Cinéfagos - Número 38 by Cinéfagos

No. 38 Abr.-Jun. 2019 Edición Trimestral

seis-años

Alimentándonos del séptimo arte

Edición Especial

ADEMÁS

Festival de Cine Todos Santos - El Rey del Barrio - Premio Estatal de Periodismo - Taller de Cine Estenopeico - Cine en Monterrey - Robert Bresson

Editorial DIRECTORIO

Esto se va consolidando Director General Andrei Maldonado Enhorabuena para los emprendedores en Durango, pues nos llenan de buenas vibras a todos y nos muestran que es posible sacar adelante los proyectos aún sin contar con el apoyo de la parte oficial, siempre y cuando se haga todo en comunidad. Esto se los digo en virtud de que acaba de realizarse la segunda edición –en su formato independiente del Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango, el cual es organizado por diversas personas, encabezadas por el incansable Christian Sida Valenzuela . Fue en 2017 cuando por última vez Christian trabajó el festival con el ICED. Y a pesar de que su primera versión “desenchufada” nos dejó gratos recuerdos, era la segunda edición la que nos podía decir si este proyecto avanzaba o bien se quedaba en buenas intenciones. Por fortuna mientras escribo esto me entero que ya hay fecha confirmada para la tercera edición, que, para alegría de muchos (incluido yo) será en marzo, lo que significa esperar menos de un año para volver a vivir una fiesta de cine e n nuestra ciudad de tal envergadura.

Manteniendo los elementos que realmente lo hacen único (Hecho en Durango, Jurado joven, deliberación pública de la crítica) el Festival del Nuevo Cine Mexicano crece y se perfila para consolidarse como un rasgo primigenio que identifique a los duranguenses. ¿Qué hay mucho por hacer? ¡claro, toda idea es perfectible! A la humilde opinión de este servidor hace falta otorgar premios de verdad, darle seriedad a la forma de interactuar con el público y asegurarse qu e todas las funciones sean en espacios dignos para el cine. Pero usted, querido lector, no me dejará mentir: el cine se hace en equipo, y para que este festival crezca hace falta que todos pongamos nuestro granito de arena. Desde aquí le decimos a Christia n y su equipo: en Cinéfagos cuentan con un amigo y un respaldo para próximas ediciones.

Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa

Fotografía Andrei Maldonado Juan José Antuna Fotografía Externa Cortesía Colaboradores Juan José Antuna Mairely Yaresi Muro Ilse Gaytán José Jesús Nava Luis Carlos Mena Rafael Rentería Silvia Ornelas Nikthya González Diseño Andrei Maldonado

Alimentándonos del séptimo arte

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Porque no será el festival de las grandes luminarias desfilando en pretenciosa alfombra roja, o el de lo banquetes despilfarrando el recurso público para divertimento de algún funcionario de gobierno. Es un festival, como el mismo Sida dice, “chiquito pero bonito”.

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@revistacinefagos

Andrei Maldonado

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Contenido Festival del Cine Todos Santos.. 25 Museo de Cera Monterrey... 29 Cineteca Nuevo Leรณn... 31 Museo de Historia Mexicana... 33 Axiomas para la acciรณn... 35 El rey del barrio... 37 Robert Bresson.. 43 Taller de Cine Estenopeico... 49 Premio Estatal de Periodismo... 51

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FESTIVAL DEL NUEVO CINE MEXICANO DE DURANGO Una apuesta independiente afortunada texto ERIC EDUARTE VILLA fotografía CORTESÍA

Segundo año en ser realizado de manera independiente el Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango, festival que se separó de las instituciones cultural es del mismo estado, emigrando al Centro Revueltas (Core) como sede oficial. La mutación lo llevó a ser un festival distinto, fuera de lo acostumbrado que nos tienen los festivales ya tradicionales. En esta edición del 2019, continuando bajo la coordinación y dirección de Christian Sida -Valenzuela, se siguió con el formato ya presentado de la versión pasada; con el jurado Joven, el Hecho en Durango y la deliberación de la crítica en vivo en redes sociales que determina la mejor película del festival. Las propuestas en largometraje han sido una de las más atractivas que se han presentado en el festiva l. Las producciones que llenaron de cine las pupilas de los asistentes fueron: La Camarista , de Lila Avilés, Leona, de Isaac Cherem, Asfixia, de Kenya Márquez, Antes del Olvido , de Iria Gómez Concheiro, Tio Yim, de Luna Marán, M, de Eva Villaseñor , y Luciérnagas, de Bani Khoshnoudi. Entre las funciones fuera de competencia se apreciaron como estrenos en Durango la película Cómprame un Revólver, de Julio Hernández Cordón como función inaugural del festival , y como clausura se tuvo Nuestro Tiempo , de Carlos Reygadas.

A las actividades del festival se integró el actor Daniel Martínez, quien ofreció una charla sobre el cine que se ha filmado en Durango y lo que es filmar en la misma ciudad y estado que cumple n 65 años de producir cine. Acompañado y teniendo la charla con Carlos Narro, quien también estuvo cada día del festival transmitiendo en su programa de radio desde temprano en la sede oficial, entrevistando a los directores, actores e invitados al festival. Entre estos estuvo presente el cine cubano, con una muestra de cortometrajes Realizados por estudiantes y realizadores de la Escuela Internacional de Cine y Televisión EICTV. No todo fue el nuevo cine nacional, previo a la inauguración se proyectó la película Santo vs Cerebro del mal , la primera película del mítico enmascarado de plata y héroe de lucha libre mexicana, cinta donde fue por primera vez protagonista de una película. En una versión restaurada , la cual tuvo su estreno mundial en febrero pasado en el Festival de Cine de Berlín, como part e de la sección Fórum, u na película con una gran historia, que fue filmada durante la Revolución Cubana y sacada de contrabando del país en un ataúd unos días antes de que Fidel Castro tomara el poder.

Entre las funciones fuera de competencia se apreciaron como estrenos en Durango la película Cómprame un Revólver, de Julio Hernández Cordón como función inaugural del festival , y como clausura se tuvo Nuestro Tiempo , de Carlos Reygadas.

El festival fue cerrando con la incursión del canto cardenche, donde se proyectó el documental Más allá del agua , de Julio Quezada Orozco, que retrata la vida de los cardencheros de Sapioriz, un relato fílmico que nos lleva por distintos pasajes cinematográficos de Durango, con la presencia de los Cardencheros dieron al festival su toque musical con un pequeño recital al finalizar la función. El festival se despedía con la deliberación de la crítica donde el cineasta Marcelo Tobar, la analista y crítica del cine mexicano Arantxa Luna, el editor e investigador Gonzalo Lira, debatieron sobre las películas en competencia donde al final decidieron otorgarle el premio a la película M, de la directora Eva Villaseñor; el jurado joven premió a Asfixia, de Kenya Márquez, que también se llevó el premio del público.

Por parte del cine duranguense el cortometraje triunfante fue Enjaulados , de Pamela Velázquez, y fueron otorgadas dos menciones especiales a los cortometrajes Cortito, de Jesús Oswaldo Pérez , y Borrado, de Alberto Reza. De esa manera se fue una edición más de un festival de cine en Durango. Que ya se puede decir; es una ciudad donde cada vez más fluye el cine, en la búsqueda del regreso a la época donde un día fue reconocida y lo sigue siendo para muchos “La Tierra del Cine”.

