Periódico Arte al limite_MARZO 2013_ed_90 by Arte al Límite

Nº 90 MARZO 2013

SANTIAGO DE CHILE

distribución gratuita

inversión en arte Investigamos sobre cómo ha evolucionado el mercado de arte en los últimos años en el país, qué alternativas hay para quienes estén interesados en comenzar su propia colección y cuáles son los desafíos que aún nos quedan por recorrer.

cuenta pública cnca

ferias en Nueva york

Análisis sobre avances y los proyectos aún pendientes del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.

Volta, Scope y Armory Show, las tres grandes ferias neoyorquinas donde Arte Al Límite estará presente durante este mes.

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EQUIPO

Ana María Matthei directora • Ricardo Duch director • Cristóbal Duch asesor comercial • Catalina Papic directora de arte Camila Duch proyectos culturales • Kristell Pfeifer editora general Paulina Sepúlveda encargada de prensa • Isabel Agurto Periodista Paulina Loyola diseñadora en comunicación visual • Nathaly Pizarro diseñadora en comunicación visual Yael Vaisbuch diseñadora gráfica • Marcela Vergara practicante de diseño • Juan Yolin practicante de periodismo Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos • Ennio Bucci crítico • Enrique Solanich crítico • Pedro Labowitz crítico Jorge Azócar asesor • Ignacio del Solar asesor • Julio Sapollnik asesor • Paula Cárdenas periodista Soledad Cabello periodista • Bernardita Garib escritora y artista • Claudia Montecinos estudiante de periodismo Pedro Pablo Bustos historiador del arte • Lucía Rey historiadora del arte

EDITORIAL

MARZO (RE)CARGADO

legó marzo y con éste nuestras

duda este es un mercado que a nivel

En otra palabras, una revisión a cómo se

vidas vuelven a su acostumbrada

internacional se mueve de manera cada

ha decidido, a nivel estatal, invertir los

rutina. Para mucho quedan atrás

vez más rápida, con coleccionistas e

fondos destinados a cultura, a través de

los calurosos días de enero y febrero

inversionistas que van de una feria a otra

la valoración de los distintos proyectos

comienzan a retomar la cotidianeidad

buscando oportunidades para las que es

propuestos por el CNCA.

del trabajo o estudios. Marzo es un mes

necesario tener un ojo muy afinado. En

reconocido –y odiado por algunos- por los

Chile no podemos jactarnos de ser una

Durante marzo la mayoría de los ojos

gastos. Ineludibles responsabilidades que

nación de coleccionistas de arte, pero

de coleccionistas, críticos, artistas y

nos obligan a desembolsar a pesar nuestro

sí hemos notado un salto en los últimos

curadores miran hacia Nueva York.

y que nos recuerdan y refriegan que ya

años que ha logrado establecer, en cierta

Es ahí donde este mes se desarrollan

estamos en el nuevo año. Porque durante

medida, al arte como una alternativa de

importantes eventos artísticos y ferias

enero y febrero vivimos en una especie

inversión. Pero, a diferencia de otro tipo

como ADAA Art Show, Independent, Pool

de limbo en el que el año que comienza

de inversiones, la relacionada a las artes

Art Fair, la Bienal del Whitney Museum,

aún no es asimilado completamente. Es

está ligada a la estética y al gusto, a la

entre otros. Como es costumbre, Arte

recién en el tercer mes que nos damos

valoración del coleccionismo de obras

Al Límite estará presente en tres de las

cuenta que el verano está llegando a su

en sí mismas por el valor artístico que

más importantes ferias de arte de esta

fin y con ello aparecen, abruptamente,

poseen, más allá de la rentabilidad que

ciudad: Scope, Volta NY y Armory Show.

las responsabilidades asociadas.

de ésta se pueda obtener en el futuro.

Esto responde a nuestro compromiso

Entre tanto gasto quisimos abordar

También quisimos abordar este tema

llevar un pedazo de la cultura de nuestro

en esta, nuestra edición número 90,

desde el ámbito público, con un reportaje

país al resto del mundo y compartir con

la inversión de arte en el país y qué

sobre la cuenta pública que el Ministro

nuestros lectores las tendencias que

espacio tiene entre los chilenos. Sin

de Cultura hizo a principios de este año.

están recorriendo el globo.

con el arte nacional e internacional:

SUMARIO 6. Invertir en arte I 12. En el taller I 14. Cuenta pública CNCA 2012 I 18.Oscar Barra I 20.Críticas I 26. Panoramas I 30. Perfil Arte I 32.Colección Jumex I 36. Perfil Arte I 38. Klaudia Kemper I 40. Perfil Arte I 42.Ferias NY I 38. Frente a frente

32. coleccion jumex Entrevista al fundador de una de las colecciones de arte contemporáneo privada más grande de Latinoamérica. 30

38. Klaudia kemper

La artista de origen brasilero vuelve con una innovadora propuesta en el Museo Nacional de Bellas Artes.

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. • VENTAS info@arteallimite.com, ventas@arteallimite.com SUSCRIPCIÓN marketing@arteallimite.com • FONO - FAX 2 955 32 61 • WEB www.arteallimite.com FACEBOOK facebook.com/arteallimite • TWITTER @Arte_Al_Limite PORTADA Gracia Barrios, Mujeres, 2011, técnica mixta sobre tela, 240 x 200 cm. Imagen cortesía de Galería Artespacio. IMPRENTA R.R. Donnelley, Santiago, Chile.

Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

REPORTAJE

INVERTIR en

el arte Por amor al arte En la escena del Arte, como en cualquier medio, existen diversos actores que hacen que ésta se mueva, se profesionalice, sea cada vez más dinámica y, por ende, crezca y contribuya al desarrollo de una sociedad. Uno de los factores que compone esta escena, en Chile y el mundo, es el mercado. Es la comercialización de una obra y la difusión que obtenga un artista lo que, entre otras cosas, ayuda a que esta cadena fluya. Por Isabel Agurto y Juan Yolin. Imágenes cortesía de Galería Isabel Aninat y de Galería XS.

ás exposiciones, nuevas galerías, aumento de visitas y propuestas vanguardistas son algunas de las señales que nos hablan sobre cómo ha ido evolucionando el mercado del arte en Chile. “A mediados de los ‘90 existían muy pocas galerías. El arte estaba vinculado a una elite cultural y económica. Eso en parte ha cambiado, transformándose en un elemento transversal. En el presente hay más gente que visita galerías y museos y, aunque el crecimiento no ha sido tanto como quisiéramos, ha sido notorio”, relata la directora de la Galería y Centro de Restauración Artium, Luz Barros. La galerista Isabel Aninat opina que en el mercado chileno se debe tener conciencia sobre dónde invertir. “En la feria ARCO en España, un país golpeado por la crisis, se vendió prácticamente todo lo que se llevó de arte chileno. Es decir, en ese mercado la gente se está refugiando en el arte. Lo que falta es

incorporarse en ese mundo, más global y conciente de lo que está pasando”, explica. La curadora Constanza Güell y el sociólogo Nicolás Mardini notaron este creciente interés por el arte y decidieron unir sus experiencias para formar la agencia Mutt Art Dealers, que busca introducir nuevos artistas al mercado y guiar a compradores y coleccionistas en sus adquisiciones. Para Constanza Güell algo clave que se ha introducido en Chile en los últimos quince años es el concepto de gestión en las artes: “Ya no se trata solo de trabajar con los contenidos artísticos, sino con todo lo que está a su alrededor: administración de presupuestos, espacios, convocatorias, difusión, todas las líneas que implican un trabajo cultural”, asegura. Para que el mercado artístico de un país sea dinámico y beneficioso, deben participar coordinada y armónicamente diversos actores:

• José Balmes, detalle de Sin Título, 1980, técnica mixta sobre tela, 162 x 130 cm.

REPORTAJE

• Paula Dittborn, detalle de Niño, 2006, plasticina sobre madera, 40 x 40 cm. Colección privada de Raúl Sauma.

“En la feria ARCO en España, un país golpeado por la crisis, se vendió prácticamente todo lo que se llevó de arte chileno. Es decir, en ese mercado la gente se está refugiando en el arte. Lo que falta es incorporarse en ese mundo” Isabel Aninat, galerista artistas, galerías, críticos, asesores, coleccionistas, entre otros. La historiadora del arte y asesora de colecciones, Bernardita Mandiola, lo resume de la siguiente manera: “El coleccionista y el galerista son los dos actores indispensables, junto al artista o la obra. Pero hay otros actores que juegan roles importantes, como los martilleros y casas de subasta, los curadores, directores de museo, historiadores del arte y críticos. El asesor debe informar a un potencial comprador sobre todos los precios similares que se han vendido en los últimos años y también debe explicar y mostrar por qué la obra en cuestión es importante dentro de la producción de un artista”. El mercado del arte en Chile está en un período de crecimiento económico y de profesionalización. En los últimos diez años se

han generado instancias relacionadas con el estudio de las artes visuales y el coleccionismo, donde nombres como los de Voluspa Jarpa, Mónica Bengoa, Lotty Rosenfeld, Pedro Tyler, Iván Contreras Brunet, ya suenan en la escena internacional. Estos últimos se vienen a sumar a otros artistas de vasta trayectoria como José Balmes, Arturo Duclos, Gracia Barros y Roser Bru. “Instancias como Ch.ACO, Corpartes, CCU, Itau, Telefónica y Fundación AMA demuestran que hoy en Chile existe el interés y los fondos para hacer investigaciones artísticas y de la historia del arte que pueden estar a la par con el primer mundo. Este no es el mismo boom del arte de los ‘80, ahora viene acompañado de crítica, estudios serios e internacionalización”, complementa Bernardita Mandiola. Si bien hoy existe mayor movimiento en el mercado chileno, todavía queda mucho para alcanzar niveles internacionales como los de EE.UU o China -actualmente las dos mayores potencias en lo que a inversiones se refiere, incluida la inversión en arte-. Incluso a nivel latinoamericano, a Chile le falta seguir avanzando para poder compararse con países como Brasil, México, Venezuela, Argentina o Colombia. Isabel Aninat describe el estado actual del mercado chileno como un mercado incipiente que no cae en la cuenta de lo que está pasando en otras partes del mundo, donde el campo del arte está más desarrollado. “Se debe tener en cuenta esos mercados y atreverse a vender en ellos”, argumenta.

