ARTNOBEL Revista 4 by ARTNOBEL

ARTNOBEL

NĂşm. 4 nov.-dic. 2015

Inspiration Review of Contemporary Art

En este número encontrarás… Fotografía de Karina Sechi Portada de Emilio Kabchi

Anosognosia, un frío salón a flor de piel

ii.

Henry González en la isla de hielo y fuego

iii.

10 días de trekking por Islandia

iv. MIRA - Live Visual Arts Festival 2015 v.

Ana Teresa Fernández. Bajo el mismo cielo

vi. Hablo, sabiendo que no se trata de eso. Comisart. Nuevas miradas sobre dos grandes colecciones

vii. Juan Canela , 17 artistas y sus obras presentes en la exposición viii. María Ignacia Edwards. Instrumento móvil de aire y cuerda 2

Redacción

Maite Alonso Directora

Todo le fascina. Interesada en los detalles, las pequeñas cosas pasando delante de nuestras narices sin sentido ni razón. Se abstrae en un instante durante horas llenas de trazos sobre papel.

Gregorio Alonso Redactor

Saltando de un equilibrio a otro. Descubriendo cosas en cada esquina. Subiendo y viajando por las ideas de otros que en algún momento hará suyas. Corriendo tras la paloma en un campo repleto de amapolas.

Cristina Martínez-Sandoval Redactora de Opinión

Atenta y contenta como la bondad. Gira, da vueltas, se mira en el muro lo salta y se espanta. Sonríe, lo aprecia, se asombra, se inquieta, se olvida y lo quiere recordar.

eMe Alonso Reportera de Eventos

Comunica, entretiene, disfruta, se evapora y vuelve a volar. Nada en la zona adulta sin soltar de la mano a una niña de cabellos claros y sonrisa perenne. Incansable de apetitos exquisitos de una sola vez.

SmartphonegrafĂa, 2015 por Agua Santa

ANOSOGNOSIA, UN FRÍO SALÓN A FLOR DE PIEL Contemplamos aquello que nos rodea en función de nosotros mismos, y al tiempo, tenemos sentido en función de nuestro entorno. Nos percibimos el centro de un universo observado desde nuestro punto de vista. Sin embargo, para la humanidad apenas somos nada. Nuestra particular visión del arte juega como un existencialismo, como un juego de propio conocimiento, con interés por todo lo que nos envuelve. En ese cosmos donde nada somos, donde nada hacemos, donde nada entendemos, sino es a través de ese existencialismo. Actuamos como un GPS indicando coordenadas, números y referencias, ubicándonos en un lugar, en este caso, más imaginario que real. Un lugar perdido, porque no sabemos descifrar esas coordenadas definidas por nuestra existencia, como enfermos padeciendo una imposible anosognosia. La búsqueda de entendimiento nos aparta de conocer ésta auto cuestión. Estando siempre ahí, a nuestro alcance… muy próximos.

Abate Bussoni

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Henry Gonzรกlez en la isla de hielo y fuego

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Desde hace unos años tenía la idea de visitar Islandia, viaje que finalmente pude realizar este año. No tenía un proyecto preconcebido, simplemente quería fotografiar el tipo de paisaje boreal de la sorprendente y septentrional “Isla de hielo y fuego”. Acostumbrado a caminar y aventurarme para conseguir imágenes, decidí comenzar el viaje realizando el trekking de Laugaverurin, que comunica el valle geotermal de Landmannlaugar con el verde valle de Thórsmörk, al sur del país junto al volcán de Eyjafjallajökul. La región es considerada como la tercera zona geotermal del planeta y su recorrido se realiza en 5 días. Como fotógrafo de naturaleza y paisajista fue una maravilla poder caminar por esa agreste región totalmente volcánica con montañas de riolita, bellos cañones y desiertos negros, un espectáculo lleno de contrastes y color. Era una novedad para mí el poder realizar imágenes de un paisaje tan diferente a los tepuyes venezolanos, que es mi área de acción y donde me he desarrollado como fotógrafo de naturaleza y paisajista. Volcanes, montañas de colores, verdes valles, lagos, ríos, gargantas y cañones, glaciares, ríos y lagos glaciares, fumarolas, pozas y ríos termales, caminos de lava, desiertos y bosques boreales, se mezclan para

