VLADEY - Каталог Осенних торгов by Dmitrii Vetrov

ОСЕННИЕ ТОРГИ Аукцион: Четверг, 17 октября 2013 в 20.00 Предаукционная выставка: 12-16 октября 12.00 – 22.00 Новый Манеж Георгиевский переулок, 3 Москва

Аукционист - Владимир Овчаренко

1 Андрей Кузькин Деньги на хлеб, 2013 хлеб, соль, металлический каркас 7,5 х 16,5 см Начальная цена 100 $

2* Дмитрий Гутов Школу я ненавидел, 1997 холст, масло 200 х 125 см € 15,000 - 18,000 (675,000 — 810,000 руб)

3 Ирина Затуловская Про мечты рассказывать нельзя, 2011 дерево, масло 36 х 71 см € 5,000 — 6,000 (225,000 — 270,000 руб)

4 Александр Бродский Дача, 2013 дерево, карандаш, необожженная глина 70 х 120 х 12 см € 10,000 — 12,000 (450,000 — 540,000 руб)

Иван Чуйков принадлежит к числу наиболее известных авторов на московской художественной сцене. Смыкающийся в своих творческих интересах с концептуалистами, он тем не менее в гораздо большей мере сосредоточен на исследовании чисто живописных проблем: тектонической природы изображения, взаимоперехода иллюзорного и реального, конфликта красочного слоя, запечатлевшего творческое усилие художника, с основанием — холстом, доской, бумагой, и т.п., соотношения целого и фрагмента. Чуйков стремится постичь, как функционирует классическая европейская картина, какова ее внутренняя структура. Осуществляя решительную ревизию традиционной, восходящей к Возрождению концепции о том, что картина — это «окно в мир», он приходит к созданию своей знаменитой серии «Окон», где живопись распространяется на реальные оконные переплеты. Предметная реальность и живописная иллюзия, таким образом, предстают в диалектическом единстве. При этом изображение теряет привычную глубину и пластическую силу, уподобляясь растянутой по поверхности пленке. Подобное восприятие изображения позволяет художнику использовать различные живописные стили, изымая их из тепличных условий традиционной истории искусства и как бы проверяя их на прочность. Представленные произведения Чуйкова демонстрируют характерные черты его подхода к анализу изображения. Работа из обширной серии «Окна» демонстрирует спроецированный на оконный переплет мотив цветочного натюрморта, иронический парафраз мотива, излюбленного многими поколениями советских художников. В этом жанре можно было избежать давления официальной идеологии и создать образец «чистой живописи». Чуйков, однако, чужд любования богатством природных форм — он использует их в интересах своей экспериментальной стратегии по исследованию живописного пространства.

5 Иван Чуйков Окно, XLVIII, 2000 дерево, масло 120 х 60 см € 15,000 — 20,000 (675,000 — 900,000 руб)

Рисунок Эрика Булатова относится к обширной группе натурных штудий, выполненных художником на протяжении его длительного творческого пути. Подобные работы на первый взгляд могут показаться малосущественными в сравнении с такими широко известными произведениями, как «Опасно» или «Иду». Однако именно многочисленные реалистические зарисовки позволяют в полной мере понять особенности творческого метода этого автора, а также генезис его пластического языка. Будучи одним из безусловных лидеров отечественного искусства второй половины прошлого — начала текущего столетия, живописец вместе с тем выступает как правопреемник традиции большой русской картины, восходящей к А.А. Иванову. Именно с ивановскими пленэрными этюдами, а также с блестящими рисунками И.И. Шишкина и графикой М.А. Врубеля более всего сближается здесь манера Булатова. Как ни парадоксально, художник, являющийся одним из основателей московской концептуальной школы, сохраняет верность великой пластической культуре прошлого в гораздо большей мере, чем многочисленные позднесоветские эпигоны реалистического искусства. Предлагаемый этюд является прекрасным образцом мастерства Булатова-рисовальщика. Он отличается почти документальной точностью в воспроизведении натурного мотива. Булатов использует свой излюбленный материал, цветные карандаши, виртуозно подчеркивая его особенности — уверенные, твердые штрихи эффектно моделируют форму. Диапазон авторского жеста необычайно широк — от смелых и быстрых движений карандаша, решительно утверждающих пластический костяк предмета, до еле заметных касаний, позволяющих достоверно отобразить нежную поверхность молодой зелени. Обращает на себя внимание мастерская передача естественных фактур, а также колористическое богатство листа, редкое для произведения графики.

6* Эрик Булатов Без названия, 1975 бумага, карандаш 30 х 43 см € 15,000 — 20,000 (675,000 — 900,000 руб)

На сегодняшний день Илья Кабаков воспринимается мировым художественным сообществом как «русский художник №1». С его именем связано становление одного из главных направлений послевоенного отечественного искусства, известного как «Московская концептуальная школа» или «Московский романтический концептуализм». Свой творческий путь Кабаков начинает как иллюстратор детской литературы. Подобно многим другим авторам конца 60-х и 70-х годов, он сознательно разделял работу над заказными произведениями (которые художник обозначал не иначе как «добросовестной халтурой») и творческое высказывание — существуя как бы в двух измерениях культуры: официальном и полуподпольном. Как мастер оформления книги Кабаков создает обобщенную манеру иллюстрации, аккумулирующую достижения мастеров старшего поколения — таких, например, как Конашевич или Алфеевский. Позже эта усредненная манера наделяется Кабаковым правами самостоятельного языка высказывания и широко используется в оформлении тематических альбомов — одного из главных видов деятельности автора. Восприятие художественного произведения как пространства, где в жестком противостоянии сводятся различные языки — от привычных до неконвенциональных — а также выраженная нарративность станут своеобразными отличительными чертами московского концептуализма, резко отличающими его от западного концептуального искусства (в трактовке Дж. Кошута и др.), для которого важно внимание познающего субъекта к взаимоотношению реальности, собственно предмета и способа его описания. В многочисленных альбомах, а позднее и в тотальных инсталляциях Кабакова неизменно заостряется вопрос о противостоянии отдельной личности и окружающей социальной действительности — один из ключевых для мыслящего советского человека. Излюбленными персонажами художника становятся безымянные жители коммунальных квартир. Кабаков сознательно ставит их в абсурдные, немыслимые по меркам здравого смысла ситуации, оказываясь в которых, его герои наконец получают шанс выйти за пределы и нормы, установленные тоталитарным режимом. Тема сверхусилия, позволяющего преодолеть привычную логику развития событий, звучит и в представленных на торги двух рисунках, датированных 2012 годом. Исполненные в типичной для Кабакова технике цветных карандашей, они вновь предъявляют сегодняшнему зрителю «маленького человека», сопротивляющегося обстоятельствам и любым ограничениям — от старого забора и вплоть до силы гравитации. Привычные для Кабакова символы ушедшей политической эпохи (красные флаги) вносят в изображенные сцены элемент идеологический полемики.

Илья и Эмилия Кабаковы Утром, 2012

Илья и Эмилия Кабаковы Конец дороги — Коммунизм, 2012

бумага, карандаш 30 х 19 см

бумага, карандаш 31 х 20,5 см

€ 12,000 - 15,000 (540,000 — 675,000 руб)

9* Семен Файбисович Станция метро Кировская, 1988 холст, масло 150 х 200 см € 100,000 — 150,000 (4,500,000 — 6,750,000 руб)

Один из наиболее достоверных в отечественном искусстве интерпретаторов действительности, Семен Файбисович, в картине «Станция метро “Кировская”» создает мимолетный и при этом точно схваченный образ столицы последних советских лет, неуловимо связанный и с фотографией, и с кинематографом, но при этом обладающий такой плотностью и убедительностью, что мы, кажется, слышим его звуки и чувствуем его запахи. Как следует из названия, полотно Файбисовича отсылает к миру московского метро, хотя изображен на ней трамвай. Что объяснимо: отдельный цикл о пассажирах трамваев, из которого состоялась фактически только эта работа, по замыслу автора был призван продолжить эпическую серию о московском метро, работы из которой включены в крупнейшие коллекции. Строгая геометричность построения обнажает конструкцию картины, обычно спрятанную у Файбисовича за конкретными деталями и общей атмосферой. Она подкреплена открытыми цветами — красной полосой внизу, большими светлыми пятнами отражений. Вся плоскость полотна представляет собой ближний план застывшего непосредственно перед зрителем трамвайного вагона. Только вверху оставлен небольшой уголок городского пространства, но и он полностью занят фрагментом здания. Над головами пассажиров в стекле трамвая видны огромные буквы МЕТРО и часть слова ПОЧТАМТ со здания напротив. Это знаковое для москвича место — остановка на развороте трамваев А, 3 и 39 в начале Чистопрудного бульвара. Картина представляет собой лишенное метафоричности, но от этого не менее философское наблюдение за жизнью города. И точный срез времени — через два года (за год до распада Советского Союза), станцию метро переименуют в «Чистые пруды». А еще через несколько лет Файбисович надолго откажется от живописи.

