Editorial
365 días de cine DIRECTORIO
Hace un año emprendimos una aventura sin saber cuál sería su impacto y trascendencia en nuestras vidas. 365 días después parece que las palabras no son suficientes para poder compartir con ustedes cómo para cada uno de los miembros de Cinéfagos este ciclo ha trascendido en nosotros y con nosotros. Fue justo en el marco del Festival de Cine Mexicano, en su quinta edición, cuando Cinéfagos hizo su aparición, con más preguntas en nuestras cabezas que las que nos pudieron hacer los asistentes a aquel evento que parecía tan improvisado, en donde todo comenzó. Realmente no hubo mucho tiempo para hacer el análisis y la reflexión, pues hubo que atender nuestra responsabilidad de recabadores de todo lo que pasaba en el Festival, para después dar paso a nuestra segunda edición ¿Cuándo fue que entendimos el papel que comenzábamos a desarrollar? Los meses pasaban y con ellos las ediciones. Si usted cree que armar una revista es sencillo, por favor replánteselo, más si se trata de cine. Y es que entre ir a un evento, regresar del otro, meterse al diseño, la impresión, la distribución y demás etcéteras uno puede dejar la cordura frente al computador. Por suerte el bolsillo siempre adelgaza en sentido contrario en el que el corazón late más fuerte.
Entrevistas inesperadas, eventos que nos llenaron el alma, elogios, críticas, sinsabores, alegrías. Al fin un año y no, no pasa volando. No, no se dice fácil y no, no estamos tan emocionados como el primer día, lo estamos más, seguros de que todavía podemos mejorar, crecer; esperando que nuestro empeño sea del agrado de cada lector. Nada está seguro en nuestro futuro, tan solo deseamos seguir aferrándonos a que la vida corra a 24 fotogramas por segundo, que nuestras emociones luzcan en pantalla grande y que nos alimente el séptimo arte. En ese deseo también está el anhelo de que el camino lo hagan con nosotros.
Director General Andrei Maldonado Coordinador Editorial Eric Eduarte Villa Colaboradores Diana Reyes Mario Bermúdez Luis Abel Chávez Sac-Nicté Calderón Erik Camarillo Fotografía Diana Reyes Andrei Maldonado Luis Abel Chávez Diseño Andrei Maldonado
revistacinefagos.blogspot.com
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Andrei Maldonado Alimentándonos del séptimo arte
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Contenido
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En el marco de las celebraciones por los 60 años de la primera filmación en ese estado se realizará la sexta edición del Festival de Cine Mexicano de Durango, plataforma que habrá de realizarse del 4 al 8 de junio. Este festival es único en su tipo, pues es el único enfocado totalmente al séptimo arte de nuestro país. Durante cinco días, el festival ofrecerá un excelente panorama de la producción fílmica nacional a través de la proyección de los largometrajes y cortometrajes que estarán compitiendo por los diferentes premios que se ofrecen y entre los que se encuentran, Mejor largometraje nacional, con 50 mil pesos, Mejor cortometraje nacional, con 20 mil pesos, Premio del público, con 20 mil pesos y, por primera vez, las categorías Mejor cortometraje “Hecho en Durango”, con 10 mil pesos, y el Premio de la Crítica. También habrán de entregarse las distinciones del Premio del jurado joven, que consiste en un boleto de avión, viaje redondo, para que el director asista al festival de Cine Latinoamericano de Vancouver, Canadá; asimismo se entregará el Premio a la juventud de Durango, en el que un miembro del jurado joven será elegido y becado por el ICED para participar en el “Campamento audiovisual itinerante”, que por tres semanas se llevará a cabo en el estado de Oaxaca durante el mes de julio.
Dentro de la programación del Festival ofrecerá, además de las proyecciones, actividades alternas como talleres, presentaciones de revistas cinematográficas, el proyecto internacional Kinomada y charlas como la anunciada por el maestro Felipe Cazals sobre José Revueltas en el cine y otras en las que participarán personalidades como Juan Antonio de la Riva, Julián Hernández, Roberto Fiesco y Leonardo García Tsao.
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El Festival tendrá como función de apertura, la copia restaurada digitalmente de la segunda película sonora del cine mexicano, “La mujer del puerto”, protagonizada por la gran actriz duranguense Andrea Palma
Largometrajes programados en la competencia oficial: Las búsquedas (José Luis Valle, 2013), González (Christian Díaz Pardo, 2013), El cuarto desnudo Nuria Ibáñez, 2013), Somos Mari Pepa (Samuel Isamu Kishi Leopo, 2013) Los hámsters (Gilberto González Penilla, 2014), Seguir Viviendo (Alejandra Sánchez, 2014) y Navajazo (Ricardo Silva, 2014).
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Cortometrajes: Mar del sur de Luis R. Garza (2013), La ausencia de Saulo Corona (2013), Carina de Sandra Reynoso (2014), Nubes flotantes de Julián Hernández (2014), Filia, filiae de Sabrina Muhate (2014), Zafo de Pablo Orta (2014), El gran líder de Francisco Jiménez (2013), La última cena de Vanessa Quintanilla (2013), Ballad of the living dead de César Villarreal (2014), El corazón del sastre de Sofía carrillo (2013) y Recuerda esto de Miguel Hernández Barba (2014).
