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impresionismo. Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las tribus de África y Oceanía.

UBISMO

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Movimiento

artístico

que

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Los cubistas se basaban en el postimpresionista francés Paul Cézanne, que afirmaba que “todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro” e influidos por el afán constructivo y geometrizante de George Seurat. La expresión más frecuente dentro del cubismo presenta un enfoque analítico y abstracto del tema; el artista determina y pinta las formas geométricas básicas que componen el objeto, sobre todo el cubo o el cono, o los planos básicos que revelan las formas geométricas subyacentes. Otra fase de la pintura cubista (el cubismo sintético) presenta un objeto desde diferentes ángulos, imposibles de ver simultáneamente en realidad, unificados en una estructura compositiva. En ninguno de los dos cubismos, analítico o sintético, se pretende reproducir en detalle el aspecto real de los objetos. Entre los retratos y naturalezas muertas cubistas destacan los instrumentos y los arlequines ya que eran fáciles de diseccionar de forma geométrica. Para evitar todo efecto naturalista y emocional, el cubismo utilizó durante su primer periodo, o periodo analítico, una paleta muy restringida de grises, marrones, verdes y amarillos, o recurrió a obras pintadas en diferentes tonalidades de un mismo color. Después de 1914, durante el periodo sintético, muchos cubistas introdujeron colores más brillantes en sus obras.

se

manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y continuó evolucionando durante la década de 1920.

Al rechazar la representación realista seguida desde el renacimiento, el cubismo significó un cambio crucial en la historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística.

El desayuno Juan Gris – Cubismo Sintético (collage)

Además de Pablo Picasso y Georges Braque, otros pintores cubistas importantes fueron: Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp y Juan Gris. Entre los escultores cubistas más importantes, que aplicaron a la escultura los mismos principios artísticos

Fue una revolución contra el sentimentalismo y el realismo de la pintura tradicional, contra la importancia que se daba al efecto de la luz y el color y contra la ausencia de formas, características del 77

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que los pintores, se cuentan Pablo Picasso, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz y Alexander Archipenko. Y entre los incontables artistas influidos por las ideas y técnicas cubistas se encuentran Maurice de Vlaminck, Stuart Davis y Lyonel Feininger.

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obras, pero alrededor de 1901 abandonó el primero para utilizar desde entonces sólo el apellido de la madre. El genio de Picasso se pone ya de manifiesto desde fechas muy tempranas: a la edad de 10 años hizo sus primeras pinturas y a los 15 aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, con su gran lienzo “Ciencia y caridad” (1897), dentro aún de la corriente academicista, ganando una medalla de oro.

Pablo Picasso (1881-1973) Pintor y escultor español, considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista polifacético, fue único y genial en todas sus facetas: inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su vida artística.

Período azul Entre 1900 y 1902 Picasso hizo tres viajes a París, estableciéndose finalmente allí en 1904. El ambiente bohemio de las calles parisinas le fascinó desde un primer momento, mostrando en sus cuadros de la gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del postimpresionismo de Paul Gauguin y del simbolismo de los pintores nabis •.

Los temas de la obra de Edgar Degas y el estilo de ToulouseLautrec, ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El cuadro “Habitación azul” (1901) refleja el trabajo LA MUJER DEL de ambos pintores CHAL – 1902 y, a la vez, Picasso muestra su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos,

Su obra es una gran parodia. Es un arte inteligente que dialoga con el espectador y en la cual se observa la lúdica, el juego y la diversión tanto para el artista como para el espectador; el mismo Picasso decía que su obra era un desafío.

Período de formación

EL PESCADOR Pablo Ruiz Picasso Pintada a los 13 años

Picasso nació en Málaga, hijo de María Picasso López y del profesor de arte José Ruiz Blasco. Hasta 1898 siempre utilizó los apellidos paterno y materno para firmar sus

•

Grupo de pintores franceses de la última década del siglo XIX, que usaron el cromatismo del estilo postimpresionista junto con las evocaciones de los simbolistas. La palabra nabi tiene raíz hebrea y significa profeta o vidente.

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alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas, recordando el estilo de El Greco.

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africano. La obra clave de este periodo es “Las señoritas de Avignon” (1907), radical en su estilo y cuya superficie semeja un cristal fracturado, que no fue entendido, incluso, por los críticos y pintores MUCHACHA CON vanguardista MANDOLINA – 1910 s de aquel Inicios del Cubismo momento.

Frente a la pintura tradicional, Picasso rompe en esta obra con la profundidad espacial y la forma de representación ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y planos cortantes y angulosos.

Período rosa Poco después de establecerse en París, Picasso conoce a su primera compañera, Fernande Olivier.

Con esta feliz relación Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos; los años 1904 y 1905 se EL EQUILIBRISTA conocen, así, DE LA PELOTA-1905 Período rosa como periodo Picasso rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo, que visitó con gran asiduidad, creando obras como “Familia de acróbatas” (1905). En la “figura del arlequín”, Picasso pintó su otro yo, su alter ego, práctica que repitió también en posteriores trabajos. De su primera época en París se remonta su amistad con el escritor Guillaume Apollinaire y el marchante (traficante de obras de arte) Ambroise Vollard y los ricos estadounidenses residentes en Francia Gertrude Stein y su hermano Leo, quienes se convirtieron en sus primeros mecenas o protectores.

Todos ellos fueron retratados por el pintor.

Cubismo analítico y sintético Inspirados por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de Paul Cézanne, Picasso y Georges Braque pintaron en 1908 una serie de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como si hubieran sido hechos a base de “pequeños cubos”, imponiéndose así el término cubismo. Entre 1908 y 1911 trabajaron en estrecha colaboración dentro de esta línea de descomposición y análisis de las formas, desarrollando juntos la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico. La paleta monocromática prevaleció en estas representaciones de motivos totalmente fragmentados, mostrados de modo simultáneo desde varios lados. Los temas favoritos de Picasso fueron los instrumentos musicales, las naturalezas muertas y sus amigos En

Protocubismo En el verano de 1906, durante una estancia de Picasso en, Andorra (principado límite entre Francia y España), su obra entrará en una nueva fase marcada por la influencia del arte griego, ibérico y 79

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1912 realiza su primer collage, “Naturaleza muerta con silla de paja”, combinando pasta de papel y un trozo de hule sobre un lienzo pintado sólo en algunas zonas, que representa un vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un limón.

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de un terrón de azúcar; tal vez se trate del ejemplo más interesante de escultura policromada cubista realizado por Picasso, anticipando con ella tanto sus posteriores creaciones de objetos encontrados del tipo “Mandril y joven” (1951), como los objetos Pop Art de la década de 1960.

Esta técnica señala la transición hacia el cubismo sintético.

Esta segunda fase del BODEGÓN-NATURALEZA MUERTA cubismo CUBISMO SINTÉTICO es más decorativa , y el color desempeña un papel más destacado, aunque nunca de manera exclusiva. Dos obras de 1915 demuestran la simultaneidad de estilos que utilizó: “Arlequín” es un cuadro cubista sintético.

De 1923 es su “Arlequín con espejo”, obra de su llamado periodo clásico (19211925), anunciado, en parte, en los dibujos ingristas y consecuencia de su estancia en Italia en 1917.

Realismo y Surrealismo

DOS MUJERES CORRIENDO Picasso

Durante la I Guerra Mundial, Picasso viajó a Roma para realizar los decorados de los ballets rusos. Conoció allí a la bailarina Olga Koklova, con la que se casó poco después. Dentro de un estilo realista, figurativo, en torno a 1917 Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a su único hijo legítimo, Pablo (por ejemplo, en “Pablo vestido de Arlequín” (1924) y a sus numerosos amigos. A comienzos de la década de 1920 pintó una serie de cuadros con figuras robustas, pesadas, escultóricas, dentro del que se ha denominado estilo ingresco, como por ejemplo “Tres mujeres en la fuente” (1921) y obras inspiradas en la mitología, como “Las flautas de pan” (1923). Al mismo tiempo creó también extraños cuadros de bañistas inflados e informes, con cabezas muy pequeñas y grandes cuerpos, así como retratos de mujeres en actitudes violentas, convulsas, indicando a

Escultura cubista El busto de bronce de Fernande Olivier, también llamado “Cabeza de mujer” (1909), muestra la consumada habilidad técnica de Picasso en el tratamiento de las formas tridimensionales. También realizó conjuntos como “Mandolina y clarinete”, formados por fragmentos de madera, metal, papel y otros materiales, explorando con ello las hipótesis espaciales planteadas por la pintura cubista. Su “Vaso de ajenjo” (1914) es una escultura en bronce coloreada que representa un vaso de ajenjo sobre el que aparece colocada una cucharilla de plata y la reproducción exacta 80

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menudo con ellas sus propias tensiones vitales. Aunque siempre declaró que no era surrealista, en muchos de sus cuadros se pueden apreciar cualidades y características propias de este movimiento artístico, como en “Mujer durmiendo en un sillón” (1927) y “Bañista sentada” (1930).

