Artclub magazine nº8

Edici贸n especial - diciembre 2014 - Issue 8

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e r b o s l ia c e p s e n i贸 Edic o e n 谩 r o p m e t n o c e t El ar Venezolano

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Contenido Arturo Carrión …….Khromakinesis

Blanca Capecchi

Saúl Losada………….Fusiones con Guitarra

Edgar Guinand

José Coronel……….El Instinto creador

Esteban Castillo

Jorge Seguí

Gaudí Esté

Jorge Vall….Entre Margarita y Las canarias

Milton Becerra

José Campos Biscardi….Entre lo onírico y real

Henry Bermúdez

Javier Granados...Un español del Pop Art

Ismael Mundaray

Edición especial sobre Arte Venezolano

John Moore

Carlos Zerpa

Jorge Blanco

Jorge Pizzani

José Campos Biscardi

Arturo Carrión

Julio Pacheco Rivas Nelson Valera

Víctor Hugo Irazábal Pavel Bastidas Francisco Bugallo María Eugenia Manrique

Pedro Terán Carlos German Rojas

Rafael Martínez

Rafael De Pool

Abel Ibarra

Jorge Seguí

Abigail Valera

Vasco Szinetar

Arturo Millán Carlos Cabeza

Jorge Vall Edgar Gutiérrez Humberto Cazorla

Carlos Medina Luis Lizardo Carlos Mendoza Carlos Cruz Diez

Alirio Infante J.J. Moros Lenin Ovalles Luis Barreto 4

Colaboradores:

Roberto Guevara Zoilo Abel Rodríguez Joan Esteban de Mercado

Jorge Seguí Quadrant gallery Israel Sotillo José Gregorio Noroño Luna Miguel Larry Warsh Raquel Azpiroz Arturo Carrión Edgar Cherubini Alba Muñoz Tito Graffe Betty Pink Leticia García Saúl Losada Jorge Vall Claudia Puello Fotografías: Pavel Bastidas Carlos Germán Rojas Vasco Szinetar José Coronel Jorge Seguí Blanca Capecchi Jorge Vall John Michel Carrión Campos Biscardi Contraportada: Claudia Puello - Pintora Colombiana

Google images Arturo Carrión ARTCLUB magazine - Issue 8 page

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La mejor información en el acontecer del arte internacional, Exposiciones, Ferias de arte, Concursos, Arte emergente, Artistas consagrados, Entrevistas, Biografías, Escritores, Curadores, Galeristas, Museógrafos, Fotógrafos, Videastas.

Publicación bimensual Google images 6

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Arturo ArturoCarrión Carrión Después de 18 años de ausencia, regresa a Venezuela con la muestra “KhromaKinesis”, que fue inaugurada en el Centro cultural “Aldemaro Romero” de San Diego - Valencia y clausurada el 17 de diciembrede 2014

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Tan revelador como este ascendente, es la permanencia en todas las grandes culturas de los procesos constructivistas, como parte de la vida común, en medios tan disimiles como la tapicería, la arquitectura, la cerámica y la pintura. Los pueblos de Africa dan un uso particularmente vigoroso a la definición abstracta, por ejemplo en la decoración mural de las fachadas, en secuencias claramente coherentes y destinadas a un fin celebratorio o de exaltación. Auguste Herbin (Francia, 1882/1960) aprovecha a fondo este dinamismo y de paso capta su sentido vitalista, más que el sentido formalista de otras experiencias europeas. El trabajo del venezolano Arturo Carrión (Maturin, 1953) ha sido consecuente en la exploración del universo abstracto en dos y tres dimensiones, con un principio orientador que parte, según un texto del artista, del principio de que “el arte se basta a sí mismo” y tiene un carácter realista para representar la síntesis vital que el hombre procura y alza como testimonio de su acción en la tierra.

Encontramos así una posición alternativa. El realismo que buscaban en los grandes pioneros como Naum Gabò (1890/1977) que formula en su “manifiesto realista” la necesidad de dejar atrás los “ritmos hieráticos” y dar al arte la vida y el movimiento verdadero.

Carrion aprovecha la flexibilidad de la estructura en las obras bidimensionales, tratando la mayor parte de las veces de apoyarse en un color fuerte, contrastado, provocador de una lectura igualmente rítmica. En las obras desplegadas en el espacio, la incorporación del color es un recurso oportuno para acentuar el juego de las formas y volúmenes; sin contar que también aprovecha el movimiento libre, real, de las partes. La obra es un programa constructivo, en el cual el artista procura añadir los elementos cromáticos y formales necesarios para crear procesos que revelen una condición de exaltación, una suerte de festejo de lo viviente y de la belleza propia del arte de crear.

Roberto Guevara Crítico de arte – Venezuela – Marzo 1987

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Arturo Carrión es un monaguense prestado al arte universal. Nacido en Maturín el 15 de diciembre de 1953, Venezuela, cursó estudios de formación artística, pintura y escultura, en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas de Caracas, de la cual egresó en 1976. Estudió Expresión Corporal en el Ateneo de Caracas; Visión y Color, en el IVIC (por convenio con la EAP Cristóbal Rojas); Historia de la Pintura Venezolana, en la UCV, y Comunicación Audiovisual en la Universidad Simón Bolívar. Polifacético de las artes visuales, sobresale como fotógrafo, diseñador gráfico, diseñador audiovisual, creador de dibujos animados para televisión, productor de televisión educativa y realizador de vídeos y de trabajos experimentales en cine súper ocho. Es también diseñador de páginas web y de comercio electrónico. Se considera, sin embargo, esencialmente pintor, escultor y Videasta. Ha sido profesor de dibujo y pintura, escultura, diseño gráfico, artes gráficas, aerógrafo e Historia del Arte Contemporáneo. Trabajó en el Instituto de diseño Neumann de Caracas, la Escuela de artes visuales Cristóbal Rojas, Universidad Simón Bolívar, Atelier de Pintores, Instituto de Diseño Villasmil de León (Caracas).

