ARTNOBEL Revista 9

ARTNOBEL

Angélica Dass

Humanæ (Work in Progress)

Núm. 9 septiembre - octubre 2016

I n s p i ra t i o n Re v i e w o f C o n te m p o ra r y A r t

en este número 2

encontrarás...

i. ii. iii. iv. v. vi. vii. viii. ix. x. xi. xii.

xiii.

El Arte Contemporáneo Incita a ser Conscientes Angélica Dass, Humanæ (Work in Progress) Philippe Halsman. ¡Nos Sorprende!

WOMEN: New Portraits, un particular homenaje de Annie Leibovitz Alfonso S. Suárez, Lost Story Bowie / Collector La relación con el espacio de Germán Tagle Realidad Virtual Revisitada (ArtFutura 2016) Carmen Alvar, La segunda vida de las cosas Berlin Art Week Festivales y Ferias de Septiembre - Octubre Convocatoria Premio Nuevos Realizadores del Principado de Asturias TOP Poblenou Crea!

redacción Maite Alonso Directora

eMe Alonso Reportera de Eventos

Todo le fascina.

Interesada en los detalles, las pequeñas cosas pasando delante de nuestras narices sin sentido ni razón.

Se abstrae en un instante durante horas llenas de trazos sobre papel.

Comunica, entretiene, disfruta, se evapora y vuelve a volar. Nada en la zona adulta sin soltar de la mano a una niña de cabellos claros y sonrisa perenne.

Incansable de apetitos exquisitos de una sola vez.

Cristina Martínez-Sandoval Redactora de Opinión Atenta y contenta como la bondad.

Gira, da vueltas, se mira en el muro lo salta y se espanta.

Sonríe, lo aprecia, se asombra, se inquieta, se olvida y lo quiere recordar.

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Gregorio Alonso Redactor Saltando de un equilibrio a otro.

Descubriendo cosas en cada esquina.

Subiendo y viajando por las ideas de otros que en algún momento hará suyas. Corriendo tras la paloma en un campo repleto de amapolas.

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(1) Simulación detalle obra Máxima Romero, Serie Servilletas Número 9. Mixta sobre 4servilleta de algodón, 2009.

EL ARTE CONTEMPORÁNEO INCITA A SER CONSCIENTES “y para qué sufrir, pa’ qué si así es la vida, hay que vivirla Voy a reír, voy a bailar vivir mi vida la la la la” Marc Anthony - Vivir Mi Vida

Todo en la naturaleza tiene un propósito y un objetivo, tanto la desigualdad entre las personas como sus sufrimientos. Extinguir la angustia significaría destruir la posibilidad de evolucionar. Aniquilar la ansiedad significaría destruir percepciones para las cuales existe el hombre. Significaría derribar la única fuerza que realmente puede cambiar la situación. Y así ocurre con el arte contemporáneo.

El proceso de evolución humana es similar al proceso de desarrollo del individuo. Este proceso comienza con un grupo de células que originalmente devienen conscientes, luego este grupo atrae a otras células y hace que todo el organismo sirva sus propósitos y no se limite a subsistir.

Esto es evolución y no se da otra clase. En la humanidad como en el individuo, todo comienza con la formación de un núcleo consciente.

Todo automatismo lucha contra la formación de la consciencia.

Pero, ¿dónde está la gente consciente?

La respuesta podría estar en todos aquellos que de alguna manera, se sienten atrapados por el arte contemporáneo.

Pero, ¿el ser humano está evolucionando?

Si nos paramos a observar, solo apreciamos un crecimiento de lo artificial, de lo irreal, de lo extraño, a expensas de lo natural, de lo real. Vemos un crecimiento de lo automático.

La cultura contemporánea busca autómatas, la gente pierde sus hábitos de independencia. Resulta imposible ver el final de todo esto, es imposible saber cuál es la salida.

La esclavitud del hombre va en aumento y además adoramos las cadenas que nos atan a esa servidumbre.

El arte contemporáneo es una manera de luchar contra la tendencia, su reto está en conseguir un mundo más consciente.

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humanĂŚ AngĂŠlica Dass

(work in progress)

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HUMANAE (WORK IN PROGRESS)

Humanæ es un proyecto, en desarrollo, de la brasileña Angélica Dass, que pretende desplegar un inventario cromático de los diferentes tonos de piel humana. Quienes posan son voluntarios que han conocido el proyecto y deciden participar en él. No existe una selección previa de los participantes ni se atiende a epígrafes de clasificación referentes a nacionalidad, género, edad, raza, clase social o religión. Tampoco hay una intención explícita de terminarlo en una fecha determinada.

Está abierto en todos los sentidos e incluirá a cuantos quieran formar parte de este colosal mosaico global. El límite solo se alcanzaría al completar la totalidad de la población mundial.

Pocas veces se ha acometido una taxonomía fotográfica de estas proporciones; quienes precedieron a Angélica Dass fueron personajes del siglo XIX que, por diferentes motivos -policiales, médicos, administrativos o antropológicos- pretendían servirse de las fotografías para establecer desde el poder diversos tipos de control social. El más conocido es el de los retratos de identidad, iniciado por Alphonse Bertillon y utilizado ahora universalmente. Sin embargo, esta taxonomía de proporciones borgianas que ha iniciado Angélica, ha adoptado un formato, el de las Guías PANTONE®, que desactiva cualquier pretensión de control o de establecimiento de jerarquías en función de la raza o la condición social.

PANTONE® y otras marcas comerciales de Pantone son propiedad de, y se usan con el permiso por escrito de, Pantone LLC. la identificación de colores PANTONE será utilizada únicamente con fines artísticos y no se destinará a cumplir otro tipo de especificación. Todos los derechos reservados.

PANTONE® and other Pantone trademarks are the property of, and are used with the written permission of, Pantone LLC. PANTONE Color identification is solely for artistic purposes and not intended to be used for specification. All rights reserved.

