Cinéfagos - Número 17

No. 17 sept.-oct. 2015 Edición Bimestral

Finalistas

MEJOR TRABAJO WEB, DIGITAL O MULTIMEDIA 2014

Premio Estatal de Periodismo 2014

Alimentándonos del séptimo arte

Entrevistas: -Rafael Inclán -Luis Felipe Tovar -Gabriela Domínguez Ruvalcaba -Javier Espada -Pamela Velázquez -Claudia Helbig -Carlos Virgilio Mendoza -Cristina Michaus Especiales: -Multifamiliar Francisco Zarco -Cineteca Silvestre Revueltas Semblanzas: -James Horner -Christopher Lee Cobertura: -Foro Carpe Dim -Paloma Itinerante Reseñas: -La leyenda de 1900 -Casablanca -La princesa de Francia -Wolfpack

ME QUEDO CON

ARTEMIO GANADOR DEL FESTIVAL DEL NUEVO CINE MEXICANO

Editorial Alimentándonos del séptimo arte

La función de un cineclub DIRECTORIO Desde el mes de febrero Cinéfagos cuenta con un segmento radiofónico, breve pero sustancioso, dentro del programa Noticias en Directo que conduce mi amigo Juan Carlos Vargas en La Mejor FM. En la más reciente edición –previa a la publicación de este númerocharlamos acerca de los cineclubs y salas alternativas para la exhibición de películas.

Durante la charla destacábamos que, además de poder enfocar sus esfuerzos en determinadas temáticas y bajos costos, los cineclubs ofrecen la oportunidad de generar un análisis posterior de la película, no únicamente “ver por ver”, pues como siempre he creído las películas no terminan con el último crédito en la pantalla, sino que es apenas ahí que comienzan.

Teniendo en cuenta esto resulta loable la labor que desempeñan las personas que en Durango no solo les gusta apreciar buen cine, sino que su inquietud y amor por el séptimo arte los lleva a generar espacios donde más personas puedan conocer las propuestas que los enamoraron y que despertaron en ellos tantos sentimientos, porque en cine ante todo no puede ser un arte egoísta.

Para nada es sencillo mantener este tipo de sitios, pues muchas veces no son propios y la renta no siempre es costeable pues, admitámoslo, tanto el cine comercial de las grandes cadenas como el cine en casa que se

puede ver en el ordenador son un obstáculo a vencer, pese a que los cineclub de Durango se encuentren en pleno Centro Histórico, al alcance de todos.

Sin embargo, a pesar de todo lo anteriormente descrito, siempre he considerado que lo más bello de estos espacios es la amplia gama de películas que se puede ver ahí, muchas descontinuadas, otros clásicos y otras tantas más que jamás llegaron comercialmente a nuestra ciudad o lo hicieron por poco tiempo.

Cine de todos los sabores, colores, aromas e idiomas.

Pero ¿qué pasa cuando, con tal de no ver la sala vacía, nos olvidamos de ofrecer nuevas propuestas al público y caemos justo en eso que hemos condenado? ¿Vale la pena tener más ingresos a cambio de poner las mismas películas comerciales una y otra vez? ¿Dónde está la posibilidad de generar nuevas audiencias en una ciudad sin escuelas de cine cuando se hace eso?

Siempre he admirado la labor de los exhibicionistas de la ciudad responsables de salas alternativas y cineclubs, tanto así que en Cinéfagos ya les dedicamos un especial completo a ellos y su cartelera siempre es compartida en redes sociales, de ahí el deseo de que la calidad de sus carteles, nunca disminuya por el fervor de una sala llena.

Andrei Maldonado

Director General Andrei Maldonado Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa Colaboradores Seth Álvarez Juan José Ortiz Daniela del Palacio Nitzia Ruiz Zapatero Fotografía Roberto Cárdenas Leonel Zúñiga Ángel Meraz León C. Alvarado Diana Reyes Fotografía externa Cortesía Diseño Andrei Maldonado

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Contenido

ADEMÁS

ARTEMIO...

3 RAFAEL INCLÁN ...7

Luis Felipe Tovar... 11 Gabriela Domínguez Ruvalcaba... 13 Javier Espada...15 Claudia Helbig...19 Carlos V. Mendoza... 23 Pamela Velázquez... 27 Carpe Diem... 29 Cristina Michaus... 31 Peproc... 35 Cineteca Municipal... 39 Multifamiliar.. 41 Cecoart... 47 La princesa de Francia... 48 Paloma Itinerante... 49 James Horner... 51 Christopher Lee... 53 Wolfpack... 56 La leyenda de 1900... 57 Casablanca... 59

El discreto encanto de ser

ARTEMIO por ANDREI MALDONADO fotografía ERIC EDUARTE VILLA

Proveniente del mundo de la plástica Artemio Narro –Artemio a secas, para los amigos y no tan amigos- se atrevió no solo a desafiar a aquellos que consideraban que alguien de su perfil no estaba capacitado para hacer cine, sino que también se ha dado el lujo de ganar festivales. Sí, de cine. Abandonando la galería – aunque no tanto- Artemio se ha comenzado a consagrar en el séptimo arte, llevándose recientemente el premio del jurado del Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango.

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Me quedo contigo es la ópera prima de quien, a base de sus obras y performance, consiguió auspiciarse su propio lujo, el mismo que lo tiene hoy en la mira de la crítica, la cual incluso lo premió en Durango y ha reconocido que ya espera el siguiente trabajo de quien, justo ahora, comienza a verse a sí mismo como cineasta. Cinéfagos fue el primer medio que habló con el realizador tras llevarse el máximo galardón del Festival.

Hoy Artemio, el que viene del mundo del arte, se lleva el premio de un festival de cine ¿qué sientes?

Qué te puedo decir, reconozco el valor que ha tenido el Festival en programarla y del jurado de premiarme, lo cual me llega de sorpresa porque para mí era suficiente con que más público viera la película. Creo que los premios son algo muy relativo, para mí lo mejor en este Festival ha sido la posibilidad de charlar con el público, cosa que no puedes hacer si se exhibe en el cine. ¿Qué te pareció el Festival de Cine de Durango?

Fue una sorpresa para mí estar seleccionado para venir a Durango.

Me pareció un festival muy bonito, muy genuino y muy honesto, incluso valiente por la temática de las películas, por poner en competencia ficción y documental al mismo tiempo y por apoyar la producción local.

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Ahora que vi las películas en competencia creo que todas eran muy buenas, todas hablaban de temas sumamente relevantes e imagino que el proceso para hacer una selección no fue nada fácil. Me gustó desde el principio y ahora ganando me gusta aún más.

Artemio, el que no estaba para cine, regresará al Festival como jurado.

Sí (risas) no tendré tiempo de pasearme por Durango, tendré que ponerme a ver películas, pero eso es bueno, porque podré apoyar a otros compañeros así como hubo cineastas que me dieron consejos a mí.

Con el premio ya te falta menos para tu próxima película (Risas) Sí, esta vez en la subasta puedo pedir una obra menos para la coperacha (risas). De cualquier forma quería que esta no fuera la única vez que hago una película, y eso es lo importante del premio, no el dinero, sino la confianza que me da para seguir.

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El cine según

RAFAEL INCLÁN por ANDREI MALDONADO fotografía ROBERTO CÁRDENAS

Como dijera Luis Felipe Tovar: “existe el cine mexicano y el cine mexicano de Rafael Inclán”. Uno de los “feos” del tan desprestigiado Cine de Ficheras estuvo en Durango durante la realización del séptimo Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango.

Cinéfagos charló con él y nos compartió su experiencia durante esa turbulenta época, así como la realidad del cine mexicano actual.

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¿Qué efecto tuvo ficheras en México?

el

cine

de

¿Por qué se dejó de hacer cine de ficheras?

Como tal el cine de ficheras no fue tan extenso como se cree, yo solo participé en cinco, las más conocidas, las filmadas por Guillermo Calderón.

Todas las películas de ficheras no eran otra cosa que secuencias de teatro de vodevil y tuvieron su origen cuando Calderón se quedó hasta sin su casa por filmar La virgen de Guadalupe.

Las películas de ficheras tuvieron su época, como lo tuvo el cine de cabaret y de rumberas, del cual fueron herencia. Cumplieron su objetivo, el cual estaba relacionado directamente con la vida económica y social de la época y que, una vez que está cambió, las volvió innecesarias, por eso ese cine ya no puede volver.

Al no tener dinero contrató a la gente que hacíamos teatro de vodevil, entre ellos Alfonso Zayas, Luis de Alba, Alberto “Caballo” Rojas y yo, y empezó a filmar teatro de vodevil generando películas quizá muy malas, pero que nos dieron de comer a toda la gente del teatro porque se pagaban en dos semanas, llenaban los cines de los barrios en toda la República y eso permitía que salieras de una y entraras a trabar en otra inmediatamente.

¿Quedó marcado por ese cine?

Fue el que me dio a conocer, sin embargo el que es buen actor tiene que hacer cualquier papel. Lo mismo hice ficheras que Risptein y sigo trabajando con distintos directores. ¿Le gustaría trabajar en alguna producción en Durango?

Ya tuve oportunidad en el pasado de trabajar aquí, precisamente en Canatlán en la película La cosecha de mujeres, que no era una película de ficheras. Esa también le costó la casa al director. Con gusto vuelvo, nada más hace falta que me inviten (risas).

