá y regreso con conocimientos de cine.

Quería hacer un proyecto con algo de donde soy yo, cien por ciento duranguense.

Lo empezamos a organizar desde hace unos meses.

Vimos que tenía potencial y buscamos tener un campo más amplio de actores y patrocinadores.

Este proyecto es básicamente sobre un niño y un amigo que tuvo en la infancia muy especial.

Adriana: Yo lo escribí al observar la problemática que tienen muchos hogares, donde los padres se enfocan en sus conflictos y no se dan cuenta del daño que le pueden causar a su hijo. Me gusta escribir historias que tengan un mensaje fuerte, que no sean solo un divertimento. Que hagan reflexionar a las personas. ¿Han encontrado patrocinio?

apoyo,

Avelardo: Ya hemos platicado con el INAAM, ellos están dispuestos a prestarnos equipo. Tenemos a un asociado, un productor local cuya compañía es NeuFilmx. También estamos buscando quien nos apoye con catering. Queremos sumar para que este proyecto se haga grande.

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#Galería

DÍA NACIONAL DEL CINE MEXICANO fotografía CORTESÍA

Con creativas actividades conmemoraron distintas Bibliotecas Públicas el Día Nacional del #Cine Mexicano.

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#Galería

VIVIENDO LAS ARTES CON EL ICED fotografía ANDREI MALDONADO

Como parte de las actividades de “Viviendo las artes con el ICED. y de “Difusión del patrimonio inmaterial del estado de Durango” se proyectó en los municipios de Súchil, Vicente Guerrero, Mapimí, Cuencamé y Peñón Blanco el cortometraje “Mi General” (2010) del director Andrei Maldonado, con muy buena recepción de parte del público asistente a las funciones”.

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#Galería

DESFILE DE PELÍCULA EN LA FENADU fotografía CORTESÍA

Como parte de los festejos de la Feria Nacional de Durango (FENADU 2018) se realizó un desfile por las principales calles del Centro Histórico con la temática de películas famosas.

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COCO

en la Fenadu

“Coco”, el musical que muchos hemos disfrutado en la versión de la gran pantalla, llegó a Durango para presentarse antes miles de Duranguenses que se dieron cita en la Velaria de la Feria Nacional Durango, el domingo 29 de julio.

Familias completas disfrutaron de una gran puesta en escena en la que resaltó la calidad vocal y actoral de los participantes, vestuarios muy bien diseñados y botargas de una excelente confección.

“Coco”, al igual que su versión cinematográfica, contó la historia de Miguel, un joven de 12 años que vive en México junto a su familia, en una típica granja de la zona rural. Debido a sus inquietudes, pone en marcha una cadena de acontecimientos que cambiarán su vida durante la celebración del Día de los Muertos.

Los asistentes a este espectáculo familiar se mostraron divertidos y emocionados por vivir de cerca la historia infantil más popular del momento, y los niños por su parte no dejaron de corear todas y cada una de las canciones que se hicieron populares con la cinta como “Recuérdame” y “Un poco loco”.

fotografía CORTESÍA

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#Galería

FENADU 2018 Dentro del Centro de Exposiciones de la Fenadu se colocó una maqueta del Paseo del Viejo Oeste cuyos vaqueros eran ¡alacranes de verdad! además se tuvo función con los actores western todos los días.

fotografía ANDREI MALDONADO

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#Galería

MURAL “LA ÉPOCA DE ORO DEL CINE” fotografía CORTESÍA

Realizado por Dánae Rivas y José Rivera, alumnos de la Escuela de Pintura, Escultura y Artesanías de la UJED, al interior de la Escuela de la Música Mexicana (ESMUMEX), celebrando así la relación entre la música popular y el cine mexicano.

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¡Con razón había tanto tráfico en la de 20 de Noviembre!

La Butaca del Cácaro por ANDREI MALDONADO

Alimentándonos del séptimo arte

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#Galería

SEMANA DE CINE MEXICANO ZACATECAS fotografía ANDREI MALDONADO

Visitamos por vez primera la Cineteca Zacatecas y tuvimos la fortuna de hacerlo durante la Semana de Cine Mexicano en tu Ciudad, donde vimos la película “Sopladora de Hojas”, charlamos con su director y apreciamos la exposición “Ópera primas ganadoras del Ariel”, ¡toda una experiencia!