dar una variedad como pocas regiones pueden tener, cada día un paisaje diferente. El trekking es de un nivel muy fácil y que sin duda está hecho para amantes de la fotografía y la naturaleza. Al terminarlo realizamos un viaje en coche, dando vuelta a la isla en sentido contrario a las agujas del reloj. Islandia es un país que prácticamente en su totalidad, es un parque nacional. Es de esos lugares donde dan ganas de perderse, conocer y viajar sin fin, aún más si llevas una cámara, todo allí es fotogénico. Es un país amigable, bien organizado y todo está muy a la mano, es posible llegar en coche a la mayoría de los lugares de interés. Y sin duda, una de las cosas que me maravillaron, fue el acceso gratuito a casi todos los lugares de interés natural. La carretera que da la vuelta a la isla es estrecha, pero impecablemente mantenida. Mientras conduces por ella te cruzas con infinidad de caravanas, camiones-casa, vans y coches de alquiler, el turismo está muy bien organizado y aunque los precios de hoteles y restaurantes son elevados, la acampada está permitida en la casi totalidad del país, por lo que es posible viajar de manera económica si se organiza el viaje con tiempo.

Comenzamos nuestro recorrido saliendo desde la capital, Reykjavik dirección al llamado círculo dorado, zona geotérmica donde se encuentran el parque nacional de Thingvellir, la famosa "cascada de oro" Gullfoss y el gran Geiser. Aunque el buen tiempo no nos acompañó había mucho camino por delante y mucho paisaje por ver y fotografiar. El camino nos llevó hacia las playas negras del sur, en Vik localidad más meridional de la isla, encontramos la bella playa de Reynisfara con sus acantilados y geométricas formaciones de basalto sobre el mar de Reynisdrangur, mar bravo y tempestuoso que ofrece todo tipo de posibilidades para la fotografía creativa y de larga exposición, uno de mis lugares favoritos del viaje. Algo que me sorprendió en ese lugar y que fue una constante durante todo el viaje, fue ver la cantidad increíble de fotógrafos profesionales o que parecían serlo. Un impresionante desfile de costosos equipos que refleja la gran masificación de la fotografía en nuestros días. Nuestra siguiente parada, ahora dirección este, fue la magnífica laguna glaciar de Jökulsárlon, donde bloques de hielo, focas, gaviotas y azules turquesas se entremezclan en un deleite visual, invadido de trípodes y cámaras trabajando en

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armonía. Era septiembre, final del verano y los días eran larguísimos, despertando a veces, a las 4 de la mañana para captar las primeras luces del día, conduciendo durante horas, parado en todos los lugares recomendados y muchas veces improvisando, es realmente un país lleno de sorpresas, contrastes y variados panoramas. La gente es encantadora, todos hablan inglés, afortunadamente porque el islandés es complicadísimo, repleto de consonantes y sonidos impronunciables para un hispanohablante. Continuamos viajando dirección este – noreste, donde se encuentra situado el parque nacional Skatefell al pie del glacial más grande de Europa el Vatnajökull, verdaderamente imponente, su visión se pierde en la inmensidad, de esos lugares donde notas la fragilidad del ser humano frente a la sublime naturaleza. La costa este y los fiordos orientales fueron un hermoso descubrimiento, los panoramas entre el mar y la montaña, la profundidad con que el mar se impone tierra adentro, los coloridos pueblos pesqueros con sus casas de fuertes tonos, de tejados escarlatas y añiles, un bonito y pintoresco espectáculo para la vista y las lentes de cualquier fotógrafo.

