Periódico Arte Al Límite | Edición 112, enero 2015

PERIÓDICO N° 112 Enero 2015 Santiago de Chile Distribución gratuita

06. ¿UN PA Í S AGRA D EC ID O ?

1 2 . M O NSTRUO SO S CO LO RES

24. LA LLEGADA DEL MAESTRO VIGAS

Destacados arquitectos y artistas extranjeros han donado obras a Chile, pese a que en muchos casos nunca llegaron a concretarse.

Tola, es uno de los artistas más importantes en Perú. Destaca por ser un artista multifacético e innovador en la forma y colorido.

El Museo Nacional de Bellas Artes, inaugura en enero, la exposición del maestro Oswaldo Vigas. Muestra itinerante que visitará diversos países del continente.

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12. MO N ST RU O SOS CO LOR ES

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Santiago de Chile | Distribución gratuita

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EDICIÓN DE LUJO

ISSN 0719-2878

Portada: José Luis Carranza Carsten Nicolai Miguel Aguirre Nicole Franchy Ramiro Llona Sandra Gamarra

Edición 70

SUSCRÍBETE Valor anual $60.000 Renovación y estudiantes $45.000

*Envío a regiones $18.000

-Edición bilingüe y de colección.

-Revista bimestral (6 ediciones al año).

-Todo el arte contemporáneo internacional.

suscripciones@arteallimite.com (+562) 2955 3261

SU M AR I O 0 5. EDI TO R I A L 12. ¿CO NO C ES L A RE V I STA? :

José Tola - Monstruosos Colores 16 . M I RAR L A HI STO RI A :

Venus de Urbino, de Tiziano 18. PANO RA MAS 22. EN E L TA L L E R:

Andrés Baldwin 24 . EXP O S I C I Ó N D ESTACA DA :

Oswaldo Vigas: Antológica 1943-2013 26 . R E P O RTA J E :

Arte para cambiar el mundo

06. REPO RTA JE:

Chile: obras públicas destacadas ¿Un país agradecido?

30 . CR Í T I CA 32. P E R F I L A RTE 34 . ART I STA E ME RG E N TE :

Andrés Billikopf 36 . ENT R EV I STA :

Gerardo Mosquera

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. | VENTAS info@arteallimite.com SUSCRIPCIÓN suscripciones@arteallimite.com | FONO-FAX (56-2) 2955 3261 (56-9) 84195009 WEB www.arteallimite.com | FACEBOOK facebook.com/arteallimite2 | TWITTER @Arte_Al_Limite INSTAGRAM @arte_allimite | YOUTUBE www.youtube.com/allimiterevista PORTADA José Tola, Mujer regresando de sus encantados sueños, 2011, óleo sobre lienzo, 150 x 150 cm.

IMPRENTA Maval Editora e Imprenta, Santiago, Chile.

sumario 3

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l arte latinoamericano se ha caracterizado, durante el último siglo, por ser rupturista, innovador y gestor de grandes artistas que por su calidad, se han hecho notables. En Arte Al Límite estamos conscientes de ello, y este año queremos continuar con nuestra misión de difundir el arte de la región, mostrar un amplio panorama de artistas emergentes, talleres y entrevistas a aquellos consagrados que se han ganado el respeto mundial.

De esta forma, y junto con saludar a nuestros lectores, podemos observar el crecimiento histórico que han tenido las artes visuales, su evolución y su incorporación al mundo, a través de la fotografía, instalación y la arquitectura. Esta última, ha sido fundamental para el progreso de nuestra civilización, pues no solo ha dejado rastros históricos, sino que también ha sido reflejo de lo complejo que pueden ser los órdenes sociales.

DIRECTORES Ana María Matthei Ricardo Duch ASESOR COMERCIAL Cristóbal Duch

COMMUNITY MANAGER Camila Mellado AUDIOVISUAL Davide Mancini

DIRECTORA DE ARTE Catalina Papic

PRÁCTICA Simón Badilla Ninoska Banda

PROYECTOS CULTURALES Camila Duch

CRÍTICO Ernesto Muñoz

EDITORA GENERAL Kristell Pfeifer

ASESORES Benjamín Duch Jorge Azócar Ignacio del Solar Julio Sapollnik

EDITORA Elisa Massardo DISEÑADORAS Javiera de la Fuente Ximena Paiva PERIODISTAS Fabio Neri MARKETING Josefa Del Río

COLABORADORES José Tomás Fontecilla Lucía Rey Bernardita Garib Natalia Vidal Toutin Bárbara Fernández

Un terremoto, por ejemplo, azota los edificios y las casas agrietándolas, rompiendo y derrotando sus superficies absolutamente incorruptibles; superficies que parecen bloques imposibles de demoler y que se desarman tan solo segundos después de las sacudidas de la tierra. Nuestro país, sísmico desde siempre, ha recibido diversas propuestas de arquitectos como Le Corbusier quien, en 1939, se ofreció para reconstruir Chillán luego del devastador sismo de ese año.

Todo tipo de rupturas y cambios se reflejan en el arte visual. Las instalaciones, sin alejarse de la sociedad y su acontecer, se muestran en el reportaje “Arte para cambiar el mundo”, explicando cómo se puede hacer crítica a través arte visual. Un siglo después de los revolucionarios ready-mades, los objetos situados y descontextualizados se han transformado en objetos manipulados para generar contenido, y mezclándose con el arte conceptual, nos muestran realidades sobre las que pretenden crear reflexiones.

Esta forma de arte, evolución de las vanguardias, le ha dado el pase a los artistas para ampliar la gama de posibilidades con las que crear. Cai Guo-Qiang se encuentra en estos momentos en Argentina, uno de los artistas más reconocidos del mundo, se encuentra apenas al otro lado de la cordillera, en Buenos Aires, Argentina. Y solo para crear. Junto a estudiantes de arte, ceramistas y el apoyo de Fundación Proa, está desde hace algunos meses diseñando y creando, con pólvora, con cerámica y con fuegos artificiales, con los cuales hará un homenaje al tango, al baile argentino y a su identidad.

Las artes visuales con motivos rupturistas no solo han ampliado sus formas de creación, sino también de realización y de muestra.

Ya hace un siglo los museos agotaban sus espacios y los pintores hacían murales. Ahora, el espacio es parte de las formas de crear y la luminosidad se hace majestuosa para que el arte sea disfrutado por todos, de manera ilimitada, siendo solo necesaria la vista para disfrutar los fuegos artificiales.

ed i to r i a l 5

Muerte al invasor (Escuela México, Chillán), fue hecho por David A. Siqueiros en 1941, luego de haberse autoexiliado por ser culpado injustamente del asesinato de León Trotski.

Chile: obras públicas destacadas

¿UN PAÍS AGRADECIDO? Han sido muchos los arquitectos y artistas extranjeros que han elegido a Chile como tierra depositaria de sus obras. Gaudí, Niemeyer y Siqueiro, entre otros, regalaron trabajos a nuestro país con el fin de estrechar vínculos. Sin embargo, en algunos casos, hasta los planes mejor intencionados terminaron por diluirse en enredos políticos, económicos y sociales.

Por Fabio Neri San Román.

Imágenes cortesía de I. Municipalidad de Arica, I. Municipalidad de Chillán y la Corporación Gaudí de Triana.

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l 14 de septiembre de 1922, el arquitecto catalán Antoni continuarán hasta 2017 y cumplirán con una de las condiciones Gaudí recibió una carta que partía diciendo: “El remitente que dejó estipulada Gaudí: que se levante antes que su gemela es un fraile franciscano de Santiago de Chile, admirador en la Sagrada Familia. Los constructores de ésta, en Barcelona, suyo, quien tuvo el gusto de conocerlo el año 1909 y que tiene han respetado dicha orden. su autógrafo en un libro de viaje”. Ese fraile era Angélico Aranda, y en la misiva solicitaba a Gaudí el diseño de una capilla para Con un presupuesto de $4.425 millones de pesos, cuando el Rancagua. La idea, básicamente, era una construcción similar Centro Cultural Espiritual Gaudí de Rancagua –con la iglesia dia la Porciúncula de Santa María de Los Ángeles en la basílica de señada por el arquitecto catalán incluida– se concrete, será la San Francisco, Asís. Gaudí desestimó la propuesta de Aranda ya única obra de Gaudí fuera de España. De hecho, sólo se conocen que estaba dedicado por completo a la construcción de la Sa- dos proyectos más: uno en Tánger, Marruecos, que no pasó la grada Familia. Sin embargo, tres días después, durante la fiesta fase de croquis; y otro en Nueva York, del que no existe dode la impresión de las yagas de San Francisco, el arquitecto leyó cumentación de primera mano. “Rancagua, a pesar de ser una nuevamente la carta y se percató de que dicha estructura poseía obra pequeña –explica Ramis– condensa toda la geometría gaulas mismas características del edículo diniana. Para Gaudí, esta obra tenía que él tenía considerado hacer para la que representar el hermanamiento En caso de hacerse, sería la única obra de Sagrada Familia. De modo que aceptó de dos mundos, en aquel entonces Gaudí fuera de España. De hecho, sólo la propuesta en función de eso, conmuy lejanos uno de otro”. se conocen dos proyectos más: uno en siderando que serviría como prueba.

