Críticas

BARBRA DIJO NO A ‘CABARET’

Abanderada de una belleza fuera de clichés, la cantante, compositora, actriz, directora y productora lleva más de 50 años en la industria del espectáculo. Un fenómeno a contracorriente del que habla nuestra cronista.

Por Rosa Belmonte*.

ernando Savater tiene 75 años y dice que le

Fparece una edad incompatible con él. Barbra Streisand tiene 80 y me parece incompatible con cualquier cosa. ¿Cómo es posible que la ‘funny girl’ sea una señora tan mayor? Cuenta Barbra que su sobrina, después de ver Funny Girl (1968), le preguntó por qué cantaba tantas canciones de Glee. O sea, saber quién es Rihanna, pero no saber quién es Barbra. O sabiéndolo (su sobrina) no saberlo en realidad. Y cómo es posible que sea tan mayor la Judy Maxwell de ¿Qué me pasa, doctor? (1972). La comedia de Bogdanovich también está de aniversario, que cumple 50. Es una de esas películas donde Barbra se ventila al tío más cañón del momento. En este caso, Ryan O’Neal. En Tal como éramos, Robert Redford. Y la tía sale indemne. Como lo hacía Ellen Barkin con Dennis Quaid en Querido detective. En el cine y en la vida lo habitual es que las mujeres sean más guapas que los hombres. No es lo mismo que Barbara Stanwyck se mida con Fred MacMurray o Edward G. Robinson en Perdición (y encima con ese flequillo) a que Barbra lo haga con los adonis de su época. Vale, Stanwyck también se enfrentó a Gary Cooper. La Streisand es una de esas feúchas atracti-

vas que se han permitido mantener su nariz y reírse de no

ser Ava Gardner. Aunque luego se haga un Bette Davis en Un gánster para un milagro y se transforme en tía buena en El amor tiene dos caras. Poniéndose de hermana a Mimi Rogers y de madre a Lauren Bacall, pienso en la verosimilitud hitchcockiana. ¿Cómo va a salir una hermana tan fea?

Es un lugar común recordar que Streisand tiene, entre otros premios, un Oscar, un Tony, un Emmy y un Grammy (el Oscar lo ganó a la vez que Katharine

Hepburn por El león en invierno, para pasmo de Ingrid Bergman, que lo entregaba). Un talento multidisciplinar. Una de las mayores figuras de la industria del entretenimiento. Con históricos conciertos en directo (por ejemplo, ese del verano de 1967 en Central Park). Pero también tiene una carrera cinematográfica donde ha cantado, ha actuado y ha dirigido. Debutó en 1983 con Yentl y también dirigió El príncipe de las mareas (Nick Nolte ha contado que le tiró los tejos) y El amor tiene dos caras. Walter Matthau no podía soportarla y durante el rodaje de Hello, Dolly! (1969) procuraba no verla salvo cuando tenían

que actuar juntos. Por exigencias del guion, se excusarían las del destape. Matthau le llegó a decir que no tenía más talento que el pedo de una mariposa.

Por suerte, dijo que no a Cabaret (1972) porque quería alejarse de los musicales. Liza Minnelli era la segunda opción, pero la primera en mi corazón. Si tuviera que elegir como Meryl Streep,

“BARBRA ES actriz favorita de Barbra, en

UN TALENTO La decisión de Sophie (papel

MULTIDISCIPLINAR que Barbra quería), me quedo

Y UNA DE LAS con Liza antes que con Barbra.

MAYORES FIGURAS No solo porque me cueste imaDE LA INDUSTRIA DEL ginarme a Barbra en Cabaret, ENTRETENIMIENTO”. también me quedo con Liza en una actuación en directo. Aunque la otra sea la mujer que más discos ha vendido.

Su figura es tan enorme que hasta ha dado nombre a un efecto, el ‘efecto Streisand’, que se produce cuando se intenta ocultar alguna información y con ello se le da más publicidad. También la conocemos por haber clonado a su perro. Lástima que no se puedan clonar los artistas que nos gustan. Aunque pienso en Diane Lane. En cuando era su suegra por estar casada con Josh Brolin. Y me da miedo. u

* Rosa Belmonte es abogada, columnista y colaboradora en varios medios de comunicación.