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Ya teníamos 10 días viajando, con ganas de quedarnos más tiempo en cada lugar, planeando ya volver en un futuro, con más tiempo y para acampar. Nos encontrábamos en el norte de la isla y como cada día habíamos hecho unos 300 kilómetros, hasta el momento habíamos visitado un gran número de cascadas, en todos sus formatos, Islandia está repleta de ellas. Cuando llegamos a dormir a una granja ubicada al pie de la bonita Godafoss, fascinante al amanecer y muy cercana a Dettifoss, conocida por aparecer en una mítica escena de la película Prometheus, realmente un lugar que vale la pena la visitar. Ahora viajando en dirección oeste, recorrimos el lago de Myvatn o “lago de los mosquitos” región de una biodiversidad extraordinaria, donde es posible pasear entre pseudocráteres y perderse en Dimmuborgir, una inmensa área de campos de lava, con variadísimas formas rocosas y actividad volcánica. En la mitología islandesa se dice que este lugar conecta con las tierras del infierno y que en él residen duendes y gnomos. Dirección al sur, ya casi cerrando el círculo y después de casi 400 km, parada en Borgarnes, en la costa

oeste, donde nos recibieron vientos de más de 120 km por hora que arrancaban tejados, letreros y hasta ventanas de caravanas. Ese día decidimos pasar la última noche del viaje en Vik, donde ya habíamos estado, íbamos a cerrar el círculo y continuar de nuevo hacia el sur, hacia la costa meridional de la isla. Al comienzo del viaje descubrí que el conocido fotógrafo americano de naturaleza, Ian Plant, estaría en Islandia al mismo tiempo que nosotros. Realizaría un workshop con un grupo de alumnos fotógrafos. Le escribí un email para ver si era posible encontrarnos y él me propuso un encuentro en Vik, donde ellos pasarían varios días. Nosotros ya habíamos dejado Vik atrás, pero era uno de los sitios que más nos marcó en el recorrido de coche, valía la pena volver. Unos kilómetros de más, después de tantos días en el coche, era una cosa totalmente factible. Esa noche nos encontramos con Ian en su hotel, fue una reunión muy simpática y acertada. La mañana siguiente volvimos a las playas negras, donde conocimos nuevos lugares. Disfrutamos mucho nuestro último día, Vik y sus alrededores, es un lugar donde vale la pena quedarse unos días.

De vuelta hacia Reykjavik, decidimos dedicar nuestras últimas horas antes de tomar el avión, a relajarnos y descansar en el “Blue lagoon”, impresionante balneario geotermal situado en la península de Reykjane, muy cerca del aeropuerto, es el lugar más popular y visitado de Islandia. Un entorno singular para un extraordinario espectáculo natural, un ecosistema único, reconocido por las propiedades medicinales de sus azules aguas. Existen otros centros termales en la isla y en casi todos los pueblos hay piscinas municipales. De hecho la oferta de actividades y posibilidades de

ocio en Islandia es bastante completa y variada, en la costa hay paseos en barco para avistamiento de focas y ballenas; en los glaciares, paseos con crampones, subida o visita a su interior; también se puede descender a un volcán; existen varios museos interesantes; en fin la oferta se adapta a todos los gustos y bolsillos. Esa noche relajados y satisfechos subimos al avión, después de haber realizado en 10 días un trekking de 60 km y 2800 km de coche, con la absoluta convicción de que volveremos a este maravilloso y asombroso país de hielo y fuego. Henry González

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MIRA

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Live Visual Arts Festival 2015

MIRA es un festival que exhibe las nuevas creaciones en artes visuales a nivel internacional, generando simbiosis únicas a través de colaboraciones entre artistas visuales y musicales, basándose en tres áreas: exhibición, divulgación y educación. El programa de este año 2015 ofreció 33 conciertos, 9 instalaciones y 20 artistas visuales, además de conferencias, workshops y screenings. Más de 50 actividades a lo largo de una semana -30 octubre al 7 noviembre- repartidas por los tres espacios del festival: Fàbrica Fabra i Coats, Arts Santa Mònica y Razzmatazz. Una de las revelaciones musicales de la electrónica más inspiracional y mejor producida de la escena nórdica, Rival Consoles (UK), presento su nuevo álbum -todavía sin nombre, editado por Erased Tapes-, un viaje cósmico digno de la música del futuro. Por quinto año consecutivo, el magnífico edificio de Fabra i Coats, emblema del patrimonio industrial de la ciudad de Barcelona, se convirtió en la sede de MIRA 2015. La nave central de esta fábrica –con más de 1000 m2- acogió el escenario del festival que, también conto con una segunda nave anexa al edificio principal. Fabra i Coats, que forma parte del circuito Fábricas de Creación del Ajuntamiento de Barcelona, apuesta por la creación más emergente apoyando a la innovación y la creatividad. El centro cultural Arts Santa Mònica se sumo un año más al festival,

