Editorial
118 Años del cine DIRECTORIO
Desde su primera proyección masiva al público con L’Arrive d’un train en gare at la Ciotat en aquél café parisino, donde los hermanos Lumiere hicieron que los asistentes se levantaran despavoridos de sus asientos, el cine comprobó su impacto no solo como una expresión que conjunta a todas las bellas artes, sino que se constituyó como el arte por antonomasia, la máxima manifestación de la rúbrica artística del hombre. Y es que en el cine existe pintura, fotografía, danza, arquitectura, escultura, teatro, literatura, música y diseño. En él el tiempo juega a no existir, a descoyuntarse para crear nuevos discursos donde se pueda ir de adelante hacia atrás, ir y venir del pasado al futuro y al pasado para volver al presente. En el cine se conjunta la ficción con lo real para que no haya nada de fantasía en las películas, sea el género que sea. En el cine una persona es tres o cuatro distintas, y en ellas nunca se muere realmente. No se puede negar la capacidad que tiene el llamado “séptimo arte” de generar emociones, hasta nuestros días, similares a las que se vivieron aquel 28 de diciembre de 1895, cuando los espectadores creían que el tren saldría de la pantalla para arrollarlos. Porque ¿quién no ha saltado de susto al ver El Exorcista o algún otro filme de horror? ¿Quién no ha llorado con dramas como La Vida
Es Bella o se ha enamorado con los besos de Casablanca o la sonrisa de Amelie? Ejemplos los hay por montones, pues en a lo largo de la historia ha habido (y seguirá habiendo) tantas películas como hombres sobre la Tierra. Por eso hoy dedicamos un pequeño homenaje a la cinematografía universal en su onomástico número 118, con las películas que son, para cada uno de nosotros, estandartes de nuestra vida, y que nos acompañan no solo en una pantalla, sino en nuestros ojos, y nuestra mente. Bienvenidos a “Las favoritas de Cinéfagos” y, como nuestro nombre lo sugiere, les deseo Bon appétit.
Director General Andrei Maldonado
Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa
Colaboradores Diana Reyes Arturo Terrones Mario Bermúdez Colaborador externo Sac-Nicté Calderón
Fotografía Diana Reyes Diseño Andrei Maldonado
Andrei Maldonado revistacinefagos.blogspot.com
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@revistacinefagos
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Contenido
3.
de la tristeza a la MELANCOLÍA
7.
la importancia de ser AMELIE
9.
CINEMA PARADISO: los sueños, el amor y la nostalgia
13. ¿y si... TODO EL MUNDO TIENE A ALGUIEN MENOS YO? 17.
TRILOGÍA BEFORE: extraños en un tren
21.
GONDRY: entre el amor, la memoria y el olvido
25.
hay una orquesta en mi cabeza: FUGA
de la tristeza a la
Melancolía por ANDREI MALDONADO
MELANCHOLIA
La única forma de irse será cuando las estrellas colisionen...