Además, según la carta de respuesta Eiffel antes de la torre Tánger, Marruecos, que no pasó la fase de de Gaudí, enviada el 12 de octubre croquis; y otro en Nueva York, del que no del mismo año, sería también “una Sin embargo, la iglesia de Gaudí en existe documentación de primera mano. prueba de confraternidad espiritual Rancagua no es la única obra pública entre España y América”. Adjuntos a realizada o planeada por un maestro las hojas escritas, iban unos croquis. de clase mundial sobre el suelo de Chile. En 1875, la ciudad de Arica pertenecía a Perú e inauguraba la terEl intercambio entre ambos continuó hasta que, cuatro años cera de las estructuras que su presidente, José Balta (1868–1872), después, el 7 de junio de 1926, mientras Gaudí se dirigía a su había encargado al ingeniero francés Gustave Eiffel, cuya oficina visita diaria con su confesor, en la iglesia de San Felipe Neri, un había abierto pocos años antes. La razón que tuvo Balta para condescuido provocó que un tranvía lo atropellara brutalmente, tactar a Eiffel fue la de erigir la Iglesia de San Marcos, la Aduana dejándolo sin sentido. Moriría tres días después, a los 73 años, y la Casa de la Gobernación, todas destruidas por el catastrófico y sería sepultado el 12 de junio, acompañado por miles de per- terremoto que en 1868 asoló la zona sur de Perú. Sus estructuras sonas, en la cripta de la Sagrada Familia. “Desgraciadamente, de fierro aseguraban, al menos en principio, una solidez mayor al tras la muerte de Gaudí el proyecto se detuvo. Sólo quedaron momento de enfrentar algún movimiento telúrico. “Gustave Eiffel, las indicaciones hechas por carta y los croquis de la capilla”, al igual que otros ingenieros y arquitectos franceses y europeos, explica Raimon Ramis, curador de la muestra Antoni Gaudí: el son parte de un momento de desarrollo muy importante para la arquitecto y la forma, abierta hasta el 24 de enero en el Centro sociedad industrial a fines del siglo XIX, tanto en Europa como en Estados Unidos”, explica Álvaro Farrú, académico de la Escuela de de Extensión de la Universidad Católica de Chile.

Arquitectura de la Universidad Diego Portales. José Balta jamás las Tendrían que pasar casi seis décadas para que Joan Bassegoda, vería terminadas –sería fusilado inesperadamente mientras repodirector de la Cátedra Gaudí de Barcelona en los ochenta, apro- saba en su celda después de almuerzo, el 26 de julio de 1872–, y vechara una serie de viajes a Chile para conseguir profundizar Perú perdería ese territorio a manos de Chile durante la Guerra del este proyecto olvidado. Bassegoda intentó rastrear el intercambio Pacífico, en 1883, seis años antes de que Eiffel saltara al estrellato epistolar entre Aranda y Gaudí, buscó más información y, pese a estrenando su torre en París, para la Exposición Universal. que finalmente sus tentativas resultaron infructuosas, logró remover el polvo y la tierra en la que hincaría su pala el arquitecto Pese a que también existe el mito errado de que el imponente chileno Christian Matzner. Él, tras un acabado rastreo histórico y viaducto del Malleco y la Estación Central de Santiago fueron documental, verificó la viabilidad de la construcción. “Después de obras de Eiffel, la presencia del ingeniero en Chile –y América más de dos décadas de estudio sobre el proyecto, técnicamente Latina– es contundente y su técnica terminó por cambiar paraes plausible”, dice Ramis. Y a tal punto que, el pasado jueves 18 digmas de la ingeniería en acero. “Eiffel logró trascender gracias de diciembre, la presidenta de Chile, Michelle Bachelet, oficia- a la torre, pero su importancia fue fundamental debido a que lizó la construcción de la capilla cuya primera piedra, se espera, logró dotar a la ciudad de mega estructuras desarrolladas a sea puesta durante el segundo semestre de 2015. Los trabajos partir de pequeñas partes fabricadas en serie industrialmente.

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R E P OR TA J E

Para la construcci贸n de la iglesia de Rancagua, se utilizar谩 el mismo sistema constructivo modular que desarroll贸 Gaud铆 para que, tras su muerte, continuaran La Sagrada Familia.

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Esto supuso el triunfo definitivo de la industria por sobre el trabajo manufacturado”, concluye Farrú.

vación y Registro del Patrimonio Artístico Mueble, dependiente del Instituto Nacional de Bellas Artes de México, terminó la restauración de los murales que los reconocidos artistas mexicanos David Alfaro El no rotundo a Niemeyer Siqueiros y Xabier Guerrero realizaron en Chillán, en 1941. Sin embargo, sólo seis meses después de que terminaran los trabajos de “Él veía mucho honor en tener un proyecto en Chile, por lo que restauración, el 27 de febrero de 2010, un nuevo terremoto asoló está muy decepcionado y triste”, señaló un vocero de la oficina de la zona centro sur del país. El fresco de Guerrero, De México a Chile, arquitectura de Oscar Niemeyer, en Rio de Janeiro, cuando a fines de emplazado en el acceso principal, perdió el 35% de su capa pictórica, 2008, el entonces alcalde de Valparaíso, Aldo Cornejo, encarpetó el mientras que el de Siqueiros en la biblioteca, Muerte al invasor, sufrió proyecto que el famosísimo arquitecto brasileño había regalado a la daños de diversa índole. Sólo en marzo de 2013, y luego de 16 meses ciudad un año antes. Según Niemeyer, los planos del centro cultural de labor, los murales pudieron ser entregados en perfectas condicioque ocuparía el espacio que dejaría la demolición de la ex Cárcel de nes, gracias a un grupo de expertos chilenos, españoles y mexicanos.

Valaparíso –la cual ya a principios de la década de 2000 se utilizaba “Sin lugar a dudas este tipo de obras y sus contenidos, en momencon fines culturales–, eran un regalo en tos de cambios sociales importantes conmemoración a su amistad con Pablo en Chile, abrieron horizontes insospeSegún La Discusión, sus razones eran casi huNeruda y Salvador Allende. Sin embarchados en la producción artística local, manitarias: “Le Corbusier ha manifestado su go, el carácter monumental y futurista especialmente en lo que a arte público deseo de organizar las funciones de la vida de la obra sumado, precisamente, a la se refiere. El ideario latinoamericanista imposibilidad de demoler por completo se convierte en motivo central de varios colectiva de los sobrevivientes del terremola cárcel luego de que el casco histórico murales que vinieron después”, explica to, es decir hacer los planos de las ciudades de Valparaíso fuera declarado Inmueble Sandra Santander, historiadora del arte devastadas. Y todo ello gratuitamente” de Conservación Histórica, hicieron que y curadora de la Pinacoteca de la Uniel gobierno le pidiera a Niemeyer que versidad de Concepción. Los murales adaptara los planos o cambiara el lugar habían sido parte de un regalo que el de emplazamiento. Las protestas de grupos en contra y a favor, la gobierno del país norteamericano había donado a la ciudad luego intromisión de diversos agentes y un conflicto que se propagó más del terremoto de 1939, junto a una escuela –hoy llamada D-252 de lo debido, hicieron que Niemeyer no aceptara.

República de México– inaugurada en 1942.

“La fundación Niemeyer es quien desiste en su interés, dado el alto nivel de conflictividad y mal manejo del territorio, sumado a la inoperancia política local incapaz de administrar las demandas de ciertos grupos que ejercían extorción política y mediática en un contexto de elecciones”, explica Henry Serrano, uno de los artistas que trabajaba en la ex Cárcel de Valparaíso en ese entonces.

Luego agrega: “En su momento resolvía la consolidación de un proyecto de arquitectura de talla mundial, pero en el tiempo y la proyección se situaba en sí mismo como un referente latinoamericano de arte, cultura y ciudadanía, sin precedentes”.

Sandra Horn, arquitecta y activista comunal de Valparaíso, tiene una opinión distinta al respecto, y asegura que el proyecto no habría sido ningún aporte para el puerto. “Habrían venido a hacerlo todo los brasileros”, dice. “La presión ciudadana ocupante y benefactora del centro cultural, entre otros, denunciamos que no era un proyecto "virgen" para Valparaíso –explica–, sino uno guardado en sus anaqueles. Este era un proyecto vuelto hacia adentro, con gran agresión externa, se comparó con el Congreso”.

Siqueiros, Guerrero y Le Corbusier El 21 de noviembre de 2009, y luego de más de un año de arduos trabajos, una comitiva de expertos del Centro Nacional de Conser-

10 R E P OR TA J E

Por esos días, también, el diario La Discusión de Chillán publicó el titular: “Chillán será una de las ciudades más lindas de Chile”. Cerca de 30.000 personas habían muerto a causa del sismo, y un 90% de la ciudad había sido devastada. La razón del titular tenía que ver con la posibilidad –y en algún momento, certeza– de que el famoso arquitecto suizo-francés, Le Corbusier, sería el encargado de levantar Chillán.

Según La Discusión, sus razones eran casi humanitarias: “Le Corbusier ha manifestado su deseo de organizar las funciones de la vida colectiva de los sobrevivientes del terremoto, es decir hacer los planos de las ciudades devastadas. Y todo ello gratuitamente”. Sin embargo, los problemas comenzarían ahí, y el arquitecto tendría que esperar casi siete meses de tramitaciones, para finalmente quedar en lo mismo que al principio: su sola intención. Una serie de malentendidos entre las autoridades, financiamientos que nunca fueron, incluso críticas de la prensa, obstruyeron una venida que nunca se concretaría. El ofuscamiento y la molestia del artista se convertirían, muchos años después, en la evidencia terrible de lo cerca que estuvo de construir parte de Chile uno de los máximos referentes de la arquitectura moderna.

