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APUNTES DE MODERNIDAD Compilación, diseño e intervención material: María del Carmen Falcón T.

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amplitud y sus límites cronológicos, sus escenarios geográficos, su alcance semántico y los fundamentos, entre sus aspectos esenciales.

RONTERAS CRONOLÓGICAS

Y CARACTERÍSTICAS ESENCIALES DE LA MODERNIDAD ______________________________

El prisma euro-centrista desde el que se concibe la edad moderna es la consecuencia de la valoración que el pensamiento europeo-occidental ha hecho de unos procesos básicos y característicos de la cristiandad occidental. En este sentido, la geografía de la modernidad estará delimitada por Europa, concretamente Europa occidental, y por la magnitud de la expansión de su civilización.

Pero la conceptualización del mundo moderno y sus límites espaciales y cronológicos son planteados de manera diferente desde la propia historiografía del occidente europeo.

La historiografía tradicional francesa, por su lado, considera que la Edad Moderna transcurre entre los siglos XVI y XVIII, situando sus comienzos en torno a la caída de Constantinopla en 1453, al descubrimiento de América en 1492 y al fenómeno cultural del Renacimiento, en tanto que sitúa su término en el derrumbamiento de la monarquía y la Revolución Francesa (1789), con el que se iniciaba la Contemporaneidad. En cambio, en la historiografía anglosajona el término “Moderno” hace referencia a un periodo más prolongado y móvil. En consecuencia, la duración de los tiempos modernos tradicionalmente se ha situado tras el renacimiento, hacia el año 1600, y su final tiende a prolongarse en el tiempo hasta el siglo XX.

EL JUICIO FINAL (1536-1545) Miguel Ángel Buonarroti

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e manera historiográfica se podría decir que la Modernidad se enmarca entre la Edad Media y la Edad Contemporánea. El término moderno, fue empleado inicialmente por el investigador alemán de finales del siglo XVII Cristophorus Cellarius y responde en su origen a una concepción euro-centrista del mundo y del desarrollo histórico. A pesar de ser aceptada comúnmente en los medios académicos occidentales como marco referencial, sería objeto de una amplia reflexión entre los historiadores del siglo XX en torno a su

Aunque la historiografía occidental ha tendido a situar la Edad Moderna entre los siglos XVI y XVIII, la atención de acontecimientos puntuales de singular relevancia, en modo alguno es significativa sin la valoración de los procesos de cambio a nivel estructural en el devenir de las sociedades. Así, los inicios de la Edad 3

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Moderna difícilmente pueden ser comprensibles sin atender al despertar del mundo urbano en Occidente desde el siglo XIII, al ambiente de intenso debate religioso que prepara la Reforma ∗ iniciada en el siglo XVI, a los primeros síntomas de cambio en los comportamientos de la economía hacia formas precapitalistas o al proceso de conformación de los primeros estados modernos desde finales del siglo XV.  El final de la Edad Moderna habrá de ser igualmente flexible en virtud de los procesos constitutivos de la quiebra y desintegración del Antiguo Régimen ∗∗, cuya transición tendrá un ritmo y una duración variable según las diferentes realidades históricas de cada pueblo, y que grosso modo podemos dilatar desde finales del siglo XVIII hasta el siglo XIX, y en algunos casos hasta el propio siglo XX. En consecuencia, las transiciones hacia la Modernidad y hacia el fin de la misma diluyen sus límites tanto en el medioevo como en la contemporaneidad.

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pero la expansión de Europa le conferiría una dimensión mundial, a través de la presencia y la interacción de los europeos con otras civilizaciones de ultramar.

Los nuevos y dinámicos grupos sociales, el complejo concepto de burguesía, las estrategias reformistas y en general los fenómenos, políticos, industriales, culturales, junto con los descubrimientos geográficos y las nuevas posibilidades habilitadas por las innovaciones técnicas, transformarían radicalmente la visión del mundo originando conductas sociales diferentes e iniciando un ciclo revolucionario, caracterizado por la recuperación económica y demográfica, aunque en algunos casos perdurará el estancamiento. La monarquía parlamentaria inglesa, junto a otros factores indicativos de cambio en términos político-ideológicos, como la Independencia Estadounidense y la Revolución Francesa, o los términos socioeconómicos a raíz de las primeras manifestaciones de la industrialización en Inglaterra, marcan también pautas importantes y rasgos determinantes de la Modernidad.

Así mismo, la secularización del saber, la consolidación de la ciencia y el avance del librepensamiento, basados en el pilar de la razón, generarán actitudes críticas y cambios en la atmósfera cultural y tecnológica. La modernidad en su origen y en su esencia es un fenómeno europeo,

Pero en la consideración crítica de los cambios y los rasgos de la Modernidad se ha de ser extremadamente cauteloso al estudiar las diferentes realidades históricas de los pueblos y los estados, considerando su propia idiosincrasia y su propio ritmo evolutivo; asimismo, se ha de considerar el alcance social de los cambios y la inercia de las permanencias, puesto que a lo largo de la Edad Moderna es mucho más lo que permanece que lo que cambia respecto a la edad media, si se aprecia la estructura y los comportamientos demográficos, la naturaleza agraria de las sociedades, o la naturaleza de las relaciones sociales en el marco de la sociedad estamental. La misma valoración se puede plantear para definir los límites de la Edad Moderna y el inicio de la contemporaneidad en virtud de la pervivencia del Antiguo Régimen, a raíz de las pautas de

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Reforma, movimiento religioso surgido en el siglo XVI en el ámbito de la Iglesia cristiana, que supuso el fin de la hegemonía de la Iglesia católica y la instauración de distintas iglesias ligadas al protestantismo. La Reforma, precedida por la cultura del renacimiento y, de alguna forma, seguida por la Revolución Francesa, alteró por completo el modo de vida de Europa occidental e inició la edad moderna. Aunque se inició a principios del siglo XVI, cuando Martín Lutero desafió la autoridad papal, las circunstancias que condujeron a esa situación se remontan a fechas anteriores y conjugan complejos elementos doctrinales, políticos, económicos y culturales. ∗∗

Periodo comprendido entre el siglo XVI y el estallido de la Revolución Francesa. El término sirve para referirse a una etapa de la historia de Francia, previa a la Revolución Francesa, pero también es aplicable al resto de Europa.

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cambio y continuidad en las esferas económica, social, político-ideológica y cultural, en los diferentes pueblos del globo.

Características del arte en la Modernidad Oposición Se opone al Realismo y se parece al Romanticismo Sentimientos Se expresan sentimientos íntimos Temas Sus temas se centran en países exóticos y lugares idealizados e inexistentes Realidad Se huye de la realidad que se considera vulgar Belleza Su lema es el arte por el arte, es decir, crear belleza sin otra intención La forma Predomina la forma sobre el fondo

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y XIII. Los comerciantes medievales italianos desarrollaron técnicas mercantiles y financieras como la contabilidad o las letras de cambio. La creación de la deuda pública (concepto desconocido en épocas pasadas) permitió a esas ciudades financiar su expansión territorial mediante la conquista militar.

Sus mercaderes controlaron el comercio y las finanzas europeas; esta fluida sociedad mercantil contrastaba claramente con la sociedad rural de la Europa medieval. Era una sociedad menos jerárquica y más preocupada por sus objetivos profanos; era en total, una sociedad diferente de la cual se desprendería toda una evolución

ENACIMIENTO

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El término “Renacimiento’ lo utilizó

por vez primera en 1855 el historiador francés Jules Michelet para referirse al “descubrimiento del mundo y del hombre” 1 en el siglo XVI. Representó un resurgimiento cultural iniciado en Italia y extendido en toda Europa, abarcando las Artes Plásticas y la Literatura. Se inspiró en las artes de la antigüedad clásica, cuyos protagonistas fueron Miguel Ángel, Rafael y Leonardo Da Vinci, quienes sintetizaron el ideal renacentista ubicándolo en una intención monumental y humana.

El Renacimiento italiano fue sobre todo un fenómeno urbano, un producto de las ciudades que florecieron en el centro y norte de Italia, como Florencia, Ferrara, Milán y Venecia, donde la riqueza financió los logros culturales. Estas mismas ciudades no eran fruto del Renacimiento, sino del periodo de gran expansión económica y demográfica de los siglos XII

El Arte en el Renacimiento

centrada en el hombre y las sociedades que constituía, dando inicio a los primeros

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peldaños de lo que la historia definiría como Modernidad.

