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ARTE
LATINO AMERICANO 20 Aﾃ前S 20 ARTISTAS
Directora / Director Ana María Matthei Curador invitado / Guest curator Idurre Alonso Edición / Editor Kristell Pfeifer Textos / Texts Natalia Vidal Producción y Dirección de Arte / Production and Art direction Catalina Papic Diagramación / Layout Estudio Folio Corrección de Texto / Text Corrector Valentina Escobar Verónica Morago Traducción / Translation José Miguel Trujillo
Este libro se terminó de imprimir en noviembre de 2015 Impreso en Santiago de Chile. Imprenta QuadGraphics. Primera Edición 2015 Todos los derechos reservados ©Arte Al Limite, 2015
ÍNDICE INDEX
Editorial COmpass group
08 122
ELIAS CRESPIN
Introducción: curadora idurre alonso
10 134
RICARDO MAFFEI
VIK MUNIZ
14 146
MARTA CHILINDRÓN
JULIO LE PARC
26 158
IGNACIO ITURRIA
MARCO MAGGI
38 170
CÉSAR PATERNOSTO
RAMIRO LLONA
50 182
FRANCISCO TOLEDO
RICARDO CÁRDENAS
62 194
FERNANDO DE SZYSZLO
FRANCISCA SUTIL
74 206
MARCELA ARMAS
BEATRIZ MILHAZES
86 218
JUAN IRIBARREN
PABLO TAMAYO
98 230
CARLOS CRUZ-DIEZ
JOSÉ TOLA
110 242
JORGE TACLA
7
EDITORIAL
P
ara celebrar la trayectoria de Compass Group en la gestión
nombres que continuarán marcando historia en el campo del arte,
de inversiones hemos decidido dar vida al libro Arte
como Vik Muniz, Marco Maggi y Jorge Tacla. La variedad de artistas
Latinoamericano: 20 años, 20 artistas, una selección de
seleccionados en esta edición conmemorativa es una muestra de la
destacados representantes del arte latino actual que conmemora
diversidad y heterogeneidad de esta región y de la multiplicidad de
el vigésimo aniversario de nuestra empresa.
disciplinas que hoy son soporte del arte, yendo desde la pintura y la
La historia de Compass Group se remonta al año 1995 en la ciudad
escultura a la fotografía y la instalación.
de Nueva York, donde un grupo de profesionales latinoamericanos,
El tomo ha sido un trabajo en conjunto con Editorial Arte Al Límite,
especialistas en gestión de inversiones, comenzamos a construir
buscando dar una muestra amplia -aunque siempre finita- de la
una red de oficinas en la región. Hoy, tras 20 años de vida, cientos
producción artística contemporánea. Este dedicado, exhaustivo y
de inversionistas han confiado en nuestros servicios, contando con
acotado trabajo de selección, nos permite ver y entender, a través
más de 250 colaboradores en Argentina, Chile, Colombia, Estados
de los artistas y sus respectivas trayectorias, la importancia y el rol
Unidos, México, Panamá, Perú y Uruguay.
del arte y la cultura latinoamericana en el escenario global. Por el
En nuestra experiencia en los mercados latinoamericanos hemos
criterio de contemporaneidad que sustenta esta edición, hay nombres
tenido también la oportunidad de empaparnos de las distintas
de grandes representantes del arte regional que no están en las
culturas que conviven en esta tierra. Es así como hemos podido
páginas venideras, pero que no por eso debemos dejar de mencionar.
conocer en profundidad las propuestas de los artistas que han
Artistas como Frida Kahlo, Lygia Clark, Roberto Matta, Joaquín Torres
marcado un hito en la historia del arte regional y que permanecerán
García, Wifredo Lam, Claudio Bravo, Diego Rivera, Jesús Rafael Soto,
en el tiempo, pese al correr de los años. Arte Latinoamericano: 20
Armando Reverón, Amelia Peláez y Fernando Botero entre muchos
años, 20 artistas, es un libro que rescata parte de la producción
otros, son los referentes que sientan las bases de muchas de las
artística latina contemporánea en un recorrido que comienza en las
propuestas presentes a continuación.
últimas décadas de producción plástica regional, con representantes
Para nosotros en Compass Group es un honor poner a disposición
consagrados como Carlos Cruz-Diez, Julio Le Parc y Fernando de
de ustedes esta publicación y por este medio apoyar a nuestros
Szyszlo, para pasar luego a las propuestas más recientes de los
artistas y a la cultura latinoamericana.
Compass Group
EDITORIAL
T
o celebrate the Compass Group business development
make history in the art field, such as Vik Muniz, Marco Maggi and
in investment managing we have decided to bring to
Jorge Tacla. The variety of artists selected in this commemorative
life the book Arte Latinoamericano: 20 años, 20 artistas
edition is a sample of the diversity and heterogeneity of the region
(Latin-American art, 20 years, 20 artists), a selection of outstanding
and the multiplicity of disciplines which today are the support
representatives of current Latin art to commemorate our company’s
of art, ranging from painting and sculpture to photography and
twentieth anniversary.
installation work.
The history of Compass Group goes back to 1995 in the city of
This volume has been a joint effort along with Editorial Arte Al
New York, where a group of Latin American professionals, specialists
Límite publishing company, seeking to provide a broad –even if
in investment management, began to build an office network in
always finite- sample of contemporary artistic production. This
the region. Today, after twenty years of life, hundreds of investors
dedicated, exhaustive and delimited selection allows us to see
have trusted our services, counting with over two hundred fifty
and understand, through the artists and their trajectories, the
collaborators in Argentina, Chile, Colombia, the United States,
importance and the role of Latin American art and culture in the
Mexico, Panama, Peru and Uruguay.
global scenario. Due to the contemporary criteria and the nature
In our experience in the Latin American markets we have also had
sustaining this publication, there are names of great exponents
the opportunity to take in the different cultures that coexist in this
of regional art who are not present in the following pages, but
land. Thus being able to thoroughly know the proposals of artists
who will not go unnamed artists such as Frida Kahlo, Lygia Clark,
who have set a milestone in the history of regional art and whom
Roberto Matta, Joaquín García, Wilfredo Lam, Claudio Bravo, Diego
will remain over time, despite the years. Arte Latinoamericano: 20
Rivera, Jesús Rafael Soto, Armando Reverón, Amelia Peláez and
años, 20 artistas is a book, that recues part of the Latin contemporary
Fernando Botero, among many others are referents that have set
artistic production in a tour that begins in the last few decades of
the bases of many proposals found ahead.
the regional plastic production, with established exponents such as
For us at Compass Group it is an honor to make this publication
Carlos Cruz-Diez, Julio Le Parc and Fernando de Szyszlo, continuing
available to all of you, and use this mean to support our artist and
with the more recent proposals of the names that will continue to
Latin American culture.
Compass Group
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20 AÑOS 20 ARTISTAS
L
a gran diversidad de estilos y géneros presentados en la
El legado de la abstracción moderna es fundamental para el
selección de veinte artistas que integran esta publicación, invita
entendimiento de la producción de muchos de los artistas actuales
a reflexionar sobre la heterogeneidad y significancia del arte
enfocados en seguir desarrollando, o en algunos casos revisando o
latinoamericano en las últimas seis décadas.
cuestionando, las premisas planteadas durante la modernidad. Elias
La abstracción geométrica se convirtió en un movimiento clave
Crespin, Beatriz Milhazes, Marco Maggi, Ricardo Cárdenas, Juan Iribarren,
a lo largo del desarrollo de la modernidad (1930-1970) en regiones
Francisca Sutil y Marta Chilindrón ejemplifican las nuevas variantes de la
como Venezuela, Argentina, Uruguay y Brasil, con corrientes artísticas
abundante abstracción actual. Tanto Crespin como Chilindrón, trabajan
que incluyen el cinetismo, el arte concreto o el arte Madí. Durante los
con la serialización de formas geométricas a la vez que experimentan
años cincuenta y sesenta, Julio Le Parc y Carlos Cruz-Diez, junto con
con nuevas estrategias estéticas. Crespin, cuya obra mantiene relación
otros artistas relacionados con la galería Denise René y el Groupe de
con la de la venezolana Gego, introduce el movimiento con motores
Recherche d’Art Visual (GRAV) en París, introdujeron como elemento
en sus piezas. Chilindrón propone la manipulación de sus objetos
clave de sus obras la participación del espectador. En el caso de Le Parc
tridimensionales de parte de los espectadores, conectándose con
se trataba de piezas que planteaban juegos con la luz, mientras que
el trabajo de artistas de décadas anteriores como el de la brasileña
Cruz-Diez se centraba en investigaciones sobre el color y la percepción.
Lygia Clark. Siguiendo otras líneas abstractas, las coloridas pinturas,
Desde Nueva York, Cesar Paternosto rompía con la bidimensionalidad
collages e instalaciones de Beatriz Milhazes combinan tradiciones
del cuadro creando piezas múltiples que transitaban entre la pintura
artísticas europeas y latinoamericanas, aludiendo especialmente a
y la escultura. Al igual que el trabajo conectado con la abstracción
las exuberantes formas del barroco colonial.
lírica de Fernando de Szyszlo, Paternosto investigó profusamente las formas abstractas de las culturas pre-hispánicas.
Durante los años ochenta y noventa, estéticas tan dispares como la figuración, comúnmente en relación con nociones de identidad durante
estas dos décadas, y el expresionismo, que tiene como referentes
Marcela Armas, que incluye instalaciones e intervenciones urbanas, se
importantes movimientos anteriores como el de Nueva Figuración
ha interesado por señalar problemas socio-políticos de su entorno, en su
surgido a finales de los años cincuenta en países como Argentina,
caso usando la ciencia y la tecnología como base de su producción. Por
Colombia y Venezuela, cobraron especial relevancia en América Latina.
otro lado, el trabajo de Muniz, quien ejemplifica las transformaciones
Ignacio Iturria, Jorge Tacla y Francisco Toledo configuran tres artistas
de los últimos años en la difusión del arte latinoamericano debido a
de relevancia dentro de las líneas figurativistas de la época, si bien su
su presencia internacional, juega con la representación y la realidad,
obra proviene de universos muy dispares. La fauna presente en la obra
llevando al límite la definición de la fotografía como medio.
de Toledo procede de las leyendas zapotecas de su región de origen,
La experimentación convive junto con formas artísticas más
las fantasmagóricas imágenes arquitectónicas de Tacla apuntan a la
tradicionales que incluyen, entre otras corrientes, el hiperrealismo.
historia y el conflicto, y las representaciones de pequeñas figuras en
Artistas contemporáneos como Ricardo Maffei, han seguido este estilo
espacios domésticos de Iturria se relacionan con la memoria de la niñez
pictórico que viene desarrollándose desde los años setenta de forma
del artista. Por otro lado, la obra de José Tola y Ramiro Llona juega con
internacional, y que en el caso de América Latina incluye a reconocidos
líneas más expresionistas. Para ambos artistas el uso del color es un
artistas como el chileno Claudio Bravo y el cubano Tomás Sánchez.
aspecto fundamental de su producción. En el caso de Llona, el artista
De la abstracción geométrica a la lírica, de la pintura gestural al
presenta en sus pinturas espacios pictóricos de corte escenográfico,
hiperrealismo, de la experimentación fotográfica a la figuración, de
mientras que Tola crea retratos de figuras intensamente distorsionadas.
las instalaciones al arte objetual. Los artistas presentes a lo largo de
La experimentación continúa siendo una característica significativa
esta publicación, atestiguan que el arte latinoamericano ha sido, y
del arte latinoamericano actual, como lo demuestra la producción de
sigue siendo, una pieza fundamental para el entendimiento de la
artistas como Vik Muniz, Pablo Tamayo y Marcela Armas. La obra de
historia del arte general.
Idurre Alonso Curadora Asociada Latinoamerica, Getty Research Institute Los Angeles, Estados unidos
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20YEARS 20 ARTISTS
T
he great diversity of styles and genres presented as part
The legacy of modern abstraction is fundamental to understand
of the selection of these twenty artists included in this
the production of many of the current artists focused on continuing
publication, invites us to reflect on the heterogeneity and
to develop, or in some cases reviewing or questioning the premises
relevance of Latin American art in the last six decades.
stated during modernity. Elias Crespin, Beatriz Milhazes, Marco Maggi,
Geometric abstraction became a key movement over the
Ricardo Cárdenas, Juan Iribarren, Francisca Sutil and Marta Chilindrón
development of modernity (1930-1970) in countries such as
exemplify the new trends of the abundant current abstraction. Both
Venezuela, Argentina, Uruguay and Brazil, with artistic trends
Crespin and Chilindrón work on the serialization of geometric shapes
including kinetism, concrete art or the Madí movement. During
and at the same time experiment with new aesthetic strategies.
the 1950s and 1960s, Julio Le Parc and Carlos Cruz-Diez, together
Crespin, whose work maintains a relation with Venezuelan artist
with other artists connected to the Denise René gallery and the
Gertrud “Gego” Louise Goldschmidt, introduces mnb movement to
Groupe de Recherche d’Art Visual (GRAV) in Paris, introduced the
his works by means of motors. Chilindrón proposes the manipulation
participation of the spectator as a key element in their works. In
of his three-dimensional objects on part of the spectators, thus
Le Parc’s case this manifested itself in works that stated games of
connecting with the works of artists from previous decades, such
light, while Cruz-Diez focused on research in color and perception.
as Brazilian-born Lygia Clark. Keeping with other abstract lines, the
From New York, Cesar Paternosto broke with the bi-dimension of
colorful paintings, collages and installations by Beatríz Milhazes
painting by creating multiple works transiting between painting and
combine European and Latin American artistic traditions, especially
sculpture. The same as the work on lyrical abstraction of Fernando
mentioning to the exuberant forms of Colonial baroque.
de Szyszlo, Paternosto profusely researched the abstract forms of pre-Hispanic cultures.
During the 1980s and 1990s, aesthetics as unlike as figuration, usually in relation with notions of identity during those decades
and expressionism, which is important to earlier movements such
also shown an interest in pointing out socio-political issues of her
as new figuration, emerged in the late 1950s in countries such as
surroundings, in her case using science and technology as the basis
Argentina, Colombia and Venezuela, that had a special relevance
of her works. In other ways, the work of Muniz, who represents the
in Latin America. Ignacio Iturria, Jorge Tacla and Francisco Toledo
transformations in the promotion of Latin American art in recent
configure three aspects of relevance within the figurative trends at
years due to his international presence, plays with representation
the time, even if their work is originated in very disparate universes.
and reality, taking the definition of photography to the limit as a
The wildlife present in Toledo’s work originates in the zapoteca
resource.
legends of his home-region, Tacla’s phantasmagorical architectural
Experimentation coexists with other more traditional artistic forms
images, and Iturria’s representations of small figures in domestic
including, among other trends, hyperrealism. Contemporary artists
spaces are related with the childhood memories of the author.
such as Ricardo Maffei have followed this pictorial style which has
On the other hand, the work of José Tola and Ramiro Llona plays
been internationally developing since the 1970s, and which in the
with more expressionist lines. For both artists, the use of color is a
case of Latin America includes renowned artists such as Chilean
fundamental aspect of their production. In Llona’s case, the artist
Claudio Bravo and Cuban Tomás Sánchez.
presents pictorial spaces of a stage-character in his paintings, while Tola creates portraits of intensively distorted figures.
From geometric abstraction to lyricism, from gesture-oriented painting to hyperrealism, from photographic experimentation to
Experimentation continues being a relevant characteristic of
figuration, from installations to objectual art. The artists present
current Latin American art, as shows the production of artists such
in this publication bare witness to Latin American art having been,
as Vik Muniz, Pablo Tamayo and Marcela Armas. Marcela Armas’
and continuing to be a fundamental piece for the understanding
work, which includes installations and urban interventions, has
of the history of art in general.
Idurre Alonso Latinoamerica Associate Curator, Getty Research Institute Los Angeles, United States
VIK MUNIZ BRASIL
La técnica plástica de Vik Muniz se vale de materiales cotidianos, no utilizados formalmente en el arte, para confeccionar un llamativo trabajo visual y conceptual. Su obra explora la reinterpretación de imágenes mediante nuevas propuestas elaboradas con chocolate, diamantes, mermelada e incluso desechos de vertedero. El artista brasilero realiza un intercambio perceptivo entre el artista y el espectador. Tarros, latas, botellas, sillas, restos de mantas y tapas de excusado atraviesan la concepción tradicional de su uso para posicionarse en una alternativa conceptual y experimental. Muniz da vida a sus imágenes consolidando una manera propia de reintrepretar el retrato y el paisaje, entregando de esta forma un nuevo uso a la fotografía, medio por el cual reproduce cada una de sus creaciones. Vik Muniz’s plastic technique makes use of everyday materials not formally used in art in order to make striking visual and conceptual works. His work explores the re-interpretation of images through new proposals elaborated in chocolate, diamonds, marmalade and even human garbage dump waste. The Brazilian artist conducts a perceptive exchange between the artist and the spectator. Cans, bottles, chairs, remains of blankets and toilet seats, all cross the traditional concept of their use to position themselves as a conceptual and experimental alternative. Muniz infuses life into his images, consolidating his own way of re-interpreting portraiture and landscape, thus delivering a new use of photography, means through which he reproduces in each of his pieces.
15
BIOGRAFÍA
N
ace en Sao Paulo, Brasil, en 1961, en una familia de origen sencillo. Su padre fue camarero y su madre telefonista, por lo que él crece bajo los cuidados de su abuela. Tempranamente advierte un inusitado gusto por el dibujo, uno de los motivos principales de este afán se debe a dificultades producidas por la dislexia, que lo llevan a preferir dibujar por sobre escribir. Cursando la educación secundaria ya muestra destrezas para retratar a sus compañeros dentro del aula, lo que se transforma rápidamente en una afición. Pasa su vida entre Río de Janeiro y Nueva York. Es en Estados Unidos donde comienza con sus primeras exposiciones individuales a finales de los 80. En 1997 crea los retratos de la serie Pictures of Chocolate, consolidando su creciente carrera internacional. En los
Principales Exposiciones Individuales
2015 Vik Muniz: Poetics of Perception, Lowe Art Museum, Miami, Estados Unidos 2014 Vik Muniz: Más acá de la Imagen, MAC Lima, Perú 2014 Vik Muniz: Poetics of Perception, Museum of Contemporary Art, Virginia, Estados Unidos 2014 Vik Muniz: Pictures of Anything, Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv, Israel 2014 Vik Muniz: Pictures of Anything, Long Museum, Shanghai, China 2009 Vik Muniz. Museum of Modern Art (MAM), Rio de Janeiro, Brasil 2007 Vik Muniz Reflex. P.S. 1. MoMA, Long Island City, Nueva York, Estados Unidos 2003 Vik Muniz, Museo d’Arte Contemporanea di Roma-MACRO, Rome, Italy
años siguientes surgen las reconocidas series Pictures of Dust (2000), Pictures of Caviar (2004), Pictures of Diamonds (2004), Self Portraits (2005), Pictures of Junk (2005) y Pictures of Garbage (2008). El desarrollo de esta última serie le toma tres años, momento es que crea el documental Waste Land, dirigido por Lucy Walker, que en 2010 recibe una nominación al Oscar y el Premio del Público al Mejor Documental en el Festival de Sundance. Más tarde participa en proyectos educativos y sociales en Brasil y Estados Unidos. En 2011 la Unesco lo designa Embajador de Buena Voluntad y un año después culmina la construcción de Escola Vidigal, escuela de arte y tecnología para niños de bajos recursos de la comunidad de Vidigal en Río de Janeiro.
TRAYECTORIA Su trayectoria, origen e influencias, lo asocian a la generación de artistas consolidados por Marcantonio Vilaça, afamado galerista y coleccionista ecléctico que proyecta y divulga su obra en el extranjero. Su incursión experimental con la materialidad lo conduce a texturas que frecuenta en su diario vivir. Así, pronto ve que no sólo el óleo y el acrílico sirven para colorear y pintar, sino también el papel, chocolate, el dulce de leche, la jalea y el caviar, entre muchos otros materiales que ha explorado a lo largo de su carrera. Conjugando el retrato con materiales de uso diario de los más diversos orígenes, produce series fotográficas donde recrea a la Mona Lisa con jalea y mantequilla de maní, representa a Liz Taylor con polvo de diamante y plasma a la modelo Kate Moss en salsa de chocolate. Se le vincula con el Pop art, el movimiento Arte Povera, el Minimalismo y el Foto-realismo. Más allá de las definiciones, el trabajo de Vik Muniz representa un estilo que no tiene soporte en las técnicas tradicionales ni se adapta a los cánones comúnmente entendidos
dentro de las Bellas Artes. Sin embargo, el artista es capaz de vincular estos elementos característicos de la contemporaneidad con la influencia de la cultura visual comercial, la publicidad, la cinematografía y el mundo de lo multimediático. Una de sus obras más emblemáticas surge de la decisión de pasar tres años en el vertedero más grande del mundo, lugar que no llamó tanto su atención por el espacio en sí, sino por las personas que allí trabajaban. Ubicado en Río de Janeiro, el vertedero de Jardim Gramacho es el escenario que recrea la serie Pictures of Garbage (Imágenes de la Basura) (2008). En ésta, Muniz recrea imágenes y retratos mediante los desechos ahí encontrados, para luego fotografiarlos. La rigurosidad con que trató cada uno de los elementos, reinterpretando el tema y trayendo al espectador las bondades de un espacio colectivamente estereotipado y discriminado, dignificó a los recicladores de basura en los grandes botaderos de Río de Janeiro.
BIOGRAPHY
B
orn in Sao Paulo, Brazil in 1961 in a family of humble origin. His father was a waiter and his mother a telephone operator, due to which he grows up under the care of his grandmother. He notices an unusual liking of drawing early on, with one of the main motives for this interest being his difficulties with dyslexia that lead him to prefer drawing over writing. During his high school education he already shows skills to portrait his classmates, which would quickly become his hobby. He spends his life between Rio de Janeiro and New York. It is in the United States where he begins holding his first solo exhibitions in the late 1980s. In 1997 he creates the Pictures of Chocolate portraits series, consolidating his ascending international career. In the
following years the renowned Pictures of Dust (2000), Pictures of Caviar (2004), Pictures of Diamonds (2004), Self Portraits (2005), Pictures of Junk (2005) and Pictures of Garbage (2008) series emerge. The development of this series takes him three years, during which the Waste Land documentary, directed by Lucy Walker comes to be, and which in 2010 receives an Oscar nomination and the Audience Award for Best World Cinema Documentary at the Sundance Film Festival. He later on takes part of educational and social projects in Brazil and the United States. In 2011 UNESCO appoints him as Goodwill Ambassador, and one year later he finalizes the construction of the Escola Vidigal art and technology school for poor children at the Vidigal community in Rio de Janeiro.
“Art for me is negotiating things; the artist does not offer solutions but inspiring problems, capable of making you imagine life”. VIK MUNIZ
Main individual exhibitions
TRAJECTORY His trajectory, origin and influences connect him to the generation of artists consolidated by Marcantonio Vilaça, a prominent gallerist and eclectic collector who projects and promotes his work abroad. His experimental incursion into materiality takes him to textures he frequents in his daily life. Thus, he soon realizes that not only oil paint and acrylics can be used to color and paint, but also paper, chocolate, cream caramel, jelly, and caviar, among many other materials he has explored over his career. Configuring portraiture with everyday use materials of the most diverse origins, he produces photographic series in which he re-creates the Mona Lisa with jelly and peanut butter, represents Liz Taylor with diamond dust and captures model Kate Moss in chocolate sauce. He is linked to pop art, the arte povera movement, minimalism and photo-realism. Beyond definitions, Muniz’s work represents a style that does not have its support in traditional techniques, nor adapts
Arte para mí es negociar las cosas, el artista no ofrece soluciones sino problemas inspiradores, capaces de hacerte imaginar la vida”.
to canons commonly understood as within the fine arts. But the artist is capable of linking these characteristic elements of a contemporary nature with the influence of commercial visual culture, advertising, cinematography and the world of multimedia. One of his works most emblematic pieces emerges of the decision to spend three years in the world’s greatest landfill, a place that did not call his attention in terms of the space itself, but because of the people who work there. Found in Rio de Janeiro, the Jardim Gramacho is the scenario the Pictures of Garbage (2008) series recreates. In it, Muniz recreates images and portraits through waste materials that he found, to later photograph them. The rigor with which he treated each of the elements, reinterpreting the issue and bringing the spectator the benefits of a collectively stereotyped and discriminated space, dignified the waste recyclers in the great waste dumps of Rio de Janeiro.
2015 Vik Muniz: Poetics of Perception, Lowe Art Museum, Miami, United States 2014 Vik Muniz: Más acá de la Imagen, MAC, Lima, Peru 2014 Vik Muniz: Poetics of Perception, Museum of Contemporary Art, Virginia, United States 2014 Vik Muniz: Pictures of Anything, Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv, Israel 2014 Vik Muniz: Pictures of Anything, Long Museum, Shanghai, China 2009 Vik Muniz, Museo de Arte Moderno, Rio de Janeiro, Brazil 2007 Vik Muniz Reflex, P.S.1. MoMA, Long Island City, New York, United States 2003 Vik Muniz, Museo d’Arte Contemporanea di Roma-MACRO, Rome, Italy
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Š Vik Muniz, Pictures Of Chocolate Action Photo, after Hans Namuth, 1997, VAGARIGHTS, Estados Unidos/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
Š Vik Muniz, Pictures Of Chocolate, Individuals, 1997, VAGARIGHTS, Estados Unidos/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
19
Š Vik Muniz, Pictures of Diamonds, Liz Taylor, 2004, VAGARIGHTS, Estados Unidos/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
Š Vik Muniz, Pictures of Diamonds, Monic Vitti, 2004, VAGARIGHTS, Estados Unidos/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
21
© Vik Muniz, self 1, 2005, VAGARIGHTS, Estados Unidos/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
© Vik Muniz, Self 0, 2005, VAGARIGHTS, Estados Unidos/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
23
Š Vik Muniz, Pictures of Garbage, Irma the Bearer, 2008, VAGARIGHTS, Estados Unidos/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
Š Vik Muniz, Pictures of Garbage, The Gipsy (Magna), 2008, VAGARIGHTS, Estados Unidos/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
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JULIO LE PARC arg e n t i n a
Representante del movimiento óptico-constructivo. Escultor, pintor e instalador argentino de ascendencia francesa que despliega una obra interactiva y dialogante. Sus proyecciones ofrecen una experiencia de luz que permite multiplicar imágenes. Su obra promueve un alejamiento de la pintura tradicional y la aproximación a un entendimiento dinámico de la obra de arte. Su trabajo se transforma y fluctúa con frecuencia y libertad. La inestabilidad proyectada, dada su condición lumínica y de efectos perceptivos, conduce a un desafío a la susceptible interpretación. A partir del 60, Le Parc plantea una ruptura con la tradición artística y propone un orden riguroso que propicia libertad a la obra para ser comprendida desde una mirada fresca y renovante. An exponent of the optical-constructive movement. Argentinean sculptor, painter and installation artist of French ancestry, he displays an interactive and dialoguing work. His projections offer an experience of light allowing a multiplication of images. His work promotes a distance from traditional painting as well as the approach towards a dynamic understanding of the work of art. His work frequently and freely changes and fluctuates. Projected instability, due to its luminic and perceptive effect condition, it leads to a challenge to susceptible interpretation. From 1960 on, Le Parc states a rupture with artistic tradition and proposes a rigorous order favoring freedom of the work to be understood from a fresh and renovating glance.
