ARTE EN RESISTENCIA - VENEZUELA

Ediciรณn especial, dedicada al Arte venezolano contemporรกneo - Issue 10 / Junio/Julio 2019

VENEZUELA

ARTCLUB magazine

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Textos: Martha Traba Peran Erminy

Contenido

Zoilo Abel Rodríguez Margarita Gómez Carrasco Arturo Carrión Farías

José Campos Biscardi Martha Rodríguez Julio Pacheco Rivas Edgar Guinand Carlos Zerpa Francisco Bugallo Arturo Carrión Rafael Bogarín Teresa Gabaldón José Coronel Aureliano Alfonso Luis Melf Esparragoza Alirio Infante Karim Borjas Carlos David

Eduardo Planchart Licea José Gregorio Noroño Joan Esteban Mercado María Luz Cárdenas Edgar Cherubini Lecuna Carlos David Luisa Elena Díaz Artigas Karim Borjas Gabriela Montilla Luis Velásquez Bélgica Rodríguez Héctor Mujica Milagros Bello

Carlos Poveda

Ramón Vásquez Brito

Víctor Parra …

Luis Ángel Duque

Martha Domínguez ….

Rodolfo Rodríguez

Arturo Millán

Juan Calzadilla

Hayfer brea

José Lira Sosa

Mirna Salamanqués Víctor Julio González Elías Toro Alejandro Bello Pavel Bastidas Ana Jeremías Lenín Ovalles Oscar Villamizar

Aquiles Ortiz Manuel Malaver Manuel Quintana Castillo Roberto Guevara Katherine Chacón Raúl Azuaje Marisol Prada ARTCLUB magazine 4 Gabino Matos

Colaboradores:

Artistas participantes José Campos Biscardi Revista cultural digital, dedicada a la difusión y promoción del arte internacional

Martha Rodríguez Julio Pacheco Rivas Edgar Guinand Carlos Zerpa Francisco Bugallo Arturo Carrión Ismael Mundaray Rafael Bogarín Teresa Gabaldón José Coronel Aureliano Alfonso Luis Melf Esparragoza Alirio Infante Karim Borjas David Carlos Carlos Poveda Víctor Parra

ARTCLUB magazine, no es responsable por los textos, comentarios e imágenes contenidos en sus paginas, ello corresponde a cada autor o colaborador

Director: Arturo Carrión Farías Gerente de Publicaciones: John Michel Carrión Gerente de Publicidad: Virginia Villanueva Guevara

Martha Domínguez Arturo Millán Hayfer brea Mirna Salamanqués Víctor Julio González

Diseño & Maquetación: AC53 Digital studio Imagen de Portada: Arturo Carrión

Elías Toro

Producción y Edición: ACF ediciones

Alejandro Bello

Venezuela/España - 15 /Junio - 15 / Agosto 2019 Publicación Bimensual Contraportada: “The Beach” by arturoCarrión

Pavel Bastidas Ana jeremías Lenín Ovalles ARTCLUB magazine 5 Oscar Villamizar

Editorial

ARTE EN RESISTENCIA Actualmente Venezuela es un país sin su brillo natural, desdibujado, hecho dolor y trizas, entelequia y desaliento en el que la mayoría de sus habitantes sufre y sobrevive en el límite de sus condiciones humanas. Nos recuerda que el peor de los males morales que un poder de carácter totalitario es capaz de desatar en una sociedad está en la crueldad cotidiana que aplica de manera enfermiza y continuada a todos sus ciudadanos. La pasividad y la indolencia de la comunidad internacional ha sido cómplice de la situación actual que padece Venezuela. Muchos países, por diferentes razones u oscuros motivos económicos, fueron permisivos con la violación de las libertades consagradas en la organización de las naciones unidas, las persecuciones y encarcelamiento de líderes políticos y de todos aquellos que han tenido el coraje de enfrentar la barbarie del narco-estado dictatorial que los azota y donde muchos, la mayoría jóvenes universitarios han perdido la vida.

Era una crisis ya anunciada. En Venezuela, este régimen solo aparenta respetar uno de los principios de la democracia como son las elecciones que ellos desde hace 18 años la convirtieron en un fraude electoral permanente.

Desde que Hugo Chávez asumió la presidencia de Venezuela en 1999, su más transcendental e importante propósito consistía en desaparecer, eliminar de la memoria del ser venezolano y de la historia reciente al periodo gubernamental de la cuarta república y sus protagonistas. Tema que soluciono sin muchos preámbulos. Propuso a sus seguidores, que lo apoyaron hasta el cansancio, cambiarlo todo en Venezuela de acuerdo a sus propósitos. Desde el nombre, los símbolos patrios, la imagen de Simón Bolívar hasta la Constitución. Poco a poco lo fue logrando, el país pasó de un sistema democrático a un régimen socialista dictatorial. Quizás “El gran legado de la salvaje y tiránica obra de Chávez”, que aún prevalece con mayor acentuación cinco años después de su muerte, es la fuerte polarización política que llegó a terrenos impensables para la sociedad venezolana, intentando destruir sus raíces y origen a través de lo más endógeno en los venezolanos: la cultura.

Para analizar la cultura en Venezuela en estos últimos 18 años, debemos partir de dos polos claramente diferenciados: La oposición y el chavismo. La oposición de la intelectualidad, no de sus mediocres políticos de nuevo y viejo cuño y en general de la verdadera cultura venezolana que lucha y resiste los embates del régimen dictatorial que envilece al país, para rescatar y evitar que la cultura en todas sus manifestaciones artísticas de primer orden desaparezca, no dejándose avasallar por los esbirros del régimen.

Confrontando y valiéndose de los pocos espacios que el régimen no ha podido controlar para su beneficio ante la ciudadanía. El arte venezolano y sus protagonistas siguen sufriendo en la debacle de este régimen dictatorial que acabo con la boyante y estable economía que disfrutaba Venezuela en las décadas anteriores de caer en manos de Hugo Chávez y sus secuaces con la implementación de su entelequia conocida como “Socialismo del siglo XXI”.

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Los artistas plásticos en sus variadas manifestaciones, adversos al régimen, solo han sobrevivido con cierto apoyo de algunas galerías e instituciones culturales privadas y educativas. La cultura oficial venezolana está literalmente en quiebra. En estos últimos meses sus protagonistas y reconocidos representantes se resisten a desaparecer y dejar el campo libre a la mediocridad de muchos “artista” y seudo-artista que aceptaron, mediante grandes sumas de dinero apoyar desde sus inicios al narco-régimen que todavía se sostiene en Venezuela.

Solo han sobrevivido con cierto apoyo de algunas galerías e instituciones culturales privadas y educativas. La cultura oficial venezolana está literalmente en quiebra. En estos últimos meses sus protagonistas y reconocidos representantes se resisten a desaparecer y dejar el campo libre a la mediocridad de muchos “artista” y seudoartista que aceptaron, mediante grandes sumas de dinero apoyar desde sus inicios al narco-régimen que todavía se sostiene en Venezuela. El lema para confrontar al régimen ha sido “Cultura en resistencia”. En las últimas semanas, todos los gremios han publicado manifiestos a favor de la democracia y en contra del régimen dictatorial ejercido por el inmoral y patético Nicolás Maduro. La gran mayoría de los verdaderos y talentosos artistas plásticos venezolanos han salido o están en proceso de abandonar el país, formando parte de la “Diáspora cultural venezolana en el exilio” y una de las razones más importantes es que no consiguen materiales para seguir desarrollando su obra.

El rechazo de las variadas manifestaciones culturales contra el régimen es tal que Artistas plásticos, Fotógrafos, Cineastas, Actores, Directores de cine y televisión, Escritores, Poetas, Diseñadores, Músicos, Artesanos, Compositores, Galeristas, Humoristas, Dramaturgos, Periodistas, Filmsmaker, Youtubers, Atletas, Boxeadores; también han renunciado a recibir reconocimientos o prebendas otorgadas por el régimen. Unos de los últimos casos de reciente data es el de las películas “Desde allá”, de Lorenzo Vigas, y “Tamara”, de Elia K. Schneider. Ambos directores se negaron a participar en los Premios Municipales de Caracas, controlados por el régimen.

El régimen, desde que tomó por asalto las instituciones culturales venezolanas de la mano de Hugo Chávez y ahora de su sucesor impostor Nicolás Maduro, ha utilizado toda la plataforma cultural para realizar propaganda política en su beneficio, resaltar el legado de Chávez y promover la nueva e ilegal Constituyente: “Nada haría más feliz al gobierno militar que la auténtica y genuina cultura venezolana y sus creadores desaparezcan del todo y que los actos cuartelarios y televisivos se entronicen en la ya bastante condicionada conducta de cierto porcentaje de venezolanos, con arpa, cuatros y maracas, acompañados con background de pedestres y folklóricos escenarios con la foto-imagen del comandante difunto. Que esa imagen sea la única expresión estética del país para el mundo. Dos décadas atrás, Venezuela era un referente artístico y cultural en América Latina y el caribe, pero hoy enfrenta no solo la escasez de alimentos, medicinas y seguridad ciudadana; también la carestía cultural.

El control cambiario y la salvaje e indetenible inflación producto de las mas viles e inoperantes medidas económicas orquestadas por una manada de imbéciles economistas, han aislado totalmente al país. Si bien en 2005 se creó el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, su gestión no ha pasado de ser un total fracaso, logrando el régimen, de la mano de su creador Hugo Chávez y sus “Esbirros intelectuales asalariados”, hacer desaparecer las más importantes e icónicas instituciones culturales de un país que era democrático y culturalmente de los más avanzado del continente Americano.

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Este grupo de artistas plásticos presentados en este numero especial de ARTCLUB magazine del arte contemporáneo venezolano, en sus variadas manifestaciones, Asumieron el riesgo de participar en una extraordinaria exposición de carácter colectivo y ecléctico, donde solo coinciden los artistas plásticos representados en ella por sus obras, independientemente de sus conceptos estéticos y de lenguaje, conjuntados en una causa común: “La resistencia que enfrenta culturalmente la nación Venezolana” a un narco-estado dictatorial que pretende desaparecer todo atisbo o manifestaciones artísticas que no se rijan por sus patrones y oscuras pretensiones hegemónicas de poder y que ellos consideran una amenaza a sus trasnochados ideales socialista-comunistas, con el solo propósito de seguir delinquiendo y desmantelando la riqueza del país. Es importante destacar como artistas profesionales, que desean seguir desarrollando su obra en Venezuela, incluyendo la “Diáspora cultural Venezolana” en el exilio.

Arturo Carrión Farías

Imagen: John Michel Carrión Díaz - 2018 ARTCLUB magazine 8

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Martha RodrĂ­guez (GUEZ) ARTCLUB magazine 11

JosĂŠ

Campos Biscardi ARTCLUB magazine 12

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Pintor. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cúcuta (Colombia) y en la Escuela de Artes Plásticas de San Cristóbal. Desde 1953 reside en Venezuela.

En 1964 realiza la muestra "Pinturas" (Casa de la Cultura, Cúcuta, Colombia) y un año más tarde expone una serie de óleos en la Sala de Exposiciones de la Biblioteca Pública de San Cristóbal. Desde sus inicios hasta la actualidad ha trabajado la figuración: formas fragmentadas cubiertas con mallas sobre espacios planos combinados con imágenes de nubes provistas de inscripciones caligráficas, a semejanza de balones de historietas. Esta iconografía ha encontrado en el acrílico con plantilla una técnica de gran eficiencia. En 1968 expuso en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, donde Marta Traba conoció su obra: "Campos se alindera junto a un buen número de artistas jóvenes que han logrado una amalgama muy viable de pop surrealismo, después de rechazar con igual decisión tanto el traslado literal del pop americano como el concepto histórico del surrealismo y dadaísmo europeos. Las fuentes donde se alimentan estos nuevos productos son, en la mayoría de los casos, el pop pintado inglés y el surrealismo vía Magritte, un 'rescatado' que crece día a día, un alimentador de nubes y objetos preciosos y precisos, un soñador de situaciones concretas, cuya veracidad lírica ha tocado sensiblemente esa tendencia juvenil que anoto. La obra de Campos Biscardi se apoya en tales cimientos, pero luego se estructura sola con una firmeza inventiva que resulta su mayor mérito. Porque la invención es firme y planeada, puede reconducir hasta el sentido: ahí se define la forma nueva como un hecho indiscutible pero impregnado de misterio" (1968). Este mismo año organizó una muestra colectiva en la Galería Nueva Generación (Caracas), como confrontación entre los jóvenes artistas que representaban una vanguardia neofigurativa. En 1974, con El día que inauguraron el Campeonato Mundial de Fútbol, ganó el Premio Arturo Michelena en el XXXII Salón Arturo Michelena, incorporando por vez primera la temática deportiva a su obra, una irónica crítica a todo el entorno presente en tal evento: la madrina, el árbitro, el jugador y los espectadores.

Es relevante el tratamiento de las piernas del futbolista, así como los pantalones del árbitro. Esta obra de Campos Biscardi, así como las sucesivas, integran paisajes fantásticos con globos, nubes, paraguas y cajas sobre grama verde.

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En 1979 recibe el Premio Fundarte que le permite radicarse en Nueva York hasta 1980. Durante su estadía en esta ciudad, participó en "Paper in Particular" donde envió una obra realizada con la técnica copifotografía (diapositivas procesadas sobre papel), realizó una serie de obras inspiradas en el metro de Nueva York, Manhattan Project, agrupación de numerosas secciones de cilindros cortados a diversas alturas, sobre las cuales distribuyó los símbolos que caracterizan su obra: nubes, piernas, medias a rayas, paraguas, cajas, paisajes, etc. El artista siguió trabajando en dos dimensiones, sólo que a partir de ese momento pasó de las superficies planas a las curvas. La tela tensada sobre un bastidor rectangular, que constituye el soporte usual de la pintura, aparece de manera bidimensional como la cara de un dado o paralelepípedo que acepta diversos puntos visuales. En 1980 expone en la Galería Serra de Caracas y, en 1981, es seleccionado junto a otros artistas, para representar a Venezuela en la XVI Bienal de São Paulo. También en este año exhibe en la Galería De Armas (Miami, Florida, Estados Unidos), 40 obras realizadas en acrílico sobre tela, entre las que incluye Los burócratas, Los antros y El Ávila, y participa en la I Bienal Regional de Artes Plásticas de Oriente (Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz). En sus últimos trabajos Campos Biscardi emplea el color en función de una atmósfera que destaca la yuxtaposición de planos en su obra, caracterizada por un clima fantástico en el cual la figura humana y algunos elementos de la naturaleza —como nubes, campos y densas gramas—, se integran en una unidad simbólica. Entre 1980 y 1990, su temática no varió significativamente.

Participó en numerosas muestras individuales y colectivas; en el II Festival de Cámara de la Colonia Tovar (1988) realizó un afiche, El fantasma del stradivarius que ronda en la Colonia Tovar, basado en una leyenda de los coloneros. En 1990 elaboró la escenografía de la obra teatral Los muertos las prefieren negras, de Andrés Eloy Blanco, interpretada por la Compañía Nacional de Teatro.

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Por su tratamiento y elementos, la obra de Campos Biscardi es una mezcla entre lo real y lo onírico. El artista no pinta cuadros en el sentido tradicional, sino que realiza afiches de diferentes dimensiones. Su obra es una imagen concebida para ser reproducida y tiene una técnica gráfica peculiar: el uso de plantillas para contornos definidos, tintas planas, acrílicos, masas precisas, medios tonos y colores industriales. De su trabajo, la GAN posee en su colección dos serigrafías datadas de 1987.

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Autor: JosĂŠ Campos Biscardi ARTCLUB magazine 17

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Rodríguez (Guez)

Martha

Se entiende por obsolescencia programada, el final de la vida útil de un producto o un objeto. Este fin está programado porque fue previamente calculado por el productor para fines puramente económicos. Por lo tanto, nuestra vida moderna está condicionada por este hecho, porque además de afectar nuestra propia economía, comenzamos a acumular o eliminar más y más desperdicios. Esto sucede de diferentes maneras. Por ejemplo, una bombilla que se agota rápidamente o una máquina que se descompone, se reemplaza en lugar de repararse.

La artista destaca, que la obsolescencia programada funciona como una alegoría.

A través de esta idea, Martha Guez, artista, escultora, dibujante y diseñadora gráfica franco-venezolana, se pregunta sobre la situación de la artista, su propia situación, cuando se enfrenta a una hoja de papel en blanco. En medio de un contexto donde los medios y herramientas digitales casi han reemplazado el arte tradicional del dibujo. Un fenómeno que no solo ocurre en el campo del diseño, sino también en el campo de las artes visuales.

La tecnología digital no solo ha reemplazado el lápiz y el papel como medio de expresión artística, sino que también ha cambiado el vocabulario e incluso los parámetros que determinan los elementos de la expresión. Basta con ver qué pasa con el punto, el elemento expresivo más original y esencial que hoy es equivalente a un píxel. Digitalmente, dibujamos y pintamos con píxeles. En cierto modo, recuerda el principio de que una línea está formada por una sucesión de puntos. Por lo tanto, las formas se dan a partir de la manipulación de estos píxeles. La línea manual es reemplazada por el mouse y la materialización de este trabajo depende de la calidad de la impresión.

Desde este punto de vista, el papel como medio parece volverse obsoleto. Así, la bola de papel se convierte en la imagen más elocuente, evocando el desperdicio que llena la basura, y recuerda, como Martha señala, la sabiduría de este gran artista que es Pablo Picasso cuando consideró "la herramienta la Lo más importante del estudio de un artista ".

Lejos de cuestionar los nuevos medios y los cambios que se están produciendo en el arte contemporáneo, se trata aquí de considerar esta imagen de desperdicio como una alegoría de la obsolescencia, incluso al lograr superar este punto fuerte. sensación de vacío y angustia producida por el papel blanco cuando el artista crea desde cero.

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MARTHA RODRIGUEZ Martha Rodríguez (Martha Guez), artista venezolana - francesa, nacida en Caracas en 1956. Después de es- tudios gráficos en Caracas y París, donde se trasladó del diseño gráfico a las artes visuales. Actualmente vive en Nogent-sur-Marne en Hameau des artistes". Su búsqueda artística consiste en diferentes etapas visua- les, espaciales, se ubica entre 2 y 3 dimensiones, entre técnicas. La constancia es su gran aliada en la forma de todo lo que surge en su ser, apoyado en un lápiz, un lienzo, una madera, vidrio, acrílico, etc.

Descubrir transparencias, jugar con luz, blanco, negro, líneas y universos a tientas, guarda la simplicidad sublime que emerge de las curvas o las ondulaciones.

Participa en numerosas exposiciones individuales y colectivas, ferias y exposiciones bienales: Venezuela, Estados Unidos, Francia, Suiza, Bélgica, México, Hungría, entre otros.

Estos fotomontajes digitales son el resultado de mi trabajo que es un reflejo en el espacio, así como en una búsqueda visual tridimensional, de otra manera, para crear nuevos ambientes a partir de elementos estructurales.

En la actualidad, todas estas imágenes impresas son pruebas de artistas, Obras únicas, que preceden a un dibujo definitivo. Este trabajo me permitió explorar el Mundo secreto de mi pensamiento y hacer posible lo imposible.

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Martha Rodríguez, la transparencia que da magia ante la luz Por Margarita Gómez Carrasco Las obras de arte de Martha Rodríguez nos transportan a un lugar donde reina la sutileza, donde se respira equilibrio, movimiento y vida. En todas sus esculturas se avizora su alma. Nos deja pensando en los materiales que emplea, con trozos de vidrio atravesados por estructuras de acero, en las que se da una conjunción estética y el juego peligroso que implica su tallado. No hay rosa sin espina o mejor, o como dice Simone de Beauvoir: «Porque el hombre es trascendencia, jamás podrá imaginar un paraíso. El paraíso es el reposo, la trascendencia negada, un estado de cosas ya dado, sin posible superación».

Tuve la oportunidad de entrevistar en París a Martha Rodríguez, una artista venezolana radicada en ese país desde hace más de treinta años. Exhibió sus obras en importantes museos y galerías de Venezuela, Francia, Hungría, Estados Unidos, Suiza, Alemania y Egipto, entre otros países. Algunas de sus obras están instaladas en espacios públicos, otras pertenecen a colecciones públicas como la del Museum of Geometric and MADI Art en Dallas, EE. UU., Caixa Nova en Ourense, España, y KoKapu en Hungría. Durante la charla que tuvimos, me mostró algunos de los catálogos que documentaban su recorrido artístico. Puso el acento en el concurso de la Bienal de Guadalajara, con su proyecto Rebozos ―después me enteré que había obtenido el primer premio―. Para esta artista, ese acontecimiento significó una bisagra. Empezó por buscar una razón y se topó con el protagonismo de la mujer en la independencia. Se dedicó a estudiar y escudriñó hasta que encontró un símbolo que le sirvió para crear una forma, el rebozo, una prenda femenina de vestir, usada en México, con forma rectangular y de una sola pieza, y que puede ser usado como bufanda o chal. A menudo, las mujeres lo usan para cargar a sus hijos y para llevar productos al mercado. Durante la independencia de aquel país, las mujeres transportaban el maíz y la leña a sus espaldas, y también lo utilizaron para cubrir a los heridos.

En 2010, Martha hace una ruptura con el vidrio, empieza a estudiar los pliegues que luego aplicará en los rebozos. Se podría decir que, en aquel momento, empieza a desplegar su alma y mostrar otras cosas que va descubriendo y que la plasma en su obra. En la conversación, se deslizan palabras como «claro y transparente» y también afirma que «la transparencia es porque da un poco de magia ante la luz y el aire. Lo claro fue mi problema estético, ya que la creación se me presenta como un hecho abstracto, similar a los vidrios con los que los empiezo a trabajar desde 1995. Luego, se produce una ruptura, y empiezo a experimentar con otros materiales y con obras de mayores dimensiones para los espacios públicos». Me intriga saber cuándo y cómo descubrió su vocación de artista. Al preguntarle, me confiesa que fue a los treinta y cinco años, cuando trabajaba en diseño grafico. Por aquel entonces, tuvo la necesidad de pegar un salto de fe y de coraje para lanzarse a la creación, porque quería descomponer la estructura y el espacio, para reconstruirlos. Y acota con una sonrisa: «Me eduqué con el circulo y el cuadrado, tuve que romper todo para construir».

La obra de Martha Rodríguez está llena de luz y de vida; pero no por ello todo es tan claro, ya que sus magnificas esculturas conllevan un halo de misterio, algo que la artista aún prefiere dejar guardado en sus pliegues. En la actualidad, trabaja como docente, enseña a dibujar. Atraviesa un periodo en el cual desea lograr la excelencia, o sea, el justo equilibrio visual. Piensa que la contemporaneidad es relativa y tiene razón: es difícil ser actor y juez al mismo tiempo.

Martha es una artista audaz y multifacética, con una obra versátil, reflexiva, exquisita, que no tendrá que esperar hasta los setenta porque ya tiene la trascendencia asegurada.

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Reflejos y transparencias de Martha Rodríguez La importancia de esta breve muestra del trabajo artístico de Martha Rodríguez consiste en que por primera vez se da a conocer en Venezuela algo de lo que es la excelente producción creadora de una artista venezolana que desde hace unos treinta años reside en Francia y ha desarrollado allí, con un éxito creciente, una obra valiosa, personal y destacada, que hasta ahora permanecía inédita en Venezuela.

Martha Rodríguez es una artista versátil, reflexiva, rigurosa y sensible, que ha cultivado el dibujo, la pintura, el diseño, el grabado y sobre todo la plástica tridimensional, por no decir la escultura, desde los relieves hasta móviles, instalaciones, ambientaciones, fuentes con agua fluyente, y otras experiencias que incluyen iluminación poli cromática variable. Algunas de sus obras monumentales están instaladas en espacios públicos. Otras se hace públicas por otros medios, como el logo de la ciudad de La Rochelle, en Francia.

La obra de Martha Rodríguez tiene muchas afinidades con esa corriente nueva de la plástica venezolana, influida por las reticuláneas de Gego y por las esferas y cubos inmateriales de Soto, que coinciden en la inmaterialidad, lo aéreo, la transparencia y la liviandad, como dibujos en el aire.

Los elementos fundamentales en la obra de M. Rodríguez son: la transparencia, la luminosidad, la levedad, la síntesis, la abstracción, lo circular, el movimiento virtual, lo racional y lo sensible.

Como un intento por definir su obra, la propia artista escribió, en francés, en el libro que le editaron en Francia con comentarios muy elogiosos de varios críticos y artistas, entre los cuales figura Carlos Cruz Diez; Martha Rodríguez afirma: “Cualquiera que sea el proyecto en que trabajo, la naturaleza de mi propósito estará siempre vinculada a la transparencia. Es un diálogo entre conceptos opuestos que se entrelazan en equilibrio, planteando numerosos problemas visuales, formales y conceptuales (antónimos y sinónimos): visible-invisible, simetría-asimetría, opacidadtransparencia” (tal vez quiso decir: antinómicos y homólogos, en lugar de limitarse al valor lexical de antónimos y sinónimos).

Por su parte, Carlos Cruz Diez escribió, acerca de la obra y la personalidad de la artista, que es una “…investigadora tenaz, con una percepción aguda de lo sutil, de lo que muy pocos logran percibir”, añadiendo que, en su praxis plástica y gráfica “… sus obras manifiestan una personalidad fuerte, expresada en soluciones siempre refinadas y exquisitas (…). En sus realizaciones de estructura espacial, la transparencia es la materia-prima de su investigación, y a través de ella la artista nos hace sentir en su discurso, que puede ir más allá de la inmaterialidad de su propia condición de transparencia. Es una metáfora de lo ambiguo, una experiencia que materializa lo inmaterial, mientras lo material deviene estructura aparente”.

Poco antes de su muerte, el crítico francés Gastón Diehl, quien realizó una gran labor crítica y promocional del arte venezolano durante el largo período de su residencia en el país, escribió en 1996 lo siguiente: “Hace falta valor, y a Martha Rodríguez no le falta, para pasar de una técnica a otra, del grafismo a la expresión pictórica (…) manteniendo un cierto lazo con el punto de partida. Luego, con un convincente poder de sugestión, logra entrecruzar finas varillas, con ingenio, o darles profundidad, o mezclarlas con otros elementos, variando, introduciendo un fondo de color, se lanza audazmente a la conquista del espacio. Aprovechando esa apertura comienza a explorarla experimentando una materia noble, a la vez resistente y frágil, el vidrio, sustento de la imaginación y los sueños. Le deseamos que continúe desarrollando tan fascinante aventura”.

En el libro de Martha Rodríguez, así como en los catálogos de sus exposiciones personales y los respectivos comentarios de la prensa, hay muchos escritos, de los cuales se pueden extraer fragmentos como éstos que hemos citado. En los textos del libro no se mencionan ciertos conceptos y ciertas cualidades que son importantes en la obra de la artista, y que hemos señalado al comienzo de estas páginas (en el cuarto párrafo de la primera). Entre esos elementos que consideramos fundamentales figura el problema del movimiento.

