Cinéfagos - Número 42

No. 42 Abr.-Jun. 2020 Edición Trimestral

SIE7E

años

Alimentándonos del séptimo arte

EL CINE EN TIEMPOS DE PANDEMIA ESPECIALES: - Perversos polimorfos - La honestidad en el cine - La función del crítico RESEÑAS: - El ángel exterminador - Días de Invierno - No soy quien crees - Encuentro ENTREVISTA: José Luis Cano ADEMÁS: Cine surcoreano - Reboots - Villanos de Disney

Editorial

Apoyando a un festival inexistente Para las fechas en las que sale a la luz esta edición de Cinéf agos debería estar desarrollándose en Durango el Festival del Nuevo Cine Mexicano .

SIE7E

años

Escribo esto mientras miro los diseños hechos por Zatu Straftäter (quien hizo también la imagen del FICUNAM de este año ) en el que se anuncia la edición 2020 del Festival de Cine Mexicano. Diseños hechos en calcas, las cuales fueron colocadas en botellas de mezcal que el propio Christian promocionaba en sus redes sociales para financiar la que sería la tercera edición del certamen independiente, que ya hasta convocatoria para cortometraje tenía.

El camino estaba allanado, pues ya se contaba con apoyo de la UNES, del CORE, de la Secretaría de Turismo, de hoteleros y del IMCINE, quizá no con los recursos que Christian hubiera deseado, pero sí había con qué empezar a armar una edición que incluso tenía convocatoria para el primer concurso de guion dirigido a mujeres duranguenses, mismo que se mantuvo pese a que se canceló el festival, bajo la promesa de que se iba a buscar aunq ue sea un premio simbólico.

Y es este aspecto el que me animó a escribir esta editorial, pese a la animadversión que pudiera ganarme a partir de leer estas líneas del buen Christian e incluso de sus amigos. Y es que hubiera sido mejor que el concurso qued ara cancelado al igual que el resto del festival, pues al final las concursantes, por allá del mes de marzo (dos después del supuesto cierre de la convocatoria) recibieron

un escueto mail donde se les anunciaba la cancelación del concurso. ¿El motivo? La f alta de recursos para darles un premio. No me explico cómo es eso si la convocatoria estipulaba que las tres finalistas recibirían un taller con una importante guionista, misma que el propio Sida -Valenzuela me confesó que estaba dispuesta a venir a Durango expresamente para ese taller. No quiero ser mal pensado y prefiero darle el beneficio de la duda de que algo se complicó. A fin de cuentas, el coronavirus ya no deja hacer nada.

Si Christian hubiera sido profeta y adivinado el rumbo que tomarían las cosas con el Covid -19 a lo mejor ni anuncia nada sobre cancelaciones y deja que la culpa la tenga la pandemia.

Lo que no es culpa del virus es no tener la visión suficiente como para, mínimo, darles un reconocimiento por participación al menos digitalmente o una mención en las redes del festival, o siquiera anunciar en la página que el concurso se cancelaba y agradecer su participación.

Mientras veo donde colocar mis calcas, el poster y la botella vacía de mezcal de un festival que jamás existió, no puedo dejar de pensar en que las mujeres que fueron parte de la convocatoria deben sentirse timadas, pues la decisión de cancelar el festival seguro que fue algo que pasó por la mente de Christian mucho antes de anunciarlo oficialmente. Al final de cuentas los que sie mpre pierden son los espectadores, realizadores y guionistas duranguenses.

Andrei Maldonado

Contenido

DIRECTORIO

Director General Andrei Maldonado Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa

Fotografía Andrei Maldonado Erik Sandoval Fotografía Externa Cortesía

En portada: El Cine después de la pandemia... Pag. 3 Virus y pandemias en el cine... 7 La función de la crítica... 11 La honestidad en el cine... 17 Directores y películas surcoreanas... 23 Entrevista José Luis Cano... 29 Los perversos polimorfos... 47 Villanos de Disney... 53 Reboots, spin-offs y secuelas... 59 El Encuentro... 63 El Ángel Exterminador... 65 Días de Invierno... 69 No soy quien crees... 75

Colaboradores Juan José Antuna Deniss Barreto Mairely Yaresi Ulises Flores Diseño Andrei Maldonado

Alimentándonos del séptimo arte

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APRENDER PARA RECONSTRUIR El cine después de la pandemia del Covid-19 texto ERIC EDUARTE VILLA fotografía CORTESÍA

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Hace unos días mi Madre me dijo: "Nunca me imaginé que estaríamos en una situación así". Nadie se la imaginaba, ni yo. Siempre creímos que todo esto s olo pasaría en las películas, llegábamos a la sala del cine a comprar nuestro boleto, las palomitas y demás. Se nos presentaba en la película una trama apocalíptica, de zombies, de alienígenas, asteroides, cambios climáticos y hasta de Virus. Disfrutábamos la película a pesar de que sentíamos angustia, miedo, tensión, incertidumbre, nos paraliz ábamos y asombrábamos, al final nos llevaba a una reflexión y quizá la olvidamos porque seguíamos con nuestro ritmo de vida sin lograr un cambio necesario.

Empezamos una nueva era, nos adentrábamos a los nuevos años 20´s , la tercera década del Siglo XXI, la del Tercer Milenio, nos creíamos invencibles e inmortales teniendo control sobre este mundo, yendo y viniendo de un lado a otro, convencidos de nuestro lugar y dominio en la Tierra, parecido a lo que escribió H.G Wells en su novela "War of the World". N o, no aprendimos de la obra literaria ni de la cinematográfica de Steven Spielberg con esa introducción narrada por Morgan Freeman.

La ficción alcanzó la realidad y ahora nos enfrentamos a un monstruo microscópico que ha puesto a los habitantes de este planeta en una situación apocalíptica.

Aquellas historias que tanto nos fascinaron en una pantalla han dejado de proyectarse, de filmarse y no sabemos hasta cuando volveremos a presenciarlas como antes lo hacíamos. Y en un pensamiento negativo llevaríamos es to a un escenario sin retorno, marcándolo como un fin, y los que sobrevivan s olo les quedaría comenzar de nuevo.

Aunque siendo optimistas (y realistas ) en la posibilidad de comprender nuestro razonamiento, volveríamos a disfrutar del séptimo arte en una sa la y en filmaciones.

Mediados de febrero y se anunciaba el primer estallido contra el cine, el estreno de la nueva película de James Bond No Time To Die se aplazaría hasta el mes de noviembre del presente año . La noticia no caía bien para los seguidores d e la saga que ya la esperaban en los primeros días de abril, y se duda hasta el momento si la película logrará el éxito esperado en su nueva fecha, que ha decir verdad, octubre y noviembre han sido los meses de 007, el optimismo apuesta a que tendrá una gr an respuesta.

Pero no terminaba ahí la situación .

Paramount Pictures anunciaba la suspensión del inicio del rodaje de la nueva película de Misión Imposible en su séptima entrega, la penúltima de la saga (ya que también se tiene contemplado una octava antes de que Tom Cruise abandone el papel principal) la cual se rodaría en Venecia justo en la semana en que los casos de Coronavirus se dispararon en Italia.

Siguieron las suspensiones de películas . La nueva entrega de Rápidos y Furiosos ha aplazado su estren o un año, hasta mayo del 2021; otra película postergada fue Un lugar en Silencio 2 , cancelada hasta nuevo aviso ; por el momento no sabemos cuándo se estrenará, incluso se ha mencionado que se buscaría estrenarla en streaming.

4

No sólo ha sido el estreno de películas, también se han suspendido hasta nuevo aviso todos los festivales de la época de la primavera , sin nueva fecha, como el Festival Internacional de Cine en Guadalajara y el Festival de Cine de Todos los Santos , que se realiza en Baja California Sur, entre otros más dentro del país. Y el que más ha sido golpeado , anunciando la cancelación definitiva ha sido el Festival de Cine de Cannes, donde los organizadores buscaron una nueva fecha para medi ados de año, pero la idea es realizarlo como se ha venido haciendo siempre y que se logre disfrutar sin problema, por ello han decidido regresar con la edición 2021.

Hay festivales veraniegos que aún no parecen tan comprometidos , esperando llevarse a cab o y no tener que aplazarlos o cancelarlos, uno de ellos es el FICDU (Festival Internacional de Cine de Durango) el cual está fechado para llevarse a cabo a finales de junio . Por ahora se mantiene con la convocatoria abierta, aunque ya dio aviso que podría cambiar de fecha si la contingencia obligará a mover eventos del verano.

Igual se mantienen en pie los festivales otoñales y del invierno .

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Los Oscars y los Globos de Oro del 2021 saldrían afectados, ya que al no tener estrenos este año ambos premios no tendrían películas qu é nominar, no le s darían los reconocimientos a las pocas películas aplazadas al otoño e invierno.

Al no tener suficientes películas para nominar como siempre se verían

afectadas las ediciones del siguiente año, comprometiendo la realizac ión de ambos eventos.

Los festivales postergados talvez ya tenían su selección oficial y pueden tener el mismo cartel en su reanudación, el detalle es que los Oscars y los Globos de Oro toman las películas del 2020 y serían insuficientes con las estrenadas a principios de año y las de finales de otoño e invierno, en caso que ya estén abiertos los cines.

En la parte de la filmación se detuvo todas las producciones ya iniciada s y aquellas que estaban por comenzar también fueron suspendidas. Durante febrero y marzo miles de producciones se realizaban por todo el mundo, aquí en Durango a falta de dos semanas de rodaje fue detenida una serie. Todo eso ha causado pérdida de empleos, que es lo más triste y complicado por venir. En la industria fílmica hay miles de actores y personal técnico que dependen de esa fuente de ingresos , siendo la única que tienen, afectando a muchas personas económicamente.

Si esto podría empeorar, prácticamente todas las salas de cine en el mundo han cerrado sus puertas, donde también af ectan a miles de empleados que laboran en ellas.

Pero no todo est á perdido, ya que, aunque los cinéfilos también salen perdiendo por no mirar los nuevos estrenos, las plataformas digitales son las únicas que no se verán tan afectadas ya que, al estar las personas en casa sin actividades, ni escuela ni trabajo, pueden pasar el tiempo mirando películas y series en formato streaming.

Plataformas como Netflix, Disney+, Blim, Filminlatino y otras más ofrecen catálogos con una gran variedad de títulos, géneros y temas. Al menos el público tiene asegurado mucho cine en casa, tanto de ficció n como documental.

Curiosamente en medio de la cuarentena la película española El Hoyo está teniendo un gran éxito.

Pero no todo est á perdido, ya que, aunque los cinéfilos también salen perdiendo por no mirar los nuevos estrenos, las plataformas digitales son las únicas que no se verán tan afectadas ya que, al estar las personas en casa sin actividades, ni escuela ni trabajo, pueden pasar el tiempo mirando películas y series en formato streaming.

Plataformas como Netflix, Disney+, Blim, Filminlatino y otras más ofrecen catálogos con una gran variedad de títulos, géneros y temas. Al menos el público tiene asegurado mucho cine en casa, tanto de ficció n como documental.

Curiosamente en medio de la cuarentena la película española El Hoyo está teniendo un gran éxito.

Esperemos pronto volver a disfrutar de grandes historias en la pantalla grande, en un set, en un teatro, incluso algunas se crearán a parti r de esto. Pero algo s í debemos tener en mente : quizá los tiempos que vendrán no serán como antes (todavía es complicado asimilarlo y poco creíble, pero sucederá) y cuando veamos una nueva película reflexionemos sobre lo que se nos presenta y aprendamos pa ra tener un una sociedad y un mundo mejor. En algún documental escuché: "La tierra puede vivir sin el ser humano, pero el ser humano no puede vivir sin la tierra".

Esperemos pronto volver a disfrutar de grandes historias en la pantalla grande, en un set, en un teatro, incluso algunas se crearán a parti r de esto. Pero algo s í debemos tener en mente : quizá los tiempos que vendrán no serán como antes (todavía es complicado asimilarlo y poco creíble, pero sucederá) y cuando veamos una nueva película reflexionemos sobre lo que se nos presenta y aprendamos pa ra tener un una sociedad y un mundo mejor. En algún documental escuché: "La tierra puede vivir sin el ser humano, pero el ser humano no puede vivir sin la tierra".

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VIRUS Y PANDEMIAS EN EL CINE Primera Parte: Aislamiento

texto ERIC EDUARTE VILLA fotografía CORTESÍA

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Durante décadas el cine nos ha entregado películas bajo la temática apocalíptica, muchas de ellas sobre algún virus que desata una pandemia e infecta a la mayor parte de la población mundial. En esta primera entrega de Cinéfagos hablaremos sobre tres películas que llevan la temática de aislamiento y que también tienen una estructura de guion donde la película se lleva a cabo en lugares de encierro.

I'M LEGEND (Soy Leyenda) Estados Unidos, 2007 Una película de aislamiento, un virus que devora la humanidad y que nos presenta a la única persona sobreviviente del planeta es Soy Leyenda , protagonizada por Will Smith y dirigida por Francis Lawrence. La cinta n os lleva a la vida de un hombre , de cómo vive en la soledad de la gran manzana , solo acompañado de su perrita Sam . que si no fuera por ella quizá el científico Robert Neville (Will Smith) habría entrado en la locura y la perdición. La película está basada en la novela homónima de 1954 escrita por Richard Mathenson , que con esta termina siendo la tercera adaptación que se le hace, las dos anteriores son The Last Man on Earth (1964) de Ubaldo Ragona, y Sídney Salkow, y The Omega Man (1971), de Boris Sagal.

contagiando a la totalidad de la población mundial. En la soledad de Robert s olo le queda mirar en el televisor a través de VHS y DVD lo que la humanidad un día fue, cuando aún existían habitantes en el planeta. Cayendo poco a poco en la locura habla con maniquíes que él mismo ha colocado en diversos puntos de la ciudad , mientras busca alimento para sobrevivir . Si bien no tiene alternativa, acude a la caza de diversas especies de animales para su supervivencia.

