Cinéfagos - Número 30

No. 30 Nov.-Dic. 2017 Edición Bimestral

Alimentándonos del séptimo arte

ESPECIAL

COBERTURA Festival Revueltas Filmación de “Frontera” ENTREVISTAS Iván Ávila Dueñas Billy Rovzar Pepe Reyes Sergio Flores Thorija Cassandra Ciangherotti RESEÑAS Blade Runner 2049 Camino a Marte La Correspondencia ESPECIAL Comedias Mexicanas

Editorial DIRECTORIO

Y ahora ¿qué sigue?

Cuando me senté frente al computador no sabía sobre qué escribir. Estuve tentado a limitarme a escribir “inserte aquí una editorial” y cerrar la laptop. A ese momento irónico sobre querer escribir y no tener la certeza sobre qué decidí titular “Y ahora ¿qué sigue?” porque los textos, como las películas, se merecen un buen título.

Esa pregunta, que más que a otros me la hago a mí mismo, bien puede extenderse a usted, querido lector ¿qué sigue después de leer esta edición? Bien podría usted ante el último número de esta aventura llamada Cinéfagos, la cual empecé al lado de mi amigo Eric Eduarte Villa hace casi cinco años, un 4 de junio de 2013.

Y es que después de 30 números, de tanta entrevista a distintos personajes del cine nacional (directores, actores, etc.), de cubrir festivales y premieres y de reseñar el cine que amamos surge esa pregunta ¿ahora qué sigue? Son tantos los derroteros que surgen que asusta. Nada peor que las bifurcaciones para los indecisos.

Director General Andrei Maldonado El cine es todo compromiso. Para levantar una película ha de ser necesario que todos los miembros del crew, comenzando por el director, estén dispuestos a dar todo por el proyecto, aunque muchas veces eso no retribuya en el tema económico, al contrario, se tenga que poner recurso para sacar adelante la difícil empresa.

En estos poco más de cuatro años he visto llegar e irse a muchos colaboradores, que no tuvieron constancia o no vieron en este proyecto lo que esperaban; por otro lado también en estos cuatro años hemos tenido aportaciones constantes, entrañables, que sin su ayuda simplemente no hubiéramos sido nada. A todos ellos gracias.

Sin querer sonar demasiado melancólico pero sí contundente, creo que siempre es buen tiempo para replantear a dónde va todo el esfuerzo que hacemos. A los proyectos también les hace falta “sentar cabeza” y si no lo hacen… pues bueno, no siempre es decisión de uno. Quien decide si las obras perduran o no es el público.

Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa Diseño Andrei Maldonado

Fotografía Andrei Maldonado Eric Eduarte Villa Juan José Antuna Heber Cassio Fotografía Externa Cortesía Colaboradores Juan José Antuna Guillermo Rocha Jackelyn González

www.revistacinefagos.blogspot.mx

/revistacinefagos

Andrei Maldonado

@revistacinefagos

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Contenido

pag.

3

Columbus... 11 Marcos Almada... 15 Cassandra Ciangherotti... 21 Sergio Flores Thorija... 23 Pepe Reyes... 29 Cineclub Trotamundos... 33 Comedia Románticas... 35 Camino a Marte... 39 Blade Runner 2049... 43 La Correspondencia... 47 El Nuevo Testamento... 51 El Ensueño de Carlota... 53 Cine Principal... 55 ¿Qué es el cine?... 57 21 Tour de Cine Francés... 61 Iván Ávila Dueñas... 67 Billy Rovzar... 71

Festival Internacional de Cine de Los Cabos

LA MIRADA FÍLMICA QUE DA VIDA AL CINE INDEPENDIENTE texto y foto JUAN JOSÉ ANTUNA

Este año, como el año pasado, nos dimos una vuelta por el Festival Internacional de Cine de Los Cabos (Los Cabos International Film Festival para nuestros lectores anglosajones) el cual se llevó a cabo del 8 al 12 de noviembre, teniendo como sede el mismo sitio paradisiaco en el cine perteneciente al circuito Cinemex en la plaza comercial más concurrida de la zona hotelera dorada, enmarcada por su marina y teniendo de fondo el arco de Los Cabos, el lugar donde el mar de cortés y el océano Pacífico se hacen uno. Bellos atardeceres que si no fuera por el mar bien podríamos creer que estamos en el mismo Durango.

3

4

Este año, con más tiempo en nuestro

una mención honorífica) mientras que

itinerario, nos dimos a la tarea de ver

México sólo tuvo una representante

más películas de las competencias

en esta competencia la cual fue

del festival, o mejor dicho, las que

Camino

pudimos. La competencia de más

Humberto Hinojosa (director de La

peso por nombre, la Competencia

Oveja Negra, Paraíso Perdido y I

Los Cabos, se presentó con mucho

Hate Love) la cual no pudimos ver y

de lo mejor de cine de autor, cine

de la cual se cuenta mucho que los

independiente

mayoría

críticos no vieron con tan buenos

provenientes del Festival Sundance),

ojos, pero que el cariño de la gente le

cine de las productoras emergentes

brindó su amor al hacerla acreedora

que le apuestan a lo diferente dentro

del premio del público.

(la

del cine de los tres países de Norteamérica

involucrados

en

el

mercado del festival.

la

Marte

segunda

del

director

competencia,

la

llamada México Primero, integrada este año sólo por cinco películas, la

Nueve películas integraron una vez

competencia más importante creo yo

más esta competencia dentro de las

al

que

las

producciones nacionales que han

estadounidenses

sido muchas de ellas acreedoras en

fueron A Ghost Story del director

pasadas ediciones del festival a los

David Lowery, The Florida Project de

premios por parte de la Gabriel

Sean Baker, (la gran ganadora del

Figueroa Film Fund en diferentes

Premio Cinemex Los Cabos, y que a

etapas de su creación, ya sea en

mí la verdad no me gustó tanto)

pre-producción, durante el rodaje con

Golden Exits de Alex Ross Perry (del

incentivos económicos o equipo para

cual se esperaba su presencia pero

la filmación, o post-producción.

pudimos

representantes

ver

de

no llegó) y Columbus de Kogonada; de las contendientes por Canadá sólo pudimos

ver

Mobile

Homes

de

Vladimir de Fontenay, (cinta la cual

5

De

A

junto con A Ghost Story se llevaron

albergar

sólo

trabajos

y

De

esta

competencia

nos

dolió

Sorkin

(estelarizada

por

Jessica

mucho sólo poder ver Opus Zero del

Chastain

director

Graham,

película que pudimos ver de las galas

protagonizada por Willem Dafoe, la

con una trepidante actuación por

cual

parte de Chastain, a la cual les

Daniel

es

una

México-alemana;

co-producción entre

las

e

Idris

Elba,

la

única

otras

aseguro veremos nominada en los

competidoras y que no pudimos ver

Premios Oscar) y por último Three

gracias a la gran afluencia y que

Billboards Outside Ebbing, Missouri

llamaron poderosamente la atención

de Martin McDonagh.

del público en general fueron Ayer Maravilla Fui de Gabriel Mariño (la cual fue la gran ganadora de la competencia) Los Días Más Oscuros de

Nosotras

(mención

de

Astrid

Rondero,

honorífica

competencia)

y

A

de

Morir

la

A

Los

Desiertos, un documental sobre los últimos

exponentes

del

canto

cardenche dirigido por Marta Ferrer Carné, un documental muy cercano en su historia a Durango.

Entre lo más destacado del festival se contó con las galas en las que fueron proyectadas seguro

cuatro

sonarán

películas mucho

en

que la

temporada de premios el año que entra, Battle Of The Sexes con Emma Stone y Steve Carell, Downsizing del director

de

Nebraska

Alexander

Payne; Molly's Games del antes guionista y ahora director Aaron

6

7

Invitados especiales como lo fueron

Películas bastante atractivas que se

la actriz y ahora directora Jennifer

proyectaron fuera de competencia

Morrison que presentó su ópera

como lo fue la noruega Thelma, la

prima

las

chilena Una Mujer Fantástica, On

del

Body And Soul de Hungría, Western

festival, el director y muy reconocido

de Alemania; todas estas dentro de la

guionista Paul Schrader a quien se le

sección World Highlights. I, Tonya de

rindió tributo en el festival y presentó

Craig Gillespie con Margot Robbie,

su más reciente filme, First Reformed.

(película por la cual muchos la ponen

El actor ganador del Tony (el actor

también en la contienda por el Oscar

más joven en ganarlo) quien hizo su

a

debut en el cine con la pelìcula How

Protagónica)

To Talk To Girls At Parties de John

Robespierre y Last Flag Fliyng, el

Cameron

la

nuevo filme del reconocido director (y

sección B-Side que une cine y música

uno de mis favoritos como algunos de

en esta selección y la cual es una

ustedes sabrán) Richard Linklater,

película que también gustó mucho a

una película con muchas similitudes a

la audiencia por su historia de amor

The Last Detail de Hal Ashby de

tan atípica entre un joven británico y

1973.

una alienígena a la cual creen de

Nicholson).

Sun

Dogs

presentaciones

dentro

de

especiales

Mitchell

dentro

de

Mejor

Actuación

en

Actriz

Landline

de

Gillian

(Protagonizada

por

Jack

California mientras buscan el punk. Y la presencia sorpresa de la actriz australiana

Nicole

Kidman

que

presentó la más reciente película de Yorgos Lanthimos, The Killing Of A Sacred Deer, además de muchos actores y actrices nacionales.

