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MODERNISMO
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que corresponde al estado psicológico de la clase social. Se ha dicho que el Modernismo es joven, floreal, nuevo; por esa razón ha recibido varios nombres como: Art Nouveau o Liberty Style. Adquiere gran importancia el Diseño y las Artes.
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En la última década del siglo XIX y la primera del siglo XX comienza a sentirse un espíritu de renovación industrial. El Modernismo trae un componente vitalista de esperanza, creyendo que lo industria contribuye al avance en lo material y espiritual. Es un movimiento de gran ámbito geográfico. El Modernismo transmite la idea de agilidad a través de líneas curvas y motivos inspirados en la naturaleza, tendencias que serán llevadas a todos los ámbitos para que las sociedades los identifiquen y se familiaricen con el sentimiento. Es un estilo internacional, una manifestación urbana y burguesa creando una necesidad de renovación y cambio pretendiendo crear tendencias nuevas sin referentes temáticos tradicionales.
Arte Nouveau También modernismo en el arte, denominación que literalmente significa:”arte nuevo” y se utiliza para designar un estilo de carácter complejo e innovador que se dio en el Arte y Diseño europeos durante las dos últimas décadas del siglo XIX y la primera del siglo XX. En los diferentes países toma el nombre correspondiente. Se manifestó en un amplio abanico de formas artísticas (arquitectura, interiorismo, mobiliario, carteles, vidrio, cerámica, textiles e ilustración de libros) y se Vasijas de Tiffany caracterizó por Art Nouveau su tendencia a utilizar líneas curvas y ondulantes semejantes a latigazos. El término se tomó de La Maison de l’Art Nouveau, tienda que abrió el marchante Sigfried Bing en París en 1896.
La primera manifestación del modernismo se presenta en el mobiliario y los objetos de uso, con un fuerte componente ornamental. Se inspira en la flora y la fauna en procesos de estilización, pudiendo llegar así a la abstracción. Se rechazan los esquemas simétricos en pro de lo
El Art Nouveau, cuyos antecedentes pueden encontrarse en el arte de los prerrafaelistas e incluso en el poeta visionario del siglo XVIII William Blake, surgió como consecuencia de los postulados del Arts & Crafts, fundado por William Morris en 1861. A la vista del
Casa Batlló (1904-1906) – Antonio Gaudí Art Nouveau
ondulado, lo cual transmite vitalidad, fuerza, asimetría e irregularidad. Se intenta expresar un componente de optimismo, 52
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incremento de la producción en serie, y de la mala calidad de los diseños y la realización que ello conllevaba, este movimiento pretendió recuperar los diseños y la elaboración de buena calidad. Basándose en los postulados del Arts & Crafts, el Art Nouveau los reelaboró para crear un estilo completamente nuevo que, en oposición al historicismo ecléctico (selecto) de la época victoriana, no hiciera referencia a estilos del pasado.
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tendencia artística de la segunda mitad del siglo XIX que luchó por revitalizar la artesanía y las artes aplicadas durante una época de creciente producción en serie, surgió en 1861, cuando el diseñador inglés William Mesa diseñada por Morris fundó la Charles Rennie empresa Mackintosh – Arts & Graft Morris, Marshall, & Faulkner, argumentando que la verdadera base del arte residía en la artesanía, Morris y sus seguidores atacaron la esterilidad y fealdad de los productos hechos a máquina, dedicando su actividad a la producción de tejidos, libros, papel pintado y mobiliario hecho a mano.
El Art Nouveau se caracteriza por utilizar líneas curvas muy largas basadas en sinuosas formas vegetales y con frecuentes elementos fantásticos. Fue, sobre todo, un estilo decorativo y como tal se utilizó con gran éxito en metalistería, joyería, cristalerías e ilustración de libros, en los que queda patente la influencia de los grabados japoneses. Hacia 1910 este estilo estaba en decadencia y tras la Iª Guerra Mundial fue reemplazado por la impecable elegancia del Art Déco. Nunca fue un estilo generalizado, ya que las mejores obras resultaban costosas y no podían producirse en serie, pero volvió a estar en boga a mediados del siglo XX. El Art Nouveau tuvo un papel fundamental en el desarrollo de la historia del arte, sobre todo en el campo de la arquitectura. Con su rechazo del estilo convencional y su nueva interpretación de la relación entre arte e industria, los seguidores de este estilo prepararon el camino para el arte y la arquitectura contemporánea.
Este movimiento fue el principal precursor del estilo Art Nouveau, y por su énfasis en la sencillez de los materiales y de los revestimientos fue una de las fuentes del modernismo del siglo XX. Art Déco Innovador estilo de diseño que fue muy popular en las décadas de 1920 y 1930. Se utilizó principalmente en mobiliario, joyería, vestimenta, cerámica y diseño de interiores. Sus formas estilizadas transmitían elegancia y sofisticación. Aunque el estilo cobró forma en la década de 1920, el término Art Déco no se aplicó hasta 1925 cuando se celebró la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, importante muestra de diseño que se realizó en París.
William Morris y el movimiento Arts & Graft William Morris polifacético, ensayista, escritor, conferencista, político, creador de empresas, etc. Se le identifica con el socialismo y reivindica la postura del artesano, a la vez que se interesa por el diseño. El movimiento Arts & Graft 53
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El Art Déco surgió como reacción a la sinuosidad y exceso de elaboración del Art Nouveau, característico del cambio de siglo, y a la vez como una estética nueva para celebrar el auge de la maquinización que iba ganando terreno. Su principal característica es la utilización de líneas definidas, contornos nítidos y formas
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comercio intenso con Europa, se comparan con las urbes estadounidenses y producen un movimiento de ideas favorables a la modernización de las viejas estructuras heredadas de la colonia y las guerras civiles. A la vez estos años son los de la confrontación entre España y Estados Unidos por la hegemonía en el Caribe, que terminó con el desastre colonial de 1898, hecho que dará nombre a la generación del 98∗, que tuvo importantes relaciones con el Modernismo. En América la definitiva salida de los españoles planteaba el dilema de reafirmarse en su carácter hispánico o latino, para lo cual se remontan las fuentes de los clásicos de Grecia y Roma, cribados por los modelos franceses. Las ciudades copian a París y los escritores buscan nuevas referencias culturales en la contemporánea poesía francesa: Charles Baudelaire y su descubrimiento de la “horrenda belleza”, sucia y efímera, de la moderna ciudad industrial; Arthur Rimbaud, el cual, lo mismo que el estadounidense Walt Whitman, hallará que la vida industrial es un nuevo género de hermosura; Paul Verlaine (ver simbolismo) y su culto al Parnaso, como el lugar donde viven y escriben los aristócratas de las letras.