Pinturas: 1930-1935 Varios cuadros cubistas de comienzos de la década de 1930, en los que predomina la armonía de líneas, el trazo curvilíneo y un

GUERNICA El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil española, la aviación alemana, por orden de Francisco Franco, bombardeó el pueblo vasco de Guernica. Pocas semanas después Picasso comenzó a pintar el enorme mural conocido como Guernica. En

TAUROMAQUIA – Picasso GUERNICA – Pablo Picasso (1937)

cierto erotismo subyacente, reflejan el placer y la pasión de Picasso por su nuevo amor, Marie Thérèse Walter, con la que tuvo a su hija Maya en 1935. Marie Thérèse, retratada muy a menudo en actitudes de reposo, fue también la modelo del famoso cuadro “Muchacha ante el espejo” (1932). En 1935 Picasso llevó a cabo la serie de grabados Minotauromaquia, un bellísimo trabajo en el que mezcla los temas del minotauro y las corridas de toros; en esta obra, tanto la figura del toro como la del caballo destripado anuncian las imágenes del Guernica, el gran mural considerado por la mayoría como una de las obras artísticas individuales más importante del siglo XX

menos de dos meses terminó la obra, exhibiéndola en el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937.

El cuadro no retrata el acontecimiento en sí; más bien quiso expresar con él la violencia y crueldad del acontecimiento mediante la utilización de imágenes como el toro, el caballo moribundo, el guerrero caído, la madre con su hijo muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas.

Pese a la complejidad de estos y otros símbolos, y a la imposibilidad de dar a la obra una interpretación definitiva, el Guernica logró un aplastante impacto como retrato-denuncia de los horrores de la guerra. El cuadro permaneció en el Museo de Arte Moderno de Nueva York desde 1939 hasta 1981, año en el que regresó a España; allí se emplazó en el Casón del 81

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Buen Retiro, junto al Museo del Prado, en Madrid, hasta que en 1992 se trasladó de nuevo, esta vez de manera definitiva, a su actual emplazamiento en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, también en Madrid.

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llevó a cabo la maqueta de “Cabeza de mujer”, una monumental escultura levantada en 1966 en acero soldado en el Civic Center de Chicago. En 1968, y a lo largo de siete meses, creó las notables series de 347 grabados con los que retornó a sus primitivos temas: el circo, las corridas de toros, el teatro y las escenas eróticas.

La II Guerra Mundial y los años de posguerra

A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de ellas fue la que le dedicó el Louvre en 1971 con motivo del 90 LA CABRA Picasso - 1950 cumpleaños del artista; hasta entonces nunca se había expuesto en el museo parisino la obra de ningún artista vivo. Picasso murió el 3 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie, su residencia cercana a Mougins.

El estallido y posterior desarrollo de la II Guerra Mundial contribuyeron a que la paleta de Picasso se oscureciera y a que la muerte fuera el tema más frecuente en la mayor parte de sus obras. Así lo vemos, por ejemplo, en “Bodegón con calavera de buey” (1942), y en “El osario” (1945).

Conoce por entonces a la pintora Françoise Gilot, con la que tendrá dos hijos, Paloma y Claude; ambos aparecerán retratados en numerosas obras que recuperan los primeros estilos de Picasso.

Su última compañera sentimental, a la que también retrató en bastantes ocasiones, fue Jacqueline Roque, a la que conoció en 1953 y con la que se casó en 1961.

Desde entonces residió casi siempre en el sur de Francia.

Georges Braque (1882-1963) Pintor francés, que junto con Pablo Picasso contribuyó al origen y desarrollo del cubismo, del cual es una de las figuras más importantes.

Últimos trabajos: Sumario Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Diego Velázquez, Gustave Courbet, Eugène Delacroix y Édouard Manet. Además de en la pintura de cuadros, Picasso trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta de Fernande Mourlot.

Se interesó también por la cerámica, y así, en 1947, realizó cerca de 2.000 piezas.

Durante este tiempo Picasso hizo también importantes esculturas: “El hombre del carnero” (1944), un bronce a tamaño natural, y “La cabra” (1950), también en bronce, obra de enorme fuerza. En 1964

LAS CASAS DEL ESTANQUE (1908) Jeorges Braque

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Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa y hacia 1905 empezó a pintar al modo de los fauvistas, utilizando colores puros y brillantes en composiciones

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de estructura muy libre.

Tras la guerra, Braque desarrolló un estilo más personal, que se caracteriza por los colores brillantes y la textura de las superficies y, después de su traslado a Normandía, por la reaparición de la figura humana. En esa época pintó muchas naturalezas muertas y escenas de playa.

Continuó trabajando y produjo un considerable número de pinturas, obra gráfica y esculturas, imbuidas de una cualidad contemplativa, que gozan de un enorme reconocimiento. Murió en París.

Sin embargo, ya en 1908, su atención se había desplazado a las obras de Paul Cézanne. El interés de éste por las formas extrañamente distorsionadas y sus perspectivas poco convencionales llevaron a Braque a pintar de un modo que más tarde se conocería como cubista. Entre 1908 y 1913 llevó a cabo un exhaustivo estudio sobre los efectos de la luz y de la perspectiva y los medios con los que cuentan los pintores para representar estos efectos. Braque cuestionó la mayoría de las convenciones artísticas en uso. Por ejemplo, en sus cuadros de escenas de pueblos, reducía la estructura arquitectónica a una forma geométrica que se aproxima a un cubo (o, más exactamente, a un prisma rectangular) pero recurría al sombreado para reducir el volumen, con lo que lograba dar a los objetos una apariencia plana y tridimensional al mismo tiempo. De esa forma centraba la atención en la naturaleza de la percepción y de la representación artística.

Juan Gris (1887-1927) Pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París, considerado como uno de los maestros del cubismo.

Nació en Madrid y estudió en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal. Trabajó para diversas publicaciones como “Blanco y Negro” y “Madrid Cómico”. En 1906 se trasladó a París (Francia), donde conoció a Pablo Picasso y a Georges Braque. Los primeros años se ganó la vida dibujando para las revistas. Sus primeras obras cubistas datan de 1912, año en el que expuso en el Salón de los Independientes de Barcelona su Homenaje a Picasso y firmó un contrato en exclusiva con el marchante Daniel-Henry Kahnweiler. Al año siguiente pasó el verano con Picasso en Francia, periodo en el que empezó a desarrollar la técnica del papier collé (formas recortadas en papel y pegadas al lienzo).

Picasso, con quien Braque empezó a trabajar en estrecha colaboración a partir de 1909, utilizaba un enfoque pictórico similar. Desde 1910 a 1912 ambos artistas realizaron obras estructuradas en complejas formas geométricas y pintadas con colores neutros, que hoy son conocidas como cubismo analítico. Un ejemplo de este estilo puede encontrarse en “Violín y jarra” (1910). Los dos artistas comenzaron a experimentar con el collage, técnica de construcción de una imagen a partir de materiales tan cotidianos como hojas de periódicos, etiquetas y trozos de tela. La fértil colaboración entre Braque y Picasso continuó hasta 1914, año en el que Braque se alistó en el ejército francés.

Fue herido de gravedad durante la I Guerra Mundial y en 1917 reanudó su carrera artística en solitario.

Durante la I Guerra Mundial (1914-1918) trabajó en París, donde realizó su primera exposición individual en 1919. Entre 1922 y 1924 hizo escenografías para ballets, al tiempo que continuaba pintando. Después de 1925 utilizó sobre todo el gouache y la acuarela y realizó algunas ilustraciones para libros. Durante la década de 1920 83

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Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

En el Arte Abstracto todo gira en lo no realista siendo el mejor ejemplo de ello las culturas prehispánicas como se puede observar en San Agustín (Colombia), donde no existe un canon antropomorfo sólo una esencialización de la realidad supramundana con una esquematización de las figuras. Es así como el origen de la abstracción contemporánea es el arcaísmo, es decir la simplificación de la línea y el espacio y la sustitución de elementos compositivos por color y diseño. En la modernidad se presenta la reconstrucción de la imagen. La geometría de Euclides permite la construcción de lo tridimensional partiendo de lo bidimensional con la perspectiva lineal y el punto de fuga o sea los ¾ de la figura. El arte del siglo XX destruye la tercera dimensión: los impresionistas la representan sin utiliza la geometría sino a través de esquematización de la atmósfera en una reconstrucción pictórica. Luego el Cubismo trae lo fragmentario, la reconstrucción, donde la figura se vuelve pura en sus elementos con la geometría, el color, la expresión, la emoción y la planimetría.

JUAN GRIS

empeoró seriamente su salud y murió, con apenas cuarenta años.

Un ejemplo típico de su técnica de papier collé es “Vasos y periódico“(1914). Parte de sus pinturas cubistas son naturalezas muertas, entre las que se incluyen “Guitarra y botella” (1917), y “El tablero de ajedrez” (1917). También trató otros temas, como muestra en “El fumador” (1913). Sus teorías pictóricas se encuentran recogidas en numerosos artículos y conferencias.

ABSTRACCIONISMO _____________________________

Estilo

artístico

que

Abstracción lírica

surgió

alrededor de 1910 y cuyas consecuencias múltiples han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones.

La obra de Wassily Kandinsky ilustra la llamada abstracción lírica. Llegó, entre 1910 y 1912, a una abstracción impregnada de sentimiento, idealmente representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Munich Der Blaue Reiter, del que él mismo formaba parte. En Francia, Robert Delaunay y 84

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elaboró, el contraste simultáneo de los colores, sus Ventanas y sus primeras Formas circulares cósmicas abstractas, mientras que Frank Kupka exponía en el Salón de Otoño de 1912 “Amorfa”, fuga de dos colores y en 1913 “Planos verticales azules y rojos”. De Rusia se llevó hasta la abstracción el método de transcripción del fenómeno luminoso, al que se denominó rayonismo.