Hecho en Durango: Allá como aquí de Cristian Herrera, Amatista de Arturo vela, El sueño de la realidad produce monstruos de Othón Rivera, Blanco polar radiante de Andrei Maldonado, Un amigo de Miguel Almonte y Nosotros de Pamela Velázquez.
El programa de clausura incluirá la proyección de la cinta “El Apando”, actividad que se unirá a las celebraciones que durante todo el año se estarán realizando en honor a José Revueltas, en el 150 aniversario de su natalicio.
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por ANDREI MALDONADO
Basada en la novela La espuma de los días, Michel Gondry nos regala una nueva cinta en donde mezcla su ya conocido ingenio con una historia donde si bien el amor entre Chloe (Audrey Tautou) y Colin (Romain Duris) juega un rol fundamental, se muestran claras sátiras a la sociedad en las que se centró Boris Vian en 1947, mismas que hoy en día no han perdido vigencia.
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Las exigencias de un sistema cada vez más mecanizado que no descansa, el burocrático sistema médico, la esclavitud de una sociedad sumergida en los protocolos y en el poder del dinero generan más que un simple contexto en el cual Chloe y Colin desarrollarán su encuentrodesencuentro amoroso, no exento de una inevitable tragedia.
Alejándose de su etapa hollywoodense con El avispón verde, Gondry vuelve a experimentar con el celofán, el algodón, las cajas de cartón y toda suerte de efectos visuales mitad escenografía barata y ostentosa mitad técnicas de stop motion, con los elementos ya clásicos en su filmografía como son una excepcional banda sonora y un casting maravilloso. Además del acierto de crear una Audrey Tautou alejada de su rol de Amelie, Michel consigue armonizar nuevamente los elementos actoralesmusicales con la ambientación de sus escenas, en las cuales vemos como el colorido tradicional del mundo parisino se torna en un azul índigo hasta quedar en blanco y negro, con una casa que poco a poco se va encogiendo en la misma proporción con que la extraña enfermedad de los lirios acuáticos crece en Chloe.
Quien en Amor índigo busque una reproducción exacta de las cintas anteriores del cineasta francés tendrá que recular, pues más allá del tema del amor o de su vistoso diseño de arte, esta es una historia que se narra desde una panorámica distinta, una donde vemos que muchas veces no basta con amar, ya que en el esquema de lo ideal los “felices para siempre” no existen.
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por MARIO BERMÚDEZ
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A finales de 2011 en Estados Unidos se estrenó un filme que hizo recordar el estilo del viejo cine negro (film noir) de las lejanas décadas de los cuarenta y cincuenta, cuando estaban en pleno apogeo, cuya peculiaridad se centraba en temas delictivos muy bien definidos al momento de ser mostrados
Asimismo tópicos como la psique de los protagonistas debatiéndose entre el bien y el mal o la escenografía poco iluminada donde resaltaba el juego de sombras en el desarrollo de la misma, hicieron de este tipo de cine una nueva fórmula en la creación de contenido fílmico; sin embargo los rasgos anteriormente señalados se verían notablemente en Drive (y posteriormente en Only God Forgives) además de otros que por aquellos años pasaron desapercibidos, como la problemática actual que incluye entre muchos otros, la crisis emocional y la búsqueda de identidad por lo cual el filme de Nicolas Widing Refn ocuparía un sitio en la lista de filmes Neo Noir. En este sentido Refn nos mostró a un personaje hasta cierto punto incomprendido en un mundo donde la psicodelia ocupa un lugar especial por el juego de colores e iluminación empleados durante las noches ya que, en el desarrollo de la historia, notamos que es un doble de cine, un tipo de pocas palabras que emplea la misma chaqueta blanca en sus salidas nocturnas, lo cual lo hace más enigmático en compañía de muy particulares tonadas musicales de fondo.
canadiense Ryan Gosling encarna en compañía de la guapa Carey Mulligan como su interés romántico. Ahora bien, un par de años más tarde el mismo director quiso emplear la misma técnica con Only God Forgives; claro que logró su cometido y aunque las críticas sean controvertidas Refn puede presumir una secuela de Drive ¿una secuela? Sí, pero no en la línea argumentaría sino en la estética visual que enseña en dicha producción. Cabe hacer mención que en este último punto quizás Refn peca de explícito en el lago de sangre y en el tema de la violencia, en la venganza de los personajes, en conflicto, pero ¿no es esto lo que conforma la psicodelia de los films neo noir? Probablemente las respuestas sean diversas ante esta cuestión, pero no me dejarán mentir que la escena del hombre sin brazos sigue en pie cada que alguien susurra el título de esta gran creación filmográfica.
