Artclub magazine nº 7 by ArtClub magazine

Issue

Ricardo Bรกez Duarte Photographs Without Borders 3

Contenido

Arturo Carrión Presenta Khromakinesis María Eugenia Manrique La espiritualidad en el arte Edgar Gutiérrez New Paintings José Coronel Poética de lo invisible Jorge Seguí La humanidad en la escultura Jean-Michel Basquiat Eugenio López El coleccionista Edgar Cherubini Las pinturas invisibles Rafael Martínez Geometría escultórica Francisco Bugallo La pasión por la apropiación Aleah Chapín La pintora que retrata a las musas Liu Susiraja Sin filtros ni postureo Los abuelos tatuados Blanca Capecchi Del diseño grafico a la vitrofusión Ricardo Báez Duarte La fotografía como lenguaje expresivo

Colaboradores:

Roberto Guevara Zoilo Abel Rodríguez María Eugenia Manrique

Jorge Seguí Quadrant gallery Israel Sotillo José Gregorio Noroño Luna Miguel Larry Warsh Raquel Azpiroz Arturo Carrión Edgar Cherubini Alba Muñoz Tito Graffe Betty Pink Bartus Bartolomes Leticia García Ángel HM Fotografías: Betty Pink Tito Graffe Ricardo Báez Duarte José Coronel Jorge Seguí Blanca Capecchi Marcel Cifuentes Liu Susiraja John Michel Carrión Google images Arturo Carrión

ARTCLUB magazine - Issue 7 page

La mejor información en el acontecer del arte internacional, Exposiciones, Ferias de arte, Concursos, Arte emergente, Artistas consagrados, Entrevistas, Biografías, Escritores, Curadores, Galeristas, Museógrafos, Fotógrafos, Videastas.

Publicación bimensual Google images 6

Arturo ArturoCarrión Carrión Después de 18 años de ausencia, regresa a Venezuela con la muestra “KhromaKinesis”, que será inaugurada en el Centro cultural “Aldemaro Romero” de San Diego - Valencia Fecha: Sábado 22 de noviembre 2014 Hora: 5:30 p.m. 8

Tan revelador como este ascendente, es la permanencia en todas las grandes culturas de los procesos constructivistas, como parte de la vida común, en medios tan disimiles como la tapicería, la arquitectura, la cerámica y la pintura. Los pueblos de Africa dan un uso particularmente vigoroso a la definición abstracta, por ejemplo en la decoración mural de las fachadas, en secuencias claramente coherentes y destinadas a un fin celebratorio o de exaltación. Auguste Herbin (Francia, 1882/1960) aprovecha a fondo este dinamismo y de paso capta su sentido vitalista, más que el sentido formalista de otras experiencias europeas. El trabajo del venezolano Arturo Carrión (Maturin, 1953) ha sido consecuente en la exploración del universo abstracto en dos y tres dimensiones, con un principio orientador que parte, según un texto del artista, del principio de que “el arte se basta a sí mismo” y tiene un carácter realista para representar la síntesis vital que el hombre procura y alza como testimonio de su acción en la tierra. Encontramos así una posición alternativa. El realismo que buscaban en los grandes pioneros como Naum Gabò (1890/1977) que formula en su “manifiesto realista” la necesidad de dejar atrás los “ritmos hieráticos” y dar al arte la vida y el movimiento verdadero. Carrion aprovecha la flexibilidad de la estructura en las obras bidimensionales, tratando la mayor parte de las veces de apoyarse en un color fuerte, contrastado, provocador de una lectura igualmente rítmica. En las obras desplegadas en el espacio, la incorporación del color es un recurso oportuno para acentuar el juego de las formas y volúmenes; sin contar que también aprovecha el movimiento libre, real, de las partes. La obra es un programa constructivo, en el cual el artista procura añadir los elementos cromáticos y formales necesarios para crear procesos que revelen una condición de exaltación, una suerte de festejo de lo viviente y de la belleza propia del arte de crear.

Roberto Guevara Crítico de arte – Venezuela – Marzo 1987

Arturo Carrión es un monaguense prestado al arte universal. Nacido en Maturín el 15 de diciembre de 1953, Venezuela, cursó estudios de formación artística, pintura y escultura, en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas de Caracas, de la cual egresó en 1976. Estudió Expresión Corporal en el Ateneo de Caracas; Visión y Color, en el IVIC (por convenio con la EAP Cristóbal Rojas); Historia de la Pintura Venezolana, en la UCV, y Comunicación Audiovisual en la Universidad Simón Bolívar. Polifacético de las artes visuales, sobresale como fotógrafo, diseñador gráfico, diseñador audiovisual, creador de dibujos animados para televisión, productor de televisión educativa y realizador de vídeos y de trabajos experimentales en cine súper ocho. Es también diseñador de páginas web y de comercio electrónico. Se considera, sin embargo, esencialmente pintor, escultor y Videasta. Ha sido profesor de dibujo y pintura, escultura, diseño gráfico, artes gráficas, aerógrafo e Historia del Arte Contemporáneo. Trabajó en el Instituto de diseño Neumann de Caracas, la Escuela de artes visuales Cristóbal Rojas, Universidad Simón Bolívar, Atelier de Pintores, Instituto de Diseño Villasmil de León (Caracas). Entre sus actividades resaltan la fundación de 7 grupos de arte en la red y la creación del proyecto HABIT/ arte, de cuya fundación es actualmente presidente. Antes, en Venezuela, fue asesor de imagen de Proyectos Fundarte (1997-98). Ha realizado más de 20 muestras individuales y participado en más de 300 exposiciones colectivas. Su obra está representada en museos, galerías -públicas y privadas- e instituciones, lo mismo que en colecciones privadas, tanto en Venezuela como en Canadá, España, Colombia, Bélgica, EE.UU., Italia, Inglaterra, Francia, Suecia, Alemania, Checoslovaquia, Portugal, Puerto Rico, Argentina, Chile y Costa Rica. En Venezuela destaca su presencia en la Galería de Arte Nacional (GAN) y en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas (MACSI). Ha sido merecedor de diversidad de premios y reconocimientos, y en el año 2001 fue el representante venezolano en el "Euro-Art 2001" en Barcelona, España. Desde el año 2000 está radicado en Europa, donde desarrolla su obra, participando en variadas exposiciones tanto colectivas, ferias de arte y exposiciones individuales. Básicamente ha residido en España, Barcelona y Madrid. Actualmente reside (2011) en Santiago de Compostela, donde tiene su atelier. Con desplazamiento a otros países europeos con temporadas en Londres, Berlín, Múnich, Núremberg, París, Salzburgo, Oporto y Lisboa. Desde su llegada a Europa, Carrión ha desarrollado y ejecutado diversas tareas, todas relacionadas con el arte. De 2002 al 2007 fue Director - Curador de los proyectos expositivos de ARTSIL gallery de Santiago de Compostela, creador y editor de los "Plaquettes", pequeños libros de colección y edición limitada, firmados y seriados por sus autores, elaborados artesanalmente. Desde el año 2009, Carrión empezó a desarrollar un proyecto multimedia sobre el arte contemporáneo venezolano y sus más representativos exponentes, denominado VANproject o Venezuela Art Notebook.

Venezuela Art Notebook es un proyecto a corto, mediano y largo plazo en su ejecución. Nuestro país (dice Carrión), carece de una memoria o compendio historiográfico sobre el arte contemporáneo venezolano conceptuado como banco de datos; toda la información que podamos necesitar en la actualidad está dispersa en una diáspora de micro-documentos contenidos en catálogos, notas o artículos de prensa, algunos libros de difícil localización, revistas especializadas o en diccionarios de arte venezolano lamentablemente muy desactualizados, como el relativamente escaso material digital en la red referido al tema. Este proyecto de difusión y promoción del arte contemporáneo venezolano, lo inicio a mediados de 2009; con la premisa de aglutinar toda la información referida en un contexto digital de fácil uso y manejo. Lo bosquejó como una gran obra de comunicación digital, tanto desde el hecho productivo o de realización, como de interacción con los entes y elementos que lo componen. Es un gran collage de nuestra historia reciente del arte venezolano que debe trascender fronteras internacionales; Será una importante herramienta de información cultural para las nuevas generaciones que transitan y traspasan los límites geográficos utilizando los nuevos parámetros de la comunicación a través de la red, en este concierto que denominamos Aldea Global. VAN Project, gravita en crear un banco biográfico digital sobre el arte contemporáneo Venezolano a partir de la década del 50 hasta la actualidad. Todo el proceso de producción, edición y realización de estos micro documentales, que alcanzan entre 20 / 25 minutos de duración, los elabora con la colaboración de cada autor convocado, enviando estos, el material requerido por el proyecto. Todo estos componentes (Vídeos, audio, imágenes, entrevistas, etc.), lo recibe en formato digital a través de la red, lo cual se a convertido en una experiencia enriquecedora de comunicación humana, valiéndose de las nuevas tecnologías que ofrece la red tanto para el autor como los implicados en el mismo, dista el recorrido físico que separa a Carrión de los artistas involucrados; él reside actualmente en España y los artistas, básicamente en su país de origen Venezuela, en otros países europeos o Norteamérica. En la fase de pre - producción se han valido de todos los medios disponibles en la red, vale decir correos electrónicos, Messenger, talk, portales de depósitos digitales, YouTube, vimeo, Facebook, etc. Esta primera Fase se inaugura en Venezuela a finales de 2015. Posteriormente continuará el crecimiento y fortalecimiento del proyecto con la fase II, la cual se inaugurará a mediados de 2016 donde hay un importante grupo de artistas preseleccionados del arte contemporáneo venezolano. El proyecto "VAN" se asienta en desarrollar Cortos-Documentales en formato digital, de 25 minutos sobre cada artista convocado, de esta manera se irá nutriendo "Venezuela Art Notebook". En el mismo, trata Carrión de exhibir y difundir los creadores contemporáneos venezolanos más representativos en sus distintas y diversas manifestaciones: Artes Plásticas, Crítica y Curaduría, fotografía, cine, vídeo, danza, música, teatro, Diseño y arquitectura. 13