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BIOGRAFÍA
N
ace en Mendoza, Argentina, en 1928. A los 14 años se traslada a Buenos Aires junto a su familia. Estudia en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. En 1958 obtiene una beca del gobierno francés y se instala en París. Es ahí donde en 1960, junto a artistas vanguardistas franceses y argentinos, funda el GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel [Grupo de Investigación de Arte Visual]), conjunto que impulsó el arte cinético y que consideraba al espectador como un actor en contacto con la obra. Su gran aporte a la agrupación lo llevó a recibir la Medalla de Oro en la Bienal de San Marino y el Primer Premio al Trabajo en Equipo de la Bienal de París. Por el carácter de su trabajo plástico, se suma al grupo de los denominados artistas de la Nueva Tendencia. En
Principales Exposiciones Individuales
2014 Julio Le Parc - MALBA Colección Costantini, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Argentina 2013 Julio Le Parc, Palais de Tokyo, París, Francia 2005-2014 Le Parc Lumière, llevada a cabo en Zürich, Ciudad de México, Bogotá Río de Janeiro y Buenos Aires 2001 Luz e movimiento, Pinacoteca de Sao Paulo, Sao Paulo, Brasil 1981 Obras 1959-1981, Museo de Bellas Artes, Caracas,Venezuela 1978 Experiencies 1959-1977, Fundación Joan Miró, Barcelona, España 1976 Pinturas recientes, Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia 1975 Museo de Arte Moderno, D.F., México
1964 recibe el Premio Especial en el instituto Di Tella y dos años después el Gran Premio de la Bienal de Venecia. La primera retrospectiva de su obra se realizó en Düsseldorf, Alemania, en 1972. El año 2013 su obra llega al Palais de Tokyo, París, en una gran exposición monográfica. Ese mismo año forma parte de la exposición colectiva Dynamo: un siglo de luz y movimiento en el arte 1913-2013, en el Grand Palais de la misma ciudad. En 2014 exhibe su obra en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) y en la Serpentine Gallery de Londres, además de centenares de otros importantes espacios, lo que le ha valido ser uno de los artistas argentinos y latinoamericanos más reconocidos a nivel mundial.
TRAYECTORIA Las primeras pinturas geométricas de Le Parc estuvieron influenciadas por la tradición constructivista del grupo Arte Concreto-Invención de Buenos Aires, sumado a las tendencias que el artista plástico absorbió una vez instalado en París, donde manifestó un fuerte interés por el trabajo de Mondrian y Vasarely. A principios de 1960, Le Parc incorpora el movimiento y la luz a su búsqueda. Interesado en las posibilidades de desplazamiento y la participación del espectador, comienza a desarrollar los ambientes de luz y las esculturas que lo caracterizan, convirtiéndolo en uno de los máximos exponentes del arte cinético. Busca involucrar al espectador en el proceso interpretativo de la obra, derivándole la misión al contemplar. Consigue, a través de su trabajo de investigación y experimentación, una innovadora y audaz forma de ubicar los elementos dentro de una pieza, de manera que sorprenda o sugestione la mirada del espectador.
En 1967 expone Desplazamientos, una de sus principales obras, en el Intituto Di Tella de la ciudad de Buenos Aires y participa exitosamente en la exposición Luz y Movimiento realizada por el Museo de Arte Moderno de París. En 1969, tras la disolución del GRAV, regresa a la pintura trabajando en una gama de catorce colores estrictamente definidos, creando la reconocida serie Surface-Couleur. En 1978, su amplia trayectoria y reconocimiento internacional permiten que la BBC produzca un documental sobre su vida y obra. La razón de su exponencial reconocimiento artístico tiene relación con el hecho de que la obra de Le Parc fue, para su momento, una propuesta sumamente vanguardista. Recurrir a iluminaciones artificiales, efectos, reflejos y movimientos, fue una completa innovación para aquellos años. Su prolífica obra y sus incursiones en la abstracción, el concretismo, el Op Art y el arte cinético, dan cuenta de un artista experimental y en constante exploración. Un legado que marca profundamente la historia del arte del siglo XX.
BIOGRAPHY
B
orn in Mendoza, Argentina, in 1928. At fourteen years old he moves to Buenos Aires with his family. He studies at the Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón fine arts school. He obtains a grant from the French government and moves to Paris in 1958. It is there, he founds the GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel -visual art investigation group-) with French and Argentinean avant-garde artists; the collective promoted kinetic art and considered the spectator as an actor in touch with the piece. His considerable contribution to the group earned him the gold medal at the Bienal de San Marino and first prize to team work at the Paris Biennial. Due to the character of his plastic work, he joins the Nueva Tendencia (new trend) artists group. In 1964 he receives the special award at the Instituto Di Tella and
two years later, the great prize at the Venice Biennial. The first retrospective of his work was held in Düsseldorf, Germany in 1972. In 2013 his work is shown at the Palais de Tokyo, Paris, in a grand solo exhibition. That same year he was part of Dynamo: Un siècle de lumière et de mouvement dans l’art 1913-2013 (a century of light and movement in art 1913-2013), a group exhibition held at the Grand Palais, in the same city. In 2014 his work is shown at the Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) and at the Seprentine Gallery in London, besides hundreds of other important spaces, which has made him one of the most renown Argentinean and Latin American artists on a worldwide.
“Light suits me to multiply images”. JULIO LE PARC
Main individual exhibitions
TRAJECTORY The first of Le Parc’s geometric paintings were influenced by the constructivist tradition of the ArteConcreto-Invención (concrete art-invention) group in Buenos Aires, as well as the trends the artist absorbed once settled in Paris, where he showed a strong interest on the work of Mondrian and Vasarely. In early 1960 he incorporates movement and light into his search. Interested in the possibilities of displacement and the participation of the spectator, he begins developing his characteristic environments of light and sculptures, making him one of the prime exponents of kinetic art. He seeks to involve the spectator in the interpretative process of the work, assigning him the task when he contemplates the work. He achieves, through his research and experimentation, an innovative and bold way of placing the elements within a piece, as to surprise or influence the glance of the spectator. In 1967 he exhibits Desplazamientos (displacements),
La luz me sirve para multiplicar imágenes”.
one of his main works, at the Instituto Di Tella in Buenos Aires and successfully participates at the Luz y Movimiento exhibition held at by the museum of modern art in Paris. In 1969, after the dissolution of the GRAV collective, he returns to painting, working on a variety of fourteen strictly defined colors, creating the renowned Surface-Couleur series. In 1978 his broad trajectory and international recognition allow for the BBC to produce a documentary on his life and work. The reason for this exponential artistic recognition is related to the fact that Le Parc’s work was, in its time, an utterly avant-garde proposal. To resort to artificial lighting, reflection effects and movement was a complete innovation for those years. His prolific work and his incursions into abstraction, concretism, Op Art and kinetic art, give account of an experimental artist on an ongoing exploration. A legacy that deeply marks the history of 20th century art.
2014 Julio Le Parc-MALBA Coleccion Costantini, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Ares, Argentina 2013 Julio Le Parc, Palais de Tokyo, Paris, France 2005-2014 Le Parc Lumière, held in Zurich, Mexico City, Bogotá, Rio de Janeiro and Buenos Aires. 2001 Luz e movimiento, Pinacoteca de Sao Paulo, Sao Paulo, Brazil 1981 Obras 1959-1981, Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela 1978 Experiencies 1959-1977, Fundación Joan Miró, Barcelona, Spain 1976 Pinturas recientes, Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia 1975 Museo de Arte Moderno, F.D., Mexico
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Séquences de rotation, 1959, acrílico sobre tela, 200 x 200 cm. © ADAGP, París 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015 Séquences de rotation, 1959, acrylic on canvas, 200 x 200 cm. © ADAGP, Paris 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
Instabilité, 1959, acrílico sobre tela, 200 x 200 cm. © ADAGP, París 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015 Instabilité, 1959, acrylic on canvas, 200 x 200 cm. © ADAGP, Paris 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
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Lumière en vibration, 1968, instalación. © ADAGP, París 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015 Lumière en vibration, 1968, installation. © ADAGP, Paris 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
Julio Le Parc, 1966, fotografía. © ADAGP, París 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015 Julio Le Parc, 1966, photography. © ADAGP, Paris 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
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Série 29 B N°1-1-1, 1969, acrílico sobre tela, 150 x 150 cm. © ADAGP, París 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015 Série 29 B N°1-1-1, 1969, acrylic on canvas, 150 x 150 cm. © ADAGP, Paris 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
Série 49 1-5, 1971, acrílico sobre tela, 150 x 150 cm. © ADAGP, París 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015 Série 49 1-5, 1971, acrylic on canvas, 150 x 150 cm. © ADAGP, Paris 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
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Alchimie 192, 1991, acrílico sobre tela, 200 x 200 cm. © ADAGP, París 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015 Alchimie 192, 1991, acrylic on canvas, 200 x 200 cm. © ADAGP, Paris 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
Alchimie 194, 1991, acrílico sobre tela, 40 X 40 cm. © ADAGP, París 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015 Alchimie 194, 1991, acrylic on canvas, 40 X 40 cm. © ADAGP, Paris 2015. Photo: ADAGP Image Bank/ CREAIMAGEN, Santiago, 2015
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MARCO MAGGI U R U G UAY
Sus instalaciones, esculturas y dibujos buscan hacer visible el tiempo. Así, sus confusiones precisas invitan al observador a frenar y aproximarse. Crea paisajes indescifrables, relacionando paralelamente la intimidad de un computador con la vista aérea de una ciudad o nuestro sistema nervioso. Su alfabeto infinitesimal reivindica la delicadeza, reflexionando sobre la sobredosis de información que padecemos actualmente. Manzanas, papel de aluminio de cocina, paneles cerámicos, resmas de papel, sobres de carta, stickers; un diálogo con la superficie de materiales triviales le permite crear textos y texturas de fragilidad absoluta y alta indefinición. Maestría y poética han posicionado al artista como uno de los grandes referentes del arte contemporáneo latinoamericano. His installations, sculptures and drawings seek to make time visible. Thus, his precise confusions invite the observer to stop and approach. He creates landscapes, indecipherable, in parallel relating intimacy of a computer with the bird’s view of a city or our nervous system. His infinitesimal alphabet reclaims delicacy, reflecting on the information overdose we currently suffer. Apples, kitchen aluminum foil, ceramic panels, paper reams, envelopes, tickers; a dialogue with the surface of trivial materials allows him to create texts and textures of an absolute fragileness and high in-definition. Mastership and poetry have positioned the artist as one of the great referents of contemporary Latin American art.
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BIOGRAFÍA
N
ace en Montevideo, Uruguay, en abril de 1957. Hijo de María Inés Silva Vila y Carlos Maggi, dos escritores de la Generación del ‘45. A los 16 años realiza su primera exposición en la galería Van Riel en Buenos Aires. A los 18 años, después de mostrar su trabajo en Montevideo, Madrid y Bruselas, deja de dibujar por 20 años. Durante un viaje, en 1995, vuelve a dibujar. Leopoldo Nóvoa, Liliana Porter, Ana Tiscornia, Jacob El Hanani y Mariana Wainstein son el grupo de artistas que resulta
Principales Exposiciones Individuales
2015 56th Bienal de Venecia, Pabellón Uruguayo, Venecia, Italia 2012 Figari Career Award XVII, Museo Figari, Montevideo, Uruguay 2012 Functional Disinformation: drawings in Portuguese, Instituto Tomie Ohtake, Sao Paulo, Brasil 2011 Optimismo Radical, NC-arte, Bogotá, Colombia 2008 New Perspectives in Latin American Art, 1930–2006, Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, Estados Unidos 2007 Poetics of the Handmade, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Estados Unidos 2006 Gyroscope, Hirshhorn Museum Washington DC 2004 Fifth Gwangju Biennial, Corea 2003 InCUBAdora, VIII Bienal de La Habana, Cuba
fundamental para encarar su nueva etapa. En 1998, invitado por el artista uruguayo Rimer Cardillo, se gradúa en la Universidad de Nueva York en New Paltz con un Máster en Artes Visuales del Departamento de Grabado. En noviembre de ese año expone por primera vez en Nueva York, en la Galería 123 Watts. Ha participado en las bienales del Mercosur, San Pablo, La Habana, Gwanjú, Buenos Aires, Cuenca, Guatemala, Pontevedra y Venecia. En 2012 recibe el premio Figari, premio anual de arte en Uruguay.
TRAYECTORIA El 15 de diciembre de 1998, la tapa del semanario Village Voice destaca su primera exposición en Nueva York, en la Galería 123 Watts, del barrio Tribeca. El artículo de Kim Levin, en aquel momento presidenta de la Asociación Internacional de Críticos, le abre las puertas de instituciones y galerías en Estados Unidos. En el 2001, en el Kemper Museum en Kansas City, realiza su primera exhibición individual en un museo norteamericano. Una instalación de piso titulada Hotbed (Incubadora), micro cortes y plegados sobre decenas de resmas de papel de oficina, es la pieza central de la muestra. En los años siguientes, versiones diferentes de la serie Hotbed son exhibidas en las bienales del Mercosur,
Sao Paulo, Buenos Aires, La Habana , Gwanjú y la Trienal Poligráfica de San Juan. En paralelo, realiza una serie de dibujos sobre papel de aluminio de cocina (Pre-Columbian & Post-Clintonian) y graba docenas de manzanas Macintosh cosechadas alrededor de su estudio en New Paltz. Un video basado en una de sus manzanas (Micro & Soft on Macintosh Apple) es exhibido durante tres años en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Entre las colecciones que incluyen sus obras se pueden destacar el Whitney Museum, Drawing Center, Morgan Library, y MoMA en Nueva York; el MoCA en Los Ángeles, Hirshhorm en Washington, y los museos de Bellas Artes de Houston, San Francisco y Boston.
BIOGRAPHY
B
orn in Montevideo, Uruguay in April 1957. Son of María Inés Silva Vila and Carlos Maggi, two writers of the 1945-generation. When he was sixteen years old he holds his first exhibition at the Van Riel gallery in Buenos Aires. At eighteen, after showing his work in Montevideo, Madrid and Brussels, he ceases to draw for twenty years. During a trip in 1995 he goes back to drawing. Leopoldo Nóvoa, Liliana Porter, Ana Tiscornia, Jacob El Hanani and Mariana Wainstein are the group of artists
that turns out to be fundamental to face this new stage. In 1998, invited by Uruguayan artist Rimer Cardillo, he graduates at the New York University at New Paltz with a Master’s degree in visual arts of the department of engraving. In November that year he exhibits in New York for the first time at the 123 Watts gallery. He has participated at the Mercosur, San Pablo, Havana, Gwanjú, Buenos Aires, Cuenca, Guatemala, Pontevedra and Venice biennials. He receives the Figari yearly Uruguayan prize in 2012.
“Drawing is like writing in a language I do not know how to read”. MARCO MAGGI
Main individual exhibitions
TRAJECTORY On December 15, 1998, the cover of weekly Village Voice points out his first exhibition in New York, at the 123 Watts gallery in Tribeca. An article by Kim Levin, at that time president of the international critics association opens the door of institutions and galleries in the United States. In 2001, at the Kemper Museum in Kansas City, he holds his first solo exhibition in a North American museum. A floor installation titled Hotbed (incubator), micro cuts and folded on dozens of office paper reams is the central piece of the exhibition. In the following years, different versions of the Hotbed series are exhibited at the Mercosur, Sao Paulo,
Dibujar se parece a escribir en un idioma que no sé leer”.
Buenos Aires, Gwanjú biennials and at the San Juan Poly/Graphic triennial. In parallel he executes a series of drawings on kitchen aluminum paper (Pre-Columbian & Post Clintonian) and engraves dozens of Macintosh apples collected around his studio at New Paltz. A video based on one of the apples (Micro & Soft on Macintosh Apple) is exhibited at the New York Museum of Modern Art (MoMA). Among the collections including his works we can point out the Whitney Museum, Drawing Center, Morgan Library and MoMA; The Los Angeles MoCA, Hirshhorn in Washington, and the in Houston, San Francisco and Boston Fine Arts Museums.
2015 56th Venice biennial, Uruguayan pavilion, Venice, Italy 2012 Figari Center Award XXII, Figari museum, Montevideo, Uruguay 2012 Functional Disinformation: drawings in Portuguese, Tomie Ohtake institute, Sao Paulo, Brazil 2011 Optimismo Radical, NC-arte, Bogotá, Colombia 2008 New Perspectives in Latin American Art, 1930-2006, Museum of Modern Art (MoMA), New York, United States 2007 Poetics of the Handmade, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, United States 2006 Gyroscope, Hirshhorn Museum, Washington, D.C. 2004 5th Gwangju biennial, Corea 2003 InCUBAdora, 8th Havana biennial, Cuba
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El Papel del Papel, 2005, Centro Colombo Americano, Bogotá, Colombia. Vista de la exhibición y detalle. Cortesía del artista y de Josée Bienvenu Gallery, Nueva York. El Papel del Papel, 2005, Centro Colombo Americano, Bogotá, Colombia. Exhibition view and exhibition detail. Courtesy of the artist and Josée Bienvenu Gallery, New York.
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Functional disinformation: drawings in Portuguese, 2012, Instituto Tomie Ohtake, Sao Paulo, Brasil. Vista de la exhibición. Cortesía del artista y de Josée Bienvenu Gallery, Nueva York. Functional disinformation: drawings in Portuguese, 2012, Instituto Tomie Ohtake, Sao Paulo, Brazil. Exhibition view. Courtesy of the artist and Josée Bienvenu Gallery, New York.
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Yellow Sliding (Detail), 2010, corte de papel sobre módulos de 35mm, 36 x 36 in., 37 x 37 in. enmarcado. Cortesía del artista y de Josée Bienvenu Gallery, Nueva York. Yellow Sliding (Detail), 2010, cuts on paper in 35mm slide mounts, 36 x 36 in., 37 x 37 in. framed. Courtesy of the artist and Josée Bienvenu Gallery, New York. Pag. der.Lentissimo, 2010, Frances Lehman Loeb Art center, Vassar College, Poughkeepsie, NY, Detalle de la exhibición. Cortesía del artista y de Josée Bienvenu Gallery, Nueva York. Right page. Lentissimo, 2010, Frances Lehman Loeb Art center, Vassar College, Poughkeepsie, NY, Exhibition detail. Courtesy of the artist and Josée Bienvenu Gallery, New York
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Abecedario Venecia (detalle), 2014, papel autoadhesivo sobre tablero de museo, montado en dibond 40 x 60 in., 41 x 61 in. framed. Cortesía del artista y de Josée Bienvenu Gallery, Nueva York. Abecedario Venecia (detail), 2014, self-adhesive archival paper on museum board, mounted on dibond, 40 x 60 in., 41 x 61 in. framed. Courtesy of the artist and Josée Bienvenu Gallery, New York. Pag. der. Drawing Machine (11 possible starting points) (detalle), 2015, lapices, cuerdas de arco, ganchos, 63 x 115.5 x 7 in. Cortesía del artista y de Josée Bienvenu Gallery, Nueva York. Right page. Drawing Machine (11 possible starting points) (detail), 2015, pencils, bowstrings, hooks, 63 x 115.5 x 7 in. Courtesy of the artist and Josée Bienvenu Gallery, New York.
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RAMIRO LLONA perú
Pintor y dibujante experimental. Ha extendido su búsqueda estética a tendencias abstractas con el fin de intensificar el expresionismo y la gestualidad de su resultado. La investigación permanente lo ha llevado, en los últimos años, a incursionar en técnicas como la serigrafía, la escultura y la cerámica, adicionando a sus obras de gran formato una arista nueva para revelar sensaciones. Estudia la historia del arte y recurre a las técnicas de referentes como Goya, Picasso, Matisse y Bacon. Usa el color como principio expresivo y estructural. Sus obras exhiben insinuaciones borrosas y desdibujadas, espacios y una arquitectura que privilegia el fondo por sobre la forma, y la agudeza por sobre lo figurativo. Experimental painter and graphics artist. He has extended his aesthetic research towards abstract tendencies aimed to the intensification of expressionism and the gesture of its outcome. Ongoing research has led him to explore techniques such as screen-printing, sculpture and ceramics in recent years, complementing his large-scale works a new aspect to reveal sensations. He studies art history and resorts to the techniques of referents such as Goya, Picasso, Matisse and Bacon. He uses color as an expressive and structural principle. His works show blurry insinuations and faded forms, spaces and an architecture that favors the background the shape and sharpness over figuration.
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BIOGRAFÍA
N
ace en Lima, Perú, en 1947. Mientras estudia en el Colegio Pestalozi, muestra una destacada habilidad para aprender las ramas de la ciencia. Sus calificaciones y buen desempeño condujeron a muchos a pensar que estudiaría ingeniería, sin embargo, opta por arquitectura. La Universidad Nacional de Ingeniería le recibe como alumno a partir de 1966. Cuatro años después, e inspirado en las clases de dibujo que tomó con Cristina Gálvez, decide retirarse y seguir el instinto de su verdadera vocación. Así, en 1971 ingresa a la Escuela de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica de Lima, donde recibe clases de Fernando de Szyszlo. A su formación le sigue el Pratt Institute de Nueva York,
hasta 1981. Una parte importante de lo que lo consolida formal y conceptualmente es la residencia en Nueva York. Luego, los ir y venir entre Estados Unidos y Lima le confieren una panorámica más amplia y permisiva para abordar su trabajo. En 1998 se exhibe su trayectoria en el Museo de Arte de Lima; 25 años de oficio consagran su carrera como uno de los grandes representantes del arte contemporáneo peruano. Desde entonces, su trabajo ha sido exhibido en más de sesenta muestras individuales en diferentes ciudades de América y Europa. Actualmente vive y trabaja en las ciudades de Lima y Nueva York.
© Photo: María Llona
Principales Exposiciones Individuales
2005 Tiempos de Simbolización, Instituto Cultural Peruano Norteamericano ICPNA, Lima, Perú 2005 Tiempos de Simbolización, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile 1998 Exposición Retrospectiva, Museo de Arte de Lima, Lima, Perú 1997 Museo Pedro de Osma, Lima, Perú 1986 Muestra Antológica, Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia
TRAYECTORIA La pugna de color que opone el brillo a la oscuridad dominó sus inicios en el arte. Esta paleta le condujo a poner en evidencia una violencia expresiva que asemeja su trabajo al de Goya. Entonces, alejándose un poco de las influencias interpretativas, comenzó a utilizar y comprender la tela como un espacio cuya bidimensionalidad le brindaba una oportunidad para trabajar el expresionismo de forma ordenada y estructurada. Inspirado en el trabajo de Picasso, Matisse y Bacon, utilizó el color para liderar el proceso creativo. Éste tomó un rol de ordenamiento, justificación y guía, tanto para el observador como para el artista. Sus grabados y dibujos nacen de una catarsis, un desborde de afectos que toma forma sobre la tela, tal cual como ocurre en su cabeza. Llona trabaja el vínculo de la sensación con la expresión deliberada. Su primera exposición en la galería Forum mostró un oscuro erotismo, desafiante y rebelde: pinturas de gran
formato escandalizaron al público de aquella época. Entonces, comenzó a dialogar con el rigor y la libertad. La gestualidad se volvió cada vez más aguda y activa, tornando sus obras verdaderas armas del discurso. Trabajó conscientemente en cada obra, contemplando la mirada más íntima de la historia del arte modernista. El período que va de 1977 a 2002 marca hitos en la vida del artista. Su estadía en Nueva York y el intercalado de viajes a su país natal, trae como consecuencia una serie de exposiciones. Su trabajo obtuvo una densidad y factura reconocida internacionalmente a través de la muestra antológica del Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) en 1986, que produjeron los ensayos de críticos y estudiosos del arte de la talla de Donald Kuspit, Damián Bayón y Edward Sullivan. Años después, tiene lugar una muestra que marca un hito en la vida del artista; su retrospectiva fue inaugurada en el Museo de Bellas Artes de Lima, en 1998.
BIOGRAPHY
B
orn in Lima, Peru in 1947. While studying at the Colegio Pestalozi school he shows an outstanding ability to learn the branches of science. His grades and academic performance led many to believe he would study engineering, but he chooses architecture. The Universidad Nacional de Ingeniería receives him as a student in 1966. Four years later, and inspired in the drawing classes he took with Cristina Gálvez, he decided to retire and follow the instinct of his true calling. Thus he joins Pontificia Universidad Católica De Lima University Fine Arts School in 1971, where he receives classes from Fernando de Szyszlo. His education then continues at the Pratt Institute
in New York until 1981. An important part of what consolidates him formal and conceptually is the residence in that city. Later, the comings and goings between the United States and Lima give him a broader and more permissive panoramic view to approach his work. In 1998 his trajectory is exhibited at the Museo de Arte de Lima; twenty-five years of his trade consecrate his career as one of the great representatives of contemporary Peruvian art. From then on, his work has been exhibited in over sixty individual shows in different cities in America and Europe. He currently lives and works in Lima and New York.
“For me the painting occurs in front of the canvas”. RAMIRO LLONA
Main individual exhibitions
TRAJECTORY The color struggle opposing brightness to darkness dominated his beginnings in art. This palette led him to put an expressive violence that resembles his work with the one of Goya. Then, slightly straying from the interpretative influences, he began to use and understand the canvas as a space whose two-dimensions gave him an opportunity to work expressionism in an orderly and structured manner Inspired in the work of Picasso, Matisse and Bacon, he used color to lead the creative process. It took on a sorting, justifying and guiding role, both for the spectator as for the artist. His engravings and drawings emerge as a catharsis, an overflow of affections that takes shape on the canvas, as in his head. Llona works on the link of the feeling with a deliberate expression. His first exhibition at the Forum gallery showed a dark, challenging and rebellious eroticism: large
Para mí la pintura sucede frente al cuadro”.
format paintings shock the public at the time. Then, he began to dialogue with rigor and freedom. The gesture became ever more acute and active, turning his works into true weapons of discourse. He consciously worked on each piece, contemplating the more intimate glance of the history of modernist art. The period from 1977 to 2002 has two landmarks in the life of the artist. His stay in New York and the back and forth trips to his home country brings on a series of exhibitions as a consequence. His work picked up a density and manufacture recognized internationally through his retrospective exhibition at the Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) in 1986, which included essays of art critics and scholars of the stature of Donald Kuspit, Damián Bayón and Edward Sullivan. Years later, there is a personal landmark exhibition for the artist; his retrospective opened at the Museo de Bellas Artes de Lima in 1998.
2005 Tiempos de Simbolización, Instituto Cultural Peruano-Notreamericano ICPNA, Lima, Peru and the Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile. 1998 Exposición Retrospectiva, Museo de Arte de Lima, Peru. 1997 Museo Pedro de Osma, Lima, Peru. 1986 Muestra Antológica, Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia.
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Juegos del Azar I, 1991, d铆ptico, 贸leo sobre lienzo, 152.5 x 305.3 cm. Juegos del Azar I, 1991, diptych, oil on canvas, 152.5 x 305.3 cm.
Nadar contra la corriente, 1993, d铆ptico, 贸leo sobre tela 200 x 200 cm. Nadar contra la corriente, 1993, diptych, oil on canvas, 200 x 200 cm.
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Tiempos de simbolizaci贸n, 1999, tr铆ptico, 贸leo sobre lienzo, 240 x 600 cm. Tiempos de simbolizaci贸n, 1999, triptych, oil on canvas, 240 x 600 cm.
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La Despedida, 2007, tr铆ptico, 贸leo sobre tela, 300 x 720 cm. La Despedida, 2007, triptych, oil on canvas, 300 x 720 cm.
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La visita. 2013, 贸leo sobre tela, 152 x 162 cm. La visita. 2013, oil on canvas, 152 x 162 cm.
La Expulsión del Paraíso, 2015, óleo sobre tela, 300 x 325 cm. La Expulsión del Paraíso, 2015, oil on canvas, 300 x 325 cm.
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RICARDO CÁRDENAS colombia
Ricardo Cárdenas trabaja el dibujo y la escultura para dar cuenta de aquellas estructuras del mundo natural que lo cautivan. Ha trabajo los pequeños, medianos y grandes formatos a través de ensamblajes perfectos que exploran distintos materiales. Línea por línea construye cada forma, continuando la adición de componentes hasta lograr un todo que se comporta como una pieza autónoma que invita a la contemplación. Bosques, nidos y manglares son las bases de una enmarañada red de líneas y colores que sienta sus bases en la abstracción geométrica. Su obra busca el punto de unión entre el arte, la naturaleza y la ingeniería; aquellas formas que encontramos en el medioambiente y que contienen en su formación una serie de elementos vinculados a su origen natural y, al mismo tiempo, a las leyes matemáticas que permiten su existencia. He works on drawing and sculpture to give account of the structures of the natural world that captivate him. He has worked small, medium and large formats through perfect assemblages exploring different materials. Line by line, he builds every shape, continuing the addition of components until achieving a whole that behaves as an autonomous piece inviting contemplation. Forests, nests and mangroves are the bases of an intricate network of lines and colors setting their bases in the geometric abstraction. His work seeks the union between art, nature and engineering; those shapes we find in the environment and which contain a series of elements linked to their natural origin, and at the same time to the mathematical laws that allow their existence.
