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partir del lenguaje. Según el concepto de Weiner, ni siquiera es necesario que la obra esté construida; puede bastar con pronunciar las palabras imaginando la obra.
RTE CONCEPTUAL
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Tendencia
artística
que
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En la práctica, muchas de las obras conceptuales se limitaban a documentar un suceso o una actividad mediante instrucciones, fotografías o imágenes de vídeo. Además, algunos artistas proporcionaron directrices para la ejecución de performances. Una obra datada en 1970 de Yoko Ono, artista estadounidense de origen japonés, consistía en una simple instrucción escrita: “Dibuje un mapa imaginario y sígalo a lo largo de una calle real”. Esta obra demuestra la dificultad de conectar una idea abstracta (el lugar imaginado) y la representación visual de la misma (el mapa) con el mundo verdadero (la calle real).
se
desarrolló a mediados de la década de 1960, en la que el concepto tiene preferencia frente al objeto real. Según LeWitt ya no era necesaria la crítica del arte puesto que los artistas podían y debían manifestar su propio análisis; estos escritos eran en sí mismos una forma artística tan legítima como la pintura o la escultura. En esa misma época Joseph Kosuth, otro de los fundadores del movimiento, declaraba que el arte conceptual se basaba en el examen de la propia naturaleza del arte. Esta tendencia adoptó en sus inicios diferentes formas. LeWitt propuso instrucciones de uso para crear cuadros, especificando los tipos de líneas en cuanto a longitud, curvatura y color, entre otras características. Las instrucciones constituían la obra de arte comercializable; las pinturas propiamente dichas sólo representaban un resultado secundario del concepto creativo original. En 1965 Kosuth expuso objetos aislados (como una silla, un martillo o una sierra) junto a una fotografía de tamaño natural del objeto y la definición académica del mismo impresa sobre un cartel. Esta presentación cuestionaba la relación entre objetos, imágenes y palabras.
El arte conceptual cuenta con importantes precedentes a principios del siglo XX. El artista francés Marcel Duchamp expuso en 1913 una “Rueda de bicicleta” colocada al revés, pero sin modificación alguna, afirmando que tanto ése como cualquier otro objeto cotidiano se convertían en una escultura desde el momento en que el artista así lo declaraba. Poco después, expuso un “portabotellas”, “una pala de quitar nieve” y, su objeto más famoso, un “urinario”. Esta concepción de Duchamp y de otros miembros del movimiento dadaísta que compartían sus ideas revolucionarias sobre el arte volvió a emerger a principios de la década de 1960 a través de un grupo internacional de artistas denominado Fluxus. Bajo la influencia espiritual del compositor estadounidense John Cage, los artistas del movimiento Fluxus se afanaron por eliminar las barreras entre el arte y la vida, permitiendo que el carácter aleatorio y el azar inspiraran sus obras. Otro antecedente importante del arte conceptual lo constituye el arte mínimal, un
Otro estudio acerca del vínculo existente entre el arte y el lenguaje se encuentra en la obra del artista estadounidense Lawrence Weiner. Mediante el deletreo de frases relativas a las propiedades materiales, tales como escala, posición, color e incluso precio, escritas directamente sobre las paredes de una galería de arte, Weiner elaboró arte a 111
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movimiento que se desarrolló a principios de la década de 1960. En el arte mínimal, la simple geometría determina frecuentemente la forma de una escultura o de una pintura y las especificaciones matemáticas de una obra de arte pueden llegar a ser tan importantes como la propia ejecución de la obra.
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accesorios de los personajes, en el cual se presenta un proceso de análisis hasta representarlos de manera que su reconocimiento ha sido en muchos casos superior al modelo real como es el caso de los bodegones de Zurbarán o la cesta de frutos de Caravaggio. Cézanne examina cada objeto buscando formas y colores dentro de límites pictóricos. Los cubistas dislocan y fraccionan los objetos en busca de conocimiento visual exento de significado sentimental, cargado de aspectos de origen conceptual.
Los artistas conceptuales intentaron en un principio liberar el arte de todo el denominado objetivismo, y por consiguiente también de su valor comercial; sus esfuerzos apenas perduraron unos pocos años en su forma más pura. Sin embargo, los herederos del conceptualismo siguen prosperando. En la década de 1970, un grupo de artistas comenzó a utilizar palabras en sus obras para explorar las convenciones visuales y verbales. El legado del arte conceptual consiste en la creencia de que el pensamiento expresado en palabras puede ser arte.
Ready-made Objeto cotidiano convertido en obra de arte por la voluntad del artista. Marcel Duchamp es el primero en designar con este nombre a un grupo de obras creadas por él entre 1913 y 1921. Para ello eligió objetos contemporáneos fabricados en serie y los expuso con una intención estética y provocadora. Entre sus readymade célebres cabe citar la “Rueda de bicicleta” (1913), colocada sobre un taburete, así como la legendaria “Fuente” (1917): un urinario de cerámica esmaltada firmado como R. Mutt, nombre de un fabricante de sanitarios neoyorquino. El irreverente retrato con bigotes de “La Gioconda”, el célebre cuadro de Leonardo da Vinci, inscribió a Duchamp en el movimiento surrealista.
En el arte conceptual la intuición y la racionalidad son la problemática del conocimiento y de la creación artística. Los signos son elementos pertenecientes a la capacidad intuitiva individual. La racionalidad tuvo un valor predominante durante el Renacimiento y sus cánones se basaban en la realidad visual y sus transformaciones. Esas transformaciones son el origen de tendencias como el Arte Conceptual cuando Leonardo dice: “el arte es cosa de la mente y por tanto es el puente entre el hombre y el cosmos, el artista y la sociedad, el intelecto y la emoción”.
Valor y anti-valor estéticos El significado y el valor de una obra de arte, dependen de la interpretación en el intelecto del contemplador. Todos los grupos conceptualistas aparecidos en los últimos 20 años, deben a Marcel Duchamp la actitud contestataria, la indiferencia, el hastío y la angustia transmitidos a través de sus propuestas; según sus propias palabras: “el acto artístico es una intuición
El Objeto El objeto como tema en la obra de arte ha sido interpretado a través del tiempo como un atributo de reminiscencias o 112
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y una revelación”. Duchamp despoja al arte de sus más intrínsecos significados tradicionales. Su verdadero valor radica en la creación de un elemento de fuerza que se oponga a las convenciones sociales y los valores decadentes de la burguesía post-industrial. Su obra puede leerse como un patrón para el cambio, como un proyecto en el cual las ideas existentes sobre el arte, el artista, el proceso creativo, el acto de ver y de exponer, sistemáticamente cambian, mutan, se quiebran y se liberan. Este artista destruyó las ideas clásicas de los renacentistas de los desnudos femeninos hermosos.