Entre sus actividades resaltan la fundación de 7 grupos de arte en la red y la creación del proyecto HABIT/ arte, de cuya fundación es actualmente presidente. Antes, en Venezuela, fue asesor de imagen de Proyectos Fundarte (1997-98). Ha realizado más de 20 muestras individuales y participado en más de 300 exposiciones colectivas.

Su obra está representada en museos, galerías -públicas y privadas- e instituciones, lo mismo que en colecciones privadas, tanto en Venezuela como en Canadá, España, Colombia, Bélgica, EE.UU., Italia, Inglaterra, Francia, Suecia, Alemania, Checoslovaquia, Portugal, Puerto Rico, Argentina, Chile y Costa Rica. En Venezuela destaca su presencia en la Galería de Arte Nacional (GAN) y en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas (MACSI). Ha sido merecedor de diversidad de premios y reconocimientos, y en el año 2001 fue el representante venezolano en el "Euro-Art 2001" en Barcelona, España.

Desde el año 2000 está radicado en Europa, donde desarrolla su obra, participando en variadas exposiciones tanto colectivas, ferias de arte y exposiciones individuales.

Básicamente ha residido en España, Barcelona y Madrid. Actualmente reside (2011) en Santiago de Compostela, donde tiene su atelier. Con desplazamiento a otros países europeos con temporadas en Londres, Berlín, Múnich, Núremberg, París, Salzburgo, Oporto y Lisboa.

Desde su llegada a Europa, Carrión ha desarrollado y ejecutado diversas tareas, todas relacionadas con el arte.

De 2002 al 2007 fue Director - Curador de los proyectos expositivos de ARTSIL gallery de Santiago de Compostela, creador y editor de los "Plaquettes", pequeños libros de colección y edición limitada, firmados y seriados por sus autores, elaborados artesanalmente.

Desde el año 2009, Carrión empezó a desarrollar un proyecto multimedia sobre el arte contemporáneo venezolano y sus más representativos exponentes, denominado VANproject o Venezuela Art Notebook.

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Venezuela Art Notebook es un proyecto a corto, mediano y largo plazo en su ejecución. Nuestro país (dice Carrión), carece de una memoria o compendio historiográfico sobre el arte contemporáneo venezolano conceptuado como banco de datos; toda la información que podamos necesitar en la actualidad está dispersa en una diáspora de micro-documentos contenidos en catálogos, notas o artículos de prensa, algunos libros de difícil localización, revistas especializadas o en diccionarios de arte venezolano lamentable- mente muy desactualizados, como el relativamente escaso material digital en la red referido al tema. Este proyecto de difusión y promoción del arte contemporáneo venezolano, lo inicio a mediados de 2009; con la premisa de aglutinar toda la información referida en un contexto digital de fácil uso y manejo. Lo bosquejó como una gran obra de comunicación digital, tanto desde el hecho productivo o de realización, como de interacción con los entes y elementos que lo componen. Es un gran collage de nuestra historia reciente del arte venezolano que debe trascender fronteras internacionales; Será una importante herramienta de información cultural para las nuevas generaciones que transitan y traspasan los límites geográficos utilizando los nuevos parámetros de la comunicación a través de la red, en este concierto que denominamos Aldea Global.

VAN Project, gravita en crear un banco biográfico digital sobre el arte contemporáneo Venezolano a partir de la década del 50 hasta la actualidad. Todo el proceso de producción, edición y realización de estos micro documentales, que alcanzan entre 20 / 25 minutos de duración, los elabora con la colaboración de cada autor convocado, enviando estos, el material requerido por el proyecto.

Todo estos componentes (Vídeos, audio, imágenes, entrevistas, etc.), lo recibe en formato digital a través de la red, lo cual se a convertido en una experiencia enriquecedora de comunicación humana, valiéndose de las nuevas tecnologías que ofrece la red tanto para el autor como los implicados en el mismo, dista el recorrido físico que separa a Carrión de los artistas involucrados; él reside actualmente en España y los artistas, básicamente en su país de origen Venezuela, en otros países europeos o Norteamérica. En la fase de pre - producción se han valido de todos los medios disponibles en la red, vale decir correos electrónicos, Messenger, talk, portales de depósitos digitales, YouTube, vimeo, Facebook, etc. Esta primera Fase se inaugura en Venezuela a finales de 2015. Posteriormente continuará el crecimiento y fortalecimiento del proyecto con la fase II, la cual se inaugurará a mediados de 2016 donde hay un importante grupo de artistas preseleccionados del arte contemporáneo venezolano.

El proyecto "VAN" se asienta en desarrollar Cortos-Documentales en formato digital, de 25 minutos sobre cada artista convocado, de esta manera se irá nutriendo "Venezuela Art Notebook". En el mismo, trata Carrión de exhibir y difundir los creadores contemporáneos venezolanos más representativos en sus distintas y diversas manifestaciones: Artes Plásticas, Crítica y Curaduría, fotografía, cine, vídeo, danza, música, teatro, Diseño y arquitectura.