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gran parte de su madurez en Roma trabajando en encargos de los sucesivos papas; sin embargo, siempre se preocupó de dejar instrucciones oportunas para ser enterrado en Florencia, como así fue; su cuerpo descansa en la iglesia de la Santa Cruz.

Miguel Ángel Buonarroti (1465-1564) Uno de los mayores creadores de toda la historia del arte y, junto con Leonardo da Vinci, la figura más destacada del renacimiento italiano. En su condición de arquitecto, escultor, pintor y poeta ejerció una enorme influencia tanto en sus contemporáneos como en todo el arte occidental posterior a su época.

DAVID – Miguel Ángel Buonarroti

El padre de Miguel Ángel, Ludovico Buonarroti, oficial florentino al servicio de la familia Medici, colocó a su hijo, con tan sólo 13 años de edad, en el taller del pintor Domenico Ghirlandaio. Dos años después se sintió atraído por las esculturas del jardín de San Marcos, lugar al que acudía con frecuencia para estudiar las piezas antiguas de la colección de los Medici. Invitado a las reuniones y tertulias que Lorenzo el Magnífico organizaba en el palacio de los Medici con otros artistas, Miguel Ángel tuvo la oportunidad de conversar con los miembros más jóvenes de la poderosa familia, dos de los cuales posteriormente llegaron a ser papas (León X y Clemente VII); conoció también a humanistas y poetas, habituales visitantes del palacio. Por entonces Miguel Ángel, que contaba con 16 años de edad, ya había realizado al menos dos esculturas en relieve, con las que demostró que ya había alcanzado su personal estilo a tan temprana edad. Su mecenas, Lorenzo el Magnífico, murió en 1492; dos años después Miguel Ángel abandonó Florencia, en el momento

Dibujo de Miguel Ángel donde Se aprecia su maestría para el retrato y el claroscuro

Apolo de Belvedere

Sus dibujos solían ser estudios preliminares para otros trabajos. Aunque nació en Caprese, cerca de Arezzo, en esencia, fue un florentino que mantuvo a lo largo de toda su vida unos profundos lazos con Florencia, su arte y su cultura. Pasó 6

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en que los Medici son expulsados por un tiempo de la ciudad por Carlos VIII.

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iconografía que toma del arte del norte de Europa. En lugar de aparentar dolor, María se contiene, se refrena, con una expresión en el rostro de total resignación. Con esta obra Miguel Ángel resume las innovaciones escultóricas de sus predecesores en el siglo XV, a la vez que introduce un nuevo criterio de monumentalidad, característico del estilo del cinquecento italiano.

Más tarde, Miguel Ángel viajó a Roma, ciudad en la que podía estudiar y examinar las ruinas y estatuas de la antigüedad clásica que por entonces se estaban descubriendo. Poco después realizó su primera escultura a gran escala, el monumental “Baco”, uno de los pocos ejemplos de tema pagano realizados por el maestro, muy ensalzado en la Roma Renacentista y claramente inspirado en la estatuaria antigua, en concreto en el “Apolo de Belvedere”. En esa misma época Miguel Ángel esculpió también “La Pietá” (1498-1500) para la basílica de San Pedro en el Vaticano, magnífica obra en mármol que aún se conserva en su

El punto culminante del estilo de juventud de Miguel Ángel viene marcado por la gigantesca (4,34 m) escultura en mármol del “David” (Academia, Florencia), realizada entre 1501 y 1504, después de su regreso a Florencia. El héroe del Antiguo Testamento aparece representado como un joven atleta desnudo, musculoso, en tensión, con la mirada fija en la distancia, buscando a su enemigo, Goliat. La intensa y penetrante mirada, la fuerza expresiva que emana del rostro del David es, junto con la escultura de “Moisés”, realizada posteriormente, el mejor ejemplo deL rasgo distintivo de muchas de las figuras del artista así como también de su propia personalidad. El “David”, la escultura más famosa de Miguel Ángel, llegó a convertirse en el símbolo de Florencia, colocada en un principio en la plaza de la Señoría, sede del ayuntamiento de la ciudad. En 1910 se colocó en ese lugar una copia del original que se encuentra en la Academia. Con esta obra Miguel Ángel demostró a sus coetáneos que no sólo había superado a todos los artistas contemporáneos suyos, sino también a los griegos y romanos, al fusionar la belleza formal con una poderosa expresividad, significado y sentimiento.

LA PIETA – Miguel Angel Buonarroti

emplazamiento original. “La Pietá”, una de las obras de arte más conocidas, la terminó casi con toda seguridad antes de cumplir los 25 años de edad, es además la única obra en la que aparece su firma.

Sentada majestuosamente, la juvenil Virgen sostiene a Cristo muerto en su regazo,

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perfecto conocimiento que sobre la anatomía y el movimiento humanos poseía Miguel Ángel.

Con anterioridad a la bóveda de la Sixtina, en 1505, Miguel Ángel había recibido el encargo del papa Julio II de realizar su tumba, planeada desde un primer momento como la más grandiosa de toda la cristiandad. Pensada para ser emplazada en la nueva basílica de San Pedro, entonces en construcción, Miguel Ángel inició con gran entusiasmo este nuevo desafío que incluía la talla de más de 40 figuras, pasando varios meses en las canteras de Carrara para obtener el mármol necesario.

La escasez de dinero, sin embargo, llevó al Papa a ordenar a Miguel Ángel que abandonara el proyecto en favor de la decoración del techo de la Sixtina.

Cuando, años después, retomó el trabajo de la tumba, la rediseñó a una escala mucho menor. No obstante, Miguel Ángel pudo terminar algunas de sus mejores esculturas con destino a la tumba de Julio II, entre las que destaca el “Moisés”, figura central de la nueva tumba, hoy conservado en Roma. El musculoso patriarca aparece sentado en actitud vigilante dentro de un nicho de escasa profundidad, sosteniendo las tablas de la ley y con su larga barba entrelazada en sus poderosas manos. Parece una figura distante, en comunicación directa con Dios, y con una mirada que resume a la perfección la sensación de terribilitá.

Concibió las figuras como seres atrapados en el bloque marmóreo, que al ser tallados van liberando sus formas. En algunas obras suyas, deja las formas inacabadas, algunas veces por considerar que ésa era la forma deseada y otras por haber abandonado el proyecto durante su realización.

CREACIÓN DE ADÁN –Capilla Sixtina Miguel Ángel Buonarroti

En 1505, Miguel Ángel interrumpió su trabajo en Florencia al ser llamado a Roma por el papa Julio II para realizar dos encargos. El más importante de ellos fue la decoración al fresco de la bóveda de la Capilla Sixtina, que le tuvo ocupado entre 1508 y 1512. Pintando en una posición forzada, acostado de espaldas al suelo sobre un elevado andamiaje, Miguel Ángel plasmó algunas de las más exquisitas imágenes de toda la historia del arte.

Sobre la bóveda de la capilla papal desarrolló un intrincado sistema decorativo-iconográfico en el que se incluyen nueve escenas del libro del Génesis, comenzando por la Separación de la luz y las tinieblas y prosiguiendo con “Creación del Sol y la Luna”, “Creación de los árboles y de las plantas”, la “Creación de Adán”, “Creación de Eva”, “El pecado original”, “El sacrificio de Noé”, “El diluvio universal” y, por último, “La embriaguez de Noé”.

Enmarcando estas escenas principales que recorren longitudinalmente todo el cuerpo central de la bóveda, se alternan imágenes de profetas y sibilas sobre tronos de mármol, junto con otros temas del Antiguo Testamento y los antepasados de Cristo. Estas imponentes y poderosas imágenes confirman el

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Pese a que el proyecto para la tumba de Julio II había requerido una planificación arquitectónica, la actividad de Miguel Ángel como arquitecto no comenzó de hecho hasta 1519, cuando diseñó la fachada (nunca realizada) de la iglesia de San Lorenzo en Florencia, ciudad a la que había regresado tras su estancia en Roma.

Durante la década de 1520 diseñó

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bajo la de Giuliano. Los trabajos en las tumbas de los Medici continuaron tras el regreso de Miguel Ángel a Roma en 1534.

Nunca más volvió a ver su añorada Florencia.

