ARTNOBEL Revista 10

ARTNOBEL

Lisi Prada Arte por Amor ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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Núm. 10 noviembre - diciembre 2016

I n s p i ra t i o n Re v i e w o f C o n te m p o ra r y A r t

en este número

encontrarás...

redacción Maite Alonso Directora Todo le fascina.

Interesada en los detalles, las pequeñas cosas pasando delante de nuestras narices sin sentido ni razón.

Se abstrae en un instante durante horas llenas de trazos sobre papel.

eMe Alonso Reportera de Eventos

i. El arte contemporáneo quiere cambiar... ii. Lisi Prada el ARTE por AMOR iii. Acertada simbiosis iv. Colección MACBA 31 una experiencia tres sesenta v.

Chris Milk nueva relación emocional con el arte vi. Environment Dress 2.0 vii. Una serie con más de dos rombos viii. autopsy.glass ix. Please, touch the sculpture x. El video es un arma mucho más afilada que la espada xi. 10.000 artistas, 400 eventos, una fecha 26.11.16 xii. Argentina promete un vibrante ARCOmadrid 2017 xiii. Cerramos el año con Ferias, Festivales y Bienales 2

Comunica, entretiene, disfruta, se evapora y vuelve a volar. Nada en la zona adulta sin soltar de la mano a una niña de cabellos claros y sonrisa perenne.

Incansable de apetitos exquisitos de una sola vez.

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Gregorio Alonso Redactor Saltando de un equilibrio a otro.

Descubriendo cosas en cada esquina.

Subiendo y viajando por las ideas de otros que en algún momento hará suyas. Corriendo tras la paloma en un campo repleto de amapolas.

Cristina Martínez-Sandoval Redactora de Opinión Atenta y contenta como la bondad.

Gira, da vueltas, se mira en el muro lo salta y se espanta.

Sonríe, lo aprecia, se asombra, se inquieta, se olvida y lo quiere recordar.

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EL ARTE CONTEMPORÁNEO QUIERE CAMBIAR… “La mayoría de las personas no tiene ni tiempo ni aptitudes para la invención de la belleza invisible o abstracta. Para la masa, la idea de la creación artística sólo puede expresarse por medio de una idea poco popular en las discusiones actuales: la idea de propiedad…

LA PROPIEDAD no es más que el arte de la democracia. Significa que cada individuo

debería tener algo que pueda formar a su imagen, tal como él está formado a imagen del cielo. Soy consciente de que la palabra propiedad ha sido definida en nuestro tiempo por la CORRUPCIÓN de los grandes capitalistas.

Se podría pensar, cuando se oye hablar a la gente, que los Rothschild y los Rockefeller estarían del lado de la propiedad. Pero obviamente son enemigos de la propiedad, porque son enemigos de sus propias limitaciones.

NO QUIEREN SU PROPIA TIERRA , sino la de otros. Cuando retiran el límite de su vecino, también están retirando el suyo. Una persona que ama un pequeño terreno triangular debería amarlo porque es triangular, cualquiera que destruya la forma, dándole más tierra, es un ladrón que ha robado un triángulo.

Una persona con la verdadera POESÍA DE LA POSESIÓN desea ver la pared en la que su jardín se une con el jardín de Smith; el seto donde su granja toca la de Brown. No puede ver la forma de su propia tierra a menos que vea los bordes de la de su vecino. Es una negación de la propiedad el hecho de que el duque de Sutheland tenga que poseer las granjas de todo un condado; igual que sería la negación del matrimonio que tuviese a todas nuestras esposas en un solo harén.”

Extraído del libro: “Lo que está mal en el mundo”. Gilbert K. Chesterton Porque el arte contemporáneo nos empuja a pensar, alienta a despertar la mente. Ayuda a salir del piso más bajo de nosotros mismos viviendo en el instinto y el movimiento descontrolado.

En las sensaciones, apetitos, y la actividad muscular. Sin entender que esta actividad es solo un camino hacia uno mismo. En la mayoría de ocasiones el artista contemporáneo pretende que las personas mediten sobre las propuestas presentadas. Algo que no siempre ocurre.

Me abochorna leer un texto tan actual escrito en 1910.

Abate Bussoni

MAXIMA ROMERO, S/T 2016, rotulador y bolígrafo 4

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“La belleza es despiadada. No la miras tú, ella el ser humano [3]; me licencié en psicología te mira y no perdona.” y ejercí como terapeuta y psicoanalista Nikos Kazantzakis durante veinte años; tal vez por eso mismo, la humana es una presencia que reservo casi en exclusiva para los videoensayos, un En un intento de huir de la autorreferencia, subgénero que me apasiona y desde el que quisiera escribir un texto más bien neutro, también investigo mi propia videopoética, en apoyado en algunas lecturas y reflexiones permanente construcción. pero también me gustaría plantear ciertas cuestiones que me afectan y no entiendo, Ahora bien, esa autonomía en la que el arte contradicciones y preguntas que me hago es el elemento primordial y esa independencia en esta contemporaneidad cada vez más cuasirevolucionaria que confiere situarse en la compleja y veloz en la que nos ha tocado vivir. periferia [con el deseo de un reconocimiento de tu obra como amateur, eso sí, pero no con la Producir obra por amor al arte [1] y situarse intención de repetir el viejo truco de aspirante al margen de los circuitos oficiales, confiere al descuido de una condición centralizada], una gran libertad de elección fuera del canon tienen su contrapartida. Dado que la libertad y las modas del momento. Ahora que todo es un término absoluto de realización tiende a lo antropomórfico, a la exaltación relativa, esos privilegios van a implicar, del cada uno y el narcisismo humanoide más necesariamente, un sometimiento en un lugar que humanista, a la estética publicitaria, a la o en otro. Y es que si la actividad artística no admiración de lo vacuo y el look-máquina- produce remuneración alguna, a menos que último-modelo..., puedo permitirme el gozoso se provenga de una familia acomodada que te lujo de filmar ínfimos-diminutos-sencillos mantenga, se ha de encontrar el sustento en acontecimientos no con una Gran Cámara otra dedicación [4], un trabajo [o varios] que, sino con mi pequeña cámara de fotos o con más allá de que nos satisfaga o no —y lejos el móvil. También puedo elegir temáticas, del tópico ‘el trabajo te ayuda a realizarte’ habitualmente no narrativas, tan denostadas [5]—, siempre va a consumir una energía y en el campo de la video creación como la un tiempo [en mi caso casi 8 horas, sin contar abstracción o el elogio de la naturaleza a desplazamientos] que cualquier trabajador partir de un pájaro, un lepidóptero, un paraje del arte, no sé si decir cualquier artista [6], pintado sin pinceles por un artista anónimo desearía dedicar únicamente a la creación. o el agua misma..., y en los que la figura Situados en esta ecuación, con deseo y humana —¡oh, imperdonable pecado! [2]—, realidad como variables¬, el resultado nos está sencillamente ausente o mejor dicho, lleva a la paradoja de que uno ha de restarle intencionalmente elidida. Por supuesto, tiempo al sueño para poder cumplir su sueño. tamaña osadía ha de pagarse como mínimo con desdén pero intento que no me afecte Pese a todo, no obtener un rendimiento demasiado; pienso que no hay que darle pecuniario de la actividad artística tiene demasiada importancia ni a los éxitos ni a los además, otras ventajas, por ejemplo, separar fracasos y que es mejor hacer lo que uno cree el valor artístico de la obra de su consideración que debe hacer y también aquello de lo que uno como mercancía, situarla fuera de las leyes disfruta o que puede hacer disfrutar o pensar de la oferta y la demanda, de las leyes del a otro. Eso no quiere decir que no me interese mercado, es decir, dignificar esta actividad 8