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Nuevo Realismo El arte de los años 60 constituyó un intento por regresar al ámbito de la vida concreta. A principios de la década del 60, el Expresionismo Abstracto triunfa en Europa y Norteamérica y con él el predominio de lo gestual. La crítica del Nuevo Realismo hacia la pintura informalista se basa precisamente en la carencia de espontaneidad del gesto que termina por convertirse en algo automático y repetitivo. Para el Nuevo Realismo, existe el mundo moderno de la electrónica donde desaparece el predominio de lo visual, siendo necesario buscar una participación grupal y comunitaria para lograr la animación estética de la realidad. La colectividad mediante un acto de apropiación del objeto común, logra un nuevo contexto de los objetos ya hechos por la industria y re-inventados simbólicamente por el artista; es lo que se ha llamado “el bautismo artístico del objeto”. Este nuevo grupo tiene sus orígenes en el francés Yves Klein y el suizo Tinguely (1960); cuando el artista se apropia de la realidad debe elegir sólo un trozo de ella, para poder conservar su dimensión concreta y tangible.
DESNUDO BAJANDO LA ESCALERA Marcel Duchamp- 1912
Yves Klein (1928-1962) Artista francés nacido en Niza, cuyas propuestas radicales basadas en actitudes fuertemente místicas y utópicas han marcado de forma profunda el espíritu de las vanguardias posteriores. Klein se dio a conocer en 1956 cuando expuso sus primeros cuadros monocromos. En 1958 presentó “El vacío”, que consistía en una enorme galería completamente vacía y pintada de blanco por la que circulaban espectadores a los que se les ofrecía un cóctel azul. En 1960 patentó un color azul (IKB: International Klein Blue), cuya
El desnudo de Duchamp no pretende mostrar una forma anatómica, sino el movimiento mismo, aunque no en la forma en la cual lo planteaban los futuristas sino realzando la relación entre un medio estático (la pintura) y un sujeto dinámico (el hombre).
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extensión en la tela, según él, traducía el infinito cósmico. Sus cosmogonías y más tarde sus pinturas de fuego sugieren la acción de los elementos naturales, y sus antropometrías recuerdan a su vez el cuerpo humano cubierto de pintura. Su sueño de una obra inmaterial le condujo a diferentes concepciones artísticas que anticiparon lo que sería el arte conceptual.
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contenían varillas en movimiento o elementos giratorios. A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 comenzó a realizar sus “máquinas de dibujar”, precursoras de lo que él denominaría “meta-máticas”, que producían dibujos abstractos. Una de ellas se ponía en marcha mediante la inserción de monedas en una ranura y podía llegar a realizar cerca de 40.000 cuadros diferentes.
ANTROPOMETRÍA – 1961 Yves Klein
Jean Tinguely
Jean Tinguely (1925-1991) Las investigaciones sobre los movimientos de las máquinas realizadas por Tinguely alcanzaron un apogeo imprevisto cuando expuso, en 1960, su “Homenaje a Nueva York” en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Esta enorme instalación, ideada para autodestruirse, estaba compuesta, entre otras cosas, de un piano, 50 ruedas de bicicleta, un globo sonda, una bocina de coche, una lata de gasolina que, como parte de la acción, estaba diseñada para encenderse mediante una vela, y un rollo de papel en el que la máquina realizaba dibujos automáticos. A esto se sumaba una dimensión olfativa mediante la incorporación de productos químicos malolientes y que producían humo. Sin embargo, poco tiempo después de su puesta en marcha, inesperadamente el artefacto entero quedó envuelto en llamas. A pesar de este dramático resultado, “Homenaje a Nueva York” causó sensación, y le siguieron otras esculturas mecánicas,
Escultor suizo conocido, sobre todo, por sus “máquinas de dibujar” y elaborados aparatos mecánicos, realizados con objetos de desecho, diseñados sin ningún otro propósito más que el de realizar movimientos aleatorios o el de autodestruirse mientras funcionan. También fue uno de los firmantes del manifiesto del nuevo realismo, movimiento concebido por el crítico Pierre Restany, por Yves Klein y otros artistas, que surgió como reacción al expresionismo abstracto. Proclamaba que la chatarra, la basura y otros objetos cotidianos podían transformarse en obras de arte. Sus primeras obras, que datan de 1945, eran pinturas abstractas y montajes construidos con alambres, piezas de metal y otros materiales de desecho. Tinguely se instaló en París en 1953 y comenzó a realizar construcciones espaciales que 114
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entre ellas “Estudio para el fin del mundo”, expuesta en Copenhague en 1961 y en Las Vegas en 1962, y “Homenaje a Dalí”, instalado en Figueras, ciudad natal de Salvador Dalí. Poco después Tinguely empezó a realizar esculturas monumentales.
transición del Expresionismo hacia el Pop Art.
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Abstracto
Robert Rauschenberg Pintor estadounidense que representó un papel importante en la transición desde el Expresionismo Abstracto al Pop Art. Nació en Texas. Estudió arte en París y en diferentes escuelas de Estados Unidos, en una de las cuales tuvo como profesor a Josef Albers. Entre sus primeros trabajos destacan unas cajas que contienen cianotipos (papel sensible para tirar copias de planos industriales) pinturas en blanco y negro y algunos objetos.
La importancia de la obra de Tinguely radica tanto en los materiales (objetos de la vida cotidiana que son significativos por su misma insignificancia y su carácter prescindible) como en el movimiento mecánico, que con su inutilidad destructiva va en contra del espíritu de la era de la mecánica. Pero la obra de Tinguely también posee un elemento de humor y de ironía intrínseco al nuevo realismo. Al combinar las cualidades del arte cinético y del happening, invita a la participación del espectador. Neodadá y Ensamblaje El Ready Made, como negación del objeto estético, es retomado por los neorrealistas franceses a través del “bautismo artístico del objeto”, y por los norteamericanos a partir de la reproducción plástica de elementos consumidos por la clase media, y aceptados como base fundamental de la cultura urbana de Norteamérica en los años 60. La introducción de materiales antiestéticos en el contexto de la obra de arte ha hecho una interesante evolución en el siglo XX. A través del collage aportado por el cubismo, los artistas iniciaron un ejercicio filosófico del espacio y establecieron las diferencias entre representación y realidad. El esamblaje es pues una consecuencia de tales posiciones, siendo además una manera de hacer arte con elementos preexistentes. En 1961 se celebra la primera exposición denominada “Art of assemblage”, donde puede apreciarse la
ENSAMBLAJE – COLLAGE Robert Rauschenberg
A principios de 1950 realizó pinturas collage, en las que los lienzos expresionistas libremente pintados fueron cubiertos con fragmentos textiles, fotografías y recortes de periódicos rasgados. En 1955 hizo sus primeras Asociaciones, ensamblajes tridimensionales en los que las pinturas se combinaron con imágenes encontradas, como fotografías y objetos de la cultura popular tales como señales de tráfico, focos, bombillas, 115
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botellas de Coca-Cola o aparatos de radio, que creaban unos efectos irónicos o ridículos. El más conocido de ellos, Monograma (1955-1959, Museo Moderno de Estocolmo), presenta una cabra disecada con un neumático a modo de imposible flotador. Estos trabajos híbridos, enfatizando los objetos fabricados en serie, tuvieron una fuerte influencia en el arte Pop de la década de 1960. A partir de 1962, Rauschenberg experimentó con la estampación por serigrafía, primero en blanco y negro y más tarde en color, en la que la repetición de la imaginería tuvo un papel destacado. La mayor parte de su obra artística de las décadas de 1970 y 1980 la dedicó a los collages, las litografías y otras formas de las artes gráficas, incluyendo la fotografía. En 1981 aparecieron las Fotografías Rauschenberg.