En resumen, es desarrollar cuadernos biográficos digitales, contenidos en formato DVD, como también a través de la red en su propio portal Web, donde podrán ser visionados. Cuando se inaugure la 1ª Fase de este proyecto, que será con los creadores que aparecen en los folleto informativos y los video-promo que estarán disponibles en el blog del mismo, www.venezuelartnotebook.blogspot.com, Facebook y YouTube, irá acompañada con una importante exposición colectiva de los artistas incluidos en este propósito y así sucesivamente en cada nueva etapa del mismo que se inaugure. Este es el concepto de "Venezuela Art Notebook" o VANproject, creado y producido por Arturo Carrión Arturo Carrión no es sólo un "hacedor", es también un pensador de su relación estética con el ethos. Y en ese sentido, él mismo explica su obra haciéndonos ver que en la observación de lo cotidiano que nos entorna, y de su correlato con la memoria en que habitan nuestros atavismos, subyace, en alquimia que sólo en el arte es posible, lo que fusiona las "realidades" evocadoras de lo mítico, con las realidades -muchas veces opresivas- del entorno contemporáneo. "La relación comunicativa existe desde la entelequia -afirma Carrión-. Es una necesidad pragmática y racional. El Ser asume el desarrollo de expresiones que van desde lo corpóreo hasta la cibernética; busca transmitir el desarrollo de sus abstracciones de enunciados para mutarse en un ámbito ajeno e incontrolable, pero que intuitivamente logra operar". De tal noción conceptual y de tal praxis, surge la obra que desde hace algún tiempo trajina Carrión. "En ésta -dice él- trato de conjugar codificaciones conscientes del lenguaje de nuestro tiempo con hitos inconscientes, de características arquetipales, que dominan la memoria atávica. Intento con ello, a través de la plástica, recrear vivencias que se traduzcan en visiones corpóreas y que revelen al contexto real comunicativo tanto lo formal como lo inconsciente del ser". El artista actualmente está representado por la B2B art Gallery de New York, donde expuso en julio de 2010 en la muestra "Khromatone", teniendo presencia online en galerías virtuales como: saatchi online, Arte Lista, Artfine América, virtual gallery y muchas otras que se consiguen a través de los buscadores en la red, como también en su website oficial www.arturocarrion.com. Trabaja actualmente en el proyecto "Khromakinesis" (multimedia), sobre alternativas plásticas en que el contemplador interactúa dinámicamente con la obra. Para ello utiliza recursos como el vídeo, la fotografía digital, la pintura, la escultura, el dibujo, la impresión digitalizada (Gicleé) y la imagen virtual. Arturo Carrión actualmente reside entre Santiago de Compostela y La isla de Tenerife, España. Zoilo Abel Rodríguez - F ebrero 2011

En la caligrafía los trazos que se despliegan sobre el papel, materializan el tiempo a través del ritmo interno y el movimiento vital de quien guía el pincel. A pocos días de la exposición, desde mi estudio… es una alegría compartir con ustedes esos momentos en que van surgiendo las Palabras con Corazón Corazón.

Signaltures de Edgar Gutiérrez by Jorge Seguí Con respecto a este cambio, el escultor Jorge Seguí me comenta “Creo que si éste es el resultado de las incomprensiones, altibajos y decepciones por las que solemos pasar los artistas, creo que has canalizado bien toda esa energía que hay en tu obra, por eso dicen; "que lo que sucede conviene”, a veces las malas se convierten (con talento) en buenas. Es una abstracción diferente, rica en textura y color, siendo yo de un "bando" diferente encuentro en esta obra mucha fuerza y enfoques diferentes pero con la misma carga, con la misma impronta. Si tuviera que decirte algo más te diría que has encontrado como una suerte de veta de oro, que bien vale la pena el abandono de otras manifestaciones anteriores por este nuevo lenguaje” 23

Callao de Lima 14 Santa Cruz de Tenerife

(+34) 822 17 47 90 / 685 833 220 25

José

Coronel Poética de lo invisible 26

Quien vio Recreando lo visual estará a merced de la lógica del ojo, podrá prolongar la vibración de los colores, sabrá detallar en la textura y la transparencia, las diferentes superposiciones y hasta la más estrecha mancha, ya que la mente del observador entra en juego activa e ineludiblemente al recorrer con los cien ojos la obra. Y allí está, ese es el instante cuando se produce el prodigio: El espectador queda enredado en el indeclinable encanto de su invención. Siempre la secreta unidad de la obra estará, si se quiere, en el cuadro mismo, en este caso, en todos y cada uno de los trabajos que conforman esta muestra de José Coronel, Israel Sotillo Locutor / Periodista - Valencia 21 de Mayo 2014

Poética de lo invisible

Recapitulando lo indicado en otro texto de mi autoría, Coronel parece orientar la poética de su produc-

Después del viaje que José Coronel realiza a Euro-

ción visual hacia la exploración de lo invisible, de lo

pa, entre 2011 y 2012, se advierte en él, aún más

que reposa en el fondo, en lo más recóndito de la

que nunca, una acentuada y enérgica voluntad de

materia y de la mente humana, creando así una ico-

crear. El contacto directo con las obras de los gran-

nografía abstracta con la que intenta hacer visible

des maestros del arte universal lo impresionaron de

las inimaginables e ilimitadas formas de la materia y

tal modo que en su actual producción se advierte el

de la mente, según su experiencia subjetiva, su ima-

impacto que esa experiencia causó en él. Por ejem-

ginación y creatividad, para lo que opera con un len-

plo, los extraordinarios grabados (Carceri d'Invenzio-

guaje plástico, cuyo recurso expresivo lo conforman

ne) del arquitecto y grabador italiano del siglo XVIII,

el color, el movimiento, la luz y las transparencias; la

Giovanni Battista Piranesi, indujeron a este artista

vitalidad y la fuerza del trazo. Es pertinente acotar

venezolano a concebir algunas pinturas de gran for-

que en la obra de Coronel influye mucho, de igual

mato en las que prescinde de su particular policro-

modo, el sonido que viaja por el espacio, concreta-

mía, pero conservando su estilo abstracto de vital

mente la música de Pink Floyd, Emerson Lake and

lirismo. En estos trabajos, inspirados en Piranesi,

Palmer, Yes y King Crimson, armonías que ambien-

prevalecen el negro, el blanco, los grises y azules.

tan su taller; enriquecen su imaginación y sensibili-

Desde su abstracta poética visual Coronel metafori-

dad mientras concibe su obra. Este componente, el

za las imaginarias cárceles de Piranesi caracteriza-

sonido, no solo habita su espacio creativo, sino que

das por oscuros pasadizos, inclinadas escaleras,

está implícito en su obra. Como él manifiesta, su

espacios de increíbles alturas y extrañas galerías

obra es sonido, luz y color. Manchas y trazos que

que no conducen a ningún lugar. Claro está que es-

expresan sentimientos, emociones, angustias, pero

to responde a una curiosidad estética articulada a

también equilibrio. En su obra, la oscuridad, el mun-

una necesidad expresiva. Como todo auténtico crea-

do interior del ser y las cosas se transforman en luz

dor, Coronel, desde su excepcional sensibilidad, se

y sonidos policromados, y el color no solo se hace

propone transformar sus experiencias de vida, ideas

perceptible, visible, sino audible. En fin, Coronel nos

y sentimientos en obras de arte.

muestra aquello que está más allá de la mera apa-

Orientado en su permanente búsqueda, en su incansable viaje hacia el fondo oscuro y misterioso del ser (su psiquis), y la esencia de las cosas (su alma) como un «viaje al centro de la tierra» o al «lado oscuro de la luna»-, continuamos viendo a Coronel,

riencia de las cosas. Podemos decir que su proceso creativo es así, entonces, una forma de incursionar en otra realidad puramente espiritual, mística y sagrada. Es una suerte de viaje a la vida interior; de unión entre lo humano y lo divino.

con más ímpetu que antes, resuelto a iluminar, a través del arte, el insondable mundo interior; sacar a

José Gregorio Noroño

la superficie, con una radiante transparencia cargada de luz y color, la esencia del microcosmos y del macrocosmos, develar el lado oculto de la realidad,

Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA). Capitulo Venezuela. Julio, 2014.

al punto de deslumbrarnos hasta la alucinación.

