ARTELO N2 by Magazine Artelo

ARTELO www.artelo.ca 65, Rue Saint-Paul, Local 513, Montréal QC H2Y 3S5 CANADA Publication - Partenariat Larbi Boujemaa

Youssef Fichtali

+1 (514) 449-1757

+1 (514) 632-6424

larbi@artelo.ca

youssef@artelo.ca

Conception graphique Marie-Pier Mercier Conception Web Création Montréal Traduction Rita Chaouni Informations info@artelo.ca

ÉDITORIAL / EDITORIAL VO L U M E N°2 Août - septembre o c t o b r e 2014

Artelo se veut être une introduction à l’art contemporain. Trimestriel, il couvre l’actualité et les dernières tendances du marché en vous présentant une sélection d’artistes confirmés et émergents, locaux et internationaux. Il vous donne de l’information sur le prix des œuvres et la cote des artistes. Destiné à un public curieux et raffiné, Artelo est distribué dans un réseau exclusif de cabinets d’affaires, d’hôtels et autres endroits sélectionnés. An introduction to Contemporary Art. Artelo is a quarterly magazine that covers the latest market trends in contemporary art by presenting a selection of outstanding artwork from local and international, emerging and established artists. It gives you information on the artists’ edge, as well as prices. Intended for a curious and refined public, Artelo is distributed through an array of exclusively selected high standard hotels, business firms, and other selected places.

L’équipe Artelo Artelo team

SOMMAIRE / CONTENTS

ÉVÈNEMENTS / EVENTS

P. 8

PEINTURE

PHOTOGRAPHIE

ZHANG XIAOGANG P. 24

GAVIN HAMMOND P. 30

YUE MINJUN P. 26

CERISE DOUCEDE P.32

/ PAINTING

/ PHOTOGRAPHY

POTINS DU MARCHÉ / HOW MUCH

P. 14 COUP DE COEUR / MUST SEE

WASSILY KANDINSKY P. 28

P. 16

KAREN KNORR P. 34

VICTOR ENRICH P. 38

SCULPTURE / SCULPTURE

/ MIXED

MIXTE

INSOLITE / UNUSUAL

DIET WIEGMAN P. 40

JEROME FORTIN P. 48

MAGNUS MUHR P. 52

ANDY SCOTT’S KELPIES P. 42

MASSIMO GUERRERA P. 50

JASON DECAIRES TAYLOR P. 54

SUN HYUK KIM P. 44

LIU BOLIN P. 56

PAULO GRANGEON P. 46

MARK KHAISMAN P. 58

ÉVÈNEMENTS / EVENTS

FABERGÉ, Joaillier des Tsars MBAM - DU 14 JUIN AU 5 OCTOBRE 2014 Cet été, la plus grande collection Fabergé à l’extérieur de la Russie s’invite en exclusivité canadienne à Montréal. À la fin du XIXe siècle et au début du XXe, le joaillier russe Carl Fabergé (1846-1920) crée des objets précieux pour les tsars Alexandre III et Nicolas II. Synonyme de raffinement artisanal dans la joaillerie de luxe, le nom de cette Maison est associé aux derniers jours de la famille impériale russe, une histoire tragique qui marque le début du XXe siècle.

The most important Fabergé collection outside Russia is coming to Montreal – the exclusive Canadian venue. In the late nineteenth and early twentieth centuries, the Russian jeweller Carl Fabergé (1846-1920) created precious objects for the Czars Alexander III and Nicholas II. The name of this firm became synonymous with elegant craftsmanship in luxury jewellery, and is also associated with the final days of the Russian imperial family, a tragic story that marked the start of the twentieth century.

L’exposition comprend quelque 240 objets, dont quatre des plus fameux oeufs de Pâques commandés par les Romanov, outre un riche appareil documentaire sur les techniques de la Maison Fabergé, l’histoire et la chute du régime tsariste.

The exhibition features some 240 objects, including four of the most famous Easter eggs commissioned by the Romanovs. Enamelled picture frames, clocks, gold cigarette cases and knobs for walking canes, rock-crystal flowers, caskets and brooches encrusted with rubies continue to fascinate us as they did when they first appeared in the windows of the Fabergé stores in Saint Petersburg, Moscow and London.

www.mbam.qc.ca

POSTER - ANDY WHAROL MBAM - Octobre 2014 à Mars 2015 Résultat du travail inédit de recherche et de collecte du Montréalais Paul Maréchal, cette exposition qui s’accompagne de la parution du catalogue raisonné, révèlera pour la première fois l’ensemble des affiches réalisées par Andy Warhol. Tout au long de sa carrière, Warhol a franchi les barrières qui séparent les beaux-arts et le design graphique. En fait, il ne faisait aucune distinction entre l’art et la publicité : les affiches étaient son médium naturel et il était sollicité pour promouvoir plusieurs célébrités, marques et causes de l’époque. Ordonnées par ordre chronologique et accompagnées d’explications et d’illustrations comparatives, ces œuvres mettront en valeur le talent de l’artiste et sa contribution remarquable pour les arts du design d’affiches. www.mbam.qc.ca

Presented for the first time, this collection of original posters produced by Andy Warhol reveals the artist’s remarkable contribution to the art of poster design. Throughout his career, Andy Warhol easily crossed the boundaries between fine art and graphic design ; in fact, he made no distinction between art and advertising. Posters were a natural medium for this talented artist, and he was much in demand to promote some of the most renowned celebrities, causes, and brands of his time. Arranged chronologically, they present a fascinating array of subjects, including cultural events, musicians, politics, and iconic brands. Seen in their entirety, these posters—bearing all the hallmarks of the artist’s finest work—both reflect and reveal the cultural zeitgeist that drove Warhol’s innovative practice. A richly illustrated catalogue raisonné will come with this exhibition

PULSE ROOM Rafael Lozano-Hemmer’s

MACM - DU 19 JUIN 2014 AU 7 SEPTEMBRE 2014 On pourra enfin voir Pulse Room de Rafael Lozano-Hemmer à Montréal, la ville d’adoption de l’artiste d’origine mexicaine. Ce chef-d’œuvre en art relationnel et interactif, créé en 2006, était présenté à la Biennale de Venise en 2007. Dans cette vaste installation, les battements de cœur des participants, captés et régis par un système informatique, sont transmis sous forme d’impulsions lumineuses dans quelque 300 ampoules suspendues au plafond. La musique minimaliste et la recherche en cybernétique ont également nourri la réflexion de l’artiste pour cette spectaculaire œuvre scintillante dans laquelle chaque visiteur est invité à mêler le battement de son propre cœur à ceux de milliers d’autres et à vivre une expérience mémorable. Artiste électronique et multidisciplinaire, Rafael Lozano-Hemmer inscrit l’expérience du spectateur au cœur de sa démarche en créant des installations interactives qui se situent à la croisée de l’architecture, de la sculpture et de la méga performance. Formé en chimie physique, de maître de l’ombre et de la lumière élabore des plateformes qui reposent sur la participation du public, en se servant de technologies comme la robotique, la surveillance électronique et les réseaux télématiques.

