Periódico Arte al Limite by Arte al Límite

distribución

SANTIAGO DE CHILE, JUlio

gratuita

2012 artes visuales Nº 83

• INTI, 2012, Valparaíso, Chile.

Arte Urbano

En esta edición inauguramos una serie de reportajes dedicados al arte urbano chileno en todas sus expresiones. Arte al Límite conversó con destacados representantes del grafiti y de vanguardistas tendencias que cubren con color la ciudad.

Coleccionismo

Roser bru

El coleccionismo de arte posee diversos matices relacionados con la impronta de los coleccionistas. Hablamos con el curador de la Colección Cisneros y con Edward Shaw.

Visitamos el taller de la destacada artista chilena, quien presenta su muestra retrospectiva en el Museo de Artes Visuales de Santiago, Mavi: "Vivir en Obra", hasta mediados de julio. .

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EQUIPO

Ana María Matthei directora / Ricardo Duch director / Cristóbal Duch asesor comercial / Catalina Papic directora de arte / Camila Duch proyectos culturales / Juan Jose Santos editor internacional / Antonella Galarce editora nacional Consuelo Pivcevic diseñadora gráfica / Paulina Loyola diseñadora / Alejandra Torres periodista / Francisca Medina historiadora de arte / Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos / Ennio Bucci crítico / Enrique Solanich crítico Pedro Labowitz crítico / Ignacio del Solar asesor / Carla Vásquez licenciada en estética / Pierina Cavallo periodista Valentina Acuña periodista / Rocío Munizafa periodista / Denise Madrid periodista / Diego Alfaro licenciatura en letras

EDITORIAL Arte inmune a la crisis

urante el pasado mes de junio se realizó en Suiza ArtBasel, una de las ferias de arte más prestigiosa del mundo. La edición de este año, la número 43, batió todos los récords: a ella asistieron 65 mil personas, se presentaron las obras de 2.500 artistas y participaron en el evento más de 300 galerías, provenientes de 36 países. La feria sin duda, causa expectación entre la acaudalada concurrencia, ya que el arte es actualmente -como el franco suizo o el oro- el valor refugio que buscan los inversores para guardar su dinero. Muchos especialistas constatan que mientras más profunda es la crisis económica, más alto suben las cotizaciones, de las piezas de arte, generando a su vez elevadas marcas en los precios de venta y una avalancha de coleccionistas que ha crecido exponencialmente en los últimos 10 años. Como muestra, un par de ejemplos: durante la feria, la galería Malborough, con base en Londres, solicitó la estratosférica cifra de 78 millones de dólares (unos 39 mil millones de pesos) por la obra "Untitled, 1954" de Mark Rothko. Cabe recordar que la obra “Orange, Red, Yellow” del mismo artista se vendió en mayo por 87 millones de dólares, en una subasta de arte de posguerra organizada por Christie's. En tanto, el cuadro abstracto de Gerhard Richter, “A.B.Courbet” fue adquirido en Basel por un coleccionista particular por la cifra de 25 millones de dólares. En 2013, Art Basel apostará por el floreciente mercado de arte oriental, inaugurando una nueva edición de la feria en Hong Kong con la participación de más de 250 galerías, la mitad de ellas radicadas en las regiones de Asia y Asia-Pacífico.

Situándose en una esfera distinta de la relación crisis económica-arte, el diseñador chileno avecindado en Nueva York, Sebastián Errázuriz, creó recientemente un proyecto de arte para la galería Cristina Grajales donde invitó al 1% de la población a llevarse las quejas del 99% restante a su casa. Literalmente. En la feria Design Miami/Basel, el autor expuso una serie de sillas plegables que se transforman en carteles, a los que traspasó las consignas reales del movimiento Occupy Wall Street, que durante el pasado año se tomó la plaza Zuccotti en Nueva York para denunciar las evasiones fiscales del 1% más rico de la población y la especulación financiera de los bancos. Aunque muchos podrían pensar que los acaudalados amantes del arte que asistieron a la feria Miami Basel no se interesarían por tales obras, dada su rareza y lemas explícitos como “¿Hambriento? Cómete un banquero” o “Tengo tanta hambre que hice un cartel”, 16 de estas piezas se vendieron solamente en una semana en la feria (que se realizó en Basel, Suiza, entre el 12 y el 17 de junio) a 3.500 dólares cada una. Probablemente los vanguardistas compradores no son banqueros sino simpatizantes del movimiento, pero aún así sorprende la popularidad que alcanzaron las obras entre un público adinerado. En la presente edición, les presentamos entrevistas con dos representantes de una forma distinta de hacer coleccionismo privado. Hablamos con Edward Shaw, quien entrega a nuestros lectores ciertos tips para hacerse de una buena colección de arte sin necesidad de gastar millones en el intento. También conversamos con Gabriel Pérez-Barreiro, curador en jefe de la Colección Cisneros, dedicada a la divulgación del arte latinoamericano, a la educación e investigación.

SUMARIO 06 .Arte Urbano 22

. Agenda

12 .Roser Bru

Santiago

37 .En el taller: Cristián Velasco

12 .Raquel Yuhaniak

. Agenda

40 .Críticas

Regiones

15 .María Eugenia Akel 26

. Agenda

43 .Reseña de libros de arte

Web

16 .Perfil Arte

. Coleccionismo

44 .Barriovisión Barrio Italia

37.CristiÁn Velasco 26

Entrevista con Cristián Velasco para nueva sección "En el taller".

12.Roser Bru

"Vivir en obra" es un buen título para la muestra de Bru, que permanecerá abierta en el MAVI hasta el 15 de Julio.

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F., VENTAS info@arteallimite.com, ventas@arteallimite.com, SUSCRIPCIÓN: marketing@arteallimite.com, FONO-FAX 955 32 61, WEB www.arteallimite.com, Facebook facebook.com/arteallimite, twitter @ARTE_AL_LIMITE ,PORTADA Edición Nº 83 /INTI, 2012, Valparaíso, Chile., IMPRENTA R.R. Donnelley, Santiago, Chile. Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

1. a v i s o

entel

reportaje

arte urbano Por Antonella Galarce, periodista Fotos cortesía de Inti, Alme y Lana Attack.

a historia contemporánea del arte urbano se remonta a la década de los ‘60 en EEUU, cuando un grupo creciente de creadores anónimos comienza a firmar los edificios con sus “tags” (el equivalente en castellano a “etiqueta” o “chapa”). A partir de 1970, el grafiti se populariza de mano de la cultura “hip-hop” y a mediados de los ’90, el término arte urbano (“street art”) o “post grafiti” se difunde para caracterizar otras intervenciones callejeras derivadas del grafiti, como el esténcil. En Chile, la influencia del muralismo y del arte latinoamericano en el grafiti es manifiesta, pese a que ambas técnicas poseen características únicas y bien definidas. Según Victoria Jiménez, licenciada y magíster en arte, “tanto las brigadas muralistas como el grafiti, tienen en común el empleo del espacio urbano como soporte de trabajos pictóricos únicos y casi siempre anónimos, pero que se dirigen a públicos bastante

Con spray, esténcil, rodillo, calcomanías, tiza, proyecciones multimedia e incluso lana, los artistas urbanos continúan tomándose las calles, adoptando la anónima misión de sorprender y hacer reflexionar a los transeúntes. Arte al Límite presenta a sus lectores una serie de artículos dedicados a esta disciplina artística, que en Chile tiene a algunos de sus más destacados representantes. distintos. Muralistas como la Brigada Ramona Parra tienen el objetivo de dar a conocer ideas o ´educar´ a través de la visualidad, mientras que en el caso del grafiti, prima más la espontaneidad y el atractivo visual por sobre ‘el mensaje’. En la actualidad, grafiti, esténcil y murales son consideradas obras de arte, por lo que muchos de estos artistas urbanos están trasladando sus pinturas a los muros de las galerías en un proceso natural. Paralelamente, los grandes fabricantes de ropa o tecnología se han apropiado de la “estética urbana”. “Las marcas han sabido legitimar, dar visibilidad pública y aprobación social a una forma de pintura que hace algunas décadas atrás conformaba parte de lo despreciado, de lo marginal, de lo asociado con la prohibición de rayar paredes (so pena demostrar ´incultura´ y pagar alrededor de tres Unidades Tributarias Mensuales)”, comenta Jiménez.

la Inspiración latinoamericana de Inti Castro Desde Francia, Inti Castro recuerda que su relación con el mundo del grafiti comenzó como “un juego”. Oriundo de Valparaíso, en 1995 el artista se sintió atraído por la estética alocada de la disciplina y comenzó a idear sus característicos personajes, sincretismo de diversos íconos tradicionales latinoamericanos. “Una vez que haces del espacio publico tu soporte, las motivaciones y aspiraciones cambian continuamente. Así como pude comenzar motivado por el placer egocéntrico de ver mi nombre en todos lados, hoy en día el deseo es transmitir mi admiración hacia las culturas originarias latinoamericanas y como ellas me han construido como persona”, explica el artista. Inti toma elementos de personajes como el Kusillo, especie de payaso altiplánico que crea sus trajes utilizando telas recicladas y del Ekeko, dios de la abundancia, que carga sobre él alimentos y objetos de primera necesidad. “Me he permitido vestir al personaje de acuerdo a mi pobreza creativa y colocar sobre el todo aquello que deseo no falte nunca en mí, ni en mi gran patria”, señala el artista.

Para Inti, los “trazos gruesos, personajes expresivos, colores fuertes y contenido social, podrían definir las obras de algunos grandes exponentes actuales, las aspiraciones de las nuevas generaciones y quizás el futuro del grafiti chileno/latinoamericano”.

Inti toma elementos de personajes latinoamericanos como el Kusillo y el Ekeko En Chile, el artista define ciertos factores distintivos del grafiti como “la muy apreciada utilización de los rodillos para la pintura látex, un desarrollo de trabajos ilustrativos, la influencia de las brigadas muralistas de los ‘70 y una buena aceptación por parte de la población”, lo que conduce a un muralismo grafitero conectado con la realidad local. En la actualidad, Inti se encuentra participando en festivales europeos de grafiti y espera volver al hemisferio sur para continuar con su trabajo en Latinoamérica.

reportaje arte urbano

â&#x20AC;˘ INTI, "OpenSummerJam", 2012, Toulouse, Francia.

reportaje arte urbano

• Alme, "Desprendimiento de uno", serie Aprenda a volar, 2010, técnica mixta (esmalte en aerosol y óleo), 1 x 1 m. Fotografía de Patricia Correa Cofré.

