No. 41 Ene.-Mar. 2020 Edición Trimestral
SIE7E
años
Alimentándonos del séptimo arte
LA NUEVA OLA DEL CINE DURANGUENSE ADEMÁS: Expo 120 años de Buñuel - Expo H. R. Giger - Entrega de los Oscares Cine y Feminidad - Cinema Gaviotas - El Fundador - El número 41 - Galerías
Editorial
Un espacio alejado de su público
SIE7E
años
Seguramente habrá algún funcionario público que al leer el título de esta editorial esté en completo desacuerdo con su servidor, pues presumirá sala llena con Roma y con El exorcista , y tendrá razón, e sas películas, y quizá también El resplandor , le dieron llenos a la pequeña sala Silvestre R evueltas. Pero el decir que la C ineteca de Durango “se ha alejado de su público” va más allá de las butacas ocupadas. Y es que el objetivo de una c ineteca no es el de vender boletos o palomitas, así sean las “más ricas de la ciudad”. El objetivo de este tipo de sitios, como cualquier centro cultural auspiciado por el gobierno, es brindar espacios para el conocimiento y la difusión del arte, en este caso específico el cine, principalmente en ciudades donde la oferta comercial es muy escasa, o más bien nula, como Durango. Y es que para ningún cinéfilo duranguense asiduo a este recinto es una sorpresa decir que la Cineteca de Durango, desde hace un par de años, dejó de proyectar el cine al que tenía acostumbrado a sus fieles parroquianos, para tener en cambio una propuesta mucho más “comercial”, con un catálogo que incluye algunos títulos que se encuentran disponibles en Netflix o incluso en televisión abierta . Ante esto es mucha la gente que me ha dicho que lleva meses sin asistir a la Cineteca, quizá hasta más de un año, personas que hasta antes de la actual administración (de la sala) acudían varios días a la semana; extrañan, me han comentado, curadurías y ciclos específicos de cine
de ciertas nacionalidades, los for os y circuitos de Cineteca Nacional, los cine-debates, etc. Y es que exhibir La purga, El rito o Amigos con derechos dista mucho de la agenda que tienen otras cinetecas como la de Zacatecas, la de Nuevo León o la de Tulancin go, que tuvieron estrenos como La casa de Jack , Clímax o Rostros y lugares , de cineastas aclamados mundialmente; hubo quien me dijo que eso es costoso, y no estaba del todo equivocado, pero hab lando la gente se da a entender . Paloma Itinerante, la muestra de cine duranguense anual que di rijo, está inscrita también dentro de la Red Nacional de Cineclubes, por lo que el Imcine nos hace llegar su catálogo de películas gratuitas con estrenos de 2017 a la fecha del cine nacional, títulos que incluy en galardonadas películas como La región salva je, Sueño en otro idioma, Maquinaria Panamericana y Te prometo anarquía , entre otras. Así que, con solo pedirlas, cualquier cineclub, cineteca, museo, escuela o centro cultural puede exhibir todo un año de películas mexicanas sin costo, por lo que incluso el boletaje podría ser de menor costo en pos de apoyar a la audiencia; sin embargo, o los encargados de la Cineteca desconocen este dato o bien sencillamente no les importa. Ojalá todo sea tema de desconocimiento, pues eso se puede corregir, pero el desinterés no.
Andrei Maldonado
Contenido
DIRECTORIO
Director General Andrei Maldonado Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa
Fotografía Andrei Maldonado Eric Eduarte Villa Alejandra Pérez Fotografía Externa Cortesía
En portada: La Nueva Ola del Cine Duranguense... Pag. 3 Expo Luis Buñuel en México... 11 Expo H.R. Giger... 15 Cinema Gaviotas... 19 Ambulante 2020... 21 La Ceremonia de los Oscars... 23 La Butaca del Cácaro... 28 Amor es amor... 29 Greta Gerwig. 35 El Fundador... 39 El número 41... 43
Colaboradores Juan José Antuna María de J. Ávila Blanca Maldonado Diseño Andrei Maldonado
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#Especial
LA NUEVA OLA DEL CINE DURANGUENSE (o “La generación festivalera”)
texto ANDREI MALDONADO fotografía CORTESÍA
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Al cine lo hacen los cineastas. Sin jóvenes emprendedores que se arrojen a la intrépida labor de la experimentación, el séptimo arte no tendría sus renovaciones generacionales tan necesarias cada cierto tiempo. Para nuestra época la revolución no solo es de tecnología, sino también de contenido y perseverancia, y así lo hacen valer ilustres jóvenes (y ya no tan jóvenes) que en los últimos 10 años se han volcado a la realización de cortometrajes. Muy grabada me quedó la sentencia que en su momento me hicier a el gran maestro del cine nacional Felipe Cazals: “el cine duranguense es solo el que hacen los duranguenses, no el que se viene a filmar aquí y mucho menos el que hacen los gringos”. Desde entonces he defendido la promoción de cine local a través de las diferentes plataformas que poseo, esta revista, por ejemplo, o el Festival de Cine Duranguense Paloma Itinerante.
David Rodríguez Estrada David Rodríguez se ha formado académicamente fuera de nuestro estado. Es en el extranjero en donde ha filmado la mayoría de sus trabajos, mismos que lo han llevado a participar en diversos festivales de cine de talla internacional. En Durango realizó el corto Metástasis , el cual fue el primer trabajo duranguense en competencia en el Festival de Cine Mexicano. Destaca como su temática principal la sexualidad y los personajes de la comunidad LBGT, temas que difícilmente son bien trata dos en el ámbito local. De él hay que ver ¿Existes? y Suripanta .
Es por ello que en esta ocasión en Cinéfagos les traemos este especial sobre lo que he denominado “La Nueva Ola del C ine Duranguense”, que bie n podría llamarse también “La Generación F estivalera”, ya que muchos de los directores que veremos a continuación se han desarrollado artísticamente gracias al auge de la realización de festivales de cine en esta ciudad, conocida como “La tierra del cine”.
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Pamela Velázquez Al igual que David mucho del trabajo de Pamela Velázquez se ha desarrollado en el extranjero. Los cortometrajes de esta talentosa joven han sido los que más han circulado por el mundo de los duranguenses en los últimos años. Festivales en Corea del Sur, Me dio Oriente, India, España y Estados Unidos han exhibido y reconocido sus historias, las cuales se centran principalmente en temas de la condición humana y la naturaleza. De su filmografía resaltamos Enjaulados , Olvidadas y A media luz , por mencionar solo algunos títulos. Deniss Barreto Multidisciplinaria de formación, Deniss Barreto ha ido forjando una filmografía basada en el intimismo y la feminidad. Con influencias bien marcadas en el cine de Tarkovski y Reygadas, Deniss ha presentado sus cortometrajes en festivales top de nuestro país como el Festival Internacional de Cine de Morelia, el Shorts México y, próximamente, en el Festival Internacional de Cine de la UNAM. Les recomendamos ver La nuca desnuda de Olivia y Amelia para siempre . 5
, r
n
Andrei Mald onado No solo realizador, también promotor de la exhibición de cine local por medio del Festival de Cine Duranguense Paloma Itinerante, Andrei Maldonado es conocido además por su labor como periodista cinematográfico a través de la revista que fundó junto a Eric Villa en 2013: Cinéfagos. Como director ya ha ganado premios internacionales y locales, destacando temas muy variados en sus historias. Resaltan entre ellas Mi General, Alicia y Blanco, Polar, Radiante . Eric Eduarte Villa Eric Villa, co -fundador de Cinéfagos, acumula más de 11 años trabajando en el cine. Además de su filmografía personal Villa es conocido por formar parte del equipo de filmación de otros duranguenses y también con directores nacionales como Marcos Almada, hijo del icónico actor Mario Almada. Eric, también actor de teatro, se ha llevado galardones a nivel local, con trabajos destacados como Expreso y Caricia Venenosa , que ya han sido exhibidos en el país.
