Cinéfagos - Número 16 by Cinéfagos

No. 16 jul.-ago. 2015 Edición Bimestral

Alimentándonos del séptimo arte

Edición especial

7mo Festival de Cine Mexicano de Durango -Los ganadores -Los talleres -Las películas en competencia -Las Críticas -Actividades paralelas

Además: -Semana del cine mexicano Entrevistas: -José Elo -Josián López -Luis Arrieta Especial: -El cine de Spielberg

Editorial Alimentándonos del séptimo arte

Somos hijos del... festival DIRECTORIO ¿Cómo olvidar el día en que Cinéfagos fue presentada a la luz pública? Fue un 4 de junio de 2013, justo un día antes de celebrarse la quinta edición del Festival del Nuevo Cine Mexicano. Ahí, compartiendo mesa con el realizador duranguense David Rodríguez Estrada y el coordinador del certamen Christian Sida Valenzuela, su servidor y mi compañero Eric Villa, con más dudas que respuestas, mostramos por vez primera aquellas incipientes páginas que soñaban con ser una revista. Fue en esos días calurosos de verano donde Cinéfagos gozó de cubrir una premier, entrevistar a actores, directores y productores de calidad internacional y, sobre todo, saberse generadores de nuevo contenido, un contenido enfocado al séptimo arte, precisamente en la llamada “tierra del cine”. Pero no fue sino hasta vuelta de año, el 5 de junio de 2014, que el proyecto por fin parecía tener alas y desplegarlas con todo su esplendor en el sexto Festival. Acompañados esta vez por el subdirector de la revista Cine Toma, Sergio Raúl López, del aclamado cineasta duranguense Juan Antonio de la Riva, y nuevamente de Christian Sida, el equipo editorial de Cinéfagos mostró la cara esta vez como un formato completamente digital, cuando se había iniciado como medio impreso. Y no solo eso, pudimos dar a conocer nuestro trabajo a nivel

nacional gracias a la difusión hecha por el IMCINE. Hoy, que la revista celebró más con trabajo que con fiesta su segundo año de vida durante la séptima edición de la fiesta del cine, es que nos damos cuenta de que más que echar las campanas al vuelo el trabajo recolectado nos obliga a entregar mejores productos. Sin embargo no está demás revivir la nostalgia sobre lo que ha dejado el Festival de Cine Mexicano a los duranguenses, como espectadores, críticos, realizadores y generadores de contenidos. Porque sin duda alguna Durango ya no vive sólo de su nostalgia western, poco a poco despierta verdaderamente como la tierra del cine, y en gran parte se debe a que ya se tiene una fecha oficial donde se puede entrar en contacto con lo mejor, lo actual, del cine de nuestro país. Porque además de forjar audiencias se le está dando espacio a los jóvenes realizadores. Muchos crecerán como hijos del Festival, nosotros, uno de ellos.

Director General Andrei Maldonado Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa Colaboradores Seth Álvarez Juan José Ortiz Denis Ricalday Johnatan Juárez Bárbara Gómez Arturo Perales Oscar Palomares Eduardo Campos Fotografía Roberto Cárdenas Daniela del Palacio Ruth Rivera Fotografía externa Cortesía Diseño Andrei Maldonado

www.revistacinefagos.blogspot.mx

Andrei Maldonado /revistacinefagos

@revistacinefagos

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Contenido

ADEMÁS

FCM... 3 MARTHA HIGAREDA ...25

Taller de crítica cinematográfica... 9 La danza del hipocampo... 10 Filosofía Natural del amor... 11 Matria...13 Me quedo contigo...15 Made in Bangkok... 17 Asteroide... 18 Los Muertos... 19 Josep Renau... 21 Deliberación de la crítica... 23 La nuca desnuda de Olivia... 24 Cenicienta Rota.. 33 Semana del cine mexicano... 35 José Antonio Elo... 39 Josián López... 43 Luis Arrieta... 47 Magnolia... 49 Steven Spielberg... 51 Diente de León... 55

por ERIC EDUARTE VILLA

LA NUEVA CATEDRAL DEL CINE MEXICANO

Fue un abril de 2009 cuando en Durango nacía el Festival de Cine Mexicano. Este año la séptima edición cumplió con las expectativas esperadas.

fotografía ROBERTO CÁRDENAS

Empezó

aquel

certamen

como

una

promesa para posicionar a Durango nuevamente en el mapa cinematográfico como lo había sido durante la época en que John Wayne le mostraba al mundo ese cielo azul del Viejo Oeste, de esa ciudad que vio nacer a grandes estrellas del séptimo arte como Dolores del Rio, Andrea Palma, Julio Bracho, Ramón Novarro, Silvestre y José Revueltas, entre otros. Aquella primavera de hace siete años Durango volvía a encender el proyector no para ver una película gloriosa de vaqueros, sino para darle apertura y oportunidad al cine nacional. Este año la séptima edición cumplió con las expectativas esperadas. Los jóvenes que habían estado presentes en las más recientes versiones del certamen no escondieron su ánimo por el arranque de la fiesta cinematográfica. Entonces llegó el día esperado, el 10 de junio, y la inauguración fue un desfile de flashes de cámaras

cinéfilos

que

buscaban

llevarse un recuerdo a casa con la presencia de la actriz Martha Higareda y de los actores Luis Felipe Tovar y Rafael Inclán. La fiesta apenas comenzaba. Los días siguientes se enfocaron a las exhibiciones de las producciones en fotografía ROBERTO CÁRDENAS

competencia, cortometraje

tanto

nacional,

largometraje, así

selección “Hecho en Durango”.

como

Los talleres de capacitación también tuvieron

una

gran

convocatoria,

llevándose así la preparación para las áreas de actuación, guión, crítica y producción. La maestría de los talleres corrieron a cargo de la actriz Mónica del Carmen

cinematográfica,

taller la

actuación

enseñanza

para

llevar una idea a la pantalla fue obra de la guionista Sofía Gómez Córdova, quien también

fungió

como

delegada

del

Jurado Joven; la responsabilidad de llevar

los

jóvenes

una

mejor

apreciación del cine a través de la crítica fue de Erik Estrada y el taller “¿Cómo hacer cine con bajo presupuesto?” fue impartido por el director guatemalteco Julio Hernández Cordón. El festival no podía dejar de realizar un homenaje a uno de los directores de cine más grandes de la post-época de oro del cine mexicano, el director aragonés Luis Buñuel, que este 2015 cumple 115 años de natalicio. En la representación de este homenaje viajó desde Calanda, España (misma ciudad donde nació Buñuel) el director de cine y promotor cultural Javier Espada, siendo actualmente director y fundador del Centro Buñuel de Calanda. Su presencia no solo abarcó una charla, también fungió como Jurado Mayor del festival junto a Mónica del Carmen, Julio Hernández Cordón y el director ganador

fotografía ROBERTO CÁRDENAS

del Festival en 2014 Ricardo Silva.

Pero Buñuel tenía algo más que ofrecer a este festival y fue que entre todos los premios ya previstos para las cintas en competencia la esencia del director aragonés, bajo la influencia carismática de Javier, invitó y provocó la incursión de un nuevo premio para el Festival, el premio Casa Calanda, que galardonó a una de las películas de la selección oficial. Sobre el cierre del festival se dio la charla con los directores de cada uno de los largometrajes y cortometrajes nacionales, compartiendo sus visiones con los asistentes, consiguiéndose así una

comunicación

entre

creador

espectador. Llegada la tarde del 14 de junio las nostalgias

aparecían

participantes

entre

cinéfilos,

pues

los se

despedía una edición más del Festival de Cine Mexicano. Sólo quedaba ver partir la fiesta con la premiación de las películas,

donde

estuvo

mayormente

concentrada la expectación del público. Y fue el Javier Espada quien se encargó de clausurar el festival presentando su documental Tras Nazarín, una obra que se quedará para la posteridad, un trabajo bien

realizado

que

reúne

grandes

directores de cine, músicos y demás artistas sobresalientes tanto de España y México, un material histórico sobre lo que fue la cinta Nazarín de Luis Buñuel.

fotografía ERIC EDUARTE VILLA

A la hora de los premios colegas, amigos y realizadores enfrentaban este festival con sus propuestas cinematográficas, que desde la función de presentación de los cortometrajes duranguenses mostró un lleno total para apoyar a estos jóvenes que demostraron gran ímpetu por sobresalir en el mundo del séptimo arte y sólo uno de ellos se llevaría la gloria de este año, misma que fue para la joven Pamela Velázquez, que con Ni aquí, ni allá se proclamó ganadora, mientras que Come and see, realizado por el cineasta y teatrista José Ángel Soto

Favela,

recibió

una

mención

honorífica. Fue Artemio Narro quien conquistó la noche al llevarse el premio a la mejor película del festival con su cinta Me quedó

Contigo.