En concreto, las obras Siqueiros, Guerrero y Eiffel son las únicas que el curioso –chileno o extranjero– puede visitar en la actualidad. El resto, sólo el viento lento y terminal del olvido irán haciéndolas desaparecer de esta mitología arquitectónica que fue constituyéndose en nuestro país, a lo largo del siglo XX.

Construida con ladrillos traĂ­dos desde Francia, la Aduana de Arica estĂĄ sostenida por una estructura de fierro, como todos los trabajos de Eiffel.

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Sin Título, 2009, esmalte sobre trupán, 65 x 125 x 44 cm.

12 ¿ c o n o ces l a r e v i sta ?

José tola

MONSTRUOSOS COLORES La edición de enero-febrero, de la revista Arte AL Límite, presenta a varios artistas peruanos, sin descuidar a los artistas de otras localidades. El mundo completo con diversos artistas. Latinoamérica como un sueño, como una pesadilla, como un nuevo y mágico lugar en el que se celebra con colores, paisajes y lugares poco recorridos.

Por Elisa Massardo.

Imágenes cortesía del artista.

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eruanos, latinos, europeos, la edición n° 70 de la revista Arte Al Límite, da un énfasis particular al país que se encuentra al norte de Chile, Perú. El artículo sobre MOHO Colectivo, narra un breve párrafo, lo difícil que ha sido la historia limeña, haciendo una síntesis sobre la invasión española, la República, Guerra del Pacífico, y la humedad, lo único que no se ha podido superar. Sin embargo, observamos que la humedad limeña no es lo único que parece eterno para los herederos del imperio Inca, hay también una frondosa selva de la que José Luis Carranza sabe sacar provecho en sus complejos y coloridos cuadros, con personajes de ojos desorbitantes.

Sin lugar a dudas, nuestro continente maravilla desde hace siglos al resto de occidente y al mundo con sus paisajes y naturaleza, que es, pocas veces retratada como las rocas de José Carlos Orrillo, que se imponen como rostros, tierra resquebrajada que proporciona figuras simétricas. Y la crítica, algo que un continente poscolonial debe asumir como parte de su realidad, algo que el arte utilizó durante el siglo XX a destajos, El arte es político, crítico y (tragi)cómico, se titula el artículo de Miguel Aguirre, artista mundialmente conocido.

Sin embargo, esta edición, mantiene la constancia de presentar un amplio panorama. Podemos observar obras que se alejan del arte realizado en Perú, como el arte de Carsten Nicolai, quien presentó su nuevo trabajo α (alfa) Pulso, en Hong Kong el año 2014: “La obra comprendía una instalación en la torre ICC –emblemático edificio de 490 metros de alto, ubicado frente al puerto Kowloon en Hong Kong–, que emitía patrones de luces con un pulso en una frecuencia sincronizada, éste se erigía como un faro que enviaba sus impulsos por la ciudad, llegando a los residentes y visitantes de Hong Kong”. O la chilena Patricia Claro, con sus obras que a simple vista parece fotografía, dejando atónito

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Siempre tuve todos tus sueños en mi vigilia sin poder dormir, 2011, óleo sobre tela, 150 x 170 cm.

a los espectadores al ver que se trata de pintura. Una gama variada de artistas y obras que van desde la cerámica, hasta la fotografía, instalación y pintura. Con la obra de Tola que, como muchos artistas, es multidisciplinario.

Los monstruos de Tola La obra de José Tola, destaca rápidamente en la revista Arte Al Límite. Sus llamativos monstruos, llenos de vibrantes colores buscan reflejar los miedos de la sociedad, miedos que todos hemos tenido en algún momento de la vida: “Percibo nuestra sociedad como una realidad monstruosa en la que hay una mayoría que la asume como lo cotidiano. Para mí hay personas que nacen ya con sus monstruos, a otros se les van incorporando durante la vida, ese conocimiento se hace con sorpresa, de esa percepción es que surge la necesidad de

14 ¿ c o n o ces l a r e v i sta ?

expresar aquello que no se quiere ver y hacerlo mostrando su extraña belleza”, cuenta el artista.

José Tola, pintor, escultor, dibujante, creador de grabados, fue seleccionado también para nuestra edición n° 32, con una crítica realizada por Manuel Munive, sobre sus esculturas. Las que igualmente fueron elegidas para el último libro editado por Arte Al Límite, Latinoamérica Al Límite.

Sus monstruos –representados en todas sus formas de creación– son eje fundamental para sus obras, siempre con imágenes variadas, formas que chocan unas con las otras intentando colapsar las telas sobre las que pinta con óleos. Monstruos que individualiza y reúne para recordarnos los sueños de infancia, los monstruos que llevamos dentro, los que dejamos salir y aquellos que poseen las personas que nos rodean.

El mal no entrara si lo detienes en ti, 2012, óleo sobre tela, 150 x 180 cm.

Este exceso de información es, sin embargo, necesario. Pues todos los seres que habitan sus telas, se llenan de colores otorgándole una belleza que sobresale y llama la atención del público que asiste a sus exposiciones, a ese público que lo sigue en redes y gusta de sus creaciones.

Sus ensamblajes, por otro lado, pueden ser múltiples como las pinturas, o bien monstruos individuales que acostados, sentados, de pie o dados vuelta muestran un lado lúdico. Personajes en movimiento y accionando. En los ensamblajes múltiples, en cambio, podemos observar digresiones en la continuidad en relación a los monstruos individuales; muchos colores y formas se unen unas con otras, de diversas maneras y sin homogeneidad en los marcos.

Una forma que se vincula más a los cuadros pero en la que muchas veces los monstruos están fragmentados y mezclados

con la obra: las bocas entre medio de los colores, manos todas juntas y formas sin personificar.

Ni Perú, ni Latinoamérica, sino todo el mundo implicado en estas obras de Tola, todos los monstruos que las personas en la infancia, adolescencia, adultez y vejez, poseemos. Monstruosidades de llamativos colores que son parte de la vida, de los sueños y de las pesadillas.

ENCUENTRA LA REVISTA EN: Librerías Metales Pesados, Contrapunto, Qué Leo, y Museo Nacional de Bellas Artes.

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VENUS DE URBINO, DE TIZIANO

EL EROTISMO VENECIANO Las representaciones de la mujer, de la belleza, de lo que los griegos denominaron la “venus”, data de tiempos inmemoriales. Italia, cuna del arte renacentista, la femineidad y el bien vestir ha aportado con delicadeza y erotismo a la construcción de la belladona que aún, en la actualidad, nos quita el sueño.

Por José Tomás Fontecilla.

Imagen Wikimedia Commons.

t

iziano, contemporáneo a grandes pintores como Boticelli, Da Vinci, Rafael, Donatello o Miguel Ángel, personalidades que rondan la cultura popular como ejemplos de calidad y prosperidad en el mundo del arte, vivió en una época convulsionada por una serie de cambios sociales que tuvieron repercusiones en muchos aspectos de la vida cultural.

Los descubrimientos de ultra mar y el colonialismo inauguraron el paso de una mentalidad a otra, todas las estructuras antes conocidas por el viejo mundo comenzaron a derrumbarse. De esta manera el mundo occidental comenzaba a vivir una de las revoluciones intelectuales más importantes de la historia, el Renacimiento, que supuso un cambio total de paradigma, en el cual Italia estaba a la vanguardia, muy por sobre sus pares.

Estos cambios, traerían consigo lo que hoy llamamos “el mercado del arte”, famosas se hicieron familias como los Medicis o los Sforza, que amasando grandes riquezas comenzaron a patrocinar a los artistas antes mencionados. Abriéndose camino por las rutas de Asia y controlando gran parte del comercio mediterráneo, Italia comenzó una época de grandes riquezas, ciudades como Florencia o Venecia comenzaron a ser los faros que iluminaban al

16 MIRAR L A H I S TORIA

hombre de artes y letras. El feudo medieval, con esa imagen pobre y maloliente, quedaba atrás por medio de un renacer económico e intelectual que le dio a los grandes comerciantes la posibilidad de invertir en otros negocios, como el arte.

Tomando como referencia la pintura, que en 1510 su amigo y maestro Giorgione realizó, Venere di Dresda. Tiziano aportó, veintiocho años después, con un ejemplo más de belleza y gracia a una sucesión de representaciones de la mujer, que a lo largo de la historia ha ido dibujando a las mujeres de cada época. Desde la Venus paleolítica de Willendorf, hasta las representaciones más contemporáneas de iconos pop como Miley Cyrus, cada gran artista ha sentido la necesidad o al menos el interés de mostrar en las claves de su tiempo el simbolismo y la concepción que circula la imagen femenina.

La Venus de Urbino es una de las obras más conocidas del pintor Tiziano, una que sin duda alguna se inscribe en la historia del arte como una obra cumbre de la pintura. Este óleo de 119 cm x 165 cm realizado en 1538, suscita una serie de relaciones y mensajes relacionados a la concepción de la mujer que se tenía en el siglo XVI.

La Venus de Urbino es un óleo pintado sobre lienzo realizado por Tiziano Vecellio en 1538, mide 165 cm × 119 cm. Actualmente se encuentra en la galería Uffizi en Florencia, Italia.

Realizada por encargo del Duque de Urbino, Guidobaldo II Della Rovere, este cuadro fue un regalo del Duque para su joven esposa.

En primer plano se ve a una joven mujer desnuda, recostada sobre unas sábanas blancas junto a un perro. En el fondo, se ven lo que parecen ser dos criadas buscando algo dentro de un baúl, ropa o sábanas quizás. Más atrás, por medio de una ventana, aparece un pilar dórico, signo del renovado interés por la cultura griega que el Renacimiento tuvo.