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periodo de entreguerras, Theo van Doesburg, después de haber sido uno de los principales defensores del neoplasticismo, renovó de manera decisiva el arte abstracto al mantener que la creación artística sólo debía estar sometida a reglas controlables y lógicas, excluyendo así cualquier subjetividad.

La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de la década de 1940 con el Action Painting (Pintura de acción) (Jackson Pollock). Estas tendencias fueron desbancadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista, que marcó un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura mientras que en Europa y Latinoamérica el Op Art y el arte cinético conocían sus horas de gloria.

Abstracción geométrica La abstracción de Piet Mondrian se elaboró a partir de la retícula cubista, a la que progresivamente redujo a trazos horizontales y verticales que encierran planos de color puro. Por su simplificación, el lenguaje del neoplasticismo, nombre que dio a su doctrina artística, satisfacía las exigencias de universalidad del artista. En Francia, la abstracción de Fernand Léger “Contrastes de forme”, (1913-1914) y la de Picabia (Udnie, 1913) utilizaron formas cubistas sin renunciar a la intensidad cromática. En Rusia, tras haber sido el principal representante del cubo-futurismo, Kazimir Maliévich rompió radicalmente con todas las viejas concepciones del arte al pintar en 1915 “Cuadrado negro” dando lugar al suprematismo. Paralelamente, Vladímir Tatlin creó con sus relieves abstractos una de las primeras formulaciones de lo que se llamaría el constructivismo. Se avanzó hacia una concepción utilitaria del arte que triunfó también en la Bauhaus en Alemania bajo el impulso de artistas como László MoholyNagy o Josef Albers.

ABSTRACCIÓN LÍRICA Y GEOMÉTRCIA Wassily Kandinsky (1866-1944) Pintor ruso cuya investigación sobre las posibilidades de la abstracción le sitúan entre los innovadores más importantes del arte contemporáneo. Desempeñó un papel fundamental, como artista y como teórico, en el desarrollo del arte abstracto.

Nacido en Moscú, estudió pintura y dibujo en Odesa, y derecho y economía en la Universidad de Moscú. Con 30 años se trasladó a Munich para iniciarse como pintor. Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, a partir de 1909, después de un viaje a París en el que quedó profundamente impresionado por la obra de los fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre. Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte moderno: no hacían ninguna referencia a

Otras formas de abstracción En paralelo a la abstracción constructivista se desarrolló una abstracción llamada biomórfica, que nació de las formas creadas por Jean Arp a finales de la década de 1910, retomadas por artistas como Joan Miró y Alexander Calder. En el 85

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objetos del mundo físico y se inspiraban en el lenguaje musical, del que tomaban los títulos.

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ejemplo, son un armónico conjunto de líneas, círculos, arcos y otras formas geométricas simples. En Amarillo-rojo-azul; la disposición de los colores y las formas geométricas proporciona una dimensión cósmica a los cuadros, que puede ser interpretado como la oposición entre el amarillo y el azul, símbolos en este caso del día y la noche. En obras muy posteriores como “Círculo y cuadrado” (1943), su estilo se hace más elegante y complejo, y logra, así, obras de un bellísimo equilibrio.

En 1911 formó, junto con Franz Marc y otros expresionistas alemanes, el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul, nombre que procede de la predilección de Kandinsky por el color azul y de Marc por los caballos). Durante ese periodo realizó tanto obras abstractas como figurativas, caracterizadas todas ellas por el brillante colorido y la complejidad del dibujo.

Fue uno de los artistas más influyentes de su generación.

Como uno de los primeros exploradores de los ENSAYO principios de Kandinsky la abstracción geométrica o pura, puede considerársele uno de los pintores que sembró la semilla del expresionismo abstracto, escuela de pintura dominante desde la II Guerra Mundial. Murió en París.

VERANO EN BAVARIA (1908) Wassily Kandinsky

Su influencia en el desarrollo del arte del siglo XX se hizo aún mayor a través de sus actividades como teórico y profesor. En 1912 publicó “De lo espiritual en el arte”, primer tratado teórico sobre la abstracción, que difundió sus ideas por toda Europa. Entre 1918 y 1921 impartió clases en la Academia de Bellas Artes de Moscú, y entre 1922 y 1933 en la Bauhaus de Dessau, Alemania.

N

EOPLASTICISMO

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Corriente artística promulgada por

Después de la I Guerra Mundial sus abstracciones se volvieron cada vez más geométricas, a medida que se alejaba del estilo fluido de su primera época para introducir trazos muy marcados y diseños claros. Las Composiciones (1923), por

Piet Mondrian en 1917 que proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal.

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exponer los principios subyacen a la apariencia.

básicos

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que

Nació en Holanda. Decidió emprender la carrera artística a pesar de la oposición familiar y estudió en la Academia de Bellas Artes de Amsterdam. Sus primeras obras, hasta 1907, eran paisajes serenos, pintados en grises delicados, malvas y verdes oscuros. En 1908 comenzó a experimentar con colores más brillantes; fue el punto de partida de sus intentos por trascender la naturaleza. Se trasladó a París en 1911, donde adoptó el estilo cubista y realizó series analíticas como “Árboles” (1912-1913) y “Andamios” (1912-1914). Poco a poco se fue alejando del seminaturalismo para internarse en la abstracción y llegar por fin a un estilo en el que se auto-limitó a pintar con finos trazos verticales y horizontales.

MOLINO – Piet Mondrian

Junto con Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el manifiesto neoplasticista.

Las teorías de Mondrian, que tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque y Picasso y en la teosofía ••, reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del cual, las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores al negro, el blanco, el gris y los tres primarios. El excesivo rigor de las propuestas de Mondrian provocó violentas críticas tanto dentro como fuera de su círculo de adeptos. No obstante, el neoplasticismo está considerado, junto con el suprematismo de Maliévich, el origen de la abstracción geométrica.

ÁRBOL GRIS – Piet Mondrian

Piet Mondrian (1872-1944) Pintor holandés que llevó el arte abstracto hasta sus últimas consecuencias. Por medio de una simplificación radical, tanto en la composición como en el colorido, intentaba

••

Doctrina según la cual el hombre podría alcanzar el conocimiento directo de Dios sin necesidad de la revelación.

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pintura, sino que tuvieron una profunda influencia en la arquitectura, el diseño industrial y las artes gráficas. Murió en Nueva York.

Cazimir Maliévich (1878-1935)

OCÉANO Piet Mondrian

Sostenía que el arte no debía implicarse en la reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar únicamente lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad.

Rechazaba las cualidades sensoriales de textura, superficie y color y redujo su paleta a los colores primarios.

Su creencia de que un lienzo, es decir una superficie plana, sólo debe contener elementos planos, implicaba la eliminación de toda línea curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos rectos. La aplicación de sus teorías le condujo a realizar obras como Composición en rojo, azul y amarillo (1937-1942), en la que la pintura, compuesta sólo por unas cuantas líneas y algunos bloques de color bien equilibrados, crea un efecto monumental a pesar de la escasez de los medios, voluntariamente limitados, que emplea.

CUADRADO NEGRO EN FONDO BLANCO Casimir Maliévich

Pintor ruso. Junto con Piet Mondrian, fue la figura más importante de la abstracción geométrica. Formado a finales del siglo XIX en la Academia de su ciudad natal, sus primeras obras están influidas por el neoimpresionismo (1903-1906), el fauvismo (1907-1908) y el cubismo (1909-1910). A partir de 1910 participó activamente en diversas manifestaciones de la vanguardia rusa, como las exposiciones de la Jota de diamantes (1910) y la Cola de burro (1912). Fue por entonces cuando empezó a desarrollar su propio estilo, que le llevó a fundar el suprematismo ••• con su famoso “Cuadro negro sobre fondo blanco” (1913).

Cuando se trasladó a Nueva York en 1940, su estilo había logrado una mayor libertad y un ritmo más vivo. Abandonó la severidad de las líneas en negro para yuxtaponer áreas de colores brillantes, como puede verse claramente en la última obra que dejó acabada, “Broadway Boogie-Woogie” (1942-1943).

Este movimiento buscaba la reducción de la pintura a elementos geométricos (rectángulo, cuadrado, círculo, triángulo), y son estos principios los que rigen la

Mondrian ha sido uno de los artistas de mayor repercusión en el siglo XX. Sus teorías sobre la abstracción y la simplicidad no sólo alteraron el curso de la

•••

Intento de reducir el arte a su más pura esencia, el artista ruso Kazimir Maliévich eliminó de sus pinturas toda referencia externa, creando así obras totalmente subjetivas.

Su abstracción radical, conocida como suprematismo, influyó considerablemente en el arte del siglo XX.

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producción de Maliévich, quien aplica a los elementos geométricos el mismo color o el blanco y el negro. En su obra abstracta le preocupará sobre todo las relaciones entre la forma y el espacio que la rodea, con la intención de llegar a la esencia de ésta elevando a la pintura a una expresión perfecta que denomina “suprema”. Su abstracción geométrica alcanzó su punto culminante con la composición suprematista “Cuadro blanco sobre fondo blanco” (1918), perteneciente a la serie de pinturas de blanco sobre blanco. En ellas la forma ha dejado de ser un signo del espacio para convertirse en una alusión al espacio y al cuadro en sí mismo.

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madera, papel, y otros materiales de Picasso. Tras su regreso a Rusia empezó a experimentar en la escultura con relieves abstractos, utilizando materiales industriales como vidrio, metal, alambre y madera. Este tipo de trabajos, realizados entre 1913 y 1917, abrieron el camino a la aparición del constructivismo.