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composición más libre y suelta. En algunas añadía objetos reales sobre el lienzo, como reglas y compases. “Comienzo falso” (1959), en la que utiliza una plantilla para pintar intencionadamente etiquetas erróneas y manchas de color sobre los objetos pintados, es una obra llena de humor y juegos de significados, precedente del Pop Art. A principios de 1987 volvió a abrir una nueva senda al exponer en la ciudad de Nueva York un ciclo de cuatro obras tituladas “Las estaciones”. Se considera que estas pinturas, de 2 m por 1,25 m, han sido especialmente significativas para la historia del arte estadounidense.
Jasper Johns Pintor, escultor y artista gráfico estadounidense que ha representado un papel importante en el desarrollo del arte de mediados del siglo XX en su país. En 1954 comenzó a pintar obras de un modo radicalmente diferente al expresionismo abstracto que dominaba la escena artística estadounidense en aquel momento. Sus obras se centraban en temas tan conocidos como dianas, banderas estadounidenses, números y letras del alfabeto. Pintaba con objetividad y precisión, aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. Esta idea de “arte-como-objeto” se convirtió en una poderosa influencia en la escultura y la pintura posteriores; solía integrar objetos tridimensionales a sus pinturas.
Jasper Johns
TRES BANDERAS Jasper Johns - 1958
Hacia finales de la década de 1950 sus obras comenzaron a mostrar una 116
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Pop Art
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En Estados Unidos, Robert Rauschenberg y Jasper Johns proporcionaron el impulso inicial: Rauschenberg con sus collages elaborados con objetos domésticos, como colchas y almohadas, y Johns con sus series de pinturas repetitivas de la bandera de su país y de dianas. La primera obra destacada del Pop Art fue ¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan distintos, tan simpáticos? (1956) del artista británico Richard Hamilton. En esta satírica obra, que representa dos absurdas figuras que se pavonean en un salón, se pueden apreciar los principales rasgos del Pop Art: descontextualización, incongruencia, provocación y buen humor.
Movimiento artístico iniciado en la década de 1950 en Estados Unidos y Gran Bretaña. Las imágenes del Pop Art (abreviatura de Popular Art, “arte popular”) se inspiraron en la cultura de masas. Algunos artistas reprodujeron latas de cerveza o sopa, tiras de cómic, señales de tráfico y otros objetos similares en sus pinturas, collages y esculturas. Otros incorporaron estos objetos cotidianos a sus pinturas o esculturas, a veces completamente modificados. Los materiales fruto de la tecnología moderna, como el poliéster y la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado. El Pop Art no sólo influyó en la obra de los artistas posteriores, sino que también ejerció un fuerte impacto en el grafismo y el diseño de moda.
El Pop Art se difundió rápidamente durante los años sesenta. En esa época, el artista británico David Hockney pintó “Typhoo Tea”, una de las primeras pinturas que reprodujo la marca comercial de un producto. En el mismo año, Johns finalizó sus vaciados en bronce sobre las latas de cerveza Ballantine. En 1961, el estadounidense Claes Oldenburg realizó la primera de sus estridentes esculturas de plástico en forma de hamburguesa y otras clases de fast food (‘comida rápida’). Al mismo tiempo, Roy Lichtenstein, ampliaba el campo del Pop Art con sus enormes pinturas al óleo imitando las viñetas del cómic. Algunos artistas también produjeron happenings, espectáculos interactivos montados como obras de arte.
Los antecedentes históricos del Pop Art se sitúan en la obra provocativa de los artistas dadaístas, especialmente del francés Marcel Duchamp, y en la tradición pictórica estadounidense caracterizada por el empleo de las representaciones de objetos cotidianos. Por otra parte, varios integrantes de la corriente Pop se habían ganado la vida trabajando como artistas publicitarios. El movimiento Pop Art comenzó como una reacción contra el expresionismo abstracto, que dominó el arte durante las décadas de 1940 y 1950, al que estos los artistas consideraban demasiado intelectual y apartado de la realidad social queriendo eliminar las distancias entre arte y vida. Los artistas Pop se aproximaron con ironía al ambiente de la vida cotidiana. Emplearon imágenes que reflejaban el materialismo y vulgaridad de la moderna cultura de masas para transmitir una percepción crítica de la realidad, más inmediata que aquella ofrecida por la pintura realista del siglo XIX.
Además de emplear las imágenes de la cultura de masas, el Pop Art se apropió de las técnicas de la producción masiva. Rauschenberg y Johns ya habían abandonado la idea de obra única en favor de la producción de composiciones seriadas. A principios de 1960, el estadounidense Andy Warhol llevó esta idea un poco más lejos al adoptar la técnica de la serigrafía, capaz de imprimir cientos de estampas idénticas de botellas de Coca Cola, latas de sopa Campbell y 117
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otros objetos representativos de la cultura consumista.
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convirtiéndola en uno de los ejes, desde entonces, de su producción. La ironía y el ingenio de Hockney, junto con su talento para las composiciones y los diseños de fuerte expresividad, le llevaron a finales de la década de 1960 a un estilo más naturalista, en particular en sus retratos. Aunque sin llegar a ser totalmente realistas, estas obras, pintadas en su estilo preferido: superficies planas de pintura acrílica y gran profusión de líneas de esmerado dibujo, son representaciones sensibles que a veces tienden a realzar a sus modelos. Las fotografías de David Hockney (1982) es una exploración del medio de la fotografía y un registro parcial de su vida. Sus composiciones hechas con Polaroid, a las que llama ensamblajes, como “Henry Moore” (1982), constituyen otro ejemplo de su trabajo fotográfico.
Otros ejemplos importantes del Pop estadounidense fueron las obras escultóricas de George Segal o las series satíricas del Gran desnudo americano, pintadas por Tom Wesselmann. En España, el Pop Art está representado por la pintura del Equipo Crónica, en cuyas obras se desmitifica el arte tradicional y se abordan ciertos aspectos de la problemática social. David Hockney Pintor, dibujante, fotógrafo y escenógrafo inglés, célebre por sus pinturas satíricas, su obra gráfica, sus dibujos magistrales y sus agudos retratos de personalidades contemporáneas.