Гриша Брускин получил признание произведениями, в которых парадоксально совмещаются два масштабных исторических нарратива — тоталитарного социализма и традиционного иудаизма. Обращаясь к различным видам искусства и к разнообразным техникам (станковая живопись, гобелен, гравюра, монументальная скульптура, мелкая фарфоровая пластика), Брускин увлеченно анализирует судьбы тех культур, которым он более всего обязан как личность и как художник. Через тексты Ветхого Завета Брускин воспринимает крах Советского Союза как нечто фатальное, неизбежное, пророчески предсказанное. Его наследие даже в наивысших своих проявлениях содержит семена грядущего упадка. Эта предопределенность декаданса особенно занимает Брускина как аналитика эпохи. Отсюда своеобразие его художественных средств. В отличие от многих других авторов, работавших с советским материалом, — например, Комара и Меламида, Кабакова, Булатова — он не использует язык советского искусства в чистом виде. Брускин в своем стремлении художественно воспроизвести историю сознательно возвращается к знакомым до боли, ставшим уже едва ли не кочующими мемами образам атлетов, военных, вождей, сотрудников спецслужб советского времени, стремясь привести их эстетическое воплощение в соответствие с подлинным духом эпохи. Небольшая скульптурная работа «Вохровка» и представляет собой пример подобной стратегии.

10 Гриша Брускин Вохровка (проект Время «Ч»), 2011 фарфор тираж 1/3, 49 х 71 х 17 см € 25,000 — 30,000 (1,125,000 — 1,350,000 руб)

11 * Александр Косолапов Без названия, 1989 холст, масло 150 х 75 см € 15,000 — 20,000 (675,000 — 900,000 руб)

Творчество Юрия Аввакумова тесно связано с советским архитектурным наследием,иронично воспринятом и подвергающимся деконструкции посредством многочисленных проектных чертежей и макетов. Аввакумов воскрешает своим примером подзабытую, казалось бы, бумажную архитектуру, становясь в один ряд с зодчими-фантастами 18 в. – Булле, Пиранези и советским архитектором-утопистом Яковом Черниховым. Стратегия Аввакумова, вместе с тем, почти лишена конструктивных предложений на будущее. Его творческая мысль постоянно возвращается к ушедшей эпохе, как бы прорабатывая альтернативные возможности развития художественной истории, полемизируя с тем или иным явлением прошлого. С особенной настойчивостью Аввакумов исследует такой, казалось бы, элементарный элемент здания, как лестница. Чаще всего их использование не подкреплено функциональньной необходимостью – роль лестницы сводится к зримой метафоре абсурда, к оспариванию идеи прогресса, сведенной советскими идеологами к формату бессмысленного клише. Наиболее масштабное произведение Аввакумова, представленное на торги, — макет построенного А.В. Щусевым мавзолея В.И. Ленина, исполненный из белых костяшек домино. Один из самых спорных монументов прошлого века и признанный шедевр щусевской архитектуры в остроумной трактовке Аввакумова выступает едва ли не как случайный результат игровой партии.

12 Юрий Аввакумов Костяной Мавзолей, 2008 домино 46,5 х 136 х 113 см € 45,000 — 50,000 (2,025,000 — 2,250,000 руб)

13 * Валерий Кошляков Москва, 2006 холст, акрил 200 х 300 см € 60,000 — 70,000 (2,700,000 — 3,150,000 руб)

На московской художественной сцене Валерий Кошляков предстает как редкий последовательный адепт традиционных пластических ценностей. Наряду с масштабными музейными инсталляциями значительную часть его творчества составляет станковая живопись, образцы которой представлены на текущих торгах. Кошляков уже долгое время демонстрирует особенное пристрастие к двум живописным жанрам — городской ведуте и архитектурному каприччо. Оба эти жанра достигли пика развития в 18 столетии, и, обращаясь к ним, Кошляков вступает в культурный диалог с такими их выдающимися представителями, как Каналетто, Ф. Гварди, Дж. Пиранези. Не должно удивлять в этой связи, что доведенные упомянутыми авторами до возможных пределов виртуозности живописные жанры в интерпретации Кошлякова обретают статус заповедной территории живописного эксперимента. Примечательно, что Кошлякова применительно к великим культурам прошлого можно сравнить с исследователем-археологом, изыскивающим при помощи авторских методик следы минувшего величия, В этой связи романтическая на первый взгляд позиция автора обретает имперсональный, отстраненный характер. Живопись здесь трактуется не как самоцель, но скорее как инструмент исследования, своего рода культурный зонд. Подобная позиция позволяет избежать соблазна создания парадной глянцевой картинки, преодолеть тупиковый путь туристической видописи, неизбежный, казалось бы, в решении мотивов, к которым обращается Кошляков. Вид на московский Кремль, выполненный в типичной для художника жестовой импровизационной манере, представляет собой один из лучших примеров его авторской интерпретации жанра городской ведуты. Демонстративно обращаясь к популярному городскому мотиву, растиражированному на страницах календарей и подарочных открытках, Кошляков находит живописное решение, отрицающее любую форму туристического китча. Здесь используются выраженно антинатуралистические формальные средства. Колорит подчеркнуто условен и строится на тонких вариациях черного и белого. Крупные мазки текучей краски и широкие, сливающиеся друг с другом цветовые пятна, покрывающие масштабный холст, скорее намекают на реальные элементы ансамбля московского Кремля, чем буквально их изображают. Возникающие из густой сети потеков очертания башен и стен зачеркиваются и затираются, преображаясь таким образом в общий живописный мираж. Художник сознательно обнажает исполнительский процесс, как бы позволяя зрителю стать свидетелем своей виртуозной импровизации. Обращает на себя внимание тонкий расчет, с которым используется материал — в изображении неба, к примеру, оставлены большие участки загрунтованного холста, в трактовке воды большая роль отводится свободному течению жидкой краски, как бы нерукотворно формирующей пространство, решение первого плана, напротив, отмечено предельной активностью кисти, исключительным разнообразием авторского мазка.

14 * Павел Пепперштейн Красная Пирамида, 2007 холст, акрил 70 х 190 см € 30,000 — 40,000 (1,350,000 — 1,800,000 руб)

15 Леонид Соков Сталин, 1985 дерево, гвозди, масло 43 х 17 х 7 см "В 8888 году практически все жители города Россия добровольно примут участие в грандиозном научном эксперименте. Средствами науки город будет уменьшен, накрыт красной пирамидой и законсервирован на срок 200 лет, в течение которых все жители будут находиться в состоянии летаргического сна. По истечении 200 лет красная пирамида исчезнет,а все жители города Россия пробудятся абсолютно здоровыми, а у некоторых из них появится особое знание, которое приведет к сложению новой научно-духовной элиты города."

€ 12,000 — 15,000 (540,000 — 675,000 руб)

16 Леонид Соков Доллар и Молот, 1989-2013 нержавеющая сталь, дерево 53 х 57 х 11 см € 15,000 — 20,000 (675,000 — 900,000 руб)

Один из ведущих художников поколения шестидесятников, Олег Целков получил известность масштабными живописными полотнами, ключевым героем которых стал придуманный в 1960 году персонаж, получивший от своего создателя красноречивое имя «Морд». Сам автор так рассказывает о своем открытии: «…После десятилетия упорных и бесплодных трудов в 1960 году я написал свою первую, — первую свою — картину с двумя лицами “Портрет”. С нее и начинается мой, как говорится, творческий путь. Я впервые — и первый — случайно “стянул” с лица лицо “по образу и подобию” и увидел — ЛИЦО. Потрясению моему не было предела. Я написал как бы портрет, однако не портрет отдельно взятого субъекта, а портрет всеобщий, всех вместе в одном лице и — до ужаса знакомом». Как подлинный моноидеист художник и поныне сохраняет верность найденному архетипическому обобщенному образу. Переходя от одного периода творческого развития к другому, он использует на удивление скупой набор формальных приемов — ритмическое повторение шаблонных форм, статичные композиции с фронтальным показом фигур, условный, «примитивный» рисунок, использование ярких спектральных цветов, упрощенное светотеневое решение с особым вниманием к тональным контрастам; гладкую, холодную фактуру, декларативный отказ от поверхностных живописных эффектов. Используя этот формальный арсенал, Целков дает жизнь своему «невиданному доселе племени», до сих пор продолжающему заселять все новые холсты. Представляемый «Портрет семьи» Олега Целкова принадлежит к лучшим картинам, созданным художником в 1960-е годы. Значимость этого произведения тем более очевидна, что общее число работ, относящихся к указанному периоду, весьма невелико (ряд холстов нашел себе место в крупных музейных коллекциях, следы некоторых картин утеряны, а многие законченные вещи были безжалостно уничтожены чрезвычайно требовательным к себе автором), и их появление на рынке всякий раз становится важным событием. Высокие пластические достоинства композиции и идеальная сохранность красочного слоя придают ей важное место в наследии Целкова. Заметим также, что сам художник высоко оценил свое творение. Об этом свидетельствует подробная инструкция для гипотетической реставрации, сделанная его рукой на обратной стороне картины. Стилистически «Портрет семьи» смыкается с группой работ середины 1960-х годов, к числу которых относятся самые известные произведения живописца — «Тайная вечеря», серия «Цирк», «Групповой портрет с медалью». Им свойственна особенная интенсивность колорита, сведенного к контрастному звучанию ярких спектральных цветов — красному, синему, зеленому, желтому; подчеркнутая резкость контуров, напряженная диалектика плоского пятна и светотеневой лепки формы, рождающая неожиданный эффект сложного скульптурного объема. Манера исполнения картины отличается характерной для данного периода творчества Целкова тщательностью. Здесь нет места случайности, импровизации, поверхностной маэстрии. Слои краски последовательно накладываются друг на друга, формируя гладкую эмалевую поверхность, в чем-то