Sus teorías del suprematismo, empezaron a aparecer en revistas en 1915. En 1916 publicó el Manifiesto suprematista, en el que condenaba el arte representativo, considerándolo un robo a la naturaleza, afirmando que el artista debe construir sobre la base del peso, la velocidad y la dirección del movimiento. Al final de la década de 1920 se publicaron sus ideas en Alemania editadas por la Bauhaus con el título Die gegenstandslose Welt (El mundo sin objeto). Durante esa década Maliévich participó en varias exposiciones, viajó por Alemania y Polonia y al final de la misma regresó a la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS), donde cayó rápidamente en desgracia y comenzó a pintar retratos y paisajes claramente tradicionalistas, evocadores del realismo socialista imperante entonces en su país.

Falleció en 1935, en Leningrado (actual San Petersburgo).

MONUMENTO A LA TERCERA INTERNACIONAL Vladímir Tatlin

El interés de Tatlin en una escultura de espacio y movimiento, aplicando una tecnología propia de la ingeniería y la arquitectura, culminó en su maqueta para un enorme Monumento a la “Tercera Internacional” (1919-1920). Esta obra debía tener unos 400 m de alto y consistiría en una estructura espiral de metal volcada hacia un lado, conteniendo tres estructuras de vidrio (con formas de cilindro, cubo y cono, respectivamente) en cuyo interior se situarían espacios para conferencias; las tres unidades deberían dar vueltas lentamente a intervalos regulares. Nunca se construyó debido a una normativa posterior en la que el gobierno se pronunció contra el arte abstracto.

Vladímir Tatlin (1885-1953) Pintor y escultor ruso. Aunque comenzó cultivando un estilo figurativo, sus trabajos posteriores son abstractos. Vivió en París en 1913, época en la que Tatlin se inspiró en las construcciones tridimensionales de 89

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Action Painting: Corriente pictórica abstracta de carácter gestual que adoptaron varios miembros de la escuela estadounidense del expresionismo abstracto. Desde el punto de vista técnico, consiste en salpicar con pintura la superficie de un lienzo de manera espontánea, es decir, sin un esquema prefijado, de forma que éste se convierta en un “espacio de acción” y no en la mera reproducción de la realidad. El término se refiere principalmente a la obra de Jackson Pollock. También resulta válido, con ciertas limitaciones, para piezas o aspectos aislados de la obra de otros artistas, tales como Arshile Gorka y Hans Hofmann. A veces se utiliza incorrectamente como sinónimo del propio expresionismo abstracto, aun cuando muchos de los artistas pertenecientes a esta escuela jamás emplearon dicha técnica.

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Estudió en la Art Students League de Nueva York. Durante varios años viajó por el país realizando dibujos. A finales de la década de 1930 y principios de 1940 colaboró en Nueva York en el programa de arte de la administración federal. Sus primeras obras, en estilo naturalista, retratan de forma realista escenas de la vida cotidiana de Estados Unidos. Entre 1943 y 1947 Pollock, influido por el surrealismo, adoptó un estilo más libre y abstracto, como en “La loba” (1943).

A partir de 1947 evolucionó hacia el expresionismo abstracto y desarrolló la técnica del dripping, que consiste en

Dripping: (del inglés, ‘goteo’), técnica pictórica que consiste en derramar pintura sobre una tela colocada en el suelo mediante un movimiento semiautomático sometido casi únicamente a las reglas del azar. Para ello, generalmente se utiliza un bote agujereado en cuyo interior se vierte la pintura. Debido a las grandes dimensiones del soporte, la intervención de todo el cuerpo es indispensable para la ejecución de la obra de forma que, el movimiento físico en sí mismo, se convierte en una forma de expresión transmisora de las pulsiones internas del artista. Surgió de la necesidad de buscar soluciones plásticas más adecuadas a las nuevas necesidades artísticas que la tradicional pintura de caballete.

BLANCO Y NEGRO Jackson Pollock

derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre un lienzo colocado en el suelo.

Mediante este método, Pollock realizó esquemas de formas entrelazadas.

Pertenece a esta época “Marrón y plata I” (1951). A partir de 1950 su estilo cambió de nuevo, retomando la figuración en blanco y negro, dentro de un estilo muy virtuosista. Entre las pinturas de su último periodo destaca “Ocean grayness” (1953). Murió en 1956 a consecuencia de un accidente de automóvil.

Jackson Pollock (1912-1956) Pintor estadounidense, el principal representante del Action Painting, una corriente pictórica asociada al expresionismo abstracto.

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Robert Delaunay (1885-1941)

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1913 emigró a Estados Unidos. Aunque asistió a la Universidad de Yale y estudió por un corto periodo de tiempo en la Liga de estudiantes de Arte de Nueva York, debemos considerarlo como un artista autodidacta. En 1933 realizó en Nueva York su primera exposición individual.

Pintor francés y marido de Sonia Terk Delaunay (pintora y diseñadora rusa), fue uno de los pioneros del arte abstracto a principios del siglo XX. En 1912 abandonó el cubismo, con sus formas geométricas y

FORMAS CIRCULARES Robert Delaunay Mark Rothko - 1968

colores monocromáticos, para embarcarse en un nuevo estilo, el orfismo ••••, que se centró en las formas circulares y en los colores brillantes. Su serie Ventanas (1912) constituyó uno de los primeros ejemplos de un arte abstracto total y una importante referencia en el arte moderno.

Su amor por el ritmo y el movimiento le llevó a realizar varias series de cuadros basados en eventos deportivos, como “Sprinters” (1924-1926), que culminaron en impresionantes obras abstractas centradas en el ritmo, como sus últimas series “Ritmos y Ritmos eternos”.

La obra artística de Rothko en la década de 1930 se adhiere al movimiento del realismo social. En la década de 1940, influenciado por el Surrealismo, desarrolló un planteamiento más imaginativo que se inspira en la religión primitiva, como por ejemplo “Escena bautismal” (1945). Poco a poco, su trabajo se fue haciendo más abstracto, basado en grandes rectángulos, confusamente definidos, de colores oscuros, suaves o vivos, empleados para sugerir emoción. Pertenecen a la esfera de las grandes superficies de colores planos del expresionismo abstracto. Destacan “Número 10” (1950) y “Cuatro sombras en rojo” (1958).

Mark Rothko (1903-1970) Pintor estadounidense de origen ruso, pertenece a la escuela del expresionismo abstracto. Rothko, nació en Rusia y en

Esta obra de Rothko difiere de la línea principal del expresionismo abstracto por su simplicidad en los planos cromáticos.

Rothko solía empapar la tela con pintura y después añadir capas de color delgadas y transparentes para conseguir un efecto luminoso.

••••

Nombre dado en 1913 por el poeta Guillaume Apollinaire a la tendencia colorista y abstracta del cubismo parisino. “Es el arte”, declaró en sus Meditaciones estéticas, los pintores cubistas, “de pintar conjuntos nuevos con elementos no tomados de la realidad visual, sino totalmente creados por el artista y dotados por él de una poderosa realidad. Es arte puro”

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considerado como uno de los artistas más innovadores e ingeniosos del siglo XX.

Alexander Porfirievich Archipenko (18871964)

Calder, hijo y nieto de distinguidos escultores estadounidenses. En 1919 obtuvo el título de ingeniero. En 1923 ingresó en la Asociación de Estudiantes de Arte de Nueva York y en el otoño de 1926 se instaló en París. Sus esculturas en alambre —retratos satíricos y deliciosos personajes del circo en miniatura (1927) le dieron fama internacional. En 1933 regresó a Estados Unidos y a partir de entonces dividió su tiempo entre su país y Francia y realizó importantes exposiciones tanto en París como en Nueva York.

Escultor nacido en Rusia y nacionalizado estadounidense. Nació en Kíev y estudió en la Academia de Arte de su ciudad natal y en la Escuela de Bellas Artes de París.

Entre 1908 y 1914 París fue el centro de sus actividades; en 1923 se trasladó definitivamente a Estados Unidos, donde impartió clases y dio conferencias en varias escuelas de arte y universidades.

Archipenko fue un escultor al que le gustaba experimentar e innovar. Redujo la figura humana a formas abstractas y creó obras que se cuentan entre las primeras esculturas cubistas, como “Medrano” (1914). Desarrolló un estilo que subraya la importancia de las formas cóncavas como límites exteriores de la escultura (el antivolumen) y los espacios vacíos. Utilizó nuevos materiales, como el vidrio o el hierro, que le permitieron conseguir nuevos efectos, y revivió la utilización del color en la escultura.

FLAMINGO – Estable Alexander Calder

A comienzos de la década de 1930 Calder inició sus experimentos en el campo de la abstracción, primero como pintor y después como escultor. Recibió una gran influencia de artistas abstractos europeos como Joan Miró, Jean Arp y Piet Mondrian.

Experimentó también con el movimiento, lo cual le condujo al desarrollo de los dos modos de escultura que le hicieron famoso, el móvil y el estable.

Alexander Calder (1898-1976) Escultor estadounidense de gran vitalidad y versatilidad, famoso por sus móviles,

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EGUNDA GUERRA MUNDIAL

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Conflicto militar que comenzó en 1939 como un enfrentamiento bélico europeo entre Alemania y la coalición franco-británica, se extendió hasta afectar a la mayoría de las naciones del planeta y cuya conclusión en 1945 supuso el nacimiento de un nuevo orden mundial dominado por Estados Unidos y la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS).