Claes Oldenburg Escultor estadounidense, pionero del Pop Art. Nació en Estocolmo, donde su padre estaba destinado como diplomático. Entre 1960 y 1965 Oldenburg llevó a cabo cierto número de happenings, entre los que destaca “Autobodys” (1964), que incluía automóviles, multitudes de gente y grandes cantidades de cubos de hielo dentro de un acontecimiento artístico donde el público quedaba implicado y se le hacía partícipe. Los accesorios toscamente pintados que utilizó en estos actos constituyen la base de su futura escultura.
David Hockney
En 1961 abrió una tienda en Nueva York donde vendía reproducciones en escayola de hamburguesas, sándwiches, pasteles y otros tipos de comida rápida. Más tarde construyó nuevas versiones de estos objetos a escala gigantesca realizados con vinilo relleno de espuma de caucho. Continuó utilizando estos materiales blandos, sobre todo el vinilo y las lonas en sus series de objetos escultóricos
Nació en Inglaterra. Sus obras de la década de 1960, como la serie sobre piscinas de Los Ángeles, están pintadas en un estilo deliberadamente ingenuo y colorista, con una temática extraída de la cultura popular. “A Bigger Splash” (1967), es una de sus pinturas más conocidas. En 1961 visitó por primera vez Nueva York (Estados Unidos) dispuesto a asumir públicamente su homosexualidad, 118
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ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso. También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado obras en cerámica. En 1993 el Museo Guggenheim de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países.
HAMBURGUESA Claes Oldenburg
posteriores como accesorios de cuarto de baño, ventiladores y máquinas de escribir. Estas obras, llamadas esculturas blandas, transforman el objeto de uso cotidiano gracias al cambio de escala y de material (vinilo, fibra de vidrio, yeso, plásticos...), pero a su vez, trastoca el concepto de escultura tradicional que consistía en encerrar la forma en un material rígido. Entre sus obras más famosas destaca su gigante “Pinza para la ropa” (1974), “Máquina de escribir blanda” (1963) y el “Ratón geométrico”.
DENTRO DEL COCHE – 1963 Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein (1923-1997) Pintor estadounidense del Pop Art, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic. Nació en Nueva York y obtuvo el doctorado en Bellas Artes. Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva. Sus historietas de cómics, como “Good Morning, Darling” (1964), son
Andy Warhol (c. 1928-1987) Pintor y cineasta estadounidense, líder del movimiento Pop Art. Su verdadero nombre era Andrew Warhola y nació en Pennsylvania. Estudió en el Carnegie Institute of Technology. Empezó su carrera como artista comercial en Nueva York. En los años sesenta atrajo la atención con exposiciones de imágenes sorprendentemente banales, tales como “Lata de sopa Campbell” (1965) y “Botellas de Coca-Cola verdes” (1962), o de estrellas famosas como “Marilyn 119
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Monroe” (1962). La importancia de estas imágenes reside en el hecho de que fueran objetos o celebridades cotidianas y que, al ser impresos, podían ser repetidos mecánicamente hasta el infinito.
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sus puertas en Pennsylvania el museo Andy Warhol, el museo más grande de Estados Unidos dedicado a un solo artista. George Segal (1924-2000) Escultor estadounidense, famoso por sus obras figurativas, realizadas a tamaño natural en yeso blanco. Nació en Nueva York, y en la década de 1950 trabajó primero como pintor, iniciándose como escultor después de 1960. Sus moldes en yeso, creados directamente a partir de vaciados George Segal de personas, están instalados en entornos cotidianos, como ascensores, oficinas de venta de billetes, cafés o autobuses, cubiertos con objetos y accesorios que proceden de depósitos de chatarra.
DICK TRACY Andy Warhol
Warhol siguió una dirección similar en su trabajo cinematográfico experimental, marcados por la improvisación en el diálogo, la ausencia de trama y el extremado erotismo.
Sus figuras blancas con un acabado tosco o incompleto, de formas vagas e imprecisas, crean un ambiente de desolación o misterio. Su afición a incluir objetos de uso cotidiano en sus escenas triviales, como accesorios de baño y una navaja de rasurado en “Mujer afeitándose una pierna” (1963), han hecho que algunos críticos lo clasifiquen como un artista pop, pero su trabajo, por la comunicación de los sentimientos melancólicos que transmite, va más allá de la impersonalidad del Pop Art.
CINCO BOTELLAS DE COCA-COLA
Entre las publicaciones de Warhol se encuentran “Mi filosofía de A a B y de B a A” (1975) y “America” (1985), una colección de mordaces fotografías sobre la vida en Estados Unidos. De 1969 hasta su muerte publicó Interview, una revista mensual con artículos ilustrados sobre las celebridades del momento. En 1994 abrió 120
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Jim Dine Pintor, escultor y artista gráfico estadounidense. Nació en Ohio y estudió en la Universidad de Cincinnati, y en 1957 se licenció en bellas artes por la Universidad de Ohio. Tras su licenciatura se trasladó a Nueva York y se relacionó con un círculo de artistas entre los que estaban Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg y Roy Lichtenstein, que habían abandonado el expresionismo abstracto para dedicarse al Pop Art.
En 1967 se trasladó con su familia a Londres, donde se dedicó a la obra gráfica y al dibujo. En 1971 regresó a Estados Unidos y su interés se centró en el dibujo figurativo. Dine está considerado como uno de los mejores dibujantes de su generación y es famoso por su serie de autorretratos y retratos de su mujer, Nancy. También se interesó por la escultura a principios de la década de 1980, época en la que realizó obras basadas en conocida esculturas griegas como la “Venus de Milo”. Su obra más reciente utiliza una simbología inspirada en objetos griegos, egipcios y africanos.
Richard Hamilton
CORAZÓN Jim Dine
Al igual que otros artistas, Dine incorpora imágenes cotidianas a su obra, pero se aparta de la frialdad y naturaleza impersonal del pop art al realizar obras que conjugan la pasión personal con las experiencias cotidianas. El uso repetido de objetos conocidos e importantes para el artista — como batas, manos, herramientas o corazones— constituye una marca distintiva de su arte. En su primera época creó principalmente montajes en los que añadía objetos cotidianos a sus lienzos pintados, como en “Zapatos que caminan sobre mi mente” (1960). Entre 1959 y 1960, Dine fue también uno de los pioneros de los happenings, obras de arte que tenían la forma de eventos o manifestaciones teatrales.
Richard Hamilton
Considerado el artista que creó la primera obra del Arte Pop: el collage titulado ¿Qué es lo que hace los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, expuesto en Londres en 1956. El arte de Hamilton toma sus fuentes de las industrias del consumo y del 121
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Otros artistas contemporáneos
ocio, de la publicidad y también de la historia del arte. Puede decirse que el Pop de Hamilton es culto y altamente intelectualizado, casi hermético en un sentido que no es el habitual.