En esta búsqueda de identidad logra destacar indirectamente como un antihéroe, eso es Drive, eso fue y eso seguirá siendo. No por algo esta película de Refn se ha convertido en un filme de culto por lo misterioso del personaje en toda la extensión de la palabra que el
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por ANDREI MALDONADO
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Si algo hay que agradecerle a Lukas Moodysson es su genialidad para tratar temas tan familiares entre sí de manera distinta. Si en Mamut nos adelantó el tratamiento de una temática sobre le incomprensión siempre existente de los padres hacia el mundo de sus hijos, en We are the best! nos deja ver la visión no solo de incomprensión en el núcleo primigenio, sino también la resistencia a la muerte de una cultura. Bobo y Klara desean tener una banda de punk porque ven a través de este género la posibilidad de decirles a todos los adultos que no les prestan atención que detestan ese mundo de protocolos innecesarios, de poses y de exigencias, pero también para poder vivir la vida bajo el único esquema que creen posible, todo bajo un tema que reza “¡Odiamos los deportes!” A ellas se les unirá Hedvig, una chica cristiana (la única que en verdad sabe tocar un instrumento musical) que pronto entenderá la profundidad dentro del proyecto que surge al principio como un simple acto de rebeldía contra el sistema, y con ellas emprenderá la aventura de tocar su canción en un recital. Sencilla, directa y al corazón. We are the best! no ahonda más allá que en el discurso del deseo de expresión y la amistad. Una cinta en la cual el espectador no debe de sumergirse en un mar dramático, más bien se deja llevar por el suave oleaje de la comedia sueca.
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por SAC-NICTÉ CALDERÓN
En "El libro perdido y hallado en el tiempo", texto que sirve como prólogo de “Claraboya”, novela de José Saramago, Pilar del Río escribe que la literatura del escritor portugués está habitada por personajes masculinos que "necesitan del encuentro amoroso para romper, siempre de forma momentánea, su forma concentrada e introvertida de estar en el mundo". En "Los insólitos peces gato", ópera prima de Claudia Sainte-Luce, también hay un encuentro amoroso que rompe, desgarra, el mundo en grises de un personaje, sólo que es femenino, y es para siempre.
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Claudia (Xim ena Ayala), muy solitaria, en sus veintitantos, conoce a Martha (Lisa Owen), en un hospital al que ambas llegaron por razones completamente distintas: Claudia tiene apendicitis. Martha tiene SIDA. El hospital también funciona para trazar las primeras imágenes de los hijos de Martha: una familia llena de personalidades extravagantes que no parecen tener nada en com ún: una pasea con un atrapasueños, otro se esconde bajo la cama. Al avanzar la película, el espectador descubre que son hijos de padres diferentes y que, en efecto, lo único que tienen en común es a Martha, y posteriormente a Claudia. Alejandra (Sonia Franco), de temperamento duro, es quien lleva las riendas de la casa. A Wendy (Wendy Guillén) lo que realmente le importa son los encuentros espirituales. Mariana (Andrea Baeza) se encuentra en plena adolescencia, con todos los conflictos con su imagen que esto conlleva y un deseo de crecer que a veces la sobrepasa, y Armando (Alejandro Ramírez-Muñoz), tímido pero desenvuelto, quiere saber como es un beso “por dentro”. Cualquier descripción que se haga de los miembros de la familia nunca les hará justicia. Si bien uno de los grandes aciertos de "Los insólitos peces gato" es la calidad de las interpretaciones, un elenco que otorga la medida justa en cada escena, el delineamiento de los personajes, claro desde los prim eros minutos de la película, contribuye a redondear una historia que se cuenta desde quienes la habitan.
Este delineamiento se consolida en la primera comida a la que Claudia es invitada, justo después de abandonar el hospital, y consigue quitarle importancia a la protagonista, en un reflejo de la manera en que ella misma se percibe: la cámara es testigo de una dinámica familiar caótica en la que Claudia, de espaldas al espectador o totalmente fuera de cuadro, con el cabello tapándole el rostro, prácticamente no existe. Alejandra reparte la comida con prisa mientras todos hablan al mismo tiempo, apenas notando que hay una invitada. Martha, al centro, sonríe e intenta comer. Wendy hace preguntas indiscretas, Mariana no quiere comer pan, lo que le gana un "es anoréxica" de sus hermanos, Armando descubre que Claudia escondió la salchicha de su hot dog, porque es vegetariana. Alejandra se molesta. Claudia no encaja. No encaja. No lo hace con Wendy y menos con Alejandra. Armando es amable con ella y Mariana también, y es justo a través de los dos miembros pequeños de la familia que comienza a formar parte de ella. Porque desde ese día Claudia ya no puede dejar esa casa. Esa casa le regala existencia.
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Claudia entra a la familia como la pequeña parte que le faltaba. Ellos la llenan de vida mientras ella se vuelve un apoyo, el engrane que logra unir las soledades de cada personaje, porque todos los hijos, aún más el severo, excéntrico o superficial, tienen un punto de quiebre: tendencias autodestructivas, inseguridades propias de la edad, un corazón roto, un profundo temor a la muerte de la madre. Y Claudia es quien lo descubre. Si hay que elegir un personaje para destacarlo ese sería, sin duda alguna, Martha. Martha, a través de una excelente interpretación de Lisa Owen que le valió la Diosa de Plata Silvia Derbez a Mejor Coactuación Femenina (“Los insólitos peces gato” se llevó el premio a la Mejor Película), escapa al tipo de mamás normalmente presentadas en el cine mexicano, y ni siquiera un contagio de VIH por el último de sus esposos la arroja al papel de víctima. Su actitud con sus hijos es ligera, deja las decisiones importantes a Alejandra, disimula lo más que puede su enfermedad y planea unas vacaciones espontáneas cuando aún está en el hospital. Su comida favorita, lo que más disfruta, son los Ruffles verdes. Al final, frente a la pantalla, uno entiende que su actitud es el mejor regalo: no pretende chantajear emocionalmente a sus hijos, provocarles más dolor o heredarles culpas. Martha les regala el poder de continuar con su vida con la certeza de que podrán hacerlo. Y ese regalo también alcanza a Claudia.