Cinco lobitos

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Cinco lobitos (España, 2022, 104 min.). Dir.: Alauda Ruiz de Azúa. Int.: Laia Costa, Susi Sánchez, Ramón Barea, Mikel Bustamante, José Ramón Soroiz. DRAMA.

Hay una escena en un hospital que define no solo el carácter y el tono de Cinco lobitos, sino también su cambio de rumbo: cuatro personajes avanzan por un pasillo hacia la cámara, cuatro personajes que el espectador ya conoce de antemano, pero, en ese momento, algo ya no es igual en sus vidas, algo que invadirá el resto del relato. Se está produciendo un tránsito hacia otro mundo y problemática. Uno de estos personajes va a ceder, involuntariamente, protagonismo a otro. Y el guion escrito por la

PARA DEGUSTADORES DE HISTORIAS REALMENTE EMOTIVAS. Lo mejor: su ausencia de brocha gorda, el duelo/pacto entre unas grandiosas Laia Costa y Susi Sánchez. Lo peor: que alguien piense, de entrada, que ya ha visto esta historia. ¡Nada más lejos de la realidad! propia Alauda Ruiz de Azúa se reformulará, añadirá matices y nuevas e inesperadas situaciones, y se enriquecerá. Todo ello, sin perder el gusto por el detalle y la sutilidad, marca de la película ganadora del último Festival de Málaga.

Desde la exquisita discreción y el tacto absoluto, Cinco lobitos habla de madres con coraje, madres afectuosas, madres a las que les cuesta explicitar sus sentimientos, madres que encuentran sus herramientas para ejercer como tales y madres que están dejando aparcadas estas herramientas. Por ley de vida, por causas ajenas a su voluntad.

Que la historia no resulte tópica o ya vista es mérito de la directora y también de sus dos protagonistas femeni-

nas: cada lágrima, mirada y movimiento del cuerpo de Laia Costa y Susi Sánchez están cuidadosamente controlados por dos excelentes actrices que lo cuentan todo desde la sobriedad. No hay lugar para aspavientos ni subrayados.

La muerte, la insatisfacción en la pareja, el papel de los abuelos,

Susi Sánchez y Laia Costa.

el triunfo profesional, la infidelidad, los recuerdos, los cuentos, las canciones infantiles, las caídas, el matriarcado y el patriarcado, el instinto de protección o el peso de la tradición y de las tradiciones son temas que fluyen a lo largo de una película que

nos recuerda que es posible recuperar el tiempo perdido para, finalmente, robar esos besos y caricias que no pudiste o no supiste robar.

Pere Vall

Entrevista con Laia Costa en pág. 64

ESTRENO: 20 MAYO

Ennio Morricone.

Ennio: The Maestro

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Ennio: The Maestro (Ita., Bél., Paí. Baj., Jap., 2021, 150 min.). Dir.: Giuseppe Tornatore. Int.: Ennio Morricone, John Williams, Quentin Tarantino, Clint Eastwood, Hans Zimmer. DOCUMENTAL.

Las mejores películas de Giuseppe Tornatore se hallan bajo la influencia de fantasmas convertidos en corpóreas manifestaciones del peso, evidentemente nostálgico, de una belleza tan enigmática como fascinante. El espectro que nos mira desde este exhaustivo, nostálgico, bello y finalmente un enigma imposible de resolver documental sobre Ennio Morricone es el mismo compositor. Desde un Más Allá que son las imágenes de Morricone en su sanctasanctórum, el autor de la banda sonora de la vida de muchos de nosotros hace como que nos mira con sus gafas empañadas y nos

desafía a descifrar el misterio de una genialidad que él se empecina en negar cuando sabe que está ahí, entre melodías que rompieron el sentido de la melodía y dando vida a fotogramas donde la eternidad es sonido visual.