Montrealers will finally have an opportunity to see Rafael Lozano-Hemmer’s Pulse Room here in their city, which is also the Mexican-born artist’s adopted home. This masterpiece of relational, interactive art, created in 2006, was presented at the Venice Biennale in 2007. In this vast installation, the heart rate of visitors, captured and transmitted by a computerized system, is turned into pulses of light in some 300 light bulbs suspended from the ceiling. Minimalist music and cybernetics research also played a part in the artist’s development of this spectacular, sparkling work in which the beat of each visitor’s heart is added to that of thousands of others to produce a memorable experience. The viewer experience is central to the approach of this electronic and multidisciplinary artist, who develops interactive installations that are at the intersection of architecture, sculpture and performance. Trained in physical chemistry, a master of shadow and light, Lozano-Hemmer creates platforms based on public participation, making use of technologies such as robotics, electronic surveillance and telematic networks.

www.mbam.qc.ca

Attila Richard Lukacs, Coo coo ka-choo, Mr. Robinson (detail), 1999. Collection of Salah Bachir and Jacob Yerex. Photoâ&#x20AC;&#x2030;: Toni Hafkensheid

OVER THE RAINBOW

MOCCA - JUNE 22 - AUGUST 17 FROM THE COLLECTION OF SALAH BACHIR AND JACOB YEREX Over the Rainbow is a group exhibition of artworks drawn from one of Torontoâ&#x20AC;&#x2122;s most significant private collections of contemporary art. The exhibition features works from well-known Canadian and international artists, including Stephen Andrews, Attila Richard Lukacs, Public Studio, Justine Kurland, Betty Goodwin, General Idea, Andy Fabo, Andy Warhol, Keith Haring, Annie Leibovitz, Herb Ritts, and many others. The exhibition represents a modest selection of works from the collection of Salah Bachir and Jacob Yerex, by both queer and heterosexual artists, broadly assembled around the themes of seduction and identity. Grouped together the exhibition presents works, mostly in drawing, painting and photography, which acknowledge certain archetypes associated with Queer Culture, drawing relationships between a historically marginalized culture and mainstream culture, and ways in which these have influenced each other. By focusing on reciprocal influences and relationships, and presented within the context of WorldPride 2014 Toronto, the thematic approach is meant to consider commonalities of human experience over opposition and difference. www.mocca.ca

HENRI MATISSE: THE CUT-OUTS MoMA - OCTOBER 12–FEBRUARY 8, 2015 In the late 1940s, Henri Matisse turned almost exclusively to cut paper as his primary medium, and scissors as his chief implement, introducing a radically new operation that came to be called a cut-out. Matisse would cut painted sheets into forms of varying shapes and sizes—from the vegetal to the abstract—which he then arranged into lively compositions, striking for their play with color and contrast, their exploitation of decorative strategies, and their economy of means. Initially, these compositions were of modest size but, over time, their scale grew along with Matisse’s ambitions for them, expanding into mural or room-size works. A brilliant final chapter in Matisse’s long career, the cut-outs reflect both a renewed commitment to form and color and an inventiveness directed to the status of the work of art, whether as a unique object, environment, ornament, or a hybrid of all of these.

RAY JOHNSON DESIGNS

MoMa - JULY 2 -SEPTEMBER 29 The art of Ray Johnson was rooted in his constant practice of correspondence. He dispersed a copious amount of collages and other printed matter through the mail to friends and colleagues. The Museum of Modern Art Library received materials in the mail from Ray Johnson from the 1950s until his death in 1995. This exhibition focuses on Johnson’s early printed materials, especially his promotional flyers for his work as a graphic designer and illustrator. These flyers were some of the first materials that the MoMA Library received from Johnson and they prefigure the graphic motifs and word play that remained central to his later art work. Publications that included Johnson’s design work from this period, including book jacket designs for publishers such as New Directions, The Jargon Society, and City Lights, are also featured.

Henri Matisse : The Cut-Outs is a ground breaking reassessment of this important body of work. The largest and most extensive presentation of the cut-outs ever mounted, the exhibition includes approximately 100 cut-outs—borrowed from public and private collections around the globe—along with a selection of related drawings, prints, illustrated books, stained glass, and textiles. The last time New York audiences were treated to an in-depth look at the cut-outs was in 1961.

Photo: Retis, Chun Hua Catherine Dong, Les autres mots, Art souterrain, 2014, MontrĂŠal, CC BY 2.0.

4 e saison 2014 • 2015

La Fondation arte Musica présente

trio KaréNiNe

Mercredi 15 octoBre 2014 • 19 h 30 Première fois au Canada anna Göckel, violon Louis rodde, violoncelle Paloma Kouider, piano un programme de musique française

82 concerts • 15 séries

Boulanger, DuBois, Fauré, ravel

Nouveau Quatuor à cordes orford

La Nuit traNsfiGurée Mercredi 19 noveMBre • 19 h 30

Mercredi 28 janvier 2015 • 19 h 30

axel strauss, violon douglas McNabney, alto Peter Wiley, violoncelle Matt Haimovitz, violoncelle alexandra Gorlin-crenshaw, piano

Jonathan crow, violon andrew Wan, violon eric Nowlin, alto Brian Manker, violoncelle salués pour « la beauté remarquable de leur sonorité, leur technique extraordinaire et leur musicalité », les membres du nouveau Quatuor orford sont des musiciens solistes des orchestres symphoniques de Montréal et de toronto.

en lien avec l’exposition De Van Gogh à Kandinsky du MBaM Beethoven, ravel, sChoenBerg

La JeuNe fiLLe et La Mort

Beethoven Quatuors à cordes nos 4, 11 et 15

vendredi 21 noveMBre • 18 h 30

Musiciens de l’osM Brigitte rolland, violon alexander read, violon Natalie racine, alto anna Burden, violoncelle sChuBert Quatuor à cordes no 14 en ré mineur, D. 810, « la jeune Fille et la Mort » Berg Quatuor à cordes, opus 3

Billets et programmation complète

sallebourgie.ca 514-285-2000 #4 Présenté par

YVES KLEIN

Anthropométrie Sans titre

POTINS DU MARCHÉ

Signed and dated Yves Klein 1960’ Dry pigment and synthetic resin on paper laid down on canvas 42 7/8 x 25 5/8 in.