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Johnatan Juárez Afecto más al cine experimental, Johnatan Juárez lleva tiempo realizando trabajos destacados como Eve, El príncipe charro o Milena, que se han llevado menciones honoríficas en los festivales de Durango. Pero quizá la labor más destacada del buen John, como le dicen sus amigos, es la realización de talleres y la difusión de la cultura cinematográfica independiente por medio de los llamados “kinos”, y del Centro Cultural Multifamiliar, que tiene a bien dirigir.
Iván Santillán Desde su natal Vicente Guerrero, Durango, Iván Santillán representa la fuerza de los directores que, lejos de pensar en emigrar, fortalecen su lugar de origen no solo filmando el terruño, sino también capacitando a las nuevas generaciones. Sus trabajos ya han acaparado selecciones oficiales y reconocimientos de los festivales del estado. Su notable habilidad para contar historias sencillas que llegan al espectador queda de manifiesto en títulos como Cosas de Niños y Entre líneas.
Miguel Almonte
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Dedicado a la realización de cortometrajes desde hace tiempo ya, Miguel Almonte pertenece a esa primera camada que inauguró la sección Hecho en Durango del Festival de Cine Mexicano. Desde entonces Miguel desarrolló trabajos como A través del bosque y Un amigo , que refr endaron su talento, mismo que lo puso al frente del taller de cine de la Casa de la Cultura durante años.
Nuevos nombres a quien seguir La llegada del Centro de Cinematografía y Actuación Dolores del Río detonó un boom en la realización de cortometrajes en la ciudad de Durango. Nuevos nombres de directores y títulos de cortos llenaron los espacios que se expandieron para la exhibición, pues al Festival de Cine Mexicano se le sumó el Festival del Nuevo Cine Mexicano y el Festival Internacional de Cine de Durango. Otros ya no son tan jóvenes, e incluso ya traían trabajo a cuestas, pero aún pueden potenciar mucho más su filmografía tras sus éxitos recientes. Entre ellos está Juan José Hinojosa, que con títulos co mo Elefantes de Papel y Guajiro ya se ha hecho sentir en festivales locales llevándose los premios, y ahora como alumno del CCA sin duda su capacidad y talento crecerá todavía más.
Entre los nuevos rostros aparecieron Paola Chavira con El camino de la izquierda ; Francia Cor rea con Murmullo al atardecer ; José Luis Cano con Centauro ; Jackelyn González con Espasmos de la Memoria ; Alina Colunga con El Almuerzo ; Lluvia Argandoña con Aquel día ; algunos se han desarrollado en otras áreas como Alejandro Subia, Mar ía de Jesús Ávila y Menny de la Hoya.
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Otro caso es el de Jesús Osvaldo Pérez, que con Cortito ha conseguido llamar la atención de más de uno al ganar en prestigiosos festivales como el de Huesca, además del tercer lugar en Distrito Comedia, llevando su trabajo a la plataforma digital Cinépolis Click. Sin duda ahora el reto para Jesús Osvaldo no es repetir la hazaña, si no hacer una nueva, con un nuevo cortometraje. Y como ningún director está completo sin sus actores, hay que destacar que en Durango hay una naciente generación de talento histriónico, ya no solo formado en teatro, sino que se ha cap acitado directamente para trabajar frente a la lente. Ahí destacan principalmente las mujeres: Alejandra Castañeda, Karen Co varrubias y Melissa Zaragoza, la s principales.
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Títulos que vale tener en cuenta Tristemente no todos los jóvenes que en la última década –e incluso antes de la “Generación Festivalera” comenzaron a hacer cine se han mantenido. Algunos no volvieron a filmar más que uno o dos trabajos, pero heredaron grandes historias que vale la pena rescatar. En ese aspecto están Instinto y Úsame , filmados en 2003 y 2004 por Fernanda Simental, y que llegaron al Rally de Guanajuato. Roberto Cárdenas Orona produjo uno de los documentales más limpios que se han hecho por duranguenses: El blanco y negro: discurso visual contemporáneo ; de Artur o Perales y Erik Camarillo destaca El búnker ; de Laura Orozco está Respiro ; Solo, de Joshael Rojas, entre muchos otros que se nos van escapando de momento, pero que seguro aguardan ahí en la red, para ser vistos de nuevo.
Siempre es bueno agradecer Para que estos jóvenes encontraran el espacio para desarrollarse fue necesaria la labor de muchas personas que dejaron los reflectores a un lado para aplanar el camino por el que habrían de circular las nuevas generaciones. De entre ellos resalta el maestro Juan Antonio de la Riva, quien además de brindar un gran ejemplo, ha fundado los festivales de Cine Mexicano y el FICDU, así como la Cineteca de Durango, sin mencionar que da clases en el CCA. Mención aparte a todos ellos que con su trabajo de vanguardia dejaron un claro ejemplo a l as nuevas generaciones de cómo encabezar un movimiento generacional desde el campo del audiovisual: hablamos de la Generación del Súper 8, entre ellos los masters Juan Antonio de la Riva y José Carlos Roberto Majul, continuadores hasta nuestros días del trabajo de grandes duranguenses como Alberto Tejada, Edgar Mijares y muchos otros.
Importante la labor hecha por Christian Sida -Valenzuela, quien creó la sección Hecho en Durango y el Festival del Nuevo Cine Mexicano, que se volvieron los escaparates predilectos en los últimos años; importante tarea la de Miguel Ángel Orona, quien como director de la Cineteca promovió el Rally 48 en Corto, que antes de los festivales era el único espacio para la realización, exhibición y premiación del trabajo de los jóvenes talentos duranguenses.
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#Cobertura
EXPO LUIS BUÑUEL EN MÉXICO Un recorrido surrealista a 120 de Buñuel
texto y fotografía ERIC EDUARTE VILLA
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Cuando hablamos del legado del cine mexicano siempre nos empezamos a referir a la época de oro, pero si hablamos de una segunda época dorada tenemos que hablar del gran cineasta español Luis Buñuel. Q ue si bien las grandes películas de P edro Infante, Antonio Aguilar, El Piporro, incluso la época de los luchadores con El Santo y hasta las comedias de Tin-Tan y de Cantinflas tuviesen una mención aparte, es necesario que la obra de Buñuel también se analice en su propio contexto.