Aquel Día

UN HOMENAJE A LOS QUE NO PUDIERON DESPEDIRSE texto ILSE GAYTÁN

Todo cambió para Fernando esa tarde. Nunca se imaginó pasar por una situación así, al menos no tan pronto. Durante una jornada laboral sonó su celular notificando lo que nadie quiere escuchar. Le pidieron no alterarse pero era inevitable ante un suceso como ese. Solo quería correr, dejar toda responsabilidad atrás y verlo con sus propios ojos, pero no pudo. Esa tarde, uno de los mejores amigos de Fernando había sufrido un accidente muy lejos de casa.

Cada momento era crucial , pero fueron cinco días de agonía . El primer día, los médicos se dedicaron a bajarle la hinchazón de la herida y del cuerpo para poder realizar la operación , pero fue necesario llevarlo a coma. Familia y amigos se tornaron a la espera de verlo despertar, Fernando, desde lejos, deseaba verlo a los ojos, pero ya nadie lo inmutó de su sueño. Traerlo a casa fue lo más complicado: dos días para tener todos los docu mentos en orden y que la cruda realidad llegara en forma de ataúd. Fernando se sintió devastado, abatido y ni siquiera pudo dirigir su atención al cuerpo de su amigo. La muerte le había quitado momentos, risas, bromas, consejos, compañía y sobre todo, le quitó el poder decir adiós. La despedida se convirtió en un nudo en la garganta que fue bajando al pecho hasta llegar al corazón, llenándolo de tristeza. Solo el tiempo ayudó a disminuir la pena, a despejar la mente y Fernando se sintió listo para honrar a su amigo. En 2015 decidió escribir ese adiós, “aquel día” en que pudo verlo para despedirse, una historia que poco a poco fue convirtiéndose en guión. Dafne y Alba “entendieron qué era lo que quería retratar”, con respeto ayudaron a darle forma al guión e inmediatamente tomaron roles para que honrar su recuerdo fuera una realidad.

Uno creería que el grabar en una sala clínica sería complicado , pero el equipo consiguió una planta completa de un hospital. El piso liso , ansioso por que la historia recorriera la superficie, equipos listos para dar realismo a las escenas y silencio total para emitir los gritos de tan desgarrador momento, aunque Fernando desistió de lo último, pues el vacío auditivo expresaba mejor sus sentimientos. Director, fotógrafo, guionist a, productor de sonido y edición fueron los roles que decidió tomar en el proyecto , así como en diversos trabajos que ha realizado , aunque asegura la fotografía es su pasión , por supuesto sin desacreditar al sonido, “es más fácil creer algo que estas escuchando a que lo estés viendo. Al menos en el cine”. En 2018 se le dio el corte final al primer cortometraje de Fernando Muñoz, un homenaje a la memoria de su amigo para aquellos que no valoran cada momento con sus seres queridos que sin darse cuenta podría ser el último, un homenaje a todas aquellas personas que no pudieron despedirse, para aquellas personas que no podrán.

El Festival del Nuevo Cine Mexicano en Durango reconoció el trabajo de Fernando y sus compañeros en la edición Hecho en Durango 2019, con la proyec ción del cortometraje titulado Aquel Día , en el Centro Revueltas (CORE).

Este fue el comienzo para un proceso creativo interpersonal, ya que este tipo de situaciones pueden ocurrir en cualquier momento, pero lo importante es saber enfocarse y apreciar el aprendizaje que deja. Para Fernando, dejó el orgullo de ser parte del fest ival y la iniciativa para nuevos proyectos donde invita a sus alumnos de la Universidad Autónoma de Durango para que se contagien de la emoción de crear cine.

Este fue el comienzo para un proceso creativo interpersonal, ya que este tipo de situaciones pueden ocurrir en cualquier momento, pero lo importante es saber enfocarse y apreciar el aprendizaje que deja. Para Fernando, dejó el orgullo de ser parte del festival y la iniciativa para nuevos proyectos donde invita a sus alumnos de la Universidad Autó noma de Durango para que se contagien de la emoción de crear cine.

La clave de toda producción es hacerla, invita a los nuevos directores o interesados en el cine que no se esperen a tener el mejor equipo, la mejor cámara o las mejores luces, “si tienes un celular que grabe el chiste es hacerlo. Tener la idea, escribirla, practicar y volver a hacerlo”.

La clave de toda producción es hacerla, invita a los nuevos directores o interesados en el cine que no se esperen a tener el mejor equipo, la mejor cámara o las mejores luces, “si tienes u n celular que grabe el chiste es hacerlo. Tener la idea, escribirla, practicar y volver a hacerlo”.

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JOSÉ LUIS CANO: HAMBRE DE HACER CINE Presentó “Centauro” en el Festival texto JOSÉ JESÚS NAVA

Un director de cine que ama lo que hace, define su carrera en una sola palabra: “pasión”. Los que quieren incursionar en ese mundo tienen que ser soñadoras, apasionadas y ¿por qué no? un poco locas, en palabras de José Luis Cano, director duranguense, que recientemente presentó en cortometraje Centauro en el Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango. Desde la secundaria, José Luis ya tenía la idea de que quería hacer cine, pero a falta de oportunidades dentro de la ciudad de Durango, decidió comenzar a estudiar la carrera de Administración, la cual abandonó cuando le llegó la oportunidad de estudiar en el CCA (Centro de Cinematografía Dolores del Río). José Luis pertenece a la primera generación y lleva aproximadamente tres años ayudando en algunos festivales, incluyéndose en proyectos y, sobre todo , muy al pendiente de los talleres de cinematografía que se realizan en esta ciudad.

La superación es vencer los obstáculos y dificultades, tal y como lo hace José Luis, ya que actualmente estudia un diplomado de dos años y está muy contento de compartir con personas apasionadas, que tienen hambre de hacer cine al igual que él. Uno de los obstáculos más grandes a vencer es que en Durango apenas hace unos años no existía ninguna escuela cinematográfica, la llegad a del CCA creó parte del movimiento que se trata de descentralizar el cine de la ciudad de México, sacar toda la industria de allá para que también se haga en el norte.

“Esta escuela se considera ya como una de las mejores del norte del país, creo que es tamos en el momento específico de que el cine puede volver a Durango, al menos el cine mexicano y creo que todos los estudiantes del CCA en cuestiones de ego o de presunción, estamos siendo parte de este movimiento, cada día se están incluyendo más. Ahorit a por ejemplo se está filmando aquí en Durango una película que se llama El Diario de Karem y en este rodaje las primeras personas que se contactaron para rellenar las necesidades de la producción fue nuestra escuela, estamos teniendo capacitación para hacer cine, ya sabemos cómo funciona un set cinematográfico, las condiciones del rodaje, etc. Es muy importante estar muy bien capacitados para que las personas que representen al CCA y sobre todo a Durango, pongan en alto su nombre”, explica. Cada director t iene su estilo y José Luis, en sus tres cortometrajes ha tenido una temática similar: son documentales. El pr imero de sus trabajos se llama Cinema Nostalgia y fue hecho para un programa de cine documental que se llama Polos Audiovisuales. Habla sobre la decadencia del cine nacional, tanto en exhibición, como en producción, distribución, cómo fue decayendo. El segundo de sus trabajos se llama Retrovideo , que aún no ha sido exhibido. En él habla un poco de la decadencia de los videoclubs a causa de la pirater ía.

