No. 11 sep.-oct. 2014 Edición Bimestral
Alimentándonos del séptimo arte
Abraham Escobedo: la juventud documental Noche de Videopoesía con Riveros y Panero Jorge Russek, el actor que amó a Durango Workers: la última frontera en el cine de Pepe Valle La Dictadura Perfecta: entre la ironía y la crítica
Entrevista a Jorge Ramírez Suárez y Kristyan Ferrer
Además: De tal padre tal hijo - El Gran Hotel Budapest - La Danza de la Realidad
Editorial
Alimentándonos del séptimo arte
¿Impresa o digital? esa es la cuestión Cuesta trabajo –aunque no lo creanaceptar que algunos proyectos, tal cual y los pensamos, no pueden realizarse, al menos no siempre de manera inmediata. Algunos obligan a hacer pausas, llevan su tiempo. Y es menester de quienes encabezan dichos proyectos saber reorientar sus esfuerzos hacia nuevas vías en búsqueda de, más temprano que tarde, poder llevar a buen puerto los objetivos e ideales trazados. Menciono esto porque, revisando la historia de Cinéfagos, no me había tomado tiempo de compartir con ustedes cuál fue el proceso –más psicológico que real- de pasar de ser una edición impresa a una edición digital. Si por un lado las nuevas tecnologías nos han permitido llegar a público de todas partes del país e incluso más allá de las fronteras, la ausencia de material físico muchas veces resta público en el ámbito mediático. Me explico: pese a que vivimos en una era digital, en el contexto inmediato para que una publicación cobre relevancia ésta debe estar impresa, en nuestras manos, de lo contrario el amplio espectro de posibilidades que existen en la web se comen al realizador local, pese a que se ofrezca algo que no aparece en ningún otro sitio, pues para el lugareño siempre será importante poder retratar lo propio, verse en un espejo impreso.
A pesar de todo creo yo, con base a la experiencia que día a día vamos cosechando, que la cuestión fundamental aquí es perseverar para trascender y saberse adaptar. Como dicen los viejos dichos: “si del cielo te caen limones”… a fin de cuentas la obligación sigue siendo la misma, hablar y dar a conocer las inquietudes cinematográficas, la exhibición y realización local, los eventos y todo eso que nos apasiona ver en una pantalla. Que si se lee en un papel o en la pantalla sea lo de menos, nuestra obligación ha sido, es y será fomentar al cine como un arte literario, un arte que comienza no con la primera escena, sino cuando hacen su aparición los créditos finales y se comienza a hablar del filmes y sus efectos para después escribir, compartir y generar más discursos. Digitales o impresos, aquí estamos.
DIRECTORIO Director General Andrei Maldonado Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa Colaboradores Seth Álvarez Fernando Teodoro Diana Reyes Fotografía Andrei Maldonado Pablo Álvarez Fotografía Externa Cortesía Diseño Andrei Maldonado
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Andrei Maldonado @revistacinefagos ¿Quieres colaborar con nosotros? Contáctanos vía e-mail revistacinefagos@hotmail.com
Contenido Guten Tag, Ramón...
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WORKERS... 7
ADEMÁS
La Danza de la Realidad... 11 El Gran Hotel Budapest... 15 De tal padre tal hijo... 19 Abraham Escobedo... 23 Jorge Russek.. 27
La Dictadura Perfecta... 21
Alimentándonos del séptimo arte
GUTEN TAG, RAMÓN
El lado alemán del cine mexicano por ANDREI MALDONADO fotografía CORTESÍA
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Sin duda alguna el cine mexicano va retomando los bríos que lo llevaron a la grandeza en aquellos años que los nostálgicos mencionan con tanto ahínco como “el cine de oro”. Sin embargo, como en esa época, el construir un diálogo uniforme en el cual se centren la mayoría de las películas no ha sido fácil. La violencia se apoderó de las pantallas desde la década de los 90´s porque esa era la realidad del país, y los artistas no podían dejar de retratarla. Pese a que hoy en día el país continúa envuelto en la desigualdad, la pobreza y la violencia, más y más cineastas han preferido replantear los problemas sociales bajo nuevas perspectivas en vez de quedarse atorados en los lugares comunes. Tampoco es que no se quiera ver lo que acontece en el contexto social, al contrario, se busca demostrar cómo dentro de todo el mexicano no es un individuo digno del cliché, sino que es un habitante más de un mundo al cual aquejan todo tipo de problemas. Jorge Ramírez Suárez consigue en Guten Tag, Ramón describir la falta de oportunidades y la necesidad de migrar hacia otros países desde una mirada que no había sido abordada hasta el momento. Cinéfagos charló con el cineasta acerca de la película, la cual se perfila como la mejor del cine nacional este año.
