Cinéfagos - Número 12

Especiales: Hayao Miyazaki - Philip Seymour Hoffman - El Lado Oscuro del Corazón No. 12 nov.-dic. 2014 Edición Bimestral

Alimentándonos del séptimo arte

Eugenia Montalván: mezcal, diversidad y Revueltas Entrevista Alberto Trujillo, protagonista de Halley Texas Rising y el regreso del Western a Durango Gabriel Chávez: el arte del doblaje en México Sebastián Silva y la labor del cine

NAVAJAZO EL ARTE DE LA INCOMODIDAD

Además: Heli - Quebranto - Los Hámsters - Paloma Itinerante - Échame Las Luces

Editorial

Alimentándonos del séptimo arte

El cine y las industrias culturales En 1994 entró en vigor el Tratado de Libre Comercio (TLC) entre Estados Unidos, Canadá y México que, en teoría, vendría a ser el puente comercial que permitiría el desarrollo equitativo de las diversas industrias de las tres naciones norteamericanas.

muchas casas productoras fueran absorbidas por grandes emporios y que se introdujeran los multicinemas, llevando a la extinción total de las salas convencionales, operadas mayormente por gente dedicada al cine, gente mexicana.

Lejos de cumplir lo convenido, dicho convenio ha rezagado a las diversas industrias mexicanas, las cuales no tienen esa supuesta “libertad” de entrar en el mercado anglosajón, libertad que sí poseen nuestros vecinos del norte. Dentro de las industrias afectadas no podría estar exenta la cultural, una industria que ya estaba golpeada internamente debido a la idiosincrasia del pueblo y del gobierno, y que ahora sufre además de los bloqueos globales.

Sin duda alguna que las nuevas tecnologías, así como la posibilidad de conocer el arte y la cultura de cualquier parte del mundo gracias a la globalización son factores que contribuyen a la difusión y conocimiento, tanto de productores como de audiencias. Sin embargo parece que el daño es mayor a los beneficios.

Los norteamericanos hicieron crecer su industria fílmica de 459 producciones por año a 680 durante la década de los noventas, en tanto que México vio reducida su productividad de 747 a 212 largometrajes durante el mismo periodo. Esto es que en ese déficit de 532 filmes se perdieron miles de empleos, quiebres de casas productoras y un público que poco a poco fue interesándose por los géneros fuertemente elaborados por Hollywood: acción, thriller y terror.

Parte de estos nuevos condicionamientos también viene de la mano de la trasformación en la distribución fílmica y su exhibición. El TLC también trajo consigo que

No solo promover festivales, sino facilitar a los jóvenes, a los nuevos creadores, la posibilidad de que ellos engendren nuevos proyectos. Esto es eliminar la burocracia existente, provocar que los particulares se involucren más en el otorgamiento de apoyos. Que las escuelas sean también el pretexto para parir nuevo conocimiento a partir de los medios audiovisuales, del cine y de cualquier expresión artística.

Que haya espacios, que haya medios.

Pero también se necesita una reforma de pensamiento. No dejar de ver películas americanas, pero también darle oportunidad a las producciones nacionales y latinas.

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Andrei Maldonado

DIRECTORIO Director General Andrei Maldonado Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa Colaboradores Seth Álvarez Fernando Teodoro Alejandra Arellano Arturo Perales Alejandra Quiriarte Fotografía Andrei Maldonado Eric Eduarte Villa Fermín Revueltas Carlos de la Barrera Fotografía Externa Cortesía Diseño Andrei Maldonado

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Contenido Navajazo...

3

Alberto Trujillo...7

Eugenia Montalván...13

TEXAS RISING

...11

Gabriel Chávez... 17

ADEMÁS Sebastián Silva... 21 Hayao Miyazaki... 23 Philip S. Hoffman... 29 El Lado Oscuro del Corazón...33 Miguel A. Fuentes... 37 Los Hámsters... 41 Quebranto... 43 Heli... 44 Gravity... 45 Paloma Itinerante... 47 Uma de Suárez... 49

3

ENTRE EL IMAGINARIO COLECTIVO Y LA CRUDA REALIDAD

por ANDREI MALDONADO fotografía CORTESÍA

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Cruda, pero con cierta poesía.

Documental, pero con la intromisión de una ficción realista. Perturbadora pero romántica. Sarcástica e irónica, ruda, impúdica y agresiva con el espectador, pero divertida a su manera. Así es "Navajazo", obra del novel cineasta Ricardo Silva, la cual puede recibir todos los adjetivos del mundo y más.

Premiada como la mejor película del Festival de Cine Mexicano de Durango en su edición 2014 y también galardonado en el Festival de Cine de la UNAM y el Festival de Cine de Locarno en Suiza, "Navajazo" se nos presenta así, de tajo, como una incisión en todo aquello que vemos a diario y que no queremos ver, haciendo hablar no a lo silente, sino a lo que por voluntad calla.

Tuvimos la oportunidad de charlar con Ricardo y esto fue lo que nos dijo: ¿POR QUÉ LLAMAR A LA CINTA “NAVAJAZO”?

La película se llama navajazo porque si yo paso por una marquesina y leo ese título, definitivamente me quedo a verla. Pero también las heridas hechas con navajas siempre son más profundas de lo que uno alcanza a ver y siempre dejan cicatriz.

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¿FUE PENSADA ORIGINALMENTE COMO PELÍCULA? ¿A qué te refieres por película?

Siempre fue pensada como un documental. La duración nunca me preocupo realmente. ¿CUÁL FUE EL IMPACTO QUE CREISTE QUE TENDRÍA? El impacto uno nunca se lo imagina.

Me imagine que ocasionaría algún tipo de controversia, aunque esto nunca fue mi intención. ¿QUÉ ASPECTOS ANTROPOLÓGICOS Y SOCIOLÓGICOS TOMASTE EN CUENTA PARA EL DESARROLLO DEL DISCURSO? Ningún aspecto antropológico o sociológico fue tomado en cuenta para la realización, así como ninguna animal fue herido. ¿CÓMO SELECCIONASTE A LOS PERSONAJES QUE INTERVENDRÍAN EN EL DOCUMENTAL? Conocí a todos mis personajes en la ruta que tomaba diario a mi preparatoria.

¿ES TIJUANA REALMENTE LO QUE EL RESTO DEL PAÍS CREE QUE ES? Tijuana es justo sólo eso: un lugar en donde lo que te imagines puede suceder, si tienes el suficiente dinero o influencia. Entonces no se sabe que vino primero, si el imaginario colectivo de Tijuana o la Tijuana que hizo posible ese imaginario. Lo cual no es necesariamente malo. Tijuana es un lugar donde todo, bueno y malo se puede hacer ¿QUÉ IMPRESIONES HAS RECIBIDO DEL EXTRANJERO Y EN EL PAÍS? La gente en el extranjero esta fascinada, viendo a través del plexiglas de la pantalla de cine el zoológico más patético con el que han cruzado en un buen rato. Les encanta usar la palabra "fuerte", quien sabe por qué. ¿QUÉ PROYECTOS TIENES EN PUERTA? Estamos en la pre de un proyecto nuevo el cual nos llevara un par de meses consolidarlo en nuestra cabeza lo que te puedo decir es que habrá horror en este será una mezcla de vampiros contra sicarios en Tijuana esa será la esencia.

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ALBERTO TRUJILLO

DE UNA CREATIVIDAD CASI OBSESIVA por SETH ÁLVAREZ

Con motivo de la próxima aparición del DVD de la película HALLEY de Sebastián Hoffman, platiqué un poco con Alberto Trujillo, el actor principal de esta original cinta.

Hola Alberto, háblame un poquito de Halley.

Es un trabajo que hicimos en el año 2011 con Sebastián Hofmann. No teníamos presupuesto, pero iniciamos haciendo un video. Éramos cuatro personas: Sebastián, Gabriela Garciandia quien se convertiría en directora de arte, y Martin Pabón que no terminó el proceso. Yo fui el primer productor de ese video, cuatro meses después se agregó Mattias Penachino y Julio Chávezmontes, quien aportó prácticamente todo el dinero. Logramos juntar un equipo de gente muy talentosa. El trabajo de todos fue muy duro y se hizo con mucha buena fe, ya que no había dinero y la mayoría lo pusieron de su bolsa.

Y les fue muy bien con la cinta…

Pues sí, participamos en festivales, como Sundance, Rotterdam, etc.

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Pero, regresémonos un poquito más atrás, ¿Cómo nace tu interés por la actuación?

Es algo que siempre quise hacer desde niño, pero en 1990, por seguir a una ex novia, entré a hacer el examen de admisión a una escuela de Bellas Artes en Morelia. No sabía que me gustaría tanto Y que se volvería una obsesión tan fuerte. ¿Tuviste el apoyo de tu familia?