José Luis recomienda dos cosas a las personas que buscan incursionar en el medio del cine: la primera es rodearse de personas apasionadas, que tengan en verdad pasión por lo mismo, porque el cine puede consumirte hasta 16 horas diarias, por eso hay que estar rodeado de personas iguales. La segunda es apoyar, una vez que empezaste a tener más experiencia, hay que apoyar a las personas que lo requieren, hay que perder muchos miedos, sacar todas las ideas sin ningún tipo de vergüenza, dejar que fluya la creatividad y expresarla tal cual.

Con su último documental , Centauro , trata de demostrarles a las personas que son soñadoras, que son duranguenses, y en específico a las que sueñan con hacer cine que “se puede llegar, pero hay que llegar”, frase en la que cita al cineasta duranguense Hernando Name. Ser agradecido es una de las cualidades de José Luis y él tiene una deuda con el cine, pues lo ha acompañado en momentos malos y buenos, siempre ha estado incondicionalmente para él desde que era un niño. Con estos documentales quiere pagarl e un poquito y agradecerle al cine, hablando sobre él, difundirlo, dejarles reflexión a las personas y quizás , de una manera muy personal , transmitirles el amor hacia él.

Luis Buñuel fue uno de los primeros en hacer surrealism o en cine y José Luis lo admira y recuerda una de sus películas Los Olvidados , así como El Escapulario , que no es de Buñuel, pero también es surrealista. Le gustaría contar historias con temática social, cosas que afectan a la sociedad y no solo a la actua l, sino que siga vigente por años, que digan: “no, esto todavía está pasando, esto pasaba antes”, historias que trasciendan y que se mantengan.

MIEDO, INSEGURIDAD Y PERCEPCIÓN Acerca de “Yo, Eleonore” texto SILVIA ORNELAS

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Hay situaciones que agobian al espíritu humano, que evitan la superación o el hacer frente a los problemas más duros y humillantes. Otras son tenebrosas y oscuras, obligando a esconderse de todo. Por mucho que alguien trate de ayudar, ese miedo seguirá ahí . De todo un poco hay en Yo, Eleanore , un cortometraje en el que Melissa Delgadillo, directora y guionista, presenta hechos de la vida cotidiana para reflejarse a ella misma con el temor que tiene hacia las personas. La historia se desarrolla en t iempos actuales, y está habitada por personajes que no son ni malos ni buenos. Todos tienen prejuicios y odios, con su lado perverso y bueno. Con la habilidad de poder lastimar al prójimo. Y para eso son suficientes las acciones. Yo, Eleanore empieza con una chica de 20 años, con cabello largo y ropa voluminosa, que viaja en autobús hacia su hogar enfrentándose a uno de sus peores temores: la gente. En el camino se enfrentará a la muerte, salvándose por su propia cobardía. El detonante dentro de la historia es cuando en el autobús se presenta una situación de peligro, donde unas personas cometen actos ilícitos con tendencias criminales y lo único que la chica desea es hacerse pequeña para poder evitar el conflicto.

Entre tanto peligro y desesperación, nos acabaríam os matándonos unos a otros. Por eso, en su guión, Melissa Delgadillo quiso convertirse en miniatura y escapar del problema, escondiéndose en su mochila, para crear esa satisfacción de tranquilidad y seguridad. El viaje de la chica se vuelve más intenso al transportarse a otra dimensión, donde es pequeña y nada puede pasarle. Pero todo esto tiene que tener un héroe, cuenta con tres “protectores”, que la hacen sentir segura, feliz y buscan guiarla hacia la luz, y que nos indican la superación del miedo hacia las personas. Melissa refleja el miedo, la inseguridad y la percepción, con las diferentes formas de lidiar día a día con situaciones que muchas veces podrían llegar a incomodarnos, pero tenemos que fingir que nada pasa. Los gestos y acciones de los prot agonistas nos dicen mucho, son notables las escenas donde se puede percibir el miedo. Una muestra: donde simplemente un adulto mayor se acerca a la joven y se intimida. ¿Esperamos más animaciones? Por supuesto.

CORTITO: CREANDO ALGO DE LA NADA Una entrevista con Jesús Osvaldo Pérez texto RAFAEL RENTERÍA

Todos nacemos como novatos, pero lo que nos gusta hacer, lo que nos atrae, nos crea nuevas experiencias. Y, con el paso del tiempo, estos gustos nos pueden animar a probar cosas interesantes o en grande, como en el caso de Jesús Osvaldo Pérez Andrade, un admirador del mundo del cine que ha incursionado en este ámbito. Con 43 años de edad, no fue sino hace dos años que tomó la decisión de convertirse en creador. Su primer paso fue el curso de capacitación de la Red Nacional de Polos Audiovisuales que, por c oincidencia, era la primera vez que se realizaría en Durango. Esa capacitación lo preparó para realizar su primer cortom etraje, Tras bambalinas , y su trabajo más reciente, Cortito. El trabajo, para muchos, puede ser complejo, pero para Jesús no es así. Si bien tiene claro sus puntos débiles, que son conseguir a la gente y equipo, al momento de tenerlos cubiertos disfruta de todo lo que implica realizar algún cortometraje. Pero ¿qué es lo que más le gusta? Ser director. El rol de director es un cargo importa nte, cada uno tiene un estilo propio. El estilo es ese toque que caracteriza a tus creaciones, algo que el espectador pueda recordar, ya sea desde un momento agradable que generó la obra, o la técnica con la que se elaboró.

Si bien Jesús busca presentar u n producto con calidad, no le da tanta importancia al momento de crear un nuevo corto: si bien no se ha preparado teóricamente, trabaja con toda la experiencia que ha obtenido observando, pensando; su objetivo es darle al espectador algo que todos puedan d isfrutar, sin meterse en aspectos complejos, busca generar un entretenimiento atractivo para todos. La mayoría de sus trabajos provienen de la realidad y la observación, pues su entorno le da muchos temas interesantes, incluso superiores que la ficción. E n algunos casos, toma un argumento simple y agrega ese detonante que provoca un “boom”. Para la edición más reciente del Festival del Nuevo Cine Mexic ano de Durango, Jesús presentó Cortito, un cortometraje basado en un hecho real. Cuando le platicaron la h istoria, inmediatamente visualizó lo que sería el cortometraje, por lo que salió de una forma rápida y natural, pero al momento de empezar la producción se presentaron distintas problemáticas, y habló en especial de una, con uno de los personajes principal es, que no tiene piernas.

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Jesús platica que el actor ya no quería aparecer en escena, lo cual amenazaba todo el proyecto debido a la dificultad para encontrar a una persona con esas características, y aunque afortunadamente lograron llegar a un acuerdo, la producción se retrasó de dos a seis días.

La post -producción fue otro proceso que les tomó más tiempo del planeado, ya que al no ser algo pagado se realizó poco a poco, finalizando el proyecto hasta octubre. Jesús, que se quedó con un sinfín de aprendizajes de Cortito, está prepa rándose para su nuevo proyecto que asegura que será una producción sin contratiempos. Cortito es su primer paso formalmente en el mundo del cine, y considera que, si él no hubiera creado el corto, a nadie le hubiera interesado.

La post -producción fue otro proceso que les tomó más ti empo del planeado, ya que al no ser algo pagado se realizó poco a poco, finalizando el proyecto hasta octubre. Jesús, que se quedó con un sinfín de aprendizajes de Cortito, está prepa rándose para su nuevo proyecto que asegura que será una producción sin contratiempos. Cortito es su primer paso formalmente en el mundo del cine, y considera que, si él no hubiera creado el corto, a nadie le hubiera interesado.