/ HOW MUCH

Executed in 1960 Vendu/Sold : $3,469,000

YVES KLEIN

La Marseillaise signed and dated 1960 ; titled on the reverse Dry pigment and resin on paper laid on canvas 25 x 20 1/4 in. Estimé/ Estimate :

$6,000,000 — $8,000,000

RICHARD PRINCE

Millionnaire Nurse

signed, titled and dated 2002 Inkjet print and acrylic on canvas 58 x 36 in.

ROY LICHTENSTEIN

Purist Painting with Bottles Signed and dated ‘rf Lichtenstein ‘75’ Oil and Magna on canvas 74 x 54 in. Painted in 1975 Vendu/Sold :

$6,457,457

Vendu/Sold : $3,301,000

JEFF KOONS

Popeye

Signed, dated 2009-2011 and numbered 3/3 Mirror polished stainless steel with transparent color coating 78 x 51 3/4 x 28 1/2 in. Executed in 2009-2011 Vendu/Sold : $28,165,000

NIKI DE SAINT- PHALLE Black Standing Nana Signed, dated 95 and numbered 1/1 Polyester resin and acrylic on fiberglass with metal base 113 by 84 by 44 1/2 in. Executed in 1995. Estimé/Estimate : 500,000 — 700,000

USD

GEORGE SEGAL

The Dancers

MARISOL

The Bathers Acrylic and graphite on wood with plaster cast Installation Dimensions Variable Approximately : 84 by 70 1/4 by 63 in.

Painted bronze 70 x 104½ x 70 5/8 in. Executed in 1971-1982. Vendu/Sold : $1,025,000

Executed in 1961-1962. Vendu/Sold : $509,000

COUP DE COEUR / MUST SEE

GALERIE YELLOWKORNER La galerie YellowKorner a ouvert ses portes en décembre 2012 à Montréal, mais ce concept de galerie unique est né en France en 2006. L’idée étant d’offrir des tirages en éditions limitées et numérotées, entre 50 et 500 exemplaires, afin de démocratiser la photographie d’art en rendant ce type d’œuvre accessible à un plus large public.

The YellowKorner gallery opened in December 2012 in Montreal, but this concept unique gallery was born in France in 2006. Idea being to offer prints in limited and numbered editions, between 50 and 500 copies to democratize art photography making this type of work available to a wider public.

Chacune des photographies est offerte en différents formats allant de l’encadré classique à un format pouvant atteindre 220 cm montée sur aluminium et plexiglass, créant ainsi une œuvre à l’effet spectaculaire.

Each photograph is available in various formats ranging from traditional framed to a size of up to 220 cm mounted on aluminum and plexiglass, creating a work to dramatic effect.

YellowKorner c’est maintenant 85 galeries à travers le monde, une collaboration avec 200 photographes professionnels et un catalogue de 1500 photographies.

YellowKorner is now 85 galleries around the world, working with 200 professional photographers and a catalog of 1,500 photographs.

Que vous soyez collectionneur ou recherchiez simplement une superbe photographie pour décorer votre intérieur, nous sommes la galerie toute désignée.

Whether you are a collector or simply looking for a great photography for your home, we are all designated gallery.

Info Galerie

Opening hours

Galerie YellowKorner

Mon 10h-19h

Montreal 1382 Ste-Catherine Ouest Montreal, QC H3G1P8 Station Peel/Guy Concordia

Tue 10h-19h

(438)-382-9200 saintecatherine@yellowkorner.com yellowkorner.com

Sat 10h-18h

Wed 10h-19h Thu 10h-21h Fri 10h-21h Sun 11h-18h

À PROPOS DE L’OEUVRE : POOL AT LAKE TAHOE Les lieux des prises de vue sont prégnants dans le travail d’Aarons et un de ses thèmes de prédilection est la villégiature. Le style de Slim Aarons est à l’image de la Jet Set qu’il photographie : impeccable et lisse. Au-delà du propos qui pourrait passer pour « anthropologique », l’artiste cherche surtout à représenter un art de vivre aux confins du paradis et du décor de carton-pâte. La représentation des goûts en matière de mode, de design et d’architecture d’une époque maintenant révolue renforce ce sentiment. Plus qu’un milieu social, l’artiste cherche à représenter une façon de vivre sa vie comme un spectacle.

À PROPOS DE L’ARTISTE : SLIM AARONS De son vrai nom George Allen Aarons, Slim Aarons s’engage dans l’armée américaine à 18 ans. Il devient photographe à l’Académie militaire de West Point puis reporter lors de la Deuxième Guerre Mondiale. Au sujet de sa participation au conflit, qui lui vaut pourtant une décoration militaire, Aarons dit simplement que la seule plage qui vaille la peine que l’on y débarque est celle ornée de ravissantes jeunes filles dénudées, bronzant tranquillement sous le soleil. De 1950 à 1980, il devient le photographe de la Jet Set et se consacre à la représentation du Hollywood glamour et doré. Les personnages sont exclusivement des célébrités, photographiées dans des décors luxueux, souvent autour d’une piscine, dans leur propre demeure. Il bâtit sa carrière en ne photographiant que des gens attirants faisant des choses attirantes dans des endroits attirants. En 2002, il déclare au journal The Independant : « Je connaissais tout le monde, ils m’invitaient à leurs fêtes car ils savaient que je ne leur ferais pas de mal. J’étais l’un d’entre eux. »

ABOUT THIS PHOTOGRAPH : POOL AT LAKE TAHOE The locations of photographs are very important in Aarons’ work, and one of his preferred themes is holidaymakers. Slim Aarons’ style reflects the Jet Set that he photographs : it is flawless. Beyond any anthropological notions, the artist seeks above all to represent a lifestyle that treads the fine line between paradise-on-earth and a fake, fairytale decor. Representations of taste in terms of the fashion, design and architecture of bygone eras reinforce this sensation. Rather than simply capturing a social milieu, the artist strives to represent a way of living life like a show.