8

En la sección Green probablemente

con el premio CTT Exp & Rentals y

el

buenas

Los Cabos Goes To Cannes, entre

opiniones generó en el festival fue

otras películas más acreedoras de

Jane (cuyas proyecciones también se

otros estímulos y apoyos.

documental

vendieron

de

que

más

inmediato)

y

otro

documental también muy sonado fue el de Witkin y Witkin, sobre un fotógrafo

y

hermanos,

un y

pintor

como

que

son

después

de

mucho tiempo de distanciamiento se vuelven a reencontrar gracias a una exposición conjunta en Ciudad de México; entre muchas películas más, que si bien no eran tan llamativas en nombre,

producción,

directores

actores

reconocidos,

sí

o

tenían

todas una carga y una propuesta bastante

interesante

que

lo

que

hicieron fue enriquecer aún más la calidad del festival.

del cine independiente, muy pocas películas

con

distribuidoras

o

productoras grandes detrás de ellas, con mucha carga de inclusión a las personas

de

discapacidades

diferentes, (muchas películas tocaron el tema de personajes con cierto déficit mental) la película Dina que se presentó

en

la

sección

de

Presentaciones Especiales sobre una mujer con autismo. Otros temas generales y que tuvieron grandes valores

dentro

de

las

películas

exhibidas tanto en competencia como en las secciones fuera de ellas fueron

Dentro de los premios otorgados por

las actuaciones de jóvenes actrices y

el

nuevas promesas del cine tanto

Gabriel

destacan

Figueroa los

realizadora

Film

trabajos

Tatiana

Fund de

nacional

como

mundial.

Las

relaciones familiares y los viajes

en

como un cambio de visión en la vida

Desarrollo para su película Noche de

de las personas, haciendo de las

Fuego, su primer largometraje de

ciudades un personaje más, películas

ficción, y La Caída del director

de detalles, que te involucraban como

también ya conocido David Pablos, (y

espectador para ir hilando y entender

producida

su mensaje, fueron otros aspectos

el

premio

por

Huezo,

la que

consigue

a

Gastón

Cine

Pavlovich,

Karla Souza y Ana Laura Rascón)

9

Un festival que brilló por la presencia

que brillaron mucho este año.

Un festival que lejos de los grandes placeres que siempre brindan este tipo de espacios y encuentros como lo es el convivir, platicar, escuchar y ver

a

directores,

celebridades, grandes

actores,

crĂ­ticos,

las

alfombras rojas y las fiestas, Los Cabos International Film Festival, con su corta edad, nos vuelve a recordar que lo verdaderamente importante en esta industria es el cine, ese cine que acerca a la gente, a los jĂłvenes, que los hace debatir y dialogar y pensar, ese cine diferente que muy pocas veces tenemos la oportunidad de ver en pantalla grande y que gracias a estos espacios podemos hacerlo.

Una vez mĂĄs, gracias Los Cabos.

10

Festival Internacional de Cine de Los Cabos

COLUMBUS texto JUAN JOSÉ ANTUNA

Columbus es la ópera prima del ahora director de cine Kogonada, quien se diera a conocer al mundo por sus videos-ensayos para Criterion sobre varios aspectos visuales en las películas de directores de cine como Wes

Anderson,

Stanley

Ingmar Bergman, entre otros.

11

Kubrick,

Al ser un especialista, espectador y

son las relaciones con sus padres, lo

amante del cine, plasma en esta

que los han hecho ser, hacer o

película muchas de sus influencias,

dejado de hacer.

podemos ver lo que a él le gusta ver técnicamente hablando. La película es un paseo por la vida de dos personas que se encuentran por casualidad, o quizá no tanta; en la ciudad de Columbus, Indiana. Una joven que ha vivido en la ciudad casi toda su vida y la cual está enamorada de ella por su arquitectura modernista y que la hace soñar con ir a la universidad a estudiar arquitectura siguiendo un loco sueño, y un ya no tan joven coreano que está en la ciudad visitando a su padre en el hospital el cual está en coma.

Actuaciones mesuradas, parcas y nada sobradas, pero a la vez muy vibrantes y sensibles, personajes tan simples, fuera del

molde

de

la

industria, tan comunes y corrientes, a veces tan aburridos como lo cotidiano que parecen ser reales y les da ese brillo tan maravilloso, John Cho la verdad irreconocible para bien y Haley Lu Richardson es un verdadero encanto en su papel, hacen con sus destacables actuaciones que uno no haga más que engancharse aún más con la maravilla que se ve y siente.

Entonces este par de solitarios se va conociendo su historia, mientras ella va mostrando a él sus edificios favoritos

de

mostrando

la

sus

ciudad,

se

van

sentimientos,

sus

sueños

frustrados,

esos

mismos

lugares

y

que

se

van

en

una

convirtiendo

edificios más

tarde

metáfora de sus vidas, convirtiendo así a la ciudad como lo dice el título, en la protagonista de esta historia de amistad, amor, dejar ir y permanecer a la vez. Largas pláticas de lo que

12

13

Kogonada hace que recordemos con

Una película que habla de que a

esta película mucho del cine de

veces es mejor dejar atrás lo que nos

cineastas independientes pioneros e

gusta, la vida confortable, o nos hace

innovadores como lo son Jarmusch y

sentir bien, sólo para apoyar a

Linklater, y otros homenajes más

nuestros

sutiles

Wai

realmente lo que queremos, seguir

jugando mucho con los espejos. Sus

nuestros locos sueños cuando aún se

referencias no sólo se limitan a lo

es joven; y a

narrativo al ver una película de

permanecer

muchos

largas

remordimiento no nos destruya por

caminatas y charlas que si bien

dentro al final cuando ellos ya no

muchas caen en la anécdota, aportan

estén, y cuando ya no se es tan joven

y proponen, hacen de la trama algo

y no se tuvo el valor para hacer lo

que se justifica al final, una película

que queríamos, sólo nos resta ayudar

que se digiere sin problema alguno

y alentar a quien aún puede. Al fin de

también

elegante

cuentas nuestros padres ya han

fotografía y esas paletas de colores

vivido su vida, nos hayan tomado en

tanto

oscuras

cuenta o no, ahora es momento de

acompañando cada parte de la trama

vivir la nuestra, sea a su lado

con el score indicado. Una voz sutil

esperando a que mueran o lejos

pero potente de originalidad brota sin

viviendo

hacer

remordimientos ni rencores.

como

a

Wong

silencios,

gracias

brillantes

pretencioso

Kar

de

a

su

como

el

argumento,

padres,

con

nuestros

para

hacer

veces es mejor tal

de

sueños

que

y

el

sin

además de las referencias visuales y técnicas que denotan lo mucho que ama Kogonada el cine de Anderson y Kubrick.

14

MARCOS ALMADA El linaje de un apellido de leyenda texto y fotografía ERIC EDUARTE VILLA

Como en los buenos tiempos del cine en Durango, cuando los hermanos Almada se robaban los carteles y la taquilla del cine mexicano, vuelve el Western característico de esta dinastía a la Tierra del cine donde mucho tiempo después reaparece la sangre de las películas de acción y como muchos en forma bromista y hasta de halago llamaban “las películas de los hermanos que nunca se le acaban las balas”.

15

Marcos Almada, hijo del célebre actor y productor mexicano Mario Almada, estuvo en Durango para realizar su más reciente producción Frontera, que tendrá inicialmente un formato para la televisión (Video Home) la cual espera tener éxito para que esta misma historia pueda servir de adaptación a una serie de televisión o bien a una versión cinematográfica mucho más amplia, la cual se filmaría en mismo Durango.

La producción tuvo lugar en lugares icónicos del estado como el pueblo Western Paseo del Viejo Oeste y Chupaderos que han sido históricamente locaciones del cine western del cine nacional y Hollywodense; de igual manera fue producida en ranchos privados y locaciones exóticas como grandes cañones y lagunas del mismo estado, contando con el 99 por ciento del crew (a excepción del director) y 100 por ciento del cast originario de Durango.

Durante 12 días se lograron filmar poco más de 90 páginas de guión, demostrando que el cine tiene mucha practicidad si se sabe aprovechar lo poco que se tiene. Marcos en exclusiva para Cinéfagos conversó sobre esta película y un poco de su carrera en el cine. ¿Cómo surgió la idea de venir a realizar esta película a Durango y cómo te sentiste en esta producción?

Yo ya tenía varios años de no producir películas, hasta la fecha he realizado algunos videohomes, y un colega me despertó la inquietud de hacer esta película considerando ya todos los avances tecnológicos que hay, parece que hay más apertura en el mercado de la compra de películas en las televisoras, también sabemos que está Netflix y todo este tipo de plataformas digitales, streaming´s y dije “Pues vamos a ver, vamos a probar como está el mercado”, yo por

supuesto me moría de ganas de hacer otra película, dije: voy hacer este experimento y me vine a Durango encantado de la vida porque hay un apoyo extraordinario, muchísimo talento, los cuales conocí el año pasado que vine hacer unos spots publicitarios y de hecho me comprometí a realizar una película con ellos que son todo el personal que labora en Paseo del Viejo Oeste y que de verdad son muy talentosos, yo me vine sólo, a nadie traje de la Ciudad de México, nada de staff, no traje actores, todo lo quise hacer con gente de Durango lo cual ha sido una experiencia maravillosa y estoy invitado de volver hacer más películas aquí, además de los escenarios que hay, los talentos y el trato de la gente es fenomenal.

Es por eso que vine ahora, se me ocurría hacer una película tipo Western recordando un poco los tiempos de mi papá (Mario Almada) cuando venía aquí hacer sus western, yo venía con él cuando yo era niño y dije “Porque no, en honor a mí papá vamos hacer este western” y la verdad creo salió bastante bien y ya terminamos. Ahora sigue la edición y esperamos muy pronto tengamos la premier en la Cineteca de Durango.

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¿Qué nos puedes adelantar de la película?

A mí me encanta este tipo de Western, se me ocurrió una historia sobre los mexicanos que vivían en Texas cuando perdimos la mitad del territorio, lo que pasó con ellos, cuando llegaron los sajones del este y empezaron a invadir y a poblar Texas y lo que pasó con las familias mexicanas que tenían ahí generaciones y cómo fueron acosados y tratados de ser sacados del estado, entonces prácticamente la historia se basa en eso.