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El movimiento, en la obra de Martha R., puede ser real, potencial, virtual, ilusorio, imaginario, referencial, causal, especulativo, asociativo. Algunas obras, por ser colgantes (de una cuerda), implican un movimiento giratorio, que a veces genera otros movimientos interiores derivados del primero. Estos movimientos, y otros semejantes, entran en la categoría de los movimientos físicos, de desplazamientos. Todos ellos provocan una percepción variable, por aceleración, rapidez, lentitud, oscilación, balanceo, bamboleo, fluctuación, vibración, discontinuidad, irregularidad, etc.

Otros movimientos pueden ser irreales, sugeridos o aludidos, o referenciales y asociativos, o ilusorios y virtuales, como los que derivan de la lectura visual de las formas reales, por las repeticiones regulares de contrastes violentos, por las sinuosidades de los volúmenes ondulantes, por la inflexiones de las curvas serpenteantes, por lo sincopado de los saltos y quiebres bruscos, por las sacudidas inesperadas de la mirada, etc. También se producen cambios y movimientos por las variaciones en la incidencia de la luz y de sus reflejos, por ejemplo, o por el efecto poderoso de la iluminación estroboscópica.

El movimiento, en las obras de Martha, se manifiesta, o se percibe, también, como energía contenida, o como juego de tensiones visuales. O bien, el movimiento concebido como algo más general onmiabarcante, como el referido por Heráclito: como el modo de existir de todas las cosas. En ese sentido todo cambia, y todo cambio proviene del encuentro antagónico de sus elementos constitutivos, de su origen genésico contrastado. Así, el movimiento cambiante es la continuación del conflicto fundacional originario, que deriva en otras antagonías subsidiarias, que conforman la dialéctica, la de Hegel, no la del estalinismo, porque es más bien lo contrario: nada se destruye, sólo se transforma.

Lo malo del asunto es que la idea de cambio, de transformación, se inflacionó en hiper-polisemia vaciada de contenido práctico y material. Pero se mantiene viva en forma fantasmal en ese mundo otro que es el reino de las artes.

La voluntad disruptiva, de romper con lo establecido, de transgresión radical contra los cánones del arte, de cuestionar los paradigmas, de parodiar y ridiculizar los modelos artísticos de moda, no aparece de un modo ostensivo ni evidente en las obras de Martha Rodríguez, salvo en el uso de los disparos contra vidrios que estallan, que sorprende por su inusual e inesperada violencia agresiva, que no corresponde a la sobriedad y la racionalidad de la conducta expresiva de la artista, ajena a truculencias, provocaciones, estridencias y desplantes escandalosos en su trabajo, más bien dado al desarrollo sistemático y riguroso de sus investigaciones. Esto no quiere decir que el disparo de fusil sea un innecesario acto escandaloso, ni que la artista sea poco inconformista. Su voluntad de innovación y de cambio es permanente, pero discreta y sobria.

A medida en que uno va penetrando en los problemas que se plantean en las obras de Martha Rodríguez, se van abriendo campos de reflexión ilimitados, que no caben en estas páginas, sobre todo si consideramos que cada problematización se va haciendo cada vez más compleja y hermética.

Cada detalle, como el de las elipsis virtuales, con espacios y tiempos que se suprimen en los cambios de plano o secuencia. Y su correspondencia con el hecho sintáctico de suprimir uno o varios elementos en cada núcleo o conjunto formal. Las omisiones y supresiones psíquicas son también dignas de interés. Tal vez todo se simplificaría si uno dominara la geometría y la matemática, además de la computadora. Pero, para sentir y apreciar una obra de Martha Rodríguez no se requiere ninguna especialización matemática. Basta con disponerse a dialogar desprejuiciadamente con ella.

Seguramente quedará con deseos de volver a hacerlo.

Perán Erminy ARTCLUB magazine 28

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Julio Pacheco Rivas Con más de cuatro décadas de trayectoria ininterrumpida, Julio Pacheco Rivas ha venido desarrollando desde sus inicios como pintor un lenguaje distintivo y singular que lo ha colocado de manera destacada en el arte contemporáneo de Venezuela.

Nacido en Caracas en 1953, Julio Pacheco Rivas tenía apenas 14 años de edad cuando realiza su primera exposición individual. Obtiene desde entonces altos reconocimientos que le aseguraron un puesto de primer nivel en las artes plásticas venezolanas del siglo XX y que se ha consolidado con notoriedad en esta primera década del presente siglo. En 1976, cuando apenas contaba con 23 años, le es otorgado el prestigioso Premio Arturo Michelena, siendo el artista más joven en recibirlo.

Un año más tarde viaja a París donde reside, trabaja y expone individual y colectivamente durante largos años, tanto en la capital francesa como en otras importantes ciudades de Europa.

Ha participado en importantes bienales internacionales como las de Venecia, Beijing, Mercosur, Cagnes sur Mer, Sao Paulo y París. Y ha obtenido premios como el de la AICA, el del Salón Nacional de Artes Plásticas de Venezuela, el del Jurado del Premio Internacional de Arte Contemporáneo de Mónaco, el Premio de la Fundación Vitry sur Seine de la Bienal de Cagnes sur Mer, entre otros. Su obra está representada en museos en Venezuela, América Latina, Europa y Asia, y en significativas colecciones tanto públicas como privadas.

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Nace en Caracas en 1953 - Artista Plástico - Formación autodidacta.

Exposiciones Personales 2011 Trabajos Recientes, Galería La Cuadra, Caracas.

2007 Negro y Blanco, Galería D’Museo, Caracas 1999 FUGAS: Fundación Provincial, Caracas.

1996 Centro de Arte Grupo LI, Caracas 1990 Bienal de Venecia, en representación de Venezuela.

1989 Museo de Bellas Artes, Caracas.

1985 Galerie Renoir, Espace Latina , París. Sala de Exposiciones , Fundación Eugenio Mendoza , Caracas.

1983 Galerie Municipale de Vitry sur Seine, Francia.

1980 Estudio Actual , Caracas.

1979 Galerie des editions “le Musée de Pôche”, París.

Unité Pédagogique d’Architecture de Nantes, Francia.

1976 Estudio Actual , Caracas 1974 Galería del BANAP, Caracas.

1968 Universidad de los Andes, Mérida, Venezuela.

1967 Galería Isla , Caracas.

Bienales 2008 Bienal de Beijing 1997 Bienal del MERCOSUR, Brasil 1990 Bienal de Venecia .

1985 Bienal de La Habana .

1982 Bienal de Cagnes sur Mer. Bienal de Sao Paulo .

1977 Bienal de París.

Salones 1988 Grands et Jeunes d’Aujourd’hui Grand Palais, Paris 1985 Salon de Montrouge, Francia 1983 Salon de Mai, Paris 1976 Salón Arturo Michelena, Valencia, Venezuela.

1974 Salon Nacional de Jóvenes Artistas Ferias Internacionales 2005 Foire Internationale d’Art Contemporain (FIAC), París 2005 Feria Iberoamericana de Arte (FIA) Caracas.

(2007, 2008) 2002 ARCO Madrid 2002 Foire Internationale d’Art Contemporain (FIAC), París ARTCLUB magazine 33

Premios 2009 Premio de la Asociación Internacional de Críticos de Arte, AICA, capítulo venezolano.

1988 Premio del Salón Nacional de Artes Plásticas de Venezuela.

1983 Mención Especial, II Bienal de Jóvenes Artistas, Venezuela.

1982 Premio de la Fundación Vitry sur Seine, Francia. Mención Especial, Bienal de Cagnes sur Mer, Francia.

1980 Premio del Jurado, XII Premio Internacional de Arte Contemporáneo de Mónaco.

1976 Premio Arturo Michelena, Valencia, Venezuela.

1975 Premio Andrés Pérez Mujica , Valencia, Venezuela 1974 Premio Bolsa de Trabajo, Salón Nacional de Jóvenes Artistas, Caracas.

Colecciones Públicas 2008 Beijing Internationale Art Biennale Organization, Beijing 1997 Biblioteca Nacional de Colombia, Galería “Luis Angel Arango”, Bogotá.

1997 Galería de Arte Nacional, Caracas.

1990 Museo de Bellas Artes , Caracas.

1989 Galería de Arte Nacional , Caracas.

1982 Museo de Arte Contemporáneo de Caracas.

1985 Museo de Arte Contemporáneo de Managua.

1982 Colección de la Ville de Vitry sur Seine.

1980 Bureau des Museés de la Ville de París.

1980 Fonds National d’Art Contemporain, París.

1979 Galería de Arte Nacional, Caracas .

Obras a Escala Urbana 1991 Mira de Alta Mar, Esculturapaisaje, distribuidor Altamira, Autop.

Fco. Fajardo, Ccs. 1990 Vuelo Cruzado, Escultura en hierro, Parque los Caobos, Caracas.

Publicaciones 1989 Julio Pacheco Rivas : Memoria de Espejos, texto de Roberto Montero Castro y otros autores, editado por la Fundación Mercantil, 150 PP, español-inglés

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EL ARTE DE LAS ESTRUCTURAS “Él es muy arquitectónico, muy geométrico. Eso es lo que me gusta de sus obras”, comenta la encargada del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Martha Arocha. El artista expresa que al conocer la obra del pintor venezolano Emerio Darío Lunar vio en esas perspectivas y estructuras geométricas lo que él quería hacer. Sin embargo, “él incluía a seres humanos, cosa que yo nunca hice,” aclara el pintor y justifica que en sus obras “la figura del hombre está presente por su ausencia.” “Yo creo que es un arte futurista, no es fácil de entenderlo. Podría decir que los colores que usa mi tío, son casi únicos”, considera su sobrina Claudia González sobre las obras de Pacheco Rivas. Efectivamente, el pintor dice que a lo largo de su trayectoria artística ha insistido en usar “colores asordinados”, que los define como aquellos que no expresan todo su brillo. Sol Bendayán, escritora para la revista Escáner de Chile, narra que sus coloraciones son de “épocas anteriores basadas en tonos pasteles que generan una visión contaminante del entorno”.

El maestro Julio sugiere que la escogencia de esos colores es un reflejo de su personalidad. Esos mismos tonos se aprecian en su Autorretrato de 1989. “¿Qué quise transmitir? Nada, es mi autorretrato en la manera en que yo pinto las cosas y es también una forma de hacer humor”, cuenta entre carcajadas refiriéndose a su cuadro que recuerda a un satélite de tonos claros sobre un fondo azul.

No todas sus obras son espacios en los que el ser humano se desplaza, aunque no esté. También, el maestro tiene varias obras en las que se aprecian objetos. La crítica de Arte, Tahía Rivero, expresó en una exposición del artista realizada en la Galería D’Museo que su obra ha representado paisajes que expresan, aparentemente, una carencia de símbolos, pero que en esa exposición protagonizada por diseños de escaleras, sillas y cepillos de dientes, se muestra una realidad cargada de simbología a través de objetos del día a día. “¿Un objeto que me defina? No hay uno. Pero hay una recurrencia a una forma geométrica que usé durante muchos años que es el octágono. Me gusta porque une a dos cuadrados en un mismo objeto”, sugiere pausadamente, acomodándose los lentes que descansan sobre su nariz.

Además de pintar, el artista tiene una escultura expuesta en Altamira a la altura de la Autopista Francisco Fajardo. “En los años 40 hubo un señor, y mi memoria no me da para recordar su nombre ahora, que tenía el proyecto utópico de llevar el mar a Caracas. Mira de Altamar es un homenaje a la utopía de este señor”, relata como el origen de la obra, cuyo título pareciera una suerte de juego de palabras por su ubicación. “Yo siempre he tenido estos juegos de palabras con los títulos. A veces parecen unas cosas herméticas o crípticas que uno no sabe si hay algo escondido allá atrás”, señala entre risas. Sus obras parecen mostrar a una persona muy organizada, metódica y sobria, pero él refiere que su lugar de trabajo parece más bien el de un pintor informal por todas las manchas de pintura que se aprecian en el piso. “Hay una gran contradicción entre ver mi taller, la manera en cómo pinto y el resultado final”, cuenta con una ligera risa.

Autoretrato, 1989

Cepillados, 2007

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DETRÁS DE LAS ESTRUCTURAS “Mi día a día es muy aburrido: me levanto, voy al taller y estoy hasta la noche ahí metido. Hasta hace siete años atrás, me sentaba frente a la obra, fumaba un cigarrillo y empezaba a trabajar. Ahora, solamente me siento y ya”, describe el maestro, con muy buen humor, su rutina que le apasiona y hace con gran gusto.

“Como buen artista mi tío es absolutamente despistado. Nos fuimos a Margarita y a él se le había quedado su traje de baño. Allá solo conseguimos una tanga. Él decía que era muy incómoda, y todos los que lo veían se reían, porque se la había puesto al revés”, recuerda Claudia González, entre carcajadas, como la anécdota preferida por su familia. “Me ha pasado que en una fiesta que me sirven pasapalos, y yo echaba las cenizas en ese plato, pensando que era un cenicero, porque estaba hablando con otra persona y no estaba pendiente de lo que pasaba”, cuenta el pintor. “¿Con qué sueño? Bueno, con cosas del día a día, en blanco y negro y no recuerdo ninguna voz, aunque sé lo que sucede ahí… [Risas] Ahm, ¿mis metas? Es lograr ir más allá en el espacio, que fuera una expresión más rica, más original y que aportara más a la historia del arte”, confiesa el maestro dejándose llevar por la gracia de la confusión.

Julio Pacheco aclara que tuvo el privilegio de que sus padres aceptaran sin mayor problema que él fuese un artista. Comenzó a estudiar derecho para complacer a su familia y cuando estaba por terminar la carrera, se ganó el premio Arturo Michelena y tuvo la oportunidad de una bolsa de trabajo para estar en París. “Mientras estaba ese año en Francia, mi papá me mandaba artículos de un abogado y pintor llamado Tulio Chiossone como diciendo: éste se graduó y es pintor”, recuerda entre risas.

Su familia es la que “se ha calado este rollo de ser artista, que no es fácil porque no hay un 15 ni último, ni prestaciones sociales”, enfatiza. San Cristóbal, para él, era una ciudad muy inclinada en la que le costaba andar con su bicimoto, aunque estima sus salidas al cine y tocar la batería con su grupo de rock, La Caja de Fósforos. Fue en esta urbe en la que él se sintió pintor, desde los 14 años, encontró la posibilidad de hacer una exposición en Caracas que luego hizo que saliera en la primera página de El Nacional, “cuando salir ahí era importante”, comenta.

“Dibujar y pintar siempre fue mi pasatiempo y eso fue lo que me llevó a meterme en la cabeza eso de que soy un artista. Aunque también disfruto escribir y cocinar platos horneados y rellenos. También me gusta comer pastas, carnes y la gastronomía de todo el mundo”, revela el artista.

El maestro asegura que si volviese a nacer sería artista, aunque no descarta la posibilidad de ser carpintero porque le gusta construir y trabajar con madera. Seguramente, si él volviese a nacer, nacería en Venezuela porque “es la que me ha dado todo: el ambiente para crecer y ser quién soy hoy, así como la manera de ver el mundo. Venezuela para mí es todo”, afirma el pintor.

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Ávila repartido - Acrílico sobre lienzo - José Campos Biscardi

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Edgar

Guinand

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EDGAR GUINAND CRONOLOGIA

Nace en Caracas el 12 de junio de 1943.

Estudia en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas.

Participa como escultor invitado en el taller auspiciado por la Fundación Newman a propósito de la estadía en Venezuela del escultor Inglés Kenneth Armitage. Durante los años 1965,1966´1969 y 1970. Reside y estudia en París, Francia.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES MAS IMPORTANTES

Museo de Bellas Artes,Caracas.- Galería de Arte Nacional ,Caracas.- Galería del Ateneo de Caracas. -Museo Jesús Soto, Ciudad Bolivar.- Galería Gaudi, Maracaibo.-Galería Graphic CB2, Caracas.-Galeria Muci, Caracas.Iberoamerikanisches Institut, Berlin Alemania.- Art Museum of the Americas, Washington. USA:- Bienal Internacional de Venecia, Italia.- Bienal de Arte de París, Francia.

PREMIOS Y DISTINCIONES Premio Nacional de Escultura.- Primer Premio Salón D´Empaire, Maracaibo.-Primer Premio Salón de Aragua.- Segundo Premio Salón de Aragua.- Premio Universidad de Carabobo. Salón Michelena, Valencia.- Orden Andrés Bello (corbata). -Orden Andrés Bello (medalla)-Orden 27 de Junio ( tercera clase.). Premio Armando Reverón.

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Carlos Zerpa Pintor y artista de medios mixtos. Hijo de Francisco Zerpa y Carlota Schwarzenberg de Zerpa. Estudia diseño visual en el Instituto Politécnico de Milán (1974-1976), serigrafía y fotografía en la Escuela de Arte Cova de Milán (1976-1977) y diseño artesanal en el Instituto de Expresión Colombiano (Bogotá, 1977). En 1970 inicia su actividad expositiva en la "Segunda muestra de pintores jóvenes" (Rotary Club, Valencia, Edo. Carabobo). En 1977 se desempeña como diseñador gráfico en la oficina de diagramación y diseño de la UC. Un año más tarde, en Valencia (Edo. Carabobo), presenta el performance Señores y señoras, buenas noches, así como las películas en súper ocho Orda Indiana, Efectos, 12 minutos y Film blanco, todas exhibidas en el Teatro Ramón Zapata. Asimismo organiza La carpeta, un sobre repleto de dibujos y fotocopias que constituía un proyecto de arte postal. En 1979, en el Ateneo de Valencia (Edo. Carabobo), presenta el video-performance Yo soy la patria. En 1980 exhibe "Cada cual con su santo propio " (Teatro de la Campana, Valencia, Edo. Carabobo), una muestra de carácter mágico conceptual en la cual el artista presenta el trabajo realizado en diferentes campos y con diversos medios: fotografías, copias offset, pintura, escultura y acciones corporales. Posteriormente esta misma exposición se exhibe en la Casa de la Cultura de Maracay y es censurada en vista de las presiones que ejerce la Iglesia por considerarla irrespetuosa y de mal gusto. Este mismo año presenta el performance Welcome Ms. Nation, en el XV Avant Gard Festival Charlotte Moorman de Nueva York. Durante los primeros años ochenta participa en importantes colectivas, tales como: "Arte bípedo. Reseña venezolana de los lenguajes de acción" (GAN, 1980), la XVI Bienal de São Paulo (1981), la IV Bienal de Medellín (Colombia, 1981), "Once tipos" (Sala Mendoza, 1981) y "Autorretrato. El artista como objeto/sujeto del arte" (Espacio Alterno, GAN, 1983). En 1982 se establece en Estados Unidos hasta 1984 y cursa estudios de técnicas gráficas en el Art Students League en Nueva York. En 1985 la muestra "Grrr" (MBA) consagra a Zerpa como uno de los grandes exponentes de la plástica venezolana en la década de los ochenta. En esa muestra utiliza la violencia como temática principal, reflejando la influencia del ambiente neoyorquino en su obra, conjugando armas blancas, antijoyas, dibujos, esculturas, instalaciones y ensamblajes en espacios recreados por él mismo. En la exposición "India nova" (1988), Zerpa pone de manifiesto el mundo imaginario producido por artistas europeos sobre el nuevo mundo, logrando una reinterpretación llena de sátira y reflexiones por medio de sus pinturas, esculturas e instalaciones. En 1998 participa en el LVI Salón Arturo Michelena como invitado especial. Desde esta época el artista abandona el conceptualismo y se lanza de lleno en una propuesta objetual que tiene momentos estelares representados por sus vitrinas, ensamblajes, pinturas y hasta sus publicaciones (Batido pingüino, Kick Boxer y la revista Rasgado de Boca, todas en 1999).

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"Carlos Zerpa ha sido el responsable de una exploración totalmente abierta a nuestro inconsciente colectivo, la imaginería popular, la suspensión, los símbolos patrios, la magia, los ídolos infantiles, la fábula del arte y de la historia, de sus propios demonios. Se erige como el dueño de una proposición discontinua, volteada a varios medios, adecuada tanto a las necesidades vitales como a los desarrollos propiamente conceptuales que otorga como resultado una obra coherente, profunda, compleja, profusa y siempre sorprendente en la cual el artista concentra una amplia gama de técnicas y medios" (Cárdenas, 1995). Zerpa es considerado figura clave en los orígenes del arte conceptual en Venezuela, momento en el cual ejecutó obras y performances completamente inusuales, sin renunciar al culto "fetichista" del "objeto de arte", insistiendo en el uso del tricolor nacional y la santería popular. Pertenece a una generación de artistas cuyo trabajo pictórico no sólo explora esos legados, sino que también pone a prueba los límites visuales que permiten expresar temas supuestamente sin valor estético y kitsch. Actualmente dicta clases de instalaciones, ensamblajes y performance, en el IUESAPAR, así como también en el Centro de Humanidades de Baja California (Tijuana, México) y en la Universidad Autónoma de México (Ciudad de México). La Dirección de Cultura de la UC publica en 1999, Batido pingüino. Seis historias y una entrevista, con textos de Carlos Zerpa y la entrevista hecha por Fernando Venturini.

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CARLOS ZERPA (1950 – presente) Pintor y artista de medios mixtos. Estudia diseño visual en el Instituto Politécnico de Milán (19741976), serigrafía y fotografía en la Escuela de Arte Cova de Milán (1976-1977) y diseño artesanal en el Instituto de Expresión Colombiano (Bogotá, 1977). En 1970 inicia su actividad expositiva en la "Segunda muestra de pintores jóvenes" (Rotary Club, Valencia, Edo. Carabobo). En 1978, en Valencia (Edo. Carabobo), presenta el performance Señores y señoras, buenas noches, así como las películas en súper ocho Orda Indiana, Efectos, 12 minutos y Film blanco, todas exhibidas en el Teatro Ramón Zapata.

En 1980 exhibe "Cada cual con su santo propio " (Teatro de la Campana, Valencia, Edo. Carabobo), una muestra de carácter mágico conceptual en la cual el artista presenta el trabajo realizado en diferentes campos y con diversos medios: fotografías, copias offset, pintura, escultura y acciones corporales. En 1985 la muestra "Grrr" (MBA) consagra a Zerpa como uno de los grandes exponentes de la plástica venezolana en la década de los ochenta. En 1998 participa en el LVI Salón Arturo Michelena como invitado especial. Desde esta época el artista abandona el conceptualismo y se lanza de lleno en una propuesta objetual que tiene momentos estelares representados por sus vitrinas, ensamblajes, pinturas y hasta sus publicaciones (Batido pingüino, Kick Boxer y la revista Rasgado de Boca, todas en 1999).

Ha dictado clases de instalaciones, ensamblajes y performance, en el IUESAPAR, así como también en el Centro de Humanidades de Baja California (Tijuana, México) y en la Universidad Autónoma de México (Ciudad de México).

Selección de Exposiciones Individuales 1978 - "Uno por lo menos", Asamblea Legislativa del Estado Cojedes, San Carlos.

1980 - "Cada cual con su santo propio", Teatro de la Campana, Valencia, Edo. Carabobo / "Cada cual con su santo propio", Museo de Arte de Maracay.

1981 - "Cada cual con su santo propio", Galería Contracorriente, Caracas / "Cada cual con su santo propio", Galería La Campana, Valencia, Edo. Carabobo.

1982 - "Caliente-caliente", Museo de Arte Moderno, Ciudad de México.

1985 - "Grrr", MBA / "A flor de piel y a todo pulmón", Galería Sotavento, Caracas.

1986 - "Grrr", Museo Francisco Narváez / "Grrr", Galería Braulio Salazar / "Grrr", Museo de Barquisimeto.

1987 - "Grrr", Galería Intar, Nueva York / "India nova", Sala Mendoza / "Carlos Zerpa en Japón", Artist Union, Osaka, Japón / "Amor, mora, arom, Roma", Proyecto Silvestremente, Roma.

1988 - "Art Books", Sociedad de América, Nueva York / "India nova", Museo Francisco Narváez.

1989 - "Dos mundos", Museo Francisco Narváez / "Dos mundos", Sungkyunkwan University Gallery, Seúl, Corea del Sur / "Héroes y villanos", Sala Mendoza / "Muchos héroes pocos villanos", Galería Municipal de Arte, Maracay.

1990 - "India nova", Galería Sen, Madrid / "Sólo héroes", Galería Matisse, Valencia, Edo. Caabobo.

1991 - "Commulga", Centro de Arte Euroamericano, Caracas.

1993 - "Raw eater", Galería Ramis Barquet, Monterrey, México / "Dios lo ve todo", Museo de Arte Moderno, Monterrey, México / "Play It Again…", Galería Ambrosino, Coral Gables, Florida, Estados Unidos.

1998 - "Pinturas", Alianza Francesa, Maracaibo.

1999 - "Kick boxer", Sala Mendoza / "Contacto pleno", Galería de Arte Ascaso, Valencia, Edo. Carabobo / "Budo", Grupo Li Centro de Arte, Caracas.

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Selección de Premios Recibidos 1973 - Primer premio de pintura, I Salón Anual de Arte de la Extensión Cultural, Escuela de Educación, UC / Premio obra figurativa, I Salón Nacional de Escultura de Pequeño y Mediano Formato, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Primer premio de pintura, I Exposición de Pintura de la Cámara de Comercio e Industria del Distrito Guacara, Guacara, Edo. Carabobo.

1975 - Premio Degas 75, Teatro Leonardo da Vinci, Milán.

1977 - Primer premio de pintura, Salón Giulio Rodino, Nápoles, Italia.

1978 - Primer premio de escultura, XXXVI Salón Arturo Michelena / Primer premio, exposición de celebración por el aniversario de la Revolución cubana, IVCA. 1980 - Primer premio de escultura, XII Salón de Artes Plásticas, UC. 1984 - Premio Juan Lovera, XLII Salón Arturo Michelena.

1985 - Premio AICA, Capítulo Venezuela / Mención honorífica, III Salón Nacional de Jóvenes Artistas, Caracas.

1986 - Premio Hermógenes López, XLIV Salón Arturo Michelena.

1987 - Premio Arturo Michelena, XLIV Salón Arturo Michelena.

1988 - Premio Eugenio Mendoza, IV Edición del Premio Eugenio Mendoza, Sala Mendoza.

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Federico Castrillo

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Ismael

Mundaray

Huella de existencia Por Eduardo

Planchart Licea ARTCLUB magazine 54

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Ismael Mundaray: Huella de existencia Eduardo Planchart Licea El horizonte, con su evanescencia cromática, divide la tierra del cielo y nos traslada al terreno del mito, hacia rupturas con el tiempo, donde las fuerzas celestes y telúricas, divinas y humanas se fusionan, donde la dualidad del día y la noche, de lo activo y lo pasivo parecieran desaparecer. Desde esta mirada Ismael Mundaray imagina y pinta la diversidad que impregna las huellas de la existencia. Una visión esencialista y desmaterializadora de lo accesorio: paredes, puertas, techos… para adentrarnos en nuestro verdadero hogar: el cosmos.