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sobre otras que podríamos adjetivar de ‘prostituidas’, en cuanto remuneradas. No conozco a ningún verdadero creador que priorice el dinero [7] sobre el acto creativo, que le atribuya a lo monetario un valor más allá de la mediación para sufragar sus gastos sin padecer demasiadas carencias y permitirse algún capricho pero también sin codiciar hacerse rico o cubrir excesos, aunque quién no ha soñado con realizar una instalación que no puede materializar por falta de medios que la sufraguen. Pero si la oposición significante propia de los seres hablantes nos sitúa siempre en este inestable equilibrio de las contradicciones, no es difícil deducir la frágil situación en la posición idealizada de los creadores frente a los enmarañados y cada vez menos transparentes hilos que mueven el mundo en el que hemos derivado para contribuir a una producción continua e incansable ‘capaz de generar figuras de identificación, en las que uno está siempre más allá de sus posibilidades en una lógica en la que nunca se puede dar la talla [8]. Olvidadas —por intempestivas—, las antiguas disputas teleológicas de raíz utilitaria llegamos, de vuelta, a los tiempos de la obra no ya mal pagada sino gratuita, no ya a una esclavitud forzada sino voluntaria [9]. Fácil presa, entonces, quien desee ser ‘Artista’, así con mayúsculas y con ese velo romántico que invisibiliza lo obsoleto de una idea que, según dicen [10], ya pertenece al pasado, como ese halo del aura perdida [11] que vemos desplazarse del objeto al sujeto [12], aunque se trate más bien de una apropiación de la subjetividad ya que hablamos de un sujeto objetualizado más que objetivizado, más paciente que agente, un sujeto manipulable, producto de un dispositivo no sé si maquínico o calculado. Artistas ‘a cualquier precio’, estamos dispuestos a aceptar toda clase de requerimientos para mostrar un trabajo que disfrutamos tanto como sufrimos; no 10

nos prostituimos pero hemos entrado en una dinámica imparable en que lo ponemos todo: las ideas, el tiempo, el esfuerzo, la cámara, el ordenador, el estudio...; hacemos el trabajo que antes necesitaba un sofisticado aparataje de máquinas y un gran equipo de personas especializadas en cada uno de los requerimientos del proceso; ahora no, ahora nos acercamos al arte total: filmamos y editamos, componemos la música, somos productores, realizadores, directores, actores, performers; ponemos el cuerpo, la danza, la voz... ponemos hasta el alma; es decir, todo menos las sábanas blancas, el monitor, la pantalla; el espectador, la sala. Entonces ¿libertad o esclavismo?

Idealización=Sumisión.

Ahora bien, si estos bienes simbólicos de lo creado al margen, no circulan en el mercado, cómo es que el poscapitalismo, neocapitalismo, o como queramos llamarlo, no prescinde de ellos. ¿Se nos explota o nos explotamos nosotros mismos [13]? Puede que el monstruo que todo lo absorbe le haya encontrado alguna utilidad; son abundantes los artículos que se dedican a las relaciones entre arte y ‘gentrificación’. Los Bancos y las Fundaciones financian residencias y convocatorias. Los organismos europeos subvencionan la promoción de determinadas temáticas, léase, este año el autorretrato, el pasado la arquitectura..., las mismas que se proponen luego en sucesivas convocatorias geolocales. Por poco que mire la televisión para protegerme de su toxicidad, encuentro en la publicidad y el imaginarío visual de algunos programas, ideas, técnicas e innovaciones que he visto esbozadas o realizadas en trabajos de compañeros o propios, eso sí, mejoradas por la diferencia de medios. No sabemos para quién estamos trabajando, si se trata de proporcionar ideas y contenidos a las grandes compañías, de mantener la cultura

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del espectáculo, de nutrir el capital cultural o de mantenernos ocupados produciendo por producir.

Son preguntas que nos llevan a cuestionar nuestros propios motivos, preguntarnos si lo que nos mantiene en el empeño es un compromiso social, una responsabilidad, una herida poética, una enfermedad incurable, o si es que intentamos reforzar nuestro ego o que nos valoren y nos quieran.

valor económico—, uno sabe que crea porque lo necesita, porque necesita recibir y compartir algo de verdad, belleza, afecto y sentido para sentirse vivo. Un amateur no es un aficionado, todo esto nos duele porque no es un pasatiempo, una invención urdida para rellenar de modo ficticio el tiempo vacio, se trata de una pasión activa que nos mortifica y vivifica al mismo tiempo, que permite convertir aquel atributo idealizado en movimiento porque ‘ser artista’ no es un título ni un acabado De otra parte, atrapados como estamos en el participio, es un gerundio, es un verbo en ejercicio. exceso de imágenes y la omnipresencia de las pantallas, creo que es imprescindible promover Concluyo, los que nos dedicamos a la creación una cultura visual; creo que hay que leer más, lo hacemos por deseo y por necesidad aun mucho más, me lo digo cada día; intentar sabiéndonos en una tarea imposible: las neutralizar la seducción hipnótica, la inercia que condiciones no sé si pueden ser más alienantes; nos paraliza, intentar comprender dónde estamos, aún así, ahí seguimos, atentos en esa doble vigilia en qué parámetros nos movemos, qué cuestiones del soñador despierto que —al tiempo que persigue hay que visibilizar, mostrar y evidenciar, en qué su sueño— sigue observando y observándose, posición nos situamos y qué podemos hacer en analizando y poniendo en acto la cifra del gesto ‘el tiempo de lo visual’ [14], un tiempo en el que —palabras, sonidos, volúmenes, imágenes... se nos infantiliza, manipula y adormece; en el —, por amor al arte. Mirar, leer y escribir [16] al que nos confunden con informaciones cada vez margen de las apariencias, en las acotaciones, menos veraces, con opiniones interesadas para en el subtexto y en las notas a pie de página. modular las nuestras; en el que los medios que antes llamábamos de comunicación nos impiden ____________________________________ mirarnos a los ojos perdidos ahora en la pantalla individual; un tiempo en el que, como muestra [1] “Somos obreros de lujo. Pero resulta que nadie del síntoma, en nuestro país se margina de la es lo bastante rico para pagarnos. Si uno pretende educación el pensamiento, la filosofía, la música, ganar dinero con la pluma, tiene que dedicarse al las artes. Habitamos en una época mortecina periodismo, al folletín o al teatro. Con la Bovary he que inauguró el tiempo ‘pos-’ en las dos últimas ganado… 300 francos, que HE PAGADO, y de los décadas del siglo pasado, donde el término que jamás cobraré un céntimo. En la actualidad posmodernidad [15] dio mucho que hablar y, me alcanza para pagar el papel, pero no las desde entonces, venimos aceptando la sensación gestiones, ni los viajes, ni los libros que mi trabajo apocalíptica de una muerte tras otra: la historia ha requieren; y, en el fondo, me parece bien (o hago muerto, el cine ha muerto, el arte ha muerto ¿Es como que me parece bien), pues no veo qué que estamos ya todos muertos? relación hay entre una moneda de cinco francos y una idea. Hay que amar al Arte por el Arte; de Así pues, uno se debate entre el entusiasmo y lo contrario, cualquier oficio vale más.”. Gustave la desesperanza, entre morirse de hambre, de Flaubert. Citado por Pierre Bourdieu en ‘Las pena o de agotamiento y, en ese difícil equilibrio reglas del arte. Génesis y estructura del campo inestable que intentamos mantener —inestable literario’. Anagrama, 1995, pg. 77. En estos años y absurdo, visto desde fuera, desde un punto cinco años, he recibido muchas alegrías porque de vista en que lo valioso se confunde con el mis obras han podido verse en más de treinta 18

