ARTNOBEL Revista 11 by ARTNOBEL

ARTNOBEL

NÃºm. 11 Fase lunar: Luna nueva visi ble 2017

I n s p i ra t i o n Re v i e w o f C o n te m p o ra r y A r t

Pedro Tyler y lo que no se puede medir ARTNOBEL Inspiration Review of Contempo-

en este número

encontrarás...

Maite Alonso Directora

Pedro Tyler

Todo le fascina. Interesada en los detalles, las pequeñas cosas pasando delante de nuestras narices sin sentido ni razón. Se abstrae en un instante durante horas llenas de trazos sobre papel.

eMe Alonso Reportera de Eventos

i. El arte contemporáneo manumitido ii. Pedro Tyler y lo que no se puede medir iii. Aprendiendo de Atenas iv. El viejo ritual de la celebración v. Surrealismo Pop con esencia de la Calle vi. VII Certamen Internacional de Danza Ciutat de Barcelona vii. Choreography 31 viii. Ephemeral Sculptures ix. Desde Tokio a Barcelona David Bowie Is x. Adquisiciones xi. Una señora feria Arcomadrid + Argentina xii. En busca de la excelencia xiii. The Renaissance of Utopias xiv. Las ciudades holandesas se pintan de Mondrian xv. En plena Bahía de Santander xvi. Conectados a un Jack xvii. Y el siglo XX nos trajo a la Bahaus xviii. Sculto

Comunica, entretiene, disfruta, se evapora y vuelve a volar. Nada en la zona adulta sin soltar de la mano a una niña de cabellos claros y sonrisa perenne. Incansable de apetitos exquisitos de una sola vez.

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Gregorio Alonso Redactor Saltando de un equilibrio a otro. Descubriendo cosas en cada esquina. Subiendo y viajando por las ideas de otros que en algún momento hará suyas. Corriendo tras la paloma en un campo repleto de amapolas.

Cristina Martínez-Sandoval Redactora de Opinión Atenta y contenta como la bondad. Gira, da vueltas, se mira en el muro lo salta y se espanta. Sonríe, lo aprecia, se asombra, se inquieta, se olvida y lo quiere recordar.

EL ARTE CONTEPORÁNEO MANUMITIDO Todavía atado y estrechamente ligado al mercado, el Arte Contemporáneo no puede dejar de ser esclavo. Ni de cotizaciones diarias, ni de valoraciones monetarias, ni de ubicaciones cerradas, y menos de inversiones multimillonarias. Lejos de aquel lugar al que pertenece. Para servir al fin social e intelectual al cual debe pleitesía, debería evolucionar en algo superior a sí mismo. Debería ser un arte regalado, sin contraprestación. Un arte todo por amor; sin esperar nada a cambio. Un cambio tan drástico sólo puede darse si la renovación interior es muy profunda. Y nada, salvo lo que pueda hacer Donald con su dedo índice apretando un botón dentro de una maleta, lo hará mudar. Si durante el siglo XX pretendía convertir el mundo, en el siglo XXI apenas procura subsistir. Por lo que puede que ya esté muerto, tal y como lo conocíamos. Sólo podrá renacer si se transforma a sí mismo desde dentro. Entendiendo sus debilidades, sintiendo que apenas puede hacer nada para ayudar a la comunidad. Si acepta su debilidad y limitaciones, hay una posibilidad de resurgir. De lo contrario se esfumará diluido entre las Ciencias, como si nunca hubiera existido.

Abate Bussoni

MÁXIMA ROMERO , TELERGIA, 2017. MIXTA SOBRE FIELTRO RECICLADO

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Pedro Tyler

Y LO QUE NO SE PUEDE MEDIR ARTNOBEL Inspiration Review of Contempo-

PEDRO TYLER Y LO QUE NO SE PUEDE MEDIR

Creo que la belleza de una obra tiene que ver con nuestra manera de conocerla, y ese conocimiento acarrea una sensación placentera relacionada al entender. Entender y disfrutar cómo sus componentes interactúan unos con otros y sus mecanismos de sustentación. Esto puede verse al apilar monedas, entrelazar reglas o darle movilidad a algo aparentemente inmóvil. Relaciono la belleza a la sutileza de la inestabilidad. Esos momentos de entender o sentir concientemente que se está vivo, que algo se desborda y se pierde a cada instante. Me gusta lo estático en el momento que espera, al igual que la calma antes de la tormenta porque la presagia. El alucinante momento antes de saltar o no al vacío por el vértigo de la altura y la caída. La quietud de las profundidades donde el silencio escuchará mi cuerpo, o por otro lado, las alturas por creer que estoy fuera de las cosas y no hay un centro en ellas. Los reflejos por la pregunta que me devuelven mis ojos. Me agrada que siempre haya algo que no entienda. La luz de la vela por no ser constante, hace a las sombras más grandes y en la penumbra al espacio más denso. Me gusta alterar las cosas porque sé que no son definitivas y así aprehenderlas de otra manera. La foto en la que sale la cámara que la sacó, porque es la perfecta simetría que ante un espejo no puedo lograr. Las jaulas porque son espacios en que es difícil penetrar y de los que talvez no se quiera salir. Me gusta el arte que cuando lo dejo, me hace sentir que pierdo algo. Sentir el viento, el sol, el frío y el dolor de una herida porque me hacen creer que soy en un lugar. El vidrio y las transparencias porque seccionan el espacio mientras que todo lo demás lo ocupa, y lo que lo ocupa porque lo completa. Por lo mismo me gusta pensar, por los momentos en que creo aprender y avanzar, pero más que nada me gusta pensar porque creo no entender. En esa búsqueda por comprender, es que empleo objetos cotidianos como material de trabajo, para, sacándolos de su contexto, apreciarlos de otra manera. Al poner agua en su interior, o cincelar su vidrio, una lamparita se convierte para mí en una metáfora de la fragilidad del cuerpo. Como, gracias a esta frontera que es la piel, desarrollamos todo nuestro sentir y pensar. Con cintas métricas, reglas de madera o de acero, se puede medir algo lineal como el cuerpo, pero no se puede medir, por ejemplo, los sentimientos dentro de ese cuerpo. Medir lo que no se puede medir. La medida del dolor relacionada con una muerte cercana, dispara una serie de obras que nacen de una inquietud personal; cómo analizar y razonar sobre los sentimientos. Si bien las obras partieron siendo auto referentes me he dado cuenta que la intimidad de estos temas resulta ser universal. Cada persona interpreta estas experiencias e inquietudes según su perspectiva. Y es desde esta perspectiva, única y personal, que espero se relacionen con mis obras.