Cada película nos ofrece un mundo donde podemos observar la pureza del ser humano en su manifestación de existir en la vida, estos personajes tan bien logrados bajo una historia q ue invita a la reflexión del p orqué humano, como individuo, como sociedad, saciando sus deseos y necesidades. El mal que representa en personajes e historias llegan a tener esa reflexión.
Y es que el cineasta ara gonés le dio a la cinematografía de México un emblema de lo que necesitaba la industria de nuestro país, un cine surrealista, analítico en su forma humana y oscura del mismo ser. Pero no sólo lo logró e n nuestra tierra a zteca, hizo lo propio en el país galo, que su industria se caracteriza por la esencia romántica de la ciudad parisina; en su natal España dejó la misma huella a pesar de su exilio tempranero en su andar fílmico. Hablar de Luis Buñuel no sólo es hablar de un di rector más, es prácticamente abordar otro género cinematográfico: el género Buñuel. Su filmografía tiene un alcance universal que ha sido objeto de estudio para aquellos que buscan adentrase en la realización cinematográfica. Hablar de cada detalle de ese estudio llevaría páginas y pági nas de la revista.
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Cada película nos ofrece un mundo donde podemos observar la pureza del ser humano en su manifestación de existir en la vida, estos personajes tan bien logrados bajo una historia q ue invita a la reflexión del p orqué humano, como individuo, como sociedad, saciando sus deseos y necesidades. El mal que representa en personajes e historias llegan a tener esa reflexión.
Odiado y querido, eso genera Luis con su cine, porque sus historias son precisamente humanas, y eso quiere decir que muestran el lado amable y crudo de las personas, y hacía donde se mueven y en lo que creen, por ellos siempre se puede observar de una manera notable o sutil la intervención del tema de la Iglesia, de las religiones.
Para in troducirse en ese mundo “Buñueles co” hay que estar frente a frente ante sus obras, no sólo mirando sus películas, sino también mirando de cerca sus guiones, la utilería usada, el vestuario de los personajes que terminaron siendo icónicos como Viridiana y el Jaibo de Los Olvidados .
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Este acercamiento merecía una exposición total de su universo, donde gracias a diversas instituciones y fundaciones que ayudan a la conservación de la cultura Buñuel se ha abierto la "Expo Buñuel" en el recinto cinematográfico más importante d el país, la Cineteca Nacional, q ue para agrado de cineastas y cinéfilos continuará exhibiéndose hasta el mes de abril del presente año.
También es de destacar que de un tiempo para acá se realizan exposiciones de directores sobresalientes del séptimo arte para co nocer más a profundidad su cine en este magno recinto, como lo fue en su momento la expo de Alfred Hitchcock, o en Guadalajara “En mi casa con mis monstruos”, sobre la obra de Guillermo del Toro.
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#Galería
“Solos con la noche”
BIENVENIDOS AL MUNDO DE H.R. GIGER
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texto ERIC EDUARTE VILLA fotografía ALEJANDRA PÉREZ ERIC EDUARTE VILLA
Alguna vez el terror fue tan bello e interesante para comprender al ser humano en sus actos de exploración y ambición, y esa vez fue cuando se estrenó en 1979 la película Alien, el octavo pasajero , de Ridley Scott.
Giger transportó sus pesadillas a la realidad diseñando y creando físicamente este monstruo como una máquina perfecta para matar y para sobrevivir en cualquier ambiente. Llevando tras la pantalla esa pesadilla a la mente de los espectadores. Queda observar lo que había en la mente de Hans cuando pensaba esas cosas que rodeaban al Xenomorfo como después fue llamado.
El reconocido director nos adentró a esa visión caótica del humano, y aterradora de una criatura que engloba ese análisis que existe en la mítica película. No sólo se trata del mismo Scott de esta travesía filosófica fantástica y terrorífica, detrás de esa creación se e ncuentra el artista gráfico y escultor suizo Hans Ruedi Giger, que con sus sueños monstruosos creó una criatura asombrosa que termina siendo el lado tenebroso del humano, habitando el espacio exterior.
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Este universo aterrador y artístico necesitaba tener su propia nave, similares a las que Giger también imaginó y materializó. Esta nave tenía que ser una Expo donde fuera posible estar cara a cara antes sus dibujos, formas y atmósfera creada en sus obras para cada una de las películas.
La Expo del creador de este alienígena , que actualmente se exhibe en Ciudad de México, es una invitación a este universo de la saga cinematográfica de Alien, pero más que nada a la propia mente del Giger, que al caminar por sus pasillos oscuros y las paredes llenas de sus diseños se podría pensar que se encuentra uno dentro de esas naves de las películas y que, en cualquier momento , al mirar al techo o al fondo del pasillo, nos espera una de esas criaturas de las que no tendríamos escapatoria.
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En la saga existe el personaje de Ellen Ripley, quien es parte de esos Aliens que llegan ellos mismos adorarla, bueno, algo así es Giger con sus Xenomorfos, si estos realmente existieran, el único sobreviviente sería el propio Giger, estas criaturas lo amarían, lo verían como un padre y madre al mismo tiempo. Quizá le temerían.
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CINEMA GAVIOTAS Cuando no queda más que cerrar el telón
texto y fotografía ANDREI MALDONADO
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Pocas cosas duelen tanto a un cinéfilo como ver cerrar para siempre las puertas de un cine, aún más las puertas de aquellos que mantienen la romántica esencia de las funciones de antes, donde todos deseaban y odiaban el intermedio y donde con poco dinero comías de todo en la dulcería. Es fácil tener esos romances idílicos con las salas de tu ciudad. Me pasó a mí con los últimos años de vida de cines como el Durango, el Silvestre Revueltas, el Dorado 70, los cinemas 2000 y 2001 y con la sala Luis Buñuel. Pero cuando encuentras ese romance lejos de tu ciudad, un romance que solo es satisfecho cada año o incluso tarda más, no quieres que nunca termine. A mí me pasó –y también se me terminó - aquel idilio con el Cinema Gaviotas, un pequeño complejo de seis sal as enclavado en la Zona Dorada del puerto de Mazatlán, al cual visité por primera vez a los 11 años en 2001 cuando vi Jurasic Park III , y que tristemente no volví a repetir hasta que fui adulto y viajé por mi cuenta pues, tristemente, ir al cine no es prio ridad durante un viaje a la playa, al menos no para todos los miembros de mi familia.
Me tocó ir ahí con una novia a ver Obediencia perfecta , con un combo de dos entradas, palomitas, refrescos y hot-dog apenas por 120 pesos. Salas grandes y cómodas donde l as funciones empezaban puntuales. La última vez que lo visité fue apenas en octubre del año pasado, cuando fui solo a ver Joker. Nunca imaginé que sería mi última vez en ese lugar, de haber sabido no habría ido ni un día a la playa, me la hubiera pasado to da la semana en esas salas. Es así que, tras 45 años, Cinema Gaviotas les dijo adiós a los mazatlecos, a los sinaloenses y a los turistas despistados que, como yo, preferían una película a una noche en los antros. Serán los mazatlecos los que tengan más an écdotas que contar de este lugar, como de los cines antiguos de Durango mis padres poseen más recuerdos que yo. Solo lamento que las nuevas generaciones nunca hayan conocido un lugar tan bonito como el Gaviotas.