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países; en cuanto a retribuciones económicas o en especies, no puedo ni quiero quejarme, aunque me bastan los dedos de una mano para contarlas: viaje y hotel por un premio en Berlín; viaje, hotel y gastos por una muestra en La Térmica de Málaga; una pequeña cantidad por una exposición individual en la Fundación Santander, otra por la muestra itinerante VIDEOsPAIN y otra más por intervenir en el ciclo ‘Artistas en la Universidad’ de la Facultad de Bellas Artes, en la Nebrija de Madrid.

Artes. Quien tiene galerista, representante u obra en alguna colección. Quien se autonombra como tal al estilo napoleónico, etc.

[3] “Homo sum; humani nihil a me alienum puto”, “Hombre soy; nada humano me es ajeno”. Publio Terencio Africano, Heautontimoroumenos. El atormentador de sí mismo.

[9] Del mismo modo, entramos voluntariamente en otros mecanismos del sistema, por ejemplo, la vigilancia legal que firmamos contractualmente cuando, al instalar una aplicación en el móvil, pulsamos el botón aceptar sin leer los privilegios que estamos otorgando [a veces inexplicables para su función].

[7] El significante ‘dinero’ siempre me recuerda a mi profesor de Antropología, Luis Cencillo: “El dinero es evenemental, signitivo, axial y vectorial. Es decir, perteneciente al orden de los acontecimientos en curso, la significación de los mismos, las valoraciones del público y las líneas de fuerza y de arrastre de las necesidades -siempre en transformación-, las ideas y las constelaciones [2] Escuché a Paul Ricoeur a finales de los 80’, sociopolíticas”. Antropología cultural: factores en la Facultad de Filosofía de la UCM, referirse al psíquicos de la cultura. Luis Cencillo y José Luis artículo de Freud, Una dificultad del psicoanálisis, García, Biblioteca Universitaria Guadiana, 1976, 1917, en el que hablaba sobre las tres grandes pg. 23. Una descripción que le agradezco por heridas infligidas al narcisismo de la humanidad; ‘si acercarlo más a un concepto y a una realidad que la de Copérnico hace pensar que el hombre no es a una materialidad, hasta tal punto influyente en el centro del mundo y la de Darwin que el hombre mi formación que, después de tantos años, he no es el señor de los seres vivos, la freudiana recordado el número de página en que podría afirma que el hombre ni siquiera es dueño de sí encontrar esta cita. mismo si se tienen en cuenta las motivaciones inconscientes’. Pese a ello, el narcisismo no ha [8] Jorge Alemán. Horizontes neoliberales en la perdido su vigencia, más bien se ha acentuado. subjetividad. Grama Ed., 2016

[4] “[…] el arte por el arte, una posición por hacer, profesional de jornada completa, dedicado a su tarea de una manera total y exclusiva, indiferentes a las exigencias de la política y a los mandamientos perentorios de la moral y que no reconoce más jurisdicción que la norma específica de su arte”.

Pierre Bourdieu. Ibídem. pg.121 [5] ‘Arbeit macht frei’, es decir, ‘el trabajo os hará libres’, puede leerse en la entrada al campo de concentración de Auschwitz I, entre otros.

[6] ¿Quién es artista, quien vive del arte o quien produce arte? Una persona nombrada como tal por las instituciones porque ha estudiado Bellas 20

[10] Cuando el entorno de trabajo era aún MSDOS, pude realizar un curso sobre Internet en el CSIC, destinado a biólogos, me vieron con tanto interés que me permitieron pagar la matrícula, aunque no perteneciera al colectivo. Poco después llegó la fascinación con la interface Windows; me empapé de html y macromedia flash para poder elaborar una página web que aún mantengo actualizada, a la que llamé producciones inmateriales. Más tarde, buscando si existía esa denominación en el recién estrenado buscador Google, encontré referencias sólo en una página legislativa de Venezuela y por

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de trabajo no remunerado. Se sostiene en base al tiempo y la energía de becarios sin salario y sujetos autoexplotados en casi todos los niveles y en casi todas las funciones. El trabajo gratuito y la explotación sin control son la materia oscura visible que mantiene en funcionamiento el sector cultural.” [...] “El arte no está fuera de la política, sino que la política reside en su producción, su distribución y su recepción. Si nos enfrentamos a esto, podríamos superar el plano de una política de representación y embarcarnos en una política que está ahí, frente a nuestros ojos, lista para ser adoptada.”. Hito Steyerl, Políticas del arte: el arte contemporáneo y la transición a la posdemocracia, en ‘Los Condenados de la Pantalla’, Ed. Caja Negra, 2014, pg. 99-100 y 105. The Wretched of the Screen, 2012

serendipia, en un sorprendente espacio dedicado a net.art, denominado el Aleph; para mí el término estaba ligado a Borges, luego descubrí su relación con José Luis Brea. Se trataba de un manifiesto en el que se mencionaban la producción artística y la inmaterialidad; merece la pena leerlo y, aunque el sitio sólo estuvo activo entre 1997-2002, acabo de comprobar que permanece abierto a consulta en aleph-arts-punto-org. La Société Anonyme.

Redefinición de las prácticas artísticas, s21.