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En resumen, es desarrollar cuadernos biográficos digitales, contenidos en formato DVD, como también a través de la red en su propio portal Web, donde podrán ser visionados. Cuando se inaugure la 1ª Fase de este proyecto, que será con los creadores que aparecen en los folleto informativos y los video-promo que estarán disponibles en el blog del mismo, www.venezuelartnotebook.blogspot.com, Facebook y YouTube, irá acompañada con una importante exposición colectiva de los artistas incluidos en este propósito y así sucesivamente en cada nueva etapa del mismo que se inaugure. Este es el concepto de "Venezuela Art Notebook" o VANproject, creado y producido por Arturo Carrión Arturo Carrión no es sólo un "hacedor", es también un pensador de su relación estética con el ethos. Y en ese sentido, él mismo explica su obra haciéndonos ver que en la observación de lo cotidiano que nos entorna, y de su correlato con la memoria en que habitan nuestros atavismos, subyace, en alquimia que sólo en el arte es posible, lo que fusiona las "realidades" evocadoras de lo mítico, con las realidades -muchas veces opresivas- del entorno contemporáneo. "La relación comunicativa existe desde la entelequia -afirma Carrión-. Es una necesidad pragmática y racional. El Ser asume el desarrollo de expresiones que van desde lo corpóreo hasta la cibernética; busca transmitir el desarrollo de sus abstracciones de enunciados para mutarse en un ámbito ajeno e incontrolable, pero que intuitivamente logra operar". De tal noción conceptual y de tal praxis, surge la obra que desde hace algún tiempo trajina Carrión. "En ésta -dice él- trato de conjugar codificaciones conscientes del lenguaje de nuestro tiempo con hitos inconscientes, de características arquetipales, que dominan la memoria atávica. Intento con ello, a través de la plástica, recrear vivencias que se traduzcan en visiones corpóreas y que revelen al contexto real comunicativo tanto lo formal como lo inconsciente del ser". El artista actualmente está representado por la B2B art Gallery de New York, donde expuso en julio de 2010 en la muestra "Khromatone", teniendo presencia online en galerías virtuales como: saatchi online, Arte Lista, Artfine América, virtual gallery y muchas otras que se consiguen a través de los buscadores en la red, como también en su website oficial www.arturocarrion.com.

Trabaja actualmente en el proyecto "Khromakinesis" (multimedia), sobre alternativas plásticas en que el contemplador interactúa dinámicamente con la obra. Para ello utiliza recursos como el vídeo, la fotografía digital, la pintura, la escultura, el dibujo, la impresión digitalizada (Gicleé) y la imagen virtual.

Arturo Carrión actualmente reside entre Santiago de Compostela y La isla de Tenerife, España.

Zoilo Abel Rodríguez - F ebrero 2011

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Saúl Losada Fusiones rítmicas en guitarra 18

Saúl Losada

es el primer hijo de una pareja de españoles que emigraron a América, nació en Caracas, Venezuela, país donde pasó sus primeros años hasta que era un adolescente, comenzó en la música con la temprana edad de 8 años cuando su madre lo animó a tomar clases de piano. Con 12 años de edad, comenzó a interesarse por la guitarra, tocando la guitarra acústica y cantando en el coro de la iglesia. Después de escuchar la música blues y el rock, decidió comenzar a tocar la guitarra eléctrica, influenciado por la música de grupos como Led Zeppelin, Jimmi Hendrix experience, Pink Floyd y algunos guitarrista como Jeff Beck, Steve Ray Vaughan, Muddy Walters, Buddy Guy, B.B. King, Freddy King.

En sus inicios, formo parte en una banda a la edad de 16 años, haciendo versiones de canciones de Queen, The Beatles y también componiendo canciones originales, banda con la cual realizo conciertos en vivo y presentaciones en canales de televisión local. En esa época, un amigo le ofreció formar parte de su grupo, con el cual presentaban versiones de bandas de rock como Guns and Roses, Van Halen, AC / DC y algunos otras bandas de los 80s; donde él estuvo tocando la guitarra por cerca de 3 años.

Después de un tiempo haciendo conciertos con otras bandas, decidió fundar su propia banda, con lo que cuenta para ello con un vocalista de Hard Rock, formando con otros jóvenes músicos la banda conocida como Dark Rose, con la cual hace algunas versiones de canciones famosas de los 80s y 90s, así como también canciones originales, haciendo conciertos locales y giras nacionales, abriendo conciertos como teloneros para bandas de la factura de Desorden Público y Caramelos de Cianuro, en la gira DP18 en la que celebraban los 18 años de la Banda Desorden Público. Así como también participando en numerosos festivales de música Rock y Alternativa.

Con su banda Dark Rose, Saúl Losada, obtuvo grandes éxitos y reconocimientos siendo él, una parte fundamental de la misma como líder y compositor.

Luego de cierto tiempo, estuvo tocando como músico de sesión en estudios, donde conoció al pianista y artista plástico Hermes Rossato quien le propuso colaborar con él en algunas de sus composiciones originales, y posteriormente crearon la banda llamada Space Collector con la que comenzaron a grabar material original influenciado por bandas como Weather Report, Yellow Jacket, Miles Davis, haciendo fusiones con el Jazz, Blues, Rock e incluso algo de Electrónica. Lograron realizar un álbum titulado Space Collector Jazz Ensemble. La banda realizo algunos shows en vivo en varios festivales de jazz y algunos clubes.

Luego de un tiempo Saúl Losada comenzó a concebir sus propias grabaciones, enmarcadas en un proyecto llamado Sich Villrs Música, con el cual grabo un álbum con influencias de Rock, Blues y música Electrónica.

Proyecto con el cual logro vender numerosas copias y algunos de sus track pueden ser escuchados en algunos cortometrajes.

En 2009, después de una estadía en Galicia, España, Saúl Losada, decidió mudarse a EE.UU. para continuar sus estudios musicales, hecho que llevó a cabo en Los Ángeles, California, en la escuela Music Musicians Institute en Hollywood, allí estudió musica e ingenieria de sonido. Actualmente vive en Los Angeles, lugar en el cual ha seguido desarrollando su carrera desde entonces, Realizando composiciones y haciendo sesiones de grabación y presentaciones en vivo como solista y colaborando con numerosos artistas.