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Luis Felipe Tovar

GENIO Y FIGURA... por ANDREI MALDONADO fotografía ROBERTO CÁRDENAS

Se trata de un actor sui generis, el cual sabe desenvolverse por igual en televisión, teatro y cine. Se trata de alguien que a la perfección te puede dar al villano más cruel como al héroe más confiable. Hablamos de un hombre capaz de personificar el más crudo de los dramas o la más ligera comedia. Hablamos por su puesto de Luis Felipe Tovar, quien en su visita a Durango -en el marco del Festival del Nuevo Cine Mexicano- platicó con Cinéfagos acerca de la situación actual de la cinematografía nacional.

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¿Cuál es la situación actual del cine mexicano?

Creo que es muy diversa. Hasta hace unos años se hablaba de él como un cine cruel, uno que nos entregaba imágenes e historias desgarradoras de una realidad muy triste, y hoy veo que los cineastas cada vez más se interesan en historias diversas. Hay mucha temática para jóvenes y para la familia y el público sale con buen sabor de boca. ¿Qué piensas del cine que ahora se difunde por internet?

No me he visto involucrado en ninguna película que solo se difunda en internet, pero creo que estas producciones independientes le permiten a los chavos que se inician en el cine darse a conocer, pues la realidad es que llegar a la pantalla grande sigue siendo complicado, implica distribución, tiempo en salas y que la gente acuda a ellas. Creo que no importa en qué formato se exhiba, lo que importa es que la gente vea el cine que se está haciendo.

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Gabriela Domínguez Ruvalcaba

LO QUE SE QUEDA EN LA MEMORIA por ANDREI MALDONADO fotografía ROBERTO CÁRDENAS

¿En qué punto la memoria personal puede tocar el pasado de otra persona? ¿Hasta qué grado una experiencia que nos marcó de niños es similar a la de otro? ¿En qué radica la coincidencia? ¿En el lugar, en el tiempo, en el sentimiento?

Con sutil gracia Gabriela Domínguez Ruvalcaba retrata el peso de la memoria y los recuerdos en La danza del hipocampo, recuerdos que cobran mayor relevancia porque son dictados a partir del registro gráfico y visual que proporcionan la fotografía, el cine y el video casero.

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Habiendo presentado su largometraje dentro de la selección oficial del Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango la directora charló con Cinéfagos sobre este trabajo, cómo surgió y qué premisas detonaron la forma en que quedó retratada su visión acerca del ejercicio de la memoria. ¿Qué trabajos te inspiraron para crear este documental?

Me gusta mucho el cine autobiográfico de los años 60’s de Agnes Varda y Chris Marker. Así también me documenté a través de los textos de Henri Bergson.

Finalmente cuando decidimos hacer una película terminamos entrelazando todo lo que conocemos y hemos visto como amantes del cine.

¿Te enfrentaste al temor de arrojar al público un trabajo tan personal?

En cuanto a hacerlo documental no, pues es el género que siempre me ha gustado, pero sí tuve cierto temor de hacerlo tan personal y que se quedará en la biblioteca de mi casa.

Pero por suerte no era un trabajo solo mío, sino que hubo todo un equipo de trabajo que me ayudó a tener estos anclajes que lo volvieran más universal. ¿Cómo percibes tú la forma en que la memoria selecciona y retiene ciertos pasajes de la vida y otros simplemente los olvida?

Creo que es un efecto quizá no intencional, pero sí personal.

Nosotros vamos seleccionando qué se queda en el hipocampo y qué se lanza al olvido, y ni tan al olvido, pues hay recuerdos que no teníamos conciencia que se conservaban en nosotros y son detonados por un olor o un sonido.

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Javier Espada

LA INTERMINABLE HERENCIA DE BUÑUEL por ANDREI MALDONADO fotografía ROBERTO CÁRDENAS

Si existe una voz autorizada en la actualidad para hablar de Luis Buñuel ese es Javier Espada. Director de la Casa Buñuel en Calandas –mismo pueblo de origen que el aragonés- y creador del Festival 22xdon Luis que desde hace 10 años se celebra bajo el lema “películas que Buñuel habría deseado ver”, Javier ha dedicado gran parte de su vida a la documentación, análisis y difusión de las películas que Buñuel creó, así como a su herencia a la cultura cinematográfica.

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Durante su visita a Durango en el marco del Festival del Nuevo Cine Mexicano, en el cual fungió como jurado y en el que presentó su documental “Tras Nazarín”, Javier nos platicó sobre lo que significa Buñuel en la actualidad y su trascendencia imperecedera para el futuro. ¿Existen cineastas en la actualidad realmente influenciados por Buñuel?

Claro, y ellos mismos me lo han confesado, están por ejemplo Arturo Risptein y Carlos Reygadas. Pero para ser seguidor de Buñuel no basta con imitar su estilo. Él creía plenamente en la libertad creadora.

Esa es la mejor forma de homenajearlo, seguir contando las historias de uno mismo. ¿Cómo manejaba Luis filmar historias que eran bajo contrato para poder seguir filmando sus propias historias?

¿Cuáles fueron las dificultades de filmar “Tras Nazarín”?

Realmente ninguna, pues yo cuento este documental como alguien que ha nacido en Calandas, si lo hubiera hecho alguien nacido en Francia o México tendría otra visión. Como calandino asumo que existe una subjetividad marcada, pero así mismo ofrece una única visión. Creo que eso termina siendo más valioso que la objetividad que puede perseguir una verdad que como tal no existe.

La vigencia del cine de Buñuel ¿qué futuro tiene?

Si con 115 años su visión sigue fascinando y ha fascinado a grandes como Tarkovski creo que el cine de Buñuel se ha consolidado como un clásico, en el más grande sentido de la palabra, y seguirá vigente en todas las escuelas de cine y en todos los futuros realizadores.

Lo manejaba muy bien, pues a pesar de ser muy serio a la hora de trabajar disfrutaba y se divertía con lo que él llamaba “cine alimenticio”. No lo pasaba tan mal y sabía combinarlo con proyectos más personales, en donde no tardaba más de veinte días en filmar y dos en editar.

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Claudia Helbig

EL MILAGRO DE HACER CINE MEXICANO por ANDREI MALDONADO

El cine no es sólo concebir una idea, sino saberla plasmar en una buena película. Y para ello se requiere de un largo proceso en el cual se deben cubrir todas las necesidades de la producción y, después de filmarla, se debe encarar el reto de encontrar los espacios para su exhibición y distribución.

En Cinéfagos charlamos con Claudia Helbig, integrante de “Fábrica de Sueños”, casa productora responsable de Milagro en Praga, una co-producción México-checa protagonizada por Aislinn Derbez, y nos contó todo el proceso que significó realizar este largometraje.

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¿DIFICULTADES ENCONTRARON PARA LA FILMACIÓN? Milagro en Praga es una película filmada el 80 por ciento en Praga, hablada 80 por ciento en checo. Es la primera película coproducida con la República Checa. Además del idioma el clima fue un factor en contra, pues fue rodada en un ambiente invernal.

Tardamos dos años en terminarla. ¿POR QUÉ AMBIENTARLA EN LA REPÚBLICA CHECA? Eder Campos, otro de los productores, conoció a Alinka, la directora, y al charlar ambos dieron con esta historia que tenía que ser ambientada en ese país. ¿COMPLICACIONES EN MATERIA DE DISTRIBUCIÓN Y EXHIBICIÓN? Es difícil encontrar una distribuidora.

Nosotros salimos bajo presión porque es una película de temporada y por eso tenía que estrenarse en diciembre. Pero a pesar de salir con pocas copias sumamos 27 semanas, consecutivas 21, en cartelera. ¿CÓMO HA SIDO LA ACEPTACIÓN DEL PÚBLICO MEXICANO? Ha sido buena a pesar de que puede ser un factor en contra el que, siendo una película mexicana, esté en otro idioma. Hemos tenido presencia en todo el país. Tiene un gran elenco, una bella historia y hermosos paisajes.

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demás que también forma parte del día a día, aunque no precisamente sean moralistas. ¿CÓMO ES LA RECEPCIÓN DE LAS PELÍCULAS MEXICANAS EN EL EXTRANJERO?

¿SE HA EUROPA?

PRESENTADO

EN

Sí, tenemos dos versiones. La de aquí es Milagro en Praga y la que se proyectó en la República Checa se titula Little Baby Jesus. La diferencia es el final, pues es la misma película pero se crearon dos finales pensando en la diferencia de cultura y el tipo de recepción que tienen ambos públicos, aunque nos ha ido mejor aquí. ÚLTIMAMENTE EL CINE MEXICANO ESTÁ OFRECIENDO HISTORIAS NUEVAS, NO SOLO VIOLENCIA ¿CÓMO APRECIAS ESTO?

Nosotros en “Fábrica de Sueños” tenemos la oportunidad de realizar varios trabajos en el extranjero y acudir a festivales, en donde podemos ver la reacción del público extranjero y es muy buena pese a las barreras que pueden existir. ¿CÓMO GOLPEA LA PIRATERÍA A LA INDUSTRIA FÍLMICA NACIONAL? Sí nos afecta ya que se disminuyen los ingresos que pueden entrar tanto por las salas de cine como en la compra de DVD. Sin embargo cada vez son más las personas que entienden lo que cuesta hacer cine y valoran ese esfuerzo al ir a las salas a consumir cine mexicano.

