Cinéfagos - Número 8

Marzo-Abril 2014 No. 8 Edición Bimestral

Alimentándonos del séptimo arte

Editorial

La mejor convocatoria es la convocatoria

Era el 21 de diciembre de 2012… no, no comenzaré a narrarles una escena post apocalíptica basada en el códice maya y no, no es historia de película, aunque sí de cine. Se trata de una proyección que, precisamente, la hicimos un compañero –hoy coordinador editorial de esta revistay su servidor, con la temática del fin del mundo.

En aquella fecha decidimos proyectar un par de películas y montar una galería fotográfica que girara en el mismo tenor. El día inaugural no estábamos más que él y yo… ah, y la dueña del café, que tuvo a bien prestarnos el espacio. Al día siguiente la audiencia mejoró a cuatro personas más, dos de ellas familiares míos.

El año pasado, por ahí del mes de septiembre, estuve a cargo de una muestra de cortometrajes duranguenses que se presentó de manera ambulante en salas alternativas, cineclubs y universidades. Puedo decir que no en todas las proyecciones se contó con el mismo público, ni en cantidad ni en participación.

Precisamente en la última fecha la concurrencia no era mala, aunque la mayoría eran personas allegadas: familiares, amigos y los mismos realizadores de los metrajes. Cuando una vieja conocida del medio –a la que dicho sea de paso le debo lo mucho o poco que sé de cine- me preguntó sobre cómo me había ido le

contesté que bien, pese a que la audiencia no había sido la esperada.

Ella me respondió que la mejor audiencia es, precisamente, la audiencia misma.

Eso me hizo recordar todas aquellas veces en que, al realizar un evento, deseamos que el auditorio esté repleto, y que nos lluevan los cuestionamientos, las felicitaciones y los aplausos. No siempre será así, pero eso no significa que el proyecto no haya cumplido su objetivo. Es importante recordar que en cualquier función de cine, de teatro, presentación de libro, en fin, en cualquier manifestación, están los que deben estar, entenderán los que deben de entender y les llegará el mensaje a quien estaba destinado que le llegara el mensaje.

He ahí que en este punto muchas personas suelen equivocarse, hasta el grado de torcer sus proyectos para que puedan ser del agrado de la mayor cantidad de personas, pensando que el éxito se mide en cabezas o butacas llenas. A veces conviene ser tercos, los más necios del mundo, y ser fiel a lo que creemos, encaminándolo a que de una u otra manera su esencia no se pierda.

DIRECTORIO Director General Andrei Maldonado Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa Colaboradores Diana Reyes Mario Bermúdez Xitlali Compeán Berenice Gurrola Colaboradores Externos

Sac-Nicté Calderón

Fotografía Diana Reyes Diseño Andrei Maldonado

revistacinefagos.blogspot.com

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Andrei Maldonado

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Contenido

3.

el cine después de QUARÓN

9.

NO QUIERO DORMIR SOLA la belleza de no olvidar

13.

PLATAFORMA VISUAL 2014: muestra de cortometrajes

15.

muestra 5 CORTOMETRAJES DURANGUENSES

17.

¿qué pasó en los OSCARS?

21.

documental ¡TOROS SI, TOREROS NO!

22.

LAS LÁGRIMAS la nueva familia mexicana

23.

mediometraje ENTRE RECUERDOS Y EL OLVIDO

25.

DIEGO LUNA: viviendo bajo el recuerdo de sara

27. taller de cine EL SÉPTIMO ARTE EN OTRAS LATITUDES

por MARIO BERMÚDEZ

Sin duda alguna Alfonso Cuarón recordará este 2014 como su mejor año cinematográfico en lo que va de su carrera como director, guionista y productor, ya que al convertirse en el primer latino en ganar el Óscar en la categoría de mejor montaje y mejor dirección habrá que ponerle mucha atención en sus próximos proyectos. De este modo, y para hacerle un pequeño homenaje, presentamos una breve reseña de su filmografía.

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Solo con tu pareja (1991). Filme que marca el inicio de Cuarón como director.

Partiendo de temas delicados como los son el Sida y el suicidio, Cuarón realiza una comedia muy entretenida de principio a fin gracias al guión y a las actuaciones de sus protagonistas. Aunque la comedia no se mostraba en auge, recibió críticas muy favorables que le valieron reconocimiento a nivel nacional.