[11] “Cada día cobra una vigencia más irrecusable la necesidad de adueñarse de los objetos en la más próxima de las cercanías, en la imagen, más bien en la copia, en la reproducción. Y la reproducción, tal y como la aprestan los periódicos ilustrados y los noticiarios, se distingue inequívocamente de la imagen. En ésta, la singularidad y la perduración están imbricadas una en otra de manera tan estrecha como lo están en aquélla la fugacidad y la posible repetición. Quitarle su envoltura a 26

cada objeto, triturar su aura, es la signatura de una percepción cuyo sentido para lo igual en el mundo ha crecido tanto que incluso, por medio de la reproducción, le gana terreno a lo irrepetible.”.

Walter Benjamin. La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica. Discursos Interrumpidos I, Taurus, Buenos Aires, 1989. Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit; Zeitschrift für Sozialforschung, 1936

[14] “Las culturas dominantes exportan y difunden estructuras temporales jerarquizadas mediante los medios de persuasión de masas que cubren todo el espectro, de los periódicos a las películas, la televisión e Internet. El tiempo que importa, del que depende el canon artístico, siempre ha favorecido las culturas de los poderosos.”.

Keith Moxey, El tiempo de lo visual. Sans Soleil, 2015. Visual Time: The image in History, Duke University Press, 2013, pg. 48. Una lectura recomendable aunque me pregunto si no es también consecuencia del narcisismo tratar de hacer historia de lo contemporáneo, de historizar lo que aún está sucediendo. ¿No hace falta una distancia temporal para poder objetivarlo?

[12] FronteraD-punto-com. Bitácoras. Ignacio Castro. Benjamin y nosotros, 18 de septiembre, 2016

[15] Jean-François Lyotard La condición postmoderna: informe sobre el saber. Cátedra, 1989. La condition postmoderne: rapport sur le savoir. Minuit, 1979

[13] “El trabajo de choque se alimenta del agotamiento y el ritmo, de fechas límite y porquería curatorial, del parloteo trivial y copias de alta calidad. También prospera mediante la explotación acelerada. Yo diría que –dejando a un lado el trabajo doméstico y de cuidados a personas– el arte es la industria con mayor índice

[16] Lo videográfico es para mí un modo de escritura cercano a lo poético, no necesariamente narrativo pero sí discursivo en cuanto dice sin decir aproximándose a una verdad que es por definición indecible y alejándose del discurso común en el que una palabra puede referirse a un concepto o su contrario. Una escritura que habla

con imágenes, considerándolas como caso y campo particular de lenguaje, el visual, del mismo modo que lo es el lenguaje musical en su propio ámbito con sus peculiares significantes escritos en partituras y materializados en sonidos separados por silencios; de hecho, puede darse un diálogo en la conjunción de ambos, música e imágenes, en una misma obra. Como tal, en su estructura pueden deslizarse metáforas y metonimias ligadas o separadas por contigüidad o continuidad, por semejanza, oposición, sustitución, etc. y –en función de quien las hila y quien las percibe o ‘desencripta’-, pueden ser anudadas o no a un sentido, a varios o bien a los otros sentidos, los relacionados con lo corpóreo, es decir, aunque por lo común no es fácil traducirlas en palabras, pueden afectar tanto al sujeto que piensa como al sujeto que siente.

Lisi Prada participará en el programa de edición del Festival Les Instants Vidéo d’Urgence Poétique que tendrá lugar en la Belle de Mai, en Marsella, del 10 al noviembre.

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la 29ª - État Friche 13 de

CREDÍTOS DE LAS IMÁGENES (1)Dos Movimientos, 2010 (2) Silent Recycling Man, 2012 (3) Haiku Time, 2012 (4) Electronic Water, 2013 (5) Electronic Water, 2013 (6) Illuminazioni Mattina, 2014 (7) Illuminazioni Mattina, 2014 (8) Haiku Time, 2012 (9) Berlina Espejismos, 2012 (10) Invitatio et susurro confidentialis, 2012 (11) Prayer Three Cultures, 2012 (12) Prayer Three Cultures, 2012 *Retrato de portada de Gonzalo López Fernández, 2013. Sobrino de Lisi Prada *Imagen interior: Prueba Proyección Artlina Valero. Magali Berenguer, 2012 27

ACERTADA SIMBIOSIS

Conocí a Lisi Prada hace ya algunos

suyo sobre el que recababa mi opinión y mi años y, no en el mundo de mi actividad como conformidad; un trabajo en el terreno de la compositor, sino en otro ámbito profesional video-creación: Dos Movimientos [Travelling relacionado con la docencia. Siempre en & Fixed shot], que había realizado a partir de avanzada en el universo de las “high-tech”, la una de mis obras de cámara bien conocida recuerdo enredada con las distintas aplicaciones por ella y por la que siempre tuvo una gran informáticas, entusiasmada con los incipientes predilección: los Dos Movimientos para violín y piano (SONATA II), estrenada en Nueva balbuceos de Internet…

York en 1986.

Sabía de su interés por el diseño, la producción, los múltiples entresijos de esas nuevas tecnologías, y de un entusiasmo por todo ello que yo, personalmente, disto bastante de compartir; algo que, sin embargo, en una muestra del valor superior de lo sustancial sobre lo contingente, podría decirse que catalizó, desde el principio, la buena química que en lo estético y personal hubo siempre entre nosotros.

Me aproximé a su trabajo con esa combinación de interés e intriga que suscita la visión que otro artista puede tener, desde su propio medio, de mi propia obra, tanto más en cuanto se trata de una música absolutamente pura, concebida al margen de cualquier connotación visual, escénica o extramusical. Sin embargo el resultado me pareció entonces, y me lo sigue pareciendo a día de hoy, un enorme acierto a la hora de Por ello me sorprendió gratamente cuando conectar el mundo sonoro con el visual, de hace algún tiempo, Lisi me remitía un trabajo una manera en la que la imagen, sin perder su propio discurso, mantiene una fidelidad

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tal con la música que pudiera pensarse que hubieran nacido al mismo tiempo y para ese fin. Creo que Lisi ha interiorizado y elegido muy bien el fragmento de mi obra que utiliza en su video y, de una manera inteligente, lo ha llevado a otro terreno, el suyo, buscando una simbiosis que es para mí todo un acierto y que, en el fondo, guarda relación con mis propios procedimientos compositivos, al basarse en la idea de un “fluir” permanente, de una forma viva que se desarrolla en el tiempo, tal y como ella ha vislumbrado en las hermosas imágenes del agua o de una naturaleza viva y en permanente mutación.

Todos los demás trabajos de Lisi que he visto en el terreno de la video-creación, hasta el más reciente, presentado con éxito en el MNCARS durante el Punto y Raya Festival hace solo unas semanas y que lleva por título Neón. El fuego en las ciudades me sugieren multitud de ideas encadenadas y me producen la misma impresión: la de estar

ante una artista con personalidad propia en la que el virtuosismo tecnológico no constituye un valor en sí, sino la lógica consecuencia de elementos que me gustan en su trabajo: la lógica y la claridad en su construcción y un sentido de lo discursivo. Rasgos que, de otra parte, conviven con una fuerte tendencia a la abstracción; una abstracción muy lírica en la misma medida que sorprendente, cuando nos sitúa ante el aleteo furtivo de una mariposa o cuando en Neón la idea del Fuego engloba tanto la Naturaleza –muy presente en todos sus trabajos- como cultura ancestral, y un curioso desplazamiento conceptual hacia la tecnología, la urbe y la modernidad. Hermoso juego contrastes.

