Doble ALTURA Deco Edicion 29 by Doble Altura Deco

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E D I T O R I A L

Dirección Editorial

Arq. Ma. Fernanda NAVARRO

Colaboración en Estilismo Maria Inés SOSA Colaboración en Fotografía Chino PAZOS Diseño Gráfico

Angel Miguel JURADO

Corrección y Entrevista

Elisa IZAGUIRRE

Impresión

GRÁFICA MOSCA

Contacto Johan S. Bach y Aerosur Canelones URUGUAY + 598 98343636 doblealturadeco@gmail.com Suscripción + 598 99591617 dadeco.suscripcion@gmail.com Edición Nº 29 - Julio 2020 Inscripto en el Registro de Ley de Imprenta (M.E.C.) tomo XVI a foja 43 año 2011 / Depósito legal 376.214 / ISSN 1668-8308 Doble ALTURA deco no se responsabiliza por las opiniones vertidas de sus colaboradores, ni tampoco por la alteración de precios, stock y/o modelos de las firmas avisadoras. Prohibida la reproducción total o parcial de esta publicación.

¿Dónde quedaron nuestros espacios en medio de tanto cambio? La realidad es que les dimos el lugar a ellos, a pesar de que son cada ambiente de nuestra casa y la edificación en su totalidad los que nos bridan la mayor protección posible. Quedó claro con la vulnerabilidad de los últimos meses, en la que abrazamos nuestros espacios y los miramos con otros ojos. Por momentos pudimos pensar que resguardarnos del exterior y calibrar el contacto social sería algo transitorio, pero la realidad habla de esta Nueva Normalidad como un ejercicio que también desde el diseño nos obliga a tomar acciones con sensatez; incluso es una excusa redoblada de sentido para los profesionales, a cuyo rol se suma la búsqueda de las mejores alternativas de higiene, además de la ya instalada “zona de confort” que parecía haber sido la meta hasta el momento. Activar nuevos formatos, reinventar estrategias, optimizar canales logísticos y más que nunca actuar sosteniblemente son los nuevos objetivos, porque tendremos que aprender a vivir en entornos sanos, además de lindos. Y es acá donde confirmamos lo vital que es el diseño para nuestras vidas, que la arquitectura que nos contiene y los objetos que nos sirven puedan responder a otra magnitud, como bien reseña la compañía editorial El Confidencial (Madrid) “Las pandemias han dibujado desde siempre la forma de nuestras ciudades. Las casas son las enfermas de no obedecer los protocolos de desinfección al ingresar a ellas”. Esto sucedía ya cien años atrás, cuando los máximos referentes de la arquitectura moderna actuaron en consecuencia: Le Corbusier elevó la casa del suelo para evitar que los gérmenes se propagaran por la tierra húmeda en Villa Savoye (1929 en París, Francia), Alvar Aalto proyectó enormes terrazas en el Sanatorio de Paimio (1932 en Turku, Finlandia) para que los pacientes se curaran al aire y al sol, o las enormes ventanas y muros abatibles instalados en las llamadas escuelas antituberculosas en Alemania para prevenir el contagio en los niños. De igual forma, la necesidad sanitaria llegó a visionarios diseñadores de muebles volviendo las piezas más aerodinámicas y ligeras para que el polvo no pudiera acumularse. El minimalismo reemplazó los tallados, la tapicería se volvió lavable e infinidad de materiales surgieron. Ambientes curativos, física y simbólicamente marcan reputación hoy, ojalá podamos continuar repensándolos juntos. También fueron tiempos donde las ciudades se rediseñaron para evitar las densidades urbanas que favorecían la transmisión de los virus. Lo habíamos olvidado, y una nueva pandemia nos sorprendió, solicitándonos permanecer en casa y trasladar allí la oficina. Varias de las notas que presentamos en esta edición de Doble ALTURA deco no están ajenas a esta reformulación: un home office es imprescindible en un hogar contemporáneo al Covid-19. Otras notas suman a esta realidad el componente del ahorro energético como parámetro inevitable a contemplar en esta carrera hacia diseños tan fantásticos como tecnológica o domésticamente eficientes. Nos resta preguntarles ¿están repletos o depurados sus espacios? Es bueno soltar para que algo nuevo entre. En este sentido, y contagiados por su filosofía de vivir el presente, descubrimos una faceta desconocida del ex futbolista, Álvaro Recoba: su pasión por las plantas y su restaurante “Il Giardino” que, precisamente, hace honor a ellas. Presentamos el trabajo de Luca Benítez, artista uruguayobrasileño que llevó a la hoguera sus 20 años de trabajo para reflexionar sobre la línea de tiempo, y el de la dupla Butler Zambrano Arquitectos quienes transitan tradición e innovación en sus proyectos residenciales. También los inspiramos con las fibras naturales, con el uso de las nativas en el jardín, con opciones de dormitorios para adolescentes, con vivencias privilegiadas en casas de revista y curiosas historias nacidas en los años `50, en emblemáticas edificaciones de Montevideo. Codo a codo, agradecemos nos hayan esperado ¡Sean bienvenidos!

Foto Chino PAZOS Make up leonelaitamusi.com

Rack Lazo (2018). Diseño de SÁMAGO en madera de Haya y placa Valchromat. Primer premio en Salao Design 2019, (Brasil). Hecho en Uruguay.

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EDITORIAL

ÁLVARO RECOBA Vivir el presente

PERFIL PROFESIONAL Estudio Butler Zambrano Arquitectos

SHOWROOM Cuando el diseño y la seguridad van de la mano

DE COMPRAS Fibras cotidianas

INTERIORISMO Institucional Diseño que suma

INTERIORISMO webTALKS Bases conceptuales del diseño

COMUNIDAD Premiar la eficiencia nos da energía

TENDENCIAS+ 5 Espacios para seguir creciendo

LIFESTYLE Buenos Aires La hora mágica

LIFESTYLE La Barra Lagos y vistas

MY DECO Punta del Este Remar.. Remar..

MY DECO Barcelona Un diáfano soplo barcelonés

COMO EN CASA De herencia victoriana a hotel boutique

ARTE & ARQUITECTURA Fogo: una grandeza a imitar

PATRIMONIO VIVO El sello neoyorquino del Edificio Artigas

GREEN & GREENS Una pradera en Río Negro

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GUIA HOME

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DAd PERSONALIDAD

Doble Altura Deco visitó a esta gran figura del fútbol uruguayo para conocer más de su vida cotidiana, su familia, sus pasiones y sus emprendimientos, entre los que destaca el restaurante Il Giardino, un nuevo reducto gastronómico donde el ex futbolista ha dejado plasmadas algunas de sus grandes pasiones: el gusto por la cocina y las plantas.

Álvaro “Chino” Recoba Entrevista | Elisa IZAGUIRRE Fotos | Carlos PAZOS

Viviendo el presente

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Recorrimos su casa en Jardines de Carrasco, rodeada de una frondosa cerca vegetal y una variedad de especies dignas de dueños de casa amantes de las plantas. El comedor se ubica integrado al living, y juntos tienen las mejores vistas al jardín, al deck y a la piscina. Contra el ventanal una LC4, chaise longue diseñada en 1928 por Le Corbusier, Pierre Jeanneret y Charlotte Perriand. La pieza es un modelo original que reproduce Cassina desde 1965, esta versión en particular en piel de potro color negro sobre la tradicional base de acero esmaltado, recompone “la forma y la función al servicio de la relajación, un equilibrio perfecto entre pureza geométrica y ergonomía”, como reseña la firma italiana. Un verdadero ícono de todos los tiempos, que le arrancaría suspiros a cualquier conocedor de su obra. Y en la misma línea aunque de autor contemporáneo, el sello original de Philippe Starck está presente a través de las luminarias KTribe fabricada por Flos (Darko en Uruguay).

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DAd PERSONALIDAD El fútbol, como otras tantas carreras dentro y fuera del ámbito deportivo, tiene la particularidad de tener un tiempo marcado para el retiro. Luego de haber recorrido el mundo, y vivir en países como Italia o Grecia, quisimos saber más del Chino Recoba y preguntarle por ejemplo ¿cómo se imaginaba la vida después del fútbol? Muy relajado y convincente, nos cuenta que “en realidad, no soy de las personas que va planificando la vida, incluso me pasó también mientras jugaba. Vivo día a día y dependiendo de la situación en la que me encuentre, o si algo me atrae y se dan las condiciones para que siga adelante con un proyecto, lo hago. No es que me planteo: voy a hacer tal cosa”. Su vida en general fue de no hacer proyectos a largo plazo porque desde su visión “hay que disfrutar y vivir día a día, sin pensar en lo que se puede venir. Muchas veces la gente en general disfruta menos del momento por estar pensando en lo que puede o no pasar después. Primero hay que valorar que estás vivo, y así fui toda mi vida; nunca planifiqué mucho el después del fútbol, y lo mismo cuando jugaba, le ponía toda la pasión a lo que hacía, pero no iba más allá para pensar que venía después”. Con su familia sucede algo similar: “mucha gente dice a tus hijos no los malcríes, no les des todo, o tratá de no darles todo para que valoren. Yo en cambio, soy de la idea que a los hijos hay que darles todo lo que se pueda, haciéndoles entender que todo tiene un sacrificio, porque nunca sabés”. Su familia es el tema central de su vida, y lo fue de esta entrevista en la que queda claro que sus vínculos familiares son lo primero y principal. “Yo me levanto a vivir ese día, a dar todo por mi familia”. Su esposa, Lorena Perrone, “es más de preocuparse por todo”, confiesa el Chino, al tiempo que admite que “somos muy opuestos en ese sentido, por eso creo que nos llevamos tan bien y estamos juntos hace 24 años”. Con la mirada puesta en el mundo actual reflexiona sobre la importancia de mantener unida una familia: “con lo dinámica que es la vida hoy día depende mucho de que nosotros nos complementamos muy bien. En síntesis, yo planifico menos de lo que planifica ella, pero al mismo tiempo ella nos encamina a todos y yo al día lo descomprimo un poco. Nosotros tenemos hijos grandes ya, yo soy el que me preocupo menos y les doy un poquito más de libertad, y ese complemento es bueno incluso al momento de poner los límites”, describe.

_El hombre propone… Conociendo su hogar, sus emprendimientos, y en el marco de la dinámica familiar, quisimos saber si en su casa es de involucrarse por ejemplo con temas de diseño. Sabíamos de antemano que tiene un gusto especial por las plantas. Entre risas confiesa que “en mi casa soy de tirar ideas -que son muy buenas- y en principio me dicen no, pero después terminan haciendo lo que yo digo: admito que los méritos no son míos. Como te digo, yo no soy de planificar, vivo y propongo. Me dicen que no se puede, pero más allá o más acá terminan haciendo por lo menos una versión bastante cercana a mi idea. Con el tema de las plantas interiores por ejemplo, yo las pongo en un lado, las cambian, y terminan dejándolas donde yo las puse porque quedaban bien ahí”. En general, cuando contratan un asesoramiento para diseñar o implementar un cambio les gusta participar, “dar nuestro punto de vista, involucrarnos en los procesos. Contratamos profesionales, pero también ponemos nuestro tiempo para colaborar o ir guiando sobre aquellas cosas que nos gustan. En el restaurante por ejemplo, hay mucho de gusto personal que las diseñadoras interpretaron y lo plasmaron para que así fuera”, comenta.

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Nada en la vida es perfecto, todos tenemos errores y vamos aprendiendo. En el fútbol, llegó un momento que no pude aprender más, ahora es turno de mejorar cada día en la gastronomía.

_Mano verde En cuanto a plantas, en su casa tiene tres bonsáis, uno de ellos es el árbol de la vida, que trajeron de Solymar. Para él fue una experiencia única conocer este vivero. “Entre cientos de bonsái, encontrás manzanos con los frutos en miniatura, higueras, y muchos otros ejemplos más que a mí me fascinan. En particular el árbol de la vida es el de Animal Kingdom y tiene más de 100 años. Cuando lo vi, me dije “quiero llevármelo a mi casa” y cuando lo veo me da una sensación que no sé explicar muy bien, pero tiene una historia detrás, y seguramente además de ser parte de mi vida, también será parte de la vida de mis hijos y capaz que hasta de la de mis nietos. Desde que pisé ese lugar quedé maravillado con tanta belleza tan diminuta”, manifiesta Recoba.

Al señalarnos la combinación de una maceta hecha por él en su totalidad, detectamos que las suculentas y los helechos resultaron ser solo algunas de las especies de plantas con las que Álvaro descubrió una conexión especial: la selección, contemplar su crecimiento, y no menor, la composición cromática y de volúmenes en los diferentes maceteros que manda a hacer a medida (los de madera), o macetones que adquiere según forma, color y combinación vegetal a ubicar en ellos (de Vivero El Ceibo o Balcony Shop), o delegar en el diseño a medida soluciones para exhibir o acopiar los diferentes ejemplares.

Mesas con carácter de repisa (de baja altura y en dos niveles) recomponen la forma de la galería y no interfieren las visuales desde el interior hacia el jardín, ofician además de soportes neutros para que lo que resalten sean los perfiles de las plantas. También Álvaro solicitó una mesa de trabajo para el armado y manejo de las mismas y una estantería, que fue colocada en un sector más resguardado para las plantas que necesitan más protección. Todos son diseños a medida en base a estructuras de hierro pintadas al horno (ejecutadas por Tramar Ltda.) y superficies de apoyo en porcelanato (de Bosch & Cía.), materiales que gozan de una buena tolerancia al envejecimiento natural y una resistencia acorde al contacto directo con el exterior.

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DAd PERSONALIDAD

_ Lo primero es la familia Con un sentir casi italiano de pertenencia a su grupo familiar quisimos saber más de su vida en este sentido y conocer detalles de la conformación de la misma. “Está la familia de la que vengo que son mis viejos, la familia de mis hermanos y la familia que yo conformé con Lorena en la que tenemos a Natalie (20) y Jeremías (16), que son mis hijos y como mis hermanos menores al mismo tiempo”, confiesa complacido y entre risas. “Tuvimos la suerte de tener hijos siendo jóvenes y poder disfrutarlos”, comenta Álvaro. Jeremías, siguiendo los pasos de su padre, juega al fútbol y muchas veces un plan de fin de semana puede consistir en todo un evento familiar deportivo conformando un cuadro cada uno y jugando en contra del otro, o practicar tenis o ping pong, “y él como hijo no se aburre, nos divertimos juntos”.

_Hogar dulce hogar Luego de casi una vida recorriendo el mundo, consagrarse como figura en el mediocampo del Inter de Milán y con casi 70 partidos disputados con la camiseta uruguaya en fechas regionales y copas mundiales, la familia retornó a Uruguay y allí comenzó un derrotero por encontrar ese lugar especial donde afincarse para vivir. “Nosotros nos volvimos en 2010 a Uruguay, tenía 20 años cuando me fui, y si bien venía seguido, no vivía acá. Primero vivimos en Colinas de Carrasco, donde yo tenía una casa, pero nos quedaba un poco lejos. También alquilamos en el lado sur de Av. Italia, pero siempre seguíamos buscando un lugar. Cuando volvimos vimos cien casas, yo no conocía mucho Jardines de Carrasco, más allá de que mis hijos ya venían a la Scuola que queda acá nomás”. Un día alquilaron una casa y desde ese momento les encantó el barrio en el que empezaron a pensar en comprar. “Y apareció esta casa, que era de unos extranjeros que se iban, vinimos a verla e inmediatamente la compramos. Hoy día puedo decir que no me iría de acá, no me veo en otro lugar, más allá de que tenemos casa en Punta del Este y en algún momento fue un plan vivir ahí, hoy te digo que no me iría”, sentencia el ex futbolista y empresario. A partir del momento en que su esposa abrió su peluquería LP muy cerca, con más razón la familia se estableció definitivamente en esta casa proyectada y dirigida por el arquitecto Juan Diego Vecino en 2002. En lo que refirió a reformas interiores, el estudio Din Design, compuesto por las diseñadoras de interiores Ma. Lourdes Betancor y Marclea Chiesa, fue quien tomó el desafío de diseñar y ejecutar transformaciones en algunos espacios de la casa como por ejemplo: intervenciones en todos los dormitorios de la planta alta con equipamiento, iluminación, papeles y respaldos, el de huéspedes pasó a vestidor, los baños a nuevo, rediseño de la escalera, intervenciones varias en la barbacoa, y al mobiliario existente -de líneas clásicas- del living, comedor y estar se sumaron intervenciones sutiles de iluminación y accesorios para terminar de armar estos espacios principales de la casa. En el exterior se construyó un nuevo y amplio deck, que como continuación de la piscina es el alma de disfrute de la casa.

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En esa relación cómplice y muy aggiornada a los nuevos tiempos, le preguntamos a Recoba ¿cuáles son los valores que le quiere dejar a sus hijos? “Los valores ellos los tienen que percibir, se los tenemos que mostrar día a día. Cada uno tiene su esencia, nosotros no los obligamos ni los mandatamos a ser nada, ellos son como son, capaz que su forma de ser la vieron en nosotros, yo vengo de una familia muy humilde, mi esposa de una familia de laburantes, pero el hecho de haber triunfado o seguir triunfando y poder llevar una buena vida no cambió lo que somos, siempre fuimos las mismas personas. Nosotros marcamos el camino y ellos lo siguen”, comenta con orgullo. A modo de anécdota nos cuenta que alguna que otra vez, algún papá del colegio lo felicitó por sus hijos, por ser solidarios y altruistas, y siempre pensar en los demás. “No por tener más posibilidades se consideran mejores que los demás y eso está en su esencia”. La familia Recoba también está compuesta por sus seis perros: Ramona, Malu, Roma, Pancho, Duque y Milano. Cuatro salchichas, una labradora, una border collie y una Jack Russel.

_Ecocinema: cultura y medioambiente Es una plataforma internacional de comunicación que funciona en países como Uruguay, Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador y México. Se trata de un proyecto que difunde contenidos cinematográficos con energías renovables que pertenece a los ex jugadores, Álvaro Recoba e Iván Alonso asociados con Gonzalo Lamela como director y productor. “Personalmente, a través del fútbol tuve la oportunidad de enriquecerme culturalmente, incluso sin haber podido terminar los estudios porque era eso o jugar. En esta situación hay muchos adolescentes y al terminar la carrera en el fútbol quisimos trasmitir que a los sueños hay que perseguirlos, pero al mismo tiempo explicándoles que se puede hacer las dos cosas: estudiar y hacer deportes. Nuestro aporte fue el de contar nuestras historias de vida, motivando a los chicos y a las familias a que fueran por sus sueños”. Entre los proyectos realizados está “Capitanes de América” que recopila la historia de ex jugadores de fútbol de toda Latinoamérica que fueron o son fuente de inspiración en cada país. “Este proyecto es una forma de devolverle a la sociedad, todo lo que la sociedad nos ha dado a nosotros”. Las camionetas de Ecocinema con sus paneles solares recorren los más recónditos lugares de Latinoamérica, llevando talleres didácticos donde mediante el juego se apuesta a la convivencia y al final de la jornada se proyecta un documental o una película. “Arrancamos este proyecto convencidos en ir a ayudar a la gente, y la realidad es que cuando vamos volvemos con la sensación que la gente nos ayudó a nosotros, es una caricia al alma que te ayuda a crecer como ser humano. Volvemos agradecidos y enriquecidos”.

En las paredes del escritorio de su esposa se aplicó un empapelado en base al gris (de Lizzie Design). Una gran biblioteca existente fue laqueada en negro y como recurso de diseño se colocaron espejos en su fondo para dar profundidad. El escritorio en sí mismo es la vedette del espacio, diseñado en base a una estructura metálica terminación color bronce, tapa en madera laqueada (Talleres Meca) con terminación en porcelanato imitación piedra en una pieza entera y tiradores en bronce (de Montecuir). Las luminarias colgantes tipo jaula (de Másinfinito Casa), la silla tapizada en terciopelo rosa (de Walnut) y las de visita también en terciopelo, pero color gris (de Sophie), dan la calidez justa y sensación de home office a este espacio.

“En el escritorio, la principal premisa fue diseñar un espacio femenino, delicado y que reflejara la personalidad de quien iba a utilizarlo. Elegimos el negro como color predominante, ya que a ella le gusta mucho, pero en combinación con detalles en bronce y terciopelo que dan sofisticación al ambiente”, comenta Marcela sobre esta habitación ubicada ni bien se ingresa a la casa, digna de un ambiente de trabajo muy femenino, cuadros alusivos a diseñadores de moda de alta costura europea dan cuenta de ello.

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DAd PERSONALIDAD

_El fútbol hoy en la vida de Recoba “Todavía no encontré mi lugar en el fútbol después de haber jugado”, declara contundentemente el ex jugador. Reiterando su filosofía de vida del día a día, creyó que en un momento lo mejor era intentar ser presidente de Nacional, pero “después la realidad me golpea y me doy cuenta que no es tan simple, que más allá de las ideas necesitas bases sólidas económicas que puedan hacer cambiar la situación del club: no se hace solo con buenas ideas”. Ahí fue que desistió de esa iniciativa, ya que de la forma que él quería trabajar no iba a lograr los objetivos que se proponía. “En su momento, hace unos años empecé un curso de gerencia deportiva, pero no lo terminé porque me di cuenta que era inviable para lo que es el fútbol en Uruguay; hice un par de intermediaciones para la venta de jugadores, pero es un ambiente en el que no me siento a gusto. Si tengo la posibilidad de intermediar en algún momento lo haré, pero no lo pienso como algo a lo que dedicarme a futuro”. Si bien está terminando el curso de entrenador, aún no tiene planes con ningún equipo, ni local, ni de afuera. “Más que dirigir me gusta enseñar, por lo que me veo más trabajando con adolescentes, más como un formador de jugadores. Eso se verá en su momento, no he encontrado todavía un lugar en el fútbol que me haga vivir la misma sensación que cuando jugaba”.

_Un restaurante propio A partir de un atractivo restaurante que abrió a fines del año pasado, quisimos saber ¿cómo ha sido la vida del Chino en relación a ese ámbito?, si se quiere tan distinto o antagónico al deporte. “Tenemos la suerte de poder salir a comer seguido con Lorena, ir a conocer sitios; tuvimos la oportunidad de estar en lugares donde la gastronomía marca tendencia para el mundo. En Italia estuvimos muchos años, en Grecia otro tanto, y en Francia y España de paseo, entonces a mí me pasó de tener un menú muy pequeño por el tipo de comida a la que estamos acostumbrados en Uruguay, a probar comidas que jamás me hubiese imaginado. Por ejemplo, yo hago un tartar de carne cruda y cuando hablo de eso o agasajo amigos con ese plato, la primera reacción de la mayoría de la gente es que prefieren no comer algo así, hasta que lo prueban. A medida que vas ampliando el paladar empezás a comer cosas como por ejemplo un agua viva, no es tan raro. Yo ya pasé esa barrera de probar o no probar algo, no soy experto en gastronomía, pero sí me gusta salir a comer y conocer platos nuevos, pruebo todo, después puede pasar que me guste o no, pero tengo otra predisposición”, comenta el Chino desde su costado gourmet. Respecto a Il Giardino destaca que “yo nunca había tenido nada que ver con un restaurante, iba como cliente y en un momento puntual decidimos abrir uno”. Su visión del negocio en cambio, es bastante clara: “lo que busco va más allá de la gastronomía, es generar un punto de encuentro, brindar una experiencia parecida a las que viví estando radicado en países como Italia. Obviamente hay cosas fundamentales: la calidad de los productos, de los platos y un lugar muy acogedor, junto a lo que podes crear en el servicio como equipo de trabajo. Desde que abrimos las dos cosas que más resalta la gente son la buena comida y el servicio (la calidad humana, la atención, etc.)”. Esta visión fue materializada además por el diseño, y una vez más Alvaro confió en sus diseñadoras de cabecera, quienes tuvieron a cargo el interiorismo de todos los espacios de Il Giardino, y la desafiante tarea de recrear la ambientación de elegantes restaurantes europeos pero sin ostentación, con la particularidad de que la impronta rioplatense también debía reflejarse. “El concepto que manejamos fue mantener el espíritu doble ALTURA·18

`home`para que el cliente se sintiera en la casa de sus amigos. Para esto fuimos muy cuidadosas en la elección de los materiales, los colores, los contrastes de texturas y la iluminación. El jardín fue desde el inicio nuestro motor y punto de partida. El gusto y pasión de Álvaro y Lorena por las plantas fue plasmado en cada parte del exterior”, detalla Betancor.