ABOUT THE ARTIST : SLIM AARONS Slim Aarons whose real name is George Allen Aarons enlists in the American Army at the age of 18. He becomes a photographer at the West Point Military Academy then a reporter during the Second World War. Regarding his participation in the conflict, which nevertheless earns him a Medal of Honour, Aarons simply says that the only beach worth landing on is the one adorned with ravishing young semi-clad girls, sun-bathing peacefully in the sun. From 1950 to 1980, he becomes a Jet Set photographer and dedicates himself to the depiction of Hollywood glamour and luxury. The figures are exclusively celebrities, photographed in luxurious surroundings, often around a swimming-pool, in their own home. He constructs his career by only photographing attractive people doing attractive things in attractive places. In 2002, he proclaims to The Independent newspaper : « I knew everyone, they invited me to their parties as they knew that I would not cause them any harm. I was one of them ».

À PROPOS DE L’OEUVRE : LION IN THE GRASS I La plus belle rencontre artistique de Laurent Baheux s’est faite avec des lions. Fasciné par l’allure imposante et la sérénité de ces derniers, l’artiste a su révéler leur puissance et leur élégance au moyen de la photographie. Contrairement à l’hostilité et à la peur que provoquent souvent l’apparition de ces félins, ceux-ci lui apportent bonheur et apaisement. À distance raisonnable, les lions se laissent approcher et photographier. Saisis de manière isolée et dans leur environnement naturel, ils donnent même ici l’impression de poser. Capturés de manière frontale et avec un cadrage serré, les portraits en noir et blanc réalisés par Laurent Baheux se distinguent en effet de la photographie animalière habituelle, rappelant davantage la grande tradition du portrait photographique. L’artiste a volontairement souligné les traits de caractères des lions, ainsi que l’intensité de leurs regards et la majesté de leurs postures magnifiées par un étonnant jeu d’ombres et de lumière.

À PROPOS DE L’ARTISTE : LAURENT BAHEUX D’abord attiré par le journalisme et le métier de rédacteur, Laurent Baheux se découvre rapidement une passion pour la photographie qu’il appréhende en autodidacte. Sa pratique assidue et ses connaissances du monde sportif lui ouvre les portes de grandes agences de presse photographiques. Dès lors, il couvre les principales compétitions internationales et aiguise son regard dans des conditions de rapidité et d’exigence extrêmes. Fasciné depuis toujours par l’Afrique, il entame dès 2002 lors d’un séjour en Tanzanie, un travail personnel sur la faune sauvage, sa beauté, sa force, sa rudesse et sa grande fragilité. Il choisit le noir et blanc avec ses jeux d’ombre, de lumière et de contraste pour immortaliser des scènes de nature rares et éphémères, cherchant sans cesse à sublimer les animaux, à capter la magnificence de leurs attitudes, l’émotion de leurs regards… À travers cette quête d’authentique, Laurent veut témoigner de l’éclat de ces espèces, encore vivantes mais plus que jamais menacées, et de l’immense richesse qu’elles représentent pour la planète. Dans la continuité de son engagement photographique, il accompagne et soutient les actions d’organisation qui œuvrent en faveur de la protection de la nature et de la préservation de la biodiversité. Il est également l’auteur de Terre des lions, ouvrage en noir et blanc sensible et émouvant, comme un hymne à la vie sauvage...

ABOUT THIS PHOTOGRAPH : LION IN THE GRASS I Laurent Baheux’s most beautiful artistic encounter occurred with lions. Fascinated by their imposing allure and serenity, the artist has succeeded in revealing their power and elegance through photography. Unlike the hostility and fear that the appearance of these felines often provokes, to Baheux, they only bring joy and a feeling of peace. At a reasonable distance, the lions allow him to approach and photograph them. Captured in an isolated way within their natural environment, they even appear to be posing in these shots. Shot frontally and in close up, Laurent Baheux’s portraits in black and white are different from the norms of animal photography as they are more reminiscent of the grand tradition of photographic portraiture. The artist deliberately highlights the lions’ character traits, as well as the intensity of their gazes and the majesty of their postures, magnified by a surprising play of light and shade.

ABOUT THE ARTIST : LAURENT BAHEUX Laurent Baheux was attracted to journalism and editing at first, rapidly discovering a passion for photography and becoming a self-taught photographer. His devoted practice and his knowledge of the sporting world opened the doors to the top press photography agencies. From then on, he covered the main international competitions and channelled his energy towards conditions of speed and extreme demand. He has always been fascinated by Africa. From 2002, during a visit to Tanzania, he began private work on the wild fauna, its beauty, strength, roughness and great fragility. He chose black and white, with its play on shadow, light and contrast, to immortalise rare and ephemeral scenes of nature, constantly trying to sublimate the animals, to capture the magnificence of their attitudes, the emotion of their look… Through this authentic quest, Laurent wants to show the vividness of these species which are still alive, but more menaced than ever, and the immense richness that they represent for the planet. In the continuity of his photographic commitment, he accompanies and supports the deeds of organisations which work for the protection of nature and the preservation of biodiversity. He is also the author of Land of lions, a sensitive and moving work in black and white, like an ode to wild life...