El director declara que su formación ha sido el cine, y aunque no sabe que pueda venir a futuro, se dedica a sus próximos proyectos un paso a la vez. Para Jesús Osvaldo Pérez Andrade, este ámbito funciona creando algo de donde no hay nada.

UNA COMEDIA HIPÓCRITA “Antes que lleguemos al clímax” texto NIKTHYA GONZÁLEZ

“Las películas solían ser un reflejo de la realidad, su objetivo era contar historias reales, cotidianas. ¿Creen que las películas aún cuentan cosas reales?” preguntó una vez uno de los maestros que tuve en mis primeros semestres de universidad. Mis compañ eros negaron de inmediato, por diferentes razones: porque hay películas de fantasía, sobre criaturas, cosas y lugares que no existen. Porque todos los personajes son ficticios; porque no existió un Jack Dawson que sacrificara su vida para que Rose pudiera salvarse cuando se hundió el Titanic. Porque incluso las películas de biografías distorsionan hechos para su beneficio. Porque cuando al guien está sufriendo y llorando no empieza automáticamente a llover. Porque nunca hay números musicales perfectamente sincronizados y donde todos se sepan la canción, de forma orgánica. Porque los buenos no tienen oportunidad de decir frases ingeniosas o sarcásticas antes de atacar a un malo. Porque el mal frecuentemente gana. Porque ningún peleador por excelente que sea, puede contra cien ninjas armados. Porque el chico guapo y popular no se queda con la chica nerd.

Sin embargo, tal vez solamente no suceda en nuestra propia realidad. Tal vez hay una reali dad en donde todas esas cosas sí suceden, tal vez en alguna el Titanic no se hundió. Tal vez hay una realidad en la que ni siquiera se inventó el cinematógrafo y las películas no existen. Tal vez nuestra realidad está diseñada por alguien a quien no le gustan los números musicales repentinos, ni los poderes mágicos. Tal vez solo somos un experimento , tal vez ni siquiera existimos ¿c ómo podemos saber que todo lo que vemos y sentimos es real? En 1969 Philip K. Dick publicó el libro “Ubik”, en donde sus personajes están metidos en una enredada situación que comienza a hacerlos dudar sobre si su jefe en realidad está muerto o si son ellos quienes lo están. Una lata de pintura es el objeto central de esta historia de ciencia ficción que al fina l pone en duda la misma existencia del lector. Esta novela y, siendo honestos, algo de LSD, fue lo que inspiró a Mario Abraham Soria Vargas a escribir Antes de que lleguemos al clímax , uno de los films seleccionados para el Festival de Nuevo Cine Mexicano de Durango, que aborda el planteamiento metafísico de dudar de la realidad. “El cortometraje termina siendo una comedia sobre eso. Lo veo de alguna manera como una comedia hipócrita”, comenta Abraham.

El proceso de creación de todo el cortometraje, incluyendo post producción, fue de unos seis meses en total. Sin embargo, desde el inicio el director, guionista, fotógrafo y editor, estaba seguro que quería a Gilberto Alanís como su protagonista , pues es un actor con escuela y técnica que lo respaldan. Fabio Ramos llevó un proceso de pruebas y trabajo “Más que nada por el rollo de la química entre los dos personajes principales” . Mientras el personaje de la chica lo tenía pensado para Ruth Luján, con quien trabajó previamente en un proyecto experimental que aún no ha publicado. “Ella es de retos” explicó Abraham. “Tengo un par de cosas con ella. Es más modelo que actriz. Sus temáticas siempre son de brujería o terror”. Finalmente, Carlos Villareal fue elegido mediante un proceso de casting.

Todos estos actores, se unen en la historia que presenta el director lagunero, en donde unos amigos están reunidos en la sala, fumando y platicando trivialidades, hasta que uno de ellos se pregunta qué sucedería si fueran personajes de una historia. El discurso es acompañado por imágenes que ayudan a ilustrarlo, y parece una línea fácil de seguir, pero se rompe por completo cuando aparece una mujer. Una mujer con los ojos vendados que gime desesperada en una habit ación. Proveniente de La Laguna, Abraham Soria es un realizador de producciones audiovisuales que se mantiene activo realizando proyectos constantemente y se interesa mucho por dar a conocer el talento duranguense, sobre todo en la región Laguna, pues es o riginario del municipio de Lerdo. El cine le gusta desde que tiene memoria y está en proceso de comenzar una asociación civil que apoye precisamente el arte local. Su consejo para todos lo que también quieren contar historias mediante el cine o cortometra jes es no limitarse, “ni a los recursos ni a las ideas. A veces se quiere contar una historia, a veces una idea o solo un sentimiento. El cine es una vía para muchas cosas”.

HAZME CAMBIAR DE OPINIÃ&#x201C;N El trabajo de Gonzalo Lira texto LUIS CARLOS MENA

Es curioso como las mentiras blancas, las pasiones y las relaciones interpersonales se complementan para llevarte a un lugar completamente desconocido, pero que al final, terminan siendo la chispa que detona toda una carrera profesional que te lleva a vivir un sinfín de experiencias memorables. Gonzalo Lira es un crítico de cine que formó parte de la reciente edición del Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango. Durante la deliberación pública de la crítica, en las instalaciones del Centro Revueltas (CORE), Gonzalo formó parte del jurado para opinar sobre el material de cine que se proyectó en esta sala ante algunas personalidades que forman parte de este medio, y, sobre todo, ante el público, el más importante. ¿Cuántos años tienes trabajando en la industria del cine y cómo fue que llegaste ahí, pero sobre todo a ser crítico? ¿Cómo fue ese proceso? “Tengo siete años dedicándome a esto formalmente, aunque realmente toda mi vida lo único de lo que hablé fue de cine”, responde.

Gonzalo avanzó a través de sus relaciones para meterse de lleno a la crítica de cine, ya que para él es la mejor forma de expresar sus ideales, pensamientos, locuras y demás, no con la intención de ser alguien arrogante para demostrar y justificar a toda costa que no es el típico crítico cineasta frustrado, sino porque sabe quién es él como alguien ca paz de pensar por sí mismo, consciente de que no tiene que seguir una manada de ovejas para ser aceptado dentro de la misma industria del cine, puesto que todo el arte es meramente subjetivo. Sin embargo, lo que comparten todas las ramas del arte es sensi bilizar al público para que pueda apreciar el mensaje que está ahí, interpretado de acuerdo a la idiosincrasia de cada uno. “La gente sabe cómo opino yo y que digo las cosas como las pienso”, es por esta razón que no le huye a que se le acerquen, es decir, nada como hablar con la verdad para definir lo que hay en tu mente, sin la intención de ponerte en un pedestal y afirmar que tienes la verdad absoluta.

Esto define la pasión que tiene alguien acerca de un tema en específico, a pesar de no haber logrado -aunque no era su objetivo - ser un cineasta , por no contar con ciertas aptitudes.

Por ejemplo, al momento de hacer la deliberación pública, él, Arantxa Luna y Marcelo Tobar le dieron el pr emio a M, de Eva Villaseñor, mientras que Asfixia, de Kenya Márquez, la primera película que descartaron, fue la que ganó los otros dos premios: “Entonces ¿cómo justificas esta postura de ‘como crítico tengo la razón’, si existen otros dos jurados que son el público y el jurado joven que tienen otra visión o que no están muy contaminados por la industria? ¿Cómo justificas que sea tan polarizado?”