Quiero que quienes visiten el restaurante se vayan contentos por la experiencia que vivieron, por lo que les pudimos ofrecer.

En el salón principal, las diseñadoras plantearon una piel compuesta por estructuras en hierro con diseño geométrico para generar textura y profundidad, esto también se repite al exterior como barandas de las terrazas. Las mesas, bases en acero pintado al horno color grafito con detalles en dorado viejo, recomponen en sus tapas los mármoles italianos, para lo cual Lourdes y Marcela tomaron el recurso del porcelanato imitación mármol con terminación mate.

Para imprimir la identidad de la marca en el acceso se eligió una gigantografia (de Sophie Empapelados) como elemento dominante que recibe al entrar al local, con motivos de plantas, flores y hojas en diferentes tonos y colores. Todo el equipamiento fue diseñado y realizado por talleres uruguayos, lo único importado fueron las sillas.

Para reforzar la idea de que todo sucede en una casa, se diseñaron sillones a medida, tapizados en cuero vegano color azul petróleo (de Reina Ana Tapices). En varios sectores hay espejos que si bien son decorativos, ayudan a ampliar visualmente el espacio y replicar algunos puntos visuales interesantes.

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DAd PERSONALIDAD

_La historia de Il Giardino Lorena Perrone trabaja muy bien con su peluquería LP desde hace 10 años y le comentó a su esposo que las clientas le pedían que pusiera una casa de té cerca de allí. “Y esa idea me la tiraba una y otra vez, hasta que una agencia inmobiliaria amiga nos comenta que se vendía la casa de al lado de la peluquería y ahí yo le digo a mi señora: vamos a comprarla y hacemos la casa de té”. De nuevo, mostrando una visión atinada para lo comercial, destaca que “de los negocios que he hecho, pudiendo, me gusta siempre comprar la propiedad, así no pagas alquiler y tenés un socio menos”. Il Giardino arrancó inicialmente como una casa que iba a ser transformada en salón de té. “La casa tenía un jardín que estaba muy tapado, no se veía muy bien sus posibilidades, pero tenía un parrillero y quise mantenerlo. Abajo, en el sótano, funcionaba una escuela de ballet y decidimos destinar ese lugar para eventos privados dotado de tecnología y diseño (pantalla, sillones y karaoke), y ahí surgió hacer también una cocina para que no fuera solamente salón de té. Decidimos arreglar el jardín y poner mesas afuera sobre un deck, y doble ALTURA·20

cuando quisimos ver estábamos haciendo un restaurante”, describe el empresario. El jardín además, cuenta con la mano verde de Recoba en conjunto con profesionales que hicieron una puesta a punto posterior a la reforma “pero las ideas en general fueron mías, como las paredes del salón de abajo por ejemplo”, refiriéndose a la imagen del Lago di Como, donde se encuentra su casa en Italia, que fue replicada en gigantografías monocromáticas de vinilo. En el caso de la gastronomía uno puede estar toda la vida e ir mejorando día a día. Por supuesto que muchas veces me pasó de recibir un buen servicio porque me conocían, otras porque así trabajaban con todo el mundo, entonces trato de asegurarme de dar el mismo servicio que me daban a mí, trato de que a la gente no le falte nada; si se diera un momento de dificultad, resolverlo amablemente. Puede pasar que la gente diga vamos al restaurante de Recoba y lo hacen porque sos conocido, pero si al llegar no das un buen servicio o la comida no es buena, no van a volver”.

_ Cocina vs. Covid “El nombre tiene que ver con lo primero que me llamó la atención a mí que fue el jardín, que cuando lo limpiamos vimos que era muy lindo”. La sonoridad del nombre en italiano los llevó a ponerle ese y no otro, basados en que tenían ese espacio que les gustaba mucho. “Al mismo tiempo empecé a meter mano con el tema de las plantas, e incluso a pensar en hacer centros de mesa con ellas”, cosa que no quedó en el pienso, porque variadas suculentas en pequeñas macetas son las que dan el toque de este hunt planter amateur en cada mesa. Así fue que cuando empezaron a ordenar la parte del jardín, quedó definitivamente la marca instalada. “En cuanto a la carta, el chef Dimitri, es un amigo nuestro que había tenido restaurante y había trabajado como chef en tantos otros. Nos apoyamos en él buscando brindar un menú lo más parecido a la comida que podés probar en Italia, desde preparar una brusqueta original a buscar ingredientes como la mozzarella que no es de búffala porque acá no hay, o no hay fresca, pero conocimos a alguien cercano a la familia que hace las mejores mozzarellas locales (burrata, stracciatella, etc), y fuimos probando los fiambres y las pastas”. Más allá del toque italiano se puede decir que la carta ofrece una gastronomía mediterránea y la parrilla le aporta un sello más rioplatense. Il Giardino abrió sus puertas en noviembre de 2019, tuvo una pequeña licencia en enero y volvió hasta marzo en que tuvieron que permanecer cerrados por la pandemia. Hace poco más de un mes empezaron con el delivery, y luego, ya con todos los protocolos de sanidad establecidos para la prevención del Covid-19 están trabajando de puertas abiertas nuevamente. También en esta instancia las diseñadoras asesoraron sobre la redistribución de mesas y reglamentaciones en los diferentes espacios, Betancor al respecto se refiere “todas las reformas las hemos realizado en tiempos record y en etapas, respetando una línea de diseño despojado, monocromático y con destaques estudiados tanto en color como en textura. Cada intervención modernizó los espacios y contribuyó a la coherencia de diseño de lo existente con lo nuevo, pero sobre todo respetando la personalidad de la familia. De la misma forma abordamos las medidas imprevistas de la Nueva Normalidad, que obligó a repensar los espacios y sus funcionamientos, pero lo logramos satisfactoriamente y manteniendo el encanto directriz con el que fue creado”.

Lo que anteriormente era la barbacoa de la casa se mantuvo con el mismo fin, y con postigones rebatibles se logró unificar el sector de elaboración (parrilla) con una gran barra en L en torno a un ejemplar de gran porte, originario de la casa.

Álvaro RECOBA en 10 flashes ¿Un deporte que no sea el fútbol? Tenis ¿Un lugar en el mundo? Montevideo, sin dudas ¿Tu plato favorito? La milanesa con puré o el spaguetti carbonara de mi esposa ¿Un hobbie? De siempre, la pesca, más recientemente, la jardinería. ¿Alguien a quien admirás? Mi hermano, el flaco Fabián. ¿El barrio de tu infancia? La Curva de Maroñas (Cno. Maldonado y Celiar) ¿Algo que te hayan enseñado tus hijos? Hacer el bien sin mirar a quien. ¿Qué es lo que más admirás de tu esposa? El amor que tiene por los hijos, estar siempre pendiente. ¿Tu lugar preferido en la casa? El jardín: ¡hasta le hablo a las plantas! ¿Un sueño por cumplir? Ninguno, la vida me ha dado todo y me sigue dando. Si se da, conocer África. doble ALTURA·21

DAd PERFIL PROFESIONAL Fotos | Nicolás DI TRÁPANI | Sabrina ORR

tradición a la De la

innovación

Estudio BUTLER ZAMBRANO Arquitectos El estudio Butler Zambrano Arquitectos, con una trayectoria de 14 años, ha encontrado en la arquitectura residencial de Uruguay un lugar destacado para posicionarse. Inicialmente, cuando eran estudiantes de diferentes generaciones, Baltasar Butler, Rodrigo Zambrano y Lucía Scandroglio tuvieron el impulso de emprender un camino juntos y se independizaron de los estudios donde cada uno trabajaba: “tirarnos al agua estaba latente y encontrar un lugar donde instalarnos fue el puntapie inicial, así nació el estudio en el 2006”. Poco tiempo después, Scandroglio tomaría otro rumbo y la sociedad se reformuló hacia un nuevo escenario bajo la dirección de Butler y Zambrano. Ambos iniciaron sus estudios en la Facultad de Arquitectura (hoy FADU-UdelaR) y finalmente egresaron de la Universidad ORT Uruguay. Actualmente el estudio, con sede en Carrasco, cuenta con la colaboración de las arquitectas Maria José Echeverría y Lucía Figueredo. A lo largo y ancho del país primero se sucedieron casas en chacras y cascos situados en el campo o en la costa balnearia y luego llegaron las obras de vivenda particular en los barrios privados de Montevideo y Canelones. Charlamos con ellos, les preguntamos cómo desde su quehacer en la arquitectura acompañaron esta transición social y coyuntural, la evolución de los requerimentos del núcleo familiar, y cómo los sistemas constructivos -que constantemente se doble ALTURA·22

introducen en el mercado- comparten terreno con las técnicas más tradicionales. Los arquitectos Baltasar Butler y Rodrigo Zambrano abarcan todo el proceso de una solicitud concreta: desde el anteproyecto, el proyecto ejecutivo, presupuestación, dirección y administración de la obra, interviniendo desde el asesoramiento del predio hasta los elementos que conforman el más detallado proyecto de interiorismo. Consideran que la búsqueda de la arquitectura va más allá de las tendencias estéticas, cuya incidencia afecta al paisaje y directamente la calidad de vida del habitante. Es por eso que ejercen una “arquitectura persona a persona”, según lo conceptualizan, pero incursionando a su vez en el desarrollo de emprendimientos inmobiliarios, donde el inversor reemplaza al habitante en el encargo, pero no en el resultado final. También el diseño comercial está presente en su portfolio con proyectos comerciales, gastronómicos, hoteleros y de inversión. No obstante el desarrollo de su know how se centra actualmente en el diseño residencial y el corporativo, este último con una mirada focalizada en que la identidad empresarial pueda asociarse a la concepción de espacios con características residenciales. En esta nota desarrollamos sus más destacadas y recientes obras en estas áreas.

Foto Chino PAZOS

“La continua exploración nos hace crecer como profesionales. Nuestra evolución es parte del trabajo diario, de la experiencia que otorga la cantidad y versatilidad de proyectos, sus líneas de diseño, ubicaciones y los propios intereses de cada cliente, con la mirada constante del edificio en el paisaje.”

DAd PERFIL PROFESIONAL ¿Cómo fueron los comienzos como socios? Comenzamos juntos la búsqueda de los primeros trabajos en la familia, con amigos y conocidos, nos presentábamos y les contábamos en que estábamos, de a poco fueron surgiendo cosas, hasta que un día nos dimos cuenta que estábamos rodando. En los casi 15 años que trabajamos en equipo ha pasado de todo, vivimos épocas movidas y otras no tanto, pero siempre apostamos al estudio y a crecer profesionalmente. En las buenas y en las crisis, la unión, el compromiso y los objetivos se han mantenido, incluso la forma de complementarnos ha estado vigente en el tiempo. En etapas más tranquilas de actividad es cuando uno tiene que potenciar la creatividad, y ahí es donde aplicamos cambios en la forma de trabajar. Por ejemplo, concretamos nuevos formatos incorporando el servicio de gerenciamento de obras entre otras tareas, y también implementamos recursos humanos cuando nos tocó crecer para encarar proyectos de mayor escala armando equipos de trabajo específicos con profesionales externos al estudio, que en varios casos continuaron trabajando de forma permanente. ¿Cómo se dio la transición entre los primeros encargos residenciales y los más recientes en los barrios privados? La realidad es que nosotros no elegimos los trabajos, los trabajos nos eligieron a nosotros. De alguna manera, al habernos vinculado estrechamente con el programa residencial, fuimos perfeccionando e investigando más y más en ellos. Si hubiese surgido otro programa en los inicios capaz hoy estábamos especializados en algún otro tipo de destino, pero la vivienda unipersonal y las oficinas acaparan la mayor parte de nuestros trabajos, siempre abiertos y con expectativas a nuevos desafíos. La transición radicó en pasar de proyectar en predios ilimitados a tener que regirnos por retiros, normativas municipales y otras restricciones propias de cada urbanización, que “condicionan” aspectos del proyecto como la implantación, la orientación o los accesos, por solo citar algunos puntos. Funcionalmente también los programas son muy distintos. Una residencia en el campo o chacra es una segunda casa, mientras que en los barrios y urbanizaciones más próximas a Montevideo hay que cumplir con las necesidades de una casa para todos los días, que debe funcionar y adaptarse a la rutina de una familia conformada de determinada forma. En base a estas diferencias es que proyectamos.

_Ascendencia nórdica En las Oficinas GZ los arquitectos tuvieron carta libre. Fue enteramente una propuesta del estudio, escenario óptimo para estos proyectistas enfocados en transitar tradición e innovación por caminos sostenibles técnica, profesional y empresarialmente hablando. La apuesta para la nueva sede de una empresa vinculada a los negocios rurales respetó sus funciones originales y creó una nueva imagen en línea con los 29 años de prestigio y jerarquía del grupo de negocios.

Paisaje interno. Un terreno de 1.750 m2 fue propicio para planificar un gran jardín en su conjunto, recomponiendo funcionalmente una experiencia residencial en un marco laboral formado por patios internos, fuente, recorridos enjardinados, canteros y mobiliario de exterior.

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Los arquitectos cuentan algunas peculiaridades de esta obra ejecutada en 2018 y ubicada en el cruce de Rivera y Nariño: “la elección del terreno en un barrio jardín como es esta zona de Carrasco supuso grandes desafíos. Por un lado, elegir un antiguo chalet para intervenir, entre tantas casas vacías que en ese momento se ofrecían; por otro, el traslado de la empresa y con ella de sus empleados, todos con distintas expectativas, y a quienes mantuvimos informados del proceso para que fuera progresivo y haciéndolos sentir partícipes del cambio”. Hubo un antes y un después, un planteo firme y un resultado muy satisfactorio en relación a las antiguas oficinas donde la empresa se

¿Qué ref lexión les merece el concepto del habitar durante los últimos diez años? ¿Qué proceso abarca vuestra forma de trabajar? El refrán que dice “cada casa es un mundo” aplica perfecto como respuesta. Todos encontramos alguna similitud a nuestros pares en algún punto, pero dentro de nuestra casa se desvanece cualquier coincidencia. Si bien parece que dentro de un mismo estrato social las costumbres son similares, en todas hay detalles que las diferencian y no sería correcto generalizar. Cada familia habita de forma distinta. Quienes comienzan a construirla ni siquiera saben cómo les gustaría habitar su hogar, se van adaptando y descubriendo sus preferencias en el camino. La forma en que lo hacemos es muy cambiante y difícilmente dure muchos años. Las familias evolucionan, se agrandan, se achican, aparece la tecnología, las tendencias, etc. Todo afecta el interior de nuestra vivienda y el modo de habitarla, y nuestro trabajo con los clientes es decodificar esas preferencias, determinar los hábitos, mostrarles cómo pueden llegar a crecer (o sectorizar) sus espacios, y guiarlos para que estén preparados para adaptarse fácilmente a la evolución familiar.

ubicaba. “Tenían espacios de trabajo en su mayoría sin ventanas, y sin verde que mirar por las pocas aberturas existentes. Mejorar esto fue el principal objetivo e intención proyectual”, apunta Zambrano. Los resultados están a la vista y no se necesitan palabras para describir este inmejorable entorno laboral, “más allá de la volumetría que nos importaba mucho ya que debía “camuflarse” en un barrio jardín, queríamos lograr una imagen moderna sin resignar la tradición de la empresa ni del barrio. Con las materialidades utilizadas buscamos representar la actividad de la empresa que es el campo y sus servicios derivados”, agrega el arquitecto, considerando el aprovechamiento al máximo de la iluminación natural, complementada con el proyecto lumínico, además de sistemas de informática y telefonía integrados con control de acceso y seguridad monitoreada. “La realidad es que partimos de la funcionalidad, como siempre hacemos. El edificio puede ser muy agradable y estar muy bien integrado al lugar, pero si funcionalmente no satisface los requerimientos del usuario/cliente el trabajo carece de sentido”, explica Butler, parte de una dupla consciente en la capacidad de transformar un lugar, y que en este caso contó con la exitosa alianza de Carolina Aguiar, experta decoradora y anticuaria. “Formar equipo se vio reflejado en los resultados finales”, agrega.

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DAd PERFIL PROFESIONAL ¿Desde qué óptica investigan los nuevos procesos constructivos? Creemos que la inquietud está constantemente presente, más hoy que continuamente aparecen nuevos insumos, elementos y materiales. Permanentemente nos interiorizamos de lo nuevo, de lo contemporáneo, pero sin dejar de lado los elementos tradicionales, los cuales buscamos usar de formas distintas para generar nuevas sensaciones. La realidad es que no todos los sistemas se pueden aplicar a cualquier proyecto, hay veces que se deben reformular para poder aplicar eficientemente un determinado sistema. Es un tema que se va conversando durante el transcurso del proyecto, y que cuanto antes se considere mejor. Por lo general, la ansiedad de los clientes hace que prefieran ver planos y después profundizar sobre procesos constructivos. Evidentemente el paso de las generaciones marca distintos matices en la forma de vivir. La tecnología es un elemento que instauró cambios sustanciales en estos últimos 10 años automatizando muchos elementos que componen una casa, así como también avances en los métodos constructivos, materiales y forma de concebir los ambientes. Más allá de estilos y modas, que es algo que cambia constantemente en todo ámbito, hay actualizaciones que los clientes deciden tomar o no, como por ejemplo el integrar los ambientes, tanto interiores entre sí como con el exterior. También los grandes paños vidriados, la optimización de la iluminación y la climatización de los ambientes inciden directamente en la mejora en la eficiencia energética.

Grandes vidriados. Son en herrería, separan y conectan espacios a la vez. El recurso de paños facetados como revival de la puerta francesa contribuye a una línea decididamente industrial, sumados a la sensación de estar en grandes galpones con ambientes integrados.

Pisos neutros y continuos. En todos los espacios destacan alfombras de cuero y persas. Las bibliotecas y escritorios fueron diseñados a medida por el equipo de diseño, que buscó elementos decorativos antiguos para dar rusticidad e identificación con la actividad de la empresa.

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¿En qué áreas profesionales radica la mayor fortaleza del estudio actualmente? En el asesoramiento integral desde la elección del terreno según su ubicación y orientación geográfica hasta la definición de las terminaciones más finas del interior de los ambientes y del entorno circundante. Un área que hemos perfeccionado es la incorporación del interiorismo y el paisajismo a los proyectos arquitectónicos, para lograr un resultado más acabado desde su concepción, de esta forma se lee como un proyecto homogéneo, un todo con mayor sentido.

Cada oficina con salida propia. Conectan directamente por ventanales para recreación o salida directa para reuniones informales al aire libre. Incluso en las de planta alta se dispusieron terrazas enjardinadas y equipadas.

A diferencia del diseño residencial ¿qué parámetro se intenta transmitir en el abordaje espacial de un proyecto corporativo? La funcionalidad es escencial para un proyecto corporativo, pero el desafío es conseguir que al mismo tiempo sea un espacio que represente a la empresa comitente. O sea, a través de la definición de los espacios estimular a quienes allí trabajan y otorgar al resto de los usuarios la impresión desdeada, obedeciendo parámetros institucionales de cada entidad. Entre el sello propio del estudio y el diseño a medida del cliente ¿hay un punto medio con el cual prefieren identificarse? Al igual que los proyectos nos eligen a nosotros, nosotros elegimos no tener un lenguaje único. Sí tenemos preferencias personales por determinados materiales, formas y estilos, pero no nos gusta asociarnos a ninguno en particular. Nuestra vocación es brindar las soluciones proyectuales, funcionales y estéticas que los clientes requieren. Obviamente nos sentimos mejor cuando nos dan libertad para diseñar, proyectar y ejecutar una obra totalmente a nuestro criterio, y creemos que así llegamos a los mejores resultados.

Cómo se fusionan como dupla creativa y ejecutiva? Como dupla nos complementamos y apoyamos en etapas puntuales del proyecto, no en todo el proceso. En nuestro abordaje “arquitectura persona a persona”, creemos fundamental que uno de los dos dirija el proyecto de principio a fin, para no perder información y conceptos que se van manejando a lo largo de todo el proceso. Hemos detectado que el cliente se siente mas cómodo y tranquilo tratando con una misma persona, y en la medida que podemos lo hacemos. Cuando el proyecto pasa a obra es donde más nos complementamos, separando roles, la dirección de la administración de la obra. Que un proyecto materializado colme las expectativas de un cliente es el reto más grande. En su transcurso, lograr que se entiendan por ejemplo, las dimensiones y espacialidades expresadas en los dibujos es más difícil de lo que uno piensa, a pesar de las herramientas 3d y las maquetas que colaboran con la visualización. Pero nada se compara con verlo realizado, y todo ese proceso es el que nos genera tanta pasión como ansiedad, y claramente un vértigo indescriptible en la recta final.

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DAd PERFIL PROFESIONAL Las alianzas con otros estudios o profesionales han sido recurrentes en vuestra línea de tiempo ¿a qué responde esta apertura? Se dio en distintas circunstancias y todas fueron muy enriquecedoras. Por diferentes razones, en unos casos con colegas extranjeros -con quienes colaboramos como socios locales debido a la escala del proyecto o la falta de experiencia- y en otros, por solicitudes puntuales de los clientes, ya sea por afinidades con otros profesionales o por el deseo de formar un equipo específico para su proyecto. Siempre las alianzas son buenos aportes, te abre la cabeza, enseña a amalgamar ideas, a tener que debatir y complementarse al mismo tiempo. Sabemos que es difícil en estos tiempos abarcar todo un proyecto, principalmente por el escaso tiempo con el que a veces cuentan los clientes, por eso formar equipos a medida de cada obra con otros diseñadores, interioristas y paisajistas nos hace trabajar muy cómodos. ¿Cómo la concepción edificio-paisaje convive en relación a las necesidades de la identidad corporativa o de prestar servicio a terceros? A medida que pasan los proyectos y crecemos en experiencia como arquitectos entendimos la importancia del paisaje y el diseño interior, asi como lo meramente arquitectónico. En los comienzos, recién salidos de facultad, nos centrábamos en la volumetría y el estilo, dejando en un segundo plano otros aspectos como el paisajismo y el relacionamiento con su entorno, aspectos que ahora, al analizar proyectos terminados y compararlos con anteriores, vemos que son los que más aceptación han tenido por parte de los usuarios finales. Creemos que los espacios exteriores bien diseñados y desarrollados, o la correcta incorporación en el paisaje natural le da un plus insustituible a los proyectos. Puede haber clientes que no lo perciban en el planteo inicial, pero una vez ejecutado comprenden el potencial de haber abordado el proyecto en su totalidad.

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_Solidez de hogar En la mayoría de los casos, un estudio de arquitectura no aborda el proyecto de interiorismo. El estudio Butler Zambrano sí lo hace con regularidad y con gran sensibilidad estética, y proyecta seguir creciendo en esa área. El interiorismo se ejerce desde una serie de layouts (capas) que tal una radiografía, parte de una “cáscara” existente o se va gestando a la par de la volumetría. Esta ha sido parte de la metodología empleada: invitar al futuro usuario del espacio a sentirse entre colores y texturas, entre mobiliario y equipamiento que soluciona sus necesidades y además mejora la vivencia “home”, la que a veces no es posible imaginar en la casa vacía o en los planos de arquitectura. La Casa B8, ubicada en el sector oeste del Barrio Lagos (urbanización que linda con Parque Miramar, Canelones) es un claro ejemplo del resultado obtenido a partir de una solicitud concreta por parte de los propietarios: la capacidad de evitar el continuo mantenimiento de las superficies. Es una vivienda unifamiliar de 400 m2, cuyo proyecto y ejecución entre 2017 y 2018 respondió a entablar una conexión noble entre la materialidad y la estética, simple pero bien definida y contundente ya desde el exterior, donde el hormigón visto reproduce los listones del encofrado en los dos volúmenes salientes que apoyan sobre los de planta baja. Los arquitectos llevaron la misma terminación al interior de la casa, en cielorrasos o paredes, con una muy cuidada terminación dada por la preparación de la madera a encofrar, entre otros aspectos técnicos propios de esta formalidad arquitectónica. El objetivo fue cumplido en la medida que la casa envejecerá de

acuerdo al paso del tiempo, rusticidad que habla de la premisa que Butler y Zambrano trazaron en la instancia proyectual y todo el resto del planteo que fue obedeciendo, en consecuencia, este carácter. De esta forma se minimizó al máximo el mantenimiento natural de la casa vinculado a su revestimiento. doble ALTURA·29

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El estudio se aproxima a la arquitectura contemporánea desde lo reflexivo y también desde lo dinámico.