Miguel Ángel pintó el Juicio Final en la pared del altar de la Capilla Sixtina 20 años después que los frescos del techo.

En esta visión apocalíptica del “Día del Juicio Final”, Cristo aparece flanqueado por las almas salvadas, que ascienden por su derecha, y las condenadas que descienden por su izquierda. Cristo, en actitud de juez, se convierte en el centro de la composición; a la izquierda, la salvación de las almas que van ascendiendo al cielo; a la derecha, los condenados que van cayendo a un infierno dantesco. Como era normal en él, Miguel Ángel representó a todas las figuras desnudas, desnudez que fue tapada una década después con los paños de pureza, realizados por Daniele da Volterra en un momento en el que el clima cultural se había vuelto mucho más conservador. El propio Miguel Ángel aparece retratado en la piel desollada de san Bartolomé, a los pies de Cristo.

Escalinata de acceso a la biblioteca Laurenciana Diseño de Miguel Ángel (1520)

también la biblioteca Laurenciana (sala de lectura y vestíbulo con la escalinata de acceso), anexa a la citada iglesia, aunque los trabajos no finalizaron hasta varias décadas después. Miguel Ángel tomó como punto de referencia el tipo de articulación de muros desarrollado por sus predecesores florentinos, pero infundiendo en ella la misma fuerza y energía que caracterizó su escultura y su pintura. En lugar de seguir con fidelidad los cánones clásicos estipulados por griegos y romanos, Miguel Ángel utilizó estos motivos —columnas, frontones, ménsulas— de manera más personal y expresiva.

A finales de la década de 1970 comenzaron los trabajos de restauración de los frescos de la Capilla Sixtina, que con el paso del tiempo se habían deteriorado enormemente. Al limpiarlos, para lo que se emplearon las técnicas más modernas, aparecieron los colores originales de las pinturas. También se eliminaron gran parte de los paños que cubrían los desnudos de las figuras, y sólo se han conservado los que tapaban partes que se habían borrado.

También durante esta larga etapa de residencia en Florencia, Miguel Ángel emprendió el encargo de hacer las tumbas de los Medici. Dispuso sobre ellas magníficas figuras desnudas personificando a la “Aurora y el Crepúsculo”, bajo la figura sedente de Lorenzo, y el “Día y la Noche”

Cinquecento- Periodo, que comprende el siglo XVI, se inició con Leonardo da Vinci cuando regresó de Milán a Florencia en el año 1500. Allí, encontró al joven Miguel Ángel que realizaría la famosa escultura del “David”. Durante el cinquecento, los 9

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artistas intentaron reducir sus temas a la más pura esencia; las características secundarias, los detalles o las anécdotas captaban la atención del espectador para conducirle a la esencia real del tema.

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construir puentes portátiles, que conocía las técnicas para realizar cañones, que podía hacer barcos así como vehículos acorazados, catapultas y otras máquinas de guerra y que incluso podía realizar esculturas en mármol, bronce y terracota.

De hecho, sirvió al duque como ingeniero en sus numerosas empresas militares y también como arquitecto. Además, ayudó al matemático italiano Luca Pacioli en su célebre obra “De Divina Proportione”, que trata sobre el sistema de relaciones armónicas conocido como sección áurea. -

Leonardo da Vinci (1452-1519) Artista florentino y uno de los grandes maestros del renacimiento, famoso como pintor, escultor, arquitecto, ingeniero y científico. Su profundo amor por el conocimiento y la investigación fue la clave tanto de su comportamiento artístico como científico. Sus innovaciones en el campo de la pintura determinaron la evolución del arte italiano durante más de un siglo después de su muerte; sus investigaciones científicas —sobre todo en las áreas de anatomía, óptica e hidráulica— anticiparon muchos de los avances de la ciencia moderna.

una proporción de la geometría que se obtiene al dividir un segmento en dos partes de manera que el cociente entre la longitud del segmento mayor y la longitud del segmento inicial es igual al cociente entre la longitud del segmento menor y la del segmento mayor. Esta proporción tiene el valor numérico 0,618..., -

Existen evidencias de que Leonardo tenía discípulos en Milán, para los cuales probablemente escribió los textos que más tarde se agruparían y publicarían en París después de la muerte del artista bajo el título “Tratado de la pintura”. La obra más LA VIRGEN DE LAS importante del ROCAS periodo milanés son las dos versiones de la “Virgen de las rocas”, donde aplica un esquema compositivo triangular que encierra a la Virgen, el Niño, san Juan y el ángel, y por otro lado, utiliza por primera vez la técnica del sfumato, consiste en eliminar los contornos nítidos y precisos de las líneas y diluir o difuminar éstos en una especie de neblina que produce el efecto de inmersión en la atmósfera.

Leonardo nació en Toscano de Vinci, próximo a Florencia. Hijo de un rico notario florentino y de una campesina; a mediados de la década de 1460 la familia se instaló en Florencia, donde Leonardo recibió la más exquisita educación que esta ciudad, centro artístico e intelectual de Italia, podía ofrecer. Leonardo era elegante, persuasivo en la conversación y un extraordinario músico e improvisador. Hacia 1466 acudió a formarse al taller de Andrea del Verrocchio, con quien Leonardo se inició en diversas actividades, desde la pintura de retablos hasta la elaboración de grandes proyectos escultóricos en mármol y bronce.

En 1482 Leonardo entró al servicio de Ludovico Sforza el Moro, duque de Milán, tras haberle escrito una carta en la que el artista se ofrecía como pintor, escultor, arquitecto, además de ingeniero, inventor e hidráulico y donde afirmaba que podía

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franceses que la usaron como diana) y regresó a Florencia en 1500. De esta primera etapa milanesa también cabe citar algunos retratos femeninos como el de “La dama del armiño”.

Durante su estancia en Florencia, viajó un año a Roma. En 1502 entró al servicio de César Borgia en su calidad de arquitecto e ingeniero mayor del duque. Leonardo supervisó las obras en las fortalezas de los territorios papales del centro de Italia. En 1503, ya en Florencia, fue miembro de la comisión de artistas encargados de decidir sobre el adecuado emplazamiento del “David” de Miguel Ángel, y también ejerció de ingeniero en la guerra contra Pisa.

Realizó numerosos dibujos y completó un cartón en 1505, pero nunca llegó a realizar la pintura en la pared. El cartón se destruyó en el siglo XVII, conociéndose la composición a través de copias como la que realizó Petrus Paulus Rubens.

LA ÚLTIMA CENA Leonardo da Vinci (1495-1497)

De 1495 a 1497 trabajó en su obra maestra “La última cena”, pintura mural para el refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie, Milán.

Desgraciadamente, el empleo de una técnica experimental de pintura al óleo sobre yeso seco provocó problemas técnicos que condujeron a su rápido deterioro hacia el año 1500. Desde 1726 se llevó a cabo un largo proceso de restauración y conservación que culminó en 1999. Una vez completado el proceso, no exento de cierta polémica, han reaparecido muchos detalles ocultos durante años.

También se ha puesto de relieve el brillante colorido de la obra original, que había quedado ensombrecido por las restauraciones anteriores. Aunque la mayor parte de la superficie original se ha perdido, la grandiosidad de la composición y la penetración fisonómica y psicológica de los personajes dan una visión aproximada de su pasado esplendor.

Durante su segundo periodo florentino, Leonardo pintó varios retratos, pero el único que se ha conservado es el de “La Gioconda”, uno de los más famosos de toda la historia de la pintura, también conocido como “Mona Lisa”, al identificarse a la modelo con la esposa de Francesco del Giocondo, aunque se han barajado varias hipótesis sobre su verdadera identidad. Si algo merece destacarse de forma especial es la enigmática sonrisa de la retratada. Parece ser que Leonardo sentía una gran predilección por esta obra ya que la llevaba consigo en sus viajes. Fue nombrado pintor de la corte de Luis XII de Francia, que residía por entonces en la ciudad italiana.