Jorge

SeguĂ

La humanidad en la escultura 32

Jorge Seguí nace y estudia en la Argentina. Viaja a España para ampliar sus estudios; pronto expone en Perú, Ecuador, Colombia y Venezuela. Vive y trabaja en Venezuela durante 20 años. Hace cinco años fijó su residencia a Miami. Ha recibido reconocimientos internacionales importantes, y él está presente en ferias importantes del arte. Se representa en las colecciones privadas en Europa, Latino América y los Estados Unidos, así como en galerías y museos reconocidos de la Florida. Jorge Seguí desarrolla una compleja imaginería, producto de sus investigaciones filosóficas en la humanidad. Sus esculturas levantan ser ideal y fenomenal, encarnación de la cosa masculina y de la cosa femenina en uno desarrolla los arquetipos universales mitológicos de la mujer y del hombre en un sentido genérico. Sus héroes falsos de la serie desarrollados totalmente en Miami son un ensamblaje donde predominan los torsos de dos figuras sin la cara ni la clase, que se duplican simbólicamente en dos facetas. Montan en un caballo duplicado igualmente en dos cabezas y dos ancas. Es un ser desdoblado que se refleja sobre sí mismo. Jorge Seguí domina el hundimiento de las caras como el símbolo de la máscara, elemento obsesivo en los trabajos del artista.

a e J

l e h c i M n

Basquiat

Basquiat’s unseen notebooks come to Brooklyn The journals, never shown before, reveal the artist’s deliberate use of words and images by Larry

Warsh

- 03 November 2014

Eight notebooks used by the artist Jean-Michel Basquiat that have never before been shown in public are due to go on view at the Brooklyn Museum in April. “Basquiat: The Unknown Notebooks” (3 April-23 August 2015) includes 160 unbound pages from journals the artist filled with sketches and notes between 1980 and 1987. The notebooks come from the collection of Larry Warsh, and another 30 drawings and paintings from other collections will be shown as well. Tricia Laughlin Bloom, who co-organised the show with the scholar Dieter Buchhart, says the exhibition reveals a side of the artist that tends to be glossed over by the traditional narrative. “So much attention is given to him as a Neo-expressionist painter, but there’s another piece, and something else was driving him, which was his social conscience, his love of language, and his desire to get a message across,” she says. “One of his strategies is to compress a lot of meaning into a single image or word, and the notebooks really bring that out.” In his journals, Basquiat would sketch only on the right-hand page, leaving the left side blank. Sometimes, he would write down only a single word. “It was a very conscious decision,” Bloom says. “Everybody has grocery lists and wish lists, but he treated these very carefully. He wanted to give the words some space.” Basquiat used the notebooks to test many of the forms that later made their way into his paintings. In the earliest notebooks, from 1980 and 1981, he drew pictures of skulls, crowns and tepees, all of which can be found in later works. “It feels like you’re looking at his thought process in the notebooks,” Bloom says. “In some instances, the notebook entries function as independent works of poetry or conceptual art; and in others they relate directly to larger works in terms of subject and formal strategies.” Overall, the journals reveal the artist’s wide-ranging interests, though his allusions are not always obvious. “Like many artists, I think he enjoyed mixing the factual with the non-factual,” Bloom says. “He has these extended surreal narratives, and it’s a bit of a puzzle to pin down if he’s referencing something specific, or if he’s speaking more generally.” 36

Jean-Michel Basquiat, Untitled, 1986. Photo: Collection of Larry Warsh. Copyright ÂŠ Estate of JeanMichel Basquiat, all rights reserved. Licensed by Artestar, New York. By Gavin Ashworth, Brooklyn Museum 38

Eugenio López El coleccionista de arte más importante de América Latina 42

Por Raquel Azpiroz Arquitecta con marcada debilidad por Goethe, Mies van der Rohe y Jostein Gaarder. Tras las bambalinas de Forbes Life busca historias únicas para contarlas desde una perspectiva audaz e inédita.

Es el coleccionista de arte más importante de América Latina, con un acervo de más de 2,000 piezas. El heredero de uno de los imperios empresariales mexicanos más importantes afirma que la promoción del arte genera dividendos, pero, sobre todo, una incomparable felicidad. “Do I hear 107 million dollars? 107 million dollars there. Anybody else? No? For the historic sum of 107 million dollars. Sold!” La emoción podía palparse con los dedos. Doce minutos bastaron para que un golpe de martillo determinara el curso de una compra millonaria. Era 2012 y El grito(1895), la obra maestra de Edvard Munch, fue vendida en 107 millones de dólares (mdd), colocándose así como la obra más cara jamás licitada en la casa de subastas Sotheby’s (al inicio de la puja, ésta se tasaba en 40 mdd). Esa misma adrenalina que fluyó a raudales por las venas de los coleccionistas fue la que sintió Eugenio López cuando asistió a su primera subasta en Sotheby’s. “Recuerdo que quedé paralizado por la energía de la escena y la velocidad con la que una obra subía de precio en una marea de manos a la alza. Pensé: ‘Si alguien va a pagar esa cantidad de dinero, tiene que haber algo.’ Nunca olvidaré ese momento. Me dije: ‘Esto es serio, tienes que aprenderlo muy bien.’” Y, como del dicho al hecho hay un paso, Eugenio desembolsó 80 mdd de la fortuna familiar para construir la Colección Jumex, el acervo privado de arte más grande de América Latina que aglutina alrededor de 2,000 piezas, incluyendo a muchos de los maestros americanos y europeos, desde Cy Twombly a Jeff Koons o Damien Hirst. “El Medici mexicano” es heredero de Eugenio López Rodea, fundador de Jumex, una de las compañías productoras de jugos más grande de América Latina, que exporta a más de 15 países y registra ventas anuales que superan los 1,000 mdd. “Los artistas se han vuelto un bono canjeable”, afirma Eugenio López, en entrevista con Forbes México. 43

Es uno de los grandes mecenas de nuestro tiempo Así es como Jeffrey Deitch, ex director del Museo de Arte Contemporáneo (MOCA) de Los Ángeles y del New Museum de Nueva York, define a Eugenio. Algo hay de razón en ello: en 1994 abrió la Chac Mool Gallery en Los Ángeles, donde impulsaba a artistas de América Latina; después pasó a formar parte de la junta directiva del MOCA, donde también fungió como vicepresidente en 2013. Para educar el ojo, Eugenio supo que debía viajar. La galería Saatchi, en Londres, le inspiró, dado que era un espacio de dimensiones industriales; un ambiente que le recordaba la fábrica de Jumex. Para entonces, sus hábitos de compra empezaban a tomar un toque poco común, ya que no mostró interés por muralistas mexicanos como David Alfaro Siqueiros o Diego Rivera. Su pulso, en cambio, se aceleraba observando a artistas como Damián Ortega (1967), autor de Cosmic Thing (2002), un Volkswagen escarabajo de 1976 desensamblado que parece explotar en el aire perpetuamente, pieza por la que pagó 500,000 dólares. “Un artista es aquel que hace lo que realmente quiere hacer, en cualquier sentido”, sentencia Eugenio, quien reconoce que el mercado del arte no es una ciencia exacta, sino todo lo contrario: “Hay artistas que se van a precios estratosféricos en una subasta. ¿Qué los sostiene? Sólo dos personas que compiten ferozmente por una pieza. Como sea, no puedes quitarle el valor monetario a una obra, ya que sin éste no vive la galería ni el curador, y no trasciende el arte.”

Eugenio hizo su adquisición más inteligente a principios de la década de 1990, cuando compró la obra del artista conceptual mexicano Gabriel Orozco (1962). Poco después, la carrera de Orozco despegó. ¿Casualidad o visión? Hoy podemos encontrar una impresión digital del artista, firmada y fechada, en Morton Casa de Subastas en México, por 150,000 pesos. “Me considero coleccionista pero debo pensar como un empresario”, sostiene Eugenio. “Debo tomar decisiones inteligentes y estar atento a lo que está sucediendo en los negocios. Cuando gastas mucho dinero en una subasta, tienes que asegurarte que no estás tirando la fortuna a la basura. No me gusta el riesgo y no me endeudo. Tampoco acepto préstamos de casas de subastas.” Digamos entonces que no estamos necesariamente frente a un inversionista de alto riesgo: compra porque le gusta la obra, y luego mira el nombre. Aunque es reacio a dar números, afirma que lo que ha invertido en arte, lo ha triplicado. “La clave de un buen coleccionista es el amor. El dinero no te asegura tener buena colección. Yo no pongo mi dinero en cosas que no entiendo.”