Los temas y simbolismos que esta obra nos presenta son variados.

En primer plano aparece esta joven mujer, Giulia Varano, la esposa del duque, un modelo de enseñanza de erotismo, fidelidad y maternidad. El erotismo aparece evidente, la joven duquesa con su mano en el pubis mira al espectador de manera desvergonzada, tranquila, penetrante. Lleva su pelo rubio suelto y una postura relajada. En sus pies duerme un perro, signo de fidelidad, en este caso de fidelidad matrimonial. A pesar de los elementos que aparecen y el desnudo en colores claros que resalta, la escena es íntima, delicada. Por medio de un gran trabajo de luz de Tiziano la joven duquesa logra elevarse al estatus de Venus, esa que Homero dijo era hija de Zeus, que Hesíodo consideró hija de la espuma del mar, la misma que fue seleccionada por Paris al regalarle una

manzana por su belleza sobresaliente, desencadenando la ira de los dioses e iniciando la famosa guerra de Troya.

Los personajes secundarios resultan misteriosos, están haciendo algo que no podemos ver, en una dinámica que no se logra explicar. La tradición nos cuenta que ese baúl es un arcón de bodas, un objeto que hoy en día ya nadie utiliza, pero que en la época era una pieza típica de diseño. En él se guardaban todos los enseres de la dueña, en este caso la duquesa, este pequeño baúl podría referir a la maternidad.

La sensualidad del cuadro está dada por un equilibrio de los elementos muy armónicos en donde el pintor, con una técnica maestra, logra crear una representación perfecta de la mujer de su época, protectora del matrimonio y la fecundidad, diosa del encanto y de lo mágico, del amor y la belleza, diosa de las esposas y la castidad.

Gracias a los contrastes de color, en donde mezcla grandes proporciones de blanco y de luz con pinceladas de rojo y verde, y a la utilización muy sutil de variados simbolismos y alusiones, Tiziano nos logra transportar al Renacimiento y al entendimiento de una época, que por medio del erotismo erige los valores de un siglo donde brillaron las humanidades, las ciencias y las artes.

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EXPOSICIONES SANTIAGO

60 fotografías inéditas tomadas por esta destacada fotógrafa nacional, que corresponden a una serie histórica en blanco y negro en la que recoge retratos de mujeres en 1992.

Esta exposición se hace en el marco de la participación de Paz Errázuriz en Paris Photo, y su reciente elección como representante chilena en la Bienal de Venecia 2015.

Mujeres/1992, Paz Errázuriz

Hasta el 31 de enero Galería AFA Phillips 16, 2-A, Santiago centro www.galeriaafa.com

Hasta el 30 de enero

Hasta el 15 de febrero

Sala Arte CCU

Sala Gasco Arte Contemporáneo

Freno y aceleración, Raimundo Edwards

Pintura de cámara, Maria Elena Cárdenas y Manuel Torres

Son piezas que el artista va redescubriendo entorno a él, con el

Son pinturas que toman como referencia las imágenes tomadas por la

propósito de generar diálogos y relaciones sobre la existencia mediante

cámara. El título, también, hace referencia a la orquesta de cámara, en

la experimentación con distintas materialidades.

la cual un número reducido de participantes hacen su interpretación.

Vitacura 2670, piso -1, Vitacura www.ccuenelarte.cl

Santo Domingo 1061, Santiago centro www.salagasco.cl

18 PANORAMA S

Hasta el 8 de marzo

Hasta el 24 de enero

Dibujos en prisión, Varios artistas

Fusión, Josefina Cruzat y Alessia Inocenti

Museo de la Memoria y los Derechos Humanos

Espacio Hall Municipalidad de Las Condes

Son más de 300 dibujos y acuarelas hechas por presos políticos

El diálogo entre estas dos jóvenes artistas busca introducir al espec-

quienes, encontrando en el arte su única salida, plasmaron sus

tador en la realidad y universalidad del mundo en que vive, presente

experiencias en cautiverio, durante la dictadura militar en Chile.

en cada uno de los micro y macro universos con los que coexiste.

Matucana 501, Santiago centro www.museodelamemoria.cl

Av. Apoquindo 3400, Las Condes

Hasta el 18 de enero MAC

Marcel Duchamp. Don’t forget.

Una partida de ajedrez con Man Ray y Salvador Dalí, Marcel Duchamp, Man Ray y Salvador Dalí

Hasta el 25 de enero Museo de la Solidaridad Salvador Allende

Block mágico, Varios artistas

El ajedrez es el punto en común en el que se encuentran Duchamp,

Bajo la curaduría de Soledad García y Brandon LaBelle, esta exposición

Dalí y Man Ray, y también el eje de esta exposición que reúne un

recoge las obras de diez artistas chilenos, residentes en suelo nacional

centenar de obras y más de cincuenta documentos que reflejan el

y en el extranjero, hechas durante los últimos 30 años. Su objetivo

vínculo artístico entre ellos.

apunta hacia nuevas formas de dialogar con la memoria y lo imaginario.

Parque Forestal s/n, Santiago centro www.mac.uchile.cl

Av. República 475, Santiago centro www.mssa.cl

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

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EXPOSICIONES REGIONES

Del 24 de enero al 8 de febrero

Hasta el 11 de enero Casa del Arte Diego Rivera

Colegio People Help People Asociación de Artistas Plásticos de Bariloche, Varios artistas

Arte Rocas de Santo Domingo, Pamela Awad y otros artistas

Organizada por la Agrupación Cultural de Santo Domingo, esta

Son 21 artistas –de una asociación que posee en total 90

exposición presenta a varios artistas que buscan mostrar en qué

miembros– los que expondrán sus obras en la Sala Pinacoteca

están las distintas disciplinas de las artes plásticas.

de la Casa del Arte Diego Rivera.

Av. Litoral 299, Santo Domingo, Valparaíso http://www.arteallimite.com/artistas/pamela-awad

Quillota 116, Puerto Montt www.culturapuertomontt.cl

TALLERES / WEB

Enero y febrero

Hasta el 28 febrero

Taller de pintura experimental, Carolina Stremjl

Homenaje a Gonzalo Rojas, Paulina Wagemann

Galería Bosque Nativo

Galería Anahuac

La artista Carolina Stremjl dictará durante el verano un taller en

La artista presenta en la Galería Anahuac, pleno Cerro San

el que abordará la pintura en distintos soportes y técnicas. Para

Cristóbal, un homenaje por medio de su pintura, al destacado

esto tomarán como referencia artistas contemporáneos y su obra.

Premio Cervantes, Gonzalo Rojas.

Av. Vicente Pérez Rosales 1305, Puerto chico, Puerto Varas www.galeriabosquenativo.cl

Cerro San Cristóbal www.arteallimite.com/artistas/paulina-wagemann

20 PANORAMA S

Hasta el 1 de febrero

Del 15 al 30 de enero

Imagen y devoción, Varios artistas

Homo eroticus, Rosa Valdivia

Centro cultural Santa Inés

Galería Balmaceda Arte Joven Bío Bío

Es la última parada de la del ciclo de itinerancias 2014, organizado

Esta serie halla su punto de partida en conceptos como lo femenino,

por la Fundación Itaú y el MNBA. La muestra exhibe una serie de

lo erótico y lo doméstico, abordados a través de la experimentación

imágenes religiosas curadas por Juan Manuel Martínez.

con materiales, costura, bordado y tejido.

Matta 71, La Serena

Colo Colo 1855, Concepción www.balmacedartejoven.cl

Hasta el 30 de enero

Hasta el 19 enero

Glimmerings, matter, consistency, María Inés Rivera

Heroicas, Muestra colectiva

Embajada de Chile en Washington

Museo Marítimo Nacional de Valaparaíso

Esta exposición muestra una serie de grabados en aguafuerte, punta

La muestra es un reconocimiento a importantes mujeres que lograron

seca, aguatinta y fotograbado. Todos girando en torno al hombre y

traspasar los límites patriarcales de la sociedad chilena. Exponen

su relación con la naturaleza, la soledad, el aislamiento.

Bernardita Garib, Carolina Busquets y Macarena Varela.

1732 Massachusetts Ave. NW Washington, DC, Estados Unidos www.arteallimite.com/artistas/maria-ines-rivera

Acceso Sur a Valparaíso, Paseo 21 de Mayo 45, cerro Artillería, Valaparaíso www.arteallimite.com/artistas

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

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ANDRÉS e BALDWIN Entre el hiperrealismo y la imaginación de lo real Por Lucía Rey. Imágenes cortesía del artista y Álvaro Cortes.

l taller de Baldwin está tan organizado espacialmente como su obra, la cuestión del entorno natural, la autoconstrucción de muebles y el mismo lugar físico funciona cual espejo de sus propias ilusiones ópticas. Hay una exhibición de lo rústico, en contraste con lo sutil, de manera que queda un espacio que contiene esta tensión visual, y ese espacio pictórico es el que permite al espectador imaginar, completar la imagen, entenderla desde la lógica simbólica y onírica que sugiere el conjunto de sus pinturas.

Ese espacio amplio de trabajo, y su paisaje exterior, permiten a su vez que Baldwin desarrolle una identidad muy concreta en torno al taller y su obra. Las temáticas con las que compone parecen ser producto de la contemplación de lo inmediato y de operaciones estéticas creativas.