La princesita (1995). Con este largometraje Cuarón explotó todo su ingenio a nivel internacional que le valió un par de nominaciones al Óscar. La adaptación de la obra de Frances Hodgson aunque tuvo cambios notables en la pantalla, sedujo a la crítica por el tema esperanzador y mágico tratado como en un cuento de hadas.

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Grandes Esperanzas (1998). El tercer film del mexicano llegó con otra adaptación literaria, ahora la obra fue de Charles Dickens. Sin lograr demasiada crítica esta vez, con un argumento sólido de los amores imposibles, Cuarón realizó un gran trabajo.

Y tu mamá también (2001). Sin dudas, el nuevo cine mexicano tiene un ícono legendario con esta producción de Cuarón que le daría a la postre una nueva nominación al Óscar por el guión original. Con una trama “road trip” y con el tema de la amistad de por medio entre los ya reconocidos Gael García y Diego Luna, surgió el “Charolastrismo”.

Harry Potter y el prisionero de Azkabán (2004). Para Cuarón llegó otra adaptación qué dirigir y no una simple, sino una que formaría parte de un éxito rotundo a nivel cinematográfico y literario, ya que marcó a toda una generación. El cineasta mexicano tuvo la chance de presentar una cinta con críticas positivas en su mayoría debido a diversos ajustes al guión hecho por Steve Kloves que, en un inicio, no gustó a los fans del mago. Fue nominada a los premios Bafta, Saturn y Óscar, en donde no tuvo mucha suerte

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Niños del Hombre (2006). Un año después de haber contribuido con un corto para la atractiva París, je t’aime; Cuarón se encontró nuevamente con una adaptación literaria, The Children of Men de P.D. James. Con una secuencia fuerte y una excelsa fotografía e inigualables actuaciones, el mexicano logra atrapar al espectador con este largometraje sobre la reducción poblacional y los problemas sociopolíticos del mundo.

Gravity (2013). Película con la que Alfonso Cuarón se llevó la estatuilla al mejor director y al mejor montaje gracias a su estupenda realización. Ayudado por su hijo Jonás en el guión, en la fotografía por Emmanuel Lubezki y en los protagónicos por Sandra Bullock y George Clooney; esta gran producción ha marcado la consolidación del mexicano en el orbe cinematográfico.

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por DIANA REYES

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Tuve el placer en días pasados de visitar la cineteca y ver esta película que está dentro del ciclo en honor al 60 aniversario del cine en nuestro estado. Ya había tenido la oportunidad de verla cuando compitió en el 5° Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango, y había leído algunas buenas críticas desde que éste filme ganó en el Festival de Cine de Morelia.

Les diré qué fue lo que más me impresionó: es una historia simple, es decir, no hay muchas vueltas ni cosas complicadas que narrar, es la historia de una anciana ex actriz que sufre de Alzheimer y su nieta apática se ve obligada a cuidarla.

Personalmente esta simplicidad me cautivó, la forma en que evolucionan los personajes, en especial el de Amanda (interpretado por Mariana Gajá) quien no esperaba este cambio de vida al tener que hacerse cargo de su abuela Dolores (Adriana Roel), de visitarla al asilo de ancianos y darse cuenta que aunque parece que el insomnio sea lo único que las una, pueda que tengan muchísimo más en común y, sobretodo, mucho que compartirse.

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Un punto más para la película es la excelente fotografía, la película en sí es muy bella, aunque pueda abordar temas como el abandono a los ancianos, todo lo que se ve en pantalla esta contado de forma bastante estética. Pero sin lugar a dudas lo más disfrutable de la película son esos pequeños detalles que están relacionados con el mundo del cine mexicano y la actuación, sobre todo la escena de… no les diré cuál, mejor vayan a verla; solo les diré que se podría decir que ésta escena sintetiza la película, que no es más que la historia de una vieja actriz quien añora sus días de actuación y su nieta quien por primera vez ve en su abuela la gran mujer que es.