dando cabida a conferencias y shows en directo. Dos días de actividades gratuitas orientadas a la difusión de las artes visuales y la tecnología. Los espacios The Loft y Lo*li*ta en la mítica Sala Razzmatazz de Barcelona, ofrecieron los conciertos de clausura del festival MIRA el pasado 7 de noviembre. Este año, la imagen del MIRA - Live Visual Arts Festival se propuso personificar el festival en forma humanoide. "Personajes con cara y ojos que se dirigen al público a través de la sensualidad", según palabras del estudio de diseño barcelonés Device, responsable de la campaña gráfica del MIRA por tercer año consecutivo. A mediados del pasado julio, el festival publicó "She", el nacimiento de un ser artificial que emergía del fondo del mar y pregonaba: "te he estado esperando. ¿Estás preparado?". Meses después el festival publicaba el segundo teaser de la imagen, titulado "He", otro ser misterioso nacido de un monolito de tierras áridas. La imagen del MIRA 2015 pretende explorar en el erotismo situándolo en un contexto artificial donde las posibilidades y la imaginación se ven ampliadas gracias al factor tecnológico. La campaña gráfica de esta edición, es el punto de unión entre los instintos primarios del ser humano y la actualidad de la técnica vinculada al mundo digital. Una estética vanguardista ligada a la era de internet. Rival Consoles. Odyssey, vídeo en: https://vimeo.com/75201259 61

Ana Teresa Fernández. Bajo el mismo cielo

BBC, CNN, The New York Times, han escrito sobre Ana Teresa Fernández y Borrando la frontera un proyecto de arte en el que la artista, invitada por la organización Border Community Alliance, pinta de azul la valla que separa a Estados Unidos y México como una plataforma visual para exigir mayor respeto a los derechos humanos de los inmigrantes no solo en Latinoamérica sino a nivel mundial. Nacida hace 34 años en Tampico, México, la artista activista reside en San Francisco, pero durante varios años vivió en Nogales, ciudad fronteriza con San Diego, California, donde observó cómo muchas personas atravesaban el puerto fronterizo diariamente. En esta valla que hoy pinta Ana Teresa Fernández han muerto desde 1998 hasta 2014 más de 6.000 personas. El 6% de las muertes de migrantes en todo el mundo. La artista ha querido borrar ese recuerdo en 10 metros de

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ancho y seis de alto. Aunque matiza: "No lo hacemos desaparecer. Estamos jalando el telón del cielo hacia abajo”. La primera vez que Ana Teresa Fernández “baja el cielo como un telón", fue en el 2012 en un lugar emblemático de la playa de Tijuana donde la valla fronteriza atraviesa el océano y divide Estados Unidos y México. Esta vez el pasado mes de octubre, la artista ayudada por compañeros, pintaron una parte que divide las ciudades del mismo nombre: Nogales, del estado mexicano de Sonora y Nogales, del estado norteamericano de Arizona. Las autoridades fronterizas de ambos países no interrumpieron la intervención artística. Como bien dice Ana Teresa Fernández: “Sí, somos diferentes culturas pero es bajo el mismo cielo”. Ver el vídeo editado por AJ+ https://youtu.be/EMDCpKRCScI

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Hablo, sabiendo que no se trata de eso. Comisart. Nuevas miradas sobre dos grandes colecciones