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Eduardo Pérez Maseda noviembre 2011

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COLECCIÓN MACBA 31 UNA EXPERIENCIA TRES SESENTA

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COLECCIÓN MACBA 31 UNA EXPERIENCIA TRES SESENTA

El MACBA estrena su primera visita virtual con vistas en 360º y renueva su App Explorar la instalación multisensorial del artista brasileño Cildo Meireles, deambular por entre las 101 fotografías de Han‐Peter Feldman… desde cualquier parte del mundo. Éstas son solo algunas de las posibilidades que la nueva visita virtual que el Museu d’Art Contemporani de Barcelona ofrece para sumergirse en las obras de Colección MACBA 31. Un nuevo recurso al alcance de aquellos que no pueden desplazarse hasta el museo y, también, para quienes quieran preparar su visita o completar la experiencia vivida en salas. Un recorrido con vistas en 360º que cuenta con un nutrido repertorio de contenidos digitales como vídeos, audios y textos.

La actualización de la App del MACBA, gratuita para iOs y Android, además de incluir la información básica de acceso al museo, las exposiciones y actividades, recoge todos estos contenidos y se encuentran disponibles durante la visita a salas. Pistas de audio en las que escuchar a los propios artistas, entrevistas y videos seleccionados son algunos de los recursos que pone a disposición del usuario.

También, la App propone descubrir el MACBA a través de las paredes. Se trata de una visita paralela en la que desbloqueando vídeos ocultos tras el escáner de siete iconos en forma de ojo dispersos por la arquitectura del edificio de Richard Meier. Donde parece que no hay nada, se muestra un mundo paralelo y lo que ocurre en el museo durante las 24 horas del día / 365 días al año.

Entra y vive la experienia tres sesenta https://tourmake.it/es/tour/ bd078b423cf19c96cd29bbf30b372d85

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CHRIS MILK NUEVA RELACIÓN EMOCIONAL CON EL ARTE

Chris Milk es un empresario estadounidense nacido en Glen Cove NY, que vive en Los Ángeles e inicia su carrera fotografiando, dirigiendo videos musicales y comerciales para grandes firmas y artistas. Su trabajo se ha expandido más allá de lo tradicional, a caballo entre los géneros experimentales y las tecnologías emergentes, continúa poniendo a prueba las fronteras de la tecnología interactiva y el arte como fundador y CEO de Vrse , una compañía de tecnología de Realidad Virtual (RV) y como fundador y director creativo de Vrse.works, una compañía de producción RV. Primero ganó el reconocimiento como director de videos musicales, trabajando con Kanye West, Arcade Fire, Beck, Jack White, U2, Johnny Cash, Gnarls Barkley, The Chemical Brothers, John Mellencamp, Courtney Love, y Modest Mouse. Ha sido distinguido con los siguientes premios: Grand Prix Cannes Lion, D&AD Black Pencil, Grand Clio y SXSW’s “Best of Show”, así como múltiples nominaciones a los Grammy®, MTV Moon Men y el UK MVA Innovation.

emergía de las aguas, haciendo gritar a una audiencia totalmente impresionada.

Después de otras situaciones y sensaciones, como la de flotar al lado de un helicóptero sobre la ciudad de New York, viendo al artista JR como toma una fotografía de la tierra que tienen debajo, ver tiendas de campaña blancas en la distancia que pertenecen a un campo de refugiados y un grupo de niños les miran a la cara y casi pueden hacer contacto visual, el público tomó de nuevo asiento y Chris Milk terminó su charla. “Yo creo que todo el mundo en la Tierra necesita experimentar lo que acaban de experimentar”.

La creación de historias de realidad virtual es un desafío único y el medio está empezando a tomar forma. Pero Chris Milk predice que esto tendrá un impacto duradero en el panorama de los medios debido a que: “RV nos hace sentir como que somos parte de algo.”

En los últimos años, Chris Milk se ha centrado CREDÍTOS DE LAS IMÁGENES en el uso de innovaciones cross-media para (1) Marla Aufmuth TED2016 mejorar la narración emocional, la exposición (2) Marla Aufmuth TED2016 de la belleza en las cosas - física, digital, (3) VRSE intangible - que nos conectan a todos y en el TED2016 del pasado febrero, hizo posible que tuviera lugar la visión colectiva de RV más grande de la historia.

El público asistente provistos con un cartón Google y un par de auriculares, descargó una versión especial de la aplicación Vrse, mientras sonaba la música en directo de un violonchelo y tras una cuenta atrás, al unísono se encontraron en un idílico valle, rodeado de montañas, con un lago donde se escuchaba el murmullo de los pájaros que sobrevolaban la zona. A medida que los seguían, un tren

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MÁS INFORMACIÓN DE LA SESIÓN TED2016 youtube.com/watch?v=cJg_tPB0Nu0

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Environment Dress es una plataforma para la creación de vestibles (wearable) en código abierto que midan la agresividad del medio que nos rodea, relacionando factores medioambientales como cantidad de monóxido de carbono, de polvo en el ambiente, radiación infrarroja, etc con nuestro estado de ánimo, estableciendo de este modo mapas emocionales de las ciudades a partir de los datos recogidos.

nuestra conducta. Las distintas variaciones de ruido, temperatura, presión atmosférica, radiación ultravioleta, o cantidad de monóxido de carbono son –entre otros factores– a lo que nos sometemos a diario. Agentes determinantes de nuestro estado de ánimo y nuestro comportamiento grupal con las demás personas.

Lo que nos proponen con Environment Dress es medir la agresividad del medio que nos Environment Dress se inicia en 2015 gracias rodea, para establecer de este modo una al premio Next Things 2015-Conducta, relación entre estos factores externos y cómo convocado conjuntamente por LABoral Centro afectan a nuestro estado de ánimo. de Arte en Gijón y Telefónica I +D en Barcelona.

Gracias a los sensores capturan lo que María Castellanos y Alberto Valverde, llevaban está ocurriendo a nuestro alrededor, para trabajando como colectivo artístico desde determinar mediante estos datos cuales son 2009 en la intersección entre el humano y la los inputs externos que están afectando a máquina. Gacias al premio Next Things optaron nuestra conducta. Además a través de la App a una residencia de seis meses de duración diseñada específicamente para el proyecto, el repartida entre Gijón y Barcelona, durante la usuario podrá determinar su estado de ánimo que desarrollaron dos vestidos inteligentes, en diferentes momentos y emplazamientos.