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Estas guías se han convertido en uno de los principales sistemas de clasificación de colores, que son representados mediante un código alfanumérico, lo que permite recrearlos de manera exacta en cualquier soporte: es un estándar técnico-industrial. El proceso seguido en Humanæ también es sistemático y riguroso: cada retrato se sitúa sobre un fondo teñido con un tono de color idéntico a una muestra de 11x11 píxeles extraída del rostro del fotografiado. Alineados como en los famosos muestrarios, la horizontalidad no es solo formal también es de orden ético.

Así, sin aspavientos, con la extraordinaria simpleza de esta metáfora semántica, Angélica Dass diluye la falsa preeminencia de unas razas sobre otras. Le basta con un “inocente” desplazamiento del contexto socio-político del problema racial a un medio inocuo, el de las guías, donde los colores primarios tienen exactamente la misma importancia que los mezclados. Incluso se diluye la figura de poder que suele ostentar el fotógrafo en los retratos. La utilización de códigos y materiales visuales pertenecientes al imaginario que todos compartimos, deja en un segundo plano la autorreferencialidad, a menudo insistente y cansina, de los artistas.

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A la dilución de la jerarquía del autor contribuye asimismo la voluntad de que el proyecto evolucione en otras direcciones ajenas a su control: debates, usos didácticos, réplicas y un sinfín de alternativas que ya se han activado al compartir Humanæ en las redes sociales. Muchos de los ingredientes que caracterizan el [mejor] espíritu de este tiempo parecen formar parte de este proyecto: autorías compartidas, solidaridad activa, propuestas locales susceptibles de funcionar a escala global, colaboración en red, comunicación expandida a espacios alternativos de debate, concienciación sin dirigismo ideológico, horizontalidad social…

El espectador está invitado a presionar el botón de compartir en su cerebro.

Alejandro Castellote

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(el trabajo continĂşa...)

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PHILIPPE HALSMAN ยกNOS SORPRENDE! ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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PHILIPPE HALSMAN ¡NOS SORPRENDE!

CAIXAFORUM BARCELONA DEL 15 DE JULIO AL 6 DE NOVIEMBRE DE 2016

Philippe Halsman era un fotografo que siempre experimento. Halsman hablaba frecuentemente en público, siempre reivindicaba el potencial creativo aún inexplorado de la fotografía, y citaba constantemente la anécdota de Jean Cocteau a propósito de su encuentro con Serguéi Diáguilev. Cuando el joven poeta y cineasta Jean Cocteau preguntó al fundador de los Ballets Rusos qué podía hacer para colaborar con él, Diáguilev le respondió: «¡Sorpréndeme!». Con esta respuesta en mente, Halsman se labró una carrera que se extendió durante más de cuatro décadas, dejandó decenas de imágenes icónicas en el imaginario popular. La exposición que ahora presenta la Obra Social ”la Caixa” junto con el Musée de l’Elysée de Lausana supone la retrospectiva más completa que se ha realizado nunca del fotógrafo y recoge, junto a algunos de sus retratos más célebres, imágenes desconocidas.

preparatorias, fotomontajes originales y maquetas, y más. La exposición abre una ventana al proceso creativo del fotógrafo y confirma su visión y concepto de la fotografía como un medio expresivo aún por explorar.

¡Sorpréndeme! está formada por más de trescientas obras. Muchas de estas obras no se han expuesto nunca. Hay hojas de contacto, impresiones, pruebas

Philippe Halsman se especializó en hacer retratos desde sus inicios.

Fotografió a muchos personajes famosos, especialmente del mundo de las artes,

La exposición se divide en cuatro partes: la introducción está dedicada a los años que Halsman pasó en París. Las otras tres partes se corresponden con su periodo estadounidense y cada una de ellas presenta una característica de la obra de Halsman: sus muy celebrados retratos de famosos, su interés por las puestas en escena, y, por último, el impresionante repertorio de «ideas fotográficas» que desarrolló junto con Salvador Dalí a lo largo de más de tres décadas, entre las que cabe destacar el libro Dalí’s Mustache.

PARÍS EN LA DÉCADA DE LOS TREINTA

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y tuvo el privilegio de contar con el apoyo y la influencia de André Gide, la primera personalidad a la que retrató.

Halsman amplió rápidamente el espectro de su trabajo y supo sacar partido de dos negocios en rápida expansión: las revistas y la publicidad. Trabajó una amplia variedad de temas (moda, belleza —sobre todo, peluquería—, objetos, crónica de espectáculos) y recibió encargos de las más ilustres publicaciones de la época: Journal des Modes, Vogue, Harper’s Bazaar, Voilà, Le Monde Illustré, Vu, Visages du Monde y el diario Le Journal.

Aunque Halsman fue un acérrimo defensor del retrato psicológico, su repertorio es muy variado. Le interesaban los avances técnicos y poseía una impresionante colección de dispositivos, entre ellos un estroboscopio. En la década de los sesenta empezó a aplicar el vocabulario literal e ideográfico de la publicidad y desarrolló efectos muy diversos para producir retratos que el lector era capaz de interpretar al instante.

MARILYN MONROE

Philippe Halsman fotografió a Marilyn Fotógrafo autodidacta, Halsman desarrolló Monroe en varias ocasiones entre 1949 una exhaustiva cultura visual, inspirado por y 1959. En el otoño de 1949, Halsman las distintas técnicas y estéticas propias de viajó a Hollywood enviado por la revista la época, como la llamada Nueva Visión. LIFE para fotografiar a ocho jóvenes Sus exploraciones artísticas tenían lugar modelos aspirantes a actrices. El fotógrafo en su estudio, donde creaba efectos vio enseguida que en Marilyn Monroe con iluminación eléctrica y encuadres había algo especial y su buen ojo se vio ajustados. Halsman cultivó, asimismo, confirmado cuando la revista le encargó un rico y variado imaginario que bebía un artículo sobre ella tres años más tarde. directamente del surrealismo.

Halsman obtuvo una serie de imágenes emblemáticas de Marilyn, entre ellas la HALSMAN EN NUEVA YORK primera portada de la actriz para LIFE, en 1952.