En lo particular aprecio que en otros países se reconozca como cine mexicano no solo al de la violencia, la drogadicción o el narcotráfico. Creo que es muy importante crear películas que reúnan a las familias, que logren que ese momento que están en la sala se olviden de los problemas que nos aquejan y al mismo tiempo dejen otro mensaje, que permitan darnos cuenta de lo

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Carlos Virgilio Mendoza

Siempre he visto la mĂşsica como algo superior en mi vida por SETH Ă LVAREZ

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Tuve una pequeña charla con Carlos Virgilio Mendoza, un joven colimense con un futuro muy prometedor en el medio musical cinematográfico.

Actualmente estudia música y ha participado en dos de los proyectos audiovisuales más importantes del estado.

Virgilio, platícame ¿Cómo llegaste a la música?

Todo surgió desde que era pequeño.

Mi abuelo siempre ha sido un melómano y desde que era un niño estuve rodeado de un ambiente musical vivo. Aunque ninguno de mis familiares cercanos es músico, todos en mi familia aprecian la música y la viven a diario. ¿Y cómo empezaste? ¿le dijiste a tus padres “quiero ser músico”?

Cuando tenía 10 u 11 años mi abuela me compró una guitarra. Entonces, de manera natural y por mi cuenta, comencé a aprender a tocarla; es algo que se me dio muy bien. Cuando cumplí 15 años decidí decirles a mis papás que quería hacer esto de por vida, que me quería dedicar a esto.

Para mi sorpresa ambos me apoyaron sin dudarlo. Así fue que a esa edad entré al Instituto Universitario de Bellas Artes de la Universidad de Colima, para hacer el bachillerato especializado en música, estudiando guitarra clásica con el compositor y guitarrista Simone Lannarelli.

¿Y ahora qué haces?

Estudio en Boston, en Berklee College of Music. Fui aceptado este año y gané una beca para poder estudiar ahí.

Felicidades ¿Fue difícil?

Si, fue un proceso largo y de muchos sacrificios. Para obtener la beca tuve que preparar un portafolio de trabajos que me tomó bastante tiempo completar. Esto significa que muchos fines de semana no salí a divertirme como muchos de mis amigos lo hacían. Es difícil cuando tienes 18 años, pero tenía que seguir trabajando. Al final, todo ese esfuerzo valió la pena. ¿Qué es lo que más te gusta de la música?

Me gusta mucho en lo que trabajo, como a un escritor le gustan las palabras y la prosa o a un artista plástico, el mármol o la pintura. Pero siempre he pensado que la música significa algo más trascendental para el ser humano. Es algo intangible e invisible. Sin embargo cuando la escuchas, sientes cosas, y algunas veces, también, hasta las visualizas.

La armonía crea sensaciones en el cuerpo humano que sólo la física explica. Una obra musical puede expresar cosas que ningún libro podría, y esto sin decir una sola palabra. La verdad, siempre he visto a la música, como algo superior en mi vida. Para mí, es una alegría infinita poder vivir de ella y dedicarle mi vida.

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¿Cuál es tu proceso creativo?

Bueno, para trabajar trato de ser lo más organizado posible. Siempre procuro tener una taza de café en la mano. Por escrito planteo todos los objetivos que tengo que hacer por semana, para cualquier obra en particular. Para cuando se trata de editar las partituras, escucho música de otros compositores. Es algo que siempre hago, me pone de buen humor. Generalmente trabajo de 4 a 6 horas, luego descanso un poco para no forzar el proceso de creación de la obra. En realidad es un trabajo arduo, que lleva tiempo y que no tiene que presionarse.

popularidad es menor, en comparación a la del cine. Por lo tanto, la música de películas tiene un consumo bastante amplio.

Compositores como John Williams, Hans Zimmer o Danny Elfman han popularizado bastante el género con sus temas. Todo esto captó bastante mi atención y en el 2014 conocí a Omar Juárez, quien después de escuchar unas de mis obras, me invito a trabajar en el cortometraje TV Boy. Fue una experiencia increíble que marcó un cambio en el camino de mi carrera. Fue lo que me hizo tomar la decisión de estudiar música para cine como una carrera formal.

¿Tienes algún tema recurrente?

En los últimos años, me ha llamado mucho la atención, los temas relacionados con el terror; ya sean películas o libros. Y como parte de mi objetivo como compositor es hacer música para cine, me sirve mucho hacer obras, tratando de representar momentos o historias específicas de terror. He trabajo mucho con historias de mi escritor favorito Howard Phillips Lovecraft.

Excelente. También trabajaste en El Ocaso de Juan ¿No? Así es. Como te comenté Omar Juárez me invitó a seguir trabajando con él. Su último corto fue El Ocaso de Juan donde, por cierto, tú participas como guionista. Es un proyecto del que estoy seguro dejará una marca en la historia cinematográfica de Colima, ya que cuenta con un elenco de la talla de Kristyan Ferrer y Alberto Trujillo. En verdad no lo pensé dos veces para sumarme al equipo. En este momento el cortometraje se encuentra en post producción y ahí es donde entra la musicalización. Pronto se verá el resultado final. Estoy seguro que será del agrado de todos y que pondrá el nombre de Colima en los reflectores del ámbito cinematográfico de México.

¿Qué me dices del cine? ¿Cuál es tu peli mexicana que más te gusta?

Admiro mucho el trabajo de Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón y Alejandro Gonzales Iñárritu. Pero Rudo y Cursi fue algo que disfrute bastante. Esa película es de mis favoritas ¿Y cómo fue que entraste al mundo audiovisual, a crear música para cortometrajes?

La música para imagen siempre llamó mi atención. Hoy en día la veo como la última frontera de la música sinfónica. No digo que la música sinfónica ya no exista, pero su

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Seguramente, ya que se hizo con mucho esfuerzo y con gente de Colima quienes no dudaron en apoyar la grabación.

A mí me llena de orgullo poder ser parte de todos estos proyectos de mi ciudad. Aunque yo esté tan lejos, gracias a la tecnología de estos días, yo puedo seguir en contacto con mucha gente de colima para poder seguir trabajando. ¿Y qué sigue?

Bueno, acabo de ganar la beca jóvenes creadores que ofrece el PECDA en Colima. Presenté el proyecto para hacer tres obras para diferentes instrumentaciones durante un año. Todas basadas en historias de Lovecraft. De hecho en este momento estoy trabajando en ello.

Aparte tengo la invitación a participar en algunos proyectos. El hecho de haber colaborado en la música para TV Boy me abrió las puertas para conocer mucha gente y preparar nuevos trabajos.

Ahora estoy en pláticas para musicalizar Polvo Blanco, corto colimense que este año ganó el primer Concurso de apoyo a la producción de cortometraje de ficción en los Estados del IMCINE y del cual, por cierto, tú realizaste el guión.

Bueno, también, por otro lado, están mis estudios. Tengo mucho que aprender en Berklee. El camino es largo, pero sé que con paciencia y mucho esfuerzo al final todo dará frutos. Siempre valdrá la pena el esfuerzo.

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PAMELA VELÁZQUEZ

Por segundo año consecutivo el Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango reconoció a los jóvenes realizadores duranguenses que comienzan a introducirse en el mundo del séptimo arte. Habiendo integrado una selección de nueve trabajos, entre ellos documentales, animación y ficción, el jurado decidió premiar a Ni de aquí, ni de allá de Pamela Velázquez como el mejor corto “Hecho en Durango”. La joven directora charló con Cinéfagos al respecto

por ANDREI MALDONADO

Mejor Corto “Hecho en Durango” ¿Qué sientes de ser reconocida con este premio?

Estoy muy contenta y esto es gracias al gran trabajo en equipo que se hizo con el crew y con el grupo de talentosos actores que trabajaron con nosotros. ¿Qué sigue?

Actualmente estoy trabajando en una producción en los Estados Unidos.

Una vez que termine iniciaremos la filmación de un largometraje aquí en Durango con mucha gente joven que participó en esta selección, con algunas escenas en el Distrito Federal.

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¿Qué consejo les darías a los jóvenes que aún no se animan a participar?

Que lo intenten, que no se limiten.

Cada nuevo trabajo que hagamos nos va a ir haciendo mejores. El año pasado participamos con un cortometraje y no ganó, esta vez gracias a Dios ganamos.

De la mano de GOOGLE FASHION, el diseñador mexicano Galo Bertin presentó su nueva colección “CACCIA”, Otoño - Invierno 2015.

Mediante el nuevo formato de GOOGLE FASHION “THE STAGE”, fuimos testigos de una colección que evoca la masculinidad y el glamour de la clase alta a través de contrastes en texturas y micro detalles en la sastrería que se han convertido en el distintivo de la marca.

Durante la presentación se llevo a cabo un Hang Out, en donde pudimos ser testigos de la presentación del nuevo embajador de la marca el actor y empresario Erik Hayser quien compartió: “Me identifico con Galo Bertin porque en gran medida refleja mi personalidad. Me siento cómodo en sus diseños y encuentro cuidado, detalles y trabajo en cada cosa que hace. Sabe conjugar la simpleza de lo clásico con los retos que día a día nos enfrentan al mundo. Se arriesga de manera consciente y sabe que el éxito se construye paso a paso".