La casa tiene dos frentes: a la calle y al lago, esta última en estrecho vínculo con la vida de familia bajo una gran pérgola libre de apoyos para disfrutar las vistas en toda la amplitud del terreno, desde todas las zonas sociales de la planta baja.

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La madera maciza de los pisos y el revestimiento de la escalera, o cepillada en los muebles de las zonas íntimas, incluso como revestimiento de las jardineras en fachada, colaboran al aspecto más tradicional de este material, y una vez más el diseño del interior potencia el planteo general de la obra.

La cocina. Se ubica contigua al comedor diario y con salida directa al parrillero. Tanto en la zona de elaboración con mesada y alzada en Dekton Sirius, como la barra que se eleva a unos centímetros en Dekton Keila y forma una U con la anterior (ambos de Cosentino, Marmolería Anibal Abbate) están en línea con la solidez planteada por el resto de los materiales implementados en la casa.

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Chacra en Piriápolis (Maldonado)

Barrio Lagos (Canelones)

Solanas de Portezuelo (Maldonado)

Parque Miramar (Canelones)

Barrio Carmel (Canelones)

“Nuestra impronta va más por las materialidades, creemos en los materiales que nos hacen sentir cómodos, por su textura, por lo que transmiten, por la calidez en unos, o la nobleza en otros”. No conformes solamente con entregar obras, han afianzado una serie de recursos estético-constructivos que saben que funcionan, los han profundizado y sin imponerlos, los ponen a disposición de los gustos de sus comitentes. En las Oficinas GZ pudieron desplegar muchos de ellos y no se equivocaron.

Barrio Lagos (Canelones)

Algunos de sus proyectos han sido nominados en medios extranjeros como “Mejor obra 2020” en rubro oficinas de Latinoamérica (en plataforma de arquitectura internacional Archdaily). Otros publicados en libros en Argentina como “Arquitectura en Clubes de campo” (de Tejo Ediciones) o medios nacionales como la publicación “Casas en nuevas urbanizaciones” (de AyD Ediciones). Butler Zambrano Arquitectos es un estudio que al mirar atrás encuentra una trayectoria sostenida y referente en el mercado uruguayo, especialmente dentro de los jóvenes equipos de arquitectura con cientos de metros cuadrados construidos. Distintos encargos de clientes variados, en lo generacional y en lo cultural, y también con objetivos y expectativas diversas, los retroalimenta a la actualización constante, al ida y vuelta entre diseño y funcionalidad, estudiando casos más allá del entorno físico en el que ejercen y se desempeñan. En constante búsqueda del equilibrio entre la tradición y la innovación llegan a soluciones creativas donde el diseño y la construcción relatan una simbiosis perfecta. ■ www.butlerzambrano.com

DAd SHOWROOM

CUANDO EL

ESPECIAL BARANDAS

DISEÑO Y LA

SEGURIDAD van DE LA MANO ¿Qué es lo primero que se te pasa por la cabeza cuando pensás en una baranda? Sin dudas la protección y la seguridad, porque la baranda es ante todo un elemento de contención, una barrera para evitar caídas. Sin embargo, en los últimos tiempos ha cobrado un protagonismo especial en el diseño de fachadas e interiores, no dejando de lado su función protectora y sumando cualidades decorativas al espacio inmediato.

Las tendencias actuales en diseño arquitectónico procuran la mayor transparencia y levedad de los elementos. Con esta intención estética se busca que las barandas pasen desapercibidas y no compitan con el diseño, integrándose al mismo. Con esa premisa se proponen de cristal y sin estructuras metálicas aparentes que produzcan una interrupción visual. Para potenciar el resultado, contribuye la utilización de “cristales ultraclaros”, totalmente transparentes, sin ningún tinte de color en su masa. Sistemas autoportantes, selladores estructurales, cristales laminados y templados son la fórmula de una baranda que cumple su función de barrera a la vez que aporta su cuota de diseño de vanguardia a una fachada de un edificio, un balcón, una piscina, una escalera, una pasarela o cualquier área con diferencia de niveles de piso. Barandas con impresiones por serigrafía en los cristales y soportes metálicos de cuidado diseño, aportan un toque único, especial, distintivo y distinguido, convirtiéndolas en un elemento moderno, funcional y altamente estético que engalana cualquier obra. Y si de máxima seguridad se trata, la aplicación de la lámina intercalaria SentryGlas®, trabajada en exclusiva por Vidriería Bia, otorga a los cristales de baranda una resistencia notable, que los hace únicos, aumentando aún más su cualidad de cristales de seguridad.

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Hotel Cottage (baranda helicoidal con cristales curvos)

Edificio BE Punta (piscina con baranda en cristal laminado templado)

El laminado con SentryGlas® fue creado originalmente para satisfacer la demanda de mercados especializados como los vidrios de alta seguridad y las ventanas resistentes a huracanes. Por ello es 5 veces más resistente y hasta 100 veces más rígido que el cristal laminado con otros materiales. El intercalario de SentryGlas® es un componente tecnológicamente diseñado para vidrio, permitiendo que los paneles resistan más peso y desempeñen una función más importante como elemento estructural en las edificaciones.

Hotel Soro Montevideo, Curio Collection by Hilton (baranda cortavientos)

Edificio Sigma Biarritz (fijación en HA) doble ALTURA·35

DAd SHOWROOM

¿SABÍAS LAS VENTAJAS de la Interlámina SentryGlas®? Es menos susceptible a la entrada de humedad y a los efectos del clima. No precisa de marcos para ocultar los bordes, permitiendo una arquitectura ligera, de fachadas perfectas y con sujeciones metálicas mínimas. Posee una claridad excepcional, es perfectamente transparente y no se amarillea con el tiempo.

Su mayor rigidez permite la disminución del efecto de alabeo posterior a la instalación.

Soporta impactos significativamente más fuertes que los laminados tradicionales con PVB, y en caso de rotura del vidrio conserva una resistencia post-rotura considerablemente más alta. Resiste notablemente a las deformaciones y los estallidos después que el cristal se rompe, haciéndolos altamente recomendables para barandas de escaleras, pisos, techos, balcones, frentes de edificios, cerramientos de espacios deportivos, piscinas, zoológicos, acuarios, centros comerciales, centros educativos, casas de familia y todas aquellas áreas susceptibles de impacto humano y/o animal donde se requiera un mayor nivel de seguridad.

Edificio Motivos de Proteo (barandas curvas laminadas, cristal incoloro)

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Hampton by Hilton (baranda estructural laminada con SentryGlas)

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Hilton Montevideo Shopping (solución estructural de barandas y pisos con cristales laminados templados)

Escalera (baranda con laminado EVA hojas)

Edificio 5529 Rambla (barandas estructurales laminadas templadas de ultra claros con SentryGlas)

En Uruguay, el cristal laminado con SentryGlas® ya ha sido instalado por Vidriería Bia en obras como Nuevocentro Shopping, Hospital Británico Carrasco, Bodega Garzón y Hotel Hilton Montevideo. A modo de referencia, este cristal laminado está aplicado a todas las Apple Store del mundo.■ www.bia.com.uy doble ALTURA·37

Fibras ibras F

DAd DE COMPRAS Producción Lic. en Diseño de Interiores María Inés SOSA DEUTSCH

cotidianas

11 1. Puff en totora ($ 2.800, Casa Ernesta) / 2. Cesto de yute ($ 1.800, Casa Ernesta) / 3. Puff plegable de papel craft $ 3.700, Simple Home Deco) / 4. Banco en yute $2.300, Simple Home Deco) / 5. Bandejas Noha en bambú natural (entre U$S 40 y 80, Walnut) / 6. Canasto Tek en bamboo natural (USD 85, Walnut) / 7. Fanal en ratán natural y mangos de cuero (USD 150, Soho Style) / 8. Platos decorativos de Kenya ($ 1.650, Simple Home Deco) / 9. Platos de sitio ($ 340, Simple Home Deco) / 10. Lampara de techo Sona de fibra natural (USD 150, Gayatri) / 11. Banco Kate (USD

1,100, Walnut).

9 5

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18 12. Espejo Margarita ($ 3.290, A brillar mi amor) / 13. Butaca Honguito (Martei) / 14. Reposera Verona ($ 16.360, Usual Mvd) / 15. Espejo Darcy en madera (USD 40, Walnut) / 16. Luminarias Lumbro (desde USD 300 a 450, Dis. Carolina Palombo) / 17. Mesa-baul de ratán ( $ 6.200, Casa Ernesta) / 18. Luminarias Noto (desde $ 6.900 a 8.700, Lateral) / 19. Mesas-cesto ($ 28.000 y $ 30.000, Lateral) / 20. Mesa de ratán y vidrio. ($ 7.900, Casa Ernesta) / 21. Butaca Wendy en bambú (USD 320, Walnut).

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DAd DE COMPRAS

32 22.

Remo en madera de Caoba ($ 10.500, Martinika) / 23. Almohadón crudo ($ 1.300, Hestia) / 24. Almohadón de algodón (USD 35 y 60, Soho Style) / 25. Almohadon Hadria en lona (USD 60, Walnut) / 26. Almohadón de macramé ($ 1.950, Casa Ernesta) / 27. Tapiz borla con cuentas ($ 1.800, Nudo Macramé) / 28. Alfombra Inca (USD 260, Walnut) / 29. Alfombra de yute y lana (USD 890, Soho Style) / 30. Manta de lino y algodon (USD 99, Soho Style) / 31. Lámpara colgante de plumas de ganso (U$S 135, Simple Home Deco) / 32. Tapiz Japón ($ 6.000, Nudo Macramé).

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39 35 37 33. Mandala Florencia (USD 390, Gayatri) / 34. Banco Stu (USD 80, Walnut) / 35. Recibidor Homestead ($ 71.600, Martinika) / 36. Hamaca ($ 22.50, Vinibel) / 37. Mesa Tosca (USD 439, Tutto Deco) / 38. Silla inspiración en diseño Wishbone (USD 250, Walnut) / 39. Butaca en madera y esterila ( $ 48.750, Martinika) / 40. Mesa auxiliar Mandisa (USD 150, Walnut) / 41. Butaca en cuerda de papel trenzada (U$S 515, Simple Home Deco) / 42. Butaca en rattan natural (USD 249, Soho Style) / 43. Escalera decorativa (USD 110, Walnut).

Ver datos de contacto en GUIA HOME

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DAd INTERIORISMO Institucional

DISEÑO

suma

que

La Asociación de Diseñadores Interioristas Profesionales del Uruguay (ADDIP) es una asociación sin fines de lucro, que desde sus inicios busca lograr el reconocimiento social de la profesión, contribuir a la construcción colectiva del diseño nacional, y mejorar la calidad de vida y la identidad del usuario con su espacio. En base a esos objetivos, todos los años ADDIP elabora su Plan Anual de Actividades para ampliar, actualizar y profundizar los conocimientos, generando nexos entre los socios y las empresas referentes del sector, así como también interactuar con otras instituciones y profesionales nacionales e internacionales. El Plan Anual 2020 está organizado a partir de 4 ejes temáticos iniciales: Estrategias de Negocio, Luz y Color, Paisajismo y Diseño Efímero, a los que se decidió incorporar un eje temático más, que es Diseño y Salud, teniendo en cuenta la situación sanitaria mundial actual. En este marco, se agendaron las distintas actividades, dando lugar a la participación de los distintos socios, a quienes fueron reconocidos en la última edición de los Premios ADDIP a la Excelencia en Obra Realizada y a las empresas asociadas.

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Próximas ACTIVIDADES LUZ Y COLOR • Textura y Color | 13/08/2020 | Mesa redonda Panelistas: Int. Gabriela Espasandín (Directiva de Addip), Int. Karina Garat (profesional independiente), Lizzie Rosenblun (Lizzie Design) Moderador: Int. Andrés Buencristiano (Directivo de ADDIP). • Emocionario cromático del espacio | 27/08/2020 | Charla Disertante: Mag. María Sortino (Universidad de Salamanca, España). PAISAJISMO • Proyectos de paisajismo | 10/09/2020 | Mesa redonda Panelistas: Art. Analía Sandleris y Arq. Ximena Ayestarán (Paisajismo Uruguayo), Arq. Adriana Bozzo y Arq. Paula Rial (profesionales independientes). Moderadora: Int. Gabriela Espasandín (Directiva de ADDIP). • Paisajismo e interiores | 24/09/2020 | Charla Disertante: Arq. Paula Rial (profesional independiente).

A su vez y teniendo en cuenta la pandemia del coronavirus, las distintas actividades se vienen realizando de forma online, a través de la plataforma Zoom, para continuar apoyando y aportando a la comunidad del interiorismo en estos momentos de incertidumbre. Por ello una vez pasada la actividad en vivo puede accederse a su grabación en el canal de YouTube de ADDIP (ADDIP Uruguay). Las charlas y mesas redondas son gratuitas y de libre acceso, con inscripción previa en la web de Addip. Los cursos son gratuitos para socios y tienen un costo para el público general. En lo que va del año, ya se realizaron 5 mesas redondas, 3 charlas y 2 cursos (Fotografía de interiorismo y arquitectura, y Gestión de proveedores).

DISEÑO EFÍMERO • Proyectos de diseño efímero | 08/10/2020 | Mesa redonda Panelistas: Int. Lucía Casanova e Int. Graciela Menyou (Menyou Casanova Studio), Dis. Wendy Seltmann, Dis. Serena Olivera (Home Staging Uruguay) y Dis. Martín Rebollo (Universidad de Palermo, Argentina). Moderadora: Int. Arq. Graziella Blengio (Presidente de ADDIP). • Diseño efímero: ¿realidad o fantasía? l 22/10/2020 l Charla Disertante: Dis. Arq. Jorge Migues (Vicepresidente de ADDIP).

¡Seguí a ADDIP en las redes sociales y enterate de sus próximas actividades! www.addip.org

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DAd INTERIORISMO Charlas

TALKS:

WEB

bases conceptuales del diseño

La inesperada situación de relacionamiento social, laboral y profesional con que 2020 nos sorprendió, hizo que más allá de la nueva mirada y vivencia de nuestros hogares y espacios de trabajo, los encuentros entre profesionales y el público amante del diseño de interiores encontraran un espacio virtual, un formato nuevo, amigable y exitoso para intercambiar conocimientos, inquietudes y experiencias. En este marco, a partir de mayo surgieron las WebTALKS: seminarios online de diseño organizados en conjunto por la Arq. Ma. Fernanda Navarro, editora de Doble ALTURA (con base en Montevideo), y el Dis. Ind. Andrés Parallada*, director de Medio Design Culture (radicado en San Pablo), quien tiene a cargo la oratoria de las charlas. Esta fusión DA+MDC celebra además los 10 años de desempeño ininterrumpido y por separado desde cada área de acción. El objetivo de cada WebTALK -que se realiza cada primer miércoles de mes de 19 a 21 horas- no se centra en temáticas “deco tips” como abordaje práctico de la decoración, ni tampoco en actualizaciones de usos, insumos o servicios como herramienta para el interiorismo profesional (enfoques que fueron abordados por otras organizaciones), sino mas bien en acercarle al usuario, que se vincula en mayor o menor medida con el diseño del espacio y del mobiliario, la historia y las bases conceptuales de las diferentes tendencias y corrientes estéticas sucedidas desde los albores del siglo pasado. Ellas dieron cabida a los máximos referentes del diseño moderno, nombres que continúan influyendo en la vida contemporánea, particularmente en la cotideaneidad de la casa, la oficina y el retail. Este formato de charla ofrece tanto a curiosos como a conocedores un lenguaje accesible, exclusivos registros fotográficos y audiovisuales y el matiz de pintorescas anécdotas en un entorno propicio de conversatorio entre los participantes.

Casa Bauhaus

¿Un ideal a redescubrir? En 2019 se conmemoró el centenario de la escuela Bauhaus. A pesar de su breve existencia, poco más de una década, esta escuela alemana de arte, diseño y arquitectura es reconocida como una de las más influyentes de nuestra época. Sin dudas, es difícil resumir los principios creativos que guiaron a los artesanos y diseñadores de esta escuela, pero en el marco de esta WebTALK se intentó abordar esa intención por llevar el arte al ambiente doméstico, citando sus inspiraciones manifestadas en las artes plásticas, la danza y el teatro, disciplinas donde probablemente estuviese el origen del carácter idealista y transgresor de este revolucionario grupo. Uno de los principales motores creativos de esta escuela fue la voluntad de dar respuesta a la crisis generada en la salida de la Primera Guerra Mundial. Esto ocurrió ya hace 100 años, pero en base al momento que la sociedad en su conjunto atraviesa en este particular 2020 se estableció esta pregunta como eje disparador de la charla: ¿será el modelo de la casa Bauhaus un ideal a redescubrir? Fue explicado su original sistema de enseñanza, se exhibió una selección de objetos diseñados por sus estudiantes y se reflexionó acerca de los criterios de organización del espacio doméstico propuestos por esta escuela, para finalmente valorar la vigencia de estos conceptos en la actualidad.

Mesas Nido, diseño de Josef Albers (Foto de MoMA NY)

*Egresado del Centro de Diseño Industrial de Montevideo en 1994 (hoy EUCDFADU). En 2010 fue el diseñador uruguayo convocado como orador para la primer charla TEDxMontevideo (Uruguay) para hablar del rol del diseño en la sociedad, luego de haber integrado en 1997 el equipo de Neumeister Design de Munich (Alemania). Desde allí a la actualidad, transcurrieron más de 20 años de experiencia docente en instituciones locales y regionales, participando además con piezas de su autoría en prestigiosos eventos internacionales de diseño como Salone del Mobile Milano (Milán, Italia), Premio Salão Design (Bento Gonçalves, Brasil) y la Bienal Iberoamericana de Diseño (Madrid, España). doble ALTURA·44

Eileen Gray vs. Le Corbusier

¿De la casa al home office?

“Una casa no es una máquina para vivir. Es la cáscara del ser humano, su extensión, su liberación, su emanación espiritual”. Al expresarse de este modo, la diseñadora Eileen Gray cuestionaba la concepción predominante de su época, definida por Le Corbusier, de la idea mecanicista de la vida: la casa como máquina para habitar. Lo cierto es que en diferentes momentos de la historia contemporánea, los caminos creativos de estos dos nombres destacados de la arquitectura y el diseño de mobiliario se cruzaron. Sin duda, existe una cierta asimetría en el reconocimiento público de ambos, siendo uno naturalmente menos conocido que el otro. Por un lado, la figura de Le Corbusier constituye una de las personalidades más influyentes de la arquitectura del siglo XX. Por otro, si bien el nombre de Eileen Gray no tenga ese destaque, cada vez más los especialistas en arquitectura de interiores resaltan la importancia de su obra. Esta dualidad fue abordada en una WebTALK citando por un lado el contexto de revalorización de la obra de la arquitecta y diseñadora, que recientemente se materializó en un ambicioso proyecto de restauración de una de sus obras emblemáticas: la Villa E-1027, y por otro (situado en el mismo espacio geográfico, una a poco metros de otra), Le Cabanon, una cabaña de verano austera que Le Corbusier construyó para él y su esposa. El eje temático de esta WebTALK fue guiado en base a estos cuestionamientos: ¿Será posible trazar algún paralelismo entre estas dos obras y algunas de las necesidades actuales de los espacios que habitamos? ¿Es posible interpretar la Villa de Eileen Gray como un caso de vivienda en un espacio reducido? ¿Es la cabaña de Le Corbusier un ejemplo de home office?

Le Cabanon, diseño de Le Corbusier (Foto Cassina)

Mobiliario diseñado por Eileen Gray (Foto ClassiCon)

Le Corbusier (Foto de Lucien Hervé)

Mobiliario diseñado por Finn Juhl (Foto House of Finn Juhl)

Diseño danés.

Clásicos contemporáneos El diseño de mobiliario danés tiene su origen en la combinación de su tradición artesanal con la corriente de industrialización que experimentó ese país a mediados del siglo pasado. Esto tuvo una manifestación concreta en el interés creciente de diseñadores, arquitectos y fabricantes por las ideas del Arts & Crafts y el funcionalismo. En los últimos años, dentro del ámbito de la arquitectura y del interiorismo, se ha consolidado una revalorización del mobiliario de esa epoca acuñando la expresión “Mid-Century Modern” para referirse a esta tendencia dentro de la cual los diseños de origen danés ocupan un lugar destacado. En la actualidad, quizá debido a su origen multicultural, el diseño danés es una de las principales fuentes de inspiración tanto para diseñadores como para aficionados. Esta WebTALK propuso una reflexión para ayudar a comprender el porqué del impacto de esta corriente, y se realizó en dos bloques diferenciados: por un lado el análisis de los antecedentes y de sus elementos constitutivos, y por otro, abordando obras puntuales de diseñadores referentes. Este hilo conductor resulta de estas inquietudes: ¿Por qué decimos que el diseño danés es un clásico contemporáneo? ¿Qué características del entorno histórico y cultural le dio origen? ¿Cómo ha logrado el diseño danés alcanzar prestigio internacional?; y como seguidores de los clásicos del diseño danés ¿qué aspectos esenciales debemos conocer?

Agenda WebTALKS 2020 Temas a desarrollar hasta diciembre inclusive:

• Charlotte Perriand: seis décadas de diseño • Le Corbusier: creatividad cromática • Sillas: mil modelos, una función. FECHAS y LINKS en: doblealturadeco.com o medio-design-culture.com ¡Sean todos muy bienvenidos! Co-organizan

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PREMIAR LA

EFICIENCIA NOS DA ENERGÍA El Ministerio de Industria Energía y Minería (MIEM) abre la convocatoria para postularse al Premio Nacional de Eficiencia Energética 2020. En esta nota abordamos el objetivo y alcance de esta iniciativa para todo el Uruguay e ilustramos con imágenes de obras de arquitectura premiadas en anteriores ediciones. Edificio Celebra (Zonamérica)

El Premio Nacional de Eficiencia Energética es una iniciativa que tiene el objetivo de reconocer públicamente a las instituciones, organismos y empresas por sus esfuerzos y logros alcanzados en relación al ahorro y uso eficiente de la energía en diferentes sectores de actividad. Esta será la onceava edición que initerrumpidamente se realiza, y en esta convocatoria 2020 se evaluarán las medidas implementadas en los últimos 3 años calendario (2017, 2018 y 2019), hasta la fecha de la postulación. El pasado 30 de junio se realizó el lanzamiento oficial de la convocatoria mediante la que es posible postularse en las categorías: Industria, Comercial y Servicios, Sector Público, Edificaciones, Movilidad y Educación. En particular, ampliamos información vinculada a la convocatoria para la categoría Edificaciones, cuyo cierre será el 14 de setiembre. En el rubro de las edificaciones, tanto a través de los sectores productivos, de insumos y de servicios, como también desde el componente intelectual del proyecto arquitectónico y demás áreas vinculadas al diseño, es de orden destacar el compromiso de profesionales y organizaciones comerciales por avanzar hacia la eficiencia energética, sobre todo por poderse comprobar los resultados en la línea de tiempo que cualquier edificación tiene desde el momento de su construcción. La arquitectura es una herramienta vital en la conformación de la ciudad, y cada edificación eficiente suma valor a un futuro sostenible.

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Ser EFICIENTES es proyectar y construir en pos de la comunidad inmediata como parte de un planeta que hay que fortalecer.