Halsman, consciente del efecto que su cámara tenía sobre sus modelos, prefería Marilyn Monroe era ya una artista cuando siempre entornos íntimos y sesiones cortas Philippe Halsman la recibió en su estudio, para que estos se sintieran cómodos. Sus en 1954. El fotógrafo tomó un retrato trabajos se caracterizan por la atención al espontáneo de ella saltando. Pero cuando detalle y por la búsqueda de la naturalidad Halsman le explicó en qué consistía la en la expresión. En Nueva York, Halsman jumpology, a la actriz le horrorizó la idea se ganó rápidamente una buena reputación de revelar su verdadera personalidad y y recibió numerosos encargos para retratar se negó a repetir el experimento. Pasaron a personajes famosos a cuenta de revistas cinco años hasta que accedió a participar como LIFE, TV Guide o The Saturday de nuevo. Marilyn Monroe saltó más de Evening Post. Asimismo, realizó fotografía doscientas veces a lo largo de tres horas promocional para campañas electorales, hasta que llegó el «salto perfecto», que se cubiertas de libros y carteles de películas. convirtió en portada de la revista LIFE.

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Esa fue la última vez que colaboraron, pero Halsman continuó creando nuevas imágenes de la actriz, trabajando a partir de variaciones de fotografías antiguas e incluyendo transformaciones radicales sugeridas por Salvador Dalí. Este considerable corpus de trabajo documenta la carrera de Marilyn y demuestra la diversidad de planteamientos fotográficos que utilizaba Halsman durante este periodo.

sesión, si querría participar también en ese proyecto personal. La jumpology tocó a su fin en 1959 con la publicación del Philippe Halsman’s Jump Book, en el que aparecían más de 170 divertidos y espontáneos retratos de famosos saltando.

HALSMAN/DALÍ

Durante casi cuarenta años, Philippe Halsman y Salvador Dalí se aprovecharon JUMPOLOGY de sus talentos respectivos. Halsman era un fotógrafo profesional especializado en En la década de los cincuenta, Philippe retrato y publicidad, mientras que Dalí era Halsman desarrolló un nuevo punto un artista que usaba su propia imagen a de vista sobre el retrato psicológico: la la perfección para autopromocionarse. jumpology. Halsman veía la jumpology Halsman se había convertido en uno de los como una herramienta psicológica. Su fotógrafos más populares de los Estados interpretación científica era que el acto de Unidos y Dalí destacaba en el mundo del saltar desinhibía a los modelos, arte por el increíble éxito de ventas de sus quienes, concentrados en el salto, «se obras. les caía la máscara». En el curso del experimento, Halsman advirtió una Philippe Halsman Archives conserva más enorme variedad de lenguajes corporales de quinientas fotografías tomadas a lo largo e interpretó esa gestualidad como una de cuarenta y siete sesiones con Salvador manifestación del carácter individual, Dalí, cuyo estudio revela una profunda revelado inconscientemente con cada comprensión de las posibilidades ofrecidas salto. por la imagen fotográfica en el siglo XX. Las fotografías de Halsman y Dalí beben de esa A lo largo de diez años entraron a formar cultura visual en la que ambos crecieron parte del catálogo cientos de figuras e incorporan arquetipos de la sociedad influyentes (políticos, magnates de la estadounidense, reflejando asimismo los industria, científicos, etc.), así como artistas vínculos entre arte y consumismo y entre y profesionales del mundo del espectáculo fantasía y realidad. (actores, cantantes, bailarines, etc.).

La producción de estas fotografías era En 1953, Philippe Halsman se dio cuenta sencilla y flexible: lo único que necesitaba de que el bigote de Salvador Dalí podría el fotógrafo era su cámara Rolleiflex y un darle «la oportunidad de cumplir uno de sus flash electrónico. ¡Y el único límite era el sueños más ambiciosos: crear una obra techo! Cuando recibía un encargo para un extraordinariamente excéntrica». El pintor retrato, Halsman preguntaba siempre al catalán, que se tenía en muy alta estima a modelo o la modelo, una vez terminada la sí mismo y en particular a su bigote —para

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él, símbolo del poder de su imaginación— se enamoró de la idea al instante. Halsman adoptó el mismo formato que en el picture book creado, cuatro años antes, junto con el actor francés Fernandel: se presentaba al modelo con una pregunta por escrito, y la respuesta a la misma aparecía en la página siguiente en forma de retrato con pie de foto. A lo largo de dos años, con su Rolleiflex 4 × 5 y un flash electrónico, Halsman fotografió varias veces a Dalí jugueteando con su bigote, en distintas poses. Las diferentes escenas combinan la personalidad teatral de Salvador Dalí y la asombrosa inventiva de Halsman. La materialización de las ideas de ambos supuso un auténtico desafío técnico para el fotógrafo y la posproducción fue especialmente laboriosa, pues a menudo era necesario trabajar sobre el negativo o la impresión, o montar varios elementos que luego había que fotografiar de nuevo para obtener un negativo de la imagen compuesta.

EL OBJETO FOTOGRÁFICO EN TODOS SUS ESTADOS

En el París la década de 1930 y en Nueva York a partir de 1940, Halsman se labró una carrera ejemplar que se extendió durante más de cuatro décadas. Fue un enérgico defensor de la fotografía durante toda su carrera. Halsman estuvo a la altura del reto contra la llegada de los medios de comunicación de masas como la televisión, haciendo de la fotografía una fuerza a tener en cuenta dentro del medio del espectáculo gracias a su imaginación.

Con la respuesta de «¡Sorpréndeme!» en mente, el fotógrafo se lanzó al diseño de guiones imposibles. Su dominio de la técnica le allanaba el camino para dar a conocer las posibilidades creativas del medio fotográfico, que llevó al límite en su colaboración con Salvador Dalí, donde el pintor plasmó sus ideas dentro del ámbito de la fotografía.

La fotografía de Halsman se distingue por su carácter directo, la perfección técnica y la particular atención por el detalle.

Asimismo, encontramos en su obra una amplia diversidad nacida de la constante experimentación con el medio.