подобную фактуре средневековой живописи. Приковывает внимание живописное решение тел персонажей, отличающееся чрезвычайным богатством светящихся оранжевых и ярко-красных оттенков. Для придания цвету максимальной насыщенности широко используются лессировки. Редкая техническая искушенность, которую демонстрирует автор, может быть сопоставлена с высоким профессионализмом старых мастеров. Картина покрыта лаком, сообщающим ей дополнительную глубину. Композиционный замысел «Портрета семьи» прост и выразителен — статичные массивные фигуры заполняют большую часть плоскости. Господство мощных вертикальных объемов оттеняется тонко проработанными деталями — листвой на деревьях, прядями волос, пальцами рук с намеренно укрупненными ногтями. Нельзя не оценить того остроумия, с которым Целков обыгрывает один из кочующих образов советского искусства, особенно часто используемых в плакатах и монументальных панно — образ гармоничной счастливой семьи, структурной единицы советского общества, формируемой его идеологами в соответствии с указаниями партии и правительства. Совершенная советская семья изображалась с предельной условностью — как союз людей атлетического телосложения, готовых к трудовому подвигу и беззаветно преданных стране. Целков решительно переиначивает это устойчивое клише, заменяя обобщенные идеализированные фигуры устрашающими персонажами, лица которых искажены гримасами. Им чужды нормальные человеческие эмоции, их действия как будто определяются каким-то незримым кукловодом, принуждающим своих марионеток двигаться согласно его замыслу и единовременно открывать рты для произнесения очередной реплики. Герои художника сущностно ничем не отличаются друг от друга. Лишь второстепенные детали — например, длина волос — указывают на принадлежность к женскому полу, а размер фигур позволяет распознать взрослого и ребенка. Однако все показаны с одинаковым выражением лица или, точнее, морды, словно являющейся характерным признаком не человека, но какого-то иного биологического вида, оптимально приспособленного для существования в реалиях тоталитарного режима.

17 * Олег Целков Портрет семьи, 1965 оргалит, масло 107 х 84 см € 40,000 — 50,000 (1,800,000 — 2,250,000 руб)

Пять произведений, выполненных Борисом Орловым в разных техниках и в разные периоды его творчества, на редкость полно для аукционных торгов характеризуют деятельность этого крупного мастера отечественного искусства. Орлов вступает на московскую художественную сцену вместе с такими авторами, как Д.А. Пригов и Л. Соков, в период когда под влиянием Ильи Кабакова и его единомышленников главенствующей силой в артистической среде стал «московский романтический концептуализм». Именно в творческом противостоянии с художниками кабаковского круга, или, как их характеризует сам Орлов, представителями «экзистенциальной метафизики», утверждает он собственный метод, основанный на пристальном анализе реальности, взятой в ее «горизонтальном измерении». Особая роль здесь отводится клишированным образам советской культуры, знакам, эмблемам и идеологическим символам, формировавшим визуальную среду среднестатистического человека и жестко определявшим его навигацию в культуре. Находясь в непрерывном диалоге с наследием мировой живописи, Орлов выступает как один из первых последовательных художников-постмодернистов. Блестящее знаточеское понимание классического искусства проявляется в значительной части его работ виртуозными цитатами больших европейских стилей — чаще всего барокко и ампира. Иронические аллюзии на творения скульпторов Греции и Рима, Растрелли, Мартоса, Врубеля, Родченко вступают в парадоксальный симбиоз с декадентской избыточностью советской наградной эстетики, достигшей расцвета в период правления Л. Брежнева. Пожалуй, никому из художников поколения Орлова не удалось обобщить внешние элементы парадно-церемониальной культуры до уровня самостоятельной формальной системы со своими тектоническими закономерностями, специфической динамикой масс, устойчивыми колористическими решениями. Из ритмически организованных орденских плашек, медалей, аксельбантов Орлов выводит едва ли не новый художественный стиль, точно запечатлевший имперское величие перед началом распада. В ряду заявленных на торги произведений представлены как значительные для творчества Орлова, неоднократно выставлявшиеся работы («Бюст в стиле Растрелли»), так и подлинные коллекционные раритеты — к примеру, графический диптих, где излюбленная Орловым наградная тематика смыкается с болезненной для рядового советского человека проблемой продовольственного обеспечения.

18 * Борис Орлов Групповой Парадный Портрет (Трехглавый Тотем), 1988 оргалит, эмаль 122 х 132 см € 20,000 — 30,000 (900,000 — 1,350,000 руб)

19 *

Борис Орлов Без названия, 1976

Борис Орлов Без названия, 1988-2009

дерево, эмаль 225 x 95 x 43 см

бронза, эмаль 67 х 46 х 17 см

€ 60,000 — 80,000 (2,700,000 — 3,600,000 руб)

€ 30,000 — 40,000 (1,350,000 — 1,800,000 руб)

Борис Орлов Иерархия земная, Иерархия небесная, 1982

Борис Орлов Рыбка, 2002

бумага, тушь, перо диптих, размер каждой части – 37,5 х 25,5 см

фарфор тираж 12/15, 43 х 14 х 12 см

€ 6,000 — 8,000 (270,000 — 360,000 руб)

€ 12,000 — 14,000 (540,000 — 630,000 руб)

ПЕТРОГРАД — ЛЕНИНГРАД

Петербургский раздел аукциона представляет основную художественную традицию Петрограда–Ленинграда в 20 веке. Это «ленинградский экспрессионизм», роднящий ленинградскую живопись с западными художественными движениями — от фовизма и экспрессионизма до «новой волны». Художники по обе стороны политических границ сразу по-свойски отличали друг друга: в 1986 году, когда Джоанна Стингрей привозит произведения Тимура Новикова и Олега Котельникова в США, именно Энди Уорхол, тогда погруженный в совместное творчество с корифеем американской «новой волны» Жаном Мишелем Баскиа, проявляет сильный интерес к ленинградцам. Насколько точно выбрана магистральная историческая линия ленинградского искусства, настолько же ясно определены ее вершины для второй половины столетия. В 1940–1960-е годы таким высшим достижением является творчество Арефьевского круга, или «Ордена нищенствующих живописцев»: Александра Арефьева, Рихарда Васми, Владимира Шагина, Шолома Шварца и др. В 1980е годы энергетический импульс переходит к созданной Тимуром Новиковым группе «Новые художники» — Олегу Котельникову, Ивану Сотникову, Вадиму Овчинникову, Георгию Гурьянову, Виктору Цою, Иналу Савченкову, Сергею Бугаеву, Андрею Крисанову, Владиславу Гуцевичу, Евгению Козлову, Евгению Юфиту, Владиславу Мамышеву и др. Арефьев и его товарищи (кроме Васми, который брал уроки рисования у Николая Лапшина) в 1944–1945-х годах учились в школе при Академии художеств. Но им не удалось продолжить официальную карьеру в условиях советской борьбы с формализмом. Арефьеву, первому лидеру ленинградского нонконформизма, любовь к великому Оноре Домье, свидетельством которой является рисунок

23 * Евгений Михнов-Войтенко из цикла «Рожицы», 1969 бумага, восковой карандаш, гуашь, акварель 27 х 19 см € 2,000 — 3,000 (90,000 — 135,000 руб)

«Двое», была дороже социального успеха. Васми, интеллектуал и философ, предпочитал скрывать свою тончайшую живопись и графику, зарабатывая на жизнь малярным промыслом. Произведения арефьевцев, теперь высоко ценимые знатоками и нечасто встречающиеся на арт-рынке, — это оригинальная графика, реже картины небольшого формата. Однако как показала их недавняя выставка в Новом музее Аслана Чехоева, размер и техника не имеют значения, когда в искусстве есть живая художественная правда. В 1950-е годы в ленинградском нонконформизме появляется новая звезда абстрактной живописи — Евгений Михнов-Войтенко. Преподаватель Михнова в Театральном институте, знаменитый художник и режиссер Николай Акимов, полностью купил всю первую, еще студенческую выставку своего ученика. В 1956–1959-х годах Михнов создает уникальный стиль живописи и на протяжении 1960–1980-х продолжает экспериментировать с идеями, материалами и технологиями. Дух эксперимента и две исконно петербургские идеи искусства — стремление к горизонту и к преображению мира — возрождаются в начале 1980-х годов в творчестве «Новых художников». Наследники плюралистической концепции русского авангарда, они не ограничивают себя никакими технологическими рамками, изначально понимая мультимедийную природу искусства. Картиной может стать текстильное панно («Домик» Новикова из его лучшей серии «Горизонты») или флаг («Каникулы» Андрея Крисанова). Композиция может являться эпизодом «Звездных войн», как у Виктора Цоя. Наряду с «Домиком» Новикова картины Котельникова особенно хорошо показывают устремление «Новых» к радостному и высокоэнергетическому искусству, которое, поначалу развиваясь в андерграундной среде, мыслит себя среди свободных мировых художественных традиций. В кругу самих «Новых» особенно ценилась живопись Ивана Сотникова. Из-за Сотникова, как греческие полисы из-за Гомера, в 1980-х годах соперничали две виднейшие ленинградские группировки: «Новые» и «Митьки». Две выставленные картины демонстрируют широкий диапазон Сотникова: от музейного экспрессивного пейзажа «Московский вокзал», сделавшего бы честь художникам 1920– 1930-х годов, до композиций на тему тогда суперновых компьютерных игр. Несомненный интерес представляет графика Георгия Гурьянова. Она относится к концу 1980-х годов. Тогда Гурьянов, ударник и аранжировщик «Кино», становится звездой новейшей российской культуры. Его композиция украшает обложку журнала «Искусство».