Claro que no. De hecho por ellos yo tendría seguir con mí otra profesión: abogado. Pero como ninguna de las dos carreras fue financiada por ellos, pues… era lo que yo quisiera.

Y en Morelia ¿Qué onda?

Morelia me dejó muchas enseñanzas, pero al final necesitaba más de lo que me podía ofrecer, y después de 11 años regresé al DF a otra escuela y a otras cosas que en Morelia no había. ¿En DF empezó profesionalmente lo de la actuación?

Pues desde Morelia yo tenía un teatro con otro amigo, y éramos profesionales, te lo juro.

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Seguro que sí. (Risas) Entonces, sé que eres productor, director y actor… ¿Qué disfrutas más?

De todo. De hecho ahora estoy escribiendo un guión para un largometraje. ¿Y cuál es tu proceso creativo en la actuación?

Sufrir. Soy obsesivo, no duermo, no como, tengo pesadillas. Tomo mucho café y fumo muchísimo. Me peleo todo el tiempo conmigo. Estudio. Leo toda la información del tema o lo que me ayude. Hago prueba y error. ¿Quiénes son tus influencias en la actuación?

Pues, no creo tenerlas. Lo que sé es que me gusta observar algunos trabajos de algunos actores como Fassbinder, Day Lewis. Etc. ¿Tu actor mexicano preferido?

Alcázar, Giménez Cacho, Hugo Albores ¿Y con quien te gustaría trabajar?

Mira, con los que más he disfrutado no son nada famosos, pero entienden lo que es ser generosos en escena.

Sabes, me gustaría trabajar con Christian Bale o Daniel Day Lewis.

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¿Y mexicanos?

Me gusta el trabajo de Armando Hernández y de Rodrigo Azuela. ¿Alguna Actriz mexicana?

Las que me gustan ya trabajé con ellas y me la pasé muy bien: Serradilla (Ana), Roel (Gabriela), Marimar Vega, Merchan (Verónica), etc. ¿Y Directores?

Se me acaba de ir el chance de trabajar con Plá (Rodrigo), yo moría de ganas. Hice un casting pero no quedé. ¿Cine, teatro o televisión?

Mi pasión es el teatro, de hecho es lo que me obsesiona, pero no he conocido a muchos que lleguen a lo que me gusta.

Interesante. Volvamos con Halley ¿cómo fue trabajar con Hoffman?

Sufridor y divertido. (Risas). Sufrí empezando con bajar 20 kilos. Como te dije, todo empezó en su casa con los cuatro que iniciamos, entonces me habló de que tenía que bajar de peso, dije va. Me hablo de la sufridera, dije va. Me habló de comer gusanos, dije va. Me habló de la lana inexistente, dije va.

(Risas) ¿Qué pensante cuando leíste el guión?

Me preocupé. El guión es más crudo de lo que viste en el cine, pero él (Sebastián) escribe muy escueto. Yo tenía que adivinar lo que quería.

(Risas). Es en serio. No se sabe explicar. ¿Y cómo le hiciste?

Adiviné, me viajé, interpreté, y pues... siete años de conocernos ayudan. ¿Qué broncas te enfrentaste durante la filmación?

Primero que nada al presupuesto, segundo tener que bajar 20 kilos, tercero que en el guión había muchas cosas que estudiar. Otra fue tener que trabajar 20 horas diarias y pues estaba complicado. Aparte, cuando empezó la peli, ya estaba anémico, pesaba 59 kilos y pues era demasiado demandante andar 20 horas de arriba para abajo.

Y al final ¿Qué te dejó el proyecto?

Mira, un año antes de hacer esta película y antes de que existiera este proceso, mi vida empezó a cambiar por diferentes factores, entonces, gracias a eso cambios fue que logre hacer Halley. El proceso siguió y de hecho continúa y cada vez me vuelvo más paranoico, obsesivo y demás. ¿Qué me deja Halley? Buenos amigos, eso sí, al igual que un bonito sabor de boca, un bonito recuerdo y pues, a lo que sigue.

Platícame un poco de los premios que ha obtenido la cinta.

De los primeros fue en Rotterdam por postproducción; de ahí IMCINE empezó a darnos muchos premios.

Luego empezó a estar en festivales, y pues, las criticas siempre fueron bastante buenas. A mí me toco ir al Festival de Múnich a recoger un premio, dos premios a Canadá al Festival de Fantasía y a Fresnillo a recoger otro; a Sebastián le toco ir a Londres y tuvimos uno en fotografía en Durban, me parece. Y así, se han presentado muchos premios en varios lugares. ¿Tus próximos proyectos?

Estoy postproduciendo el piloto de una serie que quiero hacer, donde tengo el personaje protagónico.

También ahí tengo la función de productor y de escritor e incluso dirijo algunas partes, por lo pronto, del piloto; ya después veremos en la serie. También tengo un par de cortometrajes, uno en la ciudad de México y otro en Colima. Finalmente estoy escribiendo un guión que pienso dirigir, espero que el año que entra. En esto momentos me salen proyectos todos los días, algunos los agarro, pero dejo la mayoría.

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por ANDREI MALDONADO

Durango vivió su esplendor y se ganó el mote de “Tierra del Cine” gracias, principalmente, a la enorme producción de cine western entre los 60’s y 70’s. Y es ese género, ahora para la televisión, el que ha hecho que nuevamente Hollywood pose sus ojos en esta tierra.

El equipo de Cinéfagos tuvo la oportunidad de charlar con el productor José Ludlow, quien nos dio más detalles sobre Texas Rising, la gran producción norteamericana que filmó por 18 semanas en Durango, y cuyo estreno se espera en los primeros meses de 2015.

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¿POR QUÉ DURANGO?

FILMAR

EN

La historia se desarrolla en 1836. Es la guerra entre el gobierno de México, en ese entonces siendo presidente Santa Anna, y la República de Texas, liderada por Sam Houston, y la historia se desarrolla en Texas, del cual Durango se le parece mucho.

Las locaciones te indican dónde filmar. Aquí hay bosques, llanuras, montañas y lagos a una corta distancia entre sí y muy próximas a la ciudad, sin mencionar la cercanía con Estados Unidos. También el apoyo del gobierno fue fundamental para que nos decidiéramos por Durango. ¿QUÉ ACTORES DE RENOMBRE SE ENCUENTRAN EN EL ELENCO? Bill Paxton como Sam Houston, Olivier Martínez como Santa Anna, además de Ray Liotta, Brendan Fraser, Trevor Donovan y Ryhan Coiro.

¿SE LE DIO OPORTUNIDAD JÓVENES DE LA LOCALIDAD?

A

Así es, fueron 28, divididos en dos grupos con participación de siete semanas cada uno, en áreas como producción, cámara, sonido, arte, video, maquillaje y vestuario. ¿Y LOS EXTRAS? Nos fue muy bien, tuvimos dificultad con aquellos que tuvieran look americano. En total fueron más de 9 mil extras entre jinetes y gente del pueblo, adultos y niños, hombres y mujeres. Fueron más de 10 mil días hombre. Prácticamente estuvimos trabajando diario con hasta 450 personas. ¿TIENEN PENSADO VOLVER? Sí, la idea es volver el año próximo y filmar diez episodios adicionales de una hora cada uno por un lapso de seis años.

¿QUÉ TAN PREPARADO ESTABA DURANGO PARA ESTA PRODUCCIÓN? No lo estaba porque es una producción tremendamente grande.

Fueron ocho horas de televisión filmadas de manera continua, pero el gobierno y la sociedad de Durango que participó lo hizo posible.

