Periódico / Edición 77 Enero by Arte al Límite

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SANTIAGO DE CHILE, ENERO

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2012 artes visuales Nº 77

Andy

Andy Cherniavsky

Cherniavsky

La creadora de los coloridos diseños que revestirán las latas de Coca-Cola Light durante este verano es una de las fotógrafas más relevantes de Argentina. Conoce en este número su historia, su trabajo y todos los detalles de la campaña que convirtió su obra en una colección.

Entrevista - Los regiones - Los fondos de cultura - Un Ministerio de Cultura Este es el porcentaje aproximado de la contribución de las empresas a las industrias creativas nacionales. CCU, Minera Escondida, Collahuasi, Itaú y Gasco son algunas de ellas, y acá nos cuentán cómo llevan a cabo su misión en el arte y sus disciplinas hermanas. P. 40

Éstos son algunos de los puntos que toca el titular del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Luciano Cruz-Coke, en esta entrevista. P. 12

EQUIPO

Ana María Matthei directora Ricardo Duch director Cristóbal Duch asesor comercial Catalina Papic directora de arte Camila Duch proyectos culturales Angélica Navarro editora Yuriko Takahashi periodista Camila Jofré diseñadora gráfica y mult. Mariana Vukusich licenciada en historia Maite Gallego gestora cultural Francisca Medina historiadora de arte Paula Barrera licenciada en letras Pamela Olavarría historiadora de arte Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos Ennio Bucci crítico Enrique Solanich crítico Julio Sapollnik crítico - Argentina Pedro Labowitz crítico Manuel Munive crítico - Perú Elisa Montesinos periodista - Nueva York Bernardita Garib escritora y artista Jorge Azócar asesor Gabriel Núñez asesor de comunicación Ignacio del Solar asesor Paulina Sepúlveda ventas | ventas@arteallimite.com

EDITORIAL

Arte, mercado, desarrollo, infraestructura, recursos, presupuesto, fomento, difusión. Cada uno de esos conceptos se hace presente a la hora de hablar de cultura en nuestro país, o al menos al referirnos a algo más concreto. Es un área que está generando cerca de 240.000 empleos al año, que está aportando el 1,6% al Producto Interno Bruto, que finalmente está siendo rentable para una serie de empresas que se dedican a ella. De eso estamos hablando, de CULTURA con mayúsculas, un ítem que hace un par de meses generó una serie de discusiones respecto a los recursos que se le destinarían en el Presupuesto 2012. Nos afecta y nos importa. Dadas estas condiciones, queda entonces, seguir promoviendo actividades que congreguen cada vez a un mayor número de personas. Porque lo cierto es que las barreras de acceso siguen siendo altas y que aquellos sectores bien posicionados económicamente son los que asisten a exposiciones, los que leen más, los que pueden destinar más recursos a un área donde la inversión conlleva una ganancia a largo plazo. ¿Por dónde partimos? Estableciendo los desafíos tal vez sea la mejor forma de abordar un tema tan amplio como la cultura, con una diversidad de actores, de áreas, de necesidades. El mundo público ya los tiene trazados. En palabras del propio Ministro nos enteramos de que la descentralización de la actividad cultural es un tema que urge y del que este 2012 se harán cargo. Inyectando más recursos en la generación de una red de infraestructura que permite que estos bienes transiten a lo largo y ancho de nuestro territorio. Por otra parte las constantes exigencias de que exista un Ministerio parecen haber sido escuchadas y tienen intención de concretarse. Finalmente,

otro de los desafíos es la modificación a la Ley de Donaciones Culturales. El objetivo se plantea de manera simple: que más empresas se sumen a esta cruzada. Es así como el mundo privado, las empresas, entran en esta ecuación. Al menos las que están y se mantienen apoyando, están haciendo una importante labor. Sólo para graficar, no es fortuito que tengamos en nuestro país la exposición más grande del mundo en torno al maestro del cubismo, Pablo Picasso. Tampoco lo es, que una vasta cantidad de obras haya viajado especialmente para homenajear al nuestro surrealista Roberto Matta. Ambos son ejemplos de una buena gestión y de políticas internas que se han implementado justamente porque existe la necesidad de abrir más espacios, ampliar los horizontes. A todas aquellas entidades que han estado ajenas, además les hacen un llamado a sumarse al circuito. Por otra parte, está claro que su aporte no es a cambio de nada y que de una u otra forma su imagen marca se ve fortalecida. De todos modos, igualmente son actores de una sociedad y que amplíen su labor a áreas, muchas veces ajenas a lo que como empresas ofrecen, da cuenta de que se respira más cultura y que hay quienes se están preocupando activamente de que esto siga siendo así. Ahora no nos queda más que esperar que las metas se cumplan y como esto no se trata de sentarse a observar con los brazos cruzados, los invitamos a que participen, que propongan, que critiquen, que comenten y que difundan en las redes sociales todo lo nuevo que se viene en cultura. El sólo hecho de haber generado un debate ya es un aporte y como Arte Al Límite ofrecemos nuestras páginas para que esas discusiones, tengan cabida.

SUMARIO

08 .

F l a s h e s Ve r s á t i l e s

10 . 12 .

Coca Cola Light se viste de gala Entrevista a Luciano Cruz- Coke

16 .

Autenticidad en tiempos de plagio

20 .

Críticas

24 .

S a r a Yo h u a t e

25 .

Tito Calderón

26 .

Agenda Santiago

28 .

Agenda Regiones

30 .

A g e n d a We b

32 .

Pe r f i l / A r t e

40 .

Pr i v a d o s e n l a c u l t u r a

46 .

Bienal de Video y Artes Mediales

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. VENTAS info@arteallimite.com SUSCRIPCIÓN: marketing@arteallimite.com FONO-FAX 955 32 61 WEB www.arteallimite.com PORTADA Edición Nº 77 / fotografía: Andy Cherniavsky IMPRENTA R.R. Donnelley Santiago, Chile Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

entrevista

Andy Cherniavsky

Flashes versátiles Sin saber mucho de fotografía, Andy Cherniavsky se convirtió en la fotógrafa oficial de los espectáculos de rock de los ‘80 en Argentina. Los años le han dado la expertise técnica y hoy es una de las fotógrafas referente de la moda y publicidad trasandina. Por M. Angélica Navarro Ovalle Fotografía cortesía de Andy Cherniavsky

orrían los ‘80 en Argentina. Charly García llenaba estadios de gente que coreaba “Rezo por vos” y “Los dinosaurios” y ahí, frente al escenario, una joven inmortalizaba con su cámara a uno de sus ídolos frente al micrófono, tocando la guitarra. La chica era Andy Cherniavsky, una fanática de la música y la cultura argentina pues, su padre era el representante de artistas como Mercedes Sosa y Facundo Cabral, organizaba conciertos de rock –entre ellos el de Santana o Los Jaivas–, y era dueño de un teatro y un cine. Esas fotos las sacaba por hobby, porque lo retratos a niños en las plazas eran su negocio de entonces. Pero cuando Daniel Grinbank se cruzó en su camino, su vida dio un giro. El empresario y productor de espectáculos argentino la contrató para trabajar con los artistas que él representaba. Las tapa del disco Pensar en nada de León Gieco fue su primera misión. “Después vinieron muchísimas más y cubrí como 500 shows. ¡Ya era la fotógrafa del rock de los ‘80!”, cuenta Andy. Luego vendrían la moda –Wanama, Christian Lacroix–, el mundo editorial –Rolling Stone, D-Mode–, la publicidad –Nokia, L’Oréal–. En principio –y por 18 años– junto al también fotógrafo Gabriel Rocca y luego sola. Así, cada uno de eso pasos han consagrado a Andy Cherniavsky como una de las fotógrafas más relevantes del país trasandino. —Eres una fotógrafa autodidacta. ¿Crees que esta “falta de educación formal” te ha dado un sello diferente? —“Sí, soy autodidacta, pero siempre sigo estudiando y eso me pasa no sólo con la fotografía. ¡Me gusta aprender! Creía que era un defecto y soñaba con poder estudiar en Nueva York, pero no se dio. Ahora me siento una laburante con mucha calle y una gran carrera, muy sabia. Me encanta lo que hago; mi trabajo es algo que agradezco y no noto el sello diferente, pero por lo que dicen todos lo notan [ríe].” —¿Quiénes son tus referentes del mundo de la fotografía? “¡Todos! Me fascina el trabajo de los grandes fotógrafos de todo el mundo y de miles de fotógrafos desconocidos también. Artísticamente me encantan Martin Parr, David Lachapelle y también Richard Avedon, Bruce Weber, Patrick Demarchelier, Helmut Newton y otros.”

—Has trabajado en distintos tipos de fotografía. ¿Cómo definirías cada uno y lo que han significado para ti? —Música: “Me encantó esa etapa de mi vida, fue de mucho vértigo y adrenalina en los ’80, que fueron años increíbles, con musicos impresionantes y de gran talento. Un placer haberlo vivido.” Editorial: “Mostrar lo que uno hace es importante. Las revistas son un gran medio para mostrar fotografía, aunque no haya presupuesto para el fotógrafo." Publicidad: “Un gran desafío. Me encanta tener un brief para desarrollar y pensar obsesivamente en cómo realizarlo, en el cliente y el equipo de trabajo, ¡toda la previa!" Moda: “Lo más creativo y con más recursos de producción. Un placer desde lo estético: el estilismo, el make up, el pelo, todo el vestuario y la modelo. Me hace muy feliz hacer moda.” Retratos: “Aquí nos ponemos más serios. Los retratos son como el alma misma, la esencia de la persona. Me encanta porque admiro a los grandes retratistas.” “Todo me entusiasma. Me gusta la hoja de papel en blanco para cranear un proyecto de cualquier tipo, me gusta encontrar esa adrenalina de lo que va a venir”, dice Cherniavsky ante la pregunta de cuál es su estilo predilecto. Andy lleva esta pasión a cada una de las etapas que implica su trabajo, desde la pre-producción hasta la post-producción, pasando por todos los detalles que la toma misma implica. “Eso hace que el trabajo final sea mucho mejor. Soy la directora de arte muchas veces, y transmitir el concepto es muy importante y especial”, dice. Andy Cherniavsky no para. Hace poco terminó el libro de edición digital STASH para Latinoamérica y actualmente está trabaja en varios proyectos de moda y editoriales, en las fotos para un libro de recetas y para dos programas de TV. Paralelamente sigue con sus otros amores, la gastronomía y el paisajismo. “Mi mejor proyecto es ir para adelante, quiero ver lo que va a venir siempre”, dice Andy. Uno de esos sueños futuros es la reedición de “Charly”, el libro que publicó junto a Rocca en 2010, con la vida en imágenes de quien fuera el ídolo que la inició en lo que hoy en su vida, Charly García.

La modelo Romina Senesi en una producci贸n de moda para la revista argentina G7. Foto: Andy Cherniavsky.

reportaje

Coca-Cola Light se viste de gala Para darle a la temporada de verano aún más frescura, a partir de la primera semana de enero las latas de Coca-Cola Light se llenarán de colores; la fotógrafa argentina Andy Cherniavsky creó seis originales diseños que te invitan a “vivir más liviano”. Fotografía cortesía de Coca Cola Light

iseñadores de la talla de Roberto Cavalli, Gianfranco Ferré, Nathalie Rykiel, Patricia Fiel o Karl Lagerfeld han sido los encargados de llenar de glamour a los envases de Coca-Cola Light en ocasiones anteriores. Las botellas y latas de esta popular bebida nacida en 1982 se han transformado, así, en preciados objetos de arte que consumidores de todos los rincones del mundo quieren coleccionar. “En Chile quisimos sumarnos a esta tendencia global de presentar colecciones limitadas con artistas de relevancia internacional y lo hicimos interviniendo las latas de Coca-Cola Light, que nos permiten mostrar el maravilloso trabajo de interpretación artística realizado por Andy Cherniavsky”, explica Carlos Romero, gerente de marketing de Coca-Cola de Chile. Así, no sólo representantes de la moda y del arte de latitudes lejanas han tenido el privilegio de llevar su trabajo a este soporte, sino también esta destacada fotógrafa argentina. Son seis los diseños que componen esta serie de latas coleccionables. La invitación para Cherniavsky consistió en interpretar el slogan “Vivir + liviano” con el que Coca-Cola Light apuesta por la elección de una forma de vida más relajada,

en la que la artista trató la cotidianeidad con más humor, sin tener que renunciar a aquello que queremos ser o hacer. “La visión de Andy de nuestra marca –reinterpretada en las obras que conforman la colección– es la mejor síntesis de lo que queremos transmitir. Estamos seguros de que necesitamos más imaginación y que vivir más liviano nos permite disfrutar de cada momento”, opina Romero. Por tratarse de un ícono de la mujer independiente, por su talento, sus vínculos con al arte y la moda, y porque ella comparte el estilo de vida que la marca propone, es que Cherniavsky fue la elegida para esta versión latina del revestimiento de los envases de Coca-Cola Light. El resultado de la investigación de Andy en torno a la frase son diseños cargados de fantasía e imaginación, que conjugan la belleza y la potencia de la fotografía (ver recuadro). “Creo que vestir los empaques de Coca Light es un privilegio artístico y eso me llenó de orgullo porque entre los grandes de la moda que lo han hecho están Karl Lagerfeld, Moschino y otros artistas mundialmente famosos”, dice la artista refiriéndose a este proyecto que hará de su trabajo, una colección.