El artista crea espacios y tiempos de poesía visual. Estas revelaciones impactan con sentimientos que van de lo sublime a lo aparentemente intrascendente. Así ocurre con el bolso del lienzo Presencia y ausencia, 2010, presente como un despojo entre un paisaje etéreo; en contrapartida, por causa del contexto pictórico, es el signo de un objeto cotidiano humanizado gracias al diario contacto con su dueño ausente. Así esconde entre pliegues sus enigmas y se confronta en la lejanía al horizonte, donde se entrevé un grupo de árboles que expresan el poder de la naturaleza. Será por tanto la huella de una ausencia que el arte transforma al desafiar al espectador y asumirlo como el bolso de todos por el carácter arquetipal de la composición.

«Ningún filósofo podrá jamás llevarnos detrás de las experiencias cotidianas o darnos reglas distintas a las que elaboramos meditando sobre la vida cotidiana».

David Hume, Tratado acerca de la naturaleza humana Un episodio propio de la mitología prehispánica es la rebelión de los objetos, narrada en el PopolVuh, cuando los metates, los asientos, son maltratados por sus creadores, aquel momento en el que la humanidad provoca una relación desconsiderada con el entorno cultural. La etnografía de lo cotidiano evidencia un modo de ser, donde pocos objetos escapan a esa relación de enajenación, lo que Hegel llamaría «la conciencia infeliz» o «la conciencia escindida» es la carencia de una racionalidad de convivencia, como es propia de las culturas tradicionales que existen dentro de una concepción cíclica y no lineal del tiempo. El artista transmite esta atmósfera en estas series al incorporar en su lenguaje objetos que se mueven en esta dialéctica, al proyectar algo más allá de ellos: huellas de existencia.

Las pocas figuras humanas de estos cuadros están de espalda y asociadas a ese objeto que espiritualizan en diario ajetreo, como un sillón entre horizontes, en el que se hace presente una mujer, tal es el caso de En silencio pelirroja, 2009; o de unos recipientes que son tomados amorosamente en los rituales de la cotidianidad, y que poseen un significado especial en la vida del artista.

Mundaray plantea en estas series, la necesidad de rescatar nuestra sensibilidad para generar una relación de armonía con el cosmos en un aquí y un ahora. Y negar esa manera de ser y actuar que ha convertido el planeta en un gigantesco basurero, al no concebir vínculos de identidad con el universo, y sus ciclos; por esta razón todo es reemplazable. Incluso los seres humanos.

Cada uno de estos lienzos presenta las huellas de las presencias y ausencias que enfrentan al espectador con los ritmos del vivir como señal emocional, que deviene en eterno presente, cuando el artista asume a través de la de la historia de la pintura los logros de los impresionistas, postimpresionistas, y tendencias osadas en el color como el fauvismo, para crear nuevos lenguajes expresivos.

En su búsqueda incansable por transformar la pintura en emoción que se hace eco del ser, se está ante la impresión espiritual, de ahí se desprende el clima de misterio de estos lienzos, que transmiten esa sensación de trascendencia presente en los cuadros de Mark Rothko, por las variaciones de formas simples levitantes en espacios y tiempos cromáticos. También se exterioriza en el espíritu de la fotografía norteamericana del nuevo paisajismo, que trata de hacer un contrapeso emocional a la omnipresencia de la violencia y la aceleración de los ritmos de vida, como lo es la paradigmática imagen de Ansel Adams, Moonrise, Hernández, New Mexico, 1941, captada con un gran angular que permite crear franjas de nubosidad horizontales, entre una luna llena que ilumina un cementerio de un pequeño poblado.

Es esta una propuesta que trasmite entre capas de colores y chorreados, profundidades insondables convertidas en ecos y fondos de objetos, delineados y pintados. Resonancias emocionales de la memoria y del ensueño...

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Establece el artista un cambio de orientación en su lenguaje estético, no está ante la búsqueda de la esencia de la huella del hombre silvestre, sino ante una etnografía de lo cotidiano, de sillones, recipientes, zapatos, zapatillas entre tiempos y espacios internalizados... Así genera un proceso de acercamiento a la humanización, que se da en cada objeto. No es el encuentro kantiano de la cosa en sí, cuya aspiración es el aislamiento del objeto y su percepción del espacio y el tempo como aprioris, sino que estamos ante la realidad empírica y concreta donde se descansa, se sueña, se sufre y se ríe en un tiempo y espacio integrado a la realidad. El lienzo que plasma un sillón rojo en Ausencia y presencia, 2009, junto a tres recipientes proyecta alegría, por la fuerza de su color —un rojo entre texturas— es el lugar del reposo de cualquiera, y a su vez una presencia que es una ausencia. Se lleva al otro a esos intervalos existenciales de aislamiento, en los que se mueve el sujeto en su mismisidad, de ese y esos que cómodos se hunden en los pliegues de un reconfortante sillón, mientras se deleitan en sus universos interiores.

Clair de lune X - 200x2oo cm. 2009 - Ismaiel Mundaray ARTCLUB magazine 57

En cada una de estas pinturas se establece la tensión entre presencia y ausencia. Son objetos que se mueven en planos de soledad poética, alejados del surrealismo, no buscan establecer relaciones inconscientes o fantasiosas, sino enfrentarnos a dimensiones ignoradas del espacio y tiempo vinculadas a los objetos. Impregnado de esa pasión el artista juega con el color. La obra se transforma en un gozo cromático, que va desde los amarillos terrosos hasta las diversas tonalidades de grises, degradaciones que generan un discurso visual inquietante.

Por años el artista se dedicó a remirar nuestro Orinoco y sus culturas, creando una de las obras más sólidas en Venezuela sobre esta temática, su mirada iba al encuentro de lo ancestral. En esta etapa el creador asume la contemporaneidad, su cultura material en el contexto de un tiempo y de un espacio específicos, y las vivencias de la humanidad actual, ante realidades que luchan entre sí: la materia y el espíritu, el ser y el nada.

La pintura como tal se transforma en tema, para generar una tensión entre el objeto y los climas emocionales. Los chorreados, originados por la impronta que deja en la superficie pictórica el acrílico, asumen la apariencia de etéreas estalactitas, que transmiten la concepción de temporalidad telúrica. En la pieza El día y la noche, 2009, los tres cuencos y las pinceladas ocres que los rodean reflejan su superficie, transmitiendo la idea de relojes de arena que materializan la noción de temporalidad, se confrontan así el día y la noche junto con sus ciclos. Se está ante la noche del alma y ante la realidad física del día. A través de este recurso el creador expresa los diversos planos de la existencia y sus conexiones en nuestra psiquis. En los horizontes y sus degradaciones cromáticas, así como en las degradaciones de los cielos oscuros se entrecruzan franjas de azules que crean nocturnos plenos de enigmas, difundiendo la sensación de universos espirituales, dimensiones entre las cuales acechan nuestras ensoñaciones y pesadillas.

En el lienzo Penumbra con silla y zapato rojo, 2009, la composición es dominada por un triángulo visual: la poltrona de madera con cojín, un par de zapatos rojos de tacón y la luna llena en el horizonte.

El resplandor de sus reflejos desmaterializa la tierra y la convierten en acuosidad. Tiempo y espacio detenido. Elementos estéticos que serán recreados en la imaginación del espectador, donde cualquier insólita narración podría hacerse posible debido al ambiente pictórico y fantasmal. Estos escenarios enigmáticos son acentuados por los contrastes de color, que van de los azules oscuros y claros que transitan hasta trazas de lila, entre pinceladas de ocres creando la noción de transformación asociada al tiempo. El movimiento potencial que transmite la obra se acentúa por los trazos horizontales, pues los objetos compositivos se encuentran entre atmósferas de punzante soledad, que desmaterializan y espiritualizan los objetos cotidianos.

El zapato se convierte en tema recurrente, como la presencia de un abandono, o de alguien que dejo la huella de su existencia, estamos ante recreaciones pictórico-poéticas de uno de los elementos milenarios de la humanidad. Mundaray los transforma en uno de los centros compositivos de sus obras, junto a la luna llena, semioculta entre nubosidades en la parte superior, entre árboles fantasmales, cuyos troncos están rodeados de halos cromáticos que transmiten una apariencia de misterio, en este contexto pareciéramos estar ante los zapatos de un viajero contemporáneo, de un Hermes urbano.

En Claro de luna con zapatos y bols y Presencia y ausencia en claro de luna, ambas de 2009, un par de zapatos de mujer, ubicados en el ángulo inferior, se transforman en el foco visual, una belleza impregnada de silencio, de ausencia, de planos de realidad sobrepuestos. El eje visual zapatos-luna se une en una línea imaginaria que los relaciona simbólicamente. Podríamos estar ante el descanso de un ser humano desencarnado, y los fragmentos objetuales expresan una presencia, pues la luna llena es símbolo por excelencia de lo femenino y de los ciclos de fertilidad, a través de lo cuales se genera la vida.

Estamos ante el eterno femenino y los mitos que lo rodean disueltos en horizontes.

«Como se desarrolla mi obra, una línea corta el lienzo en dos partes. Una barra negra, y debajo un mundo claro arenoso, ocre, habitado por fantasmas. Pues en efecto son fantasmas, esos pocos objetos dejados por ahí por alguien, quién sabe quien. Y además, hubo un día en que alguien bebió en esos recipientes…».

Ismael Mundaray, 2011

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L attente - 100x100 cm. 2012 Ismael Mundaray

Estamos ante horizontes poetizados, entre huellas de existencia y ausencia, que nos llevan a recrear los instantes eternos de nuestras vidas, donde el tiempo y el espacio se quiebran, dando paso a la mismisidad de lo cotidiano a la que nos confronta Ismael Mundaray en cada una de sus obras‌ Eduardo Planchart Licea

Esperando con bolso II 100x100 cm. 2012 Ismael Mundaray ARTCLUB magazine 59

Tres recipientes en el horizonte VII - Ismael Mundaray

Zapatos azules de tacรณn alto - Ismael Mundaray

Esperando en el silencio II - 56 x 66 cm. 2012 - Ismael Mundaray ARTCLUB magazine 60

Mirando el crepúsculo desde el sofá - 56 x 66 cm. - 2012 - Ismael Mundaray ARTCLUB magazine 61

Francisco

Bugallo ARTCLUB magazine 62

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FRANCISCO BUGALLO, Pintor. Hijo de Francisco Fernández y Pilar Bugallo. Realizó estudios de pintura y escultura en la Escuela Arturo Michelena (1972-1978). Ha expuesto en el XXXV, XXXIX, XLI, XLIII y LVI Salón Arturo Michelena (1977, 1981, 1983, 1985 y 1998); en el XLI Salón (1983) obtuvo el máximo galardón del evento por su cuadro Nocturno. También ha participado en el Salón de Jóvenes Artistas (Caracas, 1985), la III Bienal Regional de Artes Plásticas de Oriente (Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz, 1986), la Bienal de Dibujo y Grabado (Caracas, 1986), el Salón Nacional de Artes Plásticas (Caracas, 1988) en el cual obtuvo el Premio Conac de Pintura y en la I Bienal Christian Dior (MACC, 1989), donde logró el tercer premio por un óleo en gran formato (Sin título, 220 x 290 cm). Entre 1979 y 1982 se desempeñó como docente en la Escuela Arturo Michelena. Su primera exposición individual fue en el MBA (1990): 16 obras realizadas en grandes formatos en óleo sobre tela. La decisión de las dimensiones de las obras fue una manera de atrapar al espectador para involucrarlo dentro del ámbito de símbolos y referencias que utiliza el artista. "Dentro de cada obra de Bugallo la luz ha sido recompuesta. Por una parte los personajes están como fundidos en una semipenumbra donde se borran las líneas fuertes, donde los contrastes necesarios para componer los volúmenes han sido atenuados. Y por la otra el fondo permanece todavía simplificado, hacia un blanco borroso a veces, hacia naranjas, amarillos o azules neutralizados" (Guevara, 1990). En 1991 formó parte de "Los 80. Panorama de las artes visuales en Venezuela", en la GAN, con Retrato de madame Moitessier según Ingres (óleo sobre tela, 200 x 176 cm) e integró la representación venezolana en la III Bienal de Cuenca (Ecuador) y en 1992 forma parte de la muestra "Salón Arturo Michelena: medio siglo" (GAN). En 1993 realiza su segunda muestra individual, "Obra reciente" (MACCSI), donde exhibe cinco lienzos en gran formato, en los que Cristo, cercano a la muerte, es representado en varias versiones. En dicha muestra el color se limita a una gama que está entre el negro, el gris, y varios tonos neutros y uno que otro trozo de rojo u ocre. Sus figuras cristianas de este momento son versiones muy particulares sobre algunas creadas por artistas como Velázquez, o anónimas como la Pietá de Aviñón. Este mismo año, en el I Salón Pirelli, exhibe un óleo de gran formato. Bugallo "parte del emblema de la crucifixión, entendiendo la tela como un texto doblemente deconstruido de la pintura sobre la muerte. Con lenguaje despojado asoma la conciencia de la relación entre vivir y morir a través de la figura del Cristo" (Cárdenas, 1993, p. 12). En 1994 forma parte del Gran Premio Dimple 15 Años (MACCSI) y de "El realismo" (MACMMA). En 1995, en los espacios del Consulado de Venezuela (Nueva York), se presenta con seis obras de gran formato y una instalación pictórica.

La obra de Bugallo, desde sus orígenes, se ha nutrido de la recreación y representación del arte del pasado: partiendo del principio de la fragmentación y la descontextualización de imágenes provenientes de aquél, el artista desarrolla un trabajo pictórico cuyo sorprendente impacto visual resulta subrayado por los amplios y en ocasiones descomunales formatos que utiliza. El procedimiento técnico que Bugallo ha empleado para desarrollar una gran parte de su obra se basa en el principio de apropiación de imágenes provenientes del legado histórico de la tradición, que reproduce con la fidelidad de un copista, para luego, literalmente, borrarla, mediante el retiro por frotación de la pintura antes aplicada, y a través de una controlada intervención de la superficie pictórica. En 1999, presenta en el MACCSI una instalación pictórica a partir de la La balsa de la Medusa de Théodore Géricault.

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Exposiciones individuales •1990 "Desde la pintura misma", MBA •1993 "Obras recientes", MACCSI •1995 Consulado de Venezuela, Nueva York •1999 "Imagen y semejanza", MACCSI •2000 "Caronte", CCEAS 2003 "Caronte", CAF Premios •1983 Premio Arturo Michelena, XLI Salón Arturo Michelena •1988 Premio Conac de Pintura, Salón Nacional de Artes Plásticas, MBA 1989 Tercer premio, I Bienal Christian Dior, MACC Colecciones Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Capitolio de Valencia, Edo. Carabobo / Centro de Bellas Artes, Maracaibo / MACCSI / MACMMA / MBA / Mujabo / Museo Arturo Michelena, Caracas / UC Fuentes •Cárdenas, María Luz. "Nuevas realidades, nuevos conceptos para un salón de jóvenes". En: I Salón de Jóvenes Artistas (catálogo de exposición). Caracas: MACCSI, 1993.

•Cinap, B 175.

•Guevara, Roberto. "La pintura entre formatos". En: El Nacional. Caracas, 19 de

septiembre de 1990, p. C/8.

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Arturo ArturoCarriรณn Carriรณn ARTCLUB magazine 68

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ARTURO CARRIÓN - Artista multimedios – Venezolano /Español 1953, en Maturín Edo. Monagas - Venezuela - Actualmente reside España 1976, Egresa de la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas, de Caracas, / Licenciado en estudios de formación artística con menciones en pintura y escultura. / 1975 Expresión Corporal Ateneo de Caracas / 1975 Luz, Visión y Color – Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas y Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas / 1976 Historia de la Pintura Venezolana – Universidad Central de Venezuela / 1981 Comunicación Audiovisual I y II – Universidad Simón Bolívar ACTIVIDADES COMPLEMENTARIAS Actualmente está dedicado a su obra plástica, estuvo 24 años compartiendo su actividad profesional con la docencia como profesor de dibujo y pintura, Escultura, Diseño gráfico, artes gráficas, aerógrafo, historia del arte contemporáneo, en las siguientes instituciones Venezolanas: Instituto de diseño Neumann / E.A.P. Cristóbal Rojas / Atelier de Pintores / Instituto de diseño Villasmil de León / Universidad Simón Bolívar.

Centro Graficactual (Director- Fundador). - 1984 - 1995 Diseñador gráfico - desde 1975 a la actualidad - Realizador de dibujos animados para televisión / Diseño audiovisual / UMAV - Universidad Simón Bolívar – 1981 - 1994- Trabajos experimentales en cine súper ocho - 1978 - 1985 - Fotógrafo / videomaker - desde 1980 a la actualidad - Creador -Fundador del proyecto Habit/arte de Venezuela - 1996, actualmente es el presidente de la fundación Habit/arte de Venezuela Asesor de Imagen proyectos Fundarte -1996/ 97.

Director - Curador de ARTSIL gallery - A Coruña - lapso 2002 - 2007.

Creador – Fundador de VANproject, proyecto de difusión y promoción del arte contemporáneo venezolano “Venezuela Art Notebook”, desde 2009 a la actualidad www.artnoteven.blogspot.com Creador -Fundador - Productor- Editor de la Revista digital ARTCLUB magazine desde octubre 2013 hasta la actualidad www.issuu.com/artclub.magazine Productor, editor y realizador de video –documentales – canal: www.youtube.com/arturocarrion

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presidente de la fundación Habit/arte de Venezuela Asesor de Imagen proyectos Fundarte -1997/ 98.

Director - Curador de ARTSIL gallery - A Coruña lapso 2002 - 2007.

Creador – Fundador de VANproject, proyecto de difusión y promoción del arte contemporáneo venezolano “Venezuela Art Notebook”, desde 2009 a la actualidad www.artnoteven.blogspot.com Creador -Fundador - Productor- Editor de la Revista digital ARTCLUB magazine desde octubre 2013 hasta la actualidad www.issuu.com/ artclub.magazine Productor, editor y realizador de video – documentales – canal: www.youtube.com/ arturocarrion En 1997 se trasladó a vivir en Europa con permanencias en: Londres, Paris, Salzburgo, Núremberg, Berlín, Múnich, Barcelona, Madrid, Oporto, Lisboa, Santiago de Compostela. Actualmente reside en Santiago de Compostela /España EXPOSICIONES COLECTIVAS: Ha participado en más de 300 exposiciones colectivas – se mencionan algunas 1972 Galería Espiral E.A.P. Cristóbal Rojas - Caracas 1973 Exposición Región Capital - E.A.P. Cristóbal Rojas Caracas 1974 Esculturas - Galería Espiral E.A.P. Cristóbal Rojas 1975 Pinturas - Salón de lectura - Plaza Bolívar.

1975 Salón Nacional de Jóvenes Artistas Pro-Venezuela - Caracas 1976 La escultura en Venezuela - Casa de Bello - Caracas 1976 III Salón Nacional de Escultura Pequeño y Mediano Formato - Universidad de Carabobo - Valencia - Venezuela 1976 16 Jóvenes Escultores - casa Guipuzcoana - La Guaira Venezuela 1977 Salón Nacional de Jóvenes Artistas - Pro-Venezuela - Caracas 1977 IV Salón Nacional de Escultura Pequeño y Mediano Formato - Universidad de Carabobo - Valencia 1981 Salón Nacional de Jóvenes Artista - Museo de Arte Contemporáneo - Caracas 1981 XXXIX Salón Arturo Michelena - Valencia 1981 " Presencia de Venezuela en Europa” – 1981-Casino de Navia - Asturias - España 1981 " Presencia de Venezuela en Europa” Centro Internacional dePrensa - Madrid - España 1981 " Presencia de Venezuela en Europa” - Foyer des Artistes - Roma - Italia 1981 IV Bienal del Grabado Latinoamericano - Instituto de Cultura - San Juan - Puerto Rico 1982 I Bienal Nacional de Dibujo y Grabado - Galería de Arte Nacional - Caracas

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1982 Las 6 Caras del Cubo - Modulo Venezuela - Los Caobos - Caracas 1982 1er Salón Nacional de Pintura "Cristóbal Rojas" - Paracotos - Edo Miranda 1982 V Bienal del Grabado Latinoamericano Instituto de Cultura - San Juan - Puerto Rico 1983 II Bienal de Jóvenes Artistas - Casa Guipuzcoana - La Guaira 1984 Salón Nacional del Arte, Edo Aragua Museo de Arte de Maracay 1984 Lo Real Maravilloso de América - Homenaje a Alejo Carpentier – Museo Alejandro Otero - Caracas 1985 La Estética de la Ética - Galería el Muro – Caracas 1985 La Estética de la Ética - Galería G - Caracas 1987 IV Feria de Arte New York – Hwyatt Hotel - EEUU 1987 Exposición Arte Venezolano - Consulado de Venezuela - New York - EEUU 1987 I Bienal de Guayana - Museo Soto - Ciudad Bolívar 1987 Exposición Arte Latinoamericano - Boston - EE.UU. 1991 "Escultura" Colectiva - Galería A 7 - Las Mercedes - Caracas.

1992 I Salón Nacional de la Grafica en la Filatelia - MACSI - Sala IPOSTEL - Caracas.

1993 Grafica en la Filatelia - Museo del Grabado - Maracaibo 1993 Grafica en la Filatelia - Consulado de Venezuela - New York 1994 Grafica en la Filatelia – Boston - EEUU 1996 AVAP SOMOS TODOS – Espacios ProVenezuela - Caracas 1996 Proyecto HABIT/ARTE - Qta Anelsy - Colinas de las Acacias Caracas 1997 HABIT/arte - Casa Monagas - Colinas de las Acacias - Caracas 2001 EUROART´2001 – Saló Marqués de Comillas – Las drassanes – Barcelona /España 2003 Small Format – Artsil Gallery – Bertamirans . Ames – A Coruña /España 2005 New Tendencies - Artsil Gallery – Bertamirans . Ames – A Coruña /España 2010 KHROMATONE - The Wordl Monument Gallery – 15 east 27 th – New York NY 2011 Colectiva – Homenaje a Leonardo Da Vinci – Caracas – Venezuela

2012 Colectiva - La Guayaba galería - S/C de Tenerife – España.

2013 Colectiva – arte galería - S/C de Tenerife – España.

2014 Colectiva – Galería Etxeberria - S/C de Tenerife EXPOSICIONES INDIVIDUALES 1975 Conceptos - Galería el Lorenés - Centro Plaza - Caracas 1980 Translaciones – Museo Universidad Simón Bolívar - Caracas 1981 Convergencias – Museo Universidad Simón Bolívar - Caracas 1982 Espacios Habitables – Aerografías - Sala Ocre - Caracas 1983 Habitables - Sala Ocre - Caracas 1983 Aerografías - Galería Hospiniños - Hospital J.M. de los Ríos - Caracas 1984 82, 83, 84,…1/2 - Galería Múltiple - Hotel Plaza Palace - Las Delicias - Caracas 1985 Virtuales - Sala de Exposiciones - Fedecamaras - el Bosque - Caracas 1985 Virtuales II - Galería el Galpón - Porlamar - Nueva Esparta 1988 Construcciones - Sala E.A.P. Eloy Palacios - Cincuentenario Universidad de Oriente - Maturín - Monagas 1989 Estructuras II - Galerías del Sur - Puerto.

Ordaz - Edo. Bolívar 1990 Símbolos Temporales - Galería Mayz Lyón - Caracas 1992 Croma/Virtuales - Espacios Funda común - Chacaíto - Caracas 1995 La construcción Vital - A.V.A.P. Caracas 2001 Euroart 2001 – Stand Arturo Carrión / Venezuela – Barcelona – España 2002 Tierra de nadie - Per-for Art-spai galería Barcelona –España 2003 Umbrales - ARTSIL gallery – Santiago de Compostela – España 2004 Percepciones – casa da cultura – ayuntamiento de Ordes – A Coruña – España 2005 Códices - Galería EMC – Santiago de Compostela – España 2006 Huellas temporales - Galería Centro O Tremo – Os Anxeles – Brión - A Coruña – España ARTCLUB magazine 74

2007 – Huellas y Señales – Galería José Lorenzo – Santiago de Compostela – Galicia 2007 – Objetos de la soledad – Fundación Caixanova – La Estrada – A Coruña – Galicia 2007 – Soledad objetual – Artsil gallery – Santiago de Compostela 2008 QUADRIVIUM – Saatchi gallery online – London 2009 TUBULARES - Virtual gallery – España 2011 KHROMAKINESIS – Virtualgallery.com – España 2012 entre2tiempos – Fundación Araguaney – Santiago de Compostela – España 2014 Khromakinesis – Centro cultural Aldemaro Romero – San Diego – Valencia - Venezuela 2016 Pequeños Formatos – Pizca de Dinamarca galería – Tenerife – España RECONOCIMIENTOS: 1º Premio – Cartel sobre “folklore venezolano” INCIBA – Caracas / 1976 - Diploma de reconocimiento “La escultura en Venezuela” – M.E. – Casa de Bello – Caracas / 1983 Mención de honor – V Bienal de grabado latinoamericano – instituto de cultura – San Juan – Puerto Rico 2º premio - Primer Salón Nacional -“Cristóbal Rojas” – Paracotos – Edo. Miranda / 1994 - Premio “Proyecto Cultural” Fundación - “José Ángel Lamas” - Caracas / 1997 Reconocimiento “Casa Monagas” por aportes al desarrollo cultural de las comunidades.

2004 - Artistas para el museo del mañana – Ediciones Ecuador 21 , Barcelona . España 2001 – Representante venezolano en Euro-Art art-Fair – Barcelona - España La obra de Arturo Carrión está representada en importantes colecciones privadas, nacionales e internacionales: Canadá, España, Colombia, Bélgica, EE.UU., Italia, Inglaterra, Francia, Suecia, Austria, Alemania, Puerto Rico, Argentina, Chile, Costa Rica, Brasil y Venezuela

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Rafael BogarĂ­n ARTCLUB magazine 76

Rafael Bogarín Artista Plástico.

Hijo de Rafael Bogarín y Rosalía Mago. Nace en El Tigre, estado Anzoátegui, Venezuela, el 20 de enero del 1946. Realiza estudios en la Escuela Cristóbal Rojas, los cuales finaliza en 1966; entre sus profesores se encuentran Luis Guevara Moreno, Pedro León Zapata, Luisa Palacios y Luis Chacón. Al regresar de la Escuela funda con otros artistas el grupo Zapato Roto, con el fin de llevar el arte a la calle. En 1966 dirige las exposiciones al aire libre del Centro Venezolano Americano, y dos años después participa en el XXVIII Salón Oficial, donde recibe el Premio Roma.