Environment Dress, Environment Dress 2.0 y De este modo, durante un uso prolongado del una App que permite tanto configurar el vestido traje el sistema podrá llevar a predecir cual como visualizar los datos medioambientales. va a ser el estado de ánimo de su portador, determinado éste por las condiciones En los últimos años la tecnología vestible medioambientales. ha inundado sectores como el deporte, la medicina, la moda, y como no, el arte. Todos los datos geolocalizados, recogidos por Especialmente de la mano de creadores con el vestido se guardan en una gran open data, espíritu de hazlo tu mismo (DIY) basándose en es decir; una gran base de datos abiertos, configurada con la información geolocalizada herramientas de hardware y software abierto.

Sin embargo, la tendencia general de este tipo recogida por el vestido. Mostrando estos de tecnología vestible suele ser crear prendas datos al propio usuario o cualquiera que se visualmente atractivas, con alguna respuesta conecte a la web o App del proyecto, mediante a una interacción directa y simple. Por otro una visualización amigable. lado está también muy generalizado fabricar Proyecto nominado en STARTS Prize’16. Ars indumentaria que tome medidas biométricas, Electronica. Linz. Austria. 2016 recogiendo datos del estado de su portador como pulsaciones, temperatura corporal, Los próximos 19 y 20 de noviembre, en el humedad, etc. Sin embargo ¿qué ocurre con contexto del WinterLAB Maria Castellanos y Alberto Valverde impartiran un taller de el medio que nos rodea?

Vivimos rodeados de agentes contaminantes, creación de wearables DIY en LABoral Centro de factores que influyen en nuestro día a día, de Arte. en nuestro estado de ánimo y en definitiva 46

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UNA SERIE CON MÁS DE DOS ROMBOS Álvaro P-FF es uno de los ilustradores y diseñadores más respetados dentro de la industria musical española. Desde que comenzó a dibujar para la escena underground de Madrid a mediados de los 90, sus portadas y carteles han puesto imagen a la música que nos ha acompañado durante dos décadas.

Con su peculiar estilo mezcla de la estética de las marcas de skate de finales de los 80 (Santa Cruz, Powell Peralta, Vision, Alva…) y la cartelería americana de los 90 (Kozik, Coop, Almera, Jelly Bean…) entre otras mucha cosas, Álvaro ha creado un mundo al que se han rendido artistas nacionales como Bunbury, Calamaro, Amaral, Sidonie, Cápsula, Los Coronas, L.A., Sex Museum, Depedro… e internacionales, como The Jayhawks, Redd Kross, Fountains of Wayne, Lucinda Williams, Nancy Sinatra, Soundtrack Of Our Lives, o Long Ryders. Junto a su hermano, el fotógrafo Juan Pérez-Fajardo, comanda el estudio de diseño y fotografía The Fly Factory.

Después de varias exposiciones individuales, donde se recopilaban piezas realizadas para grupos, conciertos, festivales y discográficas, Álvaro P-FF da un paso adelante con “DO THE MUTILATION (and other funny things to do on a friday night)”/ (HAZ LA MUTILACIÓN (y otras cosas divertidas que se pueden hacer en un viernes por la noche), su primera exposición creada ex profeso. En ella Álvaro nos muestra, como si fuese una serie trastornada de “caprichos de Goya”, el universo personal que le rodea y le inspira. En él se entremezclan

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el mundo del rock y el punk, el tatuaje, el cine, los iconos de la cultura pop, la crítica social, la imaginería mejicana (con sus vírgenes sus calaveras y sus luchadores), el humor negro, el cine gore, el cartel político-propagandístico de los regímenes totalitarios…

“Do The Mutilation” se compone de veintidós obras llenas de detalles, realizadas en serigrafía, con los colores rojo y negro como protagonistas, y salvo cuatro ilustraciones, todas están representadas en formato rombo.

Expuestas en Madrid en las paredes de La Fiambrera hace ahora un año, se encontraron H.G.Wells y su guerra de los mundos, los soldados imperiales de George Lucas haciendo proselitismo del Lado Oscuro, John Waters nominando a Divine para presidenta del país, Nick Lowe en las barricada con Nelson Mandela, a los personajes de Walt Disney cumpliendo condena por pandilleros… siempre acompañados de referencias musicales importantes para el artistas (Hard-Ons, Henry Rollins, MC5, Ron Asheton, Mega City Four, Misfits, Ramones, Motörhead…).

Pero al fondo de la galería, resplandecian las “Queen Bug”, dos exclusivas ilustraciones que destacaban del resto de la colección.

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CREDÍTOS DE LAS IMÁGENES (1) Are you listening now?, Serigrafía de 2 tintas, 2015 (2) Try to do that shit again, Serigrafía de 2 tintas, 2015 (3) What’s so funny ‘bout, Serigrafía de 2 tintas, 2015 (4) Queen Bug 2, Caja de luz e impresión sobre acetato (backlight), 2015 (5) Queen Bug 1, Caja de luz e impresión sobre acetato (backlight), 2015 (6) Anaheim brotherhood, Serigrafía de 2 tintas, 2015

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AUTOPSY.GLASS

La artista Myriam Bleau seleccionada de entre un total de 361 propuestas presentadas, procedentes de 51 países, desarrolló su proyecto autopsy.glass durante una residencia artística de dos semanas de duración en Avatar, DISK/CTM Festival, hTh, LABoral/L.E.V Festival y Le Lieu Unique, respectivamente.

Tras la residencia en LABoral en abril, se mostro en el L.E.V Festival 2016.

Según el jurado, el trabajo de Myriam Bleau reúne talento, innovación y experimentación, en una búsqueda de nuevas estrategias para la creación de una performance audiovisual que integre imagen, luz y sonido a partir de la manipulación de objetos cotidianos.

Su propuesta plantea trabajar de manera artesanal a partir de elementos cotidianos, en este caso la fragilidad del cristal de unas copas de vino, para sonorizar y visualizar la tensión que precede a la destrucción y la rotura, ofreciendo interpretación poética del potencial simbólico y la energía que se esconde en los objetos cotidianos.

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autopsy.glass es una performance audiovisual que explora el potencial sonoro, visual y simbólico de la copa de vino. Mediante manipulaciones en vivo, unas veces delicadas y otras violentas, la performer construye un universo de música y luz a base de resonancias y esquirlas de vidrio, catalizando esa singular tensión que se asocia a la destrucción anticipada.

Myriam Bleau (Montreal, Canadá, 1988) es compositora, artista digital y performer.

Explora los límites entre la performance musical y las artes digitales para crear sistemas audiovisuales que van más allá de la pantalla, como instalaciones sonoras e interfaces musicales específicas para performance. El hecho de formar parte de la escena de la música popular influencia su práctica electrónica híbrida que integra elementos del hiphop, el tecno y la música pop. Su trabajo ha sido expuesto y reconocido a nivel internacional: Prix Ars Electronica 2015 (AT), Sonic Arts Award (IT), Elektra (CA), ISEA 2015 (CA), Transmediale (DE).

