TO BREAK THE RULES, YOU MUST FIRST MASTER THEM. PARA ROMPER LAS REGLAS, PRIMERO HAY QUE DOMINARLAS. EL CRONÓMETRO JULES AUDEMARS FUE DISEÑADO DESDE UN PRINCIPIO PARA LUCIR EL REVOLUCIONARIO ESCAPE AUDEMARS PIGUET. LA PRECISIÓN CONSTITUYE LA BÚSQUEDA FUNDAMENTAL DE LA RELOJERÍA, PARA REPRODUCIR LA PRECISIÓN ABSOLUTA DE LA NATURALEZA EN UN MOVIMIENTO MECÁNICO. EN SU INCESANTE BÚSQUEDA DE LA PRECISIÓN, AUDEMARS PIGUET HA DESARROLLADO UN ESCAPE DE IMPULSO DIRECTO QUE GENERA ENERGÍA CON UNA FRECUENCIA DE 43.200 ALTERNANCIAS POR HORA Y CON UNA PÉRDIDA MÍNIMA DEBIDA A LA FRICCIÓN. ESTA PRECISIÓN SE LOGRA CON MATERIALES Y ARTESANÍA TRADICIONALES Y SIN NECESIDAD DE LUBRICANTES. LAS FUERZAS DE LA NATURALEZA NO SE CONTROLAN, SE APROVECHAN.
MEXICO CITY: BERGER JOYEROS (55) 9138 0510 / PEYRELONGUE CHRONOS (55) 5281 5050 CANCUN: ULTRAJEWELS BOULEVARD KUKULCAN (998) 848 7300 GUADALAJARA: EMWA (33) 3611 2786 LEÓN: EMWA (477) 773 5686 MONTERREY: EMWA (81) 8335 0177 PUEBLA: TORRES (22) 2225 0087 VILLAHERMOSA: TORRES (99) 3352 4913 VERACRUZ: TORRES (22) 9130 4320 PARA CONSULTAS GENERALES +1.646.375.0807 AUDEMARSPIGUET.COM
JULES AUDEMARS EN ORO ROSA DE 18 QUILATES. ESCAPE AUDEMARS PIGUET DE ALTA FRECUENCIA.
Big Bang Pop Art. A unique model inspired by the famous art movement. Automatic chronograph in 18K yellow gold. Bezel set with 48 pink baguette-cut sapphires. Green rubber and pink alligator-skin strap. Limited edition of 200 pieces.
BERGER JOYEROS Masaryk, Hublot Boutique Vía Santa, Antara, Interlomas, Altavista, Perisur PEYRELONGUE CHRONOS D.F. LIVERPOOL Interlomas, Insurgentes D.F, Centro Comercial Antea Querétaro EL PALACIO DE HIERRO Satélite D.F EMWA Querétaro, Guadalajara, Monterrey, Chihuahua,Toluca, León, Mérida y Hermosillo TORRES JOYAS Puebla, Veracruz y Villahermosa ULTRAJEWELS Cancún, los Cabos, Playa del Carmen Z&Q, ZAZUETA & QUINTERO Culiacán JOYERIA EL ZAFIRO Reynosa CHRISTIE´S JOYEROS Aguascalientes SALVADOR VERGARA JOYEROS Guadalajara www.hublot.com •
twitter.com/hublot •
facebook.com/hublot
BERGER JOYEROS: México Df, Masaryk, Interlomas, Vía Santa Fe EL PALACIO DE HIERRO: Perisur, Satélite EMWA: Monterrey Valle, Andares Guadalajara, Perisur, Galerias Insurgentes, Galerias Metepec Toluca TORRES JOYAS: Puebla, Angelopolis LIVERPOOL: Galerias Insurgentes, Paseo Interlomas, Centro Comercial Antea Querétaro ULTRAJEWELS: Cancún, La Isla Centro De Servicio En México: Attila Distribution Group (55) 2978 - 0480
EL PRIMERO CHRONOMASTER 1969 T R I B U T E TO T H E R O L L I N G S TO N E S
VIA SANTA FE
CENTRO SANTA FE
LA ISLA CANCÚN
PLAZA CARSO
PASEO INTERLOMAS
LUXURY AVENUE BOUTIQUE MALL CANCÚN
ANDARES GUADALAJARA
ANTEA QUÉRETARO
GALERÍAS GUADALAJARA
PUT YOUR HANDS ON THE STEERING What makes you race? Passion, adrenaline, the beauty of mechanical innovation. Done with care and surgical precision. GRAHAM has gone beyond modern racing too introduce a new generation of Silverstone watches. The beautiful shapes of the Silverstone RS Skeleton series has been inspired by the race origins. The Silverstone ”RennSport” Skeleton series features an evocative technique and design worthy of the most powerful German motorsport technology. At full speed, the watch bears the codes of accurate and efficient automobile mechanics applied too high-end watch making. Calibre G1790. Automatic skeleton chronograph movement. Shaded grey and rhodium movement with hand-drawn strokes decoration. Oscillating weight with hand-drawn strokes decoration and snailed external segment. Incabloc shock absorber. Screwed crown secured by a bayonet safely system (automatic locking). 48 hours power reserve. 46 mm steel case. Lateral porthole on the case at 10 o´clock to admire the escapement and balance wheel. Black skeleton dial. Black ceramic bezel with red tachymeter scale. Red aluminium ring under the bezel with ”Clous of Paris” decoration. Sapphire crystal with GRAHAM inscription, anti reflective coating on both faces. See-through sapphire crystal case back. Water resistant 330ft/100m. Limited edition of 250.