Un virus que arrasó con la humanidad ha convertido a las personas en seres nocturnos , con características vampirianas , que de alguna manera no son zombie s, ya que hasta cierto punto siguen teniendo un razonamiento e incluso sentimiento s, pero con una actitud hostil . El objetivo de Neville es encontrar una cura para volver a la normalidad a todos los infectados, prácticamente a todos los humanos del mundo. Una película por momentos con una esencia de terror, ya que la cinta va más enfocada hacia la ciencia ficción y con características del drama. La banda sonora compuesta por James Newton Howard nos lleva la conexión de esos arcos de tensión hacía los instan tes de mayor drama y , sobre todo , de la soledad del personaje.

La cinta de Lawrence nos lleva también a esa reflexión de como la naturaleza comienza invadir todo lo que el hombre construyó. Después que un virus se convirtiera en una pandemia,

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TRAIN TO BUSAN (Estación Zombie) Corea del sur, 2016 Dirigida por Yeon Sang Ho, esta cinta nos adentra a la supervivencia de un grupo de ciudadanos coreanos a través de un tren en marcha que atraviesa distintas ciudades, sin saber qu é sucede fuera de los vagones . La trama nos lleva al encierro de este medio de transporte, donde en un espacio reducido el director es capaz de entregarnos una tensión, un terror y sobre todo un dramatismo tremendo. Nos muestra que no es necesario mirar ciu dades destruidas o ver al ejército combatir el virus a través de sus infectados para sentir dramatismo y emoción .

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Yeon cuida mucho los personajes que no sean simples protagonistas del suceso, sino que tengan una historia y arco dramático ; a la vez introd uce en cada uno la representación de cómo los gobiernos llegan a trabajar indebidamente las contingencias. Algo también interesante es c ómo mueve a través de una sola línea de escape a los personajes ; en un vagón en movimiento no hay más a d ónde ir. El peligro está fuera, pero también dentro, haciendo una película inquietante y desesperante y más aún para los que sufren de claustrofobia. Por momentos se vuelve un drama, englobando el trasfondo de la película, aparte de espantarte, seguro puede sacar te una lágrima.

REC España, 2007 Cuando casi todo el cine de zombies y de virus se concentraba en la industria Hollywoodense, de pronto aparece n un par de cineastas españoles, Paco Plaza y Jaume Balagueró, que lanzan un día el promocional de una película llamada REC. Lo que nos presentan en su primera entrega del 2007 fue algo que no se había visto antes, un falso documental donde una reportera de una canal de televisión de Barcelona acude u na noche a realizar un reportaje de cómo viven los bomberos de la ciudad e incluso los acompañan a un recorrido de una emergencia . Pero es ahí donde todo cambia y comienza n una serie de sucesos aterradores que nadie entiende por qué están pasando .

Surgen infectados que de manera violenta atacan a las personas sanas, infectándolos al mismo tiempo. La oscuridad, el espacio reducido de un edificio de departamentos donde la trama se vuelve un arma para llevar al extremo las sensaciones y emociones del espectad or, sin nada de soundtrack durante toda la película y s olo escuchando los sonidos y diálogos generados casi desde su improvisación, algo con lo que estuvieron casados los dos directores de la película. Buscaban generar un miedo real a los actores para hacer que sus interpretaciones tuvieran esa naturalidad al momento de que sucedieran las manifestaciones aterradoras .

Se optó por buscar gente con poca o nada de experiencia, hasta los castings realizados generaban esa intensidad : existía un guion, pero much as cosas no fueron dichas a los actores. Y para no caer en lo típico de un virus, al final nos introducen a la última habitación, la más pequeña de todas donde nos cambia todo y lo vuelve más espeluznante, resultando ser una posesión demoniaca que se va co ntagiando. Salir de esa función del cine provocó que esa noche muchos cinéfilos no durmieran.

REC reinventó las cintas de terror, antes de ello las bases ya la había colocado La Bruja de Blair . Pero muy alejada de las películas norteamericanas bajo este tema, REC nos introduce a la angustia y el miedo por los eventos que suceden sin explicación . El encierro y aislamiento en cuarentena de los personajes empieza n a llevar a los espectadores a esa incertidumbre de lo que ocurre , y gracias a la técnica de fal so documental , nos hace un personaje más.

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#Cobertura #Especial

LA VOZ EN LA PANTALLA La función de la crítica cinematográfica texto ULISES FLORES HERNÁNDEZ fotografía ERIK SANDOVAL/CORTESÍA

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La crítica de cine mantiene desde

fácilmente se puede uno perder.

hace tiempo un aura de maldad sobre

Después de todo, ¿aún hay tiempo

ella. No todos valoran el noble oficio

para leer seis párrafos en el periódico

que representa el crítico de cine para

cuando

una industria en constante flujo de

epidémica?

producción. Un sector la considera una voz quisquillosa proveniente del fondo de la sala, esperando con ansias

describir

cualquier

error

potencial de la película e inflarlo hasta que concluya su sección en el periódico o revista. Al menos eso es lo que s e ha creído cuando el mayor desgaste

del

crítico

es

el

de

conseguir una pluma y hojas para descuartizar una película que, para bien o para mal, intentó lo que toda cinta desea: ser una buena película.

vivimos

Quizá los tiempos

una

amenaza

actuales hagan

más difícil crear un acercamiento genuino a una lectura de carácter ambiguo, sin embargo, habría que permitirnos un voto de confianza y así distinguir entre una simple opinión (la cual es muy respetable) y una argumentación.

Una

opinión

disfrazada de crítica de cine es algo que podemos encontrar a menudo en redes sociales y, por ende, lo consideramos correcto. Los tiempos cambian y con ello también los

No todo el cine es bueno. Así como

críticos, quienes se han vuelto flojos

no todo el cine es malo. La idea de

al momento de ejercer su voz para

bueno y malo en tiempos del pulgar

invitar al público a visitar el cine por

arriba o abajo hace aún más ambiguo

medio de la palabra.

una posible descripción de este. Sin embargo, siempre habrá algo qu é rescatar de todo esto y que, en algún momento, se verá plasmado cuando las nuevas generaciones se acerquen menos a una crítica al momento de elegir ver una película. La crítica sé ha convertido , por su propia mano , en un vacío lleno de oscuridad, donde

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La verdadera misión de un crítico de

Un crítico debe ir más allá. Debe

cine es dar una voz más allá de lo

apartar los simples elementos que

que

muchos

se

ve

en

cinta,

no

comentan,

pero una

pocos

necesariamente de escribir una crítica

entienden.

“Tiene

que destruya a la película. Es una

fotografía,

las

cuestión profunda que remite casi a

sobresalientes, el director se superó,

un ritual, pues el crítico se verá

la banda sonora me puso la piel de

favorecido al ver la magia que corre a

gallina”, son los frecue ntes arquetipos

24 cuadros por segundo antes que

que se comentan.

muchas personas.

13

la

hermosa

actuaciones

son

Y

aunque

una

responsable de lo que se ve, se dice

conversación a la hora de la comida,

y se siente al momento de ver una

un

puede

película es una mezcla que se

esconderse en prototipos que solo

debería tomar muy en cuenta. Pero

rodean el verdadero sentir de lo que

pocos son aquellos que lo intentan. Si

la imagen presenta. Es por ello que

eres un lector c urioso, la obra

actualmente la sociedad en general

publicada del crítico de cine más

está presentando dos t ipos muy

importante en México, Jorge Ayala

curiosos de crítica cinematográfica:

Blanco, es un buen ejemplo en donde

crítico

sea

de

válido

cine

en

no

A) El público general que emite lo que pareciera ser la única visión posible de la película (y valiente aquel que la contradiga ).

B) La opinión del crítico de cine, cuyas

palabras

alcanzan

cierta

notoriedad por verse plasmadas en papel,

figurando

de

una

voz

respetable, pero que, de igual modo, peca en su misión de ofrecer a sus lectores lo que pareciera ser solo lo que él ve cómo jus to. La falta de rigor es una constante en ambos casos.

lo académico no necesariamente debe estar peleado con la voz popular, pues otorga un estilo único en su abecedario del cine mexicano.

Ser perezoso es fácil cuando se habla de producciones de Hollywood .

Con las cadenas de cine cerradas por el atenuante paso del virus del Siglo XXI, recluirse en casa y ver una película

es

un

procedimiento

aceptable por la facilidad de acceso .

Pero ¿qué ocurr ía cuando se iba al cine? Ninguna familia de clase media baja se atrevería a gastar más de 500

Por ello, ser crítico de cine es una

pesos (con las palomitas incluidas) si

misión

observan en la columna del periódico

que

puede

caer

en

la

oscuridad de lo ambiguo , al no

que la película de la semana tiene

entender que una crítica no es la

una estrella ¿ un sistema de cinco

definitiva y lo que se ve en la pantalla

estrellas es jus to?

es apenas un ligero atisbo de lo que otros más podrían ver y yo no.

Otorgar

una

visión

justa

y

14

La calificación de estrellas, que

Pero en donde inicia la voz del crítico

frecuentemente va de cero a cinco,

es justamente donde termina. No hay

siendo esta la máxima calificación, es

mejor promoción que el efecto, "boca

el

en boca". Aquel fenómeno, que aún

guía

para

espectadores

los

que ,

potenciales ansiosos ,

se

los analistas se encargan de resolver,

encuentran a la espera de ver los

pues por el modo en que se suscita,

estrenos de la semana. ¿En donde

es imposible replic ar como campaña

queda la responsabilidad del crítico si

publicitaria. Aquel fenómeno nace al

al final de escribir su columna

momento en que los espectadores

semanal, sentencia sus palabras con

abandonan la sala de cine, gustosos

las bonitas estrellas que, en la

por lo que acaban de ver.

mayoría de los casos, son confusas?

termina. Aquel fulgor incrementará en

¿Qué sig nifica cuando colocan tres

la semana laboral, donde al compartir

estrellas y media? ¿Qué la película

su experiencia, como si se tratara de

en cuestión es buena, pero pudo ser

una droga, los oyentes ansiarán

mejor? ¿Qué en realidad eran cuatro

disfrutar la experiencia. Esto asegura

estrellas,

del

la entrada de nuevos espectadores

periódico se quedo sin tinta? En

cada semana, gustosos de vivir en

tiempos de estrellas, es mejor ver una

carne propia lo que se menciona con

película con los ojos cerrados.

intensidad cada vez que llega la hora

pero

la

imprenta

de la comida.

15

Y ahí no

Aquel momento se mantiene puro,

Es un proceso que ofrece un

pues la imagen del crítico de cine no

sentimiento extra a la person a que se

hace su aparición. Es este modo que

tome el tiempo para leer la crítica y

todos

el

aumentar sus expectativas o invitarlo

momento de evaluar una película.

a revisitarla para que redescubra

Nadie está exento de eso y muy

elementos que no vio en un primer

posiblemente no exista una sola

acercamiento. Esa es precisamente

persona en el mundo que n o haya

una mezcla justa del noble oficio del

emitido un juicio antes de ver una

crítico de cine. Invitar al esp ectador a

película y haber cambiado su opinión

regresar

después de verla. Después de todo,

cinematográfica para asombrarse una

es ahí donde radica el espíritu de un

vez más con la magia y fantasía que

crítico de cine: ver lo que los demás

lleva consigo una ida al cine.

somos

partícipes

en

gustoso

a

la

sala

no ven.

16

#Especial

L´HONNETE EN EL CINE Ensayo cinematográfico sobre lo real en el cine texto DENISS BARRETO

17

En pleno mediodía dominical pausé la

paciencia, intento explicarles una y otra

película online que veía, me aburrió.

vez esta idea (que, para aclarar, esto

Decidí tomar un baño y después

no es invento mío, lo expusieron varios

terminar

filme

cineastas en sus primeras obras

galardonado en varios festivales de

durante las primeras décadas del

cine contemporáneo y de autor.

nacimiento del cine, uno de ellos Carl

Mientras me duchaba me cuestioné,

Theodor Dreyer, con La pasión Juana

renegué y confesé para mí misma:

de Arco

cada vez me gusta menos el cine (o el

críticos de cine lograron explicarlo en

cine contemporáneo, mejor dicho). Qué

ensayos y reseñas, entre ellos André

desdicha ¿Porque, mientras más cine

Bazin).

veo,

de

entender claramente estos conceptos,

encontrar algo bueno? Y la respuesta

pero después de varias jornadas lo

que me di, y la que usualmente siempre

empiezan a sentir, es evidente.

de

ver

menos

el

dicho

oportunidad

hay

de 1928, posteriormente

Los

alumnos

siguen

sin

es la que alego , ya sea con amigos o en clase, es algo en realidad muy

Gran parte de las actividades que se

simple, pero para nada sencillo: la

realizan en clase es la de ver películas,

verdad en el cine.

algunos dirán “eso no es tener clase”, pero créanme, a algunos alumnos esta

Imparto

clases

de

sencilla y armoniosa tarea les es más

universidades privadas, regularmente

pesada, nefasta y compleja que una

de

ecuación de álgebra. Al final tienen que

Historia

Apreciación

en

un

par

del

Cine,

Teoría

del

Cine

o

y

Guión

ver la película, aunque les cueste. Lo

cinematográfico, y durante los cursos

que los alumnos no saben es que en

se llega el día del semestre cuando me

las secuencias o escenas especiales

toca exponer a los alumnos el concepto

que se proyectan de la película mi tarea

de verdad y realidad

como profesora es el observar sus

en el cine.

Inmediatamente ellos ponen cara de

reacciones, de esta forma me doy

confusión y fingen entender lo que a

cuenta

veces yo tampoco entiendo lo que

sensibilidad y su apertura a

estoy diciendo (no es justificación, pero

apreciación, y no me refiero a que

es un hecho que si no ves cine

espero que se emocionen por la trama,

verdadero es muy difícil que entiendas

no,

el

concepto).