También acompañaron al diseñador Juan Jo Herrera, conductor y director de BANG! y WANTED MM, Elié Rodríguez, director de la revista HIBRIDO y Roberto Robie, director regional del FASHION GROUP, quienes compartieron su experiencia de trabajo en distintos proyectos junto a la marca.

GALO BERTIN demuestra una vez estar a la vanguardia lanzando su nueva tienda en línea, un proyecto innovador que va de la mano de tendencias actuales de compra a nivel mundial creando una experiencia única dentro de las marcas de moda mexicanas.

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por NITZIA RUIZ ZAPATERO

Transcurren los días en pleno Siglo XXI y el cine cada día acelera sus posibilidades, tomando posicionamiento en casi todas partes con mayor intensidad. La idea de no solo mostrar sino involucrarse en la actividad cinematográfica es una necesidad hoy en día. Bajo esta premisa en México han surgido una serie de espacios de encuentro colectivo, tal es el caso del Foro de Expresión Cinematográfica Carpe Diem, que como su nombre lo indica, invita a la expresión del sentir mediante el séptimo arte, siendo eso aquello que nos una.

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El Foro de Expresión Cinematográfica Carpe Diem vio la luz en enero de 2015, teniendo como sede la ciudad de Salamanca, Guanajuato, superando las expectativas de sus iniciadores: Ana Espino Sánchez y Darío Vargas Orozco, quienes plantearon el proyecto por el gusto del cine, haciendo hincapié en la falta de un foro de ese tipo no solo en la región, sino en el país.

La idea es convocar a la realización de nuevas propuestas audiovisuales, Carpe Diem propiciará los medios para llevarlo a cabo, buscando impulsar las distintas realidades que nos rodean a través de las ideas de realizadores, tanto salmantinos como de cualquier punto del país, ubicando sus locaciones y enmarcando las posibilidades del municipio de Salamanca.

Este sueño, que parecía lejano, se volvió una realidad cuando grandes actores del cine mexicano de la talla de Gustavo Sánchez Parra, Tenoch Huerta y Humberto Busto apadrinaron y formaron parte del jurado calificador del primer foro de expresión cinematográfica, otorgando el premio de la noche a mejor cortometraje a La cosecha, de Juan Carlos Rivera, así como una mención especial al documental Manos de Cera, de Sergio Martínez García.

El Foro Carpe Diem constituye un conjunto de esfuerzos de aquellos amantes del cine, ofreciendo un acercamiento no únicamente como espectador, sino como realizador, propiciando un espacio para ver, oír y sobre todo sentir historias que vienen desde el sur y norte para quedarse.

En su primera edición se realizaron cinco cortometrajes de ficción y uno de documental, a pesar de que la convocatoria inicial únicamente abarcaba ficción; para su segunda edición, a llevarse a cabo del 28 al 30 de enero de 2016, Carpe Diem ha dividido su convocatoria en ficción y documental, además de que, bajo el tema "Guanajuato, cultura y tradición", lanza por primera vez la convocatoria para Mapping Art, propiciando así un encuentro con las nuevas tecnologías.

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CRISTINA MICHAUS

Un grano de arena en el mar del celulouide

por SETH ÁLVAREZ

Veracruz, con título y cédula profesional, me moría de hambre (literal y escénica), así que con cierta guapura y veinticuatro años, encajé perfecto. Después me volví guionista y hasta semi-productora ejecutiva. A la par, (como todo en mi carrera), apoyaba a los alumnos del CCC y del CUEC ¡malditos ingratos! porque cuando se volvieron famosos ya no se acordaron de mí.

Tuve una pequeña e interesante charla con Cristina Michaus, actriz ganadora de un premio Ariel y de infinidad de reconocimiento por su trabajo actoral. Ella también es productora, guionista, poeta y activista social, entre otras muchas de cosas.

Michaus, platícame un poco sobre tus inicios en el medio cinematográfico.

Pues empecé haciendo algo que ya desapareció como tal y que nosotros le llamábamos Narco-cine. Era curioso, porque eran películas producidas al vapor, nunca se sabía mucho de los productores pero trabajabas con gente como Sergio Goyri y el "Flaco" Guzmán... había muchos balazos, locura y chicas guapas. A pesar de ser toda una egresada de la Universidad de

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Cuéntame alguna anécdota de esa época.

Recuerdo un guión impresionante que afirmaba que el famoso agente de la DEA, asesinado por Caro Quintero, el tal “Kikis” Camarena ¡estaba vivo! En ése momento estaba yo trabajando en una serie de Televisa que se llamaba La Hora Marcada dirigida por el señor Baledón y también estaba en temporada de Teatro en la UNAM con un clásico de Calderón de la Barca.

Entonces, sucedió lo que todo actor teme: ¡se me juntaron los llamados!

El mismo día tuve que hacer malabares para poder cumplir con mi llamado de la peli en Cuernavaca, mi llamado con Televisa y llegar al teatro a tiempo. Fue terrible y casi acabo con una carrera que empezaba a levantar el vuelo. Muchas veces tuve situaciones así pero creo que esta fue de las peores. Cuando le rogué al señor Baledón para que “acomodara” las escenas del llamado de tele, le dije estúpidamente: “le prometo que no volverá a suceder”, entonces, con su enorme simpatía, me dijo: “pos claro que no, porque no creo que te vuelvan a contratar”. Curiosamente trabajé muchas veces más con él y ése día logré hacer teatro, tele y cine en menos de 22 horas.

Todo un maratón. Dime ¿Qué fue lo que te atrajo de la actuación?

La verdad nunca me interesó ser actriz, lo que yo quería era algo más simple: “Hacer una Revolución que de verdad transformara este país”.

Así vi en el teatro un instrumento perfecto para generar conciencia.

Jamás pensé como piensan ahora los chavos motivados por la pésima imagen que generan los medios.

Cuando decidí a los 13 años convertirme en actriz esa era una profesión deleznable, prostitución pura, y me costó caro la elección. ¿Cómo es tu proceso creativo como actriz?

En el cine siempre siento que estoy ganando dinero fácil. Me refiero a que en teatro ensayas meses o años y te pones unas jodas infames para ganar muy poco o salir poniendo. En cine siempre me han tratado como reina, voluntaria o involuntariamente, y el "esfuerzo" actoral es (para mí) mínimo. Inclusive cuando haces tus escenas de acción. No hay cosa más falsa, artificial y cuidada que el cine.

Si me preguntas por mi proceso de construcción de personaje, es el mismo para una obra infantil que para una tragedia griega. No hay personajes pequeños, hay actores torpes. Trato de ser lo menos torpe posible, apegándome a lo que aprendí en la Facultad de Teatro de la U.V. un método sólido, heredado de la grandiosa tradición del teatro y la cinematografía de la ex-Unión Soviética.

compañeros Daniel Giménez Cacho, Álvaro Guerrero, Alonso Echánove y de las actrices tengo muchísimas favoritas. Alguien a quien admiro y me parece una flama es Silvia Pinal (cuando estaba viva…alguien avísele que ya no está). (Risas) Entre más buceo en el cine, más me encanta. ¿Y directores? ¿Nacionales? soy fan de Cuarón, del Negro, de Aguirre, de Tort y del genial Alejandro Gamboa. Respeto mucho a los directores mexicanos porque sé lo que tienen qué hacer para levantar un proyecto. De los clásicos me gusta mucho el Buñuel de México, Cazals; aunque mi director absoluto no es mexicano: Andrei Tarkovski. Para mí su trabajo es la esencia del cine. En México es imposible tratar de arañar en estos tiempos el gran arte del cine. Es triste, pero real. No en películas comerciales, no para sobrevivir. Sin embargo hay directores mexicanos que no paran de luchar por ello.

A ver, dime ¿La peli mexicana que hay que ver cuanto antes?

Pues para hacer "conciencia", de algo que los que estamos en el "ajo", siempre hemos sabido: La dictadura perfecta.

Para ser mexicanos humanos, libres, enaltecidos, hay que ver todas las películas fotografiadas por Gabriel Figueroa. Si no te llenas la cabeza con "nubes de Figueroa", mejor rompe tu acta de nacimiento, tu pasaporte y siéntate a esperar a Donald Trump.

¿Cuáles son tus actores mexicanos favoritos?

Disfruto con muchos, sobre todo de los ya fallecidos como Inclán (el ciego de Los Olvidados). De los vivos me siguen gustando mucho mis

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Y pasando a otra cosa, sé que no te gusta hablar de tus premios pero ¿De cuáles te sientes más orgullosa?

Pues la verdad el premio ha sido cada día, cada segundo pasado en un set. Indudablemente las tres nominaciones al Ariel y el Ariel mismo por De La Calle; por todo lo que significa, por todo el trabajo de miles de compañeros del Staff. Sobre todo del staff ya que son los que hacen el cine, los que en realidad me impulsaron para que finalmente mi carota estuviera ahí. Mi insignificante trabajo enaltecido por el trabajo silencioso y callado de ellos. Ése es el premio. La recompensa es el camino que se recorre. Yo no soy absolutamente nada, un grano de arena en el mar del celuloide. Por ello estoy agradecidísima de poder pertenecer al selecto "club" de los que pueden vibrar con el arte de hacer imágenes. Otros premios: tu amistad, me la dio el cine, y estoy orgullosa de ese premio.