Man Ray (1890-1976) Pintor y fotógrafo estadounidense, figura destacada en la vanguardia artística del París de la década de 1920. Nació en Filadelfia, estudió en la Academia Nacional de Diseño de Nueva York y celebró su primera exposición individual en 1912. Junto a su amigo, el pintor francés Marcel Duchamp, participó en la creación del grupo dadá de Nueva York, en 1917. Bajo la influencia de Duchamp, comenzó a trabajar con materiales y técnicas nuevas, como por ejemplo, pintar con aerógrafo sobre cristal y otras superficies.
Hamilton en un artista británico nacido en Londres en 1922. En 1934 acude a clases de arte. En 1936 trabajó en el departamento de publicidad de una compañía eléctrica. Desde 1938 hasta 1940 estudió pintura el Royal Academy Schools. Se matriculó en un curso de dibujo técnico y trabajó como delineante desde 1941 hasta 1945. Fue readmitido en el Royal Academy Schools en 1946 pero fue expulsado aparentemente como resultado de un trabajo insatisfactorio. Comenzó su Servicio Nacional y en 1947 se casó. Posteriormente estudió pintura en el Colegio de Arte Slade en 1948-51. Los grabados de este periodo fueron expuestos en 1950. La primera exhibición que diseñó él mismo fue Crecimiento y Forma en el ICA, Londres, 1951. En 1952 se hizo profesor de trabajos en plata, tipografía y diseño industrial en el Colegio Central de Artes y Oficios. Uno de sus colegas fue Eduardo Paolozzi, quien
PLAKAT- Man Ray
Sus ready-mades, como “Regalo” (1921), una plancha con tachuelas salientes desde su base, están realizados a partir de objetos cotidianos fabricados en serie. Promovió el arte cinético (obras de arte con piezas móviles). Viajó a París en 1921 y desarrolló los rayogramas, imágenes abstractas realizadas mediante la colocación de objetos sobre superficies sensibles a la luz. Desarrolló, también, la técnica de solarización, que invierte los márgenes de luz y sombra de la fotografía. Se implicó en el surrealismo e hizo algunas películas abstractas, como “L'etoile de mer” (1928). Las posibilidades expresivas de la fotografía le interesaron cada vez más y desde 1940 hasta 1946 trabajó como profesor de fotografía en California
REGRESO DEL ESPEJO Richard Hamilton - 1998
junto con Hamilton fue el miembro fundador del Grupo Independiente del ICA. Éste era un grupo de artistas e intelectuales que se reunían para discutir los cambios culturales en la edad de la tecnología. 122
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(Estados Unidos). Pasó sus últimos años en Francia, donde experimentó con las nuevas técnicas de fotografía en color, y publicó una autobiografía, “Autorretrato” (1963).
Eduardo Arroyo (1937- ) Pintor y escritor español
Allen Jones - POP ART Ambigüedades visuales, imágenes metamórficas y semi-abstractas
Tom Wasselman – POP ART Decoración Industrial y vallas publicitarias con frases alusivas al “sueño norteamericano”
Robert Indiana – POP ART
Nuevo realismo Las irónicas imágenes del Pop Art ayudaron a despejar el camino para un renacimiento de la pintura realista. Los realistas que se destacaron en las décadas de 1970 y 1980 fueron aquellos que habían asumido algunos de los conceptos estéticos del arte abstracto. El fotorrealismo se basaba en la fotografía para conseguir un tipo de pintura realista impersonal. Los desnudos
James Rosenquist – POP ART. Junto con Indiana y Wasselman trabajó en la decoración industrial.
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rigurosamente estructurados y las composiciones planas conferían también al realismo en un tono frío y abstracto. Mientras tanto, en América Latina empezaban a brillar figuras como el ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, que acude a las aristas pronunciadas y a la deformación para expresar a menudo un contenido político.
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de gran influencia que investigó en sus abstracciones geométricas las relaciones cromáticas. Nacido en Alemania, Albers estudió arte en Berlín y Munich y más tarde participó en el taller experimental de vanguardia de la Bauhaus desde 1920 hasta 1923. Fue profesor de dibujo de la Bauhaus en Weimar, en Dessau y en Berlín. Recalcó la importancia de la funcionalidad en el diseño moderno. Después de que los nazis cerraran la Bauhaus en 1933, Albers fue a Carolina del Norte, donde enseñó los principios de la Bauhaus a sus alumnos, entre los que se encontraban Robert Rauschenberg y el compositor John Cage. Cuando en 1950 la universidad de Yale creó un departamento de diseño, nombró director a Albers, puesto en el que se jubiló en 1958.
Op Art
Corriente artística que surgió a finales de la década de 1950 cuya finalidad es producir la ilusión de vibración o relieve sobre la superficie plana del cuadro en virtud de las leyes de la óptica. Su principal diferencia con el arte cinético es la total ausencia de movimiento real. El término, que procede de la expresión inglesa Optical Art (arte óptico), hace referencia en tono irónico al Pop Art. Entre sus iniciadores se encuentran Josef Albers, Victor Vasarely y ciertas obras incluidas dentro de la llamada abstracción geométrica. Mientras que el Op Art sigue la senda de la abstracción, el Pop Art es figurativo, como se aprecia en las divertidas obras de su creador, el artista inglés Richard Hamilton. Dentro de esta corriente se inscribe también el colombiano Omar Rayo.
La obra de Albers se caracteriza por sus formas rectilíneas en colores fuertes y planos, cuya interrelación acentúa el efecto abstracto, puramente óptico de la composición. En su famosa serie experimental “Homenaje al cuadrado”, que Albers comenzó a principios de la década de 1950, utiliza el cálculo de formas cada vez menores para ilustrar su teoría de que los cambios de lugar, forma y luz producen cambios en el color. “La Interacción del color” (1963) es un ejemplo de su investigación cromática. Su obra influyó en el Op Art y en el arte mínimal de la década de 1960. Víctor Vasarely (1908-1997) Artista francés de origen húngaro, instalado desde 1931 en París, donde trabajó en el mundo de la publicidad a la vez que pintaba en un estilo de inspiración cubista, expresionista o surrealista.