• Pedro Tyler, detalle de “Macqueen” y “Mendieta”, de la serie Antología de retratos famosos suicidas, 2011, bajorrelieve en reglas de madera, 23 x 27 cm. cada uno.

Pese a esto, para Constanza Güell se han dado pasos importantes en los últimos años. “Así como estamos geográficamente ‘a la cola’, en esto también estamos algo atrás, aunque mucho mejor que hace diez años. Ya no es Matta el único artista chileno, viene ahora una capa de artistas mucho más emblemática como Downey, o más jóvenes como Iván Navarro, Fernando Prats y otros de media carrera. Algunos chicos jóvenes ya han ido a exhibir al extranjero y participan de proyectos colaborativos gracias a las nuevas tecnologías. Claramente hemos avanzado, aunque falta mucho todavía”, analiza la curadora de Mutt Art Dealers. ¿A qué se debe este lento avance? Para la directora de la galería XS, Ana Jorquiera, es principalmente un tema de tiempo. “Somos un país más joven en muchos sentidos. En otros países el tema está consolidado hace décadas y tienen mercados más estables, donde se transa e invierte en arte de la misma forma que en otros bienes”. Para seguir avanzando, asegura, se necesita reforzar la gestión y un mayor dinamismo en el sector de la sociedad que apueste por el desarrollo de la cultura. La historiadora del arte, Bernardita Mandiola, concuerda: “Chile es un país que ha sido tradicionalmente aislado y que peca de un pensamiento algo provinciano, del cual estamos recién saliendo. Históricamente, la vanguardia en el arte no ha sido bien vista por los compradores chilenos, lo que resulta evidente al ver nuestros

museos, donde casi no hay obra impresionista o modernista; estas colecciones han sufrido por la falta de visión. Salvo algunas excepciones, el coleccionista chileno no ha comprado arte arriesgadamente”. El valor de una obra El mercado del arte es bastante particular y se diferencia de otros, pues el beneficio es mucho más que económico. Es el valor permanente de deleitarse y sentir la satisfacción de poder disfrutar de una obra de arte. La galerista Luz Barros considera que si bien el valor monetario de una obra no es el único valor que se le puede otorgar, sí es importante, puesto que a través de él, se valora el trabajo del artista. “Antiguamente cuando un artista vendía su obra era como si le vendiera su alma al diablo, se tenía una pésima opinión de quien ‘caía’ en el mercado, se decía que su obra iba a comenzar a decaer. Obviamente hay un reconocimiento no monetario, pero la paga de tu trabajo es el reconocimiento más pragmático y público de que lo estás haciendo bien. Qué mayor satisfacción que alguien que le gustó tu obra se la quiera llevar y pagar por ella”, explica. A esto agrega que en Chile existe una especie de división de los artistas en categorías que influyen en la valorización de su obra, que en palabras de

REPORTAJE

• Mónica Bengoa, detalle de On Plate 116, Tulip, 2013, fieltro de lana calado a mano, 81 x 121 x 9,5 cm.

Barros serían los consagrados, los artistas en vía de consagración y los emergentes. En términos generales, una obra se valora por su calidad, la importancia y relevancia del autor y su obra en la historia del arte -a través de exposiciones en museos, por ejemplo- y la inserción de esa obra en un mercado local e internacional. “No existen garantías en el arte contemporáneo, pero el arte emergente es de una inversión relativamente baja. Con el arte más antiguo es más fácil no equivocarse, pero el mercado es volátil y muchas veces se rige por modas”. La asesora ejemplifica lo anterior con el boom que tuvo la pintura del siglo XIX en los ‘80 y ‘90 y que hoy es una de las áreas difíciles de vender. Asegura que en los últimos diez a veinte años el interés mundial se ha centrado en los artistas del siglo XX y éstos se han valorado mucho en poco tiempo. Una buena inversión Para Ana Jorquiera, invertir en arte es un método seguro para proteger finanzas comparado con otros mercados: “Es un tema objetivo y no antojadizo. Los artistas trabajan toda una vida con galerías e instituciones desarrollando relaciones serias y a largo plazo. Son estos lugares quienes se responsabilizan de mover, difundir y distribuir comercialmente sus obras, fijando sus precios y nicho en el mercado”.

Si bien los expertos concuerdan en que el arte puede ser una buena inversión, también coinciden al recalcar que no es solo refugiar dinero en obras, sino que es necesario tener un bagaje cultural y una sensibilidad hacia el arte que se repite en la gran mayoría de los inversores y, por supuesto, en todos los coleccionistas. Decidirse a invertir en arte es algo que se debe hacer con mucha información, sobre todo si es por menos un millón de dólares, advierte Bernardita Mandiola. “Sobre el millón de dólares, se puede hacer con más seguridad y es una inversión de más corto plazo. Al hacerlo en obras de menos de este valor hay que hacerlo con mucho cuidado e información, ya que es una inversión de mayor riesgo y a largo plazo”, explica la asesora. Es importante destacar que al hacer este tipo de inversiones -de menor capital y mayor riesgo- hay ocasiones en que su valor puede aumentar mucho en poco tiempo y también oportunidades de adquisición en que se puede comprar algo a mejor precio y revender rápidamente, pero no es lo usual. El perfil del coleccionista “Antes se podía ver que la gente de cierto nivel intelectual o adquisitivo se empezaba a interesar por el vino, los autos o los caballos… hoy las nuevas generaciones, que tienen la posibilidad de viajar, de conocer el mundo, están mirando con nuevos ojos a los artistas locales y sintiendo una identificación con la producción local, una

• Voluspa Jarpa, Minimal secret, 2012, 15 papeles Fibra de algodón, fragmentos de archivos desclasificados en papel bond 90 gr., fragmentos de billetes (dinero) chileno de la década del 80-90 destruidos por el Banco Central de Chile, impresos láser y almidón de arroz. 192 x 290 cm.

responsabilidad con el arte nacional”, comenta Nicolás Mardini, de Mutt Art Dealers, refiriéndose a los nuevos coleccionistas. También, con el paso del tiempo, se ha democratizado el acceso al arte, lo que permite que llegue a más personas a través de medios como Internet, con lo que aumentan las posibilidades de que la escena y el mercado sigan creciendo. “Una colección de arte, más allá de ser una buena inversión, tiene que ser algo que al coleccionista le llene el espíritu, tiene que ser un estilo que le guste, con artistas que le lleguen, que el leit motiv no sea la inversión”, comenta Luz Barros. Así también lo confirma Antonio Bascuñán, quien comenzó a coleccionar cuando todavía estaba en el colegio y compraba pinturas del siglo XIX y comienzos del XX en remates. “No es un tema de plata, se puede empezar comprando grabados o cuadros en pequeño formato. Si existe un artista o corriente que te interese, debes tratar de conocer a los artistas, entender por qué hacen ese tipo de obras (…) Aunque los asesores hacen un trabajo bastante espectacular, es fundamental que sea al coleccionista al que le apasione su colección”. Los coleccionistas chilenos se caracterizan por ser profesionales con un cierto poder adquisitivo y que están dispuestos a aportar al patrimonio de alguna manera, sin buscar un reconocimiento por eso, sino una satisfacción personal y apoyar la creación artística del país. “A nuestra oficina no llega nadie que se interese solo por resguardar

dinero. El mercado chileno, al menos hoy, no tiene ese tipo de personajes. Es gente muy culta, que sabe perfectamente lo que quiere y si no lo sabe, lo investiga y luego toma la decisión de involucrarse”, asegura Nicolás Mardini, de acuerdo a su experiencia como dealer. Como coleccionista y apasionado por el arte, Antonio Bascuñán dice que nunca ha pensado en el arte como una inversión. “No tendría una obra que no me gustara por lo que me pudiera reportar en el futuro. No creo en los índices de la pintura chilena. Independiente de esto, el ojo de un buen coleccionista hace que su colección se valorice en el tiempo”, explica. Las piezas más preciadas que tiene Bascuñán son Al Calor del Pensamiento, una instalación de Gonzalo Díaz, y la serie Cruces Sobre el Pavimento de Lotty Rosenfeld, ambas presentadas en Documenta 12, Kassel. La recomendación fija que entregan los asesores a quienes se interesen en iniciar una colección o invertir en arte es principalmente “ver” e insertarse en la escena, afinar la mirada. El primer factor es empezar por mirar arte, explorar museos y libros, empezar a definir sus gustos, aunque estos mismos pueden cambiar con el tiempo. “Lo esencial es que la obra guste, porque si no, difícilmente creará una pasión, ya que es la pasión la parte más entretenida de empezar una colección. Coleccionar arte debe ser entretenido, debes disfrutar ir a las galerías, los museos, las subastas y las ferias, porque si no te gusta entonces no tiene sentido”, señala Bernardita Mandiola.

en el taller

ANDRÉS BALDWIN Una cámara de tiempos Por Lucía Rey, profesora de Artes Plásticas, Magíster en Teoría e Historia del Arte. Imágenes cortesía del artista.