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Saúl Losada - Performance at Miami - 2011

TV Show - Grupo SINESTECIA

- 1998

Saúl Losada recording studio in 2010 Saúl Losada - Elio Studio - 2008

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DARK ROSE TOUR - 2004

DARK ROSE TOUR - 2004

Saúl Losada comenzó a concebir sus propias grabaciones, enmarcadas en un proyecto llamado Sich Villrs Música Música,, con el cual grabo un álbum con influencias de Rock, Blues y música Electrónica. Proyecto el cual logro vender numerosas copias y algunos de sus track pueden ser escuchados como bandas sonoras en varios cortometrajes.

En 2009, después de una estadía en Galicia, España, Saúl Losada Losada,, decidió mudarse a EE.UU. para continuar sus estudios musicales, hecho que llevó a cabo en Los Ángeles, California, en la escuela Music Musicians Institute en Hollywood, allí estudió mu musica sica e ingenieria de sonido. Actualmente vive en Los Angeles, lugar en el cual ha seguido desarrollando su carrera desde entonces, Realizando composiciones y haciendo sesiones de grabación y presentaciones en vivo como solista y colaborando con numerosos artistas.

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SaĂşl

Losada

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Callao de Lima 14 Santa Cruz de Tenerife

(+34) 822 17 47 90 / 685 833 220 24

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El instinto creador 26

JosĂŠ Coronel 27

Poética de lo invisible

Después del viaje que José Coronel realiza a Europa, entre 2011 y 2012, se advierte en él, aún más que nunca, una acentuada y enérgica voluntad de crear. El contacto directo con las obras de los grandes maestros del arte universal lo impresionaron de tal modo que en su actual producción se advierte el impacto que esa experiencia causó en él. Por ejemplo, los extraordinarios grabados (Carceri d'Invenzione) del arquitecto y grabador italiano del siglo XVIII, Giovanni Battista Piranesi, indujeron a este artista venezolano a concebir algunas pinturas de gran formato en las que prescinde de su particular policromía, pero conservando su estilo abstracto de vital lirismo. En estos trabajos, inspirados en Piranesi, prevalecen el negro, el blanco, los grises y azules. Desde su abstracta poética visual Coronel metaforiza las imaginarias cárceles de Piranesi caracterizadas por oscuros pasadizos, inclinadas escaleras, espacios de increíbles alturas y extrañas galerías que no conducen a ningún lugar. Claro está que esto responde a una curiosidad estética articulada a una necesidad expresiva. Como todo auténtico creador, Coronel, desde su excepcional sensibilidad, se propone transformar sus experiencias de vida, ideas y sentimientos en obras de arte.

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Orientado en su permanente búsqueda, en su incansable viaje hacia el fondo oscuro y misterioso del ser (su psiquis), y la esencia de las cosas (su alma) -como un «viaje al centro de la tierra» o al «lado oscuro de la luna»-, continuamos viendo a Coronel, con más ímpetu que antes, resuelto a iluminar, a través del arte, el insondable mundo interior; sacar a la superficie, con una radiante transparencia cargada de luz y color, la esencia del microcosmos y del macrocosmos, develar el lado oculto de la realidad, al punto de deslumbrarnos hasta la alucinación.

Recapitulando lo indicado en otro texto de mi autoría, Coronel parece orientar la poética de su producción visual hacia la exploración de lo invisible, de lo que reposa en el fondo, en lo más recóndito de la materia y de la mente humana, creando así una iconografía abstracta con la que intenta hacer visible las inimaginables e ilimitadas formas de la materia y de la mente, según su experiencia subjetiva, su imaginación y creatividad, para lo que opera con un lenguaje plástico, cuyo recurso expresivo lo conforman el color, el movimiento, la luz y las transparencias; la vitalidad y la fuerza del trazo. Es pertinente acotar que en la obra de Coronel influye mucho, de igual modo, el sonido que viaja por el espacio, concretamente la música de Pink Floyd, Emerson Lake and Palmer, Yes y King Crimson, armonías que ambientan su taller; enriquecen su imaginación y sensibilidad mientras concibe su obra. Este componente, el sonido, no solo habita su espacio creativo, sino que está implícito en su obra. Como él manifiesta, su obra es sonido, luz y color. Manchas y trazos que expresan sentimientos, emociones, angustias, pero también equilibrio. En su obra, la oscuridad, el mundo interior del ser y las cosas se transforman en luz y sonidos policromados, y el color no solo se hace perceptible, visible, sino audible. En fin, Coronel nos muestra aquello que está más allá de la mera apariencia de las cosas. Podemos decir que su proceso creativo es así, entonces, una forma de incursionar en otra realidad puramente espiritual, mística y sagrada. Es una suerte de viaje a la vida interior; de unión entre lo humano y lo divino.

José Gregorio Noroño Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA). Capitulo Venezuela. Julio, 2014.

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TRATADO ÍGNEO EN TORNO A LA OBRA DE JOSÉ CORONEL La obra de Coronel es una obra que nos aporta energía, vitalidad. Está llena de emociones expansivas y sentimientos múltiples que habitan en el ser humano, especialmente aquellos que son más irracionales, más libres. Es una pintura que se puede entender sin tener un conocimiento erudito pues enseguida impacta, penetra por los poros del espectador para conectarse con sus fueros internos, con toda su carga emotiva y sin ninguna barrera.

Pulsa y toca las sensibilidades más diversas, es accesible.

Pero no es una pintura fácil: su obra renuncia al estatismo, es dinámica, no está quieta. Lucha por irradiar un impulso vital de renovación continua en un tiempo que se desliza vertiginoso, raudo, y el autor en ese tiempo nos quiere acompañar y mecer con alegría. En la singular obra de Coronel se evidencia la constante búsqueda que el artista ha emprendido como creador y como ser humano: se diría que emana fuerza en su movimiento y en su propia articulación verbal.