El estado de melancolía es un padecimiento clínico por el cual el individuo pierde toda estabilidad y entra en una profunda abulia, en la cual es incapaz de llevar a cabo la más mínima acción física relacionada a la toma de decisiones. Al final, en muchos de los casos, el individuo no ve más salida que morir. En ese caso podemos decir que Justine se había ido mucho antes de que la melancolía que venía del espacio se estrellase con la melancolía que poseía en su interior. Lars Von Trier (Dancer in the dark, Manderlay, Dogville) ha creado quizá una de las mejores películas contemporáneas y, podemos decir, de todos los tiempos, pues reúne elementos del drama humano –no el drama de las desgracias y el infortunio y la lucha de cómo solucionarlo, sino el drama mismo de la condición humana- con la ficción, manteniendo ese aire de catástrofe que nos remite a sus orígenes en el tan afamado y criticado Dogma que iniciara al lado de otro escandinavo, Thomas Vintenberg. Melancholia inicia precisamente con Justine, quien se encuentra a la mitad de su boda con su prometido Michael, una boda que no desea pero que se aferra a concluir por las exigencias hechas por los miembros de su familia, con excepción de su madre, quien no cree en el matrimonio tras divorciarse. En esta parte el danés se enfoca en retratar una clara crítica al
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matrimonio como institución social, reduciéndolo a un banal ritual de actos protocolarios sin importancia que concluyen con la imposibilidad de continuar con la boda, en donde además refleja una clara relación caótica con la madre y un padre al que admira, pero que está ausente la mayor parte del tiempo. Previo a esta primera parte del film Trier regala al espectador una sucesión de imágenes que son una apología a esta idea, donde se ve a Justine –interpretada de magistral forma por Kirsten Dunst- arrastrar tras de sí cadenas de estambre gris – definitiva referencia a la depresión que más adelante confesaría a su hermana Claire-, vagando en vestido de novia sobre un río –el desastre del matrimonio como institución fallida de la sociedad- e imágenes de la colisión de dos planetas. Como es costumbre en Lars la historia tiene otra división aproximándose a la mitad de la proyección. Esta parte –adentrada más al tema del choque de los planetas, aunque sin abandonar el discurso primigenio- es protagonizada por Claire–encarnada por Charlotte Gainsbourg-, la cual cumple desde pequeña el rol de la hermana sensata, aunque esto no le exenta del escarnio y distanciamiento de su madre al igual que Justine por el solo hecho de casarse. Claire continúa en su rol tratando de sacar a su hermana de la depresión, sin embargo la
Es esta parte digna del análisis. El inminente arribo de Melancolía, un planeta que se ha escondido por millones de años detrás del sol, hace que la parte de la razón –Claire- y la ciencia –John- vean terminadas sus esperanzas basadas en datos y cálculos matemáticos, optando la primera por la desesperanza y la histeria, y el segundo por el suicidio. En tanto que Justine –debatida entre el seguimiento de las tradiciones relacionadas a la religión y el abrazar un nuevo ateísmo auto asumidotermina siendo la parte razonable que ayuda a su sobrinoLeoa despedirse de esta Tierra que es, según ella, “tan malvada que solo en ella puede haber vida”.
Es el mismo John quien afirma “Melancolía pasará justo frente a nosotros, no nos golpeará”. Sin embargo lo hace, parece tomar rumbo lejos de nosotros, pero vuelve, se lleva el oxígeno, pone en entredicho lo más sólido que llevamos dentro de nosotros y, por último, nos consume por completo, en una tremenda colisión.
Increíble es la forma en la que el cineasta coloca un discurso, sumamente profundo, en donde el único fin lógico para que todo termine es que las estrellas colisionen. Un mundo oculto tras el sol que danza hacia la muerte. Oculto por millones de años, ahora terriblemente cerca de nosotros. Parece alejarse, pero vuelve y devasta todo a su paso. “Primero era negra, ahora Melancolía es azul” declaraJohn a sus esposa, en un claro discurso del color que conlleva a la ruina (cita obligada que nos remite a Eternal Sunshine In The Spotless Mind de Michael Gondry y tantas otras películas que usan de manera magistral el color azul para definir a la melancolía).
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La importancia de ser
Amelie
por MARIO BERMÚDEZ
Por ahí dicen que el arte es un encuentro íntimo entre quien lo expresa y quien lo aprecia, pues bien, Jeunet retrata su imaginario del mundo, concretamente el de Francia desde la perspectiva de Amèlie (Audrey Tautou) que, por medio de la soledad y de su convivencia constante con esta busca en el fondo con quién compartir su felicidad, situación en la que se identifica más de uno. Cuando se me encomendó la labor de escribir sobre la magnífica cinta de Jean-Pierre Jeunet tuve que dejar de lado una gran cantidad de artículos nacionales y extranjeros y es que, a más de una década de haberse estrenado, la premisa de aquella joven altruista con todo el mundo sin esperar nada a cambio, aquella heroína sin súper poderes, aquel personaje nostálgico que coquetea con el fracaso al intervenir en la vida aburrida de peculiares compañeros de forma ingeniosa y también emblemática para hacerlas más coloridas dentro de esta fábula moderna sigue y seguirá dando de qué hablar.