“Vivir + liviano” según Andy Cherniavsky 3 1. Necesitamos menos moda que incomoda: “Nace de la necesidad de sacarte todo lo que realmente incomoda, dejar de vivir pesado para cambiar tu ropa por algo cómodo.” 2. Necesitamos más artistas que vivan su arte: “Está relacionado con poder desatar el artista que hay en vos, poder reconocer tu arte y vivir más liviano a través de él.” 3. Necesitamos más héroes urbanos: “Este es un deseo social. Necesitamos héroes de todos los días que nos hagan recordar a los héroes de historietas.” 4. Necesitamos más ideas con vuelo propio: “Apunta a animarse a decir nuestras ideas, a dejar los miedos y transmitir ideas sin límites.” 5 . N e c e s i t a m o s s o l t a r n o s m á s : “ Tiene que ver con el movimiento, con ponerse en movimiento y que eso no aliviane la vida.” 6. Necesitamos más momentos inspiradores: “Creo que hay que generar los momentos inspiradores, ya que están ahí en cuanto nos permitimos relajarnos y dejarnos llevar.” 6

entrevista

NUEVOS HORIZONTES EN LA CULTURA Más dineros para el FONDART y seguir fomentando la participación de las regiones son algunos de los temas principales, que menciona el ministro Luciano Cruz-Coke, a la hora de enfocar la gestión del Consejo de la Cultura para este 2012. El titular además nos adelanta que se intentará generar un consenso para la creación del Ministerio de la Cultura y el Patrimonio. Por Yuriko Takahashi V., periodista Fotografía cortesía Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.

ace poco se aprobó el presupuesto para el área de cultura, y la baja en los fondos para el CNTV generó las críticas de diferentes actores sociales. Hoy el Ministro explica este tema y adelanta algunos nuevos desafíos que se plantearon seguir este año. —En el Presupuesto 2012 hubo un notable crecimiento de los fondos de cultura, en desmedro de otros, como la disminución de las asignaciones al Consejo Nacional de Televisión. ¿Por qué se decidió realizar este cambio? —Los aumentos más relevantes se enmarcan en los ejes principales de gestión del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA). El subtítulo que más crece –en un 26,4 %– es “transferencia de capital”, que se enfoca justamente en la construcción y articulación de la Red de Infraestructura Cultural con prioridad en las regiones, como nos hemos propuesto desde el comienzo en nuestra administración. Uno de nuestros desafíos más importantes es precisamente fortalecer la vida cultural a lo largo y ancho de nuestro territorio, e ir dejando atrás el centralismo que desde siempre ha sufrido nuestro país. Efectivamente ha habido un importante incremento en el FONDART, dada la creación de la línea de apoyo a instituciones culturales; ya no a un año plazo, sino a tres, con el objeto de fortalecerlas, permitiendo pactar metas, resultados y acciones en un mediano plazo, dada la necesidad de vincular a artistas y públicos para revertir la tendencia a la caída que han tenido los públicos según las encuestas de consumo cultural. Asimismo esto permitirá a las instituciones de cultura apalancar otros financiamientos provenientes de corte de tickets o recursos generados por ventas, complementariamente al hecho de levantar recursos privados con la garantía de que existe un compromiso pactado con el CNCA para dar respaldo a quienes aportan. De esta forma se diversifica el financiamiento a

las instituciones, se permite tener programación de mayor calidad, y se da una continuidad a quienes son los que en la práctica mueven las economías y la generación de empleos en el sector. Respecto del Consejo Nacional de Televisión (CNTV) reconocemos su valor en el desarrollo de la industria audiovisual y, sin duda, la cultura tiene que tener un rol fundamental en la televisión abierta. Sin embargo, es necesario aclarar que el CNCA no tiene ninguna incidencia en el aumento o en la disminución del presupuesto del CNTV, dado que se trata de una partida presupuestaria de la Secretaría General de Gobierno, SEGEGOB y así es como se discute en el Congreso. Es un presupuesto que se le transfiere al CNTV, que es un órgano autónomo y que este año contará con un 11% menos de recursos que el año pasado. Ello debe solucionarse a futuro ya que los recursos del CNTV históricamente “pasan” por cultura, y si éstos no se consideran en la base presupuestaria del CNCA, esto supondría un crecimiento general de este último en un 4,5%. —Una de las cosas a las que se da importancia en el presupuesto es a la infraestructura a nivel nacional. ¿Qué rol juegan los centros culturales en el fomento a la cultura en regiones? A su juicio, ¿Santiago sigue teniendo el monopolio cultural de nuestro país? —El rol de los espacios culturales en nuestras regiones es fundamental en la descentralización de la cultura, uno de los principales desafíos que nos hemos impuesto en la actual administración. Al proveer de infraestructura adecuada a las regiones, fortalecemos tanto el acceso de los públicos a la cultura, como de los artistas, para que tengan la posibilidad de llegar efectivamente con sus creaciones a distintas ciudades, rompiendo así el centralismo que por años nos ha afectado como país, que no sólo es aquel de Santiago respecto de las regiones, sino también de las capitales regionales hacia los lugares más aislados de las provincias.

"El CNCA no tiene ninguna incidencia en el aumento o en la disminución del presupuesto del CNTV, dado que se trata de una partida presupuestaria de la Secretaría General de Gobierno, SEGEGOB y así es como se discute en el Congreso", aclara el ministro respecto de los montos del Presupuesto 2012 asignados a cada entidad.

Desde el CNCA estamos impulsando el desarrollo e implementación de la Red de Infraestructura Cultural a nivel nacional que permita una mayor circulación de los bienes culturales en todo el país. Esta red está liderada por cinco grandes teatros regionales, anunciados por el Presidente el 21 de mayo, que se construirán en Iquique, Coquimbo, Rancagua, Concepción y Punta Arenas, y también contempla los centros insulares de Rapa Nui y Chiloé, que se suman a la red de 49 centros culturales a lo largo nuestro territorio. Diez de estos últimos ya han abierto sus puertas al público y en los próximos meses se entregarán las obras de otros siete (Coquimbo, Cerrillos, La Reina, Cerro Navia, San Fernando, Rengo y Talca). —¿Qué otras iniciativas tiene contempladas el CNCA para fomentar y desarrollar la cultura en regiones? —Junto con el desarrollo y fortalecimiento de la Red de Infraestructura Cultural a nivel nacional, que es eminentemente regional, estamos implementando una serie de compromisos para fortalecer la descentralización. Por ejemplo, recientemente celebramos la entrega de los Premios Pedro Sienna en Punta Arenas, con lo que ubicamos por primera vez un hito importantísimo del mundo audiovisual de nuestro país fuera de Santiago. Siguiendo esta línea, el 2012 y junto con el Pedro Sienna, otros premios emblemáticos del Consejo de la Cultura a nivel de sectores artísticos como el premio Luis Advis (música) y el Roberto Bolaño (literatura) se realizarán desde regiones hacia todo el país. —El Estado es un actor fundamental en el fomento de la cultura, pero las empresas también pueden ser un aliado. Las propuestas de modificación a la Ley de Donaciones Culturales pretenden ampliar el aporte que hacen las instituciones privadas a la cultura, además de ampliar el número de beneficiarios de dichos aportes ¿Cuál es su opinión respecto al rol de la empresa privada en la cultura hoy en día? ¿Qué aspectos de la modificación cree que son fundamentales? —El compromiso con la cultura es un deber de toda la sociedad civil, tanto entes públicos como privados tienen que

hacerse responsables del desarrollo cultural del país, así como de la conservación y cuidado de nuestro patrimonio. En cuanto a las modificaciones que implica la reforma a la Ley de Donaciones se espera que supongan una mayor inyección de recursos privados para proyectos artísticos, culturales y patrimoniales. Con la inclusión de una mayor gama de donantes y una liberación de ciertos topes para la aplicación de los beneficios tributarios a los cuales se pueda acceder, se espera que se mantengan los recursos –con tendencia creciente en los últimos años– para la cultura. Estos mayores recursos irán aparejados de un aumento en el número de donantes, aspecto que se había estancado en el último tiempo. Un punto fundamental será la inclusión de pequeñas y medianas empresas cuyo único giro sea de carácter artístico cultural. Esto no sólo implicará un importante incentivo para formalizar a muchas agrupaciones o entidades que realizan proyectos artísticos culturales, sino que además es un reconocimiento a las externalidades positivas que conlleva el desarrollo de este tipo de actividades. Por ejemplo, empresas artísticas y culturales tales como proyectos de editoriales, sellos y productoras audiovisuales, que anteriormente, por estar constituidas bajo estructuras societarias que implicaban tener fin de lucro, quedaban excluidas como beneficiarias de las donaciones culturales y debían postular proyectos al alero de corporaciones y fundaciones que no los ejecutaban. —Según cifras entregadas por usted en noviembre, la cultura aporta un 1,6% al PIB, superando áreas como la pesca. ¿Cuáles cree usted son las razones de estas inéditas cifras? —Efectivamente el sector cultural contribuyó un 1,6 % al PIB de 2009, lo que implica mayor peso que sectores como el pesquero y es equivalente al sector comunicaciones. Podemos contar con esta cifra gracias a la Cuenta Satélite de Cultura, realizada por el CNCA, uno de los primeros estudios acabados que nos señalan que la cultura no es sólo el sector del permanente subsidio, sino uno relevante para el desarrollo económico. En Chile la cultura genera más de 240 mil empleos, un 2,3 % de la fuerza laboral

Fuente: Cuenta Satélite de Cultura, CNCA. Estas cifras corresponden a los resultados de la Cuenta Satélite de Cultura, un estudio que se publicó a fines del año pasado y que tiene por objetivo dar cuenta de los aportes que el sector cultural dio a la economía del país hasta el 2009. En esa línea la minería sigue liderando con un 15,6 %.

del país, concentrado principalmente en pequeñas y medianas empresas que facturan el 1,4 % de las ventas totales de las empresas en Chile (US$ 7.507 millones en ventas). —¿Podrían estas cifras ser reflejo de una necesidad de crear un Ministerio de la Cultura, tal como usted planteó en septiembre pasado? ¿Cree que para el término del gobierno de Sebastián Piñera, se pueda hacer realidad? —La creación del Ministerio de la Cultura y el Patrimonio, anunciada por el Presidente el 21 de mayo pasado, precisamente busca fortalecer la creación, difusión y conservación de nuestra cultura y patrimonio, poniendo énfasis en el desarrollo cultural de regiones, y en el impulso a las artes y a las industrias creativas. Esta iniciativa terminará definitivamente con la dispersión de recursos y la duplicidad de responsabilidades, estableciendo una institución que reúna al actual Consejo de la Cultura, la Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos y el Consejo de Monumentos Nacionales. Nos abocaremos en 2012 a generar un amplio consenso que permita hacer realidad esta necesaria reforma. —Sobre el proceso de postulaciones a los fondos de cultura que cerró a principios de diciembre, ¿Qué destacaría o qué novedades hubo en el proceso de este año? —Este año, buscamos también mejorar el proceso de postulación, agrupando y redefiniendo líneas y modalidades de postulación, sobre la base de tres ámbitos: Formación e investigación; Creación; y Mediación orientado a Audiencias. De esta forma se simplificaron especificaciones y sub-modalidades con el fin de que los gestores, productores y artistas pudieran postular proyectos de acuerdo con su creatividad e interés y no de acuerdo a líneas pre-establecidas que acotaban en extremo la capacidad creativa de los postulantes. También aumentamos los montos máximos de cada línea a los que podían acceder los proyectos y llamamos a un concurso público de evaluadores.