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A partir de una experiencia personal, que ha conquistado a diversos públicos en su paso por festivales alrededor del mundo, Claudia SainteLuce, con la fotografía de Agnès Godard y la dirección de arte de Bárbara Enríquez, creó una película que se enfoca más en los estados de ánimo que en las acciones. Esto le concede un ritmo que se equilibra con astucia entre lo emotivo y el humor negro, con el sabor agridulce que resulta de saber que Martha camina irremediablemente hacia la muerte, pero con las ganas suficientes de regalarle las ganas de vivir a una mujer, perdida y sola desde los 2 años, que finalmente encuentra un lugar para existir ¿La moraleja de la película? Rescato esta: “los suspiros son señal de que necesitas un poco más de aire para respirar”.
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por ANDREI MALDONADO
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Existen diversos tipos de soledades. Cuando es auto inducida, la soledad puede ser el platillo más delicioso de nuestra mesa, el cual nos podemos dar el lujo de compartir o no. Pero cuándo ésta nos atrapa y no aísla de los demás, el dulce sabor de los momentos con nosotros mismos se puede convertir en una amarga hiel que nos deje sin la posibilidad de entablar una relación con alguien, pues es el mundo quien nos expulsa del mundo. Con el riesgo de estar tomando por asalto una reflexión que debería ir al final del presente texto, podemos decir que el mayor acierto de Sebastián Lelio fue quizás dejarnos una historia sin más comienzo ni final que la imagen de una mujer bailando sola, acompañada de sus recuerdos, la música de los años mozos y la tremenda necesidad de saberse en alguien.
La actuación de Paulina García es de esas que nos deja la sensación de que nadie más podría haber logrado el papel. Gloria encuentra en sus desencuentros amorosos de una noche en la entrada de la vejez a Rodolfo (Sergio Hernández), con quien parece haber conectado de manera especial, sin embargo pronto los roles autodestructivos que cada uno funge los llevarán a una caótica caída. Una cinta con magistrales escenas, donde los pliegues y la flacidez de los cuerpos a la hora de hacer el amor no convierten el entorno en algo morboso o demasiado dramático; más bien nos permite recordar que para el amor no hay límites de edad, y mucho menos para el dolor y la decepción. Un filme con todo el toque latino y la armonía del cine chileno, donde no se pasa desapercibido el trabajo de producción de un cineasta consolidado como lo es Pablo Larraín. Gloria no nos enseña, más bien nos impide olvidar que inclusive para estar solos hay que ser empeñosos, o realmente nos quedaremos solos.
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por ERIC EDUARTE VILLA
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El director francés François Ozon nos hace ver que para el amor y la pasión puede empezar desde la adolescencia. En su más reciente largometraje Jeune et Jolie nos relata la historia de Isabelle, una joven de 17 años que experimenta el enamoramiento y su primera relación sexual. Pero este descubrimiento íntimo la llevará a tener una doble vida, una como estudiante y la otra viviendo bajo el seudónimo de “Lea” en el mundo de la prostitución de manera independiente. No es una película más de erotismo ni trata de serlo. Es una cinta sobre la pérdida de la inocencia, pero más que nada sobre la pérdida de saber amar, algo que se deja sentir con Isabelle en los distintos labios y manos a los que asiste noche tras noche. Aunque llega a haber escenas de cama para un lenguaje visual muy fuerte, incluyendo una escena de masturbación del hermano también adolescente de Isabelle, la trama nunca abandona su línea dramática ni su mensaje, haciéndonos recordar dos cintas que cumplen la misma atmosfera sensual y dramática: Habitación en roma, de Julio Medem, y Belle de Jour, de Luis Buñuel. La secuencia narrativa nos revela lo bien logrado que está el guión, nada predecible, puntos de giro en el transcurso del film que le dan un nuevo rumbo a la historia del personaje de Isabelle. Y uno de esos
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puntos de giro se da cuando surge un incidente mortal con Georges, uno de sus clientes con el cual empezaba a tener una relación mucho más para una sola noche de cita. Isabelle poco a poco empezaba a regresar al verdadero sentimiento del amor, a pesar de las diferencias de edades entre ellos dos. Con este giro trágico, es ahí donde se revela la vida de prostíbulo de la protagonista ante su familia. Es entonces donde la película da otro camino. La pasión se convierte en dolor, y el dolor en culpa para Isabelle. Tratando de recuperar su vida buscando el amor como debe de ser, conoce a un chico de edad similar en una fiesta, pero Isabelle no puede huir de lo que se ha convertido, su esencia llega a lastimar a quien realmente quiere amarla. Una frase esencial de la película se la dice uno de sus clientes, haciéndole saber que “la que es puta, será puta toda su vida”. François Ozon somete al espectador transgrediendo tanto al hombre como a la mujer, con un argumento agresivo de la soledad y principalmente del cariño de paga, pero con esa nostalgia y esperanza de reencontrarse con el verdadero sentir del amor.