Jurado

Joven,

integrado por jóvenes de la localidad, tras una reñida deliberación otorgó el premio a Filosofía natural del amor de Sebastián

Hiriart.

premio

Casa

Calanda se lo llevó el documental Matria de Fernando Llanos y el público se dejó encantar por el documental Made in Bangkok del director Flavio Florencio, quien

recibió

también

una

mención

honorífica del jurado. Así terminaron cinco días de fiesta, que con tantas fotografía DANIELA DEL PALACIO

actividades, cada uno de ellos se hizo largo, lleno de cine aquí y allá.

Taller de Crítica Cinematográfica con Erik Estrada El crítico de cine y director del sitio web Cinegarage.com Erik Estrada impartió por segundo año el Taller de Crítica Cinematográfica del Festival del Nuevo Cine Mexicano. Los siete largometrajes en competencia fueron analizados por siete jóvenes, quienes a su vez generaron los textos que a continuación se presentan.

fotografía ROBERTO CÁRDENAS

LA DANZA DEL HIPOCAMPO

UN ABUNDANTE COLLAGE EMOCIONAL por BÁRBARA GÓMEZ Arrecifes de coral que entretejen remembranzas , vetustas y bien seleccionadas cintas pertenecientes a un “yo” asiduo a la recolección de datos familiares y algunos viajes en el tiempo a través de una retórica personal que intenta sumergirnos en el recuerdo de Gabriela Domínguez Ruvalcaba. La danza del hipocampo es un ejercicio íntimo y circular que nos comparte un proceso catártico de entendimiento detallado de las misteriosas formas en que actúa la memoria. Para lograrlo Domínguez Ruvalcaba recurre a una serie de metáforas que se encargan de comparar el antes y el después, dejando ver lo oscilatorio de la vida. Estas imágenes se acompañan de una voz que resalta la melancolía familiar y quizá nos aleje de lo que podría ser un recorrido poético. La narrativa se extiende en apreciaciones personales que intentan generar empatía en el receptor, buen recurso siempre y cuando se cumpla. La película plantea diversos cuestionamientos no resueltos que tienen que ver con la relatividad tiempo – espacio en función del individuo y su recuerdo , el cine y la fotografía como mágicas herramientas que pueden usar la memoria para poderse autoconstruir sin importar o no la supuesta objetividad de una “realidad vivida” a una registrada. Estos planteamientos sumados a un abundante collage emocional que Gabriela ha ido atesorando, anhelan hacernos danzar al ritmo de su hipocampo pero tanto fue el ensimismamiento que olvidó que no todos danzamos al mismo compás.

FILOSOFÍA NATURAL DEL AMOR

¿CÓMO ES EL AMOR? por DENISE RICALDAY

¿Cómo es el amor? es una pregunta que difícilmente planteamos, no hay respuesta satisfactoria ante esta cuestión que pareciera sumamente complicada, y es que en el amor y en la vida todo es cuestión de filosofía.

ĞÒÕŎŒŎŅW MŌMPÞǾMÕŇÑÕMÖ ŎǾes una película de Sebastián Hiriart que trata de un tema universal desde una perspectiva socio cultural actual. Es una obra que invita a la reflexión crítica en torno al sentimiento de amor como un ámbito meramente sexual. Esto la hace sumamente estimulante. El montaje proyecta situaciones no lineales que plantean de manera ágil y encuadra los extremos de las relaciones humanas: amores ocultos, rencores, doble moral y “visiones amorosas” de la época que nos acontece. Se manifiesta al amor como capricho de algunos días, una relación ligera, sentimientos que no se acompañan de aprecio, se le expone como costumbre fría, como un gusto que le sigue un rápido y exagerado disgusto, como un arranque a la ceguera de la razón. ¿Será que Hiriat pretendió manejar al amor como algo conductual y no como un valor universal? La cinta se apoya con imágenes de insectos en pleno coito. Destacan escenas de la mantis religiosa y su “canibalismo erótico” para justificar el trasfondo: el humano como un ser meramente instintivo y no consiente. Ante este planteamiento, algunas escenas son oscuras y otras tantas muy obvias. Hiriart trabaja con tres elementos evidentes: las cuatro situaciones de parejas narradas simultáneamente, historias que por sí solas no funcionarían pero que en conjunto le da al

largometraje un resultado oportuno. Las entrevistas a parejas “reales” exponiendo su relación y destacando conductas de dependencia y manipulación emocional y las grabaciones de insectos copulando. El director presenta una película en la que acertadamente vemos al amor como una imperfección pero en la que las conductas llegan a transgredir a la moral. La historia del hombre que se enamora de la niña, como ejemplo equivocado de un amor triunfante que pasa por alto cualquier prejuicio. En el aspecto socio-cultural, el largometraje resulta preciso. La tensión se incrementa conforme avanza la proyección y sus diversos desenlaces no son decepcionantes, si no que le resultan al espectador bastante complacientes, de ahí que el proyecto cumpla con las expectativas. Hablar y escribir respecto al amor es difícil, a pesar que todos hemos llegado a experimentarlo de alguna manera. Sin embargo, Hiriart falla en el alcance que pretende darle a la película saturando con historias independientes donde solo una de ellas resulta “triunfante” y cae en lo promiscuo. El amor no ha sido siempre el mismo: las costumbres, la cultura, el tiempo, lo han matizado y han hecho que cambie de rostro. Sin embargo, y ante cualquier hipótesis o argumento, el amor como sentimiento no duele, no destruye… no falla. ¿De dónde viene nuestra idea moderna del amor como una pasión trágica?

MATRIA

LA PERRA SANGRE QUE EDIFICÓ UN PAÍS por ÓSCAR PALOMARES La novela autobiográfica Canción de Tumba, de Julián Herbert, aborda – entre otras cosas- la vida de su madre: ella fue prostituta y padecía leucemia. Parte de la obra fue escrita al lado de la cama de hospital donde la Condenada Maldita –como la llamaba Juana, abuela del autormoría a diario mientras odiaba el hecho que su hijo, al único a quien gritó “tú ya no eres mi hijo, cabrón, no eres para mí más que un perro rabioso” fuera el responsable de cuidarla. En alguna entrevista Julián comentó que tardó más de dos años en escribirla y no por una cuestión moral ni por conflictos emocionales, simplemente, no encontraba el tratamiento que debía dar al lenguaje. Ganó el Premio Iberoamericano de Novela Elena Poniatowska en 2012. La desacralización de la figura divina, en cualquiera de las formas que se le presente al creador, al artista, es quizá la gestación más honesta del arte, no la mejor, la más honesta, pues el tránsito que va desde una vena abierta y punzante hacia aquello que aspira a convertirse en un objeto de apreciación es tan doloroso que puede abrir zanjas en el lomo más fuerte.