Con

suavidad

y

cómo

estoy

va

hablando

creciendo

de

que

su la

se

emocionen por la mera cinematografía.

18

Durante mis observaciones a los

Antes

alumnos

son

espectadores

ha

habido

ocasiones donde detecto a uno que

pode

otro viendo fijamente la pared vacía en

cine

vez de la película proyectada, la verdad

cread

no entiendo esto, pero me causa

verda

gracia. Y en otra ocasión vi la reacción

de e

de un alumno la cual me llenó de gusto.

mald

El chico veía junto a sus compañeros la

digam

famosa escena del dolly -in de Mónica

ese u

en el bar en la cinta Un verano con

verda

Mónica de Ingmar Bergman de 1953,

debe

su cabeza se fue hacia atrás mientras

para

decía “ah cabrón”, me dije a mí misma

con l

“este chico sí está logrando ver el cine y reaccionó a un destello de verdad y

Dejan

realidad en él”.

conti que

Y es que para ser cineasta o para

huma

simplemente poder ser

una

apreciar

propuesta

prese

cinematográfica se tiene que saber qué

verda

es la verdad y qué es la realidad en

difere

cine, y cuáles son las diferencias entre

base

ellas. El propósito de este texto no es

huma

en

ni

mism

sin

vemo

lo

cualquier

absoluto

discursivo,

19

abierto y

ni

de

ni

didáctico, acusación ;

embargo, trataré de exponer lo que en

conti

base a mis lecturas y experiencia he

respo

podido descifrar alrededor de estos dos

disgu

conceptos.

mund

Antes que nada, verdad y realidad no

Sorprendentemente

son lo mismo. Dejando esto claro,

encontramos en una época donde la

podemos proseguir. La realidad en el

mayoría

cine es el escenario impuesto por el

cinematográficas se encuentran en

creador (guionista y/o director) y la

crisis, de vez en cuando esto pasa, si

verdad en el cine, es la divinidad dentro

no, no hubiese surgido el Neorrealismo

de ese escenario, es la bondad y la

italiano o la Nouvelle vague, o el Nuevo

maldad, es el cielo y el infierno,

cine estadounidense, por ejemplo. De

digamos, es la ley y lógica que regla en

que se produce buen cine,

ese universo paralel o. Para construir la

verdadero , se produce, pero de q ue se

verdad sobre la realidad en el cine, se

vea y se aprecie, ese es otro tema. La

debe usar l’honnête (honestidad) y

verdad en el cine, no es única, no hay

para llegar a ella, se debe ser honesto

una

con la obra.

características

de

descripción

o

las

no,

nos

propuestas

real,

no

tangibles

real y

hay para

identificarla, no cumple reglas, más que Dejando en claro ambos conceptos,

el mero hecho de que sea original y

continuaré. En psicología hay teorías

propia del autor. Intentaré explic ar y

que confirman que cuando la ment e

exponer estos conceptos alrededor de

humana se enfrenta a sí misma ante

un ejemplo cinematográfico.

una irrealidad y/o mentira que está presentada como una realidad y/o

Lo más sencillo sería explicarlo a

verdad,

través de cualquier película de Andrei

esta

mente

colapsa

de

diferentes formas negativas. Esta es la

Tarkovsky,

base de los tantos traumas en que los

introducir al espectador a esta verdad

humanos nos vemos inmersos. Lo

en el cine de la forma más honesta

mismo suced e en el cine. Cuando

posible; también en su libro “Esculpir el

vemos una película donde su realidad

tiempo” logra aclarar el concepto por

contiene

medio de una maravillosa y elegante

falsedad

respondemos

con

e

ilógica

aburrimiento,

donde

fielmente

logra

filosofía.

disgusto o repudio, claro, esto en un mundo ideal.

20

Incluso, sería más sencillo atreverme a

Así que por ahora prefiero no meterme

destruir

en

un

par

hollywoodenses denominan

de que

películas

problemas

innecesarios

de

se

auto -

discusión. Intentaré, entonces, darle la

non-hollywood ,

como

vuelta a este asunto y apreciar algo

Marriage Story de Noah Baumbach,

distinto y no tan obvio.

Joker de Todd Phillips ambas de 2019, o películas hollywoodenses producidas

La película más estúpida y mala por

fuera del territorio estadounidense,

haber puede contener verdad. Existe el

como Roma de Alfonso Cuarón de

caso de The Room de Tommy Wiseau

2018, o Parásitos de Bong Joon -ho de

de 2003, ¿porque The Room, siendo

2019. Debo aclarar que no son

un desastre, f unciona? Porque en su

películas

totalidad, en su esplendor completo,

malas,

solamente

son

películas que no son verdaderas.

contiene el mismo nivel de defectos (mal guión, malos actores, mala

Y como ya mencioné que este texto no

dirección, mala música, etc). No hay

es didáctico, ni discursivo, no pretendo

otra cuestión fuera de su propio tono,

ni re-adoctrinar ni cuestionar las

no hay cosa mediana o mediocre, o

cualidades de estas películas ante

buena. Todo es abso lutamente malo y

ideales

todo surgió de la absoluta

románticos,

filosóficos

y

utópicos, porque let’s face it , estos

producto

ideales están en contra de los

percepción de Wiseau. The Room llegó

parámetros que la mayoría de los

a la cima de lo imperfecto y alcanzó la

medios masivos d e comunicación y de

perfección. Repito, para poder lograr

la “industria cinematográfica” reutilizan

ver y entender qué es la verdad y la

una y otra vez y celebran en estas

realidad en el cine hay que verlo.

películas,

como

si

fuesen

obras

creadas por los hijos perdidos de Bergman y Antonioni.

21

de

la

verdad,

honestidad

de

Regresando a mis anécdotas que

Cuando se quiere hacer una película lo

responden más a una figura cinéfila

primero que se tiene que saber es qué

que de cineasta, recientemente me he

tipo de película será, y para saber esto

encontrado en conversaciones con

se tiene que haber visto mucho cine,

alumnos, amigos y colegas, aspirantes

cine que se ame y que se odie. Así se

a cineastas, cineastas, que sin ánimos

logra la apreciación y una percepción

de ofender, hablan mucho de gente de

estudiada, y luego inherentemente

cine, pero no de cine. Sucedió algo

viene el gusto personal. Cine con

interesante con un par de egresados de

verdad y con honestidad . Una vez,

importantes escuelas, alguien me

logrando ver estas cualidades en el

platicaba sobre sus ideas para realizar

cine, se podrá ser honesto y crear

un cortometraje, me contaba de la

verdad. Dejando esto al querido lector

“historia” (empecemos a decirle por su

a su consideración, me dispongo a

nombre: trama), de los personajes, de

seguir viendo la película online que, sin

las locaciones, del nivel de complejidad

duda, es una película que no es

de producción, pero no mencionó

verdadera .

nunca la cinematografía, a lo que yo pregunté: “¿Cuáles son tus referencias

Nota de autor: Este texto se refiere al

cinematográficas?”, él respondió: “No

CINE en letras mayúsculas. Al CINE de

sé, pero hay un videoclip que me gusta

Tarkovsky, a l de Bergman, Bresson,

mucho, y asi quiero que se vea” (quizá

Antonioni,

Buñuel,

Fellini,

Kurosawa,

Dreyer,

Chaplin,

el videoclip contenga verdad). El otro alguien me dijo que pretende filmar cinco largometrajes en diez años, o algo así, lo recuerdo porque es una

Rossellini, Kubrick,

Haneke, Hitchcock, Truffaut, Godard, Varda, Scorsese, Resnais, Cronenberg, Lynch, Weerasethakul, Reygadas, Martel, Bilge Ceylan, Akerman, Herzog, Coppola,

ambición muy grande, en especial en

Ford Coppola, y todo el cine verdadero y

México, tuvo mi admiración por ese

honesto.

instante, después le pregunté qué tipo de cine es el que aspira hacer, dándole vueltas a la pregunta, no supo qué responderme.

22

#ProduccionesLaViejaEscuelaPresenta

MÁS ALLÁ DE BONG JOON-HO Películas y directores surcoreanos texto JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ

23

En la pasada edición de la revista , al escribir sobre la ceremonia de los Oscars, mencionaba que, si de algo debían servir y vale r estos premios, cuando el reconocimiento es para un director que no es de la industria hollywoodense completamente, era para que algunos cinéfilos en ciernes empezaran a conocer y descubrir su filmografía, y dado el caso del pasado gran ganador de los Osca rs, la filmografía de su país.

De ahí que me he permitido escribir para las páginas de Cinéfagos una selección de los directores más importantes de los últimos años del cine surcoreano y algunas de sus películas. Sin afán de decir si son mejores o no que Parasite, eso es algo que cada uno de ustedes podrá valorar y analizar, pero sin lugar a dudas es de reconocerse que, si el cine surcoreano tiene algo, es calidad, una personalidad única, además de propia y valiosa, que deriva de diferentes propuestas, disc ursos y obras que van más allá de un género o una peculiaridad.

Bong Joon -ho Menciono en primer lugar al gran ganador del Oscar pasado , no porque crea que es el mejor en la lista, sino porque creo, como ya lo mencioné en un texto escrito para Producciones “La Vieja Escuela” Presenta: que este reconocimiento le ha venido luego de años de estar “picando piedra” y entregando obras extraordinarias, incluso muy superiores a Parasite , desde mi perspectiva.

Mencionar sólo un par sería muy difícil, porque práctica mente todo lo que ha realizado tiene una calidad excepcional, (quizá sólo se podría menospreciar Okja, pero tampoco es un desastre ni mucho menos, sólo que ya era algo que el director había mostrado magníficamente en una de sus mayores obras: The Host ) pero si habría que mencionar dos estas serían Mother , excelente thriller sobre una madre tratando de demostrar la inocencia de su hijo con retraso mental que es acusado de haber cometido un crimen, y Memories of murder , una película que por donde se le vea es una obra maestra y lo mejor que el director ha realizado a todas luces.

24

desde una mirada muy poética, muy estilizada, y si bien no se puede decir que sea un director muy fácil de digerir por el tono y ritmo de sus películas, tampoco tiene un discurso muy elitista; hay una gran importancia y carga de discurso en torno a las relaciones humanas, incluso hay quienes lo ponen a la altura en su discurso a grandes maestros del cine com o Robert Bresson y Eric Rohmer.

Hong Sang -soo

Un director que se ha paseado

Sin lugar a dudas, para m í este es el

prácticamente por todos los festivales

gran director hoy por hoy del cine

de cine, porque fuera de ellos sus

surcoreano, ahora expongo el por qué

películas no logran llamar la atención

de mi contundente afirmación. Para

del gran público, y ni qu é decir del

empezar, tendría que hablar de su

éxito comercial, pero la razón de que

dedicación al cine casi religiosa. No sé

siga consiguiendo financiamiento para

cómo me podría n tomar muchos la

sus películas es el hecho de que logra

comparación

filmar

que

en

seguida

hacer

sus

películas

realizaré, pero el hombre es algo así

(extraordinarias a mi parecer) con muy

como Woody Allen en cuanto a la

poco dinero, por si había otra razón

dedicación que tiene hacia el séptimo

más para admirarlo.

Sus grandes

arte, desde que el hombre empezó a

logros

considerados

realizar cine en 1996, (a los 35 años

Hahaha , Nobody Daughter Haewon , la

de edad) se ha mantenido muy ac tivo

coproducida con Francia La cámara

rodando una película al menos cada

de Claire , y Hotel by the river ; mi

dos años, o dos películas por año .

favorita, On the beach at night alone , y

Por otro lado, su filmografía enfoca su atención a la cotidianeidad de Corea

25

y

podrían

ser

esperando impacientemente su más reciente película The woman who ran .

Park Chang -wook

Podríamos empezar hablando

Sin duda alguna Park Chang -wook, sobre el mismo Bong Joon -ho, es el director más reconocido y mediático de Corea del Sur, y no por eso digo que sea demeritoria su calidad como director . Para muchos es el Quentin Tarantino de Corea, si

bien podría

decirse que hay similitudes en sus estilos; no es del todo cierto, pero tampoco falso, así como no es del todo un halago o un cumplido.

de

Thirst , fantástica obra que con un estilo muy noir, pero dentro del género del terror, aborda la historia de un sacerdote

(magistralmente

interpretado por el que quizá sea el mejor actor dado por esta nación: Song Kang -ho) que está enamorado de la esposa de su mejor amigo, pero que está sufriendo una transformación de la que él no estaba consciente por un experimento médico al que se somete, y que precisamente viene en

Quizá debería empezar comentando

esta situación que afronta.

que el hombre es mucho más que la “Trilogía de la venganza ”, hablando del reconocimiento que se le hace a estos directores , que luego de ver sus películas más mediáticas que los ponen en el ojo occidental gracias a comentarios y halagos de reconocidos directores de ocasión, como el antes mencionado Tarantino, Chang -wook tiene en su haber grandes obras cinematográficas muy alejadas de este estilo revulsivo que tanto le aprecian sus seguidores en su muy famosa trilogía, que aclaro, la aprecio, me gusta bastante, pero para nada es lo mejor en su carrera.

Otra gran obra muy diferente a lo que se le conoce comúnment e a este director es Joint Security Area , una película con muchas similitudes con la obra maestra de Bong Joon -ho, por como mezcla géneros en una sola película, no tan definidos o separados como lo hace Joon -ho, ya que en esta se entrelazan más armónicamen te, nunca se le ve una división tajante y que aborda un tema por demás importante. Acá no sólo hay identidad (como en el cine del mencionado Joon-ho) o cine social (como en el cine de Chang -dong), hay realidad.

26

Kim Ki -duk No podríamos tener un texto completo con lo mejor del cine surcoreano y sus exponentes sin mencionar, de manera además muy especial, la filmografía de este director, q ue me parece es quien mejor lleva su discurso a la importancia propia de la historia y los valores de este país.