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Hallar el jardín perdido

Lo inconmensurable

Pedro Tyler construye un espacio reflexivo, un jardín hecho a medida de sus propias inquietudes, de su cosmovisión, y en él juega a reconstruir situaciones oníricas vinculadas al mito de la Torre de Babel o la traición de Dalila hacia Sansón. De esa búsqueda, surge la producción de elementos realizados por el artista y reconfigurados como objetos de arte; Una reja de sutiles uniones donde los elementos de red y trama están presentes. Cada una de las piezas que son trabajadas y construidas con acero, a partir de reglas impuestas por la métrica, alertan acerca del vínculo constante entre el individuo, su Naturaleza y el deseo de alcanzar la perfección. El artista propone recorrer un camino crítico, donde la impoluta posición de la naturaleza de los objetos: cerco, flores, un arco iris en la noche y el reflejo deforme de la imagen mente-cuerpo en el acero, provocan en el espectador espacios de silencio de múltiples secuencias; y allí se pone a prueba la capacidad del individuo de compartir un territorio de creación, a partir de las historias de vida. En la interpretación de cada territorio, se modifican cientos de sustancias y de almas que promueven una situación de encuentro o desencuentro. Las obras de Pedro Tyler se recubren del mundo privado, de las posiciones múltiples que ocupan los objetos en el paisaje. Las creaciones con las que soluciona cada una de las obras desde el punto de vista formal, tienen una temática determinada que explora la supervivencia del hombre en la agudeza de la medida próxima.

¿Cuál es la medida de la Torre de Babel? o ¿Cuán alto se levanta un arco iris en plena noche? Resultan preguntas inútiles en tanto no agregan información relevante sobre estos increíbles eventos, sin embargo, la búsqueda de la medida, de la dimensión, son necesidades humanas para instrumentar el manejo de un universo que nos supera ampliamente. En el perdido jardín de Pedro Tyler, el metro y la medida son los testigos mudos de esta necesidad y lejos de lograr el objetivo con que fueron creados; medir, nos internan en el territorio de lo inconmensurable, de aquello que no tiene medida y cuya información no se puede decodificar con estos instrumentos transaccionales. Es allí, donde el acero con su apreciación, ya no determina una distancia, sino que es terreno imaginado sobre el que el artista construye el otro, libre de medidas y ya no hecho a imagen y semejanza del mundo medible y apreciable. Si en este jardín los números son solo huella de la inteligencia lógico-matemática, son sometidos a una lógica de los sueños, donde la sucesión no es más la regla, ni el orden aparente surge de la estructura ordinal. El orden aparente, la asepsia del acero, la economía de elementos confunde aún más los sentidos del espectador que se siente seguro al enfrentar un instrumento tan conocido como el metro, pero que es convenientemente engañado hasta el extremo de que debería desconfiar de lo que sus ojos miran. Nada de lo que aprecia tiene medida, nada puede medirse, todo en ese jardín tiene raíces muy profundas y se extiende más allá de los límites de la sala que lo contiene; todo es inconmensurable.

Primero fue el jardín El jardín es un espacio potencialmente histórico en su complemento, en su disposición y en su diseño. Como en el primigenio Jardín del Edén, implica la concreción de un lugar común para el disfrute. Es a la vez un espacio donde preservar los sueños, los mitos que lo componen e incluso los miedos. Nada más simple que un jardín poblado de flores, pero a la vez muy improbable, porque las flores son de acero como todos los elementos que integran el jardín. Entonces, deviene en un locus postindustrial donde el jardín es metáfora o laberinto al mejor estilo borgeano: “La explicación es obvia: El jardín de los senderos que se bifurcan es una imagen incompleta, pero no falsa, del universo tal como lo concebía Ts’ui Pên. A diferencia de Newton y de Schopenhauer, su antepasado no creía en un tiempo uniforme, absoluto. Creía en infinitas series de tiempos, en una red creciente y vertiginosa de tiempos divergentes, convergentes y paralelos. Esa trama de tiempos que se aproximan, se bifurcan, se cortan o que secularmente se ignoran, abarca todas las posibilidades. No existimos en la mayoría de esos tiempos; en algunos existe usted y no yo; en otros, yo, no usted; en otros, los dos. En éste, que un favorable azar me depara, usted ha llegado a mi casa; en otro, usted, al atravesar el jardín, me ha encontrado muerto; en otro, yo digo estas mismas palabras, pero soy un error, un fantasma.” *1 Por lo tanto, ese jardín no tiene tiempo o los tiene todos, el del relato ancestral y el del artista contemporáneo. *1 Jorge Luis Borges, “El jardín de los senderos que se bifurcan”.

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PEDRO TYLER Y LO QUE NO SE PUEDE MEDIR

Desde el filo El cuchillo, facón o machete, la daga o la tijera, son los objetos elegidos por Tyler para armar parte de su jardín. Objetos filosos con dos caras y con dos funciones: herramientas del diario vivir y arma letal. El artista los acuña con tal cuidado que aparecen como objetos domesticados, moldeados y a su vez creadores de nuevos objetos; pero su filo se destaca remarcando el peligro. Da forma a la caja de Pandora y avisa desde el exterior lo que contiene. El filo es explícito pero a la vez silencioso. Representa el corte, como las tijeras que Dalila utilizó para cortar el cabello de Sansón mientras dormía, quitándole su fuerza sobrehumana. En este jardín el filo es creador, como una memoria de lo que vendrá. En el video “Vigilia”, las dagas son la huella del artista, como en la alegoría de la caverna, nada conocemos más que la sombra y esa es toda la verdad. El aura del artista queda marcada por las dagas y el único sonido en toda la sala es el de las siete dagas entrando en la pared. Variaciones sobre un perdido jardín En ese jardín primigenio e inconmensurable, filoso e impoluto, Tyler nos permite dar un nuevo lugar a las prótesis humanas: dominado el acero y extendido su uso nos enfrentamos en el siglo XXI con la necesidad de reinstalar el vínculo del individuo con su Naturaleza, moldeando las extensiones utilizadas por el hombre en su avance hacia el conocimiento, en su desarrollo cultural, en el que siempre se sentirá “incómodo” y que por ende, lo lleva a sus registros más sutiles y propios, a aquello que le es necesario expresar. Así lo plantea Freud en “El malestar en la cultura”: “El hombre se ha convertido en una suerte de dios-prótesis, por así decir, verdaderamente grandioso cuando se coloca todos sus órganos auxiliares; pero estos no se han integrado con él y en ocasiones le dan todavía mucho trabajo”. Tal vez para entender mejor esta situación y encontrar las formas creativas de integrar al hombre con sus prótesis, debamos hallar nuestro jardín perdido.

Jacqueline Lacasa

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PEDRO TYLER Y LO QUE NO SE PUEDE MEDIR

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PEDRO TYLER Y LO QUE NO SE PUEDE MEDIR

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PEDRO TYLER Y LO QUE NO SE PUEDE MEDIR

CREDÍTOS DE LAS IMÁGENES (1) Claustro, reglas de madera, metal, espejo, luces y motor electrico, 2013 (2) Claustro - detalle, reglas de madera, metal, espejo, luces y motor electrico, 2013 (3) Mientras Dormia, reglas de acero, 2009 (4) Mientras Dormia - detalle, reglas de acero, 2009 (5) Medianoche, reglas de acero, 2009 (6) Perdido Jardín - vista general exposición Centro Plataforma, Chile, 2009 (7) Pandora, acero y acrílico, 2009 (8) Solitaria - detalle, reglas de acero y madera, 2014 (9) Principio y fin - detalle, cintas de medir en metal, entrelazadas, 2015 (10) Extensa - vista general exposición Sicardi Gallery, 2015 (11) Tarde - detalle, reglas de plastico termo moldeadas, 2015 (12) Tarde, reglas de plastico termo moldeadas, 2015 (13) La aldea, talla en plomo, balas 44 Magnum y cargador revolver, 2012 (14) La distancia más corta - detalle, cinta de medir de metal sobre madera, 2014 (15) Esperando el alba, reglas de madera, 2012 (16) Pedro Tyler y obras expuestas en ARCO Madrid - Galeria Isabel Aninat, 2017 (17) Detalle obra expuesta en ARCO Madrid, 2017 Más información sobre Pedro Tyler en la geleria Isabel Aninat ARTNOBELInspirationReviewofContemporaryArt 31

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PEDRO TYLER Y LO QUE NO SE PUEDE MEDIR

Pedro Tyler habla con Maite Alonso para Radioartnobel.com sobre sus obras expuestas en la 36ª edición de ARCOmadrid, stand de la Galería Isabel Aninat , Santiago de Chile.