25 * Олег Котельников Две гитары, 1980е оргалит, масло 67 х 68 см € 6,000 — 8,000 (270,000 — 360,000 руб)

26 * Александр Арефьев Двое, 1952 бумага, акварель, карандаш 80 х 50 см € 15,000 — 18,000 (675,000 — 810,000 руб)

Авангардный интерес «Новых» к народному творчеству, к мифологии и сказке чувствуется в живописи коренного представителя «Новороссийской школы», признанного молодого гения ленинградской новой волны, Инала Савченкова. Его картина также была помещена на обложку одного из номеров «Искусства». В 1985 году Савченков устроил свою первую выставку. Он пустил свои холсты вплавь по Неве, чтобы их могли видеть зрители от Литейного моста до речного устья. По реке плыли лисы-рыболовы и другие легендарные герои живописной одиссеи Савченкова. Лидер «Новороссийской школы» Сергей Бугаев в конце 1980-х годов сближается с московской концептуальной школой в лице Сергея Ануфриева, что отразилось в двух его выставленных работах. Роман Жигунов, товарищ «Новых», входит в историю всего двумя незабываемыми произведениями: фотографией Новикова и Сотникова в «Ноль-объекте» и картиной «Зенит — чемпион». Казалось бы, не так много прошло времени с момента появления и арефьевцев, и «Новых художников». Однако для знатока найти работы 1950–1990-х годов считается редкой удачей. Ведь основной корпус их картин и графики уже давно обосновался в собраниях музеев: арефьевцы — в Царскосельской коллекции, Михнов — в Новом музее, «Новые художники» — в Русском музее.

27 Иван Сотников Московский вокзал, 1983 холст, темпера 60 х 100 см € 6,000 — 8,000 (270,000 — 360,000 руб)

28 Денис Егельский Без названия, 1989-1990 холст, масло 70 х 60 см € 4,000 — 5,000 (180,000 — 225,000 руб)

29 * Тимур Новиков Домик, 1990 ткань, акрил 124 х 117 см € 30,000 — 40,000 (1,350,000 — 1,800,000 руб)

30 * Тимур Новиков Фонтанка, 1983 бумага, карандаш, пастель 49,5 х 57 см € 10,000 — 12,000 (450,000 — 540,000 руб)

31 * Инал Савченков Без названия, 2000е холст, масло 208 х 148 см € 6,000 — 8,000 (270,000 — 360,000 руб)

33 Сергей Бугаев-Африка Москва Щ-2 (вход платный), 1988 оргалит, масло, 150 х 100 см € 12,000 — 15,000 (540,000 — 675,000 руб)

32 Сергей Бугаев-Африка Аффазия (посвящение Р.Якобсону), 2000е готовый флаг, вышивка 125 х 175 см € 10,000 — 12,000 (450,000 — 540,000 руб)

34 Владислав Гуцевич Три линии горизонта (Лебединые песни), 2001 холст, масло 95 х 145 см € 5,000 — 6,000 (225,000 — 270,000 руб)

35 Владислав Гуцевич Ночной разговор (огненный бык), 2010 холст, масло 95 х 142 см € 5,000 — 6,000 (225,000 — 270,000 руб)

37 Андрей Крисанов К звездам, 2009 холст, акрил 50 х 60 см € 4,000 — 5,000 (180,000 — 225,000 руб)

36 Андрей Крисанов Каникулы, 2011 флаг-шерсть, акрил, стеклярус 115 х 130 см € 4,000 — 5,000 (180,000 — 225,000 руб)

38 * Иван Сотников Сафетимачес Сечамитефас, 1985 оргалит, масло 60 х 50 см € 2,000 — 3,000 (90,000 — 135,000 руб)

39 * Рихард Васми Елочки, 1967 холст, масло 49 х 46 см € 12,000 — 14,000 (540,000 — 630,000 руб)

41 *

Влад Кульков Избыточный персонаж, 2009

Евгений Михнов-Войтенко Без названия, 1959

бумага, фломастер 151 х 120 см € 3,000 — 4,000 (135,000 — 180,000 руб)

холст, масло 46 х 63,5 см € 15,000 — 20,000 (675,000 — 900,000 руб)

42 *

43 *

Шомол Шварц Без названия, 1970е

Рихард Васми Без названия 1970е

бумага, акварель, карандаш 20 х 27,5 см

бумага, акварель, карандаш 23 х 20 см

€ 1,000 — 2,000 (45,000 — 90,000 руб)

46 Денис Егельский Алиса Сизова, 1997-2013 холст, масло 140 х 100 см € 4,000 — 5,000 (180,000 — 225,000 руб)

45 * Роман Жигунов Зенит чемпион, 1984 оргалит, бумага, гуашь 100 х 100 см € 4,000 — 6,000 (180,000 — 270,000 руб)

47 * Владислав Мамышев-Монро Жизнь замечательных Монро, 1996 серия из 10 фотографий тираж 2/5 размер каждой 60 х 50 см € 20,000 — 25,000 (900,000 — 1,125,000 руб)

Проживший, к сожалению, недолгую жизнь художник, актер, телеведущий Владислав Мамышев-Монро (1969 – 2013 гг.) был, бесспорно, одним из самых примечательных представителей как питерской, так и московской богемы. В истории отечественной культуры Мамышев занял уникальную позицию – строго говоря, у него здесь не было прямых предшественников. Мамышев-Монро стал первым успешным травести на местной арт-сцене, российской драг-квин от современного искусства. Начало артистической деятельности Мамышева относится ко второй половине 1980-х гг., когда совсем еще юношей он сближается с одним из наиболее передовых ленинградских авторов того времени, Тимуром Новиковым и участвует в выставках возглавляемой им группы «Новые художники». Также он неоднократно выступает в составе экспериментальных шоу под руководством Сергея Курехина, известных под названием «Поп-механика». Именно на представлениях «Поп-механики» Мамышев привлекает к себе внимание, выступая в образе голливудской кинодивы Мэрилин Монро (позже в одном из интервью Владислав будет утверждать, что страсть к перевоплощениям проснулась в нем еще в школьном возрасте, и уже в восьмом классе он впервые переоделся в Адольфа Гитлера, а в девятом обрел свое альтер эго - Мэрилин Монро). Мастерски исполняемые трюки с переодеванием постепенно становятся основными элементами творческой стратегии Мамышева. Профессиональный псевдоним Монро окончательно утверждается за художником в1989 году, когда в рамках передач основанного вместе с Тимуром Новиковым «Пиратское телевидение», он вновь примеряет на себя роль американского секс-символа 50-х гг. и добивается большого успеха. Публичные появления Мамышева в разных образах по случаю открытия собственных

выставок, а также выставок его друзей, всякий раз вызывают скандалы и превращают его в одного из постоянных фигурантов светской хроники. Однако было бы ошибкой воспринимать подобную активность лишь как безудержный постмодернистский стеб или эстетское глумление над массовой культурой – Мамышев более всего выступает как безжалостный (при всем своем юморе и нарочито игровом характере общения со зрителем) социокультурный аналитик, постулировавший наиболее характерный для постсоветской России тип человека, лишенного собственной идентичности и лихорадочно стремящегося к ее обретению через апроприацию чужих норм поведения, привычек, внешности. Владислав Мамышев-Монро как человек без собственного узнаваемого лица, нуждается в постоянной творческой мимикрии, чтобы раз за разом обретать хотя бы временно жизнеспособный образ, посредством его показывая основные дефекты современного российского характера и скрашивая общее тягостное впечатление шутливой интонацией. Выставленная на торги коллекция фотоснимков является наиболее полным вариантом серии «Жизнь замечательных Монро», впервые экспонировавшейся в 1995 году. Художник планировал издать ее в виде календаря, однако дело не было доведено до конца – Мамышев так и не реализовал изначально задуманные образы Жанны д’Арк и «Владика как Владика». Наследуя стратегиям поп-арта художник здесь оказывается виртуозным манипулятором клишированных исторических образов. Присваивая внешние черты Ленина, Гитлера, Екатерина Великой, Иисуса Христа, Будды, Дракулы, Шерлока Холмса, Петра I, Наполеона Бонапарта и, конечно, Мэрилин Монро, Мамышев, вместе с тем всякий раз находит возможность вжиться в своего персонажа настолько, насколько это дозволяет современная массовая культура. В интервью художник не раз подчеркивал, что в отдельные моменты, действительно, ощущал полное перерождение изображаемого героя. Любопытна авторская интерпретация Мамышева собственной способности полностью сродниться с избранной в рамках очередного проекта личностью: «Мой папа был очень жестокий человек…. Он был садист, ловил в деревне какого-нибудь пенсионера-ветерана, …. и, зная идеально немецкий язык, представлялся фашистом и кричал на старика по-немецки. Он этих бедных крестьян доводил до истерики. Поэтому папа у меня ассоциировался с Гитлером. А мама была очень красивой блондинкой, очень похожей на Мэрилин Монро... И когда у меня началось половое созревание, лет в 14, я увидел фильм "В джазе только девушки". Я узнал свою маму в Мэрилин. Мама – Мэрилин Монро, папа – Гитлер….Поскольку это мои родители, я должен воплотить их в идеальном виде». Как мы видим, для художника-трикстера, Мамышев демонстрирует редкую личную заинтересованность в освоении очередной роли – своего рода жажду творческого самозаполнения, в процессе снятия которой на свет появляются пугающе достоверные двойники (не случайно в 1995, проезжая мимо Якут-галереи, где были выставлены постеры Мамышева, Ю. Лужков впал в неописуемый ужас от изображения Гитлера и вынудил владельца снять работу с экспозиции). «Жизнь замечательных Монро» - одна из важнейших серий Мамышева, значение которой для его творческого развития сложно переоценить – именно здесь намечаются принципы, согласно которым будут конструироваться затем образы последующих серий, вплоть до позднейших образов В. Путина. Именно в работе над ней он перерастает свой прежний статус локального фрика, обреченного на замкнутое существование в рамках субкультуры, и становится одним из наиболее заметных художников своего поколения.