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#Galería

ANTIGUO CINE ILUSIÓN, ZACATECAS fotografía ANDREI MALDONADO

Hoy convertido en un hotel, el antiguo Cine Ilusión llegó a ser uno de los más emblemáticos del Centro Histórico de la ciudad de Zacatecas.

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¡Si así está el cielo quiero morirme ya!

La Butaca del Cácaro por ANDREI MALDONADO

Alimentándonos del séptimo arte

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NEORREALISMO ITALIANO

EL ARTE DEL CINE DESPUÉS DE LA SEGUNDA GUERRA texto LUIS ABEL CHÁVEZ

El neorrealismo italiano fue un movimiento cinematográfico que surgió en Italia durante la primera mitad del siglo XX como una reacción a la Posguerra. Tuvo como objetivo mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, como reacción al régimen fascista de Benito Mussolini que Italia vivió de 1922 a 1945. El término fue acuñado por el crítico Umberto Barbaro y se considera la primera película de este género a Roma ciudad abierta de Roberto Rossellini.

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Los movimientos culturales italianos y el “nuevo cine italiano” se enfocaron en retratar la realidad humana, emergiendo como respuesta a las condiciones políticas, sociales y económicas que asolaban al país en aquellos años. Por ello tomó una estética totalmente distinta a lo establecido en el período fascista; se pretendía transmitir una cercanía familiar y aspectos de la vida cotidiana.

Es importante entender que el prefijo "neo" no se refiere a las obras nuevas del cine italiano en relación a las del período anterior a la guerra, sino a la nueva realidad (quizá antigua como la vida misma, pero sin los edulcorantes de los fascios de combattimento) de la vida nacional que se convirtió en el tema por excelencia de esta corriente cinematográfica.

Este movimiento cinematográfico cambia la visión del cine como mera forma de entretenimiento para convertirse en una herramienta de expresión, de crítica social ante la situación de posguerra que vivía Italia. Como toda dictadura el cine anterior al neorrealismo no podía mostrar la pobreza o los problemas sociales. La censura estuvo presente en todo momento con el régimen fascista que pretendía mostrar una Italia perfecta, por lo que las películas eran prácticamente un instrumento de propaganda.

Los directores más representativos de este movimiento fueron Roberto

Rossellini, Vittorio De Sica y Luchino Visconti, trío estandarte del neorrealismo, quienes retrataron personajes reales y usaron locaciones naturales para hacer filmes de bajo presupuesto. El comienzo del neorrealismo cinematográfico italiano se marca en 1945, fecha de estreno de Roma, cittá aperta, de Rossellini.

Gracias a los filmes de Rossellini como Alemania año cero podemos aprender sobre la fatalidad que dejó la Segunda Guerra Mundial; ciudades históricas devastadas, pobreza extrema y sufrimiento. Una de las características más peculiares del neorrealismo es que no utiliza actores profesionales y trata de eliminar los estándares de “estrellas de cine”.

Como se menciona líneas arriba muestra hombres y mujeres capaces de representarse a sí mismos, que no actúen, sino que se comporten como son. No se trata de actuar, sino que cada quien debe ser el intérprete de sí mismo y mostrarse como es y lo que vive; para los directores de este movimiento el querer que un hombre recite lo que experimenta otro es falsear la realidad. Por ello la improvisación es un recurso recurrente al no haber rigidez, todo es flexible y cambiante. Se otorga mucha importancia al guion, los diálogos es una parte fundamental para mostrar una mayor autenticidad con la idea de retratar la realidad tal y como es.

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Durante los últimos años de la guerra, el cine contaba con pocas mujeres y niños, por lo que en el cine neorrealista vuelven a incluirse. Al estudiar la historia de este movimiento y después del visionado de sus filmes más representativos, se viene a la mente la película mexicana Redes. En este filme bajo la dirección del austriaco Fred Zinnemann y el mexicano Emilio Gómez Muriel se muestra la crisis de pobreza, desigualdad, y explotación de un pueblo veracruzano.

