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ROCOCÓ

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su cumbre en el Hôtel Soubise de París, trabajo que comenzó en el año 1732 y al que contribuyeron un gran número de artistas y decoradores notables, entre los que destaca René Alexis Delamaire.

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Estilo pictórico y decorativo del

El estilo rococó se difundió rápidamente por otros países europeos, particularmente por Alemania y Austria, donde se entremezcló con el barroco creando un estilo suntuoso y profuso, especialmente en iglesias y espacios sagrados. Culminó con el trabajo del arquitecto y diseñador bávaro François de Cuvilliés en su obra del pabellón de Amalienburg (1734-1739), cerca de Munich, cuyo interior, parecido a un joyero, estaba compuesto de espejos, filigranas de plata y oro, y paneles decorativos. En España, el palacio de La Granja es el edificio que más se acerca a este estilo artístico, aunque el rococó se desarrolló más en la decoración de interiores.

siglo XVIII que se caracterizó por una ornamentación elaborada, delicada y recargada. El periodo del rococó se corresponde aproximadamente con el reinado de Luis XV, rey de Francia (17151774). Sus orígenes exactos son oscuros, pero parece haber comenzado con la obra del diseñador francés Pierre Lepautre, quien introdujo arabescos y curvas en la arquitectura interior de la residencia real en Marly, y con las pinturas de JeanAntoine Watteau, cuyos cuadros de colores delicados sobre escenas aristocráticas que se desarrollan en medio de un entorno idílico rompen con el heroísmo del estilo de Luis XIV.

En Francia el rococó dio paso al austero estilo neoclásico a finales del siglo XVIII y desapareció con el inicio de la Revolución Francesa en 1789 de manera repentina y por completo.

Podría decirse que el rococó es la fase degenerativa del barroco.

EMBARQUE PARA LA ISLA DE CITEREA (1717) Antoine Watteau

NEOCLÁSICO ______________________________

El término rococó proviene del francés rocaille, que significa “rocalla”. En decoración, se caracterizó por una ornamentación basada en arabescos, conchas marinas, curvas sinuosas y en la asimetría; en pintura se distinguió por el uso de colores pastel más bien pálidos. En cuanto a la decoración, el rococó alcanzó

Estilo

artístico que se desarrolló

especialmente en la arquitectura y las artes decorativas; floreció en Europa y Estados Unidos aproximadamente desde el año 1750 hasta comienzos de 1800 y se inspiró en las formas grecorromanas. Más 29

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que un resurgimiento de las formas antiguas, el neoclasicismo relaciona hechos del pasado con los acontecidos en su propio tiempo. Los artistas neoclásicos fueron los primeros que intentaron reemplazar la sensualidad y la trivialidad del rococó por un estilo lógico, de tono solemne y austero.

Cuando los movimientos revolucionarios establecieron repúblicas en Francia y en América del Norte, los nuevos gobiernos republicanos adoptaron el neoclasicismo como estilo oficial porque relacionaban la democracia con la antigua Grecia y la República romana.

Más tarde, cuando Napoleón I subió al poder en Francia, este estilo se modificó para servir a sus necesidades propagandísticas. Con el nacimiento del movimiento romántico la prioridad por la expresión personal sustituyó al arte basado en valores ideales

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el vocabulario de la arquitectura formal clásica y los arquitectos empezaron a inclinarse por un estilo basado en modelos grecorromanos.

El trabajo del arquitecto y diseñador escocés Robert Adam, que en la década de 1750 y 1760 diseñó varias casas de campo inglesas (entre las cuales destacan la casa Sion, 1762-1769 y Osterley Park 1761-1780), le convierten en el introductor del estilo neoclásico en Gran Bretaña. El “estilo Adam”, tal y como se le conoce, evoca el rococó por su énfasis en la ornamentación de fachadas y un refinamiento a gran escala, incluso al adoptar los motivos de la antigüedad.

Origen del Arte Neoclásico- El estilo neoclásico se desarrolló tomando como punto de referencia la excavación en Italia de las ruinas de las ciudades romanas de Herculano en 1738 y de Pompeya en 1748, la publicación de arqueólogos de libros tales como Antigüedades de Atenas (1762). Ensalzando la noble simplicidad y el gran sosiego del estilo grecorromano, el historiador alemán Johann Winckelmann instó a los artistas a estudiar y a imitar su eternidad y sus formas ideales. Sus ideas encontraron una entusiasta acogida dentro del círculo de artistas reunidos en torno a él en el año 1760 en Roma.

CASA DE OSTERLEY PARK (1761-1780) Robert Adam

En Francia, Claude Nicholas Ledoux elaboró diseños que ejemplifican la fase inicial de la arquitectura neoclásica francesa; sin embargo, sus obras más tardías comprendían proyectos (que nunca se llegaron a ejecutar) para una ciudad ideal en la cual los edificios quedaban reducidos, con frecuencia, a formas geométricas desornamentadas.

Después de que Napoleón fuese nombrado emperador en el año 1804, sus arquitectos oficiales, Charles Percier y Pierre François Fontaine, trabajaron para llevar a cabo su deseo de transformar París en la capital más importante de Europa imitando el estilo opulento de la arquitectura imperial romana.

La arquitectura de estilo imperio se

Arquitectura- Antes de que se realizaran

los descubrimientos de Herculano, Pompeya y Atenas, el único punto de referencia conocido de la arquitectura romana era el proporcionado por los grabados de edificios de arquitectura clásica romana realizados por el artista italiano Piranesi. Los nuevos hallazgos arqueológicos encontrados proporcionaron 30

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ejemplifica en construcciones como el arco de triunfo del Carrousel del Louvre, diseñado por Percier y Fontaine, y los campos Elíseos, diseñados por Fontaine; ambos trabajos, iniciados en el año 1806 se encontraban lejos del espíritu de la obra visionaria de Ledoux.

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Inspirada en la obra de Robert Adam, el arquitecto Charles Bulfinch realiza la Massachusetts State House en Boston terminada en el año 1798. El modelo para el edificio del Capitolio de Thomas Jefferson en Richmond, Virginia (17851789), fue el templo romano. Por medio de lecturas y de viajes, Jefferson realizó un profundo estudio de la arquitectura romana, aplicó sus conocimientos a los diseños de su propia casa en Monticello, a los del campus de la Universidad de Virginia y contribuyó en los proyectos preliminares de la nueva capital Washington D.C. Sus obras ejemplifican el estilo neoclásico en Estados Unidos.

Ejemplos de arquitectura inglesa inspirada en los modelos griegos son el Banco de Inglaterra de Soane así como el pórtico del Museo Británico por Smirke. El neogriego fue sustituido por el estilo regencia. La arquitectura neoclásica de Edimburgo, representa la vertiente más pura, por lo que la ciudad se ganó el nombre de la Atenas del Norte.