Durante los seis años siguientes Leonardo repartió su tiempo entre Milán y Florencia, donde a menudo visitaba a sus hermanastros y hermanastras y cuidaba de su patrimonio. En Milán continuó sus proyectos de ingeniería y trabajó en el monumento ecuestre de “Gian Giacomo

Durante su larga estancia en Milán, Leonardo también realizó otras pinturas y dibujos, escenografías teatrales, dibujos arquitectónicos y maquetas para la cúpula de la catedral de Milán. Su mayor encargo fue el monumento ecuestre en bronce a tamaño colosal de “Francesco Sforza”; sin embargo, en diciembre de 1499, la familia Sforza fue expulsada de Milán por las tropas francesas. Leonardo dejó la estatua inacabada (fue destruida por los arqueros 11

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Trivulzio”, comandante de las fuerzas francesas en la ciudad. Aunque el proyecto no se llegó a finalizar, se conservan dibujos y estudios sobre el mismo. De esta misma época parece ser la segunda versión de la “Virgen de las rocas” y “Santa Ana, la Virgen y el Niño”. Se alojaba en el palacio del Belvedere en el Vaticano, y se ocupaba fundamentalmente de experimentos científicos y técnicos. En 1516 se trasladó a Francia.

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paisaje se difumina en la distancia, representa un núcleo de serenidad, mientras que los rostros y gestos de los discípulos exteriorizan el drama que supone este momento. Leonardo reintroduce, con la monumentalidad de la escena y el volumen de las figuras, un estilo que ya había iniciado 30 años antes Masaccio.

Aunque Leonardo dejó gran parte de su producción pictórica inacabada, fue un artista extremadamente innovador e influyente y aunque al comienzo de su trayectoria su estilo es rígido y duro en el tratamiento de las figuras, evolucionó hacia un estilo más LA EXPULSIÓN libre, de modelado DEL PARAÍSO más suave en el que (1427) Masaccio incluyó efectos atmosféricos.

La temprana Adoración de “Los Magos” introduce una nueva forma de composición, en la que las figuras principales quedan reagrupadas en el primer plano, mientras que en el fondo un paisaje con ruinas imaginarias y escenas de batalla se diluye en la lejanía.

MONA LISA (1503-1506) Leonardo da Vinci

La Gioconda, la obra más famosa de Leonardo, sobresale tanto por sus innovaciones técnicas como por el misterio de su legendaria sonrisa. La obra es un ejemplo consumado de dos técnicas —el sfumato y el claroscuro— de las que Leonardo fue uno de los primeros grandes maestros. El sfumato consiste en eliminar los contornos nítidos y precisos de las líneas y diluir o difuminar éstos en una especie de neblina que produce el efecto de inmersión en la atmósfera. En el caso de La Gioconda el sfumato se hace evidente en las gasas del manto y en la sonrisa. El claroscuro es la técnica de modelar las formas a través del contraste de luces y

Las innovaciones estilísticas de Leonardo se hacen patentes en “La última cena”, en la que recrea un tema tradicional de manera completamente nueva. En lugar de mostrar a los doce apóstoles aislados, los presenta agrupados de tres en tres dentro de una dinámica composición. Cristo —en el momento de anunciar la traición de uno de ellos— sentado en el centro y teniendo como fondo un triple ventanal en el que un 12

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sombras. En el retrato que nos ocupa las delicadas manos de la modelo reflejan esa modulación luminosa de luz y sombra, mientras que los contrastes cromáticos apenas los utiliza.

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Desgraciadamente, del mismo modo que frecuentemente podía fracasar a la hora de rematar un proyecto artístico, nunca concluyó sus planificados tratados sobre diversas materias científicas, cuyas teorías nos han llegado a través de anotaciones manuscritas. Los descubrimientos de Leonardo no se difundieron en su época debido a que suponían un avance tan grande que los hacía indescifrables, hasta tal punto que, de haberse publicado, hubieran revolucionado la ciencia del siglo XVI. De hecho, Leonardo anticipa muchos descubrimientos de los tiempos modernos.

En el campo de la anatomía estudió la circulación sanguínea y el funcionamiento del ojo. Realizó descubrimientos en meteorología y geología, conoció el efecto de la Luna sobre las mareas, anticipó las concepciones modernas sobre la formación de los continentes y conjeturó sobre el origen de las conchas fosilizadas. Por otro lado, es uno de los inventores de la hidráulica y probablemente descubrió el hidrómetro; su programa para la canalización de los ríos todavía posee valor práctico. Inventó un gran número de máquinas ingeniosas, entre ellas un traje de buzo, y especialmente sus máquinas voladoras, que, aunque sin aplicación práctica inmediata, establecieron algunos principios de la aerodinámica.

Especialmente interesantes en la pintura de Leonardo son los fondos de paisajes, en los que introduce la perspectiva atmosférica (creación de efectos de lejanía aplicando el sfumato y otros recursos ambientales). Asimismo, transformó la escuela de Milán y, en Parma, la evolución artística de Correggio (pintor italiano que anticipa el barroco) está marcada por la obra de Leonardo.

Los numerosos dibujos que se conservan de Leonardo revelan su perfección técnica y su maestría en el estudio de las anatomía humana, de animales y plantas. Estos dibujos se encuentran repartidos por museos y colecciones europeas como la del castillo de Windsor, Reino Unido, que constituye el grupo más numeroso.

Probablemente su dibujo más famoso sea su autorretrato de anciano A causa de que ninguno de los proyectos escultóricos de Leonardo fue finalizado, el conocimiento de su arte tridimensional sólo puede hacerse a través de sus dibujos.

Idénticas consideraciones pueden aplicarse a su arquitectura. Sin embargo, en sus dibujos arquitectónicos, demuestra maestría en la composición de volúmenes, claridad de expresión y, fundamentalmente, un profundo conocimiento de la antigüedad romana.

Un creador en todas las ramas del arte, un descubridor en la mayoría de los campos de la ciencia, un innovador en el terreno tecnológico, Leonardo merece por ello, quizá más que ningún otro, el título de Homo universalis.

Leonardo se destacó por encima de sus contemporáneos como científico. Sus teorías en este sentido, de igual modo que sus innovaciones artísticas, se basan en una precisa observación y documentación.

Comprendió, mejor que nadie en su siglo y aún en el siguiente, la importancia de la observación científica rigurosa.

Rafael (1483-1520) Pintor renacentista italiano considerado como uno de los más grandes e influyentes artistas de todos los tiempos.

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existido dudas respecto a algunas atribuciones. Entre las obras de Rafael realizadas en Perugia destacan dos grandes composiciones: “Los desposorios de la Virgen” (1504) y la tabla del retablo de “Città di Castello”, en la que representa la Crucifixión con dos ángeles, la Virgen y los santos Jerónimo, Magdalena y Juan Evangelista (1503).

En 1504, Rafael se trasladó a Florencia, donde estudió la obra de reconocidos pintores contemporáneos suyos, como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, de quienes aprendió sus métodos de representación de luces y sombras, sus estudios anatómicos y actitudes dramáticas. En esta época cambió su forma de pintar, basada en las composiciones geométricas y el interés por la perspectiva, hacia unas maneras más naturales y suaves. Su evolución durante el periodo florentino puede seguirse a través de sus numerosas “madonnas” (vírgenes).

El primer ejemplo es la “Madonna del (1504-1505).

Ejemplos Granduca” posteriores muestran la influencia de Leonardo en la expresión de serenidad y en los esquemas compositivos triangulares y equilibrados, como es el caso de “La bella jardinera” (1507-1508), y “La Virgen del jilguero”. La última de las vírgenes florentinas, la “Madonna del baldaquino”, forma parte de un retablo.

LOS DESPONSORIOS DE LA VIRGEN Rafael

Su nombre completo era Rafael Sanzio.

Nació en Urbino y su primera formación la adquirió de su padre, el pintor Giovanni Santi. En 1499 se trasladó a Perugia, en Umbría, y se convirtió en pupilo y ayudante del pintor Perugino. Durante este periodo realizó obras en un estilo muy próximo al de su maestro, hasta el punto de que han

Los encargos más importantes que Rafael recibió durante su estancia en Florencia procedían de Umbría. Su composición más original en este periodo es el “Entierro de Cristo”. Forma parte de un retablo y muestra la fuerte influencia de Miguel Ángel en la disposición y actitudes de los cuerpos y en el tratamiento anatómico de los mismos.

LA VIRGEN DEL JILGUERO Rafael (1505)

En 1508 Rafael se trasladó a Roma, requerido por el papa Julio II, quien le encarga la decoración mural de cuatro 14

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pequeñas habitaciones en el palacio de la Ciudad del Vaticano. En el techo de la primera de ellas, la “Stanza della Signatura” (1509-1511), están pintadas las alegorías de la Teología, la Filosofía, la Poesía y la Justicia, respondiendo a un programa iconográfico elaborado e intelectualizado. En una de las paredes, bajo la teología, se sitúa “La disputa del sacramento”, que representa la discusión del dogma de la Trinidad.