Ennio: The Maestro sabe que la voz de westerns, giallos, comedias, romances, dramas, policíacos y andanadas políticas es la que ese jugador de ajedrez (como el Max von Sydow de El séptimo sello) les dio desde un cabalístico pentagrama enriqueciendo guiones y marcando el estilo de la dirección. Muchos de aquellos directores (Quentin Tarantino, Bernardo Bertolucci, Dario Argento, Clint Eastwood, Brian De Palma…) y colegas (John Williams) aparecen en el film de Tornatore, pero son ecos de algo que jamás alcanzará la trascendencia de

las composiciones de un fantasma que encerró su talento en un silbido, una guitarra, coros y en la música de un

reloj de bolsillo. Ennio: The Maestro muestra la belleza (la ironía, la maldad, la angustia…, decenas de sentimientos en forma de notas musicales) de la obra de Morricone sin llegar a descubrir sus secretos, aunque sí que puede dar a conocer al arreglista pop y compositor previo

PARA LA MÉDIUMS ALQUIMIA DE a la fama cinema-

SOBRENATURAL tográfica. Como la

MUSICAL ÚNICA DE ENNIO MORRICONE. doncella emparedada de La mejor

Lo mejor: desde otra redescubrir perspectiva oferta, el Alberto sus composiciones. Sordi de Baaria o

Lo peor: que algunos el proyeccionista sigan un considerándolo autor ‘menor’. ciego de Cinema Paradiso, el menudo y misántropo protagonista de este documental apasionante es más poderosamente real cuando es un recuerdo, cuando es un fantasma que vivirá por siempre en la nostalgia de un cine para ver escuchándolo. Fausto Fernández

Ent. con Giuseppe Tornatore en pág. 89

ESTRENO: 13 MAYO

Simon Rex y Suzanna Son.

Red Rocket

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Red Rocket (EE. UU., 2021, 130 min.). Dir.: Sean Baker. Int.: Simon Rex, Bree Elrod, Suzanna Son, Brenda Deiss. COMEDIA DRAMÁTICA.

Una de las cosas que han convertido a Sean Baker en una figura clave del cine actual es la mezcla de sabiduría, afecto y luz con la que parte de lo personal –la intimidad de sus personajes, que nunca invade sin razón– para hablar del presente de Estados Unidos. En concreto, habla

de sus marginados, para los que el sueño americano solo puede ser eso,

un sueño. Y uno de los puntos fuertes de su cine es precisamente su particular manera de configurar esas fantasías condenadas a frustrarse. Baker relata esos intentos de fuga como PARA FANS DE LOS CUENTOS LÚCIDOS Y cuentos lumino- LUMINOSOS DE sos tan lúcidos en UNA AMÉRICA INJUSTAMENTEsu retrato de un OLVIDADA. mundo injusto Lo mejor: las fantasías como vaciados de según Baker. Y Simon conmiseración Rex, espléndido. gratuita. Lo peor: subraya en a veces exceso el

Esta vez, quien contexto político de desea huir es la historia. Mikey (Simon Rex), un actor porno arruinado que regresa a la ciudad de Texas donde creció. Su fantasía, que nunca sabemos si se concreta (cuando aparece el sueño, los colores se vuelven irreales), tiene que ver con una nueva vida junto a una joven vendedora de Donuts.

El diálogo entre la realidad atroz y la fantasía –en este caso romántica, pero no idealizada: el protagonista está lleno de faltas– vuelve a ser el espacio desde el que Baker habla con maestría de la América que otros prefieren

ignorar. Desirée de Fez Entrevista con Sean Baker en pág. 76

ESTRENO: 6 MAYO

El arma del engaño

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Operation Mincemeat (EE. UU., Reino Unido, 2021, 128 min.). Dir.: John Madden. Int.: Colin Firth, Matthew Macfadyen, Kelly Macdonald, Johnny Flynn, Jason Isaacs. DRAMA.