Kim Ki -duk, con una filmografía no tan extensa, pero s í muy contundente, muestra en sus películas un valor y Y no podría dejar de mencionar la que no sólo yo, sino muchos cinéfilos “de hueso colorado” y serios estudiosos del cine, consideramos como la mejor película del director: The Handmaiden .

No sólo logra llevar al máximo el discurso y el empleo del lenguaje cinematográfico echando mano a toda herramienta,

técnic a

y

discurso

labrado en la historia de este arte, sino que su historia se amolda a un tiempo de la manera más necesaria posible, pero sin dejar de lado la calidad y lo que realmente es importante. Logra ser efectiva, útil y , además , de época, por si se ten ía una duda de que este hombre sabía hacer algo más que

27

secuencias violentas.

una importancia a la naturaleza y

la

misma naturalidad del hombre, desde el lado más marginal y espiritual, al cual el propio director se siente muy identificado, y que por algo es muy característico en su cine y en él , de ahí que él mismo actúa en los segmentos “Invierno” y “Y primavera o tra vez” de la película Primavera, verano, otoño, invierno y primavera otra vez .

Lee Chang -dong Debo decir que si bien no considero

Sus películas Oasis y Poetry son

que Lee Chang Dong sea el mejor

muestra de ello, un par de bellas obras

director de cine surcoreano de nuestro

que fusionan de manera magistral

tiempo, s í se ha convertido en mi

ambas cualidades en su cine, pero a

favorito. Un director que base a un

diferencia

lenguaje muy propio, y además muy

maestra sí recae en su más reciente

mesurado , logra a través de sus

película:

historias

adoradores de Parasite , si no han visto

un

discurso

muy

bien

de

Joon -ho,

Burning .

Para

su

obra

aquellos

planteado y desarrollado . Además de

la antes citada, quizá los haga

eso crea un diálogo que combina a la

reconsiderar cual es la gran película

perfección lo social con e l dominio de

surcoreana de los últimos dos años.

la cinematografía en toda la extensión de la palabra.

28

#Entrevista

JOSÉ LUIS CANO La nueva sangre del cine duranguense texto JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ

29

En el número pasado de Cinéfagos,

directores lo han hecho, y sólo

mi amigo Andrei Maldonado hacía un

saberse rodear de apasionados que

recuento de todos esos directores

busquen lo mismo, sí es importante

que, de al menos los últimos 10 años

saber lo que esta generación dotada

a la fecha, han venido haciendo, cada

de

uno

propiamente formado por la inquietud,

desde

sus

posibilidades,

proyectos,

lenguajes

e

conocimiento

más

allá

del

el análisis y el “cineclubismo” (una de

inquietudes, que el cine e n Durango

las mejores herramientas y formas de

vuelva a tener una identidad muy

aprender cine que hay).

propia, gracias a los festivales, y a pesar de lo que big industry nacional e internacional puedan hacer por el estado y la ciudad.

De ahí surgió mi interés por poder charlar y preguntar en torno a su obra, el sentir de lo que él cree que viene para las personas que buscan

Dentro de este recuento me pareció

realizar cine en Durango, de ahí fue

muy acertado el hecho de que Andrei

que me acerqué a uno de las jóvenes

mencionara a los que hoy día

promesas de esta nueva sangre de

comienzan esta aventura con una

realizadores duranguenses: José Luis

herramienta que quizá los pioneros

Cano.

no tuvieron: la enseñanza académica por parte de expertos, esto desde la creación. hace c asi tres años, del Centro

de

Cinematografía

y

Actuación Dolores del Río (CCA).

Antes de abordar la charla/entrevista que sostuve con el joven realizador de 23 años , que es un cinéfilo en toda la extensión de la palabra (la cantidad de películas que pudo ver el año

Si bien es verdad que para que

pasado me dejó impresionado y que

alguien busque hacer cine debe

fue gracias en parte a otra actividad

gustarle el cine, y en muchas

que realiza y que platicamos durante

ocasiones eso es inclusive lo más

la charla) y miembro de la primera

importante, sin siquiera tener la

generac ión del CCA, debo mencionar

necesidad por pa sar por una escuela

como es que surgió la oportunidad de

de cine, como muchos grandes

poder charlar con él.

30

De hace medio año para acá el hecho

reciente trabajo realizado por el buen

de escribir sobre cine y mi cobertura

Cano.

a los diferentes festivales a los que tengo la posibilidad de asistir por gracia del lugar donde vivo, me ha hecho coincidir y conocer a muchas personas que de una u otra forma pertenecen

a

esta

productores,

directores,

industria: actores,

guionistas, escritores, críticos, etc.

lleva por título este notable y destacable

trabajo,

el

cual

se

distingue por dos cosas en particular.

La primera, la forma en que retrata y narra una relación amorosa que pareciera podría ser una relación hasta cierto punto perfecta y estable;

Eso ha hecho que empiece a recibir

pero una so la acción tan simple como

tanto comentarios de mi trabajo como

preguntar cuál sería la canción que te

oportunidad de visionar trabajos en

gustaría escuchar en el fin del

proceso, películas de muy difícil

mundo, rompe la falsa ilusión de

acceso o que sól o están guardadas

estabilidad en una relación a todas

en discos duros de sus propios

luces tóxica.

realizadores, incluso películas que están por estrenarse o cortometrajes que están “festivaleando”.

31

Una canción para el fin del mundo

Una relación en la que más de uno se puede

sentir

identificado

precisamente por una palabra clave

En lo que va de este año he tenido la

que he mencionado, y que no es

posibilidad de poder ver tres trabajos

“tóxica”,

que están en las descripcione s

iluminación más que atinada y sutil

anteriores, una película aún sin

que lo hace a un colocarse en el ojo

estrenarse y un par de cortometrajes

del huracán que se está formando en

que buscan un lugar en importantes

esta secuencia.

festivales de cine (incluso uno de

que también llamó poderosamen te mi

ellos

de

atención es que el cortometraje está

proyectarlo y presentarlo en la ciudad

filmado en un solo plano secuencia,

de Durango) y uno de ellos es el más

fotografiado en un sublime blanco y

tuve

la

oportunidad

negro.

sino

“luces”.

Hay

una

La segunda cosa

Aunque para muchos críticos y

¿Háblame un poco como nació la

realizadores esto no es importante,

idea de este cortometraje?

para mí siempre habrá una necesidad de entender un poco el contexto de la obra de las palabras de su realizador y entender también un poco la conexión que su trabajo y él como persona podrían tener, y crear una línea

narrativa

que

nos

hagan

entender, apreciar y analizar a la obra y al autor. Y a raíz de esto, y gracias a que Cano accedió a esta charla, esto es lo que me pudo comentar.

Antes que la idea, lo que nació fue la intención de querer hacer algo. A finales del año pasado, luego de haber salido del CCA, platiqué con Alejandro Subia, quien es el fotógrafo del cortometraje y quizá la persona con la que mayor esto y conectada en cuanto al cine se refiere, puesto que empezamos

este

sueño

prácticamente juntos hace cuatro años. Él quizá sea más joven que yo, tiene 18 años, y el conocimiento que tiene de cámaras es magistral, para mí es una de las grandes promesas del cine duranguense en cuanto a la cinefotografía se refiere.

32

Entonces le hablé de mi intención de

Ya que lo tenía listo se lo pase a

querer hacer algo, porque de los siete

todos mis amigos de confianza del

trabajos que he realizado seis han

CCA con los que quería hacer algo,

sido con él. Empecé a escribir el

porque eso es otra cosa que quería

guion, que fue algo muy difícil para

hacer yo con este cortometraje, poder

mí, a decir verdad, porque nunca

trabajar con todo este grupo de

había escrito un guion con tantos

excelentes

diálogo s,

páginas

algunos había podido trabajar en la

completas, y además de eso la

escuela y con otros no. Y decidimos

responsabilidad

que, pasadas las fi estas de fin de

son

ocho

de

que

fueran

aterrizados, poder darles la fuerza para que el espectador se sintiera enganchado desde un principio.

33

personas,

que

con

año, empezaríamos a trabajar en ello.

¿Cómo es que nace la idea de

que

hacerlo en un plano secuencia?

iluminación tenía que parecer que

La verdad es que la idea fue de Kevin

me

comentabas ,

que

la

fuera una iluminación de casa, tenía que tener verosimilitud, sin que se

Martínez, quién es el actor.

notaran las lámparas que utilizamos, Es el mismo actor de Guajiro de

que fueron muy especiales, también

Juan José Hinojosa, ¿cierto?

el detalle de las velitas que no sé si

Sí. Yo ya había trabajado con él

pudiste notar.

también en mi anterior cortometraje

Y además el

de ficción El Retorno Perpetuo . Y la

empezamos el cortometraje con la

cosa surgió porque yo quería que él

bocina

fuera el actor, y cuando me reuní con

encendidas, y al final este termina

él y con Subia les mostré el guion y

justo enfocando el punto de vista de

en este sólo tenía en el encabezado

la cámara, sobre la bocina encendida

HABITACIÓN –NOCHE,

fue

y las cámaras apagadas. Debo decir

entonces que me dijo que por qué no

que este lo escribí antes de haber

lo hacíamos en plano secuencia.

visto 1917 (risas). También trabajó en

Según yo, o al menos hasta donde he

el proyecto Fernanda Burgos como

investigado, no hay precedentes de

diseñadora de arte y Jazmín Ibarra

que haya un cortometraje en plano

como

secuencia en Durango, así que

detalles el set para que fuera una

vendría a ser el primero filmado

extensión de lo que estaban pasando

y

de

de talle de cómo

apagada

decoradora,

y

las

llenaron

velas

de

esta forma.

los personajes en su relación, es algo

¿Quién más colaboró en este

que se nota de un punto a otro, tanto

cortometraje?

en la parte tranquila como en la más caótica.

Francia Correa estuvo trabajando muy cerca mío y de Subia ya que fue quien nos ayudó en la iluminación, y la verdad es que su trabajo fue bien importante, y además muy sutil por lo

34

35

Fue un trabajo muy arduo el que

Con ellos empecé a trabajar un mes y

realizaron

ellas,

medio antes al día del rodaje. En

prácticamente

que

tuvieron una

realidad, no hic imos ningún trabajo de

habitación y hacer paredes falsas en

ensayo, salvo unos días antes para

el lugar donde filmamos y me parece

ver cómo se tenían que mover frente

que su trabajo también es por demás

a la cámara, fue un trabajo muy

importante para que el cortometraje

coreográfico

quedara de una manera en la que

Realmente la preparación en sí fue

todos termináramos satisfechos con

reunirme con ellos varias veces a la

el resultado. Carmen González fue

semana en la casa de la actri z y

asistente

hacerles

Salgado

de fue

construir

dirección, la

Beatriz

encargada

en

preguntas

ese

aspecto.

sobre

sus

de

personajes, como “¿Cuál es el color

peluquería, Alma Luna fue gerente de

favorito de ella?”, o “¿Cuál es el

producción, Menny de la Hoya fue el

nombre de la mamá de él?”, ese tipo

productor.

de cosas, quería que se conectaran y

¿Por qué era tan importante que

entendieran al personaje, que lo fueran construyendo de esta manera,

filmaran en este lugar?

más que a la situación que estaba en Para mí era muy importante que

el guion y que ellos vivirían en el

tuviera este tipo de vista de fondo y

momento de la realización.

no fuera una habitación cerrada. Las luces

de

la

ciudad

eran

muy

importantes y también hacían juego con la iluminación del mismo set. Fue difícil en contrar un lugar tan alto, porque luego acá en Durango no hay muchos lugares que sean más altos de cuatro pisos.

El

día del

secuencia

rodaje hacíamos la y

conforme

se

iba

desarrollando yo tenía que hacer anotaciones en mi cabeza sobre que se tenía que corregir. Ya que se terminaba hablaba con ellos y les daba el mismo tiempo de descanso que duraba la secuencia, porque sé

¿Cómo fue el trabajo con los

que son actores además de muy

actores?

profesionales, muy comprometidos con sus personajes .

36

Kevin

tiene

un

andar

bastante

Y me pareció interesant e escribir esta

importante en la escena local y

historia sobre el amor y las relaciones

Melissa Zaragoza, que es la actriz,

tóxicas, parejas que no funcionan por

tiene más de 20 años de trayectoria

la falta de comunicación, pero siguen

en el teatro en Durango, de modo que

a pesar de las peleas. Queríamos

sabía la responsabilidad que tenía a

hacer con este cortometraje algo

la hora de dirigirlos, y también tenía

diferente, superar lo antes hecho.

que tener un tiempo para borrar todo

Tuve muchas inseguridad es a la hora

lo que había “corregido”, para no

de escribirlo por lo que te comentaba

confundir con lo que habría que

que no había escrito tantos diálogos

corregir de la siguiente secuencia.

nunca

¿No tuviste alguna clase de ayuda en

la

lectura

de

guion

precisamente para este tipo de

en

ninguno

de

mis

cortometrajes, pero al final resultó que mientras escribía el tercer acto, y al momento de realizarlo, me di cuenta que todo encajaba perfecto,

correcciones?

y

eso fue como una especie de No lo creí necesario porque este

revelación para mí, al ver que sí

guion yo me lo aprendí de memoria,

sabía lo que estaba haciendo.

en serio. Eso se debe a que este quizá sea mi guion más personal, o con el que más me he involucrado.

37

¿Cuánto tiempo te llevó el rodaje del cortometraje?

Dos diálogos del corto son en

Alrededor de 8 horas desde que el

realidad

equipo empezó a montar todo

de

dos

situaciones

se

dejó

recogido

hasta

personales que viví, o que p ude

que

el

haber vivido. Los otros los escribí de

departamento. Yo l legué un poco

pláticas con amigos, o luego de cosas

después del inicio al set. No me

que escuchaba en el camión y

preocupé en ningún momento por

anotaba en una libreta que llevo todo

esta cuestión porque confío tanto en

el tiempo conmigo donde escribo

este equipo que se formó, que sabía

cosas que quizá pueden servirme

que todos harían lo que tenían que

para futuras ideas.

hacer.