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BIOGRAFÍA
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ace en Medellín, Colombia, en 1966. A los cinco años ingresa al Instituto de Bellas Artes en Medellín, donde permanece varios años y luego continúa su formación con profesores particulares hasta el día en que se gradúa como Ingeniero Civil. Posteriormente realiza un Master en Ingeniería de Manufacturas Universidad de Massachusetts, Estados Unidos. Durante varios años ejerce como ingeniero, trabajando en empresas metalmecánicas y de recubrimientos. Estas experiencias han sido fundamentales para el desarrollo de su trabajo como escultor y le han permitido profundizar en el manejo de los distintos materiales que combina en su obra. Siempre interesado en las formas y los volúmenes, Cárdenas ya intuía el gran giro que tomaría su vida profesional, incluso antes de terminar sus estudios de ingeniería. Así, dedica especial atención a aquellas áreas
Principales Exposiciones Individuales
2015 Líneas de Metal, IdeoBox Gallery, Miami, Estados Unidos 2014 Dibujos en Metal, Galería Beta, Bogotá, Colombia 2012 Esculturas, Galería del Infinito, Bogotá, Colombia 2009 Esculturas, Galería de La Oficina, Antioquía, Colombia 2007 Migraciones, Museo Universitario Universidad de Antioquia, Medellín, Colombia 2005 Esculturas, Cámara de Comercio de Medellín, Colombia
de la carrera que más les servirían como herramientas para su posterior oficio. Es así como el dibujo técnico y el trabajo con los materiales, sobre todo metales, plásticos y maderas, se convierten en un aspecto fundamental de su formación y de su trabajo. El desarrollo de su obra tiene sus bases en la abstracción geométrica y se ha visto ampliamente influenciado por el trabajo de grandes representantes latinoamericanos de aquella corriente, como Edgar Negret, Mateo Manaure, Jesús Rafael Soto, Eduardo Ramírez Villamizar, y también por artistas como Alexander Calder y exponentes del expresionismo abstracto. Cárdenas ha explorado la escultura en diversos estilos y formatos. Siempre con su estética característica de líneas y colores, crea piezas únicas que van desde ínfimas figuras de colección a imponentes estructuras situadas en espacios públicos.
TRAYECTORIA Ricardo Cárdenas ha logrado unir su campo de estudios con su vocación. Lejos de ser un capítulo aparte en su vida, los años dedicados al aprendizaje ingenieril lo han dotado de un amplio conocimiento en cálculo, estructuras y materiales. Estas habilidades han sido fundamentales para poder desarrollar un trabajo escultórico que comenzó con la investigación de distintos soportes como el acero, el bronce y el aluminio, y sus respectivas formas de ensamblaje. El punto de partida de la obra de Cárdenas es la línea. Aquel concepto universal es el que atraviesa y define su trabajo, llevándolo a explorar la versatilidad de un trazo en innumerables formatos y formas. Esculturas (2005), su primera exposición individual, llevada a cabo en la Cámara de Comercio de Medellín, reúne ya una interesante muestra del trabajo que el colombiano desarrolla, fruto de sus constantes investigaciones. A ésta la siguen una serie de muestras realizadas en Colombia, donde Cárdenas continúa trabajando en torno a la exploración del movimiento y su armonía con el color. En los años siguientes, la obra del colombiano se proyecta hacia el exterior y comienza a formar parte de importantes colecciones privadas y públicas en diversos museos y galerías alrededor del mundo. Es ahí también cuando comienza a
exhibir obras pensadas para espacios públicos e incursiona en los grandes formatos. El año 2011 es invitado por el Museo de Arte Moderno de Medellín para realizar El Nido, una intervención en el espacio público que consiste en gran estructura alargada compuesta de cientos de mangueras negras que construyen una enmarañada red de líneas. Para la creación de cada escultura hay un estudiado proceso previo, principalmente marcado por el dibujo como la herramienta que le permite calcular el volumen y la forma de sus llamativas piezas. Gran parte de su obra tiene como fuente la variedad del mundo natural y las combinaciones que ésta genera. Es así como Manglares, Nidos, Bosques, Nubes, son algunos de los títulos de sus obras o series, en una clara alusión al mundo que rodea al hombre, especialmente en su Colombia natal. En un proceso casi constructivista y siempre marcado por la abstracción geométrica y un interesante uso del color, Cárdenas da vida a obras inspiradas en la perfección del mundo natural a través de un ensamblaje perfecto e impecable en su factura. Como el mismo artista define: “Mirar, pensar, dibujar, dibujar… dibujar. Calcular, seleccionar y construir, podría ser el resumen de mi metodología de trabajo”.
BIOGRAPHY
B
orn in Medellin, Colombia in 1966. At the age of five he enters the Instituto de Bellas Artes fine arts school in Medellin, where he remains for several years and then continues his education with private teachers until the day he graduates as a civil engineer. Later on he pursues a master’s degree in manufacturing engineering at the University of Massachusetts in the United States. For several years he works as an engineer, working at metal mechanic and coating companies. These experiences have been fundamental for the development of his work as a sculptor and have allowed him to go deeper into the use of different materials he combines in his work. Always interested in shapes and volumes, Cárdenas already sensed the considerable turn his professional
life would take, even before finishing his engineering studies. Thus, he dedicates special attention to those areas of the career that would better suit him as tools for his later trade. The development of his work has its bases in geometric abstraction and has seen itself broadly influenced by the work of great Latin American representatives of said current, such as Edgar Negret, Mateo Manaure, Jesús Rafael Soto, Eduardo Ramírez Villamar, as well as by artists like Alexander Calder and exponents of abstract expressionism. Cárdenas has explored sculpture in diverse styles and formats. Always with his characteristic aesthetics of lines and colors, he creates unique pieces that range from intimate collectable figures to imposing structures placed in public spaces.
TRAJECTORY He has achieved bringing together his studies with his calling. Far from being a separate chapter in his life, the years dedicated to engineering have given him a broad knowledge on calculus, structure and materials. These skills have been fundamental in order to develop a sculptural work, which started out as research on different supports such as steel, bronze and aluminum and their respective forms of assemblage. The starting point of Cárdenas’ work is the line. That universal concept crosses and defines his work, leading him to explore the versatility of a line in countless formats and ways. Esculturas (sculptures), his first solo exhibition, held at the Medellin chamber of commerce, already collects an interesting exhibition of the work the Colombian artists develops, product of his ongoing research. This exhibition is followed by a series of exhibitions in Colombia, where Cárdenas continues working around the exploration of movement and its harmony with color. In 2011 he is invited by the Museo de Arte Moderno de Medellin to realize El Nido (the nest),
He enfocado mi trabajo en las formas que se encuentran en la naturaleza. Si las analizas, todas contienen una parte constructiva que se relaciona con la ingeniería civil; son estructuras que soportan, que poseen tensiones, que tienen estabilidad”. “I have focused my work on the shapes found in nature. If you analyze them, they all contain a constructive part related to civil engineering; they are structures that support, contain tensions and have stability”. RICARDO CÁRDENAS
Main individual exhibitions a public space intervention consisting of a great structure made of hundreds of black hoes forming an entangled network of lines. For the creation of each sculpture there is a studious previous process, mainly marked by drawing as the tool that allows him to calculate the volume and shape of his striking pieces. A great deal of his work has the variety of the natural world and the combinations it generates as a source. It is in this way that Manglares, Nidos, Bosques, Nubes (mangroves, nests, forests and clouds) are some of the titles of his works or series, and in a clear allusion to the world that surrounds man, especially in his native Colombia. In an almost constructivist process and always marked by geometric abstraction and an interesting use of color, Cárdenas gives life to pieces inspired in the perfection of the natural world through a perfect and impeccable assemblage in its style. As the artist defines: “Looking, thinking, drawing, drawing… drawing. Calculating, selecting and building could be the summary of my working methodology”.
2015 Líneas de Metal, IdeoBox Gallery, Miami, United States 2014 Dibujos en Metal, Galería Beta, Bogotá, Colombia 2012 Esculturas, Galería del Infinito, Bogotá, Colombia 2009 Esculturas, Galería de La Oficina, Antioquía, Colombia 2007 Migraciones, Museo Universitario Universidad de Antioquía, Medellín, Colombia 2005 Esculturas, Cámara de Comercio de Medellín, Colombia
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Nido, 2007, ensamble aluminio anodizado, 37 cm. x medida variable. Nido, 2007, construction of anodized aluminum, 37 cm. x variable measures.
Nido, 2007,ensamble aluminio anodizado, 77 cm. x medida variable. Nido, 2007, construction of anodized aluminum, 77 cm. x variable measures.
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Nido, 2007, ensamble aluminio anodizado y policromado, 37 X 45 X 43 cm. Nido, 2007, construction of polychrome and anodized aluminum, 37 X 45 X 43 cm.
Nido, 2007, ensamble aluminio anodizado y policromado, 41 X 39 X 43 cm. Nido, 2007, construction of polychrome and anodized aluminum, 41 X 39 X 43 cm.
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Nido, 2011, ensamble manguera polietileno y amarres, 300 x 1160 cm. Nido, 2011, construction of polyethylene hose and plastic cable ties, 300 x 1160 cm.
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Nido, 2014, ensamble acero inoxidable, 47 x 53 x 43 cm. Nido, 2014, construction of stainless steel , 47 x 53 x 43 cm.
Lluvia Amarilla, 2014, ensamble aluminio policromado, 200 x 165 x 19 cm. Lluvia Amarilla, 2014, construction of polychrome aluminum, 200 x 165 x 19 cm.
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FRANCISCA SUTIL CHILE
Con más de 30 años de trayectoria, Francisca Sutil ha desarrollado su obra pictórica en series, cada una de ellas con técnicas propias. La materialidad relevante en su quehacer convive y depende de la expresión del sostenido contenido espiritual en cada uno de sus periodos artísticos, siempre desde la abstracción y con un determinante uso del color, su principal herramienta. Sus pinturas crean un espacio pictórico que tiene íntima relación con la historia de la pintura occidental a partir del siglo XV. La técnica que la artista chilena inventó, crea una atmósfera de una profundidad espacial única. Esto se logra cuando se funden el gesso pigmentado, el óleo y el barniz, en una estructura realizada con tiempos de acción y recursos contemporáneos. With over thirty years of trajectory, Francisca Sutil has developed her pictorial work in series, each of them with their own techniques. The relevant materiality in her work coexists and depends on the expression of the sustained spiritual content in each of her artistic periods, always from abstraction and with a determining use of color, her main tool. Her paintings create a pictorial space intimately related with the history of Western painting from the 15th century onwards. The technique the Chilean artist invented, creates an atmosphere she achieves when pigmented gesso, oil paint and varnish fuse in one structure, thus creating a unique spatial depth, realized with contemporary resources and times of action.
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BIOGRAFÍA
N
ace en Santiago de Chile en 1952. En 1972 viaja por primera vez a EE.UU. y estudia un año en Southern Methodist University, Dallas, Texas. Luego, viaja seis meses por la costa oeste de ese país, donde se maravilla con el arte moderno y contemporáneo internacional. Termina sus estudios de Arte en la Universidad Católica de Chile, intercalándolos con estudios de Biología y Psicología, ambos temas que permanecerán presentes en sus preocupaciones y lecturas, junto a la Historia y la Filosofía del arte. Un interés temprano en su vida fue la evolución del ser humano, tema bajo el que realiza su primera exposición individual en Galería Época en 1977. Un año después se radica en Nueva York, donde realiza estudios en Parsons School of
Principales Exposiciones Individuales
2013 Mute, Nohra Haime Gallery, Nueva York, Estados Unidos 2012 Interlude, Nohra Haime Gallery, Nueva York, Estados Unidos 2011 Mute, Sala Gasco Arte Contemporáneo, Santiago, Chile 2010 Interludio, Galería Animal, Santiago, Chile 2007 Resonance, Nohra Haime Gallery, Nueva York, Estados Unidos 2006 Alquimia/Alchemy, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile 2003 Se Muere Se Acaba, Galería Animal, Santiago, Chile 2003 Transmutations, Nohra Haime Gallery, Nueva York, Estados Unidos 1999 Spaces, paintings, Nohra Haime Gallery, Nueva York, Estados Unidos 1999 Spaces, Works on Paper, Grant Selwyn Fine Art, Nueva York, Estados Unidos
Design y al año siguiente asiste a un taller en el Whitney Museum of Art. En 1981 comienza sus estudios en Pratt Institute, Brooklyn, donde obtiene su Masters in fine Arts. A partir de entonces inicia su vida artística profesional exponiendo en diferentes galerías. Vive en Nueva York hasta 1992, año en que regresa a Chile y se radica definitivamente. El año 2000 recibe el encargo de una serie de doce pinturas para la Capilla Cruz, en Santiago. Su exposición retrospectiva llega en 2006. Francisca Sutil. Veinticinco años de pintura: Alquimia fue organizada por el Museo Nacional de Bellas Artes en Santiago. La artista mantiene fuertes lazos con el exterior, especialmente con Nueva York, a donde viaja y expone habitualmente hasta el día de hoy.
TRAYECTORIA En 1978 arriba a Nueva York y permanece ahí por 17 años. Entre 1979 y 1986 inicia su participación activa en el mundo del arte de esa ciudad con su obra de papel hecho a mano (handmade paper). En 1990 comienza a pintar en gesso pigmentado sobre madera y lino. Estas obras comprenden capas de pintura lijadas y unidas, unas a otras, formando una superficie gestual y dinámica. En 1994, con la intención de agregar profundidad, aparecen puntos de cera y óleo. Más tarde, surgen franjas verticales. En la serie Spaces desaparecen los círculos y el foco se centra en las franjas verticales a las que denomina “espacios”, cuyo resultado implica un recorrido del pincel, de una sola vez, de arriba hacia abajo y de izquierda a derecha, sin interrupción ni corrección alguna. Esto requiere concentración total, pues cualquier titubeo o detención del pincel a medio camino destruye el efecto final. Esta técnica forma parte también en las series Transmutations, Resonancias e Interludio. En esta última, aparecen horizontales y verticales.
Su pintura tiene íntima conexión con la historia de la pintura occidental. Los colores opacos que usa hasta mediados de los 90 se vinculan al fresco y, posteriormente, sus óleos sobre gesso pigmentado recuerdan la pintura siglo XVII, donde la atmósfera se trabajaba con veladuras. En la pintura de Sutil esta atmósfera se logra cuando se funden tres estructuras, una de gesso pigmentado a base de agua, otra de óleo y una tercera capa de barniz muy leve, creando así una particular profundidad espacial en la pintura contemporánea. Desde 2009 se aboca a la serie MUTE, en la que explora un lenguaje con fuertes elementos gráficos, acuarelas, guaches, tinta china, óleo y cuyo soporte ha sido el papel. Aquí aparecen formas y marcas de pincel que se repiten, formando una lectura de izquierda a derecha, elemento presente en toda su obra y que constituye parte esencial del carácter de su trabajo. Espontaneidad y control sin estudios previos, hacen que Francisca Sutil enfrente una idea general, desarrollando su camino final de manera continua, segura y natural. Hoy en día realiza una serie de pinturas en lino de gran formato como continuidad de la serie MUTE.
BIOGRAPHY
B
orn in Santiago de Chile in 1952. She travels to the United States for the first time in 1972 and studies at the Southern Methodist University in Dallas, Texas for a year. Then she travels along the North American west coast, where she marvels at international modern and contemporary art. She finishes her art studies at the Universidad Católica de Chile, alternating them with studies in biology and psychology, both subjects that will remain present in her interests and readings, together with history and the philosophy of art. An early interest of hers was the evolution of the human being, a subject under which she holds her first solo exhibition at the Galería Época in 1977. A year later she settles in New York, where she studies at the Parson School of Design and
one year after she participates of a workshop at the Whitney Museum of Art. In 1981 she begins studying at the Pratt Institute in Brooklyn, where she obtains her Master’s Degree in fine arts. From then on, she begins her artistic professional life exhibiting at various galleries. She lives in New York until 1992, when she definitely returns to Chile. In 2000 she receives a commission for a series of twelve paintings for the Cruz chapel in Santiago. Her retrospective exhibition opens in 2006. Francisca Sutil. Veinticinco años de pintura: Alquimia (twenty five years of painting: alchemy) was organized by the Museo Nacional de Bellas Artes in Santiago. The artist maintains strong links abroad, especially with New York, to where she habitually travels and exhibits until today.
“I am psychological and spiritually interested in the evolution of the human being”. FRANCISCA SUTIL
Main individual exhibitions
TRAJECTORY She arrives to New York in 1978 and stays there for seventeen years. Between 1979 and 1986 she begins her active participation in that city’s art world with her paper work (handmade paper). In 1990 she begins to paint on a hard surface with pigmented gesso on linen . These works include layers of sanded down and joined with paint, forming a gesture-oriented and dynamic surface. In 1994 and with the aim of adding depth, wax and oil paint points make their appearance. Later on, vertical stripes emerge. In the Spaces series the circles disappear and the focus centers on the vertical stripes which she calls “spaces”, whose outcome implies a single brush movement, top to bottom and left to right, without any interruption or correction. This requires total concentration, since any hesitation or detention of the brush destroys the final effect. This technique is part of the Transmutations, Resonancias (Resonances) and Interludio (Interlude) series. Her painting has an intimate connection with the history of Western painting. The opaque colors she
“Me interesa la evolución del ser humano, psicológica y espiritualmente”.
uses until the mid 1990s are linked to frescos and later, her oil paint on pigmented gesso remind one of 17th century painting, in which the atmosphere is worked on with glazing. In Sutil’s painting this atmosphere is achieved when three structures fuse themselves, pigmented gesso -a water based material-, with oil paint, and a third very slight barnish layer, thus creating a particular spatial depth in contemporary painting. From 2009 onward she is dedicated to the Mute series in which she explores a language with strong graphic elements, watercolors, gouache, ink and oil paint whose support has been paper. Here, shapes, brush marks appear and repeat themselves, forming a left to right reading, an element present in all of her work and which constitutes an essential part of her work’s character. Spontaneity and control without previous study make Francisca Sutil face a general idea, developing the resolution in a continuous, safe and natural way. She is today working on a series of large format paintings as a continuity of the Mute series.
2013 Mute, Nohra Haime Gallery, New York, United States 2012 Interlude, Nohra Haime Gallery, New York, United States 2011 Mute, Sala Gasco Arte Contemporáneo, Santiago, Chile 2010 Interludio, Galería Animal, Santiago, Chile 2007 Resonance, Nohra Haime Gallery, New York, United States 2006 Alquimia/Alchemy, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile 2003 Se Muere Se Acaba (it dies it ends), Nohra Haime Gallery, United States 2003 Transmutations, Nohra Haime Gallery, New York, United States 1999 Spaces, Paintings, Nohra Haime Gallery, New York, United States 1999 Spaces, Works on Paper, Grant Selwyn Fine Art, New York, United States 77
Fragments of Life nยบ10, 1990, gesso pigmentado, 61 x 61 cm. Fragments of Life nยบ10, 1990, pigmented gesso, 61 x 61 cm.
Celebrations nยบ11, 1996, gesso pigmentado, 122 x 122 cm. Celebrations nยบ11, 1996, pigmented gesso, 122 x 122 cm.
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To Love, 2001, gesso pigmentado y 贸leo, 153 x 306 cm. To Love, 2001, pigmented gesso and oil, 153 x 306 cm.
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Sín título, 2004, gesso pigmentado y óleo, 60 x 60 cm. Untitled, 2004, pigmented gesso and oil, 60 x 60 cm.
Interludio N째 21, 2008, gesso pigmentado y 처leo sobre lino montado sobre madera, 41 x 41 cm. Interlude N째 21, 2008, pigmented gesso and oil on linen mounted on wood, 41 x 41 cm.
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“Ilustración #7”, de la serie Mute, 2010, acuarela y guache sobre papel (Arches), 77 x 58 cm. “Ilustration #7”, from the series Mute, 2010, watercolor and gouche on paper (Arches), 77 x 58 cm.
De la serie Mute, 2010, 贸leo sobre papel, 112 x 76.5 cm. From the series Mute, 2010, oil on paper, 112 x 76.5 cm.
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BEATRIZ MILHAZES brasil
Pintura, collage, instalación, grabado y docencia definen la amplitud del trabajo de la artista Beatriz Milhazes. La interacción de su formación teórico-artística consigue en su trabajo un híbrido cultural que mezcla el barroco con su cultura nativa y muestra una evolución desde la repetición mecánica de imágenes manufacturadas, hacia un registro que se relaciona con lo pop y desafía la unidad espacial de la imagen. Prominentes formas geométricas, ornatos y flores, se combinan en capas de motivos que crean espacios profundos, en los que alcanzan a vislumbrarse las veladuras y el color que los une, provocando una percepción volumétrica. Usando como base algunos patrones que delinean figuras superpuestas, Beatriz Milhazes accede también al mundo del collage, interviniendo sus obras con pintura, dibujo, impresiones, encajes, envoltorios y decorados que acercan la alegoría y efervescencia al espectador. Painting, collage, installation work, engraving and teaching define the width of the artist’s work. The interaction between her theoretical-artistic education achieves a cultural hybrid mixing the baroque with her native culture in her work and shows an evolution from mechanical repetition of manufactured images towards a register related to what is pop and challenging the spatial unit of the image. Prominent geometrical shapes, ornaments and flowers are combined in layers of motives creating deep spaces in which one makes out the glazes and the color uniting them, provoking a volumetric perception. Using patterns outlining over-imposed figures as a basis, Milhazes also accesses the world of collage, intervening her works with paint, drawings, prints, lace, wrappings and decorations that bring the allegory and effervescence to the spectator.
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BIOGRAFÍA
N
ace en Río de Janeiro en 1960. A los 18 años estudia Comunicación Social en la Facultad Hélio Alonso de su ciudad natal y dos años después ingresa a estudiar en la Escuela de Artes Visuales del Parque Lage. Allí obtiene su título profesional y decide permanecer ligada a la institución por lo que, una vez egresada, imparte clases y tutela algunas actividades culturales. Forma parte de la denominada Generación 80, agrupación de artistas brasileños que pretendió recuperar la técnica tradicional del óleo sobre tela, cuya vigencia perdía protagonismo ante las nuevas tendencias conceptuales. Este período experimental ayuda a Beatriz a desarrollar la técnica del esténcil reusable, sobre los que realiza patrones que repite en distintas posiciones en sus composiciones. En 1995 participa en el Carnegie International, del Carnegie Museum of Art, e inaugura su primera exposición individual en Estados Unidos, en la Galería
Principales Exposiciones Individuales
2014 Beatriz Milhazes: Jardim Botânico, Pérez Art Museum Miami (PAMM), Miami, Estados Unidos 2012 Panamericano. Beatriz Milhazes: Pinturas 1999-2012, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Argentina 2011 Beatriz Milhazes, Fondation Beyeler, Basel, Suiza 2009 Beatriz Milhazes, Fondation Cartier pour l’Art Contemporain, París, Francia 2008 Beatriz Milhazes: pintura, colagem, Pinacoteca do Estado de Sao Paulo, Brasil 2001 Beatriz Milhazes, Birmingham Museum of Art, Birmingham, Estados Unidos 2001 Beatriz Milhazes, Ikon Gallery, Birmingham, Reino Unido
Dorothy Goldeen, en Los Angeles. En 1996 y 1997 expone en Edward Thorp Gallery, Nueva York. Continúa sus exposiciones en solitario, esta vez expandiendo su trabajo al continente europeo. Allí expone en la Galería Barbara Faber, en Amsterdam, y luego en la Galería Elba Benitez, Madrid. Entre 1999 y 2008 su presencia internacional se consolida. Durante estos años es invitada a exponer en Estados Unidos, Europa y Asia, participando también en una serie de bienales en distintos países, como la Bienal de Sao Paulo (1998 y 2004) y la 50º Bienal de Venecia (2003). En 2008 exhibe en la Pinacoteca de Sao Paulo, Beatriz Milhazes: Pintura, Colagem, y ese mismo año desarrolla la primera versión de Gamboa, una instalación con elementos del universo carnavalesco, para Prospect 1 New Orleans, U.S. Biennial. En 2010 la versión final de Gamboa se presentó en la Fondation Beyeler, en Basel, Suiza.
TRAYECTORIA Su crecimiento artístico tiene origen técnico en la geometría y el color. La artista brasileña recorre su período formativo universitario buscando su identidad cultural de manera no figurativa. En los años 80 exhibe una exuberante mixtura entre la naturaleza, algunos ornatos y la geometría tradicional. Hacia 1984, sus lienzos incluyen columnas barrocas y ángeles, logrados a través de pinceladas dispuestas en subdivisiones rectangulares. Su trabajo experimental estuvo centrado en la mezcla. Figuras, naturaleza, color y geometría, en función de conseguir su anhelo de unir la plástica a la cultura popular. Líneas y formas no tardan en abrirse espacio, conduciendo un articulado juego de transposiciones que cada vez se torna más complejo. Entre 1989 y 1990, una serie de trabajos muestran indicios de su afán por combinar algunos motivos de color, cuyo soporte es una organización de cuadrículas. Es ahí cuando se sumerge en la investigación del collage. Los significados y conceptos de esta técnica son llevados
pictóricamente hacia la tela, en un ejercicio que la artista desarrolla hasta el día de hoy y que se ha convertido en su sello personal. Beatriz Milhazes pinta cada uno de sus motivos sobre plástico transparente y una vez secos, los traslada al lienzo, donde los sitúa con milimétrica precisión según la intención y conexión buscada. Esta técnica es demorosa y requiere de un prolijo trabajo. Rigurosas capas de pintura y dibujos geométricos le dan una sintaxis a su proceso artístico que alarga sus etapas de creación, secado y manufactura, haciendo su obra cada vez más compleja y detallista. Hacia fines de los 90, la artista explora otros medios distintos a la pintura. Incursiona en la instalación, donde ha producido destacadas obras con su estética característica llevada a la tridimensionalidad. Separados por décadas, en distintos formatos y escalas, las vertientes de su trabajo están organizadas siempre en base a principios pictóricos como el ensamblaje y la división sistemática de planos, siempre teniendo a la pintura como punto de partida y de llegada.
BIOGRAPHY
B
orn in Rio de Janeiro in 1960. At eighteen she studies social communication at the Hélio Alonso faculty in her home city and two years later she begins studying at the visual arts school at Parque Lage. There she obtains her degree and decides to remain linked to the institution, due to which, once graduated, she teaches classes and supervises some cultural activities. She is part of the so called Generación 80 (1980s generation), a group of Brazilian artists that aimed to recuperate the traditional oil paint on canvas technique, whose validity was losing relevance facing the new conceptual trends. This experimental period helps Beatriz to develop the reusable stencil technique, on which she realizes patterns she repeats in different positions in her compositions. In 1995, she participates at Carnegie International, at the Carnegie Museum of Art and opens her first solo exhibition in the Unite States at the Dorothy Goldeen
gallery in Los Angeles. In 1996 and 1997 she exhibits at the Edward Thorp Gallery in New York. She continues with her solo exhibitions, this time expanding her work toward the European continent. There she exhibits at the Barbara Faber gallery in Amsterdam and then at the Galería Elba Benítez in Madrid. Between 1999 and 2008 her international presence consolidates. During those years she is invited to exhibit in the United States, Europe and Asia, also participating at a series of biennials in several countries, such as the Bienal de Sao Paulo (1998 and 2004) and the 50th Venice Biennial (2003). In 2008 she exhibits Beatriz Milhazes: Pintura, Colagem (paintings, collages) at the Pinocoteca de Sao Paulo, and that same year she develops the first version of Gamboa, an installation with elements of the carnivalesque universe for Prospect 1 New Orleans at the U.S. Biennial. In 2010 the final version of Gamboa was presented at the Fondation Beyler in Basel, Switzerland.