La película es la ópera prima de Natalia Beristaín, quien en el 2012 ganó el galardón al mejor largometraje del Festival de Cine de Morelia. Beristaín cuenta que éste trabajo es una película basada en hechos reales, cuenta que ella fue la única que asistió a su abuela cuando fue ingresada a un asilo para personas con Alzheimer. Así que ya saben, esta es una historia honesta, y contada tan bellamente que a pesar de tener sus momentos de tristeza y melancolía, te deja un excelente sabor de boca.

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Durango busca alcanzar un renombre fuera de sus fronteras en el medio cinematográfico.

Año tras año surgen jóvenes con la inquietud de hacer cine.

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por ERIC EDUARTE VILLA

Este año la capital duranguense estará repleta de actividades referentes al séptimo arte. Una de estas actividades se ha dado por parte de la Escuela de Pintura Escultura y Artesanías (EPEA) en lo que ha sido su primera muestra de cortometrajes con trabajos realizados por alumnos y ex alumnos de la institución académica. Cabe destacar el gran número de estudiantes y egresados que han formado parte de la exhibición, notando que cada vez más existe interés por no sólo apreciar, sino por realizar productos cinematográficos.

Al igual se comienzan a reflejar el talento que hay por las distintas disciplinas que conllevan a la elaboración de un film; entre las que sobresalen el diseño de arte, animación y efectos especiales.

Y la búsqueda de interpretar visualmente diversos temas: sociales, políticos, ficticios y hasta la experimentación del mismo arte.

Con respecto a algunos trabajos presentados sobresale el cortometraje ‘La ley de Rhine’ de Jonathan Báez, donde se retrata un concepto que no es muy citado en la entidad duranguense, haciéndonos entrar al mundo de la ciencia ficción y temas futuristas. Cabe mencionar que dentro de la muestra se observó trabajos de animación con sus diferentes técnicas, que van desde el Stop Motion hasta el 2D realizado por software. En los proyectados el corto titulado ‘El sueño de la realidad produce monstruos’, de Otón Rivera Samaniego, que deja entre ver que un tema recurrente como la violencia y la inseguridad dentro de las manifestaciones artísticas se puede contar, comunicar y expresar de muchas maneras, llevándolo hasta lo bizarro a través de estas animaciones.

Una muestra de cortometrajes que nos entrega nuevas generaciones que desean alcanzar el mundo del cine.

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por XITLALI QUIÑONES COMPEÁN

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“El arte te hace sentir vivo porque el arte te convierte en creador” comentó Andrei Maldonado, director del cortometraje: “Alicia”. Se llevó a cabo la presentación de cinco cortometrajes dirigidos por jóvenes duranguenses en el aula Laureano Roncal del Edificio Central de la Universidad Juárez del Estado de Durango, en el marco del XV Festival Cultural Universitario.

El cine, como forma de expresión artística, una vez más se ha hecho presente en tan tradicional festejo donde universitarios de todas las Escuelas y Facultades de la UJED y público en general han podido apreciar los trabajos realizados en su país y, en este caso, en su estado. Los cortometrajes fueron proyectados en la sala antes mencionada y, momentos después, bajo la dirección del profesor Luis Abel Chávez Bermúdez, se generó un espacio de preguntas y respuestas en donde alumnos de la Facultad de Psicología, de la Facultad de Contaduría y Administración y de la Escuela de Lenguas, pudieron conocer más a fondo los trabajos realizados por todos los directores de producción.

“La fobia de Rosario”, de Othon Rivera Samaniego, "Alicia" de Andrei Maldonado, “Entre recuerdos y el olvido” de Eduardo Torres Mireles, "Metástasis" de David Rodríguez Estrada, y “El blanco y negro” de Roberto Cárdenas Orona, fueron las obras cinematográficas proyectadas.

Los artistas animaron a los oyentes a ir tras aquello que les causa satisfacción y a persistir en la realización de sus proyectos en cualquiera de las áreas que lo deseen, hicieron una breve descripción sobre el largo camino que muchos tuvieron que recorrer para llegar hasta el lugar en el que se encuentran y tener en sus manos el proyecto concluido, motivando así a los jóvenes a ver más allá de los obstáculos y, sobretodo, a contemplar el arte como algo que no es lejano a ellos.

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por MARIO BERMÚDEZ

La fecha pactada llegó al Dolby Theatre bajo un clima lluvioso y tempestuoso que dejaba ver una compleja alfombra roja para los famosos nominados y no nominados a la entrega número 86 de los premios Óscar.