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Ediciones anteriores del Premio El Premio Nacional de Eficiencia Energética es una iniciativa que el MIEM organiza desde 2009 con el fin de reconocer aquellos proyectos que tienen esa finalidad. A lo largo de sus 10 ediciones se presentaron 175 proyectos correspondientes a 157 instituciones públicas y privadas. En el total de las categorías, se han entregado 90 reconocimientos a los proyectos que más se destacan año a año. En este marco, se busca dar visibilidad a los esfuerzos realizados, difundir los logros alcanzados, el compromiso institucional, así como sensibilizar y promover la innovación y el desarrollo de nuevos proyectos. Los ganadores y menciones de ediciones anteriores, de la categoría Edificaciones han sido: Enkel Group (ganador subcategoría grandes superficies 2019), MEVIR (ganador viviendas individuales y colectivas 2019), BILPA (mención subcategoría grandes superficies 2016), La Casa Uruguaya (Premio subcategoría viviendas individuales y colectivas 2016), Casa Vedia (Mención subcategoría viviendas individuales y colectivas 2016), Bromyros (Mención especial, 2015) y Edificio Celebra de Zonamerica (Mención especial: Zonamerica – Edificio Celebra, 2014).

Edificaciones: categoría referente en la eficiencia de la comunidad uruguaya

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Los proyectos y acciones de eficiencia energética que se presenten al premio en esta categoría deben consistir en rehabilitaciones o nuevas construcciones que incorporen criterios de eficiencia energética en el diseño de la construcción y/o mejoras edilicias. A modo de ejemplo, y no restringido a ello: aislación térmica edilicia, aislación de aberturas (ventanas eficientes), aprovechamiento de condiciones ambientales (optimización del recurso solar, ventilación e iluminación natural). En estos casos, se deberá demostrar la mejora en el desempeño energético de la edificación realizando una comparativa de los escenarios sin y con medidas de eficiencia, mediante balance térmico en invierno y verano o métodos de simulación.

Complementariamente, los proyectos presentados podrán incorporar mejoras tecnológicas u operativas, tales como, la instalación de equipos o sistemas más eficientes o la implementación de un uso más responsable y eficiente de los recursos y equipos. A modo de ejemplo, y no restringido a ello: eficiencia en acondicionamiento térmico, eficiencia en iluminación, incorporación de energías renovables para autoconsumo o aplicaciones inteligentes (ej.: timers, sensores, etc.).

La Casa Uruguaya

Foto Gustavo CORREA HERNÁNDEZ

Pueden participar del Premio, en la categoría Edificaciones, todas aquellas instituciones, empresas constructoras, propietarios, promotores privados, contratistas y profesionales de la construcción (arquitectos, ingenieros, diseñadores, etc., recibidos o próximos a recibirse) que se encuentren transitando el camino de la eficiencia energética, y en este marco hayan desarrollado o diseñado proyectos que demuestren los logros y el compromiso en la materia.

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Beneficios de presentarse al Premio Nacional de Eficiencia Energética El MIEM promueve la difusión de los proyectos exitosos a través de distintos canales y plataformas de comunicación, en medios masivos de comunicación tradicionales y redes sociales. Todos los materiales generados quedan a disposición de los postulantes para usarlos tanto interna como externamente.

¿Qué implica la eficiencia energética? La eficiencia energética es la relación entre la energía consumida y el resultado obtenido por su uso. Cuanto mayor o mejor es el resultado obtenido para una misma cantidad de energía utilizada, decimos que se es más eficiente. Lo mismo sucede en el caso en que se obtenga el mismo resultado con menor utilización de energía. Los beneficios de la eficiencia energética son múltiples: repercuten en nuestra vida cotidiana, contribuyen a un desarrollo sostenible y permiten forjar un futuro mejor para todos.

Cada año se organiza un importante evento de premiación del que participan autoridades nacionales, locales y medios de comunicación. Durante esta jornada se dan a conocer a los ganadores de cada categoría, así como a las menciones especiales que se otorgan. A su vez, la postulación al premio supone beneficios a la hora de presentarse a otros instrumentos de promoción de la eficiencia energética del MIEM. Particularmente, la participación y el reconocimiento obtenido en el marco del Premio Nacional de Eficiencia Energética son ponderados diferencialmente en las convocatorias de los Certificados de Eficiencia Energética (CEE), que permiten a las instituciones obtener un ingreso monetario por las medidas de eficiencia energética implementadas.

Comité Organizador y Evaluador El Comité Evaluador del Premio se encuentra conformado por representantes de las siguientes instituciones: Ministerio de Industria, Energía y Minería (MIEM); Ministerio de Vivienda, Ordenamiento Territorial y Medio Ambiente (MVOTMA); Ministerio de Turismo; Oficina de Planeamiento y Presupuesto (OPP); Universidad de la República; Agencia Nacional de Investigación e Innovación (ANII); Administración Nacional de Educación Pública (ANEP); Cámara Nacional de Comercio y Servicios (CNCS); Cámara de Industrias del Uruguay (CIU); Asociación de Ingenieros del Uruguay; Sociedad de Arquitectos del Uruguay y Cámara Uruguaya de Turismo.

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Cierre de convocatoria categoria Edificaciones: Lunes 14 de setiembre Evaluación de las postulaciones: Setiembre / Octubre Ceremonia de entrega de premios: Noviembre

Enkel Group (Posada José Ignacio) doble ALTURA·48

Bases de la Edición 2020 del Premio en la web de Eficiencia Energética: www.eficienciaenergetica.gub.uy

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Espacios para seguir

CRECIENDO 5 dormitorios/

playrooms para ADOLESCENTES Los niños a esta edad adolecen de un mundo que solo a ellos les pertenece. En la medida que el espacio destinado para su estancia en casa acompañe esa suerte de romanticismo y esfera platónica que a veces alcanzan en torno a sus intereses, las vivencias desde su guarida serán tan personales, como instantáneas e imborrables. Atrincherados en sus dormitorios, los adolescentes son los integrantes de la familia que permanecen abstraídos durante más horas en sus espacios, porque es desde allí que construyen su lugar en el mundo. Es un gran desafío para los profesionales del interiorismo darle sentido y materializar esta necesidad, que muchas veces ellos no saben expresar, pero sí una intervención especializada logra transformar ideas en un concepto para llevarlo a la realidad. Objetos, dispositivos digitales, referentes y charlas con sus amigos son también condimentos que comparten el espacio, que física o virtualmente son la plataforma de conexión con el exterior de niños entre 10 y 19 años. Máxime en los tiempos que corren, con más permanencia en casa, resulta vital que el resultado del diseño del cuarto resguarde el color preferido y contemple su hobby, pero también, que les regale una sensación de contención, comodidad y flexibilidad, y así la conceptualización estética cosecha buenos frutos. Hemos seleccionado 5 dormitorios proyectados y ejecutados por diseñadores de interiores uruguayos que entendemos ilustran ese idilio pseudo-infantil en una etapa tan desafiante, pero que además desde el encargo conformaron una excusa muy válida para explorar formas, texturas, paletas y combinaciones. La tarea para ellos representó interpretar preferencias de cada niño y sumar la aprobación de sus padres, quienes juntos y con una mirada cómplice se embarcaron en la tarea de diseñar el dormitorio bajo una fundamentada personalización. Si pensamos que son la generación de los futuros millennials ¡valerse de sobrepasar el límite de la creatividad no está nada mal!

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Lic. Inés ARTAGAVEYTIA y Lic. Verónica BOSCH Estudio La puerta de al lado Lugar: Montevideo (Pocitos)

“Buscamos dar un aire neutro, juvenil y fresco que fuera creciendo con las adolescentes protagonistas del dormitorio”. El pedido concreto se basó en trabajar en dos espacios a la vez y separados en la casa, para tres hermanas mujeres de diferentes edades, pero todas adolescentes. El dormitorio debía tener camas extras para invitar amigas y primas a dormir, y el otro espacio destinado a estudio y playroom, sería compartido con el más pequeño de la casa. Este lugar para estudiar con compañeros, mirar la televisión y hacer ejercicio -ubicado también en la segunda planta de la casa- debía además poder nuclear a toda la familia, se ubica en el área de distribución previa a los dormitorios. Desde el mobiliario se define con un escritorio, una gran biblioteca (todo a medida en MDF laqueado) y con la mesa separada de la estructura para poder moverla en caso de precisar ubicar a más niños en instancias de juego o estudio. Junto a la luminaria (de Zum), las sillas (de Samic), el sofá existente que fue retapizado en tela Aquaclean (de Bemaor), y la alfombra (de Vinibel) se armó un ambiente súper disfrutable, con los muebles justos y acordes a varias personas utilizándolo en simultáneo. La complejidad radicó en resolver la distribución funcional (equipamiento + circulación) a pesar de la presencia de varios y grandes ventanales en ambos espacios, sin embargo, el potencial fue establecer elementos decorativos que con el tiempo (y acompañando el crecimiento de las adolescentes) pudieran cambiar de color, tipo de accesorio o ropa de cama (los cubrecamas son de Ikea y los almohadones de Zara Home), sin necesidad de hacer una sustitución radical en la concepción general del dormitorio.

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DAd TENDENCIAS+ Dis. Carolina CESIO Estudio de Diseño y Paisajismo Lugar: Montevideo (Villa Biarritz) Fotos: José PAMPÍN

“Estudiamos en profundidad la sutileza en el uso de los colores solicitados”. En una casona antigua en cuyo proceso de reforma se mantuvieron las aberturas originales y los pisos de pinotea, los espacios destinados al más pequeño de la casa se proyectaron para que persista en el tiempo, ya que dormitorio y playroom se encuentran contiguos e integrados programáticamente, para el descanso el primero, y estudio y juego el segundo. Para un varón de 10 años en el marco de una familia muy fanática de Peñarol, la solicitud fue clara: que estuviera presente la dupla de colores que representa el fervor a su cuadro. Así, el amarillo y el negro, el primero color primario indiscutido en la paleta de cuatricromías y el segundo la sumatoria de todos los colores, encontraron un diálogo justo y muy vistoso, a la vez de atemporal y en total comunión con la época de la casa. La sutileza del amarillo fue para las sillas y en el gran chapón de corcho con armazón de hierro, el negro está presente en las estanterías organizadas ludicamente y con cartelería pintada a mano.

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Dis. Leticia ACHARD Estudio 1601 Lugar: Canelones (La Asunción)

“El diseño no podía ser ni muy serio ni muy infantil para abarcar dos franjas etáreas bien diferentes, y metafóricamente las unificamos con un lindo mensaje sobre la hermandad”. En este caso la diseñadora enfrentó el desafío de diseñar un mismo dormitorio para dos hermanos varones -de 14 y 6 años- ya que el adolescente comparte el espacio con su hermano pequeño. Lejos de ser un impedimento, signgificó un objetivo crucial fusionar intereses y mecánicas infantiles bien diferentes. Se contemplaron los gustos y usos característicos de ambas edades, y desde el diseño se amalgamaron en un punto en común: un mismo personaje. Felizmente y desde la etapa de proyecto hubo buen concenso para elegir este eje temático, y así Batman fue llevado a su expresión más moderna, tanto desde el punto de vista gráfico, como en el uso del color y acompañado por frases que le dan una impronta graciosa, lograda en base a una frase que bien representa el compartir de los hermanos. Se buscó que el diseño perdurara, y cumplió con el tránsito entre niñez y adolescencia. La elección de la paleta de colores contribuyó en gran medida a este objetivo, grises y azules, complementados con el ocre. El punto focal aquí es la composición de trazos diagonales para componer un esquema geométrico de triángulos en el motivo de la pintura de las paredes, en particular en gris y en blanco. El techo se empapeló haciendo simbiosis con el diseño geométrico, logrando uno de los tantos efectos innovadores que caracteriza a este estudio de diseño. Los cuadros fueron diseñados y enmarcados en negro siguiendo una línea simple con inspiración nórdica, tono que se repite nuevamente en la silla -inspirada en el modelo Tolix -elegida para el escritorio.

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DAd TENDENCIAS+ Dis. Sofía RUIZ Estudio Sofia Ruiz Lugar: Canelones (La Tahona) Fotos: Irina RAFFO

“Nuestros clientes estaban dispuestos a traer muebles y accesorios de otros países, por este motivo buscamos alternativas diferentes y acordes a la propuesta”. El sueño de un varón de 14 años -amante de la lectura, muchos amigos y excelente estudiante- era tener un gran escritorio para poder trabajar. Para cumplir con esto, una de las decisiones proyectuales de distribución espacial fue aprovechar un hall de acceso existente, y así transformarlo en un sector para estantes y escritorio totalmente integrado al resto, en total se obtuvo un dormitorio de 35 m2. Estéticamente se tomó como base el diseño general propuesto para el resto de la casa, una propuesta clásica contemporánea con varias piezas inspiradas en diseños de Alvar Aalto, Charles & Ray Eames, Eero Sarinen, entre otros. De hecho, en el dormitorio donde predomina la paleta de color azul mar con acentos en amarillo, se instaló la versión del sillón y reposapiés modelo Poäng de A. Aalto, fabricado por Ikea en tapizado marfil. La carpintería fue realizada en madera de roble combinada con laqueados, todo ejecutado por el estudio. Los pisos también son de roble (de Tilo Latam). En particular el empapelado de este dormitorio fue traído de Estados Unidos, con un diseño de “blue print” (técnica utilizada para representar planos de arquitectura) creando un espacio ciertamente contrastado pero único a la vez.

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Lic. Faustina MIGLIANO FMB Estudio Lugar: Salto (zona Centro) Fotos: Anwar Studio

“Vamos al encuentro de las ideas, gustos e intereses de nuestros usuarios para realzarlos. Por eso cada trabajo es personal y único”. El eje que definió este dormitorio fue un mural que representara crecimiento y libertad, combinado con colores cálidos que hacen del mismo un lugar armonioso, amigable y propio, tal como requieren los chicos a esa edad. En él se creo un espacio femenino, que inspirara paz y reflejara a su destinataria. Ubicado en un chalet de estilo inglés en Salto, la intervención logró el cambio que se buscaba, con la prioridad puesta en convertir un cuarto infantil en uno personalizado y moderno para la misma niña, ahora adolescente. Con pocas reformas se obtuvo una transformación radical acompañando la transición de una etapa a la otra. La diseñadora realizó el mural en mano propia en conjunto con su mamá, Lucía Broglio, con quien suele abordar creaciones artísticas en cuadros y pintura mural. Es una fusión monocromática de grafismos botánicos con la asociación directa al crecimiento de la adolescente para inspirar sus largos ratos en el dormitorio.

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La HORA

MÁGICA El diseño de los 50 retorna a los interiores bajo el sello Mid-century, un estilo revindicado con solemnidad absoluta en los gestos proyectuales de piezas de colección que los más fieles seguidores apuestan a incorporar en sus espacios contemporáneos.

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Fotos | Javier PICERNO

n uno de los clásicos edificios racionalistas de Buenos Aires, Argentina, un apartamento ubicado en pleno barrio Retiro con aproximadamente 250 metros cuadrados de planta, es donde un joven matrimonio de profesionales comparte la pasión por la estética de los años 40 y 50. La idea rectora nace del gusto de los propietarios y el placer que significa para ellos recibir amigos, la hora del aperitivo y su debilidad por la vida urbana. En base a una selecta inspiración con amplia sobriedad cromática, el diseñador Facundo Amándola a cargo de Ascolta Design (Estudio de Diseño de Interiores y Producto), le dio forma a la Hora Mágica tan preciada para sus clientes. “Es esa hora del día en que regresamos a casa, recibimos, abrazamos y agasajamos a nuestros seres queridos: un hogar abierto al disfrute”, reseña Amándola, como uno de los mayores desafíos a materializar en el proyecto. doble ALTURA·61

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Para ojos entrenados. Los viajes a Europa de la pareja dejaron recuerdos imborrables, y por tanto, las piezas fotográficas y escultóricas de pequeña escala que decidieron traer fueron preservadas para cuando llegara el momento de compartir con ellas el diario vivir. Y esto se hizo realidad gracias a una perfecta ambientación, cuya atmósfera nocturna es aún más prometedora, sobre todo al recibir amigos en formato de cocktails informales que dotan a los encuentros de grandes cuotas de diseño new fifty. También una obra fotográfica de la muestra de Bruggens Gallery (en blanco y negro de grandes dimensiones) -con una estrecha asociación al ritmo, a la estética y al criterio- fue estratégicamente ubicada para que conviva en un espacio cotidiano, pero a su vez con cierta distancia para que pueda deslumbrar a cualquier ojo artísticamente entrenado. En el estar la alfombra está tejida a mano (de la marca Elementos Argentinos).

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Fueron seis meses de obra, la que consistió en una primera instancia, en la unificación de uso de algunos espacios y luego lo respectivo al mobiliario. Si bien la planta original del apartamento planteaba una buena distribución -característica común a la época del edificio- se detectaron usos y terminaciones con una necesidad incisiva de intervención para optimizar confort y tecnología en pos del habitar moderno, y cuyo resultado en este aspecto claramente incrementó el valor arquitectónico del piso. “Desde el primer día que los clientes se acercaron al estudio, nos encontramos con la grata sorpresa de poder dar rienda suelta a la imaginación. En los diversos encuentros fuimos analizando y detallando los requerimientos, perfiles estéticos, culturales y psicológicos de los futuros moradores, logrando así una relación de amistad y comunión entre profesional y comitente”, señala Amándola.

Desde el proyecto, tanto el mobiliario como cada una de las terminaciones fueron desarrolladas con especial relevancia. “Fue un ejercicio constante de ida y vuelta entre los años 40’, 50’ y el presente. El bagaje de mobiliario de mediados del siglo XX y algunas versiones actualizadas que tenían nuestros clientes, sumado a elementos netamente contemporáneos, definieron la estética y la paleta cromática. Colores agrisados, beige, visón, negro y toques color madera como anigre y roble de eslavonia recorren todo el proyecto, acentuado con toques de dramatismo generados a la noche por la iluminación puntual y de baja altura. La clave final fue dar el brillo necesario para resaltar algunos elementos en distintos espacios con materiales laqueados, aceros, piedras pulidas y espejos”, comenta el diseñador uruguayo radicado en la capital porteña.

Dis. Facundo Amándola

Orbitando como satélite. Sobre el bar, se ubica como vedette del espacio una pieza heredada del propietario que fue restaurada para recuperar el esplendor de su época. Se trata de una luminaria catalogada como uno de los clásicos de los años 60. El modelo se conoce como Sputnik y está realizado 100% en acero con bombillas led

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Antes y después. En las áreas públicas, el espacio de biblioteca y living se transformó en una gran recepción, mientras el comedor principal pasó a ser sala de TV, escritorio y toilette.

Un dúo de grandes espejos ubicados en el living como gran marco de contundentes piezas de mobiliario, precedidas por un pienso específico para lucir en el conjunto, son a la vez cuadros y reflejos en este espacio central del apartamento, biselados y recostados a la pared como manda la tendencia, de 2 x 1,20 metros cada uno. Ni bien se ingresa por un corto pasillo, un vistoso dressoir y luminarias escalonadas de acero típicamente de lenguaje art deco, adelantan la estética del apartamento. El living se compone de tres sectores: el bar, la biblioteca y el sector más amplio con un cómodo sillón en “L” de grandes dimensiones (de Walmer), que junto a dos butacas tapizadas rodean una mesa de centro en mármol negro y acero negro satinado, diseñada y fabricada especialmente para el espacio. En el sector de la biblioteca hay cuatro butacas que le imprimen a esta parte del living un dejo cinematográfico junto al tocadiscos y colecciones musicales, además de un equipo multimedia. Dos pares de butacas dialogan a pesar de sus diferencias: dos en madera y género art deco originales adquiridas en un anticuario y restauradas en los talleres del estudio, y las otras dos poltronas en acero y cuero (de Landmark Argentina), que son parte de la colección actual de la marca, producidas localmente bajo inspiración en diseños de los años 40 y 50. En conjunto, todas rodean una mesa de centro en madera y vidrio, adquirida también en un anticuario.

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En general, el mobiliario es una mezcla de diferentes piezas heredadas, muebles de anticuariado restaurado y piezas contemporáneas adquiridas en firmas de diseño (del Distrito Arenales de Buenos Aires) o diseñadas y fabricadas especialmente para este proyecto. El común denominador son las líneas rectas y las reminiscencias geométricas, optando por las más sobrias paletas e incluso por la valoración del trabajo artesanal, que en todo caso, y bajo los cánones de estudiados diseños, lograron ilustrar la esencia de mitades de siglo pasado, que muy acertadamente como en este caso, siguen vigentes con exitosas facturas en materia de arquitectura de interiores.

Cocina amplia. En las áreas de servicio, la antecocina y cocina se transformaron en un espacio más interactivo y menos formal para el diario vivir de esta familia joven. Se resolvió generando un gran ambiente que incorporó lo último en tecnología gastronómica y lumínica, con algunos guiños al pasado como la cocina industrial recuperada y el piso en damero con una impronta contemporánea. Contiguo a este espacio, el área destinada originalmente al servicio doméstico se convirtió en dormitorio de invitados y sala de relax, lo que ciertamente habla del viraje en los hábitos y costumbres y de cómo los habitantes del siglo XXI poseemos dispositivos que nos hacen más fáciles y organizadas las tareas de la casa. De eso se trata, de hacerlo uno mismo, incluso del goce de cocinar en familia.

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Fue un ejercicio constante de ida y vuelta entre los años 40’, 50’ y el presente. Facundo AMÁNDOLA

Transparencia que insinúa. La mampara del baño de visitas está realizada en cristal brillante gris humo. Este efecto en el cristal deja pasar la imagen, pero sin transparentar 100% lo que acontece en el interior de la zona de ducha. Puntualmente, la imagen impresa en la superficie fue diseño del equipo gráfico del estudio, concebida con la premisa de generar misterio, timidez e intimidad por lo propio del espacio donde se encuentra. El vestidor. La reminisencia al mueble industrial está presente, sin embargo, la madera logra hacerse espacio con diseños que aplican las líneas características de mitades del siglo pasado como por ejemplo el clásico dúo de Eames que sella la composición del vestidor: sillón giratorio y reposapies Lounge chair y Ottoman en cuero de Charles & Ray Eames, mobiliario ícono por excelencia y preciado desde el Mid-century hasta hoy día.

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www.ascolta.design

Wellness como tendencia En las áreas privadas, tres dormitorios y dos baños se convirtieron en una gran master suite con dormitorio, vestidor y baño con todos los servicios wellness del vivir actual, más otro dormitorio con baño. Bienestar en los titulares y en la vivencia también, de eso trata este hogar.

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Lagos y vistas

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Las vistas al arroyo Maldonado hacen de esta residencia privada con aspecto de posada, un lugar para vivir de forma permanente y en familia, con la posibiidad de recibir amigos mientras los niĂąos crecen rodeados de naturaleza.

Fotos | Martín PENOT

Esta es la historia de un creativo y un técnico, un soñador y un auditor, una familia y un arquitecto, pero sobre todo, de un proyecto que, como tantos otros, arranca con estacas en el piso, transcurre con decenas de anécdotas y cientos de horas de obra, y lejos de estar finalizado tiene tela para rato para seguir evolucionando, aspecto que entre otras cosas lo hacen especial. Fuimos al encuentro de esta “obra viva” como la describe Alfredo Etchegaray, su propietario, quien a comienzos de 2018 y una vez más, plantó nuevos cimientos con renovadas apuestas en lo que a su estilo de vida se refiere. Desde el comienzo se sumó el arquitecto Matías Finocchietti, quien también reside en Punta del Este y se encontraba haciendo una casa en las sierras. “Matías aceptó el desafío de ser flexible en la creación de un volumen luminoso, de ambientes amplios e integrado a la naturaleza, cuidando los costos y en calidad de consejero para aplicar innovadores recursos y fusionar texturas; sus conceptos estéticos son coincidentes con los nuestros”, explica Etchegaray. Lakes & Views se se ubica 5 minutos al norte del centro de La Barra (en Maldonado) por el Camino al Cerro Eguzquiza que conecta dicho balneario con la ciudad de San Carlos. En medio de una zona de chacras pertenecientes a celebridades, personalidades del mundo cultural, intelectual y empresarial de Europa que eligen esta suerte de paraíso en el este, es que “en tiempos de cuarentena, Lakes se ha transformado en nuestro paraíso”, sentencia Alfredo Etchegaray, que instaló allí su casa para compartir por muchos años con su familia, con una mirada puesta en el contacto 100% con la naturaleza, en los hábitos agrestes, en las conductas totalmente sostenibles y una planificación tan meticulosa como eficiente desde la edificación, la logística, la alimentación, el entretemimiento y todas la vivencias que conforman esta forma de vida.