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¿Cómo fue el proceso y experiencia en la producción de Frontera?

En verdad estoy sorprendido en la forma, en el apoyo, de todo el mundo comprometido, encantado, aquí en Durango realmente se respira el cine.

Los chavos ya estaban ávidos de trabajar en una película. Todos estaban estimulados, todos estaban encantados, mucha gente no tenían llamado todos los días sin embargo iban a la locación aunque fuera sólo para ver, ayudar, querían estar ahí en la jugada, eso fue lo que me encantó y de verdad, la colaboración de la gente de aquí es maravillosa.

¿Cómo es el cine de Marcos?

Yo las historias las escribo todas y la verdad me gusta tocar varios géneros, he hecho desde comedia hasta ciencia ficción, esotéricas, he hecho mucha de acción por supuesto con mi papá. Entonces me gusta tocar todos los géneros y ahora con la tecnología que hay ahora he aprendido con esta película que te permite ser “hombre orquesta”, desde ser camarógrafo, director, productor, guionista y hasta editor; y entonces esta película va ser este experimento en la que prácticamente soy el hombre orquesta y quiero demostrar que se pueden hacer cosas muy interesantes con pocos recursos y claro, cuidando muchísimo la calidad y que sí se pueden hacer cosas así; como siempre me dijo mi papá: “Las películas se hacen en el escritorio, si tú tienes una película bien preparada desde antes, optimizas muchas cosas, optimizas el tiempo y optimizas los recursos”. Y es lo que estoy tratando ahora de mostrar y vamos a ver cómo nos va con esta película.

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¿Marcos Almada también gusta y lo veremos actuando en alguna película?

La verdad es que una vez actué en una película y no me gustó mucho la actuación, la verdad yo prefiero estar atrás de cámaras, prefiero escribir, dirigir, producir y hasta la fecha esta es mi séptima película, he escrito como catorce guiones de los cuales todos los hemos llevado al cine.

“Mario Almada Clothing Co”, Háblanos un poco sobre la línea de ropa que lleva el nombre de tu padre.

Fijate que esto salió porque un día alguien me dijo que mi papá además de ser un ícono del cine también es una marca, entonces al decirme eso me dije: A caray si es una marca, entonces hay que explotarla. Y le comenté a mi papá: “Oye que tal si sacamos una línea de ropa con tu nombre y una imagen tuya bien padre”, y así fue.

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Comencé esta aventura antes de que muriera, él la vio y por supuesto que estaba encantado y pues ahí también estamos, vamos lento pero vamos caminando, la estamos dando a conocer, empezamos con camisas vaqueras, ahora estamos con playeras, gorras, próximamente queremos sacar botas, sombreros, cinturones, hebillas.

No es lo que yo sé hacer, nunca he vendido ni he hecho ropa entonces cuesta trabajo porque tienes que abrir mercado de algo que no tienes la menor idea, y como todo pues tiene su chiste, pero ahí vamos, está padre, cuando la gente ve la ropa se emociona y los que son fans de mi papá pues ya sabes “Yo quiero tener una, yo quiero tener algo de Mario Almada”. Las playeras con frases muy simpáticas que mi papá dijo en varias películas que van más dirigidas a los jóvenes, en fin vamos ampliar la línea de la ropa y accesorios y ahí vamos poquito a poquito.

El cine en el

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21

CASSANDRA CIANGHEROTTI La actuación, su vida Para Cassandra Ciangherotti la actuación se vuelve un alimento esencial para el ser humano, donde se transmite hacia el espectador las emociones y sentimientos que nos hacen vivir, o al menos esa es la visión que tiene la actriz mexicana al momento de expresarse a través de su labor actoral, una mujer joven que poco a poco se ha ido abriendo camino en el universo de la televisión, el teatro y el mismo cine. Durante su visita a Durango para presentar la película Las horas Contigo concedió a Cinéfagos una entrevista exclusiva sobre cómo llevar la actuación en estos tres formatos.

Has estado en actuando cine, teatro y televisión ¿Hay alguna diferencia en el actuar y cómo dominarlo cuando se está actuando a la vez en estas tres diferentes disciplinas actorales, como es ir y venir ante la diferencia que hay de cada una de las formas de la actuación?

Yo lo compararía con una carrera de música, son como tocar tres instrumentos diferentes, como tocar la guitarra, el piano, los tambores.

Hay diferentes maneras de aproximarse a la actuación, de entrada porque en teatro es un contacto directo con el público y se puede modificar tremendamente lo que estás haciendo, a lo mejor sales a una escena y dices un texto y te das cuenta que el público se rió y entonces eso modifica muchísimo la

texto ERIC EDUARTE VILLA fotografía CORTESÍA ICED

interpretación que estás haciendo porque te das cuenta que es gracioso lo que estás haciendo, entonces puedes hacer que mañana modifiques y puedes que ahora el público no se ría, sigo modificando para que se logre la actuación que yo quería que fuera, tienes la oportunidad de regresar y de ir puliendo. En cine tienes que estar muy concentrado, que la actuación es una cosa que se tiene que economizar mucho más porque en la pantalla se registra cosas muy diferentes a las que registra el público presente. Y en televisión creo tiene que ver con los tiempos de preparación, todo es muy rápido y eso te obliga a estar muy ágil, muy presente a resolver en el momento y eso también es un gran entrenamiento. ¿Cómo es la manera de trabajar de Cassandra? Teniendo la presión del múltiple trabajo de la actuación bajo esas tres disciplinas.

Trato de trabajar mucho con la paciencia, tratando de fomentar una energía positiva en el ambiente de trabajo porque creo que cuando no hay frustración, cuando la gente está abierta, cuando la gente está en energía digamos de la alfombra del amor las cosas fluyen mucho más fácil, entonces trato de fomentar eso, de pedir respeto por mi trabajo y de darle ese respeto a los demás.

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La película aborda un tema delicado ¿Cómo es que afrontas y abordas al personaje?

¿Qué le falta a Cassandra dentro de este éxito que has ido logrando?

Lo conllevo con mucho orgullo, fue una experiencia muy linda, una experiencia que me exigió mucho, mucha concentración, mucho entendimiento, mucho análisis de las escenas y creo que el resultado es muy positivo, hubo muchas felicitaciones para el trabajo que realizamos todos y es una película de la que me siento muy orgullosa.

Me faltan muchas cosas, por ejemplo me falta hacer personajes que me pongan retos importantes, que me hagan salirme de mi zona de confort, terminar la carrera de dirección, la estoy estudiando y tal vez en algún momento si tengo la energía, poder dirigir algo.

Háblanos un poco de lo que se siente enseñar como maestra de actuación a diferencia de actuar, de estar frente a las cámaras y ante un público.

Ya he dado varios talleres y me gusta mucho ver la curiosidad de la gente, creo que se vale tener curiosidad de lo que es el arte, lo que es actuar, hay mucha gente que quiere experimentar, esa sensación de vivir otra cosa, de permitirse explorar actitudes, sentimientos que a lo mejor en la vida cotidiana no se permitirían, así como bailar, como cantar, creo que todo el mundo tiene el derecho a hacerlo y poder brindar espacios y poder guiar a la gente hacia donde pueden conectar de mejor manera, y es un gusto, un privilegio. Yo aprendo muchísimo dando los talleres, refuerzo ideas mías, las cambio, me confronto con cosas que a lo mejor ya están viejas y entonces aprendo muchas cosas.

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SERGIO FLORES THORIJA CÓMO HACER BUEN CINE CON TRES PESOS texto ERIC EDUARTE VILLA fotografía CORTESÍA ICED

Para Sergio Flores Thorija una “idea cinematográfica” son los elementos claves que forman una escena de una manera muy sencilla que cubra las necesidades para resolver y realizar una película con bajo presupuesto, como lo logra en su ópera prima “3 Mujeres o (Despertando de mi sueño Bosnio)” la cual ha sido de base para el taller que impartió en la ciudad de Durango dentro del marco del Festival Revueltas 2017.

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De esa manera Sergio deja la cátedra de como filmar una película con muy pocos recursos y con gente en producción y cast que nunca habían estado en una película y que consigue sacarle el mejor provecho para garantizar el contar una buena película. Para Cinéfagos nos permitió una entrevista sobre el taller impartido y de su película.

¿Cuál fue el proceso y experiencia de realizar ‘3 Mujeres’?

Fue una película que realice en Bosnia-Herzegovina mientras estaba viviendo y estudiando allá mi doctorado, no era mi intención hacer mi ópera prima fuera del país, pero después de que tuve una gran experiencia en Bosnia y de que conocí tanta gente que admiro mucho decidí que no me podía ir de ese lugar sin hacer una película, eventualmente decidí que quería hacer una película acerca del rol de la mujer en esa sociedad, que es una sociedad muy conservadora, muy machista, muy homofóbica al igual que México, en eso conectaba mucho y creo a eso le da a la película una universalidad muy grande porque a pesar que pasa en los Balcanes son historias con que la gente se conecta mucho ya que podrían pasar en cualquier rincón del mundo y en especial en nuestro país, y creo que en realidad es importante que la gente en México la vea para que se cuestione la realidad de las cosas. ¿Cuáles son las diferencias de filmar en México y en Bosnia?

Hay bastantes diferencias y al mismo tiempo no, la primera que ha todo surgiría es el idioma, dirigir en un idioma que no es tu idioma natal es complicado pero al mismo tiempo es un gran reto y se disfruta y tal vez hay más diferencias de filmar en Estados Unidos, México o Francia. Que aunque Bosnia y México son dos

países que están del otro lado del mundo son países bastantes pobres en cuanto a la industria, siempre hay que buscar la forma creativa de resolver las escenas sin dinero y el pueblo Bosnio al igual que el mexicano es experto en adaptarse para buscar la mejor solución sin que te cueste un solo centavo. ¿Por qué prefieres trabajar con no actores?