¿Cómo es una persona que vive dentro de la industria del arte? ¿Todo su entorno es en relación con éste? ¿Podrá separar una cosa de otra? Como se dijo antes, la subjetividad está antes que todo. El mismo crítico de cine comentó que hace falta una educación acerca del silencio, y escuchar con la cabeza completamente abierta, puesto que de todas las personas se puede aprender algo valioso, gracias a que todas las historias vienen de un contexto y una educación completamente diferente.

Sin embargo, en el ambie nte de los festivales juega n mucho el ego y las relaciones personales, sobre todo en Durango, puesto que entre más reducido sea el grupo, te obliga a convivir con ciertas personas. “Me parece muy interesante y muy sano aprender a escuchar y respetar la discrepancia. Quizás puedas terminar premiando una película de alguien con quien no generaste un lazo tan fuerte”. De eso se trata, de utilizar al otro como un espejo. ¿Cómo interpreta un crítico al arte cinematográfico? “Puede sonar muy básico y muy ñoño, pero eso es lo que me gusta del cine, que con la visión de alguien más, puedes analizarla y encontrar los puntos en los cuales te conectas con alguien que no necesariamente tiene cabida en tu vida. A mí sí me emociona el hecho de decirle a alguien, ‘ok, ven ga, hazme cambiar de opinión’”. Esta es la belleza del ser humano que Gonzalo interpreta en su mundo. Estar “en los medios” significa siempre estar en contacto con nuevos públicos, adaptando el lenguaje constantemente para poder surfear todas las olas, y u na vez que las domines, interactuar más profundamente con ellas.

La imagen de la séptima edición del Festival de Cine Duranguense Paloma Itinerante 2019 fue diseñada por la joven estudiante de diseño gráfico Blanca Maldonado, y remite a la búsqueda de historias en el firmamento del cine. Blanca es una joven que lleva varios años realizando dibujo y pintura a través del taller de dibujo japonés de la Casa de la Cultura de Durango. Sus imágenes han aparecido en la revista Cinéfagos y fue la responsable del cartel de la edición 2018 de Paloma Itinerante. Actualmente se en cuentra estudiando diseño multimedia en la Universidad Autónoma de Durango.

En siete años se han exhibido más de 30 cortometrajes de 15 directores diferentes en diversos espacios como la Cineteca de Durango, el Museo del Aguacate, el Museo de la Ciudad, el Centro Revueltas CORE, entre otros. Este año s busca que las funciones salgan de la ciudad de Durango, teniendo confirmado de momento una proyección especial en Gómez Palacio. La convocatoria para cortometrajistas duranguenses, así como para adoptar func iones del festival, siguen abiertas y se pueden consultar en las redes sociales de Paloma Itinerante.

LA IMPORTANCIA DE LA CONEXIÓN texto JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ

¿Qué hace que un festival tan

Gente del lugar suma esfuerzos para

pequeño en infraestructura perdure y

que este se lleve a cabo, no sólo

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plus más, que van desde proyectar un

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cine latinoamericano muy diferente al

se desarrolla. Para mí la respuesta es

que se acostumbra conocer, lo mejor

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que

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tan

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privilegiado lugar.

Hablar del Festival de Cine de Todos

16 años no son pocos para un

Santos es hablar de un festival que

proyecto que tantas alegrías brinda a

tiene una identidad, para empezar,

un luga r que no tiene un cine como tal.

como secundo a este hecho sumemos

Pocas veces la gente de Todos Santos

el que tiene una personalidad como

tiene la oportunidad de q ue su

ningún otro: muchos de los festivales

bellísimo teatro se conv ierta en un

que tenemos en el país son muy

cine, y ver cine que de una manera u

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Escribir este corto texto es sólo una

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forma de difundir y desear que este

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culturales

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primera calidad, que les haga ver más

plus más, que van desde proyectar un

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cine latinoamericano muy diferente al

importantes, que cree comunidad, que

que se acostumbra conocer, lo mejor

fortalezca la educación y la formación

del cine mexicano contemporáneo y

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trabajos de la escuela de cine para

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apliquen todos estos

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tan

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proyecto que tantas alegrías brinda a

Pocos festivales hay en el país con la

un lugar que no tiene un cine como tal.

personalidad del Festival de Cine de

Pocas veces la gente de Todos Santos

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tiene la oportunidad de que su

gente, para su comunidad, un espacio

bellísimo teatro se convierta en un

como

cine, y ver cine que de una manera u

replicado en tantos bello s pueblos

otra toca temas importantes para la

mágicos como este. Esperemos los

comunidad, que los acerca a cine

vaya habiendo más.

latinoame ricano que muy pocas veces tenemos la oportunidad de ver en provincia, a lo mejor de nuestro cine nacional.

que

pocos,

que

debería

ser

AlimentĂĄndonos del sĂŠptimo arte

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#Galería

UN PASEO POR EL MUSEO DE CERA fotografía ANDREI MALDONADO

El Museo de Cera Monterrey o Muscera inició sus operaciones en septiembre de 2014, se ubica dentro de las instalaciones del Parque Fundidora, justo frente al Papalote Museo del Niño.

Abrió con 54 personajes, hoy en día cuenta con más de 84 personajes y están por agregarse nuevos en próximos meses. La lista incluye a personajes de la historia como Miguel Hidalgo y Pancho Villa , pero también del mundo del cine como Bruce Willis, The Joker, Pedro Infan te y más.

Cineteca Nuevo León

EN CADA CIUDAD UNA CINETECA fotografía ANDREI MALDONADO

La Cineteca del Conarte (Consejo de Nuevo León para la Cultura y las Artes), simplemente conocida como Cineteca Nuevo León, es el espacio sede para la proyección de filmes de la cinematografía nuevoleonense, nacional y mundial.

Es la plataforma de divulgación y difusión de la producción local, responsable del acopio y preservación de la memoria del noreste mexicano y registro del quehacer cinematográfico estatal. Forma parte del complejo cultural del Conarte dentro del Parque Fundidora, en Monterrey , junto con la Fototeca y el Centro de las Artes.

Museo de Historia Mexicana

EL CINE: PARTE ESPECIAL EN LA HISTORIA DEL PAÍS fotografía ANDREI MALDONADO

Al interior del Museo de Historia Mexicana de la ciudad de Monterrey se encuentra una sala especialmente dedicada al cine nacional, y al impacto que el séptimo arte ha tenido en la sociedad de nuestro país.

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Axiomas para la acción

UN PUNTO DE PARTIDA EN MOVIMIENTO texto y fotografía ANDREI MALDONADO

En mi primera visita a l Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey me encontré con “Axiomas para la acción”, una exposición que revisa más de dos décadas de trabajo de uno de los artistas contemporáneos mexicanos más reconocidos a nivel mundial, Carlos Amorales (1970), la cual define la manera en que está constituida su obra como investigación orgánica, a pesar de su expresión multiforme.

#CineRecomienda

¡YA LLEGÓ SU PACHUCOTE! Tin-Tán y “El rey del barrio” texto MAIRELY YARESI MURO

Tus besos se llegaron a recrear aquí en mi boca, llenando de ilusión y de pasión mi vida loca, las horas más felices de mi amor fueron contigo, por eso es que mi alma siempre extraña el dulce alivio…Bella melodía que canta un joven ferrocarrilero (Tin Tan) a su vecina Carmelita (Silvia Pinal), subiendo y bajando las escaleras y con un manejo corporal casi único, el cómico mexicano más completo que nos regaló el cine de oro nacional , German Valdés “Tin Tan ”, protagonizo El rey del barrio , dirigida por Gilberto Martinez Solares y estrenada en 1950, nos muestra una divertida parodia de los melodramas de la época. La película El rey del barrio pertenece al llamado “cine de arrabal” , un estilo de contar historias en distintos tonos, que van desde el melodrama hasta la comedia. Este tipo de historia s se desarrollaban en el México urbano, son varios los temas de este estilo de hacer cine que están presentes en el Rey del Barrio. Para empezar la presentación de la confrontación entre una naciente clase media y al ta y una muy extendida clase proletaria. La vida en vecindades en la zona céntrica de la capital del país resulta el escenario perfecto para concentrar distintos personajes.