WWW.GRAHAM1695.COM
D.F.: BERGER JOYEROS (55) 5281 4122, PEYRELONGUE CHRONOS (55) 52815050, LIVERPOOL INSURGENTES: 54801300 EDO MEXICO: LIVERPOOL INTERLOMAS (55) 91380520 QUERÉTARO: LIVERPOOL CENTRO COMERCIAL ANTEA PUEBLA: TORRES JOYAS (22) 2225 0087 MÉRIDA: EMWA (999) 9415 833 MONTERREY: EMWA (81) 8335 0177 GUADALAJARA: EMWA C.C ANDARES (33) 3611 2786, CULIACAN: Z&Q ZAZUETA & QUINTERO (01) 667 752 22 37 CANCÚN: ULTRAJEWELS LADA SIN COSTO (01) 800 ULTRA LOS CABOS: ULTRAJEWELS (624) 163 42 80. CENTRO DE SERVICIO EN MÉXICO: ATTILA DISTRIBUTION GROUP (55) 2978 – 0480
REF. 2STAC1.B01A
EDITORIAL
There are no uncontaminated angels. Philip Roth, escritor estadounidense (1933)
Philip Seymour Hoffman terminó en febrero sus días de artista. Falleció a los 46 años y de él nos queda su enorme talento, su aspecto desaliñado, su mirada melancólica y brillante, y su profunda expresividad. Le dedicamos este ejemplar de la revista Bilon con la más absoluta tristeza por su solitaria partida. El director Caleb Salin produjo un video tributo que circula en la red. El corto, una antología de fragmentos, nos invita a rever cada uno de los films en los que intervino. Se suceden imágenes de Philip Seymour Hoffman en papeles inolvidables como el déspota Freddie Miles de El talentoso Mr. Ripley, el manipulador y carismático líder en The Master, el arrogante pero vulnerable Capote o el pasado de rosca Sandy Lyle de Mi novia Poly. De todas sus representaciones, el personaje que más duele es el hombre que se desmorona en La muerte de un viajante. Nos invade el sentimiento de haber perdido a un actor irrepetible y lamentamos que la información que circula acerca de su muerte gire mayormente en torno a sus secretos y a su dramática recaída, dejando poco espacio para recordar sus maravillosas representaciones.
STAFF
bbbeditions.com
Director Rafael González Amaya rafael@bbbeditions.com Director General German Daniel Fernandez german@bbbeditions.com Marketing Naye Quiros naye@ bbbeditions.com Consejo editorial Juan Lazor juan@bbbeditions.com Jefa de redacción Valeria Corces valeriacorces@bbbeditions.com Jefa de diseño An-Cecil Portalet ancecil@bbbeditions.com Corrección Laura Estefania Redactores Laura Estefania Valeria Corces Foto de tapa: Sol Abadi Retoque digital: Diego Speroni Modelo: Grete Skou para Ricardo Piñeiro Management Vestuario: Roxana Harris Make up: Sol Perkes Pelo: Paula Rey para Sebastián Correa Estudio
Revista BILON Pennsylvannia 214 interior 102 Col. Nápoles 03810, México DF www.bbbeditions.com Para anunciar o suscribirse a la revista: info@bbbeditions.com 005255 67942962
BILON, año 1 No1 revista semestral Noviembre de 2014. Editor Responsable: German Daniel Fernandez. Número de Reserva de Derechos al Uso Exclusivo: 04-2014-100811124400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido otorgado por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de la Gobernación: En trámite. Domicilio de la Publicación: Pennsylvania 214 interior 102, Colonia Nápoles, Benito Juárez, C.P. 03810, D.F, México. Teléfono (55) 67942962. Impresa por: Quad Graphics Queretaro S.A de C.V, Lote 37 SN, Fraccionamiento Industrial La Cruz, C.P. 76240, Villa del Márquez, Queretaro, México. Distribuidor: German Daniel Fernandez, Pennsylvania 214 interior 102, Colonia Nápoles, Benito Juárez, C.P. 03810, D.F, México.Título de Registro de Marca otorgado por el Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial número 1409619, expediente 1399033. Este número se terminó de imprimir el 15 de Noviembre de 2014. Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del Editor de la Publicación. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización.