La ciudad cobra vida con Alme Yutronic Hace unos 15 años, en Santiago, todo lo relacionado con el grafiti se discutía animadamente detrás de la Estación Mapocho. Escritores de grafitis, MC’s, pintores, cultores del break-dance intercambiaban válvulas de spray, revistas y videos. Internet era por ese entonces una herramienta que muy pocos dominaban y “el grafiti era cien por ciento calle”, recuerda el artista José Yutronic (Alme), que con sólo 15 años recorría la capital de un extremo a otro fotografiando murales. Luego de que su colegio se convirtiera en un virtual epicentro del grafiti, decidió cambiar la cámara por el rodillo y el spray, aventura que lo ha llevado a exponer sus obras en calles y galerías de todo el mundo. El objetivo de Alme es “tratar de distraer a la gente de su cotidiano, sorprenderlas y entregarles la emoción que puede generar algo que apareció pintado hoy y que ayer no estaba. De alguna forma le dices: ‘hombre…mujer… estás viva, hay otros como tú que crean cuando no los ves ¡la ciudad tiene vida!’”. Para el artista, su consolidación en los circuitos de arte internacionales se fue dando como un proceso natural, sin forcejeos, concentrándose únicamente en el proceso creativo. Partió exponiendo como universitario en la Galería Matthei para luego participar en muestras colectivas y encuentros de

grafiteros en Francia. Además, realizó unas piezas en vivo en la Galería Montana de Sevilla. Después de esto, es seleccionado por NordArt Alemania junto con la artista nacional Bruna Truffa para exponer y asistir a un simposio de un mes. “Fue una experiencia fuertísima, donde compartí y aprendí de un sinfín de pintores, escultores, videoartistas, rusos, chinos, holandeses, peruanos”, cuenta. Para Alme, el grafiti latinoamericano posee características distintivas en lo que respecta a su proceso de gestación; “el grafiti en Latinoamérica se inició a punta de rodillo, pintura en tarro y latas de spray con válvulas hechizas. Nosotros nos formamos de otra manera a como se formó el grafiti en Europa o EEUU, al no tener acceso a la información debíamos improvisar, crear o suponer como se hacían las cosas. Eso provocó que la estética fuera distinta, menos plástica y más orgánica, más suelta, particular y luego personal”. El artista publicó en 2004 “El libro del Grafiti” y en 2011, “Marchas: miradas de un movimiento ciudadano” y planea editar nuevas publicaciones, además de buscar una galería para exponer la totalidad de su trabajo en 2013; “de forma paralela, estoy con la cabeza en los muros de mi ciudad y pintando acuarelas, acrílicos y óleos”.

reportaje arte urbano

• Alme, "Señora yo creo en lo que haces", 2009-10, grafiti en muro, 1.8 x 3.6 m, Cerro Alegre, Valparaíso, Chile.

reportaje arte urba no

• Lana Attack,2012, crochet y palillos, fotografía por David López.

El bombardeo de color de Lana attack El “Yarn Bombing” (literalmente “bombardeo de hilo”), es una técnica de arte urbano que consiste en intervenir los a menudo fríos y grises espacios urbanos con tejidos de colores. La idea es apropiarse de objetos callejeros como árboles, paraderos y bancos de plazas.

Lana Attack y Yarn Bombing Chile preparan un “bombardeo” para el 7 de julio en la Casona Santa Rosa de Apoquindo

Uno de los precursores de esta forma de grafiti es Lana Attack, grupo que nace de un proyecto universitario y que ha realizado una serie de intervenciones en Santiago. “Que

sean tejidos es por la búsqueda de algo nuevo, colorido y con mayor permanencia, además de darle una ‘vuelta de tuerca’ a lo que es tejer, darle un sentido artístico a la lana”, señala Claudia Araya, integrante del grupo que también ha participado en intervenciones urbanas de la agrupación Yarn Bombing Chile. Ambos grupos preparan un “bombardeo” para el 7 de julio en la Casona Santa Rosa de Apoquindo, donde planean vestir de color la locomotora y los árboles emplazados en el espacio. “Lo primero es tomar las medidas del lugar a intervenir, se tejen las piezas y el día de la instalación, éstas se unen y se cosen en los sectores escogidos. La idea es dejarlos ahí el mayor tiempo posible”, explica Claudia, agregando pueden incluso durar tres semanas antes de que los retiren del lugar.

reportaje arte urbano

• Lana Attack,2012, crochet y palillos, fotografía por David López.

Si quieres mostrarnos tu intervención callejera, te invitamos a ser parte de nuestro facebook/arteallimite.com

entrevista

Imaginación, sueños y técnica

raquel yuhaniak Raquel Yuhaniak, arquitecta de profesión y artista por pasión, lleva más de dos décadas en el arte textil. Sus estudios y todas sus vivencias han sido parte fundamental de su crecimiento como creadora, “mi manera de ver el mundo es la de una arquitecta. Todo lo que hacemos es parte de nosotros y nos va formando”, dice. Por Valentina Acuña, periodista Fotografía cortesia del artista.

os pasos dentro de su casa y ya se puede observar una de sus obras. Un telar de cobre suspendido en la pared del pasillo. Más adelante, cada habitación es adornada por diversos montajes que van contando una historia. Su camino ha ido variando entre telas, lino, papel y actualmente trabaja el cobre. A pesar de ser un material difícil de manipular, se esfuerza y logra transformar una lámina o un alambre en un árbol o un paisaje. Sus obras representan “la suma de la imaginación, el sueño y la percepción, con el trabajo arduo”.

"Su camino ha ido variando entre telas, lino, papel y actualmente trabaja el cobre" El arte textil, de acuerdo a la definición de la artista, tiene un lenguaje especial y se debe salir de la idea de que este oficio es algo autóctono, trasladándolo a la modernidad. La técnica del tejido es milenaria y ha sido adoptada por la artista para concretar obras únicas en el diseño del hoy; “es bello ver plasmado lo que tienes en mente y mientras más haces más te conoces”. Las obras de Yuhaniak han recorrido el mundo, exponiéndose en diversas muestras y galerías. Estar en presentaciones, según señala, da vigencia, no obstante considera que en Chile los espacios aún son limitados; “siempre es importante reunirse con otros artistas para ver sus lenguajes y motivaciones. Esa retroalimentación te hace crecer, sacar más ideas. En Chile recién comienza a funcionar la Asociación Textil. Van a haber más espacios en la medida en que se organicen. De a poco va a avanzando el arte textil”. “Una obra guardada no existe”, afirma, indicando que su mayor reconocimiento es la venta de una pieza, sabiendo que el nuevo dueño se comprometerá con la obra.

• "Fusión", tejido telar de clavos, hilo de lino , hilo de CU, lámina CU, piezas de gress, 42 por 62, por 15 cm. Sobremesa.

Entrevista

Roser Bru Vida y Obra

Por Francisca Medina, historiadora del arte Fotografía cortesía de la artista.

Vivir en obra, mira qué bonito” dice Roser Bru. "Pero si es el nombre de su última exposición” dice la señora que la acompaña.

Desde mayo se exhibe en el Museo de Artes Visuales (MAVI) una muestra de la artista. Se trata de una retrospectiva que da cuenta de su trayectoria, de su infancia, de los desaparecidos, de citas a personajes emblemáticos de la historia y de los diferentes arquetipos de la mujer, incluyendo sus trabajos más actuales.

Impartió clases de dibujo y pintura en la Escuela de Artes de la Universidad Católica, siendo miembro fundadora de ese instituto. La obra de Roser Bru se caracteriza por ese gesto pictórico amenazador no verbal, que es polémico pero silencioso, lleno de señales: líneas que irrumpen la tela señalando conexiones dolorosas, dirigiendo nuestra mirada, que cancela, que tacha: “La cruz es siempre una negación, si ves una cruz es como si lo estuvieras borrando…Hago muchas señales por donde hay que mirar las cosas”, nos cuenta la artista. Con ellas aparecen las diversas lecturas, las repeticiones, los enigmas y el dolor. “Las Modulaciones del Dolor ha sido un tema fundamental que recorre la obra de Roser Bru” escribe Adriana Valdés en uno de sus textos, sobre esos dolores profundos atemporales. “Está siempre la muerte en mi obra, es lo que llaman el dolor, está la muerte siempre presente y después están todos los desaparecidos. Porque con el General Pinochet, estábamos otra vez prisioneros de todo esto, fíjate estaban todos los desaparecidos. Yo trabajé mucho sobre ellos”, señala Bru.

A sus 89 años Roser sigue pintando como en los primeros días; “pinto cosas que se me ocurren” dice, mientras nos abre las puertas de su casa, de su taller, de su obra, de ese trabajo constante, donde prima el contenido y una inagotable búsqueda. En cada rincón hay una lectura, algo que mirar, que comentar; pinturas de la hormiguita, de Pablo Burchard, fotografías, recortes de diarios, retratos, pinturas de granadas, de ojos, pinturas en proceso… Una infinitud de obras y objetos, "Vivir en obra" es un buen título Durante la década de los ‘80 la develando el compromiso artista lleva a cabo sus obras más profundo con sus raíces, con para la muestra de Bru, que políticas tomando como base sus dos tierras, con el ser permanecerá abierta en el MAVI fotografías, documentos, escritos humano y sus dolores. Uno y fotocopias de desaparecidos. quisiera quedarse siempre hasta mediados de Julio Nunca deja de ser figurativa a ahí, escuchando ese acento pesar de la experiencia de sus catalán que todavía conserva, con un humor que enternece y una sencillez acogedora. coetáneos como el pintor José Balmes; “yo parto de la mujer, de mí misma, por eso lo figurativo”.Pero es una figuración Desde niña estuvo interesada en el arte, no dudaba en ir a problematizada, evocando imágenes visuales de la historia, escuchar a Federico García Lorca cuando visitaba Barcelona. citas de textos, arquetipos femeninos, muchos provenientes del Su escuela Montessori le dio bastante libertad; “yo iba a una pasado, pero suspendidos en el tiempo, casi fantasmales. escuela bien abierta, mixta, no había exámenes ni nada, cada Así el retrato es uno de los géneros emblemáticos de su obra, uno se expresaba. Unos hacían teatro, otros eran músicos. El que ella misma denomina “Los destinados”: “los retratos profesor de música me dijo: ‘diles a tus padres que te compren son personajes, no son de cualquiera, está Kafka, Wolf, un violín’, ‘un violín’ pensé yo (risas) ‘no me gusta nada’….Ya Frida Kahlo. Son personas destinadas, pero ellas mismas dibujaba en ese entonces, hice incluso una pequeña exposición”. se destinan. Unos están destinados porque no les permiten Con apenas 16 años viaja a Chile, en el barco Winnipeg. hacer lo que quieren hacer y los otros por una misión. A mí Llega como refugiada con toda su familia, producto de la me gusta mucho Rimbaud, los retratos de Rimbaud”, explica. guerra civil española; “había niños, grandes, viejos, gente de los campos de concentración, venía con toda mi familia La mujer y sus arquetipos es otro tema recurrente, reconocidas y una hermana que murió, Montserrat, fuimos muchos los iconografías que se repiten, como la pirámide, el triángulo, la que salimos”. Esta experiencia marca su vida y también sandía: “Siempre me dicen ‘usted es la que pinta la sandía’ su obra, experiencia que repite años más tarde en Chile. y yo digo pero mira, es que la sandía que yo pinto es sólo un pedazo, es en realidad un triángulo, la fertilidad. Hace miles La artista estudia en la escuela de Bellas Artes de la Universidad de años, ese triángulo, a veces no tenía ni cabeza. El triángulo de Chile, allí recibe clases de pintura y acuarela con Pablo modificaba todo. Uno va pensando y ve que esto funciona Burchard. A partir de 1957 participa en el renombrado grupo así, la mitad de una sandía se convierte en triángulo. Hago de grabado,”Taller 99”, fundado por Nemesio Antúnez. muchas señales que muestro por donde hay que mirar”, dice.