umerosos pasos son los que requiere del caminante la visita al taller de Baldwin, que después de un kilómetro de ripio, cantos de pájaros y patos en un estanque, termina conquistando y relajando al concurrente. Tal vez esto es lo que el artista busca con su trabajo, y performáticamente exige de su propio espectador una actitud de entrega en la contemplación y de aprendizaje para quienes luego de conocerle deciden aprender por medio de él. Como si esta área verde abandonada fuera una tela en blanco, Baldwin se propuso hace cuatro años construir su taller. Cual obra en progreso partió con brochazos construyendo desde los más básico y digno, hasta lo más minucioso y sofisticado. Como en este caso, la fe de quien imagina muchas veces es solitaria en la empresa de la creación. Baldwin se propone levantar un ambiente acogedor, amplio y alejado del ruido. Así, en la medida en que va levantando su obra, se incluyen algunos adeptos alrededor potenciando el espacio. Su propio taller articulado en un flujo constante de materiales y creaciones, indicaciones y aprendizajes, funciona como un motor cultural y estético. No solo por la técnica y el oficio que da sentido al lugar, sino también porque Baldwin, al creer en su trabajo, entrega mucho más que lo frío de las técnicas, traspasando conocimiento subjetivo y objetivo. Invita al taller a historiadores que, mediante una exposición proyectada en una tela especial para el caso en el muro, cuentan sobre el aspecto teórico e histórico de lo que en general Baldwin trabaja en la práctica con sus alumnos. Ahí, la dedicación entregada por el artista corresponde con el recuerdo constante de su profesor Miguel Venegas Cifuentes, quien desinteresadamente le entregó mucho más que técnica en la dedicación. Por esto es que con sus talleres atrapa adictivamente a quienes llegan hasta ahí. En el aspecto de creación personal hay trabajos de encargos específicos como se vio en la visita, una gran tela con la figura de un arcángel ambientado en las obras del siglo XV en Europa. O encargos creativos en torno a un tema en especial. El artista entrega sin resquemores, en esta visita, los pasos técnicos de su trabajo: el cómo empieza y cómo termina su

obra. Además, comparte su nuevo proyecto personal en torno al cuerpo en movimiento y el gesto creativo captado dentro de otro, como un obturador en cámara lenta que atrapara el proceso de una secuencia. Baldwin transita con autonomía técnica y creativa entre el realismo, el hiperrealismo y el surrealismo sin dificultad y en libertad de estacionarse o no en alguno de ellos. La sensación de estar en un taller renacentista emerge como inevitable, tal vez por las dimensiones de éste, sobre todo en su altura y organización, y por su transitar en obras y técnicas cercanas a la época. Baldwin mantiene un orden en su taller. Siempre está limpio y organizado. La independencia en su espacio de trabajo resulta un eje generativo de realidades. Cada mueble tiene insertas en las patas unas ruedas que permiten al artista moverlos sin dificultad para realizar cualquier cambio dentro de su taller. El cielo está diseñado en función de la luz, de manera que nunca tendrá la luz frontal sino que la justa para trabajar. Al salir, nos encontramos con la romántica vista de un paisaje hacia el Templo de los Benedictinos, del cual emanan campanadas a ciertas horas y el silencio interior producido por los monjes

llega hasta el taller transformado en una brisa de calma, recogimiento y creación. Existen sectores que ponen en movimiento distintos aspectos del taller. Hay una oficina aparte con un escritorio y archivadores. Un espacio para descansar, de fumadores. Un lugar para libros de arte. Un sector musical. Un espacio para las herramientas de trabajo de construcción y arreglos del taller y sus muebles. Sector de atriles, de pinceles (limpios), telas propias y de alumnos (que el artista gira hacia el reverso con el fin de evitar la saturación visual). Un sector cómodo de café y comidas. Y un sector mural pequeño, como personal, reservado para los “trofeos de guerra” en este caso una paleta de colores usada durante una pintura bastante importante para el artista. Así, se exhibe como un registro de una performance, como si lo único que quedara más allá de la tela (el producto artístico) fuera la espontaneidad de la paleta que contuvo en su estrecha superficie la tensión del gesto creativo en una sumatoria de colores superpuestos indefiniblemente.

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REPORTAJE

AVANCES Y DESAFÍOS CUENTA PÚBLICA CNCA 2012 Comenzando el año -el 4 de enero- el Ministro de Cultura, Luciano Cruz-Coke, presentó la Cuenta Pública 2012 del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA), que recopila los avances logrados durante el año pasado y anuncia nuevos objetivos para éste, el último de su administración. Por Isabel Agurto y Juan Yolin Ilustraciones por Marcela Vergara, @chiguts

l análisis oficialista es positivo y se basa principalmente en el aumento de asistencia de público a espectáculos de corte cultural, especialmente en cine y teatro –un 17,7% más de espectadores en los cines y un 12,5% más en teatros-. Y aunque el presupuesto dedicado a la cultura en Chile aún no alcanza los niveles de algunos países desarrollados, el Ministro da cuenta que se ha avanzado bastante, destacando que mientras el sector público crece un 5%, el presupuesto del CNCA aumentó en un 7,8% y un 10% en el caso de los Fondos de Cultura, en este último año, “la cifra más alta que se haya destinado históricamente a la cultura”, asegura. Sin embargo, surgen críticas que cuestionan, entre otras cosas, el escaso avance en la prometida modificación de la Ley de Monumentos Nacionales y la creación de un nuevo Ministerio de la Cultura y el Patrimonio.

En general, esta iniciativa es considerada positiva. No obstante, para la Directora del Observatorio de Políticas Culturales, Bárbara Negrón, este programa no soluciona el problema del centralismo existente en el país. “Tenemos alrededor del 80% de la formación artística en la capital, casi el 60% de las librerías está en la Región Metropolitana, también los cines, las bibliotecas, y así un largo etcétera. Y esto difícilmente se soluciona con un programa”, explica. La propuesta del CNCA es que de aquí al 2016 se destine un 2% del presupuesto de cada municipio a temas culturales y se incorpore este ítem en el Plan de Desarrollo Comunal. “Me parece muy bien orientada, pero debe asegurarse la permanencia de la medida; que no dependa solamente del compromiso del alcalde de turno” agrega Negrón. Creación del Ministerio de la Cultura y el Patrimonio

Arte Al Límite analizó algunos de los principales puntos que fueron abordados en esta cuenta pública. Red Cultura: Infraestructura y Programación Cultural Con una inversión total de 175 millones de dólares, que permitirá movilizar la cultura a las diferentes comunas y regiones, se comenzó a implementar la Red Cultura, compuesta por 51 centros culturales comunales, de los cuales ya hay 21 inaugurados y se espera tener otros 20 abiertos hacia fin de año. “Hemos desarrollado un programa de fomento a la gestión profesional y de incentivo a la programación de calidad que permita que esta Red Cultura sea sustentable en el tiempo y promueva la participación ciudadana en el desarrollo cultural”, enfatiza Luciano Cruz-Coke.

La creación del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, hace casi 10 años, significó un avance fundamental para el desarrollo cultural, que no solo instaló en el gabinete del Presidente la figura de un Ministro y permitió darle más relevancia pública y financiera al ámbito cultural, sino que innovó en la forma de hacer políticas públicas, incorporando órganos colegiados que representan a la sociedad civil en la toma de decisiones. Sin embargo, este proceso no pudo incorporar a dos órganos fundamentales y del quehacer cultural público como la Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos (DIBAM) y el Consejo de Monumentos Nacionales, que aún dependen del Ministerio de Educación. Esta dispersión de instituciones que actúan en temas tan

REPORTAJE

en el centro del debate no pasa por tener un Ministerio de Cultura. “Al contrario, bajo esa orgánica los artistas tendrían menos representatividad, lo cual es indispensable para la articulación del sector. Cuando hablamos de generar políticas públicas, éstas deben hacerse en conjunto con los beneficiarios, son los artistas quienes mejor pueden describir sus propias problemáticas. Una buena práctica es siempre construir una política cultural a puertas abiertas”, argumenta la gestora. Durante este mes -a un año de que termine el actual mandato- se enviará al Congreso el proyecto de ley para crear el Ministerio de Cultura, integrando finalmente al CNCA, la DIBAM y al Consejo de Monumentos Nacionales. “Este Ministerio contará con órganos representativos de la sociedad civil en la definición de las políticas culturales, lo que permitirá contar con políticas integrales tanto para el ámbito de la creación artística como las industrias culturales y el patrimonio en toda sus dimensiones”, comenta Cruz-Coke. Sistema Mixto de Financiamiento Otro aspecto que destaca en el discurso del CNCA es la noción de mercado y el sistema mixto de financiamiento, lo que no tiene un carácter negativo ni positivo en sí mismo, sino que debe evaluarse según sea su implementación.

relevantes como la creación artística, el patrimonio, el fomento a la lectura, el acceso y la participación de la ciudadanía en cultura, la internacionalización y el derecho de autor, ha significado un obstáculo al momento de aunar funciones. “Ha generado duplicidad de recursos y dispersión de responsabilidades, pero más grave aún, impide la generación de políticas públicas integrales que coordinen acciones”, explica el Ministro. Es por esto que una de las principales iniciativas propuestas por el CNCA, si es que no la más importante, es la creación del Ministerio de la Cultura y el Patrimonio, siendo de los temas más discutidos y en lo que hasta ahora se evidencia el menor cumplimiento. Ante esto, la directora del OPC, Bárbara Negrón, explica la necesidad de contar con un sistema integrado: “Es necesario que las entidades públicas que trabajan para la cultura sean centralizadas en una sola institución y que ésta tenga todas las facultades de cualquier otro ministerio”. Por otro lado, la gestora cultural, Maite Gallego, difiere sobre el planteamiento de que solo la creación de un Ministerio de Cultura asegurará el desarrollo cultural del país. Para ella, situar la cultura

La directora del OPC, Bárbara Negrón, asegura que es necesario desarrollar el mercado relacionado con las artes y la cultura, porque puede favorecer la sustentabilidad de ciertas actividades y colaborar con la distribución, pero insiste en que también es necesario regularlo. “Una cosa es mejorar las herramientas para que los privados inviertan más en cultura y otra muy distinta es recortar los presupuestos de las instituciones culturales que ya tienen muchas dificultades para funcionar. No se trata de incrementar el financiamiento privado para que el Estado disminuya su aporte”, explica. Por otro lado, Maite Gallego enfatiza en lo cauteloso que se debe ser a la hora de analizar qué es industria cultural en Chile: “Crear industria significa fomentar motores de innovación y creatividad en los diversos sectores de la cultura. Pero esto no equivale a poner precio a los ‘productos artísticos’ con fe ciega en la dinámica de la oferta y la demanda. El valor económico que podrán alcanzar los bienes culturales son más bien una consecuencia de un proceso de desarrollo en el tiempo y no un requisito a priori”. Ley de Monumentos Nacionales En el análisis legislativo y programático que realizó el Observatorio de Políticas Culturales de la cuenta pública que dio el Presidente de la República el 21 de mayo de 2012, se señaló enfáticamente el nulo avance en el cumplimiento de la promesa de modificación de

la Ley de Monumentos Nacionales, puntualizando que la ley en su estado actual no logra incorporar medidas de protección a ámbitos tan importantes como el Patrimonio Inmaterial; y hoy, a casi diez meses de aquel discurso, la situación parece no haber cambiado.

realizar estudios en cuanto a la calidad de éstos. “Los datos duros son siempre bienvenidos, pero creo que hay que ir más allá. Es importante estudiar el comportamiento de los públicos en términos cuantitativos como lo están haciendo, pero también cualitativos”, concluye Gallego.