Josef Albers (1888-1976) Pintor, artista gráfico y diseñador estadounidense de origen alemán; maestro
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A partir de finales de la década de 1940, evolucionó hacia una abstracción que pronto le hizo interesarse por el arte cinético, con sus efectos ópticos sugeridos por la superposición de tramas, la organización sistemática de la superficie y los contrastes de blanco, negro y color. Así, durante la década de 1960 abandonó el cuadro de caballete en beneficio de un arte total que encontraría su ideal en la integración con la arquitectura, es decir, en el espacio. Fundó, durante los años
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que normalmente se registran mediante fotografías o grabaciones. Las Anthropométries realizadas por el artista francés Yves Klein a principios de la década de 1960 pueden considerarse como precursoras del Body Art. Se llevaban a cabo en público con modelos desnudas que se cubrían el cuerpo de pintura para después rodar o arrastrarse por encima de un lienzo extendido sobre el suelo. Con el tiempo fue adquiriendo un carácter experimental, concentrándose en todos los aspectos corporales, desde las expresiones faciales hasta las funciones corporales y fisiológicas, llegando a tratar en ciertos casos el tema de la mutilación y del maltrato físico. Durante las décadas de 1960 y 1970, Viena fue un centro particularmente pujante. Fue allí donde se realizó una serie de “acciones” en las que varios ayudantes cubrían el artista de sangre; se realizaron cuadros en los que se pretendía que la enérgica aplicación de la pintura con manos y pies fuera considerada como parte de la obra. Durante la década de 1970 en Estados Unidos, artistas dieron una dimensión más angustiosa al Body Art con actos de mutilación como el de dispararse en un brazo, hacer que lo crucificaran en la parte posterior de un coche o cruzar gateando una superficie llena de cristales rotos. En Gran Bretaña los exponentes han sido menos agresivos. Su Escultura que canta “Bajo los arcos” de 1971 consistía en una danza que realizaban sobre una mesa mientras cantaban siguiendo la música de un magnetofón ubicado bajo sus pies.
VONAL-STRI Víctor Vasarely
setenta, tres lugares destinados a la exposición de su obra y de sus. Su obra teórica más importante, fue publicada en 1970.
Body Art Body Art (en inglés, arte corporal), arte en el que el cuerpo humano, ya sea el del propio artista o el de otras personas, constituye la obra en sí misma o el medio de expresión. Surgió en el arte vanguardista occidental de finales de la década de 1960 como reflejo de una nueva conciencia cultural del cuerpo humano que se manifestaba en una mayor libertad sexual, en la formación de grupos de encuentro, en la moda del desnudo en el teatro y en el estudio científico del lenguaje corporal. La mayor parte del Body Art se caracteriza por recurrir a los happenings o acontecimientos teatrales,
El Body Art no presenta un objetivo o una filosofía definidos. En su estado embrionario marcó un alejamiento consciente de la idea de arte como objeto permanente y vendible. En sus formas más extremas busca una reacción catártica o
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escandalizadora o bien forzar interacción artista-espectador.
a
una
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piezas de basalto taponadas con grasa y objetos más convencionales, entre los que se incluían numerosos dibujos y acuarelas.
Joseph Beuys (1921-1986)
Arte mínimal
Artista, profesor y activista político alemán. En 1940 fue piloto de un bombardero. En el invierno de 1943 su avión se estrelló y los tártaros le salvaron la vida al envolverle el cuerpo con grasa y fieltro, materiales que aparecerán una y otra vez en su obra. Después de participar en diversas misiones de combate, fue hecho prisionero en Gran Bretaña desde 1945 hasta 1946.
Ya al mediar los años sesenta, en fin, hacen acto de presencia una serie de tendencias reduccionistas que trabajan con estructuras primarias mínimas a gran tamaño, recogidas bajo el término Minimal art. A esta opción pertenecen artistas como Robert Morris, quien recurrió a materiales usados como el acero inoxidable, la plancha de hierro, la superficie laminada, el aluminio y el hierro galvanizado.
BANDERAS Joseph Beuys
Arte mínimal
La denominación “minimal” -MÍNIMO- la acuñó el filósofo Richard Wolheim para calificar una clase de objeto artístico, en el que las diferentes formas están reducidas a estados mínimos de orden y complejidad, tanto desde una perspectiva morfológica como perceptiva y HYENA STOMP significativa.
Posteriormente, Beuys estudió pintura y escultura desde 1947 hasta 1952. Fue expulsado en 1972, por apoyar a los estudiantes radicales, pero fue readmitido seis años más tarde. Sus campañas a favor de la democracia directa, el medio ambiente y otras causas similares incluyeron la utilización de un local como oficina para la presentación sin éxito de su propia candidatura para el Bundestag (cámara del Parlamento). Su obra abarca desde performances como Coyote: “Me gusta América y a América le gusto yo” (1974), en la que convivió con un coyote (y un cobertor de fieltro) en una galería de Nueva York, hasta esculturas como El final del siglo XX (1983), que consiste en 21
Frank Stella Arte Mínimal
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Siguiendo lo anterior, la economía de la forma del arte mínimo creó unos sistemas modulares simples y seriales que recurrieron en la mayoría de casos al módulo cúbico o prismático y a sus posibles variaciones. Ciertas cualidades comunes a estas obras son su abstracción total, su orden interno, su simplicidad, su claridad de factura. Del constructivismo gestaltista tomaron los principios de ordenación y de los materiales industriales los elementos y técnicas con que construir sus piezas.
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Anthony Caro Escultor inglés cuyas obras, de gran tamaño y fuerza expresiva, constituyen un importante ejemplo de la corriente minimalista y del constructivismo. Se formó en la Royal Academy de Londres. De gran importancia en el desarrollo de la obra de Caro fue la decisiva influencia del escultor abstracto estadounidense David Smith, cuyo trabajo conoció durante un viaje a Estados Unidos en 1959, a partir del cual abandonó la escultura tradicional en metal fundido para construir obras abstractas a partir de piezas rígidas de metal. Sus esculturas son, con frecuencia, enormes montajes de grandes planchas de metal, vigas industriales, tuberías o piezas de acero, todo ello soldado. Unas veces permite que las esculturas se oxiden de modo natural y otras las pinta con colores brillantes, como por ejemplo en “Mediodía” (1960). Realizó obras en otra línea diferente, como es el caso de “Riviera” (1974), que consiste en varios segmentos de metal libremente agrupados en vertical y sobre un suelo. A través de su labor como profesor en Londres y en Estados Unidos, Caro ha ejercido una gran influe ncia en los escu ltore s más jóve nes.
Claudio Bravo Pintor chileno representante de la tendencia hiperrealista en su país. Durante su infancia, compaginó sus estudios en el NEPTUNO colegio San Ignacio 1998 Claudio Bravo de Santiago con la práctica de la pintura. Realizó su primera exposición individual a la temprana edad de 17 años. Tras recorrer el país en un avión adquirido con el dinero ganado como retratista, en 1961 se embarcó en el Américo Vespucio con destino a Barcelona, España. Más tarde se estableció en Madrid, donde estudió a fondo las obras de los grandes maestros de la pintura española expuestos en el Museo del Prado. A partir de 1972 su pintura experimentó una repentina liberación fruto de su traslado a Tánger, Marruecos. En 1994 el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago le dedicó su primera exposición individual.
VENTANA – 1966-1967 Anthony Caro
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y “Círculo roto” (1972), se levantaron cerca de Emmen, en los Países Bajos.