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Deniss Barreto, cineasta duranguense y enlace estatal de Ambulante Durango, comentó que además de la proyección de al menos 30 documentales en diversas sedes de la capital y los municipios, el festival tiene como atractivo la visita de reconocidos cineastas, así como la impartición de charlas y talleres, por lo que se requirió de la participación de los jóvenes a través de la convocatoria de voluntarios.
Del 26 de marzo al 2 de abril llegará por primera vez a Durango “Ambulante”, festival de documentales que durante 15 años ha difundido el cine documental como una herramienta de transformación cultural y social a lo largo de la República mexicana.
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Barreto indicó que el objetivo de la gira de documentales es llegar a todo tipo de público, no solo al cinéfilo , pero para quienes participen como voluntarios existe el extra de obtener experiencia para el desarrollo de sus actividades en caso de estar estas enfocadas al cine, conocer de primera mano la organización de un festival e interactuar con realizadores de talla internacional, además de ver cine que difícilmente se verá en otros espacios.
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UNA CEREMONIA HISTÓRICA La entrega de los Oscares 2020 texto JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ
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La premiación de los Oscars de este
ellos es más conveniente: un actor
año pasará a la historia por una cosa
que ya lo merezca por trayectoria
que parece muy importante y que hay
sobre quizá el que brindó una mejor
que
actuación, y que además, si ya
analizar
profundamente:
y la
dialogar
industria
de
cuenta con un Oscar, es menor la
Hollywood por fin superó y borró la
probabilidad de que se lo den, como
división
a Joe Pesci este año, o la figura que
entre
las
producciones
habladas en su idioma y las habladas en otro. Pero , ¿qué significa esto?
resulte más políticamente correcta. La segunda, es que se premió muy
Los Oscars sin lugar a dudas han
fielmente a la mejor película del año
dado un golpe de autoridad a dos
sin importar que fuera hablada en
cosas
otro idioma. Pero, ¿esto no es
que
particularmente
me
parecen para bien: la primera, que
ventajoso para los Oscars? Lejos de
han mostrado una hegemonía y una
que
división, y cabe decirlo además, una
políticamente co rrecto o no, que me
valentía que no tuvieron los miem bros
parece
de la prensa que premian en los
políticamente
Golden Globe , cuyo único valor que
1917, y más erróneo a todas luces)
pueden tener es que hacen más
hay
menciones al premiar por doble a
premiaciones
actores en películas de drama y
siempre había dos o tres películas
comedia/musical (aunque la manera
que bien podían competir por el
en que agrupan las películas en cada
Oscar a Mejor Película , a mi parecer
género es de risa) , y al final ganen los
este año sólo había una de las
que ellos creen que lo merecen (y en
nominadas: Parasite .
sea
ventajoso
hubiera
que
o
sido
correcto
hacer de
no,
(o
más
premiar
recuento años
a
a
pasados:
este departamento hay que decir que por lo general premian a los mismos todas las temporadas, pues a pesar de nuestros gustos personales, y lo que creamos mejor, la industria premia en las actuaci ones lo que para
24
A los ojos de críticos y público en
festivales del mundo te pueden dar
general fue la mejor película del año
(además hay que reconocer que de
(ojo,
de
cierta manera Joon -ho ya pertenecía
"nominadas", ya lo explicaré al final
a la industria hollywoodense , como
esto), y el hecho de que los Oscars
un autor nato como muchos otros,
no la premiaran se verían envueltos
pero perteneciente a esa industria al
en una crisis que desde hace algunos
fin de cuentas).
vuelvo
a
recalcar
lo
años se han visto envueltos. Esta crisis es la falta de público en su ceremonia en medios televisivos. Si bien el formato ya muchos lo veían como obsoleto o caduco, por el cambio
de
estafeta
generaciones,
los
entre Oscars
necesitaban ese hecho que los reivindicara y los volviera a poner en la pupila de los espectadores; fue una fortuna
que
Parasite,
de
Bong
Joon-ho, apareciera este año. En pocas
palabras
los
Oscars
necesitaban más del premio dado a Parasite que la misma película en sí. ¿Por qué digo esto? Porque si bien para un cineasta que se le premie por su película en una industria como la de Hollywood es muy importante (quizá no lo fundamental, pero si es un valor agregado) el ver dadero reconocimiento está en la aceptación del público por su trabajo, el tener esta
25
retrospectiva
que
sólo
los
Pero el hecho de que se reconozca a una película de esta envergadura por una industria como la de Hollywood -aunque muchos pensemos que no se le dio por su mejor película, pero sí la mejor del año nominada - es algo que la gente agradece, tanto el espectador como el realizador, y que además dan una valía nuevamente a este premio. Pero, ¿es verdaderamente importante el premio? Lo expongo mejor: ¿El Oscar es el mejor premio del cine? A mi parecer no, pero tampoco es el peor o, dicho en otras palabras, todos los premios son lo mismo: premios. Es bueno que los haya, son importantes, pero repito, no son primordiales para que la obra valga.
A los ojos de críticos y público en
festivales del mundo te pueden dar
general fue la mejor película del año
(además hay que reconocer que de
(ojo,
de
cierta manera Joon -ho ya pertenecía
"nominadas", ya lo explicaré al final
a la industria hollywoodense , como
esto), y el hecho de que los Oscars
un autor nato como muchos otros,
no la premiaran se verían envueltos
pero perteneciente a esa industria al
en una crisis que desde hace algunos
fin de cuentas).
vuelvo
a
recalcar
lo
años se han visto envueltos. Esta crisis es la falta de público en su ceremonia en medios televisivos. Si bien el formato ya muchos lo veían como obsoleto o caduco, por el cambio
de
estafeta
generaciones,
los
entre Oscars
necesitaban ese hecho que los reivindicara y los volviera a poner en la pupila de los espectadores; fue una fortuna
que
Parasite,
de
Bong
Joon-ho, apareciera este año. En pocas
palabras
los
Oscars
necesitaban más del premio dado a Parasite que la misma película en sí. ¿Por qué digo esto? Porque si bien para un cineasta que se le premie por
Pero el hecho de que se reconozca a una película de esta envergadura por una industria como la de Hollywood -aunque muchos pensemos que no se le dio por su mejor película, pero sí la mejor del año nominada - es algo que la gente agradece, tanto el espectador como el realizador, y que además dan una valía nuevamente a este premio. Pero, ¿es verdaderamente importante el premio? Lo expongo mejor: ¿El Oscar es el mejor premio del cine? A mi parecer no, pero tampoco es el peor o, dicho en otras palabras, todos los premios son lo mismo: premios. Es bueno que los haya, son importantes, pero repito, no son primordiales para que la obra valga.
su película en una industria como la de Hollywood es muy importante (quizá no lo fundamental, pero si es un valor agregado) el ver dadero reconocimiento está en la aceptación del público por su trabajo, el tener esta
retrospectiva
que
sólo
los
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Cuántos ejemplos no hay de grandes
los Spirit, que incentivan a
películas olvidadas y desapercibidas,
nuevos realizadores independientes
por cuestiones económicas o de
fuera del molde y la fórmula de la
distribución, que jamás han sido
industria).
parejas. El mismo caso que ha pasado con Joon -ho. Él mismo lo dijo en la ceremonia: de no ser por los listados de Taran tino a lo mejor del año, su obra no habría sido tomada tan en cuenta por el gran público en occidente, lo que no le habría generado
el
financiamiento
de
películas como Snowpiercer u Okja, igualmente lo que muchos años hizo Scorsese, presentando películas a través de Miramax, por ejemplo, la excelsa Los amantes del puente negro de Léos Carax.