Por muchas razones, primero quiero que no sólo para los no actores sino también para la gente que trabaja conmigo en la película sea algo muy importante en sus vidas, que los marque de cierta forma, y los no actores primero te brindan una gran naturalidad y en la actualidad estoy clavado en hacer un cine extremadamente realista, por el otro lado también te pueden brindar muchísimo tiempo y los puedes entrenar durante largo rato y eso a mí me encanta porque a veces los actores profesionales tienen tanto trabajo, le dan prioridad a otras cosas tal vez donde les pagan más o etc, y tu proyecto se diluye un poco, se vuelve uno más. En cambio para los no actores es algo fundamental que les cambia la vida y yo quiero que toda la gente que trabaje conmigo le den tanta importancia a la película como yo se la doy.

26

¿Cómo trabajar en tres días un taller de dirección cómo el que acabas de impartir?

Es muy poco tiempo para hacer cosas técnicas o platicar de todos los temas, de hacer prácticas, pero en realidad creo eso es algo que los alumnos pueden encontrar en todos los lados, en otros talleres, internet, etc. Entonces yo me quise enfocar lo más que pude en explicarles cual es mi método de dirigir, en que es bastante diferente a los estereotipos, a los paradigmas de cómo tiene que hacerse el cine y también es un proceso que he logrado hacer con muy poco dinero, entonces creo esto le puede ayudar mucho a la gente y ojalá implementen las cosas que yo les dije porque creo puede evolucionar mucho su cine, creo que los puede animar a que se atrevan a hacer el cine que quieren y creo van a mejorar mucho sus resultados. ¿Cuál es tu siguiente proyecto?

El siguiente que tengo para realizar es mi segundo largometraje que se llama “Travesías” y voy a filmar la mitad en Tijuana y la otra mitad en San Diego y lo empezaré en la primavera del siguiente año.

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SONIDO DIRECTO EN EL CINE APRENDIENDO CON PEPE REYES texto ERIC EDUARTE VILLA fotografía CORTESÍA ICED

He escuchado la frase que una película es 50 por ciento la imagen y 50 por ciento el sonido. De la imagen entrarían cosas como la actuación, pero hay algo de razón en ese porcentaje, el sonido es muy importante en una película, que sí, hace la mitad de esta y sin ello las emociones que transmite una cinta no serían las mismas.

29

Recientemente en la ciudad de Durango se tuvo la visita del joven sonidista originario de Veracruz Pepe Reyes, quien reside y tiene sus estudios en la ciudad de Colima. El motivo de su visita a tierras duranguenses fue precisamente para impartir un taller de sonido directo. En su estancia mientras enseñaba a otros jóvenes el cómo hacer sonido directo Pepe nos compartió su experiencia en el mundo del sonido y nos habló de la importancia del sonidista en una producción.

¿Cómo es la labor de un sonidista en el set de cine?

El rol del sonidista en el set de cine dentro de mi experiencia personal se ha perdido un poco el rigor, en general en el set sino en el ámbito sonoro y eso hace que como sonidista sufras más todavía, porque no se crean las condiciones adecuadas para captar un buen sonido en el set de cine y en todos los ámbitos: publicidad, televisión, en medios audiovisuales en general, se está perdiendo ese rigor cuando se filmaba, y eso ha afectado de alguna manera los departamentos entre ellos el de sonido, que cada vez nos vemos más afectados por el hecho de no hacer scoutings, de no tener el control total de un set y por ende la sonoridad de ese set. Es eso principalmente, se está perdiendo la figura o la autoridad del sonidista, y no es por pedir más protagonismo en el set, simplemente está dejando de suceder lo que debería de suceder es tener el control y eso no sólo afecta al de sonido, sino a todos los departamentos.

conozco tres estaciones de radio ahí, desconozco si hay más y creo que posiblemente sí y todas transmiten desde ahí, entonces la cantidad de RF (Radio Frecuencia) que hay en la torre es muchísima y entonces al trabajar con sistemas de radio frecuencia estamos tratando de competir literal con una micro estación de radio que son nuestros sistemas inalámbricos contra la potencia de tres o cuatro estaciones de radio, y recuerdo que escuchaba la radio en mi grabadora de sonido, literal escuchaba la radio en mis audífonos en lugar de los sonidos y entonces fue complicado, no pude resolverlo moviendo todos los settings que en teoría deberían solucionar eso, pero era tan fuerte el tema de radio frecuencia que no tuve otra opción que grabar sólo con boom, que tampoco es un obstáculo pero eso obliga a que cámara cierre sus cuadros o detalles y cambia de esa manera.

¿Cuáles han sido los obstáculos a los que te has enfrentado en una filmación?

Recuerdo una muy particular que estábamos grabando una especie de mini-serie en la Torre Latinoamericana de la Ciudad de México, casi en el último piso de la torre, y lo que tiene de particular la Latino es que por lo menos yo

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¿Cómo está visto el sonidista en México y qué tan grande es la convocatoria para el departamento de sonido en las nuevas generaciones?

Cómo te decía la imagen del sonidista en el set se ha venido perdiendo, sin embargo en los últimos años ha habido un boom en el cine en general, en todos los ámbitos, no me gustaría llamarlo moda pero creo que hay cada vez más gente interesada en estudiar y hacer cine y entonces eso impacta en todos los departamentos. En el caso particular del sonido cada vez hay más sonidistas y ojalá se rescate esa imagen y esa importancia de sonidista en el set, porque es una labor fundamental.

Y como te digo, cada vez veo más gente interesada en hacer sonido y el ejemplo más claro fue el del terremoto, a partir de ese acontecimiento hubo una convocatoria que se llamó “Sonidistas Unidos” que básicamente lo que hicimos el gremio fue convocar a todos aquellos que quisieran ayudar en las labores del rescate, metiendo micrófonos a las zonas de derrumbe para tratar de escuchar alguna persona con vida y a raíz de esta convocatoria hicimos un grupo de WhatsApp de por lo menos de 300 personas y cada vez se han unidos más. Yo no conocía a tantos, mi universo de sonidistas era 20 o 30 personas. Ya somos poco más de

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300 y con los que no acudieron a la convocatoria y con los que no están en la Ciudad de México seguro somos muchísimos más. ¿Qué calidad tiene y en que rango está el sonido de México a diferencia de otros países?

Mira, esto es bien curioso porque obviamente si comparamos los sonidos de las películas mexicanas con las de Hollywood pues podríamos decir que el de Hollywood es mucho mejor ¿no? Eso digamos en un tema global de sonido, pero si hablamos concretamente de lo que es el sonido directo que se hace en el set.

Yo podría decirte que el de México está mucho mejor que el de Estados Unidos, y creo que se disfruta y se goza más haciendo sonido directo en México porque si tú analizas el sonido directo de las películas de allá el 95 por ciento es sonido hecho en postproducción, incluso los diálogos, casi todo es doblado, todo el diseño sonoro se hace en post y sólo un 5 por ciento de lo que se deja en el corte final de la película es directo, a diferencia de México, por temas presupuestales o por lo que tú quieras, el 90-95 por ciento del sonido final de la película es en directo.

AlimentĂĄndonos del sĂŠptimo arte

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UN POCO DE CINE PARA SOBREVIVIR

texto JACKELYN GONZร LEZ

Seguimos dรกndole un espacio al cine en nuestra escuela, homenajeando ese ritual de reunir individuos en una sala oscura frente a una pantalla que es ventana hacia otras visiones, otros mundos y realidades. Fuente directa de sensaciones.

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Con la libertad que un Cineclub brinda que es la de no sólo ver cine y conocerlo, sino también comentarlo y analizarlo, enfrentándonos más allá de cualquier género cinematográfico al ser humano mismo en cada filme, viajando a través de la "transformación del personaje", sufriendo esa catarsis aristotélica que de carácter dual nos sumerge como espectadores en un "dentro de" y "fuera de" de la evolución dramática al mismo tiempo. En otras palabras empatizamos con "n" personaje y vivimos su historia dentro de sus zapatos, sentimos y nos cuestionamos como si a nosotros mismos nos ocurriese tal progresión de eventos y al mismo tiempo vemos el panorama de las cosas desde afuera.

Creo que como cinéfilos buscamos ver películas por el mero deleite de ver cómo estas han sido construidas y pensadas, cómo se desarrolla su discurso, cómo se monta en escena, en imagen la idea primero plasmada en papel, cómo funciona tan orquestadamente cada departamento, cada parte del filme.

Cómo mira la cámara, cómo se mueve la historia, cómo se tambalea nuestra atención entre lo técnico y lo artístico, entre lo filosófico, lo social, lo emocional, lo verosímil y lo estético; entre la mirada crítica de persona con ganas de ser cineasta y la de enamorado del cine. De enamorado primerizo, que todo cuanto ve adora, que todo cuanto ve

gusta, con la inocencia de Toto en la cabina de Cinema Paradiso.

Pero como humanos ¿Porque vemos películas? Quizá por la necesitad de sentir, todos buscamos sentir emociones. Entre la evasión de nuestra vida y la búsqueda de entenderla nos sentamos frente a una pantalla, frente a una historia nacida para ser contada una y otra vez como la tradición oral de los relatos populares y las leyendas regionales, para ser contada y escuchada y en este caso también vista.

Sin saberlo buscamos el viaje de las emociones, como si sufrir la catarsis aristotélica nos salvara la vida o nos reconectara con ella, a veces pienso que las emociones y los sentimientos son más reales en pantalla que en la vida diaria, claro que en pantalla han sido hechas para ser mostradas, para ser así de transparentes así de puntuales y en función dramática de conmover o incluso incomodar al espectador.