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PEINTURE / PAINTING

Bloodline : Big Family, Oil on canvas © Zhang Xiagong

ZHANG XIAOGANG Chine Zhang Xiaogang est un artiste contemporain chinois, peintre symboliste surréaliste, né en 1958 à Kunming, capitale de la province du Yunnan dans le sud de la Chine. Il rejoint le prestigieux Institut Sichuan des Beaux-Arts à Chongqing et quelques années plus tard connaît le succès avec sa série Bloodline. Inspirée par des photos de famille de la période de la Révolution culturelle, la peinture de Zhang Xiaogang est fortement marquée par la notion d’identité de la culture chinoise. Souvent peints en noir et blanc, ses portraits traduisent le langage de la photographie dans la peinture et représentent à la fois l’individu et le peuple sans visage de la Chine. Les tâches de couleur sur les visages évoquent les marques à la naissance ou la stigmatisation sociale. Zhang Xiaogong est devenu une superstar de la peinture chinoise, les critiques ont salué la dimension psychologique complexe de son œuvre qui est considérée comme une sorte de « portrait de l’âme chinoise moderne ». C’est la toute puissante galerie Pace qui le représente à travers le monde. Zhang Xiaogang is a contemporary Chinese symbolist and surrealist painter, born in 1958 in Kunming, the capital of Yunnan Province in southern China. He joined the prestigious Sichuan Institute of Fine Arts in Chongqing and few years later achieved remarkable success with his Bloodline series. Inspired by family photos from the Cultural Revolution period, Zhang Xiaogang painting is strongly influenced by the identity of the Chinese culture. Often painted in black and white, Xiaogang’s portraits translate the language of photography into paint, and represent both the individuals and random faces China’s People. The occasional splotches of colour on the faces evoke reminiscent of birth marks or social stigma. Critics have acclaimed the complex psychological dimension of his work which is considered as a sort of “ portrait of modern Chinese soul. ” The very well-known Pace Gallery represents Zhang Xiaogang worldwide. www.zhangxiaogang.org/

Bloodline : Big Family, No. 2. Oil on canvas © Zhang Xiagong

Bloodline : Big Family, 1995. Oil on canvas © Zhang Xiagong

Water,1998,.Huile sur toile © Yue Minjun

YUE MINJUN Chine Yue Minjun est un artiste chinois contemporain, né en 1962 à Daqing dans la province du Hei Long Jiang en Chine. Yue Minjun débute sa carrière comme peintre amateur avant de rejoindre l’école normale de la province du Hebei. Ce n’est que dans les années 90 qu’il définit son propre style et le sujet qu’on retrouve omniprésent dans ses toiles, le rire. À cette époque, se développe en Chine un nouveau mouvement, le « réalisme cynique », qui est caractérisé par une critique de la société de consommation, un désenchantement face aux mutations socio-urbaines et une nouvelle approche du corps. Yue Minjun est considéré d’ailleurs comme une des figures emblématiques de ce mouvement. La 48e Biennale de Venise en 1999 lui ouvre les portes du marché de l’art contemporain international et lui permet d’acquérir une solide réputation. Ses œuvres sont aujourd’hui exposées dans les plus grands musées dans le monde. Yue Minjun is a contemporary Chinese artist, born in 1962 in Daqing, in the province of Hei Long Jiang in China. Yue Minjun painted first as an amateur, before attending the Normal School of Hebei Province. In the early 90s, he began to define his style and the subject that will become omnipresent in his paintings : laughter. At the same time, a new artistic movement develops itself in China : the “ cynical realism ”. This movement is characterized by a disenchantment of the socio-political changes in China and Yue Minjun has often been considered as one of the main representatives of this movement. After a remarkable participation at the 48th Venice Biennale in 1999, Yue Minjun acquired an international reputation. His works are now presenting in many museums and collections around the world. Today, Yue Minjun continues his work in his studio near Beijing and is considered one of the most influential artists of his generation. www.yueminjun.com.cn/en

Sans titre, 1994 © Fondation Cartier pour L’art contemporain

Sea of the Brain ÂŠ Yue Minjun

Concentric Circles © Kandinsky

Murnau Street with Women, 1908. Oil on cardboard © Kandinsky

Munich, 1908. Oil on cardboard © Kandinsky

WASSILY KANDINSKY Russie Né à Moscou dans une famille aisée et cultivée, Vassily Kandinsky commence par étudier le droit avant d’intégrer l’Académie des Beaux-arts de Munich en 1896, après avoir découvert l’Impressionnisme. Rapidement son travail tend beaucoup plus vers l’abstraction et vers le courant impressionniste, ce qui lui permet de se forger son propre style. Sa réputation s’est solidement établie aux États-Unis et en Europe grâce notamment à de nombreuses expositions qui ont souvent suscité la controverse parmi le public, les critiques d’art et d’autres artistes de son époque. Son travail a été présenté à Solomon Guggenheim, un industriel, collectionneur d’art et mécène américain, qui est devenu l’un de ses plus grands admirateurs. Kandinsky est aujourd’hui considéré comme le fondateur de l’art abstrait. Born in Moscow in 1866, Kandinsky began studying law before joining the Academy of Fine Arts in Munich in 1896 and after having discovered Impressionism. Ironically, Kandinsky’s work moved in a direction that was of much greater abstraction than that which was pioneered by the Impressionists and it was not long before he began exploring his own ideas of painting. His reputation became firmly established in the United States and Europe through numerous exhibitions that often caused controversy among the public, the art critics, and his contemporaries. His work was introduced to Solomon Guggenheim, who became one of his most enthusiastic supporters. Kandinsky is now considered to be the founder of abstract art.

London In Puddles series ÂŠ Gavin Hammond

PHOTOGRAPHIE / PHOTORAPHY

GAVIN HAMMOND États-Unis Gavin Hammond est un artiste londonien aux multiples talents. Il a commencé à prendre des photos en parcourant le monde en tant que musicien et aujourd’hui se sert de la photographie comme carnet de voyage. La majorité de ses photos sont prises en noir et blanc avec un jeu d’ombre et de lumière très minimaliste. Son travail n’est pas sans rappeler celui des premiers grands photographes tels que Erwin Blumenfeld ou Edward Steichen, qui ont réussi à inscrire la photographie comme une discipline artistique à part entière. Gavin Hammond nous ramène ainsi à une époque où la photographie était une forme d’expression bien plus profonde. Contrairement à la plupart des photographes modernes, il refuse de recadrer ses photographies ou de les retoucher avec Photoshop. Il présente ses photographies telles qu’il les a capturées avec son Lomo LCA +. Gavin Hammond is a multi-talented artist from London. He began taking photos when travelling the world as a musician and now captures the world as if he were creating the soundtrack for a traveller. The vast majority of his photos are shot in black and white, and play with shadow, light and minimalist shapes. Indeed, many of his pictures reminds the great early photographers icons such as Erwin Blumenfeld and Edward Steichen, who turned photographs into a legitimate form of art. Gavin takes us right back to that time when photography was much more soulful. Unlike most modern photographers, he refuses to retouch his work with Photoshop or crop them in any way. All of his creations are almost exactly as he captured them with his Lomo LC-A+. www.gavinhammond.com