Los móviles de Calder (así denominados por el artista dadá francés Marcel Duchamp) son estructuras de formas orgánicas abstractas, suspendidas en el aire, que se balancean suavemente. Los estables (denominados así por Arp) son formas abstractas inmóviles que, por lo general, sugieren formas animales en tono humorístico. Aunque sus esculturas de piedra, madera y bronce, así como sus dibujos y pinturas de la última época, son importantes, la reputación de Calder se debe principalmente a sus móviles y estables. Estas obras, cada vez de mayor tamaño, lograron una entusiasta aceptación popular rara vez alcanzada por el arte abstracto, lo cual llevó a que se le hicieran numerosos encargos después de la II Guerra Mundial. Se pueden encontrar estables y móviles enormes hechos por Calder en docenas de plazas y edificios públicos de Bruselas, Chicago, Ciudad de México, Venezuela, Montreal, Nueva York y muchas otras ciudades. La culminación de todos ellos es su última obra: el gigantesco móvil rojo y blanco (1976) suspendido en el patio central del ala este de la Galería Nacional de Arte de Washington; Calder murió en Nueva York, justo después de haber supervisado el montaje de la mayor exposición retrospectiva de su obra en el Museo Whitney de Arte Americano.

La II Guerra Mundial requirió la utilización de todos los recursos humanos y económicos de cada Estado y fue un conflicto único en los tiempos modernos por la violencia de los ataques lanzados contra la población civil y por el genocidio (el exterminio de judíos, gitanos, homosexuales y otros grupos) llevado a cabo por la Alemania nacionalsocialista (nazi) como un objetivo específico de la guerra. Los principales factores que determinaron su desenlace fueron la capacidad industrial y la cantidad de tropas. En los últimos momentos de la lucha se emplearon dos armas radicalmente nuevas: los cohetes de largo alcance y la bomba atómica. No obstante, el tipo de armamento empleado durante casi todo el enfrentamiento fue similar al de la I Guerra Mundial, aunque con ciertas mejoras. Las principales innovaciones se aplicaron a las aeronaves y a los carros de combate.

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Después de la Guerra: El resultado de la I Guerra Mundial fue decepcionante para tres de las grandes potencias implicadas.

Alemania, la gran derrotada, albergaba un profundo resentimiento por la pérdida de grandes áreas geográficas y por las indemnizaciones que debía pagar en función de las reparaciones de guerra impuestas en 1919 por el Tratado de Versalles (acuerdo de paz entre Alemania y las potencias aliadas vencedoras al finalizar la 1ª guerra mundial). Italia, una de las vencedoras, no recibió suficientes concesiones territoriales para compensar el coste de la guerra ni para ver cumplidas sus ambiciones. Japón, que se encontraba también en el bando aliado vencedor, vio frustrado su deseo de obtener mayores posesiones en Asia oriental.

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URREALISMO

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Movimiento artístico y literario fundado por el poeta y crítico francés André Bretón.

Breton publicó el Manifiesto surrealista en París en el año 1924 y se convirtió, acto seguido, en el líder del grupo. El surrealismo surgió del movimiento llamado Dadá, que reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura occidental.

Como el dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora, pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria.

Este contexto determinó en primer término la desaparición de artistas que no contaron con la oportunidad de algunos que emigraron a países en los cuales pudieron seguir expresándose, y otros que por encontrarse entre las naciones vencedoras, pudieron hacerlo con gran libertad.

En pintura y escultura, el surrealismo es una de las principales tendencias del siglo XX. Reivindica, como sus antecesores en las artes plásticas, a pintores como el italiano Paolo Uccello, el poeta y artista británico William Blake y al francés Odilon Redon.

Tanto el régimen ruso en su absolutismo frustró las formas de expresión de los artistas de la época, permitiendo únicamente el arte panfletario al servicio del estado, como el régimen alemán proscribió el arte abstracto y las corrientes similares, dando origen a un gran movimiento artístico que invadió el mundo por estar proyectado desde la potencia vencedora como era el pueblo norteamericano. Este movimiento se reveló de muy diversas formas, la gran mayoría planteando y orientando las costumbres y la forma de vida de los pueblos como normas a seguir por el gran vencedor, o también, como denuncia a la invasión de ideologías y modas surgidas. (Ver Pop Art)

En el siglo XX también son admiradas, y a veces expuestas como surrealistas, ciertas obras de Giorgio de Chirico, del ruso Marc Chagall, del suizo Paul Klee y de los franceses William Blake 1557-1827 Marcel Duchamp y Francis Picabia, así como del español Pablo Picasso, aunque ninguno de ellos formó parte del grupo. A partir del año 1924 el alemán Max Ernst, el francés Jean Arp así 94

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como el pintor y fotógrafo estadounidense Man Ray se incluyen entre sus miembros.

Se unieron por un corto periodo de tiempo el francés André Masson y el español Joan Miró. Ambos pintores fueron miembros del grupo surrealista pero, demasiado individualistas para someterse a los dictados de André Bretón, se desligaron del mismo en 1925. Más tarde, se incorporó el pintor franco-estadounidense Yves Tanguy, así como el belga René Magritte y el suizo Alberto Giacometti. El pintor catalán Salvador Dalí se asoció en 1930, pero después sería relegado por la mayoría de los artistas surrealistas, acusado de estar más interesado en la comercialización de su arte que en las ideas del movimiento. A pesar de ello, durante cierto tiempo fue el artista más renombrado del grupo. Su personal obra constituye una de las muestras más representativas del surrealismo.

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representativa de la obra gráfica de los surrealistas se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

O

RÍGENES DEL SURREALISMO

El Bosco (1450-1516)- Uno de los pintores holandeses más personales, conocido por su obra enigmática que representa complejos temas religiosos con gran fantasía e iconografía demoníaca.

La pintura surrealista es muy variada en contenidos y técnicas. Dalí, por ejemplo, transcribe sus sueños de una manera más o menos fotográfica, inspirándose en la primera etapa de la pintura de De Chirico.

Las esculturas de Arp son grandes, lisas y de forma abstracta. Por otra parte, Miró, miembro formal del grupo durante una corta etapa, representó formas fantásticas que incluían adaptaciones de dibujos infantiles. En la década de 1940, coincidiendo con el exilio en México de artistas españoles influidos por el surrealismo, así como la visita de Bretón, que recorrió el país acompañado de Diego Rivera y del político soviético Trotski, el movimiento se extendió también con la artista Remedios Varo de forma relativa y limitada entre círculos intelectuales mexicanos.

El jardín de las delicias (1505-1510) El Bosco

Moralidad, castigo, pecado, exaltación de la energía cósmica; generación del absurdo y el inconsciente, todas ellas características de la representación posterior surrealista. El resultado es un ecléctico estilo iconográfico propio de finales de la edad media.

La rama surrealista estadounidense está formada por el grupo conocido como Los Realistas Mágicos, bajo el liderazgo del pintor Paul Cadmus. Una colección 95

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su obra la superstición, la fantasía, las fuerzas ocultas, el inconsciente colectivo, el humor negro y elementos sincréticos: creer en Dios y adorar al diablo. “El sueño de la razón” produce monstruos (17971799) pertenece a “Los caprichos”, serie de grabados en la que Francisco de Goya hace una sátira de la sociedad y de la Iglesia y da rienda suelta a su fantasía. Se cree que la figura dormida es un autorretrato de Goya.

Pieter Brueghel (c. 1525-1569)

Los

rosacruces-

Orden fraternal internacional dedicada a la búsqueda de la sabiduría esotérica (lo oculto). Las tradiciones de la orden sostienen que su origen se remonta al antiguo Egipto y continuó existiendo siempre a través del tiempo, aunque pasó por periodos de un secretismo voluntario. Las enseñanzas de los rosacruces combinan elementos del hermetismo egipcio, del agnosticismo, del cabalismo judío y de otras creencias y prácticas ocultas. Los rosacruces prohíben la expresión estética realista como la historia, el retrato y el paisaje.

Anticatolicismo y temáticas basadas en el mito, la leyenda, los sueños y el misticismo.

Pieter Brueghel 1560

Pintor y grabador flamenco, famoso por sus paisajes, su obra es producto de una visión panorámica del mundo, y abarca desde la pintura religiosa alegórica hasta las escenas de la vida campesina; inspirado en ello, sus representaciones están cargadas de superstición y prácticas ultramundanas.

Goya- (1746-1828)- El pintor y grabador español considerado uno de los grandes

EL SIMBOLISMO- El simbolismo literario fue un movimiento estético que animó a los escritores a expresar sus ideas, sentimientos y valores mediante símbolos o de manera implícita, más que a través de afirmaciones directas. Los escritores simbolistas, que rechazaron las tendencias anteriores (el romanticismo, el realismo o el naturalismo), proclamaron que la imaginación era el modo más auténtico de interpretar la realidad. Al mismo tiempo se alejaron de las rígidas normas de la versificación y de las imágenes poéticas empleadas por sus predecesores, los poetas parnasianos. Entre los principales precursores de la poesía simbolista figuran el escritor estadounidense Edgar Allan

EL SUEÑO DE LA RAZÓN PRODUCE MONSTRUOS (1797-1799) Goya

maestros de la pintura, carga en parte de 96

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Poe. El simbolismo nace en la poesía de Charles Baudelaire. Algunas de sus obras, fueron tachadas de decadentes por sus contemporáneos.

Algunas obras fundamentales de este movimiento fueron las “Romanzas sin palabras” (1874) de Paul Verlaine y “El barco ebrio” (1871) y “Una temporada en los infiernos” (1873) de Arthur Rimbaud.