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El clima no impidió ver el desfile de personalidades del orbe cinematográfico y televisivo por la ya mencionada estera. La prensa local e internacional aprovechó cada instante de principio a fin para informar los acontecimientos que se llevaban a cabo minuto a minuto, no faltaron las fotos ni las críticas a los mejor y peor vestidos de la gala y no hubo quién retratara una segunda caída de la “chica en llamas” Jennifer Lawrence, pero no por ir a recoger otra estatuilla sino por bajar del coche que la llevó al teatro.

Pero después de todo, lo esencial vendría varios minutos más tarde, cuando la carismática y ahora legendaria comediante Ellen DeGeneres hizo acto de presencia ante la concurrencia que la recibió entre aplausos y buena vibra que se reflejó en el desarrollo de un evento de tal nivel. DeGeneres, con su humor ácido no tuvo pelos en la lengua y se dejó llevar; con diversos cambios de vestuario (incluido el de un hada madrina) su buen humor no decayó; hizo historia en twitter con una fotografía que batió el récord como la más retuiteada en esta red social.

Igualmente a media ceremonia la comediante, en compañía de un repartidor de pizzas, se encargó de ponerle un toque inesperado a los invitados al darles una rebanada de estas. Ya hacía falta una conducción como la de DeGeneres en los Óscares, cuestión que no sucedía en varios años. Pasará a la historia, ténganlo por seguro.

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El primer premio de la Academia se lo llevó el favorito Jared Leto por su impecable trabajo en Dallas Buyers Club; Leto aprovechó en su discurso de agradecimiento para referirse a los problemas políticos que atraviesan Venezuela y Ucrania mientras en ambos países la transmisión solo estaba disponible en internet debido a la censura impuesta por su respectivos gobiernos. Posteriormente los Óscares fueron teniendo dueño categoría tras categoría; como mejor película animada Frozen ganó, entonces el primero de los siete premios que se llevaría Gravity a lo largo de la velada llegó a través de los efectos visuales, mención aparte para Emmanuel Lubezki, que luego de tanto tiempo recibió los honores con el Óscar a mejor fotografía; luego de ello, The Great Beauty puso en alto a Italia como mejor película extranjera, demostrando así su dominio en este rubro.

Acto seguido Lupita Nyong’o, en el ramo para mejor actriz de reparto, se llevó la estatuilla por su interpretación en 12 Years a Slave que a la postre, dicho filme conquistaría el Óscar como mejor película dejando en segundo puesto a la cinta del mexicano Cuarón. Después de escuchar a Pharrell Williams, Karen O y a U2, apareció una desentonada Idina Menzel en el escenario para interpretar “Let it go”, el problema no fue el Óscar sino la versión de la voz de Menzel que originalmente era de Demi Lovato.

En la categoría de mejor guión adaptado, 12 Years a Slave convenció y triunfó mientras que Her de Spike Jonze ganó como mejor guión original. Finalmente Cate Blanchet, por protagonizar a un personaje lúgubre venido en decadencia dentro de la cinta del talentoso Woody Allen Blue Jasmin, obtuvo el Óscar a mejor actriz dejando con las ganas a la histórica Meryl Streep; mismo caso el de Leonardo DiCaprio, quién tendrá que esperar a una nueva nominación como mejor actor y que, sobre todo la Academia se fije ya en él porque esta vez el galardonado fue un excelente Matthew McConaughey, quién ha vivido un gran año a causa de su desempeño en Dallas Buyers Club. Por otro lado Latinoamérica, concretamente México, hizo historia con Alfonso Cuarón, quién fue elegido como mejor director venciendo ahora sí al legendario Martin Scorsese y al fuerte candidato Steve McQueen.

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por BERENICE GURROLA

El pasado miércoles 19 de marzo, se llevó a cabo la Proyección del documental ¡Toros SI, toreros NO! estreno mundial que tuvo lugar en nuestro estado, evento que se llevó a cabo en el Auditorio Universitario del Edificio Central de la UJED, en el marco del XV Festival Cultural Universitario.

Se contó con la presencia del director de este documental Záizar Hábacuc, quien nos presenta el trabajo realizado a lo largo de tres años con el objetivo de mostrarle a la gente la realidad sobre las corridas de toros en nuestro país.