Matria –juego de palabras entre madre y patria, supongo- que al parecer pretendía mostrar la participación de una persona en la construcción de un país posrevolucionario se inserta en esa dolorosa tradición de forma involuntaria: nos narra la vida de Antolín Jiménez, hombre que de Dorado de Villa pasa a ser miembro fundador del Partido Nacional Revolucionario, diputado, editor y charro, lo anterior mientras de a poco se va descubriendo una historia de ignominia para la familia del realizador. A partir de entonces nos muestra, sin piedad, la llaga aún viva y sangrante de su madre que intenta a toda costa salvaguardar la memoria inmaculada del otrora revolucionario; también la indiferencia de los hijos varones que sencillamente han decidido no odiar, pero tampoco reconciliarse con el padre. Fernando Llanos, director, se sorprende al encontrar esa veta fértil en su historia y no lo oculta. Los sentimientos mostrados al charlar por primera vez vía telefónica con una sobrina de la primera familia de su abuelo son más intensos que aquellos que podemos percibir cuando escucha – también por teléfono- el llanto suplicante de su madre pidiéndole dejar en paz a los muertos. Ese enfrentarse con la figura materna, con la carga histórica personal, ese bajar del pedestal la figura divina que para ella representa Antolín, humanizarla, exponerla, golpearla donde duele hasta descubrir sus pies de barro en aras de una historia, no sé cuántos seríamos capaces de hacerlo sin que se nos secara la mano. La bola de billar es la prolongación del movimiento de la mano del jugador.

Kundera plantea que las consecuencias, por caóticas e inesperadas que puedan parecer o ser, tienen un mismo origen, pues al igual que en una partida de billar, en la vida, el primer movimiento determinará el rumbo completo del juego. En base a lo anterior la construcción de un país y la forma en que opera su realidad actual no es inescudriñable ni mística: habrá que tener buena vista y mirar cincuenta años atrás, setenta años atrás, cien años atrás y preguntarse, quién ganó el lagging y qué bolas golpeó en su primer intento. Antolín Jiménez fue uno de tantos jugadores de aquella mítica partida: sobreviviente de la Revolución Mexicana, quedó como tantos miles: huérfanos de ideales: rodando hacia algo nebuloso y lejano llamado institucionalidad. De forma involuntaria o quizá voluntaria, pero sin imaginar los alcances que tendría, ayudó a la construcción de lo contemporáneo. Nuestras bases son las fincadas por él y los miles de hijos del movimiento que esperaban ser recompensados por el sistema, y el premio llegó para algunos: que la Revolución me haga justicia fue el eufemismo empleado para la corrupción, el compadrazgo y el abuso. La partida se corrió con ese efecto, y qué puede sorprendernos pues de tal curvatura o destino si antes como ahora los favores o el poder se ganaron con plomazos o billetazos, palabaras que al final tienen la misma resonancia, una que viene rompiendo el aire desde que el primer jugador tomo el taco y apuntó su tiro.

ME QUEDO CONTIGO

UNA BORRACHERA DE INCONGRUENCIAS por EDUARDO CAMPOS ZAVALA

¡Acción! No es difícil asociar el mundo en que se desenvuelven los artistas con todos los adjetivos existentes que describen el término “frivolidad”. Aunque la realidad de los profesionistas de la actuación sea distinta, el estereotipo se encuentra muy arraigado en el pensamiento colectivo. Artemio a secas, como el mismo director firma su obra, lo sabe y explota convenientemente en su visceral ópera prima “Me quedo contigo”. Contada en dos actos disímiles entre sí, la película inicia con la toma de una barda en donde se lee la frase que la titula. La tipografía aniñada cuenta con matices rosados y es a todas luces femenina, haciendo juego con el entorno que queda pronto al descubierto y en donde la música estilo “tonti-pop” cobra un papel importante. Es en ese ambiente empalagoso donde Esteban, joven actor interpretado por Diego Luna en una aparición relámpago, invita a Natalia, su novia española, a viajar a México para formalizar la relación. Más música pop de la corrida española. Más gente bonita y algunos guiños que remiten a populares comedias románticas de procedencia estadounidense.

Sin embargo, el espectador se encuentra próximo a recibir un batazo de béisbol en la nuca. Así, adolorido y destanteado, sabrá que la trama ha dado un tétrico giro cuyo desarrollo peca de ser retorcido, incómodo, retador y al mismo tiempo divertido y hasta cómico. En un México empeñado en proseguir con la malinterpretación vitalicia del término “equidad de género” y cuyos funcionarios públicos (hombres en su mayoría) convierten el “empoderamiento de la mujer” en ventajistas actos de proselitismo; las “Chicas-superpoderosas” de la historia de Artemio demuestran que para bien o para mal, “el sexo débil” es solo una oración mítica de caducidad cercana. “Me Quedo Contigo” posee bondades múltiples. Destaca la habilidad del novel director para mantener un ritmo ágil y fluido, en especial durante ese segundo acto donde el rumbo de la historia se define y las máscaras iniciales se caen al suelo del mismo modo que los convencionalismos sociales que las sujetaban. Aquí conviene ejercitar la habilidad de leer entre líneas: las metáforas que se presentan conforme avanza la cinta son bastas en número y de un ingenio digno de aplausos. Todas ellas encuentran soporte en un mismo fenómeno: la superficialidad que animaliza a las altas esferas del país: aquellos segmentos de élite, amigos de los políticos, poseedores a conciencia de un poder magnánimo que los separa de los ciudadanos comunes y corrientes. Se debe destacar la naturalidad de las interpretaciones entregadas por el cuarteto de actrices principales.

Flor Eduarda Gurrola y Ximena González-Rubio aportan escenas por demás valientes que quedarán marcadas en la mente de quien ose ver la película. Sin embargo, es el papel de la ibérica Beatriz Arjona el más rico en sutileza y a la vez en complejidad. Su bien ejecutada “Natalia” nos demuestra que más allá de negaciones y diferencias culturales, la violencia es algo intrínseco e inevitable en el ser humano. Resulta imposible para quien consume cine de forma habitual el no comparar “Me quedo contigo” con otros trabajos que también tocan el tema de los roles invertidos de poder de forma acertada. Aunque la ópera prima en cuestión logra diferenciarse y brillar con luz propia gracias a los contrastes en su desarrollo, a los novedosos recursos creativos que ofrece, a sus cuantiosas referencias cinematográficas, al cinismo de las protagonistas y a la enfermiza (pero divertida) complicidad que se construye entre ellas y el espectador. Repulsiva. Ofensiva. Morbosa y grotesca. La lista de calificativos es grande y todos tienen espacio en la descripción del largometraje objeto de esta crítica. Me permito añadir dos adjetivos más: reflexiva e inteligente. Suframos concienzudamente de comezón moral al ser testigos de la perversidad del clan de parranderas al mismo tiempo que señalamos las injusticias sociales que quedan expuestas. A fin de cuentas, la congruencia nunca ha sido un elemento propio de la identidad del mexicano. ¡Corte!

MADE IN BANGKOK

EL VIAJE A NINGUNA PARTE por ANDREI MALDONADO

En muchas ocasiones los documentales nos muestran realidades ocultas, en otras las verdades que no queremos ver. En ese sentido las historias parecen ser contadas por un ojo entrometido que, a diferencia de la ficción, no es el de un dios todopoderoso, sino más bien la de un invitado incómodo, el primo raro que lleva su cámara a todas partes. En ese sentido Made in Bangkok cumple, mas no encanta. El trabajo de Flavio Florencio deja ver un discurso que busca estar por encima de la técnica, el fondo sobre la forma. Una especie de suprarrealismo que no llega por gestarse y termina por ser simplemente un diario de viaje extendido a manera de película. Una especie de registro familiar proyectado en la pantalla grande.

Es un hecho que no todo es desacertado en esta película. Finalmente el director consigue, a través del proceso de reasignación de sexo al que se somete la protagonista, atrapar al espectador en una realidad que bien podría estar pasando alrededor suyo, pero que no ve o se niega a hacerlo. Bangkok podría ser la esquina de la próxima calle. Morgana podría ser cualquier habitante de la ciudad.

Pero más allá de la emorganamiento que puede provocar la simpática situación -pues a pesar de todo se llega a olvidar que hablamos de un procedimiento quirúrgico realmente invasivo- y que el largometraje cumple con un discurso contemporáneo, la forma se aleja mucho del lenguaje cinematográfico, abriendo la posibilidad de que cualquier viaje a la playa encuentre su propia trascendencia. Al final la Morgana del mundo real termina siendo más que la hecha en Bangkok.