Gracias Michaus, igualmente correspondida. Pero, cuéntame sobre el éxito de tu obra de teatro en el extranjero.

Es un texto sobre las mujeres asesinadas en Ciudad Juárez. Fue escrito originalmente para que lo representara esta servidora, años después, y debido a la enorme oleada de clamor popular que levantamos con obra, video y trabajo político con relación a los feminicidios, fue publicada en una antología que llegó a las manos de un director de origen mexicano que es maestro en College of Wooster, en Ohio: Jimmy Noriega. Jimmy se decidió a montarla y después dieron una gira espectacular por más de

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veinte universidades de Estados Unidos.

Finalmente fueron seleccionados como una de las cinco mejores puestas universitarias el año pasado. Para mí fue un gran honor asistir a Ohio y dar unas conferencias sobre el tema, la obra y el teatro en esa Universidad. Hoy estamos en pláticas para generar un nuevo proyecto. ¿Cuáles son los tips para lograr lo que tú has logrado?

Mantenerte con hambre. (Risas).

Hambre de hacer, decir, ayudar, transformar, servir. Hace cinco años estaba perdiendo el hambre, me empecé a morir y afortunadamente encontré un lugar en el universo donde pude lamerme las heridas y ahora vuelvo poco a poco a estar en pie. Ése lugar es tu tierra Seth: tu bendito Manzanillo, tesoro nacional y que un día de éstos y gracias a ti, tendrá su muestra de cine.

Ojalá. Y hablando de Manzanillo ¿Qué es lo que más extrañas?

Nunca había extrañado tanto un lugar. Extraño todo. A las personas maravillosas como tú, tu hermana, el mar que es energía pura, el imponente puerto, la honestidad de las personas y su deliciosa sal, el chocolate, las tostadas, los cocos, la comida de mar, las clases de arte y salud, La alegre vitalidad, la exuberancia de sus contrastados paisajes. Nunca en mi vida había podido tener amigos y amigas, y ahí los encontré. SPA quiere decir: Salute Per Aqua, Sanar por medio del Agua, pues bien, Manzanillo es un enorme SPA. Así lo fue para mí.

Ya nos sufras más, Regrésate, (Risas) ¿Y qué haces ahora? como van los proyectos, tu asociación Tenzin ¿Qué planes tienes?

Proyectos con Tenzin. Estamos haciendo una campaña para prevenir y atender víctimas de bullying en las escuelas públicas del DF. Terminamos un proyecto muy hermoso de atención a mujeres víctimas de violencia. Fue un proyecto muy largo. Tres años consecutivos atendiendo mujeres de las delegaciones más conflictivas: Iztapalapa e Iztacalco. Además tenemos becada a una chica en Querétaro que va para diseñadora gráfica, se salvó de ser "vendida" en Estados Unidos y bueno, el proyecto de obra para Wooster.

Están mis eternos planes de la edición digital de mis cuentos, obras de teatro y poesía (que ya casi se concretan). Alguna peliculilla y una sorpresota en la que vuelvo a las andadas como actriz, espero que todo salga bien. Por cierto, una primicia, también estoy preparando un documental sobre el maestro Artemio Sepúlveda, pintor mexicano, colaborador de Siqueiros, quien presentará una exposición de gran formato sobre los mineros de Pasta de Conchos.

Muy interesante y toda la suerte del mundo con eso. Ahora, dime, eres actriz, guionista, activista, poeta, directora, etcétera, etcétera.

Pero ¿Quién es en realidad Cristina Michaus?

Una niña asustada. Una huérfana, una gitana. Un paria del sistema que sigue en pie, sólo para apuntarle con el dedo y molestarlo.

(Risas) Y una excelente mujer tratando de sacar adelante a su cachorro.

Lo intento pero fallo... total, ésa sí es la peor chamba del planeta, siempre la riegas cuando eres mamá.

(Risas). No te preocupes, así pasa.

Y ¿Qué ha aprendido Michaus de la vida?

De la vida he aprendido poco, soy muy mala alumna, y ella es tan dulce como los brazos de mi madre; en ella me solazo, me recreo, me consuelo. ¡Ah! Pero de la muerte he aprendido mucho. En primer lugar a esquivarla, a tomar muy en serio sus lecciones, sus advertencias, su voz poderosa, su inconmovible paso; he aprendido a estar alerta y no dormirme. No temo morir por mí, sino por los que dependen de mí, tú como padre sabes a qué me refiero.

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Premio Estatal de Periodismo 2014

HONOR A QUIEN HONOR MERECE por ANDREI MALDONADO fotografía ERIC E. VILLA ///LEÓN C. ALVARADO

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La asociación de Periodistas y Profesionales de la Comunicación (Peproc) galardonó a lo mejor del medio informativo con la tercera entrega del Premio Estatal de Periodismo y Comunicación (Pepco), que reconoció a quienes se destacaron en diversas áreas de la comunicación a lo largo de 2014.

En la ceremonia, en la cual se entregó una estatuilla del famoso periodista duranguense Francisco Zarco, Cinéfagos fue reconocido como finalista de la categoría “Trabajo Web, Digital o Multimedia” y nuestro director Andrei Maldonado Espinoza se llevó el premio por “Mejor Propuesta Cinematográfica, Corto o Documental” con el cortometraje Blanco polar Radiante.

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En la entrega se destacó que el trabajo de Maldonado Espinoza mereció el galardón “por retratar en un trabajo documental uno de los sentimientos más universales: el amor. El sentimiento que supera la adversidad aunque éste no siempre se consagre en el sentido estricto de la felicidad, retratándolo en Durango, pero permitiéndole al espectador ubicarlo en cualquier parte del mundo”.

Se premió también como mejor Fotografía el trabajo de Yima Medrano Trujillo titulado “México lindo y querido”; Periodismo de Investigación para Marco Antonio Espinoza por “Inmigrantes; entre un sueño y la realidad”; Periodismo Informativo para Linda Rodríguez por “Cutting, un grito sordo de ayuda” y Artículo de fondo a Emmanuel Salazar por “Una Ley incompleta que busca defender periodistas”.

Adicionalmente se entregaron nueve estatuillas más para igual número de categorías, siendo estas Trabajo Estudiantil para Stephanie Fernández Rodríguez por “Inocencia en el infierno”; Obra Literaria para Carlos Yescas Alvarado por “Nosotros es un hombre solo”; y Trabajo Web, Digital o Multimedia para Oscar Huerta por el sitio web “El FrikiPodcast”.

Asimismo, como en las dos ediciones anteriores del Premio Estatal de Periodismo, los integrantes de la Peproc reconocieron la trayectoria en medios de compañeros con varios años de experiencia en el gremio de la comunicación de Durango con el premio “Desempeño Periodístico”, siendo este año el galardón para Gabriela Gallegos Ávila.

Destacado por su carrera como actor y empresario, Erik Hayser sigue avanzando en el camino de la moda, y este año será parte de la 5ta edición del Google Fashion como embajador del diseñador mexicano Galo Bertín, quien presenta su colección: “Caccia”, otoño – invierno 2015.

Erik Hayser en la quinta edición de Google Fashion

Clásico, elegante y único Erik nunca deja atrás el cuidado de su imagen y se interesa por las tendencias de la moda que buscan brindarle al hombre moderno la oportunidad de crear su propio sello personal.

Al respecto de este evento Erik Hayser comento; "La moda para mí es más que colores, texturas, cortes y tendencias. Tiene mucho más que ver con algo profundo que sólo con aquello que los ojos perciben.

Tiene que ver con uno mismo, con el mundo que habitamos, con eso que somos. Yo busco en la moda aquello que me identifica. Que vista mis caminos y me acompañe en el tiempo”.

“Me identifico con Galo Bertin porque en gran medida refleja mi personalidad. Me siento cómodo en sus diseños y encuentro cuidado, detalles y trabajo en cada cosa que hace. Sabe conjugar la simpleza de lo clásico con los retos que día a día nos enfrentan al mundo. Se arriesga de manera consciente y sabe que el éxito se construye paso a paso".

GALO BERTIN nace en el 2011 como el sueño de aportar algo importante a la moda masculina en México. GALO BERTIN ha establecido un timbre único al contar una historia diferente con cada una de sus colecciones. Tras cuatro años de lanzarse al mercado, ha logrado colocarse en el gusto de público nacional y extranjero.

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Cineteca Municipal Silvestre Revueltas El séptimo arte al alcance de todos por ANDREI MALDONADO fotografía DIANA REYES

El cine es espacio de recreación, conocimiento y diversión. A través del séptimo arte se pueden expresar miles de ideas y reflexionar acerca de temas que atañen a nuestra sociedad y saber más de hechos históricos, pero también soltar una buena carcajada en una bien lograda comedia, pegar un brinco de susto en los más espeluznantes filmes de terror y llorar con los más bellos romances.

Para ofrecer un universo más amplio de películas que no se ofrecen en las salas comerciales, revivir los clásicos o bien generar un análisis académico en base a un tema o cineasta específico existen los cineclubes y salas alternativas, los cuales orientan sus servicios a un grupo de cinéfilos siempre ávidos de nuevas propuestas, la mayoría de ellos son gratuitos o mantienen bajo costo y propician el análisis de las cintas proyectadas.