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Aprendiendo de Atenas Cuatro años gestando la presencia en Atenas de la Documenta 14 y ahora se hace visible, audible y palpable a través de la multitud de voces que sostienen el continuo de la exposición durante sus cien días. Los espacios y lugares de la Documenta 14 en Atenas incluyen museos, cines, teatros, bibliotecas, archivos, escuelas, televisión, radio, auditorios universitarios, plazas públicas, calles, clubes, tiendas, parques y senderos, edificios residenciales, espacios que comprende la gran ciudad en su densidad, riqueza y extraña belleza. El polaco Adam Szymczyk, director artístico de la Documenta 14 explicó que en el proceso de selección de los lugares no se trataba de "buscar una serie de espacios solamente" habia que "hacer un esfuerzo por entender la historia de las instituciones" y como estos recintos "influencian" el arte mostrado, recordando la cita de un artista de los años sesenta, que decia: "el contexto es la mitad del trabajo artístico". La Documenta es una de las exposiciones de arte contemporáneo más importantes del mundo y en la actualidad se celebra cada cinco años en la ciudad alemana de Kassel desde que en 1955, el pintor y profesor Arnold Bode la fundara para acercar a la gente, pintura y escultura de los años 20 y 30 considerada por los nazis como degenerada. Es la primera vez en la historia de la Documenta que comparte sede y en esta decimocuarta edición se celebrará simultáneamente en dos ciudades, del 8 de abril al 16 de julio en Atenas y del 10 de junio al 17 de septiembre en Kassel. En ambas capitales las exposiciones durarán cien días, si bien muchas instituciones en Grecia y Alemania orientan sus programas por la Documenta griega. Tanta atención ha de ser positivo para la cultura en Grecia, tremendamente afectada por la crisis. Se espera que el 2017 sea el "año de Grecia" y que la Documenta 14 no solo sea una señal de solidaridad, sino que finalmente todo el mundo haya aprendido algo de Atenas. ARTNOBELInspirationReviewofContemporaryArt 41

El viejo ritual de la celebraciรณn

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Como escribía Umberto Eco en 1985: «Miralda corre por todo el mundo para recrear el viejo ritual de la celebración.» En 1971 Miralda se traslada a Estados Unidos y se encuentra con un país convulso, inmerso en la guerra de Vietnam, sacudido por movimientos políticos y sociales que desafiaban el sistema. El descubrimiento de la cultura estadounidense, entonces en efervescencia creativa, en la que se respiraba libertad y la sensación de que todo era posible, actúa como catalizador del universo miraldiano. Adoptando la comida como su materia de trabajo, empieza a crear proyectos colectivos y sociales con los que indaga en las ceremonias y rituales y en sus simbolismos. Madeinusa nace a partir del archivo personal del artista y reconstruye sus instalaciones de esa época, con un abanico cronológico que abarca desde principios de los años setenta hasta finales de los noventa, y pone al alcance del público una amplia selección de materiales que permite entender la génesis de su obra: grabaciones audiovisuales de acciones y eventos, dibujos, bocetos, fotografías y otros materiales documentales, en su mayoría inéditos. La exposición se inicia con los primeros proyectos realizados en Nueva York en los años setenta y en Miami durante los ochenta y noventa. En este apartado se ha reunido el material documental de la acción Sangría 228 West B’Way (1972), que contó con un centenar de participantes. Realizada en colaboración con Muntadas en el loft que ambos compartían en Tribeca,

consistió en una degustación de arroz aromático coloreado y sangría, todo ello acompañado de proyecciones. Movable Fest (1974), un desfile de una carroza-banquete de tres pisos tirada por caballos y revestida de alimentos, construida con la complicidad de vecinos y comerciantes de la Novena Avenida de Nueva York, escenificó la crítica a la especulación inmobiliaria. En Miami, junto con la restauradora Montse Guillén, transformó un antiguo bar de pescadores en el Bigfish Mayaimi (1996-1999) y celebró el solsticio de verano con Domestic Coral Castle (1982), entre otras iniciativas. Food Situation for a Patriotic Banquet (1972/2010), una mesa de banquete con bandejas de arroz coloreado representando las banderas de las naciones más poderosas del momento con sus respectivos himnos nacionales como menú, enfatiza, a medida que el cereal se va descomponiendo, la desaparición de los colores nacionales identitarios y el fin de la lógica colonial. La monumental línea de panes coloreados de Breadline (1977) alude a las colas para la comida durante la Gran Depresión. Con motivo de la American Royal, evento anual que celebra la industria agrícola y ganadera en Kansas City, Miralda creó un gran proyecto de arte público, Wheat & Steak (1981), en el que movilizó a cientos de participantes en un desfile por las calles de la ciudad. También intervino en la Kansas City Board of Trade, donde sobre un gran muro de panes coloreados proyectó imágenes que mostraban relaciones iconográficas entre el hambre, el comercio y el poder. ARTNOBELInspirationReviewofContemporaryArt 45

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EL VIEJO RITUAL DE LA CELEBRACIÓN

Entre sus proyectos de mayor duración y difusión destaca Honeymoon Project (1986-1992), una serie de eventos en torno a la boda imaginaria entre la Estatua de la Libertad de Nueva York y el monumento a Colón de Barcelona. Durante seis años, implicó a numerosos colectivos de una veintena de ciudades de todo el mundo en más de cuarenta acciones en torno al ritual de apareamiento. Además de audiovisuales de las distintas ceremonias y del Álbum Honeymoon Project, en la muestra del MACBA se pueden ver elementos originales de las celebraciones, como Ba-Ca-Llà, bacalaos secos usados como pergaminos simbólicos y firmados por los alcaldes de Barcelona y Nueva York para oficializar el noviazgo, y Monumentos Parabólicos, dos réplicas de los novios instaladas en el Pabellón de España de la Bienal de Venecia de 1990. Se exponen también Eternity Ring, anillo decorado con diamantes luminosos de metacrilato, y las Alianzas de Agua, hechas con tubos de metacrilato que contienen agua de los mares y océanos que separan a ambos monumentos. Concebido como un espacio artístico y performático, El Internacional Tapas Bar & Restaurant (1984-1986), en colaboración con Montse Guillén, fue un experimento totalmente integrado de cocina y arte site-specific. Icono del downtown de Manhattan, contó con comensales como Jean-Michel Basquiat, Andy Warhol, Robert de Niro.... Además de concentrar la iconografía propia de Miralda, en lo alto del edificio se colocó una réplica a tamaño natural de la corona de la Estatua de la Libertad. El MACBA recupera ese espíritu activando el bar los viernes y sábados por la tarde y recrea, por primera vez, algunos de sus espacios, como la fachada dálmata, la alfombra de banderas o la barra con objetos originarios como las luces Lobster Dream, los Moving Toreros y los Matador Candelabra. Por último, la presentación más completa de la obra de la Colección MACBA Santa Comida (1984-1989), que puedo visitarse en la Capella MACBA, reflexiona sobre las relaciones de imposición del cristianismo y los mecanismos de supervivencia de la religión yoruba a través de la simbología de la ofrenda y la comida.