ASTEROIDE

EL FINO ARTE DE LA CONFRONTACIÓN por JHONATAN JUÁREZ

Una de las concepciones ideológicas que decidió llevar a la pantalla Luis Buñuel mientras viajaba a México, fue el cómo la sociedad en nuestro país creía, o cree hasta la fecha, que existe un tipo de “perdón social” tras un exilio. Mostrándonos en “el rio y la muerte” un drama entre familias rivales que, de manera sistemática, buscan eliminarse la una a la otra., Sin existir una razón para continuar realizando dichas acciones. Pero, en pro de salvaguardar el honor de la familia, la lucha debe seguir. Dejando la responsabilidad de los muertos a su descendencia, sin saber éstos a ciencia cierta cuales fueron sus pecados, o mejor descrito, los motivos que les obligan a continuar con tal afrenta. Con un hecho parecido en el argumento que Marcelo Tobar utiliza en “Asteroide”. Crítica social en la que el Director, con un montaje basado meramente en planos cerrados sobre los personajes, nos muestra como el sufrimiento; la angustia y los deseos de suprimir la posibilidad misma de sentir algo, coexisten y coartan la “vida” en sus personajes.

Logrando para bien un ritmo lento y voyerista en el que, conforme los hechos obligan a sus protagonistas, descubrimos como las cosas no están afuera, sino adentro, como lo muestran sus encuadres que descubren, o no, a Cristina, la joven cosmopolita; hedonista y hermana de Mauricio, cuyos padres obligaron a salir de la ciudad que la vio nacer en pos de su bienestar, pero olvidando que “lo peor de la situación” como bien maneja el guión, siempre viajaría con ella. Dejando entre líneas la metáfora del choque del asteroide, y la forma en que de manera subjetiva, se deberían abordar los problemas. No obstante, que se le puede pedir a un asteroide, que a final de cuentas es una roca.

Retratar las diversiones de las clases altas de México se está volviendo tema recurrente con los nuevos cineastas, tal es el caso del largometraje del director Santiago Mohar. Una vez más las cámaras de cine se cuelan a una fiesta a la cual nunca se les invito, para contar de forma gradual la noches de un grupo de ninis sin con mucho dinero para gastar de sus padres. Los muertos es el título de esta película que parte desde los ataúdes de metal a vuelta de rueda y esquivando retenes por una ciudad de México que para ellos es agobiante. Estos chicos se dirigen a una fiesta que para mal de muchos se prolonga toda la noche, estos anticaifanes mimados se pasan emborrachándose y quejándose entre risas sobre lo difícil que es vivir en un país como México. Poco a poco y como lo es en todas las fiestas las relaciones de amistad se van desnudando: la novia celosa y resentida, el hermano incestuoso, el junior dueño de la casa que se folla a quien quiere, en fin, todos y nadie. La película como patadas de ahogado va tomando elementos para recrearnos un detallado retrato de este verdadero laberinto de la superficialidad en la que están atrapadas las generaciones actuales recicladoras de cultura pop. Sin un movimiento musical importante que identifique estas décadas, y sin Fuentes ni Paz para reprenderlos, estos jóvenes víctimas de los smartphones hacen de cada noche una borrachera estúpida, monótona y sin sentido: licuados de comida, esculturas con muebles apilados y juegos con armas peligrosas.. ¿Pero?

LOS MUERTOS

¡HAY CASA SOLA! por ARTURO PERALES

¿Qué tan peligrosa resulta un arma cuando se está muerto? Uno se queda en la película como el chico que ya se quiere largar de la fiesta pero no consigue taxi ni hay quien lo lleve. Por fin, algo muy sorpresivo aparece en pantalla pero el sopor en que nos deja “los muertos” no nos permite ya asimilarlo. Muchos amigos cineastas me han dicho que el cine no tiene por que entregarte siempre un mensaje, metáfora, un momento agradable o desagradable, sin embargo, es bueno saber el motivo por las cuales la cosas se hacen, si no, siempre publicarás al siguiente día desde tu móvil “que fiesta tan chafa”.

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La butaca del cácaro

muestra de carteles de cine

josep renau

En el marco del Festival se montó sobre el paseo de las Alamedas la exposición de carteles de cine diseñados por el artista francés Jospe Renau.

fotografía ROBERTO CÁRDENAS

DELIBERACIÓN DEL JURADO DE LA CRÍTICA

Dentro de las actividades del Festival del Nuevo Cine Mexicano, en deliberación pública y teniendo como sede el Palacio de los Gurza, Fernanda Solórzano, de la revista Letras Libres; Ernesto Diezmartinez del periódico Reforma, y Erick Estrada del sitio web Cinegarage, otorgaron el premio de la crítica al largometraje Me quedo contigo de Artemio Narro. El jurado expuso sus argumentos hasta reducir a tres el número de posibles ganadores: Matria, Asteroide y Me quedo contigo. Finalmente con dos votos a favor y uno en contra Me quedo contigo resultó ganadora.

texto y fotografía: DANIELA DEL PALACIO

Deniss Barreto presenta

LA NUCA DESNUDA DE OLIVIA La duranguense radicada en Distrito Federal Deniss Barreto prepara el cortometraje "La nuca desnuda de Olivia", un proyecto para competir en festivales nacionales e internacionales, y que narra un fragmento del despertar sexual y amoroso de Perla, una chica adolescente un tanto solitaria que llega a conocer a su vecina Olivia, la chica a la cual ha admirado por mucho tiempo y por quien siente una ligera obsesión. En el relato Perla es una chica a la cual le gusta la literatura y la poesía, es tímida y reservada, y espera con ansias a que algo maravilloso le suceda. Por otro lado Olivia es una chica extrovertida, coqueta, alegre y siempre dice y hace lo que quiere. De esta forma impulsa y ayuda a Perla a no tener miedo de descubrir y vivir cosas diferentes. Aunque con marcadas diferencias ambas descubrirán que persiguen las mismas cosas. A decir de la propia realizadora lo que este cortometraje intenta es retratar el despertar sexual en la adolescencia y la admiración mutua entre mujeres. Una oda a la femineidad. Un relato del misterio, misticismo y sexualidad femenina. Un ensayo de belleza y obsesión. El reparto incluye a Danae Reynaud (Club Sándwich) y Andrea de la Torre, originaria también de Durango, además de que en el crew se incluye a otro duranguense, el realizador Luis Martin Gerardo.

Para financiar su trabajo Barreto ha elegido el crowdfunding, que es la participación de las personas por medio de donativos en la plataforma web Fondeadora.mx, por el cual con cada aporte viene una recompensa como material exclusivo y reconocimientos en los créditos del film. El fondo obtenido se utilizará para cubrir los gastos de producción y postproducción como renta de equipo de iluminación, arte, vestuario, maquillaje, locaciones, catering y sonido. Deniss Barreto es artista visual por la Universidad Juárez del Estado de Durango (UJED) y la Universidad de Murcia en España. Actualmente hace estudios multidisciplinarios en el Centro Nacional de las Artes. Su interés hacia las artes la ha hecho diversificar en su obra. Ha dirigido y participado en diversos proyectos cinematográficos y videoarte, así también como Directora de arte en diferentes producciones y con exposiciones de plástica en México y España.

Martha Higareda

UNA DIVA MODERNA por CINÉFAGOS fotografía ROBERTO CÁRDENAS

No todos los días tienes la oportunidad de estrechar la mano de una de las más atractivas actrices y productoras de los últimos tiempos en el cine nacional. En Cinéfagos no perdimos la oportunidad no solo de eso, sino también retratarla y conocer un poco más de su visión sobre el cine mexicano.