Entrevista Roser bru

â&#x20AC;˘ "Rimbaud", 2008, acrĂlico sobre tela, 41,5x52cm.

entrevista

• "Viajeros del infinito", 2012, arte digital y técnica mixta sobre tela, 60 x 130 cm.

Ensoñación digital

maría eugenia akel La destacada artista visual, arquitecta y profesora de arte María Eugenia Akel, lleva la creación en la sangre. Su trabajo, mezcla ensoñadora de pintura y arte digital, ha propiciado su consagración en el extranjero. Por Valentina Acuña, periodista Fotografía cortesía de la artista.

Toda mi vida ha girado en torno a las diferentes manifestaciones del arte”, relata Akel, quien tras estudiar y ejercer como arquitecta se dedica paralelamente a la fotografía y la pintura. En 2008 descubre el arte digital cuando asiste al taller de crítica de obra del destacado artista visual chileno Eugenio Dittborn; “siempre me ha gustado la gráfica y con estas herramientas digitales las posibilidades son infinitas”.

Sobre esta experiencia señala: “se ha transformado para mí en la forma de vida que siempre quise tener, agradezco a la vida por darme esta posibilidad”.

Con amplia trayectoria, la artista ha exhibido sus obras en diversas galerías nacionales y extranjeras como Agora Gallery de Nueva York, ArtistsHaven Gallery en Fort Lauderdale, Absolute Arts, ArtNow on line y Sala 01, entre otras. Además, su De hecho, el proceso trabajo ha formado parte creativo de Akel tiene varias de diversas publicaciones "Su trabajo visual transporta al capas, como sus obras. Su en importantes libros de espectador a mundos paralelos trabajo visual transporta arte en Estados Unidos, al espectador a mundos Inglaterra y Argentina. En sobrepuestos" paralelos sobrepuestos, 2009, obtuvo el 4º Premio “como si se estuviera en fotografía en la Bienal retratando la mente humana en un momento determinado”, de Florencia; “se me han abierto muchos caminos dice. Su técnica consiste en mezclar pintura y fotografía; internacionalmente, lo que no puedo decir de mi propio país”. “estas imágenes trabajadas digitalmente, son impresas sobre tela en bastidor, e intervenidas con acrílicos, óleos, Para septiembre prepara una muestra en Nueva pastas y barnices para darle el efecto de obra viva”. York, en la Agora Gallery, mientras que en octubre expondrá junto a 8 de sus alumnas en la Artist De forma simultánea a la creación, Akel realiza Haven Gallery de Miami. Asimismo prepara una investigación en un taller con un grupo de alumnas. muestra en la Marziart de Hamburgo para noviembre.

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PERFIL/ARTE: Berta Iñiguez I Claudia Canobra

Berta Iñiguez

El hombre enfrentado al mundo Por Pierina Cavallo, periodista.

La pintora y diseñadora concibe el arte como su trabajo; “es lo que estructura mi día, y lo que me identifica como persona”, señala. En una búsqueda constante de su identidad creadora, Berta

• "Atardecer", acrílico sobre tela, 100 x 200 cm.

Iñiguez aborda el paisaje interior y exterior del ser humano, “el hombre enfrentado al mundo”, detalla. Es por eso que plasma sobre telas “espacios naturales que lleven al espectador a un encuentro con la naturaleza y con ellos mismos”. “Me interesa la observación de la naturaleza. Frente a su magnitud, su misterio y su belleza, nos damos cuenta de lo insignificantes que somos, y de nuestra soledad. Esta soledad no significa estar aislados, la soledad de la existencia humana consiste en un sentirse solo, y por eso mismo, enfrentarse y encontrarse con el resto del universo entero. Esta soledad es enriquecedora”, explica. La artista emplea pigmentos con acrílico y toner en su técnica, lo que le permite acortar por una parte los tiempos de trabajo y plasmar otros elementos sobre las telas, como mapas o poesía, iconografías con las que se siente identificada; “también he pintado sobre madera y me encanta. Mi proceso creativo no es de mucha planificación, más bien es de prueba y error”. Pese a esa libertad en la generación de sus obras, Iñiguez es una artista disciplinada que encuentra en su taller la calma y soledad que le permite hacer y deshacer una obra; “actualmente estoy trabajando con piedra pómez de la erupción del volcán Caulle. Estoy en un momento de mucha libertad y experimentación”. w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / f i c h a - a r t i s t a / b e r t a - i n i g u e z

Claudia canobra

Arte que vuela al mundo desde el sur Por Rocío Munizaga, periodista y actriz.

La n e c e s i d a d d e e x p r e s a r s e , d e c o m p o n e r y plasmar imágenes, colores y situaciones siempre estuvo presente en la vida de la artista Claudia Canobra, quien primero ejerció como arquitecta. En 1998 se traslada a Concepción y toma sus primeras clases de grabado, enamorándose de la técnica; “con el grabado nunca terminas de aprender y experimentar”. En Concepción integra el colectivo “In Situ”, y desde ese espacio sus cuadros hoy viajan dentro y fuera de Chile; “sin darme cuenta me estoy dedicando al arte de forma exclusiva, que es lo que llena mi alma”. En la búsqueda de un lenguaje propio, Claudia trabaja con pintura y serigrafía a la vez. Sobre todo se inspira en las formas de la naturaleza y el paisaje del sur que le es cotidiano: ramas, pájaros y hojas. Con ellos busca un diálogo, un contraste con los volúmenes, líneas y formas arquitectónicas que predominan en la ciudad. En el proceso creativo se toma bastante libertad para llegar a un resultado final; “a veces hay que escuchar lo que la tela quiere ser, dejarse llevar por sorpresas que da”. En noviembre de 2011 expuso en Nueva York en una muestra

• NY1, 2011, técnica mixta, 80 x 100 cm.

colectiva de la “Jadite Galleries”. En junio exhibió obras en técnica mixta y grabados en la Corporación Cultural Alianza Francesa de Osorno, y en octubre próximo expondrá en Concepción con el colectivo de arte “In Situ”. En Santiago sus grabados pueden adquirirse en la Galería Blanc. w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / f i c h a - a r t i s t a / c l a u d i a - c a n o b r a w w w. c l a u d i a c a n o b r a . c l

PERFIL/ARTE: Veronica uribe I Francisca Montero

Veronica uribe La búsqueda de la armonía Por Rocío Munizaga, periodista y actriz.

Verónica Uribe es una artista intuitiva, creadora de íntimas atmósferas abstractas que invitan a la evocación de las formas de la naturaleza. A menudo emplea paletas de colores sutiles y envolventes. Como muchos artistas, Verónica primero se formó en otra carrera profesional antes de dedicarse al arte. Mucho antes de titularse de Ingeniero Comercial en la Usach, tomó clases de arte en el colegio y en la universidad; “en cualquier taller que se daba ahí estaba yo. Está claro que me equivoqué de carrera”. En la actualidad la pintura llena su vida por completo, tiene la convicción de que pintar le entrega “mucha paz porque es una expresión de mi interior, de mis alegrías y penas. Mi pintura expresa mis emociones”. La artista recuerda que en una época muy intensa de su vida en lo emocional usaba tonos tierra en sus cuadros “quizás buscando una armonía dentro de todo lo que estaba viviendo”. Primero empezó a pintar cerámicas en el taller de una tía. Casi enseguida le gustó el estilo contemporáneo no figurativo. Y mientras tomaba otro curso más avanzado, Uribe descubrió la pintura y no la abandonó más. Desde hace 5 años, la artista toma clases de pintura y técnica abstracta con Francisco Villalón, a quien agradece el encontrar su propio estilo y lenguaje. A la artista le gustan más los grandes formatos, el acrílico “porque es más rápido” y que sus cuadros expresen cosas distintas cada vez para el espectador. En una primera exposición Verónica organizó una muestra en su propia casa, “a la que llegó harta gente y gustó mucho”. Para este año espera exhibir nuevamente su trabajo en una exposición colectiva con sus compañeras de taller. w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / f i c h a - a r t i s t a / v e r o n i c a - u r i b e

• "Espacio Azul", 2011, acrílico, 140 x 70 cm.

• "Detén la batalla", 2012, técnica mixta, 8 x 50 x 11 cm.

Francisca Montero INQUIETUD EXPERIMENTAL Por Denise Madrid, periodista

La artista Francisca Montero estuvo vinculada con la observación de la naturaleza desde su primera infancia, recuerda que su padre le inculcó la costumbre de contemplar minuciosamente los detalles de su entorno. Arquitecta de profesión, Montero estudió arte en los talleres de Eugenio Dittborn. En su obra confluyen una serie de técnicas, soportes, colores y texturas, que la conducen por un camino desconocido y fascinante. Admite que en este proceso sólo sigue su olfato y sus ganas; “la relación de los materiales, los cromas, objetos y técnicas, se sincronizan en algo donde no adivino el resultado”. Trabaja la superposición de elementos a través del acrílico, la transferencia y el papel couché. Son retazos de los temas más variados, desde la naturaleza hasta la vida urbana, la sociedad y el color. En su proceso creativo toma una idea inicial para empezar a trabajarla en aislamiento total; “necesito por lo menos cuatro horas libres completamente en silencio”. Y en esta instancia da rienda suelta a la experimentación; “pinto, pego, corto, doy vuelta, rompo, vuelvo a romper, vuelvo a pintar, a una velocidad constante, tomando decisiones muy rápidas”. Con residencias temporales en México D.F. y Barcelona, Montero vive actualmente en Santiago y trabaja en un proyecto con escenografías que se despliegan en distintos planos de profundidad; “ocupo todos mis juguetes, papeles, géneros, cartones, maderas y piezas de diversos materiales, que encuentro, compro o tengo guardados”. w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / a r t i s t a s

PERFIL/ARTE: Andrea ringeling I cynthia marinkovic

Andrea Ringeling Evocación de lo ancestral Por Pierina Cavallo, periodista.