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CRÉDITOS DE LAS IMÁGENES (1) Wheat & Steak, Kansas City, 1981. Antoni Miralda (2) Food Situation for a Patriotic Banquet, 1972-2010. Miquel Coll (3) Colección MACBA Santa Comida, 1984-1989. Roberto Ruiz (4) El Internacional Tapas Bar & Restaurant, 1984-1986. Pamela Duffy (5) Vista de la exposición Madeinusa, 2017. Roberto Ruiz (6) Monumentos Parabólicos, 1990. Roberto Ruiz (7) Vista exposición con detalle Wheat & Steak, 2017. Miquel Coll (8) Breadline, 1977 con Antoni Miralda, 2017. Producción: MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona . Comisario: Vicent Todolí Exposición: hasta el 9 de abril de 2017

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Surrealismo Pop con esencia de la

calle

Okuda San Miguel (Óscar San Miguel Erice, 1980) es un

artista español nacido en Santander y establecido en Madrid desde el año 2000, al que la pasión, la ambición, las ganas, la disciplina, la intensidad y el positivismo movilizan día a día. Empezó a pintar por el 97 en fabricas abandonadas y vías perdidas en su ciudad natal con su grupo de amigos Jungle Jonky, hasta que en el 2000 me mudó a Madrid para estudiar Bellas Artes, licenciándose en el 2007. Madrid le permitió relacionarse con más artistas y empezaron a publicarle en revistas y a invitarle a eventos internacionales como el Wall Street Monument en Wiesbaden o el Meeting of Styles en NYC. Su obra, caracterizada por estructuras geométricas multicolores, que une para crear formas orgánicas, piezas artísticas de un Surrealismo Pop con esencia de la calle y que plantean contradicciones sobre el existencialismo, el universo, el infinito, el sentido de la vida, las libertades, el conflicto entre la modernidad y nuestras raíces. Sus grandes referentes han sido El Bosco, Kandinsky, Magritte, Dalí, Ernst, Lichestein, Murakami ... Sus trabajos se pueden ver en calles y galerías de todo el mundo: India, Mali, Mozambique, Estados Unidos, Japón, Chile, Brasil, Perú, Sudáfrica, México y todo el continente europeo. De todos ellos queremos destacar Kaos Temple, la Iglesia Skate de Llanera, en Oviedo, Asturias, al ser un proyecto que nace de su propia iniciativa, financiado gracias a la ayuda de los mecenas conseguidos con el crowfunding en Verkami, la colaboración de Montana Colors, Miller Skateboards, Socketines y sobre todo Red Bull.

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CRÉDITOS DE LAS IMÁGENES (1) Okuda San Miguel en Kaos Temple, Llanera, Oviedo 2015 (2) Detalle de Kaos Temple, Llanera, Oviedo 2015 (3) Estación Paco de Lucía, Madrid 2015 (4) Soho Dog, Lafayette New York 2014 (5) The World Love is Ours, Kiev, Ucrania 2015 (6) OKU-DA+PA-NT, Caprice fest Swiss Alps 2016 (7) Rainbow Thief, HK Walls Hongkong China 2016 (*) En el sumario: La Bella di Bellini, Emergence Catania Sicily Italy 2015

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VII CERTAMEN INTERNACIONAL DE DANZA CIUTAT DE BARCELONA

Convocatoria

El Certamen Internacional de Danza Ciutat de Barcelona celebrará su 7ª edición del 4 al 7 de mayo de 2017 y tiene las inscripciones abiertas. Este Certamen es una competición de danza que se celebra anualmente en Barcelona y está abierto a estudiantes de danza de todas las nacionalidades, etnias o recursos económicos, en las disciplinas de danza clásica, española, contemporánea y flamenco. Otorga premios en forma de becas a importantes escuelas internacionales como el Royal Ballet School, Martha Graham School o el Joffrey Ballet School en Chicago, o residencias en compañías profesionales, o formar parte de BCN CITY BALLET. Este certamen nació con la misión de proporcionar oportunidades educativas y profesionales a los jóvenes bailarines, actuando como plataforma para lanzar a los estudiantes de danza a iniciarse en una carrera profesional, ayudando en la conexión de los estudiantes con maestros, escuelas, compañías, bailarines y el público en general de danza. Su objetivo es ayudar a futuros bailarines en su camino en el mundo de la danza, ofreciéndoles la oportunidad de conseguir becas para trabajar en las mejores escuelas del mundo, la oportunidad de conseguir contratos para bailar en diferentes espectáculos, de presentar sus trabajos ante grandes profesionales del mundo , trabajar con diferentes profesores, contribuyendo así a que consigan una educación internacional de danza. Lugar y fechas: Barcelona, Mercat de les Flors, del 4 al 7 de mayo de 2017. Jurado: Julio Bocca, Igal Perry, Javier Latorre, Kim Sun Hee y Helena Bayo. Premio especial: BCN City Ballet Los ganadores seleccionados por el jurado formarán parte de la compañía BCN City Ballet, con el que tendrán la oportunidad de trabajar con grandes maestros y coreógrafos en la creación de un espectáculo único, compuesto por coreografías únicas de artistas de renombre creadas especialmente para este acontecimiento, a través de los lenguajes de la danza contemporánea, la clásica y la española.

BCN City Ballet

El Certamen Internacional de Dansa Ciutat de Barcelona se creó en 2008 con la finalidad de ayudar a los jóvenes bailarines en su proyección profesional, con becas y residencias en las mejores escuelas y compañías del mundo. En la cuarta edición se decidió crear el premio especial “BCN CITY BALLET”, basado en el fomento y difusión del arte de la danza, con un repertorio creado especialmente para la ocasión. BCN CITY BALLET trabaja con diferentes maestros y coreógrafos, conviviendo y compartiendo sus experiencias, la cultura de sus países y su talento, con el deseo de poder hacer llegar la danza al público en general. Los ganadores vuelven a Barcelona donde trabajan, como residentes en la compañía, en la concepción de un espectáculo, desde su inicio hasta su estreno final. BCN CITY BALLET presenta un espectáculo de danza con un lenguaje moderno y joven destinado a un público amplio. Sobre el escenario se juntan nuevas creaciones coreográficas con otras ya existentes, que permiten a los artistas expresar su talento, dirigido por el coreógrafo de renombre internacional Ramón Oller. El proyecto consiste en acercar el bailarín al entorno profesional, siguiendo todo el proceso de trabajo, mediante el intercambio cultural con bailarines de todo el mundo para crear un trabajo con maestros y coreógrafos internacionales. En esta gira utilizarán el lenguaje de todas las disciplinas. Es un proyecto único, de formación y de intercambio cultural con una gran proyección internacional. Condiciones generales e inscripciones Contacto: inscripcions@certamenciutatdebarcelona.com Más información, aquí: http://www.certamenciutatdebarcelona.com/