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Tajamar y casa, rectilíneos y longitudinales ambos, se reflejan el uno en el otro para disfrutar de increíbles atardeceres con las luces de Maldonado empezando a perderse. Matías FINOCCHIETTI

Este pionero de las relaciones públicas en Uruguay dejó atrás su sello personal en la organización de aquellas temáticas y glamorosas fiestas privadas, pero su amor y respeto incondicional hacia Punta del Este se mantiene intacto, como también su calidad de anfitrión, ahora vinculado a la grandiosidad que le otorga el paisaje, que con fogones al aire libre de grandes dimensiones y construidos con las piedras sobrantes de los primeros muros levantados, piensa siempre en una nueva excusa para celebrar. Lakes & Views es un faccionamiento bajo el concepto de “pueblo habitable”, compuesto por terrenos de 5.000 m2 que brindan a sus propietarios la libertad de desarrollar sus casas sin restricciones constructivas más allá de la normativa local, con el único requisito de que sean para vivienda, aggiornada a parámetros que cuiden el medio ambiente y con pequeñas acciones contribuyan a mejorar la calidad de vida del lugar. Los terrenos no tienen gastos comunes, a diferencia de otros de alta calidad en la zona como Pueblo Mío, Las Piedras de Fasano, o El Quijote. En uno de ellos y para una implantación sensata con la naturaleza circundante, se realizó un gran tajamar a partir de canales de agua con profundidades entre 3 y 5 metros, que “permitió elevar la zona construida y a la vez generar una pequeña Venecia, navegable, con sistemas renovables para mantener el agua limpia y posibilitar variedades de peces y aves”, relata el propietario.

Enfrentada a estos 1.200 m2 de espejo de agua la casa se desarrolla en dos plantas que suman unos 500 m2 techados más otros 400 m2 de decks. Una planta longitudinal, modulada de a 3 o 6 metros de altura y de a 6 o 12 metros de ancho con un frente de 40 metros. Nació a a partir de una estructura de hierro (vigas IPN de 18 cm) elegida por tres razones: lograr rapidez en el proceso constructivo, manejar un bajo costo y contar con grandes áreas libres de apoyos. A partir de la distribución modulada se logró una alta flexibilidad y versatilidad de los espacios, abiertos y pensados para diferentes usos. “Instalamos las primeras estacas caminando por el terreno, empezaron a trabajar las primeras máquinas mientras dibujamos los bocetos iniciales de la casa, la cual tuvo un sin fin de modificaciones. Llegamos al punto de dejar los planos de lado, y estar frente a una obra pensada día a día, intercambiando y definiendo todo in situ”, relata el Arq. Matías Finocchietti, como testigo y parte de la aventura. “La casa empezó a transformarse en una especie de laboratorio, a Alfredo le gusta probar, equivocarse y volver a hacer, si algo sale mal queda igual satisfecho por sacarse la duda”, comenta aún disfrutando del enérgico ritmo de su cliente, digno de su ascendencia vasco francesa. “Fue una linda obra por haber conocido una gran persona, divertida, diferente e innovadora. Una obra que se hizo sin planos, porque no sabíamos el rumbo que podía tomar la siguiente mañana”, agrega.

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Ser, pensar y actuar sosteniblemente Una casa puede ser autosustentable no solo por los parámetros constructivos y herramientas alineadas a la eficiencia en el consumo de sus servicios, sino también socialmente hablando, pudiendo prescindir de entretenimientos externos y albergar reuniones sociales con todas las comodidades. En esta línea una sala de lectura, otras de video y cine, de gimnasia y de música, además del playroom; varios ambientes equipados como estar con posibilidad de integrarse, y un parrillero para 500 personas, son sectores que se suceden en los dos niveles. Construida con orientación noroeste, con las mejores visuales justo hacia la puesta del sol, la casa optimiza su asoleamiento natural durante todo el año. En un galpón de unos 100 m2, contiguo a la casa, funcionan los espacios creativos: el taller de carpintería en hierro y madera, el de costura y labores, y también grandes estanterías lo convierten en un atiborrado pero ordenado depósito, donde entre otras cosas, se preservan libros, documentos, archivos, fotografías, equipos de audio e iluminación y un sin fin de discos de pasta, de variados tipos y tamaños, como parte de las reliquias que hablan de sus comienzos como discjockey en la década del 70. La calefacción de la casa surge de la combinación de diferentes sistemas: estufas a leña de alto rendimiento (de Innotal), otras un poco menos eficientes y más antiguas pero de gran tamaño como las modelo Sunray (comprado en Mercado Libre), sumado a unidades de aire acondicionado y a la regulación de cortinas para valerse de la luz solar, incluso promover la convección para el recambio de aire frio-caliente y los ventiladores de techo para generar corrientes de aire. En verano, la

sombra natural en los dormitorios de planta alta la genera la terminación en cerquillo (o flecos) de la solera de junco peinado, inspirada en las chozas balinesas. La iluminación interior logra una estética industrial a través de la cañería galvanizada vista, y la exterior conforma una red de luces a base de energía solar, algunas intervenidas con acetatos amarillos para transformarlas en cálidas (ya que de fábrica dan luz blanca fría). Con aguas pluviales recogidas del techo y reutilizadas, frutas y verduras de la huerta y miel fresca de las colmenas, hacen de este, un lugar ideal para cultivar y autoabastecerse en momentos donde quedarse en casa es cuestión de orden.

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El segundo hogar de primeros legados Esta casa, es el segundo (o tercer) hogar para una infinidad de elementos de construcción y muebles que Alfredo fue adquiriendo en remates de Montevideo y Maldonado, o en las subastas previas a las demoliciones de reconocidos íconos del balneario esteño como el Hotel San Rafael, el Hotel Las Dunas, la casa Loma Verde y el chalet Malú; o previo a las reformas del Hotel La Capilla y el chalet Serpolette en la calle San Pablo. “Lakes & Views tiene todos los sistemas constructivos integrados en uno: grandes superficies de vidrios con blindex templados de 10 mm -adquiridos algunos en subastas o en planchas enteras compradas directo a fabricantes-, muros de madera tratados en la misma obra y con cámara, steel frame, y placas autoportantes y aislantes (Isopanel de Bromyros) en tabiques divisiorios y cubiertas. Los pisos, según el espacio de la casa son de pino, de porcelanato o de ladrillo asentado en arena como en los viejos ranchos de campaña. Las escaleras -de eucaliptus blanco, grandis y colorado- son cinco en total para asegurar suficientes puntos de conexión entre los dos niveles. Etchegaray resguarda en Lakes un tesoro que aúna gran nostalgia. Y es que no podía faltar una barra de tragos en memoria de uno de los grandes promotores del turismo y la hotelería esteña a partir de los años 60, como lo fue Luis de María, fundador del Hotel La Capilla y entrañable amigo de Alfredo. El mostrador de la recepción del mítico hotel luce ahora como una pieza que volvió a vivir en otro sector del comedor de la casa, con otro uso pero con el mismo espíritu de agasajo.

Texturas que hacen hogar Dos elementos de inspiración: la luz natural y la combinación de texturas, en torno a los cuales se suceden muros exteriores y divisiorios interiores levantados a puro ingenio, en total comunión con la naturaleza y con el objetivo de replicar ese aire rústico y de campo para que grandes fogones ardan al atardecer, como por ejemplo muros formados por leña apilada, de ladrillo sin junta, de piedra tomada, de pino decapado (con pintura de tipo membrana líquida y lijada) o de lapacho, comprados en demoliciones, junto a otros de caña, muy permeables y vistosos. Viejas barricas de vino se adquirieron en una casa de antiguedades del barrio El Placer (al costado del Puente de La Barra) que fuera realojado hace un tiempo. Las obras de arte son de la pintora fallecida Raquel Caravallido, madre de Alfredo, esculturas de sus hermanos y también tallas propias sobre madera de cedro realizadas como alumno del escultor español Javier Nieva.

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En el gran espacio de encuentro, el sofá principal (de 6 por 2 metros) está conformado por 3 sommiers y las mesas tienen el largo de los tablones con que están hechas (3.30 metros). En el comedor, el paisaje es el fondo de una enorme alacena, todo el ingenio puesto contra un gran ventanal.

Pueblo gaucho, pueblo habitable En varios sectores y vivencias de Lakes se imprimen costumbres de campo, que como herencia de familia, lleva grabadas en su trayectoria como impulsor de eventos sociales y empresariales, cuando muy pocos se codeaban con las estrellas del espectáculo que llegaban a Punta del Este. 30 años atrás creó y patentó Pueblo Gaucho Criollo, una recreación del queahacer de campaña en pleno bosque de pinos cercano al actual complejo residencial Haras del Lago (donde funcionó el primer salón de fiestas de grandes dimensiones, en las afueras de Montevideo) con el objetivo de promover experiencias sensoriales que recuerden nuestros ancestros. Estuvo inspirado en el evento popular La Patria Gaucha que cada mes de marzo se realiza en el predio de la Laguna de las Lavanderas en Tacuarembó. Fue construido incluso por los propios gauchos oriundos de este departamento, al norte del territorio uruguayo, y por sus familias, replicando una plaza con aljibe, una pulpería, y construcciones de paja de la época en base al tradicional adobe “amasado” con el paso de caballos. Pueblo Gaucho incluso, entre fogones, asado con cuero, vinos nacionales y postres criollos en medio de tangos, candombe y folklore en vivo “fue escenario de memorables instancias empresariales, sociales y culturales que fueron el corazón y motor del proyecto, como por ejemplo el apoyo del entonces intendente de Canelones, Tabaré Hackenbruch y el impulso que generó un significativo encuentro de inversores de Zonamerica, cuando Orlando Dovat y sus socios agasajaron allí al grupo belga, quienes culminaron la guitarreada con los ponchos de los gauchos puestos”, recuerda Alfredo. También fue locación de audiovisuales y telenovelas argentinas con actores de la talla de Pablo Rago y Oslvado Laport, y modelos como Nicole Newmann. Hoy los fogones se trasladaron al este.

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Chapa y herrería mezclada con esterilla, tacuara, bambú, piezas de lapacho y piques, campanas y aros de mimbre (adquiridos en una subasta de Manantiales), se alternan con otros objetos heredados de antepasados en un gran salón de Pool. “Todas las puertas estilo porteras de campo fueron hechas por los más pequeños de la casa, ya adolescentes, que tienen su propio “bungalow” como playroom para estudio y juegos, tajamar de por medio”.

En tiempos de cuarentena, Lakes se ha transformado en nuestro paraíso. Alfredo ETCHEGARAY

Un atardecer en Lakes & Views y un fascinante testimonio de sus habitantes, nos lleva a imaginar como lucirá a futuro esa secuencia de columnas colmadas de rosas y jazmines que recién comienzan a trepar por la galería de la planta baja. En la planta alta, varios metros de barandas fueron realizadas con palos de monte a altura reglamentaria. Sectores de césped sembrado y otros instalados en panes, son la alfombra natural de su hijo Alfredito, que desde bebé acude a dar de

comer a los patos luego de tomar su biberón, y está muy encariñado con ellos. Se plantaron más de 50 especies, más de 1.000 plantas y árboles en total, entre ellas palmeras autóctonas. “Toda la familia ha trabajado en la casa, desde Claudia hasta sus hijos, y seguimos todos trabajando: ha sido más que una escuela de construcción, una escuela de vida”, comenta orgulloso Etchegaray, quien no dudó en instalarse cual gitano desde los comienzos para dirigir la obra, cuerpo a cuerpo, idea a idea, apoyado en Finocchietti. ■

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na vez más, nos topamos con el trabajo de profesionales que proyectan para que los interiores de las casas antiguas de veraneo mantengan ese encanto de “la casa de afuera”, como solemos conocerla los uruguayos.

Tal es el caso del diseño interior de los espacios comunes de esta casa puntaesteña a cargo de la diseñadora None Fossati, quien explica el deseo -casi con una cuota de alegre mandato por parte de los propietarios- de llevar a cabo una renovación total. Living, comedor y cocina mantenían la impronta de segunda mitad del siglo pasado, no tan lejana, pero sí lo suficiente como para identificar revestimientos, aberturas y muebles de época, los cuales se sustituyeron casi en su totalidad. “Toda la decoración tenía que ser práctica, funcional y con aires veraniegos. La casa se alquila en verano, y fue pensada para darle mucho uso”, explica. Construida entre los 60’ y 70’ cerca de la península en Punta del Este, y a cuadras de Playa Brava y de Playa Mansa, tiene una ubicación estratégica para quienes veranean en nuestro principal balneario y se plantean como objetivo por ejemplo, no usar el auto para ir a la playa. Es que, tanto playas como servicios y ocio no solo están a la mano sino que resultan la excusa perfecta para el ejercicio diario de la caminata o para sumarse a la movida bike-trend, justamente en un balneario que por razones turísticas siempre se ha ocupado de la infraestructura peatonal y últimamente de la incorporación de ciclovías, al ritmo local de heredar costumbres de sociedades desarrolladas, por suerte.

REMA AMER

Una residencia de verano parece haberse rebautizado con el halo que marca la tendencia. En la búsqueda de un recinto ideal para descansar, partir del blanco y sus matices fue parte de una decisión concisa y muy bien lograda para dar luminosidad donde no la había. doble ALTURA·76

Si bien la temática náutica es un recurso bastante recurrente en las casas cercanas al mar (sobre todo en las de época), los remos fueron los elementos de la más rústica cotidianeidad marina elegidos para utilizar como esculturas, ya que colgados en la pared como verdaderos cuadros, aportaron toques de color y de volumen, sencillez que reclama a su vez un gran protagonismo en el espacio. La rusticidad del remo se adecuó perfecto al ambiente generado en espacios de techos altos a dos aguas, típicos del chalet puntaesteño, donde las texturas naturales dijeron un ¡si quiero! a todas voces. La diseñadora, que lidera None Fossati Estudio, se volcó hacia una paleta simple y sin estridencias, pero con un aplomo cromático que no aburre para nada. Los tonos fueron elegidos con mucho cuidado y sentido de la combinación, basados en la carta de colores de Inca. El que predomina es el Chiffon, un color claro que se percibe como blanco, pero es apenas un tono más subido; el Gris urbano está en todos los muebles de la cocina (bajo mesadas y aéreos hechos a nuevo) y también en detalles de los remos a los que se sumó el tono Pájaro de fuego: un rojo apagado con la sobriedad justa para complementar una estética marina. “La tendencia en decoración es la austeridad. Los materiales simples y nobles que inspiran a la tranquilidad, al relax y al descanso en los espacios. Para eso se eligió que el protagonismo en los muebles lo tuviera la madera clara y el cardo de los asientos. La composición evoca sutilmente a la casa de pescadores y se realza en contraste con las paredes y los tapizados blancos. El objetivo fue lograr un equilibrio entre todos los elementos de la decoración”, describe Fosati, quien no escatimó en buscar las texturas que mejor ilustraran esta conceptualización.

Todo integrado. El gran mueble que rodea la estufa a leña (color Chiffón, código 30gy 76/017 de la Carta de Colores de Inca) resuelve la iluminación con estantes retroiluminados que focalizan en los accesorios redibujando la repetición y con apliques de pared tipo faroles de barco como puntos generales de luz.

El living. Allí se ubicaron dos sofás tapizados hechos a medida, dos mesas ratonas de madera y hierro y dos butacas de cardo y hierro (de Matiz Decoración), todos sobre una alfombra de yute de grandes dimensiones.

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No solo pintar, también revestir

La tendencia en decoración es la austeridad. None FOSSATI

Acentuar, no disimular. En el comedor se utilizó una mesa de estilo existente, que se pintó con el gris elegido, junto a las sillas rústicas atemporales de madera y cardo. El revestimiento de madera pintado, de donde cuelgan los remos que enmarcan el set del comedor, divide la altura de la pared con una línea de luz, que lejos de disimular el techo alto potencia dicha espacialidad (detalles rojos de los remos en color Pájaro de fuego, código 02yr 09/373 de la Carta de Colores de inca).

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El revestimiento facetado sobre paredes viene ganando aplausos por doquier. Sin embargo, en el caso de esta profesional solamente responde a un recurso estético, lejos de lo que tiempo atrás se utilizaba para ocultar humedades. Gracias a la tecnología actual existen innumerables productos para solucionar esta patología sin recurrir a pesados revestimientos para intentar ocultarlas. La decoradora sugiere siempre a sus clientes solucionar los focos de humedad, y en caso de no ser posible, colocar una placa verde de yeso con cámara de aire para ventilar, pero no utilizar el recurso del revestimiento directo para resolver el problema. En este constante revival, todo puede volver a tener una segunda oportunidad si se logra ver su potencial. “Revestir las paredes de madera es una excelente opción para aportar calidez, y en lo personal, me gusta mucho como queda. En este caso no fue una intervención nueva ya que estaba en la casa desde su construcción original, pero con la madera vista muy oscura, razón por la cual decidimos aclararla con la pintura”, indica Fossati.

Cocina intervenida. Fue reformulada totalmente con un equipamiento que integra todos los electrodomésticos en mdf laqueado en el mismo tono que se usó para la mesa del comedor (color Gris Urbano, código 00nn 20/000 de la Carta de Colores de Inca), mientras para la mesada se eligió Silestone blanco (de Marmolería Anibal Abbate).

El desafío, que planteó una transformación total, encuentra en esta casa de playa un lugar verdaderamente relajante, donde dan ganas de instalarse con un buen libro para disfrutarlo a pleno. ■

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DIÁFANO soplo

barcelonés

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Amplitud, luminosidad y calidez se dan lugar en este proyecto de vivienda donde uno de los objetivos principales era obtener espacios diáfanos y entornos acogedores, inmersos en un histórico distrito barcelonés.

La reforma de la Casa Mallorca se extiende a lo largo de 250 m2 en la planta principal de una construcción de época y categoría edilicia del Eixample, en el marco de la ampliación de Barcelona sobre finales del siglo XIX y comienzos del XX, coincidente con los años del mayor apogeo de la industrialización en Cataluña. Las propiedades ubicadas en estos bloques de vivienda, que datan de 150 años algunos, han sido testigos de remodelaciones integrales donde los interiores correctamente estudiados y ejecutados, otorgan un valor potencial para pasar a ser residencias que logran trascender y rankear como reliquias en el cotizado mapa inmobiliario del interiorismo español.

En ese contexto, uno de esos encargos particulares llegó a The Room Studio, un estudio de arquitectura de interiores dirigido por la interiorista Meritxell Ribé y el arquitecto Josep Puigdomènech, que materializó un proyecto de interiorismo y decoración complementado con un trabajo de estilismo muy bien logrado. Se obtuvieron áreas amplias y abiertas donde se potenció la luz natural y la iluminación, que junto a una exquisita selección de muebles -muchos de ellos muy prácticos y mundanos mezclados con reminiscencias antiguas y otros diseñados a medida- se logró delinear interiores tan cristalinos en la estética como sobrios en la disposición espacial. Como toda reforma, si bien mantiene el esquema original de la distribución, se reinterpretaron los usos y rutinas contemporáneas a través del proyecto de arquitectura. Las composiciones y diseños de las superficies verticales tanto del recibidor, como de dormitorios y baños otorgan un ensamble de color sorprendente, dignas de observarse en detalle y descubrir la profundidad de sus paletas o atractivos empapelados. doble ALTURA·81

DAd MY DECO Barcelona The Room Studio tiene dos sedes en Barcelona: Espai Travessera (Vivienda Showroom) y Espai París (Gallery Store). Esta propuesta profesional en tándem dirigida a la par por sus fundadores es la clave del éxito de este estudio que prioriza el confort, la creatividad y la tecnología. Iniciados en el año 2005, en ambos espacios se funde la calidez de los detalles y la buena iluminación, lo masculino y lo femenino, la técnica y la creatividad, que además se transforman en función de la inspiración, con la particularidad de incluir en ellos colecciones de muebles y arte, reflejo de los intereses de dichos profesionales que van cambiando según evolucionan sus sesgos creativos, incluso brindándose como espacio para lanzamientos y eventos vinculados al rubro. Arq. Josep Puigdomènech Dis. de Int. Meritxell Ribé

The Room Studio ha llevado a cabo más de 40 proyectos residenciales y contract, siempre bajo el sello de Ribé y Puigdomènech con el objetivo de trabajar cada obra como un todo. Fruto de esta filosofía deciden incorporar en 2008 su propia constructora, lo que les permite ofrecer a sus clientes un control total sobre sus proyectos y convertirse en un estudio capaz de crear, concebir y ejecutar sus proyectos desde el principio hasta el final. Asimismo, la incorporación de la domótica y la tecnología, junto a un minucioso estudio de la iluminación en cada uno de sus proyectos, hacen que sus espacios se puedan disfrutar con los cinco sentidos. El resultado son proyectos globales con ambientes cálidos y confortables, capaces de transformarse en espacios vivos y llenos de personalidad.

Alturas que delatan época

¡Abajo las murallas, arriba el Eixample! Así titulaba Edu García su artículo en la plataforma Passeig de Gracia (Barcelona, 2017) al referirse a aquella epidemia de cólera que llevó al gobierno español a aprobar en 1854 el derribo de las murallas. En estos tiempos sacudidos por una nueva coyuntura mundial causada por la epidemia en 2020, rescatamos este hecho para citar cómo la magnitud de un virus pandémico establece sucesos históricos de relevancia socio-cultural, y donde la cotidianeidad de las ciudades queda expuesta en una trama ciertamente caótica, para después de un tiempo retomar la vitalidad, incluso redoblando su potencial. El Eixample es el segundo distrito de Barcelona y correspondió a la zona de mayor crecimiento de la ciudad una vez derribadas sus viejas murallas, y por esa razón mantiene su nombre. Barcelona ganó así la batalla de su crecimiento fuera de los antiguos límites, lo que urbanísticamente conocemos como la construcción del Plan Cerdá. Este fue ideado por el Ing. Idelfons Cerdá, quien planteaba inicialmente una ciudad basada en un damero, en base a calles perpendiculares donde se ubican los bloques de viviendas, con manzanas ajardinadas en su interior y ochavas a 45 grados en las esquinas exteriores. Otros elementos claves del plan tenían el foco puesto en el asoleamiento de las viviendas y las distancias entre los edificios, o sea, alturas de los bloques y anchos de las calles, aspectos que finalmente no se cumplieron como lo proyectó Cerdá. No obstante, claramente el plan sentó las bases de las cuadrículas de otras ciudades en la Europa del pleno renacer industrial, grilla urbana que la fotografía aérea grafica a través de los clásicos áticos y tejados barceloneses. Estéticamente hablando, el diseño a toda escala marcó un mojón indiscutido. Relata García “uno de los encantos que tiene el Eixample es su arquitectura. El período de crecimiento del Eixample coincide con los años de desarrollo en Europa del estilo modernista. Un estilo rico en decoración y que se asocia a un grupo de clientes de la burguesía industrial y comercial que querían mostrar su estatus social pudiente propio de nuevos ricos y que encargaron a una generación de jóvenes arquitectos edificios sorprendentes y originales. Entre las dos exposiciones internacionales que se realizan en Barcelona (1888 y 1929) el Eixample crece y se dota de excelentes muestras del estilo modernista”. doble ALTURA·82

La principal premisa de los propietarios fue realizar una nueva distribución de los espacios obteniendo una circulación lineal y articulando la vivienda en tres grandes áreas: la zona de día, la zona de noche, y una discreta zona de invitados y destinada al servicio. Se llevó a cabo un detallado programa de necesidades donde se ofreció una propuesta que se ajustara a cada uno de los requisitos y entendiera su estilo de vida cumpliendo las expectativas. Esta vivienda cuenta con amplios volúmenes gracias a los espacios diáfanos que cuentan con una altura de aproximadamente 4 metros. Sin embargo, sorprende la poca altura de los pasos abiertos de las paredes portantes. Dicho motivo condicionó la dimensión de algunas de las puertas en el proceso de reforma.