En dicha contemplación aparece la aplicación de técnicas hiperrealistas que atrapan al espectador, inicialmente, por estar muy cercano el resultado a la imagen fotográfica. Sus movimientos creativos vienen ante el espectador como un segundo momento de comprensión visual, donde se trata de articular lo inarticulable, doblegando la disposición contemplativa racional, llevando el ojo a un lugar donde se estira la compresión hacia espacios lúdicos, que fluctúan entre el absurdo y la perfección.

22 e n el ta lle r

La técnica pictórica se supedita a lo representado y a la trampa visual que de ahí emana. Lo espontáneo existe más como un lugar imaginario que en la superficie del cuadro, vale decir, los trazos cromáticos no aparecen como fragmentos de una impronta específica del ejercicio mismo del pintar, sino que es atravesada por esta funcionalidad estética máxima buscada certeramente por el pintor.

observador mire este relato-sin-relato al interior del cuadro como si mirase por el agujero de una puerta.

De esta misma manera, tiene la habilidad de desenfocar la imagen en los ejes visuales secundarios y enfocarla con precisión en los elementos que articulan la narración artística, trasladando al observador a un lugar vacío, sin supuestos ni lógicas posibles.

Esta pintura demanda ser observada doblemente, exige del espectador que permanezca en su contemplación. Pero, como es una representación artística de lo desconocido, el autor va más allá del segundo momento contemplativo, incorporando en el fondo de la imagen una última y compleja dificultad imaginativa, que es el volver a representar el borde de otra caja o marco de cuadro, más pequeño y en una esquina, que pareciera entregar alguna clave del relato estético, al insinuar mediante la figuración de un espejo oblicuo lo que habría en ese espacio ligero, imperceptible, afuera de la obra y por lo tanto dentro de la misma.

Por ejemplo, en su cuadro Aviones de papel, figura un cajón rústico de madera cerrado con una malla, que se presenta como la perspectiva frontal e adyacente del cuadro. Esto genera la necesidad de observar la imagen tras la cuadrícula del primer plano. Teniendo esta malla una funcionalidad visual técnica, es representada con un cierto desenfoque, al igual que el tercer plano del cuadro que sería el fondo del cajón figurado. Los elementos intermedios emergen técnicamente como protagonistas, cuyo espacioambiente es subrayado mediante una precisa cromatización de sombras, y con la incorporación conceptual de estos aviones de papel en torno a nubes en dinámicas ilusorias, que hacen que el

Baldwin trabaja con este juego óptico, entre el adentro y el afuera, lo que representa y lo que sucede mientras lo realiza, como si recortase trozos simbólicos del exterior de la imagen y los fuera incorporando en la superficie de su obra. Tal vez, por esto su taller cobra protagonismo en medio del trabajo creativo, porque la espacialidad transitaría oníricamente entre su hiperrealismo pictórico y el sin/sentido de lo real, que irrumpe simbólicamente en su mundo visual.

Mira aquí el video de este taller

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OSWALDO VIGAS: ANTOLÓGICA 1943-2013

LA LLEGADA DEL MAESTRO VIGAS La exposición itinerante de Oswaldo Vigas, busca entregar al público nacional una retrospectiva del artista, incluyendo 70 pinturas y 6 esculturas. Su Fundación ha seleccionado distintos espacios a nivel americano para trasladar la exposición durante los próximos años.

Por Ernesto Muñoz.

Imagen cortesía Fundación Oswaldo Vigas.

D

esde el 15 de enero hasta marzo, se presentará en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) la exposición del artista venezolano Oswaldo Vigas, quien falleció el 22 de abril de 2014.

Vigas nació en Valencia, en 1926, fue pintor, muralista, escultor, hacía grabados, cerámica y tapicería. Un artista multidisciplinario en todos sus términos. Su obra fue realizada entre Francia y su país natal, y presenta una síntesis de las raíces culturales del continente latinoamericano y las corrientes plásticas de la modernidad.

El artista emergió en 1942, con una impronta clásica en su obra, influida por una gran exposición que recorrió Sudamérica durante la posguerra: De Manet a nuestros días, realizada en el Museo de Bellas Artes de Caracas, en 1950. Aquí conoció a Gastón Dielh (1912-1999), diplomático y crítico francés, que lo acompañó durante su labor artística por cuatro décadas.

París o Nueva York, eran las ciudades que se disputaban el arte en esa época. Vigas, optaría por París, donde realizó gran parte de su actividad y se rodeó de importantes artistas latinoamericanos como Roberto Matta (1911-2002) y Wilfredo Lam (1902-1982), y otros artistas de renombre como Pablo Picasso, a quien conoció en 1955.

Su obra, a partir del pensamiento de Hegel, quien antepone a la ciencia de lo bello la ciencia del arte, nos demuestra que la belleza artística es superior a la belleza natural, con una pintura en la que el hombre se ve reflejado. Durante algunos momentos, al inicio de su carrera, podemos ver al maestro buscando camino que explorar, con una clara presencia de Joaquín Torres García (1874-1949), artista fundamental para América. Posteriormente vemos el desarrollo de Vigas acrecentado por los años e indagando sobre esa forma americanista, con gran uso de la materia que lo conduce a la esfera del expresionismo.

24 e x p o s i c i ó n destaca da

Oswaldo Vigas en el MNBA La exposición antológica Oswaldo Vigas 1943-2013, presenta una selección de las obras más destacadas del artista venezolano. Esta colección itinerante ya estuvo en Lima, y luego de Santiago seguirá su viaje por Bogotá, Buenos Aires, Sao Paulo, Rio de Janeiro, Ciudad de Panamá, México DF y algunas ciudades de Estados Unidos.

La intención que tienen con este recorrido se debe a una iniciativa de la Fundación Oswaldo Vigas, pensando en los intereses del artista: “Surgió del equipo de la Fundación creada en vida del maestro, porque estimamos que, en relación con su importancia, no está lo suficientemente conocida en el continente. La obra es actualmente más conocida en Europa y Norte América, que en Sudamérica, lo cual entristecía mucho a Oswaldo”, explica Janine Castes, esposa de Vigas.

La muestra, compuesta por 70 pinturas y 6 esculturas, bajo la curaduría de Bélgica Rodríguez –experta en la obra del artista–, representa una importante selección del trabajo de Vigas. Además, se distingue por su sentido de pertenencia al continente americano, lo que se expresa mediante imágenes de carácter cosmogónico que remiten tanto a la naturaleza como a la figura femenina, que vincula a la Tierra y al origen de la vida.

Las obras, en general, son sacadas de su colección personal, o del museo que tenía pensado realizar, y por tanto se negaba vender. Otras obras de Vigas, podemos encontrarlas en colecciones privadas y museos alrededor del mundo. De esta forma, las expectativas que tiene la Fundación y la familia de Vigas, son informar al público americano para que conozcan, vean y aprovechen las exposiciones que se harán del artista.

OSWALDO VIGAS: ANTOLÓGICA 1943-2013 FECHA: Hasta el 15 de marzo LUGAR: Museo Nacional de Bellas Artes DIRECCIÓN: Parque Forestal s/n, Santiago

Aparecido azul, 1976, 贸leo sobre tela, 150 x 120 cm.

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Furia, de Juan Carlos Romero, en la exposición “Lxs trabajadorxs de la luna” de Museo MAC Quinta Normal. Foto: Estefanía Henríquez Cubillo.

ARTE PARA CAMBIAR EL MUNDO Diferentes muestras de arte, en distintos rincones del mundo, levantan pasiones a la vez que provocan e inspiran. Se trata de criticas agudas al mundo en el que vivimos hechas en clave estética.

Por Camila Mellado.

Imágenes cortesía de Museo Reina Sofía, Museo de Arte Contemporáneo MAC y Andrea Rodriguez Vial.

A

comienzos del siglo XIX y con el auge de las Vanguardias, el arte se emancipa de la Academia, para volverse sobre sí mismo e investigar distintos estilos. Los artistas buscaban diferenciarse, y honrando el concepto de vanguardia tomado de la milicia, se enfrentaron a lo establecido con provocativas propuestas y manifiestos.

que arde. Contribuye”, en un parafraseo a la frase atribuida al pensador anarquista ruso Piotr Kropotkin.

Esta obra, junto a otras cuatro que fueron consideradas vejatorias, le costaron una demanda colectiva a Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, por parte de la Asociación Española de Abogados El arte es finalmente imaginar o inventar El arte estaba cada vez más cerca Cristianos (AEAC), que solicitaba inhade los movimientos sociales, reflebilitarlo de su cargo actual y para el formas de vida, y los conflictos mundiales jándolos, apoyándolos y hasta antiejercicio de cualquier cargo público en son parte de la vida cotidiana de la mayor cipándolos. Actualmente una parte el futuro. La acción provocó una oleaparte de los artistas que forman Espejos. importante de los artistas nacionales da de declaraciones públicas de apoyo, y mundiales piensa su obra desde denunciando el intento de censura. El ¿Cómo imaginar formas de vida sin esta perspectiva. “No creo que en la Comité Internacional de Museos y Coenfrentar esta que actualmente vivimos? sociedad de hoy, con su complejidad lecciones de Arte Moderno (Cimam), y conflictos, haya que relajarse en un del que forma parte el MOMA de Nuearte por el arte, gratis y por un exclusivo propósito estético”, afir- va York; la Confederación Internacional de Arte Contemporáneo, maba el artista italiano Benedetto Pietromarchi en una entrevista el Consorcio de Galerías de Arte de España, el Stedelijk Museum publicada en el número 68 de Revista Arte Al Límite. de Amsterdam y la Galería Tate de Inglaterra, fueron algunos de los primeros en manifestar su preocupación.