¿Cómo surgió la idea? Yo llevo muchos años viviendo en Alemania, me lo paso entre los dos países, más allá que aquí, y quería hacer una película para México que les retratara un poco lo que es Alemania hoy en día, porque lo que sabemos de allá es muy poco, quizá por lo lejos que está o porque nadie viaja para allá. Cuando le hablas a la gente sobre Alemania piensan en los nazis, hacen una broma y se refieren a Hitler y eso no es Alemania. Es como si pensáramos que México es Porfirio Díaz, eso ya pasó hace mucho. En realidad es un país muy bello y generoso, aunque hay de todo, como aquí, hay gente buena y mala. Otro motivo fue que yo quería mostrar a un mexicano que aunque las circunstancias se lo plantearan se negara a ser delincuente. Porque el sexenio pasado eso era lo que se mostraba, y yo creo que la gran mayoría de las personas son buenos y prefieren emigrar a caer en la delincuencia. Esos elementos, junto al tema de la tercera edad, que en nada se parece a la forma en que se envejece en México, cuajaron para hacer esta historia.
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¿Por qué filmar en Durango? Yo quería una ciudad norteña y cuando conocí aquí pensé “de aquí soy”. Vimos otras opciones y quizá otros estados ofrecían igual de oportunidades, pero la logística y el apoyo que recibimos del Gobierno y de las personas con experiencia fueron clave para el proyecto. ¿Cómo se ensamblaron las escenas que en la historia ocurrían en Alemania pero en realidad se filmaron en Durango? Trajimos a los actores alemanas acá porque los fondos otorgados en México debían ser gastados aquí. Además filmar allá es mucho más costoso. Filmar interiores es sumamente fácil si lo haces bien. Trajimos expertos para que ambientaran casas de Durango al estilo alemán, para que nos dijeran que sí y que no se veía como un entorno de Alemania. También tuvimos la oportunidad de platicar con Krystian Ferrer, responsable de encarnar a Ramón, y esto fue lo que nos compartió de su experiencia. ¿Cómo fue que te integraste al proyecto? To conocí a Jorge en la proyección de Días de Gracia, él ya había visto mi trabajo en Sin Nombre y El Infierno. Ahí me comentó que me quería dentro de una película que deseaba filmar. Me hizo llegar el
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guión de Guten Tag, Ramón y me dijo que el personaje que él quería que yo interpretara era Ramón. Al principio me sacó de onda porque las películas en las que él me había visto eran un tanto violentas y al revisar el guión descubrí que era el lado opuesto. Todo el tiempo preparé el personaje por mi cuenta ya que él viajaba mucho, y lo hacía mientras continuaba en otras películas. ¿Cuál fue el principal reto? Primeramente fue involucrarme con el fenómeno migrante, investigué, leí mucho, porque no puedo interpretar un personaje si no me involucro en su contexto. A partir de ahí diseñé el personaje como un migrante más, con esa chispa de salir adelante. Además Jorge me pidió que no investigara nada sobre Alemania, que no viera fotos, que no buscara nada sobre el idioma, para que el propio personaje fuera descubriendo eso. ¿Con qué te quedas de Guten Tag, Ramón? Me deja muchísimas enseñanzas y un gran sabor de boca. Yo no conocía Alemania, así que de primera instancia también me dejó el viaje. Esta película puede aglomerar lo mejor del cine mexicano si no me equivoco. Es una gran película con una nueva propuesta.