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Por otro lado he de destacar tres aspectos esenciales en el filme (dejando de lado las estupendas interpretaciones); en primer lugar la narración, esa voz por momentos en Off, le da un toque magnífico y singular a la trama que no pierde sentido en ningún instante. En segundo lugar esa exaltación de colores empleada por el director del filme sin llegar al surrealismo haciendo gala del arte visual y dándole mayor identidad al cine francés; finalmente la música, compuesta en su totalidad por YannTiersen es un cómplice en verdad ejemplar, basta con recordar melodías como San Piano Piece o La Valse d’Amèlie en sus distintas versiones. Con esta producción Jean-Pierre Jeunet abriría camino a otras cintas francesas a nivel global, como lo dijese el otrora director François Ozon “en Francia, el director tiene el corte final, no el estudio”, en este sentido el país galo muestra en cada filme cultura, educación, dedicación, sensibilidad y estética.
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Los sueños, el amor y la nostalgia
Huir para liberarse puede resultar. Todo depende a donde se desea ir. Escapar hac ia el cine no es sinónimo de distraers e un par de horas, es quizá un lugar para renacer, para s aber que todos los sueños son realizables. El paraíso no tiene que ser un mundo divino, basta con tener unos cuantos asientos en una sala os cura y una pantalla blanca lista para crear y descubrir en ella fantasía, universos bizarros, quimeras y emociones nunca sentidas por el hombre. El paraíso en un cinema.
por ERIC VILLA
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El director italiano Giuseppe Tornatore nos heredó esta c inta entrañable, la cual toca la sensibilidad del espectador desde lo más puro que existe, el amor. Un drama que va des de la nostalgia hasta la tragedia, des de la felicidad de la infancia pas ando por las tristezas y dudas de la juventud, llegando a las experiencias y omnisciencias de la adultez. Una evolución del protagonista del film, de Salvatore, conocido como Toto. Una evolución que vemos en su infanciadonde tiene su mayor ilusión, en una cabina de cine, junto a ese cinematógrafo ve proyectada su vida, su libertad. Sabe que c ualquier sueño se cumple ahí. Descubre la comicidad de la tragedia en las escenas de cine mudo que se proyectan en el Paradiso, también ve que las personas se dejan de preoc upar para reír, llorar y s orprenderse por un rato mientras las luc es permanecen en silencio. En su juventud desc ubre a través de la lente de s u cámara de 8mm la belleza de Helena,un segundo amor con quien compartir sus días.
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Pero como todatravesura tiene un cómplice, esa complic idad la obtuvo en Alfredo, s u más fiel compañero des de que de chico jugaba por todo el cinema. Ese viejo no sólo fue su amigo, de alguna manera fue su padre. Le enseñaba y regalaba cada uno de los caprichos que Toto le pedía; como a maniobrar y echar andar la máquina del Paradiso, y esos fotogramasdel celuloide que para el mismo Salvatoreno sólo era un juguete sino que representabanel tesoro donde toda la v ida y su mundo se guardaban ahí. Alfredo sin duda marcó el film de Tornatore más allá de s u protagonista. Es el v iejo Alfredo quien fue el maestro que le mostróla sabiduría de lograr las metas y los sueños, como lo han hecho otros buenos viejos dentro del cine, como el s eñor Miyagi en The Karate Kid, Yoda en Star Wars, o hasta el mismo Dumbledore con Harry Potter.Salvatore ya en su edad adulta se da cuenta que tener fama, dinero y mujeres no recompensa el cariño del pas ado, de ese pasado que vivió y creció junto a Alfredo. Cabe resaltar que al mismo tiempo y paralelo a la historia de los personajes, vemos la época en que el cine sufría de censura, ante des nudos, visibilidad de algunas partes del cuerpo femenino que hoy no representa algún problema exhibirlos, pero que en aquellos años fue distinto. Pero lo más que se prohibíamostrar en pantalla eran los bes os de las parejas. Al final de la
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película vemos esa magia del amor, esa magia del cine que es capaz de romper esquemas y transgredir para convertir las cosas prohibidas en un arte, combinándose en la escena final con un elemento que le dio la cereza al pastel de la película y es la intervención de la música,con “El tema de amor”,compuesto por Ennio Morricone.