Hablo, sabiendo que no se trata de eso, es la primera de las tres exposiciones que componen la segunda edición de Comisart. Nuevas miradas sobre la Colección ”la Caixa”. En 2012, la entidad puso en marcha el programa Comisart para dar a conocer el trabajo de jóvenes críticos y comisarios de arte y ofrecerles la posibilidad de desarrollar un proyecto de exposición a partir de los fondos de la Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. La idea nació al constatar la transformación que ha experimentado en los últimos años el mundo de la crítica y del comisariado: muchos jóvenes han viajado al extranjero, han estudiado en las mejores universidades y han trabajado en museos e instituciones de primera línea. De estas experiencias cosmopolitas ha surgido una nueva mirada sobre el arte contemporáneo

que, a menudo, no encuentra caminos para manifestarse: cuesta hallar espacios de comunicación entre los críticos jóvenes, las nuevas lecturas del arte, la comunidad artística y el público. El interés de Comisart es múltiple: para los jóvenes comisarios, representa una oportunidad de desarrollo de sus ideas en contacto con las obras de los grandes artistas de nuestro tiempo, y para la comunidad artística y para el público, permite descubrir nuevas voces críticas y nuevas formas de vivir la experiencia contemporánea. Esta segunda edición de Comisart presenta dos novedades principales: en primer lugar, la posibilidad de incorporar al proyecto, además de las obras de la Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo, los fondos de la Colección MACBA; por otra parte, los comisarios pueden invitar a artistas jóvenes a participar en sus proyectos.

La primera de las muestras que surgen de esta convocatoria, Hablo, sabiendo que no se trata de eso, a cargo del joven comisario Juan Canela, aprovecha estas nuevas oportunidades para organizar su proyecto y reúne obras de 17 artistas. Seis de ellos pertenecen a la Colección ”la Caixa”, seis más provienen de la Colección MACBA, y cinco obras de jóvenes artistas han sido cedidas a la exposición y en algún caso, adaptadas expresamente. La muestra, organizada y producida por la Obra Social ”la Caixa”, se enmarcaen la voluntad histórica de la entidad de contribuir a aumentar la capacidad de generar conocimiento y sensibilidad hacia el arte más actual. Dar a conocer la creación contemporánea rompiendo las barreras que a menudo la separan del público es uno de los objetivos de la Obra Social ”la Caixa” en el ámbito cultural. En este sentido, es paradigmática la Colección ”la Caixa”, formada por cerca de un millar de obras de los artistas más importantes de los últimos treinta años. Esta colección es hoy un punto de referencia artístico, como lo demuestran el préstamo constante de algunas de sus obras para exposiciones en todo el mundo, la organización de numerosas exposiciones en los centros CaixaForum y las muestras tinerantes en España, Europa y el mundo entero. En los últimos años, ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

se ha iniciado con el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) la gestión coordinada de los fondos de arte contemporáneo de estas dos instituciones y una política también coordinada de adquisición de obras, así como la coproducción de exposiciones a partir de los fondos de sus colecciones. Más de cuarenta propuestas se presentaron en la segunda edición de Comisart. Este programa brinda la oportunidad de trabajar con obras de primer nivel y de realizar un proyecto expositivo en condiciones profesionales, con la ayuda de un tutor o tutora y con todos los medios que la Obra Social ”laCaixa” pone a disposición de los proyectos seleccionados. Con Comisart, la entidad da continuidad a su larga trayectoria de compromiso con nuevos talentos en el ámbito de la cultura en general, y de las artes visuales en particular. A lo largo de los años, la entidad ha programado varias iniciativas con la voluntad de dar más proyección a los jóvenes que inician el camino profesional, reforzando su apuesta por el arte emergente. El programa de apoyo al comisariado emergente de la Obra Social ”la Caixa” está destinado a comisarios de arte menores de 40 años, de nacionalidad o residencia española y que previamente hayan comisariado un mínimo de tres exposiciones. Quedan descartados los comisarios o comisarias que tengan una trayectoria profesional consolidada. 67