Durante esa época ordenaba elementos como tuercas y láminas dentadas en relación con discos grabados en buril y otras técnicas, y realizaba la impresión final en planos de un color. En 1970 recibe una beca y viaja a Nueva York; estudia en el Pratt Graphic Center y en el Blackburn Printmaking Workshop. En 1973 funda, junto a Manuel Kohn, el Bogarín Printmaking Workshop, lugar de trabajo para los artistas venezolanos radicados en Estados Unidos; este taller, del cual ha sido maestro impresor, permitió dar continuidad a su trabajo artístico. Bogarín investiga las posibilidades del cine súper ocho y realiza películas con calidad similar a los formatos comerciales; de estas experiencias surgen The Lonely World (1975) y New World Simphony (1976). En 1977 profundiza su estudio del color con The New Color, portafolio donde produce colores superpuestos mediante transparencias y veladuras.

Su experiencia docente incluye cursos en la Escuela de Artes Plásticas Rafael Monasterios de Maracay (1969-1970), el Cegra (1979), así como talleres en diversas ciudades del mundo. En 1980 realiza una muestra de serigrafías por ciudades de Italia, El Salvador, Colombia, México y Estados Unidos. Ese año retoma el interés por la exhibición al aire libre con un proyecto de museo con murales de 30 artistas para El Tigre (Venezuela); el Museo Vial Rafael Bogarín fue inaugurado en 1982 y reunió 30 murales en vallas de 2 x 4 m, de artistas como Mario Toral, Édgar Sánchez y Paul Davis. Llevó a cabo el proyecto de recuperación de los espacios arquitectónicos de El Tigre (Venezuela), por medio de murales, esculturas, plazas y espacios humanizados.

En el año 2006 pintó la Bandera pintada más grande del mundo en El Tigre, Venezuela.

Bogarín ha expuesto su obra en los 5 continentes y actualmente vive y trabaja en la Ciudad de Panamá en su taller particular y en el taller Articruz.

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Exhibiciones individuales 1966. Galería del Colegio Médico. Caracas, Venezuela.

1966. Centro Venezolano Americano. Caracas, Venezuela.

1970. Galería Protobello. Caracas, Venezuela.

1977. First National Bank of Lousville. Luosville, Kentucky, USA. 1978. Galería Venezuela. New York City, USA. 1979. Sala Julián Marchena, Museo de Costa Rica. San José, Costa Rica.

1979. Galería La Otra Banda. Mérida, Venezuela.

1980. Centro Galeter. Adro, Italia.

1980. Galería de Arte Moderno. Santo Domingo, República Dominicana.

1980. Jewish Community Center. Monmouth, New Yersey, USA. 1980. Frank Fedele Fine Arts. New York City, USA. 1980. Galería El Túnel. Guatemala, Guatemala.

1981. Galería Garcés – Velásquez. Bogotá, Colombia.

1982. Galería Siete Siete. Caracas, Venezuela.

1984. Galería Acquavella. Caracas, Venezuela.

1985. Centro Cultural. Santa Cruz, Bolivia.

1992. Galería Sotage, Puerto La Cruz, Venezuela.

2017. Galería Arteconsult. Ciudad de Panamá, Panamá.

Premios 1969. Premio Roma. XXIX Salón Oficial de Arte Venezolano, Museo de Bellas Artes. Caracas, Venezuela.

1971. Honorable mención. Primer Salón de jóvenes artistas. Maracay, Venezuela.

1984. Primer premio, Salón Aragua. Maracay, Venezuela.

Murales 1974. Consulado venezolano. New York City, USA. 1982. Creador del Primer Museo Vial del Mundo. El Tigre, Venezuela.

1983. Museo Vial. Roldanillo, Colombia.

1984. Museo Vial Bicentenario. Cúcuta, Colombia.

2000. Mural en cerámica. Lechería, Venezuela.

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EXPOSICIONES COLECTIVAS 1963 a 1966. Galería Espiral. Caracas, Venezuela.

1966. Galería El Pez Dorado. Caracas, Venezuela.

1966. Festival “Zapato Roto”. Caracas, Venezuela.

1967. Salón D´Empaire. Maracaibo, Venezuela.

1970. Salón de dibujos y grabados. Universidad Central de Venezuela. Caracas, Venezuela.

1966 y 1971. Salón Arturo Michelena. Valencia, Venezuela.

1966 a 1968. Salón Anual de Arte Venezolano. Museo de Bellas Artes. Caracas, Venezuela.

1968. Biblioteca Luis Ángel Arango. Bogotá, Colombia.

1969. Sala de la Tertulia. Cali, Colombia.

1969. Lunn Gallery. Washington, D.C., USA. 1969. Galería de Artes Visuales. Maracay, Venezuela.

1970. Semana Cultural Venezolana. Miami y Jamaica.

1972. Two Rivers Gallery. Binghampton, New York City, USA. 1972. Moos Gallery. Montreal, Canadá.

1973. Spoleto Festival. Italia.

1974. Young Artists, Union Carbide Building. New York City, USA. 1975. Gobernación de Caracas. Caracas, Venezuela.

1975. Gráfica VII, Mendoza Gallery. Caracas, Venezuela.

1976. Brooke Alexander Gallery. New York City, USA. 1977. Denise Rene Gallery. New York City, USA. 1978. Sam Flax Gallery. New York City, USA. 1978. Rizzoli Gallery and Window. Fifth Avenue, New York City, USA. 1978. First International Salon of Graphic Arts. Bolivia.

1979. Escuela de Bellas Artes. San José, Costa Rica.

1979. Salón Juannio. Guatemala, Guatemala.

1979. Galería El Círculo. Ciudad de México, México.

1979. Cuarta Bienal Latinoamericana. San Juan, Puerto Rico.

1980. Primera Bienal de Gráficas Latino americanas. Cayman Gallery. New York City, USA. 1981. Forma Gallery. Miami, USA. 1982. Kouros Gallery. New York City, USA.

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Colecciones importantes Venezuelan Embassy before the Organization of American States. Washington, D.C., USA. Colección Cisneros. Venezuela.

University of Austin. Austin, Texas.

Instituto Conicit. Caracas, Venezuela.

Instituto Conac. Caracas, Venezuela.

Galería Nacional. Caracas, Venezuela.

Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas (IVIC). Caracas, Venezuela.

Mito Juan Company. Caracas, Venezuela.

Corporación de Turismo. Caracas, Venezuela.

IBM Corporations. New York City, USA. Chase Manhattan Bank. New York City, USA. E.F.X. Film Laboratory. New York City, USA. Museo de Costa Rica. San José, Costa Rica.

Escuela de Bellas Artes. San José, Costa rica.

Consulado venezolano. New York City, USA. Venezuelan Embassy before the United Natios.

New York City, USA. Casa de las Américas. La Habana, Cuba.

Museo Latinoamericano. Washington, D.C., USA. Dade Public Library. Miami, USA. Bibliotheque Nationale Cabinet des Estampes.

Francia.

Museo Omar Rayo. Roldanillo, Colombia.

Banco Latino. Caracas, Venezuela.

Sala de la Tertulia. Cali, Colombia.

Colecciones privadas Italia, España, Colombia, Estados Unidos, Francia,

Panamá, México, Trinidad, Japón,

Israel, Ecuador, Chile, Canadá, República Dominicana, Guatemala, Costa Rica, Grecia, Brasil y Venezuela.

Rafael Bogarín Villa de la Fuente 2, Calle Principal, Casa B7. Ciudad de Panamá, Panamá. Teléfono: + 507 6750 0861.

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Email: bogarinmago@gmail.com

Rafael Bogarín, con el maestro Carlos Cruz Diez - Ciudad de Panamá - Panamá

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Teresa Gabaldón , Nace y reside en Caracas, Venezuela Gabaldón ha centrado su exploración plástica en la flor como tema y fuente de expresión gráfica y pictórica. A través de la flor, busca el perdido jardín de su infancia, reflexionando sobre lo efímero, la fragilidad y brevedad de la vida, así como la persistencia de la fuerza y la esperanza a través de la resiliencia.

El dibujo y el color ocupan un lugar fundamental en la creación de su obra. Espacios y atmósferas donde flotan flores representadas con trazos y manchas, sugieren estados de ánimo y emociones, las cuales conforman su obra de jardines.

Gabaldón estudió Arte en la Escuela Cristóbal Rojas de Caracas, Letras en la Universidad Central de Venezuela, (UCV) y obtuvo el Master of Fine Arts en New York University (NYU).

Teresa Gabaldón ejerció docencia como profesora de Dibujo y Pintura en el Instituto de Diseño Neuman, en la escuela de Comunicación Visual Prodiseńo y en UNEARTES, Universidad de las Artes (Armando Reverón). (Venezuela) Ha realizado diversas exposiciones en Venezuela, Bogotá, y Nueva York.

En los años 2000 y 2009 asistió al programa de verano Residencia de Artistas en la Cité Internationale des Arts en Paris.

Actualmente, se dedica exclusivamente a la producción artística en su taller.

TG/2018

Teresa

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Acuรกticas - Oleo sobre tela - 120x165 cm. 2003

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JosĂŠ

Coronel ARTCLUB magazine 88

Cuando el conocimiento de un oficio, la experiencia y la habilidad para manejar sus elementos se unen, surge un artista completo como José Coronel.

Este artista venezolano tiene una larga carrera en diversos campos del arte como pintura, escultura, grabado, muralismo, diseño gráfico, vidrieras y estatuas públicas. También es publicista, asesor cultural y docente, todos cultivados en casi cuarenta años de intenso trabajo.

Su inquietud juvenil y su curiosidad insistente lo llevaron a estudiar Arte Puro en la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena en Valencia, muy cerca de su ciudad natal, e inmediatamente comenzó su experimentación artística creando obras de la nueva figuración de los años ochenta.

A partir de los años noventa, descubre su verdadero camino y decide romper con la figuración porque siente mucha más libertad en el material, la mancha, el trazo y el color, como expresión de totalidad. Se dedica a la experimentación con el color puro y la emotividad de lo gestual.

Comienza a crear una obra en la que Color como protagonista le ayuda a crear composiciones de expresión libre e inconsciente con trazos gestuales de gran dinamismo, con manchas, goteos y líneas gruesas que dan un ritmo espacial a la composición en el lienzo, dejando como Considera las piezas con un marcado acento del expresionismo abstracto, particularmente en la importancia dada al proceso y al elemento conceptual.

Con la ayuda de pinceles, pinceles, esponjas, sprays y en los últimos años, composiciones digitales, Coronel combina capas y capas de pigmentos en una variedad de colores para estudiar el color y la luz en sus múltiples bordes. A este artista le gusta desglosar en una variedad de estilos las expresiones de colores brillantes, sus contrastes, su composición, ver cómo en un trazo se fusiona con el otro y cómo se descubre la transparencia en cada elemento representado.

Para Coronel, los aspectos más importantes de su trabajo son Color, Transparencia y Música, este último elemento ha estado con él durante mucho tiempo. Para él, la música sinfónica y, en particular, la música de la banda de rock Pink Floyd son entidades que lo acompañan en su proceso creativo como una doble conexión con el creador inconsciente.

De la misma manera que Kandisky, Coronel no puede separar dos concepciones abstractas absolutas, Kandisky consideró que los colores y los sonidos eran concepciones abstractas que hacían vibrar al alma tanto al creador como al observador, elementos que eran capaces de producir un impulso visual Inmediato de Los sentidos y la música produjeron un estímulo que murió con el silencio.

Mientras Coronel, a partir de la internalización de estos preceptos, se compone a través de cada trazo emotivo y sentimental, piezas con una carga subjetiva importante y abierta a diversas interpretaciones, como la comprensión aproximada del ser humano.

INFORMAL FORTUITO Y GESTUAL José Coronel es relativamente joven. Nació en 57. Tiene 54 años y 34 de carrera versátil y fértil en los campos de escultura, dibujo, pintura, grabado, publicidad, muralismo, vitrales, además de profesor, asesor cultural, con amplia participación. En instancias directivas de la cultura y las artes, se especializa en la reconstrucción, remodelación y creación de monumentos urbanos a gran escala. Su obra pictórica es versátil, de gran diversidad formal y técnica, con predominio de lo espontáneo, fortuito y gestual. Usualmente usa manchas de color de efectos informales, pero bajo el control compositivo de la razón.

Perán Erminy ARTCLUB magazine 89 Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), Capítulo Venezuela, octubre, 2010.

Poética de lo invisible Hablando recientemente con José Coronel, noté en él una fuerte y enérgica voluntad de crear que mantiene su atención absorbida, incluso más que nunca, después del viaje que hizo a Europa, entre 2011 y 2012. El contacto directo con las obras de los grandes Los maestros del arte universal lo impresionaron de tal manera que en su producción actual se nota el impacto que la experiencia le causó. Por ejemplo, los extraordinarios grabados (Carceri d'Invenzione) del arquitecto y grabador italiano del siglo XVIII, Giovanni Battista Piranesi, lo indujeron a concebir algunas pinturas de gran formato en las que prescindió de su particular policromía, pero conservando su estilo abstracto de El lirismo vital. En estas obras, inspiradas en Piranesi, predominan el negro, el blanco, el gris y el azul. Desde su poética visual, Coronel reinterpreta las prisiones imaginarias de Piranesi caracterizadas por pasillos oscuros, escaleras empinadas, espacios de alturas increíbles y galerías extrañas que no llevan a ninguna parte.

Orientado en su búsqueda permanente, en su incansable viaje hacia el fondo oscuro y misterioso del ser (su psique) y la esencia de las cosas (su alma), como un "viaje al centro de la tierra" o al "oscuro". lado "de la luna", seguimos viendo a Coronel, con más ímpetu que antes, decididos a iluminar, a través del arte, el insondable mundo interior; para sacar a la superficie, con una transparencia radiante cargada de luz y color, la esencia del microcosmos y el macrocosmos, para descubrir el lado oculto de la realidad, hasta el punto de deslumbrarnos a la alucinación.

Coronel nos muestra lo que está más allá de la mera apariencia de las cosas. Tu proceso creativo es así, entonces, una forma de entrar en otra realidad puramente espiritual, mística y sagrada.

José Gregorio Noroño Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), Capítulo Venezuela, octubre, 2014.

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UN TRATAMIENTO IGNEO PARA LA OBRA DE JOSÉ CORONEL El trabajo de José Coronel es un trabajo que nos da energía, vitalidad. Está lleno de emociones expansivas y múltiples sentimientos que habitan al ser humano, especialmente aquellos que son más irracionales, más libres.

Es una pintura que puede entenderse sin tener un conocimiento académico, ya que impacta de inmediato, penetra a través de los poros del espectador para conectarse con sus privilegios internos, con toda su carga emocional y sin ninguna barrera.

Pero no es una pintura fácil: su trabajo renuncia al estatismo, es dinámico, no es silencioso. Lucha para irradiar un impulso vital de renovación continua en un momento que se desliza vertiginosamente, con rapidez, y el autor en ese momento quiere acompañarnos y rockear con alegría.

Sus colores aparecen llenos y saturados de saturación, presentes, acompañados del gesto, son llenos, contundentes, huyen de matices o semitonos. Son colores que son ahora, ya lo son.

Establece un linaje con la pintura abstracta expresionista de Nueva York, pero la supera al desatar los valores que plantea llevándolos al extremo. Todas sus impresiones están presentes en el autor, que reúne material y color para ofrecernos una obra de gran intensidad comunicativa, de impacto inmediato por el manejo hábil de los recursos pictóricos, materiales y de composición.

Sus pinturas son como el ave ígnea, Phoenix, que renace de sus cenizas. Siempre marcan el resurgimiento del ser humano y su capacidad para superar y triunfar a través del tiempo. Fuego que es vida, que es fuente de creación y reflexión de las pasiones y voluntades del individuo incansable.

Crean un impulso vital ligero pero insistente, rebelde.

El trabajo de Coronel nos da la impresión de ese intenso poema visual que impulsa el desarrollo de la humanidad.

Joan Esteban De Mercado, Dr. En Arte Barcelona, España /

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Alfonzo Aureliano

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Aureliano Alfonzo Nace en caracas en 1954. Desde 1970 se dedica a las artes visuales y al cine habiendo cursado estudios de arte en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas en Caracas Venezuela y estudios cinematográficos en la Universidad de California en Los Ángeles UCLA y de televisión en El Columbia College Los Ángeles California USA . Ha desarrollado una labor docente desde 1983 desempeñándose como coordinador docente, creador, director y profesor de los talleres de cine y Fotografía del CONAC hasta 1986. Profesor de dirección cinematográfica en diversos institutos de cine como COTRAIN, ESCINETV en la ciudad de Caracas y ha desarrollado Seminarios y talleres de Espacio cinematográfico y Escénico En el Instituto Superior De Arte Armando Reverón.

Ha participado en múltiples exposiciones individuales y colectivas, performances, obras de participación e instalaciones desde 1971 hasta la fecha.

Simultáneamente ha realizado la escenografía y la dirección de arte de múltiples largometrajes y cortos y ha dirigido varios documentales sobre artistas venezolanos entre los que destacan Diego Barbosa y Luisa Richter reconocimientos 2007 dirección de arte de cine película Miranda. Festival de cine de Mérida 2007 Premio municipal de cine 2005 mención honorífica Salón EXON MOVIL Hombre y sociedad 1989 Casa del Artista mejor escenografía de cine por la película JERICÓ 1990 Asociación nacional de Autores Cinematográficos ANAC mejor Dirección de arte por la película Desnudo con Naranjas

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Luis

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Luis Esparragoza (Melf) 1970 CARACAS VENEZUELA

EDUCATION September 1994June 1997 Artistic Studies at the Art School Cristóbal Rojas, Venezuela 2013 Set design, Illusion and Scenic Designer, WIFI, Vienna Austria Solo Exhibitions 2017 Exhibition at the STEINER Gallery, Vienna, Austria 2015 Exhibition at the Blumentopf Gallery, Vienna, Austria 2014 Exhibition at the "Instituto Cervantes“ Vienna, Austria 2013 Exhibition at the Alejandro Otero Museum, Caracas, Venezuela 2011 Exhibition at the Gallery 118, London, England (Art Curator Carolina Fungairiño) 2009 Exhibition at the Dimaca Gallery "Fundaiguini" Caracas, Venezuela 2008 Exhibition at the Museum of Young Art "Moya" Vienna, Austria 2007 Exhibition at the Museum of Modern Art "Juan Astorga Anta" Mérida, Venezuela 2006 Participation in the Q202-AtelierRundgang 2006 2005 Exhibition in the frame of the VII International Guitar Festival Rust, Rust, Austria.

2003 Exhibition "Infantia", Latin American Institute, Vienna, Austria.

2002 Exhibition "Kongress Haus" (Congress House) from Salzburg (in the frame of the concert of the Young Philarmonic Orchestra from Venezuela), Austria. Selected Group Exhibitions 2005 Exhibition "BLICK2 BLICK2", Culture Centre WUK, Project Room, Vienna. Exhibition " 2m3x10' - Pop exhibition", telephone box Kunstzelle, WUK, Vienna.

2004 11th International Biennal Festival of Portrait-Drawing and Graphic´04, Tuzla, Bosnia and Herzegovina.

Montmartre "Kunst im Park" (Culture at the Park), Vienna, Austria "Malerei im freien in Königstetten" (Painting under open sky in Königstetten), Austria.

2003 Exhibition "The Venezuelan Art Salon in Budapest". Hungary Cultural Foundation, Budapest, Hungary.

2002 Exhibition "Latin American artists in Vienna" in the "Wiener Integrationsfond", Vienna, Austria.

Exhibition "The Venezuelan Art Salon". Galerie Mouratti, Vienna, Austria.

2000 Participation at the "Expo Hannover 2000" as artist of the Venezuelan Pavillion, Hannover, Germany.

Exhibition "Eierversum". Expo Hannover 2000, Hannover, Germany.

1997 Exhibition of paintings and sculptures "National Day of the artist" AVAP, Caracas, Venezuela.

1994 IX Annual Exhibition "Luis Alfredo López Méndez". Caracas, Venezuela.

I Exhibition "Juan Lovera" (Municipal Prize of Visual Arts). Caracas, Venezuela.

VII National Biennal of Drawings from Caracas, Venezuela.

III Art Exhibition "Cristóbal Rojas". Los Teques, Miranda State, Venezuela.

1993 XXI Exhibition of Paintings Fernando Valero. Caracas, Venezuela.

II Exhibition of Paintings "Cristóbal Rojas". Los Teques, Miranda State, Venezuela. VIII Annual Exhibition "L Alfredo López Méndez". Caracas, Venezuela.

Annual Exhibition "Bijoux Wizo". Caracas, Venezuela.

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Alirio

Infante ARTCLUB magazine 104

Tengo el agrado de presentar la obra y trayectoria de Alirio Infante como un creador caracterizado por la seriedad de sus propuestas. Infante desarrolla actualmente un trabajo de interesante valor artístico, que refleja la dura situación venezolana con un trazo de apariencia infantil sobre superficies de papel u otros soportes, logrando un resultado desestabilizador en el espectador. El artista revela dominio de las técnicas y maestría en la conformación de un discurso muy crítico acerca de los problemas que asedian al país: pérdida de libertad, inseguridad, desabastecimiento, violación de derechos humanos y a la constitución nacional, persecución, represión, inflación, adoctrinamiento escolar, corrupción y pobreza, entre otros. Con medios muy sencillos como lápiz y creyones de color –que recuerda los dibujos primarios sin reglas académicas démicas– –, articula un discurso crítico y profundo, de contenido desgarrador.

Refleja los miedos, alegrías, violencia, ilusiones o juegos de una infancia sometida a la arbitrariedad y la injusticia. Recodifica las idiosincrasias, la vida cotidiana, los acontecimientos y patrones de identidad de una nación en crisis para proporcionar una inquietante lectura de nuestra realidad.

Alirio Infante es un artista responsable a la hora de asumir compromisos y se mantiene como creador coherente y estructurado en la plástica nacional.

Cualquier información adicional la proporcionaré gustosamente a través del número 00584123657787, correos electrónicos: marialcardenas@gmail.com, aicavenezuela@gmail.com

María Luz Cárdenas Presidente Asociación Internacional de Críticos de Arte Capítulo Venezuela

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Alirio INFANTE Artista plástico (Dibujo - Pintura - Escultura) 1950 Caracas - Venezuela 1976 Egreso en Arte Puro de la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas de Caracas. Entre sus Maestros fueron: Alirio Rodríguez, Omar Carreño, Regulo Pérez, Pedro León Zapata, Gabriel Bracho, Edgar Sánchez, Luís Guevara Moreno.

III Semestre en Licenciatura en Artes mención Museología, en la Universidad Católica Cecilio Acosta UNICA Ejerció la docencia en asignaturas de las artes plásticas en nivel secundaria y universitario.

Confrontaciones nacionales de arte: “Bienal Salón Arturo Michelena”, “Salón Nacional de Arte Aragua”, “Salón de Pintura Metro de Caracas”, “Un Siglo de Flores”, “Bienal Nacional de Arte de Guayana” y los más recientes “I Bienal de lo Uno y Lo Diverso. Confrontación sobre Papel”, “V Bienal de Maracaibo” y “V Salón de Arte Rafael Monasterios” Individuales: 2019 “Todo es Uno”, Extensión AVAM-Matadero, Madrid; 2017 “Vivencias de Infante” Santana Art Gallery, Madrid; “Inocencia e Ignominia” Home Hostel Conciencia, Madrid; 2016 “Inocencia e Ignominia”, Objetos DAC, Caracas; 2014 “Miradas de Niño” Mijas, España; “Potros en La Cuadra” Objetos DAC, Caracas; 2013 “Vuelos de Infante” Ateneo de Cabudare; 2011 “Avatares Lúdicos” Alianza Francesa, Caracas; 2010 “INFANTE–infante”, Flor de Venezuela Barquisimeto; 2009 Galería Giotto, Barquisimeto; 2004 “Quantum” Museo Barquisimeto; 1992 “El color de los signos”, Galería Cinco Caracas; “Eclosiones”, Centro Bellas Artes Maracaibo; 1989 Galería AVA, Puerto Ordaz; 1988 Museo Barquisimeto; 1987 Galería Mayz Lyon, Caracas.

Represento a Venezuela: 2018-2016-2014“OSTEN Biennial of Drawing”, Skopje, República de Macedonia”; “XXXVI Certamen de Pequeño Formato de la Asociación Española de Pintores y Escultores”, Madrid;2017 “Obra Abierta Premio Internacional de Artes Plásticas Caja de Extremadura”, Plasencia, Cáceres; “Un resplandor Constante el cielo del arte”, Imago Mundi Project de Luciano Benetton para Venezuela; “Exposición V Congreso Internacional de Sinestesia, Ciencia y Arte”, Palacio Abacial de Alcalá la Real, Jaén, España, “Dominios del papel: el papel como soporte y expresión, Barranquilla, Colombia “New World Museum de Houston, Texas”; “Consulado de la Rep. Bolivariana de Venezuela en Washington, D. C.”; “Etnia V Expo-Feria de Arte Latinoamericano”, Espace Wallonie, Bruselas, Bélgica; “Maestros Venezolanos”, Centro “La Gota de Leche”, Logroño, La Rioja, España “I Bienal de Dibujo de las Américas Rafael Cauduro, Tijuana, México” participación como artista invitado; “III Trienal de Pintura, Sofía, Bulgaria”.