La fuerte atracción que provocan en la artista los colores y texturas de la artesanía la conducen a plasmar telares, grietas y paisajes de sustrato rústico en óleo sobre grandes formatos. Andrea Ringeling inició sus estudios de pintura a muy

• "Añoranza", técnica mixta, 1.50 x 1.40 m.

temprana edad teniendo la oportunidad de asistir a talleres en varias ciudades de Chile. Dentro de éstos el de Ximena Lira, nieta y discípula del maestro Miguel Venegas Cifuentes. Si bien en los primeros años cultivó una pintura figurativa en la que las formas cobraron gran importancia, con el tiempo y luego de una profunda evolución creativa, la obra de esta artista visual cobra relevancia principalmente a través de luminosos colores, texturas y materiales plasmados en cada una de sus creaciones que para ella representan un lenguaje de autonomía propia, con multiplicidad de significados. “En todos los lugares a los que he ido, las artesanías originarias me inspiran. Cuando estuve en el Museo del el Cairo me puse a llorar. Los jeroglíficos, la pintura, los sarcófagos me inspiraron, porque me dejaron impactada”. Su técnica más empleada se traduce en diferentes telas a las que con gran maestría incorpora novedosos elementos naturales como varas de madera envueltos en sisal y cordeles de diferentes colores. Su mundo pictórico nos habla del silencio existente en los espacios y lo lleva a la tela por medio de aquellos colores tierra y diversas texturas que evocan antiguas civilizaciones indígenas que nos conectan directamente con nuestra esencia. Asimismo, ella utiliza como recurso metafórico los colores como el rojo, punto de atracción; el azul como la pausa, el respiro y el café como el paso del tiempo y lo ancestral. w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / f i c h a - a r t i s t a / a n d r e a r i n g e l i n g

Cynthia Marinkovic (Killy Lilly) Universos oscuros e inocentes Por Antonella Galarce, periodista.

A los tres años, Cynthia Marinkovic observó cómo en una muralla del patio su padre dibujaba con aerógrafo un caballo de un solo trazo; “lo que vi fue magia y en ese momento sentí que yo quería ser como él, como mi padre”. Nacida en una familia de artistas y músicos (su padre ilustraba para “El Peneca” ya a los 11 años), Killy Lilly vive y respira creación. Su día comienza con danza, sigue con pintura y termina con música. “El arte es la manera en la que transito por la existencia y a la vez es mi profesión. No estoy en el arte medio tiempo, sino tiempo completo día y noche, sin descanso ni vacaciones”. Durante su adolescencia, Marinkovic se acerca al underground que emerge a fines de los ’80, de la mano de espacios como el Garaje Matucana, la Estación Mapocho y la Enart; “en ese entonces era parte de nuestra identidad de tribu tomarse casas abandonadas para hacer conciertos improvisados”. Llevando adelante la máxima punk de “Hazlo tú mismo”, este joven grupo de creadores no buscaba espacios, los generaba por su cuenta. Obteniendo varios premios Fondart – que le permitieron desarrollar muestras de gran envergadura en Chile y el extranjero- la

• "Enlightenment" , 80 x 60 cm.

artista interviene casas abandonadas y espacios urbanos en ruinas para montar instalaciones multimedia. Paralelamente forma su banda Justine, pionera en la música dark chilena. “Busco crear universos oscuros e irónicos, perversos, eclécticos, y a la vez inocentes, donde íconos y dogmas se ‘vacíen’ de significado y ya sólo sean estética”, señala sobre su obra plasmada en Lotus Eaters 2 “La Muerte de Killy lilly”, segunda parte de un tríptico del denominado Lotus Eaters que actualmente se presenta en el MAC Parque Forestal y que puede visitarse hasta el 12 de agosto. www.arteallimite.com/ficha-artista/cynthia-marinkovic

PERFIL/ARTE: Paula Vergara I TAMARA NAGEL

Tamara Nagel Cerámica infinita Por Carla Vásquez, periodista.

• "Sin título", Aguacero, 2012, acuarela y tinta, 45 x 30 cm.

Paula Vergara Inspiración en el paisaje Por Alejandra Torres, periodista.

Radicada en el sur de Chile desde hace 10 años, inspirada en los cambios de la naturaleza que la rodea y emocionada por la fuerza del color, la artista plástica Paula Vergara plasma en sus obras el paisaje en el que vive. “Los árboles del sur son imponentes y bellos, creo que representan muy bien mi vida, mi entorno, mi espíritu… En mis obras se nota el lugar en el que vivo”, cuenta desde su taller en las afueras de Temuco. Es en ese lugar donde Paula, rodeada de silencio y de soledad, comienza a crear sus acuarelas y xilografías, plasmando su visión del paisaje cambiante. Para la artista, la naturaleza está llena de palabras y voces y eso lo transmite a sus obras, siempre con una mirada muy personal y emocional. Es en esa naturaleza donde encuentra signos que la llevan a crear; “he encontrado figuras en los espacios que se forman entre los árboles y en ellos mismos muchas líneas verticales y me gusta. A veces puedo abstraerme y veo solo los planos, algo bien abstracto. Otras veces, sólo las ramas y sus formas. Son figuras muy potentes sobre todo en invierno”. Luego de tantos años rodeada de bosque Paula ha logrado verdaderos estudios de los árboles y el cambio que sufren con las distintas estaciones y curiosamente, ha encontrado gran belleza en lo hosco y solo del árbol invernal, más que en el árbol cálido del verano; “son formas que no se ven y que están tapadas por hojas. Me fascina eso nuevo que aparece, lo encuentro mágico y si lo mezclamos con la lluvia, la atmósfera es tremenda e intensa”. www.arteallimite.com/ficha-artista/paulavergaralira

Quien empezó siendo la única niña de 7 años en un curso de cerámica para adultos, hoy es una ceramista profesional que crea piezas inigualables e imparte clases en su propio taller ubicado en la Calle Montecarmelo. Tamara Nagel siempre ha seguido el camino de la cerámica, de su infinidad de propuestas y formas disponiendo hoy de variedad de objetos que categoriza en utilitarios/decorativos y esculturas. Tamara tiene la facultad de moverse entre esos dos mundos, en el de los objetos útiles y del arte, ambas esferas de la cerámica que son igual de apasionantes “ya que en ambos existe un proceso creativo”. De los objetos que crea para adornar y a la vez ser utilizados, están jarrones, fuentes, tazones, lámparas, entre otros, teniendo todos la impronta de su creadora. Dentro de las esculturas, Tamara tiene dos propuestas. Se trata de una variedad de sillas de 10 a 50 centímetros que transparentan las muchas realidades, la lejanía a la masividad de sillas desechables y la fuerte aproximación a la belleza en lo simple. Además están las mujeres de anchas caderas y sonrisas que “permiten demostrar a través de sus volúmenes prominentes aquellos sentimientos desbordantes que muchas veces no nos atrevemos a demostrar por miedo al ridículo o a ser juzgadas, tanto por otros como por nosotros mismos”, explica Tamara. Las mujeres están altamente complacidas en lo que hacen: leyendo, en traje de baño, mirándose al espejo o paseando, en lo cotidiano; “y vemos siempre en ellas alguien que sentimos familiar o que reconocemos en alguna faceta de nuestras vidas”. w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / f i c h a - a r t i s t a / t a m a r a n a g e l

• "Tarufa", cerámica alta tempreratura, engobes, pigmentos, vellón de oveja, cobre. 41 x 25 x 35 cm.

PERFIL/ARTE: MARIA JOSÉ CONCHA I aLEJANDRA RAFFO

Maria josÉ concha

A temprana edad, inspirada por grandes obras impresionistas, María José Concha decidió recorrer el camino de la pintura. La artista admite su “debilidad” por el óleo, aunque señala que prefiere la técnica mixta por su afán de “experimentar y trabajar los tiempos de la pintura con los distintos materiales”. Pese a que se siente más cómoda pintando en grandes formatos, las exhibiciones en galerías y ferias de arte la han hecho adecuarse a las escalas pequeñas y medianas; “el pequeño formato también tiene su encanto y lo disfruto, porque es una síntesis de lo que después trabajo en mayor escala”. La artista mira el mundo a través del prisma del arte, describiéndolo como “la manera tangible de comunicar mi forma de entender el mundo. Al mirar con los ojos de la pintura puedo mirar el mundo”. La Patagonia se transformó en el eje de su obra cuando se trasladó a vivir Coyhaique. “Mi proceso creativo parte con la observación de la naturaleza, y de los distintos fenómenos que ocurren diariamente. Fotografío, leo, dibujo en mi croquera, a veces escribo unas notas. Son esos los conceptos que reúno para trabajar después en el taller y comenzar un nuevo cuadro”. La artista exhibió recientemente sus obras en Londres, en la muestra colectiva “Destilled Memory” y actualmente se encuentra preparando una exposición individual que se inaugurará el 30 de agosto en la Corporación Cultural de Las Condes.

Los ojos de la pintura Por Antonella Galarce, periodista.

• "Atardecer Rosado", 28 x 28 cm.

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alejandra raffo Pequeños milagros cotidianos Por Antonella Galarce, periodista.

La diseñadora, fotógrafa y artista visual multimedia Alejandra Raffo, concibe el arte como una forma de existencia: “te expresas, respiras y piensas desde una perspectiva creativa, sensible e instalada en los pequeños milagros del cotidiano”. Tras terminar sus estudios de diseño y trabajar como diseñadora de interiores, la artista supo que su vocación apuntaba a “una vertiente infinitamente más artística que funcional”, por lo que decide estudiar licenciatura en Arte. Más tarde y a través de su experiencia tanto en artes visuales como en su productora gráfica publicitaria Salamandra, Raffo fue especializándose en fotografía digital, retoque fotográfico y de video; “fui aprendiendo cada vez más, hasta llegar a superar con creces mis propias expectativas, fui especializándome en la docencia, que es definitivamente lo que más me apasiona”. Desde hace más de una década la artista se viene dedicando a la enseñanza a través de talleres y cátedras en universidades y centros de estudio. Paralelamente, ha participado en muestras individuales y colectivas a lo largo de Chile y en ciudades como Barcelona, Montevideo y Sao Paulo. A través de Salamandra, se

• "Magma I", 2009, video performance.

ha dedicado además a las excursiones fotográficas con alumnos. La artista describe su proceso creativo como “intuitivo, emocionante, algo que se construye día a día. Mi único futuro es el presente, que cambia cada día, espero conservar la energía para continuar replanteándome nuevos proyectos”. w w w. r a f f o . c l w w w. e x c u r s i o n e s f o t o g r a f i c a s . c l w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / f i c h a - a r t i s t a / a l e j a n d r a r a f f o

Tu opinion nos importa, siguenos en twitter: @ARTE_ AL_LIMITE y coméntanos sobre tus artistas favoritos.