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Please, touch the sculpture

vimeo.com/118434184

ESCULTURAS INTERACTIVAS Juan Carlos Sánchez Duque

desconfianza. La pieza, mientras aguarda a ser tocada, se ilumina con luces rojas que van encendiéndose y apagándose lentamente “La creación emana de una a la vez que pueden oírse sonidos. Al imposibilidad.” (1) ser acariciada los sonidos cambian, las luces y las vibraciones responden al tacto,

La interacción “es uno de los aspectos dependiendo de las zonas, el tiempo y la más positivos de la revolución digital: en pauta táctil. Pasados unos segundos sin lugar de la pasividad inducida por las viejas interactuar con la escultura vuelve al estado máquinas, el ordenador propicia la acción, de espera. la modificación de lo que se recibe … la idea de interacción se ha convertido en una de La posibilidad de tocar y acariciar las más estimulantes y frecuentes.” (2) una escultura, quitado el velo del tabú, de la prohibición de tocar una obra escultórica

En el año 2013 se inicia este con clara reminiscencia orgánica, puede que proyecto motivado por el interés en los nos remita al deseo reprimido de acariciar, Nuevos Medios, en la posibilidad de incluir de tocar, el germen del deseo, quizás no la interacción en la obra y el descubrimiento correspondido. Podría ser que remitiese, inmersos como estamos en un mundo del paso a una materialidad tridimensional. repleto de imágenes que nos seducen

El proyecto se orientó desde el sensualmente pero que no transcienden principio en la unión de la electrónica de hacia lo táctil, el deseo no puede verse consumo con la Nueva Escultura mediante la consumado, la pasión no se completa, a que incorporación de elementos sensoriales que el objeto de nuestros pensamientos íntimos dotasen a la obra de una faz que permitiese se muestra muy cercano, casi nuestro, pero el feed-back obra-persona. Así mismo se de una inmaterialidad frustrante. partió de la premisa de que la pieza pudiese mantener un equilibrio estético-artístico Quizás el paso que aquí da el artista es el cuando se la contemplase desde lejos y no de acercarnos tímidamente, desde el se llegase a interactuar con ella. arte, la posibilidad de consumar un leve deseo, una infinitesimal parte de nuestro

Fruto de este trabajo surgió la primera anhelo. pieza de “escultura interactiva” dotada de siete zonas sensitivas y con capacidad de detectar tiempos de contacto e incluso conocer como se mueve la mano sobre VIDEO DE LA OBRA ella gracias a la inclusión de un software vimeo.com/118434184 desarrollado ex profeso. ___________

En “Please, touch the sculpture” (1) Pere Salabert, Teoría de la creación en el puede ser atravesada la invisible línea que arte. Akal nos separa de la obra y tocar sin recelo ni (2) José Jiménez, Teoría del arte. Tecnos.

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EL VÍDEO ES UN ARMA MUCHO MÁS AFILADA QUE LA ESPADA

En los años noventa el coste de tener una cámara de vídeo no era elevado, pero gestionar la información captada resultaba laborioso y complicado. Sin embargo, las dificultades no amedrentaron a nuestro profesor en el uso del vídeo para la realización de autoscopias con las que prepararnos a nosotros mismos y a otras personas. Estas autoscopias consistían en la grabación de las exposiciones individuales que realizábamos de temas preparados para impartir a otros estudiantes del curso. Grabaciones repasadas y comentadas entre todos, que nos ayudaban en la mejora de nuestras habilidades. Y nos permitían observarnos a nosotros mismos como bailarinas de ballet.

Otro caso lo encontramos en los equipos de fútbol de primer nivel. Cómo cada vez la utilidad del vídeo tiene mayor importancia en la creación de estrategias de equipo y la observación tanto del contrario como de los propios jugadores. La contratación de Josep Guardiola en su marcha al Bayern de Munich, ha supuesto la contratación del equipo de personas encargadas de la edición en vídeo que estaban en el FC Barcelona.

En estos casos el servicio prestado por el vídeo nos lleva un poco más allá, permitiendo a cada individuo mejorar sus habilidades personales. Pero debemos recordar hacerlo en compañía de otras personas que nos permitan ver aquello que no somos capaces El profesor Óscar González en su post Los de observar. De lo contrario puede no suponer profesores necesitamos retroalimentación ventaja alguna. para mejorar, utiliza un vídeo emitido por TED De nuevo el vídeo se presenta actuando como en el que Bill Gates de Microsoft habla de la un arma mucho más afilada que la mejor necesidad de motivación y retroalimentación espada. para mejorar en la enseñanza.

Extraido del blog videosespres.net

CREDÍTOS DE LAS IMÁGENES (1) 4th Anniversary X-travaganza w/Lauren Bousfield, ghosting.tv, and Rind | Experimental Half-Hour experimentalhalfhour.com/videos 66

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10.000 ARTISTAS, 400 EVENTOS, UNA FECHA 26.11.16

Fair Saturday, la mayor movilización cultural del mundo con impacto social llegará el próximo 26 de noviembre, justo después de Black Friday.

Tras los buenos resultados del primer encuentro en el 2015 en el que participaron un total de 3.924 artistas, 45 ciudades, 203 eventos, 83.537 asistentes, con una recaudación de 71.139 euros generados para 103 proyectos sociales, la convocatoria actual cuenta con el apoyo de empresas e instituciones de primera línea que se han sumado al movimiento.

En palabras de Beatriz Navarro, directora de Marketing de Fnac, «desde Fnac apoyamos de forma decidida todas las iniciativas dirigidas a potenciar la cultura y a los artistas en general.

Y Fair Saturday nos pareció un proyecto en el que no podíamos faltar.»

alrededor de 100 eventos culturales tendrán lugar en Bilbao – Bizkaia el próximo sábado 26 de noviembre, convirtiéndolo en el epicentro del festival Fair Saturday. Asimismo el festival ha conocido un fuerte crecimiento en numerosas ciudades de España, con especial concentración en las ciudades prioritarias: Zaragoza, Madrid y Barcelona. Numerosas localidades y países han mostrado ya su interés en conocer el movimiento y formar parte de la edición de Fair Saturday 2017, entre ellas Málaga, Mallorca, Valencia, Santander y Huelva.

De forma simultánea tendrán lugar más de 400 eventos culturales en más de 100 localidades distintas, en los que parte del valor generado en cada evento se destinará a proyectos sociales elegidos por los propios artistas.

En palabras de Jordi Albareda, fundador Fnac acogerá eventos culturales a favor de del movimiento, «Fair Saturday tiene como diversos proyectos sociales en todos sus objetivo provocar una reflexión social sobre el centros. Obra Social “la Caixa” sumará al valor del arte y la cultura en la construcción de cartel de 2016 la programación cultural de los una sociedad más desarrollada. La cultura no siete museos CaixaForum y del CosmoCaixa es importante, es esencial en nuestro futuro. Y Barcelona. no la tratamos como tal. Es hora de cambiar.»