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Comisart se concreta en un programa de periodicidad bienal que desarrolla tres proyectos expositivos específicos a partir de las obras disponibles que forman la Colección ”la Caixa”. El jurado de esta segunda edición de Comisart ha estado compuesto por Ferran Barenblit, Sabel Gavaldón, Antònia M. Perelló y Manuel Segade. Entre las cuarenta propuestas presentadas, las tres seleccionadas corresponden a las de Juan Canela (Hablo, sabiendo que no se trata de eso), Carlos Martín (Gestos iconoclastas, imágenes heterodoxas) y Érika Goyarrola y Xurxo Ínsua (Altarchitecture). La primera trata sobre los límites del lenguaje; la segunda, sobre el arte como provocación y revulsivo, y la tercera, sobre las relaciones entre arte y arquitectura y la posibilidad de buscar formas de construcción social alternativas. ¿Acaso en la actualidad dependemos demasiado de un tipo de lenguaje, de un mismo esquema de representación y comunicación predominantemente narrativo? Esta es la pregunta que se formula Juan Canela y que vehicula la exposición Hablo, sabiendo que no se trata de eso (que toma prestado el título de un poema de Alejandra Pizarnik). La conciencia de lo inefable poético, la incapacidad del lenguaje oral o escrito para transmitir ideas y emociones, no es ninguna novedad: forma parte de la propia naturaleza del arte y la literatura.

Pero el arte contemporáneo ha profundizado como nunca en el tema: desde artistas que han querido transmitir el dolor absoluto -Hinter dem Knochen wird gezählt SCHMERZRAUM, de Joseph Beuys, una de las piezas más importantes de la Colección ”la Caixa” - hasta creadores que han explorado formas de Comunicación alternativas, como los dadaístas con sus performances o el teatro de la crueldad de Antonin Artaud. El punto de partida de Hablo, sabiendo que no se trata de eso es una serie de trabajos de las colecciones de ”la Caixa” y del MACBA que reflexionan sobre el propio hecho lingüístico o comunican, a través de un lenguaje significativo y original, un escenario propio elaborado a partir de códigos personales, históricos, culturales, lingüísticos y sociales. Uno de los aspectos más fascinantes de la muestra es la libertad con que elige las obras y establece vínculos entre creadores de distintas épocas, que trabajan con materiales y lenguajes muy variados: de Eduardo Chillida y Susana Solano a Matt Mullican y Asier Mendizabal, de la escultura en acero al trabajo conceptual realizado con vidrieras o banderas. En esta línea, se ha invitado a una serie de artistas jóvenes a intervenir en los proyectos con performances, de forma paralela o en el mismo espacio de exposición.

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De esta forma, la Colección ”la Caixa” emerge como un organismo vivo en el que los objetos actúan en el momento presente. Llevando el razonamiento performativo de la colección al extremo, los materiales de las obras, los cuerpos (de artistas, performers y público), sus acciones y el espacio son los agentes que forman un nuevo escenario de comunicación, más allá de las palabras. La selección de los trabajos articula distintas líneas discursivas y performativas que se entrecruzan en el espacio expositivo, e incluso se expanden más allá de sus muros. En este sentido, el «espacio de dolor» de Beuys se convierte en una pieza central que, además, provoca la acción Cabaña de madera, cabaña de plomo,a cargo del artista y doctor en Física Pep Vidal. Esta performance podrá verse en vídeo en la sala de exposiciones, y también en una sesión en directo abierta al público en el mismo espacio de dolor, el sábado 19 de diciembre, a las 19 horas. Tres son las líneas de acción y reflexión de la exposición. En primer lugar, encontramos una serie de

obras que se cuestionan directamente sobre el propio lenguaje, el hecho narrativo y sus límites (Isidoro Valcárcel Medina, Jonathan Monk, Juan López, Falke Pisano y Ryan Gander). Otra de las líneas temáticas está formada por trabajos que generan sistemas de comunicación perceptiva abstracta, que escapan totalmente del lenguaje (Matt Mullican, Asier Mendizabal, Eduardo Chillida, Susana Solano y Juan López). Por último, una serie de piezas juegan con la abstracción y el lenguaje creando sistemas de comunicación en los que la presencia del cuerpo tiene un protagonismo especial (Félix González-Torres, Dora García, Abraham Cruzvillegas y Julia Spínola). En esta última línea discursiva se incluyen también la coreografía performativa de Aimar Pérez Galí y la intervención de Marc Vives. La primera podrá verse el sábado 23 de enero 2016, a las 19 horas,. La segunda, pudo verse el pasado 29 de octubre y el 7 de noviembre.