“From the beginning of the development of my language, I decided I wanted to transmit my own Brazilian life experience, my own culture to the universe of thought in art. To build a pictorial world starting from this dialogue”. BEATRIZ milhazeS
Main individual exhibitions
TRAJECTORY Her artistic growth has a technical in origin in geometry and color. The artist covers her formative university stage seeking her cultural identity in a non-figurative way. In the 1980s she exhibits an exuberant mixture of nature, some ornamentation and traditional geometry. Toward 1984 her canvas include baroque columns and angels, achieved through brush strokes displayed in rectangular subdivisions. Her experimental work was centered on the mixture. Figures, nature, color and geometry aimed at achieving her aspiration of bringing together the plastic arts and popular culture. Lines and shapes promptly make space for themselves, conducting an ever-complex articulation of trans-positioning. Between 1989 and 1990 a series of works show evidence of her intention to combine some color motives, whose support is an organization of grids. It is there when she submerges in researching on collage. The meanings and concepts of this technique are pictorially taken to the canvas an exercise that the artist develops until today
Desde el inicio del desarrollo de mi lenguaje decidí que quería trasmitirle, al universo del pensamiento de la pintura, mi propia experiencia de vida brasileña, mi propia cultura. Construir un mundo pictórico a partir de este diálogo”.
and which has turned in her personal seal. The artist paints each of her motives on transparent plastic and once dried, she translates them to the canvas, where she places them with millimetric precision according to the desired intention and connection. This technique is laborious and requires prolix work. Rigorous layers of paint and geometric drawings give it her artistic process a syntax that prolongs its stages of creation, drying and manufacture, turning her work increasingly more complex and detail oriented. Toward the late 1990s the artist explores other means different from painting in installation work, where she has produced outstanding works with her characteristic aesthetics taken to a three-dimensional condition. Separated by decades, in different formats and scales, the trends in her work are always organized based on pictorial principles such as assembly and a systematic division of planes, always keeping painting as a starting and end point.
2014 Beatriz Milhazes: Jardim Botánico, Pérez Art Museum Miami (PAMM), Miami, United States 2012 Panamericano. Beatriz Milhazes: Pinturas 1999-2012, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Argentina 2011 Beatriz Milhazes, Fondation Beyler, Basel, Switzerland 2009 Beatriz Milhazes, Fondation Cartier pour l’Art Contemporain, Paris, France 2008 Beatriz Milhazes: pintura, colagem, Pinacoteca de Estado de Sao Paulo, Brazil 2001 Beatriz Milhazes, Birmingham Museum of Art, Birmingham, United States 2001 Beatriz Milhazes, Ikon Gallery, Birmingham, United Kingdom
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A Lua, 1997, acrílico sobre tela, 120 x 140 cm. Fotografía: Christopher Burke. A Lua, 1997, acrylic on canvas, 120 x 140 cm. Photography: Christopher Burke.
Crianças fizeram um homem de neve, 1993-94, acrílico sobre tela, 153 x 162 cm. Fotografía:Christopher. Burke. Crianças fizeram um homem de neve, 1993-94, acrylic on canvas, 153 x 162 cm. Photography:Christopher. Burke.
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Bailinho, 2007-2008, adhesivo de vinilo sobre vidrio, 347 x 385 cm. Para el proyecto site-specific “Beatriz Milhazes: pintura, collagem” en la Estação Pinacoteca, Sao Paulo, Brasil. Fotografía: Isabella Matheus. Bailinho, 2007-2008, vinyl adhesive on glass, 347 x 385 cm. To “Beatriz Milhazes: pintura, collagem” exhibition site-specific project ocurred at Estação Pinacoteca, São Paulo, Brazil. Photography: Isabella Matheus.
Gamboa, 2010, móvil, técnica mixta, 700 x 150 x 400 cm. Para la muestra site-specific “Beatriz Milhazes” en la Fundación Beyeler, Riehen, Basel, Suiza. Fotografía: Serge Hasenböhler. Gamboa, 2010, mobile, mixed media, 700 x 150 x 400 cm. To “Beatriz Milhazes” exhibition site-specific project ocurred at Fondation Beyeler, Riehen, Basel, Switzerland Photography: Serge Hasenböhler.
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Sinfonía Nordestina, 2008, acrílico sobre tela, 246 x 368 cm. Fotografía: Jason Mandella Sinfonía Nordestina, 2008, acrylic on canvas, 246 x 368 cm. Photography: Jason Mandella
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Chiclete com banana, 2011-12, acrĂlico sobre tela, 220 x 180 cm. FotografĂa: Manuel Aguas & Pepe Schettino Chiclete com banana, 2011-12, acrylic on canvas, 220 x 180 cm. Photography: Manuel Aguas & Pepe Schettino
São Cosme e Damião, 2014, acrílico sobre tela, 250 x 220 cm. Fotografía: Pepe Schettino São Cosme e Damião, 2014, acrylic on canvas, 250 x 220 cm. Photography: Pepe Schettino
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PABLO TAMAYO COLOMBIA
Espacio, volumen y perspectiva. La gama cromática de blanco, gris y negro que Pablo Tamayo utiliza en sus retratos, busca distinguir y mezclar identidades, el individuo y el colectivo. Sus obras desafían la percepción a partir de la tradición histórica y la tecnología contemporánea, paseándose a lo largo de su carrera por dos grandes fuerzas contrapuestas: la historia del arte y la dimensionalidad geométrica. Trabaja en dos vertientes paralelas: la figurativa y la geométrica abstracta. Ahonda en el lenguaje digital imprimiendo las características de las nuevas tecnologías para expandir su arte. Hoy, no sólo soportes bidimensionales describen su carrera artística, sino también esculturas y video. El desafío es a mirar su obra de diferentes perspectivas, recorrerla de lado a lado y descubrir en ella los detalles que cuestionan la esencia humana. Space, volume and perspective. The chromatic range of white, grey and black that Pablo Tamayo uses in his portraits seeks to distinguish and mixing identities, the individual and the collective. His works challenge perception from the historical tradition and contemporary technology, along his trajectory covering two great opposed forces: the history of art and geometrical dimensionality. He works on two parallel aspects: figuration and abstract geometry. He deepens digital language giving the characteristics of the new technologies to expand his art. Today, not only two-dimensional supports describe his artistic trajectory, but also sculptures and video. The challenge is looking at his work from different perspectives, tour it from side to side and discovering in it the details questioning the human essence.
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BIOGRAFÍA
N
ace en Bogotá, Colombia, en 1972. Realiza sus estudios de Bellas Artes en Florencia, Italia, a partir de 1992. Desde entonces comienza a practicar los retratos, motivo que le acompaña hasta nuestros días. Su formación académica transcurre en su mayoría en Italia. Allí, en 1996, se especializa en técnicas de grabado en la Scuola Internazionale di Specializzazione di Grafica d’Arte. La figura humana y la apariencia física son su misterio. Por eso, luego de perfeccionar la técnica plástica, comienza a estudiar el rostro por dos motivos: es la matriz de la expresión individual y el estímulo más fuerte de su conceptualización artística.
Principales Exposiciones Individuales
2008 Pinta, RJFineArt, Nueva York, Estados Unidos 2007 Cutting Edge Portraiture: Miami Art Crowd, Bernice Steinbaum Gallery, Miami, Estados Unidos 2004 Art Basel Miami, Bernice Steinbaum Gallery, Miami, Estados Unidos 2003 Digital Realism, Kevin Bruk Galery, Miami, Estados Unidos 1999 Retratos, Fundación Santillana, Santafé de Bogotá, Colombia
Héroes y Villanos es una de sus series más conocidas. En ésta, busca los rasgos identitarios y la esencia del individuo en un colectivo, logrando ver las facetas del ser humano. Mezcla técnicas contemporáneas, consiguiendo combinar un sinnúmero de rostros en una sola obra y un solo individuo. El resultado le trae grandes descubrimientos que potencian su carrera. Las facciones reconocibles representan la imagen de un todo compacto y con identidad propia, variante y dispersa. Desde 2008, entra en una nueva fase de experimentación. Da forma a un proyecto plástico en el que la abstracción geométrica y el diseño son apoyados por un computador. Aunque siempre usó la tecnología, la profundización en ella le exhibe hoy una nueva artista para continuar explorando.
TRAYECTORIA La trayectoria de Pablo Tamayo recorre una multiplicidad de materiales. El artista ha dicho trabajar en base a dos grandes fuerzas: el arte histórico y la tradición, y la tecnología, cuyo carácter le propicia las herramientas para unir, por medio del arte, el pasado y el futuro. Su coexistencia le permite complementar la tradición artística, característica de técnicas como el retrato, al que ha recurrido en innumerables ocasiones, y la contemporaneidad, con la que ha incursionado derechamente en sus últimos años, abriendo una vertiente más próxima a la geometría. El rol de la tradición ha hecho que su trabajo transite por una mixtura entre lo ancestral del retrato, su evolución fotográfica y la tecnología contemporánea disponible, presentando modelos de apropiación de los valores tradicionales a través de un lenguaje moderno. A partir de la década del 2000, reconstruye por medio de las técnicas investigadas algunas imágenes de forma digital, uniendo el rastro de la historia del arte con tecnologías disponibles sólo en los últimos años.
Es entonces cuando se encuentra con el concepto de trascendencia, aquello que supera lo físico e iguala a los individuos en lo abstracto. La combinación de técnicas que van desde la tecnología de un computador, routers informáticos de control numérico, corte láser, vinilo y plotters de corte y video, junto a la pintura, collage, serigrafía, el grabado y el dibujo, hacen de su trabajo una conjunción de sentido y técnica. En 2001 mezcla esmalte en base a aceite y usa una gama que va desde el blanco al negro en 98 tonos de gris. Utiliza lienzos perforados con láses para hacer que cientos de agujeros conformen los rasgos y facciones de decenas de personas en una sola. Alfileres pintados en el degradé que surge del negro al blanco sobre metal. En los últimos años ha investigado la tecnología 3D, modelando a través de animaciones las tecnologías usadas tanto en el cine como en la arquitectura. La forma en que el espacio es percibido, es el tópico de búsqueda que ha iniciado a indagar por medio de la geometría.
BIOGRAPHY
B
orn in Bogotá, Colombia in 1972. He conducts his studies in fine arts in Florence, Italy, starting in 1992. From then on he begins practice portraying, a motive still accompanying him today. His academic training occurs mostly in Italy. There he specializes in engraving techniques at the Scuola Internazionale di Specializzazione di Grafica d’Arte in 1996. The human figure and physical appearance are his mystery. That is why, after perfection the plastic technique, he begins to study the face for two reasons: it is the matrix of individual expression and the strongest stimuli of his artistic conceptualiztion. Héroes y Villanos (heroes and villains) is one of his
best-known series. In it, he searches for the identity factor features and the essence of the individual in a collective, achieving to see the aspects of human beings. He mixes contemporary techniques, managing to combine an infinite number of faces in a single work and only one individual. The result brings him great discoveries that strengthen his trajectory. The recognizable features represent the image of a compact whole with its own, variable and disperse identity. Beginning in 2008 he enters a new stage of experimentation. It gives shape to a plastic project in which geometric abstraction and design are supported by a computer. Even if he always used technology, its deepening shows him a new aspect to keep exploring.
“There is not only one, but multiple glances on the reality that presents itself before us”. PABLO TAMAYO
Main individual exhibitions
TRAJECTORY Pablo Tamayo’s trajectory covers a multiplicity of materials. The artist has said that he works based on two great forces: historic art and tradition and technology, whose character gives him the tools to, through art, bringing together the past and the future. Their coexistence allows him to complement artistic tradition, technical features such as portraits, to which he has turned to on countless occasions, and contemporaneousness, into which he has directly ventured in recent years, opening a new aspect closer to geometry. The role of tradition has made his work transit on a mixture of what is ancestral about portraits, their photographic evolution and available contemporary technology, presenting appropriation models of traditional values through a modern language. Beginning in 2000, he digitally reconstructs some images by means of the researched techniques, joining the trace of the history of art with technologies only recently available. It is then that he arrives to the
Sobre la realidad que se nos presenta, no sólo hay una, sino múltiples miradas”.
concept of transcendence, that which surpasses what is physical and equals individuals in abstraction. The combination of techniques ranging from computer technology, numerical control informatics routers, laser cutting, vinyl and cutting and video plotters, together with painting, collage, screen printing and drawing, make of his work a conjunction of meaning and technique. In 2001 he mixes oil-based enamel that goes form white to black in ninety-eight tones of grey. He uses canvas drilled with a laser; hundreds of holes conform characters and features dozens of people into a single person. Pins painted on gradually shaded surface that emerges from the black to white on metal. In recent years he has researched 3D technology, modeling the technologies used both in cinema as in architecture through animations. The way in which space is perceived is the research topic he has begun to investigate through geometry.
2008 Pinta, RJFineArt, New York, United States 2007 Cutting Edge Portraiture: Miami Art Crowd, Bernice Steinbaum Gallery, Miami, United States 2004 Art Basel Miami, Bernice Steinbaum Gallery, Miami, United States 2003 Digital Realism, Kevin Bruk Galery, Miami, United States 1999 Retratos, Fundación Santillana, Santafé de Bogotá, Colombia
101
Belleza Colombiana, 2011. esmalte sobre plexiglass fresado, 130 x 130 cm. Colombian Beauty, 2011. enamel on CNC milled plexiglass, 130 x 130 cm.
Frida Kahlo, 2011, papel cortado con laser sobre fondo de MDF lacado, 130 x 130 cm. Frida Kahlo, 2011, laser cut paper on laquered MDF, 130 x 130 cm.
103
Casa Proyecto Techo, 2013, madera laminada de calidad de maqueta sobre MDF lacado, 25 x 50 x 35 cm. House Project Techo, 2013, model grade plywood on laquered MDF, 25 x 50 x 35 cm.
Raton Rojo, 2009, aluminio lacado sobre hierro lacado, 100 x 80 x 55 cm. Red Mouse, 2009, lacquered aluminum on lacquered stee, 100 x 80 x 55 cm.
105
Nudo_01, 2015, hierro cortado y lacado, 114 x 114 cm. Knot_01, 2015, cut and lacquered steel, 114 x 114 cm.
Serie: Infinitos, 2008 -2010, hierro cortado en laser y lacado, 120 x 210 cm. Series: Infinites, 2008 -2010, laser cut lacquered steel, 120 x 210 cm.
107
NYC_Manhattan Bridge, 2014, impresion inkjet laminada en plexiglass, 110 x 197 cm. NYC_Manhattan Bridge, 2014, inkjet print mounted on plexglass, 110 x 197 cm. p谩g der. MOR_Puerta, 2014, impresi贸n inkjet laminada en plexiglass, 197 x 110 cm. MOR_Door, 2014, Inkjet print mounted on plexglass, 197 x 110 cm.
109
JOSÉ TOLA PE R Ú
Autor de una serie de personajes antropomorfos que habitan los más diversos soportes del arte. La carrera artística de José Tola está en constante lucha con el encuadre. Queriendo eximirse de los límites y pretextos propios de la superficie, aquellos seres de manos crespas, curvos y resaltantes e intimidantes ojos, protagonizan sus obras, transitando desde el lienzo a la madera, de la escultura hasta el vitral. El color forma e informa, lucha al mismo tiempo con los elementos ocultos de su obra: demonios, hechiceros, risas y presencias. El multidisciplinario artista, una de las figuras de la plástica contemporánea más importante en América Latina, juega con la emoción proyectada y la interpretación del espectador, que encontrará deseo, vulnerabilidad, ternura e indiferencia. Author of a series of anthropomorphous characters inhabiting the most diverse supports of art, José Tola’s artistic trajectory is in a constant struggle with framing. Wanting to receive an exemption of the limits and pretexts proper of the surface, those beings with cringing hands, curved and intimidating eyes, the protagonists of his works, transiting from canvas to wood, from sculpture to stained glass. Color forms and informs, it simultaneously struggles with the hidden elements of his work: demons, warlocks, laughter and presences. The multidisciplinary artist, one of the most important figures of contemporary plastic art in Latin America, plays with the projected emotion and the interpretation of the spectator, who will find vulnerability, tenderness and indifference.
111
BIOGRAFÍA
N
ace en Lima, en 1943, aunque su adolescencia y juventud la vive en Los Ángeles, Estados Unidos, junto a su abuelo. Vuelve a su natal Perú a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Lima, en 1962. No finaliza sus estudios pues opta por partir a perfeccionarse a España. En 1963, y durante cuatro años, estudia en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Allí tiene la oportunidad de profundizar en la historia del arte y en la técnica tradicional de restauración y otras que luego definen su huella artística. Terminando la carrera vuelve a dejar España, para arribar esta vez a París.
Principales Exposiciones Individuales
TRAYECTORIA
2001 World Bank. Instalación de obra monumental en el ingreso principal del Latin American & amp, Caribbean Building, Washington, Estados Unidos
La obra del artista peruano se compone de diversas
2001 Imaginary Portraits, óleos, Exposición de Honor. Embajada del Perú en Washington, Estados Unidos 1995 José Tola. Retrospectiva, 1965-1995, Museo de la Nación. Lima, Perú 1989 José Tola. Obra reciente, Museo de Arte Carrillo Gil, D.F., México 1988 Tola. Exposición itinerante. Instituto Nacional de Bellas Artes, D.F., México
En los años posteriores le siguen Alemania, Grecia, Turquía, Irán, Afganistán, Pakistán e India. El artista reconoce dentro de sus aficiones un profundo gusto por viajar. En 1980 trabaja en una exitosa serie de óleos que, en exposición, se venden el mismo día. Cuatro años más tarde decide desligarse del plano horizontal-vertical para encontrar la forma en el mismo soporte. Entonces se va a vivir a Pachacamac, pequeña ciudad cercana al sur de Lima. A partir de 1990 y con taller propio, empieza a trabajar el policloruro de vinilo, polietileno, plásticos, sopletes, salitre y brea, y luego en 1998 recibe el Premio Bienal Tecnoquímica.
el crecimiento artístico que ha traído.
etapas. De los seres deformes que habitan sus óleos
Sus vitrales son cuadriláteros, el elemento que
sobre papel, transita con comodidad hacia superficies de
captura su atención tiene que ver con la característica
madera recortada, algunas esculturas, y llega al macro
que reúne este material, mediante el cual, se puede
formato: grandes pinturas al óleo donde experimenta
observar la forma en que se deshace y desdibuja, a
con el color, oponiendo sus fuerzas en pugna y dejándolo
través de la mirada, una silueta concebida y ordenada.
crear un diálogo propio. Más entrada su carrera, y con
La interpretación se amplía suprimiendo los límites
años de experiencia que lo avalan, decide incursionar
de la superficie. Entonces las figuras antropomorfas
en los vitrales, un mundo totalmente desconocido en
características de su trabajo están inmersas en ellos,
su trayectoria.
reducidas al espacio en que tiene cabida el ojo y, sin
José Tola no se rige por los límites que le impone el soporte. Tal como se ha escrito, el marco límpido y
embargo, extendidas hacia el infinito sin un cuadro que les enmarque.
blanco no fue excusa para atrapar su desarrollo pictórico
Pese a que su trabajo ha colindado a ratos con el
y enmarcarlo dentro de una dimensión determinada.
surrealismo, sobre todo por su lado nostálgico, la
Entonces comenzó una serie de ensayos en los que
intención evolutiva del artista peruano dice relación con
sacó a sus personajes a interactuar con la porosidad,
su cultura e idiosincrasia. Con la historia que se relata
materialidad y textura de otros objetos. Con ello, la
en los entornos en los que habita, con soldados, mapas,
pintura se vuelve un desafío más inspirador, que facilita
signos, relojes y personajes que cruzan la historia del Perú.
BIOGRAPHY
H
e is born in Lima, even if he spends his adolescence and youth in Los Angeles, U.S.A. with his grandfather. He returns to his native Peru to study at the Escuela de Bellas Artes fine arts school in Lima in 1962. He does not conclude his studies, since he chooses going to Spain to continue them. In 1963, and for four years, he studies at the Real Academia de Bellas Artes de San Fernando royal art school in Madrid. There he has the opportunity to go deeper into the history of art and the traditional restoration technique, as well as others that would later define his artistic imprint. After graduating he moves to Paris.
In the next few years Germany, Greece, Turkey, Iran, Afghanistan, Pakistan and India follow. In 1980 he works on a successful series of oil paintings that sell out during their first day of exhibition. For years later he decides to distance himself from the horizontalvertical plane to find the figure on the support itself. He then moves to Pachacamac, a small city near the south of Lima. From the 1990 on and with his own workshop, he begins working with polyvinyl chloride, polyethylene, plastics, blowtorches, sulfide and tar; he receives to Bienal Tecnoquimica techno-chemical biennial prize in 1998.
I am all the characters inhabiting my works”. JOSÉ TOLA
Main individual exhibitions
TRAJECTORY The work of the Peruvian artist is composed by several stages. Form the miss-happened creatures inhabiting his oil paintings on paper, he comfortably transits towards wooden surfaces, some sculptures, until arriving at the macro format: great oil paintings in which he experiments with color, opposing their forces in conflict and letting it create a dialogue of its own. Later on in his career, and with years of experience that back him up, he decides to explore in stained glass windows, a totally unknown field for him. José Tola is not governed by the limits that support imposes on him. As has been described, the limpid and white frame was not an excuse to catch its pictorial development and framing it within a specific dimension. He then began a series of essays in which he brought out his characters to interact with the porosity, the material quality and texture of other objects. And thus, painting becomes a more inspiring challenge, facilitating the artistic growth it has brought with it self.
Yo soy todos los personajes que habitan en mis obras”.
His stained glass windows are four sided rings, the element that captures his attention has to do with the characteristic this material has, through which one can observe the way that it dissolves and blurs a conceived and orderly silhouette through the glance. The interpretation is broadened suppressing the limits of the surface. The anthropomorphic figures characteristic in his work are then immersed in them, reduced to the space in which the eye fits, and nonetheless, extended towards the infinite, without a painting to frame them. Despite that, his work has at times attached surrealism; especially in his nostalgic aspect, the evolutionary intention of the Peruvian artist’s work is in relation with his culture and idiosyncrasy. With the history it narrates to him, in the surroundings in which he inhabits with soldiers, maps, signs, watches and characters that cross the history of Peru.
2001 World Bank. Instalación de obra monumental en el ingreso principal del Latin American & amp, Caribbean Building, Washington, Estados Unidos 2001 Imaginary Portraits. Retratos imaginarios. Óleos, Exposición de Honor, Embajada del Perú en Washington, Estados Unidos 1995 José Tola. Retrospectiva, 1965-1995. Museo de la Nación. Lima, Perú 1989 José Tola. Obra reciente, Museo de Arte Carrillo Gil, México D.F., México 1988 Tola. Exposición itinerante. Instituto Nacional de Bellas Artes, D.F., México
113
1999
Mujer con manto rojo, 1980, 贸leo sobre tela, 60 x 50.5 cm. Mujer con manto rojo, 1980, oil on canvas, 60 x 50.5 cm.
Sin T铆tulo, 1980, 贸leo sobre tela, 75 x 60 cm. Untitled, 1980, oil on canvas, 75 x 60 cm.
115
Las manos, 1994, 贸leo sobre tela, 120 x 100 cm. Las manos, 1994, oil on canvas, 120 x 100 cm.
Sin t铆tulo, 1995, 贸leo sobre tela, 99 x 79.5 cm. Untitled, 1995, oil on canvas, 99 x 79.5 cm.
117
Amanecerá, hoy también sin ti, 2001, óleo sobre tela, 150 x 180 cm. Amanecerá, hoy también sin ti, 2001, oil on canvas, 150 x 180 cm.
The end, 2002, 贸leo sobre tela, 150 x 170 cm. The end, 2002, oil on canvas, , 150 x 170 cm.
119
Mujer regresando de sus encantados sueños, 2011, óleo sobre tela, 150 x 150 cm. Mujer regresando de sus encantados sueños, 2011, oil on canvas, 150 x 150 cm.
Digan lo que digan las verdades ocurren, 2011, 贸leo sobre tela, 130 x 150 cm. Digan lo que digan las verdades ocurren, 2011, oil on canvas, 130 x 150 cm.
121
ELIAS CRESPIN V ENE Z U E L A
Su trabajo fusiona matemática y arte. Dueño de conocimientos técnicos que trascienden el mero cruce de la geometría con la tecnología, Elias Crespin realiza obras cuyo movimiento fluido y orgánico explora los intersticios entre forma e informe, orden y caos. El encuentro entre arte e informática le permite desarrollar esculturas e instalaciones modulares que evolucionan en el espacio. Mediante el uso de motores dirigidos por un software creado por el artista, consigue expresar el movimiento sincronizado de una coreografía geométrica. El arduo trabajo de investigación que retoma los referentes históricos del cinetismo para desarrollar una nueva poética sobre el desplazamiento, el equilibrio y la armonía como parte de un caos controlado, lo posicionan como un referente del arte venezolano. His work fuses mathematics and art. Owner of technical knowledge that transcend the mere crossing between geometry and tecnology, Elias Crespin makes works whose fluent and organic movement explores the interstices between shape and shapeless, order and chaos. The encounter of art and informatics allows him to develop modular sculptures and installations that evolve in space. Through the use of motors controlled by software made by the artist, he achieves the expression of the synchronize movement of a geometrical choreography. The arduous research work picks up the historical reference of kinetic movements that allows him to develop a new poetry on movement, balance and harmony as part of a control chaos, with places him as a reference of the Venezuelan art.
123
BIOGRAFÍA
N
ace en Caracas, Venezuela, en 1965. Nieto de la artista venezolana de origen alemán Gego (Gertrud Goldschmidt) e hijo de matemáticos, su legado familiar será de vital importancia en su desarrollo personal y profesional. Entre 1984 y 1990 estudia Ciencias de la computación en la Universidad Central de Venezuela. Antes de empezar su trayectoria artística, trabaja para distintas compañías de software e instala su propia consultora. Durante una visita al Museo de Bellas Artes de Caracas, en el año 2000, tuvo lugar el encuentro decisivo con el Cubo Virtual de Jesús Rafael Soto. Frente a esta obra imagina las fórmulas matemáticas
Principales Exposiciones Individuales
2015 Coreografías Geométricas, Das Kleine Museum, Weissenstadt, Alemania 2014 From thread and air, en colaboración con Tai Ping Carpets, Hôtel de Livry, Showroom Tai Ping, París, Francia 2014 Temps suspendu, Galerie de la Marine, Niza, Francia 2014 Elias Crespin, Galerie Denise René Espace Marais, París, Francia 2013 Elias Crespin, Musée en Herbe, París, Francia 2011 Elias Crespin. Electrokinetics, Haus Konstruktiv, Zürich, Suiza 2010 Hiperficies, Ars Longa Gallery, París, Francia
a través de las cuales ponerla en movimiento. Desde ese momento, aplica sus conocimientos matemáticos e informáticos para expresar la belleza de los números y sus posibilidades plásticas. En el año 2002 empieza a trabajar en su primera escultura, Malla Electrocinética I. Su cercanía con la geometría lo insta a encontrar la manera de utilizar algoritmos y fórmulas matemáticas en la creación de sistemas cambiantes que exploran las relaciones del movimiento con el tiempo y el espacio. Desde 2008 vive y trabaja en París, donde conoce a Carlos Cruz-Diez, quien lo incita a continuar con perseverancia su trabajo e investigaciones.
TRAYECTORIA Sus incursiones artísticas están fuertemente influenciadas por su formación académica y científica. En su primera obra, Malla Electrocinética I, resultado de dos años de investigación, se encuentran reunidas las características principales que rigen su trabajo posterior. Sus obras desarrollan una danza en el espacio, mediante lentas transformaciones, en una coreografía diseñada y controlada por el artista. Su trabajo vislumbra un amplio conocimiento en programación. Usa mallas metálicas modeladas a mano o elementos suspendidos por hilos imperceptibles que forman figuras geométricas en movimiento. A partir de 2008, la influencia del encuentro con Carlos Cruz-Diez se percibe en la introducción de elementos de plexiglás coloreado en sus esculturas. En 2010, con Hiperficies, tiene lugar su primera exposición individual en la capital francesa. 2012 es un año particularmente importante en el
desarrollo de su carrera. Presenta su primera muestra individual en Nueva York, Parallels, en la galería Cecilia de Torres Ltd. Ese mismo año, su obra Plano Flexionante Circular (2012) entra en la exposición Turbulences, en el Espace Culturel Louis Vuitton en París. Un año más tarde, Elias Crespin es uno de los artistas seleccionados para la ya histórica exposición Dynamo en el Grand Palais de París, que retrata un siglo de arte óptico y cinético. En 2014, la invitación para una exposición personal en la Galerie de la Marine en Niza es la ocasión para explorar por primera vez la relación entre el movimiento y la música. Su obra Circuconcéntricos fluo bleu se nutre de la colaboración con el compositor Jacopo Baboni Schilingi, cuya música original generativa se despliega en tiempo real, a partir del movimiento de la obra. En 2015 llega al Das Kleine Museum en Weissenstadt, con Coreografías Geométricas, su primera exposición personal en Alemania.