Guten tag, Ramón narra la historia de Ramón, un joven avecindado en el norte de México que viaja a Alemania en búsqueda de un familiar con el cual poder quedarse y así trabajar para enviar dinero a su madre y abuela enfermas, sin embargo en la travesía encontrará diversas dificultades y también personas que serán para él como una familia.
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WORKERS
por ANDREI MALDONADO
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Podría ser una ciudad cualquiera, pero no, se trata de Tijuana. Podrían ser personajes cualesquiera, pero no lo son. Él es un intendente inmigrante de una fábrica de focos que no se puede jubilar, ella una trabajadora doméstica que cuida a una refinada galgo propiedad de una excéntrica mujer, ¿Qué podría romper el delicado equilibrio que une a estos individuos con su destino justo en la última frontera?
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Allá “donde comienza la patria”, Rafael y Lidia iniciarán también un ajuste con el destino, un cruce de caminos que jamás se cruzan y viajan a la deriva entre la justicia y la venganza, dejando al descubierto la brutalidad de la condición humana cuando el sistema se esfuerza por mantener a los individuos menos afortunados olvidados en sus roles laborales. Un discurso que se debate entre la comedia negra y el drama satírico es el que maneja José Luis Valle en Workers, multipremiada cinta mexicana en la cual se trabaja un discurso profundo con una realización exquisita. El equipo de Cinéfagos tuvo oportunidad de charlar con el cineasta salvadoreño. ¿DE DÓNDE SURGE LA IDEA? Quería hablar de ciertos temas y visibilizar a los invisibles, hacer protagonistas a los que nunca lo son. La historia del hombre que hace la guerra a una multinacional le ocurrió a un amigo de mis padres, y la de la herencia a un perro la leí en un diario de Alemania. Sentí que entretejiéndolas de la manera adecuada podría dar mi punto de vista sobre temas como vejez, soledad, exclusión social, migración y marginación en general. Espero haberlo logrado siquiera un poco.
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¿POR QUÉ EN TIJUANA? Conocí Tijuana ya con el guión terminado. Me impresionó el muro fronterizo que entra al mar y sus dinámicas, su esencia de lugar compuesto por gente que iba de paso pero se quedó. Tijuana era el espacio ideal para que se desarrollaran las historias de Workers. ¿QUÉ DIFICULTADES SE ATRAVESARON PARA HACER LA PELÍCULA? Ninguna especial. Lo difícil fue buscar el financiamiento y sobre todo poder estrenarla en México, una auténtica pesadilla pese a los premios y el éxito en el extranjero. Nada anormal para un producto cultural en un país donde Elba Esther Gordillo manejó los hilos de la educación por décadas. ¿EN QUÉ PUNTOS SE ASEMEJAN O SE DIFERENCIAN ENTRE SÍ "WORKERS" Y "LAS BÚSQUEDAS"? Quiero creer que comparten la sutileza de la narrativa, y el hecho de que las hicimos sin ningún compromiso con nadie. Sus diferencias son múltiples, se trata de registros completamente distintos. Quizá la diferencia más evidente radica en el modelo de producción. Las búsquedas se filmó en siete días con cinco amigos y 1,500 dólares.
¿QUÉ LE APORTA PEPE VALLE AL CINE MEXICANO Y QUÉ APORTA EL CINE MEXICANO A PEPE VALLE? Me gustaría empezar por aclarar que el "cine mexicano" abarca por igual una vasta producción de entretenimiento masivo que repite fórmulas televisivas sin ninguna capacidad de riesgo, y con la cual no me siento identificado en lo más mínimo, y un cine más artesanal, con una mirada personal, que es el que me ha aportado referentes y un... llamémosle 'ecosistema' para crecer. Hablar de aportaciones mías al cine mexicano sería prematuro y pretencioso de mi parte. Espero en el futuro poder aportar algo positivo. ¿QUÉ VIENE PARA EL FUTURO? Actualmente estoy trabajando en dos proyectos, siempre de manera independiente. Una película sobre la guerra civil de los años 80 en El Salvador (mi país natal) y otra más de exploración de la materia prima y la forma cinematográfica, muy sensorial.