Mesa de Ruhlmann Jacques Émile Ruhlmann – Art Déco
elegantes y simétricas. También se asocian a este estilo los colores primarios brillantes, la utilización de cromados, esmaltes y piedras muy pulidas, y los diseños de inspiración egipcia y griega. Aunque los objetos Art Déco más refinados no se producían de forma masiva, su inherente simplicidad hacía que fueran fácilmente adaptables a un tipo de producción en serie de objetos menos refinados como la bisutería, las vajillas y demás utensilios de uso doméstico corriente.
CONTEXTO SOCIO CULTURAL _______________________________
El Modernismo coincide con un
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La generación del 98, a veces asociada con el modernismo literario, reflejó en gran medida las oscilaciones ideológicas de algunos de sus integrantes, según lo ha estudiado Carlos Blanco Aguinaga en su Juventud del 98 (de las posturas socialistas y anarquistas a cierto énfasis nacional de corto alcance).Representantes: Antonio Machado – Ramón del Valle Inclán – José Ortega y Gasset – Pío Baroja – Vicente Velasco Ibáñez – Azorín.
rápido y pujante desarrollo de ciertas ciudades hispanoamericanas, que se tornan cosmopolitas y generan un 54
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expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de trazo muy marcado, desprovisto de dramatismo lumínico. El fauvismo es la expresión parisina de lo que ha representado el expresionismo alemán.
AUVISMO
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En 1905, en el Salón de Otoño
Sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges Braque, Albert Marquet, y Henri Matisse, su principal exponente. El término fauves nunca fue aceptado por los propios pintores y, de hecho, no describe de ningún modo su intención subjetiva ni el lirismo de sus imágenes.
de París, se presentó una exhibición con un
totalmente nuevo estilo y concepto pictórico. El crítico de arte Louis Vauxcelles asistió a ver los cuadros colgando en el salón y después de contemplar los trabajos exclamó: "Esta sala es un rincón de fieras". Sin intentarlo, había puesto nombre a esta nueva tendencia artística: Fauvismo. Palabra francesa que significa fiera en español. Es la primera manifestación del siglo XX. Aunque los temas son los mismos del Impresionismo, el Fauvismo es lo contrario de los Impresionistas quienes ponen la luz natural como origen del color, los Fauvistas, en cambio, intentan producir la luz con el
Técnicamente, el uso fauvista del color derivó de los experimentos realizados por Matisse en Saint-Tropez durante el verano de 1904, donde contactó con los pintores que aplicaban pequeñas manchas de color puro para conseguir una imagen óptica más científica que la de los impresionistas. Los cuadros neoimpresionistas (ver Neoimpresionismo) de Matisse, mientras siguió estrictamente estas reglas, ya mostraban un pronunciado interés por el lirismo del color. En el verano de 1905, Matisse y Derain pintaron juntos en Collioure con una luz dorada que elimina sombras. Empezaron a usar los colores complementarios puros, en pinceladas vigorosas y uniformes, obteniendo así campos lumínicos más que representaciones objetivas de la luz. Con su colorido estridente, estos cuadros evocan en el espectador el espíritu del Mediterráneo. Cuando ambos conocieron las pinturas de los mares del Sur de Gauguin, se confirmaron en sus teorías sobre la subjetividad del color y se consolidó el movimiento fauvista.
PUENTE DE LONDRES (1906) ANDRÉ DERAÍN – OBRA FAUVISTA
color. Hay explosión de colores puros.En este movimiento pictórico francés de escasa duración (entre 1904 y 1908, aproximadamente) que revolucionó el concepto del color en el arte contemporáneo, los fauvistas rechazaban la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en favor de los colores violentos, introducidos por los postimpresionistas Paul Gauguin y Vincent van Gogh, para crear un mayor énfasis
Matisse rompió definitivamente con la representación naturalista (óptica) del color: la nariz de una mujer puede representarse con una mancha verde si con 55
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ello se añade expresividad a la composición; su expresión en repetidas veces fue: “Yo no pinto mujeres, pinto cuadros”.
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dentro de la tradición académica y conservadora, por lo que su primer estilo consistía en una forma convencional de naturalismo, realizando numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos. A su vez, estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación, que le valió una reputación de miembro rebelde en las clases del estudio. La verdadera liberación artística de Matisse, en términos del uso del color como configurador de formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Paul Gauguin, Paul Cézanne y Vincent van Gogh, cuya obra estudió con detenimiento desde 1899 aproximadamente. Más tarde, entre 1903 y 1904, Matisse se enfrentó a la pintura puntillista de Henri Edmond Cross y Paul Signac. Ambos estaban experimentando con la yuxtaposición de pequeñas pinceladas (a menudo puntos) de pigmento puro para crear fuertes vibraciones visuales de color intenso sobre la superficie del cuadro. Matisse adoptó esta técnica pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. Hacia 1905 había producido unas imágenes cuya audacia cromática rompía con todo lo anterior. Entre estas obras destaca “Raya verde”, un retrato con notas expresionistas de su mujer. El título deriva de la amplia pincelada de verde NATURALEZA brillante que define MUERTA CON la frente y la nariz LIBRO de su esposa. Ese mismo año Matisse expuso junto a pintores de la misma tendencia como André Derain y Maurice de Vlaminck. Como consecuencia de esta exposición, el grupo es bautizado como les fauves por su uso estridente del color, distorsión de las formas y su sentido
Cada pintor fauvista experimentó con las premisas del estilo a su modo. Hacia 1908, no obstante, todos habían abandonado su vinculación al grupo, aunque mantuvieron en su obra la constante del colorido como elemento expresivo de la pintura. Henri Matisse (1869-1964) Pintor francés líder del fauvismo. Está considerado como una de las grandes personalidades en la configuración del arte del siglo XX, maestro a la hora de expresar sentimientos a través del uso del color y la forma.
LA DANZA (1910) Henri Matisse
Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, en el norte de Francia, el 31 de diciembre de 1869, en el seno de una familia de clase media. Estudió derecho en París entre 1887 y 1889. Comenzó a ejercer como abogado; sin embargo, en 1890, mientras se recuperaba de una apendicitis, se sintió atraído por la pintura. En 1892 abandonó su carrera de abogado y fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa. Su primera formación la realizó 56
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expresionista emociones.
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en
la
captación
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Desde 1920 hasta su muerte, Matisse pasó mucho tiempo en el sur de Francia, sobre todo en Niza, pintando escenas locales de colorido fluido y brillante. Cuando contaba con una edad avanzada se le encargó la decoración de la capilla de Santa María del Rosario en Vence (cerca de Cannes), que terminó entre 1947 y 1951. Durante sus últimos años, debido a la dificultad a la hora de manejar el pincel y a su estado a menudo de postración, se entregó al découpage (técnica de papeles gouacheados y recortados), creando obras de un brillante colorido.