BIOGRAPHY
B
orn in Caracas, Venezuela in 1965. Grandson of the Venezuelan artist of German origin Gego (Gertud Goldsmith), and son of mathematicians, his family legacy will be of vital importance in his personal and professional development. Between 1984 and 1990 he studies computer science at the Universidad Central de Venezuela. Before beginning his artistic career, he works for several software companies and sets up his own consulting office. During a visit to the Museo de Bellas Artes de Caracas in 2000, he has a critical encounter with the Cubo Virtual of Jesus Rafael Soto. While contemplating this
piece, he imagines the mathematical formulas through which it can be set into motion. From that moment on he ussed his mathematical and informatics skills to express the beauty of numbers and their artistic possibilities. In 2002 he begins working on his first sculpture, Malla Electrocinetica I. His closeness with geometry impulses him to find the way of using mathematical algorithms and formulas in the creation of changing systems that explore the relations between movement along with time and space. Since 2008 he lives and works in Paris, where he meets Carlos Cruz Diez, whom encourages him to persevere in continuing his work and research.
“I have always felt attracted to shapes and logic”. Elias Crespin
Main individual exhibitions
TRAJECTORY His artistic explorations are strongly influenced by his academic and scientific training. In his first work, Malla Electrocinética I, the outcome of two years of research, the main characteristic that will rule is later work have already come to be. His works develop a dance in space through slow transformations, in a choreography designed and controlled by the artist. His work envisages a broad knowledge in programming. He uses hand-molded metallic mesh or elements suspended by unperceivable threads forming geometric figures in motion. Starting in 2008, the influence of the encounter with Carlos Cruz-Diez is perceived in the introduction of colored Plexiglas elements into his sculptures. He holds his fist solo exhibition Hiperficies in Paris in 2010. 2012 is a particularly important year in the development of his career. He presents Parallels, his
Siempre he sentido atracción por las formas y la lógica”.
first solo exhibition at Cecilia de Torres Ltd. Gallery in New York. That same year his piece Plano Flexionante Circular (2012) is part of the Turbulences exhibition at the Espace Culturel Louis Vuitton in Paris. A year later he is one of the artists selected for the historical exhibition Dynamo at the Grand Palais in Paris, portraying a century of optical and kinetic art. In 2014, the invitation for a solo exhibition at the Galerie de la Marine in Nice is the occasion to explore for the first time the relation between movement and music. His piece Ciruconcéntricos fluo bleu nourishes from the aid of the composer Jacob Baboni Schilingi, whose original generative music is displayed in real time, developing from the movement of the piece. In 2015 the artist arrives at the Das Kleine Museum in Weissenstadt with Geometric Choreographies, his first solo exhibition in Germany.
2015 Geometric Choreographies, Das Kleine Museum, Weissenstadt, Germany 2014 From Thread And Air, collaboration with Tai Ping Carpets for the 2014 Designer’s Days, Hôtel de Livry, Paris, France 2014 Temps suspendu, Galerie de la Marine, Nice, France 2014 Elias Crespin, Galerie Denise René, Espace Marais, Paris, France 2013 Elias Crespin, Musée en Herbe, Paris, France 2011 Elias Crespin. Electrokinetics, Haus Konstruktiv, Zürich, Switzerland 2010 Hiperficies, Ars Longa gallery, Paris, France
125
Malla Electrocinética I, 2002-2004, aluminio, plomos, nylon, motores, computadora, interfaz electrónica, 50 x 50 cm. Malla Electrocinética I, 2002-2004, aluminium, leads, nylon, motors, computer, electronic interface,50 x 50 cm.
127
Pentaconc茅ntricos Brass, 2012, lat贸n, nylon, motores, computadora, interfaz electr贸nica, 100 x 95 cm. Pentaconc茅ntricos Brass, 2012, brass, nylon, motors, computer, electronic interface, 100 x 95 cm.
129
Plano Flexionante Circular, 2012, aluminio, acero inoxidable, latón, nylon, motores, computadora, interfaz electrónica, 300 cm diámetro. Vista de la instalación en el Espace Culturel Louis Vuitton, París, Francia, 2012 Plano Flexionante Circular, 2012, aluminium, stainless steel, brass, nylon, motors, computer, electronic interface, 300 cm diameter. Installation view at Espace Culturel Louis Vuitton, Paris, France, 2012
Plano Flexionante 4, 2013. aluminio, nylon, motores, computadora, interfaz electr贸nica, 2 x 9.6 cm. Vista de la instalaci贸n en la Galerie de la Marine, Niza, Francia, 2014 Plano Flexionante 4, 2013. aluminium, nylon, motors, computer, electronic interface, 2 x 9.6 cm. Installation view at Galerie de la Marine, Nice, France, 2014
131
Trianguconcéntricos fluo rouge, 2014, acrílico, nylon, motores, computadora, interfaz electrónica, 86.6 x 75 cm. Trianguconcéntricos fluo rouge, 2014, plexiglas, nylon, motors, computer, electronic interface, 86.6 x 75 cm.
133
RICARDO MAFFEI chile
Ricardo Maffei es pintor y artista visual. La naturaleza muerta describe el hilo conductor de su trabajo sin llegar a definirlo. Su afición es el retrato de objetos cotidianos que, a través de la técnica del pastel, adquieren el efecto áspero y difuminado de la materialidad. Practica el realismo y postminimalismo, consiguiendo a través del posicionamiento de los elementos geométricos en el cuadro, un sentido exaltado del mundo. Sus pinturas reinterpretan las primeras vistas, llevando a escenas corrientes del diario vivir, un argumento que potencia la idea de lo oculto en lo habitual. Retrata elementos que parecen faltos de identidad; lo consigue haciendo de una escena aleatoria, un instante imposible de replicar en la práctica, motivo por el cual, además de lo meramente estético, consolida su belleza. Ricardo Maffei is a painter and visual artist. Still life describes the common thread of his work without defining it. He is fond of portraying everyday objects that, through his pastel technique, acquire the rugged and blurred effect of materiality. He practices realism and post-minimalism, and through positioning the geometrical elements in the painting, he achieves an exalted sense of the world. His paintings reinterpret the first sights, bringing an argument that boosts the idea of what is hidden in what is habitual to an everyday life scene. He portraits elements that seem lacking an identity; he achieves this by turning a random scene into an instant impossible to be recovered in practice, reason why, besides the purely aesthetic, it consolidates its beauty.
135
BIOGRAFÍA
N
ace en Santiago de Chile en marzo de 1953. Desde sus primeros años exhibe un destacado talento para dibujar. Muchos de sus ex compañeros del Colegio Saint George recuerdan esta genialidad con claridad hasta el día de hoy. Paralelamente a su formación académica, a los trece años realiza cursos de pintura con el profesor Mario Toral en el Instituto Cultural de Providencia. En 1974 comienza sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, carrera que abandona meses después para abocarse por completo al Taller de Miguel Venegas Cifuentes, maestro de pintores realistas, durante dos años. En 1978 se traslada a Madrid, donde reside por
Principales Exposiciones Individuales
2015 Galería AMS Marlborough, Santiago, Chile 2013 Marlborough Gallery, Nueva York, Estados Unidos 2010 Marlborough Gallery, Nueva York, Estados Unidos 2008 Galería AMS Marlborough, Santiago, Chile 2007 Banderas, Marlborough Gallery, Nueva York, Estados Unidos 2004 Galería Marlborough S.A., Madrid, España 2002 Marlborough Gallery, Nueva York, Estados Unidos 2000 Marlborough Gallery, Nueva York, Estados Unidos 1998 A.M.S. Marlbourough Santiago, Chile 1996 Galería Tomás Andreu, Santiago, Chile 1987 Galería Egam, Madrid, España
10 años. Durante un tiempo trabaja como retratista en Marbella e intercala su estadía en España con frecuentes viajes a Tánger, Marruecos, donde trabaja y aprende del reconocido artista chileno, Claudio Bravo. Un año antes de volver a Chile, Maffei consigue hacer su primera exposición individual en la Galería Egam, Madrid. En 1988 regresa a su país natal para vivir y trabajar en el Valle del Aconcagua. Para el año 2000 expone por primera vez en la Marlborough Gallery de Nueva York, lugar donde exhibe sus obras regularmente hasta nuestros días. Quince años después, su trabajo ha sido mostrado en Nueva York, Madrid, Miami, Montecarlo, El Salvador, París, Dubai, Buenos Aires y Santiago.
TRAYECTORIA Su trabajo artístico tiene su primera incursión formal a la edad de trece años. La facilidad con la que practica el dibujo se complementa con las lecciones que recibe de Mario Toral y encauzan su afición hacia la técnica del realismo. Es entonces cuando descubre que el retrato de los pliegues y distintivos detalles que se observan en la realidad serán el objeto de su trabajo a través de dos técnicas: el óleo sobre tela y el pastel. Esta segunda es, sin duda, su favorita. Primeramente, su atención la roba la naturaleza muerta y los entornos solitarios. Siempre conducido por el marco académico realista, procura conservar el equilibrio en sus trabajos, posicionando los objetos y elementos en escena de acuerdo a su peso visual. Este marcado estilo toma fuerza una vez que comienza sus estudios con Venegas Cifuentes, cuyo rigor y tradición académica marcan su técnica y le revelan nuevas vetas en las que trabajar. Estando en España retrata vegetales, peces, desnudos, entre otros. Otra de sus grandes influencias toma lugar
en este período, por medio de su cercanía y amistad con el pintor Claudio Bravo, quien marca su método de trabajo definitivamente y lo insta a investigar, a través de él, su sello personal. Su evolución pictórica presenta una propensión a reducir una temática a su esencia. Así, los cortes de tela doblados, el papel sobre un fondo limpio, exhiben la manera en que el artista conduce y fija la mirada en los elementos geométricos dominantes y sus bemoles. Los planos de color, la materialidad de las figuras y la calidad y rugosidad de ellas representadas, modelan eso que ha denominado “la belleza oculta” de la cotidianeidad, que trasciende a lo real. En etapas posteriores incursiona en el minimalismo. Varios de sus trabajos son representaciones de cortes de tela doblados con descuido y puestos sobre una mesa. En ellas, el contraste de colores y las texturas se expresan abandonando la técnica exigente y perfeccionista para insinuar y dotar de simbolismo su obra.
BIOGRAPHY
H
e is born in Santiago de Chile in March 1953. He shows an outstanding skill for drawing from his early years. Many of his ex classmates at the Saint George’s College clearly remember this talent to this day. Parallel to his academic education, at thirtheen he takes painting courses with professor Mario Toral at the Providencia cultural institute. He begins his studies in painting at the Universidad de Chile fine arts school in 1974, which he abandons months later to completely dedicated himself to the Miguel Venegas Cifuentes workshop, named after a master of the realist painters, for two years. He moves to Madrid in 1978, where he resides for
ten years. He works as a portrait artist in Marbella and intersperses his stay with frequent trips to Tangier, Morocco, where he works with studies under renowned Chilean artist Claudio Bravo. One year before returning to Chile, Maffei holds his firs solo exhibition at the Egam gallery in Madrid. He returns to his home country in 1988 to live and work in the Aconcagua valley. By 2000 he exhibits at the Marlborough gallery in New York for the first time, where he regularly shows his works up to this day. Fifteen years later, his work has been exhibited in Madrid, Miami, Monte Carlo, El Salvador, Paris, Dubai, Buenos Aires and Santiago.
I seek for beauty where people do not see it”. RICARDO MAFFEI
Main individual exhibitions
TRAJECTORY His work has its formal incursion at the age of thirteen. The ease with which he draws is complemented by the lessons he receives from Mario Toral and channel his pastime towards the technique of realism. It is then he discovers portraiture of the folds and colorful details observed in reality will be the aim of his work through two techniques: oil on canvas and pastel. The later is, without a doubt, his favorite. Firstly, his attention is taken by still lives and solitary surroundings. Always led by the realist academic frame, he tries to preserve the balance in his works, placing the objects and elements on the scene according to their visual weight. This marked style takes on strength once he begins his studies of Venegas Cifuentes, whose rigor and academic tradition mark his technique and reveal him new seams to work on. While in Spain he portraits vegetables, fish, and nudes among others. One of his other great influences
Busco la belleza donde la gente no la ve”.
takes place during this period, through his closeness and friendship with painter Claudio Bravo, who decisively marks his work method and urges him to research his personal touch, trough himself. His pictorial evolution presents a propensity towards reducing an issue to its essence. Thus, the folded canvas cuts, paper on a clean background, exhibit the way in which the artist conducts and fixes the gaze on the dominating geometrical elements and their drawbacks. The color planes, materiality of the figures and their represented quality and roughness, model that which he has denominated “the hidden beauty” of everyday life, which transcends what is real. In later stages he makes san incursion into minimalism. Several of his works are representations of folded canvas cuts carelessly put on a table. In them, the contrast of colors and textures are expressed abandoning the rigorous and perfectionist technique to insinuate and assigning his work symbolism.
2015 Galería AMS Marlborough, Santiago, Chile 2013 Marlborough Gallery, New York, United States 2010 Marlborough Gallery, New York, United States 2008 Galería AMS Marlborough, Santiago, Chile 2007 Banderas, Marlborough Gallery, New York, United States 2004 Galería Marlborough S.A., Madrid, Spain 2002 Marlborough Gallery, New York, United States 2000 Marlborough Gallery, New York, United States 1998 A.M.S. Marlbourough Santiago, Chile 1996 Galería Tomás Andreu, Santiago, Chile 1987 Galería Egam, Madrid, Spain 137
Sin TĂtulo, pastel sobre papel, 1996, 106.7 x 71.8 cm Untitled, pastel on paper, 1996, 106.7 x 71.8 cm
Sin tĂtulo, 1997, pastel sobre papel, 98 x 71 cm. Untitled, 1997, pastel on paper, 98 x 71 cm.
139
Sin tĂtulo, 2002, pastel sobre papel, 72 x 105.5 cm. Untitled, 2002, pastel on paper, 72 x 105.5 cm.
Sin tĂtulo, 2008, pastel sobre papel, 70 x 106.5 cm. Untitled 2008, pastel on paper, 70 x 106.5 cm.
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Sin tĂtulo, 2013, pastel sobre papel, 47.5 x 41 cm. Untitled, 2013, pastel on paper, 47.5 x 41 cm.
Sin tĂtulo, 2014, pastel sobre papel, 76 x 62 cm. Untitled, 2014, pastel on paper, 76 x 62 cm.
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Sin tĂtulo, 2015, pastel sobre papel, 62,3 x 116,5 cm. Untitled, 2015, pastel on paper, 62,3 x 116,5 cm.
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MARTA CHILINDRÓN A R GENT I N A
Marta Chilindrón ha trabajado el perspectivismo desde todos sus ángulos y frentes. La multiplicidad de percepciones que éste le brinda para la representación la ha llevado a trabajar con el espacio y los planos, dando vida a las miradas relativas que condicionan la absorción cabal de la realidad. Su lenguaje visual ha sido una rigurosa exploración de la percepción, la perspectiva y el cuerpo a través de la geometría. Pasa por la pintura del paisajismo, el autorretrato, la escultura, la abstracción y la instalación. En sus propuestas, simples formas geométricas son usadas como punto de partida para construir composiciones complejas que se despliegan en el tiempo y el espacio. Su discurso busca enlazar aquello que une al hombre con su entorno y que no se cuestiona visionariamente, poniendo énfasis en lo disímiles y múltiples que pueden ser las percepciones de sus relaciones. Marta Chilindrón has worked around perspectivism from all of its angles and fronts. The multiplicity of perceptions it affords representation has lead her work with space and planes, infusing life into the relative glances conditioning the thorough absorption of reality. Her visual language has been a rigorous exploration of perception, perspective and the body through geometry. She covers landscape painting, self-portraits, sculpture, abstraction and installation work. In her proposals, simple geometric forms are used as a starting point to build complex compositions displayed in time and space. Her discourse seeks to link that which unites man with his surroundings, and which is not questioned in a visionary way, giving emphasis in how dissimilar and multiple the perception of their relations can be.
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BIOGRAFÍA
N
ace en 1951 en Buenos Aires, Argentina, y crece en Montevideo, Uruguay. En 1969 se traslada a vivir a Estados Unidos, donde cursa un bachillerato en Artes en la Universidad Estatal de Nueva York, en Old Westbury. La carrera dura cuatro años y en sus vacaciones organiza viajes al extranjero. Así, pasa dos veranos en el Estudio Camnitzer-Porter en Valdottavo, Italia, donde estudia grabado con los artistas Luis Camnitzer y Liliana Porter. En 1983 es aceptada para pasar dos años en el National Studio Program PS1, perteneciente al MoMA. Allí descubre la dicotomía perceptiva que es capaz de generar la perspectiva. Esa característica del arte la atrae y conduce al camino exploratorio y de investigación del perspectivismo. Desde 1989 colabora por cinco años con
Principales Exposiciones Individuales
2014 EXPAND//FOLD//COLLAPSE// Sculptures by Marta Chilindron, The Great Hall Exhibitions, Institute of Fine Arts, New York University, Nueva York, Estados Unidos 2013 Marta Chilindron: Integral Geometries, MoLAA, Museum of Latin American Art, Long Beach, California, Estados Unidos 2011 Marta Chilindron: Constructions, Cecilia de Torres, Ltd., Nueva York, Estados Unidos 1999 Marta Chilindron - Cinema Kinesis, El Museo del Barrio, Nueva York, Estados Unidos 1997 Marta Chilindron: Dimensions, Cecilia De Torres, Ltd., Nueva York, Estados Unidos 1991 Living Sculptures, (series of 4) con Eduardo Costa, diferentes emplazamientos en el centro de Nueva York, Estados Unidos
el artista argentino Eduardo Costa. En 1997 exhibe su primera exposición individual en la Galería de Cecilia Torres, Ltd., Nueva York. Intentando maximizar los descubrimientos técnicos, llega dos años después a realizar la instalación Cinema Kinesis para el Museo del Barrio en Nueva York. En 2000 comienza a trabajar con acrílico transparente en distintas tonalidades. Hacia 2006 participa con Sculptures en Sites of Latin American Abstraction, CIFO, exposición de grandes exponentes del arte en Latinoamérica. En 2014 exhibe Cube 48 Orange en Art Basel, Hong Kong, que también forma parte de su exposición individual en el Institute of Fine Arts de la Universidad de Nueva York, titulada EXPAND//FOLD//COLLAPSE//.
TRAYECTORIA Sus inicios artísticos estuvieron marcados por una mirada espectral de ambientes familiares. A través de la pintura, aún en un principio y de manera muy diferente al trabajo que hoy realiza, el perspectivismo estuvo presente. En una primera instancia explora el cuerpo humano y sus curvaturas, delineando la base mediante la cual puede conservar el mismo concepto -pero extendido a otra temática- y exhibir la perspectiva de una postura determinada, cambiando posiciones. Estos trabajos son parte de sus Self-Portraits, en los que la artista toma su cuerpo de referente, sin llegar a retratar su rostro. Así, por medio de la proyección de sus extremidades y alguna gestualidad corporal, se crea el movimiento en la escena. En 1980, sin agotar los escenarios posibles, construye objetos de madera que no proponen una utilidad, sino la observación del público. La búsqueda consiste en mostrar la relación que existe entre el ser humano y la percepción de los objetos que lo rodean. A principios de los 90 trabaja la geometría y abstracción
con Julio Alpuy, artista uruguayo instruido por Joaquín Torres-García. En esa década también colabora con el artista conceptual Eduardo Costa para crear una serie de intervenciones públicas. En 1992 crearon Touched by light, en la que proyectaron la imagen de una mano en la fachada de edificios de Manhattan desde un camión en movimiento. A modo de dupla también crearon proyectos en Brasil y Chile. En el 2000 comienza a trabajar el acrílico transparente, comprimiendo la profundidad a través de sus domestic environments (ambientes domésticos), como la misma artista los llama; objetos-situación que aluden a la frontera entre el plano, lo bidimensional y tridimensional, desafiando los límites del espacio. Hoy, su obra interactúa con el público a través de la geometría, cuyo trabajo de capas de color y movimiento genera una visualización que proyecta una interesante faceta, haciendo de una sola escultura una completa experiencia visual.
BIOGRAPHY
B
orn in 1951 in Buenos Aires, Argentina. Grows up in Montevideo, Uruguay. She moves to the United States in 1969, where she obtains her degree in arts at the State University of New York in Old Westbury. Her studies take four years and in her vacations she organizes trips abroad. In that way she spends two summers at the Camnitzer-Porter studio in Valdottavo, Italy, where she studies engraving with artists Luis Camnitzer and Liliana Porter. In 1983 she is accepted to spend two years at the PS1 National Studio Program of the MoMA. There she discovers the perceptive dichotomy that perspective is capable of generating. That characteristic of art attracts her and leads to the way of research on perspectivism. In
1989 she collaborates with Argentinean artist Eduardo Costa for five years. In 1997 she holds her first solo exhibition at the Cecilia de Torres Gallery, Ltd. in New York. Trying to maximize the technical progress she takes on the Cinema Kinesis installation two years later for the Museo del Barrio in New York. In 2000 she begins working with transparent acrylic in different tonalities. Towards 2006 she presents Sculptures at Sites of Latin American Abstraction, CIFO, and exhibition of renowned representatives of Latin American art. In 2014 she presents Cube 48 Orange at Art Basel, Hong Kong, which is also part of her Expand//Fold// Collapse solo exhibition at the Institute of Fine Arts of the New York University.
“I could say that my main approach is in the contrast between our perception of things and their actual reality”. marta chilindrÓn
Main individual exhibitions
TRAJECTORY Her artistic beginnings were marked by a spectral glance of family environments. Through painting, even if initially in a very different way to the work she performs today, perspectivism was present. In a first instance she explores the human body and its curves, outlining the basis through which she is able to preserve the same concept but extended towards other issues and to exhibit the perspective of a determined posture, changing positions. These works are part of her Self-Portraits in which the artist takes her body as a referent, without getting to portrait her face. Thus, by means of the projection of her extremities and some body gestures, the movement in the scene is created. In 1980, without exhausting the possible scenarios, she builds wooden objects that do not propose any utility, but the observation on part of the audience. The search consists in showing the relation between the human being and the perception of the objects surrounding them.
Podría decir que mi enfoque principal se encuentra en el contraste entre nuestra percepción de las cosas y su realidad actual”.
In the early 1990s she works on geometry and abstraction with Julio Alpuy, a Uruguayan artists taught by Joaquín Torres-García. During that decade she also collaborates with conceptual artist Eduardo Costa to create a series of public interventions. They created Touched by Light in 1992, in which the projection of an image of a hand on the facades of Manhattan buildings from a moving truck. As a team they also created projects in Brazil and Chile. In 2000 she begins working with transparent acrylic, compressing depth through her domestic environments, as the artist calls them; object-situations alluding to the border between plane, bi-dimensionality and three-dimensionality, challenging the limits of space. Today her work interacts with the audience through geometry, whose work of color layers and movement generates a visualization that projects an interesting aspect, making of a single sculpture a complete visual experience.
2014 Expand//Fold//Collapse//Sculptures by Marta Chilindrón, The Great Hall Exhibitions Institute of Fine Arts, New York University, New York, United States 2013 Marta Childindrón: Integral Geometries, MoLAA, Museum of Latin American Art, Long Beach, California, United States 2011 Marta Chilindrón: Constructions, Cecilia de Torres, Ltd., New York, United States 1999 Marta Chilindrón-Cinema Kinesis, El Museo del Barrio, New York, United States 1997 Marta Chilindrón: Dimensions, Cecilia de Torres, Ltd., New York, United States 1991 Living Sculptures (Series of 4), with Eduardo Costa, several locations in downtown New York, United States
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Untitled Nº 44, 1984, madera pintada, 112 x 145 x 122 cm. Cortesía de Cecilia de Torres, Ltd. Untitled Nº 44, 1984, painted wood, 112 x 145 x 122 cm. Courtesy Cecilia de Torres, Ltd.
Cinema Kinesis, 1999, sintra/PVC, aluminio, bisagras, cables, motor, abierto: 3.5 x 4.9 x 3.5 mt. Instalaci贸n: El Museo del Barrio, Nueva York. Cortes铆a de Cecilia de Torres, Ltd. Cinema Kinesis, 1999, sintra/PVC, aluminum, hinges, cables, motor, open: 3.5 x 4.9 x 3.5 mt. Installation: El Museo del Barrio, New York. Courtesy Cecilia de Torres, Ltd.
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Pyramid 48, 2006, pared doble de policarbonato -Verde, bisagras, cerrado: 122 x 122 x 122 cm. Cortesía de Cecilia de Torres, Ltd. Fotografia: Arturo Sánchez. Pyramid 48, 2006, twin wall Polycarbonate - Green, hinges, closed: 122 x 122 x 122 cm. Courtesy Cecilia de Torres, Ltd. Photography: Arturo Sánchez.
Water, 2011, pared doble de policarbonato, cerrado: 90 x 128 x 36 cm. Cortesía de Cecilia de Torres, Ltd. Fotografia: Arturo Sánchez. Water, 2011, twin wall polycarbonate, closed: 90 x 128 x 36 cm. Courtesy Cecilia de Torres, Ltd. Photography: Arturo Sánchez.
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Marta Chilindron with Hexagon Spiral, 2013. Cortesía de Cecilia de Torres, Ltd. Fotografia: Arturo Sánchez. Marta Chilindron with Hexagon Spiral, 2013. Courtesy Cecilia de Torres, Ltd. Photography: Arturo Sánchez.
Mobius, 2013, acrylic and hinges, 91.4 x 203.2 x 203.2 cm. Cortesía de Cecilia de Torres, Ltd. Fotografia: Arturo Sánchez. Mobius, 2013, acrylic and hinges, 91.4 x 203.2 x 203.2 cm. Courtesy Cecilia de Torres, Ltd. Photography: Arturo Sánchez..
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Installation view of Cube 48 Orange en Art Basel Hong Kong, 2014. CortesĂa de Cecilia de Torres, Ltd. Fotografia: Jason Findley Installation view of Cube 48 Orange at Art Basel Hong Kong, 2014. Courtesy Cecilia de Torres, Ltd. Photography: Jason Findley
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IGNACIO ITURRIA uru g uay
El surrealismo forma y da vida al trabajo de Ignacio Iturria. En tonos procedentes de la tierra se delinean sillones, bancas, mesas y algunas piletas que alojan seres diminutos. Viven en espacios que a veces los ahogan y a veces, los liberan. La disputa dimensional que supone el rupturismo de la proporción consigue idear escenarios imaginarios, una alternativa visual que presenta sitios albergados por la costumbre, extraídos de su contexto. La terminación de una brocha o pincel deslava y difumina la escena, dibuja una simplificación indeterminada que contextualiza con color la fluidez creativa de una atmósfera afectiva que da vida a su obra. Conocido por vulnerar la proporcionalidad y asirse de un argumento existencialista, el anonimato y sus soldados relatan historias del movimiento modernista. Surrealism forms and gives life to Ignacio Iturria’s work. In earthy tones, armchairs, benches, tables and some basins hosting tiny beings are outlined. They live in spaces that at times suffocate us and at others liberate us. The dimensional dispute rupturism of proportion supposes manages to conceive imaginary scenarios, a visual alternative presenting spaces sheltered in habit, extracted of their context. The finish of a paintbrush or brush fades and blurs the scene, it draws an undetermined simplification contextualizing the creative fluidity of an affective atmosphere in color, giving his work life. Known for violating proportionality and hanging onto an existentialist argument, anonymity and its soldiers tell stories of the modernist movement.