John Madden narra en El arma del engaño la casi increíble ‘Operación Carne Picada’, una de las estratagemas de contraespionaje de los aliados más increíbles de la Segunda Guerra Mundial. No es la primera vez que el cine se ocupa del episodio. Ronald Neame lo trató desde su pura perspectiva militar en El hombre que nunca existió (1956), a partir del libro que escribió su principal artífice, Ewen Montagu (interpretado allí por Clifton Webb y aquí, por Colin Firth). El director John Madden se ha inspirado, sin embargo, en la novelización de los hechos obra de Ben Macintyre, autor especializado en relatos de espionaje.

La historia y los personajes ganan dimensión literaria y la trama bélica comparte protagonismo con un dra-

Colin Firth (centro) y M. Macfadyen (derecha).

ma romántico; lo

PARA QUIENES APUESTAN POR EL que alinea el film

AMOR INCLUSO EN LAS con títulos como

PEORES SITUACIONES. La calle del adiós

Lo mejor: el ingenioso (Peter Hyams, ardid que narra y su vínculo con España. 1979) y El ojo de

Lo peor: la relación la aguja (Richard romántica no llega a Marquand, 1981). prender la pasión. La cinta tiene las cualidades de una producción británica, desde unos intérpretes impecables, aunque algo fríos, entre

los que brilla una cautivadora Kelly

Macdonald, a una ambientación

esmerada. Juan Pando Entrevistas con John Madden y Matthew Macfadyen en pág. 70

ESTRENO: 20 MAYO

Gerard Butler. Juego de asesinos

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Copshop (EE. UU., 2021, 107 min.). Dir.: Joe Carnahan. Int.: Gerard Butler, Frank Grillo, Alexis Louder, Toby Huss, Chad Coleman, Ryan O’Nan. THRILLER.

Joe Carnahan viene siendo considerado una suerte de alumno, de émulo competente aunque menor, de Tarantino y Guy Ritchie. Reiterado

practicante de ese noir testosterónico,

referencial y de ceja levantada asociado a los inicios de aquellos, no obstante, la observación atenta de films tan apreciables como Narc (2002), Ases calientes (2007) o Muere otra vez (2021) ya permitía llegar a la misma conclusión que ahora, tras este su rotundo último largo, parece más que evidente: que Carnahan no es que siga la estela de los directores de Reservoir Dogs y Lock & Stock –le falta la cinefilia Grado A del primero y el gracejo nihilista del segundo–, sino que comparte con ellos la fijación con el mismo tipo de thriller pre-80’s y con aroma a western que uno identifica con los Siegel-Eastwood, Walter Hill o incluso el Carpenter fir-

PARA AMANTES DE LAS PULP FICTIONS EN mante de Asalto a

ESPACIOS CERRADOS. la comisaría del Lo mejor: es un distrito 13 (1976), perfecto lúdico sin influencia mayor afán de trascender el género. de este Juego de

Lo peor: el personaje asesinos que bien de Frank Grillo queda podría ser su obra lastrado en el cliché. más compacta hasta la fecha.

Pura narrativa de bolsilibro, esquemática en lo psicológico, febril en lo argumental, puesta en pantalla con efectivo pragmatismo y contun-

dente modestia. Antonio Trashorras

Más información en pág. 82

ESTRENO: 20 MAYO

Alex Wol y Nicolas Cage.

Pig

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Pig (EE. UU., R. U., 2021, 92 min.). Dir.: Michael Sarnoski. Int.: Nicolas Cage, Alex Wol , Adam Arkin, Cassandra Violet, Julia Bray, David Knell. DRAMA.

En su debut como realizador, Michael Sarnoski toma un punto de partida que, sin saber nada, nos resulta familiar –un hombre del que sabemos poco o nada pierde su animal de compañía, un detonador narrativo que, en manos de un par de especialistas en el cine de acción como Chad Stahelski y David Leitch, se convierte en una orgía espídica, una tormenta de violencia al servicio de Keanu Reeves como fue John Wick– para construir una conmove-

dora, íntima y cuidada reflexión sobre la pérdida, el duelo y el ajuste de cuentas, sí, pero con uno mismo.