Premios y Reconocimientos: 2014 Premio Especial del Jurado 42 Osten Bienal de Dibujo, Skopje, Macedonia; 2010 1er.Premio V Salón de Artes Rafael Monasterios, Barquisimeto; 2006 Premio Fundación Museo de Arte Contemporáneo Mario Abreu 26 Salón Municipal de Arte, Maracay; 1998 1er.Premio Dibujo VIII Salón de Arte Héctor Rojas Meza, Cabudare; 1er.Premio Salón Ecológico Universidad Yacambú, Barquisimeto; Condecoración Artista Destacado del Año Fundacultura, Barquisimeto; 1991 1er.Premio Dibujo Eberhard Faber de Venezuela; XI Salón Municipal, Maracay; 1990 1er.Premio Mejor Artista Plástico del Año Rafael Monasterio, Barquisimeto; 1989 1er.Premio Dibujo II Bienal Nacional de Arte de Guayana, Ciudad Bolívar; 1987 2do.Premio XI Salón Rafael Ramón González, Araure; 2do.Premio II Salón Anual de Pinturas Gramoven, Caracas; 1986 3er.Premio I Salón Anual de Pintura Gramoven, Caracas; 1984 Mención de Honor II Bienal Nacional de Pintura y Dibujo, Cagua; 1983 Mención de Honor V Salón Héctor Rojas Meza, Ateneo de Cabudare; 1981 1erPremio II Salón Regional Centro Occidental de Pintura, Acarigua; 1979 2do.Premio I Salón Héctor Rojas Meza, Ateneo de Cabudare; 1975 1er.Premio II Salón de la Escuela Naval de Venezuela, Meseta de Mamo, La Guaira Esculturas Públicas: "Cabeza Monumental de Simón Bolívar", Parque El Cardenalito del Oeste, Barquisimeto; “Divina Pastora”, Concejo Municipal, Barquisimeto; “Homenaje al Cactus”, Residencias Vallesol, Barquisimeto Representado: ASORBAEX, Leganés - Madrid, Osten Gallery, Skopje, Rep. Macedonia; Alianza Francesa de Chacaíto, Caracas; Concultura, Barquisimeto; Universidad Centroccidental Lisandro Alvarado, Barquisimeto; Fundación Juan Carmona, Barquisimeto; Museo Carmelo Fernández, San Felipe; Galería Municipal de Arte de Maracay; Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar; Centro de Bellas Artes de Maracaibo; Museo de Barquisimeto; Ateneo de Cabudare; Pinacoteca Divina Pastora, Barquisimeto; Casa de la Cultura Salvador Garmendia, Barquisimeto; Altamira Tenis Club, Caracas; BBVA Provincial: Maracay, Carora, Barquisimeto; Banco Caroní, Ciudad Bolívar; CoARTCLUB magazine 107 lecciones Privadas Nacionales e Internacionales

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Representado: ASORBAEX, Leganés Madrid, Osten Gallery, Skopje, Rep. Macedonia; Alianza Francesa de Chacaíto, Caracas; Concultura, Barquisimeto; Universidad Centroccidental Lisandro Alvarado, Barquisimeto; Fundación Juan Carmona, Barquisimeto; Museo Carmelo Fernández, San Felipe; Galería Municipal de Arte de Maracay; Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar; Centro de Bellas Artes de Maracaibo; Museo de Barquisimeto; Ateneo de Cabudare; Pinacoteca Divina Pastora, Barquisimeto; Casa de la Cultura Salvador Garmendia, Barquisimeto; Altamira Tenis Club, Caracas; BBVA Provincial: Maracay, Carora, Barquisimeto; Banco Caroní, Ciudad Bolívar; Colecciones Privadas Nacionales e Internacionales ARTCLUB magazine 109

La diaspora La contemplación de este trabajo remueve preguntas fundamentales sobre la significación de lo humano dentro del contexto del serDmaterial y del serD espiritual (fuera de toda la precepción religiosa). Ella nos plantea la dualidad entre la angustia y la serenidad, que esboza la delicada fragilidad de la convivencia.

En mis videos (stop motion), la visión de lo trascendente se deshace atrapando en el tiempo efímero de cada secuencia de las diferentes imágenes que se forman, se mezclan y desaparecen, una y otra vez, al ritmo de una sonoridad que acentúa la profundidad y dramatismo del conjunto, afirmando de esta forma una interpretación intangible de intensa emoción. Este trabajo pone en relieve una tensión latente, un cuestionamiento indefinido de aproximaciones simbólicas , efervescentes de emoción.

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Karim

Borjas ARTCLUB magazine 111

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KARIM B O R J A S: Artiste pluridisciplinaire - curateur indépendant, directeur artistique né en 1959.

Membre de l'Association Internacionale d'Artistes Plasticiens AIAP-UNESCO, et de la Maison des Artistes, Paris, France.

Il aborde l'espace comme une réflexion intellectuelle, une conception simple et complexe soumis à une tension permanente et changeante, une frontière déconcertante du virtuel avec le réel, à partir de laquelle ils se détachent, de longues bandes photographiques verticales de différentes dimensions telles que des lignes directionnelles. Dans celles-ci, nous percevons une étrange cartographie imaginaire qui laisse entrevoir la forme d'un corps tatoué, replier sur soi-même ou caché derrière une structure abstraite qui évoque des fractions temporelles du temps, des latitudes qui nous induisent ou nous fait penser à d'autres confins, une représentation subjective de la charge territoriale que nous portons et que nous traînons comme une identité indissoluble. www.karimborjas.com EXPOSITIONS INDIVIDUELLES ET PERSONNELLES: 1985 Espace Winstub, Besançon, France 1988 Galerie Orly -Sud, France.

1990 Peincritures, UNESCO. France.

1991 Galerie Hélios. Honfleur. France.

1992 Fondation A. & J. Aldebert, Nîmes, France.

1992 Ombres & Empreintes, Ambassade du Venezuela en France.

1993 Centre d’Art Contemporain, La Marqueta. Maracaibo, Venezuela.

1995 Galerie Stadler Genève, Suisse.

1996 La Lueur des Ombres, Ambassade du Venezuela en France.

1998 Earth Writings, Bolívar Hall, Londres, Angleterre.

1999 Galerie de Prêt, Miramas, Fos/Mer, Istres, France.

1999 Escritos de Tierra, Museo del Arsenal - San Juan, Puerto Rico.

1998 Galería Ninoska Huerta, Caracas Venezuela.

2000 Galerie du Vert Galant, Paris, France.( présentation des lauréats) 2001 Palimpsestes, Graphic Gallery, Caracas, Venezuela.

2002 Galería Ninoska Huerta, Caracas Venezuela.

2003 Galerie Bianca Landgraaf, Amsterdam, Hollande.

2004 Equinoxiales, Galerie NMariño, Paris, France.

2005 Galerie Bianca Landgraaf, Ámsterdam Hollande.

2005 PAMIL Fine Art, San Juan, Puerto Rico.

2005 Ninoska Huerta Gallery , Coral Gable. Florida , USA. 2008 Galerie Bianca Landgraaf, Amsterdam, Hollande.

2008 Ninoska Huerta Gallery , Coral Gable. Florida , USA. 2009 Art Rouge Gallery, Miami, Florida. USA ARTCLUB magazine 113

2011

Galerie Bianca Landgraaf, Amsterdam, Hollande.

2011

Ninoska Huerta Gallery , Coral Gable. Florida, USA.

2013

Biscayne Art House Miami, Florida USA

2014

Ninoska Huerta Gallery - Biscayne Art House Miami, Florida USA.

2014

Vilniaus Dailus Akademija l'AcadĂŠmie des Beaux Art de Vilnius, Lithuania.

2014

Galerie Medicci , Caracas, Venezuela.

2015

La Figure, Saint Ouen Aumone , France.

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La diaspora La contemplación de este trabajo remueve preguntas fundamentales sobre la significación de lo humano dentro del contexto del serDmaterial y del serDespiritual (fuera de toda la precepción religiosa). Ella nos plantea la dualidad entre la angustia y la serenidad, que esboza la delicada fragilidad de la convivencia. En mis videos (stop motion), la visión de lo trascendente se deshace atrapando en el tiempo efímero de cada secuencia de las diferentes imágenes que se forman, se mezclan y desaparecen, una y otra vez, al ritmo de una sonoridad que acentúa la profundidad y dramatismo del conjunto, afirmando de esta forma una interpretación intangible de intensa emoción. Este trabajo pone en relieve una tensión latente, un cuestionamiento indefinido de aproximaciones simbólicas , efervescentes de emoción. La concepción de esta serie fotográfica reúne un conjunto de herramientas visuales y audios que articulan una noción alegórica , pero palpable, de nuestra acontecer y de nuestra sociedad ... La gran pregunta radica en la mirada, la mirada sobre nosotros mismos ... la mirada hacia el otro, y la percepción del otro sobre nosotros

La concepción de esta serie fotográfica reúne un conjunto de herramientas visuales y audios que articulan una noción alegórica , pero palpable, de nuestra acontecer y de nuestra sociedad ... La gran pregunta radica en la mirada, la mirada sobre nosotros mismos ... la mirada hacia el otro, y la percepción del otro sobre nosotros Todo es como la vida misma, compuesta cambios , de sorpresas, de un sinnúmero de situaciones inesperadas , contrarias y dispares , brutales ,inexplicables e ilógicas y no obstante extraordinaria.

Yo fotografió los detalles que regularmente pasamos desapercibidos, desechos industriales y marítimos , arboles , hojas, ramas, muros roídos, , documentos antiguos, y toda una cantidad de objetos , que poco a poco pasan a formar parte de mi biblioteca del absurdo de ella voy tomando los residuos de los relatos que recompongo, como testimonio de una historia que se desvanecen con el tiempo, y terminamos por olvidar.

Este archivo fotográfico , es la material prima que me sirve para desarrollar en mi taller ,un obra compuesta de múltiples elementos, que transformo hasta obtener o extraer el hilo conductor de una nueva historia , la yuxtaposición de imágenes , da la densidad y poder narrativo , pero no una narración literaria , mas bien de una interpretación metafórica que reproduce la sensación profunda de la esencia de su contenido , ella toma toda su intensidad en la puesta en escena de cada instalación , creando una diversidad de interpretaciones en el espectador , quien reacciona de una manera personal basada en su experiencia, la cual ,que no es otra, que una ilusión de un mundo interpretativo , ilusión poética , sentimental , alegre o melancólica, todo en función de su naturaleza ,estado anímico y su sensibilidad empática .

Karim Borjas

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Karim Borjas - París - EXPOSITIONS COLLECTIVES EN: France, Belgique, Italie, Suisse, Suède, Espagne, Allemagne, Luxembourg, Angleterre, Hollande, Pologne, Croatie, Hongrie, U.S.A., Venezuela, Mexico, El Salvador, Guatemala, Honduras, Panamá, Nicaragua, Costa Rica, Cuba, Canada, République Dominicaine, Puerto Rico, Colombie, Équateur, Pérou, Bolivia, Paraguay, Uruguay, Chili, Argentina, Israël, Togo, Égypte, Maroc, Turquie, Azerbaïdjan, Ouzbékistan, Lituanie, Lettonie, Georgie, Corée du Sud, Taiwan, Japon, Russie et Chine.

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Arturo Carrión - Volumetría-ELLY66A - mixed on canvas - 2019

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CarlosPoveda EL ARTE DE DIBUJAR SIN UNA GOMA DE BORRAR por Edgar Cherubini Lecuna

Desde que se residenció en Francia se ha dedicado a trabajar en ob obrras tridime men nsionales, pero muchos no conocen su etapa gráfica que yo tuve la suerte de apreciar en Venezuela en los años setenta.

Es por eso que al llegar a su taller, entre mesas de trabajo y her herrramientas, comenzamos este diálogo.

Quisie Quisierra conversar no de su etapa escultórica actual sino de sus dibujos sobre papel iniciados en la década de 1960, impo mporrtante etapa figurativa inme nmerrsa en el exp xprresionismo que algunos no conocen. Hábleme de esas figu figurras que poblar aro on su ima mag ginación.

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Carlos Poveda, Prière, 1974.

Corre el mes de febrero en medio de fuertes lluvias e inundaciones en la región parisina. Me encuentro en la Gare Haussmann–St-Lazare, esperando el tren que me llevará a Villiers-sur-Marne, pueblo en las afueras de París donde tiene su taller el artista Carlos Poveda.

Durante el trayecto, me dedico a repasar las notas de John Berger, sobre las dificultades que entraña la maestría del dibujo. “El dibujo dice cosas que las palabras no pueden y las palabras dicen cosas que el dibujo no puede”, escribe Berger en su ensayo Sobre el dibujo. También afirma, que dibujar es descubrir: “Hay dibujos que estudian y cuestionan lo visible, otros que muestran y comunican ideas, y, por último, aquellos que se hacen de memoria. Cada uno de estos habla en un tiempo verbal distinto”. Pensé que esas reflexiones me serían Útiles para conversar con este artista del dibujo, de origen costarricense, que vivió en Venezuela en los años setenta y que desde hace 15 años reside en Francia.

Carlos Poveda (1940) se dio a conocer en la esfera artística a partir de una exposición patrocinada por la Unesco en 1960, muestra que agrupó a los mejores artistas costarricenses. Comienza a acrecentarse su fama como dibujante de la mano de José Gómez Sicre, director de artes visuales de la OEA, quien incluye sus dibujos en las exposiciones de la Unión Panamericana y en la Feria Mundial de Nueva York en 1961. Gómez Sicre años antes había descubierto y lanzado internacionalmente al dibujante mejicano José Luis Cuevas. En 1965 Poveda instala su taller en Washington D.C. y ese mismo año, contando apenas 25 años de edad, obtiene una mención honorífica en la VIII Bienal de Sao Paulo. El coleccionista y escritor Inocente Palacios, quien fue Jurado de Calificación de esa Bienal, escribe sobre sobre el artista: “Carlos Poveda, allí, se expresó por medio del dibujo, del negro sobre el blanco. La firme decisión en el trazo, la seguridad en la continuidad lineal, la pureza expresiva, el pulcro emplazamiento de la forma en el espacio, nos permitió situar a este artista en el grupo de dibujantes que, dentro de clara y definida figuración, crean obra de impecable limpidez, utilizando el trazo, la línea y la mancha como únicas herramientas”. (Inocente Palacios, La conducta de los elementos. Catálogo de la exposición de Carlos Poveda en la Sala de Exposiciones de la Fundación Eugenio Mendoza de Caracas, Venezuela, en 1977). Conocida por sus francas y a veces despiadadas críticas, Marta Traba elogió los trazos sobre papel de este artista: No creo, pues, que sea una coincidencia esta aparición de grandes dibujantes que rescatan el valor del dibujo como hecho independiente, y le conceden de golpe la misma autonomía que a la pintura. José Luis Cuevas, Leonard Baskin, Marcelo Grassmann, ahora Carlos Poveda, no son pintores que dibujan sino dibujantes que pintan, es decir, que expresan completamente una idea pictórica y un contenido conceptual y anímico mediante el blanco y el negro. Lo adecuado para describir un mundo que esté por fuera y más allá de lo humano, es emplear el patetismo austero desgarrador del blanco y negro. La capacidad de Poveda para crear éste mundo al margen de la normalidad y sugerir ‘otra’ condición humana, lo coloca entre los grandes dibujantes del continente. Sus ampliaciones y sus deformaciones lo empujan a la misma tragedia barroca que los otros expresan; pero al contrario de ellos su dibujo no es acumulativo, sino que tiende a las elipsis y a las grandes síntesis, a la caligrafía japonesa”. (Marta Traba, Uno más y distinto: Carlos Poveda, Diario la Prensa, Bogotá, Colombia, enero de 1966).

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Se trataba de figuras humanas producto de indagaciones gráficas que se producían en mi mente en el mismo instante en que las realizaba, sin haber sido planificadas. Figuras que dibujaba sobre todo en horas de la noche, por aquello del silencio y la concentración. Realizaba un promedio de cuatro a siete dibujos por noche como mínimo y, al día siguiente, ya secos, los analizaba, revisaba y los que no me convencían, ahí mismo los eliminaba.

—Me llama la atención que usted utilizaba el pincel al revés, es decir, pintaba con el mango en lugar de pintar con las cerdas. Háblenos del porqué de este recurso tan inusitado que, según Marta Traba, “logra efectos brillantes y opacos, otorgándole a la materia un aire denso y desgarrado al mismo tiempo y acerca más su obra a la pintura que al dibujo”.

El pincel al revés.

—Un día, descubrí que el esmalte comercial, que es en realidad un óleo liquido, pintura con base en el aceite, era una materia que se aferraba perfectamente a la textura del papel y, donde yo ponía el trazo, era imposible de borrar, lo cual me exigía concentración. Lo mismo que al utilizar la parte posterior de un pincel, lograba texturas y variantes lineales imposibles de hacer por otros medios. La experiencia me pareció musical porque se trataba de lineas apenas perceptibles o líneas cargadas de fuerza y emoción, aparte de lo temático que, también era producto de la improvisación y del momento. A ello lo que puedo agregar que, según el tiempo de liquidez del esmalte, con el mismo podía lograr desde finas grisallas hasta densos y expresivos trazos. Como puede apreciar, de tanto usar la punta de los mangos de los pinceles, estos crearon una especie de cono, debido a las capas superpuestas de esmaltes.

—Sus trazos sobre papel, transmiten una atmósfera intimista, es como si usted hubiera podido colarse y presenciar encuentros furtivos y singulares, me refiero a esa aura de gran complicidad que envuelve a sus personajes ¿Qué representan esas visiones?

—Eran ocurrencias del momento en que los realizaba, inventos de mis retos con la superficie alba del papel, a lo que podría agregar, el universo de posibilidades gráficas del esmalte, los trazos y chorreados, los movimientos del brazo, la presión ejercida sobre el papel y, que esos trazos lograban comunicar emociones. De esa suerte de conversación iban apareciendo mis personajes imaginados, mostrando sus emociones, alegrías o tristezas.

—¿Cómo traducir esos sentimientos suyos, plasmados con tal rigor o inclemencia, que a veces dejan huellas de intaglios sobre la cartulina?

—Si, por supuesto, dependía del nivel de liquidez de la pintura al aceite con la cual trabajaba, porque si esta conservaba menos diluyentes en razón de los días que yo dejaba abierto el pote, el trazo devenía sutil, grisalla apenas sugerida, de lo contrario, el resultado era mas hacia a la densidad de la mancha y el negro absoluto.

Debido a la presión sobre el papel, con la parte posterior del pincel, aplicado con evidente firmeza sobre el mismo, sin darme cuenta producía intaglios. En esos trazos plasmaba mis emociones.

John Berger, afirma que en el proceso que implica el dibujar, la memoria juega un papel fundamental: Todos los grandes dibujos se hacen de memoria, dice Berger, incluso cuando tienes el modelo o el sujeto delante dibujas de memoria. “El modelo sirve de recordatorio. El modelo te recuerda unas experiencias que sólo puedes formular y recordar dibujando”. Hace un momento, usted me comentó, que durante sus estudios de arte en Polonia, tuvo la oportunidad de visitar Auschwitz–Birkenau, el mayor de los campos de concentración y exterminio de la historia del nazismo, donde se calcula ARTCLUB magazine 122

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John Berger, afirma que en el proceso que implica el dibujar, la memoria juega un papel fundamental: Todos los grandes dibujos se hacen de memoria, dice Berger, incluso cuando tienes el modelo o el sujeto delante dibujas de memoria. “El modelo sirve de recordatorio. El modelo te recuerda unas experiencias que sólo puedes formular y recordar dibujando”. Hace un momento, usted me comentó, que durante sus estudios de arte en Polonia, tuvo la oportunidad de visitar Auschwitz–Birkenau, el mayor de los campos de concentración y exterminio de la historia del nazismo, donde se calcula que fueron asesinados cerca de un millón cien mil judíos. ¿Ese sujeto está presente en sus dibujos de lo que podríamos llamar etapa judaica’?

Sí, definitivamente. En 1974, la Facultad de Arte de la Universidad de Lódz, en Polonia, me honró invitándome como artista en residencia, lo que también me permitió conocer otras localidades, entre ellas, Auschwitz–Birkenau. Ese centro donde se masacró la humanidad judía fue para mi algo intenso y revelador, porque me hizo reflexionar sobre la temática judía y el Holocausto, que desde entonces ha estado presente en mis dibujos, grabados y serigrafías, lo mismo que en objetos mas recientes, algunos de los cuales también hacen referencia a la expulsión de los judíos en España en 1492. Pero también tengo que recordar que en 1948, a los ocho años de edad, fui testigo de una guerra civil en Costa Rica que me marcó para el resto de mi vida, ya que mi padre fue una de las tantas víctimas. Vienen a mi mente, en este momento, el pavoroso sonido de las armas de fuego y las bayonetas destrozando los muebles y las paredes de mi hogar. De manera que las angustias y el dolor no me son ajenos, los he vivido en carne propia..

Al terminar sus estudios en Polonia, usted regresa a Venezuela decidido a convertirse a la religión judía, además contrae matrimonio con una mujer que profesa el judaísmo. ¿Nos podría relatar ese proceso de conversión?

—Si, por supuesto. Regresé a Caracas en 1975 y, aquella experiencia polaca me inclinó a profundizar más sobre el judaísmo y las causas de esa terrible historia como la de Auschwitz-Birkenau y otros campos de muerte del nazismo. Eso me motivó a tocar a la puerta de la Sinagoga en Caracas. Mi perseverancia e insistencia dieron sus frutos al ser iniciado y aceptado en la comunidad judía. Valga la ocasión para mostrarte una serie de dibujos y grabados que nunca se han expuesto, que demuestran cómo a través de los años la historia del pueblo judío a estado presente en mi mesa de trabajo.

Estoy de acuerdo con lo dicho por Marta Traba sobre este artista, cuyos dibujos le evocaban los trazos de la caligrafía japonesa. Yo agregaría en este caso, que la comunión entre la mente, el papel y la tinta, no deja lugar a dudas, no deja nada al azar y no permite el arrepentimiento o el recomponer lo trazado. Los dibujos de Carlos Poveda, demuestran que no solo hablando y escribiendo se comunican los pensamientos, ya que sus dibujos demuestran todo lo que se puede decir con un solo trazo, decidido e irrepetible. Por eso, completo la frase de John W. Gardner (1912-2002), con la que titulo esta nota: “La vida es el arte de dibujar sin una goma de borrar”.

Edgar Cherubini

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CARLOS POVEDA Carlos Poveda nació en San José, Costa Rica, en 1940. Su obra artística comenzó a exponerse a principios de la década del 60 en el continente americano. En 1965 obtuvo la Mención Honorífica para Dibujo de la VIII Bienal de Arte de Sao Paulo, Brasil, y el Premio Nacional de Pintura de Costa Rica. En el 2004 recibe el Premio Nacional de Escultura de Costa Rica, y en el 2005 el Premio Unico Francisco Narváez de la VIII Bienal de Escultura Francisco Narváez en Venezuela. Luego de haber vivido 30 años en Venezuela, actualmente reside en Paris.

2005 'Movimiento Derrame', Sala Guillermo Núñez, Santiago de Chile.

2004 'Coleccionables IV', Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.

2003 'Rencontres A3', Place Saint Sulpice, Paris, Francia.

2003 Palazzo Genovesi, Salerno, Italia.

2003 Galerie Vromans, Amsterdam, Holanda.

2003 'Opus', Galerie Seidel, Köln, Germany.

2003 'Rencontres A3', place Saint Sulpice, París, Francia.

2003 Palazzo Genovesi,Salermo, Italia.

2003 Galerie Seidel, Colonia, Alemania.

2003 Galerie Vromans, Amsterdam, Holanda.

2003 'Opus', Galerie Seidel, Colonia, Alemania.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2002 'Les cannibales du XXIème', Galerie R. Treger, París, 2009 "Paysages domestiques", Pavillon Charles X, St.-Cyr-sur-Loire, Francia.

France.

2002 'Transparences', Galerie Lelia Mordoch, París, Francia.

2006 "Paysages Domestiques", Galerie Nery Mariño, París, Francia.

2006 "Obra actual", Sala Alternativa, Elvira Neri Galería de Arte, Caracas, 2002 'St'Art'2002', Estrasburgo, Francia.

2002 'Sparkasse', Galerie Seidel, Colonia, Alemania.

Venezuela.

2001 'Arte & Embutidos', Galerêa D'Museo, Caracas, Vene2004 "Imaginario Irreverente ", Exposición antológica, Museo de Arte zuela.

Costarricense, San José, Costa Rica 2001 'L'art dans l'éventail', Musée de l'éventail, Paris, France.

2002 "Retrospektive", Galerie Seidel, Colonia, Alemania.

2001 'Art Paris', Stand Espace Art Venezuela, Carroussel du 2001 "Paisajes Domésticos", Galeria Passaggio Bianco, Nápoles, Italia.

Louvre, París.

1998 "Paisajes Domésticos", Museo Jacobo Borges, Caracas, Venezue2001 'Estremi soffi dell'informale', Cinque artisti a Villa Campola. lieto, Ercolano, Nápoles, Italia.

1996 "Obras Recientes", Galería A-Siete, FIA"96, Caracas, Venezuela.

1994 "Arborescencias", Sala de Arte Del Sur, Ciudad Guayana, Venezue- 2001 'Un jardin d'art', Hôtel Salomon de Rothschild, París, France. la.

2001 'Cheap Art' (Fragile), Galerie Seidel, Colonia, Alemania.

1992 "Obras Recientes", Galería D'Museo, FIA"92. Caracas, Venezuela.

2001 'Territorios Insulares', Galería de Arte Nacional de Buda1991 "Albotexturales", Ars Forum Galería de Arte, Caracas, Venezuela. pest, Hungría.

1990 "Pinturas", Park Gallery, Fort Lauderdale, Florida, U.S.A. 2001 'Sala Riunioni S. Gerardo', Comune di Caposele, Ave1989 "Otra Vegetación", Galería Durbán, Caracas, Venezuela.

1987 "Paisajes Silentes", Museos Banco Central de Costa Rica, San José llino, Italia.

2001 'Confluence', Centro Culturale Il Campo, Campomarino, 1986 "Perfiles de Utopía", Galería Durban, Caracas, Venezuela.

Italia.

1985 "Panoramas", Centro de Arte 2000, San José, Costa Rica.

2001 'Sledovi Obstojecega', Galerija Torkla, Trieste, Italia.

1984 "Obra Actual", Galería M&O, Caracas, Venezuela.

2001 'Confluence', Europart'94, Avellino, Italia 1981 "Nubes", Museo de Arte Costarricense, San José, Costa Rica.

2001 'Proyecto Mapa', Museo de Arte Moderno, Bogotá, Co1980 "Nubes", Galería Durban, Maracaibo y Barquisimeto, Venezuela. lombia.

1979 "Nubes", Galería Durban, Caracas, Venezuela.

2001 'Kunst und mode', Galerie Seidel, Colonia, Alemania.

1979 "Proceso a la Síntesis", Museo de Arte Costarricense, San José.

2000 "Kunst und Mode", Galerie Seidel, Köln, Alemania.

1979 "Obras Recientes", Galería SanDiego, Bogotá, Colombia.

2000 "Anima de Noël", Galerie Anima, París, Francia 1977 "Obra Actual", Fundación Mendoza, Caracas, Venezuela.

2000 "Grands et jeunes d"aujourd"hui", Espace Eiffel-Branly, 1971 "Dibujos", Sala Cinema Dos, Caracas, Venezuela.

París, Francia.

1970 "Dibujos", Galería Bon Art, Valencia, Venezuela.

2000 "Art Paris 2000", Carrousel del Louvre, París, Francia.

1970 "Dibujos", Unión Médica Nacional, San José, Costa Rica 2000 "Netz", Galerie Seidel, Colonia, Alemania.

1969 "Dibujos", Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

2000 "Les echelles", Galerie Lelia Mordoch, París, Francia.

1967 "Dibujos", Galería 22, Caracas, Venezuela.

2000 "Subasta Arte Latinoamericano", Salle de Fêtes, Mairie 1967 "Dibujos", Galería Mexicana de Arte, México, D.F. IV arr. París, Francia.

1966 "Dibujos", Ecole de París Gallery, Washington D.C., U.S.A. 2000 "Bürgerhaus Stollwerck", Colonia, Alemania.

1966 "Dibujos", Instituto de Arte Contemporáneo, Lima, Perú.