48 * Владислав Мамышев-Монро Без названия, 2004 холст, акрил, карандаш 120 х 120 см € 20,000 — 30,000 (900,000 — 1,350,000 руб)

Геннадий Зубков - представитель второй волны русского авангарда. Он относится к группе стерлиговцев. Владимир Стерлигов, занимавшийся подготовкой молодых художников в созданном им Невидимом институте передал своим ученикам знания, связанные с первой волной идей русского авангарда (Малевич, Матюшин). Стоя на позициях нового живописного реализма, Геннадий не только занимается живописной практикой, но так же ведет активную педагогическую и кураторскую деятельность.

49 Геннадий Зубков Провинция Болонья, 2010 холст, масло 45 х 59 см € 2,000 - 3,000 (90,000 - 135,000 руб)

50 Анатолий Осмоловский Хлеба №1, 2011 бронза, дерево 70 х 50 см € 8,000 — 10,000 (360,000 — 450,000 руб)

В представленных графических листах лестница используется как звено, обеспечивающее движение в никуда. Выраженный динамизм композиции, обнаженные стальные конструкции, простота форм отсылают к татлинскому памятнику III Интернационалу, к проектам Мельникова и Леонидова. Однако в противоположность безудержному оптимизму художников авангарда и зодчих молодого советского государства Аввакумов использует их пластический арсенал как эффективный инструментарий культурно-исторического анализа. Примечательно, что свои чертежные фантазии автор создает с использованием газет «Правда» и «Советская Россия», тем самым подчеркивая особую важность временного контекста для восприятия художественного памятника.

Юрий Аввакумов Трибуна Ленинца, 1988-1993

Юрий Аввакумов Трибуна Спортсмена / Парламентария, 1998

бумага, шелкография тираж 40/40 73 х 57 см

бумага, шелкография тираж 39/40 73 х 57 см

€ 2,000 — 3,000 (90,000 — 135,000 руб)

€ 1,500 — 2,500 (70,000 — 115,000 руб)

53 * Николай Полисский П, 2010-2011 дерево 50 х 50 х 50 см € 10,000 — 12,000 (450,000 — 540,000 руб)

54 Владимир Архипов Ключ Николая Хайдарова, 2008 ready-made (металл, сварка) 25 х 16 х 2 см € 2,000 — 3,000 (90,000 — 135,000 руб)

55 Валерий Барыкин Ударно поработала, культурно отдохни!, 2013 холст, масло 121 х 91 см € 6,000 — 8,000 (270,000 — 360,000 руб)

56 * Александр Виноградов Владимир Дубосарский Первая клумба, 2006 холст, масло 195 х 195 см € 40,000 — 45,000 (1,800,000 — 2,025,000 руб)

57 * Александр Виноградов Владимир Дубосарский Олень, 2003 холст, масло 145 х 195 см € 25,000 — 30,000 (1,125,000 — 1,350,000 руб)

58 *

60 *

Александр Виноградов Владимир Дубосарский Без названия, 2001

бумага, акрил 70 х 100 см

€ 6,000 — 8,000 (270,000 — 360,000 руб)

59 * Александр Виноградов Владимир Дубосарский Без названия, 2001 бумага, акрил 70 х 100 см € 6,000 — 8,000 (270,000 — 360,000 руб)

Константин Звездочетов является одной из самых заметных фигур российского искусства последних десятилетий. Уже с первых своих творческих экспериментов Звездочетов демонстрирует пристрастие к образам отечественной массовой культуры, низовой мифологии. Он сводит в гротескных ситуациях героев мировой истории и культовых персонажей из мира литературы и искусства. При всей кажущейся несерьезности, творчество Звездочетов отмечено редкой глубиной и последовательностью авторского подхода. Художник выступает наследником той линии апологетики и творческого использования неконвенциональных языков высказывания, что восходит к искусству русского авангарда с его вкусом к лубку, к упрощенной пластике народной живописи, броской выразительности лавочной вывески. С показным шутовством Звездочетов подчас вновь проигрывает масштабные культурно-исторические драмы, с ответственностью преданного ценителя учитывает, описывает и сохраняет все новые формы, в которых выражает себя творческий дух народа. Диапазон творческих приемов Звездочетова весьма широк. Он включает язык советской журнальной иллюстрации, рисованной киноафиши, лубка, иконописи, рекламного плаката. Представленные на аукцион произведения художника показывают богатство его выразительных средств и способность легко менять артистическую манеру.

61 * Александр Виноградов Владимир Дубосарский Закат, 1997 холст, масло 120 х 100 см € 10,000 — 12,000 (450,000 — 540,000 руб)

62 Константин Звездочетов Диско, 2009 холст, акрил 150 х 130 см € 10,000 — 15,000 (450,000 — 675,000 руб)

Картина «Интеллигенция» из серии «Типы Москвы» юмористически обыгрывает одну из проблем русской истории: «Интеллигенция и власть». Художник решает ее как противостояние «звездного состава» отечественной культуры, включающей Пушкина, Толстого, Ермолову, Маяковского, и юного жандарма, смотрящегося растерянным и беспомощным перед столь блестящим обществом, а потому неминуемо вызывающего сочувствие. В этой работе Звездочетов прибегает к стилизации графического языка, использовавшегося в оформлении советских сатирических журналов («Крокодил» и т.д.). Ошеломляющая непосредственностью обращения с народной художественной культурой композиция «DISCO» является данью Звездочетова уже почти ушедшей из памяти сегодняшнего человека традиции ручного оформления дискотек в домах культуры позднего советского времени. Этот сплав броских аляповатых цветовых сочетаний и воспринятых по дешевым местным воспроизведениям реалий западного шоу-бизнеса любовно воспроизводится художником, выступающим в качестве пытливого и увлеченного аналитика низового вкуса.

63 * Константин Звездочетов Типы Москвы. Интеллигенция, 2000 холст, акрил 50 х 60 см € 5,000 — 6,000 (225,000 - 270,000 руб)

65 Ростислав Лебедев Стенгазета (За высокую культуру), 1975 Бумага, гуашь, фломастер 65 х 90 см € 8,000 — 12,000 (360,000 — 540,000 руб)

64 * Олег Хвостов Портрет Ленина, 2007 холст, масло 80 х 40 см € 4,000 — 6,000 (180,000 — 270,000 руб)

67 * Игорь Макаревич Буратино с мандолиной, 1996 холст, масло 90 х 75 см € 12,000 — 15,000 (540,000 — 675,000 руб)

66 * Франциско Инфанте Артефакты из серии Театр Неба и Земли, 1986 цветная фотография тираж 2/10 50 х 50 см € 5,000 — 6,000 (225,000 - 270,000 руб)

68 Сергей Шаблавин Лето, 1984 холст, масло 70 х 115 см € 10,000 — 12,000 (450,000 — 540,000 руб)

Представленное полотно Михаила Рогинского «Продовольственный магазин на Покровке весной 97 г.» принадлежит к числу поздних произведений живописца, созданных в парижский период его творчества. В это время художник существенно пересматривает свои прежние идеи, приведшие к созданию произведений, ближе всего подошедших к искусству американского поп-арта, прежде всего Д. Джонса и Р. Раушенберга. В Париже Рогинский создает обширные серии ностальгических композиций, посвященных сохранившемуся в его памяти образу Москвы. Именно к таким произведениям и относится выставляемая картина. Ее внутренняя пространственная структура и колористическое решение отмечены значительной сложностью. Как и в других подобных работах Рогинского, основная ритмическая тема здесь задается настойчивыми вертикалями упрощенных фигур покупателей, как бы случайно попавших в поле зрения. Чередование масштабов персонажей помогает художнику добиться впечатления существенной пространственной глубины. Цветовой строй, как это часто бывает у Рогинского, тяготеет к монохромному, однако за счет введения энергичных акцентов оранжевого и голубого, приобретает особенную выразительность. Характерна грубовато нанесенная надпись в верхней части картины — подобные комментарии регулярно появляются в поздних работах мастера.

69 * Михаил Рогинский Продовольственный магазин на Покровке весной 97г., 1997 холст, масло 60 х 90 см € 16,000 — 20,000 (720,000 - 900,000 руб)

На этой самобытной картине взгляд зрителей притягивает находящаяся в центре перевернутая икона. Рассказывая, что иконы всегда были неотъемлемой частью его творчества, художник пояснял: «Иконы появились не как религиозный элемент — я их использовал как часть повседневности, как часть народной души и моей души». Парадоксально, но именно тот факт, что изображение Богоматери с младенцем на данном полотне перевернуто, придает ему особое значение: на всем протяжении своего творчества О.Я. Рабин «переворачивает» на своих полотнах только то, что ему особенно важно (так в графической работе «Черкизовская улица» 1965 года перевернута марка, на которой изображен автопортрет художника; на картине «Семейный портрет» 1999 года перевернуты портреты самого Оскара Яковлевича и его любимой жены). Обращает на себя внимание автопортрет художника, помещенный им на этикетку бутылки, что весьма нечасто встречается в полотнах О.Я. Рабина и подчеркивает значимость произведения для его создателя.