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Es la naturalidad de sentir atracción por otra persona lo que nos deja la nueva propuesta del cine mexicano. Club Sandwich, tercera cinta del director mexicano Fernando Eimbcke (Temporada de patos y Lake Tahoe) nos trae la historia de Paloma y su hijo Héctor de 15 años, un adolescente que tras un viaje a la playa junto a su madre conoce a Jazmín, una joven que ronda la misma edad que él. El joven lleva una relación con su madre m uy especial al ser hijo único y sin tener la imagen paterna. Dentro de su línea narrativa la película tiene dos ejes: el primero de ellos es la experim entación del enamoramiento de Héctor; y el segundo, el miedo a la soledad por pate de la madre, protegiendo a Héctor para que no la abandone tan pronto conozca a la primera chica en su vida. La cinta de Eimbcke busca entregarnos el deseo y la fantasía del sexo de dos jóvenes que se descubren, logrando manejar el tema de sensualidad sin recurrir a diálogos ni escenas de morbo que pudiesen haber hecho que la película cayera en algún cliché erótico tan criticado de nuestro cine nacional. Sus grandes espacios de silencio musical, dejándonos únicamente los sonidos naturales durante las conversaciones y momentos de acción a lo largo de la película, nos entregan el verdadero juego de escondidas de dos niños.
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por ERIC EDUARTE VILLA
Hasta cierto punto la cinta es polémica pero no termina por serlo. Algo en lo que Fernando no se atrevió a ir más allá, y puede resultar un atino ante tanto bombardeo de escenas de cama en el cine, pero la intención de llegar a ellas es muy clara, y sí, algo fuerte debía tener, ya que por pura inercia este tema en un terreno cinem atográfico es para revelar las emociones y sentimientos en su máxima pureza, y se da cuando Héctor y Jazmín esperan sentados en la playa, y el goce de la masturbación mutua entre ellos dos se vuelve el clímax de sus deseos durante el film , mientras la madre de Héctor se pierde por un momento entre las olas del mar. La película de Eimbcke viene a suavizar lo que hemos visto en el cine mexicano últimamente, una invasión de temas sociales y políticos. Una historia de la cotidianidad, pero más que nada de los efectos que nos nacen cuando salimos a conocer el mundo y las personas que nos harán sentirnos especial. E s una invitación a ver algo nuevo en la pantalla mexicana, sin embargo jugar con demasiada sim pleza entre algunos emplazamientos con cámara y en sí con el manejo del tema de la seducción y no representar las demás las situaciones de amor entre dos jóvenes, puede llegar a resultar un trabajo frío visualmente cuando se busca explorar la pasión y el sexo en el cine.
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Queremos agradecer a todos los que han formado parte de CinĂŠfagos estos primeros 365 dĂas de vida ÂĄGracias!
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CORAL BONELLI CORAL BONELLI Una construcci贸n de ficciones
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En un principio, era “Pinolito”. Cabello abundante y mirada retadora. El niño es el pequeño rostro, lleno de tierra, que acompaña a Katy Jurado y se asoma detrás de cada puerta, de cada escritorio, en silencio o con lágrimas que le contraen el rostro en Caridad, un cortometraje de Jorge Fons que fue parte de Fe, esperanza y caridad, la entrada de Fernando García Ortega al mundo del cine, en una época en la que convivió con figuras como Sara García, Julio Aldama y Anthony Quinn. Hoy, de Pinolito, de Fernando, no queda nada. “Coral es muy diferente. Pinolito ya no existe, pero hay muchas cosas que no se pueden olvidar: la primera vez que me paré en una carpa, cuando me aplaudieron, que mi primer sueldo fueron 15 pesos, las películas que me dieron prestigio en esa época… eso no se puede olvidar” La voz al otro lado del teléfono es Coral Bonelli. Alta, rubia, con la mirada retadora y sonrisa traviesa que pertenecían a Fernando y que formaron parte del cine mexicano durante la década de los 70. Ella, “una chica trans”, es la protagonista de Quebranto, un documental de Roberto Fiesco que aborda su vida y la de Doña Lilia Ortega, su mamá, desde aquellos días en los que imitaba a Raphael, cuando era estrella de cine infantil, y desde que decidió que Pinolito fuera sólo un
recuerdo colgado de las paredes de su casa en Garibaldi, y ahora sea Coral Bonelli quien baña “a la Bombón”, prepara la comida y sí, aún acompaña al mercado a su madre. Raphael Cuando era niño, a Fernando le gustaba acompañar a Doña Lilia al mercado. En Quebranto, ella explica que gracias a que sorpresivamente Fernando comenzó a quedarse en casa, fue que descubrió que aprovechaba esos momentos de soledad para imitar a Raphael. Lo escuchaba en una consola, y luego pagaba cinco centavos para que el vecino le permitiera verlo en la televisión. Raphael fue el primer cambio en su vida. A los cuatro años empezó a trabajar como fonomímico en las carpas, teatros de pueblo que presentaban distintos espectáculos por 50 centavos o un peso, hasta que lo llevaron frente a Fons y él decidió que lo quería en Caridad. Así comenzó una carrera en cine en la que participó en películas como El hijo de los pobres (1975), Espejismo de la ciudad (1976) y El callejón de los milagros, (1995). Incluso, en Durango filmó Hermanos del viento (1977) y Matar por matar (1979).