A través de la cinta se hace una denuncia social, que nos habla acerca de la lucha de un grupo de pescadores que sufren los estragos de la pobreza y de una marcada injusticia social. La película fue rodada casi en su totalidad con pescadores reales, en escenarios naturales para mostrar una verdadera autenticidad.

Tales características nos remiten a la película de Luchino Visconti La terra trema, que también es una denuncia social. En ambas películas se advierte que fueron rodadas con la gente de esos poblados, sin recurrir a actores profesionales ni a sets cinematográficos, y las dos hacen una fuerte crítica social. Si Redes fue estrenada en 1936, anterior al surgimiento del neorrealismo italiano (1945), ¿se puede hablar de un neorrealismo mexicano?

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Posteriormente el cineasta aragonés Luis Buñuel retoma los elementos del neorrealismo italiano con la película Los olvidados (1950), en donde plasma la realidad de barrios marginales de la Ciudad de México.

No hay espacio para composiciones estéticas paisajísticas, al estilo del fotógrafo Gabriel Figueroa, que pudieran distraer de la esencia del guion; los personajes en su mayoría es gente de esos mismo barrios atrapados en la miseria.

La reconstrucción de universos que plasman los acontecimientos históricos y la ficción permite que las obras del Neorrealismo italiano cuenten historias que superan lo narrativo, transforma en discursos universales las películas que resultaron fuertes influencias para directores que encontraron diferentes formas de expresar el sentimiento humano. Definitivamente este fue un movimiento que abrió las puertas para la creación de narrativas modernas y redescubrir otras formas de expresión en el séptimo arte.

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#ProduccionesLaViejaEscuelaPresenta

WONG KAR WAI

EL AUTOR DEL DESAMOR texto JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ

Hablar de un director que da todo por el cine, que es un romántico y que además ha dejado una huella más que sólida y bien penetrable en la historia de la cinematografía mundial contemporánea por la estética y la belleza visual en sus filmes, es hablar sin duda del asiático Wong Kar Wai.

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Emigrante de su tierra natal Shanghái

A mediados de los años 80’s, Alan

a los cinco años, donde nació en

Tang, reconocido actor y dueño de

1958,

The Wing Scope Co. y la In-gear Film

luego

de

los

problemas

sociales y culturales luego de la

Production

revolución de Mao Zedong, huyó con

colaborador de sus productoras en

su madre dejando atrás todo lo que

las cuales funge como director y

conocía, entre ello, a su padre y su

además

hermano y hermana mayores que él.

cincuenta películas, en su mayoría

Su condición de exiliado, no sólo por

del género de las artes marciales y

su estatus territorial sino porque

policial, que años después Kar Wai

siendo muy chico y solo hablando su

ya en completa libertad volvería a

lengua natal el pequeño Wong no

plasmar en una fallida producción, y

podía relacionarse con los chicos de

en otra más que sobresaliente.

su edad, encontró refugio en los cine y bares bohemios a los que lo llevaba su

mamá

a

pasar

las

horas,

encontrando desde muy joven su refugio a la realidad en el cine y a lo que le dedicaría su vida entera.

Company,

guionista

lo

de

hace

más

de

Bajo este sello y con el apoyo de Tang, Kar Wai llevaría a la pantalla sus dos primeras películas como autor, sin encargo de las casa productoras: A Tears Go By de 1988 y Days of Being Wild de 1991, esta

Aunque duro en un principio su

última, aunque para Tang y sus

adaptación al idioma cantonés, este

productoras

logra crecer y con ello logra hacer sus

fracaso en taquilla, de inmediato se

estudios como diseñador gráfico, y

dieron cuenta que estaban ante la

después se convertiría en guionista

presencia de un director que daría

aprendiendo el oficio en una de las

mucho a la cinematografía no sólo de

grandes televisoras de Hong Kong,

su país o de su continente, sino a la

en donde perfeccionaría este arte y

cinematografía

donde

entonces

que es la primera de una trilogía que

muchos años, hasta que su gran

lo haría ser el director tan respetado y

oportunidad aparecería.

peculiar que hoy día es.