El bodegón representó un papel central en la maduración pictórica de Matisse. Su primer cuadro fue una “Naturaleza muerta con libros”. En 1902, año de ejecución de “Las flores amarillas”, atravesaba lo que algunos han calificado como el periodo oscuro, que acabó en 1904, periodo de obras de enorme energía que estallaría en las pinturas fauves de 1905. A medida que fue considerado como el cabecilla del radicalismo artístico, Matisse se ganó la aprobación de la crítica influyente y de los coleccionistas, como la de la escritora estadounidense Gertrude Stein y su familia. Entre los encargos más importantes que recibió se encuentra el del coleccionista ruso que le pidió unos paneles murales ilustrando temas de danza y música: La Música y La Danza (acabados ambos en 1911; hoy en el Ermitage, San Petersburgo). Sus figuras de bailarines, y, en general, todas sus figuras humanas, responden, en primer lugar, a la expresividad de la forma, y sólo secundariamente a los detalles anatómicos. Este principio se extiende a otros campos como el de las esculturas en bronce, dibujos y obras en diversos medios gráficos. Matisse, junto al contenido intelectual, siempre destacó la importancia del instinto y la intuición en su producción artística. Afirmaba que un artista no tiene un completo dominio sobre formas y colores, sino que son las propias formas, líneas y colores los que deben dictar al artista sensible el modo en que deben ser combinadas. A menudo aludía al gozo que experimentaba al abandonarse al juego de las fuerzas del color y el diseño y explicaba las formas rítmicas pero distorsionadas de muchas de sus figuras en términos de la revelación de una armonía pictórica total.
"La Danza" En esta obra Matisse combina la pintura y la danza, no sólo como concepto de armonía, sino como objetos pictóricos y, además, sólo usa tres colores para crear ese sentido incandescente donde los bailarines parecen flotar con ritmo. Matisse a diferencia de otros artistas, tuvo un reconocimiento internacional durante su vida, gozando del favor de los coleccionistas, críticos de arte y de la generación de artistas más jóvenes. En 1952 se inauguró el Museo Matisse en su ciudad natal. Raoult Dufy (1877-1953)
ESTUDIO Raoul Dufy
Pintor, artista gráfico y diseñador textil francés. Estudió durante un corto periodo en la Escuela de Bellas Artes de París.
En un principio Dufy estuvo sometido a la influencia de los impresionistas, pero en 57
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1902 conoció a Henri Matisse y a otros pintores fauvistas, que trabajaban con colores llamativos e irreales y atrevidas formas, y adoptó este estilo al que añadió un trazo vigoroso y espontáneo. Su estilo fue muy peculiar por trasladar a la pintura el tema del vitral con los bordes en negro para traducir el mismo esquema de influencia bizantina. Poco a poco su obra se hizo más amable, alegre y luminosa, mostrando un predominio cada vez mayor de la línea, características que fueron más evidentes en sus acuarelas. Los temas favoritos de Dufy eran los barcos de vela, las carreras de caballos y otras actividades al aire libre en lugares de moda, como “Carreras de caballos en Deauville”. También pintó flores, instrumentos musicales y desnudos.
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irregulares, composición delirante y despreocupación por la perspectiva o la representación realista.
REGRESANDO Adré Derain
Después comenzó a experimentar con otros estilos y la influencia de Paul Cézanne le llevó a una tendencia de colorido más sosegado y a un mayor control en sus composiciones. Su gran obra “Los bañistas” supone un intento de combinar las innovaciones de pintores anteriores, como Claude Monet y Cézanne, en una síntesis global. Posteriormente produjo obras geométricas, de influencia cubista como “El puente viejo de Cagnes”. Sus últimas obras muestran la influencia de estilos diversos, desde el arte francés clásico a la escultura africana, y una tendencia cada vez mayor hacia lo tradicional, caracterizada por un cambio en el colorido y una técnica extremadamente elaborada. De esta etapa de madurez destaca “Mesa de cocina”. También hizo grabados en plancha de madera para ilustrar libros y en 1919, realizó escenografías para los ballets rusos.
Realizó murales, como los del palacio de Chaillot en París, así como pinturas de caballete. Cobró fama por su obra gráfica, en especial por las ilustraciones para El bestiario de Guillaume Apollinaire. También realizó xilografías y diseñó telas, tapices y cerámica. André Derain (1880-1954) Pintor francés representante de varios movimientos artísticos de vanguardia a comienzos del siglo XX. Abandonó los estudios de ingeniería para dedicarse a la carrera artística. En 1905, junto con Maurice de Vlaminck y Henri Matisse, formó parte de los fauvistas, llamados así por los colores atrevidos e irreales que utilizaban y que resultaban bastante chocantes para los críticos de aquella época (ver Fauvismo). La mayor parte de las obras de ese periodo son paisajes campestres y urbanos, como “Puente de Londres” (ver Fauvismo) y muestran las típicas características del fauvismo: colores puros (a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo), pinceladas 58
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Maurice de Vlaminck (1876-1958)
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Kees Van Dongen (1877-1968)
Pintor fauvista francés, que nació en París. Antes de convertirse en artista, fue ciclista de competición y trabajaba como violinista. En buena medida fue un autodidacta que atacó los principios de la pintura académica hasta el punto de declarar que se sentía orgulloso de no haber pisado el Louvre. Después de 1900 compartió un estudio con su amigo André Derain durante un corto periodo de tiempo; ambos formaron parte del grupo que expuso en el Salón de
Pintor francés de origen holandés. Se instaló en Francia, donde recibió la influencia de la pintura de Gauguin y de los simbolistas. Formó parte en 1905 del primer grupo de fauvistas, con los que expuso en el Salón de Otoño. Sus colores, especialmente intensos, así como sus temas, acercan ESTUDIO DEL PINTOR el fauvismo al Kees van Dongen expresionismo alemán. Tras la II Guerra Mundial, recibió numerosos encargos. La forma de mostrar la ambición por el poder y el dinero en sus retratos trasluce la agudeza e incluso, en algunas ocasiones, la crueldad de su mirada de moralista.
EL RÍO Maurice de Vlaminck
Otoño de 1905 y que se conocería como los fauves ('bestias salvajes')(fauvismo). La obra de Vlaminck está muy influida por el colorido y la pincelada de Vincent van Gogh, sobre cuya obra se había mostrado una retrospectiva en París en 1901. Realizadas con pigmentos puros e intensos, sus obras fauvistas producen brillantes contrastes cromáticos, como es el caso de “Árboles rojos” .Sin embargo, antes de que el fauvismo se agotara, en 1908 su obra (básicamente paisajes) se vuelve más suave en color y composición, como se refleja en las telas “La casa del pintor en Valmondois” y “El camino de la aldea”. Vlaminck también escribió varias novelas.