Mediante el manejo de imágenes que pueden ser calificadas como fuertes, nos damos cuenta de la crueldad que envuelve esta celebración de la fiesta brava y nos hace reflexionar sobre la meta de esta práctica, cómo se puede disfrutar y celebrar la tortura y sufrimiento de un animal, que no hace más que seguir sus impulsos y que para la diversión de unas personas, que les complace ver este tipo de espectáculo, un toro deba ser torturado por al menos 20 minutos para luego ser asesinado.

Así el director de este trabajo señaló que el documental tiene la meta de sensibilizar a la población sobre esta práctica y cómo esto sigue afectando el desarrollo de nuestra sociedad, puesto que como él señaló “México no necesita más violencia”. Un documental que busca sensibilizar y concientizar a la gente sobre la realidad que viven los toros, cuando deben enfrentarse a la espada de un torero y donde el público solo espera ver cómo terminan con su vida. Una triste realidad, que nos hace ver el lado inhumano de las personas y en estas situaciones es preciso preguntarnos ¿Quién es el animal?

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por ANDREI MALDONADO

¿A alguien se le pueden terminar todas las lágrimas? Bajo esta premisa Pablo Delgado Sánchez realiza en Las Lágrimas un discurso íntimo acerca de la hermandad y la integración de una nueva forma de familia en nuestro país: la familia rota.

Fernando y Gabriel viven las consecuencias de vivir en un hogar fragmentado, con un padre ausente y una madre envuelta en el dolor del abandono. Un día de campo en un bosque que aparece en su pasado puede significar el último intento por ser lo que no han sido por años y soñar con poder ser felices.

Lo logrado por Delgado no es un filme moralista que deje reflexiones complejas en el espectador sobre los vicios, el amor y la unidad familiar, es más bien una atrevida forma de decirle al mundo lo que ya sabe y quizá ignora: que en México ya no solo se ve la familia en formato tradicional, sino que es posible ver familias donde uno de los padres ya no está, de esa en la que el hermano mayor debe lidiar con las funciones de padre y donde los niños aprenden a sortear la desgracia en un mundo cada vez menos inocente.

Destaca sobremanera que la cinta no posee un guión definido. Fernando Álvarez Rebeil, protagonista del largometraje, relata que en el desarrollo de las actuaciones que debería hacer su homónimo en pantalla tuvo que guiar al pequeño Gabriel Santoyo el cual, después de ver la película, cuesta trabajo creer que no poseía experiencia actoral previa y que gran parte de los diálogos fueron resultado de la improvisación entre los dos, quienes compartieron elenco con Claudette Maillé.

Es así como en poco más de 60 minutos Pablo Delgado no solo nos entrega su ópera prima, sino que nos muestra cómo es posible ganarse al público sin pretensiones, con una historia humilde que no necesita salir del pasado del director. Es, además, un ejemplo para todos los que desean hacer cine, pues en un aparente anti proceso filmó en 15 días uno de los filmes más bellos del cine mexicano en lo que va de la incipiente segunda década del nuevo milenio.

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por DIANA REYES

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Los primeros semestres que cursé en mi universidad (la Escuela de Pintura, Escultura y Artesanías) supe de éstos realizadores, se les llamaba “Lalo y Diana”, la mancuerna que tenía un proyecto siempre en puerta, incluso los maestros hablaban muy bien de sus trabajos, desde entonces me causó mucha curiosidad ver lo que éstos dos chicos ofrecían y lo que descubrí fue con un corto en stop motion titulado “Metamorfosis”.

Me di cuenta que lo que ellos hacían era un trabajo detallado, meticuloso, increíblemente bien cuidado y planeado, en pocas palabras, son unos realizadores muy completos y profesionales, por eso cuando supe que se proyectaría un mediometraje animado de ellos, me emocioné y quise saber de qué se trataba. En esta ocasión el trabajo presentado lleva el título de “Entre recuerdos y el olvido” y bajo la productora “Drex Studio” el director de esta obra, el artista visual Eduardo Torres Mireles, en esta ocasión mezclaron la técnica del stop motion con actores, la temática del mediometraje es sobre la violencia y el secuestro y de cómo el personaje principal trata con ello.