¡Vete! ya no quiero oírte hablar, ahora quiero oír hablar de ti...
Una cintaque nos habla de luchar por los sueños, por el amor, una cinta inspiradora, nostálgica, llena de esa pasión por la cual esta película existe. Pero que no sólo habla del cariño por el carrete cinematográfico. Es también la búsqueda de la compañía que nos hace sentir bien, a quien compartir nuestros anhelos. Regresar a ese lugar donde nos ilusionamos de pequeños, encontrarse si es posible con un trozo para ver lo mucho que hemos crecido, para ver como las cosas ahí han ido mejorando. Pero al volver a ese pasado nos encontramos con el trozo hecho una ruina tendiendo a desaparecer o ya desaparecido por “el desarrollo o industria” para establecer a una sociedad en un “mejor mundo”. Lo único que queda son las memorias que vivirán para siempre en esas tiras de cuadros mágicos. Solo queda ver cómo quedan guardadas las cosas en el corazón y quizá sea suficiente para seguir soñando, ilusionándose, y enamorándose. Esa es la esencia de Cinema Paradiso.
“Hagas lo que hagas ámalo, como amabas la cabina del Paradiso”
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¿Y SI...
TODO EL MUNDO TIENE A ALGUIEN MENOS YO ? por ANDREI MALDONADO
La pregunta primigenia, la que asalta a la media noche a los solitarios antes de irse a dormir, la misma que nos cuestiona si en verdad somos una media naranja que necesita de otra media naranja para estar completa o somos en esencia seres enteros que solo buscamos una adición, es la que queda en el espectador:“¿Y si todo el mundo tiene alguien menos yo?”. La obra de Raúl Fuentes, que maravillosamente logra transmitir no solo una historia de amor sino una apología acerca de que amar es eso que se siente cuando frente a ti sólo hay una inmensa noche, elimina todo rastro de encasillamiento del cliché romántico en una pareja del mismo sexo, pues no existe una persecución del destino a causa de la relación entre María y Alejandra, más bien ellas mismas trazan su destino a causa de las decisiones que toman a lo largo de la historia. Todo el mundo tiene a alguien menos yo no solo nos traza una narrativa visual inigualable, jugando con la espacio-temporalidad de los hechos, además consiente al espectador con escenarios que pueden ser de cualquiera de nuestras ciudades, en un sutil blanco y negro que resalta la estética de ambas mujeres hacia un caótico fin, un decálogo de cómo mandar toda una historia al carajo, una suerte de tragedia griega donde, a pesar de conocer el cruel destino, todos esperamos que algo bueno suceda.
El amor no sabe de edades, ni de sexo...
Una gran virtud de esta película está en hacer que el espectador olvide de que en pantalla se encuentra una pareja lésbica, porque al final de cuentas esto no tiene mayor relevancia, y termine por identificarse con una u otra mujer, reconociendo sucesos propios en los narrados. Alejandra lleva consigo el peso de muchos fracasos y se presiona con respecto a María, mucho más joven que ella y que con el tiempo termina por hartarse de los constantes fallos de su pareja. Sin duda alguna hablamos de elementos comunes en cualquier pareja, heterosexual o no. Lo terriblemente bello no son –aunque de hecho también lo son- los momentos de clímax de la cinta, como la magistral escena donde ambas bailan o el reclamo de una a la otra a media calle, lo realmente bello es poder tomar elementos infinitamente usados – ¿y qué elementos no han sido usados ya?- despojarlos de sus significaciones, reconvertirlos y redefinirlos para regalarle a cientos de personas frases, momentos y canciones que no son más que una forma de verse en un espejo, o más bien, en una pantalla.