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le pone al frente de la dirección de todas las excavaciones arqueológicas en Roma y alrededores. Debido a sus numerosas actividades, sólo consiguió pintar parte de la “tercera stanza” del palacio del Vaticano, la del “Incendio del Borgo” (1514-1517). El resto es obra de sus ayudantes. De igual forma, para la cuarta cámara, la sala Constantina, simplemente realizó los bocetos preparatorios. Durante este periodo también diseñó diez tapices con los hechos de los apóstoles destinados a la Capilla Sixtina. Esos cartones o dibujos se encuentran en la actualidad en el Museo Victoria y Alberto de Londres. Rafael también proyectó la arquitectura y decoración de la capilla Chigi en la iglesia de Santa Maria del Popolo y la decoración de la villa Farnesina.

LA ESCUELA DE ATENAS Rafael (1510-1511)

Además de estas empresas mayores, ejecutó cierto número de pinturas de RETRATO DE JULIO II Rafael (1511-1512) caballete, entre las que destacan el retrato de Julio II (1511-1512); series de vírgenes, como la “Madonna Sextina”, y otras pinturas religiosas, como la Transfiguración, completada tras su muerte por el más notable de sus discípulos, Giulio Romano. Rafael murió al los 37 años en Roma. La gran mayoría de sus obras se encuentran en Londres, París, Roma y Florencia.

“La escuela de Atenas”, situada debajo de la Filosofía, representa un espacio arquitectónico abierto donde Platón, Aristóteles y otros filósofos discuten y argumentan. Bajo la Poesía se encuentra el célebre “Parnaso”, en el que el dios Apolo aparece rodeado por las musas y los grandes poetas. Por último, bajo la Justicia, se puede observar el fresco “Gregorio IX aprobando los Decretales”.

Stanza La segunda estancia, “La d´Heliodoro” (1512-1514), pintada por Rafael y sus discípulos, contiene escenas que representan el triunfo de la Roma católica sobre sus enemigos.

Tras la muerte del papa Julio II en 1513 y el ascenso de León X aumentan la influencia y las responsabilidades de Rafael. Se le nombra maestro mayor de la basílica de San Pedro en 1514, y un año después se 15

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Renacimiento en Latinoamérica - La llegada de los españoles al continente americano a finales del siglo XV, trajo consigo las primeras manifestaciones arquitectónicas de influencia europea que, aunque en un principio contenían elementos del gótico tardío, pronto adquirieron rasgos típicos del renacimiento español y más concretamente del plateresco (estilo decorativo de la última fase del Renacimiento comparado a los minuciosas decorados de los plateros y orfebres). El primer monumento de este estilo que se conserva en América Latina es la catedral de Santo Domingo. Fundada en 1523, destaca por el delicado trabajo de su portada obra del arquitecto Rodrigo Gil de Liendo. También en Santo Domingo se encuentra la iglesia del hospital de San Nicolás de Bari.

IGLESIA DE SANTA MARÍA EN FLORENCIA

O

TROS

REPRESENTANTES

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DEL

RENACIMIENTO -JACOPO BELLINI (Italia) -JIOVANNI BELLINI (Italia) -ANDREA MANTEGNA (Italia) -PIERO DELLA FRANCESCA (Italia) -ANDREA DEL VERROCHIO (Italia) -GIOVANNI BELLINI (Italia) -DONATELLO (Italia) -MASACCIO (Italia) -PAOLO UCCELLO (Italia) -LEON BATTISTA ALBERTI (Italia) -GIORGIONE (Italia) -TIZIANO (Italia) -SANDRO BOTTICELLI (Italia) -CORREGGIO (Italia) -ROSSO FLORENTINO (Italia) -GIORGIO VASARI (Italia) -BENVENUTO CELLINI (Italia) -TINTORETTO (Italia) -HERMANOS LIMBOURG (norte de Europa) -JAN VAN EYCK (Países Bajos) -HUGO VAN DER GOES (norte de Europa) -PIETER BRUEGUEL (norte de Europa) -ALBERTO DURERO (Alemania) -PEDRO BERRUGUETE (España) -FERNANDO YÁNEZ DE ALMEDINA (España).

En América alcanzaron gran desarrollo tres tipologías arquitectónicas que habían tenido escasa aplicación en el Viejo Mundo: el templo-fortaleza, la capilla abierta y las “posas”, una especie de pequeñas capillas situadas en las esquinas de los atrios abiertos. La primera tiene su origen en la España medieval y es de carácter defensivo. Uno de los ejemplos más representativos de este tipo de edificios es el convento de Yanhuitlán, en Oaxaca, México, que conserva, por razones funcionales, la estructura masiva y vertical de las construcciones defensivas medievales. La capilla abierta tuvo gran aceptación en México por razones de culto, ya que permitía oficiar la misa en un amplio espacio abierto al que tenía acceso la gran masa de nuevos catecúmenos.

En la segunda mitad del siglo XVI se empiezan a construir grandes catedrales en Latinoamérica. La austeridad compositiva de la catedral de Jaén, en España, proyectada por el arquitecto Andrés de Vandelvira, sirve de modelo a un buen número de templos del Nuevo Mundo, 16

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Actopan (Hidalgo), Huejotzingo (Puebla) y San Agustín de Acolman (estado de México). En Quito se desarrolló por iniciativa de la orden de San Francisco la primera escuela dedicada a la enseñanza de las artes decorativas, cuyo principal representante fue fray Pedro Bedón, fundador de la escuela quiteña Manierismoestilo que se desarrolló en Italia en el siglo XVI. Se caracteriza por el uso de modelos muy plásticos, figuras exageradas, a menudo con posturas DESCENDIMIENTO DE forzadas, un irreal LA CRUZ tratamiento del Manierismo Volterra espacio, con frecuencia de efectos dramáticos, y una aparente elección arbitraria del color.

PLANTA DE LA CATEDRAL DE MÉXICO

especialmente a aquellos diseñados por Francisco Becerra. La llamada “estructura salón”, creada por Vandelvira, se mantiene en las catedrales peruanas de Lima y Cuzco, proyectadas ambas por Becerra.

La disposición en tres naves, el crucero sin brazos y la ausencia de ábside, girola y cúpula, proporcionan al exterior un volumen cúbico casi perfecto. En México destacan de forma especial dos catedrales, la de Puebla, también de Becerra, y la de la ciudad de México, cuyas trazas pertenecen a Claudio de Arciniega. En Colombia se observa la influencia del español Juan de Herrera en los remates en bola de las pirámides superiores de la portada de la catedral de Tunja. Por último, en Quito, Ecuador, se encuentra la catedral de San Francisco, quizá uno de los ejemplos más hermosos de manierismo en América.

BARROCO _______________________________

En el terreno de la escultura alcanzaron especial renombre, por el refinamiento y la calidad técnica de sus obras, Juan de Aguirre y Quirio Cataño. La pintura, por el contrario, estuvo durante este periodo más supeditada a la herencia europea. El iniciador de la tradición de la pintura de caballete en América fue el flamenco Simón Pereyns durante el segundo tercio del siglo XVI. Sin embargo, la manifestación artística más genuina de este periodo fue la pintura al fresco. Algunos de los ejemplos más destacados de esta técnica se encuentran en los conventos de

Estilo

dominante en el arte y la arquitectura occidentales aproximadamente desde el año 1600 hasta el 1750. Sus características perduraron a lo largo de la primera mitad del siglo XVIII. Manifestaciones barrocas aparecen en el arte de prácticamente todos los países europeos, así como en las colonias españolas y portuguesas de América. El término barroco se aplica también a la literatura y la música de aquel periodo.

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como Rembrandt y Gian Lorenzo Bernini; no obstante, y pese a las diferencias, su obra tiene indudables elementos en común propios del barroco, como la preocupación por el potencial dramático de la luz.