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La zona de día se define como el área destinada a la vida social, en ella se encuentran: el salón, el comedor, la cocina y un salón secundario. Tanto el salón principal como el comedor comparten el mismo espacio, manteniendo un diálogo abierto que se prolonga hasta la luminosa galería. El salón se equipó de modo que cumpliera todas las necesidades de sus propietarios, así se incluyó en el comedor una mesa central junto a una falsa chimenea que se acompañó con mobiliario realizado a medida.

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La galería. A partir de consola y vitrina existentes en la propiedad, se generó este espacio súper acogedor, empleando tonalidades suaves y tierra junto con elementos recuperados y toques de vegetación suspendida. Un rincón dedicado a la naturaleza, con mucha luz natural ya que se utilizaría además como zona de trabajo.

Iluminación: el calibre justo. La iluminación decorativa tiene un especial protagonismo con un total de aproximadamente veinte referencias distintas, de marcas diversas. En conjunto con la iluminación técnica otorga al espacio un abanico de diferentes ambientes de iluminación. Se completó cada estancia con la introducción de complementos y accesorios, así como diferentes obras de arte sin perder la homogeneidad y el diálogo en toda la vivienda.

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El salón secundario se diseñó como sala de proyección, muy ergonómico y recogido, destinado a ver la televisión en familia. En la cocina se incluyó una península-barra en mármol blanco que permite la visibilidad al comedor y la galería sin obstáculos. En la barra se dispuso una zona con taburetes destinada al desayuno. Se escogieron piezas sólidas que se combinaron con otras más contemporáneas logrando crear una estancia con reminiscencia clásica que se rebaja con el uso de elementos más informales.

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DAd MY DECO Barcelona La zona de noche se orientó a la calle y se acotó como el área destinada al descanso de los propietarios. En esta ala se sitúan: la habitación suite y el cuarto de las más pequeñas de la casa, cada uno con su baño incluido. En la principal se obtuvo un espacio limpio y sin distracciones, donde se pudiera respirar una atmósfera cálida y confortable junto con una iluminación ambiental.

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La habitación infantil. De manera amplia y luminosa, se dispuso para que a futuro pudiera separarse creando dos cuartos independientes. Se emplearon tonos neutros aplicando detalles de colores pasteles y toques rosas. Además, cada sector incluye su propio vestidor realizado a medida con armarios de gran capacidad.

Se escogieron texturas y tejidos naturales acompañados de una paleta cromática muy neutra. Se logró aportar calidez y suavizar los espacios más sólidos, vistiéndolos con piezas de gran presencia y sin saturar el área, aun empleando una gran cantidad de elementos. Las notas de color están presentes, siempre manteniendo la gama de tonos pasteles combinados con discretos estampados empleados tanto en almohadones como en ropa de cama. The Room Studio optó por una cuidada selección de materialidades neutras y piezas de mobiliario dotando a la vivienda de carácter y personalidad. ■ doble ALTURA·87

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Herencia

victoriana convertida en hotel

boutique Con frente a una de las pequeñas pero características plazas barriales de Carrasco y con un entorno verde excepcional, una casa estilo victoriano de mediados de siglo sorprende por su porte tan solo al ver desde el exterior su indiscutible sello inglés que sobresale de un hermoso follaje con vestigios de un pasado lejano.

e Bibló se ubica en el cruce de Américo Ilaria y Acapulco, calles que bordean la grilla de media circunvalación -con eje en Rivera y Gral. Nariño- que responde a los talentosos trazos curvilíneos como barrio jardín diseñados por el paisajista francés Charles Thays en esta tradicional zona residencial de Montevideo. Su modalidad “boutique” le permitió no cerrar sus puertas en momentos del confinamiento sugerido en este 2020. Se encuentra a pleno de ocupación y su petit restaurante acaba de incorporar a su staff al chef francés Olivier Horión, quien supo deleitar distinguidos paladares en Belvedere (Punta del Este) o desde el restaurante en Ciudad Vieja que llevaba su nombre, antes de radicarse en Estados Unidos.

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Foto Cazacasas

De retorno a Uruguay para disfrutar de su familia, hubo una simbiosis perfecta con Le Bibló, “la cocina es mi modo de vida y mi pasión, es el escenario para compartir sabores de distintas culturas, y el secreto es cocinar con respeto hacia la materia prima”, acota el reconocido chef ante la renovada propuesta del hotel. Desde sushi a carnes rojas, tomó este desafío para disfrutarlo y compartir con viejos amigos, o nuevos que conocen su trayectoria, la que arracó con su graduación en la Escuela Hotelera de París CFA Mederic -y previamente a viajar a Sudamérica- aprendió a cocinar en La Belle France, Tour Eiffel Paris.

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En este marco, lo recorrimos y charlamos con quienes lo llevan adelante, que en el mes de abril aceptaron un desafío que tenía como fecha el mes de julio a pedido de una pareja de novios que ni la pandemia hizo postegar su enlace o buscar otro lugar para celebrar. Le Bibló era su lugar elegido para un casamiento que, sin proponérselo sería diferente. Y así fue, 26 personas sentadas, distanciadas reglamentariamente, y otras 50 en los jardines y en el gran salón que ocupa la biblioteca, solo con música funcional vía bluetooth, y sin la puesta en escena típica de las bodas (carpa, pista del baile, etc).

“Fue un casamiento exclusivo, es un formato que uno no se imagina que pueda funcionar, habla de que con poco te podés casar muy bien también. A veces poco es mucho”, acota un integrante del equipo que organiza los eventos en el hotel, muy satisfecho con los resultados de esta reciente celebración al estilo “como en casa”, en un entorno que por supuesto, no necesita agregar mucho más en la ambientación. El público femenino es el que mueve el hotel, se agendan reservas toda la semana con almuerzos, desayunos con festejo de cumpleaños, té de amigas, lanzamientos privados, reuniones empresariales y cenas temáticas, destacándose en todas y cada una, el arte culinario de Olivier y su seguimiento de cada detalle. En la charla que mantuvimos con su actual propietario, este nos cuenta que adquirió esta propiedad pensando en alquilarla, ya que nada tenía que ver con el rubro hotelero que últimamente había definido el día a día de la casa: “cuando me quedé un tiempo viviendo acá, evaluando qué negocio hacer con ella, recién comencé a entender donde estaba, fue una sensación natural pensarla como hotel una vez más”. En un lapso de años hasta 2013, la edificación había sido trabajada como hotel en el sofisticado marco de la clase alta uruguaya, recordada por muchos por sus bellos jardines. A partir de marzo de 2017 Le Bibló se conoce como un hotel boutique de lujo “es que cuando vivís las posibilidades de esta casa no dudás en absoluto de su perfecto funcionamiento para recibir huéspedes”, afirma el empresario extranjero, quien llegó para quedarse admirado por la riqueza humana del pueblo uruguayo.

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Respetamos el lugar, no podríamos hacer nada mejor de lo que está.

De cuna política a hospedaje boutique La particularidad de esta casa, como la de tantas otras con historia, es que desde sus inicios fue signada a ser vivida y compartida, capitalizándose en ella una formidable inversión en ladrillos de corte señorial, en una época de relevancia edilicia en manos de arquitectos locales o extranjeros que frecuentaban la costa rioplatense. Los orígenes del ámbito político de su primer propietario, luego una pujante familia vinculada al campo, y en el último tramo postulada para recepcionar tanto huéspedes como reuniones, coronan una estirpe social que aún se respira en cada rincón de la misma. Su construcción fue un encargo particular al Arq. Arturo Dubourg promediando la década del 50 por parte del Dr. Bernardo P. Berro Olivera, quien fuera senador de la República además de profesor, periodista y empresario que asesoraba a importantes firmas nacionales e internacionales para su instalación en el país. Tenía una investidura política heredada: era hijo de Don Pedro P. Berro -figura del ámbito legal, periodístico y empresarial del Uruguay de principios de siglo; fundador de la O.N.D.A. y CO.NA.PRO.LE, entre otras emblemáticas entidadesocupando cargos como diputado por Montevideo, Ministro del Interior y Embajador de la ONU, poseedor de la más arraigada cuna política marcada por sus antecedentes en Bernardo P. Berro (1803-1868), quien fuera Presidente de la República, llegado directamente del Valle del Roncal junto a las primeras familias españolas que poblaron Uruguay. Su nombre, Le Bibló, que nació con la casa, está inspirado en la magnífica Biblioteca del Palacio Legislativo, donde Berro seguramente destinaba incontables horas de consulta y quiso materializar ese idilio solicitando al arquitecto una replica exacta de sus principales componentes estéticos para su casa.

La biblioteca oficia de salón principal, está realizada enteramente de boiserie en doble altura. La madera aún mantiene el aroma intacto, aunque experientes carpinteros no han logrado detectar su nombre y tipo. Desde su construcción la biblioteca solo ha cambiado sus contenidos, los libros iniciales de derecho y legislación hoy son de lectura recreativa, ejemplares y colecciones de muy buena calidad fotográfica y editorial que van desde el arte, la arquitectura, el cine, la música a otras disciplinas culturales. La actualidad de Le Bibló apuesta a la movida cultural y es con frecuencia sede de eventos vinculados a la difusión del arte en la capital uruguaya. El primero fue “Arte joven” en 2018, al que le sucedieron otros bajo la producción de la artista y curadora Moira Vázquez. Pasillos y salas del hotel, como también las boiseries, muebles y atriles en los diferentes espacios le brindan a artistas uruguayos la posibilidad de exponer y comercializar sus obras. Allí encontramos esculturas de Verónica Artagaveytia, pinturas de Santiago García y dibujos de María Valdés, por ejemplo. Lo mismo sucede con el mobiliario, hay piezas que los huéspedes pueden adquirir del repertorio de muebles que forman parte de los espacios comunes del hotel, incorporados más recientemente, todos alineados a un exquisito gusto por el diseño que aúna nobleza de materialidades y líneas modernas, con una mezcla clásica y chic a la vez; algunos proceden de talleres artesanales argentinos, otros de orígenes más exóticos como Thailandia, y van desde pequeños accesorios hasta juegos de living exteriores. No forman parte de una estructura de comercialización, ni el arte ni los muebles, tampoco el hospedaje, sino más bien del espíritu Le Bibló que permite ofrecer una vivencia para querer volver siempre. doble ALTURA·91

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Consultados por la planta inicial de la casa, nos cuentan que originalmente ya tenía 6 dormitorios, los que se convirtieron en suites dando paso también a la primera reforma, de la que surgieron 2 suites y 5 departamentos, buscando aprovechar espacios que fueran adecuados en habitabilidad y vinculación con la casa principal. Así se reformuló la antigua barbacoa (de casi 100 m2), los garages (originalmente para 7 autos) e instalaciones de servicio. Actualmente la demanda de eventos hace pensar en un nuevo salón con carácter de gran sala de reuniones para atender los requerimientos de instancias corporativas, y que a su vez pueda convertirse en un ala más para los eventos que lo requieran. Nos adelatan planes de sumar esta área, pero sin perder el objetivo inicial de seguir siendo una casa grande para invitados. Son en total 1.360 m2 construidos originales incluyendo todos los cambios de usos que se han realizado, sin haberse agregado área hasta el momento. Uno puede imaginar, dada la impronta histórica de la casa ubicada en el sur del más distinguido barrio residencial de la capital uruguaya con piezas arquitectónicas de los años 50 únicas en estilo y magnitud, que es un destino elegido por turistas extranjeros que huyen del bullicio y

el circuito céntrico, sin embargo, hay un gran porcentaje de huéspedes que frecuentan el hotel desde diferentes departamentos del interior del país, “gente de trabajo maravillada de poder estar en Montevideo, pero en un hotel de barrio al que vienen por negocios y donde se instalan un fin de semana largo con su familia”, relata su director. “Hotel Boutique Le Bibló nunca deja de tener el espíritu de ser una casa de familia como desde sus comienzos, hecha por un arquitecto magno. El encanto del lugar pasa por ahí. Los huéspedes vienen a vivir eso, porque encuentran calidez de hogar. Al 80% de ellos los conocemos y manejamos sus reservas por Whatsapp”, comenta el equipo de trabajo. Desde fuera de Uruguay varios huéspedes se han alojado por largas temporadas provenientes de distintos países por trabajo temporario en Zonamerica, o para luego radicarse en el país, eligiendo Le Bibló como su primera estadía. Es un hotel totalmente descontracturado y los huéspedes tienen libre circulación por todas las instalaciones. Es aquí donde pareciera radica el encanto, en la simpleza de la cotidianeidad de sentirse como en casa. Le Bibló deja en el huésped una vivencia más que una estadía. Al staff asistido por Tatiana -que entre otras cosas coordina que el personal de servicio cumpla con condiciones estrictas de formación y estándares en hotelería- se sumó Olivier y sus asistentes en la cocina, todos respondiendo en la línea del mismo concepto: un hotel que es una casa para vivirla. doble ALTURA·92

Foto en monografía impresa Arq. Arturo Dubourg

De porte victoriano

Un nombre, cien casas

Cuando el nuevo propietario llegó a Le Bibló entendió que no había nada que ediliciamente pudiera superar lo que hizo Dubourg. “Esta propiedad no tiene ninguna protección patrimonial, no obstante tiene la mayor protección que es la del dueño, nunca se me va a ocurrir alterar lo que su arquitecto diseñó tan magníficamente, además soy gran seguidor de la obra de Dubourg”. No obstante, la casa tuvo actualizaciones en los años 90 cuando por ejemplo se retiraron los balcones de la fachada. Eso contribuyó enormemente a modernizarla, como también la única intervención puntual que fue la de colocar cielorraso en el techo del comedor, para bajar la altura en el sector que ahora ocupa el restaurante, y a su vez jerarquizarlo con iluminación adecuada para recibir comensales.

Dubourg fue un prolífico arquitecto argentino que realizó obras de todo tipo entre Buenos Aires y Mar del Plata, desde edificios institucionales, a hoteles, y vivienda colectiva e individual en el marco de su estudio que llegó a sobrepasar los cuarenta profesionales entre la década del 40 y 50 (el Hotel Bristol y el Edificio Sudamérica se encuentran entre las obras más significativas de la capital porteña). Conoció Uruguay a través de un amigo que lo invitó a Punta del Este, para que lo asesorara sobre unas tierras que compraría para urbanizar. Este balneario lo sorprendió desde su llegada en 1943, y dos años más tarde construyó la primera casa para uso personal, que llamó “Barranquilla” por estar construída sobre un médano en dicha urbanización Parque del Golf. Rápidamente se convirtió en el arquitecto de moda, elegido por las familias argentinas que comenzaron a llegar al balneario, y en particular a dicho fraccionamiento, ubicado en el hoy prestigioso barrio San Rafael.

La casa, que se ubica en un predio en esquina (proa), tiene una entrada principal y otra secundaria que actualmente se utiliza como principal ya que funcionalmente es el acceso más visible de la casa, y en la actualidad es el que le otorga identidad y referencia. Allí, el revestimiento original de marquetería se mantuvo y se pintó de negro para destacar obras de arte, “respetamos el lugar, no podríamos hacer nada mejor de lo que está”, expresa este propietario enamorado de su casa y muy satisfecho por su acierto comercial. Uno de sus hallazgos al ingresar en la casa fue un libro, cuyo polvo característico de la buhardilla escondía la monografía impresa del Arq. Arturo Dubourg (1912-2003): una recopilación de su vida y su obra con la coordinación editorial de Silvia Wladimirski (1986), donde el propio arquitecto (que en sus manuscritos se dirige a los jóvenes estudiantes), intenta que su relato sea “más ilustrativo y gráfico que novelezco, pues la vida de un arquitecto consta de tantos episodios diferentes, que con cada uno de ellos se podría escribir un libro”. Ciertamente lo que Dubourg citaba es la magia del proceso mismo de cada obra que, sin excepción, despliega historias únicas como la de esta casa que también en este artículo debimos resumir.

Le siguieron solo en Punta del Este más de 100 casas bajo su autoría (según declaró en entrevista al diario La Nación en 2002), incluso la última que construyó, también para él, le llamó “Grey Rock”, seudónimo que utilizaba como corredor automovilístico fanático de la categoría Turismo. En su repertorio de obras residenciales algunas mantienen intactas hasta hoy día aquella prominente arquitectura propiciada por el furor de los veranos puntaesteños de mitades de siglo, siendo el Hotel L´Auberge un ícono muy representativo. En plena época de guerra, lejos de impulsar una renovación en el lenguaje de la ya instalada arquitectura moderna, Dubourg más bien afianzaba el estilo de la campiña inglesa y francesa con una impronta sobria y señorial, tanto en la imagen como en las materialidades empleadas, esa que las familias buscaban para sus meses de verano, con inmensos jardines, pronunciadas cubiertas de tejas, puertas francesas, sombrías galerías para el descanso y una distribución categorizada de las diferentes zonas de la casa (de relación, esparcimiento y servicio). Así llega Dubourg a los empresarios, profesionales e intelectuales de la alta sociedad montevideana, con sensatez, expertise, y un renombre indiscutido, combinación perfecta para apostar a su estilo de proyectar, que a pesar de haber mantenido la inspiración en la tradición europea, plasmó residencias asemejadas a la campiña normanda (como los primeros chalets que construyó rodeando el L´Auberge, donde destacan la piedra y apliques de madera oscura en la fachada), y también el estilo victoriano, más propio de la vida inglesa de ciudad de fines de 1800, que alcanzó su cúspide en la Revolución Industrial. Así surge Le Bibló, donde la proporción de la altura se percibe considerablemente mayor que la planta, la que a su vez es asimétrica e inmersa en un bellísimo jardín, altos y amplios porches conectan exterior con interior, importantes postigones contrastan con molduras de esbeltos ventanales, barandas trabajadas como balaustres en la escalera y una señorial ebanistería que otorga a la madera lustrada un lugar relevante en manos de carpinteros y talleristas que aunque anónimos, vale la pena mencionar su dedicación. doble ALTURA·93

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¿Por qué las novias lo prefieren? Un hotel familiar atrae familias, y de esto se trata la tan esperada jornada para una novia que comienza esa misma mañana y culmina en la noche de bodas, llena de agasajos e instancias para compartir. Normalmente, cuando hay novias, las mujeres que las acompañan toman posesión absoluta de esta casa y todos sus alrededores con los preparativos. A pesar de que las hijas quieran casarse donde se casaron sus madres, la magia de esta casa trasciende generaciones, simplemente porque se vibra en los espacios la posibilidad de vivir un día memorable.

La técnica y diseñadora de jardines Verónica Hill (egresada del Jardín Botánico en 1999) fue quien acompañó los diferentes procesos de los exteriores de la casa desde 2013, cuando la propietaria anterior reflejó en el jardín un exacervado gusto por las plantas. “Ella hizo importantes inversiones, tanto en plantines, fertilizantes y sistema de riego, y a la par nuestro dedicaba tiempo y paciencia para los diferentes procesos, desde el plantado, el mantenimiento y el cariño diario”, expresa Verónica Hill, quien encausó el rediseño de todos los espacios verdes que rodean la casa. Luego de tantas décadas, el jardín no mostraba una línea definida en sus canteros, en las borduras, en los recorridos, ni en la selección de especies. Claramente los exteriores intentaban acompañar el estilo de la casa con un jardín inglés, pero no totalmente resuelto. “Lo que hicimos fue darle una continuidad a los canteros, generar uno bastante grande para darle privacidad a la piscina, contemplar su preferencia por las diferentes variedades de rosas mezclándolas con herbáceas, arbustos y especies rastreras, y realizando mantenimientos precisos en los árboles existentes de estilo europeo”, relata la diseñadora, cuyo objetivo se centró en aportar al gran predio canteros de interés y jerarquizando sectores, entre ellos los accesos. Además, respondiendo a una mirada integral del proyecto de paisajismo, quiso dar respuesta a los sectores del jardín que los novios elegían para ubicar los altares, las mesas de buffet o los sectores de reunión decorados del jardín, al cual se accede por el porche que sale del restaurante o la galería, entre el gran salón de la biblioteca y la piscina. “Nuestra intervención consistió en ir generando lugares con espalda y propicios para esas instancias, más que un diseño de cero. Reubicamos decenas de plantas manejando la repetición, los puntos focales y el criterio cromático, incluso sustentabilidad aggiornando los canteros estivales (como los rosales) a que mantuvieran su esencia y su marco, a pesar de los meses sin floración para responder a los eventos que ya habían comenzado a sucederse en el hotel”, comenta. Con una historia única y un porte como pocas, la actualidad de Le Bibló fue progresivamente descubriendo el potencial del jardín y nuevamente se le confió a Hill como gran conocedora del mismo. Así siguieron las novias, diseñadores de moda, revistas y marcas eligiéndolo para sus producciones y eventos hasta la actualidad.

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Estos salones ya desde los años 70 fueron protagonistas de variadas reuniones sociales, cuando la familia La Vista - Turón (segundos propietarios) celerbraron aquí los casamientos de todos sus hijos, Mimí La Vista, cuya especialidad era el dulce de leche casero, era conocida por sus vecinas del barrio por su calidez como anfitriona. Sin dudas sentó las bases para que la casa mostrara el esplendor de sus posibilidades festivas, a pesar de que el dato más curioso es cómo Mecha Gattás, gran impulsora de actividades sociales y culturales en Punta del Este, recuerda a su entrañable amigo Arturo: “un excelente anfitrión que daba fiestas muy elegantes en su casa, pero que no se publicitaban, contrario a lo que se pueda pensar, era un hombre de bajo perfil” (según entrevista que le realizara Diego Fisher para diario El País, en enero de 2018), que da cuenta ni más ni menos del arte del bien recibir que Dubourg imprimió en cada espacio y cada rincón de Le Bibló. ■

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Foto Diego MARTÍNEZ

Un jardín pensado para recorrerse

En el mismo lugar sucede todo, maquillaje, peluquería, ajustes finales del vestido, amigas, charlas en el living, el brunch en la piscina, el té en la suite y el infaltable registro de expertos fotógrafos que capturan cada momento. Entre zapatos, labiales e hilvanes de a veces tres novias en simultáneo, cada sábado en Le Bibló se respira lo último en tendencias de moda para fiestas y todo lo característico de estas celebraciones, incluso coincidiendo con uno de los festejos en las instalaciones donde, en tiempos normales, un despliegue de carpas, el arte del table setting y la decoración en cada rincón no hacen más que convertirlo en un lugar de ensueño para invitados y agasajados. Todo el hotel vibra los fines de semana, hasta las señoras del servicio parecieran estar en su salsa, como cualquier mujer en un día de celebración.

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FOGO: una grandeza a imitar

¿De qué forma se podría reflexionar sobre el paso del tiempo si no es despojándose de manifestaciones materiales que alguna vez nos pertenecieron? Así como Drexler parafrasea en sus acordes “nada se pierde, todo se transforma”, el artista uruguayobrasileño Luca Benites protagoniza una gran revolución en el mundo del arte (y también en la prensa) por haber quemado la totalidad de su producción artística a lo largo de 18 años de trabajo, proyecto que denominó Fogo. En 2016, con este acto casi de grandeza y conceptualmente sustentado, intentó “reflexionar sobre el paso del tiempo, su valor y la importancia que otorgamos a nuestro día a día, modificando así radicalmente su modus operandi y su percepción del entorno inmediato”. “Gota a gota”. Instalación en pared. Bronce, Madrid 2019.