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CRÉDITOS DE LAS IMÁGENES | photografía de Philippe Halsman (1) Dalí Atomicus, 1948 (2) Retrato de Marilyn Monroe, Jumpology, 1959 (3) Portadas de LIFE Magazine (4) Retrato de Albert Einstein en su casa en Princeston, New Jersey, 1947 (5) Retrato de Alfred Hitchcock para la promoción de Los pájaros, 1962 (6) Like Two Erect Sentries, My Mustache Defends the Entrance to My Real Self, 1954 (7) Dalí Cyclops, 1953 (8) Retrato de Andy Warhol (9) Retrato de Boby Clark, Jumpology (10) Retrato de Grace Kelly, Jumpology (11) Retrato de Audrey Hepburn, Jumpology

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WOMAN: New Portraits

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Un particular homenaje de Annie Leibovitz

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WOMAN: NEW PORTRAITS UN PARTICULAR HOMENAJE DE ANNIE LEIBOVITZ

El pasado 16 de enero de este año se lanzó en Londres “WOMEN: News Portraits”, una exposición itinerante, con la que la famosa fotógrafa Annie Leibovitz rinde su particular homenaje a las mujeres a través de un sinfín de retratos en los que aplica diferentes técnicas y composiciones, para provocar muchas sensaciones.

Un viaje mundial por 10 ciudades globales en el transcurso de 12 meses: Londres, Tokio, San Francisco, Singapur, Hong Kong y Ciudad de México ya la han acogido la gira, cuyo acceso a la exposición es gratuito para el público.

El nuevo trabajo de Leibovitz es una continuación de un proyecto que comenzó hace más de quince años, cuando su popular serie de fotografías, “Mujer”, fue publicado en 1999. El proyecto original fue una colaboración con Susan Sontag, que lo calificó como “un trabajo en progreso”.

“WOMEN: News Portraits” evolucionará durante este año ya que Leibovitz continua fotografiando a mujeres en cada una de las ciudades anfitrionas.

Los nuevos retratos que dio a conocer en Londres, muestran a mujeres excepcionales incluyendo artistas, músicas, directoras generales, políticas, escritoras y filántropas.

Además de las nuevas fotografías, la exposición incluye trabajos de la serie original, así como otras fotografías inéditas tomadas desde entonces.

El proyecto que reconoce a las mujeres, su fuerza y su papel en el logro de un cambio positivo en el mundo, regresa de nuevo a Europa, el próximo 9 de septiembre en la ciudad de Milán donde permanecerá hasta el 2 de octubre para proseguir el viaje a Frankfurt, New York y Zurich.

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Annie Leibovitz (1949) ha estado haciendo poderosas imágenes que documentan la cultura popular desde la década de los 70, cuando siendo aún estudiante, comenzó a trabajar como reportera gráfica de la revista Rolling Stone, convirtiéndose en jefe en 1973. Diez años más tarde comenzó a trabajar para la revista Vanity Fair y Vogue. Su extenso y distinguido trabajo abarca algunos de los retratos más conocidos de nuestro tiempo que han sido expuestos en museos y galerías de todo el mundo, incluyendo la National Portrait Gallery en Washington, D.C. .; International Center of Photography in New York; el Brooklyn Museum; el Stedelijk Museum de Amsterdam; la National Portrait Gallery de Londres; y State Hermitage Museum de San Petersburgo, Rusia. Su obra forma parte de colecciones de museos de la talla del Metropolitan Museum of Art, New York y el Smithsonian American Art Museum, Washington D.C., a la National Portrait Gallery Galería Nacional en Londres.

Ha publicado varias colecciones de fotografías y ha recibido muchos honores. En 2006 fue nombrada “Commandeur” en la Orden de las Artes y las Letras por el gobierno francés.

En 2009 recibió el International Center of Photography’s Lifetime Achievement Award, Premio a la excelencia creativa de American Society of Magazine Editors y la Medalla del Centenario de la Royal Photographic Society de Londres. En 2012 recibe el premio de mujeres distinguidas en las artes por Los Angeles Museum of Contemporary Art y el Premio Wexner. En 2013 recibió el Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades. Ha sido designada como leyenda viviente por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos de América.

Tras concluirse esta gira, UBS que promueve la misma, adquirirá un conjunto de las nuevas fotografías entrando a formar parte de una de las colecciones corporativas de arte contemporáneo más importantes del mundo, que comprende más de 30.000 obras.

ITINERARIO DE LA EXPOSICIÓN ubs.com/microsites/annie-leibovitz/en/tour/all-cities.html Imágen cortesía de Annie Leibovitz ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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Alfonso S. Suรกrez Lost Story

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Realizador de cortos, primero, crecido en guionista y documentalista, a medida que la afición se fue convirtiendo en oficio, Alfonso S. Suárez acaba de dar un paso nuevo en su afán creador. Sus fotografías participan en la nueva edición de PhotoEspaña.

Ocupan lugar, precisamente, en el cartel ‘Descubrimientos’. Y lo hacen con una serie tomada en Nueva York.

Observando la ciudad, confiesa, a veces como turista accidental, a veces, como residente habitual. Lo cierto es que hay entre las instantáneas, que se encienden en colores, «casi forzados», y los intensos blancos y negros, «unos 15 años de vida y viajes». Pero también una consciencia que quiere compartir: «Este no es el trabajo de un fotógrafo, porque yo no lo soy. Solo soy alguien que hace fotos. No me atrevería a afirmar otra cosa».

musicales, «la fotografía tiene mucho que ver con la poesía. Está más próxima a esa disciplina, que a nada que tenga que ver con un nudo y un desenlace. Para eso ya está el cine».

Convencido de que la humildad es el mejor camino de este nuevo camino, lo que ofrece en Madrid es una veintena de instantáneas que titula ‘Lost Story’.

Y son, dice, «la historia de una ciudad perdida y unas imágenes encontradas».

‘Lost Story’ no reposará como la obra de otros fotógrafos en paredes habituales. Los elegidos para dar identidad a ‘Descubrimientos’ deberán mostrar sus trabajos de una forma algo menos habitual. «Tenemos que ir con nuestras carpetas a un encuentro con coleccionistas, comisarios, galeristas».