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internacional que sirvió de catalizador para la transformación del arte figurativo en arte abstracto.

Dos de los primeros modelos del arte simbolista fueron los pintores franceses Gustave Moreau y Odilon Redon, que emplearon colores vivos y líneas vigorosas para representar visiones oníricas cargadas de emoción, que a menudo rozan lo macabro y se inspiran en temas literarios, religiosos o mitológicos. Entre sus seguidores figuran el pintor holandés Vincent van Gogh, que destaca por el uso del color como vehículo para expresar las emociones, y el pintor francés Paul Gauguin quien adoptó un estilo basado en el uso de colores puros y brillantes y formas definidas por densos contornos, con el resultado de superficies planas y texturas decorativas. Bautizaron este estilo con el nombre de sintetista o simbolista (empleando ambos términos indistintamente), en oposición al enfoque analítico del impresionismo. La primera muestra simbolista fue organizada por Gauguin con ocasión de la Feria Mundial de París de 1889-1890. Bajo la influencia de la poesía simbolista francesa, el simbolismo pictórico se materializó, entre 1889 y 1900, en la obra de Paul Sérusier, Maurice Denis, Pierre Bonnard y Édouard Vuillard. Estos artistas, que se dieron a sí mismos el nombre de nabíes, hicieron hincapié en la función decorativa del arte y emplearon el color de manera subjetiva. El simbolismo fue también una referencia esencial en obras tan diversas como la del pintor belga James Ensor, el noruego Edward Munch y el inglés Aubrey Beardsley. En el caso de este último se deja sentir con fuerza el vínculo entre los aspectos eróticos del simbolismo y las formas sinuosas del Art Nouveau. La preocupación por los aspectos subjetivos y el empleo alusivo del color y las formas característicos del simbolismo se refleja en movimientos artísticos posteriores como el fauvismo, el expresionismo y el surrealismo.

El simbolismo se difundió por todo el mundo; su influencia fue especialmente notable en Rusia y tuvo un gran impacto en la literatura del siglo XX. En el área española influyó en la poesía de Rubén Darío, Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez.

El movimiento simbolista tuvo un significado especial en las artes plásticas. En cierto sentido alude al uso de determinadas convenciones pictóricas (pose, gesto o diversos atributos). En otro sentido, el término alude a un movimiento que comenzó en Francia en la década de 1880 como reacción tanto al romanticismo como al enfoque realista implícito en el impresionismo. El simbolismo en las artes plásticas no es tanto un estilo en sí mismo como una tendencia ideológica de alcance

EL SUEÑO – Odilón Redón

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Pintor italiano de origen griego, que creó la escuela de pintura metafísica.

Fuertemente influenciado por el simbolismo y la filosofía de Nietzsche. Su obra ha sido calificada como la “Tragedia de la serenidad”. Concebida con elementos clásicos renacentistas combinados con máquinas y objetos como cañones, torres o plazas desiertas.

SURREALISMO- Su modelo interior se inspira en lo suprarreal, siendo sus categorías fundamentales el inconsciente (individual o colectivo), el absurdo lógico y el misterio o paradoja. El comportamiento del hombre según el neurólogo Freud posee un aspecto conocido y controlado en la esfera racional llamada consciente, pero hay una fuerza interior que desconocemos denominada inconsciente constituida por experiencias, traumas, conflictos, frustraciones reprimidas del pasado que se encuentran en pugna por liberarse. Tales fuerzas son el punto de inspiración estética surrealista. Para el surrealismo el arte oceánico es la expresión más pura del alma primitiva. Las expresiones totémicas oceánicas representan el estado de la psiquis humana antes del trauma del nacimiento. Los pueblos oceánicos expresan a través del objeto religioso-artístico un mundo metafísico, animista basado en el mito y el tabú. De otro lado existen expresiones afines con el salvajismo oceánico y son los estados mentales de locura y estados artificiales, con los cuales el hombre logra proyectar en imágenes su mundo interior como en el sueño y el estado de hipnosis, permitiendo creaciones metafóricas. El espiritismo nos permite la comunicación con el mundo de los muertos. De todo este lenguaje surge el concepto de automatismo psíquico, el cual se expresa a través de frases grafismos y dibujos.

Siendo hijo de un ingeniero italiano, las máquinas son alusiones a la figura paterna y a la virilidad.

De esta forma los elementos visuales externos adquieren Giorgio de Chirico simbolismo.

Estudió arte en Atenas y en Munich. En Turín, Florencia y París, donde se instaló en 1911, pintó paisajes urbanos desérticos, como “Plaza de Roma” (1913) y “Misterio y melancolía de una calle” (1914). Estas primeras obras metafísicas evocan un mundo onírico misterioso y amenazador a través de acentuados contrastes de luces y sombras y de una perspectiva exagerada. Mientras hacía el servicio militar en Ferrara en 1915, de Chirico conoció al pintor futurista Carlo Carrà; juntos fundaron la revista Pittura Metafisica en 1920. Entre 1915 y 1925 de Chirico pintó extraños maniquíes sin rostros y naturalezas muertas en las que yuxtaponía objetos que no tenían ningún tipo de relación entre sí, técnica que luego adoptarían los surrealistas. Entre 1924 y 1930 proporcionó un gran impulso al movimiento surrealista e influyó en artistas del movimiento de la talla de Yves Tanguy y Salvador Dalí. A mediados de la década de

Otra de las manifestaciones surrealistas es el arte espontáneo o nabie. Por otra parte una obra se considera surrealista cuando refleja el mundo suprarracional del creador sometiendo la conciencia al principio del placer donde se da el absurdo lógico.

PINTURA METAFÍSICA Giorgio Chirico (1888-1978) 98

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1930 regresó a Italia, abandonó ese estilo y adoptó uno más académico que lo convirtió en un retratista de éxito.

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En 1953 regresó a Francia y a partir de entonces sus obras gozaron de una notable revalorización. A lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extra-dimensional de los sueños y la imaginación. Su punto de partida en el surrealismo es el “planeamiento sorpresa”, no utiliza el modelo interior como base, sino que a partir de un objeto exterior expresa un estado anímico. Ernst se inspiró fundamentalmente en el automatismo de los médium, el cual quiso representar con las distintas técnicas que practicó, entre ellas el frottage, la cual permitió al surrealismo relacionarse con el action painting y el expresionismo abstracto de la escuela neoyorquina de la post-guerra, introduciendo el surrealismo a Norteamérica. Sus obras “Ojo del silencio” y “Festín de los Dioses” están trabajadas con la técnica del frottage.

Max Ernst (1891-1976) Artista alemán nacionalizado francés que fue una figura fundamental tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo.

Se caracterizó por la utilización de una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales.

Estudió filosofía y psiquiatría. Se alistó en el ejército alemán durante la I Guerra Mundial. Cuando Ernst dejó el ejército ya había surgido en Suiza el movimiento Dadá; atraído por la revolución dadaísta contra lo convencional, Ernst se instaló en Colonia y comenzó a trabajar en el collage. En 1922 se trasladó a vivir a París, donde comenzó a pintar obras surrealistas en las que figuras humanas de gran solemnidad y criaturas fantásticas habitan espacios renacentistas realizados con detallada precisión. En 1925 inventó el frottage (que transfiere al papel o al lienzo la superficie de un objeto con la ayuda de un sombreado a lápiz); más tarde experimentó con grattage el (técnica por la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un Max Ernst lienzo o tabla de madera). Ernst fue encarcelado tras la invasión de Francia por los alemanes durante la II Guerra Mundial; en la prisión trabajó en la decalcomanía, técnica para transferir al cristal o al metal pinturas realizadas sobre un papel especialmente preparado.

Salvador Dalí (1904-1989) Pintor y escultor español, uno de los máximos exponentes del movimiento surrealista en su país.

Nació en, Girona. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde se relacionó con Federico García Lorca y Luis Buñuel y otros artistas. En 1929, durante su estancia en París, conoció a Pablo Picasso y en 1930 se adhirió al movimiento surrealista, del que más tarde fue relegado por sus ideas comerciales. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método “paranoico-crítico”, inspirado en buena parte en las teorías de Freud: representación de imágenes 99

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oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de “La persistencia de la memoria” (1931). Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948.

Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, poseen un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la “Crucifixión” (1954) y “La última cena” (1955).

La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como “Un perro andaluz” (1929) y “La edad de oro” (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como “La vida secreta de Salvador Dalí” (1942) y “Diario de un genio” (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió en Figueras.

CANIBALISMO EN OTOÑO Salvador Dalí

Joan Miró (1893-1983) Pintor español cuyas obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e imaginación, encontrándose entre las más originales del siglo XX. Nació en Barcelona y allí estudió en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia Gali. Su obra anterior a 1920 muestra una amplia gama de influencias, entre las que se cuentan los brillantes colores de los fauvistas, las formas fragmentadas del cubismo y la bidimensionalidad de los frescos románicos catalanes. En 1920 se trasladó a París, donde entabló amistad con Pablo Picasso, y bajo la influencia de los poetas y escritores surrealistas, su estilo fue madurando. Miró parte de la memoria, de la fantasía y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía surrealista. Estas visiones oníricas, como “El campesino catalán de la guitarra”, “El carnaval del arlequín” (1925), o “Interior holandés” (1928), a menudo comportan una visión humorística o fantástica de la realidad a través de imágenes distorsionadas de animales jugando, formas orgánicas

Dalí convirtió el surrealismo en el arte de sorprender al público al hacerse poseedor del “Estado de Espíritu” propio del movimiento.