De otra parte, la arquitectura neoclásica en Berlín está representada por el Teatro Real obra del alemán Schinkel (1819-1821).

El estilo neogriego, basado en los templos del siglo V, floreció durante la primera mitad del siglo XIX en Estados Unidos.

Ambos estilos, el federal y el neogriego, ayudaron a definir el estilo propio de la arquitectura estadounidense.

En España las figuras más representativas de la arquitectura neoclásica fueron, entre otros el arquitecto Ventura Rodríguez (palacio de los duques de Liria), el italiano Sabatini, autor de la Puerta de Alcalá en Madrid, y Juan de Villanueva, que hizo el Museo del Prado de Madrid.

PLANTA DEL ALTES MUSEUM DE BERLÍN

El Altes Museum de Berlín (1822-1830) es obra del arquitecto Karl Friedrich Schinkel, principal representante de la corriente neoclasicista en Alemania. Su fachada principal, recorrida por una espectacular columnata de estilo jónico, se abre al interior del edificio en su punto central por un pórtico desde donde se accede a la impresionante rotonda diseñada a imagen del Panteón de Roma.

PUERTA DE ALCALÁ (Madrid) Francesco Sabatini (1764-1776)

En Estados Unidos se desarrolló una variante del neoclasicismo, el estilo federal, que surgió entre 1780 y 1820.

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Al igual que en España, el neoclasicismo en Hispanoamérica también estuvo dirigido por las Academias (sociedad artística, literaria o científica que cuenta con autoridad pública y cuya finalidad es proteger y fomentar los distintos campos del saber).

Entre los edificios más representativos destacan la Casa de la Moneda en Santiago de Chile, el palacio de la Minería y la fábrica de cigarros en México, y la iglesia de San Francisco en Cali, Colombia.

Pintura-

Autorretrato de Kauffmann Angelika Kauffmann pintó este Autorretrato a finales del siglo XVIII. La artista británica, que inició su carrera en el rococó como discípula de Joshua Reynolds, evolucionó más tarde hacia la pintura neoclasicista.

JURAMENTO DE LOS HORACIOS Jacques Louis David (1784-1785)

Las mismas tendencias se hacen patentes en la obra temprana del pintor francés Jacques-Louis David, uno de los máximos exponentes de la pintura neoclásica. Su “Juramento de los Horacios” (17841785,) exalta el tema del patriotismo estoico. El cuadro neoclásico concebido como espacio arquitectónico y el friso como cita de figuras, reflejan la preocupación neoclásica de composición lógica y clara. Los perfiles definidos y una luz dura proporcionan a estas figuras la cualidad de estatuas. Los trabajos realizados por David, encargados por Napoleón, como la “Coronación de Napoleón y Josefina” (1805-1807) están muy alejados del esplendor y del poder que emanaba la ceremonia.

La pintura neoclásica se centró en Roma, donde muchos pintores AUTORRETRATO DE expatriados se KAUFFMANN agruparon en Finales siglo XVIII torno a la figura del historiador alemán Johann Winckelmann. A diferencia de las típicas composiciones de frescos del barroco o del rococó, su composición es simple: sólo unas pocas figuras, en total calma, con poses semejantes a las de estatuas antiguas. Entre 1760 y 1765, Hamilton, quien fue también arqueólogo y marchante, completó cinco cuadros basados en modelos de la escultura antigua, inspirados en la Iliada de Homero. West trabajó en Roma desde 1760 a 1763.

Para alguna de sus obras se Inspiró en su experiencia en Roma. Solemne y austero en cuanto al tratamiento y al tema, reproduce sin embargo con sumo detalle los motivos arqueológicos.

A comienzos de la década de 1790 los artistas empezaron a pintar imitando las siluetas representadas en la cerámica griega. El exponente más destacado de esta manifestación fue el inglés John Flaxman, cuyos grabados de líneas simples, para las ediciones de la Iliada y la Odisea de Homero sustituían la perspectiva tradicional, la luz y el modelado, por diseños de líneas puras. Uno de los alumnos más aventajados de David, heredero de su trayectoria e intérprete de la tradición clásica fue Jean August 32

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Dominique Ingres autor de la obra “Los embajadores de Agamenón” (1801).

mármoles de colores característicos del último barroco o del rococó, preferentemente contornos limpios, una reposada actitud y formas idealizadas ejecutadas en mármol blanco.

En España destacan los pintores neoclásicos José de Madrazo, con “La muerte de Viriato” (1808), “Isabel II”

Los primeros ejemplos de escultura neoclásica fueron realizados por artistas en contacto directo con el círculo de Winckelman en Roma. Entre otros escultores hemos de citar a John Tobias Sergel, quien de regreso a su Suecia natal llevó el nuevo estilo al norte de Europa. No obstante, la figura dominante en la historia de la escultura neoclásica fue el italiano Antonio Canova que se convirtió en miembro del círculo de Roma en el año 1780; después de haber abandonado el estilo barroco, buscó en el estilo neoclásico la severidad y la pureza del arte antiguo. “Teseo y la muerte del minotauro” (1781-1782) reflejan más la calma de la victoria que la propia contienda; ésta fue la primera obra de Canova en su nuevo estilo, y le proporcionó fama inmediata.

ISABEL II Federico Medrazo

Escultura- “Venus”, de Antonio Canova El escultor neoclasicista Antonio Canova gozó de gran popularidad a finales del siglo XVIII y principios del XIX, en parte gracias al mecenazgo de Napoleón Bonaparte.

Su sensualidad se aprecia recatada estatua de Venus.

en

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A la muerte de Canova el artista danés Bertel Thorvaldsen heredó su prestigiosa posición de escultor en Europa. Sus múltiples encargos internacionales permitieron mantener el estricto neoclasicismo como la corriente dominante en la escultura hasta mediados del siglo XIX. El estilo fue llevado a Estados Unidos por uno de sus amigos y continuado por Hiram Powers un artista estadounidense que residió durante bastante tiempo en Italia, autor del célebre “Esclavo griego” (1843) del cual se han realizado numerosas réplicas.

esta

Dado que la escultura en Europa ha estado muy influida por las formas clásicas desde el renacimiento, los principios neoclásicos han sufrido menor impacto que en otras VENUS (s. XVIII) Antonio Canova manifestaciones artísticas.

En general, los escultores neoclásicos tienden a plasmar poses contorsionadas en

El estilo neoclásico se extendió también a las artes decorativas. Alrededor del año 1760, Robert Adam realizó muebles con motivos grecorromanos. Introducido en Francia, este estilo simple y clásico empezó a ser conocido como estilo etrusco y fue favorecido por la corte de 33

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Luis XV. Con adaptaciones posteriores de diseño clásico, inspiradas en los hallazgos arqueológicos, se desarrolló como un estilo elegante conocido como Luis XVI, propiciado por la familia real durante la década de 1780.

el arte clásico y neoclásico es mesura, claro y completo en cuanto a la expresión, el arte romántico se caracteriza por esforzarse en expresar estados de ánimo, sentimientos muy intensos o místicos, así como por eludir la claridad y la definición.