Siempre es un placer ver un trabajo en esta técnica de estos realizadores, es muy limpia, muy cuidada y en esta ocasión vaya que le pusieron empeño, mezclando exitosamente toda la realización artesanal que ellos hacen desde cero (al final de la proyección compartieron con el

público asistente los bocetos originales, el story bord y en general toda la carpeta del proyecto), hasta softwares de edición de vídeo para efectos impresionantes en fondos y algunos detalles que le dan ese toque de profesionalismo. La fotografía es buena, sobretodo en la parte del stop motion, muy cuidada, mucho color y logran buenas profundidades con el correcto uso de ángulos.

El director nos cuenta que el trabajo fue un proyecto del PECDA 2012 (Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico) del estado, y que sobretodo es una idea que desde hace tiempo tenía la intención de realizar, y que si bien usaron todos los recursos que el PECDA provee, le invirtieron mucho más que eso, sin contar el tiempo dedicado de los integrantes de esta productora. Al final de la proyección también se llevaron a cabo preguntas del público, entre las cuales se tocaron temas desde narrativa hasta los efectos especiales y tiempo de realización, preguntas que el director contestó hablando sobre la ambigüedad de algunos personajes de la trama, que tiene que ver con la introspección e incentivar la imaginación del espectador, sobre los diferentes programas de edición que fueron utilizados, que el trabajo fue hecho en aproximadamente dos años, de los cuales la realización de guión fue una de las etapas más tardadas.

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por ANDREI MALDONADO

“Febrero 14 de 1990. La sonda Voyager, a una distancia de seis mil millones de kilómetros, toma una fotografía de la Tierra…” bajo esa sencilla aseveración Diego Luna da inicio a Cada Vez nos despedimos mejor, un monólogo dirigido por Alejandro Ricaño, una obra que por espacio de poco más de 80 minutos transporta al espectador desde el terremoto de 1985 hasta los disturbios de San Salvador Atenco, y desde la Feria del Libro de Guadalajara hasta el sótano de una casa, el cuarto oscuro de revelado donde Mateo le rompe el corazón a Sara.

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Dos genios unidos, uno, el de Ricaño, con una sensibilidad poética por la cual se arma de un par de sillas, cámaras fotográficas de diversas épocas y cinco luces sobre el proscenio para crear una danza de claroscuros; y el otro, el de Luna, que es capaz de interpretar no solo al desdichado Mateo, sino también a su solitario padre, a su fallecida madre, a la mujer de sus sueños y a la de sus pesadillas, en una suerte de discurso que salta la temporalidad, partiendo del presente al futuro y viceversa.

El último día del año 1979 Mateo y Sara nacen en el mismo hospital. Él, desde la desgracia del destino que terminaría por condenarle la vida, ella en la primera de muchas circunstancias que los llevarán a conocerse y desconocerse una y otra vez: la fotografía. Partiendo de la premisa del deseo de una segunda oportunidad a pesar de saberse terriblemente desgraciado, y valiéndose de un lenguaje coloquial que mezcla hechos históricos del país con lo cotidiano del día a día de dos almas hechas el uno para el otro pero no para vivir juntos, Luna y Ricaño se vuelven una dupla deliciosa en esta puesta en escena.

Un meta discurso que aborda la nostalgia, la melancolía, el destino, el infortunio y la soledad. Un diálogo interno y externo que se adereza con una deliciosa banda sonora en vivo, y que nos lleva a la reflexión de cuantas veces estamos frente al amor de nuestra vida, y cuántas veces lo dejamos partir. Una muestra de belleza en todos sus sentidos que no deja otro final que el interminable sinfinal que es la vida, un urdimbre de emociones en donde se conjuga el recuerdo, el olvido y la desolación. Lo peor -o mejor- es que todo mundo saborea su humor negro, quizá porque por dentro el corazón no deja de llorar.

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por ERIC EDUARTE VILLA

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Desde hace años se hacen talleres y cursos en el estado para la preparación de personal dentro de la industria fílmica, pero siempre esta preparación sucede en la capital y no es frecuente al resto de los municipios. Es por ello que el año pasado se dio la iniciativa de empezar a generar estos talleres fuera de la ciudad de Durango, para dar oportunidad a muchos jóvenes que residen en el interior de la entidad. Fue así que en octubre del 2013 en el municipio de Santiago Papasquiaro se impartió el primer taller de cine digital con una etapa de duración de 5 meses, concluyendo este marzo, donde los participantes, además de conocer el proceso de elaboración de un guión para cine y las distintas técnicas que conllevan a la elaboración del mismo, lograron trasladar esos conocimientos a la práctica, realizando así, dos cortometrajes para su graduación del taller.