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por DIANA REYES
LA DANZA QUE NO TODOS QUIEREN BAILAR
Recuerdo aquella mañana en mi clase de audiovisuales, teníamos una tarea: un análisis de la película El Topo de Alejandro Jodoroswky. Recuerdo cómo me causó conflicto, verla era fácil (aún con lo que digan muchos) pero al momento de sumergirme me di cuenta que no terminaba nunca la simbología, la anécdota, el contexto
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Ahora imaginen su película más reciente, que tuve la oportunidad de ver gracias a que estuvo participando en la 56 Muestra Internacional de Cine, misma que acerca las nuevas producciones de directores internacionales y muchos conocidos como “de culto”. Así pude ver la nueva obra de Jodoroswky, donde aparte de su estilo bastante reconocible, es ayudado por las nuevas tecnologías como lo es la animación, eso y que él de nuevo se involucra directamente, siendo una de sus obras más personales, ya que no solo lo vemos a él mismo en cuadro en la película, además nos cuenta su infancia y la historia de su padre, en donde la línea entre la fantasía y la realidad se difumina entre efectos especiales, fotografía interesante y la máscara del comunismo radical. ¿Realmente es la historia de su padre o de él? ¿Es como él lo vivió, son sus recuerdos o como a él le hubiera gustado que fuera? Esas preguntas dejan de importar cuando te captura con su forma tan particular de contar las anécdotas. Los personajes: el pequeño Alejandro, compasivo y confundido. Por un lado su madre, que lo ve como una reencarnación del abuelo muerto, por otro lado su padre, controlador que le exige dolor a cambio de amor. Es la historia de un viaje, que se emprende con quien uno pensaba el protagonista (el pequeño Alejandro) y
termina siendo una bitácora de viaje del propio entendimiento de su padre, el que se confronta a sus creencias y modos de ver y hacer su vida, para convivir con una serie de personajes que le enseñan de amor, de religión, de trabajo, de compasión, convirtiendo a un hombre radical (en todos los ámbitos se su vida) en un padre que anhela su hogar, su familia, y que precisamente ha aprendido a amar y a ver al otro. Así es Jodoroswky, te pone a pensar irremediablemente, claro, sólo si te ánimas a pensar. Como ya mencioné se usan efectos de animación, pero no por eso deja de ser el propio estilo de éste director, no deja a un lado el mensaje, que después de saborear lo amargo te deja un sabor dulce en la boca. Vean su trabajo, que por algo se habla tanto de él. No niego que recurre a lo escatológico, a lo no lineal ni a lo obvio y puede generar confusión en el espectador, pero al final, la sensación es clara, el mensaje nos llega, nos deja siempre algo en lo que podemos identificarnos, y ese es el logro de todo arte y Jodoroswky lo logra con sus herramientas y la forma de encuadrar sus historias dándonos imágenes imperdibles.
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Un film muy Anderson
En su octavo largometraje Wes Anderson (Moonrise Kingdom) nos muestra que estรก obsesionado con los detalles, por ello logra una obra del mรกs alto nivel que las anteriores.
por FERNANDO TEODORO 15
El argumento del film se centra en la
La
imaginación
de
región de Zubrowka y narra cómo
desborda
Zero Moustafa, quien inicia siendo
increíble la cantidad de detalles que
botones, llega a ser dueño del Gran
podemos
Hotel Budapest; ésta historia inicia en
insertos dentro de cada locación.
los años treinta y se desarrolla
Podemos hablar desde el diseño de
durante la primera y segunda mitad
interiores de cada mansión, hotel o
del siglo XX, con momentos tan
monasterio; que van de la mano con
irreverentes de comedia absoluta y
un manejo de la cámara esplendido.
acción plena e hilarante.