El escritor alemán Ernst Hoffmann definió la esencia del romanticismo como la “infinita añoranza”. En la elección de temas, los artistas del movimiento romántico mostraron predilección por la naturaleza, especialmente en su aspecto más salvaje o misterioso, así como con asuntos exóticos, melancólicos o melodramáticos que producen miedo o pasión.

En la época de Napoleón I, las residencias reales más antiguas fueron redecoradas para el uso oficial, de acuerdo con los planes diseñados por Percier y Fontaine: muebles, VASIJA DE porcelanas, PORCELANA DE Wedgwood tapices, todo ello con diseños y motivos grecorromanos. Interpretados como un todo, los interiores definían el estilo imperio en las artes decorativas que fueron muy pronto imitadas en toda Europa.

Contexto del siglo XVIII- La palabra ‘romántico’ se asoció con escenarios salvajes, perspectivas sublimes, ruinas y una tendencia que se manifiesta en un énfasis creciente por la ascética de lo sublime como oposición a la belleza. El escritor y estadista británico Edmund Burke, por ejemplo, identificó la belleza con la delicadeza y la armonía, y lo sublime con la inmensidad, la oscuridad y la capacidad para inspirar terror. También durante el siglo XVIII, los sentimientos comienzan a ser más importantes que la razón. La poesía romántica inglesa y alemana apareció en la década de 1790 y a fines del siglo experimentó un cambio desde la razón hacia los sentimientos. Éstos y la imaginación comenzaron a reflejarse en las artes como en las visionarias ilustraciones del poeta y pintor inglés William Blake, los cuadros de pesadillas de su amigo el pintor suizoinglés Henry Fuseli y los sombríos grabados de monstruos y demonios realizados por el pintor español Francisco de Goya.

ROMANTICISMO ______________________________

Estilo

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o movimiento artístico e

intelectual europeo que se extiende aproximadamente desde 1800 hasta 1850. El romanticismo no puede ser identificado con un estilo singular, con una técnica o con una actitud, pero sin embargo la pintura romántica se caracteriza por una aproximación muy imaginativa y subjetiva, intensidad emocional y por un carácter visionario u onírico. Mientras que

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3,25 m, pero después lo consideró demasiado revolucionario, de modo que prohibió su exhibición.

En Francia el periodo de formación del romanticismo coincidió con las Guerras Napoleónicas (1799-1815). Los primeros artistas franceses de este estilo encontraron su fuente de inspiración en los acontecimientos que les rodeaban.

Antoine-Jean Gros inició la transición del neoclasicismo al romanticismo impulsado por el estilo sobrio de su maestro, Jacques-Louis David, quien tenía un estilo más colorista y emotivo, influido por el pintor flamenco barroco Petrus Paulus Rubens. La principal figura del romanticismo francés fue Théodore Géricault, que cambió el sentido heroico de los cuadros de batallas por el del sufrimiento. En su “Coracero herido” (1814) un soldado, en medio de una humareda, se desmaya en el campo. Las poderosas pinceladas, la luz y los tonos oscuros acrecientan el sentido de aislamiento y vulnerabilidad; y esto para Géricault y otros pintores románticos constituían la esencia de la condición humana.

LA PESADILLA Henry Fuseli (S. XVIII)

En Francia la obra de grandes dimensiones de Théodore Géricault “La balsa de la Medusa” (1818-1819), está basada en la tragedia de los náufragos de la fragata francesa Medusa, hundida al oeste de África, quienes pasaron varias semanas en una balsa.

Géricault investigó en profundidad los hechos y los plasmó con gran detalle en esta obra que provocó un gran escándalo en su época.

Eugène Delacroix pintó “La libertad guiando al pueblo” en 1830, una de las obras

LA BALSA DE LA MEDUSA Théodore Géricault (1818-1819)

La obra maestra de Géricault, “La balsa de Medusa” (1818-1819), retrata a escala heroica el sufrimiento de la humanidad, un tema del que se hizo eco el pintor romántico francés, Eugène Delacroix, en su

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO Eugene Delacroix (1830)

culminantes del romanticismo. El gobierno francés encargó este lienzo de 2,59 x 35

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“Masacre en Quíos” (1824). Delacroix adopta a menudo temas de la literatura, pero resalta los que tienen más trascendencia literaria o didáctica con el uso de colores que crean un efecto de energía pura o emoción comparado con la música. Rechazando el énfasis neoclásico sobre la forma y los rasgos, utiliza medios tonos obtenidos de la yuxtaposición de un color con su complementario y no del oscurecimiento de uno de ellos. Su “Muerte de Sardanápalo” (1827), inspirada en una obra del poeta romántico inglés lord Byron, lo detalla con precisión, pero la acción es tan violenta y la composición tan dinámica que el efecto es un caos hundiendo la inamovible e indiferente figura de un rey agonizante.

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romántico se expresa más directamente en su obra “Mar polar” (1824); el recuerdo de un barco naufragado, apenas visible debajo de una pirámide de placas de hielo, parece un monumento al triunfo de la naturaleza sobre la aspiración humana. Otra de sus obras “El árbol de los cuervos”, está impregnada de simbolismo religioso como lo están en general sus paisajes.

Otra escuela del romanticismo alemán es la formada por los nazarenos, un grupo de artistas centrados en la recuperación del estilo y del espíritu religioso medieval; su principal líder fue Johann Friedrich Overbeck.

En Inglaterra, así como en Alemania, los paisajes impregnados de un sentimiento romántico se convierten en la principal expresión de la pintura romántica, aunque los artistas ingleses fueron más innovadores en estilo y en técnica. Samuel Palmer pintó paisajes que se distinguen por una inocente simplicidad en cuanto a su estilo así como por un sentimiento religioso que deriva de Blake. John Constable, proveniente de un entorno natural salvaje asociado con muchos poetas y pintores románticos, dotó a los paisajes ingleses de un profundo sentimiento. Fue el primer gran artista en trabajar al aire libre y

La pintura romántica alemana, así como su poesía y filosofía, estuvo inspirada por la concepción de la naturaleza como manifestación de la divinidad, que condujo a la formación de una escuela paisajística simbólica iniciada por las pinturas místicas y alegóricas de Philipp Otto Runge. El más grande exponente y el pintor alemán romántico más notable fue Caspar David Friedrich, cuyos paisajes meditabundos, pintados en un estilo lúcido y meticuloso, cabalgan entre el sentimiento delicado y

EL INCENDIO DEL PARLAMENTO William Turner (1824) EL ÁRBOL DE LOS CUERVOS Caspar David Friedrich (1822)

en llevar al lienzo la frescura de la visión a través del uso de colores luminosos y llamativos a base de pinceladas densas.