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BIOGRAFÍA
N
ace en Montevideo, Uruguay, en 1949. En 1977 se casa y se va a vivir a Cadaqués, un pueblo cercano a Barcelona donde trabaja con Ramón Aguilar Moré y mantiene una estrecha relación con pintores catalanes como Tharrats, Cuixart y Pitxot. En 1986 regresa a Uruguay y da inicio a una serie de exposiciones en distintas ciudades latinoamericanas. En 1988 es especialmente invitado por la Fund for Artists Colonies de Nueva York, agrupación con la que convive tres meses en EE.UU. En 1995 representa a Uruguay en la Bienal de Venecia y obtiene el premio Casa di Risparmio. En los años siguientes expone en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, el Museo Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, el Museo Rufino Tamayo en México, la
Principales Exposiciones Individuales
2015 Pintar es soñar, exposición antológica, Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay 2011 Galería Enlace Arte Contemporáneo, Lima, Perú 2011 Municipalidad de Miraflores, Lima, Perú 2010 Museo de Arte Contemporáneo Youngeun, Corea 2007 Bienal de Montreal, Centro Internacional de Arte Contemporáneo de Montreal, Canadá 2004 Todo tiene cara, Museo de Arte de Boca Ratón, Florida, Estados Unidos 2003 La libertad del juego, muestra principal en el 40° Aniversario del Instituto Goethe, Montevideo, Uruguay 2000 New Works, Marlborough Gallery, Nueva York y Boca Ratón, Estados Unidos
Fundación Telefónica de Madrid y el Museo de Bellas Artes de Valencia. El año 2000 exhibe la muestra New Works en Marlborough Gallery Nueva York y Boca Ratón, Estados Unidos. Al año siguiente obtiene el premio anual de arte en Uruguay, Premio Figari, y un año después abre la escuela de arte “Casablanca, en busca del arte”. En 2006 vuelve a Cadaqués y forma una colonia de artistas y en 2009 se inaugura en Cadaqués la galería Espai d´art Iturria, en lo que fuera su primer taller. En 2012 abre su fundación, con el objetivo de promover el desarrollo vocacional de los artistas. En 2015 se lleva a cabo su gran exposición antológica Pintar es soñar, en el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo, Uruguay.
TRAYECTORIA Su acercamiento a la pintura llega a temprana edad. Descubre que el arte le resulta una expresión más precisa y complementaria a la dificultad del decir con palabras. En un principio expresionista y tendiente a los colores intensos y al vibrato en la expresión. Pronto la experiencia y estadía en el extranjero traen a sus obras el matiz y el recuerdo que le remite a su lugar de origen. Iturria confirma una profunda afinidad con la identidad uruguaya y comienza a plasmarla en sus trabajos artísticos. Entonces sus obras giran en torno a un nuevo eje, una pintura más introspectiva. Recurrir a la añoranza, el recuerdo y las ideas, le conduce a describir paisajes uruguayos y latinoamericanos y personajes en ellos, que rescatan las ideas del subconsciente e ilustran un vívido pasado. Pinta campos, ciudades, puertos, universidades, edificios y lugares en los que ha estado alguna vez. Uno de los eventos cuya trascendencia marca un antes y un
después en el trabajo del artista, es la muerte de su padre. Su paleta de colores cambia y los tonos se vuelven más grises, casi monocromáticos. Los materiales son múltiples. Desde óleo y acrílico, pasa por técnicas de grabado, mezcla y experimenta con elementos de uso cotidiano como cartón, piedra, lata y madera, expandiendo su pintura a objetos, muebles, elefantes, sofas, botellas, aviones en tercera dimensión, y muchos más. Sus personajes se sitúan en minucias, en pequeños detalles dentro del encuadre; allí viven en entornos retratados alojando espacios que provocan angustia, libertad, contradicción y fantasía. Los seres plantean una historia que se pasea seriadamente: cambia, varía, se dibuja y desdibuja, de una obra a otra, creando en cada una de sus piezas una realidad mágica que intercala lo diario con la utopía.
BIOGRAPHY
B
orn in Montevideo, Uruguay in 1949. He marries in 1977 and moves to Cadaqués, a town near Barcelona where he works with Ramón Aguilar Moré and maintains a close relation with Catalan painters such as Tharrats, Cuixart and Pitxot. He returns to Uruguay in 1986 and begins holding a series of exhibitions in different Latin American cities. In 1988 he is especially invited by the Fund for Artists Colonies in New York, a group with which he lives for three months in the United States. He represents Uruguay at the Venice Biennial in 1995 and obtains the Casa di Risparmio prize. In the following years he exhibits at the Museo de Arte Moderno de Bogotá, the Museo Nacinal
de Bellas Artes in Buenos Aires, the Museo Rufino Tamayo in Mexico, the Fundación Telefónica de Mardid and the Museo de Bellas Artes in Valencia. He exhibits New Works at the Marlborough Gallery in New York and Boca Ratón in the United States in 2000. The following year he obtains the Figari yearly Uruguayan art prize and one year later he opens the “Casablanca, en busca del arte” (Casablanca, in search of art) art school. In 2006 he returns to Cadaqués and forms an artists’ colony and in 2012 opens the Espai d’art Iturria gallery, in what used to be his first workshop. In 2015 his great retrospective exhibition Pintar es soñar (painting is dreaming) exhibition is held at the Museo Nacional de Artes Visuales in Montevideo, Uruguay.
“What painting has is that it moves in the space that words leave behind by being incomplete to communicate; it gives humans another language”. IGNACIO ITURRIA
Main individual exhibitions
TRAJECTORY His approximation to painting arrives at an early age. He discovers that art turns out to be a more precise and complementary expression for him than the difficulty of using words. Expressionist at first and with a trend toward intense colors and an expressive vibrato. Soon, the experience and his stay abroad bring to his works the shade and memory that reefers him to his place of origin. Iturria confirms a deep affinity with Uruguayan identity and begins representing it in his artworks. His work then revolves around a new axis, a more introspective painting. Recurring to nostalgia, memories and ideas that leads him to describing Uruguayan and Latin American landscapes and characters within them, who rescue the ideas of the subconscious and illustrate a vivid past. He paints fields, cities, ports, universities, buildings and places he has been at. One of the events whose
Lo que tiene la pintura es que se mueve en el espacio que deja la palabra al no ser completa para comunicar; le da al hombre otro lenguaje”.
transcendence marks a before and after in the work of the artist is the death of his father. His color palette changes and tones become greyer, almost monochromatic. Materials are multiple. From oil paint and acrylic, he covers engraving techniques, mixing and experimenting with everyday elements such as cardboard, stone, tin and wood, expanding his painting to objects, pieces of furniture, elephants, armchairs, 3D airplanes and many more. His characters are placed on trifles, on small details within the framing; there they live in portrayed surroundings housing spaces that provoke anguish, freedom, contradiction and fantasy. The beings state a history that drifts around in series: it changes, varies, is drawn and blurred, from one work to the other, creating in each of his pieces a magical reality that intertwines the everyday with utopia.
2015 Pintar es soñar, retrospective exhibition, Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay 2011 Galería Enlace Arte Contemporáneo, Lima, Peru 2011 MIraflores municipality, Lima, Peru 2010 Youngeun Contemporary Art Museum, Korea 2007 Montreal biennial, International Centre of Contemporary Art, Canada 2004 Todo tiene cara, Boca Raton Art Museum, Florida, United States 2003 La libertad del juego, exhibition at the 40th anniversary of the Goethe Institute, Montevideo, Uruguay 2000 New Works, Marlborough Gallery, New York and Boca Raton, United States
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Día de luz, 1983, acrílico sobre cartón, 58 x 62 cm. Fotografía: Chiqui Iturria y Mateo Soler Día de luz, 1983, acrylic on cardboard, 58 x 62 cm. Photography: Chiqui Iturria and Mateo Soler
Torres García, 1998, óleo sobre tela 190 x 150 cm. Fotografía: Chiqui Iturria y Mateo Soler Torres García, 1998, oil on canvas 190 x 150 cm. Photography: Chiqui Iturria and Mateo Soler
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Una noche en mi casa, 2000, 贸leo sobre tela, 150 x 190 cm. Fotograf铆a: Chiqui Iturria y Mateo Soler Una noche en mi casa, 2000, oil on canvas, 150 x 190 cm. Photography: Chiqui Iturria and Mateo Soler
Todos siempre corriendo como locos, 2005, 贸leo sobre tela, 100 x 130 cm. Fotograf铆a: Chiqui Iturria y Mateo Soler Todos siempre corriendo como locos, 2005, oil on canvas, 100 x 130 cm. Photography: Chiqui Iturria and Mateo Soler
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Los jubilados, 2010, objeto escultura, 207 x 15 x 102 cm. FotografĂa: Chiqui Iturria y Mateo Soler Los jubilados, 2010, sculpture object, 207 x 15 x 102 cm. Photography: Chiqui Iturria and Mateo Soler
Trapecistas, 2014, 贸leo sobre tela, 180 x 284 cm. Fotograf铆a: Chiqui Iturria y Mateo Soler Trapecistas, 2014, oil on canvas, 180 x 284 cm. Photography: Chiqui Iturria and Mateo Soler
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Soplando estrellas, 2015, acrĂlico sobre tela, 163 x 363 cm. FotografĂa: Chiqui Iturria y Mateo Soler Soplando estrellas, 2015, acrylic on canvas, 163 x 363 cm. Photography: Chiqui Iturria and Mateo Soler
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CÉSAR PATERNOSTO A R GENT I N A
César Paternosto practica la arquitectura visual. Durante toda su carrera artística ha experimentado con la geometría y el perspectivismo, consiguiendo resultados abismantes exhibidos con una ejemplar austeridad en el uso de elementos. Tanto en la pintura como en la escultura, revela un auténtico gusto por la abstracción, la que en sus inicios surgió del expresionismo para luego girar en torno a la geometría. Es por ello que, a poco andar, consigue que la denominación de su trabajo reciba el nombre de “geometría sensible”. La dimensión, los puntos de vista y el espectador han sido objeto de sus elocuentes juegos de interacción, no sólo a través de sus obras, sino también de sus escritos. Hoy, consolidado y aplaudido en el arte conceptual occidental, observa su trayectoria desde múltiples enfoques y posiciones. César Paternosto practices visual architecture. During his entire artistic trajectory he has experimented with geometry and perspectivism, achieving astonishing results exhibited with an exemplary austerity in the use of elements. Both in painting as in sculpture, he reveals an authentic taste for abstraction, which in his beginnings emerged from expressionism to later turns toward geometry. That is why, shortly after, he achieves the denomination of his work to be labeled as “sensible geometry”. Scale, points of view and the spectator have been subjects of his eloquent games of interaction, not only through his works, but also his writings. Today, consolidated and applauded in western conceptual art, he observes his trajectory from multiple approaches and positions.
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BIOGRAFÍA
N
ace en 1931 en la ciudad de La Plata, Argentina. Estudia Derecho en la misma ciudad hasta 1958, año en que obtiene su título profesional. Practica las leyes como asesor de la Dirección de Minería en la Patagonia hasta 1959, momento en que decide dedicarse a tiempo completo a la pintura, su vocación. Desde entonces, concurre a una serie de clases de carácter libre que luego formaliza en la Facultad de Bellas Artes en la Universidad Nacional de La Plata hasta 1961. Ese mismo año decide formar parte del grupo “Sí”, un conglomerado que reunió a los primeros exponentes del informalismo argentino. Su afición original emerge del arte prehispánico, de
Principales Exposiciones Individuales
2015 César Paternosto New Work, Galerie Denise René, Rive Gauche, París, Francia 2012 Painting as Object: The Lateral Expansion. New Works, Cecilia de Torres, Ltd., Nueva York, Estados Unidos 2004 Retrospective, Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, Segovia, España 2003 Works on Paper, Cecilia de Torres, Ltd., Nueva York, Estados Unidos 2002 Dis solving: Threads of Water and Light, con Cecilia Vicuña, The Drawing Center, Nueva York, Estados Unidos 2001 La visión oblicua: Exposición en Carmen Waugh, Buenos Aires 1971/2001, Reconstrucción de la muestra de 1971, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina 1987 Retrospective, Fundación San Telmo, Buenos Aires. Viaja al Museo Provincial de Bellas Artes, La Plata, Argentina 1981 Paintings: 1969-1980, Center for Interamerican Relations (Hoy Americas Society), Nueva York, Estados Unidos
allí sus primeras exposiciones dentro de su país. Para esos tiempos su incursión en el campo del arte lo atrae con tal fuerza,que no le es difícil transformarse en pintor, escultor, autor y curador. De 1965 y hasta 2004 se traslada a vivir a Nueva York, Estados Unidos. Durante su estadía decide viajar para alimentar su experiencia e inspiración y, específicamente a finales de los años setenta, recorre Argentina, Perú y Bolivia para estudiar la estética geométrica y cromática en la escultura, la cerámica y los textiles precolombinos. En 2004 llega a Segovia, España, donde reside hasta la actualidad. Ahí continúa produciendo pinturas y esculturas con metal.
TRAYECTORIA Su incursión en la pintura comienza en 1960, pese a que años antes, mientras estudiaba leyes, había comprendido que era su verdadera vocación. La materia, su plasticidad y los símbolos primitivos se apoderan de su interés y se vuelven su primera línea de acción. Así, se pueblan sus primeras exposiciones en Argentina. Algunos años después, todavía en Buenos Aires, decanta su afán por el arcaísmo y voltea la mirada hacia las formas geométricas, aunque no deja de explorar la materia y el uso de líneas irregulares en ella. Su estilo fue calificado, desde entonces, como “geometría sensible”. Le sigue la especialización y el ahondamiento de su técnica; las formas que utiliza se vuelven definidas y meticulosamente propuestas a través de curvas y colores contrastantes. Su última exposición en Argentina es en la Galería Bonino, Buenos Aires, en 1966. Luego de ello viaja a Nueva York, para instalarse en el extranjero indefinidamente. En sus primeros años en Estados Unidos descubre las bondades del acrílico y en 1969 pinta la afamada serie que le lleva a consolidar su carrera, The Oblique Vision;
los coloridos bordes laterales en sus lienzos, cuya cara frontal permanece blanca, vacía. La tridimensionalidad es un aspecto con el que empieza a codearse, y cuando ello ocurre, sucede la magia: el requerimiento de desplazar al observador de su posición predilecta para conseguir la plena contemplación de su trabajo. En 1972, decide conquistar el continente europeo y Galerie Denise René le recibe en sus paredes de exhibición en París. Desde entonces, ha experimentado con el polvo mármol, sumándolo a la mezcla con acrílico. Su paleta de colores se sume en el color terracota y retorna a los conceptos que obnubilaron su atención en los orígenes de su carrera, los del arte precolombino, tópico en el que decide incursionar por medio de la investigación escrita. En 1994 compone la serie Post-Pórtico, a la que le siguen Hilos de agua y Confluence. En ambas organiza líneas verticales sobre fondos blancos. En 2010 realiza la reconocida intervención de la estación ferroviaria Atocha de Madrid, The Arrival.
BIOGRAPHY
H
e is born in 1931 in La Plata, Argentina. There he studies law until 1958, when he graduates. He exercises the profession as an advisor to the mining Directorate in the Patagonia until 1959, when he decides to go into painting, his vocation, full time. From then on he attends a series of free classes, which he would later formalize at the fine arts faculty of the Universidad de La Plata until 1961. That year he decides to found the “Sí” collective, a conglomerate that brought together the first exponents of Argentinean informalism. His original calling emerges from pre-Hispanic art, and from then on, his first exhibitions in his
country came to be. For those times his incursion in the field of art attracts him with such force that it is not hard for him to be come a painter, sculptor, author and curator. From 1967 to 2004 he moves to New York. During this stay he decides to travel to nourish his experience and inspiration and, specifically in the late nineteen seventies, he travels through Argentina, Peru and Bolivia to study geometrical and chromatic aesthetics in pre-Columbine ceramics and textiles. In 2004 he arrives to Segovia, Spain, where he still currently resides. There he continues producing paintings and metal sculptures.
“Painting has gone on to be a residual form, (…) but it remains as the last alternative, a kind of non-verbal text, a symbolic and silent thought of resistance”. CÉSAR PATERNOSTO
Main individual exhibitions
TRAJECTORY His incursion into painting begins in 1960, despite having understood that it was his true calling while he studies law. Matter, its plasticity and the primitive symbols take over his interest and become his first line of action. This is how his first exhibitions in Argentina come about. Some years afterwards, still in Buenos Aires, his interest in archaism settles and he turns his gaze to geometrical forms, even if he does not cease to explore matter and the use of irregular lines in it. His style was classified, from then on, as “sensible geometry”. Later he specializes and deepens his technique; the forms he uses become defined and meticulously proposed through curves and contrasting colors. His last exhibition in Argentina is at the Bonino gallery in Buenos Aires in 1966. Then he travels to New York to settle abroad permanently. During his first years in the U.S. he discovers the virtues of acrylics and in 1969 paints the renown The Oblique Vision series that would consolidate his trajectory; The colorful lateral borders in his
La pintura ha pasado a ser una forma residual, (…) pero permanece como la única alternativa, una suerte de texto no-verbal, un pensamiento simbólico y silente de resistencia”.
canvases, whose front remains white, empty. Threedimensionality is an aspect with which he starts to get acquainted and when that happens, magic occurs: the requirement of displacing the observer form his favorite position to achieve the full contemplation of his work. In 1972 he decides to conquer the European continent and the Denise René gallery welcomes him to its exhibition walls in Paris. From then on, he has experimented with marble dust, adding it to the acrylic mix. His color palette submerges in terracotta color and returns to the concepts that beclouded his attention during the origins of his trajectory, the ones pertaining to pre-Columbian art, a topic in which he decides to explore through written research. In 1994 he composes the Post-Pórtico (postporch) series, followed by Hilos de agua (trickles of water) and Confluence. In both, he organizes vertical lines on white backgrounds. In 2010 he executes a renowned intervention at the Atocha train station in Madrid, The Arrival.
2015 César Paternosto New Work, Galerie Denise René, Rive Gauche, Paris, France 2012 Painting as Object: The Lateral Expansion. New Works, Cecilia de Torres, Ltd., New York, United States 2004 Retrospective, Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, Segovia, Spain 2003 Works on Paper, Cecilia de Torres, Ltd., New York, United States 2002 Dis solving: Threads of Water and Light, with Cecilia Vicuña, The Drawing Center, New York, United States 2001 La visión oblicua: Exposición en Carmen Waugh, Buenos Aires 1971/2001, Reconstruction of 1971 show, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina 1987 Retrospective, Fundación San Telmo, Buenos Aires. Travels to Museo Provincial de Bellas Artes, La Plata, Argentina 1981 Paintings: 1969-1980, Center for Interamerican Relations (today Americas Society), New York, United States
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Sagittarius, 1972, acrílico sobre tela, 106 x 106 cm. Cortesía de Cecilia de Torres, Ltd., Fotografía: Arturo Sánchez Sagittarius, 1972, acrylic on canvas, 106 x 106 cm. Cortesy of Cecilia de Torres, Ltd., Photography: Arturo Sánchez
T’Oqapu, 1982, emulsión acrílica y polvo de mármol sobre tela, 168 x 168 x 8 cm. Cortesía de Cecilia de Torres, Ltd., Fotografía: Arturo Sánchez T’Oqapu, 1982, acrylic emulsion and marble powder on canvas, 168 x 168 x 8 cm. Courtesy Cecilia de Torres, Ltd., Photography: Arturo Sánchez
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Confluence n.3, 1998 , acrílico sobre tela, 152 x 152 cm. Cortesía de Cecilia de Torres, Ltd., Fotografía: Arturo Sánchez Confluence n.3, 1998 , acrylic on canvas, 152 x 152 cm. Courtesy Cecilia de Torres, Ltd., Photography: Arturo Sánchez
Confluence n.10, 1998, acrílico sobre tela, 86 x 86 cm. Cortesía de Cecilia de Torres, Ltd., Fotografía: Arturo Sánchez Confluence n.10, 1998, acrylic on canvas, 86 x 86 cm. Courtesy Cecilia de Torres, Ltd., Photography: Arturo Sánchez
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Relaciones de Límites 9, 2013, óleo sobre tela, 47 x 47 in. 120 x 120 cm. Cortesía de Cecilia de Torres, Ltd., Fotografía: Arturo Sánchez Relaciones de Límites 9, 2013, oil on canvas, 47 x 47 in. 120 x 120 cm. Courtesy Cecilia de Torres, Ltd., Photography: Arturo Sánchez
Trío Ritmos Verticales II, 2006, óleo y técnica mixta sobre tela, instalado, 170 x 200 cm. Cortesía de Cecilia de Torres, Ltd., Fotografía: Arturo Sánchez Trío Ritmos Verticales II, 2006, oil and mixed media on canvas, Installed, 170 x 200 cm. Courtesy Cecilia de Torres, Ltd., Photography: Arturo Sánchez
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Trío n.23, 2015, óleo sobre tela, instalado 156 x 90 cm. Cortesía de Cecilia de Torres, Ltd. Fotografía: Arturo Sánchez Trío n.23, 2015, oil on canvas, installed 156 x 90 cm. Courtesy Cecilia de Torres, Ltd. Photography Arturo Sánchez
Red Trío n.7, 2015, óleo sobre tela, instalado, 111 x 101 cm. Cortesía de Cecilia de Torres, Ltd. Fotografía: Arturo Sánchez Red Trío n.7, 2015, oil on canvas, Installed, 111 x 101 cm. Courtesy Cecilia de Torres, Ltd. Photography: Arturo Sánchez
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FRANCISCO TOLEDO MÉXICO
Amante de la tierra en que nació, Francisco Toledo podría definirse como un artista multidisciplinar que vincula profundamente la raíz cultural de su tierra natal con su obra. Acuarela, óleo, gouache y fresco, litografía, grabado, tapiz, cerámica y escultura en piedra, madera y cera. De su producción artística brotan seres que remiten al origen indigenista latinoamericano. Interactuando sobre las distintas superficies, exhiben la riqueza étnica y cultural de Oaxaca. Su cuidado en la ejecución experimental es para algunos de una prolijidad obsesiva. Toledo, atento a la proyección de una textura y estética distintiva, despliega una amalgama matérica multifacética que pondera los recursos plásticos a los que recurre. Criaturas antropomorfas, a simple vista, parientes del hombre, el animal, los chamanes, la mitología y la prehistoria: un mundo que adscribe a lo fantástico. In love with his homeland, Francisco Toledo could be defined as a multidisciplinary artist who deeply links the cultural root of his homeland to his work. Watercolor, oil paint, gouache and fresco, lithography, engraving, tapestry, pottery and stone, wood and wax sculpture. From his artistic production emerge beings remitting to the indigenist Latin American origin. Interacting on the various surfaces, they exhibit the ethnic richness of Oaxaca. His care in the experimental execution is for some of an obsessive prolixity. Toledo, attentive to the projection of a distinctive texture and aesthetics displays a multi-faceted matter-like amalgam pondering the plastic resources to which he resorts. Anthropomorphic creatures at first sight, relatives of man, animal, shamans, mythology and prehistory: a world appointing the fantastic.
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BIOGRAFÍA
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rancisco Toledo nace en Juchitán en 1940, aunque se crió en el sur de Veracruz. A los 12 años llega a Oaxaca, donde inicia sus estudios artísticos en el Taller de Arturo García Bustos. Posteriormente, siendo aún muy joven, se traslada a la Ciudad de México, donde ingresa al Taller de Grabado de la Escuela de Diseño y Artesanía de la Ciudadela. En 1959 realiza su primera exposición en la Galería Antonio Souza y posteriormente en el Fort Worth Art Center. Ese mismo año viaja a Europa y se dedica a ver pinturas en los museos, que se convierten en su verdadera escuela. En 1963 realiza su exposición con la Galería Karl Flinker y en 1965 regresa a México.
Trabaja en pintura, acuarela, dibujo, escultura, cerámica y tapices que se realizan con los artesanos de Teotitlán del Valle, Oaxaca. Viaja a Nueva York en 1979. En 1980 presenta una exposición retrospectiva con todas las diversas técnicas en el Museo de Arte Moderno de México. Regresa a Europa en 1984, donde reside en París y Barcelona por cuatro años. Realiza una serie de gráfica con la Polígrafa en Barcelona. Vuelve a México en 1988 y se instala en Oaxaca. Permanece en Los Angeles de 2001-2002, donde prepara la exposición que presenta en el 2004 en Galería Juan Martín, México D.F., Galería Quetzalli en la ciudad de Oaxaca y Latin American Masters, Beverly Hills, California.
© Photo: Periodico La Jornada, México, 2015.
Principales Exposiciones Individuales
2009 Francisco Toledo, Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia 2002 Francisco Toledo: el grabado, el espejo y la muerte, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, Caracas, Venezuela 2000 Francisco Toledo: retrospectiva, Museo de Arte Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España, Whithechapel Art Gallery, Londres, Inglaterra 1986 Zoología fantástica. Homenaje a Jorge Luis Borges, muestra itinerante por los principales museos de Sudamérica. 1985 Francisco Toledo, Nippon Gallery, Tokio, Japón 1980 Exposición retrospectiva, Museo de Arte Moderno de México 1976 Francisco Toledo: Gráfica, Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia
TRAYECTORIA Ha recibido importantes premios ecológicos como Prince Klaus, de los Países Bajos el año en 2000 y el Premio Anual Federico Sescosse de la UNESCO el año 2003. Además fue reconocido con el Premio de la 5º Trienal Fellbach, Alemania, (1990) y el Premio Nacional de las Artes de México. En los últimos años el artista zapoteco se ha dedicado a promover y difundir la cultura y las artes de su estado natal. En ese contexto fundó Ediciones Toledo, Instituto de Artes Gráficas (IAGO), el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, el Centro Fotográfico Álvarez Bravo, Cine Club El Pochote, el Taller Arte Papel Oaxaca y el Jardín Botánico de
Santo Domingo, Oaxaca, México. Ha brindado apoyo a la protección y conservación del patrimonio histórico y cultural de Oaxaca a través de la fundación Pro Oax y a proyectos ecológicos que protegen zonas como Monte Alban y el Río Papaloapan, y más recientemente la lucha por evitar la contrucciòn de un centro de convenciones en el Cerro del Fortin en la ciudad de Oaxaca, así como una lucha por evitar que se plante el maíz transgénico en México, haciendo actos públicos para la recaudación de firmas y acompañado por una exposiciòn de fotos intervenidas bajo el título El maíz de nuestro sustento (2014).
BIOGRAPHY
B
orn in Juchitán in 1940, but grew up in the south of Veracruz. At twelve years of age he arrives in Oaxaca where he begins his art studies at the workshop of Arturo García Bustos. Later, while still very young, he moves to Mexico City, where he enters the engraving workshop of the Escuela de Diseño y Artesanía at the Ciudadela market. In 1959 he holds his first exhibition at the Galería Antonio Souza and later at the Fort Worth Art Center. He travels to Europe that same year and dedicates himself to see paintings at the museums, which becomes his true school. In 1963 he holds and exhibition at the Karl Flinker gallery and returns to Mexico in 1965.
He works in painting, watercolor, drawing, sculpture and tapestry he realizes with the Teotitlán del Valle artisans in Oaxaca. He travels to New York in 1979. In 1980 he presents a retrospective exhibition with all of the diverse techniques at the Museo de Arte Moderno de Mexico. He returns to Europe in 1984 where he lives in Paris and Barcelona for four years. He realizes Polígrafa (polygraph), a graphic series in Barcelona. He returns to Mexico in 1988 and settles in Oaxaca. He moves to Los Angeles in 2001-2002, where he prepares the exhibition he opens in 2004 at Juan Martín Gallery, Mexico F.D., at Galería Quetzalli in Oaxaca city and at the Latin American Masters in Beverly Hills, California.
“Painting has been the means through which I have discovered what family and people’s history are, and my indigenous origin”. FRANCISCO TOLEDO
Main individual exhibitions
TRAJECTORY He has received important ecology related prizes, such as the Prince Claus Award in the Netherlands in 2000 and the UNESCO Premio Annual Federico Sescosse in 2003. He was also distinguished with the prize at the 5th Fellbach Triennial in Germany (1990) and the Premio Nacional de las Artes de Mexico. In recent years the Zapotec artist has dedicated himself to promoting and publicizing the culture and arts of his native state. In that context he founds the Ediciones Toledo publishing compmpany, the Instituto de Artes Gráficas (IAGO) graphic arts institutr, the Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, the Centro Fotográfico Álvarez Bravo photographic center, the Cine Club El Pochote cinema club, the Taller Papel
La pintura ha sido el medio a través del cual he descubierto lo que es la historia familiar, del pueblo y la de mi origen indígena”.