Albert Marquet (1875-1947) Pintor francés, uno de los máximos representantes del fauvismo. Es autor de una gran variedad de paisajes y escenas parisinas, principalmente del río Sena y de sus puentes, todos ellos plasmados a través de trazos simples y enérgicos, y de la violencia cromática característica del estilo fauvista. Marquet llegó a París, donde estudió en la Escuela de Bellas Artes y más tarde conoció a Henri Matisse, líder indiscutible del fauvismo, junto al que comenzó a pintar a orillas del Sena. Realizó numerosos 59
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cuadros de ciudades, puertos y ríos en los que se aprecia su habilidad para simplificar y atrapar la esencia del paisaje que tiene frente a sus ojos. Más adelante abandonaría el fauvismo y desarrollaría un estilo más naturalista y convencional.
externa sino de su naturaleza interna y las emociones que despierta en observador. Para lograrlo, los temas exageran y se distorsionan con el fin intensificar la comunicación artística.
3 de el se de
Aunque el término expresionismo no se aplicó a la pintura hasta 1911, sus características se encuentran en el arte de casi todos los países y periodos. Parte del arte chino y japonés resalta las cualidades esenciales del sujeto por encima de su apariencia física. Los artistas de la Europa medieval exageraban sus figuras en las catedrales románicas y góticas para intensificar la expresividad espiritual. La intensidad expresiva creada mediante la distorsión aparece también en el siglo XVI en las obras de los artistas manieristas, como el pintor español El Greco (15411614), nacido en Creta, que por aquel entonces pertenecía a Venecia. El Greco tuvo influencia de los renacentistas Tintoretto y Tiziano. En 1586 pintó una de sus obras maestras, “El entierro del conde de Orgaz”, para la iglesia de Santo Tomé de Toledo. Esta obra, que aún se conserva en su lugar de origen, muestra. En el entierro se evidencian el alargamiento de figuras y el horror a los espacios vacíos, rasgos típicos del artista, que habrán de acentuarse en años posteriores. Tales características pueden asociarse con el manierismo que se siempre se manifestó en el pintor aún después de desaparecer en el arte europeo. Su visión intensamente personal se asentaba en su profunda espiritualidad, sentimientos todos que influenciaron en alguna medida las características de los expresionistas.
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L EXPRESIONISMO
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Expresionismo es todo lo que la historia ha dado, lo que se ha salido de los cánones. Corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. Apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción a los
EL ENTIERRO DEL CONDE DE ORGAZ El Greco - 1586
modelos que habían preponderado en Europa desde la etapa Renacentista. Los expresionistas trataron de incorporar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad 60
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posición crítica. Todo ello forma parte de las características del expresionismo, es decir: gestualidad, tamaño, emociones, caricaturización, mensaje moral, mensaje político, etc. Podría citarse como otro expresionista en la historia a Goya (pintor español) (ver orígenes del Surrealismo), especialmente con sus grabados y pinturas negras que manifiestan una crítica a la sociedad de su época y a la hipocresía reinante, utilizando la deformidad y el color en sus pinturas y el dibujo en los grabados.
EL BOSCO
Sin embargo, los auténticos precursores del expresionismo vanguardista aparecieron a finales del siglo XIX y comienzos del XX, en especial el pintor holandés Vincent van Gogh, el francés Paul Gauguin y el noruego Edvard Munch, que utilizaron colores violentos y exageraron las líneas para conseguir una expresión más intensa.
El Expresionismo es una línea que se ha dado en la historia y se seguirá dando. En el arte moderno Van Gogh marcó el principio junto con Tolouse Lautrec. El grupo expresionista más importante del siglo XX apareció en Alemania de la mano de los pintores Ernst Kirchner, Erich Heckel y Karl Rottluff, quienes en 1905 fundaron un grupo en Dresde denominado Die Brücke (El puente). A ellos se unieron en 1906 Emil Nolde y Max Pechstein. En 1912 expusieron sus cuadros junto a un grupo de Munich denominado Der Blaue Reiter (El jinete azul), integrado por los pintores alemanes Franz Marc, August Macke, el suizo Paul Klee y el ruso Wassily Kandinsky. Esta primera fase del expresionismo alemán estuvo marcada por la visión satírica de la burguesía y el fuerte deseo por representar las emociones subjetivas. Las dos tendencias además, se basan en culturas africanas como en el caso de Gauguin, haciendo referencia a la esquematización de la realidad pictórica a través del geometrismo. Tanto Gauguin como Cézanne, representan dos fuertes influencias del expresionismo.
La obra del pintor holandés Bosco (ver orígenes del surrealismo), critica elementos sociales y morales, trabajando con la deformación, con el dibujo y con el color. Bosco es un artista del siglo XVI, lo mismo que Miguel Ángel, quien conociendo muy bien la anatomía, cayó en el manierismo, es decir, en el uso de modelos plásticos,
Francisco de Goya y Lucientes
El Puente se disolvió en 1913, un año antes del comienzo de la I Guerra Mundial (1914-1918). El grupo de los fauves (ver así como el pintor francés Fauvismo),
figuras exageradas, con posturas forzadas, un irreal tratamiento del espacio y una elección del color, que habla de una 61
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Georges Braque y el español Pablo Picasso, influyeron y posteriormente recibieron la influencia del expresionismo.
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Munch comenzó a pintar a la edad de 17 años. Una beca estatal, concedida en 1885, le permitió proseguir sus estudios en París durante un breve periodo de tiempo. Veinte años después, en las ciudades de París y Berlín, Munch desarrolló la mayor parte de su producción artística. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte. La exposición de sus cuadros en Berlín en el año 1892 impresionó de tal modo a las autoridades que decidieron cerrar la muestra. Sin inmutarse por la contrariedad, Munch y sus partidarios trabajaron durante toda la década de 1890 en pro del desarrollo del arte expresionista alemán.
La siguiente fase del expresionismo se llamó Nueva objetividad y surgió de la desilusión subsiguiente a la I Guerra Mundial. Fundado por Otto Dix y George Grosz, se caracterizó a la vez por su pesimismo existencial y por una actitud ante la sociedad sumamente satírica y cínica. Mientras tanto, el Expresionismo se había convertido en un movimiento internacional, y la influencia de los alemanes ya se podía apreciar en los trabajos de artistas foráneos, como el pintor austriaco Oskar Kokoschka y el francés Georges Rouault. Las dos tendencias se basaron en culturas africanas y oceánicas haciendo referencia a la esquematización de la realidad pictórica a través del geometrismo como en los casos de Gauguin y Cézanne.