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Concurso Coreográfico Internacional de Hannover La edición de 2017 se realizará bajo la conducción de Nanine Linning. Cuándo: 17 de y 18 de junio, 2017 Fecha límite de inscripción: 22 de abril de 2017 Bases del concurso: Todos los participantes, coreógrafos y bailarines, deben tener una formación profesional. Los coreógrafos deben ser menores de 35 años. El concurso está abierto a cualquier tipo de estilo. La evaluación se basa exclusivamente en el uso imaginativo del espacio y del tiempo, la realización de una idea y su transferencia a los intérpretes. La duración de la actuación tiene que ser entre 5 y 12 minutos. Los solos no pueden ser interpretados por el mismo coreógrafo. El participante es libre en su elección del tema y la música. Un Video de la obra coreográfica debe ser entregado a los organizadores. El DVD debe contener sólo la coreografía que se realice en la competición. Alternativamente es posible un enlace a un vídeo alojado en Internet. Los premios que se pueden ganar para los 3 primeros clasificados ascienden a la cantidad de 13.500 euros. El premio del público asciende 1.000 euros. Además, hay un premio de la crítica de 1.500 euros. NUEVO: Premio Delattre Dance Company. El ganador recibirá la oportunidad de representar la coreografía mostrada en la competición como una producción de la Delattre Dance Company, con los bailarines de su plantilla. Con motivo del 30 aniversario del Concurso Coreográfico Internacional de Hanover, la Fundación Tanja Liedtke donó una beca de tres semanas en el Australian Dance Theatre en Adelaida, Australia. Este premio será otorgado por Garry Stewart, Director de The Australian Dance Theatre. La beca incluye los gastos de viaje, alojamiento y matrícula ADT. Premio a la Producción Scapino. El premio incluye el montaje de una coreografía única con bailarines de Scapino Ballet y la presentación de las series TWOOLS. Premio a la Producción Bundesjugendballett El Bundesjugendballett fue fundado por John Neumeier en 2011. Desde 2012, la Bundesjugendballett también patrocina un premio de producción. Parte del premio es el desarrollo de una coreografía con la Bundesjugendballett. Premio a la Producción Gauthier Danza // Dance Company Theaterhaus Stuttgart En 2014 Eric Gauthier ofreció por primera vez el Premio Producción Gauthier Dance / Dance Company Theaterhaus Stuttgart. Gauthier Danza fue fundada en 2007. Eric Gauthier ha sido galardonado con el Premio Alemán de Danza »Futuro« 2011 para la coreografía. Toda la información, aquí: http://ballettgesellschaft.squarespace.com/

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EPHEMERAL SCULPTURES Martin Hill: Since 1992, in collaboration with Philippa Jones, I have focused my

art practice on making and photographing environmental sculptures in nature that return to nature. My photographs are all that remain of the sculptures. They are exhibited, published and collected worldwide. For me making this body of work is my way of connecting with nature to tell the story of the transition that is underway now towards a circular economy that emulates the way nature works. Nature is sustainable by design. Fuelled by sunlight everything is recycled: all waste becomes food for something else. In the new circular economy businesses and social systems are designed with principles learned from natural systems. Innovations using what is available locally run on renewable energy in cooperative relationships with one another, these cyclical systems eliminate waste and deliver multiple benefits and jobs. They out compete existing harmful models making them obsolete. What has art got to do with this? Changing to a new model of progress that does not destroy the living world on which life relies, requires us to use a new way of thinking. I believe art can help trigger this change and inspire us to look at problems as opportunities for innovation from which multiple beneficial outcomes increase wellbeing for all.

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CREDITS OF IMAGES (1) Alpine Ice Cycle, Albert Burn Saddle, Wanaka, New Zealand, 2013 (2) Wetland Guardian, Boggy Burn, Matukituki Valley, Wanaka, New Zealand, 2013 (3) Burning Issues, Albert Burn Saddle, Mt Aspiring National Park, New Zealand, 2013 (4) Circle of Circles, Lake Wanaka, New Zealand, 2010 (5) Floating Stones, Whanganui Bay, Taupo, New Zealand, 1995 (6) Balanced Boulders, Lake Tekapo, South Island, New Zealand, 2008 (9) Cosmos, Albert Burn Saddle, Wanaka, New Zealand, 2013 (10) Cold Facts on Bottled Water, Albert Burn Saddle, Wanaka, New Zealand, 2012 ARTNOBELInspirationReviewofContemporaryArt 89

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Desde Tokio

A Barcelona

David Bowie Is El 25 de mayo procendente de Tokio llega a Barcelona David Bowie Is. La exposición permanecerá aproximadamente un mes en el Museu del Disseny de nuestra ciudad, cerrando aquí su última etapa en Europa. La gira mundial de enorme éxito en la que Bowie está presente a través de sus personajes como el Mayor Tom a Ziggy Stardust, el extraterrestre bisexual que se convirtió en estrella del rock para después caer atrapado en su propio ego. “No hay nada que aprender del éxito (…) Todo se aprende del fracaso” decía Bowie. Esta producción del Victoria and Albert Museum con la colaboración del artista en vida, que les dio acceso total a sus archivos, ha seducido a un millón y medio de visitantes desde que se estrenó en 2013. Lo que ha sorprendido a su comisario Geoffrey Marsh es que en su gran mayoría, se trata de un público joven seducido por el Bowie más salvaje o el más glamuroso. Con más de 300 elementos, desde manuscritos de canciones, instrumentos, audiovisuales, prensa que manifiesta su creatividad, sets de escenarios y los grandes protagonistas, sus monos de Ziggy Stardust (1972) diseñados por Freddie Burretti, sus icónicos trajes del tour Station To Station, de Serious Moonlight del 83 y el futurista bodysuit de vinilo Tokyo Pop creado por Kansai Yamamoto para su gira Aladdin Sane. Testimonio de una época “David Bowie Is” te dejará huella ya que explora el amplísimo espectro de colaboraciones que tuvo Bowie con genios de la moda, la fotografía, el diseño gráfico, el teatro, el cine, la escenografía y el sonido. Arte audiovisual que muestra 50 años de vanguardia, innovación y creatividad, de gran impacto y trascendencia visual. ARTNOBELInspirationReviewofContemporaryArt 97