Tras lo ocurrido en esta premiación uno espera que cada vez cine latinoamericano, europeo, africano o asiático invada las salas de cine de países en América, que si de algo deberían servir los premios debería de ser para eso, darnos más cine, ya no digamos "mejor cine", eso cada quién lo decidirá en base a sus gustos y criterios; simplemente más cine de más latitu des del mundo, hasta que veamos esa barrera de fronteras borrada y encontremos el día en que se premie solo la
De no haber sido por esa introducción
creatividad, el talento, el lado humano
de Scorsese el gran público no habría
en la expresión artística en esencia,
conocido la obra de uno de los genios
hablando del género e idioma que
autorales
sea.
del
cine
francés
contemporáneo más grande, s alvo uno que otro buscador del cine como expresión
artística
en
toda
la
extensión de la palabra (además de su increíble labor como productor de películas independientes como Uncut Gems, rechazada por los Oscars, y que también muestra y hacen visible
27
los
la gran importancia de premios como
Hasta el día que veamos cine todas
las
partes
del
de
mundo,
podremos dictaminar y definir si los Oscars realmente premian lo mejor del cine en el mundo, o únicamente de lo que su industria acepta a estar nominado.
QUÉDATE CON QUIEN TE VEA COMO ERIC VILLA VE AL XENOMORFO
#LaButacaDelCácaro Alimentándonos del séptimo arte
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#ProduccionesLaViejaEscuelaPresenta
AMOR ES AMOR La belleza de dos mujeres que se aman texto JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ
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El origen de este texto surgió a raíz de una de las mejores películas que pude ver el pasado mes de diciembre, una no estrenada el año pasado The Handmaiden , una historia por demás extraordinaria, portentosa, que va más allá del tema que trata, que hay una propuesta visual y narrativa del director que está para reforzar y en servicio de lo más importante en una película: la historia. Esto me hizo pensar en todos esos largometrajes que, a mi parecer, mostrando como eje central el amor que nace entre perso najes femeninos, han formado trabajos cinematográficos meritorios en base a propuestas estéticas, narrativas, visuales, y que van mucho más allá sólo de un tema que puede llegar a ser vulgarizado por una propuesta vacía, sin contenido o sustancia, y sólo para generar marketing y venta fácil por el tema tratado. Acá un breve, pero muy cuidado y meticuloso (a mi parecer y bajo mi criterio cinéfago) listado sobre películas con temática lésbica, recalcando, como alguna vez lo hice cuando escribí en mi blog sob re la maravillosa película Happy Together de Wong Kar -Wai: amor es amor.
Elisa y Marcela La más reciente película de la cineasta española Isabel Coixet (una de mis directoras favoritas). que es producida y distribuida por Netflix, es una película que muest ra la historia real de un par de mujeres que a finales del siglo XIX contrajeron nupcias engañando a las personas que vivían en su pueblo, al adoptar una de ellas la identidad de un primo muerto, hasta que son descubiertas y obligadas a separarse, teniendo que vivir lejos la una de la otra, hasta que el reencuentro se da, en otro país, con solo hacer recuento de los daños y el tiempo. La película tiene además de múltiples valores estéticos y visuales (una fotografía en blanco y negro hermosa, que destaca la temporalidad y todos los elementos que hacen que uno crea que efectivamente, está viendo una historia retratada y clavada en el siglo XIX) una propuesta de una muy clara autora como lo es la Coixet. Elementos en su cine que a mí siempre me atrapan desde l a primera película que yo vi de su filmografía (Mi Vida Sin Mí , 2003) como la presencia de cartas (creo que con esto ya es mucho decir, para quienes sean seguidores de mi blog) y las despedidas.
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Profesor Marston y las maravilla
mujeres
Si bien la película se nos presenta como una relación entre tres personas, la realidad es, tras la lectura dada si uno pone atención, el sacrificio de un hombre al amar a dos mujeres, para que estas pudieran permitirse entregarse al amor que ambas sentían, incluso sin su presencia masculina; una de las muchas virtudes y razones por las cuales esta fue una de mis diez películas favoritas del 2018. La película como tal me parece aún hoy día una de las grandes revelaciones y gratas sorpresas que he visto en el cine; es un biopic tremendo y formidable que, con una propuesta muy interesante, estilizada, bien ejecutada, cuenta la historia real que llevó a este hombre a crear al icónico personaje de La Mujer Maravilla , tan distorsionado hoy día a lo que él vio en su creación. No les cuento mucho, creo que con lo hablado hago énfasis en que es una película que a mí me gusta en demasía, lo digo en serio, toda la película es grata, y no sólo por la presencia de Rebecca Ha ll.
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Thelma Esta es una película que en el 2017 me gustó de sobremanera y la cual no he desperdiciado oportunidad de recomendarla y hablar bien de ella cuando se me presenta la oportunidad, pero nunca había escrito sobre ella, de modo que este texto sirve como pretexto perfecto para por fin hacerlo. Redimir y hacer una crítica clara, objetiva, y sobretodo, constructiva sobre la censura y discriminación que sufren personas en países europeos por su preferencia sexual, en esta película es formidablemente expuesta, con un factor además muy interesante: la religión y lo sobrenatural, y la metáfora de represión del deseo y como se puede manifestar. Esta película noruega fue, es y seguirá siendo para quien la va descubriendo, una muy grata sorpresa.
Carol
La vida de Adele
Una película que, en su muy baja pretensión y búsqueda de algo espectacular, se convierte en una película por demás redonda, y debo decir que es mi favorita por la simpleza, pero gran ejecución en su trama. La película, hay que decirlo, se enriquece y se sirve de lo mejor que debe tener una historia: buenos personajes y buenos interpretes para encarnarlos; Rooney Mara y Cate Blanchett no podrían estar más perfectas.
Película basada en la novela gráfica de nombre “El azul es un color cálido”, cuya historia va de una chica que en pleno despertar sexual a los 15 años conoce a Emma, un a aspirante a pintora, que lleva su cabello de color azul, y que desde el primer momento en que la ve le despierta sentimientos que los chicos no pueden satisfacer.