Sin embargo, y a pesar de que el gesto de confrontación a lo establecido a través del arte es una tendencia vigente y presente Un saber realmente útil, hace referencia a la noción surgida a prindesde hace más de 100 años, la controversia en torno a este tipo cipios del siglo XIX en los grupos obreros ingleses, que proponía de obras sigue bullendo, llenando los medios de comunicación una educación alternativa a la ofrecida por el mercado, que priviy agitando cúspides políticas. ¿Es una función legítima del arte legiaba los conocimientos útiles para las empresas y empleadores, tomar parte en este tipo de discusiones?, ¿existe otro bastión del en desmedro de los saberes “no-prácticos” realmente útiles para cambio social legítimo en nuestros tiempos? la formación del ser humano, como la filosofía, la política o la economía. Estas luchas contra el modelo, tempranas y olvidadas, Hay mujeres que quieren ver el mundo arder son las que buscan rescatarse en la exposición desde una mirada contemporánea. De esta manera, se utiliza el Museo para analizar Hace unas semanas el Museo Reina Sofía estuvo en medio del las formas de educación contemporánea y la manera en que el debate. La razón: una obra dentro de su nueva exposición Un sa- arte se relaciona con la sociedad y sus cambios. ber realmente útil, que causó malestar y molestias en los círculos religiosos españoles. Cajita de fósforos del colectivo argentino Respecto a la muestra, Borja Villel explica: “En cierto modo recoge Mujeres Públicas, consiste en las tradicionales cajas de fósforo y trata de analizar cual es el papel del saber, de la educación en rectangulares, con la leyenda “La única iglesia que ilumina es la el arte actual, hacer esto por supuesto implica plantearse de que

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Detalle de Las alas de la libertad, de Andrea Rodríguez Vial.

Obra de Brook Andrew, en la exposición Un saber realmente útil en el Museo Reina Sofía. Foto: Joaquín Cortés/ Román Loores.

28 R E P OR TA J E

tipo de saber estamos hablando”. Respecto al tema abordado, la educación, el director del Museo Reina Sofía no duda en vincularla con el arte y el mundo en que vivimos. “Sociedad y educación son inseparables. De hecho ¿qué es educación? La educación es eso que nos hace reconocer el lugar en el que vivimos, nos hace reconocer nuestro papel en este lugar; nos hace reconocer cómo se organizan, cómo se ordenan, las estructuras de poder, y nos mueven a querer cambiarlo”.

El espejo de la luna Lxs trabajadorxs de la luna es la cuarta etapa del Proyecto Espejos, organizado por el colectivo trasandino ETCÉTERA y, actualmente, en exposición en el Museo MAC de Quinta Normal.

En total son 32 artistas y colectivos participantes, los que desarrollaron su obra en torno al llamado “modelo extractivista” latinoamericano. En los capítulos anteriores, el proyecto Espejos, había abordado las temáticas “crisis de representación”, “postcolonialismo” e “industria de la memoria”, escogiendo como punto de partida para su cuarto episodio la minería en el norte de Chile a inicios del siglo XX. “Nos fuimos hasta el siglo XIX y encontramos al espejo de la luna: las Salitreras”, explican los organizadores de la muestra y representantes del colectivo ETCÉTERA, Loreto Garín y Federico Zukerfeld. “Nos pareció que la historia del salitre boliviano, peruano y chileno, es un espejo de la historia de la modernidad: la explotación, la esclavitud, la migración producto de la diáspora, la explotación de recursos naturales de un territorio para el beneficio de la población de otro territorio”, enumeran, entre otras muchas razones para representar la realidad latinoamericana a través de la historia de las salitreras nacionales.

Espejos, explica Garín y Zukerfeld, aprovecha también la contingencia de los bicentenarios de las repúblicas americanas, que suceden entre 2010 y 2016. “Comienza como una intuitiva investigación acerca de la función de las industrias creativas en las políticas de la memoria. Nos interesaba sobre todo, más allá de la historia de los espejitos de colores que intercambiaron los europeos por el oro latinoamericano, la metáfora del espejo”, y desde esta metáfora despliegan un universo de interpretaciones, símiles y enlaces con la realidad latinoamericana y el concepto histórico y simbólico de un espejo. “Cuando encontramos el nombre del proyecto, pensamos que la lógica sería concebir un espejo que rompiera con el narcisismo de este mismo objeto, es decir: salir del sistema del arte para reflejar al mundo en que vivimos.”

De la concepción del arte y su función, ambos se decantan por un uso que refleje la sociedad de forma crítica: “El arte es finalmente imaginar o inventar formas de vida, y los conflictos mundiales son parte de la vida cotidiana de la mayor parte de los artistas que forman Espejos. ¿Cómo imaginar formas de vida sin enfrentar

esta que actualmente vivimos?”. De esta manera, tampoco dudan en intentar tomar parte de la acción social en sí a través de su obra: “Nosotros creemos realmente en el poder de la imaginación, por eso contraponemos la imaginación con la creatividad. En el sentido, de que este capitalismo usa cada vez más la creatividad en contra de la imaginación. Y esa incapacidad de imaginar nos inhibe a buscar salidas al problema”.

“El arte es eso para nosotros, la capacidad de imaginar lo que ya conocemos de manera completamente diferente, y quizás eso pueda llegar a funcionar en el momento que analizamos el mundo más allá de la superficie”, concluyen los curadores argentinos.

Crítica de lo cotidiano Sin embargo el arte crítico no solo se ocupa de estos grandes conflictos sociopolíticos, sino que también se abordan, a través de él, conflictos del día a día igualmente universales y propios de nuestra sociedad.

El arte hecho vientre, es el nombre de una de las muestras que se expuso en 2014 en el Museo de Montparnasse de París y que abordaba los Rituales y simbolismos que la comida trae. Desde la concepción sexista del rol social de la mujer, hasta lo erótico, onírico e imaginativo en la comida, fueron afrontados a través de la obra de distintos artistas, desde una mirada crítica, pero con humor y sarcasmo. También fueron tratados el simbolismo social de la comida y la inclusión simbólica del otro en el acto de comer.

Para los organizadores de la muestra, la comida actúa como una metáfora de nuestra sociedad y sus formas productivas.

Según Josette Rasle, curadora de la muestra, “no se trata de una exposición moralizante”, precisamente por el uso del humor y de la afilada mirada de los artistas, para cuestionar la sociedad de consumo y la manipulación de los alimentos.

Similar temática aborda Andrea Rodríguez, artista plástica nacional cuya obra gira en torno a la sobreexplotación ambiental y animal, enfocada en la producción de objetos de consumo masivo.

El trabajo de Andrea consiste en pequeños escenarios en los que, a través de diminutas esculturas que interactúan con símbolos y objetos cotidianos, se construyen agudas críticas a la sociedad contemporánea. Sin embargo, y aunque ella misma reconoce la imposibilidad de forzar las temáticas de las obras, cree que es necesario más artistas que desempeñen un rol social activo.

“Creo que en el arte todo es posible”, explica la artista. “La idea es que en la medida que uno hace arte y lo expone, genere interrogantes que hagan cuestionarse al espectador ciertas cosas. Lo más importante a mi parecer es generar consciencia y mientras el arte sea un modo de expresión, va a aportar su grano de arena a este mundo”, reflexiona.

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Cai Guo-Qiang

OBRAS DE PÓLVORA Y FUEGOS ARTIFICIALES En Buenos Aires, Argentina, la Fundación Proa inaugura la exposición del famoso artista Cai Guo-Qiang, quien destaca por sus trabajos en pólvora y por realizar los fuegos artificiales más destacados hasta la fecha, como durante los Juegos Olímpicos de Beijing.

Por Elisa Massardo.

Imagen cortesía de Fundación Proa.

l

a gran exposición, consiste en una serie de instalaciones site-specific, pinturas y cuadros realizados con pólvora, producidas especialmente en Argentina, con la colaboración de 50 estudiantes de la Universidad Nacional del Arte (UNA). Además del trabajo junto a la Escuela Municipal de Cerámica de Avellaneda, donde produjeron más de 500 piezas de flores y hojas, especialmente para el espacio entre la librería y el café de Proa.

De este modo, entre el 2 y 5 de diciembre, se preparó la producción de dibujos en un evento cerrado, donde solo pudo participar prensa especializada. Igualmente, incorporaron instancias de entrevistas personalizadas con el artista, en las que Arte Al Límite estuvo presente a través de la crítica de arte de Laeticia Mello. Posteriormente, el sábado 24 de enero, Cai Guo Qiang, presentará Los Fuegos Artificiales para el Tango, evento de dos horas y de alta tecnología que recupera al tango y su vitalidad. Evento, que sin lugar a dudas, es imperdible.

Podemos cuestionarnos la capacidad del gobierno argentino para traer artistas mundialmente conocidos, mantenerlos en su país por meses y financiar no solo su estadía y trabajo, sino toda la serie de obras que está realizando en Buenos Aires, además de la búsqueda de un sentido patrio, un rescate de la identidad bonaerense, a través del tango y los fuegos artificiales.

Al respecto, nuestro país solo puede jactarse de traer exposiciones de grandes artistas que presentan retrospectivas itinerantes como ha ocurrido con Marcel Duchamp, “Don’t Forget. Una Partida de Ajedrez con Man Ray y Salvador Dalí, o como ocurrió con la exposición de Joseph Beuys. Obras 1955-1985, las cuales más que obras, presentan archivos.