Оскар Яковлевич Рабин (1928 г.р.) — выдающийся художник, признанный классик российского нон-конформистского искусства послесталинской поры, лишенный в 1978 году советского гражданства и с тех пор живущий в Париже. Его масштабные ретроспективные выставки проходили в Третьяковской галерее, ГМИИ им. Пушкина, Русском музее, а также в музеях и галереях многих зарубежных стран. Полотно отражает важнейшие характеристики творческого метода и пути О.Я. Рабина. Оно очень лирично, его композиция и палитра, очевидно, восходят к лианозовскому периоду творчества художника, однако в 2006 году мастер был уже куда более склонен к ностальгическому миросозерцанию. «Я вот так стараюсь что-то рассказать. И не столько даже рассказать, сколько для меня все-таки важнее, чтобы какой-то вот контакт душевный установился между мной и тем, кто смотрит картину», — говорил он в радиоинтервью. В центре полотна —лампа, которую Оскар Яковлевич в тех или иных вариантах рисовал едва ли не всю жизнь и которую, по его рассказам, искал — и нашел — в парижском антикварном магазине, чтобы рисовать ее не по памяти, а с натуры, мысленно возвращаясь во времена своей молодости. Лиричное полотно зрелого О.Я. Рабина, несомненно, имеет музейное значение.

70 *

71 *

Оскар Рабин Провинциальный город с лампой, 2006

Оскар Рабин Икона, водка и демократическая икра, 2004

холст, масло 120 х 88 см

холст, масло 80 х 125 см

€ 18,000 — 22,000 (810,000 — 990,000 руб)

Наталья Нестерова принадлежит к числу наиболее заметных авторов, пришедших в отечественное искусство в 1970-е годы. Ученица прославленных советских художников, Д. Жилинского и А. Грицая, она, однако, заметно разошлась в своих артистических экспериментах с заветами учителей. Демонстрируя большую цельность и самобытность дарования, Нестерова тем не менее внимательно изучает модернистскую живопись, а также искусство наивных художников. В ее работах можно найти отголоски А. Руссо, Н. Пиросмани, А. Дерена, М. Ларионова, Н. Гончаровой. Авторская манера Нестеровой отличается пристрастием к парадоксальным, гротескным сюжетам, упрощенностью рисунка, отмеченного явным влиянием примитива, сдержанным, но звучным колоритом, построенным на контрасте богатой палитра землистых оттенков с голубым и зеленым, необычной плотностью фактуры. Самоценная выразительность красочного слоя Нестеровой беспрецедентна для российского искусства последних десятилетий. Представляемое полотно типично для зрелого творчества Нестеровой. Оно отличается тщательно продуманной композицией — светлый силуэт женщины, сидящей в гамаке, эффектно читается на темно-зеленом фоне. Педантично проработанная фактура плетения обеспечивает выгодный контраст свободно трактованной живописной поверхности. Особенно обращает на себя внимание разнообразие кистевой работы и изысканность сочетания теплых серых и желтовато-охристых оттенков в центральной части композиции. Нельзя не отметить и редкую для художника экспрессию письма, проявившуюся в интерпретации растительных мотивов в нижней части картины.

72 * Наталья Нестерова Лето, 2000 холст, масло 100 х 150 см € 8,000 — 10,000 (360,000 - 450,000 руб)

73 * Игорь Макаревич Без названия, 1970е картон, масло 50 х 60 см € 12,000 — 15,000 (540,000 — 675,000 руб)

Ранняя работа Виталия Комара принадлежит к серии «Ретроспективизм», с которой принято вести отсчет его и Александра Меламида серьезной деятельности как художников. К моменту создания «Офелии» они уже несколько лет работают над совместными проектами, но к сдвоенной подписи «Комар — Меламид», ознаменовавшей создание самого мощного дуэта в истории современного отечественного искусства, перейдут только в 1972 году после квартирного показа их наиболее знакового проекта «Соц-арт». В полном соответствии с духом ретроспективизма — прообраза всех дальнейших постмодернистских идей дуэта — в картине содержатся отсылки к истории искусства и литературы, в данном случае к пьесам Шекспира и их художественным интерпретациям: безликая гамлетовская Офелия плывет вниз головой по некоему желобу словно сквозь земную толщу. Вокруг нее надуваются заимствованные из «Макбета» загадочные «пузыри земли», один из которых, лопаясь, отчетливо обнаруживает красную звезду. Красная пятиконечная звезда в различных парадоксальных контекстах фигурирует в ряде других ретроспективистских работ. То, что в этой картине она принимает облик «подземного огня», вспучивающего «пузырь земли», — фирменная ирония дуэта по отношению к социуму, на самом деле проникнутая неподдельным интересом к его символике. Сложная фактура фона еще связывает художника с живописной традицией «московской школы», и хотя употребление ее нарочито, «закавычено», очевидно, что поиск способной заменить ее эстетической простоты еще впереди. Офелия здесь вовсе не красиво умершая молодая девушка, а изящная куколка, условный, игрушечный персонаж, решенный Комаром в модной тогда театрализованной стилистике.

74 Виталий Комар Офелия, 1970 холст, масло 90 х 60 см € 15,000 — 18,000 (675,000 — 810,000 руб)

Широкому зрителю творческий дуэт Виталия Комара и Александра Меламида знаком более всего в качестве родоначальников соц-арта. Этот термин был введен ими в 1972 году для обозначения искусства, рожденного в советской ситуации перепроизводства официальной идеологии и пропаганды как аналог западному поп-арту, существующему в рамках иной социально-политической реальности, в которой отсутствует фетиш товарного потребления. Международного признания художники добились живописными сериями начала 1980-х гг. – прежде всего, знаменитой «Ностальгией по социалистическому реализму», привлекшей всеобщее внимание новаторскими приемами использования советских живописных клише. Однако, творческие практики Комара и Меламида не ограничиваются эксплуатацией тоталитарного искусства. Им свойственна тотальная ирония в сторону всей художественной истории нескольких последних столетий, стремление поставить под вопрос признанные авторитеты, усомниться в безапеляционности выводов своих современников и мастеров прошлого. Выставленное на торги произведение, на первый взгляд, лишенное черт «типичного образца» творчества Комара и Меламида, тем не менее являет характерный пример их игрового постмодернистского подхода к артистической деятельности. Нам демонстрируется авторский эксперимент по деконструкции одной из икон искусства 20-го века, «Черного квадрата» Казимира Малевича, который в трактовке Комара и Меламида превращается в «Черный не совсем квадрат», за счет демонстративного жеста смены формы подрамника и рамы картины.

75 * Виталий Комар Александр Меламид №6 Золотая песчинка на черном фоне, 1975 холст, масло, золото 103 х 103 см € 10,000 — 15,000 (450,000 — 675,000 руб)

Диптих Игоря Копыстянского представляет собой любопытный пример постмодернистской стратегии в отечественном искусстве с типичным для нее полистилизмом, цитатностью, выраженным конфликтом разнородных изобразительных слоев в рамках единого произведения. В обеих частях диптиха повторяется общий мотив одетой женской фигуры, держащей чашу. Также в композицию включен орел, решенный скорее как геральдический элемент, чем как изображение реальной птицы. Копыстянский ведет исполненный иронии творческий диалог с художественным прошлым, легко пробуждая живописные клише ампира и сталкивая их с актуальной проблематикой сегодняшнего дня. Фигура, ассоциирующаяся с героиней античной мифологии или аллегорической персонификацией какой-либо добродетели, пред-

ставлена в момент пластического развоплощения. Одни ее фрагменты сохраняют изначальную цельность решения, другие — как будто переписываются на глазах у зрителя в нарочито неряшливой постэкспрессионистской «кустовой» манере. Поверхность картины покрыта многочисленными «заплатами», положенными с демонстративной грубостью — художник в буквальном смысле «латает дыры» европейской классической культуры, давая впечатляющую визуальную метафору нынешней культурной ситуации. Артистическое видение Копыстянского, отмеченное виртуозностью использования художественных аллюзий и подчеркнуто игровым отношением к созданию образа, сближается здесь с подходом таких представителей искусства постмодернизма, как Франческо Клементе и Карло Мариани.

76 Игорь Копыстянский Диптих №8, 1988 холст, акрил, масло диптих, размер каждой части — 193 х 152 см € 20,000 — 25,000 (900,000 — 1,125,000 руб)

Изучение взаимоперехода фотографии и рукотворного изображения является главной темой предлагаемой графической работы Ивана Чуйкова. Виртуозно комбинируя туристическую открытку и рисованное пространство, Чуйков на мгновение обманывает зрителя, заставляя его поверить в реальность абсурдной, невозможной ситуации, где московский Кремль и средневековая крепость оказываются частью эффектного альпийского вида.