La fábrica de sueños se decía al cine en tiempos del Hollywood naciente y de crisis mundiales. La fábrica de emociones le digo yo ahora, en estos tiempos en los que a veces se pierde la sensibilidad y la empatía, que por ahí me decía un amigo es lo que más nos hace humanos, por tergiversarla y tratarla por sensiblería mal fundamentada.

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Análisis del cine mexicano actual

COMEDIAS ROMÁNTICAS ¿NOS DEBEN MOLESTAR? texto ANDREI MALDONADO

El tamaño sí importa, No se aceptan devoluciones, Nosotros los nobles, Soltera, treintona y fantástica, ¿Cómo matar a un esposo muerto?, Hazlo como hombre, Qué pena tu vida, No sé si cortarme las venas o dejármelas largas, Cásese quien pueda, Compadres. Los títulos abundan ¿qué tienen en común todas estas películas?

Que son comedias románticas y que la mayoría está protagonizada por los mismos actores. Pero ni son comedias ni son románticas, son guiones adaptados de otros países, fórmulas básicas que atraen público ¿por qué gustan tanto?

La hazaña de El crimen del Padre Amaro parecía no irse a repetir.

Pasaron 12 años para que otra película mexicana se volviera la más taquillera de la historia. Con Nosotros los nobles comenzó un ciclo de comedias nacionales cuya fórmula se convirtió en estándar: los personajes se encuentran en un status quo hasta que una situación los hace ver su error (casi siempre una mujer, a veces los hijos) y los hace reaccionar, cambiar su actitud y tener un final feliz de telenovela (boda o como mínimo un noviazgo con dicha mujer).

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Valores sintéticos, plásticos, de libro de autoayuda que más allá de la risa efímera o la melaza no dejan nada y hace que no recordemos en cuál de todas, si en Amor a primera Visa o en Me late chocolate un albur antecedió al beso final con una canción de pop de fondo. Lejos, muy lejos, están de generar comedias con crítica, pues el género no es el problema, lo demostró en su momento Charles Chaplin a través de Charlotte, y lo hizo Mario Moreno con Cantinflas.

Claro, ellos eran genios, dirán algunos, pero eso sustenta a la comedia como género.

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Y es cuando comienza el debate ¿por qué aparece al inicio de estas películas tanto patrocinio? Si no son las marcas comerciales son las televisoras o los fondos federales para la producción ¿por qué? Porque es redituable. Simple. Porque las cadenas de cine subsisten de las entradas, y aún más de las palomitas ¡y vaya que el morbo por ver un nuevo bodrio agota boletos! ¡Nada como un buen churro para vaciar las dulcerías! Y ante esto ¿qué podemos decir? La mercadotecnia ha triunfado, la gente está viendo cine mexicano.

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La potencia discursiva y la belleza estética que desde la ficción se construye en cintas como Güeros o desde el documental con Quebranto no impacta en salas comerciales como lo hace una No Manches Frida o ¿Qué culpa tiene el niño?

Simplemente porque la comedia, junto con el terror y la acción, son los géneros comerciales por excelencia que nos ha heredado Hollywood que, queramos o no, es nuestro máximo referente dado a que es la industria más poderosa del cine y, curiosamente, son nuestros vecinos.

Y es que mucho se habla del tiempo que se le da en cartelera a las películas cuyo contenido discursivo y fotográfico es superior a las comedias románticas, sin embargo no hay que olvidar que el cine es un mercado, un negocio, y como cualquier negocio el producto que no sea redituable no acapara los anaqueles. Si en una semana la gente no va a ver La Carga, aunque esta sea mejor en su discurso narrativo a ¿Cómo cortar a tu patán? la primera se irá y la otra continuará. Así de simple. Las masas buscan contenidos digeribles, que los entretengan, que los saquen del marasmo, y no que los congestionen más.

Y no sólo le pasa a las producciones nacionales. ¡Madre!, la más reciente película de Darren Aronofsky, no compitió en pantalla con Me gusta pero me asusta, pues mientras que la gran producción del director de El cisne negro duró dos semanas en cartelera la cinta mexicana rebasó el mes. Oferta y demanda. La demanda de cintas más cerebrales no está en las salas comerciales, ni siquiera en las salas “de arte” de las grandes cadenas e incluso dudo que lo esté en los festivales de cine ya que la mayoría, como el de Guanajuato, Morelia o el de Guadalajara, empalman muchas funciones a la misma hora y solo están llenas aquellas donde tendrán algún invitado internacional.

¿Dónde está la audiencia, entonces, para el llamado cine de arte o de autor? No lo sabemos. Quizá en los cineclubs, en las cinetecas o en el hogar de algún cinéfilo empedernido.

La verdad es que podemos hacer rabietas y rabietas de por qué tantas salas se destinan a las comedias románticas o a los superhéroes de Marvel, pero eso se responde fácilmente. Basta ver las butacas agotadas y las dulcerías repletas de clientes para esas funciones. Si iniciativas como el Tour de Cine Francés han fructificado es porque no son las películas francesas más complicadas, son las que guardan cierta cercanía amable con el espectador.

Quizá el error de muchos directores “autorales” es buscar que con sus apuestas “íntimas” se les financié con recursos públicos o de la iniciativa privada. El cine es industria, se busca lo que devuelva lo invertido, lo que deje derrama económica en hoteles, restaurantes y servicios de filmación durante el rodaje y que una vez en pantalla llene la sala y, por supuesto, que también sea rentable para comercializar en plataformas digitales o en DVD. Quizá lo que esté fallando no sea el sistema sino lo que nosotros estamos haciendo con él.

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CAMINO

AMARTE

UNA ROADMOVIE ESPACIAL (o la peli que todos hubiéramos querido escribir) por ANDREI MALDONADO

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Dos chicas, un auto, una carretera, un destino, la playa, un huracán, un último sueño y un extraterrestre llamado Mark que acabará con la humanidad. Todos estos ingredientes para crear una road movie única: Camino a Marte.

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Pocas veces en Cinéfagos nos hemos entregado a escribir sobre el hit del momento. Especialmente su servidor deja que pase el tiempo, que se asienten las historias y cobren ellas mismas la relevancia suficiente.

Este año he sido consentido con muy buena películas en las salas comerciales (Alien Covenant, Blade Runner 2049) que me ha sido imposible postergar escribir sobre ellas. Una de ellas es Camino a Marte, por mucho la mejor apuesta cinematográfica de manufactura mexicana que me tocó ver este año en pantalla grande.

De verdad uno como espectador agradece apuestas tan sencillas y disparatadas pero bien contadas, redonda en toda su expresión, con un diseño fino de personajes, una fotografía muy ad dhoc con la música, actuaciones soberbias y un final que… bueno, eso no lo diré, únicamente les diré que el espectador sale amando como nunca a Tessa Ia y a Camila Sodi, queriendo tener la suerte de Luis Gerardo Méndez de tratar con semejantes actrices.

El roadtrip bajacaliforniano comienza con Emilia, quien se encuentra en fase terminal de su enfermedad.

Violeta decide llevarla hasta su playa favorita sin saber que en el camino se toparán con Mark, un hombre que afirma venir de otro mundo. El disparatado planteamiento va tomando forma conforme avanza la película en la cual se abordan distintos temas como la amistad, el amor, la vida, las decisiones y la muerte, todo sobriamente narrado y con coherencia.

Humberto Hinojosa consigue lo que en sus anteriores filmes (Paraíso Perdido, I Hate love) quedó, a mi parecer, a deber: una historia que no perdiera el hilo conforme el clímax nos llevaba a un desenlace incierto, pero necesario. Este tipo de ofertas en la pantalla nacional no solo son necesarias, sino fundamentales. Este año varios proyectos mexicanos alcanzaron ese estándar (Verónica, Vuelven) y uno como público en verdad lo agradece.

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La distopía a través de la luz, la sombra y el color

Si algo me gusta analizar de las películas es su fondo, no tanto su forma. Siempre agradeceré un buen guion a pesar de que se tengan carencias en la producción. Sin embargo Blade Runner 2049 ha hecho que no sólo me interese en su contenido, también en su fotografía, ya que parte de ese futuro distópico que se forma ante el espectador no podría concretarse sin las luces, las sobras y los colores logrados en el filme.

por ANDREI MALDONADO

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Particularmente no me fascina el uso de pantalla verde en el cine, será que estoy chapado a la antigua, pero estoy consciente que sin el uso de la tecnología y los efectos especiales centenares de mundos que hoy son tan reales para nosotros simplemente no existirían. Sin embargo con Blade Runner 2049 no solo soy consciente de ello, sino que puedo apreciar que se ha logrado una belleza inigualable a nivel imagen gracias a estas tecnologías.

Uno de los elementos que más me fascinaron es la elección del color de acuerdo al escenario. Las luces estridentes contrastando con los azules más oscuros de la ciudad, los naranjas del área radioactiva donde habita Rick Deckard (Harrison Ford), el blanco puro de la zona en cuarentena donde habita la doctora Ana Stelline (Carla Juri) y el negro absoluto del mar embravecido en las escenas de acción entre Joe-K (Ryan Gosling) y Luv (Sylvia Hoeks).

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La elección de los elementos que aparecen a cuadro también resulta fantástica. En primer término destacar cómo Gosling aparece a escena. El tipo es uno de los rostros más atractivos de Hollywood, sin embargo la mayoría de las veces lo vemos en planos generales, como una sombra, una silueta dispersa en el caos. En otros lo vemos de espalda, mirando siempre a horizontes donde su personaje busca las razones de su existencia como replicante.

Otra obra magistral de la fotografía de Roger Deakins en la obra dirigida por Deniss Villeneuve –y que seguramente se volverá una imagen icónica del cine contemporáneo- es en la que la publicidad de Joi (la acompañante cibernética que todo usuario futurista desea, magistralmente interpretada por Ana de Armas) aparece agigantada delante de K, con un contraste entre dimensiones, colores y sombras entre ambos personajes.