Jumex es una empresa 100% Mexicana y es considerada como la segunda empresa más importante en su segmento (jugos y néctares) en el país. Algo caracteriza al sector en el que se desenvuelve: la ferocidad de sus competidores, tomando en cuenta los atractivos niveles de rentabilidad y grandes oportunidades de crecimiento que ofrece este mercado. De acuerdo con datos de Euromonitor, al cierre de 2013 el mercado de jugos y néctares en México está liderado por tres grandes jugadores, mismos que representan 43% del volumen de ventas del mercado. En primer lugar está Jugos del Valle, con 15% del volumen del mercado, empresa que en noviembre de 2007 fue adquirida por un grupo de embotelladores del Sistema Coca- Cola en México, y The Coca Cola Co., lo que potenció la marca a nivel nacional al contar con una amplia red de distribución. El segundo jugador es Jumex, con 14% de participación. En 2013, Jumex realizó una alianza con el grupo de embotelladores de PepsiCo, para comercializar Jumex Fresh, lo que le ha generado buenos resultados.

En tercer lugar se ubica Grupo Lala, empresa productora de leche que ha entrado a la categoría de jugos y que por su amplia red de distribución ha capturado 13% del mercado. Dadas las perspectivas del consumidor en México hacia productos más saludables, la expectativa de crecimiento para Jumex en México y en los mercados que participa pretende tasas de crecimiento de doble dígito. Las cifras de Euromonitor consideran que el mercado de jugos tendrá una tasa de crecimiento promedio de entre 4% y 5%, hasta alcanzar un volumen de 5.3 billones de litros en 2018. Al margen de las expectativas, Eugenio López —quien estuvo al frente del área de mercadotecnia de Jumex durante 11 años— prefirió dejar en manos de su primo Manuel Martínez la dirección del negocio, y asumir “en serio” la promoción del arte. “Llegué a un acuerdo con mi padre y ahora trabajamos juntos pero desde otra perspectiva, viéndolo como un negocio menos familiar.” Así, siguiendo los principios más elementales de la mercadotecnia (que, al final del día, buscan la multiplicación de las ventas), Eugenio tiene presente que su vinculación con el arte le aporta positivamente a su empresa, aunque también reconoce que ésta tiene que ser exitosa por sí misma. “[La colección] no va a traer ventas a Jumex. Sí es un complemento, pero no es un elemento lucrativo.” El Museo Jumex busca constantemente patrocinios y ofrece becas para ayudar a los creativos mexicanos, aunque no falta alguna que otra decepción cuando se descubre la picaresca juvenil que convierte las becas en unas vacaciones pagadas en Nueva York. Anécdotas aparte, Eugenio persiste en su voluntad de acercar las obras al público. “El arte contemporáneo crea interés en todos los niveles sociales. Mi gran acierto ha sido llamar la atención de gente de todo el mundo, que se interesa por la Colección Jumex. Hasta en la ciudad más remota hoy saben qué es la Colección Jumex.”

Cuál es la clave para proyectar a un artista? No comprándole su obra, a menos que haya un intermediario de por medio. Comprar directo del artista es lo peor que un coleccionista puede hacerle al propio artista, porque es una galería con músculo financiero y contactos la que lleva a un artista a ferias internacionales. Eugenio lo explica con una anécdota: “Hace tres años pasaba unos días en Londres, y cada día que volvía al hotel veía una galería que mostraba una exposición. Al final me di cuenta que era obra de Gabriel Guzmán. Entré a la galería y compré obra. Me preguntaron por qué compraba esa obra en Londres cuando la podía comprar en México. Muy simple: si no apoyo en Londres a un artista mexicano, el galerista no le dará espacio otra vez en un futuro.” Para Eugenio López, la cadena de valor del arte debe tomar en cuenta tres eslabones: al artista mismo —que debe ser reconocido por sus pares—, a los curadores de los museos —quienes llegan a rechazar precios desorbitados por algunas obras— y, finalmente, a la galería. Él encarna al tercer eslabón, y en ese papel celebra la primera exposición en América Latina de Cy Twombly, pintor estadounidense complejo incluso para los iniciados del arte del periodo de la posguerra. “No puedo creer que Cy esté entre las paredes de Jumex.” ¿Qué pinta el futuro? “La vida cambia en un abrir y cerrar de ojos. Si las cosas salen como uno espera y tomo decisiones inteligentes, espero que el museo tenga un gran patrimonio”, dice Eugenio. “Vivimos en países con una inestabilidad fluctuaria en la moneda, que influye a la hora de tomar decisiones, pero tenemos muchos proyectos en mente.” Entre sus planes está crear un fondo para que la aventura que inició quede en manos de “gente honrada”, que vele por el futuro de la Colección. “Para ser relevantes tenemos que traer cosas que no se hayan traído al país todavía y seguir apoyando a los jóvenes. Por ejemplo, hacer catálogos ¡es importantísimo! Hay que fijarse en las mejores plataformas existentes y seguir su ejemplo.”

En noviembre de 2013, a la inauguración del Museo Jumex asistieron 800 personas procedentes de todo el mundo. “Espero que esta semilla dé resultados. Si de aquí a 10 años traemos las exposiciones más relevantes del mundo y logramos atraer al público, entonces sabré que he hecho algo significativo. O si alguien becado por Jumex termina trabajando de curador en un museo de Berlín, podré sentirme satisfecho.” Eugenio se rebeló y decidió dedicar sus horas a visitar museos y galerías y no a pensar estrategias de marketing. Hoy, su persistencia y ojo para elegir a los artistas y obras adecuadas se manifiestan en un volumen de hormigón blanco que suscita comentarios en los círculos artísticos más respetados. Ahora, el consolidado mecenas tiene en mente construir la biblioteca Jumex en Polanco, en un lugar muy cercano al museo, para mostrar su acervo de catálogos de arte contemporáneo. “Por supuesto, estará abierta al público. Es muy importante dejar un legado.” 48

Museo JUMEX - México 49

Tito Graffe Photographs Without Borders ARTCLUB magazine - Issue 7 page

Es una trapacería, no hay otra palabra para definir a unos autodenominados “artistas”, fabricantes de desaguisados. Eso es lo que he visto en algunos stands de las últimas ferias de arte que he visitado, donde uno no sabe si está observando una exposición de decoradores, artesanos o bromistas. Muchas de las llamadas obras de arte e instalaciones “vanguardistas” o “posmodernas”, sin ningún discurso conceptual que las sostenga, no son otra cosa que trampas cazabobos instaladas por curadores y galeristas con muchas agallas y poco miedo al ridículo. Cuando Marcel Duchamp (1887-1968) cuestionó el academicismo en el arte y en 1917 expuso un urinario de porcelana que titulóFountain, bajo el concepto ready-made art, dio inicio, sin proponérselo, a que muchos otros se sintieran con licencia para matar el arte. Son vulgares imitadores de las obras de Duchamp, Ray, Picabia o del pop art de la década de los cincuenta, entre otras tendencias ya agotadas, que estos exponentes del disparate nos tratan de vender. Esto viene a cuento después de leer la noticia sobre una exposición en Nueva York de “pinturas invisibles” de una artista llamada Lana Newstrom. “El hecho de que usted no puede ver nada –declara la artista– no significa que no exista la obra, el arte es imaginación, por eso tienes que imaginar la pintura o escultura que se encuentra frente a ti”. La artista crea el “arte invisible” y los coleccionistas pagan miles de dólares por ellas, ha dicho su agente de ventas. Hay un viejo refrán popular que dice: “Donde hay un timador hay un incauto”.