Además implementamos una plataforma digital de proyectos que, si bien estamos concientes que presentó problemas en su implementación que mejorarán el próximo año, también logró, en esta primera etapa, ampliar la postulación: los primeros resultados muestran un aumento cercano al 43% de proyectos admisibles respecto del año anterior, ampliando así el rango de alcance de los fondos, ahorrando recursos en la postulación y, sobre todo, sumando nuevos postulantes al proceso. —En esa misma línea, ¿puede ser que la cultura está ocupando un lugar cada vez más importante en la vida de los chilenos y, por lo mismo, cuando se dio a conocer el presupuesto en esta área para el año 2012 causó ciertas polémicas? ¿Se respira más cultura en el país? —Tal como han señalado distintos artículos y editoriales de prensa, efectivamente, este último tiempo hay una revitalización importante de la escena local, en particular en música y cine. En la parte patrimonial gracias al Programa de Reconstrucción Patrimonial en regiones se han podido levantar edificios emblemáticos con la participación de las comunidades, la creación de la Red de Infraestructura Cultural va permitiendo mayor acceso a las regiones, descentralizando e igualando sus posibilidades con respecto a Santiago. Las donaciones culturales han aumentado en un 80% el último año y la modificación en curso permitirá ampliar largamente estas cifras, lo que implica más recursos para cultura, y crecientemente la participación en eventos artísticos y culturales va tomando una preeminencia en la vida de las personas. En sociedades que están en procesos de cambio producto del crecimiento económico, de las nuevas demandas sociales, la cultura une y se transforma en un elemento de unión espiritual, de creatividad e innovación que se basa en las manifestaciones artísticas, las tradiciones y el legado común que sentimos es de nuestra pertenencia. Queda camino por recorrer, pero el futuro se ve auspicioso en estos términos precisamente por la valoración que hace la ciudadanía de su cultura.

reportaje

AUTENTICIDAD EN TIEMPOS DE PLAGIO

Recientemente han salido a la luz pública una serie de noticias donde Roberto Matta aparece como protagonista de la historia. Sin embargo, no ha sido sólo la calidad de su obra la destacada, sino el mercado de obras falsas que existe a su alrededor ¿Qué hacer para salir ileso de una estafa disfrazada con una atractiva oferta? Aquí te damos algunos tips que, a pesar de no ser 100% infalibles, pueden ahorrar más de un dolor de cabeza y tal vez un llamado a declarar a los tribunales. Por Yuriko Takahashi V, periodista

magínate que te ofrecen un cuadro de Roberto Matta. Te dicen que es original y que no puedes perder la oportunidad de tener a este gran artista chileno, reconocido en todo el mundo, en el living de tu casa. La suma de dinero es alta, pero no es algo que no puedas pagar con unos cuantos cheques. De cualquier forma ¡es un Matta! ¿Qué haces? ¿Lo compras o lo dejas pasar porque no tienes seguridad de que sea verdadero? Museos, galerías y coleccionistas se han visto en ese mismo dilema durante muchos siglos. Muchos han comprado y se han dado cuenta de que la obra que adquirieron lamentablemente es falsa y no tiene valor alguno. Sin ir más lejos, recientemente Roberto Matta fue víctima de la falsificación. Hace más o menos un mes la Galería Cultural de Codelco tuvo que cerrar una exposición en homenaje al centenario del artista porque Ramuntcho, su hijo, aseguró que el 95% de la muestra era falsa. Esto se sumó al caso que investiga la Fiscalía de Las Condes respecto a la autenticidad de cinco lienzos adquiridos en 2008 por el coleccionista Luis Paredes Rojas. Nuevamente Ramuntcho asegura que son falsos, sin embargo hay quienes dicen son originales. Lo ocurrido con Roberto Matta no es nuevo, ni él es el único artista del que se realizan falsificaciones. Hace unos días el FBI comenzó la investigación de 16 obras de Jackson Pollock, Mark Rothko y Willem de Kooning, todas ellas procedentes de la galería Knoedler podrían ser imitaciones. Este caso

podría convertirse en uno de los escándalos más grandes que han ocurrido en torno a la falsificación en Nueva York. Enrique Solanich, magíster en Teoría e Historia del Arte y miembro de la AICA (Asociación Internacional de Críticos de Arte), explica que, a su juicio, las falsificaciones tienen origen en la escasez de la obra de ciertos artistas, el alto precio que pueden alcanzar en el mercado y los avances tecnológicos que han permitido a estafadores reproducir de manera más fácil y rápida importantes piezas. Claudio Cortés, restaurador, se suma a los dichos de Solanich y agrega: “La gente cuelga por metro cuadrado la firma, porque tiene valor comercial. Entonces se olvidan del valor estético, una cuestión tan importante para el arte”. “En Chile hubo, hay y habrá falsificaciones. Eso forma parte de la historia”, afirma Solanich, y además sostiene que particularmente el caso de Matta tiene todos los elementos para que su obra sea falseada ya que se realizó principalmente fuera del país. Si esto se suma al reconocimiento internacional del artista chileno la ecuación es perfecta: su trabajo se ha transformado en objeto de consumo. “La iconografía mattiana viaja por el mundo. Por eso es aparentemente fácil. Están dadas las facilidades técnicas y las plataformas”, agrega. Lo cierto es que la falsificación ha tomado ribetes impensados y los expertos concuerdan en que es a la hora de comprar una obra, cuando hay que tomar todas las precauciones necesarias. ¿Qué hacer entonces para no ser parte de este tipo de estafas?

Toma nota de algunos tips que los mismos ex-

un certificado de autenticidad firmado en original”, explica. También hay otra herramienta que puede ser útil. Se trata de conocer la procedencia de la obra, con el fin de saber si existe o no una institución seria que la respalde. Asesorarse por un experto que ya tenga un ojo entrenado en el arte, desde luego “La gente cuelga por metro siempre es bienvenido. “Muchas veces pueden detectar una falsificación con tan sólo ver una cuadrado la firma, porque obra. A mí me pasa al menos una vez al mes, tiene valor comercial. viene gente jurando que tiene un Matta auténtico Entonces se olvidan del valor y a simple vista veo si es verdadero o no”, cuenta.

pertos en el área nos entregaron con el fin de prevenir la adquisición de objetos de arte falseados.

Exámenes oculares y de laboratorio Para Enrique Solanich el examen ocular es la herramienta primordial a la hora de evaluar una obra. “En general un experto, un profesor de historia del arte, un crítico, debería, en una primera mirada, saber si una obra es o no es original”, sostiene y agrega que la efectividad de este método puede variar entre un 80% y un 90%. Para estar completamente seguros, aconseja someter el objeto a un peritaje de laboratorio.

estético, una cuestión tan importante para el arte”, reflexiona Claudio Cortés.

Ese peritaje es al que se dedica el restaurador Claudio Cortés. Microscopía, radiación ultravioleta, radiación infrarroja y análisis de los pigmentos son las herramientas que a su juicio pueden determinar hasta en un 70% la autenticidad de una pieza de colección. “Si estamos hablando de estudios serios, hablando estos métodos”, afirma. Claudio advierte que este tipo de prácticas puede costar entre uno y dos millones de pesos y que para una mayor efectividad, el análisis ocular puede ser un buen complemento. Esto ayuda mucho cuando el artista ha cambiado mucho su técnica o la temática durante el tiempo. De esta forma, a la vista se puede ver cómo el autor utiliza el color, la forma y el espacio.

Certificados de autenticidad Si llamar a un experto puede ser engorroso y pagar por un peritaje excede el presupuesto, los certificados de autenticidad pueden ser otra alternativa para tener seguridad de que lo estamos comprando es original. Galerías, museos o incluso el mismo artista puede entregarlos. La galerista Isabel Aninat cree que siempre es mejor tener este tipo de documentos como respaldo y explica que cada lugar fiscaliza esto a su forma. “En la Galería Isabel Aninat se expide

Al igual que Isabel Aninat, la curadora Milagros Bello estima que estos documentos, que pueden ser notariales, son una buena forma de tener certeza respecto a lo que estamos comprando. Sin embargo, advierte que de igual modo pueden adulterarse.

Es por esa razón que recomienda, además de solicitar certificados, verificar los propietarios anteriores de la pieza artística. “Si esto se transforma en un problema para el vendedor signifi-

Copias al por mayor: un oficio familar

El año 2007 el periódico The Ar t Newspaper generó gran controversia al publicar el mayor escándalo en la historia del arte. Durante 17 años una familia de Manchester se d e d i c ó a l a f a l s i fi c a c i ó n d e , a l m e n o s , 1 2 0 o b r a s d e a r t e . Desde vasijas romanas hasta esculturas contemporáneas de Henrey Monroe, no había límites de época. George Greenhalgh (84) y su esposa Olive (82) ayudaban a su hijo Shawn (46) a realizar estas copias que incluso llegaron a importantes museos como el Instituto de Arte de Chicago que expuso l a e s c u l t u ra “ E l f a u n o” d e Pa u l G a u g u i n e n 2 0 0 1 . U n a d e las cosas que hace extraordinaria esta historia es que todas las producciones se realizaron en condiciones muy modestas incluso aunque hayan recaudado altas cifras de dinero que alcanzan los 1,2 millones de euros.

ca que puede haber una obra falsa ante usted”, advierte. Ver el precio de venta y compararlo con el de otras obras del mismo artista en sitios como Artnet.com o Sothebys.com también es una buena alternativa ya que muchas veces los valores de obras falsas suelen ser mucho más bajos. Claudio Cortés señala que pueden llegar a ser un 500% inferiores. Milagros comenta que incluso Google puede servir para informarse un poco más respecto al mercado de obras falsas. De todas formas, asegura que a pesar de tomar todas estas precauciones, hasta casas de remate como Sotheby’s han caído en estafas de este tipo. “Siempre es un riesgo”, concluye. El riesgo existe y hasta los mismos museos han sido sorprendentemente engañados. Enrique Solanich asegura que, de hecho, en nuestro país no se toman las precauciones necesarias con el fin de evitar tener obras falsas en sus colecciones. “En los museos y galerías está lleno de obras falsas. Eso forma parte del ADN”, afirma

y explica que muchos de esos títulos fueron adquiridos hace una gran cantidad de años, por lo que actualmente no tiene sentido culpar a quienes están a cargo. ¿Qué hacer entonces para poder frenar estas prácticas ilícitas? Claudio Cortés sostiene que debería haber un organismo estatal que se preocupara de las falsificaciones de obras de arte. Tener un registro de acceso público con los artistas más copiados y que los mismos profesionales universitarios se capaciten en esas materias, también podría ayudar. Si bien no existen registros oficiales, Cortés cuenta que por su experiencia realizando peritajes, los preferidos durante décadas para ser reproducidos y comercializados de manera ilegal han sido Roberto Matta, Juan Francisco González, Carmen Aldunate y algunos más contemporáneos como Samy Benmayor. A nivel latinoamericano, Milagros Bello agrega, además de Matta, a Botero y Wifredo Lam.

CRITICAS Cartelera de artes visuales para enero Por Ernesto Muñoz, crítico de arte y miembro de la AICA Fotografías cortesía de Katty Alday

a temporada de exposiciones de artes visuales se inicia este año con gran interés en varios espacios de nuestro país. Así vemos que Ovalle en su museo que dirige Daniela Serani con gran diligencia presenta a Katty Alday, artista de trayectoria que en esta oportunidad presenta obras en acrílico las que reflejan su búsqueda sobre nuestro territorio. Esto se une a la presencia de lo místico en nuestra ciudad jardín, Viña del Mar, donde el Castillo Wolff albergará la discutida muestra de escultura femenina que

reúne alrededor de sesenta escultoras donde destaca Alicia Larraín quien acaba de exponer en la feria Slick de Paris Ignacio Nieto y Manuel Orellana presentan en la Galería Centro de Talca una exposición sobre el terremoto. De esta forma logran testimoniar un suceso trágico con una apuesta utópica y generosa. Siguiendo con el recorrido, el Bodegón Los Vilos gracias a los esfuerzos de Jorge Colvin, se inscribe en este mapa de amplias posibilidades. El artista de trayectoria internacional y ganador del premio a la crítica 2011, Patricio Court, estará presente en este espacio con su muestra exhibida el año pasado en el Museo Nacional de Bellas Artes. En ella se reúne 25 obras que contemplan grabados, pinturas y esculturas, realizadas luego de que regresara al país en 1997. Por otra parte, el dinámico curador Jorge Salomó presentará una exposición en el Centro Cultural de Viña del Mar. Aquí José Basso dará a conocer la retrospectiva que mostró en el Museo Nacional de Bellas Artes. En el casino de esa misma ciudad, el joven pintor de grandes formatos, Pablo Lungenstrass hace suya la ironía unida a una destreza imbatible.