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Habiendo abierto sus puertas en 1996, y desde 1997 en su actual sede, la Cineteca Municipal Silvestre Revueltas es un foro que ofrece el Ayuntamiento de Durango a la ciudadanía, a la cual se le ofrece desde los grandes filmes de la historia de la cinematografía hasta los más recientes realizadores mundiales y nacionales, con ciclos que abarcan el cine mexicano, las películas de terror, el cine de autor y el cine de género, por mencionar algunos.

“Bajo este programa se atiende de manera gratuita a más de 500 usuarios mensuales. La Cineteca es una alternativa cinematográfica sólida, ofrece a los espectadores estrenos de cine independiente, cine clásico y ciclos especiales. Además es un foro abierto para los jóvenes realizadores audiovisuales de nuestro estado, ya que tiene las puertas abiertas para que expongan sus ideas, cortometrajes y talleres en ella”, puntualizó el funcionario.

Lauro Arce Gallegos, director del Instituto Municipal del Arte y la Cultura (IMAC), destacó que es del interés del presidente municipal Esteban Villegas Villarreal ofrecer espacios para la recreación, el esparcimiento y la difusión del arte y la cultura, por lo que la Cineteca Municipal Silvestre Revueltas cumple como un bien mayor para la sociedad duranguense con la instauración de las funciones de cine gratuito cada semana, éstas con un enfoque netamente social.

Ya sea que sean afectos a los monstruos y fantasmas del cine de horror, los besos y finales inesperados del cine de romance y drama, los efectos especiales de la ciencia ficción, los seres mitológicos e imaginarios del cine de fantasía, gusten de las explosiones que ofrece el cine de acción o quieran conocer las nuevas expresiones de la cinematografía latina y europea la Cineteca Municipal y sus deliciosas palomitas son un excelente pretexto para salir de casa

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Multifamiliar Francisco Zarco

UNA HISTORIA LIGADA AL CINE por ANDREI MALDONADO fotografﾃｭa LEONEL Zﾃ堙選GA

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A casi 60 años de haber sido inaugurado el multifamiliar Francisco Zarco se haya prácticamente en el abandono. Aún con poco más de 90 familias radicando en él, y con la sentencia de ser derruido para construir ahí un nuevo espacio turístico, el edificio cuenta una historia por la cual pretende permanecer en el recuerdo de los duranguenses, una historia vinculada al cine.

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El multifamiliar, que se hiciera a semejanza de la unidad habitacional Benito Juárez de la Ciudad de México, fue entregado a la ciudadanía el 1 de febrero de 1956 por el presidente Adolfo López Mateos como parte de los proyectos de urbanización que se realizaron en diversas partes del país con desarrollos habitacionales de vivienda vertical.

Anteriormente en el lugar se hallaba el templo de San Francisco, el cual contaba con un convento y un jardín que daban hacia la calle de 5 de febrero. Dicho templo fue derruido en 1917 por el general Gabriel Gavira, quien en aras de la modernización derribó algunos edificios más como el antiguo Palacio Municipal, el Hotel Richeliu y algunos solares que obstruían la continuidad de las calles.

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Es en ese sentido que, desde hace un par de años, se ha planteado la posibilidad de parte del Gobierno del Estado de derribar el multifamiliar en el entendido que se trata de la mayor intervención hecha en el primer cuadro de la capital, y que su estructura, junto a la de otros edificios contiguos de la manzana, alteran la imagen urbana colonial propicia para el turismo.

Es por ello que los vecinos de esta zona defienden su derecho de permanecer en el Centro Histórico, pero demandan también la atención de las autoridades ante un edificio que día con día siente más y más el peso de los años. Silvia Díaz, habitante del Multifamiliar, señaló que las fachadas llevan años sin remozarse y la instalación eléctrica y de agua está en circunstancias reprobables.

Por su parte Patricia Medina, quien lleva radicando en el lugar más de 50 años, reclamó que es más importante pensar en salvaguardar la historia de este recinto y el lugar donde viven tantas familias que pensar en construir una plaza; “si está en malas condiciones el edificio es porque no hay apoyo. No solo nos afecta a nosotros, también a más de 20 locatarios de alrededor”, dijo.

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Y es aquí donde el Francisco Zarco encuentra liga con el cine: a decir de las vecinas las personas que pasaban por el lugar no sabían qué era ahí, más aún las generaciones jóvenes; “nos preguntaban si era un internado, una cárcel o un prostíbulo.

Yo creo que creían que éramos indigentes porque nos veían con rechazo y hasta nos ofrecían comida”.

Fue a partir de la filmación de Suave Patria, con Omar Chaparro y Adrián Uribe, que la percepción hasta de los niños fue diferente; “pasan los niños y reconocen el edificio por la película.

Deberían aprovechar eso las autoridades para mejorarlo. En el Hotel Reforma de aquí a lado se llegó a hospedar John Wayne, pocos lo saben y también lo quieren tumbar”.

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Google Fashion celebra su 5ta edición con un programa que integra tres diferentes formatos y un diverso grupo de diseñadores de moda y accesorios de México, Colombia, Estados Unidos y Europa.

Google Fashion es un plataforma creada en 2012, con la cual la moda y la tecnología se unen para encontrar nuevas posibilidades de interacción entre diseñadores, creativos, marcas, consumidores y amantes de la moda.

“Queremos que todos los diseñadores de moda nacionales encuentren en las herramientas de Google una oportunidad para dar a conocer su trabajo, posicionarse, establecer una conversación con su público y generar negocio, no sólo en México, sino también en los 126 países que se conectan a ver los diferentes eventos. En esta edición decidimos amplificar nuestro alcance aprovechando YouTube como una herramienta más de Google con la que las audiencias interactúan desde diversos dispositivos.”, comentó Miguel Alva, Director de Marketing de Google México y Colombia.

Cada temporada Google Fashion tiene más de 2 millones de visitas en vivo, lo cual la convierte en la plataforma de moda con mayor amplificación en México.

De esta forma brinda posibilidades únicas a los diseñadores para sumarse a la era digital y pone la tecnología en sus manos para llevar sus creaciones a su público objetivo en tiempo real.

La 5ta edición de Google Fashion se llevará acabo del 29 de septiembre al 1o de octubre desde www.googleplusfashion.com y a través del canal de YouTube de House of Fashion. Con estos medios, los amantes y seguidores de tendencias podrán agendar su evento favorito y disfrutar de los contenidos especiales de la plataforma desde sus dispositivos móviles, tabletas o cualquier dispositivo conectado a Internet.

La 5ta edición de Google Fashion presentará tres diferentes formatos: Desfiles, Hangouts y The Stage, un formato de exhibición de moda e interacción con el público.

El programa de la 5ta edición está integrado por diferentes diseñadores mexicanos como: René Orozco, Mayeh, Armando Takeda, Marika Vera, Raquel Orozco, Stress Wear, Galo Bertín, Sangre de mi Sangre, Mariana Luna, Macario Jiménez, Malamada, José Sánchez, 12.03, Carolina Crowley, Miltón Calatayud y Ale Salcido.

Además, se presentarán 3 diferentes colectivos. El primero está integrado por los bloggers nacionales Mademoiselle Claire, Our Fashion Diary, Call us Whatever, Meow Magazine y Oh my Dior, el segundo por los nuevos talentos mexicanos Isaac Rankuroi, Carlos Herrera, MLM y Diana Altamirano, y el último curado por el equipo de Crom, el cual presenta la propuesta de moda urbana de los diseñadores internacionales Ricardo Piqueras, Antidoto28 y Whatever 21.

Como invitados especiales internacionales, el programa de la 5ta edición presenta por primera vez en México las creaciones del diseñador y arquitecto mexicano Jorge Ayala, además de la colección del reconocido diseñador estadounidense Christian Siriano y el colombiano Camilo Álvarez.

Dentro del programa se realizarán también los Hangouts de Imana Fashion Film Festival, de los colombianos Urbano Project y Mextilo, el proyecto de moda de Gustavo Prado.

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CECOART El nuevo corazón de las artes en Durango

por ANDREI MALDONADO fotografía ÁNGEL MERAZ

Ubicado sobre lo que será el nuevo Parque Centenario, el Centro Estatal del Conocimiento y las Artes (Cecoart) presenta hasta el momento un avance del 80 por ciento por lo que estaría listo para abrir sus puertas a la comunidad artística en febrero del año próximo.

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Se trata de un recinto que dará espacio a todas las personas que busquen un lugar dónde ampliar su conocimiento y habilidades en diversas áreas del arte como el teatro, la danza, la literatura, las artes gráficas y visuales, las industrias culturales y el cine. El Cecoart será además un lugar de esparcimiento, en donde los duranguenses podrán encontrar los productos generados por los propios artistas y áreas verdes para la recreación y la lectura.

Rubén Ontiveros Rentería, director del Instituto de Cultura del Estado de Durango, detalló que el centro contará con dos plantas, una de atención al público y la otra destinada a formación académica y empresas culturales, que serán atendidas por el personal del instituto y la propia comunidad artística. El espacio será coordinado directamente por el Centro Nacional de las Artes y en él se invertirán 55.5 millones de pesos en una superficie de 2 mil 600 metros cuadrados.