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EUGENIA EN TRES ACTOS

por ANDREI MALDONADO// ERIC EDUARTE VILLA fotografía ERIC EDUARTE VILLA// FERMÍN REVUELTAS

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Acto I: Eugenia y la diversidad Duranguense de nacimiento pero radicada por muchos años en Mérida, Eugenia Montalván Colón conoció a Gonzalo España España, activista por los derechos de la comunidad gay de la capital yucateca, pero también conoció a Don Mammie Blue, el travestí que noche tras noche hacía lo que le gustaba: ser un personaje más de una ciudad que, como cualquier otra en nuestro país, se debate actualmente entre la aceptación y el tabú. ¿CÓMO HA RECIBIDO LA AUDIENCIA EL DOCUMENTAL? Uno de los sitios donde más se ha exhibido es el Museo del Chopo, ahí estuvo por dos meses dentro de una exposición y la respuesta fue muy positiva. Creo que hay un interés muy fuerte por todo lo que significa la lucha de la comunidad gay. Sin embargo en Yucatán el documental resultó intrascendente, porque a final de cuentas a la sociedad no le gusta ver esos temas, no le gusta reconocer que hay una gran cantidad de personas con una tendencia homosexual. ¿CUÁL ERA EL OBJETIVO PRINCIPAL DEL DOCUMENTAL? Como antropóloga y periodista me interesaba mostrar la vida de Gonzalo España en su casa, con su familia, con sus amigos e incluso sus amigos políticos como la gobernadora de aquel entonces Ivonne Ortega, que aparece en el documental. En sí es

un trabajo que trata de mostrar todas las facetas de Gonzalo y su importancia para la sociedad yucateca. ¿QUÉ TAN DIFICIL FUE LLEVAR A CABO ESTE PROYECTO? Fue difícil porque aunque él estaba de acuerdo en que hiciéramos el documental a veces no me hacía partícipe de cosas importantes que pudimos haber filmado, aunque en general nos abrió las puertas de su casa, nos invitó a sus eventos políticos y a sus shows, en ese aspecto la dificultad fue mínima. Un obstáculo fue cómo financiarlo, ya que fui la productora y directora, por lo que terminé poniendo mucho de mi propio presupuesto, pero quedé feliz de haberlo terminado. ¿CÓMO MANEJAS QUE LA GENTE CREA QUE ERES GAY POR INTERESARTE EN ESTOS TEMAS? Realmente no tiene mucha importancia. He escrito mucho sobre este tema porque me interesa, si hay gente que cree que soy lesbiana está bien, pero mi carrera es aparte, nada que ver. Yo documento temas de interés y esta vez fue la comunidad gay quien llamó mi atención y en particular Gonzalo España, porque fue un hombre coherente con su forma de pensar toda su vida desde que se asumió como gay, que se atrevió a hacer lo que muchos otros no hicieron.

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Llegó el día de leer y de ver parte de la vida de José Revueltas en lo que refiere al más reciente trabajo de la artista

visual

de

Durango.

Un

documento histórico que queda para la posteridad, con la participación de diversos

escritores,

fotógrafos,

historiadores y hasta actores; en los que destacan: Eva Bodenstedt, Alba del Campo, Rosalío “Chalío” Salas, Evodio

Escalante,

Eusebio

Ruvalcaba, Enrique González Rojo, Eduardo Lizalde, Moura Revueltas, entre otros.

La directora del documental comentó que la obra de José es difícil por el

Acto II: Eugenia y José

tipo

del

enriquecedor

lenguaje

narrativo que maneja, pero que es posible asimilarlo por cualquiera. De El festejo del centenario del escritor José Revueltas no podía quedar atrás por el séptimo arte. Este año, dentro de la sexta edición del Festival de Cine

Mexicano,

le

hizo

un

manera

se

dio

en

duranguenses

la

semana

tierras de

la

celebración del escritor Revueltas, quien a sus cien años se sigue

homenaje con la proyección de la

escuchando y leyendo sus letras,

película El Apando que se basa en

pero sobre todo, tomando sentido en

una de las mejores obras literarias del

estos tiempos del reclamo de la

escritor mexicano nacido en Durango,

sociedad hacia la fracturas políticas

y justo pasado su aniversario se

en las que se ha visto inmerso

estrenó

nuestro país.

el

documental

Revueltas

para

realizadora

duranguense

Montalván Colón.

15

se

esta

rato

Hay de

la

Eugenia

Acto III: Eugenia y el mezcal

Cuando sentimos o nos encontramos con algún objeto que pareciera no tener mucho sentido, de alguna manera buscamos entregarle ese sentido. La visión de un artista es tan misteriosa y asombrosa como el mismo universo. Querer hacer un documental sobre una bebida que muchos les agrada degustar sonaría irrelevante, pero al ver el trabajo de la artista visual Eugenia Montalván Colón nos damos cuenta que cualquier cosa, producto en este caso, tiene bastante qué contar.

El reciente trabajo cinematográfico de Eugenia nos traslada al municipio de Nombre de Dios, dentro de nuestro estado de Durango.

Ahí el documental toma vida, mostrándonos y haciéndonos espectadores al apreciar a personas que se esmeran día a día en sembrar su vida. DESDE QUE DIOS AMANECE nos presenta a un grupo de campesinos especializados en el proceso de la elaboración del Mezcal.

Pero no sólo es ver el mezcal como una figura de cine, el documental a la vez cuenta la vida de estos vinateros que a diario llevan el pan a su mesa gracias a la fabricación y venta de este embriagante; transformando el mezcal en una identidad, en una cultura de la ciudad de Nombre de Dios, y hasta cierto punto este trabajo audiovisual llega a ser una manifestación social para mejorar estas regiones humildes donde su sustento no va más allá de vender una botella de esta amarga y embriagante bebida.

Con dos funciones en menos de un mes el trabajo de la realizadora duranguense obtuvo una excelente aceptación por parte de los asistentes, donde se tuvo como invitados especiales a los mezcaleros protagonistas de este documental, a la vez que se pudo disfrutar del producto que ellos elaboran. Eugenia destacó la facilidad que contó por parte de la gente de esta región para lograr este material, y lo que la impulsó y motivó a realizarlo fue su simple gusto por el mezcal.

16

17

por ANDREI MALDONADO

GABRIEL CHÁVEZ Un actor de doblaje “excelente”

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Desde junio de 1990 el actor de teatro, cine, televisión y doblaje Gabriel Chávez unió su vida con la de un personaje con el que, a su ver, lo único que comparte es su gusto por las mujeres: Charles Montgomery Burns, el icónico dueño de la planta nuclear de Springfield, hogar de la entrañable familia Simpson.

¿Actuación o doblaje, cual disfruta más?

Ambas, no puedes separar una de la otra en cuanto a disfrute, son muy diferentes una de otra para trabajar pero al disfrutarlas se debe hacer por igual. El doblaje lo disfruto mucho porque es tu voz lo que les da vida a otros personajes y juegas con ella, ya sea en caricatura o con actores reales. Por otra parte la actuación ha sido mi vida y mi sueño desde un principio.

¿Qué tanto hay del Señor Burns en Gabriel Chávez?

No mucho, solo que es muy coqueto, yo era muy coqueto de joven. Él es un amante de las mujeres, yo también. Es lo único, de ahí en fuera somos totalmente diferentes él y yo. ¿Cuál es el reto de dar vida a personajes totalmente opuestos?

Es un gran reto porque debes desprenderte de tu propia vida para darle vida a un personaje. Debes dejar de ser tú y transformarte en otro. Si tienes las tablas actorales lo puedes lograr, pero sí es un reto.

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¿Algún episodio que haya sido especial?

¿Cuál es la sensación que le embarga al convivir con sus fans?

Yo creo que todos. Si voy a trabajar en un capitulo tengo que entregarme totalmente. Pero algunos que sí me han dejado un especial sabor de boca han sido ¿Quién mató al Señor Burns? Y Los Expedientes Secretos de Springfield.

Agradecimiento. Es difícil trazarte metas y cumplirlas, pero más aún conservarte. Yo llegué hasta donde quise y me he mantenido porque no soy una diva ni mucho menos, me he conservado gracias al afecto que me dan los fans.

Además del Señor Burns, ¿algún otro personaje entrañable?

Cuando llegó el momento de separarse de Los Simpson ¿Cómo fue manejarse lejos de ese entorno pero a la vez seguir siendo para muchos el Señor Burns?

Muchos, pero en especial el abuelito Phil de Hey Arnold. Han sido muchos personajes entre series, películas y caricaturas, más de diez mil quizá.

¿Qué tanta libertad existe para el actor de doblaje en México?

Depende. Si eres novel, si apenas comienzas en esto, cuidado, absolutamente no se te va a permitir hacer cambios a los diálogos. Pero si ya tienes un nombre, si ya tienes experiencia, lo puedes hacer. Ahora si yo siento que hay algo qué cambiar según la personalidad del personaje que voy a doblar yo se lo cambio, porque ya sé de esto, aunque siempre trato de que haya acuerdo con el director. En Los Simpson yo improvisé muchísimo.

Yo siempre quise poner un sello y dejar una huella. El hecho de que nos los hayan quitado por un lado fue triste, fueron tiempos difíciles, pero ¿qué lograron con suplantarnos a nosotros los cinco actores originales?

Darnos más trabajo.

Cuando perdimos a Los Simpson empezamos a visitar Latinoamérica. Somos muy queridos y a donde nos piden ir ahí vamos.

¿Y del trabajo actoral?

Ha sido también muy basto. Más de 20 películas, varias series, decenas de obras de teatro. Más de 15 años en series unitarias de TV Azteca.

Este año estrenamos una película, el próximo concluyo otra con Carmen Salinas. Actualmente estoy en la serie Niño Santo de Canal Once.

19Muchos personajes.