El director las deja ser, las deja deambular por la trama, muestra y no crea de maner a artificiosa (si bien un buen montaje es un halago, no hacerlo es doble halago a mi parecer) la conexión que hay entre Carol y Therese, la cual es armónica y auténtica, por muy raro que esto suene. Lo repito, la sencillez que, desde mi perspectiva, Haynes le imprime y deja fluir en la película, es lo que la hace redonda.
En ella es que encuentra eso que con nadie más podía encontrar, esa libertad para ejercer s u deseo y su pasión, por muy breve que este sea comparado con la vida misma y la inmediatez en la que todos nos volvemos adultos, una experiencia de la que la cámara es testigo -y no juez y muestra esta crudeza del crecer, las relaciones humanas, no sólo hablando estrictamente en la relación entre dos mujeres, y con esto cualquier persona se identifica, sea del sexo que sea, cualquiera que sea su preferencia sexual.
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Habitación en Roma Siguiendo con directores españoles, y confesando que Julio Medem no es un director que a mí me agrade mucho, debo reconocer que esta película es excelsa. La premisa es muy simple: dos chicas se encuentran en un hotel en el que se cuentan los vericuetos de sus vidas, al terminar la charla, se dan cuenta que ha nacido algo que va más allá de una mera atracción forjada por la conexión dada después de un momento de soledad, el último día en la ciudad, la liberación de contar mentiras, y después confesar la verdad y lo traumático a una completa desconocida, o el vino.
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Medem va más allá de hacer con esta película un drama erótico, apuesta alto, trata y logra en cierto punto tocar fibras que muy pocas veces directores tienen el valor de tocar con esta clase de películas, y la manera en que lo hace visualmente, aunque no pueda conectar con un público que no busque tanta profundidad en algo tan etéreo como lo puede ser este filme, logra dejar cosas en la atmósfera que más de un o se siente perdido entre sábanas que nunca muestran lo que muchos buscan debajo de ellas, y eso será problema para algunos, para mí jamás lo fue, aunque aclaro, no es un director que me fascine, pero la recomendación está puesta, ustedes, de querer verla, se formarán su propia opinión.
Retrato de una mujer en llamas Si una película puede ostentar un puesto privilegiado entre las listas de lo mejor en el cine del año pasado (y recalco esto de las listas, porque en la llamativa y mediática, pero no muy interesante para mi "temporada de premios", no ha figurado salvo por ser una contendiente a lo mejor del cine en lengua extranjera) entre crítica y prensa especializada, al grado de ponerla a la par, o incluso por encima, de la laureadísima Parasite (varios de los críticos que yo sigo y leo la ponen por encima de la mencio nada), es esta película francesa dirigida por la cineasta Céline Sciamma. La película, de premisa sencilla, que pareciera por momentos caer en lugares comunes y volverse predecible, siempre resuelve y va creando un argumento que en base a grandes recursos narrativos y un notable dominio en el lenguaje cinematográfico (el seguimiento a ambas actrices en el primer encuentro de sus personajes es formidable) va contando la historia de una mujer que vuelve a casa de un convento donde estuvo muchos años, luego de que su hermana muere y que debe casarse con un hombre que no conoce, y una mujer que ha sido contratada por la madre de esta para que le haga un retrato haciendo creer a la hija que es una dama de compañía que estará con ella unos días.
Cuando luego de un os días el retrato está terminado, la mentira lleva a la confesión, la confesión lleva al arrebato, el arrebato lleva a la amistad, y la soledad las lleva al florecimiento de sus sentimientos, aun cuando saben que no se puede tener lo amado, y que se debe sacrificar por el recuerdo. Todo esto hace que esta obra, sirviéndose de todo arte a su alcance, como la pintura, la música, la literatura; que nunca sirven para rellenar o darle vida a una historia hueca, sino como una armonía (como la que nace y rebasa la pantalla con la química entre las actrices protagonistas) que gira alrededor de todo lo que comprende este relato pasional que no se regodea ni se vale de recursos fáciles, sino que se expresa y propone a través de la historia en su conjunto, y no de la peculiaridad que compone, hacen que a uno se le quede cada imagen de esta, y que en cierto punto, cuando uno sabe que es inminente el final, no quisiera que se acabase sino hasta que la historia de Orfeo y Eurídice cambie de desenlace, o de significado, o hasta que dejen de sonar completas las cuatro estaciones de Vivaldi, y no sólo el verano.
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GRETA GERWIG Y la importancia de escribir
texto MARÍA DE JUESÚS ÁVILA
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¿Qué tienen en común nombres como Louisa May Alcott, Jo March y Greta Gerwig? Todas son autoras. Las dos primeras son alter egos inmortales desde hace 150 años y la última, Greta Gerwig (Sacramento, 1983) es un nombre que se viene haciendo eco y que para muchas ya es de culto. La fascinación por la autora radica en la obra que viene desarrollando desde hace más de una década como guionista, actriz y directora y que incluye títulos como Lady Bird, Mistress America y Frances Ha , la película por la que quizás es más conocida. Empecemos, sin ningún orden en particular, con Lady Bird (2017), su vibrante ópera prima sobre una adolescente con grandes ambiciones artísticas que transita entre la preparatoria y la universidad y que significó la primera colaboración con Saoirse Ronan, su alter ego. Quien quiera que se haya mudado de ciudad en un intento por auto descubrirse solo para reencontrarse con sus orígenes, sabrá que Gerwig tiene el talento para lograr que su público se identif ique con su obra.
Mistress America (2015), co-escrita con el director Noah Baumbach, cuenta la historia de Tracy, una recién universitaria que se enfrenta a su nueva vida lejos de casa y que contacta a Brooke, la que pronto será su hermanastra (interpr etada por Gerwig) para paliar su soledad en la ciudad de Nueva York, descubriendo que las dos no son tan diferentes pese a sus edades y personalidades y desatando tensiones cuando comienza a escribir un cuento basado en Brooke. En Frances Ha (2012), ta mbién co escrita con Baumbach, somos testigos de las vicisitudes en la vida de una aspirante a bailarina que en realidad no tiene muy bien idea de cómo lograrlo, que lucha por pagar la renta y que a lo largo de la película la vemos cometer lo que en aparie ncia son una serie de errores o retrasos que en realidad la llevan a embarcarse finalmente en el camino hacia la adultez .
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Mistress America (2015), co -escrita con el director Noah Baumbach, cuenta la historia de Tracy, una recién universitaria que se enfrenta a su nueva vida lejos de casa y que contacta a Brooke, la que pronto será su hermanastra (interpretada por Gerwig) para paliar su soled ad en la ciudad de Nueva York, descubriendo que las dos no son tan diferentes pese a sus edades y personalidades y desatando tensiones cuando comienza a escribir un cuento basado en Brooke. En Frances Ha (2012), también co escrita con Baumbach, somos t estigos de las vicisitudes en la vida de una aspirante a bailarina que en realidad no tiene muy bien idea de cómo lograrlo, que lucha por pagar la renta y que a lo largo de la película la vemos cometer lo que en apariencia son una serie de errores o retras os que en realidad la llevan a embarcarse finalmente en el camino hacia la adultez.