Para dar una idea de las distorsiones del mercado global del arte, el cadáver de un tiburón sumergido en una pecera con formol del artista inglés Damien Hirst fue vendido en 8 millones de libras esterlinas (13 millones de dólares) por la galería londinense Saatchi, y es considerada por algunos “críticos” como una pieza importante del arte vanguardista. Lo mismo sucedió con la calavera del mismo autor, titulada For the Love of God, exhibida en importantes ferias de arte y vendida en 50 millones de libras esterlinas (80 millones de dólares). Estas piezas y sus exorbitantes precios forman parte de un mercado que contribuye al embrollo existente en galeristas, curadores, críticos, marchantes, coleccionistas y el público sobre lo que es o no es arte. Como lo manifiestan José Coria y Miguel Da Vila (…Watch the box!): “Ahora tenemos un entorno kitsch generalizado donde la pérdida de sentido de la realidad, la saturación de imágenes, la celebración de la frivolidad y el consumo materialista lo son todo. El concepto del arte se ha centrado plenamente en el culto a la personalidad (inculcado por los massmedia) de artistas seudomarginales, seudosubversivos que reciclan los desechos de la sociedad y le atribuyen un carácter simbólico y significativo, banalidad que resulta novedosa en un contexto donde los asideros a lo concreto escasean, donde al parecer el retrato de la sociedad contemporánea solo es posible a través de la falsificación”. La crítica estaba dirigida, entre otras, a la exposición del joven artista mexicano Gabriel Orozco en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), en 2010, que fue catalogado por la revista Art Now como “uno de los 81 creadores más influyentes de la actualidad”, refiriéndose a su obraCaja de zapatos vacía (1993), que antes había sido expuesta en la Bienal de Venecia, la Tate Modern de Londres, el Pompidou de París y el Reina Sofía de Madrid. Tan magnífica “obra” era ¡…una caja de zapatos vacía! Críticos de arte, periodistas culturales y curadores que convierten lo banal y nulo en vanguardia, no hacen otra cosa que invitar a la gente a vivir en el mundo de la estupidez. Como afirma Baudrillard, el “arte apuesta por esa incertidumbre, por la imposibilidad de un juicio de valor estético fundado, y especula con la culpa de los que no lo entienden, o no entendieron que ‘no había nada que entender’. Esta paranoia cómplice del arte hace que ya no haya juicio crítico posible, solo un reparto amistoso – necesariamente de comensales– de la nulidad”.

Obras de Damien Hirst

Si bien, el arte debe ser completamente libre por tratarse de un mecanismo de expresión del que dispone cualquier individuo, debe existir al menos una dosis de ética en el artista en relación con las obras que exhibe. Esto se desprende del estudio titulado: “¿Debe la sociedad tolerar todas las formas de arte?”, de la Universidad de Oxford, que cuestiona severamente el significado de Body Worlds,de Gunther von Hagen, exposición itinerante inaugurada en Londres en 2012 y actualmente en algunas ciudades de Estados Unidos. Se trata de la exhibición de una variedad de cuerpos y órganos humanos reales. En esta especie de morgue ambulante, promocionada como exposición artística, se observa, entre otros, el cadáver de una mujer embarazada y de su hijo por nacer dentro de su vientre, lo que motivó airadas protestas del público asistente y que fueron reseñadas en la publicación a la que hago referencia. Cuando alguien abusa de tu buena fe, intentando engañarte o hacerte perder el tiempo, en criollo uno dice que ese individuo te está “embromando”. En el caso de estos supuestos artistas, podríamos decir que están intentando “embromarte”. Son hilarantes las anécdotas sobre el “embromarte”. Se comenta que en una famosa galería de Nueva York, un visitante preguntó el nombre del artista y el título de la obra colgada en la pared de una exposición de “arte conceptual”, tratándose en realidad de la rejilla del sistema de ventilación que tenía incorporadas unas delgadas tiras de tela que oscilaban en el aire. En la FIAC de 2103 en París, un stand exhibía felpudos usados, eso sí, bellamente enmarcados. Uno de estos aún tenía restos de una plasta de perro, donde el “artista” muy probablemente había limpiado sus zapatos. Tuvieron mucha demanda pese a los altos precios. El paroxismo de esta confusión generalizada sobre lo que es el arte en la actualidad fue lo acaecido en la Feria Arco de Madrid, durante la pasada edición en febrero de 2013. Una noche, un vagabundo ingresó a hurtadillas al recinto y se echó en un rincón de una de las salas, donde improvisó su lecho con cartones, bolsas de basura y un saco de dormir con olores nauseabundos. A la mañana siguiente, luego de abrir las puertas de la feria, un coleccionista privado se dirigió a la administración con gran excitación, ofreciendo comprar una de las obras allí exhibidas. Cuando se dieron cuenta de que se trataba de un indigente durmiendo la mona, alguien con una justificada dosis de cinismo elaboró la ficha de dicha obra: “Técnica mixta sobre cartón: Hombre maloliente, orine y vino”.

Obras de Gunther von Hagen ARTCLUB magazine - Issue 7 page

El mercado del arte se ha globalizado convirtiéndose en un verdadero fenómeno financiero del XXI. Su desarrollo ha alcanzado proporciones colosales y engloba un portafolio multinacional de ferias, galerías, marchantes y coleccionistas. Solo para citar algunas cifras, en 2013 se registraron ventas globales de arte por 47,4 billones de euros (65.900 millones de dólares), según cifras del Tefaf Maastricht Art Market Report 2014, que incluye galerías, marchantes, subastas y ventas de antigüedades. De esta cifra, 11.500 millones de dólares correspondieron a ventas de arte en China, la nueva meca del mercado del arte. En todo el mundo, el público acude en masa a las ferias, museos y galerías. En París, suman más de 12 millones de visitantes a las exposiciones durante 2013. La Tate Modern London recibió a 4.747.537; el MoMA, a 2.672.761, y el Reina Sofía de Madrid, a 2.087.415. Un fenómeno nunca antes visto. Sin embargo, existe una gran confusión ante el “se vale todo” en el arte, lo que ha ocasionado una crisis de valoración estética aunada a una deslegitimación promovidas por un mercado voraz y muy eficaz en mercadear propuestas insulsas que invaden las ferias y galerías en la actualidad, donde críticos de arte en alianza con galeristas, grupos financieros y medios especializados persuaden a la gente desinformada de preferir lo falso a lo verdadero, lo insustancial a lo valioso, lo invisible a lo real. Este desconcierto está opacando los verdaderos discursos del arte contemporáneo, incluyendo el de jóvenes artistas con investigaciones y propuestas innovadoras.

Obras de Gabriel Orozco 59

Rafael

MartĂnez 60

Rafael Martínez (1940, San Fernando de Apure, edo. Apure) Pintor y escultor venezolano. Representante de la corriente constructivista activa en los años 70. Entre sus estudios resaltan los realizados en la Escuela de Artes Plásticas Rafael Monasterios, Maracay; Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena; Arte en la Universidad de Vincennes-Saint-Denis, París; Arte en la Graphic Center de Nueva York; Sociología del Arte en la Escuela Práctica de Altos Estudios, París. Con representación en: galería de arte Nacional, Museo Alejandro Otero y Fundación Celarg. 61

La obra de Bugallo, desde sus orígenes, se ha nutrido de la recreación y representación del arte del pasado: partiendo del principio de la fragmentación y la descontextualización de imágenes provenientes de aquél, el artista desarrolla un trabajo pictórico cuyo sorprendente impacto visual resulta subrayado por los amplios y en ocasiones descomunales formatos que utiliza. El procedimiento técnico que Bugallo ha empleado para desarrollar una gran parte de su obra se basa en el principio de apropiación de imágenes provenientes del legado histórico de la tradición, que reproduce con la fidelidad de un copista, para luego, literalmente, borrarla, mediante el retiro por frotación de la pintura antes aplicada, y a través de una controlada intervención de la superficie pictórica. En 1999, presenta en el MACCSI una instalación pictórica a partir de la La balsa de la Medusa de Théodore Géricault.

Bugallo

Francisco

Aleah Chapín La pintora que retrata a las musas que ya nadie quiere mirar La joven artista reproduce cuerpos de mujeres que pasan de los 60 años Por: Alba Muñoz, jueves 23 de octubre de 2014

La pintora que retrata a las musas que ya nadie quiere mirar La joven artista Aleah Chapin reproduce cuerpos de mujeres que pasan de los 60 Por: Alba Muñoz, jueves 23 de octubre de 2014

Tiene 28 años y se ha pasado los dos últimos estudiando las arrugas, las manchas de la dermis, la piel flácida. La artista estadounidense Aleah Chapin es famosa por sus pinturas realistas de mujeres desnudas. Pero lo que más caracteriza su trabajo es que sus modelos son féminas maduras que muestran sin tapujos lo que ahora se entiende por “cuerpos reales”: pechos caídos, canas. La vejez en todo su esplendor, y la belleza imperfecta contrariando los mandatos del Photoshop. Básicamente, Chapín fuerza al espectador a mirar los cuerpos de los que la sociedad huye: en la actualidad, la juventud es un valor supremo, las mujeres maduras se vuelven invisibles para la industria cultural y los medios de comunicación. La maternidad no debe, preferiblemente, dejar ningún rastro en el abdomen y la cirugía es el sueño al que sólo unas pocas pueden encomendarse en una desesperante cuenta atrás. El mensaje es claro y duro para las mujeres: a medida que envejeces, tu imagen se diluye, deja de representarse. No eres referente de nada más que de la vejez y de tus posibles parentescos: madre, tía, abuela. “La mayoría de las mujeres tienen problemas y no soy inmune a eso", comentaba Chapín a The Telegraph. “Se nos dice que nuestros cuerpos tienen que tener cierta altura, cierto tamaño y un peso determinado. Pero las imágenes que vemos son completamente irreales. Lo sabemos cuando nos fijamos en ellas en las revistas y, sin embargo, todavía las comparamos”.