20

por ERIC EDUARTE VILLA

21

Conocido por sus amigos cercanos

Universitario de la UJED, en dicha

como Batán, Sebastián Silva ha sido

proyección se tuvo la presencia de

uno

Silva,

de

los

directores

del

cine

quien

compartió

con

los

mexicano que ha trabajado a lado de

asistentes una charla donde habló del

reconocidos cineastas a nivel mundial

arduo y monumental trabajo como

como James

asistente

Cameron, Alejandro

Gonzales Iñarritu, Guillermo del Toro, Robert Rodríguez, Terrence Malik, Julián Schnabel, Robert Zemeckis, entre otros. Su trayecto fílmico se basa en ser asistente de dirección que lo ha sido tanto en primera como en segunda unidad de producción.

del

director

en

una

producción fílmica.

Entregando

un

conocimiento,

poco

de

experiencia

su y

anécdotas; comentó que unos de sus trabajos más agotadores fue en la película de Titanic, tras coordinar cientos de personas del crew así

Recientemente Sebastián estuvo en

como del cast.

Durango como parte del equipo de la

ocasiones el asistente de dirección

serie ‘Texas Rising’, ahí nuevamente

toma el papel de villano, ya que es

tomó las riendas en donde mejor se

quien debe de mantener un equilibrio

ha desempeñado, en la asistencia de

entre el director y el resto de la

dirección.

y

producción, carga con el mayor peso

experiencia como asistente, le dio el

del film y es quien debe poner el

aprendizaje

orden en el set.

Pero

este

para

dominio

enrolarse

como

director de un proyecto realizando así su primer largometraje: El viaje de la nonna, una cinta que se inspiró en una vivencia personal del mismo Sebastián.

En

Agregó que en

Al igual platicó de lo que representó su ópera prima y todo lo que vivió para decidir escribir y filmar el guión.

Entre las demás películas que ha colaborado como asistente destacan

su breve

tierras

Babel, Antes que anochezca, Little

de

la

Boy, To the wonder, Desesperado,

filmación de la serie, su película fue

Licencia para matar, Cronos y Los

proyectada

últimos días del edén.

duranguenses

estadía en por

por

motivo parte

del

Cine

22

HAYAO MIYAZAKI

por ERIC EDUARTE VILLA

por SETH ÁLVAREZ fotografía PABLO ÁLVAREZ

I os sueños y el amor nunca llegaron a ser tan misteriosas y bizarros en un mundo que asombra cada vez que vemos esas animaciones tan fascinantes de la mente de Hayao Miyazaki. Sin duda su arte no sólo marcó generaciones y un estilo único de mezclar los mundos fantásticos con nuestro plano real por medio de la animación, sino también un género dentro de la cinematografía mundial.

Porque quién no quiso adentrarse y perderse en un viaje con Chihiro; tomar el equipaje y abordar el castillo de Howl, mudarse a lado de Totoro o defender los valles con Nausicaä.

23

24

Ĭ PÞŇÒŎ ĠOÒNÕÒ Hayao e Isao Takahata fundaron el Studio Ghibli. Su primera producción fue Nausicaä of the Valley of the Wind, para llegar a este 2014 con un total de 22 pe lículas, siendo las dos últimas donde Miyazaki ya no intervino, anunciado su retirada de Ghibli y de cualquier producción que tenga que ver con e l anime el 1 de septiembre de 2013 donde finalizó lo que ha sido su últim a película The wind rises (Se levanta el viento) cerrando así un ciclo muy im portante en su vida, un proyecto que inicio allá e n 1985. Hay que resaltar que el nombre de Ghibli se derivó del apodo que los italianos usaron para sus avione s de exploración del Sahara durante la Segunda Guerra Mundial, el cual de riva a su vez de la palabra italiana usada para el viento are noso, caliente y seco que sopla en el desierto del Sahara. Aunque el nombre es del italiano, la pronunciación cuando se refiere al Estudio es 'ji-bri' o 'ji-bu-ri', para adaptarse a la fonética japonesa. La te oría detrás del nom bre era que ellos estaban "soplando" un nuevo viento e n la industria de la anim ación.

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ĜÕŒ ÞÑẄŎ ŇÑQŎÕMǾ De ahí que surge otro elemento clave en sus películas y tie ne que ver con e l viento, con volar. En la mayoría de sus historias siempre incluyo una ae ronave, un pájaro o una criatura lista para surcar los cielos, siempre nos enganchó con la libertad en sus películas recurría a no te ner obstáculos enfrente , ni atrás, ni arriba, ni por debajo. Entregando quizá los mensajes más importantes; la libertad y el cuidado de la existencia a través de la naturaleza. The Wind Rises cierra con e l te ma de la aeronáutica, sobre la cre ación de l el avión de combate ‘Ze ro’ que fue usado durante el bombardeo en Pearl Harbor durante Guerra del Pacífico de la Segunda Guerra Mundial.

Amor quimérico Cada una de sus historias no sería posible sin distintos elementos clave dentro de estos universos llenos de criaturas, e l prime ro de ellos es el amor. Todo misterio a donde se adentrará cada una de las niñas creadas por Hayao siempre había de encontrarse con un cómplice a ayudarle a resolver los enigmas de estos mundos, algunos de ellos transformados en ocasione s en criaturas. Un total im pulso para elevar sus películas a un sentimiento único entre sus seguidores.

De esa m anera su obra se vuelve identificable para muchos e n medio de tantos lugares que sólo habitan en la im aginación.

Ĭ ÒÖ ŐÕÑŖMÑŔPǾMŎǾŇÒŌMǾÒM Un segundo elemento son todos estos seres que nacieron de objetos que no te ndrían un sentido al mirarlos diariam ente y que Hayao los llevo más allá de su simple uso como lám paras que son guías para encontrar la casa de una bruja, un autobús felino que te lleva a cualquier lugar que desees, una llam a de fuego que en vez de asustar se pue de hacer amigo de él. Miyazaki les dio vida a todo esto convirtiéndolo en sorprendentes quimeras. Otras nacie ron en base a dioses mitológicos y espíritus de la cultura japonesa. Otras criaturas fueron fusiones de distintas especies para así crear a Dai –Totoro, Chū-Totoro y Chibi-Totoro. Le agregaba pequeñas curiosidades monstruosas como los Duendes del polvo (Makkuro Kurosuke) misteriosas conejillos oscuros que vive n en casas deshabitadas compartiendo un valle con los Totoros, siendo muy similares a los Susuwatari, en este caso compuestos de hollín, que aparece n ayudando a Kamajii e n El viaje de Chihiro. .Ī

ŎŒ PǾŎ ŇÑ ŌÒẄMÆ ǾŎŒPǾŎ ŇÑ Guerrera.

Un elemento característico en todas sus cintas, son sus protagonistas representados por la imagen femenina.

Hayao ha declarado en ambas ocasiones que e s un asunto largo y complicado de explicar, pero lo único que dice es que ama en gran medida a las m uje res. Si bien es un elemento que le funcionó, otorgándole así el tem a del am or a sus historias y dándole un mérito en la trascendencia de su legado. Y algo muy caracte rístico de ellas es que siempre mantenían un espíritu de lucha, algo muy meritorio de sus personajes.

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La música de Hisaishi.

No se puede contar el cine de Hayao Miyazaki sin mencionar al músico Mamoru Fujisawa, mejor conocido como Joe Hisaishi. Si las películas de Hayao cuentan grandes historias, Joe tiene las propias al ensamblar las notas musicales de los soundtrack de cada una de la obras del maestro del anime.

Simplemente hay que escuchar el piano en el viaje de Chihiro para adentrarse en lo más profundo de este universo reinado por la bruja Yubaba, o bien seguir el vals de Howl's Moving Castle para enamorarse no sólo de un castillo mágico sino de una Sophie, sintiéndose uno un ave feroz como Howl, que con la composición de Hisaishi únicamente nos hace sentir en un mundo fantástico y sutilmente bello.

Este es el mundo de Hayao Miyazaki que ha culminado, pero su legado continuará.

En medio de este mundo que se tiñe en ocasiones de lugares comunes y humanidades que desgarran de alguna u otra forma su propia existencia, existirán estas historias increíbles, bizarras, llenas de magia, de criaturas asombrosas y aterradoras pero sobre todo de amor; que Hayao logró tatuar de mil maneras a través de dibujos realmente asombrosos.

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La Fundación Hitos de Expresión, en colaboración con la Secretaría de Desarrollo Social (Sedesol) y como parte de los estímulos a programas de coinversión social del Instituto Nacional de Desarrollo Social (Indesol) realizó la proyección de seis cortometrajes con la temática de los derechos humanos tratados desde distintas panorámicas del entorno actual tanto en México como en el mundo.