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Decía Rainer María Rilke que la belleza es el comienzo de lo terrible, y Todo el mundo tiene a alguien menos yo no es bella por ser terrible, sino es terrible por ser tan bella. Un discurso moderno sobre la soledad auto inducida, la fatalidad de los amores que no han de consumarse y la lucha contra los tabúes de un cine mexicano que en ocasiones se resiste a abrir los ojos a otras propuestas, pero como en esta ocasión –y afortunadamente-, termina cediendo.
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trilogia before
Extraños en un tren
por ARTURO TERRONES
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Hace 19 años, nos encontramos por primera vez con Jesse y Celine mientras ambos viajaban en tren. Él (interpretado por EthanHawke) es un norteamericano que tras vagar por Europa está a punto de regresar a su país, ella (JulieDelpy), es una estudiante de la Sorbona que regresa de Budapest después de visitar a su abuela. En Antes del amanecer (1994) ambos son veinteañeros, ingenuos e idealistas. De alguna manera, él la convence de bajars e en Viena y acompañarlo hasta la mañana siguiente, cuando habrá de abordar el vuelo que lo llevará de regreso a Estados Unidos. Y es así que el director Richard Linklater filmó la historia de amor de la Generación X: Dos extraños vagando en un bello lugar, desc ubriendo su compatibilidad a través de una convers ación sin fin donde ambos plasmarán sus visiones sobre el amor, la música, la vida y la muerte. No hay tramas escondidas, es simplemente capturar un momento mágico, como esa escena con Comehere de fondo, en la que Linklater se las arregla para retratar un juego de miradas que se buscan y se esconden. Estos dos extraños aprovecharán las pocas horas que tienen para construir la tarde-noc he de s u vida antes de despedirse c on la promesa reencontrarse 6 meses des pués en la misma estación de tren. Al final los veremos alejarse y mientras que aquellos lugares que compartieron siguen igual de bellos pero un poco vacíos.
“somos el resultado de la suma de momentos de nuestra vida”
“La idea de que sólo haya una persona que nos complemente es diabólica”
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Nueve años después el director habría de des pejarnos la duda en Antes del Atardecer(2003), cuando reencontremos a Jesse y a Celine en París. La receta es la mis ma, un avión que tomar (esta vez antes de que el sol se ponga), una bella ciudad de fondo, plátic as interminables y una conexión de esas que pocas veces se encuentra en la vida, solo que es ta vez hay una diferencia, los extraños en el tren ya no son aquellos jóvenes inexpertos, Jess e trae consigo el conflicto de la paternidad en un matrimonio infeliz mientras que Celine c arga con un romanticis mo tóxico que explotará en una memorable escena en el asiento trasero de un auto. Al final, Link later decidió regalarnos una cinta de reencuentros, de segundas oportunidades en las que a ritmo de Nina Simone uno podía creer que la vida se re imaginada y en una jugada genial, la cierra al igual que la primera vez, en una nota ambivalente, los románticos c reeremos que es ta vez Jesse perderá el avión, ¿los cínicos? Solamente ellos sabrán.