ADQUISICIONES Valoración positiva es la opinión generalizada, muy especialmente por la elevada calidad de los coleccionistas y el volumen de las ventas en ARCOmadrid 2017. Entre las compras institucionales y corporativas confirmadas en la 36ª edición de ARCOmadrid, figuran las adquiridas por la Fundación ARCO por valor de 146.000 euros, sufragadas con fondos procedentes de donaciones particulares y de la recaudación de la Cena celebrada con motivo de los Premios Fundación ARCO 2017. Las obras adquiridas, con la asesoría de Miguel von Hafe y Manuel Segade, corresponden a 7 artistas de 7 galerías participantes en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCOmadrid: Falke Pisano -Ellen de Bruijne Projects-; tres piezas de Ivan Grilo -Casa Triangulo-; Daniel Steegmann Mangrané -Esther Schipper-; dos obras de Sergio Prego -Ethall-; dos de Von Calhau! -Pedro Alfacinha-; Gwenneth Boelens -Klemm’s-, e Irma Blank -P420-, que pasarán a formar parte de la Colección Fundación ARCO, alojada en CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid. Siguiendo la tradición, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia ha adquirido un total de 18 obras de 12 artistas, nacionales y extranjeros, por un total de 389.200 euros. Entre otros, ha comprado trabajos de carácter histórico, como los de Eloy Laguardia y Mathias Goeritz, pertenecientes a la Escuela de Altamira; varias obras de artistas ligados al Centro de Cálculo así como trabajos de Mladen Stilinovic, Ferran García Sevilla, Anna Opermann, Anne-Marie Schneider y Adriana Bustos. Eduardo Costantini, coleccionista argentino, ha realizado compras para su colección personal. Entre algunas de las obras adquiridas destacan las piezas de Alejandra Seeber –Barro-; Augusto de Campos -Luciana Brito Galería-; Marta Boto -Galería María Calcaterra-; Analia Saban -Tanya Bonakdar-; Sebastián Días Morales -Carlier Gebauer-; Mirtha Dermisache -Mauro Herlitzka-; Juan Tessi -Galería Nora Fish-; Elda Cerrato -Henrique Farias-; Ximena Garrido Lecca -Galería Livia Benavides-; Jorge Macchi y Edgardo Rudnitzky -Galería Continúa-.

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La colección Sánchez-Ubiría incorporará a sus fondos las piezas adquiridas en la feria de los artistas Jorge Machi –Galería Continua-; Matt Mullican -Mai 36 Galerie-; Kader Attia –Krinzinger-; Yonamine - Cristina Guerra Contemporary Art-; Faivovich & Goldberg - SlyZmud-; Teresa Lanceta -Espacio Mínimo-; Fabio Kacero -Ruth Benzacar-. DKV Seguros ha comprado obra de Daniel Jacoby – Maisterravalbuena; David Bestue -García Galería-; Rosana Antolí -Espai Tactel-; Teresa Solar Abboud -Joan Prats-; Elena Aitzkoa -Rosa Santos-; Leonor Serrano Rivas -Marta Cervera-; Diego Delas -F2 Galería-; Jorge Yeregui -Alarcón Criado-; Yann Leto -T20- y Rodríguez-Méndez -Formato Cómodo-, entre otros. La Fundación Helga de Alvear ha adquirido piezas de Antoni Tàpies –Cayón-; Miquel Barceló –Elvira González-; Jorge Oteiza - Marc Domènech-; José Luis Alexanco -José de la Mano-. Además, se suman otras compras institucionales y corporativas en ARCOmadrid entre las que figuran las realizadas por la Colección Banco Sabadell; Fundación EDP; Mariana y Eduardo Hochschild; Fundación María Cristina Masaveu Peterson; Des Moines Art Centre; Artium; MoMa. A ellas se suman otras entidades e instituciones cuyo apoyo de compra se establece a través de premios. Es el caso del Premio ARCO/ Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas que este año ha otorgado a los artistas Julia Spínola -Heinrich Ehrhardt- y Lawrence Abu Hamdan -Mor Charpentier-. Asimismo, el Premio ARCO BEEP de Arte Electrónico que en esta ocasión ha recaído en el artista Luis Lugán -Galería José de la Mano-; el Premio Solán de Cabras de Arte Joven, ha reconocido a Antonio Montalvo -Espacio Mínimo-; el Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente ha distinguido a José Miguel Pereñíguez –Rafael Ortiz-; Antonio Ballester Moreno, representado por la galería Christopher Grimes, ha resultado ganador del Premio ART Situacions. Además, el III Premio NH Collection de Arte Contemporáneo ha sido para Claudia Weiser - Casado Santapau-, y el I Premio Catalina d’Anglade ha recaído en Fernanda Fragateiro -Elba Benítez-. La Organización está ya trabajando en la 2ª edición de ARCOlisboa que tendrá lugar del 18 al 21 de mayo, en la Cordoaria Nacional, así como en la nueva edición de ARCOmadrid, que se celebrará del 21 al 25 de febrero de 2018. CRÉDITOS DE LAS IMÁGENES: (1) Obras de Miquel Barceló. Galería Elvira González (2) Teresa Solar Abboud. Galería Joan Prats

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Una seĂąora feria

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ARCOmadrid + Argentina

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CRÉDITOS DE LAS IMÁGENES: (1) “Sphere blanche” de Julio Le Parc y Cuidado con la cabeza de Bernardí Roig (2) “El verdadero jardín nunca es verde” de Nicola Castantino (3) “Nullpunkte 10” de Christiane Feser (4) Vista de instalación del stand de Galerie Crèvecœur (5) Stand de El País con “Ripple” obra de Daniel Canogar (6) “Mosspeople” de Kim Simonsson (7) Tela de Jiri Dokoupil en stand Galería Juana Aizpuru (8) “Three men laughing at one” de Juan Muñoz (9) “Sognatrice” de Fabrizio Corneli (10) Detalle espacio de la performance “No soy tan joven como para saberlo todo” del grupo Mondongo, protagonizada por Alber Pla (11) “La habitación de la arquitectura prohibida” de Alicia Framis (12) Obra de Amparo Sard (13) Escultura de Jaume Plensa y pintura de Peter Halley (14) Obra de Muntean/Rosenblum y vista ambiente feria -Testimonios de artistas, galeristas y coleccionistas en Radioartnobel.com

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En busca de la excelencia La Fundación Loewe entrega por primera vez su premio internacional de artesanía Joyeros, ceramistas, encuadernadores, ebanistas, etc, de 79 países, presentaron sus candidaturas al primer Loewe Craft Prize. Cuando leemos la frase de Jane Bennett, profesora norteamericana de ciencias políticas en la Universidad Johns Hopkins: “Los objetos inanimados tienen la curiosa habilidad de animar, activar y producir efectos dramáticos y sutiles”, reconocemos la importancia que la artesanía ha tenido y tiene en el arte y la cultura. Las 26 obras seleccionadas como finalistas por el Comité de Expertos entre más de 3.900 participantes, se someterán a la decisión final del Jurado el 10 de abril, para elegir a la ganadora (hay bordados surrealistas, cuencos de polvo de cristal, sillas árbol...) y formarán parte de una exposición itinerante que comenzará en el COAM de Madrid y el 30 de mayo en la Chamber Gallery de New York. Posteriormente viajarán a otras ciudades de Europa y Asia. La Fundación Loewe crea este galardón para exhibir y celebrar la innovación, la excelencia y el mérito artístico de la artesanía moderna. Con esta iniciativa, la marca desea recompensar a los artesanos cuyo talento, visión y voluntad para innovar, sentarán las bases para el futuro. La propia idea del galardón se remonta a los orígenes de Loewe como un colectivo de artesanos en 1846 y fue concebido por el director creativo de Loewe, Jonathan Anderson. “La artesanía constituye la esencia de Loewe. Nos consideramos una casa en la que adquiere su máxima expresión, en el sentido más estricto. Es precisamente en esta realidad en la que se sustenta nuestra modernidad”, destaca el diseñador de moda.