Katty Alday, "Gestación", 2010-2011, acrílico sobre tela, 100x100 cms. Imagen cortesía de la artista.

Finalmente en Concepción se podrá apreciar la exposición de escultura mapuche que provocará interés en un público que se sentirá deslumbrado de una muestra patrimonial, trabajo del coleccionista César Rossetti. El lugar escogido es la pinacoteca de Concepción que inicia el año con esta exposición

Breve nota sobre Pablo Picasso y chilenos Por Enrique Solanich S., Magíster en Teoría e Historia del Arte. Fotografía cortesía Fundación Telefónica. Procedencia: Col. JanLohn, Colonia, 2004. Antigua Col. FernandMourlot, París, Fundación Pablo Ruiz Picasso-Ayuntamiento de Málaga.

a exposición de grabados de Pablo Picasso (Málaga 1881- Mougnins 1973), en Fundación Telefónica, titulada La Belleza Múltiple, da pábulo para apuntar relaciones, poco sabidas, entre él y compatriotas. Habidas en distintos momentos de su largo existir, se reseñan en esta glosa aquellas de repercusiones. Los habitantes de Punta Arenas saben que en el museo Braun Menéndez se conserva una pintura decorativa, instalada en el comedor de la señorial mansión, ejecutada por su padre, José Ruiz Blasco (Málaga 1838-Barcelona 1913), profesor de arte y pintor discreto y esporádico de bodegones y palomas. En este caso tratase de aves nadando en aguas de una poza. Una recíproca admiración inicial existe entre Pablo Picasso y el creacionista Vicente Huidobro (Santiago 1893 – Cartagena 1948). Descendientes conservan en el país el dibujo retrato, de forma ribeteada, en línea continua que el afamado cubista le brinda. Sin duda, la amistad con María Eugenia Huici Argüedas (La Calera 1860- Santiago 1951), esposa del pintor José Tomás Errázuriz Urmeneta es de tono social. Así, es ponderada en las biografías sobre el artista español. Una de ellas, acometida por Olivier Widmaier Picasso (1961), nieto directo,Hijo de Maya Picasso (1935). En Picasso Retratos de familia, relata: “Nacida en 1860, de origen chileno, la señora Errázuriz es un personaje famoso de la alta sociedad parisiense y su actividad como mecenas es bien conocida en la vida cultural, de la que Sergei Diaghilev, el inventor de los Ballets Rusos, es uno de los mascarones de proa. Eugenia y Pablo comparten la misma lengua materna; ella le sirve de guía y

“La durmiente”, París, 23 de marzo de 1947, Pluma, aguada y raspador sobre zinc, 5 pruebas de autor. *

lo introduce en los círculos mundanos y cosmopolitas. Pablo conoce así al conde Étienne de Beaumont, personaje eminente, con su esposa, en las fiestas más señaladas de París. En octubre de 1916, Pablo es invitado a la memorable velada Babel, organizada por la pareja. Empieza una nueva vida-su período duquesa, en palabra de su camarada Max Jacob, ocurrencia repetida por los amigos de antaño.”* Es dable suponer que Pablo Neruda se hubiere acercado a Pablo Picasso por dos vías. Una es el fusilamiento de Federico García Lorca (Granada 1898 - Viznar 1936), compañero entrañable cuya muerte los remece. Durante enero de 1937, en la Maison de la Culture

de París concurren y participan de los encuentros de intelectuales que abrazan solidarios la causa de la República Española. La otra se da con Delia del Carril, amiga del hispano desde antes, como residente parisina y figura llamativa de los corros intelectuales. Sea como fuere, la amistad de éstos Pablo perdura en el tiempo. Picasso, dado a la poesía, lo vindica en un discurso de 1948, en el Congreso de Intelectuales por la Paz, en Wroclaw, Polonia Se topan en abril de 1949, en París, al cierre del Primer Congreso Mundial de Partidarios de la Paz, cuando el chileno irrumpe tras una lesa persecución. Dibujante del afiche, Neruda lo nombra en sucesivo el Padre de la Paloma. De allí en adelante las alusiones recíprocas no cesan.

*Edición de 50 firmados y numerados, Papel vitela Arches con filigrana, Papel: 50 x 66,1 cm - Huella: 49,4 x 64,6 cm, Inscripciones: Recto: impreso invertido Dimanche 23.3.47. , Verso: a lápiz 81 / 180 / Les deuxfemmes / Picasso / 81 [81 entre Picasso] / pour Castor Mourlot, Mourlot: 81. Bloch: 435. Güse-Rau: 180, FPCN: 1846,

CRITICAS Exposición “Paradisus” de Josefina Guilisasti en Galería AFA Por Ennio Bucci, Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética, miembro de la AICA Fotografía cortesía del Centro Cultural Gabriela Mistral

a exposición Paradisus presentada por Josefina Guilisasti en galería AFA hace referencia a lo enigmático y misterioso de la cultura persa donde la fuerza exuberante de la naturaleza se hace presente. Alude al famoso jardín de los paraísos persas, así su significado original hace referencia a un jardín extenso y bien arreglado, que se presenta como un lugar bello y agradable, donde además de árboles y flores se ven animales enjaulados o en libertad. La muestra se compone de un conjunto de ocho óleos sobre tela y diez dibujos a lápiz de color sobre papel. La naturaleza muerta que ha sido un tema que la artista viene trabajando desde hace tiempo como parte de su quehacer pictórico nos la presenta con un nuevo contenido y propuesta plástica. Continuando su investigación en torno a un objeto que habita ambiguamente ente lo bidimensional y lo tridimensional, toma como recurso para ejecutar su obra “la alfombra persa” a través de un estudio de la colección del museo Victoria and Albert de Londres. Josefina seleccionó ocho modelos que se confeccionaron entre los siglos XVI y XVII. De esta manera, podemos apreciar el trabajo acucioso que logra la artista en trabajos como “alfombra persa siglo XIX”, obra de gran formato exhibida en el centro de la sala de la galería,

donde se mezcla el detalle exquisito de la naturaleza, los arabescos, las flores tratadas con pinceladas minuciosas a la manera puntillista. Allí se pueden apreciar capas y capas de pintura, otorgando materialidad y texturas a la superficie de la tela. Lo mismo ocurre en obras como “fragmento persa siglo XVI” o bien en “fragmento del borde izquierdo”. La serie de diez dibujos de pequeños formatos reproducen la misma imaginería de los temas de las alfombras, pero trabajados con lápiz de color. Esto le da a los dibujos gran fuerza y expresividad desde el cromatismo de variadas tonalidades que tejen la trama

de las imágenes de estos trabajos. Resulta interesante y novedoso al espectador el cómo la artista aborda el tema de la naturaleza muerta a partir de un objeto de decoración que nos habla de la intimidad de los ambientes; nos lleva a pasear la mirada al mundo de la cultura persa a través de la decoración y ornamentación de imágenes que nos evocan las alfombras cargadas de un exuberante naturalismo. Es sugerente la propuesta que nos hace la artista al presentarnos la temática de la naturaleza muerta desde otro punto de vista pictórico y para decodificar sus contenidos y significaciones plásticas.

Josefina Guilisasti, detalle de "Fragmento Persa SXIX.", óleo sobre tela, 236 x 164 cms.

MATTA-100 en el Museo Nacional de Bellas Artes Por Pedro Labowitz, crítico de arte y miembro de la AICA Fotografías cortesía de Centro de Arte Contemporáneo Municipalidad de Las Condes

on ocasión del centenario del nacimiento el 11.11.11. del más importante pintor chileno, Roberto Matta, se organizaron en Santiago, en el mes de noviembre, por lo menos siete exposiciones con sus obras – o relacionadas con él, amén de decenas de artículos de prensa. La exhibición más amplia y más importante, sin duda, es aquella en el Centro Cultural Palacio de La Moneda, con muchas obras prestadas por instituciones o coleccionistas extranjeros – y que por esta misma razón tendrán que ser devueltas cuando esa muestra se cierre. En el país quedarán aquellas que pudimos ver en otra exposición: aquella organizada por nuestro Museo Nacional de Bellas Artes, que contiene, con muy pocas excepciones, obras del patrimonio del mismo museo. La mayoría de ellas datan de alrededor de comienzos de los ´70, pero con muchas excepciones. Están a la vista unas 60 obras, en diversas técnicas, con el centro de interés radicado en unas pocas arpilleras que Matta pintara “in situ” en 1970, durante una de sus visitas a Chile. Se trata de pintura de tierra, cal, latex y yeso sobre arpilleras de tamaño moderadamente grande que había en el museo. Por su naturaleza, nada de colores explosivos – estamos frente a tonalidades de marrones - ni de figuras especialmente eróticas; sino que figuras humanas deformadas típicas del artista. Además, dos pinturas semejantes sobre restos de una cortina rojo oscuro – más manchas que pintura – que Matta había encontrado; obras que posteriormente regaló al Director del Museo de entonces, Nemesio Antúnez. Entre los óleos se exhibe “Abrir el cubo y encontrar la vida” (300 x 375 cm – 1969); hay partes de las muchas series de grabados que ejecutara Matta

Roberto Matta Mira la lucha del esfuerzo del afuerino 1971 192x290cm Mixta arpillera

durante toda su vida; entre ellas la muy poco conocida “Les Transports”. Es muy posible considerar a “Hom´mère” la serie de grabados aguafuertes más acabada y mejor del artista (hay varias hojas de esta serie aquí); y una serigrafía grande de muchos temas, incluso la guitarra de “el ojo del alma es una estrella roja”. En la obra de Matta hay diversas serigrafías, cada una con distintos motivos separados – y solía mezclar estos motivos, de modo que, p.e., el mismo “ojo del alma” aparece en distintas hojas con otros motivos – cosa de fácil hacer, ya que en la serigrafía se usan maquetas de mallas. Estas repeticiones de motivos son típicos de Matta: aquí “puro pueblo es tu cielo” se repiten en otra parte como dibujo elaborado; o el “Verbo América” se presenta como aguafuerte grabado tres años antes de su muerte. Matta-100, que incluye también dos esculturas de bronce del artista, es la segunda más importante contribución a esta “frenesí mattaniana” que nos ha tocado presenciar con ocasión de su centenario.

reportaje

Sara yohuate Emociones sobre tela

Sara Yohuate dejó a un lado la Arquitectura y el diseño de modas para dedicarse a la pintura. Las relaciones humanas y la naturaleza, entre otras cosas, se convierten en el eje principal de una obra que busca cautivar la mirada del espectador. Por Yuriko Takahashi V., periodista Fotografías cortesía de la artista

argas raíces de colores caen sobre la tela y ocupan todo el espacio. Unas más gruesas, algunas más delgadas, otras a punto de desaparecer. Se repiten, se cruzan, se mezclan. Sus colores brillantes generan cierta vibración e invitan a descifrar la composición. Eso es justamente lo que la española Sara Yohuate se ha propuesto con su trabajo, conseguir que las personas se paren frente a sus obras y sientan cosas en su interior. Tal vez eso mismo fue lo que ella encontró en la pintura y por esa razón se desligó de su profesión de arquitecto y luego de diseñadora de modas. “Decidí que la pintura, esa expresión más solitaria, más directa y más íntima que ocupaba poco tiempo de mi vida, pero muy intenso, se tenía que hacer permanente”, cuenta. Y así fue. En su último trabajo, la naturaleza se presenta como temática central. Entrar en ella surgió por un viaje a Chile. “La imagen de los arrayanes en flor,

"Yo voy viajando caminos", 2011, 114 x 146 cm., técnica mixta sobre tela.

con sus raíces sorteando piedras, introduciéndose en los lagos del sur y, de fondo, los volcanes… Esa imagen aún me persigue”, describe, y agrega: “Ahí converge todo, la tierra, el agua, el aire y el fuego. Esa mezcla de dureza y fragilidad, de poderío y vulnerabilidad es lo que últimamente estoy trabajando. Esos árboles son como los seres humanos”. Sin embargo, los conceptos ser humano y vida también están presentes en parte importante de su obra. Sobre todo las mujeres, que de alguna forma son reivindicadas y llevadas a una posición superior de la que se encuentran socialmente. “La mujer amante, la mujer madre, la mujer inmigrante, la mujer maltratada, la mujer sentidora… Creo que la mujer tiene todavía un largo trecho para ser considerada como una igual con respecto a los hombres”, afirma.