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DAd ARTE & ARQUITECTURA Luca Benites es artista y arquitecto, posicionado en el mundo del arte como uno de los nombres que resuena en todos los continentes. En su corta trayectoria ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Estados Unidos, España, China, Dinamarca, Portugal, Corea del Sur, Argentina, Uruguay, Perú y Brasil. Su obra pertenece a relevantes colecciones en el panorama artístico contemporáneo como el Museo de Arte Contemporáneo de Niterói (MAC – Niterói, Brasil), proyectado y construido por el reconocido arquitecto brasileño Oscar Niemeyer, que cuenta actualmente con un acervo de casi 3.000 obras pertenecientes al marchand y segundo mayor coleccionista de arte de Brasil, João Leão Sattamini Neto, compartiendo espacio con obras de artistas de la talla de Lygia Clark (Belo Horizonte, 1920), Hélio Oiticica (Rio de Janeiro, 1937) y Alfredo Volpi, entre otros grandes nombres del arte brasileño de los años 50. Participó en más de 80 exposiciones internacionales entre los años 2000 y 2020. Entre las ferias más recientes se encuentran la

de Arte Internacional SWAB (España), PINTA MIAMI (Estados Unidos), ESTE ARTE (Uruguay) y CasaCOR (Brasil). El artista mantiene una rutina de fuerte producción artística en FADEMESA, una fundación llevada adelante por Alvaro Menor dedicada a la producción de obras de arte donde trabaja codo a codo con artistas reconocidos internacionalmente como Jaume Plensa (Español), Marc Quinn (Inglés), Anish Kapoor (Indio), y otros artistas más jóvenes como Tulio Pinto (Brasil), entre otros. Ha sido recientemente el productor del Pabellón de Uruguay en la 58va. Bienal de Arte en Venecia. El proyecto presentado estuvo a cargo del artista uruguayo Yamandú Canosa, radicado en Barcelona desde hace más de 40 años. Benites como artista, arquitecto y gestor de proyectos estuvo a cargo del armado del pabellón uruguayo de su amigo y colega Yamandú, con quién compartió estudio en el Edificio del Centro de Arte Contemporáneo Piramidón en Barcelona durante 2016.

Fotografíaa tomadaa durante su viaje al Desierto de Atacama el pasado mes de marzo.

FOGO + Gota a gota El proyecto “FOGO” de Luca Benites fue indudablemente un punto de inflexión en su carrera, no solamente a nivel estético y formal, también como un punto de partida en su nueva y creciente etapa artística. Ahora, la geometría es la que marca el camino en su carrera. Mientras sigue sus investigaciones en formas geométricas simples y sus composiciones, el artista aspira al cierre de esta etapa de su vida donde “FOGO” fue su prioridad absoluta. Este proyecto empieza a funcionar a nivel de gestiones en el año 2016, llevándose a cabo la quema total en el año 2017 para luego empezar su período de cierre en el año 2020. Para ello, el artista realizó un viaje de siete mil kilómetros en coche desde el sur de Brasil hasta el desierto de Atacama, donde permaneció durante varios días elaborando su nuevo proyecto relacionado al vacío, el mismo vacío que significó desprenderse de sus 300 obras en “FOGO”. Actualmente está culminando su “Manifiesto al vacío”, un escrito donde traduce a palabras sus sensaciones, percepciones y aprendizajes de toda esta etapa. Allí se mezclan temas sobre el vacío, la desaparición, la vida y la muerte, y obviamente, cómo el arte ha transformado su vivencia durante estos últimos años. Benites en el Centro de Arte Piramidón (Barcelona) donde ubicó su estudio entre 2013 y 2016. Casi totalmente radicado en España, cada año entre abril y noviembre se dedica a su producción en Madrid y a eventuales viajes para exposiciones, mientras de noviembre a abril viaja por Estados Unidos y América Latina para organizar sus próximas exhibiciones. Actualmente tiene su estudio en el barrio Hospitalet de Barcelona junto al reconocido artista español Antoni Muntadas. Obra “Geometría (ascendente)” (Barcelona, 2015).

Obra “Mi moneda (girando)”, escultura en latón (Madrid 2019). Foto Marcelo ISARRUALDE

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El crítico de arte contemporáneo Aurelien Le Genissel, graduado en la Sorbonne de París y ex director artístico de la Blueproject Foundation de Barcelona, expresaba su mirada experta hacia “Gota a gota” y la vívida interpretación del trabajo de Benites, de quien ha sido testigo cercano de su carrera artística: “Doce gotas de vidrio soplado que encierran el paso del tiempo, que evidencian un instante de ruptura y renovación, que condensan tantos años de trabajo y creación. En el 2017, Luca Benites decide volver a empezar. O arrancar de nuevo. Partir de cero. En el sentido más profundo de esas expresiones tan comúnmente banales. Lo hace mediante lo que no se puede evitar calificar de rito, una ceremonia de transformación, clausura de una etapa y punto inicial de otra, en la línea de los clásicos recorridos de formación o aprendizaje existenciales. Y lo hace a través del uego, ese elemento purificador, exterminador, renovador por excelencia que siempre ha simbolizado un nuevo comienzo en todas las culturas. Decide quemar todas las obras que ha producido hasta la fecha en una inmensa hoguera que organiza en un pueblo de Austria.

Pero cabe preguntarse si realmente es posible comenzar de cero. Siempre queda algo. Quedan las cenizas, esas “ruinas del ser”, como las llamaba Jacques Derrida, cuya gris ligereza sintetiza la herencia del recuerdo y la osadía del futuro; las huellas irreductibles de la historia y las infinitas posibilidades por explorar. Las cenizas son entonces el signo artístico por antonomasia si pensamos el símbolo como aquello cuya forma invoca lo ausente al tiempo que abre la presencia. El gesto ceremonial del artista invoca entonces ese tiempo espectral que vela por nosotros y nos permite simismo imaginar el camino por recorrer. Esas cenizas son las que están encerradas en estas doce lágrimas que conforman Gota a gota, una instalación pensada y producida especialmente para esta edición de Swab. Al fin y al cabo, los cambios nunca son sencillos y la radical ofrenda a la que se atrevió Benites debió venir acompañada de sacrificio y temor, riesgo e incertidumbre, de las inevitables lágrimas que despiden lo que uno pierde y acogen a lo nuevo por llegar. Gotas en cuyo fondo pesante y terrenal, amplio y contundente, reposan estos restos mientras se eleva ligero, fino y puntiagudo un trazo que parece querer alcanzar un ideal. Obra “Mi tiempo en mis manos”, escultura en bronce (Madrid, 2018).

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DAd ARTE & ARQUITECTURA De esta manera, la incineración borra lo que paradójicamente inscribe en la memoria, testifica sin dejar testigo en un salto fuera de las convenciones sociales que remite de algún modo a esa experiencia excesiva del sacrificio de Abraham y, de manera general, a los ritos y protocolos místicos. No es casualidad entonces que la obra se presente en forma de relicarios, urnas que encierran no ya la sacralidad de lo intangible sino la realidad más material y preciada que tiene un artista: sus trabajos. Y con ello lo que realmente significan: el tiempo que les ha dedicado, contraído, condensado en un minúsculo punto en lugar de ser esparcido en un horizonte infinito como se hace normalmente con las cenizas. Y es que ¿no es esa doble verdad de la ceniza, memoria imborrable e irremediable pérdida, la definición misma del tiempo y por qué no, la del propio hombre? Pero el pasado no se puede encerrar; simplemente se observa y se asume. Eso implica también Gota a gota al proponer de igual manera una reflexión sobre lo material y el consumo en nuestros tiempos. Como explicó hace más de un siglo Max Webber en su famoso ensayo, uno de los fundamentos de la sociedad capitalista fue esa transformación del tiempo en un material controlable, en una cosa cuantificable, negociable, intercambiable, es decir, en un producto. El sistema hoy nos conduce a acumular bienes y objetos que están formados por tiempo: esas horas que la empresa ha dedicado a construir un nuevo artículo, el artesano a fabricar su creación y el artista a pensar y materializar su obra. Luca Benites propone el camino inverso. Una recuperación del tiempo, si se puede formular de esta manera, a través de la inmolación de esa etapa transcurrida, un gesto gratuito, un gasto improductivo, como lo llamaba Georges Bataille, que desactiva la lógica productiva e utilitaria imperante en nuestra sociedad. Perder el tiempo para volver a disfrutar de él. Esa apuesta loca que consiste en hacer desaparecer su producción, reducirla a nada -o casi nada- para luego hacer de ella la mesura de un momento intangible, personal, esfumado; las doce gotas que, como incorruptibles apóstoles, atestiguan de tantos años de trabajo del artista. En ese afán, esa voluntad enfermiza de poseerlo todo, algunos creen poder poseer el tiempo mismo. No tengo tiempo, repetimos sin cesar. Y es cierto, no lo tenemos. Como recuerda Giorgio Agamben, en su magnífico ensayo sobre el mesianismo paulino titulado “El tiempo que resta”, en la temporalidad humana no tiene cabida la propiedad; no tenemos tiempo, somos tiempo. Y qué mejor manera de recordarlo que la de desprenderse de nuestra producción, como hace la obra, en un guiño a la lógica de ciertas órdenes religiosas, para hacer tabula rasa y reapropiarse al fin de lo que somos”. Arriba izquierda: gotografía tomada durante el documental “FOGO” en Ebnit (Austria 2017.) Arriba derecha: su nuevo estudio en Barcelona. Abajo: detalle de las cenizas tamizadas, previo a su utilización como pigmento para pintar.

Estoy completamente seguro que todo esto que llamamos vida se trata de una evolución. No me interesa hablar de creencias o religiones, simplemente quiero acercarme al concepto de evolución Luca BENITES

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En creación continua Si bien la procesión continua de Benites hizo un alto en su marcha para volver a empezar. Algunos extractos de su texto curatorial escrito en julio de 2016 dejan entrever su preocupación por los diferentes estados de la materia a partir de sus decisiones artísticas: “Un retorno al principio. Partículas en combustión transforman la materia. Producen la renovación de un estado. Un nuevo comienzo. Un punto inicial que separa infinitas posibilidades. Quemar años de trabajo origina una transformación, una alquimia generada por el fuego modifica más de quince años de producción. Un paseo en el tiempo, hacia mis orígenes… hacia mi historia...”, reflexiona el artista, refiriéndose al paso del tiempo y a lo efímero de casi todas las cosas.

Obra “La vida es un soplo”. Inspirada en el documental de Oscar Niemeyer. Cenizas de obras quemadas sobre papel Hahnnemühle. Barcelona, 2018

“El fuego como medio para transmutar una etapa, sin esconder su huella, sin perder el contenido y sin dejar atrás la pesadez del paso del tiempo. La alquimia de toda esta acumulación es el precedente de un nuevo perdurar. Una fase renovada, libre de ligaduras y limitaciones. Reconozco en el peso del título la misma potencia que acumulé durante años, aquella que me permitió emigrar sin preconceptos, sin prejuicios dejando los miedos atrás, caminando hoy, día a día hacia el vacío…”, aquí, en medio de la intensidad que provocan los sentimientos, los vínculos presentes y pasados, Benites plantea lo inevitable de los nuevos comienzos que nacen a través de la devastación del fuego, y dan, primero que nada, lugar al vacío como la tierra fértil para volver a sembrar. “El vacío se hace presente, simbólica y físicamente. Las obras abandonan una materia reconocible y pasan a un estado donde la imaginación es el elemento fundamental. Debemos imaginar lo que un día fue. El vacío es latente y la nueva materia reposará indefinidamente encapsulada en el tiempo.

Obra “9 bloques de cemento”. Cemento, hierro, arena, 2012. Colección permanente Parque de esculturas de la Fundación Pablo Atchugarry. Manantiales, Uruguay.

El desapego a lo material pone en cuestión aspectos sociales actuales en los que priman la acumulación de bienes, de objetos y de riqueza. La hoguera limpia y despoja así un estado ambiguo y disfuncional. Documentar, acumular, quemar, triturar y reorganizar. Situaciones que llevan a nuevas consideraciones y nos acercan a nuestra única certeza. Aquella certeza que algún día el mismo camino marcará un punto final en este viaje que es vivir”.

Imagen de la Intendencia Municipal de Montevideo, 2005.

Su pasaje y graduación como arquitecto por la Universidad ORT de Uruguay capitalizó en Luca el comienzo de una sensibilidad que nunca lo abandonaría. En 2013, cuando cursaba segundo año de facultad, colaboró junto a sus compañeros Diego Guichón y Juan Manuel Pérez en el proyecto ejecutivo y construcción del Homenaje a Wilson F. Aldunate, primer premio de un concurso a nivel nacional ganado por el Estudio Baptista (autores arquitectos Alejandro Baptista Vedia y Alejandro Baptista Acerenza), instalación en hierro, hormigón y vidrio retroiluminado que permanece hasta hoy en la explanada de la Intendencia. Benites siempre reconoció la fuerte influencia que han tenido estos dos arquitectos en su vida como arquitecto y como artista, como también la del propio Pablo Atchugarry que a través de la Fundación Atchugarry ha tenido siempre las puertas más que abiertas a sus instalaciones, en particular aquellas de gran tamaño que forman parte del pintoresco parque de esculturas en el predio que rodea el museo, un centro de encuentro de todas las disciplinas del arte, permitido tanto a maestros de reconocida trayectoria como a jóvenes de incipientes comienzos. doble ALTURA·99

DAd ARTE & ARQUITECTURA Otro caso ha sido un proyecto que Benites quiso llevar adelante junto a la Intendencia de Montevideo. El autor material de esta propuesta es el amigo y colega de profesión Rodrigo Nahum, arquitecto radicado en el Reino Unido desde el año 2015. Debido a trámites burocráticos el proyecto no ha sido posible aún. Se trata de la reconstrucción “volumétrica” del antiguo Hotel de los Pocitos en la playa homónima. “Seguimos muy lentamente, pero queremos hacerlo algún dia”, expresa el artista, reafirmando el fuerte vínculo que lo une a Montevideo. Otro proyecto más que se vincula al concepto del vacío (fisico y simbólico), tema tan trabajado en los últimos años por el artista. Este proyecto recompone el perfil de aquel Hotel de los Pocitos que comenzó a construirse en el año 1912 según planos del arquitecto inglés -residente en Montevideo- John Adams, luego que un incendio destruyera el primer edificio, considerado el primer establecimiento balneario de Sudamérica, según lo redactado en la muestra “Arquitecturas ausentes” del Parque Rodó, “si bien era frecuentado por familias uruguayas, la mayoría de sus huéspedes eran argentinos, lo cual era coherente con la política oficial impulsora de un país de turismo ya desde comienzos de siglo pasado. Era propiedad de la empresa británica de tranvías Sociedad Comercial de Montevideo, y como injerto extraño en medio del arco de la playa, ocupaba un área equivalente a una manzana, con sus habitaciones distribuidas en dos plantas más terrazas perimetrales que se extendían hacia el río a través de un muelle de notorio protagonismo. El 10 de julio de 1923 un violento temporal destruyó el muelle del hotel y buena parte de las terrazas. En 1935 otro temporal volvió a dañar la estructura del lugar, ya carente del glamour de antaño, y finalmente, el edificio fue demolido”. (Texto extraído de montevideoantiguo.net).

Imágenes gentileza de montevideoantiguo.net

Obra “Sin título”. Madera, pintura automotriz (Madrid, 2018).

Entre muchos de sus proyectos actuales es el único artista invitado a exponer sus obras en el Edificio Tres Figueiras, en Porto Alegre, como valor agregado al patrimonio de dicho emprendimiento inmobiliario. Se trata de una gran inversión de un grupo de empresarios brasileños que optan por diferenciarse en el mercado a través de las artes plásticas. Se publicó incluso un libro de 150 páginas con una entrevista realizada a Luca por su amigo y curador francés, Aurelien Le Genissel (París), que acompaña tres obras de su autoría: una escultura en el jardín de acceso y otras dos para la colección privada de las torres en el espacio de arte creado por la Galería Zielinsky (Brasil y España). “La obra arquitectónica es en sí muy buena, el proyecto pertenece a un estudio brasileño llamado OSPA, que vienen haciendo un trabajo muy bueno en Brasil, muy del estilo de Marcio Kogan”, agrega Benites refiriéndose a los colegas con quienes compartirá este protagonismo arquitectónico escultural. Luca Benites también está vinculado, desde el año 2018, a un gran emprendimiento artístico-cultural en el epicentro de Portugal. Se trata del parque de esculturas “Quinta Pedras de Rio” ubicado al norte de Lisboa donde una pareja de amigos y clientes del artista se mudarán para consolidar su proyecto de hotel, haras, plantaciones (de olivos, alcornoques, frutales, etc.) y parque de esculturas. Luca será el primer artista en construir una escultura en el parque, y trabajará como director y gestor del emprendimiento artístico ya que cuenta con experiencia sostenida en proyectos similares. Este además, propuso a Patricia Bentancur, directora de Exposiciones y Nuevos Medios del Centro Cultural España (CCE) en Montevideo, como parte del equipo y curadora del parque llamado “Pedra de rio”, con quien compartió metiers el pasado año en Venecia, además de sostener una sólida amistad. Actualmente trabaja de forma intensa y continua con las galerías Pabellón 4 (Argentina), Murilo Castro (Brasil), Ansorena (España) y Reginart Collections (Suiza). También tiene un proyecto puntual con la Galería Zelinsky (Barcelona).

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Render de la propuesta de reconstrucción efímera del Hotel de los Pocitos. Imagen realizada por PROMPT (Barcelona, 2015).

Render del edificio “Tres Figueiras” realizado por el estudio BLAK HAUS (Porto Alegre, 2018).

Permítanse como nosotros viajar a través de estos increíbles relatos, que de una forma u otra intentan sentar un antes y un después en la existencia terreno espiritual de cualquier camino transitado, y luego soltarlo en un acto de verdadera grandeza, digno de imitar. ■ doble ALTURA·100

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El sello

neoyorkino del Edificio

ARTIGAS

En Montevideo, su Ciudad Vieja es portadora de innumerables joyas de la gloria arquitectónica de los años 50, en especial un valioso repertorio de edificios en altura que conforman el perfil urbano de la capital uruguaya, varios de los cuales tienen carácter patrimonial. Algunos de ellos fueron proyectados por profesionales locales que visitaban Europa y en algún punto se referenciaban de sus colegas primermundistas, otros fueron concebidos por arquitectos foráneos no tan conocidos, pero si profundamente embebidos en las corrientes estéticas transcurridas a partir de los años 20, quienes, carentes totalmente de las herramientas de comunicación que hoy disponemos, supieron dirigir obras magistrales en forma remota. doble ALTURA·101

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aminar por este casco histórico es un ejercicio de constante descubrimiento. Sin embargo, no siempre uno puede tomarse la distancia necesaria para elevar la vista y contemplar los edificios en su totalidad. Tal es el caso del Edificio Artigas, ubicado en la intersección de las calles Rincón y Treinta y Tres, donde la perspectiva gana lugar y permite esa posibilidad al observarse la solidez exterior en esta particular esquina con veredas más anchas que el resto de la Ciudad Vieja. ¿Por qué particular? Justamente por el importante retranqueo en ambas aceras que despega al edificio de la línea de fachada establecida en la normativa edilicia montevideana del momento. Más bien obedeció a la Ley de Zonificación que desde 1916 regía para New York, ciudad emblema del Art Decó, en la cual su proyectista basó la concepción estética e implantación urbana del mismo. Esta particularidad hace que a escala del peatón que transita por la vereda o los usuarios directos del edificio, no adviertan solo el robusto basamento del edificio sino un espacio público muy agradable. Sus propietarios han contribuido a humanizar la esquina con un especial cuidado en el tratamiento de los árboles (plantados no hace mucho), el planteo de la iluminación que recompone la original, y el equipamiento urbano que apetece la pausa, y porque no, propiciar la contemplación de la riqueza ornamental del edificio. Algunas opiniones mundanas catalogan el Edificio Artigas como el “mini Chrysler” de la Ciudad Vieja, a pesar de no tener un remate tan agraciado como el ícono neoyorkino. Otras lo asocian al Palacio Díaz (ubicado en 18 de Julio y Ejido, construido en 1929 y conocido como uno de los ejemplos más caracteristicos del Art Decó montevideano). Cruzando a la capital bonaerense trae a la memoria la Facultad de Medicina de la Universidad de Buenos Aires (inaugurada en 1944), o atravesando de sur a norte el continente puede su imagen general identificarse con la silueta del Niágara Mohawk Building de Nueva York (construido en 1932, un año después del Chrysler Building) o grandes similitudes al RCA Building en Rockefeller Center (de 1939), salvando las diferencias de altura, por supuesto. Lo cierto es que la corta esbeltez de este edificio estuvo definida claramente por la normativa municipal de entonces, hecho que otorga la oportunidad única de apreciar detalles y remates de las fachadas que no es posible en los homónimos de gran altura, catalogados como rascacielos, donde la escala humana escapa totalmente a sus congéneres, como sucede con las esbeltas torres en la ilustre gran manzana neoyorkina. En este artículo nos referimos a trabajos de investigación a cargo de profesionales uruguayos, que con gran sentido crítico, riqueza conceptual y un exhaustivo estudio de este edificio, detallaron los pormenores de sus aspectos técnicos, simbólicos, urbanos y de la época histórica que el mundo transitaba entonces (ver referencias al pie).

Ref. 1: “Edificio Artigas. Un trozo de Manhatan en la Ciudad Vieja de Montevideo”, bajo la autoría de la Arq. Marta Sabetay (año 2014, encargo particular). Ref. 2: “Edificio Artigas, el sentido de la técnica”, bajo la autoría de los arquitectos Carolina Algorta, Ignacio De Souza, Verónica Dighiero, Javier Márquez y Cecilia Scheps (año 2017, curso de Investigación de Proyecto en el área Maestría de Arquitectura de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo -FADU-, UdelaR). doble ALTURA·102

Nacido como símbolo La construcción del edificio data entre los años 1946 y 1948, momento en el cual se aprobaba en Montevideo la Ley de Propiedad Horizontal y las familias tradicionales mudaban sus residencias hacia el crecimiento este de la ciudad. Fue desde su encargo concebido como un edificio corporativo, base que a pocas cuadras en 1922 había sentado el Palacio Salvo como el primer núcleo en altura destinado a un mix singular para la época: hotelería, oficinas y centro comercial. El Edificio Artigas fue construido para albergar la sede de The First National City Bank of New York en su planta baja y subsuelos, y oficinas en los pisos superiores. Actualmente se mantiene el formato de renta corporativa para todos sus espacios, siendo la imagen de Sancor Seguros y Gales Casa Cambiaria las que destacan en la planta baja por ubicarse a ambos lados del acceso del edificio, que en definitiva logran una sinergia con su propósito inicial. “Estamos frente a un edificio que no es emblemático y no fue construido por un arquitecto de renombre. Sin embargo, es una obra de buena factura que ofreció en nuestro contexto una perspectiva novedosa, desde la complejidad de las condiciones en que fue concebido (un proyecto de otro lugar y de otro tiempo), las tecnologías aplicadas (algunas extranjeras), y el trabajo riguroso que llega en algunos casos hasta la definición del mínimo detalle (con planos de proyecto de detalle de las molduras de yeso escala 1:1 que vinieron desde Estados Unidos, a modo de ejemplo). La particularidad de este edificio no se define por el genio o la pura inspiración, sino por ser parte de un proceso “anónimo” y continuado de proyecto, de combinación y mutación de contingencias diversas. Esto lleva a la cuestión misma de investigar en proyecto desde el oficio de proyectar arquitectura; tomando como caso de estudio un edificio anodino en su rol para la historia de la arquitectura, de un autor desconocido, pero proyectado en detalle y de muy buena factura”, según se explica en “Edificio Artigas, el sentido de la técnica” (Ref. 2).

Según el “Inventario del patrimonio arquitectónico y urbanístico de la Ciudad Vieja”, se ubica actualmente en GPP:3 (denominación que determina el Grado de Protección Patrimonial de un edificio, monumento o sector urbano) establecida por la Comisión Especial Permanente de Ciudad Vieja que funciona bajo la órbita de la Intendencia de Montevideo.

En 2019, el edificio recibió la visita del Congreso Mundial Art Decó, catalogándolo como el único que responde netamente a la vertiente americana de esta corriente. Por su parte, el Arq. William Rey, caterdrático uruguayo especializado en Arquitectura Patrimonial, estableció el Edificio Artigas dentro de los cinco hitos imperdibles a visitar en una recorrida turística y cultural por Montevideo.