1999 "El Viaje…", MACCSI, Caracas, Venezuela.

1966 "Dibujos", The Randolph Gallery, Houston, Texas, U.S.A. 1999 Residence de la tour, Malakoff (Galerie Seidel) Paris, 1966 "Dibujos", Centro de Bellas Artes, Maracaibo, Venezuela.

Francia.

1966 "Dibujos", Museo de la Universidad de Puerto Rico, Mayagüez.

1999 "Aktuelle Venezolanische Kunst" Galerie Seidel, Köln, 1965 "Dibujos", Galería Colseguros, Bogotá, Colombia.

Deutschland.

1965 "Dibujos", Galería Rubbers, Buenos Aires, Argentina.

1999 "Subasta-Museo de Arte Contemporáneo de Lima, Lot 1965 "Dibujos", Unión Panamericana, Washington D.C., U.S.A. 94, Christie"s, Perú 1964 "Dibujos", Dirección General de Artes y Letras, San José, Costa 1998 ‘Paisajes Domésticos’, Galerie Lelia Mordoch, FIA’98, Rica.

1963 "Dibujos", Centro Cultural Costarricense Norteamericano, San José. Caracas, Venezuela.

1998 "Bienal Barro de América-Roberto Guevara", Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofia Imber, Venezuela.

EXPOSICIONES COLECTIVAS 1998 "Obras recientes", Galerie Lelia Mordoch, París, Francia.

2009 "60 obras del Siglo XX", exposición itinerante en América Central, 1997 "Zionismo: Sueños y Realidades", Binianei Ha’uma, JeM.A.C., Costa Rica rusalem, Israel 2009 "Regards sur l’Amérique latine", Scope 2, Paris, France.

2009 "Valoarte", Galería Nacional, Museo de los Niños, San José, Costa 1997 "Obras recientes", Galeríe Lelia Mordoch, FIA’97, Caracas, Venezuela.

Rica.

2008 "Modern & Contemporary Art", Karina Belilty, Miami, Florida, U.S.A. 1997 "Figuración", Galería Uno, Caracas, Venezuela.

1996 "Sculptures sur le mur", Galería Lelia Mordoch, París, 2008 'Arte BA’08', Isabel Salinas Galería, Buenos Aires, Argentina.

Francia.

2008 'Fast food', Centro Cultural Chacao, Caracas, Venezuela.

2006 Auction’06 Contemporary Latin American Art, MoLAA, Los Angeles, 1996 "Para-Papel", Gabinete de Estampa, Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

California, U.S.A. 1996 "Arte Venezolano", Bijoux-WIZO, Unión Israelita de Ca2006 'III Biennale de Sculpture', Marcigny, Bourgogne, France. racas, Venezuela.

2006 'La voz del animal metafísico', Taller de Rokha, Santiago de Chile.

1995 "Obras Recientes", Arri-Art Galería, FIA"95, Caracas, ARTCLUB magazine 126

1992 "Eco-Art", Bozano/Simonsen, Museo de Arte Moderno, Río de Janeiro, Brasil.

1992 XIV Salón Bijoux de la Wizo, Unión Israelita de Caracas, Venezuela.

1991 II Subasta de Arte, Universidad Metropolitana, Caracas, Venezuela.

1991 "Amigos Comparte", Galería Bass, Caracas, Venezuela.

1991 "44x44x44", Galería Euroamericana, Caracas, Venezuela.

1990 "Latin American Art", Lot 269, Sotheby"s, New York, U.S.A. 1990 Subasta Pro Casa Amarilla, Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela.

1990 XIII Salón Bijoux de la Wizo, Unión Israelita de Caracas, Venezuela.

1990 III Festival de Arte Venezolano AVAA, Galería Freites, Caracas, Venezuela.

1990 IV Bienal Lachner & Sáenz, Museos del Banco Central, San José, Costa Rica.

1989 "Latin American Art", Lot 146, Sotheby"s, New York, U.S.A. 1989 "Dos Décadas del Paisaje en la Colección de la Galería de Arte Nacional", Caracas, Venezuela.

1988 "Latin American Art", Lot 264, Sotheby"s, New York, U.S.A. 1988 "La Imaginación de la Transparencia", Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

1987 "Gran Formato", Galería Durban, Caracas, Venezuela.

1987 "Nuevas Proposiciones", Galería Durban, Caracas, Venezuela.

1986 "Estampadores Contemporáneos de Venezuela", Galería Venezuela, N.Y., U.S.A. 1985 "Artistas de Venezuela por Amnistía Internacional", Ateneo de Caracas, Venezuela.

1984 "II Bienal de Dibujo y Grabado", Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela.

1981 "I Bienal de Arte Visuales", Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

1981 "Indagación de la Imagen", Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela.

1978 "El Dibujo Nuevo en Venezuela", Banco Central de Venezuela, Caracas.

1978 "Breve Historia del Dibujo en Venezuela, Estudio Actual, Caracas, Venezuela.

1977 "Araya vista por 25 Artistas", Lobby Cine Humboldt, Caracas, Venezuela.

1976 "Colección Daniel Yankelewitz, Museo de Arte Costarricense, San José.

1976 "Arte de las Américas", Museo de Arte Contemporáneo de América Latina, Washington D.C. 1974 "Wystawa Prac Studentow" PWSSP w Lodzi, Lodz, Polonia.

1973 "Arte Latinoamericano", Galería Aele, Madrid, España.

1972 "III Bienal de Arte Coltejer", Medellín, Colombia.

1972 "Gráfica Venezolana", Festival de Spoletto, Italia.

1972 "Gráfica Venezolana", Instituto Latinoamericano de Roma, Italia.

1972 "Gráfica Venezolana", Galería L"Argentario, Trento, Italia.

1971 "I Bienal Americana de Artes Gráficas", Museo La Tertulia, Cali, Colombia.

1970 "Exposición Panamericana de Artes Gráficas", Museo La Tertulia, Cali, Colombia.

1969 "Salón D"Empaire", Centro de Bellas Artes, Maracaibo, Venezuela 1968 "Salón Arturo Michelena", Valencia, Venezuela.

1967 "Exposición Latinoamericana de Dibujo y Grabado", Universidad Central de Venezuela, Caracas.

1967 "Latin American Art", Ithaca College Museum of Art, Ithaca, New York, U.S.A. 1966 "Latin American 66", Cisneros Gallery, New York, U.S.A. 1966 "Latin American Art", Iowa University, Iowa City, U.S.A. 1966 "15 Latin American Paintings", Buttler Institute of Modern Art, Ohio, U.S.A. 1966 "New Names in Latin American Art", Smithsonian Institution, Washington D.C., U.S.A. 1966 "Latin American Art, Fredericksburg Gallery of Modern Art, Pennsylvania, U.S.A. 1965 "Art Festival", Brasilian American Cultural Institute, Washington D.C. 1965 "Art in Latin America", J.Walter Thompson Co., New York, U.S.A. 1965 "Art Exhibition and Auction", Brandeis University, World Bank, Washington D.C., U.S.A.

1963 "Grupo de los Ocho", Casa de la Cultura, Manizales, Colombia.

1962 "Juegos Florales", Museo Nacional, San José, Costa Rica.

OBRAS EN COLECCIONES PÚBLICAS Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

Museo de Arte Costarricense, San José, Costa Rica.

Museo de Arte de Sao Paulo, Brasil.

Museo de Arte Contemporáneo, Bogotá, Colombia.

Museo de Arte Contemporáneo, Panamá.

Blanton Museum of Art, Austin, Texas, U.S.A. Museo de Arte Contemporáneo de América Latina, Washington D.C. Museo de Arte Contemporáneo, Houston, Texas, U.S.A. Museo de Arte Moderno, Santiago, Chile.

Museo de la Universidad de Puerto Rico, Mayagüez, Puerto Rico.

Museo de Bellas Artes, Ciudad Bolívar, Venezuela.

Museos del Banco Central de Costa Rica, San José.

Instituto de Arte Contemporáneo, Lima, Perú.

Instituto Cultural Israel-Iberoamerica, Jerusalem, Israel.

Instituto Latinoamericano de Roma, Italia.

Centro de Bellas Artes, Maracaibo, Venezuela.

Banco Interamericano de Desarrollo, Washington D.C., U.S.A. Banco Nacional de Costa Rica, San José.

Banco Nacional de Costa Rica, Cartago.

Banco Bozano/Simonsen, Río de Janeiro, Brasil.

Banco Central de Quito, Ecuador.

Banco de Venezuela, Caracas, Venezuela.

Organización Mundial de la Salud, Washington D.C., U.S.A. Biblioteca Nacional, Caracas, Venezuela.

Biblioteca Nacional, Lodz, Polonia.

Centro de Arte de Maracaibo Lía Bermúdez, Venezuela Universidad para la Paz, San José, Costa Rica.

Fundación para las Artes y la Cultura, Fundarte, Caracas, Venezuela.

Del Sur, Entidad de Ahorro y Préstamo, Ciudad Guayana, Venezuela.

International Petroleum Corporation, Coral Gables, Fla., U.S.A. Petróleos de Venezuela (PDVSA-CIED) Caracas, Venezuela.

Galeria de Arte Nacional, Caracas, Venezuela.

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Carlos David Eso lo que es' basura Mi trabajo/obra comenzo como la de muchos artistas dentro de la figuracion, yo la ubique dentro lo que llamo el Psychorealismo, para distancearme del Surrealismo, el Realismo magico o la Nueva Figuracion. La curiosidad y la falta de paciencia me han llevado a experimentar/investigar otras variantes incluyendo la cocina.

Durante los 90 yo, como muchos, quede impresionado por la nueva tecnologia y el acceso masivo de la computadora, tanta informacion, o mejor dicho toda la informacion en segundos y cada dia o cada minuto de nuestra existencia produce aun mas informacion. Empece entonces a trabajar sobre el tiempo que una persona dedica a un tema visual, asi sea en un museo, en la TV o en una revista, la invencion del Control Remoto para cambiar los canales de la television, cada dia se contemplaba menos, tome tambien como tema la saturacion de informacion y el volumen de la publicidad.

El Tiempo me llevo a experimentar con collage y instalaciones, tomando en cuenta que el publico duraria un tiempo minimo observando lo expuesto para luego tal vez analizarlo mientras dormian. Mientras conseguia taller ocupaba mi tiempo haciendo ejercicios de composicion con postales para estimular el proceso creativo o calmar esos momentos de mania. Al cabo de unas semanas estaba aplicando la divina proporciĂłn a todo lo que encontraba, o reconstruyendo una pared tomando como partida un pedazo de tabla encontrada en la calle. Me deje llevar por los colores y texturas existentes no necesariamente por la via o circumstancia del Arte Povera mĂ s por la cantidad de material disponible en la calle y asi deconstruyo, desarmo construyo.

Las posibilidades por ahora son infinitas, los colores ya estan sobre la superficie del material es un problema de reorganizar, pegar. A veces simplemente lo dejo alli donde estaba, hay cosas que no necesitan ser intervenidas, tal vez otra persona ya lo hizo o las circumstancias la transformaron de una caja de carton a una obra de arte.

Carlos David.

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Carlos David. Caracas 1961. Nacido, Carlos David Díaz Lameda.

Vivió en Caracas, hasta la edad de once años. Posteriormente se trasladó a Londres, donde su padre fue publicado como corresponsal extranjero. Su madre, un dentista, vino también a regañadientes. Mientras vivía en Londres, estudió diseño gráfico, ilustración y bellas artes, y masterizó en Artes Europeas en 1994. En 2002 se mudó a Francia. Todavía vive y trabaja en París o donde quiera que esté.

Las obras están incluidas en las colecciones de: Museo de las Américas, Washington D.C. Museo de Arte Contemporáneo, Caracas, Organización de los Estados Americanos, Washington D.C. Fundación Miguel Otero Silva, Caracas. Museo de Relaciones Rotas, Zagreb, 1993 - 1994 Winchester School of Art. MA artes europeas 1981 - 1984 Escuela de Arte de Chelsea BA Hons. Diseño artístico 1981 Ravensbourne Escuela de Artes. ...

1978 - 1981 Colegio Barnet. Diploma (Distinción) Arte y Diseño Exposiciones 2016 Conversaciones con Al Zheimer. Galería del BID. Washington DC. Estados Unidos 2015 en el camino de la hormiga. Galería RED. Londres. Reino Unido Mezcla de verano. Galería turps. Londres. Reino Unido Doppelganger. No hay Galería de Formato. Londres. Reino Unido 2014 Conversaciones con Al Zheimer. Galería de cáscaras. Londres. Reino Unido BRUTAL. Black i Gallery. París. FR 2012 Talons, Tabous et Talismans. Black i Gallery. París. Fr 2009 Salón Bienal Miguel Otero Silva. Galeria Ascaso, Caracas. VE (segundo premio) 2008 Ella olvidó el futuro, 2021 Colecciones Galería, Atlanta. Estados Unidos 2004 Carlos David, Espace culturel 148, Alfortville. FR 2003 Une rivière d’Art. Rue de Montmorency, París. FR 2002 Pinturas recientes, Macon & Co Fine Art Gallery, Atlanta. Estados Unidos 2001 El hígado, una exposición. Instalación en. Café Mangobajito, Londres. Reino Unido 2000 La Vida Esplendida de Neli Mªdel Mar, CELARG, Caracas. VE Nueva Imagen de Miranda. Academia Nacional de la Historia. Caracas. VE Museo de Arte Contemporáneo Mario Abreu. Maracay Edgar Guinand, Carlos David, Galería Minerva, La Victoria. VE Macon & Co Fine Art, Group Show, Atlanta. Estados Unidos Carlos David. The Vine, Londres. Reino Unido 1998 Carlos David - Eoghann, Trabajos recientes, Mac Coll Gallery, Edimburgo. Reino Unido Obras recientes, Morley Gallery, Londres. Reino Unido ARTCLUB magazine 130

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1997 Pinturas recientes, Macon & Co Fine Art, Atlanta. Estados Unidos 1994 Adquisiciones Recientes, Museo de Arte Contemporáneo, Caracas. VE Idioma y localización, Caja de Madrid, Barcelona. ES 1993 La sala azul, Bolívar Hall, Londres. Reino Unido Pinturas recientes. Museo de Arte de las Américas, Washington DC, EE. UU. Museo de Arte Contemporáneo, Santo Domingo. RD 1992 Special Arts Gallery, Washington D.C. USA Desde The Contemporary, Bolivar Hall, Londres. Reino Unido 1990 El enigma de Pedro Miguel Candela, Museo de Arte Contemporáneo, Caracas. VE FMI, Washington DC. Estados Unidos Grands et Jeunes D'aujourd'hui, Grand Palais, París. FR Galería Trinity, Atlanta, GA. Estados Unidos 1989 XXI Festival Internacional de Arte, Chateau Museé, Cagnes-sur-mer, Niza. FR 4 Giovanni Disegnatori del Venezuela, Instituto Italiano de Arte Americano, Roma. ESO Latinos en Londres, Bolívar Hall, Londres. Reino Unido 1988 Grands et Jeunes D'aujourd'hui, Grand Palais, París. FR 1987 4 recién llegados, Bolívar Hall, Londres. Reino Unido La Dicotomía de Isabel, Centro de Arte Euro Americano, Caracas. VE 1986 4 Jóvenes recién llegados, Galería Venezuela, Nueva York. Estados Unidos

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Carlos David

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Víctor Parra ARTCLUB magazine 134

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Desde muy pequeño me interesé en el trabajo de pintura y dibujo gracias a la admiración del trabajo artístico de mi hermano mayor "Marcos Ortiz", Formalmente, inicié mi presentación al ámbito cultural, en 2003 con mi primera exposición desde entonces denominada Cosmokinesis, por estar ligada al mundo de la corporeidad y la cosmovisión del ser humano.

Principalmente Artista del área de pintura, y también facilitador de talleres de desarrollo creativo.

Como profesional de la docencia me he interesado en el trabajo del desarrollo del potencial creativo humano, hecho que me permite estudiar, investigar y facilitar a las personas u organizaciones interesadas. También desempeño un cargo como directivo gremial en secretaría de cultura y deporte, función que me permite tener contacto directo con la realidad cultural, en términos de eventos, proyectos, personas e instituciones.

Realmente soy Artista autodidacta aunque en 1997 me diplomé en estudios de Pintura y Dibujo en la Escuela de artes Martín Tovar y Tovar del Estado Lara. ¿Cómo describirías la temática de tu obra? Ontológicamente, como eje principal se destaca el cuerpo humano, pero como temática puntualiza la corporeidad, el mecanismo subjetivo de comunicación y expresión del ser humano con su entorno y su propio yo. El cuerpo y el movimiento no son solos elementos físicos o fisiológicos que dejan una huella estética sino que también son considerados como parte de la fenomenología del diario construir del ser social o el ser individual. ¿Cuál es el material o materiales básicos que utilizas en ellos? Desde el punto de vista Técnico instrumental, los materiales van desde los tradicionales como el óleo, acrílico, lienzo, papel, etc; pero como experimentación trato de incorporar elementos nuevos, pigmentos naturales; yo lucho con desprenderme del pincel, la brocha, la espátula y de transportar la pintura desde el uso de las manos hasta el propio cuerpo como imprimador orgánico. Otra gran lucha es por de construir las ideas o formas tradicionales con las cuales nuestra mente está condicionada por el uso de los colores, formas y texturas y que por lo general están asociadas a factores experienciales pasados y propiciar las reflexiones más creativas que permitan acercarme a una propuesta menos signada al autoclonamiento; cosa nada fácil ya que somos seres sujetos a la experiencia previa. No obstante, la obra no solo es un trabajo acabado, es una pieza de re pensamiento, dinámica y efímera con la cual se objetivara el objeto de arte; la obra maestra, no es el fin, es el trabajo, la experiencia y las reflexiones como ser humano lo que determina el valor del trabajo artístico reflejado en un soporte convencional. ¿Qué opina de la posibilidad que le da ARTCLUB magazine, de mostrar su trabajo a todo el mundo a través de los medios creados en Internet y ser utilizadas por la Comunidad de Artistas? Es un aporte bien significativo ya que transmite el valor artístico de ARTCLUB magazine a su publico lector, sino que genera un medio para la discusión, reflexión y transformación de nuestro hecho cultural. Permite desde la contemplación hasta la crítica que posibilita nuevas perspectivas del quehacer creativo.

DECIR COSMOKINÉSIS - Prof. Luisa Elena Díaz Artigas Decir Cosmokinésis es decir sentimiento de búsqueda de dos seres, que en planos bidimensionales expresan con desnudez de ideas preconcebidas, una visión del mundo, su espacio, del movimiento, del vuelo, del lenguaje y de la pasión; y es que la obra que presenta Víctor Parra, está plenada de formas, colores, texturas y sensaciones especiales, para reseñar la pasión al calor encendido de cuerpos que en la búsqueda de trascender la caotica cotidianidad, se encuentran y desencuentran en lugares infinitos de la imaginación, orbitando permanentemente en un espacio cósmico, único, llenos de soles, lunas y estrellas.

Decir Cosmokinésis, es decir también conocimiento egocéntricamente perfecto del cuerpo, con nombres que apegados a la profesión de Profesor de Educación Física del autor y a su condición ARTCLUB magazine 137

de amante y militante del quehacer gimnástico, usufructúa en estos escenarios. Cada una de las obras están impregnadas por una centrada valoración de la integración de la Corporeidad, la fluidez del Movimiento Corporal y la apropiación medular del cosmo infinito. Las imágenes están inspiradas en una transdiciplinar admiración por el estilo clásico de las esculturas de la Grecia antigua, el lenguaje expresionista, del poder psicológico y explorativo del surrealismo moderno y de lo sociológico, irreverente y desafiante del postmodernismo, "… Por ello, no el simplismo de retratar con exactitud -digamos fotográfica- la realidad, frente a nosotros, sino de tomar la forma aparente y transitoria de ella y adaptarla a una nueva visión… " (Parra, 2003). Y es que en favor de esa promiscua mezcla de tendencias, Cosmokinésis, se construye, deconstruye y recontruye como una propuesta con deseos de innovación, miedosa y cuidadosa del autoclonaje.

Esta obra es una lucha por marcar distancia de lo recurrente, tradicional y adicional oficio de diseñador gráfico de Victor Parra. Ya que conocer al autor, es conocer afiches, murales, carteles, comics, caricaturas, retratos y escenografías de gran calidad, creatividad y variedad en la Universidad Pedagógica Experimental Libertador Núcleo Barquisimeto, Venezuela; impregnados con un sello personal. Sin embargo, Cosmokinésis es una propuesta diferente, sin ataduras, ni compromisos, sin restricciones, sin pedidos a la carta, es para este autor una gran oportunidad de romper sus propias cadenas, dejar fluir desde lo más profundo del interior y con una fuerza espontánea lo que le hace crear y crecer junto a unas figuras llenas de sentimiento, de ganas de comunicar, es como la danza de la vida, en donde se entrelazan historias, donde los protagonistas son el amor, el lenguaje, el color, el espacio, el tiempo y sobre todo el movimiento humano en el cosmos, … "cosmos que somos todos, el ser, el espacio y el movimiento, representados como una entidad en este micro espacio que es un todo en el universo. No es solo una constelación de estrellas ni el ser como una constitución de carne y hueso; no, es mucho más que éso y ello es lo que trato de construir en el trabajo que estoy haciendo… " (ob cit ). En este sentido, tanto hombres como mujeres a pesar de las diferencias, ante el cosmos infinito son uno sólo, un solo género formando parte de una búsqueda interna.

VICTOR PARRA. Natural de Coro Edo. Falcón, República Bolivariana de Venezuela, nacido el 1407-1967. Realizó estudios de primaria y secundaria en la E.B. Virginia Gil de Hermoso, en Coro Edo. Falcón. Luego, en el Estado Lara realiza sus estudios superiores tanto de pregrado como de posgrado. Actualmente, es Doctor en Ciencias de la Educación del Programa Interinstitucional UCLA-UNEXPO-UPEL. Labora como docente adscrito al departamento de Educación física de la Universidad Pedágogica Experimental Libertador Núcleo Barquisimeto (UPEL – IPB). Miembro activo del Núcleo de Investigación del Desarrollo de la Creatividad "Andrés Orellana" (NIDCAO) de la UPEL-IPB. Su formación como artista plástico es autodidacta, aunque en el año de 1997 se diploma en estudios de Pintura y Dibujo en la Escuela de artes Martín Tovar y Tovar del Estado Lara.

Exposiciones colectivas "Una Dama para el Turbio". Centro de Historia Larense, Barquisimeto 2001.

"1ra Subasta de Pintura". Museo de Barquisimeto, Barquisimeto 2003.

"Sexo y amor". UPEL-Barquisimeto 2005-2006-2007-2008-2009 "Sinestesia y Arte" Cuevas del Almanzora, Almería España 2008 "II Congreso Internacional de Sinestesia" Granada, España 2009 "Eros vs amistad". UPEL-Barquisimeto 2006 "Madre María". Museo de Barquisimeto 2009 "Papelote en las Huellas de Lara". UPEL-Barquisimeto 2009 Colectiva 50 aniversario IPB. UCLA-Barquisimeto, 2009 Entre el matiz y lo motriz. UPEL- Barquisimeto, 2010 Cinco + cinco. Flor de Venezuela, Barquisimeto, 2010 "II Semana Internacional de Sinestesia, Ciencia, arte y creatividad" UAL y Artecitta. Cuevas del Almanzora, Almería España 2010 Exposiciones individuales: "Cosmokinesis I", UPEL-Barquisimeto 2003-2004-2005-2006 "Cosmokinesis I", UPEL-San Cristóbal 2003 "Cosmokinesis III". IMPM Caracas 2005 "Sensaciones y Corporeidad" UPEL-Barquisimeto 2007 "Armonía dual: Espiritualidad y Corporeidad" UPEL-Barquisimeto 2008 "Cosmokinesis, Frutas Pasión y Cuerpo". Caracas, 2010 "Cosmokinesis, Frutas Pasión y Cuerpo". Agua Viva, Lara, 2010 www.victorparra.com

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Martha

DomĂ­nguez ARTCLUB magazine 140

Pintora y Diseñadora Venezolana, Caraqueña de nacimiento, desde 1980 ha vivido en los Estados Unidos. Su trayectoria incluye exhibiciones a nivel nacional e internacional. Su obra plástica ha sido expuesta en galerías, museos y ferias de arte, incluida en colecciones privadas y presentada en importantes publicaciones.

“Para poder expresarme necesito esa sensación de libertad que encuentro en el proceso creativo. Mis piezas son presentadas en busca de una reacción y en cada caso lo mas valioso para mi es la inevitable conexión entre mi arte y el observador”. Co-fundadora de una organización sin fines de lucro. Se mantiene activa con proyectos que llevan el arte a diferentes comunidades. Vive actualmente en Delray Beach, Florida 2018 - Ultimas exhibiciones Spectrum Miami / Fine Arts Initiatives / Agora Gallery, NY / Art Takes SoHo, NY / Art Market Hamptons, NY / Artblend Gallery, FL Artisans Gallery, FL / Studio Visit Magazine

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Arturo Millán es un artista que ha sabido hacerse de un lenguaje plástico configurado en una gramática de uso desenfadado del color. Libertaria interpretación de signos, manejo espontaneo de texturas y un admirable sentido de autenticidad, al asumir su ser y su hacer como pintor. Es un Maestro que ha sabido construir una poética del signo y el símbolo mediante un constante ejercicio pictórico, donde se fusionan conocimiento e intuición,realidad y ficción, razón y pasión, Gabino Matos, crítico de arte - 2018 Quien se aproxima por primera vez a la obra de Arturo Millán pareciera adentrarse en universo onírico plagado de símbolos y signos que no buscan ser interpretados con los códigos tradicionales de la consciencia. Cuadrículas, numerología, signos primigenios, mandalas, arcanos y la policromía indigenista del Caribe se apropian del discurso estético de Millán. Lo metafórico, lo lúdico y lo onírico se abren paso hacia otra concepción de la belleza, esa que se puede sentir, casi inexplicablemente, frente a una obra del maestro nacido en Porlamar en 1949. Su obra ha sido expuesta en la Galería de Arte Nacional y en los grandes museos del país y ha sido maestro de varias generaciones de jóvenes interesados por ingresar al mundo de la pintura. No en vano fue declarado en 2009 hijo ilustre de la ciudad de Porlamar.