Cine Recomienda

Dirigida por Matías Piñeiro, es una trama circular de conversaciones y situaciones que se repiten una y otra vez, una adaptación muy moderna de Shakespeare y una muestra de excelente gusto musical.

Las andanzas de los amorosos se cuentan en La princesa de Francia con tomas muy cerradas, con primeros planos nítidos y fondos que se pierden.

por DANIELA DEL PALACIO

Víctor, el protagonista, juega al amor como quien juega futbol: con estilo y una estrategia que no siempre se distingue entre una y otra jugada.

La primera parte de la película, que precisamente comienza con un juego de futbol, pareciera centrar su propuesta estética en el color y la composición de las tomas, mientras que la segunda mitad parece concentrarse en el manejo de cámara.

Parte de la selección oficial del Festival de San Sebastián, esta película argentina deja a veces que la música hable por los personajes y otras que los personajes cuenten una y otra vez, con sutiles cambios, la misma historia.

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entrevista a

Con el fin de contribuir al quehacer cinematográfico y difundir la creación de realizadores duranguenses Paloma Itinerante integra en su tercera edición cortometrajes de no tan reciente producción que, sin embargo, son indispensables para construir nuevas audiencias entendiendo el contexto histórico que nos rodea.

POLVO VENCEDOR DEL SOL México, 1979 / 16 mm. / Color / 25 min / Ficción Sinopsis

METÁSTASIS 2013 / Full HD / 14 min /Durango / Color Sinopsis: En Durango, México, una joven pareja de clase media, Jesús y Pamela, se aprovechan de la actual ola de delincuencia del país e invitan a dos amigos a participar en un crimen que viola el sentido de la confianza y la amistad. De acuerdo a su nueva empresa criminal deciden secuestrar a Mateo, el hermano menor del mejor amigo de Jesús. Sus peligrosas decisiones pronto se convertirán en un cáncer del alma.

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Cuatro amigos comparten la rutina del trabajo diario en una fábrica maderera de la sierra de Durango.

Ante la fácil perspectiva de un robo a la tienda donde compran a crédito mercancía y licor, uno de ellos, Silvestre, se separa del grupo. Queda solo ante la monotonía del trabajo y las actividades habituales. Los amigos son aprehendidos.

DANCING WITH THE DOLPHIN 2012 / HD / 8 min /Durango / Color Sinopsis: Un poeta y una prostituta se reúnen en un hotel a leer poesía de Bukowsky.

WATERROOM 2012 / HD / 5 min /Durango / Color Sinopsis: Un hombre vive recluido en su cuarto de baño en medio del apocalipsis zombie.

AMELIA PARA SIEMPRE 2015 / FULL HD / 12 min /México / Color Sinopsis: Amelia es una adolescente que vive sólo con su padre, está renovando su habitación y parece que su vida también. Ella está descubriendo y midiendo su feminidad, como también el poder que tiene sobre los hombres y lo que puede obtener de ellos, aunque al final del día, Amelia quiere sólo dormir con su papá.

PRELUDIO 2011 / FULL HD / 3 min /España / Color Sinopsis.

Una joven mujer descubre que se encuentra en el Preludio de su nueva vida, donde todo terminó y donde todo inicia.

ENTRE RECUERDOS Y EL OLVIDO 2014 / HD / 29 min /Durango / Color Sinopsis: Alexia es una chica que vive si emociones hasta que un día recibe la visita de un extraño ser que hará un viaje al mundo interior de Alexia, un lugar extraño al borde de la destrucción y que solo se mantiene entre recuerdos y el olvido.

Este cortometraje de ficción fue realizado en la ciudad de Durango utilizando una mezcla de video real y animación stop motion.

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especial

JAMES HORNER

El noveno de la orquesta

Si alguna vez sentimos miedo por los sonidos musicales en Alien, inspirándonos a la valentía con las escenas y la música de Braveheart o enamorándonos sintiendo el esplendor y el romance con el trasatlántico de los sueños, fue gracias al compositor James Roy Horner.

por ERIC EDUARTE VILLA

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Hijo

de

inmigrantes

judíos,

y

Su música no sólo trascendió como

originario de Los Ángeles, California,

un buen soundtrack en pantalla, esa

Horner desde los cinco años ya

trascendencia se impregnaba en la

mostraba interés por la música. Al

mayoría de los espectadores que

llegar su adolescencia no tardó para

veían

ingresar a estudiar al Royal College

composición

of Music de Londres. Después de

músico que a través de sus piezas

años de estudio en la música, y

inspiraban o causaban melancolía

habiendo compuesto las melodías

acompañada

para una gran cantidad de películas,

nostalgia se puede decir que ahora

poco a poco fue dándose a conocer

evoca a su presencia más que el

dentro de los mejores compositores

sentimiento mismo de la película.

para la cinematografía. Su listado se comenzaba a llenar de películas trascendentales como El nombre de la rosa, Aliens, Cocoon, Apolo 13, Braveheart, Jumanji, entre otras.

alguna

película se

de

donde

escuchaba.

nostalgia.

su Un

Esa

Un compositor muy querido por los cinéfilos y que su muerte causó gran conmoción mundial. Como aquellos músicos del Titanic que tocaban y se fueron al fondo del océano, Horner

Su reconocimiento mundial llegó en

también se despidió de este mundo

1997 con la cinta Titanic, donde su

durante un viaje piloteando una de

composición más que darle un gran

sus aeronaves el 22 de junio del

soundtrack a la película de James

2015. Ganó dos premios Oscar por la

Cameron,

al

película Titanic, Mejor música original

majestuoso trasatlántico y a sus

y mejor canción (My heart Will Go

pasajeros que perecieron la noche

On) cantada por Celine Dion y

del 14 de abril de 1912. Además que

compuesta por el mismo James

su pieza musical es otra película a la

Horner y Will Jennings.

par

de

fue

la

protagonizada DiCaprio.

un

homenaje

taquillera por

Cameron

cinta

Leonardo volvería

a

confiarle su talento musical ahora para Avatar.

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Christopher Lee

El villano con la voz de oro por ERIC EDUARTE VILLA

Desde largos colmillos para ultimar a sus v铆ctimas, cobrando 1 mill贸n de d贸lares por matar a James Bond, hasta enfrentarse con Gandalf y ser parte

del

lado

oscuro.

El

actor

originario de Londres ha dejado un legado importante al universo del s茅ptimo arte.

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Christopher

Frank

Carandini

Lee

Lee

se

integró

a

Hammer

antes de sus pasos en la actuación,

Productions, ahí forjó gran parte de

su gran afición al deporte lo llevó a

su éxito con filmes de horror. Tras su

destacarse a nivel escolar como

asombrosa

jugador de cricket, fútbol, squash y

Drácula, consiguió el papel de otro

hockey, así como en natación lo que

monstruo

le dejo tener un excelente cuerpo con

Aunque Christopher tuvo una gran

el cual le ayudaría a interpretar los

molestia por el vendaje que implicaba

personajes

llevar todo el tiempo durante la

que

lo

llevaron

al

reconocimiento mundial.

filmación,

Lee obtuvo su primer papel de Rumpelstiltskin,

quien es

el

personaje antagonista principal un cuento

de

de

hadas de

origen alemán. Desde entonces dio excelentes matices para personajes malvados, uno de esos matices fue su voz, que le dio una tenebrosa e imponente

característica

a

sus

personajes.

Debutó

en

el

cine

en

con Corridor

of

Mirrors,

moverse

interpretación

reconocido,

ya

que

como

la

le

como

momia.

provocaba

no

debía,

ocasionando que sus movimientos fueran cuidadosamente pausados y metódicos, lo que dio gran fuerza interpretativa a su mirada. A pesar de las dificultades, y lo bien que lograron resolverlas,

La

momia

está

considerada como una de las mejores interpretaciones del actor y la mejor producción de la compañía.

1948 dirigido

por Terence Young, y en 1958 actuó con Boris

Karloff en Corridors

of

Blood, su papel en esa película sería el preludio de una larga trayectoria interpretando uno de los roles que lo caracterizó por siempre: El Conde Drácula.

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Para 1965 Lee comenzó a grabar otra película sobre su personaje eterno: Drácula, el príncipe de las tinieblas.

La polémica no se hizo esperar en el

Uno de esos, y que le dio un giro a su

rodaje. Christopher no pronunciaba ni

fama,

una

guión

Francisco Scaramanga, El hombre

empezando a dar un lenguaje a

con el revólver de oro, villano en la

través de expresiones faciales, el

novena entrega de la saga de James

guionista afirmó que era una idea

Bond. Después de personificar uno

preconcebida para dar fuerza al

de

personaje, pero Lee replicó que el

representativos de la serie del 007 al

silencio había sido una decisión suya

parecer ya había dejado la etiqueta

debido

de Drácula. Para los 80´s le llegó un

sola

escritos.

a

palabra

los Esta

del

pésimos

diálogos

comunicación

sin

fue

cuando

los

interpretó

personajes

a

más

exilio en el cine y se fue a refugiar en

palabras le daría éxito a la película y

series

de

la

televisión

británica,

le haría a Lee interpretar otros

donde demostró grandes cualidades

personajes en su carrera.

de su actuación, dando a conocer que podía ser más que un villano Bond o un vampiro.