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El común denominador son la exploración del mundo emocional de sus personajes principales, todas mujeres con aspiraciones artísticas y a la vez, y no menos importante, son historias de amor entre mujeres. Lady Bird se trata tanto del autodescubrimiento de Christine, "Lady Bird", como de la relación con su madre y su ciudad de origen; Mistress America explora la amistad entre dos mujeres en sus vein tes y treintas que terminan aprendiendo la una de la otra; y el corazón de Frances Ha radica en ese mundo invisible entre almas gemelas, incluso después de separarse.
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No es más que natural que en su siguiente proyecto se haya embarcado en escribir el guión y dirigir la última versión de Mujercitas (2019), donde Saoirse Ronan brilla como una rubia e indómita Jo March y Florence Pugh despunta como una reivindicada Amy March. Adaptar una obra del calibre de Mujercitas, con una legión de fans que data de hace 150 años, no es tarea fácil y una se pregun ta por qué la razón de otra versión. La respuesta quizás es que cada generación necesita su versión y en esta última Gerwig propone contarla no de manera cronológica, sino que va y viene en elipsis de tiempo que responden al desarrollo emocional de los personajes. Además, en su versión posmoderna, la relación entre sus personajes se siente más verosímil, como en la escena en la que Jo y Amy se reencuentran después de que la última regresa de Europa casada y se transpira una aceptación algo forzada, porque ¿qué más podría hacer después de la muerte de otra de las hermanas? La última parte de la película se siente transgresora cuando, dudando de sus sentimientos por Laurie, Jo entrega un brillante diálogo que entabla con el personaje de Marmee, cuando conf iesa que está harta de que se diga que las mujeres solo viven por amor, que son mucho más que eso con sus mentes, almas, talento y ambiciones pero que a su pesar, se siente sola.
Estas líneas representan nuevamente el talento de Gerwig como una escritora, capaz de dar en el clavo y conectar con el público a nivel personal haciendo eco de realidades universales y vigentes. También es hermoso ver cómo Jo se resiste al matrimonio cuando prácticamente era una obligación social en aquella época y en su lugar e lige su profesión como escritora. Incluso, hasta se podría hacer una lectura queer de su personaje. Con todo, la carrera de la de Sacramento es un ejemplo de la importancia de escribir sobre las propias experiencias desde la mirada femenina, por más pe queñas que parezcan y sin importar de dónde vienes. Sus personajes, tal y como las hermanas March, reclaman su derecho a existir y a tomar sus propias decisiones con el fin de habitar un mundo donde puedan pertenecer.
“Las mujeres tienen mentes y almas, además de corazón. Y tienen ambición y talento además de belleza. Estoy harta de que digan que el amor es lo único para lo que viven las mujeres. ¡Estoy tan harta! Pero, me siento tan sola”.
-Mujercitas
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EL PODER DE LA VISIÓN Lecciones de marketing en El Fundador
texto BLANCA MALDONADO
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El Fundador es una película de 2016 dirigida por el director John Lee Hancock. En ella podemos apreciar una perspectiva diferente y cruda del proceso de mercadeo que hizo que McDonald’s pasara de ser un pequeñ o establecimiento familiar a convertirse en la cadena de comida rápida más grande del mundo. La película nos da inicio a la vida del empresario Ray Kroc. Él era un hombre visto por algunos como un personaje mediocre que jamás podría levantar un negocio propio. Ray trataba de vender una máquina de malteadas mediante frases y diálogos pre-hechos con los que no le iba tan bien, hasta que se encontró con los hermanos McDonald quienes, durante 30 años, con muchas ideas y ganas de vender, pudieron tener su empresa; que, a pesar de tener algunos problemas , lograron cumplir el objetivo de hacer al go rápido con un toque familiar. Tras tener un acuerdo con los hermanos McDonald, Ray comenzó hacer lo que quiso con la empresa. Creó franquicias en diferentes partes de Estados Unidos, cambió la idea de los helados por unos producidos con polvo y agua y se vendió como el dueño y fundador de la marca , rompiendo los acuerdos y condiciones con los hermanos. Al final logró apoderarse de todo, consiguiendo que la empresa se vendiera en todas partes del mundo y dejando de lado a los originales dueños.
Primeramente, se comenzará por el análisis del protagonista y sus aportaciones de marketing que lo llevaron a ser un exitoso empresario. El protagonista Roy Kroc, encarnado en la historia por el brillante actor Michael Keaton, logró visualizar bien el gran potencial del restaurante , lo que lo llevó a conv ertirse en el ideólogo y mercadó logo de la franquicia. Su visión fue cambiando durante la película, al comienzo deseaba continuar con la idea original de los hermanos; sin embargo, socios tras socios lograron acercarse a él, uniéndose para hacer mucho más grande la idea. Eso a Roy lo emociono y su ambición creció al igual que su persistencia y agregó muc has más franquicias y productos que ayudaron al problema financiero en el que se había metido. No podemos decir que una persona es lineal siempre manteniéndose en un solo estado como bueno o malo, cada persona tiene un intermedio que le complementa, y es como se le puede reconocer a este personaje. Ray Kroc aportó grandes ideas de mercado que hacen a un negocio un imperio.
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1º Apasionarse con el proyecto
3º No limitarse
Ray se enamoró de la eficiencia y rapidez con la que los clientes eran atendidos, le parecía fascinante que los hermanos tuvieran ideas frescas y nuevas. En ese tiempo los auto servicios de comida eran usuales y la idea iba desgastándose y atrayendo a un público que ensuciaba a los negocios.
Ray jamás permitió que ninguna persona con ideas limitadas destruyer a su perseverancia. Esto es parte de lo que se le debe reconocer al empresario, siempre puso sus ojos y visión en un solo proyecto, sin tirar la toalla. Parte de esa estrategia es cuando Ray menciona la idea de hacer de McDonald’s la marca número uno del país, algo sagrado; algo así como un símbolo gigantesco , como la iglesia o un edificio de gobierno. Kroc lo veía como un sueño americano.
2º Es importante conocer a otras personas A pesar de que nadie creía en Kroc, con el tiempo fue conociendo franquiciados que creyeron en su propuesta y decidieron ser parte de la familia McDonald’s. Por ejemplo, el socio que sacó de apuros de Ray de los problemas de bienes raíces o también la idea de vender productos fáciles sin necesidad de hacer un gasto mayúsculo a sus impuestos y haciéndolo ahorrar miles. Todas estas aportaciones mejoran una marca y hacen que tenga un cuerpo sólido ante cualquier competencia, pero sobre todo convence al cliente de continuar consumiendo en ese lugar.
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Durante la película podemos ver que se realizaron cambios a la marca conforme el tiempo, por ejemplo, el tener una lín ea de color reconocida (amarillo y rojo, que se asocian a los alimentos), su publicidad es lo que ayuda a vender sus productos e incluir lo que ahora es la parte esencial: los niños. Eso convencía a los padres de que McDonald’s era el lugar ideal. 4º Perseverar Ray comenzó a una edad tardía en la que se creía que ya no podría hacer más que ser un hombre jubilado, sin embargo, no se dio por vencido y continuó .