CRÉDITOS DE LAS IMÁGENES:

(1) Line and Surface: VI, del japonés Igawa Takeshi. Laca Urushi japonesa y uretano de lino. (2) Soñadores, de la española Fátima Tocornal. Joyería. Níquel plateado esmaltado. (3) Putted Up series 2011-2016, de Kim Buck, Dinamarca. Joyería. Oro 999,9. (4) Structural Blue, del japonés Yoshiaki Kojiro. Cristal. Polvo de vidrio y polvo de óxido de cobre. (5) Tata Curiata, de Artesanías Panikua (Antonio, Gabriela y Verónica Cornello; Bertha Esperanza Villagómez), Mexico. Fibra de trigo.

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La plataforma de conexión de los futuros de los medios de comunicación, el aprendizaje y las artes, el cultivo de la aleatoriedad de las culturas de Internet. IAM Weekend (Internet Age Media Weekend), busca las mentes más brillantes de las industrias creativas digitales para conformar

uno de los eventos más originales de nuevos medios en Europa. En IAM Weekend, el Brexit como concepto no tiene cabida. Para ellos, la Unión Europea se les queda pequeña. La gran nación es internet. «Nuestro evento es un reflejo de la Red. No estamos interesados en nacionalidades porque en internet no existen las nacionalidades como tales. Somos ciudadanos interconectados que abrazamos el azar de las redes». IAM Weekend es algo más parecido a una jam session creativa que una serie de conferencias. Desde el creador de Stack Magazine, hasta Elise Olsen, una quinceañera noruega que edita su propia revista de moda, pasando por uno de los responsables de Quartz, que mostró al auditorio la nueva app del medio que utiliza inteligencia artificial para generar conversaciones con sus lectores, el elenco es tan variopinto que es un fiel reflejo de internet y su aversión a poner límites geográficos. La cineasta de ciencia ficción keniata Wanuri Kahiu estuvo también presente para recordar la importancia de trazar relatos alternativos para las nuevas generaciones africanas. Sus creadores, Andrés Colmenares y Lucy Rojas, tienen un lema que llevan tatuado en el inconsciente que describe la filosofía del evento: «In randomness we trust». Estos dos colombianos residentes en Barcelona llegaron a España desde Bogotá hace ya siete años con «ahorros para vivir unos pocos meses». Esta condición de nómadas les lleva a considerarse ciudadanos del mundo, al igual que los ponentes invitados al IAM Weekend. De hecho, casi el 90% de los conferenciantes son extranjeros. «El evento es más conocido en Berlín, Londres, Dubái o Moscú que en España», afirman. Conscientes de la necesidad de crear espacios y lugares para reflexionar sobre el impacto de internet en nuestras vidas, estos dos cazadores de tendencias han ido creando una red creativa basándose en su buen ojo al navegar por la Red. Lo llaman “el radar” y su intención es trazar redes que ayuden a sacar el desarrollo tecnológico de Silicon Valley. «Nos hemos ganado a la gente a base de quedar con ellos por videoconferencia», explican. «Ven que tenemos las ideas muy claras y, por otro lado, los asistentes no suelen poner muchas pegas a pasar un fin de semana en Barcelona». Del 27 al 30 de mayo 2017 tercera edición en ELISAVA (La Rambla, 30-32) y Mercat de les Flors (C/Lleida, 59).

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Las ciudades Holandesas se pintan de Mondrian La Haya convierte la fachada de su ayuntamiento en un gigantesco cuadro del artista. Holanda se está engalanando para la ocasión. Este año se celebra el centenario del movimiento artístico moderno De Stijl, en español “el estilo”, un término acuñado por su más famoso integrante, el pintor Piet Mondrian. Para celebrarlo, algunos edificios se transformarán en auténticos cuadros. Al primero que le ha tocado el turno es al ayuntamiento de La Haya, una obra de Richard Meier que supuso la creación de un nuevo centro de la ciudad al inaugurarse en 1995. También alberga una biblioteca pública, cafés, salas de exposiciones, etc. Como la mayoría de los proyectos del arquitecto norteamericano, es un auténtico lienzo en blanco, por lo que es el estudio de diseño holandés Vollaerszwart ha reproducido en su fachada un cuadro de Mondrian a escala colosal, pero no pintaron encima sino que pegaron adhesivos rectangulares monocromos. De esta forma han conseguido cumplir uno de los principales objetivos de De Stijl: la integración de todas las artes, esto es, el arte total. Así lo manifestaban en la revista que tomaba su nombre, editada hasta 1931. La siguiente intervención tendrá lugar en la laguna frente al parlamento holandés, donde reproduciran de nuevo otra obra de Mondrian. El gran acontecimiento será la macro exposición The Discovery of Mondrian del 3 de junio al 24 de septiembre en el Museo Municipal de La Haya, que atesora cerca de 300 obras del pintor, incluido el cuadro que dejó inacabado a su muerte en 1944, Victory Boogie Woogie. Otras muestras pondrán el acento en la relación entre Mondrian y Bart van der Leck, vital para que el movimiento De Stijl iniciara su andadura. El ensayo firmado por el primero, Neoplasticismo en el arte pictórico, publicado en los once primeros números de su revista. “Como aún no ha llegado la hora de su aplicación en la arquitectura, de momento se deberá expresar a través de la pintura”, escribía en el tercer párrafo, y pronto surgieron acólitos dispuestos a traspasar esos límites. Precisamente, la relación del grupo con el diseño y la arquitectura será objeto de otra exposición el próximo verano, también en el museo de La Haya. Los protagonistas aquí serán figuras como Gerrit Rietveld o Theo van Doesburg. CRÉDITOS DE LAS IMÁGENES: (1)Fachada del ayuntamiento de La Haya convertida en cuadro de Mondrian (2)La fachada no se pintó sino que se pegaron adhesivos (3)El edificio antes de la intervención (4)El cuadro ‘Victory Boogie Woogie’

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En plena Bahía de El Centro Botín abrirá sus puertas el 23 de junio en Santander con la primera exposición monográfica en España del belga Carsten Höller, una muestra de dibujos de Goya y una selección de la colección de arte de la Fundación Botín. Según la Agencia EFE, así arrancará la actividad en el primer edificio en España del arquitecto italiano y Premio Pritzker Renzo Piano, un centro que aspira a ser pionero en la integración de las artes y el desarrollo social en el ámbito internacional, cuya construcción comenzó hace cinco años. La Fundación Botín presenta el programa expositivo y los objetivos que persigue el proyecto más importante de sus cincuenta años de historia y en el que ha invertido más de 80 millones de euros, según su director, Íñigo Saenz de Miera. Con una superficie construida de casi 10.300 metros cuadrados, el edificio está enclavado en los Jardines de Pereda, en plena bahía de Santander y está formado por dos volúmenes revestidos de cerámica para atrapar y reflejar la luz y los colores cambiantes del mar, unidos por una pasarela que vuela sobre el agua. El Centro Botín nace con el objetivo de “posicionarse en el mundo internacional del arte” y al mismo tiempo contribuir al desarrollo de la sociedad cántabra, despertando su creatividad con las actividades culturales, artísticas y formativas que ofrecerá a diario. En su volumen oeste tiene dos plantas para exposiciones. Desde la inauguración en junio y hasta septiembre, en la planta superior se expondrá la primera muestra del artista belga afincado en Suecia Carsten Höller, titulada “Y”, concebida como dos itinerarios hacia los ventanales norte y sur del edificio y que integra los recursos del espacio como parte del discurso expositivo. Según el director artístico del Centro Botín, Benjamin Weill, Höller es un artista que “conecta muy bien” con los objetivos de la fundación porque “imagina su trabajo como una serie de experiencias”. Antes de artista, fue un científico muy interesado en el comportamiento de los insectos y en su forma de comunicarse a través de los olores.