Su pintura es expresionista, matérica, gestual y muy colorista. Parecen estallidos vibrantes de neuronas, pensamientos festivos que nos quieren sonreír desde el lienzo… pero también hay drama. El drama de todo lo que es dual en nuestras vidas: alegría sí pero tristeza y melancolía, fuerza sí, pero desesperación también, movimiento sí, pero estallido y destrucción a la vez. Su obra es como una danza inacabable. Una danza llena de movimientos, de trazos tranquilos y violentos. No quiere que se escapen ningún registro cromático ni ninguna forma. Han de estar allí en una intensa coreografía. Sus colores aparecen orondos y llenos de saturación, presentes, acompañados por el gesto, son plenos, contundentes, huye de los matices o las medias tintas. Son colores que son ahora, son ya. Y el negro y el blanco están: vida, muerte. Busca la respuesta del alma ante el baño de color y formas que propone. La consistencia tonal de sus claroscuros enfatiza el esquema de las pinceladas que borran la distinción entre los trazos y el fondo.

Establece linaje con la pintura expresionista abstracta neoyorquina, pero la supera desatando los valores que plantea al llevarlos al extremo. Todas sus huellas están presentes en el autor, quien reúne materia y color para ofrecernos una obra de gran intensidad comunicativa, de impacto inmediato por el hábil manejo de los recursos pictóricos, matéricos y compositivos. Sus cuadros son como el ave ígnea, Fénix, que renace de sus cenizas. Marcan siempre el resurgimiento del ser humano y su capacidad de vencer y salir airoso a través del tiempo. Fuego que es vida, que es fuente de creación y reflejo de las pasiones y las voluntades del individuo incansable. Crean un impulso vital liviano pero insistente, rebelde. …Recreación de lo visual, de lo vital, volver a crear lo visual y lo vital.

La obra de Coronel nos devuelve la impresión de ese intenso poema visual que impulsa el desarrollo de la humanidad.

Dr.en Arte: Joan Esteban De Mercado Barcelona España /2014.

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Autor: JosĂŠ Coronel 31

Autor: JosĂŠ Coronel 32

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Jorge SeguĂ­

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Autor: Jorge SeguĂ­

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Jorge Vall El fot贸grafo Venezolano-Catal谩n, prepara una muestra fotogr谩fica en las Islas canarias, sobre su visi贸n de La Isla de Margarita 40

Margarita en Canarias La Isla de Margarita, junto con las islas de Coche y Cubagua, conforman al Estado Nueva Esparta. Margarita es la mayor de este archipiélago, con un superficie de 1.072 Km.2. La población actual de la Isla se estima en 676.454 habitantes.

El pueblo margariteño actualmente, es el resultado de un largo proceso migratorio que se inicia en el siglo XVI con la llegada de los españoles. Sus habitantes y la mayor parte de esta población está ubicada en el sector oriental de la isla y especialmente en los valles interiores.

Sus costumbres, sus tradiciones y su arquitectura tienen sus orígenes españoles con el agregado colorido de las islas antillanas.

Desde sus inicios la población está ubicada en los espacios urbanos y un sector muy pequeño vive en zonas rurales, a pesar de ser un territorio en el que se cultiva una gran diversidad de productos y sus costas son ricas en pesca. El Geógrafo Marco Aurelio Vila en su obra Aspectos Geográficos de Nueva Esparta (CVF, Caracas 1958) se refiere al tema de las migraciones en estos termino “ El mestizaje se produjo y se complico hasta tal punto que ya hoy puede decirse que existe un tipo de margariteño, algo parecido ha sucedido en las Canarias “... y asocia esta situación a los procesos culturales de Cuba y Puerto Rico.

Autor: Jorge Vall

A diferencia de estas islas, la Capital del Estado Nueva Esparta, La Asunción se ubica en el interior del sector Oriental de la Isla, con lo cual tenemos que las ciudades de mayor desarrollo son Porlamar y Juan Griego que son importantes puertos marítimos y zonas comerciales La música margariteña se caracteriza por la variedad de sus formas: Polos, Jotas, Galerones , Puntos, Gaitas, Valses.

Autor: Jorge Vall 41

En todas se destaca la utilización de instrumentos de difícil ejecución como la bandola, la bandolina, la guitarra, el cuatro y algunos instrumentos de percusión. Quizás sea el canto el que requiere un gran dominio de la “versificación, la rima y la métrica.

El calendario anual de las festividades religiosas se distingue por la participación de numerosos grupos musicales que acompañan a los cantores y magnificas representaciones en las que se encuentran la danza y el teatro, conocidas como “Diversiones”; son muy populares La Culebra, El Carite, La Burriquita y El Guayamate. En estas diversiones se representan pantomimas a semejanza de cosas reales o irreales, de especies de la fauna y de la flora o de la mitología insular.

Autor: Jorge Vall

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Autor: Jorge Vall

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José

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Pintor. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cúcuta (Colombia) y en la Escuela de Artes Plásticas de San Cristóbal. Desde 1953 reside en Venezuela.