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Y es as í que tras otros nueve años, estamos de nuevo frente a esos extraños en Antes de la Medianoche (2013), los mismos veinteañeros que ya no son, pero a los que aún podemos reconocer en sus gestos, sus miradas y sobre todos en sus pláticas. El escenario es Grecia, pero esta vez no importa. Pudiera ser cualquier parte, si en Viena la tumba de una niña conducía a la reflexión, en el Peloponeso, un santuario de miles de años solo sirve para hacer bromas sexuales. Ha llegado el momento de dinamitar las fantasías románticas que aquellas primeras cintas ayudaron a construir, aquellos muchachos en el tren, que s e inventaron la noche de su vida, hoy es tán frente a la realidad, frente a un amor que parece apagarse como el sol al ocultarse detrás de una is la. Dicen que es una película valiente y s in duda lo es, dicen que es más sabia y tal vez sea cierto, uno debe de ser más sabio a los 40, pero eso no significa que eso nos guste más que aquella ingenuidad de los 20. El final de nuevo será ambivalente, pero quizá nosotros (junto c on la pareja) nos hayamos mudado al cinismo.
Al final estamos frente a veinte años, tres películas y una gran historia. Una que nos lleva por la experiencia del amor a través del tiempo. Quizá a los veintes valorábamos aquellos instantes mágicos, sin intentar atraparlos en un para siempre. Tal vez a los 30, con ganas de re inventarnos nos daba por soñar en reencontrar a aquella que parec ía la indicada en una tarde en París y no dejarla ir. Pero el último c apítulo de esta historia es ese momento en el que aquella bomba de tiempo disfrazada de ilusiones y fantasías finalmente estalla y nos grita que el amor y la vida en pareja es as í, una c uestión más de trabajo duro que de magia. Aunque tu historia sea tan linda como la de aquellos extraños que se bajaron de un tren en Viena eso de “Felices para siempre” no es algo más que una bella mentira.
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GONDRY Entre la memoria, el amor y el olvido por ANDREI MALDONADO
Cualquiera puede enamorarse de Francia, así como cua lquiera p uede enamorarse del cine, tod avía más del cine francé s. Sin embargo no cua lquiera puede enamorarse del cine de Gondry, porque é ste no está hecho para cualquiera. De oficio dentista, Michel ha podido dar un nuevo esqu ema a la cinemato grafía d e la primera década del nuevo milenio, dotando d e un surrealismo muy real a sus filmes, donde destaca un elaborado trabajo de arte, una fotografía llena de color e historias que mezclan elementos de comedia, romance y cierto dramatismo con la vena científica que corre p or todo su ser.
GONDRY
Del olvido al “yo te c onozco de otra vida” Sin duda alguna Eterno res plan dor de una m ente sin rec uerdosm arc a un antes y un después de cóm o hac er cine, y signific aademás una de las m ejores c intas jam ás logradas en la historia. Joel B arish (Jim Carre y) s e som ete a un inusua l proces o por el cua l, con ayu da de la em pres a Lac una Inc., bus ca borrar de s u m ente a Clementine Kr uczy nski (K ate W inslet), la c ual hizo lo m is mo con él prev iam ente. Pero es en este punto de la historia cuando M ichel G ondry nos m ues tra que los mom entos vividos co n las pers onas qu e am amos s on m ás que e stímu los cogn oscitiv os del c erebro hum ano, y obedec en m ás al des tino, no un des tino enviado p or una entidad divina, s ino un destino c onstruido po r las decisiones y asum ido por un cor azón que decide no b orrar el rec uerdo.
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El tiempo suele ser aliado para que, tras mucho análisis por parte de las audiencias, su obra se consagre como magna dentro de su disciplina. En eso Gondry ya lleva ventaja.
Toda película se puede filmar Si buscáramos dentro de los 118 años de historia del celuloide una película que homenajeé al séptimo arte desde sí mismo se nos vendrían a la mente títulos como Cinema Paradiso o El artista. Sin embargo Be Kind Rewind, conocida en Latinoamérica como Originalmente Pirata, brinda su propio tributo a la esencia del cine y, como pocos, nos recuerda que heredar al mundo una obra de arte está a un “rec” de distancia. Jerry, interpretado genialmente por Jack Black, y Mike, encarnado por Mos Def, “reversionarán” filmes clásicos como King Kong o Los Cazafantasmas, creando sus propios discursos, independientes incluso a los de los filmes originales.