Santander El visitante encontrará en esta exposición túneles de luces, una cama donde dormir o un tanque de agua a la temperatura del cuerpo humano en el que sumergirse, ha explicado. La exposición de dibujos de Goya será la más completa que se ha celebrado hasta ahora y forma parte del proyecto de investigación y divulgación del dibujo español que desarrolla la fundación. Detrás de esta muestra hay un largo trabajo de estudio y catalogación que, además de en esta exposición, fructificará en un catálogo razonado que se publicará más adelante con la colaboración del Museo del Prado, un proyecto que tiene al frente a Manuela Mena, una de las mayores expertas del mundo en los dibujos de Goya, ha apuntado Weill. Además la Fundación Botín exhibirá una muestra de sus fondos que incluirá obras de sus becarios de artes plásticas en los últimos quince años, algunos de ellos creadores ahora de proyección internacional, y de los maestros que han impartido sus talleres anuales, a los que se sumará Höller en 2017. Ya en octubre se inaugurará una retrospectiva de otra de las artistas que han dirigido esos talleres, Julie Mehretu, comisariada por el presidente de la comisión asesora de artes plásticas de la Fundación Botín y exdirector de la Tate Moderm, Vicente Todolí y la directora del Museo de Arte Contemporáneo Serralves de Oporto, Suzanne Cotter. Bajo el título de “Palimpsesto”, mostrará desde los dibujos y pinturas más tempranas de Mehretu a sus lienzos a gran escala, de complejas superficies y arquitecturas. El volumen este estará dedicado a las actividades culturales y formativas dirigidas al público infantil y familiar, jóvenes, adultos y profesionales, ha explicado la directora del Centro Botín, Fátima Sánchez. La Fundación Botín seguirá trabajando en el nuevo centro en el desarrollo de la inteligencia emocional a través del arte y la creatividad, un programa en el que colabora con la Universidad de Yale. El edificio de Piano acogerá el primer congreso internacional sobre arte, emociones y creatividad, al que asistirán expertos de todo el mundo.

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Concetados por un JACK Nace un canal web destinado al arte contemporáneo internacional. Para ampliar sus límites, el italiano Museo Nacional de las Artes del Siglo XXI lanza Jack Contemporary Arts TV; convocan a videobloggers de todo el mundo a sumarse al proyecto. “Creemos que hay que hacer red con los demás museos y que hay que hacer red en torno al arte contemporáneo”. Son palabras de Prisca Cupellini, responsable de Jack Contemporary Arts TV, el primer canal de televisión web dedicado al arte contemporáneo internacional, que fue lanzado el pasado mes de febrero por el MAXXI, Museo Nacional de las Artes del Siglo XXI en la ciudad de Roma. Cupellini, encargada de proyectos digitales del MAXXI (megamuseo diseñado por la famosa arquitecta anglo-iraquí Zaha Hadid, punto de referencia del arte contemporáneo), explica que el fin de Jack es superar los límites físicos y geográficos de un museo y poner en contacto al mayor número de centros internacionales de experimentación y producción cultural de excelencia. Pero, sobre todo, acercar y emocionar al gran público con el arte contemporáneo. A través de una visión de la realidad nueva, distinta, con contenidos exclusivos, un programa siempre actualizado de transmisiones en vivo, espacio para los comentarios de los usuarios, los aportes de los artbloggers e incluso una sección dedicada a videos con el lenguaje de los signos.

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Y el siglo XX nos trajo a la Bauhaus Walter Gropius, fundador de la Bauhaus, tenía muy claro que la creatividad era uno de los elementos que más debían trabajar sus alumnos y sólo podía ser de manera emocional. Estudiar en su institución era formar parte de un estilo de vida. Alemania ha empezado a preparar el festival de la celebración de los primeros 100 años de la fundación de la escuela Bauhaus que tendrá lugar en el 2019. Aperturas de museos en Weimar y Dessau, exposiciones conmemorativas enfocadas principalmente en arte contemporáneo, performance y música inspirado por los maestros de la Bauhaus: Oskar Shlemmer, Lyonel Feininger y László Moholy-Nagy. Se busca que el Grand Tour of Modernism que recorrerá cien locaciones alemanas de gran relevancia en la historia de la escuela de Gropius, sea un precursor del recorrido europeo Route of Modernism que se planea inicie en 2020. Para el recorrido de 2019 se editará un libro y se desarrollará una aplicación.

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BREVE HISTORIA El nombre Bauhaus fue el resultado de la unión de las palabras en alemán Bau, “construcción”, y Haus, “casa”. No obstante a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador era arquitecto, en sus orígenes, no impartían clases de arquitectura ya que nació con la intención y la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas, como base para una transformación de la sociedad burguesa de su época, en sintonía con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza. La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico. Dos profesiones que no existían y fueron concebidas dentro de esta escuela. También estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia, las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1996. Siendo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió el acosante crecimiento del Nacional Socialismo. La ideología Bauhaus era vista como socialista internacionalista y judía y por ello los nazis cerraron la escuela. Gran parte de los integrantes de la misma, entre ellos Walter Gropius, refugiados, se instalaron finalmente en Estados Unidos para poder continuar con sus ideales. La Bauhaus tuvo su sede en tres ciudades: 1919 – 1925: Weimar 1925 – 1932: Dessau 1932 – 1933: Berlín Estuvo organizada por tres directores: 1919 – 1927: Walter Gropius 1927 – 1930: Hannes Meyer 1930 – 1933: Ludwig Mies van der Rohe Walter Adolph Georg Gropius, fundador de la Bauhaus, nació en Berlín el 18 de mayo de 1883. Hijo y nieto de arquitectos, estudió arquitectura en Múnich y en Berlín. Uno de los principales ideales de Gropius era representado mediante la siguiente frase: “La forma sigue a la función”. Buscaba la unión entre el uso y la estética.

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Qué es. Sculto es una feria dedicada exclusivamente a la eScultura contemporánea. Cuándo. Tendrá lugar del 31 de mayo al 4 de junio del 2017. Dónde. En la plaza de Abastos de Logroño. Más actividades.’Sculto’ incluirá actividades culturales y de ocio. Programa. SCULTO 2017

“El ARTE vive en Internet, Ya no se expone, se divulga para inspirar a los que tienen capacidad de apreciarlo” Radioartnobel.com

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