El acervo del bajo perfil Su arquitecto, el norteamericano Aaron G. Alexander (Massachussets 1890 - New York 1974), era un experimentado proyectista y constructor de sedes bancarias, fábricas y locales comerciales en Estados Unidos y América Latina. En los 1.170 metros cuadrados a lo largo de las 15 plantas, dejó impregnado el claro espíritu de la época donde el poder industrial, la convicción capitalista y la modernidad necesitaban materializarse en varias áreas, y la arquitectura hacía posible representar tal magnitud. Seguramente Alexander, aunque con menos fama que William Van Alen (arquitecto del Chrysler Building) y el equipo de arquitectos de la firma Shreve, Lamb & Harmon (proyectistas del Empire State Building), fue también influenciado por las corrientes estéticas de principios y mediados del siglo XX que priorizaban la mezcla de materiales sobrios con detalles ornamentales, pero incluso por las que daban un paso adelante a los románticos grafismos del Art Nouveau y apostaban más a las formas geométricas. En las décadas donde la máquina se convierte en objeto de deseo, se percibe una avanzada noción por la simbología. Por ejemplo, la organización corporativa en forma piramidal se traduce en el escalonamiento de los volúmenes, el poder económico aduce al dominio del mármol y a novedosos recursos técnicos para el funcionamiento de los servicios, ya sin “gárgolas inspiradas en tapas de radiadores, ni águilas que remitían el capó de los lujosos autos de época”, según describe Ma. del Mar Gallardo en su artículo en diario La Vanguardia el Chrysler (construido en 1930), sino más austeros producto de racionalizar los recursos decorativos. La Exposición Internacional de Artes Decorativas en París (1925) fue la gran inspiración para toda una audaz generación enclavada en las diferentes disciplinas del diseño.

Egresado de la Beaux Art School of New York, Alexander fue asociado del American Institute of Architects y de la New York Society of Architects. Durante 15 años fue arquitecto del Departamento de Arquitectura del National City Bank y realizó los proyectos para las sedes de Río de Janeiro, Porto Alegre, Curitiba, Buenos Aires, Lima, San Juan, Caracas, incluyendo Montevideo, por encargo de Brown Company S.A. Dirigió el proyecto desde su oficina en New York en equipo con quien tenía la responsabilidad técnica del proyecto, el Ing. Horacio García Capurro (egresado del Instituto Tecnológico de Massachussets en 1926) quien sí residía en Montevideo tras revalidar su título en la Facultad de Ingeniería de Montevideo en el año 1933, y dirigiera años después la construcción de la residencia oficial del embajador de Estados Unidos en Uruguay y el edificio sobre el Cine Censa, entre otros. El Edificio Artigas, cuyo nombre hace honor a la conmemoración de los 100 años de la muerte del prócer oriental, comparte acera con el Edificio Presidente, de finales de los años 70, proyecto de la prestigiosa sociedad que conformó durante décadas el Estudio Gómez Platero López Rey. Sus transitadas veredas forman parte del Paseo de Artes Rincón generado a partir de la instalación de obras como Eutrapelia de Octavio Podestá, y otras de Broglia y Pailós en cabinas vidriadadas especialmente diseñadas para albergar obras de arte. Las copas de los árboles, que ni por asombro compiten con tanta monumentalidad y sintonizan perfecto con la de escala del edificio, le otorgan un carácter fresco a esta gris esquina, a espera de que su par ubicado en diagonal y de arquitectura neoclásica, abandonado y lamentablemente en estado de deteriorio, logre algún día terminar de recomponer el encuentro de estas tradicionales calles del distrito cívico financiero de la Ciudad Vieja. doble ALTURA·103

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Los pulidos de los revestimientos, la presencia del bronce, los aceros -dorados y plateados de las puertas de ascensores y cabinas telefónicas respectivamente- le dan sin dudas la impronta señorial y de solidez propias de una entidad bancaria.

Lujos importados La estructura del edificio es de hormigón armado y las losas de los entrepisos son armadas con bovedillas. La protección contra incendios se realizó de acuerdo a las leyes del Estado de New York, con escalera de escape exterior desde los pisos superiores hasta el quinto que continúa por dentro. Todas las instalaciones tanto de calentamiento de agua como de climatización se proyectaron centralizadas, el aire acondicionado friocalor era la gran novedad para la época y para nuestro país. Pero tal vez lo más sorprendente sea un dispositivo que si bien ya no cumple la función, se mantiene intacto: la instalación de conductos de mensajería por aire comprimido, sistema que el cine negro también llevó a su pantalla en los años 40 entre otros detalles de época que servían de ambientación para los cortometrajes. Apreciarlos es una maravilla, como también los apliques de mármol en el interior de los cuatro ascensores. Los últimos gritos de la ingeniería técnica del momento se plasmaron en el edificio: las rejas del acceso principal se pliegan para esconderse en los portales de acero que lo flanquean, y el conjunto dentro del gran basamento de granito negro de más de 7 metros de altura. También las cenefas metálicas perimetrales sobre el hall adosadas al cielorraso para producir una luz difusa, y los bebederos de acero incrustados en los muros de pasillos y sectores de servicios, dan cuenta de un sistema tan pensado como bien ejecutado. El mármol Travertino oficia de revestimiento en su altura total en planta baja y hasta 1.55 m en todos los pisos, por su parte los pavimentos en damero a 45 grados también son en mármol. Las fachadas hacen honor a lo interminable. “Las líneas verticales dibujadas por la mampostería con revoque peinado, generan esa sensación de ascenso propia de las construcciones decó. Las ventanas alineadas en un plano posterior son decoradas en antepecho y dinteles con paneles de aluminio trabajado con diseños lineales que aumentan la sensación de verticalidad. Como remate se destaca, ya contra el cielo, un interesante dibujo realizado en el mismo material, que sobre sale del

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pretil” según se detalla en “Edificio Artigas. Un trozo de Manhatan en la Ciudad Vieja de Montevideo” (Ref. 1). Los bajorelieves son una riqueza aparte, todo una simbología de un país en desarrollo y producto de la integración de artistas y artesanos que aunaron técnicas para expresar conceptualmente la institucionalidad solicitada. La distribución interior de sus plantas definen generosas oficinas de planta libre, todas con iluminación natural, algunas de ellas intercomunicadas, con áreas variables y distribuidas por anchos pasillos. Toda la carpintería se mantiene original como también el aspecto señorial en el interior de las salas. El uso original de la planta a nivel de calle fue destinado al banco que “ocupa con la bóveda parte importante del primer subsuelo y la planta baja. El amplio local se abre a una doble altura ya que dicha amplitud otorga la escala necesaria para jerarquizar la actividad objeto del proyecto”, reseña la Arq. Marta Sabetay (Ref. 1).

Un basamento a todo arte En este marco, la figura de Artigas es recurrente en diferentes demostraciones artísticas como también diversas láminas y certificados de valores antiguos que se suceden enmarcados en las circulaciones, por lo cual la continuidad del arte no podía estar ajena a la actualidad del edificio. En agosto de 2019 se inauguró el Espacio Cultural Edificio Artigas (ECEA), como propuesta dedicada a la promoción de las artes plásticas y se suma al circuito existente, en particular con el “Homenaje a Pedro Figari” como muestra inaugural a cargo de artista Cecilia Mattos. Ella hizo prevalecer el característico colorido de sus figuras reinterpretando los mágicos escenarios de la historia uruguaya retratados por el maestro Figari, incluso disponibles para redescubrirse en propuesta 3D. El espacio se ubica en el subsuelo del edificio (Rincón 487) y funciona bajo la dirección de Roxana Pallotta.

Desde la apertura se han sucedido otras muestras tales como “Pequeñas obras de grandes artistas” que recorrió la escultura uruguaya de los siglos XIX y XX a través de nombres como Edmundo Prati, Luis Ricobaldi, Eduardo Díaz Yepes, Manuel Pailós, Guillermo Riva Zucchelli, José Belloni, José Luis Zorrilla de San Martín, José Gurvich y Nerses Ounanian. También, otras muestras colectivas de artistas uruguayos en conjunto con galerías y muestras independientes de artistas contemporáneos como “Navidad en el arte”, una colección de pesebres antiguos a cargo de 19 artistas. “Arte en madera”, fue una muestra donde 52 obras de 23 artistas de primera línea se presentaron con trabajos realizados a partir de este material en diversas formas y escalas, y contó con nombres como Fernando Revelles, Octavio Podestá, Silvestre Peciar, Roberto Píriz, Mariví Ugolino, Federico Arnaud, Ricardo Pascale, Pablo Damiani, Ignacio Iturria, Rodolfo Visca, Martín Vila, Claudio Silveira Silva, Miguel Herrera, Walter Deliotti, Rafael Lorente, Wilfredo Díaz Valdez, Alfredo Testoni y José Maria Pelayo, con la particularidad de que muchos son oriundos del interior del país. Acompañando la quinceava edición de Museos en la Noche, ECEA sorprendió con música a través de una Victrola ortofónica original de 1925. El Edificio Artigas no es monumento histórico, ni es considerado una pieza patrimonial emblemática de la ciudad, sin embargo, podría perfectamente imaginarse en el perfil neoyorkino, además de la nobleza constructiva que habla de su excelente estado de conservación. La invitación queda hecha para visitar su paseo exterior y los espacios de la planta baja que al ingresar conducen directamente al flamante espacio cultural que lo hace parte del circuito de arte montevideano. ■

ECEA en 2020: • “Escultura en madera” (hasta setiembre) • “La versatilidad del bronce” (a partir de octubre)

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Una

PRADERA en Río Negro Las nativas encuentran en las praderas del litoral uruguayo una recreación espontánea del paisaje de campo. En su diseño, tan silvestre como premeditado, radica la belleza paisajística que en la mayoría de los casos comienza con un diminuto almácigo.

Cada vez más, la corriente conocida como Naturalismo se introduce en el inabarcable mundo del paisajismo y la jardinería, sea la extensiva, la residencial o la académica, e incluso alcanza a los metiers vinculados a la cadena de producción de semillas. Investigadores y viveristas desarrollan una intensa tarea en esta área, tal camino de hormiga, para abastecer las necesidades de diseño y uso por parte de profesionales y adeptos a las más autóctonas de las especies, las que crecen espontáneamente en el lugar. Sin embargo, para el diseño se requieren volúmenes importantes, y aquí es donde la cadena falla. Por esto, entre otras cosas, nos trasladamos al litoral oeste y charlamos con una apasionada y estudiosa de las nativas, cuyo entusiasmo no decrece en absoluto, pese a algunas dificultades. En la localidad de Averías, cercana a Young, en el departamento de Río Negro, María de la Peña nos recibe en su casa, donde reside con su familia intercaladamente con Montevideo. Se trata de un establecimiento en medio de campos de producción agrícola-ganadera que desde 1900, y a través de cuatro generaciones, han sido trabajados por la familia de su marido.

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María es Licenciada en Comunicación pero su vida transcurre dedicada enteramente al paisajismo y el diseño de jardines en todas sus formas, especialmente aquellas con el potencial de incorporar el uso de flora nativa. Nos cuenta que cuando llegó por primera vez al lugar “el jardín estaba muy en sus comienzos y decidí seguir dándole forma. Era totalmente neófita entonces. Una vez instalados, íbamos poco a la ciudad, y al no poder comprar las plantas que iba necesitando, la ansiedad de ver resultados hizo que incursionara en la reproducción vegetal, tanto por semillas como por esquejes. Y esto fue lo que me enamoró. Y me enamoré de las plantas, de sus tiempos, de su estética y de los beneficios que nos aportan”.

El naturalismo tiene cabida en cualquier jardín y en cualquier lugar. Los resultados son jardines muy etéreos, y como siempre manda y se impone la arquitectura, con estos jardines logré alivianarla. Este mix, desde mi mirada es perfecto. Salvia uliginosa: herbácea de crecimiento rápido como pocas. Da mucho volumen a los canteros y praderas. Florece desde comienzos de primavera a mayo si no hace frío. Muy resistente a la sequía.

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Alma Verde María solo había plantado exóticas por hobby, pero su pasión por el paisajismo surgió verdaderamente del contacto directo con estas extensiones de pradera, y junto al desafío de embellecer los alrededores de la casa principal. Luego de unos años, en un regreso a Montevideo decidió prepararse, y ya hace 14 años que se dedica a esto con la pasión nacida como amateur pero con el compromiso de una profesional en lo que hace. “Cuando tuve mi primer clase de nativas, supe al instante que esa sería mi área favorita dentro de esta actividad”. Estudió en la Escuela de Jardinería del Sur (que dirige el paisajista Fernando Bianco) y luego siguió formándose esporádicamene gracias a los workshops que la misma escuela organiza con reconocidos profesionales de la región. Allí trabajó algunos años asistiendo a Bianco en la organización de seminarios y cursos de paisajismo y dio clases de Jardinería, además de una corta participación en la Universidad de la Empresa (UDE) dictando la materia “Parques y Jardines” de forma compartida con el paisajista. En 2019 participó de la primera edición de Expo de Flores y Jardines (realizada en la Chacra Elías Regules) presentando el diseño de un jardín inspirado en el campo junto a las paisajistas María de la Paz Santoro y Andrea Sasson. En este 2020 incursionó además en la organización de visitas didácticas a jardines en el exterior con un primer destino agendado en la provincia de Buenos Aires.

En esta imagen donde las santolinas se ganan el primer plano, indivisa y lejos, pero extensa y densa como un tapiz, se aprecia la pradera plantada y sembrada con especies variadas: Campuloclinums macrocefalum, Verbenas rígidas, Bonaerensis y Montevidiensis, Eupatorium subastatum, Nierembergias, Lupinus, Pavonia hastata, Salvia uliginosa, Chrysolaena flecxuosa, Oxypetalum andropogon lindmani, Deyeuxias, Sisyrinchium, Carquejas y Baccharis spicata entre otras tantas que van apareciendo espontáneamente del banco de semillas que todo suelo tiene, nativas que María en general deja crecer excepto que aparezca alguna muy invasora.

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Las nativas en la tradición del campo Campo adentro, una pradera de nativas es el paisaje mismo, es donde por obra del diseño se contempla la riqueza estética y la experiencia del entorno. “En estas praderas pongo en práctica lo que me gusta y me motiva como jardinera y como diseñadora de jardines. Pruebo, corrijo, y si no me convence lo cambio”, expresa María a quien la vida devolvió a sus raíces de campo, y para su sorpresa, las nativas le salieron a su encuentro. “Creo que lo llevo en la sangre, mi familia es muy de las tradiciones, mis padres vienen ambos de familias de campo, y esto ha influido mucho en mí: valorar lo nuestro es parte de mi educación. Y ahora lo nuestro es el mundo verde, son las nativas. Ellas tienen mucho para ofrecernos”. Diseña jardines plasmando la mayor sustentabilidad dentro de las posibilidades del lugar, y dependiendo de los gustos del cliente. Si hay una plantación existente, respeta y ajusta el diseño a ella. “Siento que no debo olvidar el pasado de ese jardín, ya que es su historia y la de la familia. Muchas veces movemos los elementos vegetales ¡como piezas de ajedrez! No es por capricho, sino por necesidad”. Parte de su búsqueda es que el jardín se identifique con la zona geográfica a la que pertenece y con la dinámica familiar que lo va a disfrutar. Sus trabajos se reparten de forma bastante equitativa entre jardines urbanos y rurales, estos últimos los considera más complejos de implementar, fundamentalmente por los vientos fríos, las heladas y la escasez de personal para encargarse de ellos. Una realidad que hace la diferencia es si se trata de una residencia permanente y no de temporada, que por ende son claramente dos planteos diferentes de jardín.

Verbenas bonaerensis: herbácea elegante de largos tallos. Su floración es de las más largas (desde comienzos de la primavera hasta mayo inclusive), si no hay grandes fríos, y es muy resistente a la sequía. En enero, recomiendo una poda de 1/3 de la planta (y un riego posterior), así vendrá con mucho más vigor en el otoño.

Para trabajar esta pradera de suave ondulación, María siempre supo que el diseño del jardín de campo -ubicado contra la casa y que disfruta de las mejores vistas- debía seguir líneas orgánicas “porque se llevan muy bien con las formas existentes en el campo, razón por la cual una piscina redonda se adaptó a la perfección, además de un criterio silvestre a la hora de elegir las plantas”. Si bien desde el comienzo agregó muchas exóticas a las ya existentes en el sector mas próximo a la casa, después incorporó las nativas y más recientemente armó la pradera naturalizada, donde solo plantó herbáceas y gramíneas nativas, que se fusionan tanto en paisaje como en sustrato con el campo que la rodea. La casa principal es un quincho de planta longitudinal en forma de T, bordeada sobre uno de los lados por dos grandes canteros de Agapanthus y un cantero central con mezclas de gramíneas exóticas (como las Santolinas) que fueron diseñados en una primera etapa del jardín, antes de sus cursos. Luego de ellos, y tras descubrir el potencial de la flora nativa, fusionó en los mismos canteros variedades de herbáceas y nativas, y todas se adaptaron a la perfección al Movimiento Naturalista que desarrolló en este paraje rionegrense.

¿Por qué nativas? María está convencida que fue amor a primer vista y nos comparte las 5 razones por las cuales se volcó decididamente a ellas: Siempre se ADAPTAN fácilmente a las condiciones de suelos y el clima. Son AMIGABLES con el medio, ya que no son necesarios químicos de ningún tipo para que crezcan y fructifiquen. El RIEGO solo lo necesitan en los primeros meses de plantadas, luego se las arreglan por sí solas. Son LOW COST, y por ende, son más sustentables que las exóticas. La ESTÉTICA se aprecia tanto en cada ejemplar como en un conjunto de ellos, logrando borduras o matas con increíble colorido y textura. Atraen la FAUNA de la zona. Cada vez tenemos más mariposas, y pájaros de los que adoro sus cantos.

Campuloclinum macrocefalu: herbácea perenne, de floración muy vistosa en el verano. Muy resistente a la sequía.

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Canteros y borduras desde la nada La ubicación y clima de Uruguay parecieran hacer posibles los jardines naturalistas, tanto río arriba por el litoral oeste, en paisajes serranos y de quebradas, en la costa rioplatense y también en la oceánica. El naturalismo contemporáneo se instaló hace unos años bajo la mirada experta del inglés Nigel Dunnett y el holandés Piet Odoulf, de quien Maria referencia: “ellos hicieron grandes trabajos por el mundo, el movimiento del cual son grandes referentes está avanzando a pasos agigantados. Su principal bandera es la sustentabilidad. La corriente le dio orden al trabajo y hay investigaciones muy interesantes”. La tarea de María es ardua y diaria porque se animó a producir sus propias plantas, haciendo almácigos a partir de semillas que junta de sus herbáceas ya frondosas e incluso recolectando en las banquinas de la ruta, todo para encausar la producción de estas familias de nativas cuyo cultivo es casi inexistente. “Estas tienen mucho para dar”, explica

refiréndose a esas que contempla desde que solo un poco de tierra las cubría, y luego lleva a una amiga viverista para que se encargue de los pasos que siguen en temperaturas y condiciones apropiadas. “Nos gusta como se fusionan con las vistas de los cultivos del campo, este sector nos da mucho trabajo”, relata. “Cabe aclarar que no es lo ideal extraer la planta entera de su lugar (de la banquina por ejemplo), para algunos es un acto de depredación, pero yo considero que estoy preservando nuestras plantas. Una vez en el jardín acudimos a cuidarlas, las reproducimos y difundimos”. Aquí su marido es el gran ayudante del proceso ya que es quien registra fotográficamente las plantas que ve por el camino, y pueden representar un nuevo hallazgo, y luego (pala en mano) vuelve en busca de ellas. Todo un trabajo en equipo, ya que ella no vive permanente en el campo y él es quien las cuida en su ausencia.

Mousse de Arazá

Necesitamos ½ kilo de fruta cruda sin semillas. Las licuamos con 1 lata de leche condensada. Agregamos 2 claras batidas a nieve y llevamos al freezer. Rinde entre 8 y 10 porciones.

Estos frutos color rojizo son del árbol Arazá (Psidium catleianum), que crece hasta los 3 metros de altura dependiendo del suelo. Es de hoja persistente, muy vistosa por su brillo. Fructifica en marzo y abril, su fruto es delicioso, con alto contenido en antioxidantes y minerales, vitaminas A, B1 y C e ideales para preparar una deliciosa mousse.

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Nos dio curiosidad saber cómo llegan las nativas a un jardín en la fase de proyecto, porque lo cierto es que estas composiciones tan salvajes como desordenadas no siempre logran encajar en los tradicionales parámetros estéticos del diseño asociado a la estructura, a los portes geométricos, a las líneas ortogonales o a la podas que definen formas perfectas como en el jardín inglés u otros tipos de jardines clásicos. Para María todo esto comienza en la primera entrevista cuando plantea los beneficios de la sostenibilidad, y la charla por sí sola deriva en las nativas. Sin embargo, la importancia (o tal vez su fórmula exitosa), es proponer la mezcla con plantas no nativas. “Es casi imposible diseñar un jardín solo con lo que la naturaleza desinteresadamente nos provee. La complejidad radica en que no es grande el caudal de pedidos de estas plantas, entonces los viveros no las producen sostenidamente, por lo cual la mezcla es la que gana, a veces con tiempos bastante dilatados en el proceso de diseño tras la búsqueda de las variedades proyectadas”, explica. “Tampoco es un pecado usar exóticas, solo hay que conocer las especies. Hay algunas muy invasoras y aquí si me resisto. Es una obligación que deberíamos tener todos los que trabajamos en esto: ser implacables con algunas como el ligustro y las acacias triacantus (llamadas Espina de Cristo) que están matando nuestros montes nativos, y con ellos muere la fauna y muere el equilibrio”, agrega esta gran entusiasta de la jardinería que en su cuenta de Instagram las difunde, muestra su estética y explica sus virtudes. “Muchos me lo agradecen, y es señal de la trascendencia que están teniedo. ¡Tenemos una flora excepcional y no la conocemos!”, recalca, convencida del poco conocimiento y la falta de procesos de investigación y difusión de su germinación, pero con la sensación a flor de piel de que quien siembra, siempre algo cosecha: “de 100 semillas si nacen 10 plantitas es una bendición”. “Yo creo que los yuyos no son malos y el invierno no es feo (las plantas también los necesitan). Las abejas, las mangangas orugas y decenas de especies de pájaros para mí son bienvenidos aunque se coman algunas plantas. ¡Busco siempre el equilibrio! Creo que el hombre se siente dueño de la naturaleza, y es un error, somos parte de ella y deberíamos respetarla más”, reflexiona María, convencida de que este camino de temple naturalista a la larga tendrá buenos frutos en Uruguay. ■

DAd Global ZOOM Por Roberto BEGNINI*

La 17.ma Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia se llevará a cabo del 29 de agosto al 29 de noviembre, comisariada por el arquitecto Hashim Sarkis bajo el título “¿Cómo viviremos juntos?”.

LA BIENNALE DI VENEZIA Achitettura 2020

Para esta oportunidad el Ministerio de Cultura de la República Dominicana, en alianza con la Asociación Cultural Rosam de Italia y la colaboración de Iris Peynado, endosaron la propuesta “Conexión” de arquitectura de interiores de la arquitecta Lidia León Cabral y de la curadora Roberta Semeraro (Comisario Eduardo Selman) para la iglesia anglicana de San Jorge de Venecia que cuenta con el apoyo de la Fundación LiLeón. Conexión no es solo un proyecto de arquitectura de interiores, también es un ejemplo concreto de cómo la arquitectura puede favorecer las condiciones de convivencia entre individuos en un espacio común. San Jorge actúa como un centro espiritual para muchas comunidades internacionales que viven en Venecia, presentándose como un espacio colectivo, vivo y permeable a las expresiones de las artes y asumiendo una función fundamental de apertura cultural hacia la ciudad. LiLeón ha diseñado un espacio colectivo que es simple en su estructura y de forma orgánica: el espacio de la nave se convierte en una especie de jardín otoñal con hojas que caen y cubren toda la tierra, vistiéndola con un suave manto dorado o, por el contrario, se elevan hacia la bóveda. Las hojas en sus tonos ocres marrones y amarillos se conectan con los colores de los muebles sagrados y específicamente con el precioso marco del retablo del siglo XVIII. El diseño orgánico creado en los paneles semitransparentes está formado por múltiples fragmentos de hojas de tabaco que el arquitecto León dejó secar en algunos experimentos dedicados a la transformación de los materiales utilizados en sus obras. El tabaco conecta con el paisaje caribeño y las plantaciones de tabaco de su tierra. www.labiennale.org

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*periodista italiano vive entre Roma y Montevideo, colabora con AD Italia y Marieclaire Maison.

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