De entre toda su obra, la más conocida es quizá “El grito” (1893). Ésta, junto con el angustioso “Niño enfermo” (1881-1886), refleja el trauma sufrido por Munch en su niñez al morir su madre y su hermana víctimas de la tuberculosis. Pinta también tristes y melancólicas escenas, como “El puente”, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida.
Edgard Munch (1863-1944) El expresionismo es una actitud anímica universal que se identifica con el norte de Europa con artistas como el noruego Edvard Munich, cuya obra muestra desesperación y actitud existencial. Edvard Munich, pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas representacione VAMPIRO s basadas en Edgard Munch sus obsesiones y frustraciones personales, abrieron el camino al desarrollo del expresionismo.
En 1908 su estado de ansiedad alcanzó tal magnitud que hubo de ser hospitalizado. Posteriormente regresó a Noruega. La relativa tranquilidad que dominó su vida desde 1909 en adelante tiene su reflejo artístico en los murales de la Universidad de Oslo (1910-1916) y en el vigoroso y brillante colorido de sus paisajes. Aunque los últimos cuadros no son tan torturadores como sus primeros trabajos, su último autorretrato, Entre el reloj y la
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cama (1940), marca una vuelta a la introspección de años anteriores.
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Puente. El viaje que realizó a Nueva Guinea en 1913 hizo que cristalizara en él un gusto por el arte tribal, que incluía tremendas distorsiones de las formas, modelos planos y violentos contrastes de color.
Las numerosas xilografías, aguafuertes y litografías que Munch realizó a lo largo de su carrera tienen hoy día una significativa consideración dentro del arte gráfico contemporáneo; un trabajo y un estilo que puede definirse como poderoso, simple, directo y fuerte. Son muy pocos los cuadros de Munch que se conservan fuera de Noruega; entre ellos figura “Atardecer” y “Laura”, la hermana del artista de 1888, obra que se encuentra en Madrid.
Cambió poco de estilo a lo largo de su carrera y se dedicó sobre todo a los paisajes y a las escenas de interior con figuras humanas. Sus paisajes, son inquietantes y amenazadores. Sus escenas con personajes como “El juerguista” (1919) presentan el rostro humano como una máscara grotesca que siempre revela con crudeza emociones básicas. En obras como el tríptico “La vida de santa María Egipcíaca” (1912) busca un retorno a la imaginería religiosa y da un tratamiento expresionista a las escenas del Nuevo Testamento. En 1941 el partido nacionalsocialista le declaró artista degenerado y le prohibió pintar. Sin embargo, algún tiempo después produjo un importante número de acuarelas y grabados expresionistas. En total, de sus primeras acuarelas fechadas en 1896 hasta sus últimas producciones en 1951 Emil Nolde realizó más de 1.100 cuadros, 230 aguafuertes y 83 litografías.
Emil Nolde (1867-1956) Pintor alemán, una de las figuras más destacadas del expresionismo en su país. Su pincelada de estilo crispado, la utilización de colores vivos y estridentes y las figuras de rostros a modo de máscaras pretendían provocar en el espectador un fuerte impacto visual y emocional.
Max Hermann Pechstein (1881-1955)
BODEGÓN Emil Nolde
Se formó primero en la talla y el grabado en madera y cursó estudios en Munich y Berlín. Ejerció como profesor en la Escuela de Arte Industrial. Durante los dos años siguientes trabajando en la Academia Julien de París, descubrió la obra de Rembrandt y Manet. De vuelta a Alemania, hasta 1904 su estilo debió mucho al impresionismo, y desde ese año hasta 1908 las mayores influencias las recibió del postimpresionismo y simbolismo de Vincent van Gogh, Edvard Munch y James Ensor así como de los expresionistas del grupo Die Brücke (El
Max Hermann Pechstein
Pintor expresionista alemán. Desde 1906 fue miembro del grupo Die Brücke (El 63
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Puente). Pintó paisajes, naturalezas muertas, retratos y escenas de playa. Inspirado por el arte tribal (primitivo), utilizó luminosos y fuertes colores puros, sin diluir, aplicados con vigorosos toques de pincel. Sus cuadros tendieron a ser más eclécticos (selectos), más naturalistas y menos innovadores que la obra de otros expresionistas.
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August Macke (1887-1914) Pintor alemán cuya obra se basa en una
Franz Marc (1880-1916)
MUJER CON CHAQUETA VERDE August Macke
figuración esquemática y en la utilización expresionista del color. Destaca su temática de hombres y mujeres paseando por escenarios naturales o urbanos. Estudió en la Academia de Bellas Artes y en la Escuela de Artes y Oficios de Düsseldorf. En 1907 viajó por primera vez a París, donde entró en contacto con la obra de Cézanne, cuyo estilo, junto con el de Matisse, ejerció una profunda influencia en su trayectoria. En 1911 fundó en Munich, junto a Franz Marc, Klee y Kandinsky, la asociación expresionista Der Blaue Reiter (El Jinete azúl) grupo que celebró la primera exposición ese mismo año.
CABALLITOS AMARILLOS Franz Marc
Pintor alemán, uno de los principales componentes del grupo expresionista Der Blaue Reiter (El Jinete azúl). Muy pronto comienza a interesarse por las pinturas de animales (especialmente caballos y ciervos) en las que intenta plasmar su veneración mística por la naturaleza y también la espiritualidad que se oculta en ellos. En obras como Caballos azules (1911) emplea líneas curvas y estilizadas junto a un color irreal para crear y potenciar el efecto de naturaleza idealizada. Después de 1913, en respuesta al cubismo y al futurismo, da un giro hacia la abstracción, como se observa en “Formas peleando” (1914), donde, más que la descripción física de los animales, lo que quiere transmitir son sensaciones de energía y fuerza física y espiritual a través del movimiento. Murió en acto de guerra durante la I Guerra Mundial.
En 1912, en un viaje París, conoce a Delaunay, representante del orfismo, de quien aprende el empleo del color, a la vez que experimenta la influencia del cubismo, el fauvismo y el futurismo. Entre sus obras de estos años destacan títulos como “Composición de colores” (1912), “Chicas bañándose con ciudad al fondo” (1913), Gente junto al lago azul (1913), “Sendero soleado” (1913), “Mujer con chaqueta verde” (1913), entre otras. Entre los años 1912 y 1914 organizó y 64
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colaboró en distintas exposiciones. En abril de 1914 realizó un viaje a Túnez con Klee, durante el cual produjo una serie de acuarelas, dibujos y bocetos que le sirvieron de inspiración para una serie de 36 cuadros que pintó al regresar a Alemania, como “El café turco” (1914). Murió en 1914 en Francia.