LA VENTANA 1966-1967 Anthony Caro
MALECÓN ESPIRAL Robert Smithson
Process Art El Arte Procesado tiene relación con el Surrealismo, con características amorfas, esculturas no rectilíneas acompañadas de sonidos con diálogos y ruidos alusivos a la fotografía creada.
Christo Artista estadounidense de origen búlgaro, cuyo nombre completo es Christo Javacheff. Sus objetos envueltos son algunos de los ejemplos más extremos del arte conceptual moderno. Vivió en Francia entre 1958 y 1964, año en que se trasladó a Estados Unidos. Sus primeras obras eran empaquetages, en las que envolvía botellas, latas o cajas, con tela o plástico. Se hizo muy famoso por sus últimos trabajos, que consistían en empaquetar temporalmente objetos enormes o edificios enteros. Su obra de mayores dimensiones fue “Running Fence” (Valla continua, 1976), una franja de nailon de 5,5 metros de altura que se extendía a lo largo de 40 kilómetros a través de dos condados de California. Tanto esta obra como la anterior “Valley Curtain” (Cortina del valle, 1972) fueron tema de documentales. Otras obras son las “Surrounded Islands”, “Biscayne Bay”, “Florida” (Islas rodeadas, 1982), once islas enmarcadas con 650.000 m2 de tejido de polipropileno, “The Pont New Wrapped”. En 1995 empaquetó el Reichstag, en Berlín. Entre sus proyectos
Arte ecológico Se produce un abandono por parte de los artistas de las salas de arte para intervenir en los espacios naturales como el caso del artista Robert Smithson y Christo. Robert Smithson (1938-1973) Escultor estadounidense, uno de los fundadores del movimiento artístico conocido como Earthwork o Land Art, que deliberadamente recuerda los túmulos de enterramiento prehistóricos. Una de las obras más famosas de Smithson es el “Malecón espiral”, serpenteante estructura de roca y escombros, de 4,5 metros de anchura, cubierta por sal cristalizada, que se despliega en el Gran Lago Salado de Utah. Terminado en 1970, ha sufrido desde entonces varias inundaciones. Dos trabajos similares, “Colina espiral” (1971)
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aún no realizados están la Puerta de Alcalá en Madrid y la estatua de Colón en Barcelona.
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inmediato del hiperrealismo, tomando la iconografía de lo cotidiano, manteniéndose fiel a la distancia de su enfoque y produciendo las mismas imágenes neutras y estáticas. TÉCNICAS Y PROCEDIMIENTOS Duane Hanson crea esculturas de tamaño natural en las que representa con gran realismo al americano medio. Instaladas en museos o galerías, sus figuras, como por ejemplo esta “Young Shopper” (1973), se confunden fácilmente con los visitantes. La fotografía constituye casi siempre el punto de partida del hiperrealismo, lo que a veces le ha valido ser denominado fotorrealismo o superrealismo. Así, se pinta directamente sobre una diapositiva proyectada sobre un fondo, se retoca el documento y se aumentan los retratos para resaltar las desigualdades de la realización y el grano de la imagen fotográfica.
APPEDISLANDS Christo
Hiperrealismo Hiperrealismo, tendencia surgida en Estados Unidos a finales de la década de 1960 que propone reproducir la realidad con la misma fidelidad y objetividad que la fotografía, a la que toma como modelo y cuyos códigos aplica. YOUNG SHOPPER (Joven comprador) Duane Hanson
ORIGEN En algunos casos el uso del aerógrafo refuerza el aspecto brillante de la pintura y sus similitudes con el papel fotográfico. Una característica notable de esta tendencia es la especialización de los artistas en temas concretos, con sus vistas urbanas y detalles de escaparates, Duane Hanson ha conferido una forma tridimensional al hiperrealismo moldeando
El hiperrealismo tiene un origen lejano en la tradición pictórica estadounidense, claramente favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX. En la década de 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas. Pero es innegable que el Pop Art sigue siendo el precursor 129
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esculturas sobre modelos vivos para después pintarlas en tonos claros y embellecerlas con vestidos y adornos reales.
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autor/usuario, pieza única, propiedad privada y circulación expositiva de la obra.
Arte digital Obras de arte realizadas con los recursos que ofrecen los medios tecnológicos basados en el sistema binario: cámaras, computadoras, software, Internet.
Héctor Fuentes – Arte Digital
Héctor Fuentes - Arte
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ASO DE LAS CORRIENTES EN
EL ARTE COLOMBIANO _____________________________
EXPRESIONISMO Se presenta en Colombia no como fenómeno de escuelas y de manifiestos, sino como una evocación de los grandes pioneros: Goya, Van Gogh y Munich. Andrés de Santa María (1860-1945) Nacido en Bogotá, recientemente reivindicado como el primer pintor moderno de Colombia, transmite en su pintura de los últimos años una cercanía con Emil Nolde, en lo referente al recurso cromático, logrando efectos visuales violentos en el contraste de luces y penumbras. Su pintura expresionista traslada a un mundo emotivo e individual pero sin reflejar el mensaje de
Arte digital – Teresa Gerola
La producción de musical y de imágenes (fijas o en movimiento) con las técnicas electrónicas, implica una alta resonancia a nivel teórico, pues se cuestiona, entre otras cosas, conceptos como
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denuncia típico del Expresionismo europeo de principios del siglo.
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El Expresionismo simbólico a través de la fantasía, la evocación y la metáfora, conforma la imagen de la realidad colombiana. Fernando Botero Pintor, dibujante y escultor colombiano, en el que la monumentalidad, el humor, la ironía y la ingenuidad se combinan con un admirable dominio del oficio y gran talento. Nacido en Medellín es el artista colombiano de mayor reconocimiento en el exterior. Su obra permite una lectura inmediata, usando como punto de partida el provincianismo, el ridículo y la carencia de valores, condiciones todas, propias de los países latinoamericanos. La composición, la perfecta pincelada y el equilibrio cromático, denotan un artista académico pero con una intención técnica de conducción hacia la contemplación de imágenes deformes, infladas e invasoras en el lienzo, desencadenando contradicciones conceptuales y plásticas.
REGRESO DEL MERCADO Andrés de Santa María
Alejandro Obregón (1920-1992) Desarrolla su obra figurativa dentro del Expresionismo haciendo alusiones permanentes a Colombia a través de un lenguaje que involucra el paisaje, la fauna y los mitos, con énfasis en el tema de la violencia, utilizando tonalidades grises y sepias y empleando la técnica del claroscuro para referirse a la realidad dolorosa de Colombia. Posteriormente su
Fernando Botero AGUA CÁLIDA – Alejandro Obregón
paleta se torna multicolor, con otro lenguaje en un mundo más cálido y poético. 131
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el terreno de la violencia, la religiosidad y el tormento. Pedro Nel Gómez
Escultura de Fernando Botero
Luis Caballero (1943-1996) Pedro Nel Gómez
Nacido en Bogotá, recurre a la figura humana como medio y fin erótico y estético. Su obra de gran significación, trabaja formatos grandes con el desnudo como elemento predominante en su pintura. Lo masculino y lo femenino hacen parte de un proceso ceremonial en el cual se confunden atracción y repulsión.