Y en él demostrar que no solo saben de fotos, sino también de relaciones públicas, algo que no se le da mal a este gijonés que va tocando, poco a poco, todos los palos del arte.

Pero no es una historia en si misma.

«No quiero contar nada. Las imágenes que he ido captando son fruto de un antojo estético. Me gusta lo que veo. Lo encuentro y lo tomo», sentencia seguro.

Y piensa así Alfonso S. Suárez porque para él «lo fundamental es el lenguaje.

Lo que he querido retratar son las estéticas de la ciudad. De una ciudad que convierte a cualquiera en un hacedor de fotos. Es inevitable estar todo el día apretando el botón de la máquina, enfocando y encontrando».

Miembro del Consejo de Cultura de la Comunidad de Madrid, donde vive desde hace años, Alfonso S. Suárez no desenfunda la cámara de fotos sin observar a sus maestros. Lo son Andreas Feininger y Saul Leiter. Confiesa que su admiración está en sus propias imágenes. «Está claro que sus trabajos me influyen poderosamente». Ahora, con esas admiraciones impresas en sus trabajos, está en el que es considerado, sin ninguna duda, el principal evento fotográfico del país. «Sé que esto es algo importante. Estar en PhotoEspaña es un sueño que no me había atrevido a tener».

El último, antes de esta historia perdida de Nueva York, fue ‘La Caverna de Goya’, una instalación audiovisual que suma el mito de Platón al legado de Goya. Con ella se empezó ya a definir como un artista multidisciplinar.

Para este gijonés (1977) que además de cine, ha realizado spots para cine y televisión, así como videoclips

Paché Merayo El Nueva York encontrado en una «historia perdida»

CRÉDITOS DE LAS IMÁGENES Serie Lost Story. Seleccionada en el apartado Descubrimientos de la decimonovena edición de PhotoEspaña ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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Este mes de noviembre, Sotheby’s pondrá en escena Bowie / Collector, una venta en tres partes de unas 400 piezas de la colección privada del legendario músico David Bowie. Más de la mitad de las obras son de destacados artistas británicos del siglo XX, incluyendo Frank Auerbach, Damien Hirst, Henry Moore y Graham Sutherland.

La personalidad inquisitiva de Bowie también le llevó a coleccionar arte desconocido, el surrealismo y el arte africano contemporáneo, así como piezas del excéntrico diseñador italiano Ettore Sottsass y del grupo Memphis. Los diversos gustos de Bowie han alimentado su extenso archivo de obras importantes de artistas célebres e igualmente de artistas menos conocidos, en una colección de eclecticismo incomparable.

Del 1 al 10 de noviembre de este año 2016, la colección se exhibirá en la galería New Bond Street de Sotheby’s, London, dando a los aficionados, coleccionistas, amantes del arte y expertos una oportunidad única en la vida para sumergirse en la extraordinaria colección de objetos del mundo privado de Bowie. Antes del evento de referencia, la coleción se exhibe en las ciudades de London, Los Angeles, New York y Hong Kong.

London Highlights Preview Exhibition 20 julio – 9 agosto 09h00 –16h30 de lunes a viernes gratis Sotheby’s 1-2 St George Street, London, W1S 2FE Highlights Preview World Tour LOS ANGELES NEW YORK HONG KONG 20 – 21 septiembre 26 – 29 Septiembre 12 – 15 Octubre La Exibición Bowie/Collector 1–10 noviembre, Sotheby’s New Bond Street, London Las Subastas Part I: Modern & Contemporary Art, Evening Auction

10 noviembre Part II: Modern & Contemporary Art, Day Auction

11 noviembre Part III: Post-Modernist Design: Ettore Sottsass and the Memphis Group

11 noviembre ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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BOWIE / COLLECTOR

CRÉDITOS DE LAS IMÁGENES (1) Retrato de David Bowie. Gavin Evans, 1995.

(2) Beautiful, Shattering, Slashing, Violent, Pinky, Hacking, Sphincter Painting. Damien Hirst, 1995.

(3) Air Power. Jean-Michel Basquiat, 1984 (4) Interior (Mrs Mounter). Harold Gilman, 1917.

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La relaciรณn con el espacio de Germรกn Tagle

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“Servirse de un objeto es forzosamente interpretarlo. Utilizar un producto es a veces traicionar su concepto; y el acto de leer, de contemplar una obra de arte o de mirar un film significa también saber desviarlos...”

Nicolas Bourriaud

En la encrucijada donde se encuentran Ficción e Historia, Germán Tagle ha establecido un puesto de observación con la intención de atrapar en su pintura aquellos fragmentos narrativos que permiten releer el territorio donde yacen nuestros principales íconos culturales, es decir, todo ese caudal de imágenes diversas sacadas de la pintura, de la publicidad, del cine, de cualquier parte y que reconocemos sin siquiera tener certeza de haber visto. En una fusión de alta y baja cultura, su trabajo pictórico descarta la posibilidad “moderna” de seguir buscando la novedad y se concentra en la revalorización de la visualidad existente. Si lo deslumbrante ya está visto, volver-a-ver ayuda más a entender el mundo.

La relación de Germán Tagle con la espacialidad y el escenario del mundo comienza a gestarse en sus años como estudiante de arquitectura y de bellas artes en la Universidad Finis Terrae y en UNIACC. El análisis de aquellos elementos formales, unido a la recolección de signos de desviación y espacios críticos, su obra empieza a construir la imagen de un paisaje donde la desolación y la intriga se combinan con colores vivos, brochazos que tienen algo furioso. En 2003 parte de viaje y tras pasar un período en Argentina, termina instalado en Nueva York donde empieza a sacar a la luz su trabajo en muestras como Artificial Paradise (Union Gallery, Nueva York, 2009), Environmental (Repetti Gallery, Nueva York, 2007), New Empire y Eternal Return ( Elga Wimmer PCC, Nueva York 2009 y 2010). También el Museo del Barrio en Nueva York acogerá en 2007 y 2013 su pintura como representante destacado de la nueva generación de artistas visuales latinoamericanos.