Y para no perder la tradición habrá que hablar del guion. Para más de uno (malpensados como yo) Blade Runner 2049 tiene guiños muy profundos no solo con su antecesora (de la cual, a diferencia de Trainspotting 2, no usa referencias forzadas, sino deliciosas, como la aparición de Rachel) sino también con Alien Covenant, pues más allá que Ridley Scott esta vez sólo produjo el filme, el que se hable de colonias espaciales, sintéticos y apocalipsis en la Tierra nos hace pensar en que Niander Wallace (Jared Leto) bien podría ser el antecesor de Peter Weyland y su corporación Weyland-Yutani del universo también creado por Scott.

No podemos dejar de hacer mención del conflicto moral que establece la película en el sentido de que vemos la realidad expandida en tres planos: los replicantes, vistos como una plaga al no ser humanos; los humanos, vistos por los androides como una especie mezquina, y el programa Joi, quien enternece al enamorarse como un ser humano de Ryan. El final nos abre la puerta para una nueva entrega que esperamos no tarde esta vez otros 30 años en aparecer.

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LA CORRESPONDENCIA

EL AMOR ES INFINITO COMO EL UNIVERSO por ANDREI MALDONADO

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“Somos polvo de estrellas que piensa en polvo de estrellas”, así nos definió Carl Sagan, el responsable junto con su esposa Ann Druyan de que las sondas Voyager (lanzadas hace 40 años al espacio) lleven consigo el mensaje de amor a los confines del universo. Y sí, en efecto, sólo somos polvo de estrellas, el mismo polvo de las estrellas muertas que vemos en el firmamento, pues a final de cuentas todo lo vemos de ellas son fotografías viejas.

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Giuseppe Tornatore (Cinema Paradiso, La leyenda de 1900, Al mejor postor), acompañado de nueva cuenta por el magistral Ennio Morricone, ha logrado en La correspondencia crear una de las obras fílmicas más bellas de los últimos años, una historia que nos pone a pensar sobre las posibilidades del amor, de lo que realmente nos convierte en seres finitos pero infinitos a la vez, como el propio universo, como las estrellas.

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Amy (Olga Kurylenko) y Ed (Jeremy Irons) viven un amor intenso hasta que, inesperadamente, ella recibe la noticia de la muerte de su amado, que extrañamente sigue comunicándose con ella a través de diversos medios. No, no es nada de ultratumba, sólo es que Ed ha decidido prolongar su existencia un poco más a pesar de la muerte para no dejar sola a su pequeña kamikaze, como la llama porque se dedica a ser stunt de cine.

Los bellos paisajes de Italia, enmarcados por piezas únicas de Morricone, especialmente el tema principal “Una luce spenta”, hacen de esta película una obra de arte. Las marcas del dolor impregnadas en el yeso de una escultura, la memoria perdida entre archivos de video, se parecen tanto a contemplar las estrellas que hace milenios desaparecieron, pero que para el ojo humano aún siguen presentes, maravillándonos.

Las complejidades que resultan de mantener una relación con un fantasma electrónico, con alguien ausente pero presente, representan un reto inigualable para Amy, quien enfrenta a sus propios demonios que la mantienen con la culpa de un pasado tormentoso enmarcado por la muerte de su padre y el distanciamiento con su madre, así como el desprecio que recibe de parte de la familia de Ed que la ve como una intrusa.

El perdón y el alivio llegan, pero al igual que una supernova la vida de las personas se extingue y por más que su rastro perdure tarde o temprano, como nosotros mismos, se desvanecerá. “¿Qué error nos quita la inmortalidad?” dice Ed en un mensaje post mortem a su amada, “el mío fue no haberte conocido antes”. De algo estamos seguros, todos cometemos un error, pues ningún ser humano ha alcanzado la vida eterna, lo único que nos resta es poder dejar una estela, un rastro que nuestro ser amado sea capaz de seguir el mayor tiempo posible.

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#CineRecomienda

EL NUEVO NUEVO TESTAMENTO Recomendada para irreverentes y soñadores por GUILLERMO ROCHA

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Comedia negra que pudimos disfrutar

Es una película que cuenta con una

en la sexagésima Muestra de la

magnífica banda sonora compuesta

Cineteca Nacional, misma que contó

en general de canciones que vienen

con el apoyo de los canales públicos

de la música clásica y que se inserta

de Bélgica. Nos dice que Dios vive

en

en Bruselas, capital de Bélgica, y que

película francesa Amélie (Le fábuleux

no es tal cual nos lo pinta la religión

destin

católica, ya que es un escritor hijo de

Francia,2001) de Jean Pierre Jeunet.

puta que se dedica a fastidiar la vida de nosotros, los seres humanos.

Sin

la

tradición

du

duda

fabulesca

Amélie

es

una

de

la

Poulain,

cinta

que

recomiendo ver y acercarse a ella,

Nos cuenta esta historia desde los

incluso varias veces, ya que resulta

ojos de Ea (Pili Groyne) su pequeña,

muy disfrutable. Sin embargo, si

traviesa e inconforme hija y hermana

usted es un puritano o muy religioso

menor de J.C. (así le dice ella a

del

Jesucristo) la vemos como emprende

cristianismo, seguramente no será

una búsqueda de otros seis apóstoles

muy conveniente que la vea, ya que

para completar con los 12 apóstoles

le puede generar emociones que

originales un equipo de baseball (18

resultarán dañinas para su salud,

apóstoles). Dando como resultado

pero si usted resulta tolerante es una

intrépidas aventuras y sobre todo,

experiencia que no puede dejar de

muy

vivir.

divertidas

(el

personaje

de

catolicismo

o

peor

aún

del

Martine interpretado por Catherine Deneuve. Sin duda, es uno de mis favoritos y también el gorila, que aparece en su historia ahora que están

un

poco

en

boga,

estos

primates por lo sucedido en el Zoológico

de

Cincinnati

con

Harambe).

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EL ENSUEร O DE CARLOTA

LA MIRILLA AL COMPLEJO MUNDO ADOLESCENTE

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con informaciรณn del ICED

Deniss Barreto es una realizadora de cine duranguense que, además de desempeñarse actualmente como la titular de la Coordinación de Cine del Instituto de Cultura del Estado de Durango, es la responsable del guión y la dirección del cortometraje “El ensueño de Carlota” que estelariza la joven actriz Regina González.

Apoyado por el Centro Cultural Multimedia, esta historia tiene como centro a una joven de 13 años – Carlota- quien se rehúsa a crecer hasta que en un día de campo con su familia se da cuenta de que esta transición que ella ha temido ya se dio y no queda mucho por hacer.

Después de dar varios tratamientos a este guión, Deniss se embarcó en la búsqueda del talento que le diera vida a sus palabras. Para la historia se necesitaron 5 personajes y el trabajo actoral con cada uno fue distinto para que pudieran encontrar ese tono preciso que le diera la fuerza de carácter a cada interlocutor dentro de esta narrativa visual. Después se consiguieron los recursos necesarios que llevaron a la filmación de este ensueño en 2017.

Este trabajo se preocupa tanto por el rol de la mujer en la sociedad como por la adolescencia como un proceso traumático por el que todos debemos pasar pues, como adultos, no debemos tomar los problemas de los jóvenes como menores ya que los cambios que se sufren en esta etapa son muy fuertes. Afirma la directora mientras relata que Carlota se encuentra en el lugar intermedio entre una hermana mayor y una menor.

Aunque Deniss espera poder estrenar esta obra en los festivales de cine no descarta la posibilidad de hacer una premiere con la gente involucrada en la realización; todos aquellos que le ayudaron a llevar a la realidad su visión. Con esto el ICED contribuye a que Durango sea siempre la tierra del cine. Coordinación de Cine y Artes gráficas ICED

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El cine que provocó la fundación del cuerpo de bomberos de Durango por ANDREI MALDONADO

Antes de 1951 la ciudad de Durango carecía de un cuerpo de bomberos.

Previo a ello las personas combatían los incendios con extintores, arena y cubetas de agua, pero en la mayoría de las ocasiones se dejaba calcinar los edificios por completo como ocurrió con el mercado Gómez Palacio en 1920 y el templo bautista de madera en1936. No fue sino hasta que el fuego consumió una joya arquitectónica del Centro Histórico que nació en Durango el heroico cuerpo de bomberos.

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Javier Guerrero Romero, historiador y cronista de la ciudad, compartió que fue en1951 cuando nació el comité pro cuerpo de bomberos por iniciativa del empresario Roberto Blum después del incendio que provocó que el teatro Ricardo Castro, en aquel entonces conocido como Cine Principal, se consumiera por completo, perdiendo para siempre sus cúpulas en un evento que, pese a suceder durante la proyección de una película, no dejó muertos ni lesionados.

El entrevistado destacó que han sido cientos los incendios que el heroico cuerpo de bomberos de Durango ha combatido en más de seis décadas de vida, pero ninguno de ellos ha implicado nuevamente un riesgo para asistentes a funciones de cine, aunque sí han sido protagonizados por sus salas. En el año 2000 el abandonado Cine Imperio fue víctima de un incendio que sólo dejó su fachada y hace un par de meses hubo un conato de siniestro en el Cine Buñuel.

FANÁTICO DE CONDORITO NIVEL: DIRECTOR DE CINÉFAGOS

#LaButacaDelCácaro

por ANDREI MALDONADO

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Niños

¿QuÉ ES EL CINE? por GUILLERMO ROCHA

Hola niños. Hoy quiero hablarles de la apasionante historia del cine, la magia de las imágenes ha cautivado por siempre a los seres humanos.

Pero han pasado muchos años desde su creación hasta la época actual.