Los fondos estatales para promocionar este tipo de obras en nuestro país, son escasos, y lo mismo pasa con las fundaciones las cuales aprovechan a los artistas de renombre para hacer promoción y difundir sus nombres, mientras que las muestras se remontan a las cosas más baratas que pudieron conseguir. No es difícil, estar atento a los artistas que visitan países vecinos, para aprovechar esta instancia. Invitarlos a Chile, generar charlas, obras, exposiciones y seminarios que beneficien desde estudiantes de arte, hasta galeristas y público en general, para lograr una mayor comprensión de la obra.

IMPROMPTU FECHA: Hasta el 1 de marzo LUGAR: PROA DIRECCIÓN: Av. Pedro de Mendoza 1929, la Boca Caminito, Buenos Aires, Argentina

30 c r í t i ca

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Observa, y capta con la fotografía y el croquis, los procesos de nuestra geografía, de nuestro clima, de nuestro país. La naturaleza se convierte en protagonista y con ella, los colores, formas y sensaciones que se despliegan en sus obras como historias que vienen a contar lo que pasa allá fuera, en diálogo constante con su propio imaginario.

“Como los cronistas que acompañaban a los navegantes, así, hoy los temas de mi obra van rondando una suerte de periplo. Es un recorrido por la geografía y el hombre inmerso en ella”, explica.

Diversas técnicas lo acompañan, deambulando entre la acuarela y el grabado. La sutileza y libertad de la primera y la profundidad e intensidad de lo segundo, hacen de sus obras un escenario donde el artista logra usar cada espacio y cada técnica para establecer ambientes y colores que lleven al espectador a entrar en ese tiempo, del que fueron testigos sus primeros trazos y observaciones.

http://arteallimite.com/artistas/pablo-quercia

macarena varela FIGURA HUMANA Y PAISAJES EN EL AGUA Por Bárbara Fernández.

pablo quercia ALGO QUE CONTAR Por Bernardita Garib.

• Detalle de Bahía El Águila, 2014, aguafuerte, aguatinta 49 x 29 cm.

“Una forma de ser consecuente con lo que se siente”. Así describe Pablo Quercia lo que el arte significa en su vida. El lugar donde vive, la Patagonia, y su trabajo, guardan una estrecha relación. Absolutamente inmerso en la naturaleza y observador del entorno que cambia, el artista establece una crónica donde la obra se convierte en un relato del mundo, más allá de sus propios límites y del ser humano mismo, siendo el punto de partida de su quehacer creativo.

Desde pequeña sólo le interesaba dibujar. Muchas veces para poder entender algunas tareas escolares tenía, primero, que hacer dibujos para poder comprender lo que debía hacer. Su madre, Sylvia Munchmeyer, reconocida artista, siempre la incentivó a ser parte de este mundo que le apasionaba y la intrigaba. “En nuestra casa siempre estábamos diseñando algún espacio, creando algo nuevo, esculpiendo y cantando solos o en coros. Era un mundo de creación”, señala.

• Detalle de Niña Tehuelche II, 2012.

Estudió Diseño Gráfico, en la Universidad Católica de Valparaíso, donde aprendió lo que era la observación. También se vio marcada con las obras de Lucian Freud. “Me encontré emocionada hasta las lágrimas con su obra, eso me marcó y mucho. Me sentí involucrada en uno de sus retratos. La expresión en su trazo, la cercanía en su rictus me envolvió entera”, explica.

32 pe r f i l a r te

Así ha ido moviéndose en la pintura, en los retratos y los paisajes que tanto la inspiran. Su arte vive en una orilla al borde del abismo marino.

Ese borde que sólo es expresado en las olas cuando tratan de adentrarse a un territorio desconocido. Trata de captar en la figura humana su propia historia, muchas veces reflejada en sus expresiones, posiciones y delirios. Con un año repleto de actividades, su participación en la Segundo Bienal de Arte en Buenos Aires fue uno de los hechos más significativos, donde obtuvo el tercer lugar en el salón.

El próximo año seguirá trabajando junto a la Asociación de Mujeres artistas –Muart–, y continuará con exposiciones itinerantes como Heroicas, que ha viajado de norte a sur de Chile. Además abordará obras de formato pequeño como las que recientemente expuso en FILA/AC Feria Internacional Latino Americana de Arte Contemporáneo.

http://arteallimite.com/artistas/macarena-varela-munchmeyer

ximena gumucio Un mar agitado Por Natalia Vidal Toutin.

En alta mar, la brisa ondea las aguas calmas y las trenza en un fluir de corrientes que chocan y confluyen desatando el compás natural que acostumbran los océanos. Es este el escenario que da vida al trabajo pictórico de Ximena Gumucio (www.ximenagumucio.cl).

En un abrir y cerrar de ojos estás ahí, situado en una inmensidad sin costa ni orilla. El tiempo continúa y las cosas no cambian si no vira el timón con decisión y entereza. La vela no piensa en llegar a su puerto, está pendiente de la marea, de aquella libertad que se torna turbulenta y se apacigua con el correr de las horas. Sobre esa vela o viéndola desde cerca está Ximena, cuya atención se posa sobre la escena y la replica, colmada de afectos, sobre el lienzo. “En mis pinturas el espectador observa regatas, brisas, navegantes, veleros, mar, aire. Mucha fuerza, perseverancia, contención, espíritu, corrientes y caos”, detalla la artista sobre aquella imagen, que erige e inmortaliza, que de alguna forma refleja esas características tan arraigadas a la existencia y la vida.

Lo suyo es congelar momentos. Un viento bondadoso que intensifica los colores y los mezcla con excepcional magia.

• Sin Título, técnica mixta, 150 cm. de diámetro.

El oleaje que choca contra una barca y desencadena esos cruces voluptuosos y vehementes que a su vez, dan continuidad al viaje o la carrera. La agitación energiza el resultado en la pintura y potencia una imagen en la que la acción está presente sin necesidad de sus protagonistas. “He usado un lenguaje expresivo, con mucho color, manchas aguadas, transparencias, materia y gráfica”, culmina Ximena, mientras respira esa libertad, inmensidad y ritmo de un mar agitado.

http://arteallimite.com/artistas/ximena-gumucio

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Diógenes, 2012, acrílico sobre tela, 120 x 80 cm.

Andrés Billikopf

EL IMPULSO DE LA HONESTIDAD Con la intención aún intacta de darse a conocer en el circuito, Andrés Billikopf trabaja en una doble tarea: subsistir a través de encargos y potenciar su obra propia. Sin embargo, en ambos casos, el lema con el que va avanzando es igual: “Sé tú mismo”.

Por Fabio Neri San Román.

Imágenes cortesía del artista.

e

l impulso es la maquinaria de crear con la que funciona Andrés Billikopf. “Soy un artista de hacer más que pensar, soy muy impulsivo, y no soy capaz de hacer bocetos o ideas previas”, explica. Pocas veces lo hace; más bien se deja llevar por lo que le sugieren sus manos y el material que éstas van manipulando.

Es durante el proceso mismo cuando empieza a hacerse una idea de lo que está haciendo. “Pasado el tiempo voy entendiendo qué quiere decir la obra, y me doy cuenta lo expresiva que puede ser y lo mucho que da para pensar y reflexionar sobre nuestras propias vidas desde los ámbitos, aparentemente, más superficiales como los cánones de belleza de algo, hasta cuestiones más profundas y existenciales como el sentido de la vida”, agrega.

34 AR T I S TA E M E R G E N T E

Artista en múltiples soportes y materialidades, con el tiempo debió encauzar su trabajo. Pese a que en sus primeros años trabajó incluso haciendo land art, performances e instalaciones, tuvo que ir abandonándolos para centrarse en el dibujo, la pintura y la madera, material por el cual decidió estudiar artes visuales. “Si bien la decisión final de estudiar fue por mi interés en la talla en madera, luego de un tiempo de dedicarme sólo a la escultura siento la falta de llenar mis creaciones de color, es ahí que salto a la pintura, y cuando ésta me deja mareado de tantos colores, doy un vuelco a la gráfica”, explica Andrés. De hecho, particularmente en 2014, se ha dedicado casi por completo a la pintura. “Es por eso que siento desesperación por tomar una

Pájaros en el río, 2012, acrílico sobre tela, 120 x 80 cm.

gubia y un martillo y dejarme llevar por las formas que me ofrece la naturaleza a través de los troncos”, agrega.

Hace retratos, reproducciones y paisajes que luego vende, aunque para él lo más importantes es desarrollar sus propias creaciones, todo aquel producto que nace de su inconsciente y que plasma en la tela o en la madera. “Me siento muy identificado con el surrealismo –reconoce–, y con artistas como Matta, Picasso, Kandinsky, Miró y, por supuesto, la gran Pancha Núñez, de quien soy un gran admirador”. De modo que sus obras evitan tener un discurso cerrado, son un camino abierto hacia lo intangible; abren preguntas y cuestionamientos que permiten al espectador un juego abstracto entre su propia realidad y la realidad de la obra. “Para mí una obra de arte nunca debe dejar de decirte algo. Siempre va a realizar un diálogo con aquel que decida observarla más de tres segundos”, dice Andrés.

El método que sigue es pura disciplina. De hecho, asegura que pese a haber aprendido mucho durante su paso por la Universidad Católica y su diplomado de Dirección de Arte, lo mejor es hacer, hacer y hacer.

“Según escuché en algún lado, Pablo Neruda tenía un horario de trabajo bastante riguroso, lo que le permitía trabajar de forma constante.