En 2010 vuelve a Chile. Desde entonces, su exploración ha continuado mezclando imágenes variadas en un juego de apariencias que muchas veces expone el conflicto propio de la condición histórica y social que determina el uso de la imagen. En 2012 expone individualmente en la Galería Patricia Ready bajo el título Fuera de juego. En su experimentación con soportes variados no deja de emplear diferentes telas, desde Toile du Joui a Denim, o simplemente algodón crudo, páginas de libros y catálogos, fotos y pósters que ya contienen escenas impresas. Su trabajo de la imagen se concibe como una continuación, un ejercicio de búsqueda del trazo originario, de la imagen conocida sobre la que se aplican densas capas de acrílico y empastes enfáticos con vehemencia. Al comentar su serie de pintura sobre tapicería Yael Rosenblut observa: “pintar sobre esos tapices es estampar sobre ese candor una impronta que señala y demarca la derrota final de esa ensoñación en que la fanfarria palaciega es degradada a atisbos, a simulacros tristes, de un pasado esplendoroso que la impresora industrial hace pervivir, del mismo modo que persiste el sueño desdorado de quien la adquiere en busca de una identificación inconsciente de su propia personalidad.”

Algo de camuflaje hay en una estrategia que pretende colarse en un relato visual a través de la deformación de una cita, de la imitación que inventa paisajes ya vistos. Germán Tagle lo 66

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admite e insiste en la laboriosa tarea de recombinar la incontrolable carga de sus sedimentos visuales cargados de algún esplendor ruinoso y reconocible. En la exposición Paisaje americano celebrada en 2015 en la Sala Gasco, la inspiración en el cine de David Lynch se refleja en la presencia de personajes misteriosos que aparecen recortados sospechosamente en su pintura. Y entre colores más atenuados, la presencia de una casa crepuscular, una imagen remasterizada en base a un óleo del viejo maestro Arturo Gordon. “Una imagen que imagina otra imagen”. Porque el deslumbre que buscamos reposa en los restos de los íconos que ya vimos, en los restos carcomidos de un panel publicitario que anuncia algo que ya fue consumido.

En sus propias palabras: “Mi propuesta invita a ver el paisaje como un territorio donde algo ocurre y posibilita interrogar directamente a un sistema de representación del espacio que incorpora también la historia. Mi finalidad es crear un lugar que si bien no existe, esta compuesto por elementos que sí son reconocibles en la realidad y apropiados generalmente de imágenes fotográficas y dibujos. El resultado final es la sumatoria de posibilidades de acción sobre un paisaje: una mezcla entre lo que queremos recordar y proteger, aquello que buscamos cambiar y destruir.”

-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------FUTURAS EXPOSICIONES Este año 2016 Germán Tagle estará en la Bienal de Santa Cruz de la Sierra en Bolivia invitado por el curador chileno Ernesto Muñoz y el próximo 2017 a las Bienales de Curitiba Brasil y Asunción Paraguay, invitado por el curador estadounidense Royce Smith.

Limítrofe. XX Bienal Internacional de Artes Visuales de Santa Cruz de la Sierra del 12 de septiembre al 31 de octubre, en la ciudad de Santa Cruz - Bolivia.

Germán Tagle germantagle.com

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GERMÁN TAGLE

CRÉDITOS DE LAS IMÁGENES | obras de Germán Tagle, imágenes cortesía de la galleria Isabel Aninat, Santiago de Chile.

(1) Detalle de Bauhaus y los colores prohibidos, acrilico sobre sabana, 200 x 127 cm, 2013 (2) Detalle de Retrato de una imagen, acrilico sobre tela 170 x 280 cm, 2015 (3) Detalle de Los vecinos. Acrilico sobre tela de algodon.122 x 183 cm, 2015 (4) Detalle de Mystery man, Acrilico sobre tela de algodon, 168 x 138 cm, 2015 (5) Detalle de Hotel, acrilico sobre tela de algodon, 138 x 167 cm, 2015

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Realidad Virtual Revisitada Ciudades ArtFutura 2016

Alicante · Bangkok · Barcelona · Bogotá · Buenos Aires · Granada · Lisboa London · Madrid · Mexico DF · Miami · Montevideo · Murcia Palma (Mallorca) · Paris · Punta del Este · Saint Brieuc · Santiago de Chile Sao Paulo · Tenerife · Torino · Vitoria-Gasteiz · Zaragoza

En Enero de 1990, ArtFutura presentó por primera vez un interfaz de Realidad Virtual en Europa. Ahora, veintiseis años más tarde, la tecnología promete multiplicar exponencialmente las posibilidades del medio con nuevos interfaces y aplicaciones.

ArtFutura 2016 dedicará su próxima edición a la Realidad Virtual Revisitada: Lo que fue, lo que nunca llegó, el auge de los videojuegos, nuestra realidad presente y el futuro inmediato.

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28 - 30 OCTUBRE 2016

FESTIVAL

Realidad Virtual Revisitada “Situando nuestros cuerpos físicos en el centro de nuestros sistemas nerviosos ampliados con la ayuda de los medios electrónicos, iniciamos una dinámica por la cual todas las categorías anteriores, que son meras extensiones de nuestro cuerpo, incluidas las ciudades, podrán traducirse en sistemas de información”. Marshall McLuhan. 1964.

La muestra ArtFutura 90/Realidad Virtual posiblemente se trató del primer lugar de Europa donde se experimentaron sistemas de realidad virtual por parte del público: En ArtFutura, en Barcelona, en enero de 1990 Rebecca Allen nos decía que en el siglo XXI la progresiva sofisticación de la tecnología nos permitirá crear mundos conocidos y desconocidos que rodearán y atraerán a la gente de un modo nunca La Realidad Virtual inmersiva nació en los años experimentado hasta ahora. Tales entornos los sesenta: “La Realidad Virtual es la pantalla denominamos “realidades virtuales”. definitiva, un lugar dentro del cual el ordenador puede controlar la existencia de la materia” decía Pues ya estamos inmersos en la segunda Ivan Sutherland, creador de la Realidad Virtual oleada de la Realidad Virtual. Es inevitable que inmersiva, corría el año 1965. La Realidad ArtFutura vuelva sobre sus pasos y reflexione Virtual volvería a emerger como protagonista de con la distancia que da el tiempo en ésta su 27 la computación gráfica a finales de los ochenta, edición “Realidad Virtual Revisitada”. recuerdo una de las primeras grandes portadas que consiguió la Realidad Virtual, en octubre de 1987 en Sientific American y por fin explotó Alejandro Sacristán en los primeros 90, era la primera ola VR que llegaba al gran público.