Antecedentes históricos- La evolución del arte barroco, en todas sus formas, debe estudiarse dentro de su contexto histórico. Desde el siglo XVI el conocimiento humano del mundo se amplió constantemente, y muchos descubrimientos científicos influyeron en el arte; las investigaciones que Galileo realizó sobre los planetas justifican la precisión astronómica que presentan muchas pinturas de la época. Hacia 1530, el astrónomo polaco Copérnico maduró su teoría sobre el movimiento de los planetas alrededor del Sol, y no de la Tierra como hasta entonces se creía; su obra, publicada en 1543, no fue completamente aceptada hasta después de 1600. La demostración de que la Tierra no era el centro del Universo coincide, en el arte, con el triunfo de la pintura de género paisajístico, desprovista de figuras humanas. El activo comercio y colonización de América y otras zonas geográficas por parte de los países europeos fomentó la descripción de numerosos lugares y culturas exóticas, desconocidos hasta ese momento.

JUDIT Y HOLOFERNES Artemisia Gentileschi (1620) Primera mujer que fue reconocida como artista

Los orígenes de la palabra barroco no están claros. Podría derivar del portugués barocco o del castellano barrueco, término que designa a un tipo de perlas de forma irregular. La palabra es un epíteto acuñado con posterioridad y con connotaciones negativas, que no define el estilo al que hace referencia. De cualquier modo, a finales del siglo XVIII el término barroco pasó a formar parte del vocabulario de la crítica de arte como una etiqueta para definir el estilo artístico del siglo XVII, que muchos críticos rechazaron después como demasiado estrafalario y exótico para merecer un estudio serio. Algunos historiadores lo consideraron el final decadente del renacimiento; en “Conceptos fundamentales para la historia del arte” (1915), fue el primero en señalar las diferencias esenciales entre el arte del siglo XVI y el del XVII, afirmando que “el

La religión determinó muchas de las características del arte barroco. La Iglesia católica se convirtió en uno de los mecenas más influyentes, y la Contrarreforma (intento de revitalizar la iglesia y oponerse al protestantismo), contribuyó a la formación de un arte emocional, exaltado, dramático y naturalista, con un claro sentido de propagación de la fe. La austeridad propugnada por el protestantismo en lugares como Holanda y el norte de Alemania explica la sencillez arquitectónica que caracteriza a esas regiones.

barroco no es ni el esplendor ni la decadencia del clasicismo, sino un arte totalmente diferente”.

El arte barroco engloba numerosas particularidades regionales. Podría parecer confuso, por ejemplo, clasificar como barrocos a dos artistas tan diferentes

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Los acontecimientos políticos también tuvieron influencia en el mundo del arte. Las monarquías absolutas de Francia y España promocionaron la creación de obras que, con su grandiosidad y esplendor, reflejaran la majestad de Luis XIV y de la casa de Austria, en especial de Felipe III y Felipe IV.

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barroco fueron Carracci y Caravaggio. El arte de Caravaggio recibió influencias del naturalismo humanista de Miguel Ángel y el pleno Renacimiento. En sus cuadros aparecen a menudo personajes reales, sacados de la vida diaria, ocupados en actividades cotidianas, así como también apasionadas escenas de tema mitológico y religioso. La escuela de Carracci, por el contrario, intentó liberar al arte de su amaneramiento retornando a los principios de claridad, monumentalidad y equilibrio propios del pleno renacimiento. Este barroco clasicista tuvo una importante presencia a lo largo de todo el siglo XVII. Un tercer barroco, denominado alto barroco o pleno barroco, apareció en Roma en torno a 1630, y se considera el estilo más característico del siglo XVII por su enérgico y exuberante dramatismo.

Características del arte barroco- Entre las características generales del arte barroco están su sentido del movimiento, la energía y la tensión. Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas. Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas. La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva. El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia.

Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco, hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.

Arte Barroco en Italia - En Italia, la pintura, escultura y arquitectura barrocas evolucionaron a partir del manierismo. Este cambio fue consecuencia del Concilio de Trento en 1563, que reclamaba un arte capaz de instruir y suscitar la piedad por medio de la austeridad.

Entre los primeros y más influyentes artistas que acometieron la reforma sistemática del manierismo están los Carracci: Annibale Carracci, su hermano Agostino y su primo Ludovico. Fueron los tres artistas boloñeses que tuvieron mayor repercusión en Roma, el centro artístico más importante de la época. Fue su obra más importante, y constituyó un punto clave para la evolución posterior del clasicismo barroco, del que Annibale Carraci fue el principal precursor. El éxito de este estilo atrajo a artistas como Guido Reni, Domenichino y Francesco Albani, discípulos de los Carracci en Bolonia.

Otros clasicistas, como los pintores franceses Nicolas Poussin y Claudio de Lorena, llegaron del extranjero para trabajar en Roma. También Caravaggio se trasladó a Roma, donde encontró en

Las raíces del barroco se localizan en el arte italiano, especialmente en la Roma de finales del siglo XVI. El deseo universalista inspiró a varios artistas en su reacción contra el anticlasicismo manierista y su interés subjetivo por la distorsión, la asimetría, las extrañas yuxtaposiciones y el intenso colorido. Los dos artistas más destacados que encabezaron este primer 19

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Annibale Carracci a su rival más destacado.

Obras como “La vocación de san Mateo” y el “Martirio de san Mateo”, fueron bien acogidas, convirtiéndose Caravaggio en el maestro de toda una escuela de naturalistas barrocos. El naturalismo se propagó durante las dos primeras décadas del siglo XVII gracias a otros pintores italianos como Orazio Gentileschi, su hija Artemisia, Bartolomeo Manfredi y Battistello, y más tarde gracias a los extranjeros que fueron a trabajar a Italia, como el español José de Ribera, llamado el Españoleto. Aunque con menor importancia en la Italia posterior a 1630, el naturalismo mantuvo su enorme influencia en algunas zonas de Europa a lo largo de todo el siglo XVII.

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encuentran en la obra de Giovanni Battista Gaulli, llamado el Baccicio, como la “Adoración del nombre de Jesús” (16761679) que pintó para el techo de la nave mayor de la iglesia del Gesù en Roma, y en la de Andrea Pozzo, como la “Entrada de san Ignacio en el paraíso” (1691-1694), ubicada sobre la nave mayor de la iglesia de San Ignacio en Roma, en un alarde de perspectiva que finge arquitecturas en prolongación de las reales, y llega a simular incluso una gran cúpula que no existe. Este género de pintura, que exige grandes conocimientos matemáticos, recibió el nombre de cuadratura.

La reacción antimanierista en la escultura italiana tiene su primer ejemplo relevante en la Santa Cecilia de Stefano Maderno (1600). El gusto por lo curvilíneo, el dramatismo y la pronunciada torsión de los cuerpos son características que se repiten en sus primeros trabajos. Fue Gian Lorenzo Bernini, sin embargo, quien dominó la ÉXTASIS DE SANTA TERESA (1645-1642) escultura Gian Lorenzo Bernini barroca en Roma.

Entre sus primeros grupos escultóricos de grandes dimensiones, el “Rapto de Proserpina” (1621-1622) y “Apolo y Dafne” (1622-1624) muestran su dominio de la escultura en mármol, creando efectos realistas de gran tensión dramática, fuertes contrastes de luz y sombra. El “Éxtasis de santa Teresa” (1645-1652) resume a la perfección la elevada teatralidad que caracteriza al barroco. Bernini fue el artista predilecto de los papas, para quienes

Otro momento clave en la historia de la pintura barroca tuvo lugar a finales de la década de 1620. Algunos artistas intentaron introducir un efecto monumental en sus obras a partir de la representación de espacios ilimitados (ilusionismo). Una de las primeras obras maestras de este pleno barroco fue la “Asunción de la Virgen” (1625-1627) que Giovanni Lanfranco pintó en la inmensa cúpula de la iglesia de Sant’Andrea della Valle en Roma. Aunque este fresco tuvo su precedente en los techos renacentistas que Correggio pintó en Parma, admiró a los espectadores de la época por sus exuberantes artificios. Las obras de Lanfranco en Roma y en Nápoles fueron fundamentales para el desarrollo de este tipo de pintura en Italia.