La Directora del OPC asegura que no ha habido avances. “Me parece grave que éste sea un compromiso presidencial y que no se haya dado un solo paso para concretarlo. Todos los sectores coinciden en que es vital modernizar esta normativa que data de 1925”, argumenta Negrón.

Por su parte, el Ministro de Cultura menciona que dentro de los desafíos futuros estará una mayor integración de la cultura en televisión, ahora que se acerca el escenario digital. “Esto requiere reformas legislativas importantes acorde a los tiempos”, explica. También plantea la necesidad de buscar nuevos modelos de desarrollo para las industrias creativas y en materia de fortalecimiento de los derechos de autor: “No solo generan crecimiento para el país, sino que también irradian a toda la sociedad una cultura de innovación, ya que relacionan el talento de los creadores con la lógica del emprendimiento”.

A un año de la finalización del actual gobierno, podemos concluir que si bien ha habido avances, éstos no han sido suficientes en relación a las promesas realizadas. Queda por ver cuánto y cómo se puede lograr mayor visibilidad de este desarrollo y concreción de ciertos proyectos emblemáticos en los próximos doce meses y qué tareas quedarán para quienes asuman la labor de dirigir las políticas culturales del país a partir del próximo año. Para Maite Gallego, uno de los puntos importantes de abordar es la “formación de audiencias”, puesto que si ya se ha avanzado en el número de asistentes a espectáculos culturales, el paso a seguir es

Sin duda estas reflexiones estarán presentes en el programa de la Cumbre de las Artes IFACCA (International Federation of Arts Councils and Culture Agencies), que reunirá a más de 500 representantes de ministerios y agencias de cultura de todo el mundo en enero de 2014 y que seguramente marcará la agenda de lo que el país debería plantearse en materia de cultura hacia el futuro.

entrevista

• El lado oscuro del amor, acuarela y tinta sobre papel.

óscar bARra Aguas ambiguas Luego de dos años sin exponer en Santiago, el artista presenta Extraños en el Paraíso, en Galería Blanc, un conjunto de dibujos y acuarelas que muestran una realidad escindida por la fantasía. “Un lugar amigable / lleno de seres extraños / que buscan la felicidad”, sugiere en un poema de su autoría. Por Juan Yolin, periodista en práctica. Imágenes cortesía del artista.

ovido por una inquietud de alquimista, Óscar Barra ha ido estableciendo las bases para lo que él llama “un universo nuevo”, una dimensión donde dibujo y pintura son vehículos que viajan constantemente por el cosmos de su autor. Pareciera como si su obra fuera una invitación a abordar una extravagante nave espacial, una suerte de réplica intergaláctica del Yellow Submarine, y así mirar por las ventanas fascinantes creaciones mutantes que, sin la ayuda del autor,

quedarían exiliadas en lo inefable. Su próxima exposición en Galería Blanc, Extraños en el Paraíso, es justamente el anuncio de un nuevo recorrido de esta nave, donde el artista presentará una selección de obras recientes que prometen sumir al espectador en un trance por las laderas de lo fantástico. Podría decirse que has creado un “bestiario”, criaturas que han ido engrosando tu obra en la medida que se ha desarrollado. ¿Cuál es tu relación con tus creaciones? Más que un bestiario, creo que lo que he creado es un imaginario, un universo nuevo de seres, artefactos y máquinas imposibles. Es una realidad con lógica propia y plagada de personajes sin identidad y sin rumbo; un lugar desconocido y de características ambiguas en cuanto a las leyes que lo rigen. Esto obedece a la “física” de la plástica, del arte en su esencia más pura y antigua: la búsqueda de la belleza. Lo que llamas “bestiario” estaría contenido en este mundo amplio e inagotable. Sobre el bien y el mal, ¿cómo crees que una mirada infantil desarrolla estos extremos morales? La verdad es que aquello de la mirada infantil no son mis palabras, es lo que otros ven en lo que hago. Y es valido, pues

• Atrapador, acuarela y tinta sobre papel.

la obra cumple su cometido cuando comunica y se conecta con el espectador, cuando toca su alma que, a veces, es un alma de niño. Desde la inocencia, el bien y el mal no existen. Desde la conciencia, no somos buenos ni malos, somos humanos. Mi obra navega en aguas de ambigüedad, sobre una delgada línea que separa lo uno de lo otro, muy lejos del mundo real y muy cerca de lo que realmente somos. Entre tus referentes haces mención a Ray Bradbury. ¿En qué aspectos se relaciona tu obra con las del escritor de ciencia ficción? Concretamente, la palabra. Su poética llenó de imágenes mi cabeza y mi corazón de un sentimiento de fragilidad y soledad frente a la inmensidad del universo. Algo pude entender entonces de la naturaleza humana y algo más entiendo ahora de mi propia existencia. Aunque el misterio es demasiado grande, el amor ayuda. La felicidad es sólo una ilusión, pero es bella. Lo importante es que el ser humano sobreviva pero, tarde o temprano, el cosmos se olvidará de nosotros. ¿Cuánto llevas sin exponer? Nunca he dejado de hacerlo, siempre estoy en exposiciones

colectivas y proyectos a los que me invitan. Individualmente, lo último que hice fue en el Centro Cultural de Recoleta. Tengo muy lindos recuerdos de esa exposición y de la gente que me acompañó. ¿Cuáles son tus expectativas con la exposición en Galería Blanc? Creo que es fundamental para un artista no tener expectativas. Solo hay que disfrutar el momento, compartir con los amigos, abrazar a la mujer amada y, en lo posible, iluminar las miradas de los asistentes con sueños y recuerdos. Esa sería mi única expectativa, el resto ya no está en mis manos.

EXPOSICIÓN EXTRAÑOS EN EL PARAÍSO LUGAR: Galería Blanc DIRECCIÓN: Av. Vitacura 4363 FECHA: Del el 5 de marzo al el 2 de abril

Crí ti ca

Por Ernesto Muñoz. Crítico de Arte. Miembro de AICA.

DUCHAMP Y SOUTH AMERICAN WAY » Imágenes cortesía de Amelia Errázuriz.

• Intervención de Amelia Errázuriz sobre la obra de Duchamp.

hile, noviembre de 1948, gobierno del Presidente González Videla e inicio de la Guerra Fría. Una obra de Marcel Duchamp se presenta en la galería Dédalo, Santiago, en el marco de una muestra surrealista. Posteriormente en 1972, en la muestra del MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) que se llevó a cabo en el Museo de Bellas Artes de Santiago, vemos una pieza fundamental del artista francés. Estos antecedentes presentan el conocimiento que tenemos de su quehacer, el cual se concentra hoy en su mayoría en el Museo de Arte de Filadelfia. Raúl Antelo, crítico y profesor de la literatura comparada de la Universidad Santa Catalina de Brasil, presenta su libro María con Marcel. Duchamp en los trópicos, obra capital para

comprender a este artista y su relación con este continente. Duchamp inició precedentes y formó el arte de hoy, que no existiría sin la audacia de sus piezas que acabaron con una visión del arte. “En medio de la Primera Guerra Mundial, Marcel Duchamp, seguramente el más consecuente vanguardista del siglo XX, llegó a Buenos Aires. Odia la ciudad. Le pareció rastacuera y provinciana. Quiso armar una exposición. No pudo. Decidió entonces jugar al ajedrez. Pero, ¿es verdad, como sostiene la crítica, que entre su obra y la cultura en la que circuló durante 1918 no pasó nada?” Plantea el libro. “Al promediar la otra guerra llamada mundial, a principio de los años cuarenta, instalado ya en Nueva York, Duchamp

mantuvo un largo romance con la artista plástica brasileña María Martins. Fue su musa para varias obras, inclusive para la más definitiva, Dados, que le tomó veinte años de trabajo. Pero ¿es verdad, como sostiene la crítica, que entre su obra y la de María, tan elogiada por André Breton, no hay nada en común? ¿Que lo de ellos fue sólo pasión de dos cuerpos?” Continúa la presentación del libro. María con Marcel. Duchamp en los trópicos aborda esos consensos de la crítica y lo hace transitando por la historia cultural latinoamericana para extraer de ella los debates y controversias que, de manera tenue pero incontestable, se registran en la obra del artista francés y que muchas veces la crítica internacional pasó por alto. No es solo –ni básicamente- la historia personal de Marcel o María lo que aquí está en juego. Es el archivo de la modernidad periférica que se reabre para mostrar otro recorrido. María Martins casada con el diplomático Carlos Martins. Carlos y María Martins permanecen en Europa hasta el inicio de la guerra. En 1939, Getúlio Vargas, gracias a los vínculos que él mismo y su canciller, Oswaldo Aranha, mantenían con Carlos Martins, destina al amigo al puesto de Embajador en Washington y esa fase, que se extenderá hasta 1948, cuando Martins asume el puesto de embajador en Paris, será decisiva para la carrera de María. La artista expone sus esculturas en madera, entre ellas Lara, en la feria mundial de 1939 y, al año siguiente, en la Internacional de Filadelfia y en una muestra colectiva del Riverside Museum (NY). En 1941, María realiza su primera muestra individual en la galería Corcoran de Washington. Nelson Rockefeller le compra entonces su escultura Cristo para la colección del MoMA. Conoce en ese momento al escultor Jacques Lipchitz, entonces en una fase lírica de su obra, y con él Maria aprende a trabajar en bronce. Alquila un estudio en la esquina de Park Avenue y la calle 58 donde sostiene su romance con Marcel.