Este proyecto fue posible gracias en al Instituto Municipal de Arte y Cultura de Santiago Papasquiaro y el Instituto de Cultura del Estado de Durango, bajo un programa auspiciado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) a través de la dirección de vinculación y del programa Desarrollo Cultural para la Juventud del ICED. El taller de cine digital fue impartido por el cineasta duranguense Julio Cesar Andrade Ríos, llevado a cabo en la casa de la

cultura de Santiago Papasquiaro con un numeroso grupo de participes, y este pasado 29 de marzo se dio la clausura con la entrega de reconocimientos y exhibición de los cortos realizados en presencia de autoridades locales de Santiago, así como el director del instituto de cultura del municipio, Salvador Dueñas Pérez; quien a su vez fue parte de las clases como alumno e incluso actuando en uno de los cortometrajes.

En entrevista Julio cesar Andrade nos habló de la importancia de llevar estos talleres a distintas regiones del estado. ¿Cuál fue la idea por traer un curso cine a este municipio?

“Porque Santiago Papasquiaro tiene en su historia la filmación de la película “El Cavernícola” que vino a grabarla Ringo Starr. Entonces yo decía que porque en Santiago Papasquiaro no ir a dar un taller de cine, siendo un semillero de artistas.

Está Marlene Favela, que es originaria de aquí de Santiago y los más reconocidos, y con todo respeto lo digo, los Revueltas. Que algunos no nacieron aquí pero tienen orígenes de Santiago Papasquiaro. Silvestre Revueltas si nació aquí y digo, habiendo tanta gente que ha emanado de Santiago Papasquiaro ¿por qué no traer cine para acá? A lo mejor emana gente que haga cine de aquí de Santiago y al rato lo estamos viendo a nivel nacional”.

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escribirlo. Entonces ahí fue donde nos tardamos, en hacer el guión y las adaptaciones para que quedarán los resultados que se vieron en la pantalla, ya después ellos se acoplaron muy bien y fueron autodidactas: ‘no se basen a lo que yo les diga, busquen en internet, en Youtube, en cualquier lado y ahí les van a dar algún tip, parecido al mío y mucho mejor’, entonces hicieron eso, y fue cuando hicimos un despegue más de lo que era el curso-taller.” ¿Qué tan buena fue la convocatoria y respuesta de los jóvenes de Santiago para este taller?

“La convocatoria fue muy buena, hubo muchísima gente que se quiso inscribir no sólo de aquí de Santiago Papasquiaro, tenia gente que se inscribió por medio de Facebook de Nuevo Ideal, de Durango y yo empecé a dar el curso a través de esta red, ya cuando liberaron el recurso de CONACULTA fue cuando vine e hice la convocatoria en el COBAED de aquí de Santiago.” ¿Qué tan grande fue el reto de lograr un curso de cine en una tierra que poco ha tenido acercamiento con el séptimo arte?

“Fíjate que fue un reto muy grande, porque empezamos todos de cero, fue desde concebir una idea para crear un guión y que ese guión se transportará a la pantalla, fue muy difícil y estresante para ellos porque no sabían cómo era un guión y cómo

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Para finalizar Julio Cesar mencionó que tiene el deseo de volver a Santiago a impartir un segundo taller, donde esté más enfocado al actor frente a la cámara; así mismo crear talleres para programas de televisión transmitidos desde el municipio de Santiago Papasquiaro. Los trabajos hechos por los alumnos de este taller pronto podrán ser presenciados en la capital, dentro de lo que será la sexta edición del Festival de Cine Mexicano.

El gran ánimo de los participantes de este taller de cine digital no pasó desapercibido y los jóvenes que tomaron el curso se mostraron motivados y dispuestos a continuar con esta preparación. De esta forma quedó clausurado el primer taller de cine digital en tierras santiagueras y dejando el conocimiento para futuras generaciones que busquen incursionar dentro del universo de la cinematografía.

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