pasaría

desde

resultó

un

universal,

rotundo

además

38

A pesar de saber que tenían un

Sin embargo su primer trabajo le

diamante

casas

resultó un desgaste en todos los

productoras no pudieron apoyar más

sentidos, Ashes Of Time de 1994,

a Kar Wai por su meticuloso proceso

película de artes marciales que le

de trabajo, el cual se alargaba debido

llevó cuatro años de filmación y un

a que era un perfeccionista y no le

gasto de dinero descomunal, además

importaba perder años y años de

de las largas jornadas de trabajo en

tiempo con tal de tener lo que él

el desierto, hizo que Kar Wai tomara

quería en su proyecto, fue entonces

un

que Wong junto con Jeff Lau fundan

consideraría

la productora independiente Jet Tone

dedicarse sólo a la escritura de

Films, donde el director podía tener

guiones.

en

bruto,

toda la libertad deseada.

39

las

descanso dejar

donde de

incluso dirigir

y

En este descanso que se auto

Noches

impuso, su terapia fue desarrollar una

Grandmaster).

pequeña idea que se desarrollaba en Hong Kong, su ciudad musa a la que siempre profesó un sentimiento de amor-odio, con una historia muy pequeña

filmada

en

sólo

dos

semanas con cámara en mano y sin más iluminación que la natural que te da la ciudad de noche, esta idea tuvo como nombre Chungking Express, y a partir de ahí su reconocimiento iría creciendo a tal grado que su trabajo retumbaría

mucho

en

Hollywood

(Quentin Tarantino ha nombrado en un

sinfín

de

ocasiones

que

Chungking Express es una de sus

Púrpuras

y

The

Llegaría en 1997 Happy Together, historia filmada en Buenos Aires, Argentina, una historia de amor sobre una pareja homosexual que va y viene, película que le daría ya más solidez a su estilo atmosférico, visual y estético que en sus siguientes filmes perfeccionaría, además de que en estas luce aún más su amor y pasión

por

los

boleros,

y

la

importancia narrativa y en la historia que

la

música

representa

para

expresar ciertas emociones, sin caer en la manipulación del espectador.

películas favoritas, introduciéndola él

También vemos este aire melancólico

mismo al mercado norteamericano) y

en sus personajes, donde además

su estilo iría tomando notoriedad.

empezamos a ver como se repetían

Un año después con Ángeles Caídos, una exótica, interesante y exquisita cinta que combinaba el género de cine criminal con cine romántico, en el que ya se veía la clara importancia que tendría durante todo su trabajo cinematográfico

la

mano

de

su

principal colaborador, el cinefotógrafo Christopher

Doyle

(las

únicas

películas en la que no trabajaría con

algunos de sus actores fetiches y los que lo acompañarían en sus obras maestras Leung,

posteriores a

quien

como

gracias

Tony a

su

mancuerna con el director muchos catalogan como uno de los mejores actores en la historia del cine. La película además de todo le valió el distinguido reconocimiento de Mejor Director en el Festival de Cannes.

él además de su primer trabajo es en

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Llegaría el año 2000, y con el nuevo

2046 del 2004, una película que se

siglo llegaría una cinta que marcaría

mueve entre distintos géneros con

un antes y después en la narrativa

una maestría poética, endemoniada y

tanto poética como visual dentro del

abrumadoramente hermosa, que para

cine. Kar Wai nos regalaba una de las

muchos es sin lugar a dudas la obra

mejores películas en la historia: In

maestra

The Mood For Love. Esta historia de

hongkonés, ambas cintas cuentan

amor

que

con dos de los finales más tristes que

son

he tenido el privilegio de mirar en la

amantes, y que ellos tratando de

vida y de lo que más valoro dentro del

vengarse no hacen más que caer en

séptimo arte.

entre

descubren

dos

que

personas

sus

parejas

cuenta que no son capaces, a pesar del amor que nace entre los dos, que tendría repercusiones muy ondas en el corazón del protagonista, que le dejaría

un

sentimiento

vacío

de

desamor y que se ve marcado en su continuación.