• Portada del libro María con Marcel: Duchamp en los tropicos (Arte y Pensamiento), ilustrado con una foto de la obra Esterescopio del colectivo IMADUBA.

Duchamp inició precedentes y formó el arte de hoy, que no existiría sin la audacia de sus piezas que acabaron con una visión del arte.

Crí ti ca

Por Pedro Labowitz. Crítico de arte . Miembro de AICA.

ENTRE BLANCO Y NEGRO Exposición colectiva en Artespacio » Imágenes cortesía de Galería Artespacio.

n grupo de alumnas de arte de la U. Finis Terrae muestran obras en blanco y negro. Obras incoloras, pues estrictamente “blanco” y “negro” no son colores sino “valores”. Sabemos de nuestro tiempo de escolares que un disco pintado de todos los colores del arcoíris, al rotar, produce el efecto de verse blanco; mientras que en una imprenta, si se aplican todos los colores uno encima del otro, el resultado será negro. Estamos acostumbrados a fotografías en blanco/negro. En este medio, Luz Correa muestra atractivas variaciones sobre ramas y hojas. Pilar Undurraga se presenta con tres cuadros. Grandes bloques negros de bordes totalmente irregulares constituyen fuertes contrastes con sus fondos negros y consiguen resultados de mucho poder visual, cual un puñete al ojo. Usa muy sutiles efectos de collage en sus superficies, lo que contribuye a hacer su obra tan potente como interesante.

Isidora Fernández constituye aquí una excepción, al presentar esculturas de delgadas barras de fierro pintadas en rojo, en parte móviles y algo juguetonas. Todas las demás expositoras están en un nivel igualmente satisfactorio, tratándose de artistas al comienzo de sus carreras. Isidora Fernández, Fabiola Barrera o Manuela Peña son solo algunos de los nombres que se distinguen; hay varios más. Con toda propiedad la U. Finis Terrae goza del renombre de ser nuestra mejor escuela universitaria de arte.

EXPOSICIÓN ENTRE BLANCO Y NEGRO LUGAR: Galería Artespacio DIRECCIÓN: Alonso de Córdova 2690, Vitacura FECHA: Hasta el 9 de marzo de 2013

• Pía Bahamondes, detalle de Sin título, 2012, fotografía digital blanco y negro, impresión inkjet sobre papel fotográfico, 50 x 70 cm.

• XXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXX XXXXXXXXXXXXXXXXXX

Por Enrique Solanich S. Magíster en Teoría e Historia del Arte. Miembro de AICA.

Crí ti ca

MANUEL ANTONIO AGUIRRE Dulce Compañía » Imágenes cortesía de Manuel Antonio Aguirre.

anuel Antonio Aguirre (Santiago, 1956) exhibe sus recientes trabajos en las Salas de Casas de Lo Matta y nada azaroso es que su apertura se fije para el próximo miércoles de la Semana Santa del año que corre. El título de la muestra es más que indicativo: Dulce compañía. Son dos palabras invocadoras, sacadas de aquella frase que se completa con “no me desampares ni de noche ni de día”, según reza la tierna y protectora plegaria que remonta, al unísono y sin pudor, a la infancia, replicadas al momento de implorar la custodia del Ángel Guardián, en un aprendizaje apañado por la ternura de madres y abuelas. Se acepta que el término Arte Sacro alude a lo católico o cristiano y que su declive en el siglo XX es palmario, entre otras causas, por las exigencias eclesiásticas improcedentes y la reiteración de motivos manidos que devienen manierismos insulsos. La trayectoria de Manuel Antonio Aguirre en las artes plásticas ostenta varias exposiciones, dentro de las cuales y como apuestas individuales sobresalen Eli Eli Lamma Sabacthanni en el MAC, durante 1999 y Tributo a la fe en la Galería La Sala el pasado 2010, eslabones y pasos que afianzan sus búsquedas y ajetreos iconográficos en el terreno de lo religioso y solidario. Como se deduce, esta exhibición va en la saga y continuidad de las anteriores comparecencias, siempre sorprendente por su entusiasmo en temas que se han distanciado de la creación visual, siendo hoy poco solicitados o expurgados de los imaginarios por las razones aducidas antes. Un ángel es un ser espiritual puro y superior al hombre, que habita en la corte celestial y ejecuta las órdenes de Dios. Su etimología arranca de griego ángelos y este del latín angelus, alusivo a mensajero o nuncio, aquel que porta nuevas. El arte cristiano, tan proclive a su revelación figurada, representa a los ángeles en nueve coros, divididos en tres categorías: la primera son Serafines, Querubines y Tronos; la segunda Dominaciones, Virtudes y Potestades y la tercera Principiados, Arcángeles y Ángeles. En sus apariciones simbólicas lucen jóvenes, alados, descalzos; con vestimentas blancas o doradas, acompañadas de piedras semipreciosas, cualidades todas de amplias connotaciones, necesarias de saber descifrar. Reducidos en diseños andromorfos, los ángeles sintetizan, además, animales sagrados y pueden ser modelos protectores o potencias

• Superluminico, óleo sobre tela, 144 x 140 cm.

vengativas y, en su condición de identidad sexual ambigua, castigan a los réprobos, apartan demonios o protegen. La exposición en comento enseña pinturas al óleo en formatos medianos, cuyas medidas oscilan desde 130 x 97 cms., a los 144 x 140. Los títulos de algunas pinturas, tales como Integrados, Abandono, Reflexión, son elocuentes orientaciones para saber de las misiones y atributos que los ángeles portan, develando que el ejercicio visual de Manuel Antonio Aguirre rebasa la ilustración fatua, exulta una hondura de conocimientos sobre el tema y adecua sus sólidos recursos pictóricos a contenidos complejos de asimilar. El ajuste exigido por el vocabulario plástico entre forma y fondo, halla acá una conjunción armoniosa y lograda, que todo espectador acucioso y comprometido puede aprovechar y solazarse con el imaginario propuesto, de suyo incitador. Mérito, entonces, es el atrevimiento para afrontar desde la visibilidad creencias desarraigadas de la memoria colectiva, empero fortificantes y didácticas, elaboradas con rangos estéticos propios de la buena pintura.

Crí ti ca

Por Ennio Bucci Abalos. Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética . Miembro de AICA.

LANZAMIENTO LIBRO SOBRE PRÁCTICAS Y DISCURSOS DE LOS AÑOS 70 Y 80 En el Centro de Documentación del CCPLM »Imágenes cortesía del Centro de Cocumentación del CCPLM.

n el mes de enero del presente año se realizó el lanzamiento del segundo volumen de Ensayos sobre artes visuales. Prácticas y discursos de los años 70 y 80, en el Centro de Documentación del CCPLM. Esta edición, como su primer volumen, es un material de valiosa información; de un serio trabajo de investigación que da nuevas luces y aspectos de nuevos análisis del acontecer en las artes visuales en Chile en las décadas de los años 70 y 80. De esta manera el libro abre un puente de conocimiento, de documentación inédita de relatos que han permanecido en la memoria oral de los gestores y de temas y hechos que han sido omitidos o no tratados de la manera científica en su estudio e investigación que corresponda. A su vez, esta segunda edición fortalece un campo hasta ahora escasamente cuidado en la población universitaria nacional, ya que corresponde a investigaciones en base a fuentes primarias para dar cuenta minuciosa y rigurosa para la historiografía del arte en Chile. La selección de los ensayos estuvo a cargo de un jurado de especialistas en los temas. Soledad García, encargada del centro de documentación y profesional seria y acuciosa en su trabajo, organizó y seleccionó, tras una rigurosa mirada, los ensayos que postularon en esta segunda convocatoria. Los investigadores seleccionados fueron Felipe Baeza y José Parra, autores del ensayo Taller de Artes Visuales. Producción, difusión y reflexión sobre el grabado en Chile, Amelia Gross, con su ensayo Cuerpos Blandos y Francisco Godoy con el trabajo Cuerpos que manchan, Cuerpos Correccionales. Sedimentación y Fractura Sobre Arte en Chile en 1980. Soledad García señala en la presentación del libro: “En su especialización sobre las artes visuales contemporáneas y sus diversas acciones por promover el uso de su acervo, el Centro de Documentación busca potenciar las lecturas transdiciplinarias de sus colecciones; en función de la discusión y debate sobre una época en Chile de compleja aproximación, pero imposible de evadir”. Felicitamos este tipo de iniciativas editoriales y la labor del Centro de Documentación del CCPLM por su quehacer que abre nuevas perspectivas para la investigación de la historiografía del arte en Chile.

• Portada del libro Ensayos sobre Artes Visuales, volumen II.

Panoramas del mes EXPOSICIONES La exposición reúne parte de la colección de arte flamenco del coleccionista Hans Rudolf Gerstenmaier, empresario alemán afincado en España desde hace más de 40 años que, movido por la búsqueda de lo bello y con un excelente gusto y sensibilidad, ha sido capaz de crear este acervo. Una selección de pinturas y grabados del arte flamenco, que abarcan desde fines del siglo XV hasta principios del siglo XVIII, y que incluyen obras de Pedro Pablo Rubens, Anton Van Dyck y Jan Bruegel, entre otros.

de rubens a van dyck • Pedro Pablo Rubens, Virgen y niño, óleo sobre tabla, 105 x 68 cm.

Del 15 de Marzo al 26 de Mayo de 2013 Corporación Cultural de Las Condes Apoquindo 6570, Santiago. www.culturallascondes.cl/ene

Del 8 de Marzo al 7 de Abril de 2013

Del 7 al 31 de Marzo de 2013

Casas de Lo Matta

Galería Isabel Aninat

“Del Capricho al Disparate” de Salvador Dalí

“S.A. Sociedad Anónima” de Manuela Viera-Gallo

80 grabados cuyas planchas fueron adquiridas por el genio surrealista Salvador Dalí e intervenidas entre 1973 y 1977. En esta intervención, Dalí reconoce al romanticismo como mentor del surrealismo respetando el trazo goyesco, pero despojando al capricho de toda carga social para convertirlo en una pieza puramente surrealista.