Por ese motivo, esta joven se ha propuesto producir imágenes de todo tipo de cuerpos que, opina, necesitamos: “Debemos poder aceptar cada tamaño y forma”. Aunque la trayectoria de Chapin, que empezó con una serie de desnudos gigantes de las amigas de su madre, ha sido ampliamente reconocida, las críticas también se han hecho oír. En 2012, año en que ganó el BP Portrait Award de Londres, el crítico Brian Sewell calificó de “repelente y grotesca” su obra, algo que muchas personas piensan y pocas se atreven a decir. También algunas de las musas de la artista se sintieron afectadas al ver sus cuerpos, habitualmente ocultos o disimulados, en grandes dimensiones. Pese a que hay espectadoras que agradecen el trabajo de Chapin porque las hace sentir menos solas e imperfectas, otras se sienten deprimidas: “Es triste que tengamos que llegar a esos extremos para llamar la atención de mi generación. Para mí es simplemente demasiado. Me resulta muy difícil de mirar”, explicaba una visitante de una exposición a The Telegraph. Aleah Chapin no se ha dejado intimidar y su obra ha recorrido grandes museos de Estados Unidos, Alemania y Holanda. En sus cuadros siguen apareciendo mujeres mayores jugando, tocándose, amándose, comportándose de una forma liberadora que no se espera para su edad. Después de haber visto centenares de ellos, esta joven artista opina como muchos de los grandes artistas de la historia: “El cuerpo femenino es algo increíble para pintar”.

Marcel Cifuentes Photographs Without Borders 76

Tito Graffe Photographs Without Borders

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Iiu Susiraja

Sin filtros ni postureo: los selfies de esta artista se mofan de las convenciones Reírse de lo cotidiano es también enfrentarnos a nuestros propios prejuicios estéticos Por:

Leticia García, martes 21 de octubre de 2014

Con sus autorretratos pretende crear confusión. Después enfrentar al espectador con sus propios prejuicios: del canon de belleza imperante al papel de la mujer en la fotografía. La artista finlandesa Iiu Susiraja basa su obra en la cotidianidad. Se retrata con una escoba atrapada bajo sus pechos, cuelga un par de zapatos de tacón de sus rodillas o sostiene y contempla un bizcocho como si se tratara de un bebé. Lo más banal puede ser una fuente de diversión y, a la vez, un ejercicio de crítica que cuestione el modo en que la sociedad y los medios dictan cómo debe moldearse el ámbito privado. Nada de mobiliario refinado, nada de poses aparatosas, nada de actitudes autocomplacientes. "Hay gente que me ha escrito diciéndome 'déjalo y búscate un trabajo de verdad'. Pero esa es justo la reacción que busco", afirma Susiraja en Dazed. Ahora su serie fotográfica Good Behaviour se expone en el Foro Fotográfico de Frankfurt hasta el 30 de noviembre. Para muchos, serán escenas incómodas. Y justo por eso Iiu habrá logrado su cometido: hay algo perturbador en contemplar a mujeres normales actuando libremente en sus propios espacios. Bastan estas imágenes para demostrarlo.

Las historias de los abuelos tatuados son entrañables ¿Por qué nos fascinan tanto los viejos con tatuajes? Aquí un posible motivo Por: Luna Miguel,

Si te tatúas, lo más normal del mundo —y también lo más incómodo— es que un amigo o conocido te pregunte casi entre exclamaciones: ¿qué vas a hacer con eso cuando tengas 70 a ños? Pero la respuesta puede ser muy sencilla: exhibirlos y apreciarlos tanto como ahora lo hago. Da igual que la piel caiga, da igual que las canas sobresalgan, da igual que el tiempo haya pasado, y que los hijos, o los nietos, o la última etapa de tu vida esté por llegar. Los tatuajes son los símbolos que decidimos que nos representarán, y estarán dentro de nosotros para siempre. No son heridas de guerra, pero sí cicatrices de vida. Esas mismas que en ocasiones recorren la red y conforman curiosos álbumes llenos de abuelitos y abuelitas con el cuerpo lleno de tinta. 88

Es hermoso imaginar sus historias, y es emocionante pensar en cómo se las contarían a sus hijos: “¿veis esta sirena de aquí? Es vuestra abuela. Murió joven y nunca la conocisteis pero ahora sabéis dónde encontrarla”, o bien , “aquí tengo una mariposa, me la hice después de conocer a mi primer amor, fue una época luminosa y secreta”. Navajas que simbolizan crisis, leones que simbolizan fuerza, calaveras que recuerdan los orígenes de quien las porta, y así. Todas las decisiones, e incluso las malas, guardan una buena historia dentro, y seguro que los viejecitos de estas fotos tienen muchas que contarnos.. 89

Studio Art Centers International (SACI) anuncia el PREMIO FERIA INTERNACIONAL DE ARTE SACI 2015. Se invita a los artistas de cualquier edad, estudiantes y profesionales, de todo el mundo a presentar su trabajo en cualquier medio y tema. Las obras serán juzgadas por los miembros del Consejo Artistas SACI . FECHA LÍMITE: 15 de diciembre 2014

PREMIOS PRIMER PREMIO: El artista ganador seleccionado se le otorgará la oportunidad de una exposición individual en laGalería SACI en el histórico de SACI Palazzo dei Cartelloni . en Florencia, Italia en julio de 2015 la exposición del ganador será presentado en el sitio web de SACI: www.saci-Florencia. edu , en los medios de comunicación social y publicidad a la comunidad internacional, así como a la prensa local. SEGUNDO PREMIO: Un finalista será seleccionado de acuerdo con la votación popular a través de los medios de comunicación social. Este artista se presentará en el Blog SACI Art: SACI-art.com .

INFORMACIÓN SOBRE LA APLICACIÓN La sumisión es GRATIS Enviar diez (10) imágenes de un cuerpo coherente de trabajo para gallery@saci-florence.edu Asunto del correo electrónico debe leer: SACI PREMIO PRESENTACIÓN Formatos de imagen aceptados: JPG, PDF, GIF, TIFF Imágenes no mayores de 1000 píxeles en cualquier dirección, no menor de 500px Las imágenes deben estar en 72 dpi de resolución Incluya su enlace web si vitae aplicable y su artista currículo (CV) en formato Word o PDF Igual que la página SACI Fan en Facebook: http://www.facebook.com/SACIFlorenceArt Un (1) imagen de su trabajo aprobado se añadirá a la SACI Fan Page álbum de fotos relacionada Comparte tu foto del álbum SACI Fan Page en su perfil de Facebook Invita a tus amigos a gustar el SACI Fan Page y al igual que su imagen de la página (uno como = un voto)

CALENDARIO 15 de diciembre 2014 - Fecha límite para la presentación de 15 de diciembre 2014 - voto del público en línea cierra UTC 17:00 + 1 (zona horaria de Europa central) 30 de enero 2015 - Los ganadores del premio serán anunciados en formato digital en las redes sociales 2 hasta 30 jul, 2015 - Exposición individual en la Galería SACI, Palazzo dei Cartelloni, Florencia, Italia 92

DETALLES DE COMPETENCIA No hay cuota de solicitud para la presentación de obras de arte. Tras la recepción de su envío, usted recibirá un correo electrónico de confirmación. Sólo los ganadores serán notificados por correo electrónico. El ganador del Primer Premio debe ser capaz de exponer su / su trabajo 02 al 30 julio, 2015 y seguir las pautas y procedimientos de exposición SACI Galería. La Galería de SACI puede tener ciertas limitaciones a los tipos de requisitos de instalación. SACI ofrece una recepción de exposición abierta al público, la publicidad digital, y la cobertura de prensa. SACI es una organización sin fines de lucro, y no comercializa ni vende obras de arte. Cualquier potencial de ventas de obras de arte deben ser manejados por el artista; SACI no toma ninguna comisión. El ganador del Primer Premio no está obligado a estar presente en la exposición, sin embargo, de 2 vías de envío / entrega de obras de arte es la plena responsabilidad del artista. SACI no es responsable de los gastos relacionados con el envío / entrega de obra, tasas de aduanas internacionales, gastos de viaje, alojamiento, enmarcado arte, impresión, o un seguro. Las obras deben ser "listo para mostrar."