En la cinta Tin Tan protagoniza un joven ferrocarrilero, el chofer del trenecito d e Chapultepec viudo vive con su pequeño hijo. Sin embargo, lleva una doble vida. Finge ser un trabajador honrado y un buen vecino, pero en realidad comanda una banda de delincuentes, que se dedican principalmente al robo, estafando a damas ricas y pudiente s, haciéndose pasar por profesores de canto, pintores, entre otros. La historia pues, cruza los elementos antes mencionados, la diferencia de clases y la opulencia en oposición a una marcada y extendida pobreza Esta cinta ofrece la muy agradable posibilida d de apreciar lo mejor de su carismática personalidad, pero también de su versatilidad como actor. Una cinta divertida en extremo, que además nos regala una de las escenas cumbre de la comedia en el cine mexicano: la clase de canto que le imparte a Vitola con el objeto de robarle un valioso collar, que después, arrepentido, regresa.

México en aquellos años era simplemente así, desigualdades profundas con muy pocas formas de movilidad social. Embarcados en la idea del progreso y la industrialización, ese México empezaba a comprar la idea de que el desarrollo solo podría venir de la mano de la industrialización y la modernidad. La cinta nos muestra algunas de las aspiraciones que privaban entre los mexicanos de entonces y que eran esperanzadoras para muchos de ellos en aquella época, la escuela como instrumento del cambio para lograr la superación personal y colectiva. Muchas de las cosas que Tin Tán hace en la cinta, conducen a dejar en claro y fuerte compromiso, lograr que su hijo no abandone los estudios. El asunto de la escuela es incluso para un delincuente un bien altamente valo rado para lograr que su descendencia tenga acceso a un mejor futuro. Una posibilidad difícil todavía para muchos niños, (y ni hablar de las niñas) en donde la figura del profesor sigue siendo la de líder moral y ejemplo a seguir. La maestra (o maestro) d e Pepito se hace presente en la cinta, en realidad sin aparecer en ninguna escena, pero dejando constancia del poder e influencia que tenía la figura del profesor en una población con ansia de un mejor futuro. En una escena de la película, el niño empieza a sospechar las actividades delictivas de su padre y sus amigos. Le dice que no quiere que se junte más con ellos porque so n rateros “y en la escuela me han enseñado que el que roba es un ser despreciable y

enemigo público de la sociedad” . La sentencia apa rece como dardo moral en la consciencia de Tin Tán varias veces a lo largo de la película. Estamos lejos de ese México, pero seguimos compartiendo la aspiración de que la educación sirva como palanca para el progreso y el desarrollo, a nivel tanto individ ual como familiar y colectivo. Es una fortuna contar con memoria fílmica que permita este tipo de reflexiones y recordarnos que a veces las cosas que queremos son más simples y básicas que las hemos querido desde siempre. El argumento de la cinta, como ex plica Gilberto Martínez Solares, el director, es simple: “es la historia de un hombre bueno que desea ser malo” y en esta trama Tin Tan interpreta a un cúmulo de personajes heterogéneos, un ferrocarrilero que se convierte en un gánster “de Chicago Illinois ” y explota a un grupo de delincuentes lerdos; un cantante español, El Niño de Pecho ; un pintor francés; un maestro de ópera italiano, y desemboca en el operador del trenecito de Chapultepec, con el típico final feliz. El rey del barrio además de ser una propuesta humorística radica en la fuerte crítica a las instituciones (estado y familia), al conservadurismo de la sociedad y a la doble moral de la misma.

Así, por una parte, desvirtuando al concepto de familia como factor unificador de la nación mexicana, tema repetido hasta el cansancio en el discurso moralizante de directores como Ismael Rodríguez y, por otro lado, da cuenta de la vulnerabilidad de un régimen político que fomentó el tráfico de influencias. Se hace referencia a las “faltas” en las que puede incurrir cualquier familia y ridiculiza a sus primas que “dieron un mal paso”. Asimismo, la figura materna, imagen venerada en numerosas películas mexicana s, en El rey del barrio está ausente ( Tin Tan cumple las funciones de padre y madre). De igual manera, el concepto de familia no asume el rol tradicional, la cinta nos sugiere que el soporte “familiar” descansa en el barrio y, por lo tanto, la figura centr al es el rey de dicho espacio, quien procura el bienestar de sus vecinos, la clase obrera no está santificada o demonizada, se presenta tal cual, con su lado humano, con virtudes y defectos, pero tan pobre que está obligada a robar para aspirar a una mejor vida. La trama tam bién hace varias alusiones a la corrupción y desigualdad soc ial, Por ejemplo, cuando El niño de pecho (uno de sus disfraces) llega a una mansión, refiere cómo el sindicato ha corrompido al criado (cómplice suyo en realidad), que era una abierta crítica a los vicios del naciente sindicalismo, en otra escena Tin Tan y sus secuaces intentan, sin éxito, dejar in consciente a Marcelo, un policía infiltrado. Aturdido por los golpes, Marcelo le pide permiso a Tin Tan para descansar y éste lo reprende delante de su pandilla: “¿Qué les

parece? Por eso está México como está con vagos como tú”. Por su parte, en la película, mientras los ricos no tienen ninguna preocupación más que d ivertirse en sus fiestas fatuas, los pobres necesitan robar para ganarse el pan o comprar medicinas para un pariente enfermo. Todavía más, la película demuestra cómo los pobres tienen que delinquir para malvivir. Existen dos e pisodios nodales en la película el primero está referido al personaje del policía Marcelo, representante del orden y del gobierno, Tin Tan y Marcelo se emborrachan e n la fiesta del pepito y el policía confiesa a Tin Tan que lo ha querido capturar, p ero ahora, “al verlo tan buen padre y tan buen ciudadano”, le da su autorización para que robe. El anterior diálo go tiene un fuerte significado , ya que el representante de la ley reconocía la corrupción en Mé xico y cómo ésta se metía en los valores políticos de los ciudadanos y, por lo tanto, sugería a Tin Tan caer en ella. Consciente del peligro que corre Marcelo por sus críticas a un régimen autoritario y corrupto, Tin Tan mitiga las declaraciones del policía al afirmar que la corrupción es común en todas partes del mundo, pero Marcelo no cede y enfatiza, “No, no, aquí más”. Y a continuación viene el ele mento más innovador de la cinta; Marcelo mira directamente a la cámara y señala con el dedo al público y exclama: “Mire nada más, ¡Cuánto ratero millonario anda por ahí suelto!” Tin Tan, azorado por la acusación, pide su compasión al borracho policía que ha hablado de más.

Aquí resulta justo valorar la “interacción” de los personajes con los espectadores, a través del “rompimiento ” con la barrera de la pantalla. Tanto a su persona como a su personaje, por distintos sectores sociales no se limitaba a la mera deformación del idioma sino también a su actitud fresca, anti solemne , crítica e irreverente hacia los valores morales y cívicos tradicionales y a las instituci ones del Estado. La sociedad tradicionalista de los 50s veía en el guardarropa desenfrenado de Tin Tan una proclamación incendiaria, sacos hasta la rodilla, solapas amplias, cadena casi al piso, tirantes de fantasía, sombreros con plumas, camisas floreada s que se extienden hasta casi cubrir las manos, así mismo elabora a la perfección el collage lingüístico “espanglish”.