Juan Canela , los 17 artistas y sus obras presentes en la exposición Juan Canela (Sevilla, 1980) vive y trabaja en Barcelona. Comisario independiente y crítico de arte, es fundador y comisario de BAR project i Azotea. Entre sus proyectos recientes, se encuentran Lesson 0, proyecto de largo recorrido para el Espacio 13 de la Fundación Miró, Barcelona; ¿Por qué lo llaman entropía?, exposición comisariada junto con Ariadna Ramonetti para la edición 0 del Encuentro Internacional de Cultura Contemporánea de Guadalajara, México (2015); Ignacio Uriarte: 1&0s, MARCO (Museo de Arte Contemporáneo de Vigo) (2014); ¿Estudias o trabajas?, La Ene, Buenos Aires, Argentina (2013); y Lo viejo y lo nuevo, ADNPlatform, Barcelona (2013), proyecto comisariado por Azotea (Ane Agirre y Juan Canela). En octubre de 2015 comisaria Swab Performance, un programa de performances para

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Swab Barcelona. Junto con Chris Sharp, será comisario de la sección Opening de ARCOmadrid 2016. Recientemente, ha participado en seminario Surrounding Education en De Appel Arts Centre de Ámsterdam, y en Synapse Workshop 2015 de la Haus der Kulturen der Welt, Berlín. Escribe para revistas como A*Desk, Dardo Magazine, South Magazine y Kaleidoscope. En la exposición Hablo, sabiendo que no se trata de eso, Juan Canela ha vinculado a los sigientes artistas: Joseph Beuys (Krefeld, Alemania, 1921 – Düsseldorf, Alemania, 1986) Hinter dem Knochen wird gezählt SCHMERZRAUM [Se cuenta detrás del hueso ESPACIO DE DOLOR], 1983 Planchas de plomo, hierro y anillas de plata Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo.

Pep Vidal (Barcelona, 1980) Cabana de fusta, cabana de plom [Cabaña de madera, cabaña de plomo], 2015 Acción, registro en vídeo y audio Cortesía del artista. Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924-2002) Iru Burni [Tres hierros], 1986 Acero Aloña Colección MACBA. Fundación MACBA. Colección Telefónica. Ryan Gander (Chester, Inglaterra, 1976) I am nothing. I just have no mass (Alchemy Box #27) [No soy nada. Simplemente, no tengo masa (caja de alquimia n.º 27)], 2011 Resina, polvo de mármol, madera y vinilo Colección MACBA. Consorcio MACBA. Depósito particular. Abraham Cruzvillegas (México DF, México, 1968) Autorretrato ciego, escapándome de mí mismo, tratando de recordar el año en que fue publicado Mille plateaux, 2013 Pintura acrílica lila sobre periódico, cartón, fotografías, postales, sobres, dibujos, tiques, cartas,

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pósteres, tarjetas, recibos, servilletas y agujas Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Dora García (Valladolid, 1965) Bolsa dorada, 1995 Polietileno y pigmento dorado Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Félix González-Torres (Guaimaro, Cuba, 1957 – Miami, Estados Unidos, 1996) Untitled (Last Night) [Sin título (Ayer noche)], 1993 Bombillas, hilo eléctrico y transformador Colección MACBA. Fundación MACBA. Depósito colección privada. Juan López (Alto Maliaño, Cantabria, 1979) Push the envelope [Ampliar los límites], 2013-2015 Vinilo adhesivo y placas de yeso laminado. Dimensiones variables Cortesía del artista. Numerosis, 2008 Vídeo monocanal, color, 4 min 5 s, proyección continuada Cortesía del artista.