William Turner expresó la visión más radical

místico y el sentido de la melancolía, de la soledad y de la separación. Su pesimismo 36

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de todos los artistas románticos. Comenzó con paisajes que se remontan XVII, pero transformó algunas de sus obras tardías como “Tormenta de nieve: barco de vapor de Harbour Mouth” (1842), en una mezcla de efectos atmosféricos de luz y color, mezcla de nubes, niebla, nieve y mar en un torbellino en el cual los diferentes objetos se diluyen. En su obra “El inendio del parlamento” Turner llega a rozar lo abstracto, por lo que se considera uno de los pioneros de las vanguardias artísticas del siglo XX.

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Inglaterra, después de 1850, los prerrafaelistas revivieron la visión medievalizante de los nazarenos alemanes.

La influencia del romanticismo ha perdurado en obras posteriores. Se puede trazar una línea de continuidad que parte desde Constable a través de la Escuela de Barbizon hasta el impresionismo, aunque el más directo descendiente del romanticismo fue el movimiento simbolista, que por diferentes vías intensificó o refinó las características del movimiento romántico como la subjetividad, la imaginación y la extraña fantasía onírica. En el siglo XX el expresionismo y el surrealismo llevaron

El romanticismo en España se manifestó sobre todo en la pintura, representado por Federico Madrazo, con sus cuadros históricos y sus retratos; Antonio María Esquivel, Jenaro Pérez Villaamil, con sus imaginatorios paisajes; Leonardo Alenza, con sus cuadros costumbristas inspirados en la obra de Goya y Eugenio Lucas Padilla, que representaba el espíritu revolucionario de la época.

VOLTERRA (1834) Camille Corot

estas tendencias incluso más lejos. Sin embargo, en cierto sentido, puede decirse que todo el arte contemporáneo deriva del romanticismo ya que el “concepto de

libertad artística, originalidad y autoexpresión en el arte fueron los estandartes de los románticos en oposición a los principios tradicionales” EL SUEÑO DE LA RAZÓN PRODUCE MONSTRUOS (1797-1799)

IMPRESIONISMO

Romanticismo tardío- Hacia mediados del

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siglo XIX, la pintura romántica comenzó a cobrar la intensidad de un movimiento original. Entre los ejemplos más relevantes de este periodo se hallan los paisajes serenos y atmosféricos que incluye a Camille Corot y Théodore Rousseau. En

Movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico. El movimiento impresionista se considera el 37

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punto de partida del arte contemporáneo.

Contrario a las manifestaciones artísticas que le precedieron, es el resultado de un análisis y no de una síntesis. El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas clásicos y con las fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes. La Academia fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón parisino. Los impresionistas, en cambio, escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos.

En los impresionistas se termina la protección de los antepasados y se plantea la realidad social de la época. Los Impresionistas llegan al público culto en una democratización del arte. Es la época en la cual se dio el movimiento obrero, la comuna, el primer intento de un gobierno socialista. La temática de los artistas en ese momento era la de los cafés, las calles, el paisaje campestre y marino y las regatas.

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compartieron como grupo sus experimentos sobre el color. Sólo Monet fue ortodoxo en la aplicación de la teoría impresionista. Pintó varias series —la catedral de Ruán, la estación de SaintLazare, los álamos— en diferentes horas del día y estaciones del año. Pissarro utilizó una paleta más delicada y también se concentró en los efectos de luz sobre las formas. Sisley, aunque muy influido por Monet, conservó una sutileza propia.

Degas, que no fue un impresionista ortodoxo, captó la fugacidad del movimiento en las escenas de ballet y de caballos, a menudo representadas con la técnica del pastel. Los sutiles paisajes de Morisot se destacan por la intensa pincelada más que por la precisión lumínica.

Edouard Manet (1832-1883)

En 1874 se realizó la primera exposición de los impresionistas en la cual se encontraba una obra de Claude Monet, titulado “Impresión”, dando origen al nombre de esta tendencia.

LA MERIENDA CAMPESTRE (1863) Edouard Manet

Entre sus representantes están:       

Influenciado por Goya, fue considerado el primer impresionista mostrando cómo se podían obtener sutiles representaciones de luz por la yuxtaposición de colores fuertes y contrastados. Su cuadro “La merienda campestre” (1863) expuesto en el Salón de los Rechazados organizado en oposición a las exposiciones oficiales en el Salón de la Academia, señaló el comienzo de una nueva era en el arte.

Edouard Manet Claude Oscar Monet Berthe Morisot Edgar Degas Camille Pissarro Auguste Renoir Alfred Sisley

Los impresionistas evolucionaron hacia distintos estilos individuales y 38

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En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones.

Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la prensa pronto les aplicó burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión: sol naciente (1872). Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas.

Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza. Durante las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, especialmente a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores.

Claude Oscar Monet (1840-1926) Pintor Impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural. Monet nació en París; estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin. En la década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista—Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley.

Posteriormente, Monet, considerado el dirigente de la escuela impresionista, había alcanzado un reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar de la audacia de su colorido y de la extrema simplicidad de sus composiciones, se le valoró como un maestro de la observación meticulosa, un artista que no sacrificó ni las complejidades reales de la naturaleza ni la intensidad de sus propios sentimientos. En 1890 tuvo la posibilidad de adquirir una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín (hoy abierto al público) También trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan temas de la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, el Sena mostrando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año. Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte.

HAYSTACKS, END OF SUMMER, MORNING EFFECT (1891) Claude Oscar Monet

Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales. Sin embargo, a medida que su estilo evolucionaba, Monet transgredía con frecuencia los convencionalismos artísticos tradicionales en beneficio de una expresión artística más directa. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a la posibilidad de una carrera exitosa como pintor convencional en la línea del arte oficial.

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Pero, a diferencia de los impresionistas prefirió trabajar en su taller y no le interesó el estudio de la luz natural que tanto fascinó a aquellos. A Degas le gustaban los temas del teatro, por lo que la mayor parte de su obra representa teatros, cafés, teatros de variedades o gabinetes y carreras de caballos. Degas fue un gran observador del ser humano (sobre todo de las mujeres, en las que se centra gran parte de su obra) y tanto en sus retratos como en sus estudios de bailarinas, sombrereras y lavanderas, cultivó una objetividad absoluta, intentando atrapar las posturas más naturales y espontáneas de sus modelos como las que podían registrarse en las fotografías.