A partir de una amplia paleta de colores y de formas libres y ágiles otorga fuerza a eso que quiere transmitir. “Mezclo colores aguados y colores planos, mezclo cualquier color. Ahora estoy acabando mi época azul, mi primera época fue la roja. Y supongo que eso va relacionado con el momento personal”, explica Sara. Son esos estados anímicos los que la han hecho elegir la pintura y trabajar justamente con las relaciones humanas y las emociones. Estos conceptos son los que trae en su última exposición “Baco viene a cenar”, en la Fundación Aina María Lliteras de Can Cardaix, Mallorca este enero. Aquí retorna a la pintura y vuelve a mostrar su obra. Yohuate explica que así celebra la vida. Además reflexiona: “Me interesa la emoción porque con ella no se puede mentir, es lo que sale instantáneamente, es una inteligencia de nuestro cuerpo que ante un estímulo, un gesto, una caricia, un grito, responde”.

“El fantasma de la madre”, 1992-93, 130 x 160, Crayon- Polytoile, Museo Ralli.

TITO Calderón Un realismo antinaturalista

Una mirada crítica, con contenidos políticos y sociales es lo que muestra el artista nacional Tito Calderón a través de un trabajo que próximamente será parte de una exposición en Buenos Aires. Por Francisca Medina, licenciada en teoría e historia del arte

Fotografías cortesía de la artista

Un realismo antinaturalista". Así define Enrique Lihn la obra de Héctor Calderón. Con un alto contenido crítico- social y político, las temáticas de este artista nacional están cargadas de símbolos y mensajes velados anti-sistémicos, la única forma, según Tito, de llamar al espectador a ver y no sólo a mirar. En los ’80 dirigió su obra aún más hacia un sentido crítico, posesionándose de una gráfica pornográfica que servía como revulsivo social: “Me tocó vivir la época de la dictadura, y comencé a fotografiar personajes e instancias propias del momento, mi amistad con Enrique Lihn tuvo profunda influencia en

la dirección de mi trabajo, a pesar que ya había comenzado con un proceso de obra crítica”, Recuerda. Una realidad escondida, a veces de sueño, otras de pesadilla, problematizada. Ahí se enmarca el artista, por lo que su obra no pasa inadvertida: “Sin conflicto, no hay creatividad, no hay pintura, no hay nada. El riesgo, el dolor, la inseguridad, crean movimiento. El arte es una reflexión del espíritu humano sobre uno mismo. El dolor y el sufrimiento se vuelven aura, es una marca porque, entre otras razones, la alegría y la paz son difíciles de encontrar”, declara el artista.

Escenas que emergen desde lo underground contienen a personajes escondidos, que no quieren ser vistos. “Realizo tomas fotográficas de personajes, arquitecturas y espacios interiores, de mi interés. Para organizar una serie, selecciono de mi archivo las mejores tomas y compongo él o los cuadros en su totalidad”, explica. La obra de este artista nacional ha sido mostrada tanto en Chile como en el extranjero. Próximamente participará con digitalizaciones en una exposición que se realizará en Buenos Aires, en la Galería arte y parte de Laura Linbson. El proyecto se titula "10 pintores judíos famosos” y cuenta con el respaldo de la editorial LOM, y la DIRAC.

AGENDAsantiago

Guillo. "Constitución 1980", del libro Pinochet Ilustrado (Genus, 2008 / Lolita 2011). Cortesía Museo de la Memoria y los Derechos Humanos

destacado del mes Hasta el 12 de febrero Humor Gráfico Bajo Estado de Sitio Museo de la Memoria y los Derechos Humanos Av. Matucana 501,

Metro Quinta Normal Santiago

Seis dibujantes de medios periodísticos alternativos y de oposición a la dictadura militar se hacen presentes en esta muestra. La selección de dibujos humorísticos da a conocer el trabajo que realizaron Eduardo de la Barra, El Gato, Guillo, Hervi, José Palomo y Rufino entre fines de los ’70 y ’80 y que fue publicado en medios como la revista Análisis.

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Término exposición Exposición destacada

Hasta el 15 de enero Un austrÍaco descubre Chile Montecarmelo

Bellavista 0594 Providencia

Hasta el 30 de enero Todo (nada) Galería Isabel Aninat

Espoz 3100 Vitacura

Hasta el 31 de enero La siembra Galería Patricia Ready

Espoz 3125 Vitacura

40 imágenes dan a conocer un período que va de 1930 a 1950, donde se vivieron una serie de tensiones y cambios políticos en nuestro país, en manos del fotógrafo Ignacio Hochhäusler (1892-1983). Este artista austríaco, radicado en Chile desde 1926, registró, entre otras cosas, las familias de la alta sociedad y de la clase política, personajes de la cultura, y rincones y paisajes urbanos y rurales.

A partir de pinturas, collage y fotografía Marc Sapir crea diálogos que sugieren conexiones abstractas entre palabras e imágenes. “La yuxtaposición de antiguas técnicas análogas con las nuevas prácticas digitales genera tensión y significado mientras se crea la lectura, la contemplación y la creación de nuevas conexiones”, señala el neoyorkino.

Obras que retratan la relación entre el hombre y la tierra componen el trabajo más reciente de Felipe Cusicanqui. Usando materiales como sacos de arpillera, crin de caballo y retazos de tela, el artista materializa dicha relación a partir de una perspectiva pictórica. Esta muestra se presenta entonces como fruto de una investigación acerca de la realidad, su fragilidad y su sutileza.

Hasta el 31 de enero Pinturas de Mario Sánchez Galería Sala Taller

Antonia López de Bello 94 Recoleta

Grandes imágenes cercanas a la abstracción, de gran colorido y de una poética fantástica, forman parte del la última serie del pintor Mario Sánchez: “Pajarístico”. Son más de diez óleos realizados durante 2010 y 2011 que dan a conocer la infancia y el entorno del artista proveniente del sur de Chile, donde tuvo una fijación por las aves y sus formas, y se dedicó a dibujarlas.

Hasta EL 1 de ABRIL Picasso: La Belleza Múltiple Sala de Arte Fundación Telefónica

Providencia 111 Santiago

Hasta el 17 de febrero Blow Sala Gasco Arte Contemporáneo

Santo Domingo 1061 Santiago

Más de 70 grabados y litografías originales de Picasso, dan a conocer sus diferentes técnicas y etapas de producción. Conjuntos como La suite de los saltimbanquis o la serie Dos mujeres desnudas son algunas de las piezas que estarán en esta muestra que llega por primera vez a Sudamérica y se constituye como la más grande de las que se ha exhibido en el mundo.

Cecilia Avendaño muestra su última serie y proyecto Fondart. Ocho obras de gran formato conforman esta muestra individual que consiste en la manipulación digital de fotografías, generando una interrogante respecto a la verosimilitud de las obras. Este nuevo experimento amplía sus investigaciones plásticas, ya conocidas por su tan particular estética.

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original

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AGENDAregiones Del 7 al 20 de enero Contamos Arte Teatro del lago

Av. Philippi 1.000 Frutillar

Con el fin de acercar a los niños a distintas disciplinas artísticas (ópera, ballet, música), la artista chilena Carolina Durán ilustró una serie de cuentos conocidos como “La Flauta Mágica”, “El Lago de los Cisnes” o “Pedrito y el lobo”. Esta exposición viene a mostrar al público esa colección de libros ilustrados de la editorial Zig Zag.

Aviso Allimite Frutas copia.pdf

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Sin título, 2011, técnica mixta sobre cartón, 40x30 cms

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Hasta el 10 de febrero Puerto Ilusión

Hotel Sheraton Miramar Av. Marina 15 Viña del Mar

Ocho pintores desde distintas perspectivas sueñan y representan Valparaíso, ciudad que celebra 475 años de su descubrimiento. Gonzalo Ilabaca, Lobsang Durney, Álvaro Miranda, Juan Pablo Neira y Mauricio Ojeda son algunos de los artistas que, a través de distintas técnicas y expresiones, presentan obras inspiradas en una ciudad que cambia a los ojos de sus habitantes y visitantes.

Del 11 al 20 de enero Elocuencia de lo simple Centro de Extensión CODAR Borgoño 14.439 Reñaca

Carlos “Caco” Salazar, presentará "Elocuencia de lo simple", una exposición compuesta por 10 óleos y acrílicos que tratan el tema de las barcas, el mar y sus misterios. Esta temática lo ha acompañado durante los últimos ocho años. “Creo que los barcos son una especie de autoreferencia, van siendo un poco el recorrido del hombre”, afirma el pintor.

Hasta el 21 de enero El lugar donde todos conviven

Galería de Arte UC Temuco Av. Alemania esquina Dieciocho de Septiembre Temuco

Hasta el 14 de enero Chile en mi lente

Centro Cultural Agustín Ross Av. Agustín Ross 495 Pichilemu

Figuras negras sobre blanco, petroglifos prehispánicos y una imaginería retro son algunas de las coordenadas presentes en el trabajo de Lorena Villablanca. 24 xilografías que ella misma donó a la Colección de la Pinacoteca de la Universidad de Concepción, muestran el trabajo que la artista visual ha venido desarrollando desde 1990 hasta la fecha.

Fotografías a color que fueron tomadas desde el Norte Grande hasta Puerto Williams, durante tres décadas, componen la nueva exposición del artista pichilemino Héctor Galaz. Las imágenes, que en su totalidad se relacionan de alguna forma con la naturaleza, retratan manifestaciones populares y flora y fauna de nuestro país.

Hasta el 29 de enero Guayasamín en Chile, 1969 Sala El Farol, Universidad de Valparaíso Blanco 1113 Valparaíso

Didácticos paneles y gigantografías del artista Oswaldo Guayasamín conforman esta exposición de 12 grabados donde se puede percibir la relación del arte y la política en los años ‘60 en Chile. Esta muestra forma parte de la primera itinerancia regional de la Casa Museo Eduardo Frei Montalva y será parte del Festival de las Artes de Valparaíso 2012 a fines de este mes.

HASTA EL 17 DE MARZO Muestra anual XXIV MAM Museo de Arte Moderno Chiloé Parque Municipal de Castro s/n Chiloé

Este verano el MAM Chiloé abrirá con una serie de exposiciones simultáneas de artistas nacionales e internacionales. Entre ellos destacan, Eduardo Vilches que con serigrafías mostrará sus vivencias durante los primeros meses del golpe militar, y Norton Maza que con una instalación, a partir de armas de gran tamaño, simboliza una pausa de un conflicto bélico.

* El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original

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AGENDAweb Te presentamos las coordenadas de dos de nuestros Artistas Al Límite. Te invitamos a estar atento a sus pasos.