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En los últimos años hemos presenciado una importancia cada vez mayor de las manifestaciones audiovisuales. Todos ustedes han nacido y crecido rodeados de tecnología. Son millenials o nativos digitales. El séptimo arte, de alguna manera reúne, y utiliza las formas y medios estéticos de las distintas bellas artes como son la fotografía, pintura, literatura y el teatro. Al cine se le vio durante mucho tiempo sólo como un entretenimiento y como una actividad de ocio.

Si consideramos que el cine forma parte de nuestro tiempo bien podría ser un motivador, ya que el cine constituye un bien cultural, un medio de expresión artística, una forma de comunicación social, es decir forma parte del patrimonio cultural del que un país es dueño. En nuestra sociedad de la información y de la imagen es una herramienta que nos permite conocer, pensar y aprender otras maneras de vivir y de interactuar con el mundo.

El cine es importante porque en su momento representó un cambio en la forma de pensar del mundo y a lo largo del Siglo XX ha significado una revolución en las artes, la cultura y el pensamiento. Es un espectáculo de masas, la imagen en movimiento de la historia. Ha servido para crear nuevos lenguajes, es decir una forma diferente de contar las cosas y para tal efecto implementa constantemente nuevas técnicas, efectos especiales, trucos, etc.

El cine es la historia del siglo pasado y también lo que lleva este. Casi todo lo sucedido ha sido filmado en documentales o cintas de ficción, ya sean cortos o largometrajes, y utiliza todas las posibilidades que tiene para entretener o enseñar al espectador muchas cosas nuevas o útiles para aplicar en la vida.

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Antes de ser tomado como Séptimo Arte, el cine ha de ser visto como medio de comunicación, con su técnica expresiva concreta y precisa.

Finalmente, quiero hacerles unas recomendaciones para que vean películas que me parece van acorde a esta etapa de la vida:

En plena época industrial nació el cinematógrafo, una máquina inventada por los hermanos Lumiére, que satisfechos por su trabajo decidieron efectuar una presentación pública en París, en un local situado en el sótano del Grand Café, en una sala muy pequeña para que si fuera un fracaso pasara más inadvertido, mientras que un éxito provocaría aglomeraciones sensacionales en la entrada del local.

La fecha de la primera representación fue el 28 de diciembre de 1895.

1: Las pelis basadas en los cuentos de Roald Dahl como Matilda o Charlie y la fábrica de chocolate.

Por todo esto les digo que cuando vayan al cine, piensen en el enorme esfuerzo científico, técnico, artístico y creativo que supone hacer una película. Denle también la importancia que se merece una obra que por medio de imágenes, sonidos, colores, efectos especiales, música etc. Es capaz no solo de captar nuestra atención, sino que además nos permite aprender otras formas de ver y vivir la vida.

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2: Pelis de animación japonesa como las que produce el estudio Ghibli como El viaje de Chihiro y El Increíble castillo vagabundo 3: Animación mexicana como La increíble historia del niño de piedra, producida por Cadereyta Films Es importante destacar también la animación de otros países como la animación brasileña O menino e o mundo y la animación francesa Las trillizas de Belleville.

COMO CUANDO EL DE LA TAQUILLA ES SIR ALFRED HITCHCOCK

Y NO TIENE BUENAS INTENCIONES

#LaButacaDelCรกcaro por ANDREI MALDONADO

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LAS PELÍCULAS DEL

El 21° Tour de Cine Francés nos dejó, una vez más, una deliciosa selección del más fino cine galo.

Comedias hilarantes, dramas reflexivos y ese toque de romance que no puede faltar en todo buen filme proveniente de Francia. Aquí reseño las tres principales películas que a mi gusto representan lo mejor de esta vigésima primera edición del Tour.

por ANDREI MALDONADO

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UNA FAMILIA PECULIAR: ¿HAY FAMILIAS EN MARTE? El título original de la cinta en francés está inspirado en el tema “Cigarettes and chocolate milk” del cantante estadounidense Rufus Wainwright.

Una de las líneas de la canción parece hacer referencia directa al protagonista (“so, please be kind if i’m a mess”), Denis Patar, un padre de dos pequeñas de trece y nueve años de edad, que intenta sobrellevar la crianza de las chicas tras la muerte de su madre.

Con más entusiasmo que orden el atribulado progenitor hace malabares para hacerse cargo de dos empleos, además de atender las tareas domésticas. Hasta que un día un reporte policial sugiere la intervención gubernamental, que llega por mediación de la tenaz Séverine Grellot, quien obligará a Denis a tomar un curso de educación parental para mantener la custodia de sus hijas.

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Una familia peculiar es una comedia familiar que plantea la posibilidad de una paternidad entregada y significativa, más allá de lo que el Estado considera apropiado para el bienestar de los infantes. Una versión distinta de la paternidad responsable es el caso de Denis, un desordenado idealista que no ha superado el dolor de la muerte de su esposa y que atiende una sex shop por las noches.

Quizás uno de los elementos más bellos de esta película es la integración de un personaje inesperado a este drama familiar: David Bowie. Sí, el “Duque blanco” no sólo se convierte en un elemento más de la historia con “Life on Mars?”, sino que es un catalizador para unir a Denis con sus pequeñas, para que Janis supere su síndrome de Tourette y Mercredi (sí, porque Bowie nació en miércoles) siga siendo la ruda dulce niña que diseñó el ataúd de su madre.

Una joya no del cine francés, sino de la cinematografía mundial es esta película que nos presenta Sophie Reine, que dicho sea de paso se trata de su ópera prima.

FRANTZ: HACER HABLAR A LOS AUSENTES La filosofía de Artaud nos enseñó que la poesía es hacer hablar a lo que calla. El cine no sólo da voz a lo que no la tiene, sino también a quienes no desean tenerla o que incluso no están presentes para hacerse oír. Esto queda de manifiesto en Frantz, película del aclamado cineasta François Ozon, la cual desde el título centra su poder en un personaje ausente, Frantz, soldado alemán muerto en combate durante la Primer Guerra Mundial.

Anna visita todos los días la tumba de su prometido Frantz, quien murió en el frente de Francia, mostrándonos el rostro de una derrotada Alemania en el periodo entreguerras como pocas historias lo han podido hacer. Su vida cambiará con la llegada de Adrien, un enigmático soldado francés que dice ser amigo de Frantz ¿Pero, de qué se conocían realmente?

La presencia de este soldado, después de la derrota alemana, provocará reacciones acaloradas no solo en Anna y en la familia del difunto Frantz, sino en toda la resentida sociedad teutona.

Adrien se convierte, con su versión de los hechos, en un hijo adoptivo para los ex suegros de Anna, quien de poco en poco se enamora del ex combatiente francés. Los hechos ocurridos en el campo de batalla comenzarán a darse a la luz en un intercambio entre el blanco y negro del entorno triste de los personajes y los momentos a color que dan la alegría y la ilusión. Definitivamente una propuesta madura de un cineasta en su punto.

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EL VIÑEDO: LO QUE REALMENTE NOS UNE ¿Qué nos hace parte de una familia? ¿Qué es lo que realmente nos vuelve hermanos? Y ¿cuál es nuestro lugar en la Tierra, dónde nacemos o dónde queremos estar? Hace diez años que Jean salió de su Borgoña natal para darle la vuelta al mundo y alejarse de su familia. Al enterarse que su padre está enfermo, regresa a la tierra de su infancia en donde se reencuentra con sus hermanos Juliette y Jérémie.

Su padre fallece justo antes del inicio de las vendimias y durante un año, al ritmo de las cuatro estaciones estos tres jóvenes adultos buscan reinventar su fraternidad creciendo y madurando al mismo ritmo que el vino que fabrican, resistiendo a la tentación de vender lo que aparentemente es lo único que los une, lidiando con el reto de no convertirse en lo que tanto se despreció.

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El viñedo que nos une es una historia de despedidas sin realizarse, de viajes que no terminan, de redes familiares que crecen en una urdimbre. Una historia de vinos y familia.

TAMBIÉN FORMARON PARTE DEL 21 TOUR DE CINE FRANCÉS: -Los Ex -Paso a Paso -Aún más bella -El reencuentro

COMO CUANDO NO SOLO ERES PIRATA, ADEMÁS ERES POCO CREATIVO

¡DI NO A LA PIRATERÍA! #LaButacaDelCácaro por ANDREI MALDONADO

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Iván Ávila Dueñas

UN CINEASTA DE PROVINCIA texto y fotografía ANDREI MALDONADO

De las muchas cosas que se pueden destacar de la filmografía del director zacatecano Iván Ávila Dueñas (Adán y Eva Todavía, La sangre iluminada) me quedo particularmente con ese gusto por el terruño tan identificable en cineastas como el duranguense Juan Antonio de la Riva, uno de sus maestros.

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Durante su visita a Durango con motivo de la proyección de La Habitación, película integrada por varios fragmentos dirigidos por diferentes directores entre ellos el propio Iván, tuve la oportunidad de charlar con él sobre su cine y su forma de retratar a Zacatecas en sus historias, en un país enmarcado por el centralismo fílmico.

¿Te has cuestionado por qué te decidiste por el cine y no por otras expresiones artísticas?

Totalmente, me lo cuestiono todo el tiempo. Sobre todo lo hice cuando decidí estudiar cine. Tengo una formación más plástica, estudié muchos años pintura y dibujo.

Cuando estudié comunicación en algún momento al final de la carrera me di cuenta que el cine podía conjuntar por un lado la parte visual y por otro el texto y decidí que por ahí era mi ruta. ¿Cuál fue la primera película con la que sentiste que el cine era algo más que un simple entretenimiento?

Fíjate que últimamente me lo he preguntado porque recientemente hablaba con un par de amigos sobre eso y no lo tengo muy claro, pero creo que es Un mundo salvaje, esa creo yo fue la primera película que me marcó y me dijo que el cine podía ser otra cosa.

¿Qué cineastas y qué películas te han influenciado?