AGENDA santiago destacado del mes Hasta el 16 de julio Paco León

Galería Isabel Aninat

Espoz 3100 Vitacura w w w.galer iaisabelaninat.cl

El reconocido artista chileno Francisco (Paco) León inaugura el 21 de junio su muestra individual “Que las pinturas bailen como quieran”, donde presenta una serie de collages, grabados y pinturas. De reconocida trayectoria, el autor continúa experimentando con técnicas y elementos que sugieren la existencia de otros mundos, a través de seres antropomorfos y arquitecturas abstractas.

• Alejandro Arrepol Rayen, acrílico, 50 X 50 cm.

Paco León se define como un pintor “a contra corriente”, de trinchera, siempre potenciando la creación plástica y la libertad técnica y temática. 24

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña * Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original

Hasta el 14 de julio

Enrique Ramírez

José Manuel Infante 1208 Providencia www.dieecke.cl

Enrique Ramírez presenta en Die Ecke su muestra individual “Cartografías para navegantes de tierra” exhibición basada en la creación de espacios imaginarios, geo-poéticos.

Die Ecke Arte Contemporáneo

Hasta el 28 de julio

Gina Osés

Galería QUQU

Albert Le Blanc 1764 Lo Barnechea

w w w.ququ.c l

La pintora de origen catalán Gina Osés presenta “Memoria de Color”, muestra individual en la que explora tensiones de ritmo y composición a través de geometrías.

* *

Hasta el 12 de agosto MAC Parque Forestal

Parque Forestal s/n Metro Bellas Artes Santiago w w w.mac.uchile.cl

Hasta el 4 de agosto

José Venturelli

Galería Artespacio

El Museo de Arte Contemporáneo presenta una serie de pinturas, grabados y gráficas facilitada por la Fundación José Venturelli, que acaban de ser restauradas.

Av. Alonso de Córdova 2600, piso 1 Vitacura w w w.ar tespacio.cl

Antonio Krell Antonio Krell presenta en Artespacio su nueva muestra “Erotika”, pintura de estilo figurativo-expresionista que aborda la figura humana, incorporando técnicas digitales.

Hasta el 21 de julio Galería D21

Nueva de Lyon 19, departamento 21 Providencia

w w w. d e p a r t a me nto 2 1 . cl

Juan Céspedes y Diego Lorenzini Los artistas visuales Juan Céspedes y Diego Lorenzini presentan la muestra “ Pe dro , J ua n y Die g o ” que incorpora instalación, pintura, dibujo, video y afiches.

Hasta el 31 de julio Galería Art Labbé

Alonso de Córdova 4308-B Vitacura w w w.ar tlabbe.cl

Si quieres que tu exposiciones se publiquen en el periódico, escríbenos a info@arteallimite.com

Adelaida Larraín Adelaida Larraín inaugura “Estaciones”, muestra de acuarelas de diversos formatos, que nacen como una metáfora del paisaje a través del recorrido del agua y el color.

AGENDA regiones Interface tiene como primer objetivo la realización de talleres como estrategia para incentivar de manera directa a los estudiantes y artistas en la relación cuerpo-tecnología.

• Fabián Nonino y Diego Alberti, "Residual", 2010, perfomance danza interactiva.

destacado del mes Encuentro Interface 3.0

Hasta el 10 de agosto Balmaceda Arte Joven Santa Isabel 739 Cerro Alegre Valparaíso

El encuentro internacional Interface “Arte, Cuerpo, Ciencia y Tecnología”, celebra su tercera edición desde el 25 de julio al 10 de agosto, con diversas actividades en Santiago y Valparaíso, como talleres y conferencias a cargo de artistas nacionales y académicos argentinos, muestras de performance y la proyección de obras audiovisuales seleccionadas en el Tercer Festival Internacional de Videodanza de Chile (FIVC) 2012. • Fabián Nonino y Diego Alberti, "Residual", 2010, perfomance danza interactiva.

w w w.c uer p oy tec no logia.cl

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña * Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original

Hasta el 31 de julio El reverso de la locura

Hasta el 31 de julio Epílogo Galería Casa Verde Camino Real 1783 Recreo Viña del Mar

Galería de los Ocho Barros Arana 531 (galería universitaria) segundo piso, local 35. Concepción

El artista Víctor Mahana expone 14 series de grabados aguatinta, donde reflexiona entorno a la naturaleza humana, la realidad metafísica, el entorno local y mundial y la tecnología.

w w w. g a l e r i a ca s ave rd e.c l

El artista visual Rodrigo Burgos Esparza presenta una serie de sus últimas obras elaboradas en técnica mixta.

Hasta el 31 de julio Homenaje póstumo a Francisco De la Puente

Hasta el 24 de julio Cuerpos Rebelados: la performance en Concepción

La exposición Homenaje Póstumo a Fr a n c i s c o D e l a Pu e n t e , reúne a renombrados artistas nacionales como Andrés Vio, Anton Birke, Ismael Frigerio, Lise Moller y Robinson Mora.

La muestra presenta los recientes trabajos de Guillermo Moscoso, Natascha de Cortillas, Luis Almendra y Alperoa (Álvaro Pereda Roa), a través de distintos formatos.

Galería Bosque Nativo Av. Vicente Pérez Rosales 123 Puerto Varas

www.galeriabosquenativo.cl

Sala Multiuso de Biblioteca Viva Mall Plaza Antofagasta Balmaceda 2355 Antofagasta

w w w.b ib li o tec aviva.c l

Hasta el 8 de julio Grandes Maestros de la Pintura

Hasta el 8 de julio Cuatro miradas sobre el paisaje

La muestra Grandes Maestros de la Pintura exhibe gratuitamente para el público 25 obras de destacados artistas como Matta, Guayasamín, Bororo y Nemesio Antúnez.

Exposición de dibujos y grabados de las artistas Lilian Aubel y Michelin Basso, quienes a través de conceptualizaciones lineales y abstracciones abordan el tema del paisaje.

Corporación Cultural de Puerto Montt Quillota 116, piso 3 Puerto Montt

w w w.galer iadelo so c ho.cl

www.corporacionculturalpuertomontt.cl

Pinacoteca Universidad de Concepción Chacabuco esquina Paicaví s/n Concepción

w w w.udec.c l/ p i naco te ca

AGENDA web Te presentamos las coordenadas de nuestros Artistas Al Límite.

Fernanda Saldivia Sol Guillón Doble Discurso Muestra que reúne esculturas, acrílicos y collages sobre tela. Hasta el 20 de agosto Galería Arte Isabel Aninat, Boulevar Parque Arauco Kennedy 5413 Local 467, Las Condes, Santiago.

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / f e r n a n d a s a l d i v i a www.arteallimite.com/solguillon

paula villarroel

Mujeres en el Grabado Muestra conformada por 32 grabados de destacadas artistas nacionales.

Hasta el 2 de agosto Edificio Luis Cousiño, Sala de arte Duoc UC, Blanco 997, Valparaíso

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Beatriz Leyton

Family Life, serie II oxímoron Serie de grabados digitales impresos sobre tela, entorno a la idea de espacios habitables.

• "Autorretrato de René Magritte", Viajeros en el tiempo, 2012, diasec, 200 x 174 cm.

Lluís Barba El artista estará presentando su serie de autorretratos en la feria de arte neoyorkina Art MRKT Hamptons, como parte de la muestra de la galería Dean Project.

Hasta el 11 de agosto Galeria Patricia Ready Espoz 3125, Vitacura, Santiago.

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Phillipe Trillat

Lluís Barba, reconocido autor catalán, se encuentra actualmente preparando una extensa muestra de su obra que se exhibirá a fin de año en la galería Dean Project en Nueva York y en la Cynthia Corbett Gallery en Londres. Mientras, participa con su “Autorretrato” de Magritte en la feria estadounidense Art MRKT Hamptons.

Clases de pintura Curso teórico-práctico de pintura abstracta con técnica mixta.

Del 19 al 22 de julio

2368 Montauk Highway (Rt. 27) - Bridgehampton, NY 11932

www.arteallimite.com/lluisbarba

Desde julio hasta diciembre Loreto 350 edificio Art Bellavista 9-0008541/ phtrillat@gmail.com

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* Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original

www.arteallimite.com Pablo Schugurensky

Alejandro Arrepol Rayen

Exhibición de verano Muestra colectiva de la galería Blackheath, donde el artista presenta 9 de sus obras.

Todas queríamos ser princesas Exposición itinerante de los artistas Teresa Ortúzar, Alejandro Arrepol y Fernando Toledo.

Hasta el 28 de julio Blackheath Gallery 34a Tranquil Vale Londres

Hasta el 30 de agosto Montecatini www.montecatini.cl

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Francisca Sandoval Venta de taller Venta de obras. 15% de descuento en acuarelas de Angela Saldías para lectores de Arte al Límite.

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Hasta el 31 de julio Taller Galería Entre Vitrinas Pocuro 3087 Local C 8-4487304

Vicente Rojas La ausencia en el viaje Obras centradas en la abstracción, que abordan los innumerables viajes del autor.

Hasta el 13 de agosto Galería Artium Alonso de Córdova 3102, Vitacura, Santiago.

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alfredo jaar

Una estética de la resistencia Retrospectiva del autor, que abarca cerca de 4 décadas de producción artística. Hasta el 19 de agosto El Neue Gesellschaft für Kunst Bildende (NGBK) Oranienstrabe 25 Berlín

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Carolina Busquets

Exposición itinerante de arte postal Arte de lugares donde el olivo florece como árbol y símbolo de prosperidad.

1 al 8 de julio Centro Cultural Psachna Euboea Makariou 1 Chalcis, Grecia

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Elisa Díaz Velasco

hector Calderón

Talleres de fotografía La artista dicta cursos de fotografía digital, retratos y técnicas análogas, entre otros.

Talleres de arte Cursos básicos y avanzados de xilografía (grabado en madera) y dibujo y cerámica.

Durante todo el año www.elisadiazvelasco.cl 7-6592752

Durante todo el año Antonia López de Bello 113, Recoleta calderonprint@yahoo.com 7-4707710

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Sigue a nuestros artistas, en www.arteallimite.com/artistas Coméntanos en twitter @ARTE_AL_LIMITE

reportaje

Los coleccionistas En nuestra edición anterior nos introdujimos en el vasto mundo del coleccionismo de arte. Continuando en esta ruta presentamos dos líneas de coleccionismo disímiles e innovadoras, que apuestan por la originalidad y la educación en el arte. Por Antonella Galarce, periodista.

ras realizar un recorrido por la amplia gama de propuestas en el ámbito del coleccionismo de arte, lo primero que queda en evidencia es que cada recopilación lleva el sello de su coleccionista y realiza un aporte especial.

de herramientas fundamentales como el pensamiento crítico y la conceptualización.