Su regreso a la pantalla grande fue una resurrección para él, donde le esperaban papeles que le entregarían nuevos elogios adjunto con el éxito de las cintas. Su interpretación como Saruman en El señor de los anillos y el Conde Dooku en Star Wars. Este último personaje debe su nombre al Conde Drácula, el papel que lanzó a Lee al reconocimiento mundial.

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WOLFPACK Lobos de Manhattan

por DANIELA DEL PALACIO

Mucho podría decirse en referencia a tan pelicular documental, pero de algo no hay duda: Wolfpack es la historia de cómo el cine puede y salva vidas.

El documental cuenta la historia de los siete hermanos Angulo, quienes crecieron aislados del mundo en un departamento de New York; su padre, de origen latino, pretendió protegerlos de los peligros de la ciudad y les permitió conocer el mundo sólo a través del cine.

El principal acierto de la directora Crystal Moselle fue conseguir la participación de la familia Angulo después de toparlos por casualidad en la calle y quedar sorprendida por su peculiar apariencia, lo que la llevó a contactarlos. Otro acierto del documental es la edición; las secuencias se siguen de tal forma que Wolfpack define un sentido del humor peculiar, entretenido y bien logrado.

Uno de los hermanos Angulo expone en una de las escenas su lista de las mejores películas de la historia y los siete Angulo protagonizan, con un talento inesperado para el espectador, algunas de sus escenas preferidas de las que han escrito a mano el guion pausando una y otra vez la película. Su vestuario está hecho de los más sencillos elementos: cajas de cereal pintadas y recortadas; pistolas de cartón forradas de papel aluminio y otras simplezas. Los hermanos parecen tener un talento nato.

En suma, los Angulo mantuvieron un pie en la tierra durante su largo aislamiento porque se refugiaron en el cine y porque conocieron a través de él un mundo con el que no podían interactuar.

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CUANDO EL CINE SE CONVIERTE EN POESÍA por JUAN JOSÉ ANTUNA

¿Puede una melodía, cuyo autor es desconocido, llenar el corazón de alguien quien conoció a un fantasma?

El Lado Oscuro Del Corazón, El Tigre y La Nieve, La Sociedad De Los Poetas Muertos, La Lengua De Las Mariposas, La Danza Del Delfín, El Séptimo Sello, La Danza De La Realidad. Podría seguir citando y nombrando películas que de una forma u otra involucran a la poesía, su origen se basa en algún poema o bien la historia misma se convierte en un poema. Pero ver la música convertirse en poesía pocas veces se ha manejado.

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La música se puede convertir en poesía, pero la poesía se puede convertir en música. Joan Manuel Serrat ya nos demostró que se puede con aquel álbum tan maravilloso inspirado en los poemas del maestro Mario Benedetti llamado "El Sur También Existe", o qué decir de letristas como Tom Waits, Leonard Cohen, Bob Dylan o el mismísimo Joaquín Sabina, que sus letras son verdaderos poemas, poesía que no siempre llevan al amor de protagonista como es el caso del pambolero de Sabina.

Ver una película como La leyenda de 1900 es como ver una orquesta interpretar música que jamás existió, es como un cuento, o una de esas historias que se pasan de marineros a marineros y entre navío y navío durante años hasta parecer que sólo es eso, una historia, y que son tan fantásticas y difíciles de creer que uno no sabe lo que es real y lo que no lo es, sin embargo estas historias, ésta precisamente, pareciera curar todo mal, todo dolor, todo lo horrible que hay en la vida sobre la tierra para curarnos en el mar donde todo es inspiración.

Del director Giuseppe Tornatore, quien nos ha entregado obras maestras para la memoria del cine como Cinema Paradiso, esta película no carece de esa sensibilidad por indagar un poco en los recuerdos, la infancia y la música, que siempre juega un papel más que primordial en sus filmes y siempre compuesta por el mejor compositor de orquesta para el mundo del celuloide, es decir el genial Ennio Morricone.

La cinta nos narra a través de Conn, nombre que ostenta Max Tunning, un trompetista ebrio y sin suerte que después de vender el objeto más valioso que lo ha acompañado toda la vida, su trompeta, le pide al tendero con el que negocia tocarla por última vez. Cuando este la toca, el tendero saca un disco que encontró dentro de un piano en el cual viene una pieza musical sin nombre alguno.

Entonces Conn empieza a narrar la historia del que él considera el mejor y único amigo que tuvo la suerte de conocer. 1900, hombre que nació en un barco y que fue encontrado por un obrero, que empieza a tocar el piano después de escucharlo después del funeral de su padre a la edad de 8 años, y que desde entonces no deja de tocar, desde jazz para la primera clase en las cenas y los bailes de gala, hasta cualquier sonata italiana para los obreros e inmigrantes de tercera clase a quienes ve como su familia.

Todos en el barco son como familia que se va, pero él nunca o hace, el siempre aguarda para hacer feliz a alguien más con su música, o hacerlo recordar. Vive para eso, sueña para eso, vive con eso, nunca baja del barco pues no hay nada para él en tierra firme, todo lo que conoce es el barco y todo lo que necesita lo encuentra a través de mirar a las personas y crear su propia música.

Cuando Conn se entera de la próxima

destrucción del barco sabe que 1900 estará ahí, pues ese es su universo.

Una película bella, bien lograda y con las actuaciones en primer plano de Tim Roth viéndolo hacer un papel fuera de su zona de confort en el que cumple, y a Pruitt Taylor Vince con ese desesperante tic que tiene en los ojos, pero cuya actuación es exquisita. El valor de este filme se lo dan la esperanza y la nostalgia, que de la mano de Morricone y Tornatore es garantía de que el producto va a ser entregado como se tenía pensado entregar desde un principio.

La película, aunque por cierta parte musical, tiene mucho de poesía como la vida misma, porque tiene tristeza, pero también felicidad, melancolía y nostalgia por lo desconocido. Película que confirma una de las ideas más arraigadas que tengo en la vida, esta que dice “sólo el amor incompleto es verdadero y para siempre”. Ojalá más películas tuvieran esta sutileza de hacernos sentir esa tristeza que la nostalgia permite, que lo desconocido por elección nos brinda.

El océano, maravilloso promotor de recuerdos y descubrimientos, pero sólo cuando ya no hay nada qué descubrir, cuando no hay nada qué recordar. Eso sólo lo puede entender un hombre fuera de lo común, y la historia, la fábula, la leyenda de 1900 es la leyenda épica de un hombre que podía serlo todo, menos un hombre ordinario.

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CASABLANCA

Un clásico para la eternidad

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Segunda guerra mundial, un pasado turbio, un casino, un café, París, una historia inconclusa de amor, Humphrey Bogart, Ingrid Bergman.

Casablanca sin duda es una de las películas más importantes en la historia del cine y de la humanidad. por JUAN JOSÉ ANTUNA

Casablanca es una película de 1942 que se estrenó en 1943, justo cuando estaba en pleno la Segunda Guerra Mundial. Adaptación de la obra de teatro "Todos van al café de Rick" que nunca se estrenó, con una historia muy ambiciosa para su tiempo, como otras 60 que se filmaban en aquellos años y otras 60 que estaban archivadas en el escritorio del productor general de Warner Bros. Nunca se hubieran imaginado que con los años aquella producción se convertiría en una de las películas más queridas y elevadas de todos los tiempos.

Narra la historia de Rick, un hombre americano exiliado de su país y probablemente ex convicto, (se puede asumir por la pregunta que le hace Renault sobre por qué había abandonado América, si por robar, matar o mentir, y Rick le contesta que por las tres cosas) y siempre apoyando a la resistencia. cínico, amargado pero carismático como sólo Bogart podía interpretarlo, que llega a Casablanca, ciudad en la frontera de Marruecos en África, que en aquellos años era parte de Francia como territorio no ocupado.

Tiene su paraíso con el permiso del alguacil francés Louis Renault (con una magnífica actuación de Claude Rains); para él todo marcha bien, a pesar de lo quebrado que estaba el mundo, hasta que una noche llega a su café el líder de la resistencia nazi Victor Laszlo, tratando de conseguir

un par de visas de vuelo para viajar a Lisboa y de ahí poder irse a América junto con su acompañante, la señorita Ilsa Lund, (interpretada por el rostro más hermoso que no ha regalado Hollywood, Ingrid Bergman).

Ella es la culpable de que Rick odie al mundo y se haya convertido en el hombre que era desde el día en que París fue ocupada y ella lo abandonó en la estación del tren, teniendo que marcharse solo a Casablanca con su inseparable amigo Sam, que juega un papel más que primordial en la historia con su piano y la melodía “As time goes by".

Esa misma noche el comandante del Tercer Reich y del ejército nazi, el comandante Strasser, también llega buscando dos cartas de transito que robaron tras haber asesinado a un par de soldados nazi, cartas que Rick tiene en su poder tras haber sido entregadas por Ugarte, un ladrón y estafador de baja talla que esa noche pretende vendérselas a Laszlo.

Sin contarles más de la trama el final es algo digno de recordar, la última escena es uno de los mejores finales de todos los tiempos. Una película hecha en plano secuencial, con una historia de sólo tres días, que pone en duda lo que Rick quiere, si recuperar sus días en París con la mujer que ama en su nuevo paraíso o hacer lo que siempre quiso: una diferencia en el mundo ayudando al hombre que puede hacer algo para que la sucia guerra termine.

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Alimentándonos del séptimo arte

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