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Posteriormente, debido al declive de la industria, especialmente en la década de los 80’s, Fernando comenzó una carrera de bailarín en el Teatro Blanquita, hasta que un día decidió que era suficiente. “Yo estaba viendo la tele, y se fue para allá dentro y sale toda vestida de mujer, que ni se sabía pintar, ni sabía caminar, ni nada, y me dijo ‘desde este momento soy mujer, quieras tú o no quieras’”, explica Doña Lilia en Quebranto. Coral Bonelli Ni Vanessa, ni Laura, ni Lupita ni María. Coral Bonelli. “Yo tuve una amiga muy bonita en una escuela para señoritas, ella se llamaba Coral Reyes y me gustaba su nombre, se parecía a Lucía Méndez y yo soy fan de ella, entonces cuando empecé en el ambiente gay dije ‘voy a buscar un nombre que no sea muy común’ y me acordé”. Coral Bonelli fue el cambio definitivo. “Yo ya me había aburrido, tenía una losa muy pesada en mí, es muy difícil estarle mintiendo a mi familia, a la persona que vive contigo. Entonces es mejor parar en seco y mostrarse al mundo tal y como eres”. Si bien es cierto que a partir de ahí sus oportunidades de trabajo disminuyeron, lo dice en Quebranto y lo repite en entrevista: lo más importante que le ha dado Coral es ser ella misma. “Vivir mi propia vida,
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mi propio mundo, imaginar que estoy haciendo una película donde yo soy la protagonista”. Sin embargo ha tenido que enfrentarse principalmente a dos problemas: “México tiene mucho machismo aún, todavía ven un hombre con tacones y se espantan, para ellos es una aberración y es muy difícil para uno soportar ese tipo de agresiones, de discriminaciones. He parado a mucha gente en la calle para decir ‘espérate, el problema eres tú, que no respetas a la gente, y aquí te digo una cosa, el más hombre soy yo. Somos como toda la gente, no por ser ‘vestidas’ vamos a dejar de hacer lo que alguien ‘normal’ logra, tenemos licenciados, maestros, doctores, presidentes, políticos… sólo que unos tenemos la fortuna de haber salido del closet y otros todavía se quedan ahí”.
La primera vez que Coral y Doña Lilia vieron Quebranto fue en una exhibición especial, para aproximadamente 50 invitados, organizada para analizar la manera en que el público recibía el documental. Pero Quebranto comenzó años atrás, cuando Roberto Fiesco era productor de El Mago, una cinta de Jaime Aparicio en donde participó Lilia Ortega. Ahí, ella le pidió a Fiesco aparecer en los créditos como “Doña Pinoles”, y la imagen del pequeño “Pinolito” llegó a la mente del productor. Roberto ha declarado que nunca entenderá cómo logró recordarlo. El resto es historia. “La idea de que hiciéramos un documental, basado en la vida de nosotros, fue muy padre porque fui un niño prodigio de cine, y estaba en el letargo, sumido en el fango. De un momento a otro, Roberto me sacó del atolladero donde me encontraba, y ahorita mucha gente se está acordando de mí, me vuelven a conocer”. Después de Quebranto, Coral Bonelli participó en Estrellas solitarias, ópera prima de Fernando Urdapilleta, que narra la historia de amistad de dos travestis. Sin embargo, además de obtener pequeños papeles en algunas producciones, hasta el momento Quebranto no ha representado un cambio significativo en su vida: “¿La vida me ha cambiado?... Sí, porque la gente me ve en la calle, me saluda, me felicita,
me dicen que les encantó el documental, pero hasta ahorita trabajo no ha habido mucho. Posiblemente adelante sí haya oportunidad de algo mejor, pero esto es poco a poco”. En una de las secuencias finales del documental, Coral imita de nuevo a Raphael, a blanco y negro, en los pasillos del edificio en donde viven ella y Doña Lilia: “Roberto pensaba que si hacía a Raphael a lo mejor ya no me acordaba, pero yo me inicié con ese gran personaje, y es difícil que se me olvide, entonces fue una experiencia muy padre volverlo a hacer. Él fue mi inicio, mi raíz, quien me dio la pauta y la patada para dedicarme al ambiente artístico. Yo tenía 4 años cuando lo imitaba, ahora tengo 50”. Ese es el cierre cíclico a una historia que comienza con Raphael en una consola, y termina con “Mi gran noche” en alguna grabadora que no aparece en escena porque toda la atención está puesta en los minutos en que Coral es Fernando de nuevo. Pero la última toma pertenece a Coral Bonelli y Doña Lilia Ortega, en su casa, con el juego de complicidad que siempre está presente entre ellas. “Es la historia de dos personas que viven el día a día, dentro de nuestro contexto. No se miente, no se dice más o menos, sino lo normal de una mamá y su hija, que vivimos aquí juntas, lo que hacemos… Así es la vida”.