En 1964 realiza la muestra "Pinturas" (Casa de la Cultura, Cúcuta, Colombia) y un año más tarde expone una serie de óleos en la Sala de Exposiciones de la Biblioteca Pública de San Cristóbal. Desde sus inicios hasta la actualidad ha trabajado la figuración: formas fragmentadas cubiertas con mallas sobre espacios planos combinados con imágenes de nubes provistas de inscripciones caligráficas, a semejanza de balones de historietas. Esta iconografía ha encontrado en el acrílico con plantilla una técnica de gran eficiencia. En 1968 expuso en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, donde Marta Traba conoció su obra: "Campos se alindera junto a un buen número de artistas jóvenes que han logrado una amalgama muy viable de pop surrealismo, después de rechazar con igual decisión tanto el traslado literal del pop americano como el concepto histórico del surrealismo y dadaísmo europeos. Las fuentes donde se alimentan estos nuevos productos son, en la mayoría de los casos, el pop pintado inglés y el surrealismo vía Magritte, un 'rescatado' que crece día a día, un alimentador de nubes y objetos preciosos y precisos, un soñador de situaciones concretas, cuya veracidad lírica ha tocado sensiblemente esa tendencia juvenil que anoto. La obra de Campos Biscardi se apoya en tales cimientos, pero luego se estructura sola con una firmeza inventiva que resulta su mayor mérito. Porque la invención es firme y planeada, puede reconducir hasta el sentido: ahí se define la forma nueva como un hecho indiscutible pero impregnado de misterio" (1968). Este mismo año organizó una muestra colectiva en la Galería Nueva Generación (Caracas), como confrontación entre los jóvenes artistas que representaban una vanguardia neofigurativa. En 1974, con El día que inauguraron el Campeonato Mundial de Fútbol, ganó el Premio Arturo Michelena en el XXXII Salón Arturo Michelena, incorporando por vez primera la temática deportiva a su obra, una irónica crítica a todo el entorno presente en tal evento: la madrina, el árbitro, el jugador y los espectadores.

Es relevante el tratamiento de las piernas del futbolista, así como los pantalones del árbitro. Esta obra de Campos Biscardi, así como las sucesivas, integran paisajes fantásticos con globos, nubes, paraguas y cajas sobre grama verde.

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En 1979 recibe el Premio Fundarte que le permite radicarse en Nueva York hasta 1980. Durante su estadía en esta ciudad, participó en "Paper in Particular" donde envió una obra realizada con la técnica copifotografía (diapositivas procesadas sobre papel), realizó una serie de obras inspiradas en el metro de Nueva York, Manhattan Project, agrupación de numerosas secciones de cilindros cortados a diversas alturas, sobre las cuales distribuyó los símbolos que caracterizan su obra: nubes, piernas, medias a rayas, paraguas, cajas, paisajes, etc. El artista siguió trabajando en dos dimensiones, sólo que a partir de ese momento pasó de las superficies planas a las curvas. La tela tensada sobre un bastidor rectangular, que constituye el soporte usual de la pintura, aparece de manera bidimensional como la cara de un dado o paralelepípedo que acepta diversos puntos visuales. En 1980 expone en la Galería Serra de Caracas y, en 1981, es seleccionado junto a otros artistas, para representar a Venezuela en la XVI Bienal de São Paulo. También en este año exhibe en la Galería De Armas (Miami, Florida, Estados Unidos), 40 obras realizadas en acrílico sobre tela, entre las que incluye Los burócratas, Los antros y El Ávila, y participa en la I Bienal Regional de Artes Plásticas de Oriente (Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz). En sus últimos trabajos Campos Biscardi emplea el color en función de una atmósfera que destaca la yuxtaposición de planos en su obra, caracterizada por un clima fantástico en el cual la figura humana y algunos elementos de la naturaleza —como nubes, campos y densas gramas—, se integran en una unidad simbólica. Entre 1980 y 1990, su temática no varió significativamente.

Participó en numerosas muestras individuales y colectivas; en el II Festival de Cámara de la Colonia Tovar (1988) realizó un afiche, El fantasma del stradivarius que ronda en la Colonia Tovar, basado en una leyenda de los coloneros. En 1990 elaboró la escenografía de la obra teatral Los muertos las prefieren negras, de Andrés Eloy Blanco, interpretada por la Compañía Nacional de Teatro.

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Por su tratamiento y elementos, la obra de Campos Biscardi es una mezcla entre lo real y lo onírico. El artista no pinta cuadros en el sentido tradicional, sino que realiza afiches de diferentes dimensiones. Su obra es una imagen concebida para ser reproducida y tiene una técnica gráfica peculiar: el uso de plantillas para contornos definidos, tintas planas, acrílicos, masas precisas, medios tonos y colores industriales. De su trabajo, la GAN posee en su colección dos serigrafías datadas de 1987.

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Autor: JosĂŠ Campos Biscardi 53

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Autor: JosĂŠ Campos Biscardi 55

Autor: JosĂŠ Campos Biscardi 56

Autor: JosĂŠ Campos Biscardi ARTCLUB magazine - Issue 7 page

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El pop pop--art de Javier Granados 60

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EL POP ART DE JAVIER GRANADOS Pere Greenham

Mucho ha llovido desde los tiempos de la cacareadísima y ya histórica Movida madrileña cuya onda expansiva se extendió a Barcelona y Valencia con sus respectivos borbollones creativos. De hecho forma ya parte de los movimientos de ruptura artística y sociológica del arte español del siglo veinte. Si nos ponemos a rescatar los rasgos más sobresalientes de dicho periodo hablamos de insolencia, desplante, arrogancia, frescura, ruptura, “originalidad” (las comillas son mías) y una desfachatez en todos los sentidos, que sirvió de catapulta para algunos y cadalso para muchos otros.

Todas estas señas de identidad, inherentes al Pop Art, - cuya primera exposición se documenta en la londinense White Chapel Art Gallery en 1956 bajo el título de “Esto es el mañana”, de ahí las comillas - cuajaron todas sus potencias en España en los años ochenta como un revival de la brecha abierta por Alfredo Alcaín, Eduardo Arroyo, y los equipos valencianos Crónica y Realidad. El dictador había muerto, corrían aires de libertad contestataria y los jóvenes tenían muchas ganas de desahogarse aupados por Don Enrique Tierno Galván y otros altos funcionarios públicos. Se hablaba de “un renacimiento de la cultura juvenil”. .