Además, debo volver a reconocer la

además

labor de Subia ya que en todas las

importantes que hemos tenido y que

tomas no se ve en ningún momento

han ganado un montón de Arieles, la

que la cámara se desestabilizara o se

verdad es que el CCA sirve para algo

viera movida, salvo el movimiento

muy bonito que no es sólo el crear un

propio al seguir la escena, que en

sueño, sino crear un su eño con

esto le ayudó el asistente de cámara

personas que te apoyan, compartir

que fue José María Gusiñer, que fue

con alguien ese sueño.

quien nos facilitó el equipo, y que también es un cinefotógrafo muy talentoso que estudió en el CAAV en Guadalajara. Sólo hubo un problema en la secuencia que en un momento se ve la sombra de quien nos ayudó en el sonido di recto, que es Francisco Noriega, y que era algo que no se podía evitar, pero en eso nos ayudó Juan

José

Hinojosa,

quien

fue

encargado de VFX. ¿Háblame

un

de

tantos

profesores

El cine es muy pesado, esto es sólo para gente muy apasionada, si no te apasiona, no es para ti. Pero, así como es de pesado como muchos otros trabajos, se siente bien bonito llegar a tu cas a luego de una larga jornada sabiendo que estás haciendo lo que amas, que estás compartiendo con personas igual de apasionadas que

tú.

Estás

acompañado

de

cómplices que alimentan tus sueños. poco

de

tu

experiencia en el CCA?

El CCA nos enseñan a entender el equipo técnico, la animación, el

Creo que puedo hablar por todos mis

sonido, las cámaras, pero lo más

compañeros al decir que es la mejor

bonito que nos da el CCA es la

experiencia de vida que hemos

motivación y el hacerte saber y sentir

tenido. Si bien la gran mayoría de las

que eres capaz de lograr lo que

personas podría creer que lo mejor

quieras, y no sólo lo hacen por

de estar en el CCA es el tener como

hacerlo, si te lo dicen es porque así

profesores a gente tan reconocida

es, los mensajes son claros, así como

como Damiá n Alcázar, Ángeles Cruz,

cuando te eq uivocas te lo hacen

el mismo Juan Antonio de la Riva,

saber.

38

Y

no

es

cortometraje

casualidad esté

que

este

lleno

de

vez que

gusta qu

compañeros de la escuela, y no sólo

película

de mi generación, sino también de la

que la ha

segunda, que creo soy la persona que más se involucró en conocer a la mayoría de los compañeros de la escuela, que iban de todas

las

¿Qué e

Cano, o

a pensa

ser reali

edades, desde los 18 hasta los 30. Y es que para mí el cine es eso, un arte

Siempre

colectivo, el cine es la colectividad ,

realizabl

por eso puedo decirte que por muy

cosas

personal que sea un trabajo mío,

capacida

siempre trato de involucrarlos en las

pasiones

decisiones que se van a tomar en

tema en

cualquier área y departamento de la

mucha

producción.

resignac

trato con Les muestro mi visión y lo que quiero hacer, pero les doy la libertad de que ellos me muestren una propuesta, y en base a eso llegar a un punto medio, en el que todos sintamos que este proyecto es de todos, y no se los digo sólo para motivarlos, sino porque así lo siento. Yo soy el que toma la decisión al final, por supuesto; pero para mí es importante que todos se sientan parte de esto, porque sin ellos, sin mi equipo y su talento, no podría hacer na da, por eso para mí es tan importante reconocerlos cada

39

gran es

contra a vida va tengas

luchando posible realidad pues no

que puedo. Por eso nunca me gusta

coronavirus, que hay personas que

que se diga la palabra “una película

tienen que quedarse en casa a pesar

de”, cuando es de todos los que la

de vivir al día y que si no trabajan se

hacen.

van a morir de hambre, o salir y

¿Qué es lo que hace escribir a Cano, o cuáles emociones te llevan a pensar que una historia puede

exponerse aún más a la muerte.

También la lucha del feminismo y todas estas mujeres, y es algo que veo más presente en esta generación

ser realizable?

que ya no se conforma y que incluso Siempre trato de escribir cosas

confronta viejos vicios, y esta lucha

realizables. No me gusta escribir

me parece muy loable.

cosas

muy

capacidades.

ajenas En

de

cuanto

mis a

las

pasiones que me mueven, si hay un tema en mis trabajos que toco con mucha constancia es el de la resignación, por lo general en todos

Me gustaría que me hablaras un poco de Centauro . Cuando me comentaste que había sido un trabajo muy improvisado, ¿a qué te referías con esto?

trato con personajes que luego de un

Es que fue un trabajo que surgió y

gran esfuerzo por retener o luchar

que hicimos muy rápido. Debo decir

contra algo, se dan cuenta de que la

que

vida va a continuar, tengas o no

documental que tengo, y el mejor

tengas eso por lo que estabas

realizado.

luchando. Puedes tratar lo más

acabábamos de ver Subia y yo la

posible por conseguirlo, pero si la

convocatoria para la última edición

realidad te dice que no es para ti,

del Festival de Cine Mexicano de

pues no lo es.

Christian Sida y queríamos mandar

Eso al menos en mi obra de ficción, en el documental es diferente. Y es algo que toco constantemente porque es algo que incluso vivimos como país todo el tiempo, ahora con lo del

es

el

tercer

Para

cortometraje

Centauro

algo, pero la fecha límite era en tres días, de modo que le propuse a Subia hacer un trabajo para cerrar la trilogía de la nostalgia entonces investigando sobre qué lo podía hacer, mi mamá

40

me dijo que había conocido a una

consiguió que nos dejaran pasar y

persona cercana a Hernando Name y

grabar, como los caballos que salen

yo le dije que estaba haciendo un

en el corto. Subia y yo nos reunimos

cortometraje y que me gustaría

en un café y empezamos a editarlo,

entrevistarlo, y al día siguiente me

fue un proceso algo complicado por

dijo que el señor me esperaba a tal

todo el material que teníamos. Y pues

hora en su casa.

así, en un proceso de tres días,

Entonces le hablé a Subia y a Carmen González, que fue quién nos

quedó seleccionado.

ayudó con el sonido directo, para ver

Y fue algo que nos dejó muy

si podrían ir, me dijeron que sí, y así

satisfechos

fue. Horas antes de ir me puse a

interesantes: la primera, y quizá esta

investigar y ver entrevistas para no

es la más personal, es porque el

preguntarle lo mismo que ya le

cortometraje fue muy aplaudido en

habían preguntado, y el señor nos

las dos proyecciones que tuvo, y la

atendió y l a charla fue muy extensa y

segunda, que la mayoría de la gente

nos platicó de muchas cosas, en

que se nos acercaba a darnos algún

ratos yo estaba platicando con él y le

comentario nos decía que les había

decía a Subia que grabara ciertas

gustado mucho porque era el único

cosas y detalles de su casa, y al final

de los cortometrajes que tenía un

la charla fue sobre el oficio de

final feliz, y eso es verdad. En esa

director, y sobre el cine de antes y el

última edición de Hecho en Durango

cine de aho ra.

todos los cortometrajes tenían una

Me gusta mucho el final donde dice que volteas hacia atrás a ver todo el camino y te das cuenta que vale la pena. Naces, mueres y vuelves a nacer en el cine. Después fuimos a grabar a Chupaderos y Paseo del

41

quedó listo, lo mandamos a tiempo, y

Viejo

Oeste,

mi

hermano

nos

por

dos

cosas

temática muy triste, muy depresiva, los finales eran tristes, violentos o depresivos y creo que eso es algo muy presente en esta generación, la depresión.

Entonces Una canción para el fin

terminando la producción entramos a

del mundo ya se está festivaleando

la escuela (risas).

¿Podrías decirme en qué festivales lo postulaste?

Pero de alguna manera para eso les

sirvió

la

escuela,

para

Está ahora mismo en 10 festivales.

acostumbrarse a ese estilo de vida,

Está en el Shorts, en Guanajuato, en

el de las producciones.

Monterrey, en otros 3 en Ciudad de México. También lo

mandamos a

Costa Rica, a Ecuador, a un festival en Colombia y a otro en Alemania. A mí la verdad con que quede en uno me quedo satisfecho, que se pueda ver en otro lugar que sea fuera de aquí. Buscábamos que acá fuera la primera proyección, pero ahora que se ha cancelado todo por lo del coronavirus, y sin fecha para poder reprogramarlo,

ya

veremos

Totalmente. Cuando estaba en el CCA era estar

todo el

tiempo

haciendo

si

estaba

algo,

no

investigando algo, o haciendo u n ejercicio para la escuela, o en una producción, o incluso viendo una película que me iba a servir. No estaba

en

ningún

momento

de

ocioso, por eso ahora me es tan difícil estar sin hacer nada en mi casa (risas).

qué

sucede.

Háblame un poco de cómo te llegó la oportun idad de ser programador

¿En qué otros proyectos has colaborado?

Mientras estuve en el CCA estuve en el departamento de arte de la película El diario de Karem por dos meses.

Fue un trabajo bien intenso, al que yo me integré días después del rodaje, pero fue un trabajo muy gratificante, porque pude observar todo en torno a

del Vancouver Latin America Film Festival (VLAFF) Christian Sida, que desde el principio ha apoyado mucho al CCA, le dijo a Libertad Salgado, que es la directora de la escuela, que quería abrir dos vacantes a gente joven y nueva en el medio, para integrarlos al equipo del festival.

una producción tan grande. Luego ya no me pude reponer a eso porque

42

terminando la producción entramos a

conocimiento y el criterio, el aguante

la escuela (risas).

de ver tantas películas y de diferentes

Pero de alguna manera para eso les

sirvió

la

escuela,

para

acostumbrarse a ese estilo de vida, el de las producciones.

CCA era estar todo el algo,

si

no

tiempo estaba

en mí.

el voto de confianza.

Si. Entonces Christian me contactó y me dijo que quería invitarme a esto, y

investigando algo, o haciendo un

yo le dije que sí, me pregunt ó que

ejercicio para la escuela, o en una

quién creía yo que podría sumarse

producción, o incluso viendo una

también al proyecto, conociendo a los

película que me iba a servir. No

alumnos, y yo le dije que la única que

estaba

de

encontraba capaz para eso era a

ocioso, por eso ahora me es tan difícil

Jackelyn González, y que incluso ella

estar sin hacer nada en mi casa

y yo podíamos reunirnos a hacer una

(risas).

selección entre los dos a analiza r y

en

ningún

momento

Háblame un poco de cómo te llegó

discutir las películas.

la oportunidad de ser programador

Entonces accedió, y fue algo bien

del Vancouver Latin America Film

padre,

Festival (VLAFF)

demandante porque había que ver en

Christian Sida, que desde el principio ha apoyado mucho al CCA, le dijo a Libertad Salgado, que es la directora de la escuela, que quería abr ir dos vacantes a gente joven y nueva en el medio, para integrarlos al equipo del festival. Entones él le dijo que dentro de los alumnos a quien quería tenía que ser capaz, además tener el

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dijo que en el único que pensaba era

Entonces, Libertad fue quien te dio

Totalmente. Cuando estaba en el

haciendo

ritmos y temas. Entonces Libertad le

pero

también

muy

un corto lapso 70 películas de las cuales

solo

tendríamos

que

seleccionar seis. Y este año nos preguntó si queríamos seguir, porque les gustó mucho nuestro trabajo, y pues aquí seguimos.

¿En qué está trabajando o qué

estar en este lugar. No era un lugar

sigue para Cano?

con

Ahora estamos trabajando en un proyecto de música de sesiones en

pasillos

grandes

como

Blockbuster, era un lugar pequeño, apretado.

vivo, además de que lo de este

Recuerdo el olor de los videocasetes,

cortometraje yo creo que me va a dar

luego de los DVD, los posters, los

satisfacción de al menos saber que

colores, siempre me acercaba a ver

este año ya realicé algo, además de

los estrenos. Recu erdo que tenía

lo que vaya a salir de los festivales. Y

como 7 años y me daba miedo pasar

pues hay otras cosas de las que aún

por donde estaban las películas de

no puedo hablar (risas). Además de

terror, hasta veía esa parte más

que desde ahora estoy pensando en

oscura

mi largometraje, sé que es algo que

recuerdo haber descubierto ahí Star

se dará en un largo plazo, pero ya

Wars,

empiezo a pensar en ello. Más que

encantaba

ambición o deseo, es pensar que en

animadas, y así rentaba y rentaba

cada corto es como un ejercicio,

películas, ahí fue que me hice

practicar para cuando tenga que dar

cinéfilo.

ese gran paso.

que

por

el

resto.

ejemplo, ver,

y

Entonces

que

las

me

películas

Luego de ahí me fui familiarizando

¿Qué acontecimiento hizo que

con el término “director”. Ahí conocí

Cano decidiera que el cine era el

nombres como Steven Spielberg,

camino a se guir?

Roman

Creo

que

mi

cinefilia

nació

precisamente gracias a ese videoclub que te comentaba. Video Siordias se llamaba. Estaba cerca de la escuela en la que estaba, y a la salida siempre me llevaban, ya fuera mi hermana mayor, mi mamá, mi papá, y recuerdo muy bien la sensación de

Polanski,

George

Lucas,

Robert Zemeckis. Se me hacía curioso ver el mismo nombre en diferentes películas, por ejemplo, el de Steven Spielberg en Jurasic Park y ET. Con esta última película me pasó que a pesar de que yo sabía que no era real tampoco sabía cómo lo habían hecho y les pregunt aba a

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a mis papás, siempre fui muy curioso,

amigos, me ha acompañado en

ya cuando vi la película en DVD, en

momentos muy felices y momentos

los extras supe la verdad.

muy tristes de mi vida.