En esta edición ahondamos en la labor de la Fundación Cisneros, creada por Patricia Phelps -esposa de Gustavo Cisneros, dueño Vemos que el coleccionismo de arte no es solamente de uno de los grupos de compañías e inversiones privadas ocupación de millonarios y más grandes de Venezuela-, con que con buen ojo e interés, la misión de difundir los aportes cualquier apasionado por las latinoamericanos al arte universal, La Fundación Cisneros tiene la artes visuales puede generar su así como de respaldar la innovación, misión de difundir los aportes propia colección. Pese a que educación e investigación en el los mecenas de arte parecen latinoamericanos al arte universal campo artístico. haber quedado relegados a la historia de siglos anteriores, Asimismo, hablamos con el escritor, grandes coleccionistas vuelven crítico de arte, curador, fotógrafo, a recorrer el camino de este tipo de patrocinio, ofreciendo coleccionista, conferencista y docente Edward Shaw, quien nos becas para artistas jóvenes y educación permanente enseñó ciertos trucos a la hora de elegir piezas de arte que en sobre arte para el público, contribuyendo al desarrollo algunos años más podrían cotizarse a precios estratosféricos.

reportaje coleccionismo

• Joaquín Torres García (1874–1949), "Construcción en blanco y negro", 1938, óleo sobre papel montado sobre madera, 80.7 x 101.9 cm.

reportaje coleccionismo

• Alejandro Otero (1921–1990), "Coloritmo 12", 1956, laca sobre madera, 50 x 182.3 x 3 cm.

Colección Cisneros Educación en el arte

Arte al Límite conversó con Gabriel Pérez-Barreiro, director y curador jefe de la colección. ¿Qué artistas destacan en la colección? ¿Cuál es su línea curatorial? El enfoque central es Latinoamérica y lo interesante es que abarca 5 colecciones en una. Comienza por la época colonial, centrándonos en Venezuela y El Caribe; luego se encuentra la del siglo XIX, con artistas en su mayoría viajeros europeos, como Franz Boas, Mauricio Rugendas, el norteamericano Frederick Church o Camile Pissarro, es una colección que se interesa por la mirada del extranjero sobre Latinoamérica en la época republicana. Asimismo, está la colección de arte moderno, quizás la más emblemática, que es básicamente un recorrido por la abstracción geométrica en América Latina, el arte concreto argentino y uruguayo de la década del ‘40, arte concreto y neo concreto durante los años ‘50 y ‘60 en Brasil y el arte cinético venezolano de los ‘70 y ’80. Esta colección reúne todos los fenómenos de la abstracción. Por su parte, la colección Orinoco está conformada por material etnográfico, retrata las costumbres y la cultura material de los pueblos originarios de la cuenca del río Orinoco. Por último, la colección contemporánea, está integrada por artistas latinoamericanos como los argentinos Leandro Kats y Jorge Macchi y la ecuatoriana Manuela Rivadeneira, entre otros. Es una colección bastante dinámica y muy contemporánea en sus expresiones. Cada una de las colecciones tiene su propio curador y en sus 5 conjuntos trata de dar una versión bastante completa del desarrollo de los artes visuales, además de cuestionar algunos de los estereotipos que se dan sobre el arte latinoamericano.

importancia de un patrimonio cultural que está en peligro de extinción. No hay muchos organismos públicos que se puedan encargar de eso con la misma rapidez que un particular. Ahí es cuando decide crear la fundación, trabajar con muchos especialistas. Hay un dialogo cercano con Pati, ella supervisa el trabajo, da mucho énfasis a la documentación y al trabajo con centros de investigación, a que las obras estén disponibles, que se presten y se exhiban en otros países. Su idea es compartir con un público amplio este patrimonio privado. La colección es suficiente para construir un museo, pero decide no limitarla a un único espacio físico. Se genera así un museo sin paredes, ahora mismo hay más de 600 obras en circulación en distintos lugares del mundo Parte de la misión es apoyar el campo del arte latinoamericano, para que profesionales e investigadores de Latinoamérica que no tengan los recursos puedan asistir a conferencias, y los artistas puedan acceder a programas de residencia, además de generar publicaciones, libros de conversaciones con artistas, por ejemplo.

¿Por qué es tan importante para ustedes la educación en el arte? El arte es un vehiculo de información, pensamiento y conocimiento; trabajar responsablemente con arte significa fomentar el conocimiento, eso es fundamental y forma parte de la responsabilidad de cualquier coleccionista. El mayor motivo del subdesarrollo ha sido la falta de educación, se piensa que el arte es un modelo privilegiado para el pensamiento crítico, entrega herramientas muy interesantes para pensar el mundo de distintas maneras. Esto significa que el tipo de educación no sea el pasivo de memorizar datos de los artistas, sino que ¿Cómo nace la idea de formar una fundación? Es un proceso bastante orgánico. Con el apoyo de su el estudiante y también el profesor piensen. Se concibe al marido y ahora su hija, Patricia Phelps, se da cuenta de la arte como proceso activo, dinámico.

reportaje coleccionismo

â&#x20AC;˘ Lygia Clark (1920â&#x20AC;&#x201C;1988), "Monumento a todas las situaciones", 1962, aluminio, 41 x 66 x 54 cm.

reportaje coleccionismo

Edward Shaw un coleccionista poco convencional Edward Shaw, el crítico de arte, curador, fotógrafo e historiador es también un ávido coleccionista. En abril presentó la muestra “El Papel del Amigo: caprichos de un curador”, exposición que tras exhibirse en el Museo Nacional de Bellas Artes se trasladó en mayo al Espacio ArteAbierto de Fundación Itaú. Para el estadounidense radicado primero en Argentina y luego en Chile, “no hay clínicas ni píldoras para aliviar la adicción al coleccionismo de arte”. ¿De dónde surge y cómo se forja su pasión por coleccionar piezas de arte? Fue la lógica conclusión de un niño que colecciona cajetillas de cigarrillos, cajitas de fósforos, cómics, sellos postales, monedas, etc. Es un hábito que me ha acompañado toda la vida, me relacioné con el arte desde joven: compraba cuadros en remates campestres para decorar el cuarto donde dormía en la secundaria y la universidad. Descubrí el arte contemporáneo en México en 1956... Empecé juntando arte precolombino y cambiándolo por pinturas o dibujos. La pasión de coleccionar sigue vigente, ya con menos ambición. Su colección es poco convencional, en este contexto ¿qué lugar tiene el trueque? Poco convencional y bien diversa, mi ojo es ecléctico y universal, emocional más que intelectual, alegre más que serio. El trueque me salió de forma natural, es difícil tener los fondos para comprar todo lo que uno quiere. La mayoría de los coleccionistas serios heredaron su plata, o se convirtieron en magnates y tuvieron los fondos

necesarios. Yo tuve que inventar mi propio método de coleccionar y el trueque fue el modus operandi mas adecuado a mis ingresos. ¿Algún consejo para quienes quieran comenzar a formar una colección? Construí un formula para alguien que quiere coleccionar. Se empieza por preguntar al mejor crítico de arte, al mejor coleccionista, el mejor galerista, al mejor director de museo, al mejor artista, al mejor periodista por sus cinco artistas favoritos, los más prometedores. Luego, hay que cotejar las listas y seleccionar tres nombres, visitar sus estudios como aficionado, escoger unos cuadros que te gustan y tratar de negociar un buen precio, tomando en cuenta que la galería normalmente se queda con la mitad de la cotización comercial, así tiene uno la posibilidad de no llenarse de clavos.

“No hay clínicas ni píldoras para aliviar la adicción al coleccionismo de arte” ¿Qué obra se arrepiente de no haber comprado? Los cuadros a mi alcance en 1960 que hoy se venden en más de un millón de dólares... ¿Cuál es su “tesoro” favorito? Mi tesoro favorito es la última cosa que conseguí.

reportaje coleccionismo

• 2545 Víctor Castillo (Chile 1973), "Masacre", 2003, dibujo y técnica mixta sobre papel, 20 x 700 cm. (bordes irregulares).

• 2413 Lucio del Pezzo (Italia1933), "Sin Título", 20/50, 1967, litografía sobre papel, 50.5 x 66 cm.

¿Conoces a algún coleccionista?¿Te gustaría saber más sobre temas relacionados con el coleccionismo? Cuentanos en facebook/arteallimite.com I info@arteallimite.com

P UB L I CA CO N NO SOTROS MARKETING@ARTEALLIMITE.COM +56 2 955 32 61

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Jacob Hashimoto, Revista ediciรณn 55.

ร NICO MEDIO ESPECIALIZADO EN ARTE

En el taller

cristiÁn velasco

No es un taller habitual, hay un orden tal que incluso algunas de sus obras cuelgan como si estuvieran expuestas en galería. Y sus herramientas no son pinceles; son lana e hilo.

Por Juan José Santos, periodista y crítico de arte Fotografía cortesía Consuelo Pivcevic.

¿Qué es para ti el taller? ¿Concibes las ideas fuera del taller y este espacio queda como lugar de trabajo? Y de generación de ideas también. El taller es un lugar sagrado. Las ideas las concibo ahí pero también se conciben en el caminar, en lugares no necesariamente ligados a lo artístico. Pero el taller es eso, un lugar de silencio, un templo.

Tienes el taller ordenado, e incluso algunas obras están colgadas como si estuvieran expuestas en una galería… Entiendo el taller como un espacio que se vincula a la instalación o al espacio expositivo. En verdad... creo que el taller funciona como lugar de prueba y producción para una futura instalación.

También tu obra habla sobre lo doméstico, ¿es la casa una extensión del taller? Entiendo lo doméstico como el adentro de algo. No es la casa el referente. Encuentro lo doméstico igualmente en la calle, mi trabajo con los colchones es en la calle, y el colchón es un objeto muy doméstico, íntimo.

Entiendo lo doméstico como el adentro de algo, no es solo la casa el referente.

Trabajabas en la publicidad, lo abandonas y pasas a un arte muy introspectivo que habla de buscar en tu interior y de dar imagen a los que nunca salen en publicidad: el desecho, lo reciclable, la invendible. Mi trabajo en publicidad no fue el tradicional, fue en retail. Lo que me interesaba era el intercambio con la gente, la reacción directa. Pero es cierto que encontré mi trabajo ligado a la promoción, algo frío, sin contenido. Realmente eso me cansó y decidí volcarme de lleno a las artes visuales a partir de conceptos ligados al hombre, su relación con el entorno.

Te centras en la lana, en el bordado, pero también en la performance y en la instalación, ¿me puedes comentar en qué estás trabajando ahora? Estoy explorando, experimentando a partir del concepto chino de Wu Wei (acción en la no acción). Introduzco los elementos de mi obra, lo doméstico, el sueño, en un vestuario que llevaré para salir a la calle y realizar una serie de acciones. Una acción en la que haré de lo simple lo importante a través de personajes; el hombretripa, el hombre-lana, el hombre-colchón.