Berthe Morisot (1841-1895) Pintora francesa Influida por los artistas Camille Corot y Édouard Manet, abandonó su primera formación clasicista en busca de un estilo impresionista muy personal, caracterizado sobre todo por la delicadeza

En la década de 1880, cuando comenzó a perder visión, Degas empezó a trabajar con dos medios nuevos que no requerían gran agudeza visual: la escultura y el pastel. En su escultura, al igual que en su pintura, intentó atrapar FIN D’ARABESQUE la acción del (1877) Edgar Degas momento, y sus bailarinas de ballet y desnudos femeninos están representados en poses que evidencian los esfuerzos físicos de las modelos. Sus pasteles suelen ser composiciones simples con muy pocas figuras. Se vio forzado a recurrir a los colores brillantes y a los gestos de gran expresividad, prescindiendo de la línea precisa y el cuidado detalle pero, a pesar de esas limitaciones, sus últimas obras son de una

HIDE AND SEEK Berthe Morisot

y sutileza que supo imprimir a sus cuadros.

Su técnica, basada en grandes pinceladas aplicadas libremente en todas direcciones, dio a sus obras unas calidades transparentes y tornasoladas. Trabajó tanto la pintura al óleo como la acuarela, realizando principalmente paisajes y escenas de mujeres con niños, Edgar Degas (1834-1917) Pintor y escultor francés cuyas composiciones innovadoras, sus magistrales dibujos y su perspicaz análisis del movimiento le convirtieron en uno de los maestros del arte moderno de finales del siglo XIX. A Degas se le suele asociar con los impresionistas y, de hecho, expuso con ellos en siete de las ocho exposiciones que realizaron.

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elocuencia, expresividad y grandiosidad no alcanzadas por ninguna de sus obras anteriores.

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Degas no gozó de gran fama en su época y su auténtica dimensión artística no habría de valorarse hasta después de su muerte, acaecida el 27 de septiembre de 1917 en París.

después del mediodía. Era un excelente profesor; entre sus alumnos y colegas se encontraban Paul Gauguin y Paul Cézanne, su hijo Lucien Pissarro y la pintora impresionista estadounidense Mary Cassatt. Pissarro fue un artista prolífico; muchas de sus pinturas, acuarelas y gráficos cuelgan de la Galería de Luxemburgo en París.

Camille Pissarro (1830-1903)

Auguste Renoir (1841-1919)

Pintor Impresionista francés, cuya amistad y apoyo dio ánimo a muchos pintores jóvenes. Pissarro se unió a los impresionistas y tuvo representación en todas sus exposiciones. Durante la Guerra Franco-prusiana (1870-1871), vivió en Inglaterra y estudió el arte inglés, interesándose sobre todo por los paisajes de J. M. W. Turner. En la década de 1880, desanimado con su trabajo, experimentó con el Puntillismo; el nuevo

Pintor impresionista francés, famoso por sus pinturas brillantes e íntimas, en particular las que representan desnudos femeninos. Considerado como uno de los más grandes artistas independientes de su época, es célebre por la armonía de sus líneas, la brillantez de su color y el encanto íntimo de sus muy variados temas pictóricos. A diferencia de otros impresionistas, le interesó más la representación de la figura humana individual o en retratos de grupo que los paisajes. Además, tampoco subordinó la composición y plasticidad de la forma a los intentos de interpretación de los efectos lumínicos.

Renoir nació en Limoges. De niño trabajó como decorador en una fábrica de porcelanas de París, a los 17 años copiaba pinturas sobre abanicos, pantallas de lámparas y persianas. Renoir se matriculó en la academia del pintor suizo Charles Gabriel Gleyre, donde conoció a Fréderic Bazille, Claude Monet y Alfred Sisley. Su obra más temprana estuvo influenciada por dos pintores franceses, Monet en su tratamiento de la luz y el pintor romántico Eugène Delacroix en su tratamiento del color.

En 1864 exhibió por primera vez su obra en París, pero no obtuvo cierto reconocimiento hasta 1874, en la primera exposición de pintores de la nueva escuela impresionista. El baile del Moulin de la

VISTA DE PONTOISE (1879) Camille Pissarro

estilo, sin embargo, no cuajó entre los coleccionistas y galeristas, y tuvo que volver a un estilo impresionista más libre.

Pintor del sol y de destellantes juegos de luz, Pissarro produjo buen número de tranquilas escenas rurales de ríos y paisajes; también pintó escenas callejeras en París como La calle Saint-Honoré 41

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Galette es una de las obras más famosas del Impresionismo: una escena de un café, al aire libre, en la que queda patente el dominio de Renoir en el tratamiento de las figuras y en la representación de la luz.

Otros ejemplos extraordinarios de su talento como retratista son: Madame Charpentier y sus niños y Jeanne Samary.

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Nació en París de padres ingleses y fue discípulo en el estudio del pintor suizo Charles Gabriel Gleyre, donde conoció a Claude Monet y Pierre Auguste Renoir.

Aunque las obras de Sisley recibieron un escaso reconocimiento durante su vida, su importancia ha ido creciendo con el tiempo. Sus pinturas, suaves e idílicas escenas de las cercanías de París, revelan

Renoir consolidó su reputación con la exposición individual celebrada en la galería DurandRuel de París en 1883.

Posteriormente realizó una serie de estudios de grupo de figuras desnudas conocidas como “Las grandes bañista”, revelando su extraordinaria JEANNE SAMARY (1879) habilidad para mostrar la textura y el brillante y nacarado color de la piel, y para comunicar un sentimiento lírico unido a la plasticidad del tema. Su representación de la gracia femenina no ha sido superada en la historia de la pintura moderna. Muchos de sus últimos cuadros tratan también el mismo tema pero en un estilo cada vez más acentuado rítmicamente. Durante los últimos 20 años de su vida padeció de artritis y aunque le era imposible mover las manos libremente, continuó trabajando con un pincel atado al brazo. Renoir murió en Cagnes, una villa al sur de Francia.

COTES DU PAYS DE GALLES EL BRUME Alfred Sisñey

la influencia siempre presente de Camille Corot ∗∗∗, sobre todo en sus suaves y armoniosos colores. Sus obras más destacadas son El Sena en Bougival La inundación en Port-Marly y Una calle en Moret.

NEOIMPRESIONISMO _______________________________

Movimiento

artístico de finales del siglo XIX, fundado por el pintor francés Georges Seurat, desarrollado en la última fase del impresionismo. El objetivo de Seurat era sistematizar una teoría del color

Alfred Sisley (1839-1899) Pintor paisajista francés considerado como uno de los fundadores del Impresionismo.

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Camille Corot , pintor francés, conocido sobre todo por sus paisajes realistas y románticos. Su obra anuncia el impresionismo.