CERISE DOUCÈDE France Cerise Doucède est une photographe française de 26 ans, originaire de Toulon qui a un goût prononcé pour la mise en scène. Avant de prendre ses clichés, elle passe plusieurs jours à installer méticuleusement l’environnement qu’elle a imaginé pour scénariser ses photographies. De plus, elle réalise elle-même ses propres objets (souvent en papier). Ses photos sont foisonnantes d’objets suspendus dans l’espace (grâce à un simple fil de pêche) qui donne une touche de fantaisie et de poésie. Lauréate du prix HSBC pour la Photographie en 2013 et lauréate du prix Royal Monceau en 2012, elle fait partie de la génération émergente de la photographie. Dans sa série « Égarements », l’artiste déjoue la gravité et suspend le temps grâce à ses incroyables installations (assimilées à des sculptures). Bienvenue dans le monde magique de Cerise ! Cerise Doucède is a 26 years old French photographer from Toulon, France composing her own creations with a certain talent and a lot of imagination. Before shooting, she spends several days to install meticulously the environment she imagined. She creates scenes filled with objects suspended in the space, like pirouetting (usually object made by her in paper). Her shooting are teeming with objects suspended in space (through a simple fishing line) which gives a touch of fantasy and poetry. Winner of HSBC photography prize award in 2013 and winner of the Royal Monceau prize in 2012, she is part of that emerging generation of young photographers. Her series “ Égarements ” (aberration) consists of installations which represents each of our dreams and obsession or even fears. Welcome to the magical world of Cerise Doucède !

KAREN KNORR Allemagne Karen Knorr est une photographe américaine née à Francfort, qui a grandi à Puerto Rico dans les années 1960, avant de terminer sa formation à Paris et Londres. Elle vit et travaille aujourd’hui à Londres et enseigne la photographie à l’University College of Creative Arts de Farnham au Royaume-Uni. Devenue célèbre avec sa série Gentelmen, un travail sur les clubs britanniques masculins très select, Karen Knorr s’interroge sur les différents aspects de l’establishment, des codes vestimentaires aux élégantes villégiatures (série Belgravia) de la grande bourgeoisie, en passant par l’exploration des loisirs aristocratiques tels que la Chasse à courre (The Venery). Karen Knorr développe une approche critique et ludique de la société au travers de ses photographies. Karen Knorr is an American photographer born in Germany, grew up in Puerto Rico and went to art school in Paris and London. She lives and works in London where she teaches photography at the University College of Creative Arts of Farnham. She became known for such photographic series Gentlemen, based on this particular historical period focusing on the privileged elite through the use of images accompanied by text. Karen Knorr questioned various aspects of the establishment, with elegant dress codes resorts (Belgravia) of the bourgeoisie, through the exploration of aristocratic leisure activities such as Hunting with hounds (The Venery). Karen Knorr has developed a critical and playful approach on society through her works. www.karenknorr.com/

Fables Series - The Grand Monkey Room 3, Chateau Chantilly ÂŠ Karen Knorr

Fable Series ÂŠ Karen Knorr

VICTOR ENRICH Espagne Victor Enrich est un ancien étudiant en architecture devenu photographe, né à Barcelone en 1976. Il transforme la réalité en manipulant des photos de sites urbains pour créer des structures fantastiques. Il imagine un design urbain plus visionnaire en le rendant plus vivant, plus impressionnant et plus extravagant. Grâce à une maîtrise poussée de Photoshop, Victor Enrich nous emmène dans un monde urbain passionnant dans lequel certains bâtiments ont une architecture surréaliste. Son œuvre, d’une beauté oppressante, subjugue totalement le regard. Victor Enrich was born in Barcelona in 1976. He is a former architecture student that became a photographer. Spanish artist transforms reality by manipulating urban form pictures to create impossible and fantastical structures. He likes to have fun by imagining a more visionary urban design to make it more alive, more impressive and more crazy. Using photographic manipulations with Photoshop, Victor Enrich takes us into his world where some buildings are surreal. He creates a work of art that captures looks and thoughts, and refuses to let go of them. www.victorenrich.com

SCULPTURE / SCULPTURE

DIET WIEGMAN Pays-Bas Diet Wiegman est un artiste visuel multidisciplinaire originaire des Pays-Bas qui utilise la lumière dans le but de créer une ombre projetée sur un mur. Né en 1944, il a commencé à expérimenter sa technique sur des sculptures dans les années 80. Il est maintenant considéré comme l’un des pionniers à utiliser cette technique et a inspiré toute une génération d’artistes qui ont eux aussi utilisé cette méthode plus connue sous le nom de « Shadow Art » (l’art avec de l’ombre). Diet Wiegman confectionne lui-même ses sculptures avec des morceaux de déchets puis place cette sculpture sous un angle de lumière pour faire apparaître une image contrastée sous la forme d’une ombre très détaillée. C’est ainsi que ces ombres représentent la Vénus de Milo ou Michael Jackson en train de faire son légendaire « moon-walk ». Dutch artist Diet Wiegman is a multidisciplinary visual artist that uses a combination of sculpture and light to create fascinating shadow art projected onto walls. Born in 1944, he began experimenting with light sculptures in the 80s. He is now considered as a pioneer in this field and he did inspire a generation of artists after him that also explored this art style also known as “ Shadow art ”. Diet Wiegman makes sculptures with random pieces of trash and then position this sculpture with light to obtain a shadow on a wall that look like Venus de Milo or Michael Jackson performing his legendary “ moon-walk ”. www.dietwiegman.tumblr.com

Shadow dancing 2008 ÂŠ Diet Wiegman

Stride (4 mètres), Scotland, Photo credit : idealimages.co.uk

Arria (32 feet), Scotland, 2011 Photo credit : idealimages.co.uk

ANDY SCOTT’S Écosse Andy Scott est un sculpteur figuratif écossais diplômé de la Glasgow School of Art en 1986. Il travaille sur des sculptures gigantesques (entre 3 et 30 mètres de hauteur) avec des matériaux comme l’acier galvanisé, la fibre de verre et le bronze coulé. Il a réalisé plus de 70 projets à travers le Royaume-Uni et à l’étranger. Ses sculptures allient techniques de fabrication traditionnelle et contemporaines. Plusieurs de ses œuvres de par leur originalité et leur côté imposant ont créé un fort sentiment d’appartenance au sein du développement urbain d’une ville, comme c’est le cas pour « les Kelpies », sculpture de 30 mètres de haut représentant des têtes de chevaux. Les sculptures d’Andy Scott font souvent partie de l’art public d’une ville. Scottish sculptor Andy Scott graduated from Glasgow School of Art in 1986. He works with galvanised steel, fibreglass and cast bronze. He has now completed over 70 projects across the UK and internationally. His sculptural practice combines traditional dexterity with contemporary fabrication techniques and range in scale from 3 to 30 metres in height. Several of his works, by their originality and imposing side have created a strong sense of belonging within the urban development of a city, like the “ Kelpies ” sculpture, a 30 meters horse’s head. Andy Scott’s sculptures are often part of the city public art. www.thekelpies.co.uk