La pintura al fresco de bóvedas y techos mediante la creación de ilusiones perspectivas y grandes escenas unitarias vistas de abajo a arriba fue una técnica muy empleada por los pintores del pleno barroco. Pietro Berrettini, llamado Pietro da Cortona, la manejó de manera extraordinaria en obras como los techos del gran salón del palacio Barberini en Roma (1633-1639). Otras muestras se 20

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realizó los proyectos más ambiciosos en el Vaticano. Tanto el inmenso “baldaquino” (1624-1633), un enorme dosel sobre columnas salomónicas que cubre el altar mayor de la basílica de San Pedro, como la Cátedra de San Pedro (1657-1666), en el ábside de la basílica vaticana, atestiguan con su colosal tamaño y ricos materiales (mármol y bronce dorado) el suntuoso esplendor de la Iglesia católica. Bernini fue también un excelente retratista, como puede verse en los bustos de “Constanza Buonarelli” y del “Papa Inocencio X”.

Las fuentes se convirtieron en uno de los monumentos públicos más representativos del barroco, un aspecto en el que también destacó el polifacético Bernini. Su fuente de los Cuatro ríos (1648-1651) en la romana plaza Navona, impresiona al espectador por sus gigantescas estatuas, el enorme obelisco egipcio que remata su centro y los efectistas juegos de agua.

Bernini fue también un notable e influyente arquitecto con el que sobresale también Carlo Maderno, conocido principalmente por la conclusión de San Pedro del Vaticano. Entre 1606 y 1612 prolongó la nave de la basílica y levantó la fachada monumental de esta iglesia iniciada por Donato Bramante cien años antes aproximadamente. Además de Bernini y Maderno, uno de los arquitectos más destacados de la Roma barroca fue Francesco Borromini que con la elegante fachada de San Carlo alle Quattro Fontane (1665-1667) en Roma, con sus ritmos cóncavos y convexos trasladados al interior mediante una planta oval, se considera la culminación del estilo barroco en Italia.

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segunda mitad. En arquitectura persistió la severidad y austeridad formal. La necesidad de lujo se manifestó sobre todo en elementos decorativos como retablos dorados, frescos, fachadas, hornacinas o columnas salomónicas, que según transcurría el siglo lo iban recubriendo todo.

La temprana aparición del naturalismo barroco en España estuvo motivada por la influencia de Italia y, sobre todo, por la importancia política de la Iglesia católica.

EL AGUADOR DE SEVILLA Diego Velázquez (1619)

Durante el barroco, los artistas españoles se centraron principalmente en cuatro grandes géneros. En primer lugar se

LUCHA DE HÉRCULES CON LA HIEDRA DE LERNA (1634) Francisco de Zurbarán

encuentra, sin lugar a dudas, la pintura de tema religioso, destinada a representar historias sagradas y dogmas de fe; en segundo lugar están el género profano, el retrato y el bodegón. Este último, también llamado naturaleza muerta, alcanzó en España un alto grado de desarrollo.

Arte Barroco en España - Durante el siglo XVII la pintura española atravesó uno de los momentos culminantes de su historia, pasando del realismo tenebrista de la primera mitad del siglo, al colorismo y la luminosidad de influencia flamenca de la 21

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El florentino Vicente Carducho contribuyó materialmente al establecimiento en el centro de España del estilo pictórico antimanierista propugnado por la Contrarreforma. Juan Sánchez Cotán y Juan van der Hamen destacaron por el realismo de sus bodegones (naturalezas muertas) en los que combinan la influencia flamenca con la de Caravaggio. En Valencia, el naturalismo se puede apreciar en la obra del pintor Francisco Ribalta, conocedor del arte italiano del renacimiento, de la pintura de Tiziano, de Caravaggio y de su paisano José de Ribera, que desarrolló su actividad artística en Nápoles. Sevilla y Madrid se convirtieron en los dos centros principales del arte barroco español. Así, a comienzos del siglo XVII las características típicas del barroco se aprecian ya en los cuadros de Francisco Pacheco y Francisco de Herrera el Viejo.

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De su etapa juvenil en Sevilla sobresalen obras como la “Vieja friendo huevos” (1618) y la “Adoración de los Magos” (1619). En 1623 se trasladó a Madrid como pintor de corte de Felipe IV, cargo que ocupará ya toda su vida. Sus series de retratos reales culminaron con “Las Meninas” (1656) retrato colectivo de las infantas, las meninas y otros personajes de la corte, en el que aparece también el propio pintor. Maestro en el tratamiento de los volúmenes, la forma y el color, y pionero de la perspectiva aérea y las grandes pinceladas, Velázquez destacó también por sus cuadros de tema histórico, como “La rendición de Breda” (1635) y mitológico, con obras como “La fragua de Vulcano” (1630) y la “Venus del espejo” (1650).

Contemporáneo de Velázquez fue el granadino Alonso Cano, escultor, arquitecto y pintor célebre por sus

Francisco de Zurbarán, afincado en Sevilla desde 1629, fue el pintor monástico por antonomasia; nadie como él supo representar con más sencillez el fervor religioso de la vida monástica MEDITACIÓN Francisco de contrarreformista.

Zurbarán Los volúmenes simples, la sencillez compositiva y el tenebrismo, caracterizado por los fuertes contrastes de luz y sombra, definen el estilo que no cambiará hasta los últimos años de su vida, cuando la influencia de Bartolomé Esteban Murillo le lleve a experimentar con una pincelada más suelta y ligera y un uso más vaporoso de los colores. Diego Velázquez, el pintor más importante del barroco español, se moverá entre el naturalismo de la primera mitad del siglo XVII y el barroquismo de la segunda.

LAS MENINAS Diego Velázquez

delicadas representaciones del cuerpo humano, como muestra el “Descenso al limbo” (1650), uno de los pocos ejemplos de desnudo en el barroco español. Murillo, pintor sevillano algo más joven que Velázquez, fue el maestro de la gracia y 22

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delicadeza femenina, encarnando un tipo de devoción plenamente sentimental que evidencian sus representaciones del “Niño Jesús” y la “Inmaculada Concepción”. La última fase del barroco sevillano tiene en Juan de Valdés a su mejor representante.

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pintan (policromía) e incluso a veces llegan a emplearse ojos de cristal, vestimentas auténticas y pelo natural. Entre los trabajos más destacados de escultura barroca española se encuentran los retablos para los altares de las iglesias, algunos de ellos de considerable tamaño y riqueza, realizados por equipos de escultores y arquitectos. Los principales escultores fueron Gregorio Fernández, máximo exponente de la escuela castellana, con impresionantes tallas de Inmaculadas, Piedades y Cristos yacentes; y los representantes de la escuela andaluza, en especial Juan Martínez Montañés, Pedro de Mena, Juan de Mesa y Alonso Cano. Estos últimos repartieron entre Sevilla y Granada buena parte de sus Cristos crucificados, Inmaculadas, santos y otros temas típicos de los pasos procesionales, para los que iban destinadas muchas de estas imágenes cargadas de realismo, expresividad y fervor religioso.

JEROGLÍFICOS DE LAS POSTRIMERÍAS (1671-1672) Juan de Valdés Leal

La sobria austeridad geométrica impuesta por Juan de Herrera en el monasterio de El Escorial se mantuvo en la arquitectura barroca española de la primera mitad del

Entre sus obras destacan los dos “Jeroglíficos” de las postrimerías (1672) representaciones de la caducidad de la vida y las postrimerías del hombre) del hospital de la Caridad de Sevilla, escalofriantes pinturas de esqueletos y cuerpos putrefactos plenas de morbidez y exacerbado realismo. En Madrid, la última generación de pintores barrocos incluye a artistas como Claudio Coello, cultivador de un estilo decorativo de clara influencia italiana.

El arte italiano apenas tuvo influencia sobre la escultura barroca española, inclinada, esencialmente, a la tradicional talla en madera policromada. El realismo y la intensa preocupación por el detalle, puestos al servicio del fervor religioso contrarreformista, son sus características fundamentales; las figuras generalmente se

MONASTERIO DE “EL ESCORIAL” Juan de Herrera (1563-1583)

siglo XVII. Los ideales contrarreformistas y el espíritu de la casa de Austria facilitaron la pervivencia de este modelo arquitectónico, tal como se aprecia, por 23

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ejemplo, en las construcciones de Juan Gómez de Mora. El gusto por formas cada vez más ricas lleva, a partir de mediados de siglo, a eliminar los vestigios herrerianos, enriqueciendo la decoración con múltiples elementos naturalistas localizados en los vanos de las fachadas.