¿Qué es para ti el cine mexicano? Es nuestro cine, nuestro cine en español, con nuestras historias y con nuestro corazón. ¿Qué tipo de historias te gusta escribir? A mí me gusta escribir historias que sean muy positivas, pero me gusta todo tipo de cine. ¿Por qué se está dando un ‘boom’ en el cine mexicano? Lo que pasa es que cada vez estamos haciendo un cine más universal, con historias que pudieron ocurrir aquí o en cualquier parte del mundo, además tienen mucho corazón. En la medida que hagamos películas de gran calidad como Hollywood mejor habrá respuesta del público y más mexicanos estarán consumiendo cine en su propio idioma. ¿Hay respuesta distribuidoras?

las

Sí, cada vez más, quizá la más interesada en esto ha sido Videocine. Creo que gran parte está en los productores, en que seamos capaces de entregar películas de calidad. ¿Cómo permea economía?

cine

¿Todavía es complicado el proceso de producción? Vender la historia, esa es la parte difícil, pues como no tienes nada filmado debes convencer con palabras a los productores. Después es encontrar una distribuidora. El reto de verdad es hacer una buena película, pues el espectador te dará un cachito de su tiempo y no puedes fallarle. Creo que todos trabajamos para eso, aunque no siempre nos salga bien. ¿Qué opinas del Festival de Cine Mexicano? Me encanta que esté dedicado plenamente al cine mexicano, al nuevo cine mexicano, y que se apoyen a los jóvenes que hacen cine en Durango. ¿Vendrías a trabajar con alguna película a Durango? Nunca había venido y me encantó. Aquí se han filmado muchísimas películas y claro, me gustaría mucho. Estoy muy agradecida de que me hayan invitado.

En el turismo. Siempre que una película viaja la gente se pregunta ´¿Dónde es?, quiero ir’ y es eso, un fuerte aliado del turismo.

¿Sabías qué...?

fotografía por ANDREI MALDONADO

estreno

CENICIENTA ROTA fotografía RUTH RIVERA

Teniendo como sede la Nave Cultural Andrei Maldonado estrenó su cortometraje Cenicienta Rota, el cual es una libre adaptación del texto homónimo de la escritora, cineasta y curadora Heidy Cásarez. Previo a la función el Centro Artístico Analco participó con una demostración de tango. 33

SEMANA DEL CINE MEXICANO EN DURANGO

Las nostalgias del Festival de Cine Mexicano aún no se lograban digerir cuando ya se inauguraba la Semana del Cine Mexicano, que proyectó películas de años anteriores y que hasta la fecha no han podido ser distribuidas pero que gracias a estas exhibiciones tienen oportunidad de ser mostradas una vez más. por ERIC EDUARTE VILLA fotografía: DANIELA DEL PALACIO

La Semana de Cine Mexicano se inauguró con la proyección de la película Villa: Itinerario de una pasión, co-dirigida por Juan Andrés Bueno y Lourdes

Deschamps,

siendo

directora quien se dio cita para dar el banderazo acompañada por parte del elenco de la película, entre ellos Alejandro

Navarrete,

Verónica

Jaspeado y Nubia Martí.

La efervescencia que dejó el festival aún se proyectaba durante

esta

muestra, a la que le acompañaron clases

magistrales

talleres,

enfocados a la formación de los quehaceres cinematográficos, siendo el primero de ellos el denominado “De la idea a la pantalla” impartida por Lucia Carreras, que exhibió dentro de programación su película Nos vemos papá.

La segunda clase magistral fue con el tema

“Narrativa

documental”

impartida por la también directora de cine Itzel Martínez del Cañizo, quien también tuvo participación dentro de la exhibición de largometrajes con su película El hogar al revés; además el taller de guión fue impartido por el guionista y productor mexicano Edgar San Juan. Los

directores

las

películas

compartieron con los asistentes sus experiencias

mantuvieron

una

charla después de cada función. Una exposición

mexicano

carteles

cine

proyección

cortometrajes completaron un cierre de la cinematografía mexicana en una segunda vuelta tras la conclusión de un gran festival, teniendo como sede al prestigioso Centro Revueltas. Dentro

Mexicano

la se

Semana tuvo

también

Cine la

proyección de la cinta “Érase una vez en

Durango”,

del

cineasta

duranguense Juan Antonio de la Riva, película estrenada durante la tercera edición del Festival de Cine Mexicano en 2011, cinta que fue filmada en Durango.

entrevista a

JOSÉ ANTONIO ELO

por SETH ÁLVAREZ

Con motivo del próximo Festival Colima de Cine, entreviste a su director José Antonio Elo, conocido promotor de la producción cinematográfica mexicana, para hablar del evento cine más importante del estado de colima. ¿Cómo llegaste al medio cinematográfico? Por la Escuela de Escritores de la SOGEM. Ahí te enseñan algo de todos los géneros y el cine me atrapó. Luego por mi experiencia empresarial, a finales del 2003 surgió la oportunidad de organizar un par de eventos de formación cinematográfica representando a la SOGEM y ahí comencé a involucrarme también con la producción. ¿Qué estudiaste? Estudié la licenciatura en administración de empresas en la UNITEC, misma que ejercí por 20 años en varias empresas. También soy egresado de la Escuela de Escritores de la SOGEM. Como cineasta soy autodidacta, estudiando por mi cuenta y tomando los cursos que puedo. Nunca dejo de actualizarme.

¿De dónde viene tu vena cinera? No lo sé. No es algo de familia... Sólo sé que soy cinéfilo de toda la vida. Desde muy niño me atrajo el cine y cuando el azar me puso donde se hace el cine, me sentí muy cómodo y me convertí en cineasta. Fue un parteaguas en mi vida. Bien, dime ¿Qué es lo que te atrae más de la pantalla grande? La cantidad de posibilidades que tiene para contar historias. ¿Cuáles son tus directores mexicanos, que hay que seguirles la pista? Son muchos afortunadamente. Entre los más jóvenes te puedo mencionar a Amat Escalante, Mariana Chenillo, Everardo Gout, Fernando Eimbke, Emilio Portes. ¿Y tus Actores? También mexicanos. ¡Uff, son aún más! No sabría decirte, son muchos. Por mencionar a los "no tan mencionados"... Úrsula Pruneda, Kristyan Ferrer, María Renée Prudencio, Silverio Palacios, Francisco Barreiro, Jaime Almeida, Cassandra Ciangherotti, Noé Hernández. ¿Qué es Cinérgica? En origen es una organización civil de fomento de la escritura y la producción cinematográfica en México, aunque en los hechos podemos decir que nos dedicamos al fomento de la cinematografía en general.

Ahí me presentó a Rubén Pérez Anguiano, Secretario de Cultura. Nos pusimos a platicar de cine y espontáneamente llegamos a la pregunta: ¿Se puede hacer un festival de cine en Colima? La respuesta ya lleva 4 años. ¿Que ofrece el Festival Colima de Cine? Principalmente acercar el cine mexicano a la gente colimense, sin distingos de ningún tipo. Todo es gratuito y sin boletos previos. El Festival está planeado con la primordial intención de ser incluyente y de servir y gustar al público.

¿Cuáles son los eventos que tiene Cinérgica? Los principales son: El Seminario de Experiencia para Productores, que en su próxima edición del 02 al 04 de septiembre, cumple 10 años. El Reconocimiento a Escritores Cinematográficos Mexicanos, que lleva 7 entregas anuales. El Festival Colima de Cine, en coproducción con la Secretaría de Cultura del Gobierno del Estado de Colima, que en octubre próximo llegará a su 4a edición, del 01 al 05 de octubre. Lo demás son cursos, colaboraciones y sinergia con organizaciones cinematográficas y cineastas desde 2007 a la fecha. ¿Cómo nació el Festival Colima de cine? En una cena informal con Silverio Palacios en el Charco de la Higuera.