SUN HYUK KIM Corée du Sud Sun Hyuk Kim est un jeune artiste sud-coréen diplômé de l’Université de Séoul où il obtient une Maîtrise en sculpture. Son rêve a toujours été d’être un excellent artiste et de retranscrire sa vision du monde au travers de son œuvre. Sa série Drawn by Life se veut être un démonstration que l’être humain n’est pas grand-chose comparativement à la puissance de la nature et à l’immensité de l’univers. Sun hyuk kim is a young south Korean artist graduated from University of Seoul (master’s degree in sculpture ). His childhood dream was to be a good artist and he has made a constant effort to achieve his dream. His series Drawn by Life wants to be a demonstration of what human being is compared to the immensity of the universe.

The Way to Happiness II ÂŠ Sun Hyuk Kim

PAULO GRANGEON France L’artiste Paulo Grangeon s’est lancé dans un projet artistique nommé 1600 Pandas. Il a pour cela reproduit 1600 pandas en papier mâché qui représentent les 1600 pandas encore vivants sur notre planète. De Hong Kong à Paris, en passant par Rome et de nombreuses autres villes, le projet vise à sensibiliser les gens sur cette espèce en voie de disparition. Paulo Grangeon est un sculpteur français qui a été actif à confectionner des objets en papier mâché depuis plus de 30 ans. Il a débuté ce projet en 2008 en collaboration avec le Fonds Mondial pour la Nature (WWF) pour sensibiliser le monde sur le sort des pandas. French artist Paulo Grangeon launched a artistic project called the “ 1600 Panda ” world tour. He has crafted 1600 pandas – the number of living pandas left in the wild – in various sizes with recycled materials in the form of paper mache. From Hong Kong to Paris via many other cities, the project aims to raise public awareness about this endangered species. Paulo Grangeon is a French sculptor who has been active in his craft for more than 30 years. He began the project in 2008, collaborating with the World Wildlife Fund to raise awareness of the panda’s plight. www.papiermache.co.uk

MIXTE / MIXED

JÉRÔME FORTIN Canada Jérôme Fortin est né à Joliette en 1971, il vit et travaille à Montréal. Depuis 1996, il a présenté plus d’une douzaine d’expositions personnelles à Prague, Pretoria, Tokyo, Paris, Toronto et Montréal. Il a participé à de nombreuses expositions collectives à Istanbul, Berlin, Bologne, Bruxelles, Paris, Cuba, Barcelone, Beijing et New York. Plusieurs résidences d’artiste sont à son parcours, notamment au World Financial Center Arts and Events (New York), Fondation Christoph-Merian (Bâle), Fonca (Mexico D.F.), la Cité internationale des arts (Paris), Ludwig Foundation de Cuba (La Havanne), Tokyo Wonder Site (Tokyo) . En 2007, les travaux de Fortin ont fait l’objet d’une exposition personnelle au Musée d’art contemporain de Montréal (MACM). Il a reçu en 2004 le Prix Pierre-Ayot de la ville de Montréal. Ses œuvres figurent dans plusieurs collections dont celles du Musée d’art contemporain de Montréal, Musée national des beaux-arts du Québec, Musée de Joliette, Pretoria art museum, National Museum of China, Bibliothèque et archives nationales du Québec, Banque d’oeuvres d’art du Conseil des arts du Canada, Ville de Montréal, d’entreprises et particulières. Jérôme Fortin was born in Joliette in 1971, he lives and works in Montreal. Since 1996 he has had more than a dozen solo exhibitions including shows in Prague, Pretoria, Tokyo, Paris, Toronto and Montreal. His work has been presented in group exhibitions in Istanbul, Berlin, Bologna, Brussels, Paris, Cuba, Barcelona, Beijing and New York. Fortin has also actively participated in international artists’ residencies, notably at the World Financial Center Arts and Events (New York), la Fondation Christoph-Merian (Basel), Fonca (Mexico D.F.), la Cité internationale des arts (Paris), the Ludwig Foundation of Cuba (Havana) and Tokyo Wonder Site (Tokyo). In 2007 Fortin had a major solo exhibition at the Musée d’art contemporain de Montréal (MACM) and in 2004 he was a laureate of the City of Montreal’s Prix Pierre Ayot. His works can be found in several public collections including those of the Musée d’art contemporain de Montréal, the Musée national des beaux-arts du Quebec, the Musée de Joliette, the Pretoria Art Museum, the National Museum of China, the Bibliothèque et archives nationales du Québec, the Canada Council Art Bank, the City of Montreal, and in several major corporate and private collections worldwide.

www.pfoac.com

Le comportement de l’ensemble 2012 - 2013, détail. Encre, médium polymère, papier chiffon marouflé sur toile © Massimo Guerrera

MASSIMO GUERRERA Canada Massimo Guerrera est né à Rome en 1967 et vit à Montréal. Il détient un diplôme en arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal et il est le genre d’artiste qui, en une journée, peut dessiner, peindre, sculpter, et photographier. Il a remporté plusieurs prix prestigieux comme le Prix Ozias-Leduc de la Fondation Émile-Nelligan et le Prix Louis-Comtois en 2008. Plusieurs de ses œuvres majeures ont été récemment acquises par le Musée national des Beaux-Arts de Montréal, la Banque Nationale et la Caisse de dépôt et placement du Québec. Il est représenté par la Galerie Joyce Yahouda à Montréal. Massimo Guerrera was born in Rome in 1967 and lives in Montréal. He has a degree in Plastic Arts from the Université du Québec à Montréal and he is the kind of artist who, in one day, can draw, paint, sculpt, and photograph. He won several prestigious prizes as Prix Ozias-Leduc from the Fondation Émile-Nelligan and Prix Louis-Comtois in 2008. Major works were recently acquired by the Musée National des Beaux-Arts Montréal, the Banque National and the Caisse de Depot et Placement du Quebec. He is represented by Galerie Joyce Yahouda in Montreal. www.joyceyahoudagallery.com