Apoyada en

PARA PALADARES EXQUISITOS DE un descomunal

DRAMAS CONTENIDOS Nicolas Cage,

Y CORAZONES ROTOS. confirmando con Lo mejor: Cage, su sutil, conteniinmenso en su minimalismo escénico. da pero a la vez

Lo peor: algunos intensa actuación tópicos sobre la escena su bestial talentoculinaria más estrellada. como actor y el olfato para desenterrar trufas interpretativas en los últimos años (ahí están Mandy o Color Out of Space para probarlo), Pig, con su puesta en escena fría y rota o su apuesta por un ritmo sosegado y contemplativo, demuestra que no hay plato más helado ni deconstruido que un alma rota y perdida. Un debut interesante y un nombre al que seguir

la pista. Roger Salvans Más información en pág. 84

ESTRENO: 13 MAYO

JFK: Caso revisado

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JFK Revisited: Through the Looking Glass (EE. UU., 2021, 115 min.). Dir.: Oliver Stone. Int.: Oliver Stone, Donald Sutherland, Whoopi Goldberg, Robert F. Kennedy Jr. DOCUMENTAL.

En 1991, Oliver Stone presentó su J.F.K.: Caso abierto con la intención de hacer llegar al gran público la compilación de irregularidades probadas en la versión oficial sobre el asesinato de John F. Kennedy. Con el relato del fiscal Jim Garrison como eje central, logró calar con una historia

trepidante que, pese a su extensa duración, mantenía enganchada a

una audiencia que nunca olvidó que el presidente cayó hacia atrás y a la izquierda.

Tres décadas después, el cineasta vuelve a Dallas en JFK: Caso revisado para mostrar documentos oficiales, declaraciones de expertos y todo tipo de informes desclasificados que subrayan su versión y demuestran la chapuza de la CIA. Toda una antología de evidencias sobre la farsa cono-

Un fotograma del documental. cida presentadas

PARA REFUTADORES DE VERDADES OFICIALES Y en dos abrumado-

COMPILADORES DE ras horas caren-

DATOS INAPELABLES. tes de intencio-

Lo mejor: aceptar su nalidad narrativa. condición de bíblica colección de hechos. Una apuesta cruLo peor: la da, una colección desaparición de interminables de intención cinematográfica alguna. desmentidos que

no pretende servir como entretenimiento, sino como alegato desnudo de la verdad defen-

dida por Stone. Una apuesta lógica ante la imposibilidad de superar el capítulo de Seinfeld del escupitajo

mágico. Ricardo Rosado Más información en pág. 88

ESTRENO: 20 MAYO

Hit the Road

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Jadde Khaki (Irán, 2021, 93 min.). Dir.: Panah Panahi. Int.: Hassan Madjouni, Pantea Panahiha, Rayan Sarlak, Amin Simiar. DRAMA.

Rayan Sarlak.

En su ópera prima, Panah Panahi recorre un territorio identificable para quienes conozcan el cine de su padre, Jafar Panahi, y el del maestro de todos, Abbas Kiarostami. Pero lo lleva a cabo desde una perspectiva actualizada y en un tono, a priori, más ligero. En esta road movie con idiosincrasia propia acompañamos a una familia en un viaje por el país cuyo destino se va desvelando a lo largo del metraje. Hit the Road arranca como una comedia

familiar ejecutada

con sorprendente PARA DESCUBRIR A UN destreza y abraza DEBUTANTE QUE INSUFLA AIRE FRESCO ese gusto por los EN EL CINE IRANÍ. encuentros ines- Lo mejor: esa fuga perados propio poética estelar hacia del cine de el final. Lo peor: porcarretera. momentos sufre el

Panahi incor- síndrome de película pora referencias con niño irritante. pop, pequeñas incursiones en el musical, algún apunte escatológico e incluso una maravillosa escena que parece sacada de una melodía de Antònia Font. Pero también va cargando el relato de un subtexto nunca explicitado sobre la represión política en el país y sobre sus repercusiones en cada uno de los miembros de la familia. Ningún deta-

lle es gratuito en esta ópera prima vital y conmovedora en torno a unos personajes que no pueden expresar en voz alta su dolor en torno a una situación que les viene impuesta.

Eulàlia Iglesias

Más información en pág. 91

ESTRENO: 13 MAYO