A través de un comportamiento excéntrico y burlesco reduce su pintura a la gran bufonada, su obra está dotada de gran riqueza plástica y mental con recursos como el “automatismo simulado”, con apariencia de impulsos inconscientes. La actividad paranoicocrítica, definió su trabajo, siendo la expresión delirante de las teorías freudianas del inconsciente y subconsciente. En sus composiciones perfectas y académicas son recurrentes las imágenes sexuales extravagantes y en algunas ocasiones grotescas, surgidas de la pesadilla e irrealidad, como el caso de “La persistencia de la memoria”, “La metamorfosis de Narciso” y “El gran masturbador”.

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retorcidas o extrañas construcciones geométricas. La composición de estas obras se organiza sobre fondos planos de tono neutro y están pintadas con una gama limitada de colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. En ellas se disponen sobre el lienzo, de modo arbitrario, siluetas de amebas amorfas alternando con líneas acentuadas, puntos, rizos o plumas. Posteriormente, Miró produjo obras más etéreas en las que las formas y figuras orgánicas se reducen a puntos, líneas y explosiones de color.

Aunque identificado con la causa republicana, volvió a España en 1940, tras el inicio de la II Guerra Mundial, donde llevó una vida retirada durante toda la dictadura franquista.

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torna en una exaltación del misterio de la vida.

Miró también experimentó con otros medios artísticos, como grabados y litografías, a los que se dedicó en la década de 1950. También realizó acuarelas, pasteles, collages, pintura sobre cobre, escultura, escenografías teatrales y cartones para tapices. Sin embargo, las creaciones que han tenido mayor trascendencia, junto con su obra pictórica, son sus esculturas cerámicas, entre las que destacan los grandes murales cerámicos “La pared de la Luna” y “La pared del Sol” (1957-1959) para el edificio de la UNESCO en París y el mural del Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid. En la actualidad su producción puede contemplarse en la Fundación Miró en Barcelona, así como en los principales museos de arte contemporáneo de todo el mundo.

EL NACIMIENTO DEL MUNDO Joan Miró - 1925

René Magritte (1898-1967) Pintor belga, figura principal del movimiento surrealista. Su primera exposición individual fue en Bruselas en 1927. Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en un estilo cercano al surrealismo, que predominó a lo largo de su larga carrera.

Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico. Buena muestra de su magnífico hacer es el cuadro “La llave de los campos” (1936), expresión francesa que sugiere la liberación de cualquier restricción mental o física. Aparte de elementos fantásticos, exhibía un ingenio mordaz, creando versiones surrealistas de obras famosas, como en su lienzo “Madame Récamier de David” (1949), en

El caligrafismo simbólico y el valor de lo irracional son los elementos básicos de su trabajo. Miró aborda la pintura como una posibilidad de regresar al pasado, a través de vivencias pre-culturales o infantiles cargado de figuras con referencias lúdicas y ancestrales. Posteriormente su obra se

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la que el famoso retrato de Jacques Louis David es parodiado, al sustituir a la mujer por un elaborado ataúd.

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Pintora española que llegó al surrealismo de la mano de André Bretón e introdujo este estilo en México.

Nació en Gerona, en 1917 se traslada a Madrid donde ingresa en la Academia de San Fernando en 1924. Allí permanece seis años, coincidiendo con Dalí. En 1932 se instala en Barcelona donde entra en contacto con la vanguardia catalana. De esta época son: “Lecciones de costura” y “La pierna liberadora de las amebas gigantes”. Tras su matrimonio con el poeta francés Benjamin Péret, se traslada a París en 1937 donde entabla amistad con los teóricos del surrealismo, estilo que introduciría en México tras su llegada en 1940. En 1938 expone en la Exposición Internacional del surrealismo con la obra “Il est tard”. En 1940 se exilia a México en compañía de Péret. Allí se dedica al diseño publicitario, restauración de objetos prehispánicos e incluso diseño de vestuario, disminuyendo en consecuencia su producción pictórica. En 1947 se separa de Péret y marcha a Venezuela donde permanece hasta 1949. En 1953 regresa a México, reencontrándose de nuevo con la pintura y hallando por fin un estilo personal, que le dará fama mundial hasta su muerte en 1963. En estos diez años alcanza la madurez pictórica y conoce el éxito de crítica y público. Entre las obras de este periodo destacan: “Las hojas muertas” (1956), “Au bonheur des Dames” (1956), “La Ascensión al Monte Análogo” y “Naturaleza muerta resucitando” (1963). Dentro del estilo surrealista que domina, su propio estilo es espiritual, lleno de simbolismo, donde las figuras ascienden a través de lo etéreo con un cierto aire mágico y de misterio, creando una atmósfera densa. Sus cuadros son cuidados y, en muchos casos, llenos de recuerdos de su infancia. El gusto por los temas esotéricos y la alquimia nos transporta a la pintura del Bosco con la que tiene ciertos puntos en común.

Su obra se desarrolla dentro del absurdo, de lo lógico y lo misterioso. A través de un lenguaje metafórico, utiliza el signo y el símbolo como sustitutos de la realidad mediante la representación.

MEMORIA René Magritte

Magritte plantea una nueva filosofía de la creación pictórica: El extrañamiento, la ruptura entre el lenguaje icónico y su significado. Crea cuadros ventana, utiliza disímiles generando un proceso de autodestrucción analógica de imágenes. La inversión de imágenes no ofrece un choque referencial, el día se vuelve noche, las rocas se tornan ingrávidas o una puerta se suspende sobre una nube; lo visible cambia pero lo invisible sigue inmutable. Magritte es un creador de metamorfosis visuales, a través de semejanzas y contrastes, del humor y la sátira.

Remedios Varo (1908-1963)

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CREACIÓN DE LAS AVES Remedios varo - 1958

NACER DE NUEVO Remedios Varo - 1960

Alberto Giacometti (1901-1966) Pintor y escultor suizo.

Después de estudiar en Génova y Roma (Italia), en 1922 se instaló en París. Allí se convirtió en uno de los HOMBRE CRUZANDO LA principales CALLE escultores Alberto Giacometti surrealistas de la década de 1930, con una obra llena de ingenio e imaginación. La más sobresaliente quizá sea “El palacio a las 4 de la madrugada” (1932-1933): se trata de un esqueleto arquitectónico que sostiene figuras y objetos suspendidos, y expresa la subjetividad y fragilidad de los sentidos temporal y espacial en el ser humano. En 1948 expuso sus obras después de

PERSONAJE Remedios Varo

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experimentar durante doce años en el campo de la escultura y de la pintura. A partir de estos trabajos desarrolló un estilo muy personal de figuras frágiles pero de una enorme expresividad. Impregnadas de melancolía, sus pinturas y esculturas reflejan un sentido débil de la existencia, como si sus personajes sufrieran una constante amenaza de destrucción por parte del espacio que los rodea. Hacia el final de su carrera, Giacometti, aclamado unánimemente como uno de los mayores escultores del siglo XX, luchó denodadamente para que se reconociera la importancia de su trabajo pictórico. A lo largo de su vida realizó más de 350 lienzos. Sus retratos tienen un fuerte aire icónico, como en el cuadro “La madre del artista” (1950), en el que la figura sentada parece estar a punto de desaparecer en medio de la maraña de líneas y trazos que recorren la sala con unos muebles levemente inquietantes, o el “Retrato de mujer” (1965), donde el artista representa a su ama de llaves.

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Pintor estadounidense de origen francés.

Nació en París y fue autodidacta. Después de la I Guerra Mundial, sirvió como oficial en la marina mercante francesa y más tarde regresó a París, donde en 1925 se integró en el grupo surrealista. Las obras de Tanguy, pobladas de extraños y fantásticos huesos con formas de ameba y ordenadas en paisajes imaginarios carentes de vida, pronto obtuvieron reconocimiento.

Aunque pertenecientes a un mundo de sueños y obsesiones, sus figuras resaltan por la elegancia de los colores claros y los esmerados detalles. Tanguy se trasladó a Estados Unidos en 1939 y se convirtió en ciudadano estadounidense más tarde.

Entre sus obras más destacadas se hallan: “¡Mamá, papá está herido!” (1927), “Días perezosos” (1937), “Palacio en las rocas de las ventanas” (1942) y “Multiplicación de las artes” (1954) entre otras.

Marc Chagall (1887-1985) Pintor y diseñador francés de origen ruso, conocido por su inventiva surrealista. Se le reconoce como uno de los pintores y artistas gráficos más relevantes del siglo XX. Su trabajo está impregnado de un humor y una fantasía que encuentran su resonancia en el subconsciente. Las personales y singulares imágenes de Chagall están a menudo imbuidas de una exquisita inspiración poética.

Ives Tanguy (1900-1955)

IVES TANGUY

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episodios de su propia vida como la serie “Mi vida” (1922), todo ello unido al tratamiento de personajes judíos de los que es buena muestra “El judío orando” (1914). Su obra es una combinación de evocaciones, fantasía y folclore. Los temas bíblicos del Antiguo Testamento son el motivo central de las series de aguafuertes ejecutados entre 1925 y 1939, y de las 12 vidrieras para la sinagoga del Hospital Universitario, cerca de Jerusalén (1962).

En 1973 se inauguró el Museo Marc Chagall de Niza, en la Riviera Francesa, para dar cabida a cientos de sus obras bíblicas. Chagall también ilustró obras literarias como “Las almas muertas” de Gógol y “Las fábulas” de Lafontaine.