“Maraña Enmascarada”, que narra la violencia sufrida también por el hombre en una relación marital, “Tener el cielo”, centrado en el valor de la vida y el problema de la drogadicción y “Sueño vacío”, que se debate en la perspectiva de la ambición y las consecuencias de la inocencia, fueron parte de los trabajos exhibidos como parte de la convocatoria “Échame las Luces”, la cual ayudó a jóvenes a realizar sus productos.

Completó el programa la proyección de “El invernadero de los Girasoles”, cuya trama se concentra en los conflictos que viven los adolescentes y la falta de atención de sus padres, “Sionismo”, que se traslada a Palestina para mostrar el sufrimiento al que se expone a los niños y “Corpus Day”, un relato sumamente ecléctico acerca de la existencia y su contradenuncia con los preceptos religiosos y sociales de las etiquetas y el tabú. .

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PHILIP SEYMOUR HOFFMAN

por ERIC EDUARTE VILLA

Aquella voz grave y sutil, con una mirada imponente hacia los protagonistas de cada una de las pel铆culas donde actu贸. Aquel joven rubio de gesto rudo que comenzaba a sobresalir entre las sombras de los grandes actores que robaban los reflectores y titulares en la meca del cine era Philip, quien con su carisma, humor negro y resplandores oscuros lograron catapultar cada una de sus cintas a grandes horizontes.

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Nacido en Rochester, Nueva York un 23 de julio de 1967, desde muy temprano se consolidó en los escenarios teatrales neoyorquinos, al poco tiempo haría su debut frente a las cámara con la serie para la televisión, ‘”La Ley y el orden” en 1991. Al año siguiente iniciaría su viaje en el mundo cinematográfico, con su extraordinario método, reconocibles tics, inquebrantable coraje y dolorosa vulnerabilidad. En sus primeras apariciones en la pantalla grande comenzó a convencer a más de un director ganándose ese respeto que imponía en cada una de sus interpretaciones.

Volviéndose un actor rentable, la mayoría de las películas en las que formó parte fueron éxito en taquilla y bien recibidas por la crítica internacional.

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Mantenía una maléfica elegancia que no sólo le fue digna de respeto, le valió una gran admiración de sus colegas en la actuación, del público y de un Oscar en 2005 por su papel como el escritor: Truman Capote, en la película homónima del personaje con el cual será recordado. Y más allá de la estatuilla recibida lo será por esa actuación magistral, dejando de ser el Hoffman que conocíamos un personaje secundario, en esta ocasión era el protagonista. Un papel que lo hizo arrasar con premios, elogios, llevándose entre sus manos el globo de oro, el BAFTA y el Screen Actor Wild, dando así el paso más grande para un actor, la consagración dentro de la cinematografía mundial.

Pero hablar de Philip Seymour Hoffman no sólo es hablar de Capote.

Nos ha dejado un legado actoral que desafortunadamente no podrá seguir haciéndolo crecer. Después del gran logro que le dejó Truman, fue llamado por los estudios Paramount para ser parte del elenco de lo que fue la tercera entrega de la saga de espionaje ‘Misión Imposible’ y aunque el cotizado Tom Cruise parecía robarse con anticipación las lentes de la prensa, fue Hoffman quien sería el aclamado por los fanáticos de la cinta de espías por la esplendida interpretación como Owen Davian, convirtiéndolo en uno de los mejores villanos en el cine.

Un gran ejemplo de que no es necesario tener el papel principal de una película para llevarse las palmas, nos lo demuestra en su papel como Paul Zara en la cinta ‘The Ides of March’ dirigida, escrita y protagonizada por George Clooney.

Aquí Seymour nos da la maestría nuevamente que ser actor de reparto tiene un gran mérito y se puede sobresalir cuando otros nombres predominan en el cartel.

Caracterizó diversos personajes como un obsesivo predicador; figuras comprensivas; matones; artistas sensibles; un inescrupuloso periodista de la prensa amarilla; un extravagante oficial de la CIA; homosexuales y un solitario pervertido sexual. Demostrando ser un actor en su perfección, no importaba la complejidad del papel, siempre sabía cómo interpretarlo y volverlo realista en un universo de ficción.

Su amplia filmografía nos hace ver la importancia que representaba para el mundo actoral, es difícil no nombrar cada una de sus películas sin mencionar lo que hizo Hoffman dentro de ellas. Siempre enfocándose en sacar lo máximo de su trabajo, no obstante lo hacía igual con sus vicios y su salud.

Philip se fue en la cumbre de su carrera. Dejó mucho camino por recorrer en su ámbito profesional y personal, pero a su vez dejó una gran carretera de aprendizaje para las futuras generaciones deseosas de incursionar en el mundo actoral, ya sea para cine o para teatro.

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por ERIC EDUARTE VILLA

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Si hay que buscar la poesía dentro del cine, hay que mirar al lado oscuro del corazón. No esperemos encontrar los más dulces versos para enamorar. El desamor y la nostalgia siempre nos brindarán las palabras más sutiles para sentir, para amar, para olvidar.

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De la mano del escritor uruguayo Mario Benedetti nace una de películas más románticas y oscuras. La cinta dirigida por el realizador argentino Eliseo Subiela nos introduce a los sitios más melancólicos donde el amor surge en los cabarets a la media noche. En esos rincones donde el humo del cigarro se mezcla con las luces rojas y hacen un baile exótico entre las sombras, ahí donde la melancolía se siente acompañada en medio de la soledad.

El personaje en este ambiente de cabaret es Oliveiro Girondo, un desterrado por un pasado amoroso y trágico, recurre constantemente a distintos labios buscando al ser que le acompañe sin pena, aceptando sus alas rotas. Oliveiro no quiere a alguien quien sólo lo satisfaga en el lecho de sábanas, cuando ha visto en ellas que no saben volar, las despide a través de una cama algo surrealista. A Oliveiro no le queda otra que asistir a los bares y burdeles de noche en busca de su compañía de viaje.

Tiene que ser ahí donde consigue ver a ese ser que deambula al igual que él.

Ana, una prostituta, es con quien Oliveiro decide volar. Pero no sólo es Ana quien se encariña del mismo Olveiro, sino la soledad misma representada por la muerte en el cuerpo de una bella mujer que intenta seducirlo con la misma sensualidad que cualquier otro amor de los lugares de seducción, un papel encarnado por la cantante argentina Nacha Guevara.

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El personaje de la muerte toma un gran sentido para Oliveiro, no lo sigue por quererlo, puede ser un ente que el mismo Oliverio guarda como alternativa en caso de no encontrar a la que vuela; como la misma muerte la hace llamar.

Un punto elemental es cuando la misteriosa mujer de negro le dice a Oliveiro: “¿Qué serías de vos sin mí?” después de que él la declara como un muerte puta, una muerte cruel.

Una oscura dama que acompaña a Oliveiro en prácticamente todo el film, una muerte enamorada del poeta y una maestra para mostrarle a Oliveiro que el amor es duro y cruel, le confiesa que intervine en casos de amor aunque a veces no sea justo. Le hace saber que el amor es una trampa para perpetuar la especie, un mecanismo como el trabajo que ella hace. Pero Oliveiro le hace mostrar que no es lo suficientemente débil como para pagar el peaje tan pronto hacia el destino de todos, ahora es él quien le hace saber que el amor puede vencer incluso la muerte, enamorándola a ella, de esa manera tan sutil y demostrarle que cualquier bolero es mucho más importante para la historia de la humanidad que la Marsellesa.

Esta cinta de 1992 no puede ser contada sin el mayor aporte para su creación, y es hablar del poeta uruguayo Mario Benedetti (1920-2009), que junto a sus colegas prestigiosos de América latina, los escritores argentinos Juan Gelman (1930-2014), Oliveiro Girondo (19811967) y el mismo director Eliseo Subiela, ograron dar una atmosfera melancólica y poética al guión.

Pero si hablamos de demonios con falda, no hay que llegar a imaginar que pueden ser de otro mundo paralelo, basta con amar y desear una chica viva. Oliveiro se da cuenta que al llegar a la gloria hay que bajar de ella, es el precio de enamorarse.

Cada uno tiene caminos distintos al otro y por más que se quiera ir en contra de eso no hay forma que así se contradiga.

La muerte le comenta a Girondo que le advirtió que saldría herido. Oliveiro busca hacerle entender que eso es el amor. El desamor nos parte el corazón y al herirlo lo crea, le da vida y sólo queda agradecer los buenos momentos que nos dejó, al final podría ser un consuelo. El lado oscuro del corazón no es tan vació como se ve.