El buen gusto por el arte se hace
durante
Anderson la
observar
y
cinta; que
se es
están
presente dentro del film. Con el uso Lo que marca a esta película es la
de obras creadas específicamente
obsesión por la perfección en todos los sentidos. Wes Anderson pone en
para la cinta o bien arquitectura muy ad hoc al estilo del
la mesa todos los elementos que
film.
antes
ya
había
ejecutado
en
anteriores cintas pero ahora, tras
Por si esto fuera poco aparte del
algunos años de experiencia, pues
desborde estilístico de Anderson hay
recordemos
un
que
es
un
cineasta
desborde
de
estrellas
joven, pone de manifiesto todos esos
cinematográficas;
entre
elementos con un desarrollo estético
que
pleno.
Fiennes, Adrian Brody, Willem Dafoe,
podemos encontrar a
las Ralph
Jude Law y Edward Norton. Sobra Lo que salta a la vista desde el primer
decir
que
cada
uno
de
estos
momento son los encuadres. La
probados actores cumple con su
búsqueda y ejecución del encuadre
papel dentro de la cinta.
centrado impera; ya sea que el personaje esté en el centro de la
La obra de Anderson está basada en
escena o bien en eje “simétrico” a
escritos de Stefan Zweig y tiene una
algún objeto se observan durante
narrativa sumamente fluida que logra
todo el metraje. Ya sea en escenas
enganchar al espectador desde las
de planos abiertos o cerrados, en la
primeras escenas; para lograr dicho
acción o momentos de comicidad los
objetivo se utilizó una buena banda
encuadres
sonora de compañía que hace de
cuidados.
están
sumamente
cada
secuencia
segundos
prodigiosos en el film.
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La poesía no es la misma desde que se multiplicó en libros. También algo sucedió cuando llegó la fotografía, y más de alguien encontró maneras de decir sin palabras. Hoy es el video poemario el que toma cada vez más un lugar de privilegio; un formato moderno, sensible, delicado para llegar a audiencias distantes y exigentes. “Noche de Videopoesía” presentó exclusivamente en Durango la proyección de dos trabajos de este corte, dos poetas de latitudes lejanas, pero con una conexión a través de sus escritos. El primero de ellos, Desde arriba nadie te ve, del cantante chileno Mauricio Riveros, basado en los textos de su segundo poemario, el que se publicó este año. A través de imágenes, texturas y formatos, Riveros habla del desarraigo, de su relación con México, del amor y de sus muertos. También valida el alcance de su obra a través de la lectura invitada de poetas desde España, Italia y México. El segundo trabajo fue un estreno exclusivo, se trató de Estantigua, un film con los poetas Ianus Pravo (Italia) y Leopoldo María Panero (España), sobre sus obsesiones estíticas y vitales. A los tres días de iniciado el rodaje, Panero muere en su cama del Hospital Psiquiatrico de Las Palmas, donde vivía desde hace 17 años. Estantigua terminó siendo un film sobre la presencia de su ausencia.
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DE TAL
PADRE TAL
HIJO
por FERNANDO TEODORO 19
La historia se centra en la familia
sentido de la naturaleza humana
Nonomiya
tres
frente a la creación del vínculo social
(Masaharu
de convivencia -entiéndase afectivo,
conformada
integrantes:
Ryota
Fukuyama),
padre
por
dedicado
al
personal y cultural- se pone sobre la
trabajo y al progreso personal a partir del esfuerzo y dedicación diaria. La
mesa para el debate.
madre Midori (Machiko Ono), mujer
Cuando Ryota se entera de que Keita
dedicada a las labores del hogar y a
no es su hijo biológico lo primero que
descargar el peso de la escuela que
dice es “Ahora lo entiendo”; así es,
su hijo intenta sobrellevar. Y por
ahora entiende el por qué Keita no es
último Keita (Keita Nonomiya), niño
un niño a semejanza propia, el cual le
de seis años que a pesar de su corta
hace no tener la constancia en sus
edad es estrictamente influenciado
actividades, como tocar el piano
por su padre a estudiar y realizar
¿Qué es más importante aquí, seis
actividades extracurriculares, como lo
años de convivencia diaria o la
es tocar el piano.
relación consanguínea?