Ingeniero, arquitecto, pintor y escultor, cuya obra artística tiene influencia científico-técnica y está dedicada a la exaltación del hombre, la vida, el trabajo y la mitología.
LA FIGURACIÓN Leonel Góngora Nacido en Cartago (Valle), realizó sus estudios en Bogotá y Washington. Su trabajo se caracteriza por el predominio de la línea sobre el color y en especial el erotismo que en ocasiones llega a ser morboso. De gran imaginación combina el realismo de las figuras con la fantasía de sus temas y situaciones. Exalta la pasión y la lujuria con personajes promiscuos y grotescos aunque rodeado de cierta ensoñación y Surrealismo, enalteciendo sus composiciones.
AUTORRETRATO- Luis Caballero
Los desnudos en su gran mayoría se muestran decapitados, sin rostro, transmitiendo deliberada pasión en un límite de, angustia, dolor y placer. Cuerpos enormes contorsionados desplazándose en
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donde alrededor se entretejen otros elementos de carácter simbólico o estético. Enrique Grau (1920 - 2004) Nacido en Cartagena, estudió en Nueva York. Influenciado en la década de los 50 por maestros europeos como Picasso y Matisse, aparecen elementos cubistas y fauvistas en temas como desnudos femeninos, bodegones y ventanas abiertas. De 1955 a 1959 la producción es eminentemente geométrica pero en 1960 la abandona definitivamente y se decide por la figuración naturalista marcando el estilo que lo caracteriza, pintando lo que quiere ver y dando una versión muy personal de la figura humana, en un principio con apariencia de maniquí y paulatinamente tornándose más corpórea y vital. Siendo creador de ambientes y escenografías, su trabajo ha trascendido al terreno del ensamblaje.
Grabado de Leonel Góngora
Juan Antonio Roda (1921- 2002) Nació en Valencia (España), estudió en Barcelona, París e Italia y en 1955 se estableció en Colombia. Es el mejor grabadista del país, logrando en la técnica del aguafuerte el equilibrio entre la línea y la modulación de tonalidades grises y negras en contraste con el blanco. Su trabajo se concentra en gran parte en el rostro, en una composición centrista
Enrique Grau
CHRISTO Juan Antonio Roda
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ARTE ABSTRACTO Eduardo Ramírez Villamizar (1923 - 2004 ) Nacido en Pamplona (Colombia), adelantó estudios de arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia. Sus primeros trabajos son tan solo murales, donde se insinúa el aspecto tridimensional, pero posteriormente los espacios se multiplican dentro de líneas sólidas, demarcadoras, creadoras de ritmos y relaciones armónicas de movimiento. EL SOL – Edgar Negret
El ensamblaje y el proceso industrial, le ofrecen imágenes visuales nuevas, que marcan su obra hacia expresiones diferentes. El contacto en París con las esculturas africanas lo llevan al desarrollo de estructuras simétricas, con formas geométricas estrictas, separadas por aristas. Las superficies curvas dan ricos efectos de luz y sombra. Al vivir su mayor parte del tiempo en España, recibe gran influencia de la arquitectura de Antonio Gaudí. Cuando regresa a Nueva York decide utilizar un material industrial como es la lámina de aluminio muy delgada. En 1963 regresa a Colombia, lo cual despierta en el artista nuevas formas estéticas que son la respuesta a interrogantes personales nacidos alrededor de la vida colombiana.
Ramírez Villamizar
Ramírez asume el elemento de la monumentalidad y hace que sus obras se conviertan en edificios plácidos e inmutables, que localizados en lugares públicos, alteran la fisonomía del paisaje, convirtiéndose en parte de la misma escultura. Edgar Negret (1920 - 2012) Nació en Popayán y su formación académica se llevó a cabo en Cali. Negret avanza paulatinamente de la escultura figurativa a la geométrica, de tipo volumétrico y ritmos espaciales. Después de su viaje a Nueva York experimenta con nuevos materiales tales como aluminio, hierro, tornillos, remaches y tuercas que hasta ese momento no habían tenido función artística.
Carlos Rojas (1933 - 1997) Nació en Facatativa (Colombia). Pintor, escultor y profesor de Bellas Artes, estudió Arquitectura en la Universidad Javeriana y se especializó en Arte en Roma.
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tornando constructivista y culmina con un trabajo inscrito en la figuración en la cual hace gala de una espléndida técnica cercana a la de los maestros del Renacimiento Italiano, aunque sus temas pueden relacionarse con el Surrealismo.
TIERRA – David Manzur Carlos Rojas
Omar Rayo (1928-2012)
Sus obras dentro de un estilo, que él mismo denominó “Erótico-ExpresionistaAbstracto”, evolucionaron hacia el uso del collage y finalmente hacia el arte geométrico abstracto en una obra de gran coherencia y equilibrio. Sus trabajos aunque son construcciones merecen clasificarse dentro de la tendencia Mínimal Art, íntimamente relacionadas con su formación como arquitecto. Sus composiciones implican un largo recorrido de la línea recta y sus posibilidades dentro de la transparencia que otorga el paisaje como elemento espacial.
Pintor, caricaturista, grabador y dibujante colombiano inscrito al movimiento Op Art. En sus obras crea trazos y ángulos que forman grandes abismos. Estudió dibujo por correspondencia en la Academia Zier de Buenos Aires. En una gira por Colombia y América Latina reconoció en el primitivismo una auténtica forma de expresión. Una de sus más célebres exposiciones es la realizada en la Sala Nacional del Museo del Palacio de Bellas Artes de México, titulada 20 años, 100 obras: Omar Rayo. En 1981 fundó en el municipio de Roldanillo (Valle del Cauca) el Museo Omar Rayo, poseedor hoy día de una de las mejores colecciones de artistas latinoamericanos, y de lo mejor de su obra. A lo largo de su carrera ha realizado caricaturas, grabados y ha cultivado la abstracción geométrica pura.
David Manssur Nació en Neira (Colombia). Realizó una obra abstracta muy interesante en la década de los 60. Su formación artística re realizó en Europa y Estados Unidos; recibe influencia del informalismo europeo que se va
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MICHELETTI, Emma. Museos de Florencia. España, MCMXCV OCÉANO GRUPO, S.A., 2000. WALTHER, Igo E. Vincent van Gogh. Germany, Benedikt Taschen Verlag GmbH y Co. KG. 1990. http://www.latinartmuseum.com
SARAS Omar Rayo1977
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