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del

gran

realizador

La belleza en la historia de las dos

Como después lo respaldaría en la no

películas es evidente, pero sumado a

tan querida pero por mi adorada

esto todo lo involucrado en los

producción norteamericana Noches

valores de la producción, la fotografía

Púrpuras

de Doyle, la actuación de todo el cast

inolvidable The Grandmaster, donde

de las dos películas, tanto los actores

una vez más Kar Wai nos da prueba

recurrentes de Kar Wai como Maggie

fehaciente del gran manejo en la

Cheung, y los que no lo son como

edición de sus filmes, y ese toque

Ziyi Zhang, la música de Shigeru

romántico y melancólico que cada

Umebayashi, el vestuario, el diseño

una de sus historias cuenta, con

de producción y la edición de William

estos

Chang, elevaría al infinito el discurso

solitarios en los que se siempre se

en la filmografía de Kar Wai y su

muestra este deseo de amar, como

obsesivo trato al detalle y la estética

seguramente

visual

esto

cada vez que podemos y tenemos la

enmarcaría a la teoría, y verdad de

fortuna de volver a ver una película

que Kar Wai es sin duda el director

del realizador hongkonés.

que

depurable,

más

importancia

todo

le

da

y

en

la

personajes

todos

grandiosa

introvertidos

lo

e

y

deseamos

al

romanticismo y al desamor en el cine, sin importar el género que trate en sus película.

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#CineRecomienda

DESCUBRIENDO A MORRISEY (o la tortuosa vida de un hombre indescifrable)

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Días como los que estamos viviendo en la Ciudad de México podrían remitirnos a Londres, la capital del Reino Unido. Algo que pecaría de lugar común y a Manchester, otra ciudad de Gran Bretaña, donde vivió el protagonista de esta historia, quien nació un 22 de mayo de 1959 en Lancashire, pero llegaría a su ciudad de residencia, a muy corta edad (nací en la misma fecha, pero en otra ciudad y en otro año, y eso me ha llevado a querer saber más de él, por eso vi la película, días antes de nuestros aniversarios para celebrarlo y celebrarme).

texto GUILLERMO ROCHA

Me refiero como bien señala el título a Steven Patrick Morrisey, mejor conocido como MOZ o únicamente por su apellido, Morrisey (en su faceta solista). Manchester es una metrópoli harto lluviosa y con un ‘mood’ melancólico y decadente. He de decir que justo cuando miré la peli estaba lloviendo y se oían los truenos en el techo del cine.

La historia aborda los primeros años en la vida de este personaje, quien después formaría una de las bandas más icónicas del rock and roll de todos los tiempos, The Smiths, quienes tienen entre sus canciones más famosas “This charming man”, “Suedehead”, “Everyday is like a Sunday”, entre otras recordadas canciones.

El film hace referencia principalmente a sus tormentosos años de adolescencia, en esa etapa de su vida fue constantemente testigo de los pleitos entre sus padres y las carencias económicas que llevaría tanto a Steven como a su hermana a encontrar rutinarios trabajos, que les permitirían sobrevivir, aunque el buen joven Morrisey se sentiría abrumado por lo rutinario de sus labores cotidianas, como buen Géminis, hiperactivo e inquieto y al mismo tiempo no estaría concentrado en su rutina diaria ya que su mente y su imaginación siempre estarían volando para viajar a otros mundos más divertidos y menos ordinarios.

Ya que un aspecto que tenía muy claro el intérprete de “Irish blood, English heart”, era que quería ser escritor ya que admiraba a los poetas ‘beatniks’ y a Oscar Wilde (ese es un aspecto de la vida del cantante, con el que siento también una plena identificación).

En mi opinión la película se cuenta bien y aunque es una biopic que no profundiza en los años más recientes y polémicos dentro de la vida de este artista, en los cuales ha cancelado conciertos por alcanzar a percibir un olor a carne en sus presentaciones porque es vegano y recientemente defendió al tan odiado productor de cine hollywoodense Harvey Weinstein, quien está acusado de acoso sexual, lo que lo llevaría a enfrascarse en una guerra contra la feminista, icónica y rockera Shirley Manson, vocalista de la banda Garbage.

La película no está en cartelera ya, pero pueden buscarla en Netflix, cuando haga su aparición en esta o cualquier otra plataforma digital.