Gracias a la libertad que Martinez Solares le dio a Tin Tan, este revoluciona la manera de hacer reír en el ci ne, con técnicas que nunca antes se habían empleado, canta, baila, se mueve, y crea un universo erótico musical alrededor suyo, cómico de sit uación, donde nos mostraba cómo la situación era más importante que el mismo chiste verbal, dando su d ebida importa ncia a la historia, se burlaba de sí mismo y de los actores y de las películas de la época, surgieron movimientos musicales, basados en sus canciones y su ritmo teniendo así influencia musical hasta nuestros tiempos. “Ya llego su pachucote” …

La vida y obra de Tin Tan coincide con el desarrollo y el ocaso de la époc a de oro del cine mexicano, dejó un vacío que no se ha podido l lenar. Fue uno de los iniciadores del movimiento pachuco que fue muy impor tante para la comunidad México -americana (chicanos) en Estados Unidos.

#ProduccionesLaViejaEscuelaPresenta

LA MIRADA DE ROBERT BRESSON texto JUAN JOSÃ&#x2030; ANTUNA ORTIZ

Robert Bresson es uno de los

años cuarenta se tornó a una

grandes directores en la historia del

condición más realista, cosa que

cine, ya no digamos de una época

seguiría Bresson con su filmografía.

como la posguerra o de un país como Francia, rico y prolifero en la historia de la cinematografía (además de ser el país en que se creó el cine). El cine de Robert Bresson es uno de los pilares fundamentales para ver el cine que hoy día vemos, uno de los mayores exponentes en la historia.

Pero el realismo en el cine de Bresson es parco, tan natural como las emociones de sus personajes, personajes por lo general jóvenes, confundido s, callados, inexpresivos salvo con la mirada, una mirada tan pura como vibrante; vemos a través de sus ojos todas las emociones

Pero, ¿qué tiene de distintivo su

humanas, vemos la pena, la alegría,

cine? ¿Qué lo hace tan especial?

el dolor, la desesperación, pero jamás

¿Qué lo hace diferente? Corrijo lo

en un tono de exageración, son tan

último: ¿Qué hizo

naturales porque sus personajes son

Bresson con su

cine para que grandes directores

reales: sus personajes generalmente

como

no son interpretados por actores

Haneke,

Tarkovski,

Ozon,

Schrader o Godard lo mencionaran como

una

sus

grandes

referencias? Ahora lo expongo.

profesionales. Si bien muchos de estos después hicieron una carrera dentro de la

Bresson es el heredero por tiempo y

actuación, Bresson los descubrió

derecho de los grandes realizadores

desde una esencia limpia, pura,

franceses como Jea n Renoir, Jean

virgen; Bresson vio l o hermoso en

Cocteau, Jean Vigo y René Clair. Su

sus miradas, la naturalidad que se

cine refleja en primera instancia lo

podría representar, una natural que el

real, deja de lado lo que los franceses

actor profesional ya no puede tener.

habrían hecho en la mayoría en los

La naturalidad que se requiere para

años veintes y treintas: historias

sentir otro factor y denominador

llenas de fantasía y surrealismo en

común en su cine: la necesidad de

primera instancia; ya

libertad, el anhelo por tener la.

cerca de los

Era un hombre que no hablaba mucho sobre su obra, le incomodaba mucho dar entrevistas, por lo general no lo hacía porque estas le quitaban tiempo valioso en el que podía estar escribiendo o filmando. Sus películas se llevaban mucho tiempo, era un hombre que trabajaba con guiones basados generalmente en grandes obras literarias, pero nunca se ataba a este, él mismo solía decir que no sabía lo que haría al día siguiente mientras estaba filmando, lo sabría hasta llegar al lugar.

No es coincidencia que su etapa más prolífera fue justo con sus filmes de la posguerra de la década de los cincuenta y sesenta, su etapa en blanco y negro; ya en los setenta, si bien sus películas a color no son consideradas obras maestras como las anteriores, si vienen a enriquecer su obra como autor. Pero no es la única condición que separa a su filmografía la mencionada, su primera etapa narra historias de jóvenes en escenarios rurales , lo que Bresson

Robert Bresson estuvo más de

conocía hasta ese entonces, además

año en un campo de concentración

fungía perfectamente para aunar más

cuando recién se detonó la Segunda

Guerra Mundial, una vez que los

necesaria para fijar nuestra vista en lo

alemanes ocuparon París. Bresson

invisible que no debía serlo: el

experimentó de primera mano lo que

invisible valor de las cosas sin valor.

su generación vivió no sólo con el aislamiento obligado, sino con la represión intele ctual; vio a la juventud de su país ver truncados sus sueños y como los traumas provocados por las guerras los hicieron ser en gran medida constante

seres

que

estaban

búsqueda,

algunos

encontraron refugio en el arte, otros lo buscaron en el libertinaje, en las drogas, para al final encontrar su

salvación en el suicidio.

filosofía

segunda

una

etapa

austeridad

compr ende

historias contadas en la ciudad, en la gran urbe, pero no hay que ser un gran especialista para darse cuenta que las historias en cierta medida son las mismas. En todos sus personajes sienten una especie de represión, de una u otra manera se sentían aislados del resto, algunos en un sentido literal, otros figurado.

En apariencia las tramas de muchas

Otro sello de su cine es lo poco que

de las historias de sus películas son

regidas por un azar falso, y digo falso

naturales, nada artificioso, hace que

porque todo lo que se desarrolla en

uno se involucre aún más con la

cada una de las películas son

historia, como ya lo mencioné. Pocos

consecuencias de las acciones de los

diálogos

personajes, ya sea por voluntad de

transmiten mucho, aunado a la poca

los principales, o las acciones atroces

música de la que echa mano pero

de secundarios, como lo dicta la

que es de primer corte, lo hace un

historia misma universal.

narrador nato, un autor como muy

Características y sellos propios de su

hace

valer

escenarios

muchos

silencios

pocos.

filmografía como una importancia de

Su versatilidad y su buen manejo de

contar parte de la trama de manera

dirección y narración hacían que con

epistolar, dictar el camino cada vez

una

que algo está a punto de ocurrir y que

pusieran en perspectiva de lo que el

cambiará todo sin seguir a nuestro

personaje principal había pa sado en

personaje y sus miradas, sino a sus

un largo lapso de tiempo, no nos da

pies, o estos personajes que como ya

toda la historia lineal, ni nos da la

lo he mencionado, hablan más para

sopa en la boca, no nos da cosas por

ellos mismos que para los demás,

sentado. En sus distintivos y firmas

que sólo se expresan con la mirada

de autor en cada una de sus películas

que es igual la repre sentación de una

se hace más fácil distinguir la esencia

mirada parca, pero pulcra a la hora

pura de su obra, la pr emisa del cine

de juzgar al resto, al normal y la poca

de Bresson: menos, es más.

escena

segundos

nos

atención que pone a las cosas importantes que pasaron y que pasan, las miradas de sus personajes reprimidos, oprimidos y silenciosos, son la mirada misma de Bresso n.