El argumento es quizá demasiado
Quizá para quienes piensen que el
extraño de imaginar. Después de seis
melodrama
años el hospital en el que nació Keita
encuentren en esta cinta la perfecta
hace
familia
refutación a esa premisa. Sin duda el
Nonomiya para decirles que Keita no
arco narrativo va de “a” hacia “b” con
es su hijo biológico. El hospital acepta la responsabilidad de lo ocurrido y
suma delicadeza y audacia. En su sentido más primario y superficial, De
junta a las familias afectadas para en
tal Padre, tal hijo nos remite al
primera
si
significado de la paternidad; pero
un
desde otro punto de vista es un ensayo sobre las formas culturales y
una
llamada
instancia
ambas deciden intercambio de niños.
a
la
proponer realizar
y
carece
de
hondura
de convivencia que imperan hoy en Las disparidades son enormes; por
día y que en muchas situaciones
un lado la familia Nonomiya es los que podemos considerar una familia
rompen con lo establecido.
con
un
alto
poder
adquisitivo,
mientras que la otra parte afectada
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es más bien clase media; y es en este punto donde la confrontación del
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21
por ANDREI MALDONADO
Bajo el nombre de “La verdad sospechosa” Luis Estrada trajo al estado una producción ambiciosa con un elenco imperdible: Damián Alcázar, Joaquín Cosío, Silvia Navarro, Tony Dalton, Alfonso Herrera, Osvaldo Benavides, Saúl Lisazo, Arath de la Torre y Sergio Mayer. Hoy, a más de un año de que terminó su filmación y con el título de “La dictadura perfecta”, la más reciente obra del polémico director de “El Infierno” y “La ley de Herodes” fue estrenada en Durango. La cinta gira entorno a Carmelo Vargas, un gobernador de un estado cualquiera de nuestro país, el cual debe recurrir a la ayuda de la televisora más grande de México para salvarse de los golpes mediáticos realizados por sus opositores, pues de darse a difundir podrían verse cortadas sus aspiraciones políticas rumbo a la presidencia. Escándalos televisivos, corrupción, asesinatos y mucha sátira es el hilo argumental de la hoy candidata a los premios Goya 2015.
Estrada se ayuda de parajes muy “del norte” para envolver al espectador en la trama, desde el mítico rancho La Joya donde John Wayne filmara tantas historias, hasta sitios plenamente identificables para los duranguenses como el teatro Ricardo Castro y el Palacio de Zambrano, hoy Museo Francisco Villa. Dos horas en las cuales el público se debatió entre soltar la carcajada y reflexionar ante una realidad incómoda. Y es que quizá el motivo de la risa sea el nerviosismo de ver retratada una ficción que no es muy ajena a nuestra vida diaria, más aún de los que vivimos en el norte del país y nos hemos enfrentado a ejecuciones a plena luz del día y en lugares públicos. Sin duda alguna Luis Estrada consigue criticar de manera irónica la situación del país, y depende del espectador delimitar en donde la risa termina su frontera con la reflexión.
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por SETH ÁLVAREZ fotografía PABLO ÁLVAREZ
ABRAHAM ESCOBEDO
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Abraham Escobedo Salas es un joven director y guionista Zacatecano, residente en Guadalajara, que pertenece a la nueva generación del medio cinematográfico. Tuvimos una pequeña charla, donde nos platicó sobre su nominación del Ariel, sus inicios y sus proyectos futuros.