La artista expone una serie de esculturas que recurren a la metáfora como modelo reflexivo. El objeto de esta reflexión es, en palabras de la artista, el poder en sus más variadas manifestaciones (económico, político, mediático, religioso, etc.).

Avda. Kennedy 9350, Santiago www.vitacura.cl/vita_matta/index.php

Espoz 3100, Santiago. www.galeriaisabelaninat.cl

Santiago

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

panoramas del mes

Del 13 de Marzo al 13 de abril 2013 Galería Artespacio “Voces en el aire“ de Keka Ruiz Tagle Esta exposición presenta esculturas-cabezas y grabados collage con fuertes colores que provocan vibración, movimiento y que develan la presencia de un mundo imaginario en donde aparecen figuras, palabras, rostros y peces, siendo el ser humano el protagonista. Alonso de Córdova 2600, Santiago. www.galeriaartespacio.com

del 20 de Marzo al 20 de Abril de 2013 Sala de Arte Las Condes

“Paso de cebra” El artista y curador, Cristián Velasco, presenta Paso de cebra, proyecto que reúne a artistas jóvenes de diferentes disciplinas que hacen un cruce entre la estética urbana y el carácter transitorio e inmediato de la práctica pictórica de la calle, versus la estética que surge a partir del ciudad y el habitar en el interior del espacio doméstico. Av. Apoquindo 3300, 2do Piso, Santiago www.lascondes.cl/cultura/sala.html

marzo y abril de 2013

Galería Montecatini.cl “Objetos de Arte” Exposición colectiva de cajas de madera pintadas a mano por los artistas Alejandro Arrepol, Ignacio Lobo y Fernando Toledo. De esta manera cada pieza logra ser única, un objeto decorativo o utilitario. www.montecatini.cl

www.twitter.com/ARTE_AL_LIMITE

panoramas del mes

TALLERES Y WEB

hasta el 15 de marzo de 2013

desde marzo 2013

Clínica Luis Pasteur

Taller Macavi

“Miradas” de pAULINA wagemann

Clases de Pintura con la artista Macarena Vicuña

Exposición colectiva de pinturas y esculturas, de los artistas Paulina Wagemann, Alejandra Garcia, Mónica Maiocchi e Isabel Viviani; que nos muestran un mundo mágico, femenino y colorido que busca conquistar, conmover y despertar los sentidos.

A contar de marzo el taller Macaví, de la artista Macarena Vicuña, cambia de dirección y comienza sus clases de veladuras, texturas, aguadas, traspasos fotográficos, color, dibujo y grabado verde.

Luis Pasteur 5917, Vitacura www.pasteur.cl

Francisco Bulnes Correa 699, Las Condes www.macaviart.cl

www.arteallimite.com/paulina-wagemann

www.arteallimite.com/Macarenavicuna

•La construcción del plano, técnica mixta en acrílico, 190 x 120 cm.

Exposición y venta del artista Philippe Trillat, abierta durante el mes de marzo, donde se podrá conocer su más reciente colección de cuadros.

El joven pintor nacional abre las puertas de su propia Galería de Arte llamada Casona Amaranto.

durante el mes de marzo de 2013

“Belleza Natural” de Philippe Trillat 28

Casona Amaranto Av. Pedro de Valdivia 3191, Ñuñoa www.arteallimite.com/philippe-trillat El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

panoramas del mes

desde el 18 de marzo de 2013

Hotel Dreams, Puerto Varas “En Tonos de Violeta IV” María Elena Etcheparre Exposición colectiva itinerante de la Asociación de Mujeres Artistas Visuales de la Región Metropolitana en homenaje a la artista Violeta Parra, quien a través de su obra supo recuperar el folclore que se encontraba oculto en los campos chilenos. Entre ellas destacan las obras de la artista Silvia Guzman y María Elena Etcheparre, entre otras. Del Salvador 21, Puerto Varas www.arteallimite.com/mariaelenaetchepare

EXPOSICIONES

del 14 de marzo al 15 de abril de 2013

hasta el 9 de marzo de 2013

Universidad de Talca

Casa Verde

“Contreras-Brunet: Retrospectiva 1958-2012”

Exposición Colectiva

Artista del arte cinético, radicado en París desde 1952. Esta exposición retrospectiva enseñará el itinerario de ContrerasBrunet, el cual encarna una aspiración común a muchos artistas de su generación: sugerir el movimiento, libre de las limitaciones del caballete y de la imagen fija.

Exposición y venta colectiva de destacados artistas como Roberto Matta, Guillermo Nuñez, Jaime Cruz, Benjamín Lira, Eduardo Vilches, Carlos Montes de Oca, José Balmes, Mario Toral, Pancha Nuñez, Klaudio Vidal, entre otros.

2 Norte 685. Talca www.utalca.cl

www.facebook.com/ar teallimite

Camino Real 1783, Recreo, Viña del Mar www.galeriacasaverde.cl

Regiones

PERFILARTE

YUKI YAMAMOTO La ventana mágica Por Paula Cárdenas Matzner, periodista y diplomada en Gestión Cultural. Imágenes cortesía de la artista.

•Detalle de Camino a la paz de Israel, 2012, óleo sobre tela, 130 x 100 cm.

Conmovida en su adolescencia por la emoción que le provocaban las obras de artistas como Nemesio Antúnez y Roser Bru, Yuki Yamamoto decidió estudiar arte. Sin embargo, el temor a exponerse y el difícil camino del artista en nuestro país, la llevaron a iniciarse en el mundo artístico a través de la restauración. “Era una manera más fácil de hacer algo muy minucioso que necesitaba talento, pero que no me exponía como persona al mostrar mis cosas”, comenta. Luego de diez años como restauradora, su necesidad de crear hizo que el temor a la exposición quedara atrás. Para la artista, exhibir su obra es algo muy íntimo, pero el proceso ha sido liberador. Durante años trabajó sobre la obra de otros y hoy

tiene la certeza de hacer lo que le nace del alma, libremente. Para la artista, la pintura es una ventana mágica que le permite expresarse y transportarse a otros lugares, sin que éstos necesariamente existan. “Encontré en el óleo una técnica que me permite cambiar de opinión constantemente hasta llegar al resultado que me representa, siendo esos cambios un aporte y no una pérdida de tiempo. La pintura fue una salvación, donde puedo plasmar la emoción que tuve por tantos años oprimida”, concluye.

www.arteallimite.com/yukiyamamoto

P ERF IL AR T E

Pilar Ríos Mattatall MOMENTOS DE INTIMIDAD UNIVERSALES Por Soledad Cabello, periodista. Imágenes cortesía de la artista.

El talento artístico lo heredó de su tía abuela, la pintora Ana Cortés, Premio Nacional de Arte 1974, que con su estilo cubista marcó un gusto y un estilo muy contemporáneo en todo el entorno familiar y, particularmente, en la manera de pintar de Pilar Ríos Mattatall. Esta artista penquista realizó estudios en la Academia de Bellas Artes de Lieja, Bélgica, de figura humana en San Miguel de Allende, México, y en Santiago, con Soledad Leighton, se familiarizó con el acrílico. De esta técnica, le gustan sus colores y el secado rápido porque se adecúan a su manera de pintar, casi en su totalidad con espátula, dejando bastante textura en la tela para completar con pinceles finos algunas líneas de contorno. Su temática principal gira en torno al ícono femenino, donde mediante su pintura busca crear momentos de intimidad que son universales, basados en la vida diaria, en la imaginación o experiencias de su propia vida. En 2011, junto a otras artistas penquistas, fue invitada a exponer en Jadites Galleries de Nueva York con la cooperación de ProChile. En abril de este año realizará una muestra colectiva en Antigua, Guatemala. Su trabajo se puede conocer en www.pilarrios.cl.

www.arteallimite.com/pilarriosm

• Tertulia I, acrílico, 130 x 170 cm.

Artfacts Data Series_#99_Data generated: 7.10.2012

The artist most shown at Biennials from 2010 to 2012, worldwide: Barthélémy Toguo

www.artfacts.net

www.slanginternational.org

The Artfacts.Net Artist Ranking is the leading research tool used by art professionals to track artist careers and analyse trends in the art market.

suscripciones 655 62 00 publicidad 655 6228

REPORTAJE

El hombre detrás de la

Colección

Jumex En 2001, Eugenio López Alonso fundó la Fundación/ Colección Jumex con el propósito de promover la producción, reflexión y el conocimiento a nivel internacional del arte contemporáneo.

Por Paulina Sepúlveda, licenciada en artes y gestora cultural. Imágenes cortesía de la Colección Jumex, México.

n su juventud, Eugenio López Alonso comenzó a comprar obras de artistas mexicanos que llamaban su atención. En ese momento no imaginaba que, años más tarde, sería el hombre detrás de una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más grande de Latinoamérica. Hoy, la colección pertenece a una fundación que él mismo creó, como un espacio para acercar el arte a la gente. ¿De dónde surge y cómo se forja tu pasión por coleccionar piezas de arte? Desde muy joven el arte llamó mi atención y más adelante, gracias a las distintas oportunidades que tuve de viajar y conocer diferentes museos y galerías, este gusto fue creciendo y progresivamente

• Isaac, “Los de afuera”, MAC de Valdivia, 2007.

• Detalle de la muestra Brave New Worlds, 2008. Curaduría de Doryun Chong y Yasmil Raymond. Galería de Fundación/Colección Jumex.