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Es evidente e innegable que Javier Granados debe mucho a dicha época. Podemos decir que se ha quedado enganchado a dicho periodo ochentero y a improntas dejadas por los Costus, artífices del pop-kitsch de bata guateada.

Aunque en su producción ha pasado por series y periodos yendo desde el paisaje urbano en alto contraste y la vinculación del mobiliario y la arquitectura en reflexiones sobre el tiempo – con una especial fascinación por la onda retro: Veraneo en Benidorm, Felicidad y otros destinos, Tres en la carretera - su baza más alta de humor camp y retrato sociológico de un sector específico de la sociedad española, la alcanza con el tema de las amas de casa.

Sus rollizas marujas son gozosas, simpáticas, bonitas, cachondas y muy españolas ya desde la melenita corta, la rotundidad de sus carnes enfundadas – destino genético invariable de la mujer española – y su vestuario fresquito y cómodo de coqueto estampado para sus múltiples y muy agradecidas labores. La domesticidad de las mater familias salta desde sus llamativas pinturas a su representación en pasta, resina o plastilina; así el universo doméstico de las amas de casa adquiere un encanto tridimensional pasado por el túrmix del cine, (Titanic en mi cocina), la televisión, los fármacos (La felicidad está en el interior) y más recientemente la homosexualidad entre estas mismas mujeres que se liberan de la tiranía del marido, los hijos y todos los roles de género atávicos que la sociedad les ha impuesto y que ellas mismas han cargado con resignación aparente.

El estereotipo marujil se rompe. Ellas se rebelan y reivindican su libre albedrío, derecho a reunión y a la búsqueda del placer y bienestar propio

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En esta edición especial de fin de año, ARTCLUB magazine se complace en mostrarles algunos personajes que desde la década de los 70´s , han mantenido una constante actividad de desarrollo y superación en sus investigaciones plásticas y con ello aportando sus visiones y hechos creativos al arte contemporáneo venezolano, independientemente de la ubicación geográfica de su espacio de trabajo. Muchos viven y disfrutan la tierra que los vio nacer o formarse, pero otros tantos lo hacen desde otros continentes donde decidieron vivir debido a diversos factores de carácter personal.

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*Special edition* Diciembre 2014

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Carlos Zerpa - Artista Venezolano 72

Jorge Pizzani - Pintor Venezolano 73

Arturo Carri贸n - Artista Venezolano 74

VĂ­ctor Hugo IrazĂĄbal & Carlos Zerpa - Artistas Venezolanos 75

Francisco Bugallo - Pintor Venezolano 76

MarĂ­a Eugenia Manrique - Pintora/Dibujante venezolana 77

Rafael MartĂ­nez - Escultor y Pintor Venezolano 78

Abel Ibarra - Escritor Venezolano 79

Abigail Valera - Escultor Venezolano 80

Arturo Millรกn - Pintor Venezolano 81

Carlos Cabeza - Pintor Venezolano 82

Carlos Medina - Escultor Venezolano 83

Carlos Mendoza - Escultor Venezolano 84

Carlos Cruz Diez - Artista Venezolano 85

Blanca Capecchi - Pintora & Dise単adora Venezolana 86

Edgar Guinand - Escultor Venezolano 87

Esteban Castillo - Pintor Venezolano 88

Gaudí Esté - Escultora Venezolana 89

Tito Graffe Photographs Without Borders

Milton Becerra y Gaudi EstĂŠ - Artistas Venezolanos

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Henry BermĂşdez - Pintor Venezolano 91

Ismael Mundaray - Pintor Venezolano 92

John Moore - Dise単ador Venezolano 93

Jorge Blanco - Escultor Venezolano 94

JosĂŠ Campos Biscardi - Pintor Venezolano 95

Julio Pacheco Rivas - Pintor Venezolano & Esposa 96

Nelson Valera & Carlos Mendoza - Escultores Venezolanos 97

Pavel Bastidas - Pintor /Fotografo Venezolano 98

Carlos Germรกn Rojas & Pedro Terรกn - Artistas Venezolanos 99

Rafael De Pool - Pintor Venezolano 100

Jorge SeguĂ­ - Pintor /Escultor argentino/venezolano 101

Vasco Szinetar - Fot贸grafo Venezolano 102

Jorge Vall - Fot贸grafo Venezolano 103

Edgar GutiĂŠrrez - Pintor Venezolano 104

Humberto Cazorla - Escultor Venezolano 105

Luis Lizardo - Pintor Venezolano 106

Alirio Infante & J.J. Moros - Artistas Venezolanos 107

Lenin Ovalles - Pintor Venezolano & Esposa 108

Luis Barreto - Pintor Venezolano 109

Studio Art Centers International (SACI) anuncia el PREMIO FERIA INTERNACIONAL DE ARTE SACI 2015.

Se invita a los artistas de cualquier edad, estudiantes y profesionales, de todo el mundo a presentar su trabajo en cualquier medio y tema. Las obras serán juzgadas por los miembros del Consejo Artistas SACI .

FECHA LÍMITE: 15 de diciembre 2014

PREMIOS PRIMER PREMIO: El artista ganador seleccionado se le otorgará la oportunidad de una exposición individual en laGalería SACI en el histórico de SACI Palazzo dei Cartelloni . en Florencia, Italia en julio de 2015 la exposición del ganador será presentado en el sitio web de SACI: www.saci-Florencia. edu , en los medios de comunicación social y publicidad a la comunidad internacional, así como a la prensa local.