En el siguiente punto se hablará sobre la organización efectiva de los hermanos McDonald’s con su proyecto: El filme nos muestra el modelo de operaciones que utilizaron en su cocina para ser más eficaces en las entregas de las hamburguesas. Ambos lograron encontrar el suficiente personal para vender en su local original y en otras franquicias que tenían en difer entes partes del país. Su idea de venta en realidad fue muy buena, sin embargo, ellos no pretendían llevar a McDonald’s al éxito actual, por ende, solo hubiese sido un restaurante familiar común.
Lo mejor que puede tener este imperio no son sus alimentos, sino la forma en cómo se vende y como pretende atraer al mundo. La forma en cómo logró venderse Ray no fue precisamente la mane ra más honesta, sin embargo, se debe admirar su carácter y su decisión, indepen dientemente si otros creían en él o no. Aunque fue muy triste que Dick y Mark no compartieran los mismos ideales que él.
Algunos espectadores podrían ver a los hermanos como pers onajes débiles que no quisieron llevar más allá sus ideas y sueños, ya que uno de los puntos clave del éxito era el negocio mobiliario. Podemos concluir que al levantar una marca es fundamental la armonía entre el aspecto publicitario, los negocios, socios, tener un nicho de mercado y sobre todo la pasión de un proyecto. Lo mejor que puede tener este imperio no son sus alimentos, sino la forma en cómo se vende y como pretende atraer al mundo. La forma en cómo logró venderse Ray no fue precisamente la mane ra más honesta, sin embargo, se debe admirar su carácter y su decisión, indepen dientemente si otros creían en él o no. Aunque fue muy triste que Dick y Mark no compartieran los mismos ideales que él.
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#CineRecomienda
EL NÚMERO 41
UN AMOR IMPOSIBLE Y UNA LOCACIÓN EXTINTA texto ANDREI MALDONADO
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Cuántas películas no se habrán filmado en escenarios –ya sea construidos por el hombre o naturales que hoy en día ya no existen. Muchas, muchísimas quizá. Pero una película filmada en un lago salado, que de hecho era el segundo más grande del mundo, y que hoy no existe más solo una: El número 41 . El número 41 es una película soviética filmada en 1956 en el Mar de Aral , que en ese entonces era el cuarto lago más grande del planeta y el segundo de los grandes lagos salados, solo detrás del Mar Caspio. La cinta, dirigida por Grigori Chujrai como segunda versión fílmica del libro homónimo escrito por Boris Lavrenyov (la primera fue muda, en 1927) habla sobre el amor imposible entre una artillera del Ejército Rojo y un soldado del Ejército Blanco. Desde la concepción del libro se trataba de una trama controversial, ya que fue escrito durante la revolución Bolchevique, donde el ejército comandado por Lenin buscaba sacar a los zares del gobierno ruso e instaurar una federación socialista. La protagonista es la más efectiva tiradora de una célula del ejército Bolchevique, que hace preso a un importante soldado Menchevique, que eran la minoría que abogaba por continuar con el viejo régimen.
Cuando se realizó la segunda versión cinematográfica de la novela el poder en Rusia había quedado en manos de los socialistas, que habían instaurado la URSS al mando de Stalin. Por ello la casa productora Mosfilm –hoy en día la más grande y antigua de Rusia revisó cerca de siete veces los borradores del guion, pues un romance como el descrito, en esos tiempos, era equivalente a un amorío entre un nazi y una prisionera judía en el Tercer Reich. Una vez estrenada El número 41 consiguió elogios a nivel internacional, siendo el más destacado la Mención Especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes en 1957. En taquilla no ocupó el primer lugar, pero sí fue una de las más vistas de esa década. Hoy en día es difícil acceder a una copia en buen estado de este filme, al menos de este lado del planeta, pero en las que se pueden encontrar podemos ver las virtudes que posee esta gran historia. Principalmente, el tema de un amor imposible y la historia de una amazona intrépida, pero con alma de poeta. La fotografía destaca gracias a los escenarios naturales de los que se sirve la película, las dunas del desierto de Karakum y, principalmente, por los bellos reflejos azules de las mansas aguas del Mar de Aral, en el cual también se había filmado la primera versión, pero que gracias al Technicolor aparecían en todo su 44 esplendor.
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Cuando se realizó la segunda versión cinematográfica de la novela el poder en Rusia había quedado en manos de los socialistas, que habían instaurado la URSS al mando de Stalin. Por ello la casa productora Mosfilm –hoy en día la más grande y antigua de Rusiarevisó cerca de siete veces los borradores del guion, pues un romance como el descrito, en esos tiempos, era equivalente a un amorío entre un nazi y una prisionera judía en el Tercer Reich. Una vez estrenada El número 41 consiguió elogios a nivel internacional, siendo el más destacado la Mención Especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes en 1957. En taquilla no ocupó el primer lugar, pero sí fue una de las más vistas de esa década. Hoy en día es difícil acceder a una copia en buen estado de este filme, al menos de este lado del planeta, pero en las que se pueden encontrar podemos ver las virtudes que posee esta gran historia. Principalmente, el tema de un amor imposible y la historia de una amazona intrépida, per o con alma de poeta. La fotografía destaca gracias a los escenarios naturales de los que se sirve la película, las dunas del desierto de Karakum y, principalmente, por los bellos reflejos azules de las mansas aguas del Mar de Aral, en el cual también se ha bía filmado la primera versión, pero que gracias al Technicolor aparecían en todo su esplendor. Y es eso otro argumento esencial de esta película: su belleza fotográfica jamás podrá ser igualada, porque
esas aguas no existen más. A partir de la década de l os 60’s el gobierno ruso comenzó con la desecación del Aral, con el fin de usar sus aguas en la siembra de algodón en Uzbekistán. Hoy en día el mar como tal ya no existe; únicamente una pequeña parte de él, en la frontera de Kazajistán, subsiste por medio de diques y represas. El Gran Aral –como se le conocía a la parte sur de este gran lago - era un sitio próspero donde se pescaba, se vacacionaba y, como se ve, se filmaba. Poco a poco los centros urbanos fueron abandonados al comenzar la desertificación del sitio lacustre e incluso muchos barcos quedaron encallados y hoy en día quedan como ruinas enmohecidas, entre restos de conchas petrificadas. Solo se ha vuelto a filmar una película de ficción en este lugar: Psy, de 1989, una cinta postapocalíptica que se sirve precisamente de los escenarios de casas y barcos abandonados para plantear una trágica historia sobre las consecuencias del abandono de la naturaleza por el ser humano. Ya en tiempos modernos se han realizado varios documentales de denuncia sobre el desastre ecológico y posibles vías para rescatar, aunque sea un poco, la biodiversidad del lugar. Con El número 41 reafirmamos el valor que tiene el cine, al menos como vía de registro y archivo: sin las imágenes que quedaron captadas por la lente de Serg ei Urusevski las nuevas generaciones no tendríamos la posibilidad de volver a ver ese m ar que hoy se antoja nostá lgico.
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Alimentándonos del séptimo arte
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