Y es lo que me conecté más con el

Además, creo que esta oportunida d

cine, más que querer hacer cine,

nos llegó en el momento exacto para

quería saber cómo se hacía el cine,

hacer cine, y no sólo lo digo por mis

cómo era ese mundo detrás de las

compañeros del CCA, sino por todos

cámaras, conocer la falsedad de la

los realizadores del estado,

realidad. Fue cuando les dije a mis

momento exacto para poder hacer

papás de mi intención de querer

cine sin tener que salir de acá. El

estudiar cine, pe ro en ese momento

momento es ahora.

era

generación

un

gasto

muy

grande

económicamente hablando para mi familia, porque la única opción era la Ciudad de México. Así que me enfoqué a ser un cinéfilo, ver todas las películas posibles de diferentes tipos del mundo, en vez de ser realizado r.

Empecé a estudiar dos carreras, luego dejé una cuando se abrió el CCA, después dejé la otra cuando supe que tenía que dejarlo todo por el cine, no veía el caso de estudiar una cosa a la que no me iba a dedicar. Es algo que le debía a mi yo de 7 años, abandonar todo por este sueño. La deuda que tengo con el cine es tan grande por todo lo que me ha dado, he compartido el cine con familia y

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muy

es el

Somos una

afortunada

debemos estar agradecidos por eso.

y

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LOS PERVERSOS POLIMORFOS Cuando la inocencia es la perversiรณn texto ANDREI MALDONADO

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Ya escribía Freud, por allá de principios del Siglo XX, que la perversión no es precisamente aquello que es inmoral, sino más bien lo que pertenece al mundo amoral. El padre del psicoanálisis detalla que los niños, a temprana edad, carecen de restricciones propias de la moralidad, de ahí que pueden recibir estímulos sexuales desde distintas partes de su cuerpo, sin que esto signifique una falta a la ética, pues en es encia ellos no distinguen el bien del mal.

Ya escribía Freud, por allá de principios del Siglo XX, que la perversión no es precisamente aquello que es inmoral, sino más bien lo que pertenece al mundo amoral. El padre del psicoanálisis detalla que los niños, a temprana edad, carecen de restricciones propias de la moralidad, de ahí que pueden recibir estímulos sexuales desde distintas partes de su cuerpo, sin que esto signifique una falta a la ética, pues en es encia ellos no distinguen el bien del mal.

Lo perverso, desde el mundo de los adultos, nace a partir de las prohibiciones de la moral impuesta cuando el niño crece, cuando en su afán de exploración concentra su apetito sexual en su aparato reproductivo, en un acto más de la naturaleza de conservación de la especie que de una búsqueda vana de placer. El adulto entra en escena y le dice al niño que tal acto no está bien, pues es “cosa de adultos”. El resultado: el niño desea con ansias ser adulto para hacer e sas “cosas”.

Lo perverso, desde el mundo de los adultos, nace a partir de las prohibiciones de la moral impuesta cuando el niño crece, cuando en su afán de exploración concentra su apetito sexual en su aparato reproductivo, en un acto más de la naturaleza de conservación de la especie que de una búsqueda vana de placer. El adulto entra en escena y le dice al niño que tal acto no está bien, pues es “cosa de adultos”. El resultado: el niño desea con ansias ser adulto para hacer e sas “cosas”.

Es cierto que esa perversión inocente puede llegar a resultados caóticos cuando el contexto del niño lo confunde aún más, cuando está rodeado de adultos con conductas inadecuadas o que simplemente no se interesan en ellos. En el cine existen varias historias en torno a lo que Freud llamó “los perversos polimorfos”. Aquí una pequeña selección de algunos títulos que vale la pena tomar en cuenta.

Es cierto que esa perversión inocente puede llegar a resultados caóticos cuando el contexto del niño lo confunde aún más, cuando está rodeado de adultos con conductas inadecuadas o que simplemente no se interesan en ellos. En el cine existen varias historias en torno a lo que Freud llamó “los perversos polimorfos”. Aquí una pequeña selección de algunos títulos que vale la pena tomar en cuenta.

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Cría Cuervos (1976)

El Espíritu de la Colmena (1973)

La película de Carlos Saura es todo un clásico de la cinematografía española.

La crudeza con la cual las tres niñas protagonistas demuestran su despertar sexual va de la mano con la España postfranquista la cual -valga la metáfora - también vivía como nació n un “despertar” tras décadas de un régimen totalitario. Ana, la líder de las tres, lleva la voz cantante de la historia, donde abundan los juegos de rol -que tropiezan entre lo inocente y lo perverso -, el deseo de ser adulto y la rivalidad que puede tener una hija hacia su madre como rivales de pasión. La niña protagonista, Ana Torrent, es también la protagonista de El Espíritu de la Colmena .

Desgarradora historia dirigida por Víctor Erice, antecesora de Cría Cuervos , no solo en su fecha de producción, también en su narrativa, al estar ambientada en plena dictadura de Francisco Franco. En esta película vemos nuevamente a dos hermanas en pleno descubrimiento de la vida, con las preguntas recurrentes que tienen los niños que y a empiezan a soñar con ser adultos, pero que algo de la infancia los retiene ¿el resultado? El siempre duro encuentro con la realidad, en este caso, con la muerte. Tal pareciera que los personajes de El Espíritu de la Colmena inspiraron a Guillermo del Toro para su Ofelia de El laberinto del Fauno (2006).

El Tambor de Hojalata (1979)

Alicia en las Ciudades (1974)

Adaptación de la obra maestra de Günter Grass, esta película ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el Oscar a Mejor Película de habla no inglesa, está envuelta en el misticismo de un personaje único como Oskar, un niño que, viendo cómo es el mundo de los adultos, decide dejar de crecer. El volverse un enano convierte su proceso hacia la adultez en un dolor de cabeza para su familia y para su primer amor, una jovencita que más adelante se volverá su madrastra. Un niño eterno que tal vez nunc a fue un niño, obsesionado con un tambor.

Si bien en esta historia no vemos de lleno el tema de la polimorfización, definitivamente el personaje de Alicia nos remite al pronto despertar sexual que tienen las mujeres: la niña posee un encanto natural que se une al paisaje que retrata Wim Wenders en esta especie de road movie . La pareja que forma Alicia con Félix, desprovistos de perversión y envueltos en un halo de padre adoptivo -hija huérfana, sirvió de base para que, años de spués, nacieran parejas similares en películas como León (1994) y Lost in traslation (2004).

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Elisa Antes del Fin del Mundo (1996) La obra dirigida por el duranguense Juan Antonio de la Riva, bajo el guion de Paula Markovitch y la producción de Roberto Gómez Bolaños, representa un drama bien logrado sobre las inquietudes que puede tener un niño en las cercanías al Siglo XXI. El final de los tiempos lleva a Elisa a resolver un conflicto familiar de la forma más lógica que ella ve: asaltar un banco. Un reflejo de lo que sucede con los niños de la postmodernidad, con padres siempre ausentes, au nque estén presentes.

Esta historia nos lleva a la vez a otro guion de Paula Markovitch que ella misma dirige: El Premio (2010), que es protagonizado por la misma niña que años más tarde estelarizó Ciencias Naturales (2014) de Matías Lucchesi, cinta argent ina como Las Mantenidas sin Sueños (2007) de Vera Fogwhil, todas encontrando punto común en la orfandad de padre, no por muerte sino por ausencia, y como esto va condicionando su crecimiento y su relación con sus madres.

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Es pertinente mencionar en este bre ve especial otras películas relevantes sobre esta temática, una de ellas también de Argentina: XXY (2007) de Lucía Puenzo, que se adentra aún más en el tema de la exploración sexual desde el tema de la identidad de género; la otra es El Arte de Llorar en Coro (2009), de Peter Shonau, película danesa, adaptación de una novela de ese país, que relata el conflicto que nace en un niño el descubrir los deseos incestuosos de su padre, pero también el ferviente objetivo del infante por complacerlos.

Y finalmente e stá una de mis favoritas particulares, Los Niños Invisibles (2001), cinta colombiana que parte de un guion del gran Gabriel García Márquez. En ella el inocente deseo de hacerse invisibles llevará a un grupo de niños a buscar ayuda en la magia oscura, todo por tener un poco de suerte para enamorar a una niña.

Realismo mágico y magia real, al más puro estilo del “Gabo”.

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VILLANOS HUMANOS (DEMASIADO HUMANOS) Los villanos más “humanos” del universo Disney texto ANDREI MALDONADO

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Homo homini lupus . Como diría Thomas Hobbes, tomando de base a Plauto: el hombre es el lobo del hombre, refiriéndose a la maldad y la crueldad que el ser humano es capaz de ejercer contra sus semejantes.

Hombres malos. Villanos.

El mundo de las películas de Disney se compone de personajes base que se repiten en cada historia: una heroína o princesa. Un héroe o príncipe, uno o varios patiños de los protagonistas y, por supuesto, un villano con secuaces. Existen muchos que gozan de gran fama entre ch icos y grandes, como Cruella de Vil, Úrsula o Scar.

Los que analizaremos a continuación se destacan por tener un lado demasiado humano, por lo que en ocasiones parecen ser extremadamente reales, y por ende más crueles; pero también, en muchas otras ocasiones, aparecen como víctimas de las circunstancias que les tocaron vivir, como cualquier persona de carne y hueso .

Frollo El juez Claude Frollo, villano de El jorobado de Notre Dame (1996), es quizá uno de los más crueles antagonistas del universo Disney, sobre todo porque su crueldad es terriblemente humana. No es alguien con poderes, una criatura sobrenatural ni mucho menos. Es, sin embargo, la máxima autoridad de París, en una Francia dominada por la Inquisición.

Frollo no solo se gana un puesto importante entre los villanos Disney por ser responsable de la muerte de la madre de Quasimodo. Todos sus actos conllevan una infinita maldad, dominada por su xenofobia hacia los gitanos, a los cuales desprecia por pobres, por mundanos, y los acu sa constantemente de herejía, tachándolos de brujos.

Pero un detalle importante es que el máximo juez de París es el único villano con una evidente debilidad hacia las mujeres. No es solo un malvado que quiera casarse con la princesa bajo engaños. Abiertam ente le propone a Esmeralda salvarse de la hoguera si se queda a su lado. Es decir, que le hace insinuaciones sexuales a cambio de salvarle la vida.

El final es más que merecido para un ser tan cruel, que incluso dentro del propio templo de Notre Dame esta ba dispuesto a matar a Quasi y Esmeralda, cayendo aferrado a una gárgola a las llamas de la propia hoguera que desató, exclamando “…y Él castigará a los malvados y los enviará al fuego infernal…”, lo que es toda una ironía, al recibir el castigo que tanto pedía para otros.

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Abruma esta situación ya que es, lamentablemente, la postura que muchas personas eligen: deciden ser infelices teniendo todo para salir adelante. De ahí en más Michael, o mejor dicho “El del sombrero”, en quien se convierte en el futuro, es más un patiño que un villano, pues todo le sale mal. A final de cuentas quien parece salirse con la suya es “Doris”, quien también odia a L ewis.

Michael Yagoobian Conocido casi toda la película como “El del sombrero”, Michael Yagoobian es el “villano” de La familia del futuro (2007). Villano entrecomillado porque, como se va viendo durante la trama, realmente es manipulado por un ro bot en forma de bombín llamado Dor -15, quien utiliza el resentimiento que “Mike” ha cultivado desde que era un niño contra Lewis, su compañero de cuarto en el orfanato, el cual al desvelarse con sus inventos no lo deja dormir y le arruina un juego de beisb ol.

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El punto trágico en la existencia de Michael “Goob” Yagoobian no es que se trate de un niño huérfano, sino en que él decide tomar un evento determinado, como quedarse dormido a medio juego y no poder cachar la pelota, como pretexto para ser infeliz toda su vida. Se dedicó solo a recordar lo malo y espantó a todos los padres que querían adoptarlo, culpando de su infortunio a Lewis.

A final de cuentas el robot es derrotado y el final feliz solo alcanza al Michael del pasado. El del sombrero, al ver su error, declina la invitación a tener una familia. Una vez más elige ser infeliz. Para su “yo” del pasado el destino se redime: Le wis lo despierta a tiempo para que atrape la pelota, él es feliz y encuentra una familia adoptiva. El destino y las decisiones son protagonistas de esta película.

Lejos de querer dañarla Gothel quiere llevarse solo un pequeño mechón de la bebé, pero como al ser cortado el cabello pierde su magia, opta por secuestrar a la niña. Claro, es un acto criminal, pero a fin de cuentas solo un acto desesperado de una vani dad llevada a un punto patológico. Así Gothel finge ser la madre de Rapunzel y la oculta del mundo para su beneficio en una alejada torre.

Madre Gothel Uno de los villanos que, si no pone uno cuidado, solo pasa como un villano más, tan malvada como Maléfica.

Pero si se ve a detalle encontrará que Madre Gothel es más una mujer infortunada que una malvada madrastra. Una mujer, a fin de cuentas, víctima de un mal que, en esencia, es el mismo que afectaba tanto a la madrastra de Blanca Nieves y a muchas mujeres del siglo XXI: la belleza y la juventud.

De ahí en adelante su esfuerzo se centra en que la ahora mujer Rapunzel no descubra la verdad, aunque hay que decirlo que jamás la humilla o maltrata, como haría una malvada madrastra o hermanastra, como en Cenicienta . El desenlace de esta mujer es aún más trágico: al ver cortado por completo todo el cabello de Rapunzel, Gothel entra en la desesperación por envejecer y c ae de la torre.

Gothel, antagonista de Enredados (2010), es una hechicera que descubre en una flor la mag ia para permanecer siempre joven y bella.

Cuando la flor es usada para sanar a la reina del lugar Gothel se queda sin su preciada fuente de eternidad, pero descubre que la hija de la reina, Rapunzel, ha heredado el don de la flor en su larga cabellera dora da.