Muy difícil, pero yo te diría que mi primer aproximación seria al cine fue a través de Buñuel, mi tesis de licenciatura fue sobre el cine mexicano de Luis Buñuel y con él fue como aprendí cómo se narra, qué se narra, dónde se repite y por qué. La parte mexicana de Buñuel me explotó la cabeza y me fascinó, sobretodo la manera de insertarse dentro de un mundo comercial y hacer lo que le daba la gana.

Es mi cineasta favorito, pero no por eso deja de haber otros que me han influenciado. Me gusta mucho el cine asiático, mi cineasta japonés preferido es Shohei Imamura. Admiro mucho a Yasujiro Ozu, Wong Karwai, Michael Heneke, Luc Bresson… el mundo del cine es tan amplio que hay cineastas que te pueden enseñar una cosa específica con una sola película.

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De Adán y Eva Todavía a El peluquero romántico ¿qué ha madurado o cambiado en tu forma de hacer cine?

Madurado no sé, siento que muy maduro no soy. El proceso de hacer cortometraje me ayudó a definir mi estilo, cuando menos mis intereses, y los largometrajes me ayudaron a entender que el estilo cambia, y por ello hay cosas de mi estilo de filmar que usaba antes y que ya no puedo filmar así, las perdí, y ya no puedo hacer nada. Porque aunque quieras volver a poner la cámara como lo hacías en un principio ya no puedes porque tu lenguaje evolucionó. Los intereses de cada película son diferentes y las películas te van cambiando el estilo. A veces ese cambio de estilo es muy doloroso porque significa profundizar, meterte en honduras y en cosas que no son tan fáciles de sobrellevar. Y si bien algo sobrevive de tu estilo original éste se va moviendo tofo el tiempo.

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¿Te consideras a ti mismo un cineasta de provincia?

Sí, totalmente. Me formé como cineasta en la Ciudad de México, donde fui asistente de director en varias películas. Juan Antonio de la Riva fue al primer director al que yo le asistí un largometraje y con él lo que más aprendí fue a darle importancia al terruño, a la identidad, a lo personal. Vidas Errantes y Polvo vencedor del sol me parecen unas joyas por esa sinceridad, por hablar en primera persona de un lugar y una historia que tú conoces, de paisajes que al resto del país les es desconocido.

la historia del territorio. Zacatecas es un punto de inflexión importante para mí, dentro de los temas que me gusta filmar es una parte fundamental. ¿Qué proyectos tienes en puerta?

Es muy difícil hablar de proyectos porque luego no salen y queda uno mal (risas).

Siempre estoy escribiendo, dedicarte al cine en México implica tener varias pistas a la vez, le llamamos ‘El circo de cinco pistas’ porque nunca sabes cual vas a usar. Debes estar trabajando en la peli que estás escribiendo, la que estás filmando, la que estás editando, la que estás promoviendo y pensando la que vas a escribir.

Para mí la enseñanza de Juan es ‘voltea a ver lo que conoces’, y curiosamente en mi proceso formativo en Guadalajara fue muy importante Jaime Humberto Hermosillo, que me hablaba de ello y descubrí que Juan había sido su discípulo y que había sido asistente de películas que me habían gustado mucho como Naufragio o El cumpleaños del perro, películas que eran para mí muy importantes porque reflejan la sociedad que Jaime Humberto conocía, y empecé a voltear a ver lo que había en Zacatecas.

Tengo en mente trabajar un documental que sea la continuidad de mi primer trabajo documental, Zacateco, y lo tengo pensado filmar el año que viene, no lo sé, nunca se sabe. Tengo un trabajo que se llama Chichimeca sobre los cazadores recolectores zacatecos y chichimecas de la sierra de Durango en 1553, un guion ya terminado, y estoy escribiendo una nueva ficción que quiero filmar en 16 milímetros y de la cual aún no sé nada, sólo sé que la empezaré a filmar este año y que es sobre una secretaria (risas).

Los zacatecanos somos muy clavados en la historia de nuestra ciudad, de nuestro estado, y entonces en algún momento regresé después de mucho tiempo de no estar ahí para tratar de filmar un documental sobre

Siempre tengo la línea de proyectos que debo trabajar muy estructurados y otros mucho más libres, a guion abierto, mucho más experimentales, en los cuales me permito incorporar otro tipo de registros e imágenes.

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Billy Rovzar y Lemon Films

DE LAS PELIS A LAS SERIES texto ANDREI MALDONADO fotografía HEBER CASSIO

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Si un estudio abrió las puertas a un nuevo cine en México justo en un momento histórico particularmente difícil para la cinematografía nacional ese fue Lemon Films, que al paso de los años supo producir apuestas sumamente serias como Matando Cabos y Kilómetro 31. Sin embargo las audiencias cambian y ante el creciente mercado de las series ahora Lemon Studios conquista otro tipo de derroteros.

En Cinéfagos tuvimos la oportunidad de entrevistar a Billy Rovzar, una de las principales mentes creativas detrás de Lemon Films, que estuvo en Durango anunciando la grabación de “La Piloto 2”, serie que en su primera entrega fue transmitida por Televisa en el Canal de Las Estrellas.

¿Qué diferencia encuentras entre producir un largometraje a una serie?

Los largometrajes siempre habían sido nuestra carta fuerte, lo que nos gustaba hacer. Cuando salió esto de las series al principio nos dio miedo porque ya no eran la hora y media de contenido, era contar lo mismo en 13 horas y con “La Piloto” fueron 80 horas. Ahora para nosotros es simplemente tener más tiempo para contar una historia. Se dice que el drama son tres actos: en el primero persigues a tu personaje hasta un árbol, en el segundo acto le avientas piedras y en el tercero se cae del árbol, eso es un poco la narrativa de Aristóteles para crear un conflicto. Lo bueno de las series es que el personaje se queda en el árbol por 80 capítulos donde puedes tirarle todo tipo de retos y problemas. ¿Qué tanto participan ustedes en los festivales de cine que han abierto mercado a la industria de las series?

No lo hemos hecho, aún las series no tienen tanto espacio en el mundo del cine, pero nosotros encantados de competir. Fue un poco como lo que pasó con “Señor Ávila” que acaba de ganar el Emmy, que es el Oscar de la televisión y que al final del día es algo muy bonito ya que es la primera vez que una productora mexicana consigue un premio por una serie en el mercado de Estados Unidos.

Imcine está capacitando y apoyando a gente para proyectos de series, sobretodo como guionistas Eso urge, es el cuello de botella que tenemos hoy en día en México. No hay suficientes guionistas profesionales. Hay que recordar que escribir un contenido es engañoso porque cualquiera puede escribir, si pueden hilar un par de frases ya se sienten escritores y eso no es cierto y lo pueden corroborar ustedes que se dedican a este medio. Se hacen cosas malas porque hay gente escribiendo cosas malas. Hay que buscar esos profesionales y si no los hay habrá que hacerlos. ¿Sí existe el nicho para desahogar todos esos guionistas?

El problema era que antes todo era películas, imagínate el problema que era escribir una película y encontrar quién te la comprara en un mercado con poco dinero ¿qué pasaba? Que había guionistas que no podían vivir como guionistas y se la pasaban trabajando en otras cosas ¿qué ha cambiado? Actualmente hay más de 60 producciones haciéndose en México, imagina cuánta oportunidad hay en series como “La Piloto” que son más de 80 capítulos y eso no existía.

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Lo que hoy existe es la creación de un guionista con sueldo de escritor.

Antes eras freelance, hoy te pueden contratar mensualmente en nómina para escribir los capítulos de la serie en la que estés. Con eso le permites al escritor vivir de sus guiones y no estar aventando pasos al aire a ver si alguien los atrapa.

La distribución y colocación en medios, ¿qué tanto se ha avanzado principalmente ahora con los servicios streaming?

Antes sólo había dos empresas de televisión, todos las conocemos, y las dos eran herméticas y nadie podía poner contenido ahí adentro y no había forma de entrar porque o trabajabas para ellos por años o no te pelaban porque tenían su gente que les escribía y les producía. Hoy se abren esas empresas, “La Piloto” es el ejemplo, es la primera producción externa a Televisa que aparece en su horario estelar y eso es el nacimiento de la televisión independiente.

Me hablas de Netflix, de Amazon.

YouTube ya está sacando su plataforma llamada YouTube Red. Viene 2018 y Facebook sacará Facebook Watch. Está surgiendo la oportunidad de que aparezcan productoras que sean capaces de generar buen contenido y que contraten guionistas los cuales pongan las ideas y los productores los recursos. Hoy tenemos pantallas, falta más contenidos.

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De Matando Cabos a La Piloto ¿Qué México nos muestran?

A mí no me gusta que seamos fatalistas y que digamos ‘qué feo México´, ‘qué peligroso es’. Claro que debe haber malos en todas las historias y el malo hace cosas malas, mata gente, roba cosas. Pero no debes poner malos porque sí con el deseo de ver a México como un sitio peligroso, no hay que ser tan caricaturescos. El México que enseñamos en “La Piloto” es uno normal con tráfico, con coches, con aviones, gente de diferentes clases sociales, un México mucho más universal.

Yo te garantizo que cualquier amigo que tengamos en el extranjero ve a México muy diferente a como lo vemos los que vivimos aquí porque lo único que saben es lo que ven en las noticias. Eso es lo que desde Matando Cabos decidimos no hacer, no repetir lo que sale en las noticias, eso entra gratis a nuestros hogares.

Si vamos a cobrar un boleto queremos ofrecer una historia que sea divertida aunque haya un tema serio como un secuestro, como ocurre en Matando Cabos, pero que es un secuestro fallido, que a los malos les sale mal ser malos y eso era parte de la comedia que queríamos generar con esa peli.

¿El futuro?

#LaButacaDelCácaro por CÉSAR NOE DIAZ

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