Si uno no se toma en serio lo que hace, y considera que tiene que esperar que le llegue la inspiración, como un rayo divino, desde el cielo, su producción artística va a ser baja”. Para eso, lucha contra los factores que puedan frenar esta corriente de trabajo, como los bajones

de ánimo, las frustraciones o los estancamientos. Y lo hace a través de dos elementos: el primero, la música; y el segundo, utilizando casi como un mantra el consejo que le dio una vez Felipe Muhr, ilustrador y amigo suyo: “…debes ser sincero con lo que haces, no pretendas hacer cosas que no te representan, y cuando estés perdido, recuerda lo que te gustaba hacer en tu infancia…”. “Esto hizo darme cuenta que la única forma de ser realmente feliz con lo que hago es hacer lo que me gusta, cómo me gusta y no tratar de pensar qué le puede gustar a la gente, en qué colores y en qué formatos”, dice Andrés.

Su obra no ha permanecido escondida. De hecho, ha participado en exposiciones colectivas en la Casa Central de la Universidad Católica, en el Museo de Bellas Artes, en el Hostal del Cerro y un par más en circuitos no muy concurridos. También ha ganado concursos de arte visual y escultura, en empresas como Enersis y en la Facultad de Agronomía de la Católica. “Sin embargo aún no he logrado hacer una exposición individual y, de hecho, estoy trabajando paralelamente en varios proyectos, los cuales estoy postulando constantemente en distintas galerías de arte”, agrega.

Estos proyectos corresponden a una serie de dibujos en pequeño formato en blanco y negro, que es un reencuentro con sus primeros trabajos; una serie de cuadros al óleo de mediano formato donde continúa con su lenguaje inconsciente, pero desde un punto de vista del color y su psicología; y una serie de paisajes urbanos más realistas.

AR T I S TA E M E R G E N T E 35

gerardo mosquera

CHILE Y SUS MUJERES EN LA BIENAL DE VENECIA 2015 El curador cubano fue el encargado de comandar el jurado que seleccionó a las artistas que representarán a Chile en la Bienal de Venecia, el próximo año. En esta ocasión –y por primera vez– la comitiva irá a cargo de un equipo enteramente femenino: Nelly Richard, como curadora, Paz Errázuriz y Lotty Rosenfeld, como artistas. “Favoreció el hecho de que fueran mujeres”, cuenta Mosquera en esta entrevista exclusiva para Arte Al Límite.

Por Fabio Neri San Román.

Imágenes cortesía de Jorge Brantmayer, Galería AFA y MAC.

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erardo Mosquera tiene historia con Chile. En 2006 editó en nuestro país el libro Copiar el Edén, en el que hacía un lúcida crítica al estado actual del arte chileno y desplegaba una amplia lista de artistas nacionales, la mayoría jóvenes, cuyas potencialidades podían transformar el medio. En su prólogo, definía el arte chileno como endogámico, afincado entre sus cuatro paredes, desinteresado de abrirse al mundo, pero al mismo tiempo, con una proyección y calidad gigante. Mosquera, con una vasta trayectoria a cuestas –es crítico historiador del arte y escritor, fundador de la Bienal de La Habana y curador adjunto del New Museum of Contemporary Art de Nueva York hasta 2009, entre otras cosas– propuso la apertura de las barreras que contenían a Chile, y, sobre todo, la necesidad de darle una mayor visibilidad a su arte. El resultado fue precisamente ese. “Creo que el libro ayudó en esa dirección, porque el libro es ya un esfuerzo en esa vía”, señala Mosquera.

Esta fue una de las razones para que fuese designado, por el CNCA, como presidente del jurado que escogería al artista que comandaría el pabellón de Chile en la Bienal de Venecia 2015 –el cual fue reducido casi a la mitad de su tamaño con respecto al que tuvo Alfredo Jaar, en 2013. Aunque decir el artista no es correcto, ya que, por primera vez desde que Chile tiene pabellón en la Bienal, se eligió a un curador. En este caso fue la franco-chilena Nelly Richard, comisaria del proyecto Poéticas de la disidencia, realizado por las destacadas artistas nacionales Paz Errázuriz y Lotty Rosenfeld. Se trata de dos cubos, uno negro y uno blanco, desde el cual, respectivamente, Errázuriz y Rosenfeld expondrán fotografías y un multimedia. “La competencia fue realmente muy dura porque se presentaron, a pesar del poco tiempo que brindó la organización, un gran número de proyectos, muchos de ellos muy interesantes y muy competitivos”, explica Mosquera.

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¿Por qué fue elegido el proyecto de Nelly Richard, Poéticas de la disidencia?

Realmente había una buena cantidad de proyectos de muy buen nivel profesional. Al final la cuestión quedó entre dos o tres, y el ganador a mí me parece que tiene tres avales bien fuertes: uno, que es la presencia de Nelly Richard, una personalidad respetada y que es capaz de articular un proyecto muy bien; dos, la participación de artistas chilenas muy importantes como son Lotty y Paz; y tres, la solidez que este proyecto representaba, un proyecto más clásico, un proyecto que quizás no tomaba tantos riesgos ya que se trata de dos figuras consagradas, dos artistas que han realizado una órbita importante. El proyecto en términos curatoriales es bastante ortodoxo: si tú lo ves, se trata de un cubo blanco y un cubo negro juntos en el pequeño espacio del pabellón de Venecia, que en esta ocasión es menor que el que tuvo Alfredo Jaar en la bienal pasada. Es un proyecto muy estable y pienso que eso influyó en el jurado. ¿Qué conclusiones sacas de este nuevo proceso?

El proceso está muy bien. Creo que hay que perfeccionarlo en algunos aspectos, pero está muy bien porque se trata de una convocatoria abierta: los proyectos finalistas se presentan con la presencia de los propios curadores que hacen presentaciones orales frente al jurado. Por lo tanto me parece que se ha democratizado bastante le proceso de selección. El jurado tuvo algunos defectos este año en el sentido de que contaba con la presencia de dos galeristas que son personas muy respetables, pero que en un jurado implican un conflicto de interés. También me pareció que el jurado era demasiado institucional, quiero decir: había personas que estaban ahí no por ellas mismas sino por las instituciones que representaban. Eran personas más que

Los retratos de Paz Errázuriz, humanos y existenciales, se complementan con lo de Lotty Rosenfeld, políticos y cargados.

© Lotty Rosenfeld, Cárcel pública, 1985, Registro fotográfico de acción de arte, 37 x 27 cm. Colección Museo de Arte Contemporáneo (MAC), Universidad de Chile. Foto: Gentileza MAC.

respetables y calificadas, como [Francisco] Brugnoli, pero Brugnoli no fue como Brugnoli, fue por el museo [MAC]. Ahora, más allá de esto, es una manera de escoger el representante de Chile en Venecia muy democrática, y que se hace sin participación de políticos ni de burócratas. Otro problema que hubo fue el poco tiempo que tuvieron los postulantes para preparar su materiales.

Yo quedé impresionado con lo bien y lo profesional que lo hicieron en tan poco tiempo, y esto es algo que siempre he dicho: en Chile hay un nivel profesional muy alto, y esto le permite a la gente preparar una postulación bien hecha en poco tiempo.

ambiente más allá de Chile. Lotty es una artista eminentemente política, en cambio Paz va por otra línea, es una artista que toca temas más humanos, más existenciales por así decirlo.

¿Trabajos como el de Richard, Errázuriz y Rosenfeld siguen consolidando la imagen del arte latinoamericano como arte político?

A mí lo que me parece peligroso es crear un cliché del arte latinoamericano como político, pero esto no impide reconocer que mucho arte en América Latina ha sido político. Y me parece que es así en respuesta a la situación del continente con tanto conflicto, tantos problemas sociales, tantas desigualdades, entre otras cosas. Entonces eso ha inclinado al arte por una vena social y política, y afortunadamente, lo han hecho de un modo no panfletario, no literal, sino potenciando los mecanismos tropológicos propios del arte para abordar estos temas de una manera diferente, no como lo haría un discurso político, o propagandístico o sociológico. Entonces, no me parece un punto en contra que Lotty presente una obra sobre estos temas que, además, se inscriben en una cuestión global. Son cosas que están en el

¿Cuáles son tus expectativas de la recepción que tenga Poéticas de la disidencia, en Venecia?

Yo invité a Paz a Photo España, donde ella tuvo un gran impacto. Fue un descubrimiento y no cabe duda que tuvo impacto. Después, como resultado de eso, la invitaron a hacer una exposición en una galería en Madrid. Lotty, en cambio, ya ha tenido un poco más de presencia internacional. Estuvo en una Documenta, de hecho. Entonces, yo creo que si queda bien el multimedia que ella va a hacer, puede ser de mucho impacto. Si ella logra algo de gran calibre, no cabe duda que va a tener un impacto muy positivo. Y pienso que la obra de Paz va a resultar un descubrimiento para la gente y va a tener un impacto también. Yo estoy seguro de que Nelly podrá articularlo todo muy bien, si es que hay los recursos para hacer una presentación digna, aunque el pabellón sea pequeño.

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¿Ese balance entra ambas cosas condujo a la elección finalmente?

Sí. Y otra cosa que ayudó al proyecto, aunque te aclaro muy bien que no fue elegido por esto, pero sí le favoreció, fue el hecho de que fueran mujeres. Hasta ahora no había presencia de mujeres en las representaciones chilenas en Venecia, de modo que eso jugó un tanto a favor.

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