En apariencia las tramas de muchas

Otro sello de su cine es lo poco que

de las historias de sus películas son

regidas por un azar falso, y digo falso

naturales, nada artificioso, hace que

porque todo lo que se desarrolla en

uno se involucre aún más con la

cada una de las películas son

historia, como ya lo mencioné. Pocos

consecuencias de las acciones de los

diálogos

personajes, ya sea por voluntad de

transmiten mucho, aunado a la poca

los principales, o las acciones atroces

música de la que echa mano pero

de secundarios, como lo dicta la

que es de primer corte, lo hace un

historia misma universal.

narrador nato, un autor como muy

Características y sellos propios de su

hace

valer

escenarios

muchos

silencios

pocos.

filmografía como una importancia de

Su versatilidad y su buen manejo de

contar parte de la trama de manera

dirección y narración hacían que con

epistolar, dictar el camino cada vez

una

que algo está a punto de ocurrir y que

pusieran en perspectiva de lo que el

cambiará todo sin seguir a nuestro

personaje principal había pa sado en

personaje y sus miradas, sino a sus

un largo lapso de tiempo, no nos da

pies, o estos personajes que como ya

toda la historia lineal, ni nos da la

lo he mencionado, hablan más para

sopa en la boca, no nos da cosas por

ellos mismos que para los demás,

sentado. En sus distintivos y firmas

que sólo se expresan con la mirada

de autor en cada una de sus películas

que es igual la repre sentación de una

se hace más fácil distinguir la esencia

mirada parca, pero pulcra a la hora

pura de su obra, la pr emisa del cine

de juzgar al resto, al normal y la poca

de Bresson: menos, es más.

atención que pone a las cosas importantes que pasaron y que pasan, las miradas de sus personajes reprimidos, oprimidos y silenciosos, son la mirada misma de Bresso n.

escena

segundos

La obra de Bresson es el estado ascét ico y en parte nihilista de la vida, de sus personajes, y de su cine que no pretende hacer que entendamos la vida, sino que solo aprendamos a sentir sin necesidad de trucos .

nos

#LaButacaDelCácaro por ANDREI MALDONADO

say hello to my little friend.. Alimentándonos del séptimo arte

Alimentándonos del séptimo arte 48

CINE ESTENOPEICO: SER UNO CON LA LUZ Se impartió el taller “Cine Estenopeico” en Durango

texto y fotografía ANDREI MALDONADO

Diversas actividades en torno a la cinematografía se desarrolla ron en el Festival Internacional de Durang o “Ricardo Castro” 2019, como fue el caso del taller gratuito de c ine estenopeico que fue ofrecido del 22 al 26 de abril por el especialista Arturo Talavera. En este taller teórico -práctico, de 25 horas de duración, los asistente s aprendieron el proceso de fabricación de un estenopo para cámara de cine, el proceso de revelado de material fílmico en blanco y negro, así como la digitalización del material filmado.

Al finalizar la semana se obtuvieron como resultado dos trabajos de cortometraje: 3400, dirigido por Elisa Salgado Anguis, e Hiroshima , dirigido por Andrei Maldonado. En total fueron nueve los jóvenes que aprendieron el proceso de fabricación de estenopo, el uso de cámaras análogas y el proceso de revelado de la cinta fílmica.

“Hacer fotografía estenopeica es una manera de replantearme el ver las cosas en una dimensión diferente; me refiero al darme una frescura visual y detenerme en el tiempo prolongado que me dan las imágenes estenopeicas . Por otra parte, independientemente de comprar una cámara construida, el yo hacerla y rehacerla me da la satisfacción de regresar a una infancia e terna”, comenta . Y agrega: “s er estenopeico o ver estenopeico es apr ender a conocer la luz, esa luz natural que estamos acostumbrados a ver de manera lógica y analógica. Lo estenopeico hace que mi mirada tenga un descanso tal que el estenopo, ese pequeño orificio que permite hacer luz donde antes era oscuridad, me dé la oportunidad de ser infinito en mis posibilidades creadoras visuales ”.

PREMIO ESTATAL DE PERIODISMO 2019 Eric Villa gana“Mejor Cortometraje”

texto y fotografía ANDREI MALDONADO

La noche era inmejorable para reconocer la labor de los periodistas: 3 de mayo, día internacional de la libertad de prensa. En una hermosa cena de gala la asociación Periodistas y Profesionales de la Comunicación (Peproc) hizo entrega por quinta ocasión del Premio Estatal de Periodismo y Comunicación, en su edición 2019. Como cada año se reconocieron a trabajadores de diversos medios de comunicación local, impresos y digitales, en categorías como periodismo informativo, de investigación, entrevista, diseño multimedia y fotografía. Una de las categorías reconocidas fue “Cortometraje y/o documental”, en la cual nuestro coordinador editorial, Eric Villa, fue condecorado c on la estatuilla Francisco Zarco. La distinción la obtuvo por su cortometraje Caricia Venenosa , y sobre este trabajo y la experiencia de ser premiado por el gremio periodístico duranguense nos habló en la siguiente entrevista. ¿Cuéntanos sobre tu cortometr aje y qué sentiste al ser reconocido con el premio? Es una sorpresa para mí que un trabajo de cine entre en un premio de periodismo, eso es muy bueno porque significa que no solo se premia al periodismo de Durango, sino también a artistas visuales. Es muy bueno que se hagan este tipo de premios, estoy sorprendido y contento, y por supuesto agradecido con quienes hicieron posible Caricia Venenosa .

Y sobre qué se siente ganar, pues bien, sorpresivo, aún no lo asimilo todavía, es un gran júbilo (risas) , pero sobre todo estoy motivado para seguir trabajando, seguir escribiendo, seguir haciendo cine, no solo cortometrajes , sino también largometrajes. ¿Crees que este premio reafirma tu trabajo como periodista, que has venido haciendo con Cinéfagos en estos últim os años, pero que de alguna forma se refrenda esta noche? Puede ser, no me he puesto a pensar en eso. Incluso para Cinéfagos este es un gran reconocimiento. Pero al menos puedo decir que estoy haciendo las cosas bien, estoy haciendo las cosas correctas y v oy por buen camino. Es, como te digo, motivación para hacer cine, pero es bueno que del lado periodístico se me vea también de esa manera. Simplemente busco proyectar mis escritos y mis trabajos audiovisuales y por fortuna se están dando las cosas. ¿Qué p royectos vienen a futuro? Hay varios escritos, proyectos de cortometraje que hay que sacarlos adelante. Tengo dos escritos de cortometraje, un par más para largometraje, están esperando realizarse y como repito, esto es una motivación para sacarlos adelant e. Seguiré aprendiendo porque esto exige cada vez más y por supuesto seguiré adelante con Cinéfagos.

Puede ser, no me he puesto a pensar en eso. Incluso para Cinéfagos este es un gran rec onocimiento. Pero al menos puedo decir que estoy haciendo las cosas bien, estoy haciendo las cosas correctas y voy por buen camino. Es, como te digo, motivación para hacer cine, pero es bueno que del lado periodístico se me vea también de esa manera.

Simplemente busco proyectar mis escritos y mis trabajos audiovisuales y por fortuna se están dando las cosas. ¿Qué proyectos vienen a futuro? Hay varios escritos, proyectos de cortometraje que hay que sacarlos adelante. Tengo dos escritos de cortometraje, un p ar más para largometraje, están esperando realizarse y como repito, esto es una motivación para sacarlos adelante. Seguiré aprendiendo porque esto exige cada vez más y por supuesto seguiré adelante con Cinéfagos.

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