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por DIANA REYES
¿A qué se refiere uno cuando dice “quemar las naves”? Ésta película tiene la respuesta. Quemar las naves es una producción del 2007 del director Francisco Franco Alba, y fue merecedora del Ariel de oro para la mejor actriz y el Ariel de Plata para la mejor música original. La película toca diversos temas y pareciera un poco larga, pero en realidad tiene la duración exacta, nos cuenta la historia de Sebastián y Helena, dos hermanos adolescentes que viven con su madre moribunda. Sebastián es callado pero con una habilidad nata de hacer amigos y ganarse el cariño de los demás, Helena la mayor, es amargada y lleva mucho tiempo sin salir de casa, con el argumento de que ella es la única que sabe cómo cuidar a su madre.
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Esta es la situación que pareciera
Zacatecas
precaria,
además de las tomas de la ciudad,
pero
se
sostiene,
sin
de
hay
alguien a modificar y entonces crear
personajes
el conflicto, que es lo interesante de
sumémosle a eso la música, que
ver en la pantalla, en éste caso llega
como ya mencioné se hizo acreedora
Juan, el chico que viene del mar,
de un Ariel, y cómo no, cuando las
introvertido, de bajos recursos, una
intérpretes son Julieta Venegas y
cicatriz en el rostro y como si no fuera
Eugenia
poco, también con varios rumores
principio” es la que personalmente
sobre su madre y su procedencia,
me pareció la mejor y más adecuada
llega a la escuela de Sebastián, quien
(altamente recomendada).
por él.
encuadres
tiempos),
embargo sabemos que siempre llega
de alguna extraña forma se ve atraído
buenos
aquellos
y
León,
de
la
de
los
situaciones,
canción
“Mi
También el aspecto plástico toma una importancia en éste trabajo, ya que
Durante la película van surgiendo
en
más
personajes
Sebastián tiene por hobby pintar y
complejos, no hay buenos o malos,
dibujar, y ver el trabajo pictórico y las
todos tienen una motivación bastante
decisiones del director en cuanto al
humana
cosas,
color y forma, es bastante atractivo e
muestran
impactante. Las actuaciones también
personajes,
para
motivaciones realidades
hacer que
de
nos
las
búsqueda,
la
historia
se
plantea
que
de
tienen bastante mérito, en especial la
esperanzas, de pérdida, de sueños,
de Irene Azuela, ganadora del Ariel
de sexualidad y de confusión.
de Oro por el personaje de Helena. Y
Ahora para no hacer más spoiler, hablemos de los detalles técnicos, la fotografía de la película es muy buena, fue realizada en Zacatecas y al inicio nos muestra una excelente escena de la ciudad (no por nada tuvo el apoyo de la gobernadora de
bueno, qué más les puedo contar, la película es muy buena, recomendable sobre todo para aquellos que están pasando por un cambio en su vida, y los asalta las dudas y miedos sobre algo nuevo, recuerden que no importa qué pase, siempre se pueden quemar las naves.
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Con el propósito de continuar con la socialización, promoción, difusión y unión entre escenas y bandas independientes, tanto de México como de otros países, a tenor de una expansión y hermanamiento de sonidos como el Post-Rock, el Metal Instrumental, el Ambient y géneros similares, COLAPSO convoco a distintos proyectos de algunos países Latinoamericanos así creando el primer archivo de este género musical y sus variantes realizado en esta parte del mundo “Compilado Latinoamericano CARTOGRAF ÍAS DEL ECO“. COLAPSO continúa con la tarea de agrupar, difundir, compartir y distribuir sin ningún interés monetario de por medio más que el de socializar el trabajo que se realiza y así crear lazos tanto a nivel organización como en producción musical, artística y cultural. En esta ocasión contamos con tres primicias y exclusivas: "Ciudad en Ruinas", que será parte del álbum debut de los mexicanos Sunset Images, "Compass", del segundo material de los venezolanos, La Mar, que está próximo a publicarse, y una edición de "Masao" de los brasileños Labirnto que fue editada especialmente para este compilado. El número de propuestas expuestas en este compilado, es muy pequeño en proporción a la cantidad de propuestas que existen en latinoamerica, y aunque indudablemente faltan varios grandes nombres por incluir, este es tan solo nuestro primer esfuerzo por unificar y dar exposición a estas grandes bandas.
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16 de mayo de 2013. Lugar: un pequeño café con aroma a bohemio, llamado
Café
Capricho.
Hora:
19:00...
Así,
un
atrás,
año
comenzaba, en un diminuto rincón en el centro de la ciudad de Durango, un espacio para hablar y embriagarse de cine. Korova, un cineclub que tomó su nombre de aquella película de 1971, dirigida por Stanley Kubrick: La Naranja
Mecánica; cuando
Alex
DeLarge, interpretado por Malcolm McDowell, está con sus drugos en la escena inicial del filme postrados en excéntricos sillones, tomando leche-plus en el mítico Bar Korova. Tal como la película, el cineclub Korova es un lugar para que todos los amigos vayan y tomen cine-plus y se transporten a un sin fin de historias y momentos que solo el séptimo arte lo puede hacer. Además de compartir el nombre, Eric Villa y Erik Camarillo unieron sus gustos por la cinematografía. Con la simple temática de hacer ciclos mensuales bajo un tema, dio así inicio la primera función, aquella de un tigre y un joven flaco e hindú: Life of Pi. Aquel primer ciclo hacia homenaje a películas que a su vez hacían homenaje al cine.