TÉRMINOS Y CONDICIONES El objeto y medio está abierto a la discreción de cada artista, sin embargo, no serán consideradas las presentaciones de la naturaleza potencialmente ofensivo en cualquier forma relacionada con el origen étnico, la religión, la sexualidad, discapacidad, o similar. SACI se reserva el derecho de confirmar la decisión final del Jurado, y para moderar y verificar el voto del público final para determinar los ganadores. La participación en el concurso implica la aceptación y la delegación a SACI para promover y publicar los proyectos enviados, en las formas más adecuadas y convenientes, tanto por la impresión y la publicación en Internet. La propiedad de presentaciones: Los proyectos presentados al Jurado serán propiedad de los artistas; ningún deseo de utilizar los proyectos será comunicada explícitamente por primera vez al artista (s) para el permiso y con el crédito. Los solicitantes garantizan que la presentación de entrada es la obra original del artista y, como tal, el artista es el titular único y exclusivo propietario y los derechos de la obra presentada, y que el sometimiento de las partes tiene el derecho de presentar la obra para la exposición y donación todas las licencias requeridas. Cada participante se compromete a no presentar ninguna entrada que (1) infringe los derechos de terceros de propiedad, derechos de propiedad intelectual, los derechos de propiedad industrial, derechos personales o morales o cualquier otro derecho, incluyendo, sin limitación, derechos de autor, marca registrada, patente, secreto comercial, privacidad , las obligaciones de publicidad, o de confidencialidad; y (2) de otro modo viola el estado, federales, provinciales o locales. Aceptación de las Reglas de Competición: La participación en el concurso supone la total aceptación de estas bases y supone asimismo el consentimiento sin reservas a los datos personales puedan ser mantenidos y utilizados de conformidad con las leyes de "privacidad" que prevalece. Para obtener más información, consulte el sitio web de SACI: www.saci-florence.edu Para cualquier consulta, póngase en contacto con la Galería SACI: gallery@saci-florence.edu Studio Art Centers Internacional Palazzo dei Cartelloni - Via Sant'Antonino 11 50123 Firenze ITALIA www.saci-florence.edu T (+39) 055 289 948 | F (+39) 055 2776408

Fundada en 1975, los Centros de Estudio de Arte Internacional (SACI) es una organización sin fines de lucro 501 c (3) institución de nivel universitario de Estados Unidos en Florencia, Italia, que ofrece a los estudiantes de pregrado y posgrado arte de estudio, diseño, conservación y enseñanza de artes liberales plenamente acreditada. Programas de estudio de SACI incluyen: Año Académico en el Extranjero, Semestre Académico en el Extranjero, 2 años MFA Licenciatura en Fotografía, 2 años MFA Licenciatura en Arte de Estudio, Post-Bachillerato Certificado año en el extranjero, y Estudios de verano. 93

WHO: Featuring the participation of artists from around the world: Curators: Leonor Anthony, FIU Honors College Artist in Residence Bartus Bartholomes Media Contact: Isabel Green / 305-348-4100 / igreen@fiu.edu

Associate Curators: Katiuska Gonzales Astolfo Funez Paola Puppio

The Honors College at FIU kicks off Art Basel Week with unique environmental art display WHAT: The Honors College at Florida International University plunges into Art Basel week and the South Florida art scene in partnership with the Nest Gen Project to bring a unique and artistic event to the lawn in front of the Frost Art Museum. The Nest Gen Project is comprised of a group of internationally established artists seeking to raise awareness for environmental preservation and its urgency through the aesthetical interpretation of nests. The goal is to support education, advocacy, communication, and interaction with the public using art as the vehicle. Through artistic installations, Nest Gen seeks to incorporate a call to a collective conscience regarding our planet and the promotion of reuse, reduce and recycle principles. They aim to build a creative laboratory – an eco-sustainable exchange of materials, ideas, and themes to motivate consciousness. WHO: Featuring the participation of artists from around the world:

Additional Participating Artists: Aimee Pérez Alessandro Camaduro Allison Kotzig Belen Moreno Carlo Mercello Conti Cesar Rey Domingo De Lucia Emilion Héctor Rodriguez George Goodridge Giovanni Ciucci Maura Luccese Miguel Rodez Nila Onda Othon Castañeda Patricia Thrane Rebeca Gilling Ricardo Sanchez Roxanna Gottschalk Ruben Santurian Rudolf Kohn Sandra Garcia Pardo Sylvia Heisel Scott Taylor Tomasa de las Casas WHEN: The nests will be showcased from Saturday, November 15, through Monday, December 8. The opening ceremony, which includes meet-up sessions with many of the international artists, will be held on Saturday, November 15th at 11 am. WHERE: Green space in front of the Frost Art Museum - FIU Modesto Madique Campus 11200 SW 8th Street - Miami, FL 33199 -FIU-

Sneak peek at some of this year’s artwork About FIU's Honors College The Honors College at FIU is one of the premier honors institutions in the country, recognized for innovative pedagogy, outstanding undergraduate research, commitment to the arts, and a strong international focus. Honors College scholars engage in rigorous interdisciplinary courses and co-curricular activities that stress analytical thinking, ethical values, global awareness, and problem-solving from multiple perspectives, preparing them to be the leaders of tomorrow. For more information about FIU's Honors College, visit honors.fiu.edu. About FIU: Florida International University is recognized as a Carnegie engaged university. Its colleges and schools offer more than 180 bachelor’s, master’s and doctoral programs in fields such as engineering, international relations, architecture, law and medicine. As one of South Florida¹s anchor institutions, FIU is Worlds Ahead in its local and global engagement, finding solutions to the most challenging problems of our time. FIU emphasizes research as a major component of its mission. FIU has awarded 200,000 degrees and enrolls 50,000 students in two campuses and three centers including FIU Downtown on Brickell and the Miami Beach Urban Studios. FIU is a member of Conference USA and has 400 student-athletes participating in 18 sports. For more information about FIU, visit http://www.fiu.edu/.

Blanca Capecchi Del Dise帽o grafico a la Vitrofusi贸n

BLANCAPECCHI El Taller FUSIÓN tiene su espacio actual en La Asunción Capital de la isla de Margarita, Estado Nueva Esparta. Desde un frondoso espacio, rodeado de vegetación natural, su fundadora la diseñadora gráfica Blanca Capecchi, trabaja paciente y entregadamente por horas, acompañada siempre de " su musiquita" y la brisa cruzada del Matasiete... Blanquita, es un espíritu libre, como han dicho gente que la conoce, amena y dinámica te recibe con una sonrisa siempre, protegida dentro de una casa abierta y agradable, construida "para vivirla". Dice... Su taller ha visto en 20 años pasar todo tipo de proyectos. "Me encantan los retos, las estructuras, las luces"... Trabajar siempre con arquitectos e ingenieros, me ha permitido resolver formatos grandes, instalados en baños o en estructuras de hierro forjado. Como artista plástico su obra, caracterizada siempre por el aerógrafo y la técnica mixta, aplicada a playas y paisajes Margariteños, y referida luego en ediciones gráficas y originales pequeño y mediano formato, ha podido ser traducida al vitral a través de su técnica particular de romper retículas y planos trabajando el corte del vidrio desde formatos minúsculos, hasta planos atrevidos por la dificultad del corte. Logra así, policromías que producen iridiscencias y transparencias únicas... Blanca, juega con el boceto, dibuja libremente una propuesta, investiga, busca posibilidades, texturas y calidades que pasan del sueño al horno en vitrofusión y regresan listas para ser integradas al vitral. Comparte su " PASION " el taller, con la docencia de Diseño Gráfico, en la Universidad de Margarita, orgullosa de ser, uno de los fundadores de esta carrera y formadora, de las últimas generaciones de Diseñadores gráficos del Oriente del País. FUSIÓN realiza proyectos de gran, mediano y pequeño formato, en vitral, vitrofusión u originales ilustradas de paisajes Margariteños, encargadas como piezas corporativas, para congresos, reconocimientos, regalos empresariales etc. El Taller FUSIÓN, dicta cursos Básico, Medio y Avanzado de: VITROFUSION, corte fusión en horno y esmalte aplicado a móviles, joyería, escultura, vajillas, listellos, etc. VITROMOSAICO corte color y realización, aplicado a formatos medios. VITROMOSAICO UTILITARIA, corte color y realización, aplicado a espejos jarrones, platones, etc. 98

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Blanca Capecchi

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John Michel Carri贸n Photographs Without Borders 104

Tito Graffe Photographs Without Borders 105

Ricardo Báez Duarte La Fotografía como lenguaje expresivo

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Ricardo Bรกez Duarte Photographs Without Borders 107