Hay que mencionar que el nombre del personaje de Oliveiro Girondo nada tiene que ver con el poeta argentino colaborador del guión. El mismo Eliseo lo aclara al final de los créditos. Si nos parece excelente la interpretación de Dario Grandinetti con los poemas del escritor de ‘Táctica y estrategia´ sublime es el Cameo del mismo Benedetti recitando en alemán uno de sus propios poemas, ‘Corazón Coraza’.

La poesía; el amor y desamor; la nostalgia y la muerte, no podrían completarse sin un elemento esencial, y esto se refiera a la composición musical de Osvaldo Montes, que supo introducir la melancolía y el dolor en su pieza ‘El azul’ así como el ‘Saxo solo’ que remite a la profundidad del amor que es clara y oscura al mismo tiempo. Los boleros “Somos” interpretado por Lucho Gatica, “Algo contigo” y “La verdad Amarga” de la voz de María Martha Serra Lima junto a Trío los Panchos, le dan el toque bohemio a la película para complementar esta esencia de los cabarets, de los bares de seducción.

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por ERIC EDUARTE VILLA

“Trascender… lo más hermoso, lo más precioso es. Una trascendencia donde el fundamento será el amor, y siendo el amor el fundamento de esa trascendencia nunca andaremos por ahí parándonos el cuello sin un tanto usando la mascarilla, y al no usar la mascarilla ¿a qué nos va a llevar todo eso? -Pues a que seamos tan sencillos como debe ser, ¿y así tan sencillo soy? –Sí. Caminar por la avenidas de aquí de la ciudad de Durango, ir un tanto a las locaciones tan gozoso, tan regocijante, y de esa forma y de esa manera, proyectarnos ¿para qué más? un tanto así como conforme al hombre o ¿no?”.

Fue lo que nos respondió el actor mexicano Miguel Ángel Fuentes tras preguntarle qué sentía al encontrarse nuevamente en la tierra que busca trascender dentro de la cinematografía, visita que dio del actor de la película El cavernícola en una función especial de la Cineteca Municipal Silvestre Revueltas.

En la entrevista exclusiva para Cinéfagos nos siguió platicando de sus experiencias y retos dentro de las filmaciones, una de ellas en la película Fitzcarraldo de Werner Herzog.

“Al tener varias complicaciones esta película, se hizo primeramente un reparto, y ese primer reparto porque Mike Jeager tenía compromisos, junto a otro actor habían sido ya los protagónicos. Y hubo un tanto de dificultades por todo el efecto que tenía que hacerse para abrir un tanto la selva; y sin embargo una vez que se logra todo eso, todavía llevar un tanto hacía una pequeña catarata, un barco, pues también otro problema. Pero se dió un segundo reparto; puesto que ellos estaban en el primero y yo en el segundo, y qué maravilloso trabajar con este señor del cine de arte, Werner Herzog”.

Con una altura y corpulencia que no pasaba desapercibida y ese humor y carisma que le caracteriza a la hora de dirigirse al público, nos hizo ver la cinta del Cavernícola de una manera especial, donde se quedó hasta al final de la proyección para agradecer y despedirse de manera personal de cada uno de los cinéfilos presentes.

Haciéndonos saber que una película puede ser una medicina para obtener la tranquilidad y felicidad a través de este tipo de filmes. Con una amplia filmografía en cine se encuentran en su haber como actor las cintas Cuchillo, Mi amigo Winnetou, Divinas palabras, Manaos, Te sigo esperando y La ley de Herodes; en la TV cuenta su participación en varias telenovelas y series como El Pantera, por mencionar alguna.

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Cuando se es cinéfilo, uno busca

La

compartir su pasión, su gusto por el

exhibiciones a la semana, es de

cine; hacer que otras personas se

hacer los ciclos mensuales con mayor

adentren y se pierdan en la fantasía,

variedad de títulos cinematográficos,

en los mundos y universos increíbles

pero

que sólo existen en ese rectángulo

espacios artísticos y salas de cine en

mágico de color blanco y que al

la ciudad de Durango bajo el mismo

apagarse las luces, cobra vida.

formato

Apenas

en

2013

en

la

capital

duranguense nació la inquietud de proyectar películas y crear charlas con los asistentes de tal manera que lograran apreciar el arte, enfocándose y

arrancando

desde

el

lenguaje

audiovisual.

Al poco tiempo ese sueño pasó a ser realidad, al crearse el Cine Club Korova. Con más de 80 funciones en año y medio desde que se inauguró, distintos cafés han sido hogar del

idea

de

más

tener

que

de

un

nada,

ver

par

llenar

la

de

de

cinta

e

inmediatamente pasar a la mesa de análisis y debate, ya que es ahí donde se enriquece y retroalimenta el sentido

de

la película

expuesta,

haciéndose acompañar de bebidas, en este caso vinos y cerveza.

La mayoría de las cintas a exhibir en el bar se enfocarán en tener un alto criterio, llevándonos

al

cine

con

temáticas etiquetadas como un tabú, siempre que sean películas que estén consideradas como obras artísticas.

cine club y recientemente adquirió

Y no sólo es abrir un lugar más para

doble sede, donde ahora se proyecta

proyectar

cine dos veces a la semana.

también es ir dando apertura a más

Su más reciente punto de proyección se encuentra en el Bar Cultural “La Peña”, que además de continuar con las funciones en Cinco Café cada miércoles, los viernes es el día de volver a Korova pero en esta ocasión en un bar.

cine

espacios

de

donde

proyección

a

otros

se

países,

pueda

cortometrajes

dar y

largometrajes realizados por gente del

estado,

así

como

material

audiovisual de donde venga y que carezca

de

distribución.

una

posibilidad

de

cinéfagos alimentándonos del séptimo arte

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LOS

HĂ MSTERS familias vemos, integrantes no sabemos por ARTURO PERALES

¿Quien diría que de cualquier hogar de nuestro peculiar país pudieran salir buenos y por demás entretenidos guiones para una película? Esto lo deja ya bien confirmado el joven director tijuanense Gilberto González Penilla en su largometraje Los Hámsters, en donde hay tantos protagonistas como integrantes de esta por demás común familia de una Tijuana que por fin habló para decirnos que no solo es la frontera que solíamos conocer.

La historia comienza con el sonido del despertador desde muy temprano, entre peleas por el baño y saqueos de dinero a los pantalones del marido. Rodolfo y Beatriz, padres de Juan y Jessica, son los cuatro puntos cardinales de esta divertida brújula familiar desorientada, que con un exagerado cinismo nos divierte antes de reprenderla por temas como la desunión familiar. Pero, ¿por qué nos reímos con Los Hámsters?, acaso porque hemos escuchado eso que dicen: “el que solo se ríe, de sus diabladas se acuerda”. ¡Y es precisamente eso!, que a través de esta película, más de uno nos vimos reflejados en este monólogo cinematográfico.

Una vez mas por medio del cine, fuimos honestos al aceptar con nuestras risas que estudiamos en los camiones antes de los exámenes, que nos negamos el uno al otro cuando alguien tuvo que estar en la escuela y el otro en el trabajo, que no realizamos nuestros pagos a tiempo y que estamos preocupados porque la paternidad nos llegó entre pintas y churros de mota. Pero, ¡Qué importa ya todo eso! no le debiera preocupar a esta singular familia, ya que como terminó un día acabará el otro, con batallas contra la edad de Beatriz, empeños de prendas de Rodolfo, teléfonos táctiles de Jessica, porros de Juan y apagones en la cuadra.

Una cinta fresca y esperanzadora, al darse cuenta que esta nueva oleada de cineastas mexicanos no se están rompiendo la cabeza con temas complejos y también apuestan por historias sencillas, y con esto, dejando cada vez más atrás esa vieja crisis del cine mexicano que eran los guiones. Los Hámsters nos hace el día, es como un dulce recreo mental hogareñamente cotidiano.

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Cine Recomienda

QUEBRANTO: ¿EL ENGAÑO O LA REALIDAD? por ALEJANDRA ARELLANO

Existe la creencia en el imaginario colectivo que, cuando hablamos de documental, lo que está delante de nosotros es la realidad. Sinduda alguna lo es, pero no la "realidad" entendida como "lo real".

Si el cine documental es una suerte de equilibrio entre lo que es y lo que no es, en Quebranto el discurso es todavía más complejo. Para empezar la protagonista, Coral Bonelli, es un personaje de ficción que se volvió la realidad de Fernando García, quien por años ya desempeñaba el rol de un personaje externo a él, es decir, otro personaje: Pinolito.

Y aún antes de esa realidad de niño actor del cine mexicano estuvo Raphael, sí, el cantante, el cantante imitado por el pequeño Fernando, quien junto a su madre Doña Lilia, mejor conocida como Doña Pinoles, viven la ficción que ahora es producto de la docuficción construida en Quebranto.