REPORTAJE

Eugenio López Alonso, fundador de la Fundación/Colección Jumex mi atención se fue enfocando en el arte moderno y contemporáneo. Mientras estudiaba este tipo de arte, conocí el trabajo de Cy Twombly y otros artistas de expresionismo abstracto y quedé fascinado con sus propuestas. Fue así que poco a poco comencé a adquirir algunas piezas como una afición personal de incorporar el arte a mi vida. ¿Cuáles son los primeros artistas que coleccionas? Una de las primeras piezas que adquirí a inicios de los noventa fue una pintura de Roberto Cortázar, ya que las primeras obras que compré fueron de artistas mexicanos. En ese sentido, es una pieza por la que guardo especial interés, pues significó el inicio de esta pasión. Después, a partir de los viajes, mi interés se fue ampliando. Tuve inquietud de empezar a coleccionar obras de artistas de los años sesenta: Warhol, Jasper Johns o del propio Cy Twombly, mezclándolos con artistas más jóvenes, de mi generación, con los que me identificaba. ¿Cómo nace la idea de crear una fundación? Tendría que comentar que la idea no surgió originalmente como una fundación sino como un espacio para compartir el arte que yo tenía, porque noté que en México no había muchos espacios para el arte contemporáneo y que los existentes podrían estar mejor apoyados

“Considero difícil que la gestión y operación de los museos siempre sea realizada por el Estado, ya que se requieren demasiados recursos para mantener estas instituciones” para realizar su labor. Cuando pude llevarlo a la práctica, otra idea fue creciendo y así nació el proyecto de Fundación/Colección Jumex, un lugar en el que no solo se pueden ver exhibiciones de arte contemporáneo, sino donde también hay actividades para comprender mejor el arte, y como parte de la Fundación, los jóvenes artistas pueden recibir becas para continuar sus estudios en el extranjero. Además, se entrega apoyo para desarrollar proyectos de todo tipo relacionados con el arte y muchos museos de arte contemporáneo reciben también apoyos anualmente de la Fundación. México tiene una tradición de museos estatales, ¿crees que una colección privada en tu país siempre tenderá a hacerse pública?

Si entendemos lo público como estar abierta al interés y conocimiento de cualquier persona, creo que pueden ser administrados tanto por el Estado como por la iniciativa privada. No obstante, si por ello se entiende que la gestión y operación de los museos siempre sea realizada por el Estado, lo considero difícil ya que se requieren demasiados recursos para mantener estas instituciones y sobre todo seguir desarrollando sus acervos, además de la operación de varios programas. Me encantaría que pasara, pero también creo en la responsabilidad social y en la participación de las personas y empresas en beneficio de la colectividad. Para mí fue una posibilidad que llamó mi atención y ha sido la mejor decisión de mi vida. Recientemente varios acervos artísticos y bibliográficos han comenzado esta transición de manera exitosa, ya sea por donaciones o comodatos a instituciones, ya que permiten la correcta difusión y estudio de estas colecciones. Pero también es muy bueno que haya coleccionistas privados y que éstos participen activamente de varias maneras colaborando con las instituciones. ¿Compras usualmente arte de gente joven? ¿Cuáles son tus artistas mexicanos favoritos? Normalmente no me guío por la edad u origen de un artista. En el acervo hay piezas de artistas muy jóvenes, menores a los treinta años y también trabajos de artistas plenamente consolidados con carreras destacadas a nivel internacional. Acerca de los artistas mexicanos, no creo que podría elegir uno solo, aprecio mucho el trabajo que se realiza desde México y existen varios artistas a los que he seguido por años. ¿Qué criterios sigues para adquirir una obra? ¿Te guías por características formales, curatoriales o sigues tu instinto y gusto? Lo que más me interesa son dos criterios principales. El primero evidentemente tiene que ver con la calidad de las piezas: las ideas que las sustentan, su realización, en resumen la propuesta de artista. Por otro lado, el segundo criterio es la pertinencia de una pieza como parte del acervo en su conjunto, es decir, si se integra de una manera razonable a lo que ya existe y qué tanto se potencia el diálogo entre las piezas y se fortalece el corpus discursivo e histórico. En ocasiones, para tomar la última decisión, me apoyo en un grupo de colaboradores cercanos entre los que se encuentran curadores y estudiosos del arte. ¿Te has arrepentido alguna vez de no haber adquirido una obra? Seguro que hay piezas que me encantaría haber adquirido y no lo hice, sin embargo, no considero a estas piezas como oportunidades que dejé pasar sino, más bien, que las condiciones no se dieron para que ingresaran al acervo de La Colección Jumex.

• Detalle de la muestra Thisplay, Comisiones y adquisiciones recientes, 2002-2003. Curaduría de Patricia Martín. Galería de Fundación/ColecciónJumex.

• Detalle de la muestra Les enfants terribles, 2009-2010. Curaduría de Michel Blancsubé. Galería de Fundación/Colección Jumex.

PERFILARTE

Berta Íñiguez Espacio y contemplación Por Juan Yolin, periodista en práctica. Imágenes cortesía de la artista.

• Detalle de Bosque, acrílico sobre tela, 100 x 120 cm.

Todo paisaje nos remite a una experiencia. Toda experiencia nos remite a un observador. Berta Íñiguez, quien vive desde 1989 en Puerto Varas, hace de su cotidianidad una permanente búsqueda en la pintura, representando paisajes que evocan escenarios propios de la vida retirada: playas, bosques y lugares afines que invitan a contemplar el entorno de la autora.

Sus principales referentes son Anselm Kiefer y Peter Doig, autores que a través de diferentes formas de expresionismo dan cuenta de la experiencia de sus propios entornos. “Siempre sentí que en Chile estábamos acostumbrados a lo abstracto, y yo pintando paisajes me sentía la rara. Viajando me encontré con estos autores que trabajan lo figurativo, lo que me reafirmó”, explica.

Además, entre sus pinturas se aprecian paisajes de similar naturaleza pero intervenidas con cartografías, recetas de cocina, entre otros elementos. Sus obras están estrechamente ligadas a la geografía humana, a los momentos y memorias de una artista que se fabrica un acotado espacio en el universo. “Miro un paisaje y me doy cuenta de lo pequeño que somos en relación a la naturaleza”, señala.

Actualmente, Íñiguez está enfocada en trabajar con piedras que salieron de la erupción del Cordón del Caulle (Región de Los Lagos), en 2011. “Cuando vives en el sur, los hijos alcanzan la mayoría de edad y se van. Ahora tomo las piedras del volcán y formo nidos con ellas”, dice Íñiguez.

www.arteallimite.com/bertainiguez

P ERF IL AR T E

marcela iglesias El color como expresión Por Paulina Sepúlveda, Gestora Cultural Imágenes cortesía de la artista

Comenzó con la tierra y la ceniza como medios de expresión plásticos y de a poco siguió experimentando hasta llegar a descubrir el color. A Marcela siempre le ha gustado probar. Ahora fue el turno del colorido, lo que ha sido una gran aventura para ella, llegando a sentir las vibraciones y la fuerza que lleva consigo el color. De a poco lo ha ido descubriendo, a través de diferentes elementos como la materia y su pincelada. Éstos últimos los utiliza como lenguaje expresivo y herramientas o medios para crear sus obras. “Van formando un lenguaje vivo y una conexión maravillosa”, explica la artista. Su proceso creativo lo inicia con algo que la conmueva. Con una búsqueda que puede ser incluso una idea a la cual Marcela le da forma, llegando a relacionarla con la idea HombreOrigen, concepto que tiene directa relación con su obra. La artista deja que las cosas fluyan, se da mucha libertad, porque para ella el arte es lo que le da sentido a todo lo que forma parte de su vida. “Todo debe ser coherente con mis emociones para que tenga un verdadero sentido y así poder transmitirlo “ señala.

• Paisaje II, técnica mixta sobre tela, 100 x 120 cm.

www.arteallimite.com/marcelaiglesias

exposición destacada

KLAUDIA KEMPER Inmersión El ala sur del Museo Nacional de Bellas Artes recibe una de las muestras más amplias de Klaudia Kemper, reuniendo así más de veinte años de trabajo de la artista chileno-brasilera. Por Pedro Pablo Bustos, historiador del arte. Imágenes cortesía de la artista.

reo favorecer el sentido del relato, si en mi labor de acomodar palabras, al título de la exposición agrego la frase “en el cuerpo”. Cuerpo de obra que abarca 25 años de trabajo, desplegados en cinco aposentos del museo, temáticamente condicionados de acuerdo a funciones perceptivas, conductuales, motrices y cognitivas propias del ser humano, llevadas a lo singular por Klaudia en su devenir biográfico, que también se corresponden, en sus palabras, con “una materialización de obra”. De tal modo se genera, a través de la museografía y a la par de un sistema de clasificación, un “como si fuera” cuerpo humano, vale decir, una metáfora; símbolo poderoso, creador de mundos, baluarte de quehaceres creativos. La travesía por este organismo de presencia envolvente, expone el manejo honesto y urgente de la pintura, el video, la instalación, el dibujo y la fotografía, géneros capturados por la determinación y la subjetividad de Klaudia, cuyo interés y necesidad alimentan la producción de obras académicamente incorrectas, inexactas, situando a la materia y su potencial expresivo−comunicativo como bien superior. La conjugación crítica entre forma y contenido sobrepasa los moldes. De tal modo, podemos comprender a la pintura como Las citas de la artista fueron extraídas de Trabajar con lo desconocido, entrevista a Klaudia Kemper por Raquel Olea. Diciembre de 2012.

punto de inicio de su trayectoria como artista y la consiguiente expansión de sus nociones, migrantes hacia otros formatos visuales. Pero la migración es también semblanza en Kemper. Las estadías en lugares diferentes, el aprendizaje de otras lenguas y culturas (siempre otras), el aprendizaje del oficio y el hacer, forman el acervo, el combustible, sumados a vivencias afectivas y lazos familiares. Todo lo cual coexiste en el espacio museal, transmutado en obra. Y creo nuevamente favorecer el sentido del relato, si en mi labor de acomodar palabras, al rótulo agrego la frase “fragmentos de una existencia”. Pero si algo he de concluir de la experiencia Inmersión, prefiero expresarlo a través de las palabras de Klaudia, ya que son también factor en su obra: “La realidad suele ser mucho más abierta y variable de lo que estamos acostumbrados a creer”.