• Taller de Cristián Velasco.

Criticas “Paisajes lugares de hallazgo” muestra colectiva en Factoría de Artes Santa Rosa Por Ennio Bucci, Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética, miembro de la AICA

Fotografía cortesía de artista.

n nuestro escenario plástico santiaguino está comenzando a consagrarse un espacio de arte relativamente nuevo, ubicado en el barrio comercial del sector Franklin. Se trata de la galería Factoría de Artes Santa Rosa que viene funcionando hace dos años, dirigida por Carolina Musalem. Es importante la apertura de nuevos espacios de galerías porque estos atienden a públicos disímiles; y permite seguir desarrollando la importante labor de los galeristas en pos de la difusión de la obra de nuevos artistas que entregan su visión de mundo a través de su obra plástica. En esta oportunidad, abordamos la obra de 3 artistas que se concentran el tema del paisaje, cada una de acuerdo a su concepción del arte. Ellas son Jojo Fuentes, Paula Valenzuela, y Camila Vivanco. Las tres artistas se formaron en la escuela de arte de la Universidad Fines Terrae. Las artistas abordan el paisaje, buscando recuperar lo propio de nuestra tradición pictórica, pasando por el rescate de la memoria de artistas como Juan Francisco González, Pablo Burchard, Adolfo Couve e Ismael Frigerio, por mencionar algunos. Asimismo, ponen sobre la mesa el valor de la pintura de caballete como una de las tradiciones en la historia de la pintura chilena. Sus obras apuntan al concepto de espacialidad, atmósferas y el paisaje mismo. En la obra que exhibe Jojo Fuentes podemos observar un expresionismo en su factura plástica, donde se aprecia

un gesto suelto, espontáneo. Las manchas y el chorreo de pintura invaden la superficie de la tela haciendo uso de colores fríos como puede verse en su obra “Paciencia” (realizada en las técnicas de óleo, grafito y papel) y en su trabajo “Reflexión Otoñal”, con un buen trabajo serigráfico, un buen dibujo y sentido de la perspectiva en la composición. En la obra de Paula Valenzuela podemos apreciar el tratamiento de los efectos de la pintura. Trabajando sus obras en acrílicos sobre tela, juega con la mancha y los colores cálidos donde podemos ver ciertas reminiscencias del fauvismo y expresionismo. La artista maneja el concepto de espacialidad y la abstracción en la concepción de sus figuras, como se aprecia en sus obras “Sin título”, “Tokio” y “Trenes”. Sugerente es la obra de Camila Vivanco, ya que -siguiendo la tradición del paisaje- la pintura y los empastes son armoniosos y dispuestos con ojo de observadora acuciosa de su entorno; trabajando la gama de colores fríos como lo podemos apreciar en su obra “Vista hacia Con Con” También son interesantes desde el punto de vista plástico sus series de pinturas “Cartografías a distancia”, donde evoca los planos usados por los exploradores del viejo mundo en sus viajes al continente americano. La presenta muestra es interesante de ver y apreciar porque rescata los valores de la pintura de caballete y una nueva manera de enfrentar plásticamente el tema del paisaje en la pintura.

"La presente muestra es interesante de ver y apreciar porque rescata los valores de la pintura de caballete"

• Camila Vivanco, "Territorio I", 2012, técnica mixta, 110 x 70 cm.

“¡It’s alive!, Franzbilder”, dibujos y óleos de Iván Godoy en galería Isabel Aninat Por Ernesto Muñoz, crítico de arte y miembro de la AICA Fotos cortesía Galería Isabel Aninat.

na de las uniones más duraderas en el mundo del arte se da sin duda entre el cine y las artes visuales. Las direcciones de arte han sido electrizantes para los espectadores que conocieron el expresionismo alemán a través del film “El gabinete del doctor Caligari”. Los ejemplos abundan, pero sin duda la década del treinta es la más importante en el cine mundial. Destacan las cintas de Universal (estudio que en 2012 cumple 100 años) y muy especialmente “Frankenstein”. Este cinta, basada en la obra de Mary Shelley, ha inspirado la creación del avezado y talentoso artista visual Iván Godoy, quien ha hecho de cada uno sus dibujos un fotograma. Godoy penetra en el lenguaje usando la palabra como un desarrollo de una trama y crea acción en cada obra. El afiche propio de la divulgación cinematográfica se declara inocente en estas obras que llevan la lectura rebasada de crítica, no dejando atrás el soporte creativo -basamento ideal del hacer- como es el dibujo. El homenajeado de esta exhibición es Jack Pierce, creador visual

de Frankenstein, que se nos presenta como una premonición de los clones. El hombre hecho por el hombre es un monstruo, es anti natural, es el dictamen de la novela y película y para Godoy es declarada visión mundial cruzando símbolos, consignas, entregando todo esto en juegos dramáticos.

Esta cinta, basada en la obra de Mary Shelley, ha dado paso a la creación del avezado y talentoso Iván El artista ha dejado atrás su etapa de miembro de colectivos para trabajar en forma personal y lleno de brío, en una obra que lo debe colocar en el umbral de una creación inexplorada en la plástica nacional. Hasta el 14 de julio en la galería Isabel Aninat, ubicada en Espoz 3100, Vitacura.

• Iván Godoy Contreras, "Políptico it´s alive !", lápiz pasta sobre papel couché, 29 x 29 cm. 2012.

criticas

Alfredo Echazarreta Por Pedro Labowitz, crítico de arte y miembro de la AICA Fotografías cortesía del artista.

a carrera artística de Alfredo Echazarreta se desarrolla principalmente en Francia, donde acaba de cerrar una exposición en París, para abrir otra en la santiaguina Galería Blanc en Vitacura, con trabajos realizados en los últimos cuatro años en Chile. El artista, pintor y grabador nació en Santiago en 1945. Estudió Arte en la Universidad Católica de esta ciudad, siendo su Profesor de Grabado Eduardo Vilches. Entre 1966 y 1970, estudió Arquitectura en la sede de Valparaíso de la misma Universidad, bajo la guía de los profesores Godofredo Iommi y Alberto Cruz y participó – por lo menos tangencialmente - en esa gran aventura arquitectónica de la "Ciudad Abierta" en la Quinta Región. En 1970 sucumbió al canto de sirena que sobre tantos artistas ejerce la Ciudad de la Luz y se trasladó a París. Así, participa de los talleres de grabado del Atelier 17 Stanley W. Hayter, entre otros, para quedarse en Francia por casi cuarenta años. Allá tuvo dos matrimonios con cuatro hijos. Las dos niñas del segundo llevan nombres de colores: Garance (un rojo cerca del carmín) y Violette. Y allá se convirtió en ese excelso artista que es hoy. Su estadía en Francia estaba siempre salpicada de viajes: no sólo a estados de la región como Suiza y Belgica – donde, al igual que en Francia, tenía un núcleo de fieles compradores-, sino que también en varias oportunidades a Chile, tanto para visitar a su familia local, como para exponer. En este contexto forjó una alianza con el galerista Tomás Andreu que persiste hasta hoy. Sus permanentes vínculos con Chile – que incluían contactos amistosos con Matta y Zañartu en París-, se concretaron hasta la compra de un sitio en Isla Negra, que posteriormente cambió por otro en Pucón y donde construyó su casa veraniega.

nombres de lugares de América y en particular de Chile, han hecho soñar al viejo continente sueños de vidas sublimes en espacios idealizados, llenos de terror, aventura y esperanzas – todo lo que necesita el hombre para seguir viviendo. Estos nombres como mágicas arcanas: Patagonia, Cabo de Hornos, Valparaíso, Aconcagua…o el nada ‘Pacífico’ océano… convocan imágenes de las cuales se apropia el europeo”.

"En 1970 sucumbió al canto de sirena que sobre tantos artistas ejerce la Ciudad de la Luz y se trasladó a París. Así, participa de los talleres de grabado del Atelier 17 Stanley W. Hayter, entre otros, para quedarse en Francia por casi cuarenta años"

“Así en mi trabajo, de vuelta en Chile, con la mirada del que vivió una vida fuera y donde aprendí a desear esta América recóndita y llena de esperanzas, el grabado me permite, como un amante enloquecido, raptar a la bella para darle una imagen y devolverla a los ojos incrédulos de sus habitantes, como un secreto revelado”.

Como toda su obra, este “rapto” no pretende ser ilustrativo ni realista, pero sí nostálgicamente figurativo. La muestra incluye acuarelas, dibujos, grabados en punta seca, todo ejecutado con gran soltura y los especialmente notables grabados en la técnica del carborundum, que permite superficies grandes, planas, En 2008 vuelve a Chile en forma permanente, despidiéndose sin detalles en negros profundos, cuando no brillantes, de una casa maravillosa en la provincia de Normandia; estableciéndose la figuración por la forma de los bordes. un “manoir” casi feudal de fines del siglo XVIII, y cuyo Sus temas son cabezas, figuras o caballos, que lucen un enorme establo había convertido en un taller de pintura carácter espontáneo y se dan gráciles en su composición. y grabado, con un segundo piso y “posibilidad de retiro”. La presencia de caballos, o a veces de jinetes no es Pero trajo consigo a Santiago su excelente prensa de fortuita: la obra de Echazarreta – ese exiliado voluntario grabados. Ya en nuestro país, Echazarreta fundó una familia de tantos años – está marcada por el tema de los nueva y prosiguió con sus labores de artista plástico, lo que traslados, de los viajes, especialmente en la pintura. incluye dictar actualmente cursos de grabado y pintura. Eso se refleja en sus muchas obras que tienen por tema barcas en contextos que pueden incluir recuerdos Su actual exposición de obras gráficas, que se inaugura mitológicos o románticos. Una exposición que confirma el cuatro de julio en la galería Blanc, lleva por título ampliamente que Alfredo Echazarreta ocupa en la “El Rapto de América”. Echazarreta dice al respecto: “muchos actualidad un lugar destacado en el arte chileno.

entrevista

"La muestra incluye acuarelas, dibujos, grabados en punta seca, todo ejecutado con gran soltura"

• "Bain d'été I", 2011, grabados en carborundo y punta seca, 76 x 55 cm.

•"Masculin - féminin", 2010, agua fuerte y punta seca, 34 x 20 cm.