Ricardo Báez Duarte, un ser humano extraordinario y singular, donde converge, la pintura, las matemáticas y la fotografía, para dar luz a un hecho creativo que alegra a las pupilas e inquieta al alma. Ricardo es un maestro de la fotografía, asistir a sus clases es una experiencia de aprendizaje extraordinaria, la profundidad y el detalle de las respuestas a las preguntas mas sencillas, complicadas o técnicas, no dejan lugar a dudas de su experiencia y conocimientos en el tema. Conozcamos de su propia voz al Venezolano Ricardo Báez Duarte. Ricardo, ¿Qué hace un Matemático y Pintor tomando fotografías, hay alguna conexión entre estas artes? Antes de ser Matemático fui artista. Desde muy pequeño era muy aficionado a dibujar y colorear con creyones, luego con acuarelas y pastel. Lo de Matemático es una etiqueta más, una arista de mi personalidad que está muy asociada a la lógica, la ciencia y la aventura hacia lo desconocido para tratar de entender un poco más el Cosmos. Relaciones entre la pintura, matemática y la fotografía? Me imagino que se puede escribir una tesis doctoral con ese marco de referencia, sin embargo en la metodología de ellas hay algo en común, la disciplina. Cuando se plantean retos estéticos, teóricos y técnicos en las tres, hay algo que ayuda mucho, la lógica que es común al quehacer matemático. El resto como dicen los poetas es la Musa, que aparentemente y según los criterios más mundanos está presente en las artes, pero te puedo afirmar con seguridad que también tiene su lugar privilegiado en la creación matemática. Concluyo afirmando que el cordón umbilical que las une es simplemente el hecho creativo. Muchas de tus fotos parecen una pintura, ¿es intencional?, ¿es nostalgia?, ¿cómo lo logras? Antes de ser fotógrafo fui pintor y vitralista. Es completamente intencional el parecido con la pintura pues fue el modo de mi ingreso a la fotografía. En esa época me definía más como artista plástico digital que fotógrafo convencional. Nostalgia? Si, lo soy y quizás en demasía. Tengo la obsesión de retratar nuestra experiencia del Tiempo y en mi consciencia hay una ecuación que todavía no logro resolver, Tiempo=Nostalgia. La técnica que he empleado para realizar algunas de mis obras con “modo” pictórico ha sido derivada del collage clásico adaptada a métodos digitales que he desarrollado con Photoshop en base al uso de múltiples capas de texturas y selecciones/máscaras complejas. Aunque la fotografía se visualiza bidimensionalmente, realmente se trata es de la tercera dimensión, la profundidad, la que en el caso de la fotografía solo ocurre en el cerebro del espectador cuando la mira.

¿Cuáles son las pistas que no faltan en tus fotos que ayudan al cerebro humano a reconstruir una realidad tridimensional, partiendo de una representación de dos dimensiones? El tratamiento de la tridimensionalidad o de la representación del espacio en la fotografía al igual que en la pintura tiene como elementos comunes la perspectiva, el uso de las viñetas o bordes más oscuros que acentúa a la trama central, el uso de la teoría del color derivado de los impresionistas que luego fuera profundizado y teorizado por algunos exponentes de la Bauhaus durante la primera parte del siglo XX y por supuesto un planteamiento específico por cada caso de la iluminación adecuada para realzar el espacio. Sin embargo debo aclarar que no toda obra pictórica o fotográfica persigue o requiere la representación en términos generales, así que no hay porque buscar los elementos antes mencionados para decodificar un contenido en una obra visual. Lo digital, ¿le dio o le quitó a la fotografía? Esta pregunta encierra una profunda polémica. No estimo que pueda convencer a nadie con mis presupuestos en esta materia pero soy de los que piensa que hay una ganancia inmensa con la inserción de lo digital en general en las artes plásticas y sobre todo en la fotografía y el cine. Algunos convencidos de lo contrario se aferran al pasado de tal forma que a veces hacen el ridículo y te lo explico con un ejemplo imaginario, un fotógrafo que magnifique el uso de flash con sales de magnesio vs. el moderno flash electrónico con la excusa de que este último no pueda dar los matices y tonos obtenidos con los métodos ancestrales! Lo mismo sucede con las modernas cámaras digitales semi profesionales y muy especialmente con las profesionales y los equivalentes digitales a los laboratorios: las modernas computadoras con una plétora de “softwares” digitales de sofisticado alcance. Siento que nos ayudan día a día a mejorar nuestra toma y posterior creación de la obra acabada Para mi, en resumen, es estar a favor del avance tecnológico. ¿Color o blanco y negro? Los dos. Cada uno de estos aspectos son como grandes avenidas que pueden coincidir en encrucijadas muy interesantes. Son dos espacios con técnicas, dificultades y objetivos muy propios. Me siento inclinado a cultivar ambas disciplinas, en cada una hay posibilidades diferentes de expresión, siendo está ultima la meta fundamental de la fotografía.

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¿Un fotógrafo debería tener buenos conocimientos sobre la teoría del color?, si la respuesta es sí, ¿cómo esto le ayudaría a hacer mejores fotos? Definitivamente. Entender el color es básico para la composición y la expresión fotográfica. La correcta interpretación del color puede hacer que una fotografía aparentemente mustia retorne a la vida y se llene de espacialidad y sentido. Explicar con detalle el alcance de estas ideas me llevaría a una exposición de clases y no creo que se pueda lograr en este corto espacio Mucha gente te admira por tus fotografías de naturalezas muertas, ¿Puedes compartir tus secretos? , ¿Cómo se hace una buena foto de naturaleza muerta? En primer lugar no me siento una autoridad en el tema, me honras con esa expresión de admiración. Fundamentalmente soy un paisajista en toda mi obra fotográfica. En particular veo el bodegón o naturaleza muerta como un paisaje íntimo donde puedes crear sus elementos y disponerlos en la composición que sea más expresiva iluminándola de tal manera que pueda expresar tu más fina sensibilidad. Yo diría que como ingredientes básicos, pero que muy básicos, estarían la creativa selección de los elementos que la integran, la composición espacial y muy especialmente el color y la iluminación. Con esta sencilla receta llegas a desarrollar el 10 % de una buena naturaleza muerta y dirás, ¿Y el resto? El resto sigue siendo, a juzgar por los maestros de los cuales quiero aprender, un misterio! Tal vez haya una mejor recomendación, ver y ver hasta el cansancio las grandes obras de naturaleza muerta de pintores y fotógrafos geniales. Dejo algunos ejemplos para muestra, Cezanne, Zurbarán, entre los pintores, Weston, Kertez y Sudek entre los fotógrafos. Termino compartiendo una idea que aprendí hace tiempo cuando años atrás visitaba una exposición en la Galería de Arte Nacional cuyo tema era estudiar y delimitar el concepto de naturaleza muerta. Allí se planteaba extender el concepto de naturaleza muerta clásica al paisaje íntimo. Descubrir en los ambientes naturales o arquitectónicos elementos composicionales que delimiten una naturaleza muerta no elaborada aunque descubierta por nosotros A mi, me gusta mucho tu trabajo fotográfico bajo la lluvia, ¿Cuéntanos como se te ocurrió eso? Fue una visión que tuve a través de los vidrios de mi automóvil durante una lluvia intensa. Lo visualicé como una obra pictórica al estilo impresionista y el resto fue como sumar dos más dos, buscar mi cámara y comenzar a fotografiar. Apenas tuve las primeras fotos en pantalla el resto fue surgiendo poco a poco con la experimentación en Lightroom y Photoshop.

Un comentario aparte, este enfoque requiere de un conductor auxiliar pues en varias oportunidades estuve apunto de chocar! ¿Con cuales de los clásicos y con cuales de los contemporáneos te quedas? Me quedo con todos los buenos en ambos lados del tiempo. Ellos son indispensables como herramientas para el aprendizaje. Por supuesto hay estrellas menores y supernovas, pero en general me gustan todos. Sin embargo puedo compartir algunos nombres de mis favoritos como Sarah Moon, Cartier Bresson, Edward Weston, Josef Sudek, Diane Airbus, Ansel Adams, Irving Penn, Alfred Stieglitz, y tantos más entre los clásicos. En el caso de los contemporáneos Sebastiao Salgado, Jock Sturges, Hisroshi Sugimoto, Robert Parke Harrison, Sally Mann, Mona Kuhn, Maggie Taylor, Utah Barth. Con todos tus años de experiencia en la pintura y la fotografía, ¿Cuáles son los pasos a seguir que le recomendarías a los que hoy comienzan? El primer paso sería comenzar desde muy temprano, lo antes posible y con toda la pasión que se pueda tener. Creo en el estudio de los clásicos viejos y contemporáneos, es indispensable acercarnos a ellos para entender y deslindar lo comercial de lo artístico. Hoy no hay excusa para no poder estudiar sus obras pues contamos con numerosísimas fuentes en Internet. Sería deseable tener escuelas a nivel universitario donde pudiésemos desarrollarnos profesionalmente. En Venezuela lamentablemente hay un vacío enorme en este sentido y tenemos que recurrir a los cursos que se imparten en algunas academias, muy incompletos a mi modo de ver o recurrir a “pegarse” a algún profesional conocido y sorber de ellos todos los conocimientos posibles. En mi caso particular le debo mucho a una talentosa fotógrafa ya desaparecida, Lydia Fisher. (Refhttp:// www.artrbd.com/lydia/) .De ella pude aprender muchas cosas que tardo todavía en asimilar. Hay mucho material para el auto aprendizaje vertido en numerosas publicaciones web. Para los que quieran recibir clases contigo, y/o admirar tu trabajo ¿Cuáles son tus coordenadas? Mi correo electrónico: rbaezd@gmail.com y mi página web cuya actualizacion he postpuesto hace largo tiempo por falta del mismo es http://www.artrbd.com Por Ángel HM

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ARTCLUB magazine - Issue 7

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