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CARMEN ALVAR | LA SEGUNDA VIDA DE LAS COSAS

La capacidad de ver en un objeto cotidiano algo diferente a lo común, es algo posible sólo para unos pocos. Podemos llamarlo azar, saber estar en el momento adecuado o tener un ojo entrenado para la búsqueda. Hacer que objetos inertes cobren una vida diferente, o como es el caso de Carmen Alvar se conviertan en objetos con memoria, tiene un valor incali cable. Carmen narra historias a través de fragmentos orgánicos, fotografías encontradas, o mediante la combinación de ambos, a los que da una segunda oportunidad, una segunda vida, recuperándolos y convirtiéndolos en narradores de testimonios.

lienzo y pasó de ser un mero complemento, a convertirse en el elemento principal de la obra.

Una gura fundamental en todo este cambio fue Marcel Duchamp. Referente para multitud de artistas, Duchamp, sacando al objeto de su contexto original, logró convertirlo en un sujeto de re exión. Sólo con la mirada, la elección y la descontextualización hizo surgir una nueva realidad.

Después de Duchamp la provocación quedó a un lado en muchos casos, cobrando mayor importancia el humor, la ironía o la simple estética.

Nombres que debemos recordar en este sentido El uso del objeto cotidiano con nes artísticos, serían entre muchos otros, Raoul Hausmann, es algo muy recurrente en la historia del arte ManRay, Rene Magritte, Méret Oppenheim, a partir del siglo XX. Podemos comenzar por Joan Brossa, Carlos Pazos, Dis Berlin, Ramón contextualizar las referencias al contemplar la obra Gómez de la Serna, sin olvidar a los dos grandes de Carmen Alvar, aunque es muy probable que referentes en la obra de Carmen Alvar; Carmen dejemos muchas en el tintero.A partir de la primera Calvo y por supuesto, Antonio Pérez. mitad del siglo XX, encontramos un contexto en el que los artistas se sentían traicionados por los Carmen Alvar utiliza un recurso muy importante, bellos paisajes y los ideales que el arte transmitía, la recuperación de la memoria. A través de un todo ello ya no tenía cabida, lo que provocó una mensaje poético y abierto, busca la re exión por nueva forma de entender el arte. Se comenzaron parte del espectador. Da visibilidad a situaciones a explorar nuevos medios, nuevos soportes, y el e historias que han desaparecido o han sido arte dio un giro hacia lo conceptual. En de nitiva olvidadas, las recupera y les da así una nueva surgió una ruptura con toda la tradición anterior, oportunidad, simplemente Haciendo Memoria. que comenzó con los papiers collés de Picasso, Al contemplar esta exposición, se nos pueden Braque o Juan Gris, ya que ellos abrieron la puerta venir a la mente todos estos referentes, pero a la exploración de nuevos materiales. sin duda nuestro deber como espectadores es atender a esa memoria, y ser una parte activa de Sin embargo fue más adelante cuando los la obra para que esta nos cuente su historia. dadaístas investigaron más en profundidad este tema, ya que con ellos el objeto salió del

Mercedes de la Pola Museo Fundación Antonio Pérez

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CREDÍTOS DE LAS IMÁGENES (1) Primavera, 2016. Collage sobre cartulina negra 21 x 30 cm.

(2) A.G.L.A. (Agrupación Guerrillera del Levante y Aragón), 2015. Fotografía encontrada, esqueleto de erizo de mar y rama 14,8 x 21 cm.

(3) El escondite, 2016. Caracoles y fotografía encontrada sobre papel 14 x 14 cm.

(4) Nos queremos libres, 2016. Collage sobre cartulina 21 x 30 cm.

(5) Detalle de Tierra a la vista, 2016. Collage sobre papel 15 x 21 cm.

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Berlin Art Week se montara por quinta vez este año 2016. Este evento de otoño dedicado al arte contemporáneo combina exposiciones, ferias de arte, premios de arte, y un programa auxiliar que ofrece conferencias, películas y excursiones. Además, Berlin Art Week ofrece nuevas y sorprendentes ideas en las colecciones privadas, los espacios de proyectos, y los sitios de la ciudad de la producción artística. Las piezas centrales de Berlin Art Week de este año son una vez más la ferias de abc art berlin contemporary y Positions Berlin – Art Fair. Y este año se espera que los numerosos visitantes e invitados de Alemania y de todo el mundo asistirán.

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FERIA

Aspectos destacados de Berlin Art Week 2016 incluyen la feria de arte abc art berlin contemporary, Positions Berlin – Art Fair, el proyecto co-operación “Stadt/Bild”, incluso como más de 20 exposiciones institucionales, espacios de proyectos, colecciones privadas y un rico programa de ceremonias de premios en arte, noches de gallerias, actuaciones, proyecciones y conferencias.