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los maestros grabadores Francisco de Goya, y William Blake (ver orígenes del Surrealismo) Entre los años 1920 y 1931 Klee fue profesor en la Bauhaus (ver Bauhaus), la escuela alemana de arte más vanguardista. Un viaje que realizó a África en 1914 le hizo descubrir definitivamente el color y marcó el comienzo de su estilo maduro, en el que llegó a declararse "poseído por el color". Durante los siguientes 20 años, sus pinturas y acuarelas mostraron el dominio de unas armonías cromáticas delicadas y de ensueño, que generalmente usó para crear composiciones sencillas y semiabstractas o incluso efectos que las asemejan a mosaicos, como en “Pastoral” (1927). Klee fue también un maestro del dibujo y muchos de ellos son complicadas líneas con un contenido que deriva de una imaginería fantástica o ensoñada; por ejemplo, con sus elementos fluidos, metálicos, como pájaros, creó una composición de formas lineales y circulares interconectadas, con un efecto evocador mucho más importante que lo que la propia obra significa.
Su obra ha sido objeto de diversas muestras individuales y colectivas y se halla expuesta en los museos de arte moderno de todo el mundo. Paul Klee (1879-1940) Pintor suizo, acuarelista y aguafuertista, considerado como uno de los representantes más originales del arte moderno. Siguiendo un estilo artístico específico, creó una serie de obras famosas por parecer imágenes de ensueño fantástico, ingenio e imaginación. Ciudadano alemán, Klee vivió la mayor parte de su vida en Suiza. Pero en 1898 se trasladó a Munich donde estudió arte en
A partir de 1935, afectado por una enfermedad progresiva, Klee adoptó un estilo claro, sencillo, caracterizado por líneas gruesas como de carboncillo y grandes áreas de colores matizados. Sus temas artísticos durante este periodo adoptaron un tono pesimista y dramático, como en “La Muerte y el Fuego” (1940).
FRONTISPICIO DE SIMBAD EL MARINO Paul Klee
Klee murió en Suiza. Su obra influyó en los surrealistas posteriores, así como en los artistas no objetivos, y fue una fuente de inspiración fundamental para el nacimiento del expresionismo abstracto.
una escuela privada y en la Academia de Bellas Artes de la ciudad. Sus primeros trabajos fueron estudios para paisajes realizados a lápiz que muestran la influencia del impresionismo. Hasta 1912, realizó incluso aguafuertes en blanco y negro; las insinuaciones de fantasía y sátira de estos trabajos muestran la influencia del expresionismo del siglo XX, así como de 65
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James Ensor (1860-1949)
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y al dadá, y sus técnicas, especialmente su pincelada y su sentido cromático, condujeron directamente al expresionismo.
Pintor belga, cuyos retratos, que ofrecen una visión grotesca de la humanidad, le convirtieron en el principal precursor del expresionismo y del surrealismo.
Oskar Kokoschka (1886-1980) Pintor expresionista de retratos y paisajes. Nació en Austria. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Viena, y fue uno de los primeros representantes del movimiento expresionista de vanguardia. Oskar Kokoschka Comenzó pintando retratos de tipo psicológico de médicos, arquitectos y artistas vieneses. Resultó herido durante la I Guerra Mundial y se le diagnosticó una gran inestabilidad psicológica. Más adelante, entre 1919 y 1924 fue profesor de la Academia de Dresde. Durante esa época pintó “El poder de la música” (1919). Después de viajar siete años por Europa y Oriente Próximo ejecutó gran número de obras en las que aparecen figuras así como paisajes, todas ellas de colorido enérgico y brillante, pintadas con enorme libertad y exuberancia, entre las que hay numerosas vistas de puertos, montañas y ciudades. Como ejemplos de este periodo cabe citar el “Puerto de Marsella” (1925) y “El puente de la torre” (1925-1926).
Nació en Bélgica, donde transcurrió toda su vida, exceptuando los tres años que asistió a la Academia de Bruselas. Sus primeras obras tratan temas tradicionales paisajes, naturalezas LOS ESQUELETOS muertas, LUCHANDO SOBRE UN CIGARRO DE ARENQUE retratos, James Ensor escenas de interiores y están pintadas con un colorido rico y profundo, con una iluminación suave pero vibrante. A mediados de la década de 1880, bajo la influencia del rico colorido de los impresionistas y la imaginería grotesca de maestros flamencos antiguos, como El Bosco y Pieter Brueghel, el Viejo, se dedicó a desarrollar temas y estilos vanguardistas, en especial de los festejos multitudinarios que le producían repulsión y rechazo. Representaba a la humanidad como algo estúpido, amanerado, vano y odioso, retratando a los individuos como payasos o esqueletos, y reemplazando los rostros por máscaras de carnaval. En esta línea destaca su lienzo de enormes proporciones “La entrada de Cristo en Bruselas” (1889).
Tachado de pintor degenerado por el gobierno nacionalsocialista alemán, se trasladó a Inglaterra en 1938, donde realizó obras antibélicas durante la II Guerra Mundial y se convirtió en súbdito británico en 1947. Tras la guerra visitó Estados Unidos y más tarde se instaló en Suiza. Aunque fue más conocido como pintor, también se dedicó a la literatura.
Ensor utilizaba de forma deliberada colores fuertes y estridentes, así como pinceladas violentas y bruscas para potenciar el efecto agresivo de sus temas. Su obra ejerció una influencia de gran importancia en la pintura del siglo XX y su temática espeluznante allanó el caminó al surrealismo 66
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Max Weber (1881-1961)
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Luna” (1944). Weber también experimentó con escultura no figurativa. Escribió Poemas cubistas, ensayos sobre arte y primitivos.
Pintor estadounidense de origen ruso, que nació en Polonia y se trasladó con su familia a Nueva Cork, estudió en Nueva Cork
George Grosz (1893-1959) Pintor e ilustrador expresionista alemán. Nació en Berlín y estudió arte en la Academia de Dresde, en la Escuela de Artes y Oficios de Berlín y en la Academia Colarossi de París. Sirvió en el ejército durante la I Guerra Mundial. Es célebre por sus dibujos y caricaturas de enorme carga satírica. Las distintas series de dibujos relacionados con las condiciones de vida en la Alemania. La su obra de atmósfera apocalíptica, Grosz refleja el ambiente de inseguridad producido por la guerra y la locura que se había apoderado de la sociedad europea.