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que había sido intuida casualmente y sin rigor científico por los impresionistas. A través de la técnica que denominaba divisionismo. Seurat aplicaba la pintura en el lienzo en minúsculas manchas de pigmento puro, con fuertes contrastes de color. Estas composiciones, contempladas desde una distancia óptima, reproducen con brillantez los efectos lumínicos.

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en el río Sena; éste fue el primero de seis grandes lienzos que conformaron la mayor

Además de un uso sistematizado del color, otro principio básico del Neoimpresionismo fue la composición concienzuda del cuadro, así como el cuidado del dibujo. En este aspecto el Neoimpresionismo rechazó el ideal impresionista de la objetividad no estructurada. Por su esquematismo formal y su cualidad científica, el divisionismo se convirtió en un importante precursor del arte moderno: una retrospectiva de la obra de Seurat, llevada a cabo en 1905, tuvo una influencia decisiva en la aparición del cubismo.

UN DOMINGO DE VERANO EN LA GRANDE JATTE (1884-1886) Georges Seurat

parte de su trabajo artístico. En ese y otros trabajos posteriores, continuó la tradición impresionista de mostrar las excursiones y distracciones de los días festivos. Su obra maestra, “Un domingo de verano en la Grande Jatte”, representa a los paseantes del domingo de una isla del Sena. La pintura muestra una atmósfera de dignidad monumental a través de un orden equilibrado de sus elementos y los contornos de las figuras. “Las modelos” y “Circo”, son otras de las grandes obras de Seurat.

Georges Seurat (1859-1891) Pintor francés, uno de los máximos representantes del Neoimpresionismo.

Estudió en la Escuela de Bellas Artes.

Rechazó el efecto borroso de las pinturas impresionistas, realizadas con pinceladas irregulares, e inventó la técnica del puntillismo, en el que las formas sólidas se construyen a partir de la aplicación de muchos pequeños puntos de colores puros sobre un fondo blanco. El revolucionario sistema de Seurat encontró muchos seguidores e imitadores. Algunas de sus teorías pictóricas derivan del estudio de los tratados contemporáneos de óptica.

Su tendencia científica se refleja también en sus hábitos de trabajar, que incluían horarios fijos y una meticulosa sistematización de su técnica.

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OSTIMPRESIONISMO

_______________________________

Movimiento

pictórico

que

engloba los diferentes estilos pictóricos que sucedieron en Francia al impresionismo, entre 1880 y 1905 aproximadamente. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry en 1910, con

En 1884 acabó “Un baño en Asnières”, una escena donde unos jóvenes se bañan 43

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motivo de la exposición celebrada en Londres de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh. Además de estos tres artistas, también se incluyen en esta corriente Toulouse-Lautrec y Georges Seurat.

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Otros movimientos artísticos posteriores, como el cubismo, el expresionismo, el fauvismo, el surrealismo y el futurismo, presentaron algunas de las características de la pintura impresionista: la libertad expresiva del artista y el énfasis en el concepto abstracto del arte 1. En concreto, las vanguardias artísticas del siglo XX reflejaron la nueva interpretación del mundo preconizada por Cézanne, Gauguin y Van Gogh.

Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

Seurat, denominado neoimpresionista por sus criterios más próximos al impresionismo, inventó una técnica denominada puntillismo, cuyo ejemplo más destacado es el cuadro “Un domingo de verano en la Grande Jatte”.

Paul Cézanne(1839-1906) Pintor francés, considerado el padre del arte moderno. Intentó conseguir una

La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor libertad formal. Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies, como en “Pinos y rocas”. Su interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo.

EL MONTE SAINTE-VICOIRE Paul Cézanne

Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular, se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas, como se aprecia en la obra “Calvario bretón”. Van Gogh, por su parte, se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación subjetiva, ejemplificada en “Noche estrellada”, preludió el expresionismo.

Toulouse-Lautrec estuvo fuertemente influido por las composiciones lineales de los grabados japoneses, y su obra se caracterizó por los intensos grabados de contorno y los colores planos.

síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico abstracto. Entre todos los artistas de su tiempo, Cézanne tal vez sea el que ha ejercido una influencia más profunda en el arte del siglo XX (Henri Matisse admiraba su manejo del color y Pablo Picasso se basó en su forma de componer los planos para crear el estilo cubista). Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento.

Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Estaba distanciado incluso 1

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Enciclopedia Microsoft. Op. Cit. Postimpresionismo

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de su familia, que tachaba su comportamiento de extraño y no apreciaba el carácter revolucionario de su arte.

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dejó la mayor parte de sus obras sin acabar y destruyó muchas de ellas. Se lamentaba de su fracaso a la hora de representar la figura humana y, efectivamente, las grandes obras con figuras humanas de sus últimos años, como

El aislamiento y la concentración, así como la singularidad de su búsqueda, podrían señalarse como los responsables de la increíble evolución que experimentó su estilo durante las décadas de 1880 y 1890. En ese periodo, aunque continuó pintando directamente del natural con brillante colorido de tipo impresionista, fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura hasta el punto de que parecía lograr expresar el volumen con sólo unas cuantas pinceladas de color yuxtapuestas, recomponiendo la realidad con elementos geométricos rompiendo totalmente con la perspectiva geométrica; mientras los impresionistas son excesivamente cromáticos Cézanne hace una síntesis del color, de manera que los expertos llegarían a afirmar que Cézanne había descubierto un modo de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza simplemente mediante el color. Esto ejercería una fuerte influencia en la abstracción, es decir en la esencialización de la realidad visual. Parecía reintroducir una estructura formal que los impresionistas habían abandonado, sin sacrificar por ello la sensación y vivacidad lumínica lograda por ellos. El propio Cézanne hablaba de modular el color en lugar de modelar el claroscuro de la pintura tradicional. Con ello se refería a que suplantaba las convenciones artificiales de representación (modelar) por un sistema más expresivo (modular) que se hallaba aún más próximo a la naturaleza o, como decía el propio artista, "paralelo a la naturaleza".

Para Cézanne la solución a todos los problemas técnicos del impresionismo radicaba en utilizar el color de un modo más ordenado y expresivo que el de sus compañeros impresionistas.

BAÑISTAS Paul Cézanne

“Bañistas” ( 1899-c. 1906), revelan unas distorsiones curiosas que parecen dictadas por el rigor del sistema de modulación cromática que él mismo impuso sobre sus propias representaciones. Sin embargo, la generación posterior de pintores llegó a aceptar prácticamente todas las rarezas de Cézanne. Dicha generación creía que ya se habían superado los objetivos naturalistas del impresionismo y que era necesario un estilo nuevo y original, sin reparar en la dificultad, para poder devolver al arte moderno sinceridad y compromiso.

Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue conocida por sus antiguos colegas impresionistas y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del postimpresionismo, entre los que se incluían Vincent van Gogh y Paul Gauguin.

Sin embargo, en 1895 Ambroise Vollard, ambicioso marchante parisino, organizó una exposición de sus obras y las promocionó con gran éxito durante los años siguientes.

Hacia 1904, Cézanne alcanzó la consagración en uno de los grandes salones oficiales de pintura y cuando murió (en su ciudad natal, el 22 de octubre de

Cézanne consideraba que nunca llegaba a alcanzar plenamente su objetivo, por lo que 45

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1906) había considerable.

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logrado

un

prestigio

la línea y el color para psicológica y socialmente.

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protestar

En 1886 fue a París a vivir con su hermano Théo van Gogh, que era marchante de arte, y allí se familiarizó con los nuevos movimientos artísticos que estaban en pleno desarrollo. Influido por la obra de los impresionistas y por la de los grabadores japoneses, comenzó a experimentar con las técnicas de la época. Más adelante adoptó los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Camille Pissarro y Georges Seurat.

Vincent van Gogh (1853-1890)

Se trasladó al sur de Francia con la esperanza de atraer allí a algunos de sus amigos y fundar con ellos un Taller del Mediodía. Bajo el sol ardiente de la Provenza, pintó escenas rurales, cipreses, campesinos y otras características de la vida de la región. Durante ese periodo en el que vivió en Arlés, empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos relacionados con obras tan conocidas como “La habitación de Vincent en Arlés” (1888) y “Noche estrellada” (1889). Es también de esta época “Descargadores en Arlés” (1888).

Para él todos los fenómenos visibles, parecían estar dotados de una vitalidad física y espiritual. Logró contagiar su entusiasmo al pintor Paul Gauguin, al que había conocido en París, para que fuera a verle a Arlés. Menos de dos meses después empezaron a tener violentos enfrentamientos que culminaron en una pelea en la que Van Gogh, fuera de sí, amenazó a Gauguin con una navaja; esa misma noche, sumido en un profundo remordimiento, Van Gogh se cortó parte de la oreja. Estuvo internado durante un tiempo en un hospital de Arlés y un año en el manicomio de esa misma región. Durante este periodo siguió trabajando entre los varios ataques de locura que sufrió. Más tarde pasó tres meses en Auvers bajo la atención de un médico cordial y

CAMPO DE TRIGO Y CIPRESES (1888-1890) Vincent van Gogh

Pintor autodidacta postimpresionista holandés. Vivió la mayor parte de su vida en Francia y su obra influyó de forma decisiva en el movimiento expresionista.

Hijo de un pastor protestante holandés.

Desde su juventud demostró tener un temperamento fuerte y un carácter difícil que habría de frustrar todo empeño que emprendía. A los 27 años ya había trabajado en una galería de arte, había dado clases de francés, había sido estudiante de teología y evangelizador entre los mineros de Wasmes, en Bélgica.

Sus experiencias como predicador aparecen reflejadas en sus primeras composiciones sobre campesinos, de las cuales la más conocida es “Los comedores de papas” (1885); uno de los diez únicos grabados que el pintor hizo a lo largo de su carrera. Oscuras y sombrías, a veces descarnadas, sus primeras composiciones ponen en evidencia el intenso deseo de expresar la miseria y los sufrimientos de la humanidad tal y como él los vivió entre los mineros de Bélgica. Utiliza deformación en

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comprensivo, cuyo retrato pintó “El doctor Paul Gachet” (1890), Inmediatamente después de acabar su inquietante “Cuervos sobre el trigal” (1890) se disparó un tiro el 27 de julio de 1890 y murió dos días más tarde.

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De una familia liberal de clase media; su madre era hija de la célebre socialista y feminista Flora Tristán ∗∗∗∗. Después de una juventud aventurera, que incluye una estancia de cuatro años en Perú con su familia y un empleo en la marina mercante francesa, se convirtió en un prestigioso agente de bolsa de París, llevando una confortable vida burguesa con su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos.

Las más de 700 cartas que escribió a su hermano Théo constituyen un documento extraordinario sobre la vida de un artista y su producción, de una abundancia inusitada: cerca de 750 cuadros y 1600 dibujos.

Los pintores alemanes Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner y Emil Nolde deben más a la obra de Van Gogh que a ninguna otra influencia.

En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hizo coleccionista y pintor aficionado. Expuso con los impresionistas en repetidas ocasiones. En 1882, debido a la quiebra de la Bolsa, decidió convertir su afición a la pintura en oficio. Un año después, sus hijos y su mujer se fueron a vivir con la familia de ésta a Dinamarca. Gauguin se trasladó a Ruán, donde vivía Pissarro.

Al combinarse todos los factores que componen su vida: soledad, enfermedad, fracaso, se desprende una obra de enorme fuerza con una aplicación excesiva del color amarillo, que según estudio, es el color de la esquizofrenia.

Paul Gauguin (1848-1903)

Entre 1886 y 1891 Gauguin vivió principalmente en la Bretaña (a excepción del viaje a Panamá y Martinica entre 1887 y 1888), donde era el centro de un pequeño grupo de pintores experimentales conocidos como la escuela de Pont-Aven.

Bajo la influencia del pintor Émile Bernard, se alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista, al que denominó sintetismo ∗∗∗∗∗. Halló inspiración en el arte

Pintor postimpresionista francés, cuyos colores exuberantes, formas bidimensionales planas y temática contribuyeron a dar forma al arte moderno.

∗∗∗∗

Escritora y activista francesa, descendiente de una familia de la aristocracia peruana. Es también recordada por ser la abuela del pintor Paul Gauguin. Nacida en París, era hija de una dama francesa y del aristócrata peruano Mariano Tristán y Moscoso, quien no la reconoció legalmente. En 1833 visitó Perú con el fin de reclamar su herencia paterna y esclarecer todo lo relacionado con su situación familiar, empresa que se vio frustrada por las constantes negativas de su tío paterno, Juan Pío. Su obra Peregrinaciones de una paria recoge, con un auténtico sabor romántico, sus impresiones durante el viaje a Lima y Arequipa, y muestra su identificación con las costumbres propias de ambos lugares. De regreso a Francia, emprendió una campaña a favor de la emancipación de la mujer, los derechos de los trabajadores y en contra de la pena de muerte.

EL ESPÍRITU DE LOS MUERTOS OBSERVA (1892) Paul Gauguin

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Estilo pictórico que plasma la forma esencial de los objetos, reduciendo su volumen a dos dimensiones y empleando colores puros y tintes violentos.