Oaxaca workshop and the Jardín Botánico de Santo Domingo botanical garden in Oaxaca, Mexico. He has given support to the protection and preservation of the historical and cultural heritage of Oaxaca through the Pro Oax foundation and to ecology-related projects protecting regions such as Monte Alban and the Papaloapan river, and more recently the struggle to avoid the construction of a convention center on the Cerro del Fortín hill in Oaxaca city, as well as the fight to avoid transgenic maize crops being planted in Mexico, organizing public events to collect signatures, together with an intervened photography exhibition under the title El maíz de nuestro sustento (The maize of our sustenance) (2014).
2009 Francisco Toledo, Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia 2002 Francisco Toledo: El grabado, el espejo y la muerte (the engraving, the mirror and death), Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Sofía Imber, Caracas, Venezuela 2000 Francisco Toledo: Retrospectiva (retrospective), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain; Whithechapel Art Gallery, London, England 1986 Zoología fantástica: Homenaje a Jorge Luis Borges (fantastic zoology: homage to Jorge Luis Borges), exhibition itinerating over the main South American museums 1985 Francisco Toledo, Nippon Gallery, Tokyo, Japan 1980 Exposición retrospectiva (retrospective exhibition), Museo de Arte Moderno de México 1976 Francisco Toledo: Gráfica (graphic work), Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia
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Jardín de los frijoles, 2002, lápiz sobre masonite, 40.5 x 50.7 cm. Galería Juan Martín Jardín de los frijoles, 2002, pencil on masonite, 40.5 x 50.7 cm. Galería Juan Martín
Changos mirones, 2002, dibujo, lápiz, 40.5 x 50.7 cm. Galería Juan Martín Changos mirones, 2002, drawing, pencil, 40.5 x 50.7 cm. Galería Juan Martín
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Autorretrato lxix, 2006, pastel sobre papel, 76.2 x 56.5 cm. Galería Juan Martín Autorretrato lxix, 2006, pastel on paper, 76.2 x 56.5 cm. Galería Juan Martín
Autorretrato Liv, 2006, dibujo, pastel sobre papel, 43.4 x 34.4 cm. Galería Juan Martín Autorretrato Liv, 2006, drawing, pastel on paper, 43.4 x 34.4 cm. Galería Juan Martín
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Escarabajo, 2008, técnica mixta sobre papel con textura, 56 x 78 cm. Galería Juan Martín Escarabajo, 2008, mixed media on textured paper, 56 x 78 cm. Galería Juan Martín
Moscos, 2008, pastel sobre papel, 56 x 76 cm. Galería Juan Martín Moscos, 2008, pastel on paper, 56 x 76 cm. Galería Juan Martín
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Chapulín, 2010, vidrio, hoja de cobre, 26 cm. diámetro Chapulín, 2010, glass, copper foil, 26 cm. diameter
Bagre III, 2010, vidrio, mica mineral, 33.5 cm. diรกmetro Bagre III, 2010, glass, mineral mica, 33.5 cm. diameter
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FERNANDO DE SZYSZLO PE R Ú
Artista plástico peruano. Las influencias provenientes del surrealismo y abstraccionismo lo han llevado a experimentar la unión de formas representativas del arte precolombino con un lenguaje artístico modernista. Ha dicho que la pintura es un lenguaje de luces y sombras. La evolución de su obra recorre un camino que va de un abstracto más bien radical a uno más corpóreo, cuyos cambios comienzan a manifestarse cuando el exponente del arte del Perú imparte algunas lecciones de teoría surrealista. Las formas que protagonizan sus obras provienen de la expresión ancestral latinoamericana. Su trabajo ha pasado de la influencia cubista al surrealismo, para luego recorrer las tendencias expresionistas y abstractas con un fuerte cromatismo. Peruvian plastic artist. The influences of surrealism and abstractionism have led him to experiment the union of representative forms of pre Columbian art with a modernist artistic language. He has said that painting is a language of light and shadow. The evolution of his work covers a path going from a rather radical abstraction to a more corporeal one whose changes begin to manifest when the author takes in some lessons in surrealist theory. The forms prevailing in his works come from ancestral Latin American expression. His work has gone from a cubist influence to surrealism, to then cover expressionist and abstract trends with a strong chromaticism.
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BIOGRAFÍA
N
ace en Lima en 1925. Hijo del físico polaco Vitold de Szyszlo y de María Valdelomar, el artista peruano asiste al Colegio La Inmaculada de Lima en la década de 1930. Los años siguientes están marcados por sus estudios de Arquitectura en la Universidad Nacional de Ingeniería. Sin embargo, decide no terminar la carrera e instruirse en Bellas Artes directamente. Ingresa en la Escuela de Artes de la Pontificia Universidad Católica del Perú y allí conoce y aprende del expresionista Adolf Winternitz. En 1948 viaja a radicarse en París, donde amplía sus conocimientos en el arte durante cuatro años, ahi absorbe las influencias del cubismo, el surrealismo, el informalismo y del arte abstracto. Estando en Francia conoce a Octavio Paz y a André Breton, con quienes frecuenta juntas de un grupo de escritores e intelectuales. En 1951, Fernando de
Principales Exposiciones Individuales
2011 Szyszlo. Retrospectiva, Museo de Arte de Lima, Perú 2009 Fernando de Szyszlo, Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia 2005 Retrospectiva, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina 2004 Central American Contemporary Art: The Human Figure - Selections from MoLAA’s Pe, Museum of Latin American Art (MoLAA), Long Beach, California, Estados Unidos 2001 Szyszlo en su laberinto - Pinturas de un maestro peruano, Museum of Latin American Art (MoLAA), Long Beach, California, Estados Unidos 1992 Fernando de Szyszlo: Las puertas de la noche, Museo de Bellas Artes, Santiago, Chile 1988 El canto de la noche: Fernando de Szyszlo, Museo Tamayo, Ciudad de México, México
Szyszlo realiza su primera exposición luego de su retorno al Perú. Dicha muestra marca un hito importante en la plástica peruana. Entre el ‘56 y ‘76, además de continuar con su carrera artística, es docente de pintura en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Lima y profesor visitante de las Universidades de Cornell, Yale y Texas. En 1996 publica Miradas Furtivas, una selección de artículos escritos desde 1955 sobre arte contemporáneo y arte precolombino. Al año siguiente fue elegido miembro de la Academia Peruana de la Lengua. Luego, en 2001, el gobierno de Francia le otorgó la Orden de las Artes y las Letras en el grado de Officier. En 2011 recibe la Orden del Sol, la máxima distinción que entrega el Estado peruano a personas que han destacado en el campo de las artes, la cultura y la política, entre otras áreas.
TRAYECTORIA Su primera exposición de influencia cubista se desarrolla en el Instituto Cultural Peruano Norteamericano, en 1947. Al año siguiente, viaja a París para perfeccionar sus conocimientos. En su estancia en Europa confirma el interés por la corrientes pictóricas vanguardistas, en especial por aquellas de tendencia abstracta. En la década de 1950 expone en numerosas oportunidades en su país natal y también en Estados Unidos y Europa, donde ya es marcadamente visible el uso de la abstracción como un elemento fundamental en su trabajo. En 1960 pinta una de sus obras más emblemáticas, Auki V, cuya ubicación actual es el Auton Museum, en Austin, Estados Unidos. También en esta década desarrolla series como Apu Inca Atawallpaman (1963) y Paisaje (1969). Entre los años la abstracción que lo caracteriza se ve influenciada por el expresionismo, haciendo uso de un fuerte cromatismo visible en series como Interiores (1972), Waman Wasi (1975) y Anabase (1982). Esta última revela el proceso de experimentación que el artista tiene con
espacios abiertos, en los que juega con la luz, los reflejos y la profundidad. La representación no figurativa marca su trayectoria. En ella las referencias a la mitología y la cultura latinoamericana priman con fuerza por medio de la expresión de la luz y sombra sobre el color. Szyszlo se interesa por el arte precolombino y rescata sus raíces ancestrales, con las que realiza una síntesis de tradición y vanguardia. Ha dicho que aquellos elementos comunes entre el inconsciente del individuo y el colectivo son los que llaman su atención del surrealismo y su teoría. Ese elemento es encontrado en su amplio trabajo por medio de las expresiones artísticas precolombinas, de donde vienen las figuras arcaicas de sus obras. En el año 2011 el Museo de Arte de Lima inaugura una de las principales retrospectivas de su carrera. La muestra incluía más de 100 obras que recorrían las etapas de su evolución pictórica y sus puntos de inflexión, reafirmando el trabajo del artista peruano como uno de los referentes de la vanguardia plástica latinoamericana.
BIOGRAPHY
B
orn in Lima in 1925. Son of Polish physicist Vitold de Szyszlo and María Veldelomar, the artist attends the Colegio La Inmaculada school in Lima in the 1930s. The following years are marked by his studies in architecture at the Universidad Nacional de Ingeniería. But he decides not to conclude his studies and enter the fine arts directly. He enters the art school of the Pontificia Universidad Católica del Peru and there meets and learns from expressionist Adolf Winternitz. In 1948 he moves to Paris where he broadens his knowledge in art for four years during which he absorbs cubist, surrealist, informalist and abstract influences. While in France he meets Octavio Paz and André Breton, with whom he frequents the meetings of a group of writers and intellectuals. In 1951 he holds his first solo exhibition
after returning to Peru. This exhibition state a landmark in Peruvian plastic art. Between 1956 and 1976, besides continuing his artistic career, he teaches painting at the Pontificia Universidad Católica de Lima art school and is a visiting professor at the Cornell, Yale and Texas universities. In 1996 he publishes Miradas Furtivas (furtive glances), a selection of articles written from 1955 on contemporary and pre Columbian art. The following year he was made a member of the Academia Peruana de la Lengua (Peruvian Academy of Language). Then in 2001 the French government awarded him the order of arts and letters in its Officier degree. In 2011 he receives the Orden del Sol (order of the sun), the highest distinction the Peruvian state awards to people who have stood out on the field of the arts, culture and politics, among other areas.
“Painting is the visible encounter of what is sacred with matter”. FERNANDO DE SZYSZLO
Main individual exhibitions
TRAJECTORY His first exhibition, of a cubist influence is presented at the Instituto Cultural Peruano Norteamericano in 1947. The following year he travels to Paris to perfect his knowledge. His stay in Europe confirms his interest in avant-garde pictorial trends, especially in those of an abstract character. In the 1950s he exhibits on numerous occasions in his home country and also in the United States and Europe, where the use of abstraction as a fundamental element of his work is already visible. In 1960 he paints one of his most emblematic works, Auki V, which is currently at the Auton Museum in Austin, Texas. Also during this decade he develops series such as Apu Inca Atawallpaman (1963) and Paisaje (landscape) (1969). Between 1970 and 1980 his characteristic abstraction is influenced by expressionism, making use of a strong chromaticism visible in series such as Interiores (interiors) (1972), Waman Wasi (1975) and Anabase (1982). Thus later reveals the process of experimentation the artist
La pintura es el encuentro visible de lo sagrado con la materia”.
undergoes with open spaces in which he plays with light and depth. Non-figurative representation marks his trajectory. In it the references to Latin American mythology and culture strongly prevail through the expression of light and shadow on color. Szyszlo becomes interested in pre Columbian art and rescues his ancestral origin, with which he realizes a synthesis of tradition and the avant-garde. He has said those common elements between the unconscious of the individual and the collective are what calls his attention on surrealism and its theory. This element is found in his broad work through pre Columbian artistic expressions, from where the archaic figures in his works come from. In 2011 the Museo de Arte de Lima opens one of the main retrospectives of his career. The exhibition included over one hundred pieces that covered the stages of his pictorial evolution and his points of inflection, and reaffirming the work of the artist as one of the referents of Latin American plastic avant-garde.
2011 Szyszlo. Retrospectiva (retrospective), Museo de Arte de Lima, Peru 2009 Fernando de Szyszlo, Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia 2005 Central American Contemporary Art: The Human Figure-Selections from MoLAA’s Pe, Museum of Latin American Art (MoLAA), Long Beach, California, United States 2001 Szyszlo en su laberinto-Pinturas de un maestro peruano (in his labyrinth-paintings of a Peruvian master), Museum of Latin American Art (MoLAA), Long Beach, California, United States 1992 Fernando de Szyszlo: Las puertas de la noche (the doors of night), Museo de Bellas Artes, Santiago, Chile 1988 El canto de la noche: Fernando de Szyszlo (the song of night), Museo Tamayo, Mexico City, Mexico
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Abolici贸n De La Muerte, 1987, acr铆lico sobre tela, 180 x 200 cm. Abolici贸n De La Muerte, 1987, acrylic on canvas, 180 x 200 cm.
Duino, 1992, acrĂlico sobre tela, 180 x 200 cm. Duino, 1992, acrylic on canvas, 180 x 200 cm.
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De la serie Paracas trashumante, 2013, acrĂlico sobre tela, 120 x 150 cm. From the series Paracas trashumante, 2013, acrylic on canvas, 120 x 150 cm.
De la serie Paracas paisaje, 2013, acr铆lico, carb贸n y pastel sobre tela, 100 x 100 cm. From the series Paracas paisaje, 2013, acrylic, charcoal and pastel on canvas, 100 x 100 cm.
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Solnegro, 2013, acrĂlico sobre tela, 80 x 100 cm. Solnegro, 2013, acrylic on canvas, 80 x 100 cm.
De la serie Paracas trashumante, 2013, acrĂlico sobre tela, 180 x 200 cm. From the series Paracas trashumante, 2013, acrylic on canvas, 180 x 200 cm.
203
De la serie Paracas trashumante, 2013, acr铆lico y carb贸n sobre tela, 100 x 80 cm. From the series Paracas trashumante, 2013, acrylic and charcoal on canvas, 100 x 80 cm.
Homenaje a Lorenzo, de la serie Sol Negro, 1998 Homenaje a Lorenzo, series Sol Negro, 1998
205
MARCELA ARMAS MÉXICO
Usando materiales propios de la urbe principalmente vinculados con la energía, la artista mexicana comenzó su trabajo con la observación de fenómenos matéricos y sus transformaciones. Sus máquinas y dispositivos se construyen a partir de una investigación sobre la naturaleza de las materias que los componen y, a través de aquellos procesos, desarrolla una reflexión social vinculada con la memoria histórica. Marcela Armas ha descubierto la poética en la mecánica, medio por el que transmite una reflexión enfática que pone en pugna a la naturaleza y las relaciones sociales. Using materials of the city mainly linked to energy, the Mexican artist began her work with the observation of matter related phenomena and their changes. Her machines and devices are built form a research on the nature of matters composing them and, through those processes, develops a social reflection linked with historical memory. Marcela Armas has discovered the poetics of mechanics, means through which she transmits an emphatic reflection that opposes nature and social relations.
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BIOGRAFÍA
N
ace en Durango, México, en 1976. Entre 1997 y 2003, estudia en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guanajuato en México y posteriormente en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia, en España. En 2006 recibe el aporte del Programa de Apoyo a la Investigación en Nuevos Medios del Centro Multimedia del CENART, cuya presencia se repetiría en 2010. Además, en 2007 y 2010, es apoyada por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de su país. En 2008 dirige los talleres VIDA 10 de Fundación Telefónica en Buenos Aires, Lima, Santiago de Chile y Ciudad de México, junto a Gilberto Esparza y desarrolla I-machinarius para el Laboratorio Arte Alameda, INBA, un sistema mecánico lubricado con petróleo crudo,
Principales Exposiciones Individuales
2015 Implante, Proyecto de Arte público Denver-Ciudad de México, México. Bienal de las Américas, Casa del Lago, Ciudad de México, México 2014 Vórtice, Museo Amparo de Puebla, Puebla, México 2014 Resistance and Vortex, MoLAA, Museum of Latin American Art. Long Beach, Estados Unidos 2014 Vórtice, Museo de Arte de Zapopan, Jalisco, México 2009 Homo Orbital, Museo de la Ciudad de México. México, D.F. 2009 Expulsión, Colectivo TRiodO, intervención en el patio del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, México 2007 CeNIT, instalación, Espacio emergente de arte y experimentación, México 2007 Neumático, intervención para sitio específico, Casa Vecina, Fundación del Centro Histórico de la Ciudad de México, México 2007 Un día de trabajo, performance, Galería Kunsthaus Santa Fé, San Miguel de Allende, México
que aborda un cuestionamiento sobre la soberanía Y dependencia energética de Mexico en el contexto global. Un año después, participa en la Bienal del Mercosur en Porto Alegre, Brasil. Forma parte del colectivo TRIODO junto con Gilberto Esparza e Iván Puig. Desde el año 2012 dirige el proyecto curatorial de arte sonoro Meditatio Sonus junto a Arcángelo Constantini. En 2009 realiza Exhaust, una intervención urbana realizada en el Puente Vehicular La Concordia en Ciudad de México, un trabajo basado en la estética del desperdicio y su importancia en la configuración de la ciudad. Un año después, gana el premio al mejor video arte en el Festival 11th Alucine Toronto Latin Film & Media Arts Festival y la beca Jóvenes Creadores por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes 2010-2011 en México.
TRAYECTORIA Marcela Armas trabaja la intersección entre el arte, la ciencia y la tecnología. Su trabajo se ha desarrollado a través de intervenciones urbanas, acciones sonoras, instalaciones y desarrollo de instrumentos y dispositivos. En 2007, para la Bienal de La Habana, Marcela presenta su instalación Cénit, una obra sobre la economía del petróleo como soporte de un sistema lineal de consumo que da pie a la ciudad. Dos años después realiza Resistencia, una instalación que representa la frontera entre México y Estados Unidos y cuya construcción está constituida por un filamento metálico del que emana una fuerte incandescencia. El conflicto fronterizo como tópico se revela a través de la fluctuación del calor al acercarse a la pieza. En 2011 gana el premio ARCOmadrid/Beep con su Máquina Stella, la construcción de un sistema eléctrico y mecánico con el que explica y representa cómo las sociedades utilizan y desechan la energía. Armas también realiza trabajo colaborativo que la vincula con otros artistas, investigadores, científicos e inventores como Ariel Guzik, Shaday Larios, Santiago Itzcóatl, Colectivo Bios ExMachina y Elena Álvarez Buylla entre otros. En esta oportunidad la
artista remarca su interés por la observación de procesos y fenómenos materiales, sus transformaciones y la forma en que el desborde de ellos produce un desenlace que puede tener un sentido poético. Hacia 2014 crea Vórtice, producido por el Museo Universitario Arte Contemporáneo MUAC en colaboración con Museo Amparo de Puebla, Museo de Arte de Zapopan y Fundación BBVA-Bancomer. La pieza es una alegoría de la maquinaria educativa del Estado mexicano, que se teje a partir de una reflexión sobre el proceso de produccion industrial del libro de texto oficial. La obra se configura como un sistema mecánico compuesto por libros de texto desde la década de los 60 hasta la fecha. Posteriormente desarrolla el proyecto de espacio público IMPLANTE producido para la Bienal de las Américas, y financiado por Bonfils-Stanton Foundation en colaboración con Casa del Lago Juan José Arreola e Instituto de Geología, UNAM. El proyecto vincula dos ciudades: Denver y Ciudad de México. La artista explica que la obra recibe ese título porque propone un intercambio de suelo entre dos países, México y Estados Unidos.
BIOGRAPHY
B
orn in Durnago, Mexico, in 1976. She studies at the Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guanajuato and then at the San Carlos fine arts faculty of the Universidad Politécnica de Valnecia, Spain between 1997 and 2003. In 2006 she receives the support of the new media research support program of the CENART multimedia center, to be repeated in 2010. Also, in 2007 and 2010 she receives the support of the national fund for culture and the arts in her home country. In 2008 she directs the VIDA 10 workshops of the Fundación Telefónica foundation in Buenos Aires, Lima, Santiago de Chile and Mexico City with Gilberto Esparza and develops I-machinarius for the Laboratorio Arte Alameda, INBA, a mechanical system lubricated with
crude oil that approaches a questioning on Mexico’s energetic sovereignty and dependence within the global context. A year later she participates at the Mercosur biennial in Porto Alegre, Brazil. She is a member of the TRIODO collective with Gilberto Esperza and Iván Puig. She has directed the Meditatio Sonus sound art curatorial project with Arcángelo Constantini since 2012. In 2012 she realizes Exhaust, an urban intervention held at the La Concordia bridge in Mexico City, a piece based on the aesthetics of waste and their importance in the configuration of the city. A year later she wins the prize for best video at the 11th Alucine Toronto Latin Film & Media Arts Festival and the Jóvenes Creadores young talent grant from the Fondo Nacional para la Cultura y las Artes grant 2010-2011.
“Every piece is like a phase of thought, a moment that only transits”. MARCELA ARMAS
Main individual exhibitions
TRAJECTORY She works on the intersection of art, science and technology. Her work has developed through urban interventions, sound actions, installations and the development of instruments and devices. In 2007 she presents her Cénit (cenith) at the Havana biennial, a piece on the economy of oil as support of a linear system of consumption that originates the city. Two years later she realizes Resistencia (resistance), an installation representing the border between Mexico and the United States and whose construction is constituted by a metallic filament of which a strong incandescence emanates. The border conflict as an issue is revealed in the fluctuation of heat while approaching the piece. In 2011 she wins the ARCOmadrid/Beep prize with her Máquina Stella (Stella machine), the construction of an electric and mechanical system in which she explains how societies use and discard energy. Armas also performs collaborative work linking her to other researchers, artists and inventors such as Ariel Guzik, Shady Larios, Santiago Itzcóatl, the Bios ExMachina collective and Elena Álvarez Buylla, among others. On this opportunity the artist
Cada obra es como un estadio del pensamiento, un momento que sólo transita”.
underlines her interest for the observation of material processed and phenomena, their transformations and the way in which their flooding produces an outcome that can have a poetic meaning. Towards 2014 she creates Vórtice (vortex), produced by the Museo de Arte Contemporáneo (MUAC) in collaboration with the Museo Amparo de Puebla, Museo de Arte de Zapopan and the Fundación BBVA-Bancomer foundation. The piece is an allegory of the education machinery of the Mexican state that is knitted from a reflection on the industrial production process of the official textbook. The piece is configured form a mechanical system composed of textbooks from the 1060s to date. She later develops the public Implante (implant) space project produced for the Bienal de las Américas biennial and funded by the Bonfils-Stanton Foundation in collaboration with the Casa del Lago Juan José Arreola and the Instituto de Geología of the UNAM. The project links two cities: Denver and Mexico City. The artist explains that the piece receives that title because it proposes an exchange of soil between two countries, Mexico and the United States.
2015 Imlante, Denver-Mexico City public art project, Bienal de las Américas biennial, Casa de Lago, Mexico City, Mexico 2014 Vórtice, Museo Amparo de Puebla, Puebla, Mexico 2014 Resistance and Vortex, MoLAA, Museum of Latin American Art, Long Beach, United States 2014 Vórtice, Museo de Arte de Zapopan, Jaisco, Mexico 2009 Homo Orbital, Museo de la Ciudad de México, Mexico, F.D. 2009 Expulsión, TRiodO collective, intervention at the Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca patio, Oaxaca, Mexico 2007 CeNIT, installation, 1/4th Espacio Emergente de Arte y Experimentación, Mexico 2007 Neumático, site specific intervention, Casa Vecina, Fundación del Centro Histórico de la Ciudad de México, Mexico 2007 Un día de trabajo, performance, Galería Kunsthaus Santa Fé gallery, San Miguel de Allende, Mexico 209
Estanque, 2006, tanque de metal, aceite automotriz usado, manija de coche. Fotografía: Marcela Armas. Cortesía Arroniz Arte Contemporáneo. Estanque, 2006, metal tank, used car oil, car handle. Photography: Marcela Armas. Courtesy Galería Arroniz Arte Contemporáneo.
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Noches Incandescentes, San Luis Río Colorado, 2008, cajas de luz. Grabados de ciudades del mundo. Fotografía: Marcela Armas. Cortesía Arroniz Arte Contemporáneo. Noches Incandescentes, San Luis Río Colorado, 2008, light boxes of worldwide cities. Photography: Marcela Armas. Courtesy Galería Arroniz Arte Contemporáneo. Pág. der. Noches Incandescentes, Santiago de Chile, 2008, cajas de luz. Grabados de ciudades del mundo. Fotografía: Marcela Armas. Cortesía Arroniz Arte Contemporáneo. Right page. Noches Incandescentes, Santiago de Chile, 2008, light boxes of worldwide cities. Photography: Marcela Armas. Courtesy Galería Arroniz Arte Contemporáneo.
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Resistencia, 2009, resistencia calefactora, aislantes cerámicos, cable de acero, electricidad. Fotografía: Marcela Armas. Cortesía Arroniz Arte Contemporáneo. Resistencia, 2009, heat resistance, insulation ceramic, steel cable, electricity. Photography: Marcela Armas. Courtesy Galería Arroniz Arte Contemporáneo.
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Vórtice, 2013, mecanismo fabricado con libros de texto oficiales de México. Fotografía: Marcela Armas. Cortesía Arroniz Arte Contemporáneo.
Un proyecto de Marcela Armas producido por Museo Universitario Arte Contemporáneo MUAC en colaboración con Museo Amparo de Puebla, Museo de Arte de Zapopan y Fundación BBVA - Bancomer
Vórtice, 2013, mechanism made from official Mexican textbooks. Photography: Marcela Armas. Courtesy Galería Arroniz Arte Contemporáneo.
Marcela Armas project produced by Museo Universitario Arte Contemporáneo MUAC in collaboration with Amparo Museum in Puebla, Museo de Arte de Zapopan and Fundación BBVA - Bancomer.
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JUAN IRIBARREN V ENE Z U E L A
Exponente latinoamericano del abstraccionismo. Su trabajo adhiere a este movimiento, aun reconociendo el origen conceptual de cada obra en instantes de luz y sombra que responden al clima de días específicos. Una pared vacía, sin distracciones ni ornatos, suscita su atención y permea sus ideas de un vívido momento de color, el cual plasma sobre una superficie plana a partir de capas de pintura. El trabajo de Juan Iribarren manifiesta su propia identidad desde la pintura y la fotografía. El artista juega con su deseo de poblar el espacio de construcciones bidimensionales, suprimiendo la perspectiva y los vestigios de la tridimensionalidad. A Latin American exponent of abstractionsim. His work adheres to this movement, even if recognizing the conceptual origin of every work in instants of light and shade answering to specific days’ climate conditions. An empty wall without distractions or ornaments calls his attention and permeates his ideas of a vivid moment of color, which he represents on a plain surface starting from layers of paint. Juan Iribarren’s work manifests its own identity from painting and photography. The artist plays with his desire to populate the space of two-dimensional constructions, suppressing perspective and the vestiges of three-dimensionality.