77 Иван Чуйков №4 из серии «Виды Москвы», 1993 бумага, смешанная техника 36 х 48 см € 8,000 — 10,000 (360,000 — 450,000 руб)

78 Эдуард Гороховский Космический проект, 1993 бумага, акварель, смешанная техника 66 х 95 см € 5,000 — 6,000 (225,000 - 270,000 руб)

79 Виктор Пивоваров Лампа, 2010 бумага, тушь, цветной карандашz 30 х 21 см € 3,000 — 4,000 (135,000 — 180,000 руб)

Акварель Эдуарда Гороховского сочетает импровизационное начало, игровую спонтанность живописи с тщательно рассчитанным балансом абстрактных цветных пятен, воспроизведенных вручную фрагментов старых фотоснимков и чертежных элементов. В советское время художник сделал блестящую карьеру как иллюстратор, оформив более 120 книг. В собственных экспериментальных работах Гороховский объединяет виртуозность технических приемов с увлечением фотографией и фотоколлажем, особенно в трактовке мастеров раннего советского авангарда — Лисицкого и Родченко. Фотоизображение включается в изощренную формальную игру — оно искажается, обрывается, получает неожиданные текстовые комментарии. В окончательной композиции фотография сводится к условному пятну, работающему наравне с экспрессивными всплесками краски в центральной части листа. Гороховскому, таким образом, удается успешно преодолеть изначальную природу фотоснимка, лишив его качества документального свидетельства и превратив в полноценный пластический объект.

80 Михаил Чернышов В натуре, 1984 бумага, коллаж 56 х 50 см € 3,000 — 4,000 (135,000 — 180,000 руб)

81 Михаил Чернышов Фугас, 1984 бумага, коллаж 46,5 х 50 см € 3,000 — 4,000 (135,000 — 180,000 руб)

83 Юрий Лейдерман Репка и Кашалот, 2013 холст, масло 180 х 140 см € 15,000 — 18,000 (675,000 — 810,000 руб)

82 Юрий Лейдерман Облачное личико, 2013 картон, масло 140 х 100 см € 10,000 — 12,000 (450,000 — 540,000 руб)

Один из основателей группы «Инспекция Медицинская герменевтика», художник, поэт и критик Юрий Лейдерман, — заметный участник московского художественного процесса конца 1980-х и 1990-х годов. Его творчество представлено на торгах двумя композициями «Репка и кашалот» и «Облачное личико». Уже в самих названиях картин с вызывающей иррациональностью проявляются черты абсурдистской психоделии медгерменевтов. Необъяснимые сочетания элементов на полотнах Лейдермана безжалостно атакуют обывательский здравый смысл — огромная, сияющая оттенками желтого кадмия репка изображена на заменяющем небосвод фоне, покрытом бело-голубыми орнаментальными мотивами, загадочный профиль стремительно взмывает над светло-зеленой листвой…. В пристрастии к ярким цветам и в экспрессивной работе кистью, равно как и в отмеченных парадоксальной остротой образах, обнаруживаются некоторые параллели творчеству М. Киппенбергера.

84 * Алексей Каллима Из серии Женская сборная Чечни по прыжкам с парашутом, 2008 холст, мел, сангина, уголь 150 х 250 см € 25,000 — 30,000 (1,125,000 — 1,350,000 руб)

85 * Павел Пепперштейн Верхом на колдуне, 2000 холст, масло 40 х 92 см € 8,000 — 10,000 (360,000 — 450,000 руб) Алексей Каллима — один из самых ярких авторов, вошедших в российскую художественную жизнь в конце 1990-х – начале 2000-х годов. На московской сцене, сформированной преимущественно представителями концептуализма и радикального акционизма, Каллима в то время представлял уникальное явление. В его разнообразных практиках особенную роль всегда играла крупноформатная графика, выполненная на бумаге или на холсте в технике, комбинирующей уголь и сангину. Выраженный интерес к собственно пластической стороне художественного произведения резко выделял работы художника на общем фоне. В немалой мере росту интереса к творчеству молодого автора способствовал круг тем, к которым он обращался — выходец из Грозного, он долгое время разрабатывал в своих произведениях сюжеты, так или иначе связанные с чеченскими войнами. Рисунки и картины Каллимы населены полными выразительности фигурами солдат, боевиков и террористов. Вместе с тем ему чужд поверхностный журналистский подход — драматическая история Чечни выступает для художника основой для собственных вольных фантазий. Он не чужд гротеска и импровизационной легкости жеста, и подчас очередной

эпизод чеченской военной кампании становится поводом к рождению сверхзрелищной декоративной композиции с тонко рассчитанным ритмом изысканных пятен черного, серого и красного цветов. Выставленные работы принадлежат к числу широко известных и наиболее удачных произведений Каллимы. Масштабное полотно из серии, посвященной вымышленной женской сборной Чечни по парашютному спорту, отличается остроумной пространственной композицией, типичными для художника сложными ракурсными сокращениями тел. Но на первый взгляд безобидное произведение, посвященное спортивной тематике, обретает неожиданно драматическое звучание в локальном историческом контексте. Тренировка парашютисток происходит в небе, некогда знавшем налеты бомбардировщиков, и вопреки тому, что в картине нет ни единого следа былых событий, восприятие ее все же предопределяется памятью места.

86 * Валерий Кошляков Из серии Империи, 2001 холст, акрил, бумага 120 х 90 см € 12,000 — 15,000 (540,000 — 675,000 руб)

87 * Валерий Кошляков Москва Этюд, 2007 холст, акрил, аэрография 90 х 100 см € 10,000 — 12,000 (450,000 — 540,000 руб)

Второй из представленных холстов Валерия Кошлякова также интерпретирует один из видов московского Кремля. Он относится к большой группе произведений последних лет, когда основной техникой художника стала аэрография. Как известно, он всегда проявлял особенный интерес к обновлению арсенала технических средств, последовательно осваивая акрил, малярную ленту, различные фактурные пасты, строительные краски, маркеры и, наконец, автоэмали. Данное полотно по меркам Кошлякова относительно небольшого формата демонстрирует впечатляющую смелость его профессиональных амбиций настоящего времени — он сознательно апроприирует характер графического жеста уличного художника и проецирует его на традиционную для европейского искусства жанровую проблематику городского архитектурного пейзажа.

88 Олег Хвостов Пейзаж с коровой, 2013 холст, масло 160 х 200 см € 10,000 — 12,000 (450,000 — 540,000 руб)

89 Лариса Звездочетова Для кухни, 1993 оргалит, ватин, эмаль, рельефная паста, искусственные цветы 133 х 102 см € 5,000 — 6,000 (225,000 — 270,000 руб)

91 Александр Савко Сила побитая, 2008 холст, акрил 110 х 95 см € 4,000 — 5,000 (180,000 — 225,000 руб)

90 * Борис Матросов Здесь не Китай, 2000е холст, масло 100 х 120 см € 4,000 — 5,000 (180,000 — 225,000 руб)

92 * Айдан Салахова Из серии Хабиби, 2004 бумага, смешанная техника 41 х 27 см € 4,000 — 5,000 (180,000 — 225,000 руб)

93 Денис Салаутин, Дмитрий Файн Девочка и змея, 2013 холст, масло 130 х 90 см € 4,000 — 5,000 (180,000 — 225,000 руб)

94 *

95 *

Сергей Шутов Из серии Знаки и Символы, 2002

Сергей Шутов Без названия, 2004

холст, масло, смешанная техника 100 х 100 см

холст, масло, смешанная техника 35 х 40 см

€ 5,000 — 6,000 (225,000 — 270,000 руб)

€ 2,000 — 3,000 (90,000 — 135,000 руб)

97 Иван Разумов Oil Park, 2013 холст, масло 80 х 100 см € 4,000 — 5,000 (180,000 — 225,000 руб)

96 Иван Разумов Без названия, 2012 бумага, тушь 75 х 150 см € 2,000 — 3,000 (90,000 — 135,000 руб)

99 Марго Трушина Без названия, 2013 полированная нержавеющая сталь 102 х 46 х 25 см € 2,000 — 3,000 (90,000 — 135,000 руб)

98 Кирилл Макаров Без названия (из серии «2»), 2013 холст, масло 200 х 140 см €3,000 - 4,000 (135,000 - 180,000 руб)

100 Таисия Короткова №3 из серии Технология, 2008 дерево, левкас, темпера 49,5 х 67 см € 4,000 — 6,000 (180,000 — 270,000 руб)

101 Александр Павлович Лобанов Без названия, 1970-80е гг бумага, карандаш, фломастеры 42 х 29.5 см (две стороны) € 4,000 — 5,000 (180,000 — 225,000 руб)

Творчество Александра Павловича Лобанова составляет одну из ярчайших страниц «искусства аутсайдеров». Будучи пациентом специализированной клиники «Афонино», Лобанов начинает регулярно заниматься рисованием под влиянием врача-психиатра В.В. Гаврилова. Начавшись как особый род упражнений в рамках медицинской терапии, занятия искусством со временем стали главной страстью недавно еще ничем не примечательного пациента. Лобанов на удивление быстро обрел «свое лицо» в искусстве, создав узнаваемую графическую манеру и сосредоточившись на крайне узком круге сюжетов, отображающих важнейшие константы его миропонимания. Чаще всего самодеятельный художник обращается к жанру автопортрета, а также к сценам охоты, реже — к образам героев революции, политических деятелей (прежде всего И.В. Сталина). Исключительное место в лобановском мире занимает оружие. Оно здесь наделено едва ли не сакральным статусом. Лобанов вводит в свою реальность авторское «ноу-хау», несуществующую «мосинскую двустволку». Винтовки и их отдельные части любовно изображаются художником. Они могут занимать большую часть листа, многократно повторяться и показываться в различных ракурсах. Особенную роль играет оформление рисунка. Часто отличающееся тщательной разработкой и богатством орнаментальных мотивов, оно демонстрирует явное влияние приемов, используемых тульскими мастерами при