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Al término de ese primer ciclo se
El
vino abajo la idea de continuar ese
proyección de grandes cintas, sino
pequeño rincón de ese café. Ahí la
que también es un espacio para las
pregunta
pequeñas
fue
¿Qué
lugar
tiene
cineclub
no
solo
ofrece
grandes
la
historias,
espacio, está en el primer cuadro de
aquellos
la ciudad y sobretodo les interesa el
marcado historia, así como un lugar
arte? En ese momento solo se tenía
para que creadores duranguenses
un lugar en mente que podía
expongan sus trabajos, que sean
satisfacer
ligados con el séptimo arte y las ya
las
necesidades
del
cineclub: Café DaVinci.
cortometrajes
que
han
clásicas charlas posteriores a la función,
donde
se
debate,
se
Nueva sede y nuevo ciclo; era hora
analiza y critica cada filme que se
de
ve.
homenajear
mejores
a
uno
de
directores
de
cine
responsable
y del
Cineclub Korova encontró en su
Naranja
más reciente sede, Cinco Café, un
Mecánica, Full Metal Jacket, Ojos
lugar que se ha convertido en más
bien Cerrados y El Resplandor
que mágico para toda la gente que
lucirían en la pantalla del Korova.
va
Fue en la segunda función, con Full
acompañada de un café. Todas y
Metal Jacket proyectándose, que se
cada una de las personas que
integró alguien que, de ser un
completamente gratis van como
desconocido, pasó a
cada
nombre
prácticamente
los
del
cineclub.
ser
parte
a ver
una
miércoles
a
película,
acercarse
fundamental y viral del cineclub:
envolverse
Arturo Perales.
inmenso que es el cine.
A lo largo de un año se han
por
buena
ese
y
universo
por ERIK CAMARILLO
reproducido filmes que, abarcando una gran cantidad de amalgamas visuales y narrativas han seguido una línea: el buen cine. Directores como
Quentin
Tarantino,
Martin
Scorsese,
David
Fincher,
hermanos
Cohen,
Francis
los Ford
Coppola, así como grandes cintas como Amelie, Se7en, Donnie Darko, Inception, Drácula, Taxi Driver, El Padrino, La Vida es Bella, entre otras, han formado parte de ese catálogo
interminable
de
las
películas del Korova.
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Más allá de ser un simple medio de entretenimiento, un espectáculo o pasatiempo, el cine es una herramienta que ofrece infinitas posibilidades en la educación, como generador de opinión y conciencia, como bastión de denuncia social, y así podrían enumerarse muchas de las ventajas que el séptimo arte ofrece. Otra vertiente que ha venido explorándose es el cine como terapia para la rehabilitación.
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Todo comenzó con una solicitud que hiciera a Cineclub Universitario un tutor del Centro para la Recuperación y Rehabilitación para Enfermos de Alcoholismo y Drogadicción, A.C. “Albino Cuevas”, quien después de presenciar una película en nuestras ya tradicionales funciones de cine al aire libre los fines de semana, se aproximara a nosotros y pidiera el apoyo para que visitáramos este centro ubicado en las calles de Bruno Martínez y Hernández en el Centro Histórico de Durango. Al comentar que las sesiones de terapia en el mencionado centro se tornan aburridas y repetitivas y que es necesario dar un mayor dinamismo que motive a los internos a querer rehabilitarse, que mejor que el cine y su lenguaje audiovisual para impulsar el diálogo y la reflexión.
Basándonos en el lema de los CRREAD “El alcohol y la drogadicción provocan cárcel, locura, estupidez y muerte”, además de la asesoría de lo los coordinadores y del doctor del centro es como se hace la selección de los largometrajes; se busca un cine que sea capaz de sacudir conciencias y enviar mensajes de alerta ante el peligro que las adicciones representan en la pérdida de la salud y dignidad del ser humano. Después de la proyección hay una catarsis; en cada sesión se trata de generar un ambiente de confianza con los internos y familiares para que logren comunicar las emociones que los filmes les provoquen.
Algunas de las películas que se han proyectado son Réquiem por un sueño (Darren Aronofsky, 2008), Somos guerreros (Lee Tamahory, 1994), Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto (Agustín Díaz Yanes, 1995), entre otras. Adicionalmente en la programación de Cineclub Universitario en el Festival Cultural Universitario 2014 y en el Festival Nacional de Documentales “Contra el silencio todas las voces” se incluyeron funciones en este centro, por lo que ha sido de motivación para los internos el ver que el “Albino Cuevas” aparece en la publicidad de la UJED. Sin embargo aunque el tema central es las adicciones, buscamos poner un punto de equilibrio y llevar otras temáticas.
Muchos cineclubes pudieran crearse con estudiantes de las licenciaturas de la UJED que quisieran prestar servicio social y atender estos y otros grupos de la población. Pocas veces las instituciones volteamos los ojos hacia estos sectores que tienen una fuerte necesidad por ser tomados en cuenta y que están ávidos de disfrutar de la cultura y las artes. Es así como desde el miércoles 12 de febrero, ante la excelente respuesta del público, el CRREAD se ha convertido en otra sede para Cineclub Universitario, un excelente nicho para formar públicos para el cine no comercial. texto y fotografía por LUIS ABEL CHÁVEZ
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AlimentĂĄndonos del sĂŠptimo arte