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Ese es quizá uno de los elementos más tenebrosos que rodean al personaje, pero también de los más tristes, ya que continuam ente durante la historia lo vemos pedirle a sus “arrendadores” de magia tiempo para pagar sus deudas contraídas. Incluso su sombra se ve separada de él, actúa por cuenta propia, lo que refleja que su alma está demasiado comprometida.

Finalmente, cuando sus planes fallan, sus “contactos del más allá” se cobran los favores con el alma de Facilier, en lo que es uno de los finales de villanos más lúgubres de las películas de Disney.

Dr. Facilier Antagonista de La Princesa y El sapo (2009), película que pertenece a la etapa más atrevida de los estudios Disney, que apostaron por ambientar sus historias en culturas de otros países o bien en segmentos de la propia sociedad norteamericano no explorados antes, como la Nueva Orleans poster ior a la Guerra Civil.

En ese entorno aparece un villano muy distinto a otros. Para empezar Facilier no tiene algo en particular contra los protagonistas. Su ambición es el poder, aunque sea a pequeña escala.

Para ello se basa en el engaño, en los trucos d e magia y, cuando es necesario, recurre al vudú y a los embrujos, a los cuales tiene acceso a través de sus “amigos de las sombras”.

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Comandante Lyle Tiberius Rourke Un mercenario. Así de sencillo, pero a la vez, así de humano. Un exmilitar cuya única ambición es el dinero.

Como muchas películas de aventura live-action Rourke se revela como el villano a mitad de la historia, aunque desde un principio se nota que es un hombretón violento, al cual solo le interesan las cosas mundanas, situación que explota al ver el potencial de la Atlántida.

Sí, hablamos de uno de los villanos más menospreciados por los fans, siendo que es el c omún denominador de muchos líderes, políticos y empresarios del mundo actual.

Villanos del mundo real. Incluso él mismo se presenta como “un investigador capitalista” cuando Milo, protagonista de Atlantis: el imperio perdido (2001) lo llama mercenario, al no importarle nada, ni siquiera la vida humana.

Rourke incluso se deshace de su ayudante, la igualmente ambiciosa Helga Sinclair, que es toda una femme fatale. El final del comandante termina siendo una lección de lo que le puede pasar al hombre cuando sub estima el poder de la naturaleza y el misticismo que existe en las culturas primigenias: el elemento que pretende robar lo destruye, y con él desaparece toda la ambición de la expedición.

Mención especial aquí a John Clayton, villano de Tarzán (1999) que g uarda mucha similitud con Rourke al ser un hombre corpulento, algo brusco de tratos, siempre acompañado de su arma y movido por la ambición que genera el dinero, cuya muerte fue también una de las más impactantes, pues muere estrangulado por las lianas de la selva durante su lucha contra Tarzán.

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DE REBOOTS, SPIN-OFFS Y SECUELAS Los malogrados vicios de Hollywood texto ANDREI MALDONADO

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Existe una tendencia (casi obsesiva ) de parte de Hollywood que ha ido creciendo en los últimos años: los llamados Reboot o “reinicios”, que no son más que nuevas formas de contar una historia que ya conocíamos. En su afán por parecer original los estudios financian costosas producciones cuyos guiones parecen novedosos, pero no son más que una burda explotación material.

Algunos Reboot han aparecido como “salvavidas” en busca de rescatar del fracaso financiero sagas cinematográficas sobre explotadas; sin embargo, muchas de esas secuelas tenían guiones mucho más creativos que los “reinicios” que, si bien acaparan la atención de los espectadores gracias a sus descaradas e invasivas campañas publicitarias, a la hora de llegar a la pantalla grande ocasionan una gran decepción, tanto en los fans más fieles como en la crítica.

Así también aparecen los spin -off, historias alternativas que se centran en un personaje secundario de la película original, cuyos hechos ocurren de forma paralela a la historia central y que en la mayoría de los casos poco o na da aportan a las sagas, más que dinero para las productoras; ya no digamos las secuelas y precuelas, el más viejo truco de la industria hollywoodense cuando se trata de aprovecharse de sagas que tienen a un público cautivo.

Iniciar un li stado de Reboots, s pin-offs o secuelas mal logradas sería una tarea titánica, pues hablamos de la gran mayoría de este tipo de películas, pero en esta ocasión nos enfocaremos a dos sagas de la ciencia ficción: Depredador y Terminator , que recientemente tuvieron nuevas versiones (una un spin -off, el otro un Reboot) que contaron con todos los reflectores y recursos para brillar, pero que argumentalmente fueron peores que sus antecesoras.

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Y es que Terminator : Genesis había sido considerada un fracaso taquillero, cuando su poca aceptación se debió más bien al rechazo que los fans tuvieron por su predecesora, Terminator: Salvation , que nada aportó a la continuidad de la historia.

Pero argumentalmente Génesis ofreció una salida creativa al actualizar el discurso del miedo a las máquinas.

Fue ambientada en un 2017 dominado, como actualmente lo es, por el mundo de las apps, donde ahora Skynet busca penetrar.

El caso más reciente fue Terminator: Dark Fate (2019), la cual pretendía reiniciar el universo de esta saga tras el fracaso en taquilla de Terminator: Genesis (2015), esto mediante la explotación de dos actores históricos de la primera cinta de los 80’s: Linda Hamilton y Arnold Schwarzenegger.

Sin embargo, el discurso de la cinta es vacío y responde más a un estudio de mercado que a un interés genuino por contar una historia, lo que provocó agujeros en el guion.

Primeramente, en un afán de aprovechar los discursos feministas actuales, los productores decidieron borrar, de golpe y porrazo, el héroe principal: John Connor, algo semejante a que Harry Potter , de un día para otro, no hablara más de ese mago y fuera protagonizado por Hermione. De ahí en más la película carece de innovaciones y cae en el absurdo y en las inconsistencias, desaprovechando el camino allanado por su antecesora.

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Sumado a esto estuvo la salida creativa de convertir en a ntagonista al profeta John Connor (mucho mejor que matarlo) y resolvió perfecto la ecuación de por qué Arnold Schwarzenegger puede seguir interpretando al T -800 pese al paso de los años. La audiencia no entendió bien la trama y terminó condenando la película a un desastre financiero similar a lo que le pasó a Alien: Covenant (2017), que por mucho es una cinta tan buena como la original, aunque infravalorada.

Sin duda el estilo carnicero, aunque siempre cuestionable, que Robert Rodríguez logra impregnar a sus películas está presente en Depredadores , pero en su lista de producciones como director seguramente este film no cupa el mismo puesto que El Mariachi o Del crepúsculo al amanecer ; una auténtica lástima, pues la opinión genera l a veces manda al olvido unas películas y pone en pedestal a otras, aunque en ello no tenga que ver la calidad de su guion.

El otro caso es El Depredador (2018), el cual usa el truco de titularse igual a la original (como lo hizo la versión 2019 de Chucky ) para enganchar al público. Sin embargo, la trama resulta ser un grosero embuste para los fans.

Los diálogos y escenas de acción resultan terriblemente predecibles y, por momento, rayan más en lo ridículo que en lo dramático o terrorífico, por lo que no extraña que la audiencia y la crítica la calificaran como la decepción del año.

Curiosamente esta película era anunciada como la gran salvadora del desastre que había sido Depredadores (2010), la cual obligó a parar la saga durante ocho años; sin embargo, el argumento de esta menospreciada cinta es de resaltar: por primera vez la trama se desarrolla en otro planeta, todos los protagonistas son en realidad villanos con los que el público simpatiza, y agrega elementos creativos como los sabuesos de los depredadores y dos razas de ellos en conflicto.

Así podríamos seguir sin terminar la lista de películas que quizá nunca debieron de hacerse, en donde coloco por ejemplo las dos hi storias de Jurasic World , o los dos recientes largometrajes de Jumanji . Como diría Juan José Antuna en uno de sus textos publicados números atrás en Cinéfagos: Hollywood es un experto en explotar la nostalgia del público, y añado: ese público comete el err or de aceptar guiones pobres con presupuesto exagerado, pues promueve que las productoras sigan haciendo los mismo.

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#CineRecomienda

CAMINOS QUE LLEVAN A CONOCERNOS Encuentro, de Ivรกn Lowenberg texto ANDREI MALDONADO

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Existen cortometrajes que son realizados con el objetivo de ser visionados en algún mercado de cine, en el área de “industria” de algún festival o concretamente son creados como pitching, para conseguir fondos y posteriormente convertirse en largometrajes.

Desconociendo si Encuentro (2019) de Iván Lowenberg es de este tipo de cortometrajes, puedo decirles que, al final de los 17 minutos que dura solo puede uno decir: ¿y qué sigue?

Y la verdad es que el espectador se queda con ganas de saber más de los personajes, conocer un poco de s u pasado y qué rumbos tomarán a partir de los acontecimientos contados. Para contagiarlos un poco de esa misma inquietud que me abordó a mí al verlo (pero sin hacerles spoilers) les diré que Encuentro es el gran ganador del pasado Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) en la categoría de cortometraje de ficción.

Pero lo importante aquí no son los premios o distinciones, lo realmente relevante del trabajo del director de La Castración es lo que nos cuenta. Nos vamos adentrando poco a poco en la vida de los personajes, en lo que en apariencia podrían ser dos familias muy dispares. Una está integrada por Lulú y Arcelia, dos mujeres mayores que viven juntas. Del otro lado está Julián, quien habita un departamento al lado de su madre y abuelo.

Conforme va avanzando la historia (porque afortunadamente no vi sinopsis alguna antes) vamos descubriendo el hilo que va conectando las historias. Lo más evidente pasa en casa de Julián, interpretado por el talentoso Hoze Meléndez. El joven vive rodeado de un ambiente tradicionalista, que lo desaprueba por cómo se viste y de cómo se expresa, hasta que terminamos descubriendo que lo que teme su madre tiene que ver con su sexualidad.

En casa de las dos mujeres una tragedia sucede y es cuando el espectador realmente sa be qué las conecta. Y cuando pareciera que nada une a las dos historias lo revelador sucede: Lulú era la tía de Julián y uno de los principales motivos por el cual no tenía contacto con ella tiene que ver en el rencor que su abuelo le guardaba. Tabúes sobr e la identidad de género, situación que atrae fuertemente a Julián en búsqueda de sí mismo.

Al final el encuentro sucede y de ahí el final. Por eso es que el espectador se queda con ganas de más, porque si en 17 minutos Iván fue capaz de hacernos sentir ta ntas emociones ¡imagínense si esto se convierte en un largometraje! Sobra decir que la calidad de la imagen, los ambientes y las actuaciones amalgaman perfecto para hacer de este cortometraje un merecido ganador de la justa michoacana del año pasado con mucho futuro en festivales.

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#CineRecomienda

LA IMPOSIBILIDAD DE CUMPLIR UN DESEO El Ángel Exterminador, de Luis Buñuel texto MAIRELY YARESI MURO

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¿Cómo puede la humanidad sobrevivir ante la imposibilidad de satisfacer un deseo sencillo? El ángel exterminador , película de 1962 dirigida por Luis Buñuel, es una película que puede tener varias interpretaciones, ya que se han realizado diversos análisis desde su estreno y aún sigue dando de qué hablar. La cinta da inicia cuando el matrimonio de los Nóbile ofrece un a cena en su mansión para 20 invitados que acuden después de haber disfrutado de la ópera.

En esta atmósfera suce den una serie de acciones incomprensibles a primera vista , uno de los presentes fallece debido a que está enfermo, otra pareja se suicida en un armario y el resto de los invitados cazan y cocinan a unos corderos que aparecen repentinamente. La película es una mezcla de drama, surrealismo, humor negro y algo absurdo que solo el gran Luis Buñuel podía lograr.

El evento transcurre armoniosamente, aunque de forma inexplicable los miembros del servicio doméstico sienten la necesidad de abandonar la mansión con urgencia , sin saber ellos mismos el motivo. Atendidos por el mayordomo, los invitados disfrutan de la velada y del concierto de piano ofrecido en el salón por una de las damas. Cuando la celebración llega a su fin, deciden unánimemente dormir en la misma estancia en el que tuvo lugar el concierto.

La situación es algo incómoda, pero todos intentan descansar sin llamar la atención , sobre lo extraño que resulta que ninguno se haya marchado aún.

Por la mañana, cuando se disponen finalmente a salir del salón, se dan cuenta de que, pese a estar la puerta completamente abierta, simplemente “no pueden salir ”. Al principio los invitados parecen relajarse ante las circunstancias, sin embargo, la situación se agrava una vez que el agua comienza a escasear.

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La tensión termina por provocar la histeria colectiva hasta que una mujer descubre cómo escapar. El tiempo no es lineal, no sabemos si han pasado horas, días o meses. En la primera parte de la cinta, durante la velada, el guion ofrece un despliegue de libertades por parte de los personajes, reproches, críticas explícitas, demostraciones de deseo físico, intrigas, conspiraciones y quejas tienen lugar entre ellos de forma espontánea, aunque sea la libertad lo que no se puede concretar.

La narrativa es difícil e inexplicable, pero la gente siempre quiere una explicación para todo. Y para todo lo que no encuentran explicación, recurren en última instancia a Dios.

Pero ¿de qué les sirve si también tendrían que explicarlo?

Un a irreverente visión del mundo queda plasmada en el filme, llegando con naturalidad a los interrogantes formulados en el inconsciente del espectador, aquellas cuestiones que como seres sociales nos planteamos, al menos, una vez.

Es notoria la repetición de acontecimientos, tal cual como la vida.

El magnífico nombre de El ángel exterminador viene de La Biblia, del libro del Apocalipsis, por lo cual ha sido comparado con este en su interpretación. Se dice que es una recreación, no solo por las imágenes, si no por los sonidos, pues oímos el crepitar del fuego, el correr de las aguas, el azotar del viento, los pasos sobre la tierra, y esto lleva a la agonía extrema de l os personajes.