декорировании оружейных изделий, и воспроизводит типичные мотивы, встречающиеся в чеканке и резьбе на подарочных экземплярах ружей и пистолетов — зайцы, глухари, тетерева, бегущие олени и лоси, а также неизменные звезды, серпы и молоты. Любопытно, что работа над очередным рисунком начиналась именно с детального исполнения декоративной рамы, и лишь потом Лобанов приступал к заполнению центральной части. Два представленных листа, как это нередко бывало в практике художника, заполнены изображениями с обеих сторон. Автопортрет Лобанова является типичным образцом авторской трактовки жанра. Александр Павлович с достоинством позирует перед зрителем, демонстрируя «мосинскую двустволку» и два револьвера разного размера. Характерна крупная надпись, сообщающая имя, отчество и фамилию автора, а также дату и место его рождения. Замечателен изобретательностью композиционного решения рисунок, сводящий воедино три изображения ружья, а также трактор и аэроплан. Наиболее важные для себя элементы композиции художник также снабдил поясняющими комментариями. Нередко встречающийся у Лобанова сюжет охоты примечателен отказом художника от непосредственного отображения процесса преследования или убийства жертвы. Охотник, застывший в немом оцепенении, вновь держит в руках «двустволку Мосина», изображенную с пугающим педантизмом в деталях. Чрезвычайно любопытно организована композиция, посвященная разным типам ружей, — это своего рода попытка каталогизации столь любимого Лобановым типа огнестрельного оружия с предельно возможной степенью точности как в графическом воспроизведении деталей конструкции ружья, так и в сопроводительных текстах, обезоруживающих сочетанием квазинаучного стремления к каталогизации и почти детской искренностью.

102 Александр Павлович Лобанов Без названия, 1970-80е гг бумага, карандаш, фломастеры 29.5 х 42 см (две стороны) € 4,000 — 5,000 (180,000 — 225,000 руб)

104 Константин Батынков Без названия из серии Веселые картинки, 2009 холст, акрил 50 х 90 см € 2,500 — 4,000 (115,000 — 180,000 руб)

103 Константин Батынков Лось из серии Веселые картинки, 2009 холст, акрил 50 х 100 см € 2,500 — 4,000 (115,000 — 180,000 руб)

Более жестким оказывается послание художника в небольшой шелкографии, парадоксально интерпретирующей канонический советский символ — перекрещивающиеся серп и молот (работа воспроизводит масштабный настенный рисунок, созданный Каллимой для 1 московской бьеннале современного искусства в 2005 году). Знакомые орудия труда рабочего и крестьянина подменены здесь представленными в стремительных ракурсах фигурами русского солдата и чеченского боевика. Любопытно при этом, что последний облачен в спортивный костюм марки «Адидас» — таким образом, политическая воля радикального сепаратиста в трактовке Каллимы смыкается с экономической агрессией мирового коммерческого бренда.

105 * Алексей Каллима Метаморфоза, 2005 шелкография тираж 19/50 70 х 100 см € 1,500 — 2,000 (70,000 — 90,000 руб)

106

107

Анастасия Руденко Русь, 2010

Маша Шубина Visual Explanation of Sound, 2009

фотография, тираж 3/10+2 AP 60 х 45,3 см € 1,000 — 1,500 (45,000 — 70,000 руб)

холст, масло 150 x 150 см € 4,000 — 5,000 (180,000 — 225,000 руб)

108 Оля Кройтор Ситуация №10, 2013 холст, акрил, коллаж 100 х 70 см € 3,000 — 4,000 (135,000 — 180,000 руб)

109 Дамир Муратов Флаг, 2011 дерево, бумажные пакеты, черная эмаль 180 х 49 х 10 см € 2,500 — 3,000 (115,000 — 135,000 руб)

110 Аслан Гайсумов Без названия, 2010 ткань, бумага, нитки 130 х 90 см € 5,000 — 6,000 (225,000 — 270,000 руб)

111 Миша MOST №214 (из серии Диалоги), 2013 холст, акрил, эмаль 195 х 120 см (из двух частей) € 3,000 — 4,000 (135,000 — 180,000 руб)

112 Таня Пёникер В секунде оргазма сосредоточен весь мир, 2013 бумага, акварель, акварельные карандаши, тушь, кровь художника, ручка, мармелад 60 x 84 см € 3,000 — 4,000 (135,000 — 180,000 руб)

113 Таня Пёникер Лондон зовет: британский флаг, зашифрованный с помощью года дружбы России и Франции, поданный под соусом из моих зимних страданий, 2011 бумага, акварель, акварельные карандаши, тушь, кровь художника, ручка, мармелад 30 х 42 см € 800 — 1,000 (35,000 — 45,000 руб)

114 Ростан Тавасиев Воспоминания об Индонезии, 2012 холст, акрил, полиэстер, синтепон 100 х 120 см € 3,000 — 4,000 (135,000 — 180,000 руб)

115

116

Ростан Тавасиев Зимний день, 2012

Ростан Тавасиев Происхождение видов, 2012

холст, акрил, полиэстер, синтепон 120 х 90 см

холст, акрил, полиэстер, синтепон 120 х 95 см

€ 3,000 — 4,000 (135,000 — 180,000 руб)

118 Лера Нибиру Кот, 2009 папье-маше, тушь 17 х 30 х 17 см € 1,500 — 2,000 (70,000 — 90,000 руб)

117 Лера Нибиру Слухи, 2011 холст, масло 30 х 40 см € 1,500 — 2,000 (70,000 — 90,000 руб)

VLADEY ПРАВИЛА ПРОВЕДЕНИЯ АУКЦИОНА:

Организатором аукциона является ООО "VLADEY" (далее – Организатор аукциона). Участниками аукциона могут быть юридические лица в лице своих представителей (при наличии надлежаще оформленной доверенности на право участия в аукционе) и совершеннолетние физические лица (далее – Участники аукциона).

За лоты, помеченные специальным знаком (*), Участник аукциона, выигравший торги, дополнительно выплачивает авторское вознаграждение, рассчитанное в соответствии со статьей 1244 Гражданского кодекса Российс кой Федерации (право следования). Авторское вознаграждение выплачивается исходя из следующего расчета:

Аукцион проводится 17 октября 2013 года по адресу: Москва, Георгиевский переулок, 3 Для принятия участия в аукционе Участники аукциона до его начала заполняют регистрационную форму ( на сайте www.vladey.net или на стойке регистрации непосредственно перед аукционом) На аукцион выставляются произведения современного искусства, представленные в каталоге аукциона.

Цена произведения (в рублях) До 100 000 р включительно от 100 000 р до 1 700 000 р включительно от 1 700 000 р до 7 000 000 р включительно от 7 000 000 р до 12 000 000 р включительно

Аукцион проводится в следующем порядке:

от 12 000 000 р до 17 500 000 р включительно от 17 500 000 р

Размер вознаграждения (в рублях) 5% 5 000 р + 4 % от суммы, превышающей 100 000 р 69 000 р + 3 % от суммы, превышающей 1 700 000 р 228 000 р + 1 % от суммы, превышающей 7 000 000 р 278 000 р + 0,5 % от суммы, превышающей 12 000 000 р 305 500 р + 0,25 % от суммы, превышающей 17 500 000 р

• Участники аукциона, после прохождения предварительной регистрации, в результате которой получают карточку с номером участника. • Аукционист, выставляя лоты на торги, объявляет их названия и начальную цену. • Аукцион проводится путем повышения начальной цены предмета аукциона ("шаг аукциона"), при этом "шаг аукциона" устанавливается аукционистом. • Участники аукциона поднимают номерные карточки в знак согласия приобрести лот по цене, превышающей ранее объявленную на один шаг.

Участник аукциона, выигравший торги, расплачивается с Организатором аукциона наличными денежными средствами, кредитными картами (Visa, МаsterCard, American Express) или платежным переводом в течение 5 дней с даты проведения аукциона.

• Победителем аукциона признается Участник аукциона, предложивший более высокую цену лота аукциона. С ударом молотка Аукционист объявляет победителя аукциона.

Купленные на аукционе произведения искусства вывозятся Участником аукциона, выигравшим торги, при условии их полной оплаты, в течение 10 дней с даты проведения аукциона.

• Организатор аукциона осуществляет аудио- и видеозапись аукциона.

В случае, если Участник аукциона не вывозит произведение искусства в течение 10 дней с даты проведения аукциона, хранение произведения искусства осуществляется Организатором при условии возмещения Участником аукциона расходов по хранению.

Помимо цены купленного лота Участник аукциона, выигравший торги обязуется заплатить Организатору аукциона комиссию в размере 20 % от фактической цены купленного лота.

Организатор аукциона готов оказать содействие Участнику аукциона в доставке купленных на аукционе произведений искусства за его счет.

ВЕСЕННИЕ ТОРГИ 5 марта 2014

Валерий Чтак Я не знаю, Я из Москвы, 2009 ковер, акрил 220 х 225 см

Новый Манеж Георгиевский переулок, 3