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BIOGRAFÍA
N
ace en Caracas, Venezuela, en 1956. Su formación profesional cruza dos naciones: comienza en la American University de Washington D.C., donde estudia Bellas Artes entre 1974 y 1978, para luego trasladarse a Francia y realizar una Maestría en Estética en la Universidad de París I Panthéon-Sorbonne, entre 1982 y 1983. Sus pinturas emergen en la escena artística durante la década de 1980, cuando expone individualmente por primera vez, tanto en su ciudad natal como en París. También por entonces produce escenografías para teatro, danza y ópera. La influencia de esta experiencia es posible advertirla en las atmósferas, las sombras y los espacios climáticos propios de su pintura. Desde 1992 vive y trabaja en Nueva York. Sus experimentaciones pictóricas dan lugar a una serie de exposiciones entre las que destacan las llevadas
Principales Exposiciones Individuales
2014 Juan Iribarren. Fotografías y pinturas, Carmen Araujo Arte, Caracas, Venezuela 2013 Juan Iribarren. Obra reciente, Galeria Leme, São Paulo, Brasil 2011 Juan Iribarren, Henrique Faría Fine Art, New York, Estados Unidos 2009 Juan Iribarren. Obra reciente, Galería Faría+Fabregas, Caracas, Venezuela 2006 Juan Iribarren. Dibujos y fotografías, Galería Spazio Zero, Caracas, Venezuela 2004 Juan Iribarren. Recent Works, Sicardi Gallery, Houston, Estados Unidos 2001 Juan Iribarren. Obra reciente, Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela 1998 Juan Iribarren. Small Paintings, GAGA, New York, Estados Unidos
a cabo en la Sala Mendoza (1994), la Sala Alternativa (1997) y el Museo Alejandro Otero (2001) de Caracas. Su período experimental en la pintura desemboca, hacia 2003, en una investigación en torno a distintas técnicas artísticas, entre las que se cuentan el dibujo, la gráfica y la fotografía. Esta última disciplina va a adquirir una gran relevancia, ya que le permitirá valerse de manera paralela y simultánea de las cualidades aparentemente abstractas de su pintura con la realidad inmediata evidenciada por la fotografía. Este camino se consolida con la participación de su instalación Pequeño Atlas LIC en la muestra colectiva The (S) Files / The Selected Files (El Museo del Barrio, Nueva York, 2005), así como en su exposición individual celebrada en la Galería Faría+Fabregas (Caracas, 2009) y posteriormente en la XXX Bienal de São Paulo (2012).
TRAYECTORIA Trabaja el óleo inicialmente desde un punto de vista personal y reflexivo, aunque siempre influido por el arte abstracto. En sus obras de esta época se manifiestan vestigios figurativos que no se desvanecen por completo, a pesar de la presencia de sistemas lineales y geométricos. El resultado revela climas y atmósferas logrados a través del color y de pinceladas gestuales. En los años noventa, Iribarren apuesta por una pintura enfocada en valores propios, donde exhibe un despliegue de pinceladas que abordan el color y el formalismo de una manera innovadora, desvaneciendo cada vez más los escasos vínculos que quedaban con la pintura figurativa. Su pintura se basa en la luz y en cómo ésta afecta el color. Los elementos verticales y horizontales, así como las diferentes entonaciones basadas en la calidez del color, acercan su obra al legado de la geometría modernista y a la influencia del trabajo pictórico de Mondrian, aspecto sobre el cual ha tenido también incidencia la estadía en Nueva York.
Propicia en sus obras la confluencia de dos corrientes aparentemente irreconciliables: la geometría formalista y la pintura atmosférica, una estética de formas perfectas y otra donde prevalece la indefinición de lo lumínico. Cuando en la primera década del siglo XXI aborda la fotografía, lo hace con la intención de subrayar sus hallazgos pictóricos. De esta manera, la fotografía verifica los registros lumínicos logrados con el óleo o los vuelve a someter a nuevos efectos atmosféricos, en una suerte de diálogo recurrente. Asimismo, la intervención de las fotografías le permite insistir, con otros medios, en la desaparición de las perspectivas y de todo aquello que remite al espacio. En su pintura más reciente tiene lugar una radicalización de sus búsquedas, continuando su intento por anular los elementos estructurales, espaciales, y pretendiendo alcanzar los límites del vacío, siempre valiéndose de la luz y el color como instrumentos de trabajo.
BIOGRAPHY
B
orn in Caracas, Venezuela in 1956. His professional education crosses two countries: he begins at the American University in Washington, D.C., where he studies fine arts between 1974 and 1978, then moves to France and holds a master’s degree in aesthetics at the University of Paris I Panthéon-Sorbonne between 1982 and 1983. His paintings emerge from the art scene during the 1980s, when he exhibits solo for the first time, both in his hometown as in Paris. At that time he also produces theater, dance and opera sets. The influence of that experience is possible to be perceived in the atmospheres, the shadows and climatic spaces common in his paintings. He has lived and worked in New York since 1992. His pictorial experiments give place to a series of exhibitions
among which the one at Sala Mendoza (1994), Sala Alternativa (1997) and the Museo Alejandro Otero in Caracas stand out. Towards 2003, his experimental period expands into a research around different art techniques among which are drawing, graphics and photography. The later discipline will go on to take on a great relevance, since it will allow him to, in a parallel and at the same time simultaneously, make use of the apparently abstract qualities of his paintings and of the immediate reality evidenced by photography. This path is consolidated with his participation at the The (S) Files/The Selected Files group exhibition (El Museo del Barrio, New York, 2005) with his Pequeño Atlas LIC (small LIC atlas), as well as in his solo exhibition at the Galería Faría+Fabregas (Caracas, 2009) and later the 30th Säo Paulo biennial (2012).
“I am interested in the legacy of modernist geometry, but subverted through its confrontation with a usually contrary painting that allows for what is atmospheric, soft, turbid, contaminated”. JUAN IRIBARREN
Main individual exhibitions
TRAJECTORY He initially works with oil paint from a personal and reflexive point of view, even if always influenced by abstract art. In his works of the time figurative vestiges that do not completely disappear manifest themselves despite the presence of linear and geometric systems. The outcome reveals climates and atmospheres achieved through color and gestural brush strokes. During the 1990s Iribarren transits toward a painting focused on his own values, in which he exhibits a display of brush-strokes that approach color and formalism in an innovative way, further blurring the increasingly scarce links with figurative painting. His painting is based on light and how it affects color. The vertical and horizontal elements, as well as the different tones based on the warmth of color, brings his work close to the legacy of modernist geometry and to the influence of Mondrian’s pictorial work, this last aspect also influenced by his stay
Me interesa el legado de la geometría modernista, pero subvertido a través de su confrontación con una pintura normalmente contraria que permite lo atmosférico, lo blando, lo turbio, lo contaminado”.
in New York. In his work, he favors the confluence of two apparently irreconcilable currents: formalist geometry and atmospheric painting, one, aesthetics of perfect shapes, and another one in which the in-definition of light prevails. When he approaches photography in the first decade of the 21st century, he does so with an intention of underscoring his pictorial findings. Thus, photography verifies the light-registers achieved with oil paint, or again submits them to new atmospheric effects, in a kind of recurring dialogue. Also, the intervention of photographs allows him to, with other means, insist on the disappearance of perspectives and everything that remits to 3-D space. In his most recent paintings there is a radicalization of his research, by continuing to eliminate structural and spatial elements and aiming to reach the limits of the void, always using light and color as work tools.
2014 Juan Iribarren. Fotografías y pinturas, Carmen Araujo Arte, Caracas, Venezuela 2013 Juan Iribarren. Obra reciente, Galeria Leme Säo Paulo, Brazil 2011 Juan Iribarren, Henrique Faría Fine Art, New York, USA. 2009 Juan Iribarren. Obra reciente, Galleria Faría+Fabregas, Caracas, Venezuela 2006 Juan Iribarren, Dibujos y fotografías, Galería Zero, Caracas, Venezuela 2004 Juan Iribarren. Recent Works, Sicardi Gallery, Houston, United States 2001 Juan Iribarren. Obra reciente, Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela 1998 Juan Iribarren. Small Paintings, GAGA, New York, United States
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Cintas, 1994, 贸leo sobre lino, 122 x 122 cm. Cintas, 1994, oil on linen, 122 x 122 cm.
Noche (ala), 1996, 贸leo sobre lino, 122 x 122 cm. Noche (ala), 1996, oil on linen, 122 x 122 cm.
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Sin t铆tulo, 2007, 贸leo sobre lino, 122 x 122 cm. Untitled, 2007, oil on linen, 122 x 122 cm.
Sin t铆tulo, 2006, 贸leo sobre lino, 135 x 103 cm. Untitled, 2006, oil on linen, 135 x 103 cm.
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Sin t铆tulo, 2010, 贸leo sobre lino, 97 x 76 cm. Untitled, 2010, oil on linen, 97 x 76 cm.
Sin t铆tulo, 2012, 贸leo sobre lino, 183 x 137 cm. Untitled, 2012, oil on linen, 183 x 137 cm.
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Sin t铆tulo, 2014, 贸leo sobre lino, 130 x 114 cm. Untitled, 2014, oil on linen, 130 x 114 cm.
Sin t铆tulo, 2013, 贸leo sobre lino, 157 x 122 cm. Untitled, 2013, oil on linen, 157 x 122 cm.
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CARLOS CRUZ-DIEZ V ENE Z U E L A
El artista franco-venezolano Carlos Cruz-Diez describe el color “no simplemente como el color de las cosas ni el color de la forma, sino como una situación evolutiva, una realidad que actúa sobre el ser humano con la misma intensidad que el frío, el calor, el sonido”. Cruz-Diez presenta el color como una experiencia autónoma; un puro fenómeno de luz que puede ser percibido sin interpretación o conocimientos culturales preexistentes. Al proyectar el color en el espacio, el artista explora las posibilidades sensoriales de su interacción directa con el espectador. Este, en vez de limitarse a contemplar la obra, deviene partícipe activo de un evento fenomenológico. The Franco-Venezuelan artist Carlos Cruz-Diez has described color as “not simply the color of things or the color of form, but rather an evolving situation, a reality which acts on the human being with the same intensity as cold, heat, and sound”. Cruz-Diez presents color as an experience in itself; a pure phenomenon of light that can be perceived without interpretation or preexisting cultural knowledge. By projecting color into space, the artist explores the sensory possibilities of its direct interaction with the viewer. The viewer, instead of merely looking at the work of art, becomes a participant in a phenomenological event.
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BIOGRAFÍA
N
ace en Caracas, Venezuela, en 1923. A los 17 años inicia sus estudios profesionales en la Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal, donde obtiene el diploma de profesor de Artes Aplicadas. Cuatro años después, decide trabajar como ilustrador en las revistas El Farol, La Esfera y Élite, mientras realiza tiras cómicas para varios periódicos paralelamente. En 1947 comienza una serie de viajes. Nueva York es su primer destino y allí cursa una formación en publicidad. Esta área lo mantiene ocupado hasta 1955, cuando decide irse a vivir a Barcelona, España. Cinco años de investigación y experimentación le bastan para moverse en 1960 a París, instalándose definitivamente con su familia. Entonces comienza a exponer en un sinnúmero de museos y galerías, consiguiendo en 1965 participar en la exposición
The Responsive Eye en el Museum of Modern Art (MoMA) en Nueva York. Cinco años después, expone en la XXXV Bienal de Venecia. El artista publica su primer libro, Reflexión sobre el color en 1989, resultado de una larga etapa de investigaciones. En 2005 su familia crea la Cruz-Diez Foundation, corporación erigida para conservar, desarrollar y difundir su legado artístico y conceptual. En 2008, a dos años de cumplir medio siglo viviendo en París, adquiere la nacionalidad francesa. Hacia 2011 inaugura su gran retrospectiva Carlos Cruz-Diez. Color in Space and Time, en el Museum of Fine Arts de Houston, Estados Unidos, muestra que también se ha exhibido en países como México, Argentina y Brasil.
© Photo: Orlando de la Fuente
Principales Exposiciones Individuales
2014 Cruz-Diez: Color espacial, Centro Niemeyer, Avilés, España 2011 Carlos Cruz-Diez: Color in Space and Time, Museum of Fine Arts, Houston, Estados Unidos 2011 Carlos Cruz-Diez: El color en el espacio y en el tiempo, Museo de Arte Latinoamericano (MALBA - Fundación Constantini), Buenos Aires, Argentina 1991 Carlos Cruz-Diez: Couleurs Additives, Museum Moderner Kunst Landkreis Cuxhaven, Otterndorf, Alemania 1988 Carlos Cruz-Diez: Die Autonomie der Farbe, Josef Albers Museum, Bottrop, Alemania 1970 XXXV Biennale di Venezia, Pabellón Venezolano, Venecia, Italia
TRAYECTORIA Durante su adolescencia y juventud, el artista venezolano se dedicó a la ilustración, interesado especialmente en el área de la publicidad. Posteriormente cursó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Caracas, lugar donde realizó sus primeras incursiones artísticas en lo figurativo. Cruz-Diez ha sido un amante del estudio, la investigación y la lectura sobre el comportamiento del color. Luego de viajar a Nueva York, las exhibiciones que por esos días tenían lugar en Europa y Estados Unidos comienzan a llamar poderosamente su atención. Es entonces, en 1959, cuando tiene origen su primera obra experimental, titulada Fisicromía 1, que dio origen a una serie de obras que funciona como “trampas de luz” en un espacio donde interactuaban una serie de tramas de color. Habiendo indagado en el arte óptico, volcó su mirada de pleno a ensayar con la paleta cromática. Entonces realizó intervenciones en espacios públicos. Transcromía es la primera de ellas, la puerta de acceso de la Torre Phelps,
realizada en Caracas en 1967. A partir de entonces nunca abandona el espacio público, ni el arte. Su diálogo con la arquitectura queda expuesto en la Central Hidroeléctrica Raul Leoni en Guri en Venezuela, la Universidad Simón Bolívar y la Pasarela de la estación ferroviaria en SaintQuentin-en-Yvelines, en Francia, entre otras. En el área del estudio y la investigación, descubre en el empleo de colores un diálogo afectivo que vincula sus ideas y sensaciones a un color y sus gamas. Así, un tipo de azul o un verde le llevan a trabajar matices y vibraciones que actúan paralelamente sobre la obra y su creador, en una directa intencionalidad. Entonces escribe y crea; traduce por todos los medios que tiene, la forma en que el color, con plena libertad, crea efectos imposibles de determinar, ni prever con ninguna rama del saber. De esta forma, explica que, desprovisto de anécdotas o sucesos, el color evoluciona en el espacio y en el tiempo, en un presente continuo.
BIOGRAPHY
B
orn in Caracas, Venezuela in 1923. He begins his professional studies at the Escuela de Bellas Artes in his hometown at seventeen, obtaining the applied arts teacher diploma. Four years later he decides to work as an illustrator at the El Farol, La Esfera and Élite magazines, while he draws comic strips for various newspapers in parallel. In 1947 he begins a series of trips. New York is his first destination, and there he studies advertising. This field will keep him busy until 1955, when he decides to move to Barcelona, Spain. Five years of research and experimentation are enough for him to exhibit at countless museums and galleries, managing to take part of the The Responsive Eye exhibition at the Museum
of Modern Art (MoMA) in New York. Five years later he exhibits at the 35th Venice biennial. He publishes his first book, Reflexión sobre el color (Reflection on color) in 1989, resulting from a long research. In 2005 his family creates the Cruz-Diez Foundation, a corporation set up to preserve, develop and promote his artistic and conceptual legacy. In 2008, two years from turning 50 years having lived in Paris, he acquires the French nationality. Towards 2011 he opens his great retrospective Carlos Cruz-Diez. Color in Space and Time, at the Museum of Fine Arts in Houston, in the U.S., an exhibition that has also travelled to Mexico, Argentina and Brazil.
“In my works, color appears and disappears in the course of a dialogue that is generated with real space and time”. CARLOS CRUZ-DIEZ
Main individual exhibitions
TRAJECTORY During his adolescence and youth, the Venezuelan artist dedicated himself to illustration, especially interested in advertising. Later he studied at the Escuela de Bellas Artes in Caracas, where he held his first artistic explorations into figuration. Cruz-Diez has been passionate about studying, researching and reading on the behavior of color. After travelling to New York, the exhibitions being held in Europe and the United States at that time induced a deep interest on him. It is then, in 1959 when he creates his first experimental work, titled Fisicromía 1, which gave place to works that function as “light traps” in a space in which a series of color weaves interacted. Having researched optical art, he dedicated his practice toward the chromatic palette. He then realized interventions in public spaces. Transcromía is the first of them, the access door to the Torre Phelps tower in Caracas in 1967. From then on he has never
En mis obras, el color aparece y desaparece en el transcurso del diálogo que se genera con el espacio y el tiempo real”.
abandoned the public space, or art. His dialogue with architecture is exposed at the Raúl Leoni hydro electrical station in Guri, Venezuela, the Universidad Simón Bolivar and the train station pastry shop at the Saint-Quentin-en-Yvelines train station in France, among others. Within the research and investigation area, he discovers an affective dialogue in the use of colors that links his ideas and feelings to a color and its spectrums. Thus, the nuance of a blue or green lead him to work shades and vibrations that in parallel act on the work and its creator, in a direct intentionality. He then writes and creates; he translates the way in which color, by all means at his disposal, completely free, creates effects that are impossible to determine, nor to prevent with any branch of knowledge. Thus, he explains, deprived on anecdotes or events, color evolves in space and time, in a continuous present.
2014 Cruz-Diez: Color especial, Centro Niemeyer, Avilés, Spain 2011 Carlos Cruz-Diez: Color in Space and Time, Museum of Fine Arts, Houston, United States 2011 Carlos Cruz-Diez: color in space and time, Museo de Arte Latinoamericano (MALBA-Fundación Constantini), Buenos Aires, Argentina 1991 Carlos Cruz-Diez: Coleurs Additives, Museum Moderner Kunst Landkreis Cuxhaven, Otterndorf, Germany 1988 Carlos Cruz-Diez: Die Autonomie der Farbe, Josef Albers Museum, Bottrop, Germany 1970 35th Venice Biennial, Venezuelan pavilion, Venice, Italy
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Carlos Cruz-Diez, Physichromie 1112, 1978 © ADAGP, París / CREAIMAGEN, Santiago, 2015
Carlos Cruz-Diez, Physichromie 1112, 1978 © ADAGP, París / CREAIMAGEN, Santiago, 2015
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Carlos Cruz-Diez, Physichromie 2214, 1988 © ADAGP, París / CREAIMAGEN, Santiago, 2015
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Carlos Cruz-Diez, Ambientación Cromática, Central Hidroeléctrica Raúl Leoni, Sala de máquinas n°1 Guri, Venezuela, 1977-1986, 26 x 260 x 23 m., Ingenieros: H. Roo, A. Gamboa, E. Carrera, G. Chavarri, © ADAGP, París / CREAIMAGEN, Santiago, 2015
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Carlos Cruz-Diez Chromosaturation, 1965-2015. Installation view Light Show, Museum of Contemporary Art, Sidney, Australia, 2015. © ADAGP, París / CREAIMAGEN, Santiago, 2015. © Photo: Maja Baska
Carlos Cruz-Diez, Chromosaturation, 1965/2011. Exposición “Carlos Cruz-Diez: Color in Space and Time”, Museum of Fine Arts, HoustonHouston, Estados Unidos, 2011 © ADAGP, París / CREAIMAGEN, Santiago, 2015
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JORGE TACLA chile
Jorge Tacla desarrolla imágenes complejas y dramáticas. Sus pinturas y dibujos poseen una belleza mórbida y una elegancia conceptual al mismo tiempo que son enigmáticas y fantásticas, revolucionando el panorama del arte contemporáneo y diferenciándolo de la tradición de la abstracción moderna. Gran parte de su obra está basada en hechos históricos recientes, particularmente crudos y violentos, que no se focalizan en un lugar específico. Al contrario, su percepción se traslada de un punto a otro y busca permanentemente el núcleo de una determinada crisis como la actual guerra civil en Siria, el conflicto de Gaza, el bombardeo a Beirut en 2006, el atentado en Oklahoma City en 1995 y en Nueva York el 2001, la España franquista, el golpe de Estado en Chile de 1973, los terremotos de Haití, Japón y Chile el año 2010, entre tantas otras. Jorge Tacla develops complex and dramatic images. His paintings and drawings possess a morbid beauty and a conceptual elegance while being enigmatic and fantastic, revolutionizing the scenery of contemporary art and differentiating it from the tradition of modern abstraction. A great deal of his work is based on recent historical events, particularly crude and violent, that do not concentrate in a specific place. On the contrary, perception transits from one point to the next and permanently seeks the nucleus of a determined crisis such as the current civil war in Syria, the Gaza conflict, the Beirut bombing in 2006, the Oklahoma City terror attack in 1995 and New York in 2001, Francoist Spain, the 1973 coup in Chile, the Haiti, Japan and Chile earthquakes in 2010, among so many others.
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BIOGRAFÍA
J
orge Tacla nace en Santiago de Chile en 1958. Estudia en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile y en 1981 se traslada a vivir a Nueva York. Al llegar a Estados Unidos, su primer foco de interés es el conflicto racial que se vivía en los años 80. En 1989 comienza a cuestionar el lenguaje representativo de la pintura, concentrándose en la relación materia/esencia y en el conflicto de los poderes. Las imágenes paisajísticas y urbanas las representa a través del negativo fotográfico. Crea paisajes a partir de viajes reales o imaginarios, que muestran la complejidad de los entornos, la fuerza de sus estructuras contrastantes, y la consistencia y madurez de su oficio.
Principales Exposiciones Individuales
TRAYECTORIA
2015 Jorge Tacla: Identidades Ocultas, Art Museum of the Americas, Washington, Estados Unidos
Desde sus inicios, Tacla ha sido un precursor del cuestionamiento de la pintura tradicional. Sus primeras intervenciones en el arte exhibieron el gesto como elemento pictórico, exacerbando la expresividad y el drama humano. Trabaja en la vía hacia el rescate de la memoria de la disgregación. La cultura Africano-americana influencia este período de producción en su obra, donde se produce el poblamiento de seres imaginarios y simbólicos. Su morfología no se disocia, sino que, al contrario, se compacta, homogenizando así sus características a través de colores puros, para aislarlos parcialmente. Este efecto de segregación que consigue el color y la monocromía adquiere su significado enalteciendo la figura del sujeto marginado y reafirmando los procesos de la memoria.
2015 Jorge Tacla: Identidades Ocultas, Cristin Tierney Gallery, Nueva York, Estados Unidos 2014 Jorge Tacla: Identidades Ocultas, Museo de la Memoria y los Derechos Humanos, Santiago, Chile 2014 Tales of Two Cities: New York and Beijing, Bruce Museum, Greenwich, CT. 2013 Pabellón de la Emergencia, 55a Bienal de Venecia, Venecia, Italia 2013 Jorge Tacla: Doble Vida, Galería Lucía de la Puente, Lima, Perú 2011 Dublin Contemporary, Dublín, Irlanda 2011 Bienal de Sharjah 10, Sharjah, Emiratos Árabes Unidos 2011 Jorge Tacla: Altered Remains, Cristin Tierney Gallery, Nueva York, Estados Unidos
En 2013, Tacla completa una residencia en la Fundación Rockefeller, Bellagio Center en Bellagio, Italia. Su trabajo ha sido expuesto en museos, bienales y galerías de todo el mundo. También ha completado distintas instalaciones permanentes, incluyendo el mural de técnica mixta Al mismo tiempo en el mismo lugar, en el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos en Santiago, Chile. A lo largo de su carrera ha sido galardonado con numerosas becas, entre las que destacan la de la Fundación de Nueva York para las Artes (1988, 1992); el Premio de Arte de Eco, Río de Janeiro, Brasil (1992), y la John Simon Guggenheim Memorial Foundation (1991).
Recurre con frecuencia a múltiples lecturas y a imágenes de los medios de comunicación. Sus pinturas se sitúan en la articulación de una nueva arquitectura que surge a raíz de la catástrofe, natural o artificial. El artista percibe la devastación que resulta de este tipo de eventos reales como una oportunidad para investigar los sistemas estructurales que, de otro modo, permanecerían invisibles. Las superficies monocromáticas de las pinturas de Tacla están cargadas de elementos significativos (edificios o sus escombros, catedrales, bibliotecas enormes, pieles o heridas, camas vacías y deshechas, seres humanos en el centro del sufrimiento o la devastación) hasta saturar el espacio pictórico, provocando una sensación de placer o de náusea que se proyecta hacia el infinito.
BIOGRAPHY
B
orn in Santiago de Chile in 1958. He studies at the Escuela de Bellas Artes of the Universidad de Chile and moves to New York in 1981. Upon arriving to the United States his first focus of interest is the racial conflict occurring in the 1980s. He begins questioning the representational language of painting in 1989, focusing on the matter/essence relation and the conflict of powers. He represents the landscape and urban images through the photographic negative. He creates landscapes starting from real or imaginary travels that show the complexity of the surroundings, the strength of their contrasting structures and the consistency and maturity of his craft.
In 2013 Tacla completes a residence at the Rockefeller Foundation, Bellagio Center, in Bellagio, Italy. His work has been exhibited in museums, biennials and galleries all over the world. He has also completed several permanent installations, including a mixed media mural, Al mismo tiempo en el mismo lugar (at the same time in the same place), at the Museo de la Memoria y los Derechos Humanos in Santiago, Chie. During his career he has been awarded numerous grants, among which we can point out the New York Foundation for the Arts (1988, 1992); the Arte Eco art prize, Rio de Janeiro, Brazil (1992) and the John Simon Guggenheim Memorial Foundation (1991).
“The work of art has to always be a denunciation”. JORGE TACLA
Main individual exhibitions
TRAJECTORY From early on, Tacla has been a precursor of the questioning of traditional art. His first art interventions showed the gesture as a pictorial element, exacerbating expressiveness and the human drama. He works on the way toward the rescuing of memory from disintegration. Afro-American culture influences this production period in his work, in which a settlement of imaginary and symbolic beings occurs. Their morphology does not dissociate, but on the contrary, becomes compact, thus homogenizing their characteristics through pure colors, in order to partially isolate them. This effect of segregation that achieves color and the monochrome to take on their meaning elevates the figure of the marginalized subject and reaffirming the processes of memory.
La obra de arte siempre tiene que ser una denuncia”.
He frequently resorts to multiple readings and to images of the communication media. His paintings are placed at the articulations of a new architecture emerging from a catastrophe, be it natural or artificial. The artist perceives the devastation that results from this kind of real events as an opportunity to research the structural systems that in another way would remain invisible. The monochrome surfaces of Tacla’s paintings are loaded of signifying elements (buildings or their ruins, cathedrals, enormous libraries, skins or wounds, empty and undone beds, human beings at the center of suffering or devastation) to the point of saturating the pictorial space, provoking a feeling of pleasure or nausea projecting itself toward the infinite.
2015 Jorge Tacla: Identidades Ocultas, Art Museum of the Americas, Washington, United States 2015 Jorge Tacla: Identidades Ocultas, Cristin Tierney Gallery, New York, United States 2014 jorge Tacla: Identidades Ocultas, Museo de la Memoria y los Derechos Humanos, Santiago, Chile 2014 Tales of Two Cities: New York and Beijing, Bruce Museum, Greenwich, Connecticut 2013 Pabellón de la emergencia , 55th Venice biennial, Venice, Italy 2013 Jorge Tacla: Doble Vida, Galería Lucía de la Puente, Lima, Peru 2011 Dublin Contemporary, Dublin, Ireland 2011 10th Sharjah biennial, Sharjah, United Arab Emirates 2011 Jorge Tacla: Altered Remains, Cristin Tierney Gallery, New York, United Stated
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Lugares en Común, 1989, óleo sobre yute, 203.2 x 152.4 cm. Lugares en Común, 1989, oil on jute 203.2 x 152.4 cm.
Uptown, 1998, acrílico, óleo y polvo de mármol sobre tela, 177 x 162 cm. Uptown, 1998, acrylic, oil and marble powder on canvas, 177 x 162 cm.
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Camuflaje 67, 2008, 贸leo sobre tela, 167 x 155 cm. Camuflaje 67, 2008, oil on Canvas, 167 x 155 cm.
Rubble 8, 2007, acrílico, óleo y polvo de mármol sobre lienzo, 167,7 x 154,9 cm. Rubble 8, 2007, acrylic, oil and marble powder on canvas, 167,7 x 154,9 cm.
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Rubble 2, 2007, acrílico, óleo y polvo de mármol sobre lienzo, 254 x 254 cm. Rubble 2, 2007, acrylic, oil and marble powder on canvas, 254 x 254 cm.
8.9, 2011, acrílico, óleo y polvo de mármol sobre lienzo, 254 x 254 cm. 8.9, 2011, acrylic, oil and marble powder on canvas, 254 x 254 cm.
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Identidad Oculta 040, 2013, 贸leo y cera fr铆a sobre lienzo, 250 x 250 cm. Identidad Oculta 040, 2013, oil and cold wax on canvas, 250 x 250 cm.
Identidad Oculta 039, 2013, 贸leo y cera fr铆a sobre lienzo, 250 x 250 cm. Identidad Oculta 039, 2013, oil and cold wax on canvas, 250 x 250 cm.
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