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#NoTodoEsCine

SAIKO 8 mil kilómetros de viaje para abrir un regalo texto y fotografías ANDREI MALDONADO

Santiago de Chile, jueves 13 de abril de 2017. Aproximadamente a las 21:00 horas arribé al bar Pacto en el barrio de Providencia de la capital chilena, justo en la esquina de Granaderos y Manuel Montt. El lugar se encontraba abarrotado, por lo que tuve que sentarme en la última mesa disponible, pagando de último momento un acceso que debí haber liquidado con días de anticipación.

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Recibí un pisco sour de cortesía y me dispuse a disfrutar de una hora de concierto de una de mis bandas favoritas. Al escenario entraron los músicos quienes presentaron además el videoclip de su nuevo sencillo. El argumento de haber atravesado más de 8 mil kilómetros para verlos me llevó a tener sus discos autografiados y sentarme a la mesa con ellos a charlar un rato, compartir un cigarrillo y tomarse las respectivas fotografías del recuerdo.

A todo esto no les he dicho de qué banda estoy hablando. Me refiero a Saiko, agrupación chilena formada actualmente por Deniss Malebrán en voz, Luciano Rojas en bajo, Roberto Bosch en batería y Carlos Azócar en guitarras.

Originalmente esta agrupación nació como un cuarteto de synth pop, pero con el tiempo atravesaron diversas transformaciones que los llevaron a diversos viajes entre el rock, el pop y el electrónico.

¿Por qué hasta ahora narro este momento? No lo sé. Los textos, como los viajes, parecen ser planeados, pero en realidad son ellos quienes nos encuentran, nos reclaman cuándo ser abordados. Pese a la distancia temporal siento como si ese encuentro hubiera ocurrido instantes antes de empezar a escribir estas líneas. El repertorio de canciones, el sabor de los entremeses y mi garganta irritada siguen vívidos en mí como lo estaban aquella noche.

También en su integración se vieron transformados. Denisse y Luciano, miembros actuales, iniciaron la aventura junto a Rodrigo Aboitiz e Iván Delgado. Los tres varones del grupo tenían un pasado en común: La Ley. Querían iniciar su propio camino después de separarse de la icónica banda liderada por Beto Cuevas y decidieron hacerlo con una voz femenina, ritmos electrónicos y oscuras letras, elementos que los volvieron “el Garbage chileno”.

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Juntos lanzaron los discos “Informe Saiko” y “Campos Finitos”, en los principios de la década pasada.

Delgado salió del grupo y Aboitiz pasó a ayudarles fuera de los reflectores. Integraron formalmente al baterista Javier Torres, quien ya venía colaborando con ellos años atrás, y llegaría al bajo Jorge Martínez.

Con esta alineación lanzaron “Todo Saiko” y “Las Horas”.

Para “Blondie” apareció en lugar de Martínez Esteban Torres en bajo y regresó Rodrigo.

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En 2007 Denisse Malebrán anunciaría su salida del grupo para iniciar su carrera de solista y entonces aparecería Marcela Castro, conocida en el ambiente musical como “Thais”, y junto a Javier y Luciano crearían el disco “Volar”.

Esta formación no fructificó en un segundo disco y fue necesario el regreso de Denisse en 2012 para que naciera “Trapecio”, un nuevo disco que marcaría la integración de un nuevo trío: Malebrán-Rojas-Aboitiz.

Tras el lanzamiento del disco en vivo “Sigo quemando infinitos” en 2014, Rodrigo Aboitiz se alejó del grupo y entonces la nueva formación hizo su aparición, con la cual Saiko lanzó el álbum “Lengua Muerta” en 2017. Y es en ese punto en el que el relato regresa al inicio, a mí en un asiento del bar Pacto escuchando por primera vez en un concierto acústico a una de las bandas de mi vida, presentando su sencillo “El regalo”, alegoría de un destino.

Un gusto enorme conocer en persona a Luciano, al cual admiro desde su trabajo en La Ley, la banda de mi vida. Igualmente un gusto poder abrazar a Denisse, una maravillosa persona que afortunadamente es mi amiga en redes sociales. No sé cuándo vuelva a visitar tierras chilenas, pero espero que cuando esto suceda tenga otra oportunidad de estar en un concierto de Saiko y corear nuevamente “Cuando miro en tus ojos” o “Lo que mereces”.

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AlimentĂĄndonos del sĂŠptimo arte

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