Paralelamente fomenta el desarrollo de la cinematografía en el Estado a través del concurso Colima en Corto y de las conferencias que se imparten durante el Festival. Acerca a cineastas nacionales y extranjeros con el público y los cineastas colimenses. Al término de cada función hay una charla entre el público y actores o directores, productores y demás. Todos los asistentes califican las películas de la Selección Oficial para el Premio del Público Colimense. En cada inauguración se hace un reconocimiento a un cineasta mexicano. Se pueden ver largometrajes y cortometrajes. Cada año se presenta una selección de Regard Sur le Court, el certamen de cortometrajes más importante de Canadá y festival hermano del colimense. Asimismo, en cada edición se presenta una película extranjera invitada. En fin, es una fiesta cinematográfica. ¡Cine para todos!

¿Y los premios? Somos un festival no competitivo. Lo que más nos interesa es la opinión de la audiencia, no de un jurado. Por eso tenemos el Premio del Público Colimense, que se otorga a la película de la Selección Oficial (10 películas mexicanas) que obtiene las mejores calificaciones del público. Se trata de un premio simbólico, representado con la entrega de la máscara de El Señor de la Noche, emblema del Festival. El anuncio y entrega se lleva a cabo en la ceremonia de clausura y la película.

Para el concurso Colima en Corto sí tenemos un premio. Uno sólo al primer lugar, pero es muy jugoso. Nos interesa que los colimenses hagan cine y que los de fuera vengan a hacer cine a Colima, por eso nos hemos esforzado por ofrecer un premio muy atractivo. Desde la primera edición el premio ha ido creciendo y para esta 4a edición del Concurso ofrecemos 100 mil pesos en cheque, más 300 mil pesos en servicios de producción patrocinados por CTT EXP & RENTALS, Chemistry Cine y Chapala Media Park.

Con todo ello los ganadores tienen solucionado gran parte de sus necesidades para su próximo corto ó una parte valiosa para un largometraje. Además está el premio Regard Sur le Court, ya que cada año escogen uno de los finalistas de Colima en Corto, para invitarlo a Saguenay, en Quebec, Canadá, para presentar su película y participar del festival. Excelente y, que atribuyes el éxito de las tres entregas anteriores? Pienso que son tres cosas: Principalmente el público tan ávido, participativo y respetuoso de Colima. Luego la gran entrega de la gente de la Secretaría de Cultura, encabezados por Rubén Pérez Anguiano. Y bueno, creo que también logré conectarme bien con los cinéfilos y cineastas colimenses, lo que me permitió diseñar y realizar un evento a su gusto. ¿Anécdotas interesantes? Todo. Cada momento desde que comenzó éste sueño ha sido interesante para mí, estoy enamorado de Colima y ahora soy en parte Colimense. Sin embargo no hay aventuras interesantes para tus lectores, digamos que nada "de película". Pero eso es una buena noticia porque quiere decir que hasta ahora las cosas nos han salido bien; sin sobresaltos, sin complicaciones graves.

¿Puedes adelantarnos algo del Festival 2015? Las pelis o los invitados. Aún es pronto, pero te puedo adelantar que presentaremos la película ganadora del Festival de Cine de Beijing, China, "El comienzo del tiempo", dirigida por Bernardo Arellano. También te cuento que por fin hallé una película de terror que pienso les gustará, "Perdidos", dirigida por Diego Cohen, quien por cierto tuvo la premier mundial de su ópera prima aquí, en el Festival Colima de Cine 2013 y se titula "Amaneceres oxidados". Por último te anuncio que presentaremos también a la gran ganadora del Ariel 2015, la película "Güeros", dirigida por Alonso Ruiz Palacios. Que recomiendas de Colima. Uff, todo! Su clima, su gente, su comida. ¡Su serenidad! Y esas tardes en el jardín Libertad, las empanadas en Villa de Álvarez, la bohemia en Comala, la sal maravillosa, las caminatas hacia La Cumbre, la eterna presencia de los volcanes, las tardes en que llueve ceniza.

entrevista a

JOSIÁN LÓPEZ por SETH ÁLVAREZ

Pero no pensaba que pudiera involucrarme con el cine para seguir contando historias. Hasta que estudié la licenciatura en Comercio Internacional. Pero curiosamente durante la carrera me adentré a los cine club y a la crítica de cine. En ese tiempo, obtuve un premio nacional de crítica que organizaba la revista DICINE, por allá en los noventas y por ese premio, supe que no estaba loco en pensar que el cine era un medio para seguir contando historias. Digamos que con ese premio vi que había un mundo real alcanzable en el medio de cine. Y pues de ahí me enrolé en cursos y me fui metiendo en eso. Preparándome, escribiendo, haciendo experimentos, etc. Conocí esa revista, muy buena ¿Y tu familia estuvo de acuerdo con esto del cine?

Durante el Festival Internacional de Cine del Desierto 2012, Tuve la oportunidad de conocer a Josian López, un joven director, productor y guionista. Años después y con motivo de la presentación de su más reciente cortometraje Luter, tuvimos una pequeña charla. Platícame ¿cómo llegaste al medio cinematográfico? Siempre me ha gustado contar historias. Desde chico contaba relatos como cuentos a mis amigos y a veces escribía historias cortas. A veces me la pasaba dibujando y creando personajes de súper héroes. También veía películas de El Santo o las de la época de oro del cine mexicano. Algo normal, según creo.

Mi familia siempre me ha apoyado. Como terminé una carrera "normal" no le vieron inconveniente. Aunque siempre han pensado que el mundo del cine es algo de locos, que no somos normales, yo ya estaba grande cuando dije "quiero irme al DF a estudiar cine" y pues, no tuvieron más remedio. ¿Estudiaste Defectuso?

maravilloso

Sí, tomé curso de dirección en el DF, en la AMCI y en la New York Film Academy en Los Angele. Algunos de tus maestros que te hayan influido. Híjole. Pues, María Novaro creo y espero haberle aprendido mucho.

Y alguna película mexicana que te haya influenciado o que te guste mucho. Hay muchas. Creo que depende el momento histórico. Puedo escoger a Cronos, Amores Perros, La mujer de benjamín y de los clásicos Una Familia de Tantas. Muy buenas. Yo le voy a Cronos. ¿Cuál es tu fuerte? ¿Escribir, producir, dirigir? Yo creo que puedo hacer las 3 cosas. Pero siempre voy a optar por escribir y dirigir. Aunque he producido mis trabajos. Esa labor organizativa y de administración también la hago. Que bien, y ¿Cómo es tu proceso creativo a la hora de dirigir? El proceso ha ido cambiando. Al principio, en los primeros cortos, todo era más mecánico y académico. Contar la historia con la cámara de manera muy básica. Pero eso creo que ha cambiado. He tratado de poner en práctica lo que he ido aprendiendo de maestros. Entonces, ahora trato de separar cada escena y desmenuzarla, buscar su propio universo. A veces se logra, a veces no. Pero quiero explorar ese camino. Todo el crew debe saberlo, sobre todo el fotógrafo y los actores. Saber el universo que en cada escena estoy buscando.

estructura, solo armando he hilvanando las escenas, pero sé a dónde voy, en mi cabeza. También he probado la forma que dicen los libros o manuales de guión. Preparando todo, la estructura, biografía de personajes, etc. Algo muy formal. También he probado el escribir toda la historia como un cuento. Así fue Luter. Un cuento que funciona así, sin la película. Y luego escribí el guión de ese cuento. Entonces, no estoy casado con algún método. Creo que depende. Lo que sí, es siempre saber a dónde vas o al menos creerlo. Bueno, entonces, hablamos de Luter ¿Cómo nació ese proyecto? ¿Es historia tuya? Si. Luter como corto, nació al revés. Con el propósito de conocer más a un personaje del guión de un largometraje titulado Tres Días, donde aparece Luter. Quise explorar el antecedente de él. No solo para conocer al personaje y darle mayor dimensión, sino probar mi habilidad de dirigir la historia de lo que va ser el largo. Queria plantearme la puesta en cámara, la atmósfera, el ritmo y el tipo de película que quiero que sea Tres Días. Así escribí esta precuela, que es Luter. Y algo bueno es que pude trabajar con el actor que quiero que interprete a Luter, en el largometraje.