Si se estrenara en 2020 ¿ha bría alguna diferencia de nuestro comportamiento? en 58 años no hemos avanzado como seres humanos y seguimos sacando lo peor de nosotros en circunstancias extremas, siendo una peste con nuestras fallas, agresiones, pereza y falta de empeño que no nos permi ten progresar, ni seguir, ni poder salir como les sucede a nuestros personajes, que tienen la imposibilidad de satisfacer ese sencillo deseo y no hay ningún impedimento para realizarlo.

#CineRecomienda

DÍAS DE INVIERNO Nuestros puntos de tensión texto JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ

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Si bien la vida de los festivales de cine

arruinar tantas oportunidades que tuvo

es grandiosa (y cansada, hay que

en la vida, tocando una yaga que cada

decirlo), muchas veces es muy

vez más y más se abrirá entre los dos

complicado por agenda, trabajo u

para que cada uno tome un rumbo, un

otros factores como la logística, acudir

camino, pues si por algo él no ha

a los mejores festivales ya no digamos

dejado el lugar dónde viven y que

del mundo, sino del país. Hoy día ya

tanto odia y que sus hermanos s í

no es necesario hacer acto de

dejaron, es por su madre, al grado de

presencia para poder ver algunas de

conformarse con ser un empleado

las mejores películas que estos

más y dejar a un lado sus sueños.

presentan .

El punto de tensión que se da entre los

Este es el caso del FICUNAM, pues

dos, los problemas que surgen en una

gracias al sitio web de Festival Scope,

relación de diaria convivencia

400 personas pudieron ver siete de las

cercanía , se dan justo en un momento

películas

en el que ella es más vulnerable por

que

estuvieron

selección oficial del festival

en

la

en su

los problemas de su edad , el estar

edición 2020 , de las cuales pude ver

desempleada y seguir extrañando a su

tres, pero en esta ocasión quiero

marido, pero querer buscar seguir con

escribir sobre una en particular, mi

su vida. Al final, el principio de la

favorita, y desde ya una de mis

película, y ese problema matemático,

películas del año.

se convierte en una metáfora de la

Días de invierno es la ópera prima del joven

director

Jaizie l

Hernández

Máynez, que narra la vida de un joven llamado Néstor, que luego de un viaje a su antigua casa

encuentra un

examen en el que viene un problema

y

propia vida de Néstor, de su relación con su madre y las personas a su alrededor, cual lobos o perros que pueden llegar a ser sus iguales

o

personas que le cierran el paso, o que al menos eso llega a creer.

matemático que no le permitió ganar algo en ese entonces; es ahí que su madre le dice que no sabe cómo pudo

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Una de las grandes virtudes de la

los que se quedan ), y a mi parecer es

película, sin lugar a dudas , que no es

un aliciente para entablar el diálogo

un discurso clavado a una influencia,

con la obra.

no hay una clara manera de narración, y eso aligera y hace muy disfrutable la película. Por momentos tiene trazos muy poéticos (como "el vals de los beisbolistas"), en otros se vuelve muy emocional, en algun os más es muy intimista,

incluso

tiene

instantes

divertidos. Es una película que está llena de matices claros y fragmentos de realismo entrelazados con el melodrama requerido para enganchar al espectador con el discurso del relato, en el grado mismo que la película lo demanda, sin exagerar, ni ser muy tibia.

dos

personajes

parecen

formidablemente concebidos y eso es un trabajo que viene desde un guion bien escrito. Por una parte, Néstor (magistralmente

interpreta do

por

Miguel Narro) es un personaje por demás lleno de aristas que hay que leer a detalle. Me hizo recordar a Will Hunting, de la película que lleva el mismo nombre, un personaje con un potencial enorme, pero que algo lo retiene en un sitio, por no querer de alguna manera encajar, esa era un poco la naturaleza de Will ; en cambio Néstor se nos presenta como una

Algo que también resalta y que me

personaje que si bien quería a toda

agradó

costa salir de su zona de conf ort, no le

mucho

es

que,

aunque

claramente la hay, no se apremia tanto

molestaba

a la temporalidad ni el espacio en la

personas que él creía lo necesitaban

película, pues aunque es ahora, bien

en ese lugar.

pudo o podría haber pasado en otro tiempo, incluso en otro lugar (que el hecho de que se desarrolle en la frontera es una prueba más de c ómo el cine que se retrata en esta zona del país es una especie de símbolo de la identidad mexicana de los que se fueron, de los que se pueden ir y de

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Los

estar

porque

tenía

Ya fuera su madre, su novia (la escena

Hace que salgan cosas que , sin lugar

en el cerro con ella es una de las más

a dudas , van a herir a esas personas

bellas que haya visto en últimos

que quizá no lo necesitaban, y sólo

tiempos en el cine mexicano), sus

eran una prueba a superar para dar el

hermanos, la anciana que cuidaba (la

gran paso en su vida, y aunque las

figura de esta mujer, aunque se ve el

despedidas son tristes, hay algo en

aprecio y la veneración que le tiene

quien lo deja ir, a pesar de lo dura que

por lo que ella podría representar años

esta haya sido, que le desea lo mejor

después en su vida, no deja de

en su vida . De cierta manera hay un

asustarlo,

punto en el que el propio personaje

aunque

también

esta

relación nos regala en la película

cae en cuenta que la depresión , más

momentos muy bellos), pero no es

que estar en su madre, estaba en él,

hasta que llega en manera de reflejo

en esa etapa de nuestras vidas que no

del

sabemos a dónde vamos a ir, si los

futuro

la

figura

de

un

norteamericano que lo "empuja" que

sueños que no se materializaron eran

llega un punto en el que la presión de

los últimos que tendríamos en nuestra

querer buscar su propio camino .

vida.

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El personaje de Lilia (con una

El resto de las actuaciones son muy

maravillosa Leticia Huijara que, si bien

correctas, la fotografía extraordinaria

su trayectoria en la televisión no se le

(me encantó el balance que se hace

puede reprochar, acá esta magnífica),

con la paleta que predomina con esos

por otra parte es un personaje que,

tonos azules, pero que complementan

aunque por muchos momentos se

con colores cálidos que resaltan de

pierde en la película, sus apariciones

una manera muy especial entre ese

son fundamentales para comprender

espacio azul) y la música también

la situación de Néstor, y la falta de

resulta muy atinada. Me

decisión y confusiones de Lilia por la

interesante

vida que vendrá ahora que ya no es

mexicanas utilizan cierto tipo de

más que una mujer madura, viuda y

canciones

pronto sola, es que también vemos

específicos de la trama y los estados

una liberación, y un diálogo q ue dice al

de ánimo en sus personajes . La

principio de la película toma sentido al

Paloma y El Lobo , de Carlos L enin,

final, con ella también dejando atrás

mostró la tristeza de sus dos

todo. Es por parte del Lilia que se dan

personajes protagónicos con "Te

los momentos más introspectivos y

Amo" de Los Mier, o en Mr. Pig de

poéticos de la película.

Diego Luna, logra aparecer este

c ómo

para

las

mostrar

parece películas

puntos

mismo momento de tristeza y alcohol con "La Carta" de Los Terrícolas .

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Una película que

para muchos no

Una película que

para muchos no

pareciera tener moraleja , catarsis o fin

pareciera tener moraleja , catarsis o fin

alguno, a pesar de lo bien realizada

alguno, a pesar de lo bien realizada

que est á. Son much os los temas a los

que est á. Son much os los temas a los

que nos enfrenta, como los ya

que nos enfrenta, como los ya

comentados en los dos personajes

comentados en los dos personajes

principales,

principales,

pero

quizá

el

más

pero

quizá

el

más

importante es que se trata de una

importante es que se trata de una

película con una historia personal y

película con una historia personal y

estas historias humanas son las que

estas historias humanas son las que

deberían importarnos, las historias

deberían importarnos, las historias

que nos pueden tocar, porque en ellas

que nos pueden tocar, porque en ellas

podemos vernos reflejados, son las

podemos vernos reflejados, son las

que nos representan, sin los grandes

que nos representan, sin los grandes

dramas,

dramas,

los

temas

que

nos

los

temas

que

nos

estereotipan o los que nos duelen,

estereotipan o los que nos duelen,

aunque formen parte de nuestra

aunque formen parte de nuestra

realidad y nuestro día a día, no son lo

realidad y nuestro día a día, no son lo

que somos.

que somos.

Siempre celebraré este tipo de

Siempre celebraré este tipo de

películas que buscan un diálogo con

películas que buscan un diálogo con

su público, que sin pretensiones tratan

su público, que sin pretensiones tratan

de luchar por poner temas humanos

de luchar por poner temas humanos

en el plato y que hacen lo imposible

en el plato y que hacen lo imposible

para que estas historias surjan , se

para que estas historias surjan , se

realicen y no mueran en el intento .

realicen y no mueran en el intento .

Como ya lo dije antes: no son las

Como ya lo dije antes: no son las

grandes tragedias o las grandes

grandes tragedias o las grandes

comedias, pero s í son historias reales.

comedias, pero s í son historias reales .

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#CineRecomienda

NO SOY QUIEN CREES El encanto interminable de la Binoche texto JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ

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Celle que vous croyez es una p elícula

en la vida misma de Claire y que

francesa del 2018 que no es hasta

alguna vez ya le arrebataron mucho en

este 2020 que se estrena en salas

la vida, como lo volverán a hacer

comerciales de México, y que han

cuando Alex le pide poder conocerla .

llamado No soy quien crees

(en

España le han titulado Clara y Claire , como el libro

escrito por Camille

Laurens en el que se basa) , dirigida por Safy Nebbou, protagonizada por la siempre interesante Juliette Binoche, la directora y actriz Nicole García, y el joven François Civil , a quien pudimos ver en Ce qui nous lie y Mon inconnue .

Es entonces que ella toma una decisión que r epercute no sólo en su felicidad y su vida real, sino que también repercute drásticamente en la vida de Alex, hasta que al final, luego de una forma liberadora que sólo los escritores (como el personaje que interpreta la propia Binoche en la película

Les

enfants

entender:

du

siecle )

creando

una

La película , a grandes rasgos , narra la

podemos

vida de Claire, una mujer q ue ronda en

realidad ficticia , un final alternativo, un

los cincuenta y tantos años, maestra

escape para el remordimiento y la

universitaria y divorciada , que nos

culpa por el daño ocasionado ; ella se

cuenta a través de sus terapias con su

entera de una verdad gracias a su

psicóloga Catherine, c ómo cambió su

psicóloga que logra cobrar además

vida a raíz de que creó un perfil falso

una importancia muy sign ificativa

en Facebook de una mujer mucho más

tanto en la vida de Claire como en la

joven para espiar a s u amante

película, el círculo ya se había cerrado

ocasional haciéndose "amiga" de su

para Claire, pero Clara le debía un

mejor amigo . Pero luego de empezar

cierre digno a su historia con Alex, y

a platicar con Alex y entablar cierta

en eso termina la película.

conexión, Claire se transforma en su alter ego, pues como ella misma lo dice: "no aparentaba tener 24 años, tenía

24

compartir

años" . fotos,

Comienza n llamadas,

a

sexo

telefónico, fotos que tienen relevancia

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formamos relaciones basadas en estas redes sociales, lo vulnerables que nos volvemos y estamos de cre ar conexiones con personas que siendo reales, no lo son, y lo que se podría desatar de un juego inocente como el que juega Claire en el que se siente como en un sueño, sin considerar lo que la otra parte de la historia, la que contesta los mensajes y se il usiona, podría sentir, pensar, o c ómo podría reaccionar cuando no se tiene la respuesta deseada .

La película me resulta interesante por el tema que trata y su forma efectiva de hacerlo . Por una parte, la forma en que se retrata la crisis que sostiene Claire que , por su ritmo agitado de vida, entre sus clases, sus hijos, sus terapias y medicamentos, en muy pocos

momentos

derrumbarse,

a

se

pesar

le de

ve estar

destrozada por su divorcio y la forma en que este se dio, y que la hizo creer hasta el momento en que empi eza su relación con Alex, que era una mujer en la que por su edad ya nadie se podría fijar.

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En el último acto

se

precipita y se siente forzad a, al grado que se nos resuelven y dan muchas noticias de golpe, sin dejar que se den de manera a rmónica y el espectador se permita algo de asombro , entrar incluso al juego de tratar de intuir lo que vendrá. Aun con eso si por algo la película funciona perfectamente, a pesar de los problemas que pudiera tener narrativamente, es gracias a Juliette Bino che. No cabe duda que la Binoche está atravesando por el mejor momento de su carrera, la mujer para mí nunca ha tenido un descalabro, incluso en sus más burdas comedias

Muestra la fragilidad emocional a la

románticas

que

perfecta .

nos

la película

sometemos

cuando

de

Hollywood,

está

En las últimas películas en las que

También interesante la lectura que le

interpreta personajes con problemas

podamos dar desde el punto de vista

emocionales de mujeres de la edad les

de si lo que sentimos por una persona

da

que conocemos s olo por mensajes de

una

calidad

histriónica

sin

restricción o pudor alguno, una

texto es real, y las formas liberadoras

autenticidad, y les dota de un valor

psicológicamente hablando el poder

único a cada un a, que nunca se siente

tener una personalidad virtual que sea

que sea la misma actriz la que l as está

quizá lo que en la vida real no nos

interpretando ; podría mencionar esto

atrevemos a ser y hacer.

por un papel en particular con el que tiene muchas similitudes Claire : el de Isabelle en la extraordinaria película Un beau soleil intérieur (2017), de la imprescindible directora Cla ire Denis.

Un acercamiento bien interesante en como hoy día las redes sociales nos llevan a involucrarnos en diferentes sentidos con las personas a nuestro alrededor, para qu é las utilizamos, y si eso está bien ; es una especie de confrontación, sin que sue ne como un sermón, y sirviéndose además de una historia muy buena, aunque el final sea algo fallido, y que habría que analizar qu é tanto influyo la mano del director o de la novela en que se basa.

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AlimentĂĄndonos del sĂŠptimo arte

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