En esta segunda edición del festival cerca de 10.000 artistas estarán presentes en más de 400 eventos culturales simultáneamente en 6 países: España, Perú, México, Colombia, Argentina y Estados Unidos y está previsto que acudan 175.000 personas, la recaudación destinada a proyectos sociales se estima que supere los 150.000 euros.

Asimismo estarán presentes también Stage Entertainment con sus musicales El Rey León y El hombre de la Mancha, el Museo Guggenheim Bilbao o compañías de teatro como Yllana, Teatros Luchana, Teatro Arriaga de Bilbao... Además de museos, teatros, academias, conservatorios, asociaciones culturales y un extenso número de entidades culturales, los Ayuntamientos de Bilbao Fruto de la colaboración público-privada de y Zaragoza son los primeros que se han numerosas entidades culturales y sociales, adherido a nivel institucional y apoyan la especialmente en la ciudad de Bilbao, iniciativa.

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La Fundación Solidarters, promotora de Fair Saturday, promueve el arte y la cultura como actividades esenciales para el progreso y el desarrollo social por medio de tres factores claves: • Poner en valor la capacidad transformadora que tienen artistas y creadores fomentando la actividad cultural en nuestra sociedad.

• Contribuir con nuestras acciones a la mejora de la sociedad a través de la colaboración con ONGs y proyectos sociales.

• Todos los proyectos de la Fundación Solidarters nacen desde la participación, cocreación y colaboración abierta de toda la sociedad.

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ARGENTINA PROMETE UN VIBRANTE ARCOMADRID 2017 Tras el intervalo de la celebración del 35 aniversario de ARCOmadrid, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo organizada por IFEMA, reanuda su sección dedicada a un país invitado, con la presencia de uno de los mercados de arte más activos en América Latina, Argentina, invitado de honor en 2017.

La 36ª edición de ARCOmadrid, tendrá lugar del 22 al 26 de febrero de 2017, la selección de galerías que traerán a Madrid la producción artística contemporánea de este país la realizará Inés Katzenstein, curadora independiente y directora del Departamento de Arte de la UTDT en Buenos Aires.

Programa de la exposición del artista. Ella era comisionado del Pabellón de Argentina en la 52ª Bienal de Venecia 2007, y co-comisario de la Zona Franca en la Bienal del Mercosur 2007. De 2004 a 2008, trabajó como curadora en el MALBA-Fundación Constantini (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires).

Sonia Becce

Curadora independiente, con domicilio en Buenos Aires. Ella ha trabajado en varias exposiciones que cooperan con las instituciones internacionales, como el Museo Reina Sofía de Madrid, MALBA, Buenos Aires, y el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas de Washington DC Becce también ha sido Dentro del formato tradicional de ARCO, el una figura clave en su cooperación con programa Focus Argentina abarcará también Guillermo Kuitca desde 1987, trabajando en una importante presencia del país que se diversos proyectos para museos, galerías y extenderá en exposiciones especiales por publicaciones. En 2014, fue Presidenta de la distintos lugares de la ciudad de Madrid, con Comisión de Selección de arteBA. la curaduría de Sonia Becce.

El Foro de Expertos contará con la participación de los profesionales argentinos, lo que permitirá descubrir uno de los contextos artísticos más activos de su continente, analizar sus excelentes artistas y ofrecer una visión en torno al galerismo, el coleccionismo, la curaduría y la crítica en este país.

El programa está apoyado por el Ministerio de Cultura de Argentina, su Embajada en España y arteBA, Feria de Arte Contemporània en Buenos Aires, que el pasado mes de mayo ha celebrado una historia de 25 años.

Inés Katzenstein Director del Departamento de la Universidad Torcuato Di Tella de Buenos Aires Arte fundador desde el año 2008, donde se desarrolla el

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Asia

Abu Dhabi Art Fair Abu Dhabi, United Arab Emirates 16 – 17 noviembre 2016 abudhabiart.ae Art Taipei Taipei City, Taiwan 12 – 15 noviembre 2016 art-taipei.com Shanghai Art Fair Shanghai, China 3 – 6 noviembre 2016 sartfair.com ARTO21 Shanghai Contemporary Art Fair Shanghai, China 11 - 13 noviembre 2016 arto21.org

Europa Alemania

Affordable Art Fair Hambug Hamburgo, Alemania 10 – 13 noviembre 2016 affordableartfair.com/hamburg/

Italia ARTISSIMA Turin, Italia 3 – 6 noviembre 2016 artissima.it

Norteamérica Art Basel Miami Beach Miami Beach, Florida 1 – 4 diciembre 2016 artbasel.com/miami-beach

España

Pinta Miami Miami, Florida 29 noviembre – 4 diciembre 2016 pintamiami.com

Barcelona International Art Fair Barcelona, España 16 - 17 diciembre 2016 bcnartfair.com

SCOPE Miami Beach Miami Beach, Florid 29 noviembre – 2 diciembre 2016 scope-art.com

NOV - DEC 2016

FERIAS

España Fig Bibao Bilbao, España 17 – 20 noviembre 2016 figbilbao.com

FESTIVALES

Europa Francia

Fête des Lumières Lyon, Francia 8 - 10 diciembre 2016 fetedeslumieres.lyon.fr

Fair Saturday 46 localizaciones* 26 noviembre 2016 fair-saturday.org

BIENALES Asia

11th Shanghai Biennale Shanghai, China 11.11.2016 - 12.03.2017 shanghaibiennale.org 3rd Kochi-Muziris Biennale Kochi and Muziris, Kerala Region, India 12.12.2016 - 26.03.2017 kochimuzirisbiennale.org

España

S.A.CO. Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla Sevilla, España 3 - 6 noviembre 2016 sacofair.com

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XIII Bienal de Cuenca Cuenca, Ecuador 25.11.2016 - 05.02.2017 bienaldecuenca.org

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ANGÉLICA DASS, VANCOUVER, CANADÁ. BRET HARTMAN-TED2016 CREDÍTOS DE LAS IMÁGENES Portada: Angélica Dass, Vancouver, Canadá. Bret Hartman-TED2016 Interior: Angélica Dass (1) Angélica Dass, Ryan Lash -TED 2016. Vancouver, Canadá (2) Bret Hartman -TED 2016. Vancouver, Canadá (3) Juan Miguel Ponce - Valencia (4) Marian León - Valencia (5) Humanae 7522 C - Angélica Dass (6) Humanae 38-8 C - Angélica Dass (7) Humanae 78-6 C - Angélica Dass (8) Humanae 322-1 C - Angélica Dass (9) Humanae 53-7 C - Angélica Dass (10) Humanae Collages - Angélica Dass (11) Humanae Collages - Angélica Dass (12) Max Estrella - Madrid *Estos créditos corresponden a las imágenes del reportaje: Angélica Dass. Humanae (work in progress), omitidos en el número 9 (septiembre-octubre 2016) de nuestra revista.

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Un dĂ­a para cambiar el mundo a travĂŠs del arte y la cultura Mundua arte eta kulturaren bitartez aldatzeko egun bat

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