Terminó las pinturas que decoran uno de los techos de la Ópera de París en 1964 y en 1965 los dos grandes murales que cuelgan en el vestíbulo del Metropolitan Opera House de Nueva York. Murió en el sur de Francia.

Marc Chagall

Chagall nació en el seno de una familia judía y recibió instrucción artística en San Petersburgo, posteriormente en París, donde permaneció hasta 1914. Entre 1915 y 1917 vivió en San Petersburgo; después de la Revolución Rusa, fue director de la Academia de Arte de Vitebsk de 1918 a 1919 y director del Teatro Judío Estatal de Moscú de 1919 a 1922. Chagall pintó varios murales y llevó a cabo los decorados de numerosas producciones teatrales. En 1923 se trasladó a Francia, dónde pasó el resto de su vida, exceptuando un periodo, de 1941 a 1948, en el que vivió en Estados Unidos.

SURREALISMO EN AMÉRICA LATINA Lo ancestral, lo mágico, lo intuitivo y lo vital constituyen categorías creativas dentro de la esencia latinoamericana. Son el reflejo de la identidad, latinoamericana donde convergen vivencias, mitos, dolores, apetencias y el sentimiento de la muerte.

Wilfredo Lam (1902-1982)

El uso singular del color y la forma en Chagall derivan en parte del expresionismo ruso y recibió una influencia decisiva del cubismo francés. Muestra de su estilo inicial es el cuadro “Velas en la oscuridad” (1908), del que hizo sutiles variaciones.

Sus obras evocan de modo característico escenas de la vida de la comunidad judía en las pequeñas aldeas rusas, como en “Yo y la aldea” (1911) o “La casa gris” (1917) y

Pintor y artista gráfico, es el más universal de los pintores cubanos y el exponente máximo del Vanguardismo en Cuba, además de uno de los pintores latinoamericanos más reconocidos.

Estudia pintura en la Academia de San Alejandro en La Habana. En 1923 se traslada a Madrid, donde descubre la 105

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pintura de Brueghel y El Bosco. En 1938 se va a París y entabla una gran amistad con Picasso, quien le introduce en el ambiente artístico parisino. Además trabaja en su estudio, lo que deja una fuerte impronta en su obra. En la capital francesa se une al grupo del surrealismo capitaneado por Bretón. Esta relación fortalece el interés de Lam por el arte negro y las divinidades africanas que para él son sinónimo de autenticidad.

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rituales de su infancia y adolescencia con religiones de origen africano como la santería, son las iniciadoras de la iconografía mágica de Lam. Una profusa vegetación tropical se apodera de los espacios pictóricos del cubano Wilfredo Lam y va devorándolo todo en su implacable paso.

Palmas delirantes, cocoteros ansiosos y una hojarasca estilizada se adueñan de los objetos y de los hombres sin que sea posible escapar de sus redes, de su madeja de signos, de sus tótemes, de sus pájaros sagrados de picos puntiagudos y que de pronto son pájaros transformados en galipotes, en fantasmas asustados de su propia sombra delirante.

El universo de Wilfredo Lam transcurre en estas querellas del hombre con la naturaleza, del hombre con lo desconocido, de la magia ineludible de la selva y de los sexos atávicos o impúdicos del Caribe. Un Caribe ancestral, primigenio y un Caribe que descubre a cada paso, no sin nostalgia, los caprichos de la civilización. Wilfredo Lam es sin dudas uno de los pintores cubanos de mayor fuerza dramática y de más peso, tanto en el fondo, como en la forma exuberante y poderosa de los trópicos.

WILFREDO LAM

Roberto Matta Tras una estancia en Marsella con los surrealistas viaja a La Martinica con Breton y llega a La Habana en 1942. Allí pinta algunas de sus obras más importantes, inspiradas intensamente en la escultura africana y oceánica, como “La jungla” (1942-1943). En esta época la superficie de sus pinturas se llena de figuras femeninas con cabezas de astros, formas biomórficas, piernas que se funden con una vegetación asfixiante.

Pintor chileno cuyas obras, de inspiración surrealista y metafísica, ilustran a través de imágenes oníricas la civilización tecnológica moderna.

Nació en Santiago de Chile y se formó como arquitecto en la Universidad Católica de su ciudad natal. Tras finalizar sus estudios se trasladó a París (19331935), donde trabajó como delineante en el estudio del arquitecto franco-suizo Le Corbusier, y entabló amistad con el pintor Marcel Duchamp. Mientras reside en París

Su ascendencia china y africana, determinan su obra. Las experiencias 106

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vive con Pablo Neruda. En 1936 viajó a España, donde conoció al poeta Federico García Lorca y al pintor surrealista Salvador Dalí. La muerte de García Lorca inspiró una de sus obras más trascendentales “La tierra es un hombre” (1941), en la cual utiliza como concepto inicial la creación desde la cual, según el mito: el hombre surge de un caos inicial conformado por tierra y cielo.

Al estallar la II Guerra Mundial se trasladó a Estados Unidos. De 1939 a 1948 Matta vivió en Nueva York, donde conoció a André Breton, Max Ernst, Yves Tanguy y André Masson.

Matta ha ejercido una influencia decisiva en la creación del expresionismo abstracto.

Sus obras están pobladas de extraños autómatas híbridos y de criaturas a modo de insectos, como en “Eros precipitado” (1944). A lo largo de su dilatada carrera, Matta ha pasado del surrealismo de formas orgánicas que flotan en un espacio cósmico de las décadas de 1930 y 1940, a un estilo más cercano al expresionismo, con tintes políticos, en las décadas de 1950 y 1960. Otras obras significativas son “La cuestión Djamila”, inspirada en la Guerra Civil española (1962) y “Sobre el estado de la unión” (1965).

MELODÍA – MELODIO Roberto Matta

como única fórmula para conciliar fuerzas contradictorias racionales e irracionales.

Matta tuvo un estrecho contacto con el Action Painting norteamericano.

Frida Kahlo (1907-1954) Pintora mexicana que realizó principalmente autorretratos, en los que utilizaba una fantasía y un estilo inspirados en el arte popular de su país. Hija del fotógrafo judioalemán Guillermo Kahlo. A los 16 años, cuando era estudiante en la Escuela Nacional Preparatoria de México, resultó gravemente herida en un accidente de camión y comenzó a pintar durante su recuperación. Tres años más tarde le llevó a Diego Rivera algunos de sus primeros cuadros para que los viera y éste la animó a continuar pintando. En 1929 se casaron.

En 1948 se establece en Europa, donde es expulsado del grupo surrealista en el cual sería readmitido 11 años más tarde.

La creación de la tierra es la paradoja visual sobre la cual Matta construye sus paisajes psicológicos utilizando la naturaleza sísmica, con el color como símbolo del martirio y sufrimiento latinoamericanos. Sus obras aparecen

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una columna rota en lugar de la columna vertebral. Su dolor ante la imposibilidad de tener hijos lo plasma en “Hospital Henry Ford” (1932), en la que se ve a un bebé y varios objetos, como un hueso pélvico y una máquina, diseminados alrededor de una cama de hospital donde yace mientras sufre un aborto. Otras obras son: “Unos cuantos piquetitos” (1935), “Las dos Fridas” (1939) y “Sin esperanza” (1945).

Expuso en tres ocasiones. Organizó las exposiciones de Nueva York de 1938 y de París de 1939 a través de sus contactos con el poeta y ensayista surrealista francés André Breton. En abril de 1953 expuso por primera vez en la galería de Arte Contemporáneo de Ciudad de México. Un año después murió. El matrimonio KahloRivera fue miembro del Partido Comunista Mexicano. El día de su entierro, el féretro de Frida fue cubierto con la bandera del partido, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su casa fue transformada en Museo y lleva su nombre.

CON DIEGO EN MI MENTE Frida Kahlo

Influida por la obra de su marido, adoptó el empleo de zonas de color amplias y sencillas plasmadas en un estilo deliberadamente ingenuo. Al igual que Rivera, quería que su obra fuera una afirmación de su identidad mexicana y por ello recurría con frecuencia a técnicas y temas extraídos del folclore y del arte popular de su país. Más adelante, la inclusión de elementos fantásticos, claramente introspectivos, la libre utilización del espacio pictórico y la yuxtaposición de objetos incongruentes realzaron el impacto de su obra, que llegó a ser relacionada con el movimiento surrealista.

Su vida y obra representan uno de los momentos más decisivos de la historia de México y del arte latinoamericano. Su fantasía y su estilo es inspirado en el arte popular de su país. Su obra gira alrededor del autorretrato y está llena de significados esotéricos es decir ocultos, provenientes de una síntesis étnica que aluden a un simbolismo personal en cada obra. Frida mezcla elementos relacionados con la iconografía cristiana colonial como clavos, sangre, lienzos blancos, como referencia al martirio. André Bretón dijo: “es una cinta de seda alrededor de una bomba”. Sus trabajos representan un acercamiento mágico al misterio de la vida, afín con las culturas precolombinas y una visión panteísta (afirmación de la idea sustancial de Dios y el mundo) del universo y del hombre como en los ritos aztecas.

Sus cuadros representan fundamentalmente su experiencia personal: los aspectos dolorosos de su vida, que transcurrió en gran parte postrada en una cama, son narrados a través de una imaginería gráfica.

Expresa la desintegración de su cuerpo y el terrible sufrimiento que padeció en obras como “La columna rota” (1944), en la que aparece con un aparato ortopédico de metal y con el cuerpo abierto mostrando 108