Ya en el siglo XVIII la riqueza y fantasía decorativas alcanzan su apogeo con las construcciones de la familia Churriguera, especialmente en Madrid y Salamanca, así como también en la obra de arquitectos como el madrileño Pedro de Ribera y el gallego Fernando Casas Novoa, autor de parte de la fachada de la catedral de Santiago de Compostela.

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físicos, la frecuencia de terremotos en algunas zonas como Guatemala o Perú determinó ciertos patrones estéticos, al tiempo que conducía al desarrollo de técnicas constructivas especialmente resistentes a los movimientos sísmicos como la quincha (entramado de cañas atadas con cordobán aglutinado con barro).

El barroco en Hispanoamérica es esencialmente decorativo, ya que aplica un lenguaje ornamental a esquemas constructivos y estructurales inalterados desde los comienzos de la arquitectura hispanoamericana. La presencia de ciertos elementos como el arco toral, marcan formalmente los estilos de ciertas regiones. En regiones donde el clima propiciaba un entorno natural austero, florecieron las denominadas fachadasretablo. Su principal finalidad, como en la iglesia de San Francisco de Quito, es repetir en el exterior la exuberancia decorativa del interior. La presencia del color es otro rasgo característico del barroco colonial; se manifiesta, sobre todo, a través de la piedra, el ladrillo revocado en blanco, la tintura de almagre (óxido rojo de hierro), la yesería policromada (pintura de varios colores) y los azulejos Otros elementos arquitectónicos propios del barroco americano son la espadaña (campanario o torrecilla) y la proliferación de formas mixtilíneas y el soporte antropomorfo.

Arte Barroco en Latinoamérica- Durante los siglos XVII y XVIII, la arquitectura barroca latinoamericana conservó las pautas

Los dos grandes focos, donde con más intensidad iba a encontrar eco el nuevo estilo, son el virreinato de Nueva España (especialmente en el territorio actual de México y Guatemala) y las ciudades peruanas de Cuzco y Lima. Si en todas ellas la influencia española es evidente, en Brasil la tendencia fue seguir los modelos portugueses.

RETABLO EN LA IGLESIA DE SAN FRANCISCO EN POPAYÁN ARTE BARROCO

marcadas por la península Ibérica pero con algunas peculiaridades. Una de ellas es su extraordinaria diversidad, condicionada por el propio medio físico, la gran variedad de materiales existentes en cada área geográfica y la presencia de un pasado precolombino. Entre los condicionantes

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En pintura, la obra de Francisco de Zurbarán causó un profundo impacto e influencia en otros artistas. A finales del siglo XVII y principios del XVIII, la escuela Sevillana de Bartolomé Esteban Murillo, ejerció una gran influencia en algunos pintores del Nuevo Mundo. Así mismo, fue decisiva la llegada a finales del siglo XVII de artistas europeos para crear una escuela como la cuzqueña que combinaba las formas decorativas indígenas con las europeas, en especial las de la escuela flamenca, siempre ricamente decoradas en oro.

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EL JUICIO DE PARÍS (1639) Petrus Paulus Rubens

barroco se propagó rápidamente por el norte de Europa. Cada país, no obstante, dependiendo de su particular situación política, religiosa y económica, evolucionó hacia diferentes versiones del estilo.

El mismo sentido decorativo afectará a la escultura ornamental, presente en los interiores y exteriores de las numerosas iglesias barrocas que, con un estilo extremadamente recargado, se construyeron a lo largo de las colonias españolas.

El barroco en Flandes está dominado por la brillantez de Rubens.

Durante los años de juventud, el estilo pictórico de Rubens recibió influencias de fuentes italianas AUTORRETRATO DE REMBRANDT tan diversas como Caravaggio y Miguel Ángel. Rubens y sus ayudantes realizaron un considerable número de cuadros de temas mitológicos y religiosos para clientes y mecenas de toda Europa. El estilo maduro de Rubens, colorista, de composiciones dinámicas y voluptuosas formas femeninas, marca el apogeo de la pintura barroca en el norte de Europa, Entre los seguidores de Rubens el de más talento fue sin duda Anthony van Dyck, prestigioso pintor de la corte y la aristocracia inglesas. “El juicio de Paris” (1639) de Rubens representa el mito griego en el que Paris debe decidir cual de las tres deidades es más hermosa. El

Arte Barroco en el norte de Europa Desde Italia, donde recibieron su formación los principales artistas del periodo, el

CONVERSIÓN DE SAN PABLO CARAVAGGIO (1601)

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sentido del movimiento y el dramatismo lumínico caracterizan la pintura del artista flamenco.

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los estilos italiano y flamenco, que a su vez influenciaron las colonias inglesas.

Al comienzo del siglo XVII en Francia, la escuela manierista de Fontainebleau estilo que transformó el manierismo italiano en un estilo más elegante, propio de la estética cortesana) mantenía su actividad gracias a los encargos para el castillo de Fontainebleau. El naturalismo barroco evolucionó de la mano de artistas que había vivido en Italia, y de aquellos otros que habían tenido relación con los pintores flamencos naturalistas.

De enorme trascendencia en la historia de la pintura barroca francesa fue el clasicismo de Nicolas Poussin. Aunque vivió en Roma la mayor parte de su vida, la influencia de Poussin en su país natal fue enorme. La segunda mitad del siglo XVII abrió paso a un arte plenamente barroco, donde se combinaba el clasicismo precedente con los nuevos gustos dictados por la

El barroco de Caravaggio llegó a Holanda cuando determinados artistas, retornaron a su país natal procedentes de Italia; hacia 1620 el naturalismo estaba fuertemente asentado en la escuela de Utrecht (centro de los países bajos). Durante esa década y la siguiente, Frans Hals pintó retratos extraordinarios por su hábil pincelada y por el intimismo de los temas. Muchos de los cuadros de Hals representan grupos de la milicia local, un género que también practicó Rembrandt en su famoso cuadro “La ronda de noche” (1642). Diferente al resto de artistas holandeses, Rembrandt, el maestro más grande del barroco holandés, pintó una gran variedad de temas (retratos, paisajes y escenas históricas, mitológicas y religiosas) con incomparable virtuosismo. El manejo de la luz dorada sobre los fondos oscuros, la pincelada arriesgada y la delicada interpretación de los temas, colocan a Rembrandt en uno de los lugares más destacados de la historia de la pintura.

Hasta 1650 aproximadamente, la escultura holandesa se mantuvo dentro de la corriente manierista; la exuberancia barroca se introdujo a través de los escultores flamencos; en el ahora palacio real, se resume la constante inclinación de la época hacia el clasicismo, inspirado en los cánones del arquitecto italiano Andrea Palladio.

PALACIO DE VERSALLES SIGLO XVII

Academia de Bellas Artes, ejemplificado en los frescos de Charles Lebrun para el palacio de Versalles.

El palacio de Versalles (comenzado en 1661), construido para albergar la corte de Luis XIV, es el monumento arquitectónico más importante del barroco francés.

Barroco en Inglaterra y Francia- La pintura barroca en Inglaterra estuvo dominada por la presencia de Van Dyck, inspirador de una generación entera de retratistas. La escultura recibió influencias, igualmente, de

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La escultura del siglo XVII en Alemania y Austria conservó las características del gótico tardío y el manierismo. En Viena, al igual que en Dresde, la arquitectura barroca encontró entre los monarcas a sus mejores mecenas. _______________________________

PALACIO DE VERSALLES

Su dedicación al Rey Sol, sus estrictas formas clásicas, sus vastos y complejos jardines y los suntuosos interiores, estaban destinados a mostrar la gloria y el poder del monarca; dio origen a imitaciones encargadas por los reyes absolutistas de toda Europa. Un proyecto igualmente grandioso, sutil y delicado, fue la ampliación del palacio (actual museo) del Louvre (1660-1680), encargada a Bernini en un primer momento pero definitivamente realizada por Le Vau, Lebrun y Claude Perrault entre otros.

Barroco en Austria y Alemania- Aunque los acontecimientos políticos (guerra de los Treinta Años, 1618-1648 en Alemania y presencia de los turcos en Austria) impidieron el desarrollo del barroco en ambos países hasta el siglo XVIII, algunos artistas importantes se destacaron a lo largo del siglo XVII. Dos maestros de la pintura barroca alemana fueron Adam Elsheimer, que se trasladó a Roma en 1600 y pintó dentro de la corriente clasicista italiana, y Johann Liss, que viajó a Venecia en 1621, trabajando allí y también en Roma.

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