Dentro de este entramado de ficciones Roberto Fiesco juega a crear una realidad, a hacer pensar a Coral a imitarse, a disfrazarse de él como cuando era hombre, pero también a jugar una vez más a que el intérprete de "Mi gran noche", y de paso dar un cerrojo puntual a toda una película dentro de un documental con la afirmación más contundente: "así es la vida".

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el espacio del

por ALEJANDRA QUIRIARTE// estudiante de Psicología

H E L I

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ĜÕŃÒŌÑ ÑŒMǾPÑ ØÞÑ ŇÑ ÞŌMÖ MŌÑǾM ficticia te muestra la realidad y es así como dentro del programa Cineclub Universitario UJED en el museo del Aguacate se proyectó la película ganadora del Ariel a mejor dirección HELI, llevando a sus espectadores de un extremo a otro y dejándoles un sentimiento de emociones encontradas. Y no es algo de lo cual deberíamos sorprendernos, ya que la película es una cinta explícita y violenta, que muestra la cruda verdad a la que lamentablemente en el estado de Durango y en la república Mexicana nos hemos acostumbrado tanto a ver como a vivir.

Esta cinta nos muestra una ficción escalofriante, un retrato de la violencia gracias a las bandas de narcotraficantes y es por eso que las reacciones de los asistentes eran de esperarse. Al finalizar la proyección de esta controversial cinta se tuvo la participación del crítico de cine Eric Villa, quien compartió su punto de vista sobre esta cinta y debatió con los espectadores el mensaje que proyectaba.

La mayoría coincidió en que era una película bastante fuerte de

contenido y que tal vez no era necesaria tanta violencia y ser tan explícita, sin embargo es lo que la hace especial, el que muestre de una manera cruda la realidad y que muchas personas se identifiquen con ella como bien dijo el coguionista Gabriel Reyes “hay mucha más violencia gráfica en los medios de comunicación” y debería no ser tan alarmante el hecho de que se presente una historia más controlada que deje un mensaje a la sociedad, en lugar de alguna noticia en que sólo se llene de pánico o miedo a la sociedad. Entre los temas más mencionados fue el narcotráfico, la corrupción, el abuso de poder y la sensibilidad del director hacia dichos temas.

Al finalizar la sesión concluyó con los comentarios de todos los espectadores y sus puntos de vista al igual que la retroalimentación de las dudas o preguntas que se le hicieron al crítico Eric Villa, quien respondió y resolvió las dudas de los espectadores y de una manera muy atenta compartió con ellos la experiencia de entrevistar al director de la película Amat Escalante, dejando un muy buen sabor de boca.

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GRAVITY una experiencia vital por FERNANDO TEODORO

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Ver Gravity del cineasta mexicano Alfonso Cuarón es una experiencia vital. La trama es sencilla: dos astronautas, Ryan Stone (Sandra Bullock), quien se encuentra en su primera misión espacial, y el experimentado Matt Kowalsky (George Clooney), quedan varados en el espacio después de una serie de infortunios, a partir de eso su deseo de supervivencia y su lucha contra lo que parece inevitable se vuelve el eje de la película. Con una duración de hora y media Gravity centra todo su potencial en la acción.

La profundidad de los personajes no radica más allá de crear empatía por el deseo natural del hombre por la supervivencia, y es aquí dónde está uno de los puntos fuertes y por los cuales Gravity conecta con los espectadores, el guión es sencillo pero reflexivo en la medida del punto de vista del espectador. La actuación de Sandra Bullock cumple de manera aceptable con lo que el personaje requiere, al igual que George Clooney, lo anterior responde a la falta de profundidad en el guión, pues éste es plano y con una narrativa lineal.

La fotografía corrió a cargo de Emmanuel “El chivo” Lubezki, y éste crédito es importante y más aún en una película como ésta que tiene un corte narrativo, sí clásico, pero también totalmente nuevo. La forma en que Lubezki diseño la manera de filmar es algo innovador, primero se creó toda la animación digital, después se insertó a los actores y

mediante luces leds se proyectó sobre ellos el ambiente animado; de tal manera que el entorno correspondiera a lo que se había diseñado. Y para que esto resultará como lo vemos en pantalla, los actores memorizaron muchísimas coreografías y las ejecutaron a la perfección para que no hubiese el más mínimo error con la animación previamente hecha.

Cuarón juega con el lenguaje cinematográfico y con el espacio sin gravedad para hacer del 3D una experiencia única, por encima de las bases puestas en estos últimos años.

Cuarón explota la tecnología a tope junto con el lenguaje narrativo clásico. Prueba de ello es el plano secuencia inicial de 13 minutos, simplemente fascinante, apabullante, portentoso lo mejor que hemos visto en mucho tiempo. No hay un solo corte y la cámara pasa de ser tercera persona a ser primera y de ahí a convertirse en la visión del espectador y así convertir al visor en un ente más del espacio. La música coordina a la perfección.

Sin duda ver Gravity es una de las mejores experiencias que se pueden tener como audiencia, yo diría que es apabullante, y tal vez esto sea lo mejor de la cinta. Pocas veces se siente necesario ver una película en 3D, ésta sin duda lo es. Ya que está intencionada totalmente para que la audiencia la vea en una sala IMAX o 3D, desgraciadamente perderá su valor fundamental si el espectador la ve en un convencional 2D.

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Se llevó a cabo la segunda edición de la muestra de cortometrajes Paloma Itinerante, la cual tiene como único objetivo difundir el cine que se hace en Durango por propios duranguenses. En esta ocasión fueron seis trabajos de cuatro directores diferentes los cuales fueron exhibidos en el Museo del Aguacate, el corredor Constitución y el Cineclub Korova. ÚSAME Centrado bajo la temática del thriller y el suspenso, y bajo la oscuridad de un Durango que no solemos ver, Úsame, de Fernanda Simental, trabaja la venganza como punto nodal de una ciudad en donde cada personaje encierra un personaje inesperado.

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INSTINTO También bajo la dirección de Fernanda Simental, Instinto es un diálogo interno sobre nuestra condición como seres de este mundo y el rol que debemos desarrollar en la vida, en donde incluso ser un monstruo puede ser nuestro destino.

En este cortometraje se maneja un equilibrio delicioso entre el terror y la reflexión.

UN CUENTO LLAMADO MARTINA Una idea puede aparecer desde la más mínima acción, y un detalle en las manos correctas puede convertirse en una obra de arte. Un cuento llamado Martina, del joven director Erik Camarillo, es una invitación al juego de ironías entre un anuncio de revista, el amor de un ser aparentemente inferior y el uso lírico en la narrativa audiovisual.

LAS PALOMAS En pleno Siglo XXI nuestra sociedad no termina por abrirse a la diversidad.

Homosexuales, Trangénero, bisexuales, lesbianas y transexuales siguen siendo vistos como perversiones por quienes se autonombran como “normales”. David Rodríguez Estrada documenta en Las Palomas el testimonio de aquellos que no reclaman una pertenencia, sino que evidencian aún más su existencia.

SURIPANTA Si algo ha caracterizado a David Rodríguez Estrada es su fluidez para tratar temas tabú, pero también de impacto social. Radicado en Los Ángeles, David ha tenido la sensibilidad de dejarnos en Suripanta una historia sencilla pero dolorosa, donde la búsqueda del ser amado puede ser solo el final del camino.

BLANCO POLAR RADIANTE Por medio de la documentación Blanco Polar Radiante, de Andrei Maldonado, plantea responder algunas cuestiones: ¿qué es el amor? ¿por qué le permitimos a alguien habitar nuestra memoria? y ¿qué hay del otro lado del amor? La respuesta, obviamente, nunca llega.

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UMA DE SUÁREZ la filosofía de las pasiones musicales por ANDREI MALDONADO fotografía CARLOS DE LA BARRERA

Parafraseando a Hegel podemos decir que Dios está en la música ya que esta, en todo sentido, es un acto sagrado, sanador y elevado, por el cual las personas no solo experimentan una catarsis, sino también un vuelco, un regocijo.

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En la escena local duranguense pocas veces encontramos apuestas como las de Uma de Suárez, una agrupación que combina a la perfección la experiencia de cada uno de sus integrantes y el nervio en el estómago de tocar por primera vez en cada recital.

¿CÓMO NACE EL PROYECTO, CUÁNTO LLEVAN TOCANDO? El proyecto nace en la ciudad de Durango, la banda como tal tiene varios años de antigüedad. En un inicio el proyecto estuvo formado por tres integrantes, los hermanos Alcántara y Carlos Carrillo Ruvalcaba (ex miembro de la banda), quien tocaba el acordeón. El sonido que generaban comenzó siendo experimental, con toques de folk y sonidos electroacústicos.