¿Cómo escribes tus guiones? utilizas las estructuras y todo eso, o te llevas más por tus instintos Mi forma de escribir los guiones también ha cambiado. He escrito sin

¿Cómo fue trabajar con Luis? ¿Cómo lo conseguiste? Luis fue una sorpresa. Estuvimos buscando a varios actores sin lograr enganchar a nadie al proyecto, sobre todo por las fechas de rodaje y los compromisos. Mi propósito era convencerme, que quien hiciera Luter, pudiera quedarse para mi largometraje. Entonces, Luis había participado en una película de un buen amigo, Diego Ibarrola, de San Luis Rio Colorado. Contacté a Diego preguntándole por Luis, me dio su email, y así Luis leyó el guión de Luter, le gustó y se sumó al proyecto. Trabajar con él fue una grata experiencia. De mucho aprendizaje. Luis tiene la experiencia de guionista y productor. Entendía perfecto el trabajo que estábamos haciendo. Fue muy participativo y abierto. Creo que tuvimos una buena conexión. Luego de Luter, leyó el guión de Tres Días y pues ahora, ya no me imagino a nadie más, en ese personaje. ¿Alguna anécdota sobre el rodaje? En el corto hay una escena con cucarachas. Sabía que la escena era complicada, pero nunca que tanto. Y tampoco pensé que hubiera tanta gente con fobia a las cucarachas (Risas). Entonces, algunos del crew e incluso Luis, estaban algo aterrados. Hicimos la escena con cucarachas de Madagascar, que curiosamente, compras en una veterinaria. Una vez que filmamos con ellas, no puedes soltarlas así no más. Las tuvimos que sacrificar. Eso fue hasta hace poco, que las dimos como alimento a una tarántula. (Risas).

¿Más menos de que va la historia? Luter es un joven de una familia clase mediera, de ciudad obregón, que han perdido todo, y tienen fuertes problemas económicos. Entonces tiene que tomar una decisión, ante la salida que le propone el mundo del crimen. Plática un poco sobre el proceso de la realización del corto. ¿Dónde se realizó? ¿Conseguiste algún apoyo? ¿Cuánto tiempo duró toda la producción? Todo fue en ciudad obregón. Tuvimos un apoyo inicial económico de parte del Programa de desarrollo Cultural Municipal. De ahí hicimos una coproducción con 2 casas productoras más, que aportaron mucho de trabajo y equipo. Luego sumas apoyo de otras instituciones culturales, patrocinadores, a la familia y a los amigos. Todo se vuelve un trabajo colectivo. El rodaje de Luter fue de 2 días, el trabajo de pre-producción fue de un par de meses y la post producción 3 meses. En gran parte es porque el trabajo lo combinas con otras cosas que estás haciendo, por tal motivo, no puede salir tan rápido como quisieras. ¿Y cómo te resultados?

sentiste

con

los

Estoy contento. Además, de que la experiencia de hacer Luter, me ayudó a definir por dónde quiero llevar al personaje y el largometraje. Con este corto pude participar en un laboratorio de cine con los directores Nicolás Pereda y Matías Piñeiro. Algo que fue muy aleccionador.

entrevista a

LUIS ARRIETA por SETH ÁLVAREZ

¿Quiénes son tus mexicanos favoritos?

actores

Híjole, tengo muchísimos. Algunos tengo el honor de conocerlos. No vaya a ser que se me olvide mencionar alguno, así que ahí te la dejo (Risas): ¡Muchísimos! ¿Con cuál director mexicano te gustaría trabajar? También muchos. Pero no me saldré por la tangente aquí. Lo que te puedo decir es que este último año quedé fascinado con el trabajo de dirección de Alonzo Ruiz Palacio, Ernesto Contreras y Claudia Sainte-Luce.

Con motivo de la reciente presentación del corto “LUTER” tuve una pequeña entrevista con su protagonista Luis Arrieta; reconocido actor, productor y guionista mexicano. Platícame, ¿Cómo fue tu llegada al medio cinematográfico? Pues a pura necedad. Como toda carrera es a través de ser necio, de rigor, de no rendirse y también de saber, que hay una parte donde uno es afortunado. ¿Cómo es tu proceso creativo como actor? A lo largo de los años he aprendido muchas técnicas. Pero lo que trato de hacer siempre, es adaptarme al proceso del director y al de los otros actores con los que voy a trabajar.

Excelente. Tiempos Felices es tu última peli en cartelera, ¿Cómo fue tu experiencia? Fue todo un reto. Fue un trabajo muy riguroso por parte del director que me exigió como actor ser muy preciso y limpio. ¿Cuál es la pelí que disfrutaste como actor?

más

Es como si le preguntaras a una madre que dijera en voz alta cuál es su hijo favorito. (Risas) tienes razón. Bueno, dime ¿Cómo fue tu transición de actor a guionista? Fascinante. Disfruté muchísimo escribir mi primer guión y aprender de un mundo completamente nuevo.

¿Qué es lo que más te gusta de la escritura cinematográfica? Que no hay ningún límite. ¿Cuál fue tu primer guion escrito? El primero guión que escribí fue Los Inadaptados, película que ya conoces. Y mi segundo guión filmado se llama Detrás del Poder, que también ya estuvo en cines y ahora la encuentras en Netflix. Hay que verla ¿Y qué onda con la dirección? ¿Te gustaría dirigir algo? La verdad es que sí. Probablemente empiece con un corto. ¿Dirigir o producir? El día que dirija seguro sabré que me gusta más. Y ahora, platícame sobre Luther. ¿Cómo fue trabajar con Josian (Lopéz)? Fue un agasajo. Agradezco profundamente cuando me toca trabajar con un director que tiene todo claro, pero al mismo tiempo está dispuesto a crear en equipo y a escuchar propuestas.

¿Qué te interesó del proyecto? De Luther me interesó mucho hacerlo porque me pareció un guión muy sólido. Pocas veces te invitan a hacer un cortometraje que está bien escrito. Por otro lado, también me gustan los retos y en este caso mi personaje tiene que transmitir todo lo que le piensa y siente, casi sin hablar. También me encanta salir de mi ciudad y trabajar con gente de otros lados. ¿Alguna anécdota del rodaje? Creo que una anécdota muy divertida de la película, es que hay un par de escenas donde salen muchas cucarachas. Acepto que les tengo pánico, así que antes de hacer esas escenas, trabajé mi fobia tocando y luego poniendo en mi mano una cucaracha. No sé si lo podría volver a hacer. ¿Tus próximos planes? Por ahora empezando una temporada de teatro en Wit, Despertar a la Vida. También ando terminando de rodar Paramédicos 2. Y bueno, al finalizar todo esto, me gustaría estudiar dirección de cine.

MAGNOLIA

POESÍA DE LA COTIDIANIDAD por JUAN JOSÉ ANTUNA

La poesía no sólo es amor, también

Magnolia

es cruel; es amarga como la hiel. La

cotidianidad, a lo que puede pasar y

poesía es la vida misma. "Tengo

a lo que no puede pasar; a lo que

tanto amor para dar y no sé dónde

parece que es real, pero no lo es, y

ponerlo",

nosotros

a lo que parece que no es real, pero

hayamos acabado con el pasado,

que sin duda lo es. A la rara

pero el pasado no ha acabado con

realidad

nosotros" y "Esta es la parte de la

entrelazadas

película en la que tú me ayudas",

siquiera estarlo o sin ellos saberlo.

sólo son algunas frases que te

Es una historia que sin una trama o

enredan en esta película.

clímax. Tiene tanto en sí y tanto

"Puede

que

poema

cómo

pueden

ser

tantas

almas

sin

poder ¿La vida es corta? ¿Hay amor en ella? ¿Vale la pena luchar? ¿Sirve Muchas

algo

preguntas

este

mundo?

plantean,

pocas tienen respuestas.