Desde la última vez que nos vimos en el festival Zanate del año pasado, donde recibiste el primer lugar como documental universitario, han pasado muchas cosas con tu documental B-boy ¿Qué nos puedes decir? Pues creo que Zanate fue un cierre de esa racha increíble de pisar festival y ganar. El documental se exhibió en otros festivales y espacios como en Toronto o en el FICUNAM, pero recibir la noticia de la nominación del Ariel, esa fue una gran noticia, fue como la graduación del docu. Si, te ha ido muy bien con B-boy, pero déjame preguntarte por tus inicios, ¿Cómo empieza tu interés por lo audiovisual? Creo que es un interés que ha ido creciendo, a partir de otras actividades artísticas que hacía por hobbie. Cuando no estaba jugando fútbol, dibujaba, entonces vino la pintura, luego la fotografía; una cosa me llevó a la otra. Pero, ¿tenías definido el cine? No, pero curiosamente en la secundaria me junté con unos amigos y quería hacer una película de terror, nunca pensé en esto como una carrera, sólo sabía que quería hacer una película. No sabía cómo pero experimente el rol de director por primera vez con una cámara prestada y un guión de dos hojas escritas con lápiz. Entonces ¿Cuándo te decides formalmente por esta carrera? Formalmente lo pensé cuando estaba en la prepa, en cuarto semestre. Es cuando te empiezan a preguntar en la escuela y en tu casa ¿qué quieres
hacer de tu vida? Yo quería ser futbolista, así que nunca había pensado en otra cosa. ¿Y tu familia te apoyo? Fue difícil porque nadie en mi familia o alguien cercano se dedica al arte, entonces no es tan fácil que acepten la idea. Mis papás pensaban que yo iba a estudiar Arquitectura, pero las matemáticas y la física no se me daba mucho, entonces yo no lo consideré una opción. Tú eres de Zacateca, ¿Qué haces en Guantos? No existe carrera de cine en Zacatecas, para estudiar cine hay que salir a las ciudades grandes. ¿Hiciste la carrera de cine? Sí, en la Universidad de Guadalajara. Entonces ¿cuál es tu fuerte: el guión, dirección, producción…? Yo quiero dirigir. Y como Coppola le dijo alguna vez a George Lucas, "si quieres dirigir, tienes que aprender a escribir" me gustaría hacer las dos cosas. ¿Ficción o seguir con el documental? Quiero hacer cine. No importa el género. Depende de mi interés en ese momento. Aunque creo que se resume un poco a... cuando tenga dinero para producir ficción lo haré, cuando no, haré documental. ¿Cuáles son tus referentes artísticos? Vengo más de una generación que creció con animé japonés, sobre todo de series de televisión. Ya con el tiempo fui descubriendo maestros del cine, del arte, de la foto.
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Tú que te vas más por la dirección, ¿quiénes son los directores que te han influido? No sé si han influido de una manera que se note en mi trabajo, pero me gusta el trabajo de Fernando de Fuentes, José Padilla, Park ChanWook y Coppola.
experiencias y hacerlas colectivas. Al momento, podría decir eso, es una invitación a vivir otras vidas.
Y ¿Documentalistas mexicanos? Everardo González.
Hablando de hacer documental, para platicar de algo en específico, ¿Cómo es tu proceso creativo? Eso si no lo puedo definir, quizás cuando tenga más producciones terminadas podré tener un mapa sobre mi forma de trabajo, por ahora lo sigo descubriendo.
¿Cuál es el último documental que viste y que recomiendes? Creo que el trabajo que realizaron en THE CRASH REEL es impresionante, entretenido, fuerte. Sabes cual documental me latió mucho, Sugar Man. Justamente lo vi ayer por tercera vez, muy chido, las buenas historias siempre son buenas para repetir. Y ¿mexicano? Quebranto, El Alcalde; aunque mi favorito: “Los que se quedan”, ese siempre se tiene que recomendar. Dentro del trabajo que realizas ¿qué es lo que más disfrutas? Aprender de todo y de todos. Soy como un niño curioso y este trabajo te permite eso, explorar el mundo exterior e interior del ser humano. ¿Para qué sirve el cine? ¿Cuál es tu opinión? Es difícil definirlo, para mí el cine sirve para maravillarnos o aterrarnos del mundo, contar nuestras
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Y buscar respuestas, reflexionar… Claro, quién sabe si encuentres respuestas, pero por lo menos estas escarbando para encontrarlas.