La reinterpretación de los símbolos del pasado procuran que el espectador perciba visual y táctilmente sensaciones ya vividas como quien siente “ya estuve aquí”. Dice el artista: “en mi pintura el pasado existe y allí encuentra su acomodo. Las costuras de mi madre, las amarras del pescador, la corrosión del salitre, las cercas, el bahareque, lo místico religioso, lo mágico caribeño” combinados con una visión contemporánea que conquista nuevas posibilidades de expresión Gabino matos Critico de arte -2016 “Toda

la obra de Arturo Millán, es una orgía dionisíaca, porque sólo en el significado de las festividades chamánicas hay una redención de la realidad y de aquellos días de transfiguración del color que atravesó sus pupilas de ciudadano espectador y ahora artista. Penetra lo íntimo a través de las retículas de lo apolíneo y distribuye “manchas luminosas para curar la vista lastimada”.En él el paisaje onírico lo atormenta y allí estará la verdad de su búsqueda que ya es un acierto, de una ciudad que aparece ahora menos bella que ayer o tal vez con noches horripilantes. Llena de tatuajes en las paredes del alma. Por muchos años el hombre ha tratado de cuestionar lo real para demostrar su sentido de primacía en el planeta; sin embargo, por ser la realidad infinita, esta lo trasciende, de allí que el arte trate de hundirse en las tradiciones, persiguiendo lo real, como condición de verdad existencial para que la comunicación visual sea posible.

Los signos en forma de sintaxis o arbitrariamente no solo se transmutan para que el sentido sea posible y los códigos tengan acceso a la comprensión del mundo referencial, sino que también, esos signos constituyen una especie de pantalla que nos impone una determinada visión del mundo. Indaga Arturo Millán, con diferentes materiales plásticos y no tan plásticos, a veces irreverentes, para explicar y explicarse como una forma de revelar el mundo.

Si esto no es verdad, entonces nos queda la duda, dónde encontrar lo cierto. Trastocada la realidad surge el lenguaje nuevo, transformado. La intención de Arturo Millán es engañarnos y confundirnos con su pasaporte plástico de cruces, grafías y desgarramientos de elementos interpuestos. Así nos invita en comunión a releer el verbo-signo. Porque el lenguaje cualquiera sea su tratamiento, qué significa, sino una forma de ocultar el pensamiento y los acontecimientos del espíritu en el espacio mítico de una obra de arte.

Arturo Millán afirma con falsedad del lenguaje plástico, un microcosmos perdido, que trata insistentemente de reconstruir; está consciente el artista, que a través de lo falso- como lo entendió Friedrich Nietzsche-es la posibilidad del lenguaje, de crear otros mundos, distintos a la más inmediata realidad, y a la no existente ya.

Las grafías y lo tormentoso de una luz que llega como una verdadera “fauvista” objetivan el espacio, se reacomodan en una disposición de objetos y texturas que penetra la abstracción de la memoria.

Las grafías son la unidad y la multiplicidad exponencial quedando instalada en la sucesión temporal.

El tiempo ontológico en Arturo Millán es la conciencia irónica de saber que solo el presente debió convertirse en pasado para ser tiempo…la flecha del tiempo y el color está objetivado en el Yellow tropical.

Luís Aníbal Velásquez. 2004 ARTCLUB magazine 143

“La obra de Arturo Millán, es el recorrido resultante del devenir de la existencia, la esencia, y la permanencia de la obra del artista a través del tiempo y el espacio. Donde la resultante es la vida ofrendada al arte, la existencia que cobra sentido a partir de la creación, como máxima de la expresión humana.

Su obra se nos presenta en la madurez de un lenguaje conceptual y estético a través del desarrollo de su técnica genuina y vibrante. Luz y color, significante y significado, icono y símbolo, objeto y sujeto, se funden, se amalgaman, se entrecruzan para dejarnos ver la amplitud del universo en su obra.

Gabriela Montilla 2003 “Arturo Millán vive de un trabajo plástico intenso, confrontando una preocupación que se ha convertido en una lucha desigual y fraterna, ya no con la luz directamente al iris originario de la creación, sino con la actitud irreverente de un monje que se esconde entre estudios, explicaciones y experimentaciones de objetos gestuales que le acosan a interrogantes. El entrecruzamiento de grafías ancestrales y telúricas con vestigios antropocéntricos como la cruz o la equis, representa la mismidad del tiempo y el salitre, vinculación íntima a la presencia de la terredad El Arqueólogo de la luz está impactado; y comienza ahora su regreso con materiales oníricos y descomposición de tintura y óleo; andará con el significante en sus manos, descifrando en el color una manera de curar las heridas de los barcos; lo que mi amigo Le Corbusier definió un día como “nuestra salvación”…

Luís Velásquez-2001 “Arturo Millán tiene en su haber una larga trayectoria transitada por diversos momentos de experimentaciones y retos. Desde hace algunos años trabaja una pintura sígnica en la que, conjuga aspectos ancestrales y religiosos con elementos de la cultura occidental. Pero, en términos formales, como diría el Mismo Quintana Castillo, ella no es una pintura donde se repite un módulo o elemento serial para saturar el espacio frontal”. En la obra más actual el problema de lo ancestral, lo religioso y lo contemporáneo universal deviene en la fuerza del color sobre la tela construyendo los planos compositivos a partir de franjas horizontales de colores luminosos Este nuevo enfoque de sus preocupaciones temáticas, lo conducen a planteamientos cargados de evidencias oníricas que enfatizan el sentido oculto de ciertas imágenes allí presentes.

Bélgica Rodríguez. 1999 “Arturo Millán, más pintor, más Cristiano, más suyo, más auténticos del ser, de lo suyo, más auténtico, de por si un pintor de amarillos que anda en busca de lo primigenio, de lo auténtico del ser, de lo suyo, lo de Arturo, el de los amarillos, uno de los más grandes pintores Venezolanos que hay, que existen”.

Héctor Mujica. 1996.

“Millán representa una de las fuerzas artísticas más jóvenes haciendo ruptura y reordenamientos de los criterios plásticos formales dentro de las nuevas estéticas venezolanas”.

Milagros Bello. 1995.

Arturo Millán es hijo de la tierra, de la luz, de la sal, que va dejando sus signos y huellas en un empeño de superación. Remodelador de viejas creencias y conquistador de nuevas posibilidades, dialoga en silencio con sus signos y abundan las huellas en su orilla de sueños”.

Ramón Vásquez Brito.1994.

“Arturo Millán es un pintor que se expresa con grandes signos fundamentales que parecen vestigios de un alfabeto olvidado que él va rescatando por vía expresionista”.

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Luís Ángel Duque. 1993 “Arturo Millán en su más reciente trabajo de investigación conduce a través de la memoria personal a un reencuentro con los vestigios del ambiente y a la reanimación de los objetos y el alma de las cosas”.

Rodolfo Rodríguez.1991.

“Arturo Millán delimita el concepto de lo que entendemos por arte de la Región SUR oriental aplicando un criterio muy amplio”.

Juan Calzadilla. 1983.

“Toda la geografía artística de la isla y todo el tiempo transcurrido desde la mitad del siglo está presente en la obra de Arturo Millán quien se plantea los diferentes caminos que puede tomar el arte plástico de nuestros días”.

José Lira Sosa. 1980 “Millán juega de manera diferente con la forma, demostrando que el blanco y el azul nos pueden brindar la oportunidad de observar como se puede ser agradable frente a una obra” .Aquiles Ortiz.1978 “La pintura de Arturo Millán, es el resultado de la fuerza inconsciente, fruto de la vivencia y no de propósito”.

Manuel Malaver.1972 “Lo de Arturo Millán no es solamente una pintura, donde se repite un módulo o elemento serial para saturar el espacio frontal, sino que se propone individualizar al máximo cada figura de la serie, concediéndole personalidad propia”.

Manuel Quintana Castillo.1972.

“Dentro de la aparente libertad y dinamismo de sus composiciones, se manifiesta austeridad de un estilo rudo y controlado, con el cual Arturo Millán comienza a afinarse como un artista autentico”.

Perán Herminy. 1971 La proyección en el espacio de un gesto plástico que crea una extraña sugerencia de planos, el alcance del vacío que pocas veces se experimenta en el dibujo. La violencia del grafismo que señala los planos y las insólitas perspectivas pudiera ser una amenaza para la presencia de las figuras dibujadas por Millán en un audaz contrapunto entre el espacio y el gesto vivo del personaje, pero Millán logra precisamente el difícil acierto en sus obras.

Roberto Guevara. 1971.

“Arturo Millán toma sus personajes desamparados sugeridos por el plano blanco tratando de alcanzar otros mundos u otras posibilidades en una tabla de salvación” Roberto Montero Castro. 1969 ARTCLUB magazine 145

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Hayfer Brea ARTCLUB magazine 148

Hayfer Brea, (1975), Nace en Caracas, Venezuela.

Actualmente vive y trabaja en San Antonio, Texas. hayferbrea.blogspot.com Es artista e investigador visual. Problematiza la visión del paisaje a través de resoluciones visuales actuales, creando con diferentes posibilidades formales y conceptuales e introduciendo nuevas interrogantes al presentar, contemplar y experimentar con la poética paisajista.

Licenciado en Artes Plásticas, Mención Medios Mixtos del Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón (Caracas, 2004) Ha realizado siete muestras individuales, entre las que destacan las dos últimas: "Una línea imaginaria" (Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Sala 8, Caracas, 2016); "Registro de Territorio. Hayfer Brea 2011-2016" (la caja, espacio de investigación, Centro Cultural Chacao, Caracas, 2016); Desde 1995 participa en exposiciones colectivas e importantes salones de arte en Venezuela y varios países de América y Europa: "BEYOND THE WALL. Border readings in a state of emergency." Contemporary Art Month (CAM) Perennial Exhibition 2018 (Artpace, San Antonio, Texas); "(Re)Construir el paisaje" (Espacio Dörfii, Lanzarote, España. 2017); “Premio Eugenio Mendoza #12+1”(Sala Mendoza, Caracas, 2015); “PANORÁMICA Arte Emergente en Venezuela 2000/2012” (Sala TAC Trasnocho Arte Contacto, Caracas, 2014); Ha sido merecedor de varios premios y menciones honorificas en su país y su obra está representada en museos, centros culturales e importantes colecciones venezolanas y extranjeras.

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Hayfer Brea, (1975), Nace en Caracas, Venezuela.

Actualmente vive y trabaja en San Antonio, Texas, USA. hayferbrea.blogspot.com Es artista e investigador visual. Problematiza la visión del paisaje a través de resoluciones visuales actuales, creando con diferentes posibilidades formales y conceptuales e introduciendo nuevas interrogantes al presentar, contemplar y experimentar con la poética paisajista.

Licenciado en Artes Plásticas, Mención Medios Mixtos del Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón (Caracas, 2004) y Técnico Medio, Mención Artes del Fuego, de la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas (Caracas, 1995).

Ha realizado siete muestras individuales, entre las que destacan las dos últimas: Una línea imaginaria (Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Sala 8, Caracas, 2016); Registro de Territorio.

Hayfer Brea 2011-2016 (la caja, espacio de investigación, Centro Cultural Chacao, Caracas, 2016).

Desde 1995 participa en exposiciones colectivas e importantes salones de arte en Venezuela (Caracas, Maracay, Valencia, Puerto Ordaz, Porlamar, Mérida y Maracaibo) entre los que cabe mencionar: “Premio Eugenio Mendoza #12+1”(Sala Mendoza, Caracas, 2015); “PANORÁMICA Arte Emergente en Venezuela 2000/2012” (Sala TAC Trasnocho Arte Contacto, Caracas, 2014); LXV y LXI Bienal Salón Arturo Michelena (Ateneo de Valencia, 2010 y 2003); VI y VII Salón Pirelli de Jóvenes Artistas (Museo de Arte Contemporáneo, Caracas, 2003 y 2008 respectivamente); VII y X Salón CANTV Jóvenes con FIA (Centro Corp Group, Caracas, 2005 y 2007); y el exterior (Alemania, España, Francia, Italia, Brasil, Colombia, Cuba, Perú, Estados Unidos): " BEYOND THE WALL. Border readings in a state of emergency." Contemporary Art Month (CAM) Perennial Exhibition 2018 (Artpace, San Antonio, Texas); "(Re)Construir el paisaje" (Espacio Dörfii, Lanzarote, España. 2017); “Lima Photo 2014” (Galería D’ Museo, Centro de la Imagen, Lima, Perú, 2014); Territoires Partages, (Galeríe des Grands Moulins, Université Paris Diderot, Paris, Francia, 2010); Jenseits des Visuellen, (Galería Holzhauer Hamburg, Hamburgo, Alemania, 2008); Sincrónicas. Arte Joven Venezolano.

(Galería Pedro Esquerré, Centro Provincial de Artes Visuales, Matanzas, Cuba, 2007).

Ha sido merecedor de cinco Premios y Menciones honorificas en su país y su obra está representada en Museos, Centros Culturales e importantes Colecciones Venezolanas en el mundo.

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HAYFER BREA Museo de Arte Contemporáneo / La Caja del Centro Cultural Chacao Por su consecuente, lúcido y permanente trabajo de investigación plástica, Hayfer Brea (Caracas, 1975) es, hoy por hoy, uno de los artistas contemporáneos venezolanos de mayor relevancia. Su trayectoria se ha destacado por la solidez de sus propuestas, basadas en una indagación del paisaje como tema de las artes, y por su interés en subvertir y replantear nuevos modos de abordarlo.

Su primer acercamiento a este tema fue a través del estudio reiterado de la montaña. Desde hace algunos años, no obstante, Brea tornó su investigación hacia los cuerpos de agua, sobre todo el mar Caribe, y los lagos de Valencia y Maracaibo. Este acercamiento ha originado ya numerosas obras y exposiciones, entre las cuales “Una línea imaginaria” y Registro de Territorio” son las más recientes.

A pesar de haberse mostrado casi simultáneamente, ambas muestras difirieron notablemente, tanto en la aproximación que hizo el artista al estudio y representación de los cuerpos de agua como en las resoluciones plásticas propiamente dichas.

En “Una línea imaginaria”, Brea reflexionó sobre el horizonte, elemento inseparable de la noción de paisaje, valiéndose de los recursos del arte contemporáneo en sus tendencias más conceptuales.

La exposición estuvo conformada por ocho piezas impecablemente presentadas. En Línea pétrea, Línea quemada y Horizonte contenido, el artista estableció juegos visuales entre el tema del horizonte marino, planteado como línea, y los materiales utilizados en la elaboración de la obra – piedras y agua de mar, propios de la costa, o relativos al oficio del pintor, como el carboncillo-. En Línea pétrea, por ejemplo, Brea juntó piedras grises que tenían una inclusión lineal de materia blanca. Colocándolas una junta a la otra sobre la pared, logró formar un trazo horizontal de extrema sutileza. En Línea quemada utilizó trozos de carboncillo para crear una línea negra sobre la pared, accediendo, en esa especie de tautología visual, a una representación mínima del paisaje.

Otro grupo de obras, como Tres momentos, tres lugares, un horizonte y Línea fragmentada, se valen de la fotografía como medio para recomponer el horizonte a partir de varias vistas de un único paisaje o de diversos paisajes. Estas fragmentaciones y estos distanciamientos sitúan al espectador a medio camino entre la contemplación tradicional del horizonte y su aprehensión como concepto y re-creación.

Por último, la pieza Horizontes impresos y los videos Una línea imaginaria y En lontananza buscan establecer juegos semánticos, introduciendo la palabra escrita como recurso tautológico.

La exposición “Registro de Territorio” forma parte de un proyecto de amplio alcance. Reunió, como su nombre lo indica, los asientos fotográficos de las acciones performáticas que el artista llevó a cabo en los lagos de Valencia y Maracaibo. En estas, Brea introducía una hoja de papel en varios parajes de estos lagos, permitiendo que el agua dejara, a modo de acuarela, su mancha horizontal sobre el soporte. Las fotos muestran el momento en el que el artista sumerge la hoja en el agua, por lo que él forma parte también de la imagen. En estas piezas, Brea subvierte los modos de representación, haciendo que el paisaje mismo deje su impronta plástica sobre el soporte y subrayando, al mismo tiempo, la intervención mediadora del artista en el proceso de “representación”. Considero este trabajo su aproximación más arriesgada en su investigación sobre los modos inéditos de estudio y representación del paisaje, por cuanto reflexiona sobre los mecanismos que encubre esta representación, desnudando sus estrategias fundamentales.

“Registro de Territorio” incluye como acción, no sólo los registros, sino el entramado de numerosos recorridos, las reiteradas visitas, y las acciones logísticas que se llevan a cabo para lograrlos.

Katherine Chacón.

Revista Artnexus N˚ 103 Dic – Feb 2016 Crónicas. Caracas / Venezuela. Páginas 106-107.

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Hayfer Brea

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Lista de obras: 1) INMERSO EN EL TERRITORIO [Primer registro indicial en el Mar Caribe]. 2015, Instalación, contenedor de vidrio, agua de mar, fotografías digitales impresas en papel de algodón. 179 x 350 x 100 cm.

2) Impregnado, 2015, Instalación, dibujo con grafito sobre pared, fotografía digital impresa en papel Bond pegada a la pared. 100 x 500 cm.

3) Caribe Negro, 2015, Fotografía digital impresa en papel de algodón, 50 x 60 cm.

4) Tres momentos, tres lugares, un horizonte, 2016, Fotografía digital impresa en giclée sobre papel Loster, 50 x 70 cm.

5) En Lontananza, 2016, Videoart, 6´(loop) Color/Sonido.

6) Una línea imaginaria, 2016, Videoart, 2´04´´ (loop) Color/Sin sonido.

7) Línea fragmentada (Gris), 2016, Fotografía digital impresa en giclée sobre papel Loster, 40 x 80 cm.

8) Gran Isla, 2017, Fotografía digital impresa en papel de algodón, 30 x 40 cm. C/u.

9) Tres piedras, 2017, Fotografía digital impresa en papel de algodón, 50 x 60 cm.

10) De la serie Cruzando la línea: Desarraigo/Desplazamiento y Divergente/Autónomo, 2018, Collage, dibujo, creyón, puzzle fotográfico sobre papel, 30 x 40 cm. C/u.

Todas las obras fueron tomadas por su autor.

Las fotos en el taller fueron tomadas por Edicta Pineda.

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Mirna SalamanquĂŠs ARTCLUB magazine 154

MIRNA SALAMANQUÉS, (Caracas, 1943). Asistió al Taller Libre de Arte de la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas dirigida por Rafael Ramón GONZALEZ (1965-1967).

Fue pasante en El Taller de Jesús SOTO de París bajo la supervisión Antonio ASIS .

(1969-1970). También participa en el Equipo de Montaje de la Galerie Denise RENÉ para la Exposición “Todo El Museo Para Soto “ en el Museo de Arte Moderno de Paris (1969). Recibe de l’ École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris, Francia, su licenciatura en Arte Mural (1974). Emprende nuevos estudios avanzados esta vez en los Estados Unidos en las áreas del Desarrollo del Potencial Humano y Creatividad con Lar SHORT en el Total Person Facilitation Institute de Albuquerque, Nuevo Mexico, EE.UU., con Robert FRITZ en el Institute for Human Evolution de Cambridge, Massachusetts, y con Fernando FLORES en LOGONET en San Francisco, California.

Su primera Exposición Individual la realiza en el Circulo Pez Dorado de Caracas (1962). Individualmente han sido más de 50 exposiciones a lo largo de 56 años de actividad en ciudades como Praga, París, Nueva York, Santa Monica, California, Miami, Santo Domingo, y San Juan de Puerto Rico, al igual que ha recorrido gran parte de Venezuela con su obra. Sus dos últimas individuales fueron realizadas en Estados Unidos en la Galeria La Bohême Fine Art (2003) en Coral Gables, Florida y en el Café Bolívar Gallery (2005) de Santa Mónica, California. Su primera participación en una colectiva fue en el XXIII Salón Oficial de Arte Venezolano en el Museo de Bellas Artes (1961), a esta le siguieron más de 40 exposiciones en países como España, Suiza, Irlanda del Norte, Inglaterra, Estados Unidos, Francia y en Venezuela. Su última participación fue en el Centro Cultural Eladio Alemán Sucre (2005) de Valencia, Venezuela. Actualmente su obra está en exhibición en la Galería Graphic Art de Caracas y en Espacio AM/PM de Barquisimeto.

Entre las distinciones que ha recibido se cuentan Becas del Instituto de Cultura y Bellas Artes y del Ministerio de Asuntos Culturales del Gobierno Francés, asi como una Fellowship del Consejo Nacional de la Cultura (Venezuela). Además fue seleccionada como artista residente de la Fundación Cité Internationale des Arts de París y de la Maison Nationale des Artistes en Nogent s/Marne, Francia. Su obra fue premiada por la ALCADIA de la CIUDAD de PARIS e ingresa en la Colección Permanente de la VILLE DE PARIS (1974). Con su participación en el XXX Salón de Mayo (1972) ingresa a la Colección Permanente del Museo de Arte Moderno de la ciudad de París.

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MIRNA SALAMANQUÉS Born Caracas, Venezuela, 1943 Bachelor of Arts, École NAtionale Supérieure des Arts Décoratifs, Paris, France Honors •Fellowship from Consejo Nacional de la Cultura for Advanced Studies on Creativity in Cambridge, Massachusetts/ Los Angeles, California and Jemez Springs, New Mexico.

• Selected from PARIS MUNICIPAL ART CONTEST to be in the Permanent Collection of the VILLE DE PARIS. •Awarded with the II Prize of Posters at the VIII GRAND PRIX INTERNATIONALE DE CANNES, Cannes.

•Selected by the french Ministry of culture to be a resident at the Cité Internationale des Arts Foundation.

• The french ministry of culture grants an ART STUDIO at the MAISON NATIONALE DES ARTISTES in Nogent s/ Marne, France.

•Selected from the “Salon COMPARAISONS” to be part of the Collection at the CENTRE NATIONAL D’ART CONTEMPORAIN (CNAC), París.

•Honored a recognition at the VIIIth. PAINTING CONTEST at Cannes, France.

•Honored with the C.R.O.U.S. ( Centre Regional d’œuvres universitaires) AWARD for foreigners scholaship holders, Paris, France •Selected from the XXX Salon de Mai to be part of the Permanent collection of the Museum of Modern Art of Paris, France.

Collections Her works are in private and public collections, and also in institutions, foundations and museums in Venezuela, France, Czech Republic, Dominican Republic, Colombia, Panamá, Puerto Rico, United States, and Japan.

Exhibitions 1962 CIRCULO PEZ DORADO, Caracas / 1965 INSTITUTO DE ARTE, FACULTAD DE HUMANIDADES, Ciudad Universitaria, U.C.V., Venezuela / 1967- GALERIA POLO & BOT, Caracas / 1968 CASA DE LA CULTURA DE CIUDAD BOLIVAR - CORPORACIÓN VENEZOLANA DE GUAYANA - NUCLEO UNIVERSITARIO DE LA U.C.V., Los Teques, Venezuela / 1969 GALERIA HELENA-PAVLU, Caracas INSTITUTO DE LAS ARTES CHECO, PRAGA, REP. CHECA. / 1971 GALERIA 73 - GALERIE DU HAUT-PAVÉ, Paris / 1974 GALERIA PORTOBELLO, Caracas- LIBRERIA CRUZ DEL SUR, Caracas / 1975 , Venezuela GALERÍA GAUDÍ, Maracaibo / GALERIA SAINT-GERMAIN, Caracas / 1978 CASA DE LA CULTURA DE BOCONÓ, Venezuela GALERÍA BANFOCOVE, Barquisimeto 1º

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Mirna SalamanquĂŠs ARTCLUB magazine 158

Víctor Julio González ARTCLUB magazine 159

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VICTOR JULIO GONZALEZ - valencia / Venezuela, 1961 vive y trabaja en valencia.

EDUCACION / ESTUDIOS 2005 Taller de proceso, enseñanza y aprendizaje. E.A.P Arturo Michelena, Valencia, VE 2004 Taller de enseñanza Introducción a la planificación y evaluación del aprendizaje.

2003 Planificación del taller de enseñanza y evaluación. E.A.P Arturo Michelena. Valencia. VE 2002 I Encuentro Internacional de Estética, Universidad de Carabobo. Faces Auditorio, Valencia, VE 1998 Curso dictado sobre Taller experiencial de los siglos XIX y XX, Exposición.

Perfiles de la Eternidad, Valencia, VE 1994 III Tercer Curso de Gestión de Proyectos en Artes Visuales, Consejo Nacional para la Cultura, VE 1987 Grabado y litografía, Centro de enseñanza de la gráfica Cegra, Caracas, VE. Fundido en bronce. Escuela de Artes Visuales Christopher Rojas y estancia de fundición, Caracas, VE. 1986 Taller sobre la realización del dibujo (el modelo y el dibujo) III Dibujo Nacional Bienal. Fundarte, Caracas, VE Desarrollo de papel hecho a mano, Instructor Luis Quintero, Museo Alejandro Otero, VE. 1982-86 Arte puro, Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena, Valencia, Ve. 1978-1980 Dibujo y pintura, profesora Rosa Oliveros, Valencia, VE. SOLO EXPOSICIONES / EXPOSICIONES INDIVIDUALES. 2010 Un Bellermann Fragmentado. Oficina Numero Uno. Los cobertizos. Caracas, VE Sol poniente 2006. Hermandad Gallega de Valencia. Valencia. VE 2000 Eppur, Moving, Centro Cultural Alemán Sucre Eladio, Diario Carabobeño, Valencia. VE 1993 Reino de la Reina. Galería Astrid Paredes, Caracas, VE 1992 Pinturas recientes. Centro de Arte de Maracaibo. Maracaibo VE 1991 Pinturas. Galería de gala. Valencia. VE 1990 Terra Incógnita, Two Visions, Gala Gallery, Valencia, VE EXPOSICIONES GRUPALES / EXPOSICIONES COLECTIVAS 2016 Recortes, Centro de Arte Los Galpones, Caracas, VE Trópico 2015. Oficina # 1. Centro de Arte Los Galpones, Caracas, VE 2014 transfiguración poética. Paisaje de la memoria. Centro de artes integradas. Caracas, VE Artistas en la naturaleza. exposición de la subasta. 17. Galpón del Centro de Arte Galpones. Caracas, VE 2013 Valencia Inédita. Imágenes. Gabinete de dibujo e impresión, VE Feria Iberoamericana de Arte. Fia. Caracas, VE Feria Iberoamericana de Arte 2012. Fia. Caracas, VE Cacri. Arte contemporáneo de Caracas, VE Noche de Santa Lucía. Maracaibo VE Espectáculos colectivos en homenaje al artista Manuel Pérez. Galería Nacional de Arte. Caracas, VE XVII CABRIALES. Salón de Pintura Figurativa. Homenaje a Carlos Zerpa. Valencia, VE 2010 65 Bienal Arturo Michelena. Valencia, VE Revisiones 2008 de América Latina. Consulado General de Venezuela en Nueva York, Estados Unidos.