Arborescence Du Nord Et RĂŠsonances Impalpables ÂŠ Massimo Guerrera

INSOLITE / UNUSUAL

MAGNUS MUHR Suède Magnus Muhr est un photographe suédois qui crée dans cette série des scénarios simples illustrant des mouches s’adonnant à des activités humaines. Utilisant des corps retrouvés de mouches mortes, il les arrange sur un morceau de papier blanc et les imagine dans des situations de tous les jours. Le photographe a créé un véritable buzz sur internet avec son travail. Dans un livre intitulé La Vie des Mouches, Muhr documente soigneusement le monde de la mouche domestique et révèle que lorsque nous ne sommes pas autour, les mouches se comportent à peu près comme nous le faisons; jouer au golf ou au foot, bronzer, faire la fête, faire des rencontres, chanter, et même aller à la pêche. Cette collection macabre saura certainement capter votre attention comme aucune mouche ne l’a fait auparavant ! Magnus Muhr is a Swedish photographer that creates simple scenarios illustrating human activities of dead flies. Using the found bodies of dead flies, Muhr arranges them on a blank piece of paper and draws them into everyday situations. The photographer created a real buzz with his work all over the internet. In a book entitled Life of Fly, Muhr carefully documents the world of the common housefly and reveals that when we’re not around, flies behave pretty much like we do ; playing golf or soccer, sunbathing, partying, dating, singing, and even fishing. This macabre collection is sure to captivate humans like no fly has done before !

JASON DECAIRES TAYLOR Angleterre Jason DeCaires Taylor est un sculpteur britannique basé au Mexique. Passionné de plongée il se spécialise tout naturellement dans la création de sculptures sous-marines contemporaines. En mai 2006, il a créé aux Antilles le premier parc de sculptures sous-marines au monde et en 2009 un musée sous-marin monumental appelé Museo de Arte Subacuático, avec une collection de 500 sculptures permanentes grandeur nature, formée dans les eaux de Cancún. Son installation est destinée à couvrir à terme plus de 4520 pieds carrés, ce qui en ferait « une des plus grandes et plus ambitieuses attractions sous-marines dans le monde ». L’art de Taylor est construit pour être assimilé par l’océan et transformé d’objets inertes en des récifs coralliens vivants, dépeignant ainsi une intervention humaine sur la nature à la fois positive et encourageante. Jason DeCaires Taylor is a Mexico-based British sculptor with a passion for scuba diving and specializing in the creation of contemporary underwater sculptures. In May 2006 he created in Les Antilles the world’s first underwater sculpture park and in 2009 a monumental underwater museum called Museo Subacuático de Arte with a collection of 500 permanent life size sculptures was formed in the waters surrounding Cancun. Hi installation is intended to eventually cover more than 4,520 square feet, which would make it one of the largest and most ambitious underwater attractions in the world. Taylor’s art is constructed to be assimilated by the ocean and transformed from inert objects into living breathing coral reefs, portraying human intervention as both positive and life-encouraging. www.underwatersculpture.com

LIU BOLIN Chine Liu Bolin est l’un des artistes chinois les plus célèbres de cette décennie. Né en 1973, il a obtenu une maîtrise en beaux-arts de l’Académie centrale des Beaux-Arts de Pékin. Aussi connu comme « The Invisible Man », il est notamment populaire pour sa maîtrise de l’art du camouflage. Une seule photo peut nécessiter jusqu’à 10 heures de préparation. Liu utilise son corps comme une toile vierge, et avec l’aide d’un assistant, il se peint complètement de manière à être le plus transparent possible par rapport au paysage. Les résultats sont incroyables, à tel point que parfois les passants ne réalisent même pas sa présence. Ses œuvres les plus populaires se retrouvent dans sa série « Hiding in the City ». Son travail a été exposé dans plusieurs musées à travers le monde, et il est représenté par la Galerie Klein Sun à New York. Liu Bolin is one of the famous Chinese artists of this decade. Born in 1973, he earned a Master degree in Fine Arts from the Central Academy of Fine Arts in Beijing. Also known as “ The Invisible Man ”, he became popular for his mastery at the art of camouflaging himself against virtually any background. One single photo takes up to 10 hours to prepare. Liu uses himself as a blank canvas, and with help from an assistant, he paints his body to merge as seamlessly as possible with what is behind him. The results are incredible; sometimes passers-by do not even realize he is around until he moves. Liu Bolin’s most popular works are from his “ Hiding in the City ” series. His work has been exhibited in museums around the world he is represented by Klein Sun Gallery in New York. www.liubolinart.com

MARK KHAISMAN Ukraine Mark Khaisman est un artiste visuel ukrainien basé à Philadelphie. Il réalise des portraits incroyables en collant du ruban d’emballage classique sur des panneaux en plexiglas transparent, il ajoute plusieurs couches afin de pixelliser ses œuvres. Il n’a pas peur d’arracher quelques bandes de ruban s’il n’aime pas la façon dont il les a placés. La plupart de ses sujets sont empruntés à des vieux films, dont il reprend certains fragments aléatoires et les sort de leur contexte d’origine. Khaisman dit être inspiré dans son travail par les vieux films en noir et blanc en raison des forts contrastes de lumière. Il lui faut entre quelques jours et quelques semaines pour terminer une œuvre de la taille d’un poster. Mark Khaisman is an Ukrainian visual artist based in Philadelphia. He creates incredible portraits by sticking classic packing tape on clear Plexiglas panels, and layers it to create a pixelated piece of pop art. He is not afraid to remove a strip of tape if he does not like how he is placed it. Most of Khaisman’s subjects are borrowed from old movies, from which he picks some random fragments out of the context of their origin. He said that an old black and white film inspires his work because of its strong play with light and shadow. It takes him between a few days and a few weeks to complete a poster-sized piece.

www.khaismanstudio.com

Window #9 2011 ÂŠ Mark Khaisman

James and Ursula 2013 ÂŠ Mark Khaisman

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