¿Con quién te gustaría trabajar en México? Con quien se deje (ríe)
¿Hay algún director zacatecano? Iván Ávila Dueñas. Y con él, ¿No? de paisano a paisano Pues me gustaría aprender de él, pero por ahora no se ha dado la oportunidad. Algún libro que te gustaría adaptar al cine Me gustaría adaptar algunos cuentos de Rulfo, ya escribí la adaptación de uno, pero quién sabe si llegué a tener los permisos algún día. De los contemporáneos, me gustaría adaptar algo de Villoro.
¿Como ves el cine mexicano actual? Creo que el año pasado fue estupendo para las producciones nacionales, pero aún sigo pensando que los apoyos no se distribuyen como deberían. ¿Cómo te ves en un futuro, donde te gustaría llegar? Ya veremos a donde me lleva mi trabajo, lo importante para mí es conseguir los apoyos para seguir produciendo cine. ¿Tus próximos proyectos? Estoy finalizando mi tesis de ficción que se llama "El Barbero" y tengo otro proyecto documental que espero poder finalizar el próximo año. Ya por ultimo háblame un poco más de B-boy. El proyecto nace de la fascinación que tengo, primero por el baile, en especial por el breakin' que es como el fuego, siempre fluyendo, siempre cambiante, con mucho poder. ¿Ya conocías al protagonista? No, pero todo fue muy orgánico, fue más el inicio de una amistad que una investigación, tanto así que me reúno con ellos cada que puedo. ¿Tenías idea a donde te llevaría este proyecto? No, y eso es lo maravilloso del documental, muchas veces tú también te vas sorprendiendo con lo que sucede en el camino; ganó 2 premios y 4 menciones, mención en Morelia y en Short Shorts. En este último me dio mucho gusto porque entre el jurado estaba Everardo González, que es un gran ejemplo para mí.
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por ERIC EDUARTE VILLA
Corría un Julio de 1998 cuando el
Durango, una ciudad que lo adoptó y
actor sonorense Jorge Russek cayó
él mismo no sólo la convirtió en su
accidentalmente en la calle principal
nueva residencia donde filmó, actúo y
del set cinematográfico de Durango
fotografío gran parte de su vida
“Chupaderos”, acompañado en ese
artística, sino que aquí hizo su hogar
entonces de su amigo el también
de su eterno descanso.
finado Rodolfo de Anda. A él le pidió que se encargara de esparcir sus cenizas en esa calle de aquel pueblo western.
Fue
bromear
sobre
un
momento
el
para
incidente,
sin
pensar Rodolfo que después de 15 días de que Russek tropezó en ese sitio, se le estaría cumpliendo esa promesa.
Como fotógrafo, Russek manifestó su cariño por Durango capturando los parajes más bellos de este estado y creando desde su lente la famosa fotografía de dos jinetes en un atardecer a contraluz en El Arenal, Durango. Imagen que le dio la vuelta al mundo Hace algunos años a la telesecundaria de la comunidad de
Jorge Russek desde entonces se
Chupaderos, se le otorgó el nombre
convirtió en una leyenda para la
de Jorge Russek en honor a su gran
industria
entidad
labor que heredó en esas tierras. En
duranguense, teniendo en su haber
sus palmarés destacan dos Arieles,
más de 70 producciones en cine y
uno de ellos fue por su actuación en
televisión,
la película “De Todos Modos Juan te
como: Cassidy
fílmica
donde The and
de
la
destacan
Wild the
filmes
Bunch, Butch
Llamas”,
dirigida
por
Marcela
Sundance
Fernández Violante, y la segunda fue
Kid y Soldier Blue, Pat Garrett y Billy
por su actuación en la película “La
the Kid, The Return of the Man Called
Última
Horse, Missing, Licence
cineasta durangueño Juan Antonio de
to
Kill,
Ámbar, Pedro Páramo entre muchas
Batalla”,
dirigida
por
el
la Riva.
más.
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AlimentĂĄndonos del sĂŠptimo arte