Con esta película Paul Thomas Anderson logra crear su primera gran película completa. Si bien con Sydney y Boggie Nights había demostrado que sabía trabajar, y trabajar muy bien detrás de una cámara y detrás de la maquina de escribir, no es hasta con Magnolia que le muestra al mundo que tiene en verdad “madera” para crear historias que involucren tanta complejidad y a tantos personajes como para no abandonar a ninguno y hacerlos a todos brillar desde sus dramáticas y trágicas historias. Como un niño que rapea frente a un policía para darle el testimonio de quien crea los disturbios en su barrio y que días después salva la vida de una mujer desesperada que pretende suicidarse agobiada de su vida llena de pecados. Los diálogos hacen que esta película aparezca en tu día a día, reproduciendo en tu cabeza lo que tú harías si la vida fuera una película, pero no lo es, así como las historias de los personajes de esta película no sólo vienen de una película.

Con una compleja actuación de todo el elenco que pareciera no les sobrara ni les faltara nada, pues les crees todo como si fuera su propia historia, tienen toda la realidad y la verosimilitud que la ficción les puede permitir. Tom Cruise nos regala una de sus actuaciones más emotivas en la escena en que le llora a su padre mientras no le quiere llorar, John C. Reilly nos muestra el gran actor que puede llegar a ser, y un joven pero perfecto Phillip Seymour Hoffman nos empezaba a enseñar en el monstruo de actor en que se iba a convertir. Magnolia es una película para entender la escuela, los principios y lo que era P.T. Anderson antes de explorar su lado oscuro con Petróleo Sangriento y El Maestro y que ahora regresa con Vicio Propio. Además es la película con la que los críticos lo adoptan como uno de sus favoritos de aquella nueva generación de directores que venían a reinventar la industria del cine junto con Tarantino, Jonze, Linklater y más, que lo hace acreedor a la nominación al Oscar por mejor guión original y un Oso de Oro del Festival de Cine de Berlín.

especial

GRACIAS SPIELBERG por JUAN JOSÉ ANTUNA Soy de los que tienen la idea de que no hay que esperar a que alguien muera

para

poder

hacerle

tributo, un homenaje o simplemente agradecerle, y si alguien en estos días

merece

nuestro

agradecimiento (porque creo que muchos le debemos algo a este gran hombre), ese sin duda es Steven Spielberg. Y es que si alguien

nos

mencionara

una

patineta voladora, un DeLorian que vuela y viaja en el tiempo o un alien enternecedor que viene a robarnos el corazón sin duda alguna todos pensaríamos en Spielberg.

Nacido en Cincinnati, Ohio, desde

Si bien Wes Anderson y su cine

muy pequeño tuvo un amor muy

para niños (comentario que hago

arraigado, más que por el cine, por

como un halago y no como un

estar detrás de una cámara. A los

despectivo y del cual me gustaría

13 años filmó su primera película la

hablarles más adelante) se cuenta

cual le valió una medalla de su

aparte, también podemos ver en el

brigada (como amateur y para su

largo recorrido por la cinematografía

tropa de Scouts). Años después a

de Spielberg un gran amor de este

los 16 años filmó el que sería su

por las películas que van destinadas

primer

tal,

para el público infantil (amor que

independiente, el cual fue exhibido

también se ve palpable en otro gran

en el cine de su localidad (en ese

director que ha llamado a su cine

entonces

Scottsdale,

como venganza por todos aquellos

Arizona) y con un presupuesto de

que no querían jugar con él de niño:

500 dólares. Sólo consiguió un dólar

Tim Burton)

largometraje

vivía

como

de ganancia. Jaws, Indiana Jones, Back To The Pero en esta ocasión no les haré

Future, The Goonies, Jurassic Park,

una biografía de dos tomos como tal

E.T.

del director, les conté esta etapa de

recientes Súper 8 y Las Aventuras

su vida porque pareciera que es la

de Tintín; son películas que sin

que más lo influencia, la infancia.

duda ya las llevamos dentro. Puede

Muchas de las historias de la

o no gustarnos mucho el cine que

Segunda Guerra Mundial que años

hace Spielberg (un cine sin duda

después filmaría nacieron a raíz de

muy comercial, no por nada lo

las historias que le contaba su

llaman “El rey Midas de Hollywood”)

padre. Hace unos días fui a ver

incluso puede que lo consideremos

Jurassic World y la verdad no pude

o no entre los mejores cineastas de

evitar

los

todos los tiempos, pero todos, sin

momentos que vi las películas de

excepción alguna, recordaremos al

Spielberg, que me hicieron vivir

menos una película del grande

mejor mi infancia con todas sus

Steven.

remontarme

todos

Extraterrestre

más

historias

DIENTE DE LEÓN

MÚSICA QUE VUELA CON EL VIENTO por ANDREI MALDONADO

“Meciéndose estará, profeta de viento, diente de león en vuelo fugaz…”, así es como Diente de León se presenta, como una propuesta que hace volar sus canciones, canciones que hablan de amor, del encuentro con la naturaleza, de la asimilación de lo humano como entorno etéreo y, al mismo tiempo, una divinidad terrenal palpable. Bastet Uribe, Shak Hamden, Guelas, Fer Martínez y Monostereo conforman esta nueva propuesta. Al respecto Monostereo platicó con Cinéfagos acerca de su historia, sus expectativas y proyectos a futuro como banda. ¿Por qué el nombre de “Diente de león”? Porque queremos hacer que nuestras ideas y sentimientos vuelen con nuestras canciones y lleguen a tantas personas como sea posible, como el vuelo de un diente de león. ¿De dónde surge la idea de hacer una banda? Yo he trabajado con todos los integrantes en proyectos separados, todos traemos una trayectoria atrás, entonces de pronto hubo el deseo de hacer algo nuevo fusionando cada uno de nuestros estilos.

¿Bajo qué genero se definen?

¿De qué hablan sus canciones?

No nos gusta etiquetarnos, dejamos que la gente nos defina. Traemos influencias del rock, el pop y otros géneros. Queremos hacer una fusión que a cualquier público le agrade.

Nos gusta dar mensajes dependiendo de la canción. En nuestro sencillo “Diente de león” hablamos de la naturaleza, de reencontrarse consigo mismo y fusionarse con el medio ambiente. “El compás de ser” es un manual de vida y otras canciones hablan del amor porque ¿quién no le ha cantado al amor?

¿Qué bandas influyen?

artistas

los

A nosotros nos agrada mucho el rock latino, el rock en español. Nos influye bastante el trabajo de Santa Sabina de la fallecida Rita Guerrero. La verdad es que la diferencia de edad entre los integrantes nos ha llevado a escuchar distintas propuestas, tener contacto con diferentes grupos y eso nos ha nutrido mucho. Bastet, por ejemplo, ha tenido mucho acercamiento con el rock gótico, Shak tocaba con Maná y Rostros Ocultos. Guelas ha trabajado en proyectos de jazz, Fer admira mucho a Cerati, en fin, tenemos esa virtud.

¿Qué los inspira? Las ganas de hacer música entre amigos, de compartir nuestras canciones con más gente, pues la música es felicidad.

¿Cuál creen que es el momento que atraviesa la escena musical en el país? Siendo sinceros estamos sorprendidos por el despertar y el renacer que han tenido las propuestas musicales en el país. En la década de los 90´s y principios de los 2000´s se generaron buenas propuestas pero por diversos aspectos se rompió esta inercia que ahora vuelve, recuperando las raíces y convirtiendo a México en un semillero de grandes bandas y artistas. ¿Cómo es desarrollarse en una ciudad con gran demanda de nuevos grupos como lo es Guadalajara? Es muy padre, hay gente de otros estados que viene a trabajar aquí. De Durango por acá está Pitt Moreno y Rul de Siddhartha con los que nos llevamos muy bien. El público de Guadalajara es muy exigente y hay mucha competencia, eso te obliga siempre ha innovar, mejorar y contribuir que haya mucho movimiento. ¿Qué proyectos tienen en puerta? Nos acaban de invitar al Festival Cervantino y estamos en pláticas para tocar en las Fiestas de Octubre aquí en Guadalajara y acompañando a Pitt Moreno en algunas de sus presentaciones.

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