¿Te casarías tengas 70?
conmigo
cuando
Si de cintas abrumadoramente bellas hablamos un lugar muy importante en la historia de la filmografía universal es el que debe ocupar La ciencia del sueño, no solo desde el punto técnico, donde destaca la mezcla de elementos animados y un arte sumamente elaborado, ni del actoral con el magnífico trabajo de Gael García Bernal y Charlotte Gainsbourg, sino desde el argumentativo, en donde el director lleva aún más allá el tema de los recuerdos y el amor que en Eterno resplandor. Stephane (Bernal) insiste en tener una conexión extrasensorial con su vecina Stephanie (Gainsbourg), lo que no significa otra cosa que tanto él como ella están hechos el uno para el otro. Al final, la teoría de la desastrología nos dejará delante de un mundo ideal que solo habita los sueños.
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HAY UNA ORQUESTA EN MI CABEZA
Cuando la música es la razón de vivir... y de morir
por ANDREI MALDONADO
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La palabra fu ga toma tantas ace pciones cuando é sta , a fin de cue ntas, re sulta en sí un es cape. F uga (2006) se nos pr esenta com o una delic ia visu al y narrativa, prov ocadora en todos los sentidos. D irigida por Pab lo Larraín (N o, P ost M órtem ), és ta co producc ió n c hileno argentina es un disc urso ac erca de la fragilidad del ser a nte el braz o invenc ib le del de stino. D e principio la form a d is curs iv a e n que Lar raín des cribe visu alm ente la historia de E lis eo Montalbán (B enjamín V icuña) y R icar do C o ppa (G as tón Pauls ) pe rmite hac er una urdim bre fílmica deliciosa, en la c ual el es pectador pas a entre las vidas de am bos m úsico s, de la biografía del atorme ntado M ontalbán al trabajo doc umental y obs esivo del otro, perm itiendo ir te jiendo biografías y llenando los huec os de la mem oria.
en un m anicom io , un lugar en d onde incluso la hom osex ualidad es un crim en, crim en por el c ual C laudio (A lfredo C astro) paga, e inic ia una fu ga c on la fuga de E lis eo. Pe ro s in duda alguna la colum na vertebral del discur so de la pelíc ula radica en lo referente al des tino, cóm o s e es presa de él y cóm o u na m elod ía, la R apsodia Ma cabra, conlleva a s u intér prete y aquien está cer ca de e lla a la muer te. Sin du da alguna estamos frente a una p iez a m agis tr al, no solo de la filmogr afía chilena, sino latinoam ericana, e incluso de la cinem atogr afía mund ial, y en L arraín tenem os a un genio que sabe tr azar his tor ias alucinantes, conjuntándolas con actuaciones m agis tr ales de grandes del histrionism o iberoam erican o.
Es te aspec to, la m emoria, traza un eje impr escindible en la cinta, pues m uestra con qué facilidad la soc iedad puede m andar al olvido a aquellos héroe s que tanto a labó; asim is mo, nos m uestra com o un acto insignific ante para algunos puede s er trasc endental para otros , a l gr ado de ser im borrable de s us r ecuerdo s. O tr o as pecto fundam ental del largom etr aje e s la cuestión de la locur a y su cues tionable definic ión segú n la sociedad ac tual. Eliseo, pers eguido por presenc iar la m uerte de su herm ana s iendo todavía un niño, term in a r ecluido po r s us padres
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La butaca del cácaro
Alimentándonos del séptimo arte
28 de diciembre, aniversario del cine
Alimentándonos del séptimo arte
Año I No 5 Revista Mensual
Hablemos y embriaguémonos de cine. Un ciclo cinematográfico distinto cada mes Todos los Miércoles 19:30 hrs Entrada Libre Café DaVinci: Constitución frente a Plaza de Armas
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