SEGUNDO PREMIO: Un finalista será seleccionado de acuerdo con la votación popular a través de los medios de comunicación social. Este artista se presentará en el Blog SACI Art: SACI-art.com .

INFORMACIÓN SOBRE LA APLICACIÓN La sumisión es GRATIS Enviar diez (10) imágenes de un cuerpo coherente de trabajo para gallery@saci-florence.edu Asunto del correo electrónico debe leer: SACI PREMIO PRESENTACIÓN Formatos de imagen aceptados: JPG, PDF, GIF, TIFF Imágenes no mayores de 1000 píxeles en cualquier dirección, no menor de 500px Las imágenes deben estar en 72 dpi de resolución Incluya su enlace web si vitae aplicable y su artista currículo (CV) en formato Word o PDF Igual que la página SACI Fan en Facebook: http://www.facebook.com/SACIFlorenceArt Un (1) imagen de su trabajo aprobado se añadirá a la SACI Fan Page álbum de fotos relacionada Comparte tu foto del álbum SACI Fan Page en su perfil de Facebook Invita a tus amigos a gustar el SACI Fan Page y al igual que su imagen de la página (uno como = un voto)

CALENDARIO 15 de diciembre 2014 - Fecha límite para la presentación de 15 de diciembre 2014 - voto del público en línea cierra UTC 17:00 + 1 (zona horaria de Europa central) 30 de enero 2015 - Los ganadores del premio serán anunciados en formato digital en las redes sociales 2 hasta 30 jul, 2015 - Exposición individual en la Galería SACI, Palazzo dei Cartelloni, Florencia, Italia 110

DETALLES DE COMPETENCIA No hay cuota de solicitud para la presentación de obras de arte.

Tras la recepción de su envío, usted recibirá un correo electrónico de confirmación.

Sólo los ganadores serán notificados por correo electrónico.

El ganador del Primer Premio debe ser capaz de exponer su / su trabajo 02 al 30 julio, 2015 y seguir las pautas y procedimientos de exposición SACI Galería.

La Galería de SACI puede tener ciertas limitaciones a los tipos de requisitos de instalación.

SACI ofrece una recepción de exposición abierta al público, la publicidad digital, y la cobertura de prensa.

SACI es una organización sin fines de lucro, y no comercializa ni vende obras de arte. Cualquier potencial de ventas de obras de arte deben ser manejados por el artista; SACI no toma ninguna comisión.

El ganador del Primer Premio no está obligado a estar presente en la exposición, sin embargo, de 2 vías de envío / entrega de obras de arte es la plena responsabilidad del artista.

SACI no es responsable de los gastos relacionados con el envío / entrega de obra, tasas de aduanas internacionales, gastos de viaje, alojamiento, enmarcado arte, impresión, o un seguro. Las obras deben ser "listo para mostrar."

TÉRMINOS Y CONDICIONES El objeto y medio está abierto a la discreción de cada artista, sin embargo, no serán consideradas las presentaciones de la naturaleza potencialmente ofensivo en cualquier forma relacionada con el origen étnico, la religión, la sexualidad, discapacidad, o similar.

SACI se reserva el derecho de confirmar la decisión final del Jurado, y para moderar y verificar el voto del público final para determinar los ganadores.

La participación en el concurso implica la aceptación y la delegación a SACI para promover y publicar los proyectos enviados, en las formas más adecuadas y convenientes, tanto por la impresión y la publicación en Internet.

La propiedad de presentaciones: Los proyectos presentados al Jurado serán propiedad de los artistas; ningún deseo de utilizar los proyectos será comunicada explícitamente por primera vez al artista (s) para el permiso y con el crédito.

Los solicitantes garantizan que la presentación de entrada es la obra original del artista y, como tal, el artista es el titular único y exclusivo propietario y los derechos de la obra presentada, y que el sometimiento de las partes tiene el derecho de presentar la obra para la exposición y donación todas las licencias requeridas. Cada participante se compromete a no presentar ninguna entrada que (1) infringe los derechos de terceros de propiedad, derechos de propiedad intelectual, los derechos de propiedad industrial, derechos personales o morales o cualquier otro derecho, incluyendo, sin limitación, derechos de autor, marca registrada, patente, secreto comercial, privacidad , las obligaciones de publicidad, o de confidencialidad; y (2) de otro modo viola el estado, federales, provinciales o locales.

Aceptación de las Reglas de Competición: La participación en el concurso supone la total aceptación de estas bases y supone asimismo el consentimiento sin reservas a los datos personales puedan ser mantenidos y utilizados de conformidad con las leyes de "privacidad" que prevalece.

Para obtener más información, consulte el sitio web de SACI: www.saci-florence.edu Para cualquier consulta, póngase en contacto con la Galería SACI: gallery@saci-florence.edu Studio Art Centers Internacional Palazzo dei Cartelloni - Via Sant'Antonino 11 50123 Firenze ITALIA www.saci-florence.edu T (+39) 055 289 948 | F (+39) 055 2776408

Fundada en 1975, los Centros de Estudio de Arte Internacional (SACI) es una organización sin fines de lucro 501 c (3) institución de nivel universitario de Estados Unidos en Florencia, Italia, que ofrece a los estudiantes de pregrado y posgrado arte de estudio, diseño, conservación y enseñanza de artes liberales plenamente acreditada. Programas de estudio de SACI incluyen: Año Académico en el Extranjero, Semestre Académico en el Extranjero, 2 años MFA Licenciatura en Fotografía, 2 años MFA Licenciatura en Arte de Estudio, Post-Bachillerato Certificado año en el extranjero, y Estudios de verano.

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John Michel Carri贸n Photographs Without Borders 112

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Autor: Francisco “Chino” Hung

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Edici贸n especial - diciembre 2014 - Issue 8

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Claudia Puello - Artista Colombiana

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