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indígena, en los vitrales medievales y en los grabados japoneses; estos últimos los conoció a través de Vincent van Gogh en 1888, durante los dos meses que vivieron juntos en Arles, en el sur de Francia. Tras el altercado en el que Van Gogh intentó matarle, abandonó la ciudad. Su nuevo estilo, marcado por la absorción de influencias del arte primitivo bretón, se caracterizó por la utilización de amplias zonas planas de colores encendidos, como en el “Cristo amarillo”. En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea, una sociedad "gobernada por el oro", y de todo lo que es artificial y convencional. A excepción de una visita a Francia entre 1893 y 1895, permaneció el resto de su vida en las Antillas, primero en Tahití y después en las islas Marquesas. Las características esenciales de su pintura experimentaron pocos cambios; mantuvo la expresividad cromática, el rechazo a la perspectiva y la utilización de formas amplias y planas. Sin embargo, influido por el ambiente tropical y la cultura polinesia, su obra fue cobrando fuerza expresiva a medida que el tema se fue haciendo más característico, la escala de sus cuadros mayor y sus composiciones más simples.

Su temática abarcó desde escenas de la vida cotidiana, como “Tahitianas” o “En la playa”, hasta inquietantes escenas de supersticiosa aprensión, como “El espíritu de los muertos observa”. Su obra maestra es la inmensa alegoría, considerada su testamento pictórico, “¿De dónde venimos, qué somos, dónde vamos?”, pintado inmediatamente antes de su intento de suicidio. Una modesta pensión que le enviaba un marchante de arte de París le mantuvo hasta su muerte en 1903, en el pueblo de Atuana, isla de Dominica (islas Marquesas).

Sus experimentaciones atrevidas con el color constituyen el antecedente directo del fauvismo. La fuerza de sus formas pictóricas influyó en el pintor noruego

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Edvard Munch y en la posterior escuela expresionista.

LA GOULUE ENTRANDO EN EL MOULIN ROUGE Toulouse Lautrec

Toulouse Lautrec (1864-1901) Pintor, grabador y dibujante francés, fue uno de los artistas que mejor representó la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Toulouse-Lautrec nació en Albi, en el seno de una de las familias aristocráticas más importantes de Francia.

Siendo adolescente se rompió las dos piernas y, a causa de una enfermedad congénita por la cual no asimilaba el calcio, durante el resto de su vida conservó un torso normal pero las piernas no le crecieron. Su habilidad para el dibujo fue en principio estimulada por su tío, el conde Charles de ToulouseLautrec, así como también por artistas aficionados amigos de la familia. Más tarde estudió pintura. Toulouse-Lautrec frecuentó los coloristas y animados cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio y 48

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locuacidad a un nutrido grupo de artistas e intelectuales entre los que se encontraba el escritor irlandés Oscar Wilde, el pintor holandés Vincent van Gogh y la cantante francesa Yvette Guilbert. Visitó también con asiduidad el teatro, el circo y los burdeles. Los recuerdos e impresiones que sacaba de estos lugares y de sus personajes más destacados los plasmó con gran maestría en retratos y bocetos de sorprendente fuerza y originalidad.

Ejemplos característicos son “La Goulue entrando en el Moulin Rouge”, “Jane Avril entrando en el Moulin Rouge” y “En el salón de la calle des Moulins”. Su vida desordenada, su alcoholismo y un ataque de parálisis le llevaron a abandonar su estudio para refugiarse con su madre en el castillo de Malromé, propiedad de la familia, donde falleció.

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científicamente yuxtapuestos, utilizados por la técnica neo-impresionista conocida como puntillismo. Los puntos crean un efecto prismático que dan a sus escenas, sobre todo de ríos y marinas, una fuerte impresión de luz del sol natural y brillante.

Después de 1900, Signac abandonó el puntillismo y comenzó a pintar con pequeños cuadrados de color que crean un efecto como de mosaico, como muestra la “Vista del puerto de Marsella” También realizó vibrantes acuarelas en un estilo más espontáneo y libre.

Auguste Rodin (1840-1917) Escultor francés que dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica expresada a través del modelado y la textura. Se le considera uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX. Nació en París; era hijo de un oficial de policía. Estudió arte en una escuela pública para artesanos y por su cuenta en el Museo del Louvre, ya que no fue admitido en la École des Beaux-Arts.

Durante muchos años trabajó para otros EL PENSADOR (Parte de la obra LAS escultores.

PUERTAS DEL Rodin colaboró, INFIERNO Auguste Rodin a principios de la década de 1870, en la realización de una escultura arquitectónica para la Bolsa de Bruselas.

En 1875, viajó a Italia, donde se sintió atraído por el tratamiento del movimiento y la acción muscular en las obras de los

Toulouse-Lautrec fue un artista muy prolífico. Realizó gran número de óleos, dibujos, aguafuertes, litografías y carteles, así como también ilustraciones para varios periódicos de entonces. A su peculiar y personal estilo incorporó elementos de otros artistas de la época, especialmente de los pintores franceses Edgar Degas y Paul Gauguin. El arte japonés, de moda en París por aquellos años, ejerció también influencia en Toulouse-Lautrec, con sus contornos fuertemente marcados, su composición asimétrica y la utilización de manchas de colores planos. Su obra inspiró a Vincent van Gogh, Georges Seurat, Georges Rouault y a todos aquellos artistas interesados en el trabajo de litografías y carteles.

Paul Signac (1863-1935) Pintor francés postimpresionista, nacido en París. En 1893, bajo la influencia de Georges Seurat, abandonó el uso de las pinceladas habituales para experimentar con los puntos de color puro 49

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escultores del renacimiento Donatello y Miguel Ángel.

Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una representación fidedigna del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía. Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos estilos. El estilo más característico revela una dureza deliberada en la forma y un laborioso modelado de la textura; el otro está marcado por una superficie pulida y la delicadeza de la forma. Rodin produjo algunas esculturas importantes, incluyendo entre ellas especialmente “Hombre con la nariz rota”.

Sin embargo, su reconocimiento llegó en 1877 con la exhibición en el Salón de su desnudo masculino “La era de bronce”. Este trabajo levantó controversia dado su extremado realismo y provocó la acusación de que Rodin había hecho moldes de yeso a partir de modelos vivos. La exhibición en 1880 de su desnudo “San Juan Bautista”, que resaltaba las cualidades humanas del sujeto, acrecentó la reputación de Rodin.

El mismo año comenzó a trabajar en “Las puertas del infierno”, una puerta de bronce esculpido para el Museo de Artes Decorativas de París.

La puerta representaba principalmente escenas del Infierno, la primera parte de la Divina Comedia de Dante. Aunque Rodin no completó Las puertas del infierno, creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos, siendo todos ellos aclamados como obras independientes. Rodin también produjo numerosos retratos en los que se revelan los estados emocionales de los sujetos.

Entre ellos, cuadros de cuerpo entero de los escritores franceses Honoré de Balzac y Víctor Hugo. __________________________________

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