• "Bain d'été II", 2011, grabados en carborundo y punta seca, 76 x 55 cm.

criticas

Dos notas breves sobre el acontecer Por Enrique Solanich S., Magíster en Teoría e Historia del Arte, miembro de la AICA Fotografía cortesía del Museo Nacional de Bellas Artes.

os hechos recientes determinan estas breves líneas. Uno, penoso y triste; el otro oportuno y gratificante. El 2 de junio pasado falleció en Santiago el historiador de arte Ernesto Gallardo Navarro (1951- 2012). De temperamento tan impulsivo como acucioso, a veces bronco, tras sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile, cumplido entre 1975 y 1979, emprende los de postgrado en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México prosiguiendo el programa de Maestría en Historia de Arte Latinoamericano durante los años 1990 a 1992.

residencias en Europa, sea por pensiones o encargos oficiales del Estado de Chile; formación artística, maestros y discípulos habidos; así como de su vasta producción, piezas diseminadas en diversos lugares del país, incluyendo cementerios y recintos privados, armando un meritorio inventario de ellas. Acompañando la muestra que por estos días se efectúa en el Museo Nacional de Bellas Artes de Nicanor Plaza, en las 251 páginas de la pulcra publicación, dominadas por ilustraciones y facsímiles de valiosos documentos, los apretados relatos visibilizan un personaje salido del ostracismo, descrito talentoso escultor y ratificado primer estatuario decimonónico de Chile.

Al concluirlos comienza su tesis con una investigación de campo sobre la vida, obra y contenidos de las propuestas La lectura de su afanoso texto revela la experticia del autor desarrolladas por Roberto Matta Echaurren, cuanto de su y colaboradores para perquirir en tan arduo proyecto, radical incidencia en las artes visuales contemporáneas. como la pertinencia de concurrir a financiaciones estatales para pesquisas culturales que, bien usadas, son Volcado con inusitado ahínco al tema, al paso del tiempo, aportaderas al crecimiento de una disciplina aún nueva en este se muta en una pasión que llevada con meticulosidad y el medio, empero despega con bríos: la historia del arte. entusiasmo imbatible, lo eleva al podio de conocedor más avezado de las andaduras y vericuetos del notable artista. Durante veintidós años arma y constituye un archivo único y enjundioso, que a muchos presta utilidad para comprobar o rectificar cronologías, datos, viajes, residencias, técnicas y títulos de la producción de Matta. El acopio de informaciones es vertido en una biografía apabullante que, a pesar suyo, nunca se edita. De ella se conocen fragmentos y poquísimos acceden a las innumerables versiones que leídas con atención, permiten valorar la consistencia de su tarea, hecha a ñeque personal, sin ayuda alguna.

El libro Gestión de la escultura en Chile y la figura de Nicanor Plaza es una acuciosa indagación sobre la vida y azares del esculpidor chileno, muerto en Florencia en 1818, en lamentable abandono y pobreza. Por otro lado, el libro Gestión de la escultura en Chile y la figura de Nicanor Plaza, responsabilidad del Profesor Pedro Zamorano Pérez de la Universidad de Talca, es una acuciosa indagación sobre la vida y azares del estatuario chileno, muerto en Florencia en 1818, en lamentable abandono y pobreza. Se trata, pues, de un aporte bibliográfico sustantivo, que entrega pormenores esclarecedores de su semblanza;

• Nicanor Plaza - 1863, "Caupolicán", bronce, 220 cm. Cerro Santa Lucía, Santiago, Chile.

Alberto Manzano y varios artistas. 451 Editores, Madrid, 2011, 87 páginas Por Diego Alfaro, Licenciado en letras.

“Como un pájaro en un cable / como un borracho en un coro / he intentado a mi manera ser libre”, nos dice Leonard Cohen en su canción “Bird of the Wire”, libertad que ha sabido conservar hasta nuestros días siendo considerado uno de los más importantes cantautores del siglo XX. En un homenaje a su obra y a su instinto creador, su traductor, Alberto Manzano, ideó un libro que ilustrara sus melodías tristes. Para ello citó a 11 artistas visuales. El resultado es una delicada interpretación plástica y una contundente explicación en prosa del origen e intención de los versos. "Ilustrísimo Sr. Cohen" se convierte en una experiencia para los sentidos, un libro que obligadamente hay que acompañarlo de “Sisters of Mercy”, “Suzanne” y la bella y terrible “Dance me to the end of love”.

ibros

Ilustrísimo Sr. Cohen

Disponible en Librerías Contrapunto Disponible en Librerías Contrapunto

Historia de Arquitectura Jonathan glancey

Blume, Barcelona, 2010, 239 páginas. Por Diego Alfaro, licenciado en letras

La excelencia de un libro ilustrado tiene un solo factor de medición: el que grandes y chicos generen un diálogo igualmente intenso entre las imágenes y el texto. Dicho esto, "Historia de la Arquitectura" de Jonathan Glancey puede ganarse un espacio entre estos raros especímenes. Esto, pues la intención de su autor es establecer un conocimiento enciclopédico sobre el arte de la construcción o, en otras palabras, crear un libro de iniciación y ejemplo. No encontraremos aquí grandes teorías, sino mas bien argumentos pedagógicos para que el lector vaya reconociendo el extenso viaje que va desde las edificaciones mesopotámicas hasta las labores arquitectónicas de Van der Rohe, Le Corbusier, Niemeyer y Koolhass, entre otros.

Disponible en Editorial Gustavo Gili

John Berger. Sobre el dibujo john Berger

Editorial Gustavo Gili, 2011, www.ggili.com. Por Juan José Santos, crítico de arte

El crítico de arte y escritor John Berger (Londres, 1926) destaca por su visión sensible y humana del mundo del arte. En esta ocasión la editorial Gustavo Gili compila quince mini-ensayos (tres de ellos inéditos) del autor inglés que plasman su visión sobre la técnica del dibujo. Mediante la descripción de sus propios dibujos o a través de los de otros artistas (como Van Gogh o Marisa Camino) lanza una mirada distinta y tangencial hacia aspectos poco comentados o desapercibidos. Berger hace cómplice de sus descubrimientos al lector, que experimenta así un antes y un después a la hora de admirar un papel dibujado; como comenta el autor en uno de sus escritos, “un dibujo es un documento autobiográfico que da cuenta del descubrimiento de un suceso, ya sea visto, recordado o imaginado.”

BARRIOVISIÓN

Av. Marín esquina Condell

Grito Bike I Tienda de bicicletas

BARRIOVISIÓN

Barrio Italia Galerías y librerías de arte, ciclovías, talleres de bicicletas, tiendas de diseño, anticuarios y almacenes en el circuito patrimonial, además de una refinada oferta culinaria, hacen de este barrio una experiencia completa para los sentidos. Por Equipo Arte al Límite Fotografías cortesía de Antonella Galarce "Artmen", ilustración de Cristina Peñuelas, ganadora del concurso diseña tu mascota.

BARRIOVISIÓN Barrio Italia

Av. Italia 1129

Galería Local I Muestra de Cristóbal Jodowsky “Reflejos de cuerpos soñados”

ntre las calles Román Díaz, Rancagua, Bustamante y Sucre, se esconde el secreto mejor guardado de Santiago. Secreto a voces, porque el barrio alberga un creciente número de tiendas de ropa, diseño, bicicletas y espacios de arte.

Lo que hace un par de años eran casas antiguas y galpones abandonados, hoy son remozados y vanguardistas lugares dedicados al arte y al diseño, apuestas que se han visto recompensadas con la gran cantidad de público que visita el sector, especialmente durante los fines de semana.

Una de las galerías recientemente inauguradas en Av. Italia es Local, que presentó en junio la muestra de pinturas de Cristóbal Jodorowsky “Reflejos de cuerpos soñados”. Local prepara una exposición con 6 artistas jóvenes, que firmarán el compromiso de reunirse en una nueva exhibición colectiva en 10 años más, pase lo que pase. En la misma avenida se encuentra Abraxas, que es a la vez librería y galería. Sus títulos sobre historia del arte y crítica son probablemente los más baratos en Santiago. Por estos días, Abraxas alberga la inédita muestra colectiva

¡Comparte con nosotros tus lugares favoritos de Santiago! www.facebook.com/arteallimite.com I info@arteallimite.com

BARRIOVISIÓN Barrio italia

Av. Italia esquina Caupolicán

Anticuarios de Barrio Italia

de arte urbano “Reunión Confusa”, donde destacados grafiteros traspasan sus murales a telas. Completa la lista de nuevos espacios de arte Sofa (Sociedad de Fomento al Arte). La acogedora galería ubicada en la calle Santa Isabel, incluye venta de libros y la cafetería Bon Voyage, que ofrece un sinnúmero de variedades de té y café orgánico. Por su parte, las tiendas de diseño y moda en Av. Italia y Condell destacan por la originalidad de sus propuestas al ofrecer un sinfín de objetos y mobiliario funcional y muy audaz. Si el lector es una persona detallista, amante del diseño y la ropa de autor, le recomendamos que se de una vuelta: se llevará más de alguna sorpresa agradable. El sector se ha convertido además en uno de los epicentros del ciclismo capitalino: una cómoda ciclovía recorre el barrio

Av. Italia 1216 A

Tienda Carita de Gato

por Marín, Pedro León Gallo y Elena Blanco. Varios talleres de bicicletas se han instalado en la zona, entre los que destacan Grito Bikes, el patrimonial Taller Beltrán y La Bicicletería, ubicada en Av. Rancagua con Seminario, a pasos del Parque Bustamante. Si lo que le convoca es la buena mesa, no deje de visitar Puerto Calbuco en Av. Bilbao (que cuenta con una increíble oferta de ostras) y La Gran Ola en Av. Italia, que tiene una refinada carta de comida fusión peruana y Nikkei. Si lo suyo es la carne, no se decepcionará con las Parrilladas Uruguayas, ubicadas en Av. Rancagua. No podemos dejar de mencionar a los anticuarios instalados en Av. Italia con Caupolicán. Ir a buscar muebles y antigüedades, cultivando el arte de regatear, es sin lugar a dudas una experiencia inolvidable y bastante adictiva.

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• Andy Warhol, "Small Campbell's Soup Can (Chili Beef)",1962.

• INTI, 2012, Valparaíso, Chile.

ARTE URBANO

COLECCIONISMO

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El coleccionismo de arte posee diversos matices relacionados con la impronta de los coleccionistas. Hablamos con el curador de la Colección Cisneros y con Edward Shaw.

Visitamos el taller de la destacada artista chilena, quien presenta su muestra retrospectiva en el Museo de Artes Visuales de Santiago, Mavi: "Vivir en Obra", hasta mediados de julio. .

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Periódico nº 83

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COLECCIONISMO

Nos sumergimos en el mundo del coleccionismo, reflexionando sobre el precio que adquieren las obras de arte en el mercado y la relación que existe entre colecciones privadas y museos. Además entrevistamos a Juan Yarur, un verdadero mecenas moderno.

Perfil Arte

Barriovisión Las Condes

La artista concibe el arte como una forma de vida. Dedicada actualmente a la docencia, la creadora ha experimentado con una serie de técnicas y materiales.

Las Condes no es solamente una comuna dedicada a los negocios, en cada uno de sus rincones puede descubrirse un nuevo espacio dedicado al arte y la cultura.

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Periódico nº 82 30-05-2012 9:36:03