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2007 Visiones estéticas, pequeño formato caribeño. Santiago, Sala CL Arturo Michelena, VE Obras de una colección. Centro Cultural Alemán Sucre Eladio. Diario El Carabobeño, VE 2006 Ayuntamiento de Coro de las Artes Visuales y el Caribe. Coro, VE Platos para la vida. Yo subasta Galería de Freites. Caracas, VE 2004 Figuration-romancing. Museo de Bellas Artes de Caracas. Caracas, VE 66 artistas carabobeños. Megashow. El arte venezolano del siglo XX. Nueva Cádiz Museo. La Asunción, VE 2000 XXV Salón Nacional de Arte Aragua, VE (invitado especial) 1999 Salón Nacional de Arte Aragua, VE. Primer encuentro de jóvenes artistas y maestros juntos. Centro de Artes del Grupo Li. Caracas, VE 1998. XIII Exposición Nacional de Arte Aragua, VE. 1997. XXII Exposición Nacional de Arte Aragua, VE. 1995 Pirelli II Segundo Salón de Jóvenes Artistas. Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber.

Caracas, VE (invitado especial) De oeste a este. Museo de Arte Contemporáneo de la Extensión Oeste de Caracas Sofía Imber, Caracas, VE Zoológico Las Delicias. Museo de Arte Contemporáneo Mario Abreu Maracay, VE 1994 Nuevas propuestas plásticas venezolanas, Ateneo de Caracas, VE. Pequeño formato latinoamericano. Artistas contemporáneos en latinoamérica. Galería Luigi Marrozzinini, San Juan, PR 1993 I Salón Pirelli para Jóvenes Artistas. Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, VE Feria de Arte 1993. Iberoamericana.

Fia Caracas, VE 1992 Cubagua. Galería Astrid Paredes. Caracas, VE Cinco lecturas. Galería de gala. Valencia, VE 1991 Feria Internacional de Arte de Bogotá, CO fiart Bogotá, CO II Bienal de Artes Visuales Christian Dior, Caracas, VE. 1988 XLVI Sala Arturo Michelena, VE HONORES 2011 Primer Premio Salón Cabriales de pintura. Valencia, VE / 2011 Invitado Especial XXXVI Exposición Nacional de Arte Aragua. Maracay, VE / 2000 invitado especial XXV Salón Nacional de Arte Aragua. Maracay, VE / 1998 Gran Premio de la XXIII Exposición Nacional de Arte Aragua. Maracay, VE 1995 Invitado Especial. II Salón Pirelli de Jóvenes Artistas. Museo de Arte Contemporáneo de Caracas.

Sofia Imber, VE / 1991 Mención especial. II Bienal de Arte Cristhian Dior. Caracas, VE 1990 Segundo premio de sorteo. Salón de Arte Aragua. Maracay, VE

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Víctor Julio González

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ElĂ­as Toro Escultor ARTCLUB magazine 165

Elías Toro

(1936)

El escultor Elías Toro nació en Berlín (Alemania), pero se ha pasado toda su vida a caballo entre Venezuela y Cataluña.

Se formó en la Escuela de Bellas Artes de Caracas y luego estudió arquitectura en la Universidad Central de Venezuela. Elías Toro trabajó como arquitecto durante 20 años.

En 1984 fue cuando comenzó su actividad como escultor y en 1986 realizó su primera exposición individual en el Ateneo de Caracas. Desde entonces el artista ha participado en numerosas exposiciones y en diversas ferias de arte.

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Alejandro Bello ARTCLUB magazine 168

ALEJANDRO BELLO. Barcelona, Edo. Anzoátegui – Venezuela. 1949.

ESTUDIOS: Arte puro. Escuela artes plásticas Cristóbal Rojas, Caracas. / Londres, Inglate- rra. / Taller libre de Arte “Amnistía”- Madrid, España.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES: 1974 Galería – Librería Feliciano Carvallo, Caracas. / 1977 Sala Ocre, Caracas. / 1981 Galería Municipal de Arte Moderno; Pto. La Cruz, Anzoátegui. / Casa de la Cultura. El Tigre, Anzoátegui. / 1986 Galería “Arte Hoy”, Caracas. / 1991 Pinturas Recientes, Alejandro Bello. Museo de Arte Contemporáneo “Francisco Narváez”; Porlamar, Edo. Nueva Esparta. / 1992 Obras Recientes, galería “Arte Hoy”, Caracas. / 1996 De la Me- moria de las Selvas. Galería Cesar Sasson, Caracas. / 1999 “Acercamiento a lo Recóndito”. Sala de Exposición Mercedes Benz; a beneficio “Asociación ayuda a un niño”, Caracas. / Galería Trazos, a beneficio “Fundación amigos del niño abandonado” (FUNDANA), Caracas. / 2002 Mon Petit Art Gallery. San Juan, Puerto Rico. / PREMIOS: 1975 1er Premio IV Salón Nacional de Artes Plásticas. CONAC, Caracas. / Medalla de Oro. II Salón de Artes FON- DENE, Edo. Nueva Esparta. / 1981 1er Premio “Primera Bienal de Artes Plásticas”; Galería de Arte Moderno. Pto La Cruz, Anzoátegui. / 1983 Premio Juan Lovera. Galería de Arte Na- cional, Caracas. / XLI Salón de Artes Arturo Michelena. Valencia, Carabobo. / 1991 1er Pre- mio Pintura XL Salón de Artes FONDENE. Nueva Esparta.

REPRESENTADO: Embajada de Venezuela. Madrid, España. / Colección Museo de Bellas Artes, Caracas. / Colección Galería de Arte Nacional, Caracas. / Colección City Bank, Cara- cas. / Colecciones particulares en Venezuela y en el exterior.

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De mentiras y realidad Fotografías de Pavel Bastidas

Las imágenes publicitarias son cada vez más cuestionadas por la falta de realismo con que presentan a sus modelos, quienes, cada vez más, parecen seres de otro mundo. “He visto las retoques que les dan, las deforman. Es tanta la transformación que la gente es irreal, gente que no existe”, dice el fotógrafo Pavel Bastidas, para quien el tema de la manipulación de las imágenes resulta chocante, pero también ha sido un motivo para indagar y experimentar.

Sujetos comunes y corrientes que, inevitablemente, se enfrentan a las figuras perfectas que protagonizan avisos publicitarios y vitrinas son los elementos recurrentes en De mentiras y realidad, una exploración que viene realizando Bastidas desde finales de los años ochenta sobre esa contraposición entre lo terrenal y lo idealizado. “Cuando la gente está frente a los avisos publicitarios hay un rostro que hace contraste con ese aviso, hay una mentira. La publicidad se maneja mucho con mentiras, y la realidad es otra; la gente no puede alcanzar eso de ser así”, reflexiona el fotógrafo.

Las 20 imágenes que integran el proyecto fueron tomadas en ciudades tan diversas como Caracas, San Francisco o Madrid, y captan sensaciones que se pasean del dramatismo al humor. Además, se trata de fotografías analógicas en blanco y negro, reveladas y copiadas por el autor, para quien es vital asomarse al visor y saber que adentro hay una película en la que quedará grabada su mirada.

Bastidas se define como un fotógrafo de la calle, de la ciudad; en su opinión, desde el punto de vista del oficio como tal, la fotografía urbana es mucho más compleja. “Yo no pongo a nadie en el sitio, tengo que agarrarlo como sea, tengo que componer rápido, no es como en un estudio, y cuando copias en el laboratorio tienes que trabajar más”. Pero la dificultad se traduce en disfrute: es en la calle donde encuentra realismo, paradojas y contrastes, temas que le interesan y que están presentes en De mentiras y realidad.

Pavel Bastidas (Caracas, 1949), es fotógrafo, pintor y dibujante. Su interés por la fotografía nació en los laboratorios del diario El Nacional sin embargo, fue la película Blow Up, de Michelangelo Antonioni, el detonante que lo convenció de ser fotógrafo. Desde finales de los setenta su obra ha estado presente en colectivas; su primera individual fue Caminantes, calles y ciudades (UCV, 2006). Ha sido merecedor de reconocimientos como Primer Premio Concurso de Fotografía "Sucesos en la UCV" (1991), Premio Municipal "Manuel Pérez Guerrero" Mención honorífica de Periodismo Científico Concejo Municipio Libertador (1994), Segundo Premio Rostros y Ángulos de la UCV (1997) y Primer Premio Concurso "Salón de fotografía Urbana" del Proyecto Reservoir Books, Ciudad Secreta (1999). A lo largo de su carrera, ha trabajado para publicaciones como El Nacional, El Universal, El Diario de Caracas y Extra Cámara, así como en la producción de libros, discos y catálogos de arte.

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Pavel Bastidas (Caracas, 1949) “He visto los retoques que les dan a las imágenes, las deforman. Es tanta la transformación que la gente es irreal, gente que no existe”, dice Bastidas, para quien el tema de la manipulación de las imágenes resulta chocante, pero también ha sido un moti- vo para indagar y experimentar. Bastidas ha trabajado para publicaciones como El Nacional, El Universal, El Diario de Caracas y Extra Cámara, así como en la producción de libros, discos y catálogos de arte, y además ha participado en diversas exposiciones colectivas. Su primera individual fue “Caminantes, calles y ciudades”, presentada en la Universidad Central de Venezuela (UCV) en 2006. Ha recibido el Primer Premio Concurso de Fotografía “Sucesos en la UCV” (1991), el Premio Municipal “Manuel Pérez Guerrero” (mención honorífica de Periodismo Cien- tífico Concejo Municipio Libertador; 1994), el Segundo Premio Rostros y Ángulos de la UCV (1997) y el Primer Premio Concurso “Salón de fotografía Urbana” del Proyecto Reservoir Books, Ciudad Secreta (1999).

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Ana María Jeremías 1961 Barquisimeto, Lara - Venezuela AVAM N.º 1080 Reside en Madrid jeremias4ve18@gmail.com Estudios 2018 Curso Postproducción de Fotografía Digital, MASERCISA, Madrid, España 2013 Diplomado en Estudios Superiores de Fotografía VI Cohorte, Centro de Estudios Integrales de Comunicación Audiovisual, CIECA, Barquisimeto 2012 Taller Fotografía Digital, Centro de Estudios Integrales de Comunicación Audiovisual, CIECA, Barquisimeto 2009 Curso de Fotografía, Escuela de Artes Plásticas Martin Tovar y Tovar, Barquisimeto 2008 Seminario Internacional de Arte 2008, Sala María Luisa Escobar, Ateneo de Valencia Participaciones 2019 Exposición TODO ES UNO en Matadero Madrid-AVAM, Madrid 2014 Participación en el XLIII Salón Municipal de Artes Visuales Juan Lovera, Caracas Exposición Colectiva “Leyendas”, Palacio de Gobierno, Barquisimeto 2013 Exposición Colectiva “Diversidad II”, SAMBIL, Barquisimeto 2012 I Salón de Fotografía Dycvensa Barquisimeto, Casa Eustoquio Gómez, Barquisimeto Exposición Colectiva “Na’… Guara: Arte Contemporáneo de Lara”, Museo Alejandro Otero, Caracas Participación en el XLI Salón Municipal de Artes Visuales Juan Lovera, Caracas Exposición Colectiva “Homenaje a Ramón Lizardi”, Escuela de Artes Plásticas Martín Tovar y Tovar, Barquisimeto 2009 Muestra Colectiva del Consejo Fotográfico de Lara, Quibor, Venezuela 2008 Muestra Colectiva del Consejo Fotográfico de Lara, Club Italo Venezolano, Barquisimeto, Venezuela Otras actividades: Desde el 2007 hasta el presente Registro fotográfico de las obras del artista plástico Alirio Infante

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LENÍN OVALLES. El Tigre, Venezuela, 1951, Taller Libre de Arte, El Tigre Venezuela, algunos talleres libres en Caracas como el Federico Brandt, Fotografía y Comunicación Visual en el prestigioso Instituto Europeo di Design, Milán Italy. Mas de 50 exposiciones Relevantes entre colectivas e individuales en Venezuela, Italia, USA, Colombia, Barbados, España, Puerto Rico, México.

Representado en numerosas colecciones públicas y privadas incluyendo the MOLAA Museum en Los Angeles California, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, City Group, Shell Chemical, Schlum- berger Surenco, y muchas otras alrededor del mundo.

Su pintura siempre ha estado enfocada en la naturaleza y en el entorno petrolero en el cual creció, en los últimos años los colores han casi que desaparecido de su investigación, para dar paso a un minimalismo cromático.

Pintar en presencia significa estar consciente 100% de La acción y fluir con el momento presente, de modo que no sea la proyección intelectual lo que se refleje en la obra, sino una carga de energía que se funde con el eterno ahora.

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Oscar

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Entrevista por Marisol Prada Oscar Villamizar sorprende por la armonía conceptual de su obra. Sus pinturas convierten el mundo material en un hallazgo. Reconocemos sitios cotidianos, rescatados de la monotonía, comprimidos en un espacio que rinde tributo al orden y al caos, distribuidos en una dimensión más apetitosa: son trazos que se integran en la medida que los ojos los descubren.

Y si atrapa la obra de este artista, aún más lo hace este hombre de ideas sencillas, orientado en la limpieza, en la pureza, en la precisión, el concepto claro frente a sus lienzos, que nacen del largo recorrido de sus venas. Vibraciones ahora perceptibles en surcos delicados o gruesos. Figuras que van relatando nuevas posiciones.

Diluido y Sincrónico es el fundamento de su propuesta estética aunada a una filosofía práctica de vida, inmersa en la disciplina del pintar.

Camina todos los días por la urbanización donde vive en la ciudad venezolana de Valencia (estado Carabobo), con su perra belga, ordenando pensamientos, decisiones y disfrutando de las sensaciones que ofrecen el aire, el sol; los olores que se desprenden de cualquier cosa viva, encontrando las razones para seguir en el universo vital del que busca rodearse.

MPS: ¿Cómo ha sido tu andar en este oficio?

OV: Ya en mis primeros años de labores creativas, observaba con atención a los llamados maestros de la pintura y, con sorpresa, no veía señales de transformación espiritual y debatía, en mi interior, sobre la misión del arte: si el arte no me servía para ser mejor persona, iba a experimentar una enorme pérdida ante la vida.

La pintura, en consecuencia, era la puerta de entrada, una manera de mirar, una actitud frente a la realidad.

MPS: ¿Después de todos estos años como creador sientes que ya has llegado a una realización “para no pasar por la tierra en vano”?

OV: A estas alturas de mi vida creo que estoy llegando a una conclusión. He sido un admirador de la vejez. Toda mi vida, la he considerado como la parte más fructífera del ser humano porque se concluyen un cúmulo de experiencias y a la vez se tiene el sosiego para poder reflexionar.

MPS: ¿Cómo ha sido tu andar en este oficio?

OV: Ya en mis primeros años de labores creativas, observaba con atención a los llamados maestros de la pintura y, con sorpresa, no veía señales de transformación espiritual y debatía, en mi interior, sobre la misión del arte: si el arte no me servía para ser mejor persona, iba a experimentar una enorme pérdida ante la vida.

La pintura, en consecuencia, era la puerta de entrada, una manera de mirar, una actitud frente a la realidad.

MPS: ¿Después de todos estos años como creador sientes que ya has llegado a una realización “para no pasar por la tierra en vano”?

OV: A estas alturas de mi vida creo que estoy llegando a una conclusión. He sido un admirador de la vejez. Toda mi vida, la he considerado como la parte más fructífera del ser humano porque se concluyen un cúmulo de experiencias y a la vez se tiene el sosiego para poder reflexionar ARTCLUB magazine 187

.MPS: ¿Te preocupa el tiempo y lo que toca ahora vivir?

OV: Es algo que me preocupa, por lo que en los próximos diez años voy a desplegar de una forma libre y espontánea todo lo que se viene a mi mente, a mi sentir, a mi espíritu como parte de una respuesta sincrónica con el mundo. Esto quiere decir, que no me voy a sentir ni relegado por la vejez o la carencia económica, sino que me voy a permitir el lujo de hacer lo que me da la gana. Si de algo sirve, eso debe ser realizado en estos momentos históricos de mi país, de mi vida. Sintonizarme con gente que no le tenga miedo a la aventura creativa. He observado que se tiende a acobardarse uno con relación a esto. Por allí van mis inquietudes…

La parte que más me ha preocupado fue sentir que la pintura no servía para nada y pasé muchos años en ese dilema. Esto me hizo entender que pintar es como la cocina, si se come todo los días, debemos aprender a alimentarnos con creatividad. Llegar a esta síntesis, ha demolido, ha devastado, mis hijos, mi familia, mis relaciones. Ha sido de mucha autodestrucción, en ciertos momentos, de mucho reciclaje de muchas situaciones. En cierta forma, han sido siempre las mismas búsquedas. Buscar la alegría de vivir, de estar en el mundo, en esta brevedad -que cuando uno comienza a disfrutar de sus dádivas, es tiempo de irse-, un poco cruel la cosa… Pero yo no puedo transmitir ese mensaje en mi obra, ella debe ser un canto a la vida, el bien más preciado. Emular en mi trabajo su espontaneidad.

MPS: Por ello has creado un lenguaje diferente y personal…

He buscado, curioseado, en la manera de hacerme de un alfabeto personal que conjugue verbos, con la imagen, lo sugerente, lo caótico, lo armónico, en procura de una belleza pura y simple con los instrumentos de precisión que da lo artesanal, lo melódico, lo musical. Es desear y sentir una entrega de cuerpo y alma, una pasión de dejar el resto en la tela, el lienzo, el papel. Creer que se hace la obra definitiva, en cada incursión.

MPS: ¿qué es crear para ti?

Crear es un privilegio, un libre albedrio, darle vida a las visiones, con sus estadios. Muchas veces, no grato e incluso doloroso. La pintura se me antoja, más bien como un decreto, un manifiesto, una fe de vida. Sentencia, acta de defunción, epígrafe, una condena a muerte. Todo esto se diluye, desfragmenta y esparce en el espacio del cuadro que pide a gritos vivir en paz, sin los perjuicios que le acarrea la imagen yuxtapuesta. Desea ser una obra soberana libre de su hacedor, plena y total.

MPS: ¿Por qué traslúcido?

OV: Al paso del tiempo y la vejez no les tengo miedo, los he añorado toda mi vida y ya próximo cumplir sesenta años, pináculo de toda la creación de cualquier artista, porque está comprobado que es cuando se dan frutos particulares y genuinos, puedo decir que he apostado mucho a eso.

Sí, admito que estoy en el lugar y en el momento indicado, agradecido de saber que estoy viviendo toda esta experiencia, en mi propio país, en mi propia vida y con las crisis propias de la creación, me he mantenido indagando permanentemente; puedo decir que sí me siento coherente.

Traslúcido y sincrónico es la manera como toda la rigidez de una piedra se pulveriza. Al ponerle cualquier líquido ya no va a pintar de una forma sólida, sino traslúcida. Esto es un poco lo que va pasando cuando uno deja de pensar en las cosas absolutas.

MPS: ¿Fragmentas lo íntimo del espacio?

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OV: Parto del paisaje que ha estado conmigo desde que empecé a pintar, yo me siento como dice el Tao: “desde la eterna no existencia contemplo en calma el misterioso origen del universo”. No dejo de asombrarme, observando la naturaleza, de sus bondades, de su generosidad, de su esplendor. No sé si el ser humano puede llegar a ser protagonista de todo, en cierta manera va aunado a ese gran escenario y yo volteo la mirada hacia él, en el entendido, que ya todos estamos inmersos, y pregunto por qué no darnos cuenta de eso que nos abriga, nos cobija, nos oxigena, nos ilumina. Allí cuánto sucede es bueno, dentro de un entorno divino, y eso es de lo que yo sigo todavía sorprendido.

MPS: Serenamente encuentras respuestas…

OV: Agregando también que yo quemé las velas de la prisa y la indecisión, en cierta manera, quemé las velas para no retornar al estereotipado, el concebido dentro de lo que son los parámetros de una sociedad. He buscado mi camino en el arte y como tal le estoy pidiendo y le estoy sacando al arte las respuestas que he buscado. Me ha parecido que la vida más que cantidad es calidad.

Realmente es una obra nada más la que se me pide tal vez por hacer, por ahora, pero digamos no entro dentro del atropello de mi mismo haciendo una actividad productiva que me atropelle la reflexión. La meditación siempre ha sido fundamental para todo lo que realizo.

Coincido con José Coronel en que lanzarse desde un avión sin paracaídas como lo es el arte abstracto, el arte informalista que no obedece a criterios de consumo, no deja de ser una manera de no tenerle miedo al devenir. Una forma de también volver a sentir esa pasión, ese intercambio de energía, las ganas de vivir, las ganas de pintar, las ganas de expresarnos.

MPS: No puedo dejar de preguntar: ¿cómo está el arte en Venezuela hoy día?

OV: No necesito salir a ver cómo está el arte, digamos ver cómo está el movimiento de galerías, cómo están mis colegas, mis compañeros, para darme cuenta de una situación que es muy triste, por una parte, porque hay una toda una generación de personas que iban embaladas haciendo todo un proceso creativo y les pasó como a los profesores universitarios: después que pasan toda una vida estudiando, que ya logran la plenitud de toda su información que pueden sentarse a desarrollar sus teorías y pueden asesorar; terminan jubilándolos porque hay que desocupar el cubículo.

Hay mucha merma de recurso humano, mucha pérdida de talento, vamos a ver si puedo llamar menoscabo a algo que está ahí, pero que no está pasando a la generación futura, que no está siendo capitalizado, que no está siendo compilado de una forma culturalmente idónea.

MPS: Pérdidas, en todo caso…

OV: Si entendemos cultura como un sembrar, un cuidar y un cosechar, no estamos cosechando de lo que hemos sembrado, de una manera siniestra diría yo, se quiere acabar con toda esta generación y acabar desde todo punto de vista, que es como decir que no existen, decir que nunca existieron y tapar el sol con un dedo.

Hablo mucho con mi amigo Octavio Ruso, profesor universitario ya jubilado y él me sirve un poco como para darme cuenta qué le pasaría a un maestro después de toda una vida, al que no le están dando la atención debida. Considero que voy a hacer todo lo posible por no ser material de desecho.

Nací en el momento en el que todavía los críticos de arte no eran bien vistos y, hoy por hoy, no solamente están vigentes sino que se honran y se necesitan de una manera urgente dentro de nuestra cultura.

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Hablar de Venezuela es hablar de una tierra de oportunidades: si hubo segunda mundial, si hubo guerra civil española si hubo todas esas conflagraciones que dieron el carácter y personalidad a un país, esta situación tiene y reviste ese tipo de importancia. Entonces estar aquí, en este campo de batalla, es también una forma de vivir esa tragedia, pero también darle una respuesta. Yo me apego mucho al Sistema de Orquestas Infantil y Juvenil de Venezuela como una respuesta de revolución cultural y que ha sobrevivido todos los gobiernos, incluso esta dictadura. Eso me parece importantísimo, que si no tenemos premios nobeles de literatura, tenemos la música como nuestro premio nobel.

MPS: La política del menosprecio…

OV: Se hacen censos de cualquier cosa, ahora se hace censo para la comida, una cosa altamente costosa, muy burocrática y bueno de desgaste realmente, pero el censo, el inventario de creadores, de gente que está haciendo cultura; arte, de cualquier índole, no ha aparecido. En estos tiempos, desde luego es fuerte decirlo, pero es que no quieren saber sino de un replanteamiento, así como cuando se le echa fuego al cañaveral, supuestamente, preparando la tierra para una nueva cosecha. El desgaste es tremendo.

-Tú ves que eso no obedece a un criterio de cultivo o en nuestro caso, a un criterio de cultura, mucho menos. En todo caso hay una mala concepción de lo que es la cultura como que si los artistas están en contra de la sociedad cuando es todo lo contrario: somos los grandes catalizadores de todo el sentir, de toda la manera de vivir; la idiosincrasia de una nación. No sé si voy a verlo pero yo voy a hacer mi parte. No niego que tal vez en un momento dado, digamos, me coloque en un escenario más distante a esta realidad, pero por ahora estoy en el caldero del fuego aquí, en el crisol de todas las situaciones, tratando de no informarme mucho para poder vivirlo y sentirlo de una manera desprejuiciada. No quiero tomar partido en esa situación porque quiero defender el paseo de mi perra diariamente y mi condición de ciudadano en este contexto, en esta nación, y mi oficio de artista.

MPS: Tocar, pintar, reflexionar, abrazar, extrañar, ¿crecer siempre?

OV: Sentir esa fuerza humana que todos tenemos y que nos da ese aliento de seguir y continuar, me da la visión de decir que Venezuela es un gran cuadro informalista, nada racional, nada lógico, nada ordenado, muy lejos del constructivismo y del cinetismo, de todas estas cosas que fueron escenarios idealistas. Hoy por hoy vivimos en esta situación donde tenemos que hurgar en la basura y sacar ahí un reciclaje de todo lo que en cierta manera nos está dejando esta gente.

El arte es el vaso comunicante, la máquina del tiempo que desmenuza y conjuga cada hebra del verbo amar, es el catalizador que fragua las ideas. Pintar es más que imagen, es la alquimia de los fluidos, en el crisol de las altas temperaturas, produciendo metales preciosos surgidos de lo más profundo de la naturaleza, de su propio origen (Publicada en la edición aniversario de Revista Artefacto)

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RAFAEL MARTINEZ. Es un pintor y escultor venezolano nacido en 1940 en la ciudad de San Fernando de Apure, Estado Apure, Venezuela. Se inicia en las Escuelas de Ar- tes Plásticas Rafael Monasterios de Maracay y Arturo Michelena de Valencia y en 1968 estudia Arte en la Universidad Experimental de Vincennes en Paris y es asistente de los artistas Jesús Soto y Carlos Cruz Diez. Francia le brinda la oportunidad de participar en las primeras exposiciones del cinetis- mo y del constructivismo. En 1972 el artista parte a Italia y reside en Milano, Roma y Brescia donde participa en exposiciones individuales y colectivas. En 1977 regresa a Venezuela y después de tres años se dirige a Nueva York donde estudia Técnicas Graficas de Impresión en el Pratt Graphic Center. En 1984 vuelve a Venezuela estableciéndose en Valencia donde reside actualmente. Está representado en diversas colecciones, tales como: Galería de Arte Nacional de Caracas, Metro de Caracas, Museo Alejandro Otero, Fundación Celarg, en la Autopista Francisco Fajardo de Caracas, Museo de Esculturas Andrés Pérez Mujica Valencia, Ateneo de Valencia, en la Avenida Universidad de Naguanagua, Museo Jesús Soto de Ciudad Bolívar, Museo de Arte Moderno de Mérida, Museo de Arte Moderno de Barcelona, Museo de Arte Moderno de Maracay, Museo de la Gráfica de Maracaibo, Museo de Arte Moderno de Filadelfia y Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá. PREMIOS: 1964 – Premio de Pintura “Julio T. Arze”, Barquisimeto/ 1965 – Premio de Pintura del II Salón Inter-Universitario de Arte, Universidad Central de Venezuela, Caracas / 1971 – Premio Arturo Michelena y Premio de Escultura del XXX Salón de Arte “ Arturo Michelena”, Valencia/ 1973 – Premio Bolsa de Trabajo del Salón “Las Artes Plásticas en Venezuela”, Museo de Bellas Artes, Caracas

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