RESTAURANTE CHINO Max Weber
y París donde recibió la influencia de Paul Cézanne y formó parte de los círculos vanguardistas de Pablo Picasso y Henri Matisse. Las primeras obras cubistas y expresionistas de Weber, como por ejemplo “Restaurante chino” (1915), fueron recibidas con desagrado por los críticos conservadores de la época, pero tras la aceptación y reconocimiento del arte vanguardista su obra gozó de gran prestigio. Su constante búsqueda por representar el carácter íntimo de las figuras se reafirmó después de 1917; tendió más tarde hacia la abstracción y el expresionismo , y acentuó en sus trabajos el colorido brillante, las distorsiones violentas y la George Grosz carga emocional. Realizó naturalezas muertas, paisajes, desnudos y sobre todo escenas de la vida judía, como por ejemplo “Adoración de la
Opositor a ultranza del militarismo y del Nacionalsocialismo, fue uno de los primeros artistas alemanes en atacar a Adolf Hitler. En 1932 emigró a Estados Unidos y obtuvo la nacionalidad. Hacia 1936 comenzó a pintar al óleo y adoptó una temática menos ácida, realizando numerosos desnudos, naturalezas muertas y escenas callejeras. En vísperas de la II Guerra Mundial su arte adquirió un tono desesperado. Reconocido como uno de los dibujantes más brillantes de su época, fue también un aclamado profesor. Registró sus experiencias como artista en su autobiografía “Un pequeño sí y un gran no” (1946). Nombrado miembro de la Academia de las Artes de Berlín oeste en 1958, volvió a su patria a comienzos del año siguiente. Murió en Berlín.
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Georges Rouault (1871-1958)
UTURISMO
Artista francés, cuyos retratos melancólicos de reyes afligidos, de Cristo y de payasos le convirtieron en uno de los primeros exponentes del Fauvismo y del Expresionismo. A menudo se le Georges Rouault ha considerado como el pintor religioso moderno más importante.
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Movimiento
artístico de comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se dio especialmente en Italia y París. El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto del futurismo.
Rouault nació en París. Después de trabajar como aprendiz con un fabricante de vidrieras; asistió a la Escuela de Bellas Artes de la ciudad, donde estudió con el pintor Gustave Moreau. En 1898 fue nombrado conservador del recién creado Museo Gustave Moreau de París. Al principio imitó el estilo de su maestro, pero como ocurriera con otros discípulos de Moreau, Roualt progresó creando un estilo pictórico propio y distinto, caracterizado por claros y brillantes rojos, azules y verdes, el uso del empaste (pigmentos gruesos) y los fuertes contornos negros evocadores de su conocimiento de la técnica de las vidrieras. En 1905 expuso junto a los fauvistas. Su elección de temas como la Pasión de Cristo, los jueces corruptos o las prostitutas, reflejan su devoto catolicismo. Entre sus obras más importantes se encuentran: “Tres Jueces” (1913), “Cristo burlado por los soldados” (1932), “El viejo rey” (1936) y “Cabeza de Payaso” (1940-1948). Realizó también extraordinarios grabados. Entre sus últimos grandes trabajos destaca el diseño para las ventanas de una iglesia en Plateau d'Assy.
El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica∗∗ o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el “Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin” y el “Tren suburbano”, ambos de Gino Severini. Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1914, su influencia se aprecia en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el constructivismo ruso.
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Método de observación óptica por el que es posible examinar lentamente las fases de ciertos fenómenos.
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Manifiesto técnico de los pintores futuristas. En obras como “Dinamismo de un perro con correa” (Correa de perro en movimiento), Balla intenta representar a un tiempo el movimiento y la velocidad, algo que los futuristas consideraban como la esencia de la civilización moderna. En la década de 1930 retornó a la pintura figurativa.
Gino Severini (1883-1966) Pintor italiano, considerado como uno de los fundadores del futurismo. Sus pinturas, influenciadas por la TREN SUBURBANO fragmentación Gino Severini de la técnica cubista, representan la acción o el movimiento como una turbulenta composición de líneas y formas quebradas, como en su famoso estudio de una bailarina, “Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin” “Expansión de la luz” y “Mujer en la ventana”. Trabajó también al fresco y realizó mosaicos. En su libro “Del cubismo al clasicismo” publicado en 1921, teorizó sobre la necesidad de una vuelta a la figuración basada en la geometría y la proporción. Severini contribuyó a extender el futurismo fuera de Italia.
Uumberto Boccioni (1882-1916) Pintor, escultor y teórico italiano, fue uno de los líderes del movimiento futurista. En 1910, escribió el Manifiesto del futurismo en el que hacía la revolucionaria propuesta de que los artistas se liberaran del pasado y abrazaran el mundo moderno con su movimiento, su velocidad y su dinamismo. Aunque había tenido influencia del cubismo, se abstuvo de utilizar líneas rectas y recurrió a los colores complementario s para crear un efecto de FORMAS ÚNICAS DE vibración. En su CONTINUIDAD EN EL ESPACIO pintura, como Umberto Boccioni (1913) puede verse en “Dinamismo de un ciclista”, expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia de varios movimientos al mismo tiempo. En sus obras escultóricas, que combinan madera, hierro y cristal, Boccioni pretende ilustrar la interacción
Giacomo Balla (1871-1958) Pintor italiano, uno de los principales artistas del movimiento futurista italiano. VELOCIDAD DEL MOTOR Comenzó su DE UN CARRO Giacomo Balla carrera como pintor realista, pero en 1910 se encuadró dentro del estilo futurista al firmar el 69
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ensayista y poeta rumano Tristan Tzara, al abrir al azar un diccionario en una de las reuniones que el grupo celebraba en el cabaret Voltaire de Zurich. El movimiento Dadá fue fundado en 1916 por Tzara, el artista alsaciano Jean Arp y otros intelectuales que vivían en Suiza, al mismo tiempo que se producía en Nueva York una revolución contra el arte convencional liderada por Man Ray, Marcel Duchamp y Francis Picabia. En París inspiraría más tarde el surrealismo. Tras la 1ª Guerra Mundial el movimiento se extendió hacia Alemania y muchos de los integrantes del grupo de Zurich se unieron a los dadaístas franceses. En 1922 el grupo de París se desintegró.
que se establece entre un objeto en movimiento y el espacio que lo rodea. Carlo Carrá (1881-1966) Pintor italiano, que fue una figura destacada tanto de la pintura futurista como de la metafísica. Al principio intentó infundir una sensación de movimiento futurista a la estructura geométrica y a la paleta neutra del cubismo. En el ejército conoció a Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica y adoptó ese nuevo concepto. En obras como “La habitación encantada”, creó una atmósfera de misterio y aprehensión mediante el uso de una perspectiva renacentista exagerada y de una luz amenazadora. Desde 1921 se dedicó al paisaje con un estilo cada vez más naturalista. Sus últimas obras muestran la influencia de Paul Cézanne. Además escribió varias obras teóricas sobre pintura.
Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara los valores estéticos establecidos. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes —un secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades ∗∗∗.
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L DADÁ (1910-1916)
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Movimiento que abarca todos los géneros artísticos y es la expresión de una protesta nihilista contra la totalidad de los aspectos de la cultura occidental, en especial contra el militarismo existente durante la 1ª Guerra Mundial e inmediatamente después. Se dice que el término dada (palabra francesa que significa caballito de juguete) fue elegido por el editor,
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Objeto cotidiano convertido en obra de arte por la magia de la voluntad del artista. 70
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e hizo su obra más famosa, “Desnudo bajando una escalera”, en la que expresa el movimiento continuo a través de una cadena de figuras cubistas superpuestas. La pintura causó furor en el Armory Show que tuvo lugar en Nueva York en 1913.
Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad. La obra de arte es un elemento procesado por la industrialización y surge el concepto de la máquina inútil siendo parodias del ser humano y de la sociedad. El Dadá se declara en contra del arte tradicional, el antiarte, la negación de los valores tanto antiguos como contemporáneos, la negación del objeto artístico, o sea la creación directa del artista. Como movimiento, el Dadá decayó en la década de 1920 y algunos de sus miembros se convirtieron en figuras destacadas de otros movimientos artísticos modernos, especialmente del surrealismo. A mitad de la década de 1950 volvió a surgir en Nueva York cierto interés por el Dadá entre los compositores, escritores y artistas, que produjeron obras de características similares.
DESNUDO BAJANDO LA ESCALERA Marcel Duchamp (1912)
Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, “Los novios desnudando a la novia”, una obra abstracta, conocida también como “El gran espejo”. Realizada en óleo y alambre sobre espejo, fue recibida con entusiasmo por parte de los surrealistas. En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales innovaciones del siglo XX: el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario o un portabotellas, que podían
Marcel Duchamp (1887-1968) Artista dadaísta francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX. Era hermano del artista Raymond Duchamp-Villon y del pintor Jacques Villon. Después de realizar varias obras en la línea del fauvismo, se dedicó a la experimentación y al arte de vanguardia 71
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convertirse en arte por deseo del artista. Su Rueda de bicicleta (el original de 1913 se ha perdido; tercera versión de 1951), uno de los primeros ejemplos de arte cinético, estaba montada sobre una banqueta de cocina. Duchamp inventó un tipo de arte irreverente como lo muestra su obra de la “Mona Lisa con bigote y chivera” bautizándola HOOQ, como si se tratase de una fórmula química, o sea una combinación de elementos.
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o, el cubismo, el fauvismo, el orfismo ∗∗∗∗, el dadaísmo, el surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura figurativa, dibujo y collage. “El apuro” pertenece a un conjunto de obras realizadas por el artista en 1914, que podrían definirse como transposiciones abstractas de experiencias íntimas. Como escritor colaboró en diversas revistas de vanguardia. Su interés por la literatura y el lenguaje fue particularmente evidente en sus últimos trabajos.
Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado; aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo del Surrealismo, el Dadá y el Pop Art. En 1955 Duchamp se nacionalizó estadounidense.
Jean Arp (1887-1966) Escultor, pintor y poeta francés. en Estrasburgo, y formó parte de varias de las más destacadas vanguardias artísticas del siglo XX.
Francis Picabia (1879-1953)
Estudió arte en Weimar y París entre 1905 y 1909, y después permaneció pintando en COQUILLE BAILLANTE Jean Arp (1964-1965) Suiza varios años. En 1912 tomó parte en el grupo expresionista de Munich Der Blaue Reiter (El jinete azul). La obra de Arp durante años estuvo dedicada a los tapices de motivos angulares y totalmente abstractos, así como a los dibujos. En 1916 fue uno de los fundadores del revolucionario
Artista vanguardista francés, nacido en París, pero de origen español. Su arte no admite clasificación ya que trabajó en casi todos los estilos contemporán eos más EN MEMORIA DE MI destacados, QUERIDA UDNIE Francis Picabia como el impresionism
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El orfismo es la tendencia colorista del cubismo resaltando su carga poética más que su valor crítico o histórico.
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necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía utilitaria.
movimiento dadaísta en Zurich. En 1917 transformó su estilo artístico hacia una abstracción de formas curvilíneas que caracteriza su obra posterior, la más conocida actualmente. En 1924 se trasladó a París, donde se unió a los surrealistas y elaboró bajorrelieves de madera pintada y construcciones de cartón humorísticas. En la década de 1930 comenzó a realizar esculturas exentas, tallando y modelando en los más diversos materiales. Ejemplo de sus formas suaves y biomórficas es Concreción humana (1935, versión en piedra, 1949, Museo de Arte Moderno, Nueva York). Realizó al mismo tiempo guaches, collage, grabados y litografías. A lo largo de toda su vida escribió poesía y ensayo. Al ser bilingüe, utilizaba el nombre de Jean cuando escribía en francés y el de Hans cuando lo hacía en alemán.
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También defendía principios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e influencias del mundo industrial moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y comercial.
A BAUHAUS
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Escuela alemana de arquitectura y diseño que ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, las artes gráficas e industriales y el diseño de escenografías y vestuario teatrales. Fue fundada en Weimar en 1919 con la pretensión de combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios. La Bauhaus, basada en los principios del escritor y artesano inglés del siglo XIX William Morris y en el movimiento Arts & Crafts, sostenía que el arte debía responder a las
PRINCIPIOS DEL DISEÑO INDUSTRIAL DISEÑO BAUHAUS
El estilo de la Bauhaus se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así 73
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como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración. En 1925 se dedicó a la construcción de una serie de sobrios edificios rectangulares de hormigón y cristal, especialmente diseñados por Gropius. El estilo de este movimiento se tornó aún más funcional e hizo mayor hincapié en la expresión de la belleza y conveniencia de los materiales básicos sin ningún tipo de adorno. Otros arquitectos y artistas sobresalientes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee y el pintor ruso Wassily Kandinsky, el pintor estadounidense Lyonel Feininger y el pintor alemán Oskar Schlemmer.
ARQUITECTURA BAUHAUS
En 1932 la dirección trasladó la Bauhaus a Berlín. Cuando los nazis en 1933 cerraron la escuela, sus ideas y sus obras eran ya conocidas en todo el mundo. Muchos de sus miembros emigraron a Estados Unidos, donde las enseñanzas de la Bauhaus llegaron a dominar el arte y la arquitectura durante décadas, contribuyendo enormemente al desarrollo del estilo arquitectónico conocido como International Style.
ASIETO BAUHAUS
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