Totoy Zamudio y Cecilia Fernández Gran venta de enero Pintura, grabado, acuarela y dibujo de los artistas de esta galería podrán ser adquiridos con descuentos desde un 10% a un 30%. Galería QUQU Albert Le Blanc 1764 Lo Barnechea Contacto: www.ququ.cl

www.arteallimite.com/totoyzamudio www.arteallimite.com/cecilia-fernandez/

Totoy Zamudio, detalle de "S/titulo", 2011, Acrilico y plumon sobre tela , 75 x 120 cm. Imagen cortesía Galería QUQU

Álvaro Martínez Expo Arte Verano 2012 Exposición colectiva de pintura y escultura, donde tambi'en participa Paulina Wagemann Del 28 de enero al 12 de febrero

Colegio Helen Lee Lassen Catalina de Siena 212, Santo Domingo Contacto: alvaro@martinezblanche.cl / paulinaw1@gmail.com

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Verónica Byers Exposición de Pinturas Exposición individual Del 18 al 28 de enero Casa de la Cultura Panguipulli Contacto: lparedes.mansilla@gmail.com *

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Julita Luco

Elisa Díaz velasco

A todo color Muestra colectiva de pinturas donde además participarán: Lotti Sanders, Paula Lafrentz, Evelyn Richter y Ximena Gumucio Hasta marzo Galería del restaurant A Toda Costa Av. Costanera s/n Algarrobo Norte Contacto: jlucoe@hotmail.com *

Taller de fotografía creativa Curso-taller Del 3 al 24 de enero

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La Reina Contacto: elisadifusion@tie.cl

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Nelson Olate

Mariano Botas

Taller 56 Isabel Riquelme Nº2 Bellavista, Providencia Contacto: taller@taller56.cl *

Galeria de Arte Bosque Nativo Vicente Lopez Rosales 1305 Puerto Varas Contacto:info@marianobotas.com *

Taller de verano Taller para niños de 6 a 12 años Del 3 al 27 de enero

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La aventura del héroe Exposición individual de pintura 24 enero al 12 de febrero

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Bernardita Broughton

Francisco Villalón

Venta de taller 2012 Tipo de exposición: pintura Todo enero y febrero

Pinta un cuadro en el verano Taller para hacer cuadros con técnica mixta Durante el mes de enero

Lugar: Taller de la artista Dirección: Agua Buena s/n San Fernando Contacto: bernarditabroughtonw@ gmail.com

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Marcela PAZ GonzáleZ

75 mujeres en la escultórica nacional Exposición colectiva en la que además participara Pamela Galleguillos. Del 7 al 29 de Enero Castillo Wulff Av. Marina 37 Viña del Mar Contacto: www.marcek.cl

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Lastra 14093 Lo Barnechea Contacto: 7- 795 47 35 *

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Grimanesa Amorós Future Pass Exposición individual Hasta el 11 de marzo Wereldmuseum Rotterdam Willemskade 25, 3016 DM Rotterdam Contacto: news@grimanesaamoros.com *

www.arteallimite.com/grimanesaamoros El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña

*Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original

PERFIL/ARTE

entrevistas

Son más de 400 artistas, nacionales e internacionales. Todos se reúnen en una comunidad virtual –www.arteallimite.com/ artistas– que los interconecta y los contacta directamente con su público. Desde nuestro sitio web los autores de las pinturas, esculturas, grabados y otras creaciones que se albergan en él, llegan a las páginas del periódico Al Límite, con entrevistas donde comparten con nosotros los porqués de su obra, la forma en que trabajan y sus más recientes proyectos.

www.arteallimite.com

LORENA MORANDÉ

Daphne Anastassiou

El ser bajo símbolos

Un constante fluir

Por Angélica Navarro, periodista

Por Yuriko Takahashi V., periodista

Pintura –con variados estilos de pinceladas, materialidades y usos del color–, escultura, costura y, otra vez, pintura, pero sobre géneros. Su carácter inquieto y observador encauzó a Lorena Morandé en una investigación –de más de veinte años– en torno a lenguajes que dejen una huella del significado que para ella tiene la existencia humana. “Mi aspiración es producir un conocimiento sobre el ser humano en diversas esferas; como parte de una sociedad, intentando abarcar el desarrollo de la especie, sus modos de vida, estructuras sociales y sus múltiples expresiones culturales”, explica la artista. La búsqueda comenzó “desde afuera hacia adentro”; primero retratando la morfología y finalmente plasmando el mundo interior de la persona. Esta dimensión es de especial importancia para Lorena. Su exploración artística también la ha llevado a profundizar en el lado psicológico a través de cursos en la Fundación Mustakis y un diplomado en Psicoplástica en la Universidad Católica. “Descubrí en los recursos plásticos un medio de conocimiento y diálogo con mi mundo interno, reuniendo lo objetivo con lo subjetivo, conciencia e inconsciencia”, relata. Estas inquietudes se han traducido, este año, en obras que mezclan la pintura y la costura sobre sábanas, y que hablan de la maternidad y sus rastros en el cuerpo. Así, con estas piezas ocupando el espacio en su totalidad, Lorena Morandé pretende que esa búsqueda personal se relacione con otros, en un “encuentro directo con la obra”.

Vida, nacimientos y emociones. En esas temáticas la chilena Daphne Anastassiou ronda para acercarse a la pintura, disciplina que ha estado presente en ella desde siempre, ya que su madre también fue artista. Pero, a la hora de decidir qué título iba a sacar, la psicología fue su opción y dedicó cerca de 20 años a la consultoría de empresas potenciando las capacidades de trabajadores. De todas formas, paralelamente siguió pintando y, de hecho, todas las capacitaciones que realizaba eran en torno a actividades que desarrollaran la creatividad, trabajando con música, movimiento y colores. Sin embargo en 2006 decidió que la pintura era lo que tenía que ocupar todo su tiempo. “Internamente lo fui sintiendo. Me costó conocer lo que era una pasión tan fuerte, pero ahora no podría estar sin pintar”, reflexiona. Es así que, junto a una paleta llena de colores, dio paso a cuadros vestidos con óleos y acrílicos mezclados, que hablan de sus estados de ánimo, donde nada está predeterminado y todo es resultado de un fluir. “En general entro en un estado meditativo, en silencio, como de presente, y dejo fluir lo que voy sintiendo”, así Daphne describe su proceso pictórico y cuenta cómo la psicología ha tenido influencia para poder entrar en esa meditación. “Hay como una sensibilidad más allá. Hay una facilidad para esa conexión interna y para observar el mundo más allá de la forma”, concluye.

“Esencia”, 2010, Técnica mixta sobre tela ( carboncillo, hilo, lana, alambre), 600 x 1.90 cm. Imagen cortesía de la artista.

“Encuentros II”, 2011, Técnica mixta sobre tela, 150 x 280. Imagen cortesía de la artista.

entrevistas

Jacqueline De Saint Aubin evocar y transportar Por Mariana Vukusich, licenciada en historia

2009 . "Undersail " . 70x110 cms. . Óleo sobre tela

La vida de la artista nacional Jacqueline De St. Aubin siempre estuvo ligada al arte. A pesar de que nunca lo pensó como una carrera universitaria, pronto las inquietudes que a lo largo de su vida fueron suscitadas por esta área, fomentaron su interés para que se matriculara en la Escuela de Arte de la Universidad Católica, donde fue alumna y ayudante de Gonzalo Cienfuegos. Jacqueline De St. Aubin, a través de sus óleos, busca evocar y transmitir sus experiencias de vida, como se puede observar en su trabajo más reciente, la serie Veleros. En estas obras, diversas tonalidades de rojos, amarillos, azules y verdes son dispuestas sobre la tela y están claramente delimitadas en sus contornos. Es así como estos colores brillantes la atención del espectador, ya que además se crea la sensación de movimiento y rapidez. Mediante la inteligencia, los sentidos, la racionalidad y los medios que la naturaleza otorga, Jacqueline da sentido a sus obras. “En mis trabajos pretendo transportar, recorrer, soñar. Más bien detenerse en el tiempo, para descubrir otras realidades y dimensiones”, reflexiona.

Angeli Martínez Del papel en adelante Por Bernardita Garib, escritora y artista

Del diseño pasó a las artes visuales y hoy realiza talleres para que grandes y pequeños entren al mundo de la ilustración en cerámica. ¿Cómo comenzó todo? Angelí Martínez es una diseñadora que sintió la necesidad de identificarse más con las artes visuales que con la gráfica. En forma autodidacta, incorporó recursos donde el concepto de intervenir dio paso al grabado y la experimentación sobre el papel y metal. En su taller Todouncuento.cl, base de su quehacer artístico, Angelí da vida a obras que hablan desde una mirada analítica de la mujer, su comportamiento, sus palabras, los hombres, el sexo, los sueños .Las desnuda y revive lo oculto en ellas, lo que no se dice, lo que no se ve. “Saco entonces la fantasía, lo impúdico, lo absurdo, manifestando un personal humor negro con una mirada masculina que se mete en el mundo fascinante del poder femenino”, cuenta. La esencia de la técnica es la gestualidad, la intensidad del color y las manchas que dan vida a estas mujeres, logrando

38 34

2010 . Detalle de "Entrepudores" . grabado intervenido . técnica mixta . 1.17 x 56 cms.

una composición colorida, lúdica y armónica de imágenes que hace un tiempo pasaron del papel a la cerámica. “Me pasé del papel al plato y hoy una pieza de cerámica es mi soporte para ilustrar, pintar y escribir, un objeto de deseo con una historia”, explica. Estas cerámicas ilustradas son objetos de exportación que buscan mostrar el “chilenismo” al mundo, dando cuenta de una mente inquieta, que busca mostrar en gloria y majestad esas mujeres que viven hoy en cada rincón de Todouncuento.

Macarena Vicuña autorretrato en la tela Por Yuriko Takahashi V., periodista

"ABANICOJAIBAS" . 70 ø cm . Técnica Mixta .

Patricia Soto Avendaño De Abanicojaibas y otros Por Maite Gallego Bretón, gestora cultural

A partir de trazos, rayados y creaciones en volúmenes, Patricia Soto realiza una búsqueda visual que adquiere forma a partir de collages sobre la tela y de una serie de colores donde predominan los rojos, amarillos y azules. El uso de estas tonalidades es relativo a lo ella quiera expresar. Lo de Patricia es la técnica mixta. Su obra “La abanicojaiba”, presente en Ch.ACO 2010, es un ejemplo de ello: a partir de papel de diario reciclado y la producción de figuras circulares con texturas, da vida a esta nueva especie marina. En esta construcción muestra lecturas creadas desde una unidad gráfica manual, todo con volumen. Le pregunto si su obra tiene una conexión con el mar y la naturaleza. Patricia me cuenta que la conexión de su trabajo va con lo cotidiano, con el lugar, con la relación de un objeto, con la realidad del sujeto en sí. Como un cangrejo, que tiene coraza y se puede esconder, pero a la vez puede atacar y defenderse. Esto, junto a la complejidad de lo estético, se une luego a la forma. Esta artista, que ha expuesto en diversos lugares de Chile, en América Latina y Europa, actualmente se encuentra preparando su próximo proyecto artístico: la exposición itinerante “Faros”, que comenzará en el Casino Enjoy de la Serena en enero, continuando en febrero en la Expo Arte Verano 2012 en Santo Domingo.

Pintar, para Macarena Vicuña, es el trabajo más placentero que existe. Desde pequeña se interesó por el arte y hoy dedica su vida a ello. Son tal vez esas mismas técnicas las que han marcado de alguna forma a esta artista nacional que con acrílicos, pigmentos, texturas y mucha agua, como ingredientes primordiales, da vida a paisajes y recientemente a figuras humanas. “La mancha pigmentada se expande y se abre. Con las aguadas aparecen nuevos colores y veladuras. Es un juego entre lo pensado y lo casual”, afirma ¿Y qué nos quiere decir con su obra? Macarena explica que sus pinturas hablan por sí mismas develando aspectos inconscientes. “A través de ella, nos podemos conocer profundamente, por eso creo que son el mejor autorretrato de cada uno”, reflexiona. Para ella las temáticas no son más que una excusa para pintar. A pesar de ello, la naturaleza ha cobrado protagonismo en parte de su trabajo, de hecho su última exposición “De norte a sur”, pintó paisajes que evocan el territorio nacional. Sin embargo, en su último proyecto decidió trabajar con mujeres y en el estudio de pies y manos. Utilizando su tradicional técnica de las aguadas, además realizó dibujos a carboncillo. “La figura humana es algo que llevo haciendo hace muchos años, lo retomé porque el dibujo es algo que me apasiona tanto como la pintura”, explica. Estas obras serán expuestas durante el mes de febrero en las Brisas de Santo Domingo, del 1 al 13 del mismo mes.

2011 . "Mujer II" . 180 x 90 cm. . Técnica mixta .

entrevistas

Paula Rubio Más allá de lA "eSCULTURA" Por Francisca Medina, licenciada en teoría e historia del arte

Imagen correspondiente a la instalación “Cubos Lumínicos: fragmentos de luz en el territorio”, 2011, acrílico transparente, sistema programado de luces led y piedra granito en su exterior, 50 X 50 X50 cm. Imagen cortesía de la artista.

El último trabajo de la artista Paula Rubio, Cubos Lumínicos: fragmentos de luz en el territorio está presente desde principios de diciembre y de manera permanente en la Galería Patricia Ready, y da conocer la búsqueda de la materialidad a partir del hormigón dispuesto en el espacio con luces led en su interior. De esta manera el granito queda revestido por cubos de acrílico iluminados. La finalidad es instalarse entremedio de los demás cubos de hormigón ya existentes en la galería, dando al espectador la posibilidad de descubrir o hallar este centro, este núcleo lumínico. “Mi intención fue activar todo el sector del jardín exterior de la galería, el que está en la calle, para hacer de éste un recorrido, un hito de encuentro o visita de todo espectador que pase por fuera de la galería o que se encuentre en el sector”, explica Paula. El trabajo plástico de Rubio se enmarca dentro de un lenguaje problematizado, donde extrema ciertos elementos de la escultura para obtener otros resultados más allá del concepto tradicional o académico de ella. Transita así por diversas técnicas o materialidades. De esta forma, a partir de la experimentación se ha relacionado levemente con la imagen digital y el registro en video. Para el próximo año, dentro de otras cosas, Paula participará en el proyecto de una organización artística en España, donde ya ha trabajado en diversas exposiciones colectivas, con volumen en papel reciclado hecho a mano.