A finales del 2013 Carlos Carrillo abandona la banda, razón por la que Orlando y Daniel deciden invitar a nuevos músicos para seguir con el proyecto. Para inicios de febrero del 2014 Inés se une a la agrupación y, poco después, Roberto. Con este cambio, el sonido de la banda también se regeneró y se convirtió en lo que hasta el momento hemos llamado Trip-Hop Abstract. ¿POR QUÉ LLAMARSE UMA DE SUÁREZ? "De Suárez"... Ese apellido nunca me ha sonado como tal (Orlando).

Primero fue 'De Suárez', pero luego nos dimos cuenta de que Luke Castillo tenía una banda llamada igual, entonces Dany propone que le pongamos Uma De Suárez, por Uma Thurman, de quien es admirador. ¿QUIÉNES INTEGRAN LA BANDA? Inés Del Palacio Montiel (voz y guitarra), Roberto Díaz (bajo), Daniel

Mijares [Daniel Alcántara Bedolla] (guitarra y sintetizadores) y Orlando Alcántara Bedolla (batería y percusiones). ¿BAJO QUÉ DEFINEN?

GÉNERO

SE

Lo que Uma De Suárez hace es, sin duda, una mezcla, una síntesis de un montón de música que hemos escuchado y que nos agrada. En sí nos gusta definirlo como 'Trip-Hop Abstract'. Hay toques del trip-hop, el rock alternativo/independiente, el hiphop, incluso el dream pop. ¿CÓMO HA SIDO LA EVOLUCIÓN DE UMA DE SUÁREZ? Como mencionamos en la primera pregunta, la banda ha pasado por dos etapas. Esta es una nueva etapa y estamos enfocados en ella, en el presente. La llegada de Inés cambió por completo el sonido de Uma de Suárez, aportando riqueza melódica y lírica, mientras que el bajo le dio fuerza y estabilidad, transformando y re-definiendo totalmente el estilo.

Orlando y Daniel han re-definido también sus fórmulas, que ahora son mucho más elaboradas y cuidadas.

Dany, por ejemplo, tiene mucho cuidado con la riqueza armónica de nuestras piezas, mientras que Orlando le da sonoridad y orquestación. Cada uno va aportando pequeños toques a esto para que la pieza quede terminada y nos satisfaga.

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Además del sonido, está el plano personal, y podemos decir que nos encontramos en un punto importante para todos, creemos que es el momento preciso para hacer algo juntos y nos alegra habernos, de alguna manera, encontrado para ello.

Todos tenemos tiempo en el ambiente musical, haciendo diferentes cosas, pero ha sido muy grato el darnos cuenta de lo bien que nos llevamos y lo mucho que congeniamos al hacer música. Se siente una química muy padre, muy respetuosa y sobre todo muy motivadora, porque todos tenemos mucho talento. Ahorita estamos simplemente enfocadísimos, hemos estado grabando y tocando mucho.

Recientemente abrimos nuestro canal de soundcloud (estamos como Uma De Suárez) y estamos comenzando a subir algo de nuestro trabajo.

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¿CUÁLES SON SUS PRINCIPALES INFLUENCIAS, TANTO MUSICAL COMO LÍRICAMNETE? ¿Y VOCALMENTE? Musicalmente son variadísimas. Van desde la música clásica, pasan por el rock clásico, hasta el rock contemporáneo, sobre todo alternativo, rozando géneros como la electrónica, el progresivo, lo experimental y llegan hasta la música popular, como los ritmos latinos o el folk. Algunas de las bandas que más han influenciado a Uma De Suárez son Radiohead, Cocteau Twins, Portishead, Bjork, Caifanes, La Barranca, NIN, Joe Cocker, The Mars Volta, entre muchas otras que no sólo han influenciado sino que inspiran a la banda. No ha sido la música su única influencia e inspiración, también la literatura y el cine.

- (Inés): en cuanto a las influencias líricas y vocales, yo tengo un gusto muy fuerte por la poesía, de hecho escribo. Suelo enfocarme mucho en mis sentimientos y generalmente parto de ellos para comenzar a escribir, luego voy retomando elementos que están en el paisaje, en las personas que me rodean. Algunos de mis escritores favoritos son Eduardo Lizalde, Whitman, Arthur Cravan, Pizarnik, Storni, Sabines, Paz, entre muchos otros. Con excepción de Whitman, que era más romántico, y Paz, que tenía un estilo un tanto diferente, creo que me identifico y me parezco mucho a este tipo de escritores, algo melancólicos y existenciales.

Obviamente no solo me inspiran escritores, también otros músicos, como Robi Draco Rosa, por ejemplo, él también es poeta, un excelente cantautor y músico. Vocalmente, hay algunas grandes influencias en mi vida. Te diré que una de las voces que me marcó, siendo una adolescente, fue precisamente la de Beth Gibbons, de Portishead.

Recuerdo que un amigo me prestó un DVD con algunos de sus vídeos, escuché primeramente 'All Mine'; es un video en b&n donde aparece una niña "cantando". Me impactó la voz que escuché.

Otra gran voz es la de Bjork, y no sólo su voz, es su estilo simplemente.

Me parece una mujer totalmente aventada, talentosa y vanguardista,

ella me inspira. Y bueno, diré que hay muchas voces que me enamoran, pero mencionaré a una más: Elizabeth Frazer, vocalista de Cocteau Twins. Conocí a esta banda en la prepa y me clavé profundamente en su sonido, hasta hoy sigo obsesionada. Su voz es la más hermosa de todas y, curiosamente, esta banda creo que representa los cimientos, los antecedentes del trip-hop. ¿QUÉ IMPRESIONES HAN PODIDO CONSTATAR EN EL PÚBLICO DURANTE SUS PRESENTACIONES? En general hemos recibido buenas respuestas, la gente suele guardar silencio y poner mucha atención, a varios les agrada, recibimos comentarios positivos, tanto en persona, como en redes sociales.

Incluso en otros estados de la república ya hay gente que está escuchando nuestra música y les agrada, incluso la comparten. A algunos les gusta la música, que es calmada, pero mantiene toques de intensidad, a otros las letras...

RECIENTEMENTE COMPARTIERON ESCENARIO CON KINKY ¿CÓMO FUE ESA EXPERIENCIA? Fue un gustazo abrir escenario para Kinky, es una banda consolidada y eso nos motiva a dar lo mejor. Lo disfrutamos.

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¿CUÁNTAS CANCIONES TIENEN GRABADAS Y DE QUÉ HABLAN? Hasta la fecha contamos con 6 canciones de nuestra autoría, tres de ellas forman parte de un proyecto de grabación organizado por el Instituto de Cultura del Estado de Durango (ICED), mismas que fueron producidas por Luke Castillo (productor y músico tapatío), y tres más -parte de nuestro próximo disco de larga duración- producidas por Carlos De La Barrera (productor duranguense).

Estamos componiendo, así que próximamente serán más.

Nuestras canciones hablan de temas comunes, sobre todo sentimientos, algo que todos hemos experimentado. El amor, la muerte, la tristeza, la melancolía, el vacío.

'Border' y 'Ensueño' son dos de nuestras primeras canciones, ambas están inspiradas en el amor perdido, en el 'quiebre' de una relación.

Ensueño, de dos párrafos, habla del des-balance posterior a una ruptura.

Border es un juego de palabras y sonidos que nos habla de la inestabilidad que puede existir en el amor, sus extremos y la delgada linea que separa todo. 'There's not Place For Us' es una rola en la que colaboró Stoner, un excelente rapero duranguense, y hay una mezcla entre temas sociales y personales, por ejemplo la ausencia de su padre y, al mismo, tiempo la rivalidad que impera en la sociedad, la lucha por el

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dominio. 'Prayer' es una rola muy íntima y fuerte, está dedicada al padre de Inés, quien falleció recientemente y es también un juego de palabras que oscila entre una plegaria y un reclamo. Nuestra última rola grabada aún no tiene nombre, pero está inspirada en el dolor, en aquellos momentos oscuros por los que todos atravesamos, sentimientos que son difíciles de mencionar y afrontar, como el vacío. ¿QUÉ PROYECTOS TIENEN EN PUERTA? Nuestro proyecto a corto plazo es seguir componiendo y grabando para terminar nuestro LP. Estamos también por grabar un videoclip, en cuanto lo tengamos listo lo subiremos a la red. Viene un toquín próximamente en Zacatecas, andamos preparándolo y esperamos poder seguir moviéndonos en el interior de la república, igual que en Durango.

UMA DE SUÁREZ Inés Del Palacio Montiel (voz y guitarra), Roberto Díaz (bajo), Daniel Mijares [Daniel Alcántara Bedolla] (guitarra y sintetizadores) y Orlando Alcántara Bedolla (batería y percusiones).

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