BerlinArtWeek.de

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FESTIVALES España

Norteamérica

ArtFutura Barcelona, España 28 – 30 octubre 2016 artfutura.org

Arts in the Heart of Augusta Festival Augusta, EE.UU. 16 – 18 septiembre 2016 artsintheheartofaugusta.com

SITGES – International Fantastic Film Festival of Catalonia Sitges, España 7 – 16 octubre 2016 sitgesfilmfestival.com

III Points music art and tech festival Miami, EE.UU. 7 – 9 octubre 2016 iiipoints.com

Swab Festival Barcelona, España 29 septiembre – 2 octubre 2016 swab.es

Europa Bulgaria

Contempo Varna Varna, Bulgaria 20 septiembre – 4 octubre 2016 contempovarna.org

Hungría

CAFe Budapest Fest Budapest, Hungría 7 – 23 octubre 2016 cafebudapestfest.hu

Italia

Festival Transart Tirol del Sur, Italia 7 – 25 septiembre 2016 transart.it/en/

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Terni Festival Terni, Italia 16 – 25 septiembre 2016 ternifestival.it/

FERIAS

España Estampa Madrid, España 22 – 25 septiembre 2016 estampa.org Art Sevilla Sevilla, España 27 – 30 octubre 2016 artsevilla.es

Europa Alemania

ART.FAIR Koelnmesse, Alemandia 27 – 30 octubre 2016 art-fair.de/artfair Berlin Art Week Berlín, Alemania 13 – 18 septiembre 2016 berlinartweek.de/

SEPT - OCT 2016 Inglaterra

Frieze London Londres, Inglaterra 6 – 9 octubre 2016 frieze.com/fairs/frieze-london PAD London Art + Design Londres, Inglaterra 5 – 9 octubre 2016 pad-fairs.com/london/ START Londres, Inglaterra 15 – 18 septiembre 2016 startartfair.com/about

Italia

Art Vernona | Art project fair Verona, Italia 14 – 17 octubre 2016 artverona.it Florence Biennale Florencia, Italia 6 – 15 octubre 2016 florencebiennale.org

Francia

fiac! paris Paris, Francia 20 – 23 octubre 2016 fiac.com Visa Pour L’image Perpignan, Francia 27 agosto – 11 septiembre 2016 visapourlimage.com

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Norteamérica ExpoChicago Chicago, EE.UU. 19 – 25 septiembre 2016 expochicago.com Houston Art Fair Houston, EE.UU. 29 septiembre – 2 octubre 2016 houstonartfair.com

Sudamérica ARTBO Bogotá, Colombia 27 – 30 octubre 2016 english.artbo.co Art Rio Río de Janeiro, Brasil 28 septiembre – 2 octubre 2016 artrio.art.br Ch.ACO Santiago, Chile 12 – 16 octubre 2016 feriachaco.cl

Asia Korean International Art Fair / ART SEOUL Seúl, Corea 12 – 16 octubre 2016 kiaf.org PHOTOFairs Shanghai Shanghai, China 9 – 11 septiembre 2016 photoshanghai.org

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CONVO CA TORIA

Premio Nuevos Realizadores del Principado de Asturias en colaboración con el Festival Internacional

de Cine de Gijón

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• Pueden participar artistas asturianos o residentes en el Principado de Asturias o descendientes hasta segundo grado de asturianos, cuya edad no supere los 35 años a 31 de diciembre de 2016.

• Se establece un premio en metálico de CINCO MIL EUROS (5000€) y el proyecto premiado se estrenará en el Festival Internacional de Cine de Gijón del 2017.

• Los trabajos deberán presentarse o enviados hasta el 14 de octubre de 2016.

La Consejería de Presidencia y Participación Ciudadana,a través del Instituto Asturiano de la Juventud, convoca la vigésimo séptima edición del Programa de promoción de jóvenes creadores Culturaquí 2016 en el que se incluye el Premio Nuevos Realizadores del Principado de Asturias en colaboración con el Festival Internacional de Cine de Gijón

Y PARTICIPACIÓN CIUDADANA, Calle Eduardo Herrera “Herrerita” s/n, piso tercero, sector derecho, 33006 OVIEDO, o ser enviados mediante correo certificado a las dependencias del FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GIJON, calle Álvarez Garaya nº 2, 4º planta, 33206 Gijón.

Los objetivos prioritarios del programa Culturaquí son promover la creación artística juvenil en las diferentes modalidades que conforman las artes plásticas, la literatura o la música; fomentar la participación de jóvenes con inquietudes artísticas y difundir estas manifestaciones culturales tanto en el Principado como fuera de la Comunidad Autónoma.

Se admitirán los proyectos para cortometrajes de tema libre que se desarrollen en castellano o asturiano y no superen los 25 minutos de duración. Los trabajos presentados deberán incluir: guión de cortometraje, presupuesto, plan de rodaje, memoria de dirección, plan de explotación y formato de exhibición prevista, cualquier fuente de financiación adicional, La participación está abierta a acreditación, plan, documentación cualquier artista que haya nacido o e información, etc. resida en el Principado de Asturias y cuya edad no supere los treinta y Se establece un premio en metálico cinco años a fecha 31 de diciembre de CINCO MIL EUROS (5000€) y el de 2016. También pueden participar proyecto premiado se estrenará en descendientes hasta segundo grado el Festival Internacional de Cine de de emigrantes, una posibilidad Gijón del 2017. que ha permitido, desde 2008, internacionalizar el programa sin Los trabajos deberán presentarse renunciar a las bases de asturianía hasta el 14 de octubre de 2016 sobre las que se ha sustentado en el REGISTRO GENERAL DE LA desde su creación.

CONSEJERÍA DE PRESIDENCIA

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del de

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TALLERS OBERTS POBLENOU

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+ 140 ar tista

s

POBLENOU CREA! es la evolución dels “tallers oberts de Poblenou” que desde 1996 ha abierto al público en Barcelona con 36 centros de creación y más de 120 talleres de artistas y diseñadores que lo integran.

POBLENOU CREA! Pone el énfasis en “buenas prácticas en las artes visuales”. Este año hemos destinado más de 10% del presupuesto a los honorarios de los artistas.

Con el objetivo de enriquecer el contenido con la producción artística y creativa de los artistas y creativos centros.

POBLENOU CREA! evoluciona con un amplio e interesante calendario completo de actividades para disfrutar del arte y el proceso creativo de los artistas en sus propias talleres de creación.

En Paralelo, la fuerza creativa y artística de profesionales y espacios creativos involucrados, se materializa con la creación de un dossier digital (ARTIST REGISTRY/ CENTROS DE CREACION/SHOWROOMS) que pretende ser una herramienta de difusión y promoción, así como una guía rápida de consulta de la actividad multidisciplinar y un censo de las artistes y/o creativas en el barrio del Poblenou.

TallersObertsPoblenou.org ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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