Philippe Trillat Construyendo mundos Por Yuriko Takahashi V., periodista

Rojos con naranjos neones, azules eléctricos y verdes fosforescentes. Todas esas tonalidades y más son utilizadas por Philippe Trillat para dar vida a sus obras. El artista nacional explica que esa paleta brillante tiene mucho que ver con su ADN, con los videojuegos y su admiración por los graffiti. En definitiva, simplemente representan una época, los ’90. Y esa gama sólo se hace presente en aquella construcción y creación de mundos. “Me gusta mirar el cielo y pienso muchas veces qué hay más allá. En el fondo marino encontramos una superficie terrenal, pero en el espacio no sabemos qué hay. Esos mundos son los que yo trato de reflejar, porque la pintura no termina donde termina la tela, es ahí donde empieza”, reflexiona. Esa creación de espacios abstractos que pasan de su imaginación a la tela con pintura, adquieren fuerza y sentido a partir de la geometría descriptiva, un conjunto de técnicas que permiten al artista crear un plano tridimensional a partir

“En el aire”, 2010, Óleo sobre tela, 180 x 120 cms. Imagen cortesía del artista.

de uno bidimensional. Círculos, esferas, semicírculos y líneas que se proyectan hacia delante se suman a todo lo anterior, otorgando vitalidad a su pintura. Philippe comenta que no le gusta que las obras sean rígidas y atribuye el movimiento a su formación como actor. De hecho lo conoce la gente. Sin embargo, ha estado ligado a la pintura toda su vida, desde pequeño cuando tomó clases y ahora cuando decidió retomar esta disciplina impartiendo, además, talleres en Concepción y Santiago.

Silvia Guzmán una bÚsqueda constante Por Yuriko Takahashi V., periodista

“Escaleras”, 2010, óleo, 90 x 200 cms. Imagen cortesía de la artista.

Soledad Reyes Colores entre los cerros Por Maite Gallego Bretón, gestora cultural

El estilo de creación de Soledad Reyes tiene algo de abstracción. Su pintura es suelta, sin ataduras y se va dando cuando Soledad quiere pintar una tela que sea más simple; que se sepa qué es, pero sin tanta definición. Confiesa que lograrlo es más difícil, pero que le encanta también lo simple. Sin embargo, estos es sólo una pequeña parte de su obra. En ella también hay mucha figuración y bien podría definirse como realista. Botes, flores, frutas y casas son algunos de los elementos claramente inidentificables de sus cuadros. En su proceso creativo le interesa obtener las costumbres y la arquitectura de ciertas ciudades. Tal vez por esa razón las obras que más la representan son sus pinturas de favelas. Todo surgió porque vivió en Brasil por 12 años. En esta etapa Soledad descubrió lo que más le gusta: crear diferentes colores y formas. “Me gusta que nunca una pintura será igual a la otra”, dice. Estas casitas significan para ella una realidad y una cultura distinta de cómo vive la gente. Con muy poco espacio y recursos, los habitantes tienen que salir adelante con mucho esfuerzo. Por otro lado, la alegría de los brasileros hace que ella pinte con mucho colorido. Justamente esto influenció a Soledad a aventurarse en los paisajes de los cerros de Valparaíso cuando volvió a Chile. Obras que representan esos lugares son los que la artista presentará del 13 al 27 de enero en la Casa de la Cultura de Santo Domingo. Ahí exhibirá óleos en diferentes formatos. Las obras también estarán disponibles para el público del 28 de enero al 12 de febrero, en la exposición colectiva "Expo Arte Santo Domingo".

Siempre le gustó pintar, sin embargo el tiempo y las condiciones no se dieron para que pudiera estudiar algo relacionado a las artes, pero un día su hijo le escribió una carta pidiéndole que se dedicara a eso. De eso han pasado 18 años y ya con unos cuantos talleres y clases en el cuerpo, Silvia Guzmán dedica su tiempo a la pintura. En un principio los bodegones y la pintura figurativa se tomaron sus lienzos. Sin embargo, poco a poco se fue trasladando hacia la abstracción y hoy es eso lo que desarrolla. “Yo creo que es un proceso que viene inevitablemente. Tú sientes que logras los bodegones y quieres otra cosa. Uno busca lo que es más difícil. Para mí es un desafío lograr una composición”, explica. ¿Y hay alguna temática transversal a su obra? Definitivamente no. Al menos Silvia no se lo plantea antes de enfrentarse a una tela sin pintura. “Me fluyen las cosas más que inspirarme en algo”, afirma y explica que muchas veces deja volar su imaginación y luego de que la obra está terminada descubre referencias. El terremoto del 27 de febrero fue uno de los hechos que más tarde dio nombre a uno de sus últimos trabajos, “Energía Telúrica”. Su técnica de pintura y los colores tampoco están predeterminados. Esta artista trabaja con veladura, acrílicos, óleos e incluso con papeles que va pegando de manera azarosa. Ella lo describe como una especie de juego, donde cada cuadro es una nueva experimentación. “Lo busco todo. Me siento como en búsqueda”, afirma.

“Energía Telúrica L”, mixta sobre tela, 1.10 x0.90

El pasado 5 de enero una gran cantidad de golﬁstas se reunieron en el Club de Golf Mapocho con el ﬁn de recaudar fondos para Desafío Levantemos Chile. Este campeonato, organizado por estudiantes de la Universidad Adolfo Ibáñez, es aporte más para ayudar a la reconstrucción del país tras el terremoto del 27 de febrero de 2010.

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reportaje

privados en la cultura

Por Yuriko Takahashi V., periodista

240.000

Estas compañías representan un 3% del total nacional de éstas

3% Más de 30.000 empresas apoyan el sector cultural

Los privados aportan alrededor de un 10% de los recursos que se invierten en cultura

10% La cultura genera más de 240.000 empleos

Cultura aporta un 1,6% del PIB, superando al sector pesquero

1,6%

30.000

Fuente: “Hacia una Cuenta Satélite en Cultura: datos económicos sobre el desarrollo del sector cultural en Chile”, CNCA 2011 y Proyecto de Reforma Ley de Donaciones Culturales, CNCA Julio 2011.

El aporte de las empresas en la cultura ha estado recientemente en boga a causa de la propuesta de modificación de la Ley de Donaciones Culturales. Entre otras cosas, este cambio, permitiría que más entidades privadas se sumen a la labor de apoyo y difusión de las industrias creativas en nuestro país. Según cifras entregadas por el ministro de Cultura, Luciano Cruz-Coke, las donaciones privadas con incentivo tributario alcanzan poco menos del 10%, mientras que el sector público supera el 90%. De todas formas, una serie de empresas incluyeron incluir en sus políticas internas el apoyo a esta área con el fin de ampliar las barreras de acceso que actualmente hay en ella.

CCU

Imagen de la última exposición de la Sala de Arte CCU de los artistas Javier González y Cristián Salineros. Cortesía de Álvaro Mardones y CCU.

En 1993 se plantearon “Acercar el arte a la gente”. Así,

“por medio del apoyo a variadas iniciativas, hemos

más de 350 artistas nacionales han sido apoyados

querido ser un puente cultural que genere un

. “De esta forma, nos acercamos a la comunidad, aportando cultura, educación sobre nuestros valores artísticos nacionales y por supuesto, entretenimiento”, comenta Felipe Forteza, subgerente de Asuntos Corporativos de CCU. Desde que comenzaron su programa de fomento a la cultura y las artes han pasado 18 años y una serie de actividades. En un principio, auspiciaron muestras de la actual Galería Isabel Aninat y apoyaron a artistas como Bororo y Pablo Domínguez. Han realizado itinerancias a lo largo de Chile con el fin de descentralizar la cultura y se han propuesto traspasar las fronteras del país gestionando exposiciones de chilenos en el extranjero y viceversa. En todo este camino, algunos de sus grandes aliados han sido el Museo Nacional de Bellas Artes y el Museo de Arte Contemporáneo. Recientemente, en 2008, crearon la

acercamiento y valoración de estas actividades,

y difundidos hasta la fecha

Sala de Arte CCU con el fin de ampliar su apoyo a artistas nacionales contemporáneos, entregando a la comunidad una serie de exposiciones de fotografía, pintura, escultura, arte digital, etc.

entre la sociedad y sus gestores”, afirma Felipe. Sin embargo, el camino recorrido les hizo plantearse un nuevo desafío. "El paso natural era aportar en la formación de artistas de proyección, y qué mejor que hacerlo a través de su crecimiento más allá de nuestras fronteras”, afirma Felipe. Es por esa razón que en 2011 decidieron otorgar un incentivo para jóvenes promesas de las artes nacionales: La Beca Arte CCU. Satisfechos con la primera versión, pretenden entregar esta beca cada dos años, lo que permitirá que el artista ganador realice una residencia en algún lugar reconocido en el circuito nacional e internacional y una exposición en una galería internacional.

En esta primera versión el Internacional Studio & Curatorial Program (ISCP), en Nueva York, fue el sitio escogido. Además, Alejandra Prieto, la ganadora, podrá exhibir su trabajo en Y Gallery de Manhattan y en la Sala de Arte CCU.

ITAÚ El año 2007 Fundación Itaú se constituyó como tal y se planteó como desafío contribuir al desarrollo cultural de nuestro país. De esta forma, ha promovido y gestionado una serie de actividades en torno a las artes visuales. “Creemos que las diversas expresiones artísticas, con su tremendo potencial transformador, son una poderosa herramienta de educación que ayuda a formar ciudadanos más informados, creativos y tolerantes ”,

afirma Anne Müller, subgerente de la

Fundación Itaú. Con el fin de hacer frente a las barreras de acceso a las exposiciones y poder llegar a un público más amplio y diverso, decidieron crear un programa de artes visuales y un espacio con el mismo nombre, “ArteAbierto”, que se ubica dentro de la casa matriz del banco. En él se han dado cita artistas nacionales e internacionales, desde Andy Warhol hasta Roberto Matta. Desde 2001 la cartelera de exposiciones presenta cerca

Por su parte, el espacio ArteAbierto ha servido como complemento a otras actividades que se han venido realizando en conjunto con el Museo Nacional de Bellas Artes, el MAC y la Corporación Cultural de Las Condes. La labor de Fundación Itaú además ha traspasado las fronteras capitalinas, realizando actividades en regiones. Recientemente, entre 2010 y 2011, auspiciaron la Gira del Museo Nacional de Bellas Artes, itinerancia que recorrió siete ciudades del país. Dentro de los últimos proyectos de los que han sido parte, Ann destaca la muestra “La punta del iceberg” realizada en conjunto con la Corporación Cultural de Las Condes, la primera muestra de Francis Bacon en Chile y el “Homenaje a Matta”, en el marco del centenario del destacado artista nacional. Otro proyecto que sin duda debe ser reconocido es la contribución a la restauración del MAC

novedades será la exposición del reconocido pintor holandés Rembrandt que preparan en conjunto con la Corporación Cultural de Las Condes. Müller comenta que, si bien ha observado un compromiso creciente de las empresas con la cultura, es importante que estas instituciones privadas no sean sólo auspiciadores, sino que además creen y gestionen proyectos culturales. “hay

Forestal luego de los daños causados por

no es sólo cultural, sino también económico”,

de cinco muestras al año.

el terremoto del 2010.

Para este 2012, una de las

Reinauguración de la fachada del MAC Forestal. Imagen cortesía de Fundación Itaú.

productoras, editoriales, galerías y oficinas de diseño y arquitectura que hacen un trabajo cultural maravilloso y que al mismo tiempo son empresas que generan empleos. Para ellos, la cultura es su pan de cada día, y su aporte

concluye Ann.