EXPOSICIÓN INMERSIÓN LUGAR: Museo Nacional de Bellas Artes DIRECCIÓN: Parque Forestal s/n, Santiago FECHA: Hasta el 31 de marzo de 2013

• Detalle de Pies+piernas+músculos. Desplazamientos, el cuerpo que habito, 2012, video instalación.

PERFILARTE

JOSEFINA GREZ La belleza de lo obvio Por Claudia Montecinos, estudiante de periodismo. Imágenes cortesía de la artista.

• Detalle de Sin titulo, técnica mixta sobre tela, 240 x 160 cm.

La inspiración no tiene una base específica. A Josefina Grez le basta con mirar su entorno y rescatar la belleza de lo que siempre estuvo ahí. Encuentra su motivación principal en las personas, los paisajes, los efectos del agua en diferentes soportes y hasta en lo más obvio. “Pero principalmente en lo que nos rodea, estando siempre atenta a las alquimias que se forman de manera espontánea”, explica. Una artista que no teme utilizar distintos materiales y pinturas para crear cuadros que plasmen su visión de las cosas. “He pasado por casi todo, acrílico, óleo, pastel, pintura al temple. Finalmente con diferentes recursos mezclados”, afirma Josefina. Estudió arquitectura y diseño en la Universidad Finis Terrae e

hizo un diplomado en arte en la Universidad Católica. Por su parte, asistió a los talleres de pintura de Andrés Baldwin y Jaime León. En su obra es posible distinguir el predominio de la figura humana y la mancha como ejes centrales y una marcada tendencia a la pintura abstracta durante los últimos tres años, lo que la hace reconocer a Zao Wo Ki como su principal referente. Actualmente está en un receso, pero su obra se puede encontrar en las galerías Artium y Praxis.

www.arteallimite.com/josefinagrez

P ERF IL AR T E

KARIN Wehrhahn Lenguaje Natural Por Bernardita Garib, artista y escritora. Imágenes cortesía de la artista.

Para Karin Wehrhahn el arte ha sido esencial en su vida. Con el fin de canalizar todos sus conocimientos, creó Taller Lineal, espacio donde junto a artistas de variadas disciplinas pone en marcha su proceso creativo que abarca cerámica, pintura y grabado. La naturaleza es su punto de partida. El contacto desde pequeña con el campo la hizo tomar conciencia de las riquezas de nuestro entorno y de las posibilidades que de él emanan. “Vivimos en un mundo hermoso del que no somos conscientes. Cuando me vine del campo lo eché tanto de menos que recurrir a la naturaleza era lo más honesto que podía hacer”, cuenta. A la hora de crear, no existe algo predeterminado. Evocando sus propias sensaciones de la naturaleza, interpreta de manera espontánea sus olores, colores y texturas que dan vida a obras volumétricas y bidimensionales. Destaca en su trabajo el diálogo que se logra entre elementos como la arena, la pintura y la tierra que, en superposición, dan la sensación de estar frente a un paisaje, logrando así un resultado abstracto. “Una vez frente a mis instrumentos de trabajo, dejo que la obra vaya naciendo del sentir los materiales, de las experiencias vividas y los apuntes tomados”, explica la artista. Sus obras las podemos ver en www.tallerlineal.cl.

• Cielo, 2012, grabado verde, 40 x 40 cm.

www.arteallimite.com/ karinwehrhahn

ferias

MARZO EN

NUEVA YORK Durante este mes, la Gran Manzana concentra varias de las ferias y eventos de arte más reconocidos del mundo. Una oportunidad única para revisar los nombres destacados y prometedores del arte contemporáneo.

Por Paulina Sepúlveda, licenciada en artes y gestora cultural Imágenes cortesía de Scope NY y Volta NY.

• Brian M. Viveros, Fight Club II, 2010, técnica mixta.

demás de albergar algunos de los mejores museos del mundo como el Museum of Modern Art (MoMA), The Metropolitan Museum y el Guggenheim Museum, Nueva York cuenta con una atractiva cantidad y variedad de galerías de arte distribuidas por toda la ciudad. Los barrios Soho y Chelsea son las zonas bohemias por excelencia y donde se puede encontrar la mayoría de las galerías. Por lo anterior, Nueva York es considerada una ciudad donde se puede apreciar arte durante todo el año y en todas partes. Existe un despliegue inagotable de exposiciones temporales y permanentes en las distintas galerías y museos. Marzo un mes especialmente movido, ya que en él se concentran distintas ferias, bienales y eventos de arte contemporáneo. Ferias como Volta, Scope y Armory Show esperan recibir más de 80 mil visitas cada una, entre ellas art dealers, curadores, coleccionistas, galerías y artistas que vienen de todas partes del mundo. Arte al Límite no se queda fuera y participará de estas tres importantes ferias, dando conocer el trabajo de los artistas que han sido publicados en las páginas de la revista y el periódico a miles de visitantes. En el centro de este huracán cultural está la célebre The Armory Show (Del 7 al 10 de marzo), que contará con 21 países representados por 190 galerías. Esta feria es considerada como la más importante de Estados Unidos, un título que en los últimos años disputa con Art Basel Miami Beach. The Armory Show está dedicada a exhibir las obras de arte más importantes de los siglos XX y XXI. En sus quince años de trayectoria, esta feria se ha convertido en una institución que combina una selección de las galerías más importantes del mundo con un programa excepcional de eventos de arte y exposiciones en toda la ciudad de Nueva York.

El lugar donde se lleva a cabo, el Muelle 94, es famoso por estrenar nuevas obras de artistas. Esta sección está dedicada a mostrar galerías internacionales, expositores invitados y solo projects, con presentaciones individuales de artistas por una selección de galerías y artistas emergentes. Por su parte, Volta NY (del 7 al 10 de marzo) inaugura nueva sede, enseñando 94 galerías internacionales que abarcan los cinco continentes y destacando a artistas de 38 naciones diferentes. Volta NY es la encarnación americana de la exitosa feria, del mismo nombre, fundada en Basel en 2005. Ambas ferias ofrecen un escaparate de la producción artística actual y relevantes exposiciones contemporáneas. Al colocar el foco de interés en los artistas a través de sus proyectos individuales, Volta NY promueve una exploración profunda del trabajo de los proyectos seleccionados, lo cual es una oportunidad para los descubrimientos que se mueven más allá de los ofrecidos por una feria de arte tradicional. Ampliamente reconocida por su voz influyente en el mercado del arte emergente es Scope NY (del 6 al 10 de marzo), donde se reunirán alrededor de 50 galerías internacionales de 18 países expositores, las que presentarán exposiciones individuales y colectivas, el trabajo destacado de artistas emergentes y de larga trayectoria, con múltiples disciplinas creativas y una excelente calidad museística. Recorrido ideal para galeristas, coleccionistas, curadores, artistas, críticos y amantes del arte. Establecida hace tiempo como una original incubadora para las nuevas propuestas, Scope celebra su aniversario número trece en la introducción de nuevas galerías en el mercado actual, presentando una programación especial de vanguardia y eventos especiales que ofrecen un trabajo innovador a través de múltiples industrias creativas, como la moda, el cine, la música y la actuación.

â&#x20AC;˘ Angela Alergo, Even in the darkest hours. Azul, piedra molida, resina, lacas industriales, 43 x 52 x 56 cm.

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Fernando Toledo - Chile / Eleomar Puente - Cuba / Luciano Goizueta - Costa Rica / Salustiano - España / Constanza Ragal - Chile / Claudia Rogge - Alemania

Alicia Villarreal Artista de destacada trayectoria que ha desarrollado su obra en torno a la exploración de alfabetos visuales y configuración de imágenes-signos, que han ido engrosando una operación de lenguaje rica en sentidos. Esto se evidencia en sus diversas propuestas que trabajan la dinámica entre el objeto y la imagen. Otro eje de su creación ha sido la participación del público en la producción de obra, donde destacan los proyectos Musba, museo de Barrio (2007) y Ejercicios de conexión (2011). Por Equipo Arte Al Límite. Imagen cortesía de la artista.

El arte como trabajo es… Una forma de mirar para cambiar la manera de percibir las cosas y comunicarlas.

La crítica de arte en Chile La crítica es fundamental. Faltan voces diversas, publicaciones y discusión.

El arte como pasión es… Ganar espacios de autonomía. A través del arte es posible ampliar la conciencia y compartir lo inefable.

¿En qué puede aportar el arte nacional al campo artístico de otros países? En diversidad, en mirada crítica y en solidez.

¿Qué piensas cuando decimos memoria? Está profundamente conectada con el presente, es un tiempo en perspectiva, es arraigo y desarraigo, es lo plenamente humano. La memoria es todo lo que nos da una identidad.

Profesionalización del arte Aún estamos lejos de la profesionalización: los artistas no pueden vivir de su trabajo creativo. Falta que el sistema funcione y todos los actores del campo se complementen.

El arte en Chile hace 30 años Muy comprometido, radical y experimental.

Iniciativas negativas para el campo del arte chileno. La dependencia de fondos concursables de corto plazo para los artistas e instituciones y la falta de iniciativas que apoyen a los artistas de media carrera.

El estado actual de las artes en Chile Es dinámico, riguroso, informado y en algunos casos académico. El rol del artista en la sociedad actual Es un pensador que sintetiza en un texto visual un estado de las cosas, es también un provocador que pone en crisis el límite de la experiencia. Es un investigador, un comunicador que trabaja con lo real y lo imaginario. ¿Cómo superar el hermetismo del arte chileno? Con mediadores que abran las obras al disfrute. Hay que comentarlas, atravesarlas, interrogarlas y conectar lo que uno ha visto.

¿Artistas emergentes que llamen tu atención? Andrés Durán, Nicolás Franco, Alejandro Leonhardt. Y otras con mayor trayectoria como Marcela Moraga, Alejandra Prieto y Paloma Villalobos. Exposición reciente e interesante La retrospectiva de Juan Pablo Langlois en Matucana 100. Las dos muestras en el MAC de Quinta Normal, Poetas en tiempos de escasez y Agenda Santiago. La muestra de Nury González; Sueño de una Noche de Verano en D21.