Asier Mendizabal (Ordizia, Guipúzcoa, 1973) Not All That Moves Is Red (Telón) #1, 2012 Tela cosida Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Jonathan Monk (Leicester, Inglaterra, 1969) What is Seen is Described, What is Described is Seen, Version III [Lo que se ve se describe, lo que se describe se ve, versión III], 2007 Óleo sobre tela y vinilo Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Falke Pisano (Ámsterdam, Países Bajos, 1978) Chillida (Forms and Feelings) [Chillida (formas y sentimientos)], 2006 Grabación audiovisual Vídeo de doble canal, b/n, sonido, 14 min c/u Colección MACBA. Fundación MACBA. Matt Mullican (Santa Mónica, California, Estados Unidos, 1951) Untitled [Sin título], 1992 Vidrio emplomado y marco de metal Colección ”la Caixa” de Arte

Contemporáneo. Aimar Pérez Galí (Barcelona, 1982) A system in collapse is a system moving forward [Un sistema que se hunde es un sistema que avanza], 2015 Coreografía para dos bailarines, voz pregrabada Cortesía del artista. Susana Solano (Barcelona, 1946) Pedrís II [Banco de piedra II], 1985 Acero, yeso y malla metálica Colección MACBA. Fundación MACBA. Depósito Lorena Ruiz de Villa. Julia Spínola (Madrid, 1979) Frase (objeto). BOCA, 2013-2015 Objetos. Dimensiones variables Cortesía del artista. Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, 1937) El libro transparente, 1970 Transferibles (Letraset) sobre poliéster Colección MACBA. Fundación MACBA. Marc Vives (Barcelona, 1978) Una fiesta en la terraza, 2015 Acción, audio y vídeo Cortesía del artista.

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María Ignacia Edwards. Instrumento móvil de aire y cuerda Proyecto realizado a partir de la residencia otorgada por la Red Europea de Arte Digital y Ciencia y Ars Electronica. La residencia comenzó con el viaje a los distintos observatorios del European Southern Observatory (ESO), en el Desierto de Atacama, Chile; La Silla, Alma y Paranal. Concluyó con una residencia de producción en Linz, Austria. El resultado de esta travesía artística inspirada en los "encuentros", la observación y la experiencia, ha dado origen a la obra; un instrumento móvil de aire y cuerda, compuesto por un piano, como caja de resonancia y 11 columpios, como la extensión y proyección de us teclas. Las teclas de este instrumento serán enviadas a 11 lugares distintos: Belgrado, Serbia / Kosice, Eslovakia / Gijón, España / Zaragoza, España / Ljubljana, Eslovenia / Londres, Reino Unido / Dublin, Irlanda / Linz, Austria / Santiago, Chile / La Silla, La Serena / Alma, Chajnantor, conectando estas distancias al trazar un mapa / constelación a escala. El movimiento de cada columpio provoca que el piano emita una nota, completando

con ello una composición de 11 notas tocadas a distancia y escuchadas en un mismo lugar, el museo de Ars Electronica en Linz, donde permanecerá el piano hasta que los 11 columpios sean instalados. La obra de María Ignacia Edwards parte de la voluntad de la artista por situarse como observadora activa del mundo, de su propia actividad de selección y descarte... De una mezcla de relaciones y encuentros, de sus largos trayectos en bicicleta y de su gran interés por el cosmos y el pensamiento científico y filosófico. Fruto de todas estas referencias surge el concepto de “trama”, como una vasta red de puntos interconectados en el espacio, como en una constelación. El mapa celeste impreso sobre la superficie de la tierra mediante las líneas que van describiendo los caminos. Sus viajes, pizarras, libretas y construcciones móviles forman, como en una filosofía del mundo, un mapa mental y físico de experiencias que refleja el lugar y la posición que la artista ocupa en el mundo y en el universo. Ver https://vimeo.com/143700753

La contraportada inspiradora

El arte como las matemรกticas debe ayudarnos a descubrir otros mundos