BMW Con años de experiencia en el terreno automovilístico, BMW además ha querido ser parte de diversas instancias en las vidas de sus clientes, la cultura es una de ellas. “Creo que la cultura es algo que nos termina enriqueciendo a todos. Es algo que entrega beneficios no sólo a la sociedad sino que a cada persona que participa”,

afirma Sergio Labarca, gerente de marketing de BMW en Chile. Apoyar a Arte Al Límite, participar de las tertulias de arte en la Galería Jorge Carroza, como también fomentar la asistencia de sus clientes al teatro, cine y conciertos, han sido algunos de los proyectos de los que han sido parte como marca. Sergio destaca el último evento en el que participaron. Se trató de un desfile en la casa Rosen, donde no sólo fueron auspiciadores, sino que además el auto en sí formó parte de la actividad. “Eso demuestra cómo nosotros

Desfile Gold Fashion en Casa Rosen. Imagen: Arte Al Límite.

vamos buscando distintas formas de integrarnos a los espectáculos y hacerlos más entretenidos”,

afirma. Como una estrategia a largo plazo, describe la política cultural que han adoptado hace ya varios años y es por eso que están abiertos a participar en nuevos proyectos. Creen que es fundamental el rol de las empresas en la cultura y que cada vez se sumen más. “Es importante que haya nuevos recursos para permitir que existan proyectos exitosos”, concluye.

MINERA ESCONDIDA “Acceso a cultura de calidad para un número importante de personas que de otra manera no tendrían esta oportunidad”,

es lo que María Olivia Recart, vicepresidenta de Asuntos Externos de BHP Billiton, operador de Minera Escondida, define como objetivo central en su aporte a esta área. Hace 25 años decidieron asumir un compromiso con el desarrollo de nuestro país creando un programa en el área. “La cultura la entendemos como parte sustancial del mejoramiento de

la calidad de vida y el desarrollo de la sociedad”,

afirma María Olivia. Más de diez años han trabajado en torno a actividades artísticas, participando en emblemáticos proyectos como “Santiago a Mil”. En materia de artes visuales, María Olivia destaca la exposición “Picasso: La Belleza Múltiple”, que actualmente se exhibe en Fundación Telefónica. Sin lugar a dudas, el concurso de arte joven “Cabeza de Ratón”, ha sido fuertemente elogiado. En una alianza con el Museo de Artes Visuales, buscan promover y difundir la creación juvenil. María Olivia explica que las alianzas son fundamentales a la hora de generar proyectos de calidad. “Sin un buen socio, no

“Pequeña muestra de microarte”, de Martín La Roche, Primer Premio Concurso

Cabeza de Ratón 2011. Imagen cortesía de Minera Escondida. Rut: 16611414-4

ID: 339 Titulo: Pequeña muestra de microarte

hay sustentabilidad del proyecto ni proyecciones”, comenta. Es así como recientemente hicieron una alianza con el GAM que se extenderá hasta el primer semestre de este año. Estudiantes de escuelas y liceos municipales, y colegios particulares subvencionados de la Región Metropolitana, Iquique y Antofagasta, podrán acceder a una programación de artes escénicas, foros de conversación con creadores, entre otras cosas. “Queremos que la cultura se inserte en nuestro tejido social. Y para ello, intentamos extenderla hacia sectores de la población y zonas geográficas que cuentan con menos acceso”, concluye.

Entel Esta empresa de telecomunicaciones también ha tomado un rol a la hora de dar apoyo a la cultura y las artes en Chile. De hecho, esto constituye un eje fundamental dentro de su política de Responsabilidad Social Empresarial. Es por esa razón que desde el año 2002, en conjunto con la Corporación del Patrimonio Cultural de Chile, lanzan anualmente un libro dedicado a difundir la plástica, literatura y tradiciones culturales de nuestro país.

Marlen Velásquez, gerente de Asuntos Corporativos y RSE de Entel, comenta que recientemente publicaron el libro “Notebook 1943”, que se basa en el cuaderno de trabajo de Roberto Matta. “A partir de esta publicación, los amantes del arte pueden acercarse y conocer parte de los pensamientos y la visión de este destacado artista, en una época convulsionada del mundo y en su interior”, comenta Marlen. Cabe destacar que Ramuntcho Matta, hijo del artista, conservaba este cuaderno y decidió compartirlo en su edición como libro. Libro “Notebook 1943” editado el 2011. Imagen cortesía de Entel

Collahuasi

Fomento en el norte del país Con el fin de rescatar la identidad de la comunidad, el patrimonio material e inmaterial de Chile, la Minera Doña Inés de Collahuasi creó un programa de difusión y fomento a la cultura y las artes en la primera región. “Entendemos que las diversas manifestaciones artísticas, junto con formar parte de la identidad de nuestra región, son necesarias para su fortalecimiento y permanencia en la

señala Bernardita Fernández, gerente de Asuntos Corporativos de la minera.

memoria colectiva”,

Un promedio de 100 visitas diarias, 100 exposiciones a la fecha y cerca de 200 artistas nacionales y locales, dan cuenta del positivo balance que ellos mismos hacen sobre la Sala de Arte en Iquique que abrió en 2002. Pero esta labor no se queda ahí, ya que Francisco de la Puente, sin título, xilografía sobre papel, recientemente abrieron un espacio expositivo en Pica. Aquí los lugareños han 76x56 cms. podido mostrar su trabajo y alumnos de la P. Universidad Católica de Chile han brindado clases de dibujo a partir de un convenio. De todas formas, su aporte no se queda en el norte de nuestro país, ya que minera Collahuasi actualmente tiene un convenio con el Centro Cultural Palacio La Moneda. Es aquí donde apoyaron a la exposición y homenaje a los 100 años del nacimiento de Matta el 2011 y "Guerreros de Terracota" en 2010. Uno de los proyectos que como empresa destacan es la entrega y término del programa “Murales de Tarapacá”. Aquí se incluyeron murales en la ruta A-1, en Iquique y tres murales en el aeropuerto. Finalmente un rol propositivo, donde no sólo hay que inyectar recursos, es lo que se propone de parte de esta empresa. “Creemos que es fundamental la participación del sector público, del privado y de la sociedad en la ejecución de proyectos e iniciativas culturales, todos tenemos un rol importante que ejercer, no sólo financiando iniciativas sino proponiéndolas y ejecutándolas”, concluye Bernardita.

MINUTO VERDE Minuto Verde es una empresa que poco a poco se ha ido relacionando con el mundo de la cultura y las artes. Es por esa razón que, entre otras cosas, ha decidido apoyar publicaciones como la nuestra porque de cierta forma comparten los mismos valores. “Minuto verde tiene directamente asociada con cultura, estilo de

están focalizados en generar disponibilidad de tiempo a la mujer y hombre moderno que trabaja. El slogan habla de disponer de más tiempo con la familia y para otro tipo de actividades”, dice Paula. De esta forma, apoyar publicaciones como la Arte Al Límite, se relaciona directamente con ese fomento al tiempo libre. Paula además comenta que a su juicio, faltan empresas que se sumen al apoyo a la cultura.

vida y bienestar”, afirma Paula Álvarez, gerente de ventas

“Todavía queda por trabajar en lo que respecta a

y marketing de esta empresa. “Todos nuestros desarrollos y la variada gama de productos

la cultura y a través de la alimentación saludable

una relación con la vida saludable, que está

podemos ser un aporte a la sociedad”,

sostiene.

Fundación Gasco El apoyo a actividades culturales y artísticas ha estado presente desde hace mucho tiempo en las políticas de Gasco. Sin embargo, fue el año 2001 cuando decidieron dar más fuerza a estos aportes, apostando por abrir un espacio donde se pudiera exhibir arte. Un año más tarde, crearon la Fundación Gasco, una institución sin fines de lucro que tiene por objetivo contribuir al desarrollo cultural y social del país, en las comunidades en que la empresa está presente, encargándose también de las exposiciones de la sala de arte. Con 10 años de existencia, la Sala Gasco Arte Contemporáneo se ha consolidado en el circuito cultural capitalino. “En la Sala Gasco tenemos el desafío de seguir acercando el arte y la cultura a la gente, promoviendo el talento de nuestros artistas y abriendo espacios de reflexión que enriquezcan la vida diaria de cada uno de los que formamos parte de este país”, expresa

Josefina Tocornal, directora ejecutiva de la Fundación Gasco. 49 exposiciones y cerca 100 artistas, entre los que destacan Eugenio Dittborn, Cecilia Avendaño y Gonzalo Cienfuegos, han

Exposición “Santo Domingo 1046/1066” de Sandra Molina y Jesús Román en Sala Gasco. 2011 Imagen cortesía Fundación Gasco.

congregado a más de 10.000 personas cada año, con muestras de de pintura, escultura, cerámica, grabado, fotografía, video e instalaciones. Además de las exposiciones, la Sala Gasco cuenta con un programa educativo para que escolares y profesores realicen visitas guiadas junto a una actividad recreativa. Hasta ahora han participado cerca de 12.000 estudiantes de enseñanza básica y media y más de 400 profesores. Finalmente respecto al apoyo que brindan las empresas a la cultura,

Josefina la calidad de las diversas iniciativas que se generan puede ser muy alta. “Al gestionar este tipo de proyectos, junto con aprovechar los beneficios tributarios, las empresas han hecho un gran aporte a la actividad cultural en Chile, ya que cuando la empresa decide invertir en estos temas aplica en ellos los mismos estándares de eficiencia y profesionalismo exigidos a todos sus negocios”,

afirma la directora.

reportaje

santiago|bienal de video y artes mediales

ARTE Y TECNOLOGÍA REUNIDOS Entre el 7 y 22 de enero, la Bienal de Video y Artes Mediales reunirá a artistas nacionales e internacionales que experimentan con la tecnología. La presentación del destacado artista de video Wolf Vostell es una de las novedades que trae su décima versión. Por Yuriko Takahashi V., periodista Fotografias cortesia de BVAM ‘12

Nicolás Sanchez Larraín (Chile), "Algún Lugar encontraré", Archivo Corporación Chilena de Video

rganizada por la Corporación Chilena del Video, la Bienal de Video y Artes Mediales (BVAM) busca generar un diálogo constante entre las artes y la tecnología. Este evento se realiza desde 1993, y ha dado cabida a una serie de artistas que desarrollan sus obras experimentando en torno a formatos electrónicos como audio o video: el video arte. Además les ha permitido encontrarse con otros pares. Para comprender mejor este género es necesario saber que no se trata de cine ni de cortometrajes. El video arte carece de guión y muchas veces no usa diálogos o actores. Así, el artista va creando un lenguaje propio. “El advenimiento de las tecnologías digitales obliga a repensar la instrumentalización del arte. Hoy la función de la técnica y la ciencia se acrecienta y son parte del arte”, señala Néstor Olhagaray, director de la bienal. “Deus ex Media” es el título que este año tiene la BVAM, a cargo de la curadora brasilera Paula Perissinotto, directora del International Festival of Electronic Language en Brasil. Esta nueva versión apunta a dar énfasis al concepto, la relación que la obra tenga con el contexto actual y una lectura más profunda que trascienda lo tecnológico. Una serie de exposiciones, un coloquio internacional, talleres, conciertos audiovisuales y una feria libre de industrias creativas conforman el programa que tendrá lugar en diversos centros culturales de la capital. Entre ellos desta-

“Cada mudança é um esforço de permanência” (Brasil), Archivo Corporación Chilena de Video

can el Museo de Arte Contemporáneo, el Centro Cultural Gabriela Mistral y el Centro Cultural Palacio de la Moneda. Al igual que en todas sus versiones anteriores, se abrió una convocatoria para el Concurso Iberoamericano a la Creación y Autoría Audiovisual Juan Downey, uno de los precursores del video arte en nuestro país. Dos residencias, para un artista chileno y para uno iberoamericano, serán los premios que se entregarán. Además los trabajos seleccionados serán parte de la colección de la Corporación Chilena de Video. La exhibición del alemán Wolf Vostell (MAC Forestal), uno de de los representantes más importantes del Fluxus y del video arte, será una de las muestras más destacadas de esta versión. Ésta y otras actividades, serán complementadas por un coloquio internacional y talleres técnicos y teóricos. La Retrospectiva BVAM será otro de los eventos que destacan este año y consiste en una selección de la colección de Video Arte Chileno presentado en esta bienal desde 1993 al 2009. Ganadores del concurso Juan Downey y obras presentadas históricamente en este evento también serán parte de esta retrospectiva. Finalmente otra de las novedades para este año será la instauración del Premio Nacional de Artes Mediales, con el fin de reconocer la investigación y producción chilena de video arte. En esta iniciativa además participa el Área de Nuevos Medios del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.

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Éstos son algunos de los puntos que toca el titular del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Luciano Cruz-Coke, en esta entrevista. P. 46

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