HACKETT.COM
“ O N E M U S T D R E S S C O R R E C T LY F O R W O R K ” Jeremy’s Rule No. 2 for living a better life
SUMARIO
patchwords
46
Coffee table
74
DAVID HENDERSON
80
FALL HOUSE
88
JoyerĂa de estudio
98
El Museo Soumaya
104
DORADO HELENICO
108
Concrete House II
112
Fuerza aborigen
120
Lynn Chadwick
126
Head 1818
132
David LaChapelle
140
Maarten Baas
146
El mapa no es el territorio
150
Kokomo 58.4
156
la petite cave
162
patchwords
El señor de los materiales Tom Dixon es protagonista en el firmamento del diseño de muebles y objetos. Este tunecino vive desde los cuatro años en Gran Bretaña y encarna a la perfección la excentricidad inglesa. Sus trabajos se exhiben en las colecciones de los museos fundamentales como el Pompidou o el Moma. Es un autodidacta, sin estudios de ningún tipo, que después de un accidente en moto se dedicó a diseñar muebles con desechos industriales como tuberías, autopartes, sartenes, vigas y rieles de ferrocarril. Antes de fundar su propia firma en 2002, trabajó como director creativo en Habitat y en Artek. Afirma que su trabajo es antifashion y amateur, y que le gusta permanecer al margen de los mandatos de la moda. Con esta actitud terminó siendo él la encarnación misma de la tendencia, por ejemplo, con la lámpara Copper cuya superficie perfectamente pulida convierte al cobre en un espejo. Además de sus elegantes diseños, su mayor mérito fue darle al cobre ese brillo hechizante que tienen sus piezas. Entusiasta de la alta tecnolgía, Dixon desarrolló un método para obtener superficies deslumbrantes y sedosas mediante un proceso llamado “deposición de calor”. Su talento reside en saber destacar lo más bello de cada uno de los materiales que utiliza y en cómo los modifica para que deslumbren por un elegante efecto de claro-oscuro. www.tomdixon.net
49
patchwords
Fotos de Nam Goong Sun cortesía arquitecto Moon Hoon
TOY HOUSE Esta curiosa construcción en Corea del Sur es el objeto más grande y el remate de la colección de robots y figuras en miniatura del estrafalario Moon Hoon. Tiene la apariencia de una cabaña de juguete poligonal construida con tecnología y estética de animé oriental. Por fuera se distingue no solo por su originalidad sino por su geometría blanca y reconcentrada que impacta entre las tradicionales edificaciones coreanas de una sola planta y ante la naturaleza del lago y las montañas. En el interior una escalera central organiza la estructura ascendente que se desarrolla a su alrededor en cuatro pisos. Mirando hacia arriba o hacia abajo desde este eje central la casa es realmente acrobática e ingeniosa. El alocado arquitecto Moon Hoon, de Seúl, no tiene miedo a la excentricidad. Su eslogan es “Moonhoon el destructor feliz”. Sus casas, de lo más indiscretas, se distinguen entre todas por sus colores estridentes que irrumpen en el paisaje y en la arquitectura urbana, y que decora con siluetas y formas reconocibles tomadas de los comics y de los dibujos animados. www.moonhoon.com
51
patchwords
June de Mikko Paakkanen para Nikari
Desde Finlandia La colección Designs For Nature representa la filosofía ecologista de Nikari, una empresa finlandesa que fabrica muebles contemporáneos. La firma está ubicada en Fiskars Village, un pueblo reconocido con el premio The Royal Destination Award of Sustainable Tourism en 2007 y que es un centro de arte y diseño formado por una comunidad de artesanos que desde 1649 contribuye a sostener el prestigio de este pueblo idílico. Designs For Nature simboliza la ideología naturalista de Fiskars Village y de Nikari con productos de madera maciza obtenida de los bosques locales que se explotan ecológicamente. Los doce muebles de la colección fueron bautizados como los meses del año y cada uno fue creado por un diseñador diferente. Entre ellos, Alfredo Häberli, de Suiza, diseñó April, una línea de tres mesas en roble, fresno o abedul cuyas bases contundentes contrastan con la etérea superficie de la tabla. En roble y con tecnología de Led, June, de Mikko Paakkanen, actualiza el eterno candelabro de cristal con líneas simples y esenciales en madera. www.nikari.fi
April de Alfredo H채berli para Nikari
53
Nitidez incomparable High-Resolution Audio de Sony marca el inicio de una nueva generación de sonido digital. Cada vez más, los amantes de la música demandan mayor calidad de sonido. Para satisfacer esa demanda la firma Sony desarrolló una nueva línea de audífonos, teatros-en-casa, bocina y sistema de audio capaces de reproducir contenidos en verdadera alta resolución. La calidad sonora de los dispositivos es cercana al vinilo al brindar al menos tres veces más calidad de audio que un CD y más de 36 veces la calidad de un MP3. Sony ha logrado esa cualidad de “calidez de sonido” que tiene el legendario vinilo sin el desgate del disco de pasta. Varios elementos distinguen a los dispositivos High-Resolution Audio. Un procesador digital capaz de leer formatos para archivos con mucha información. Un amplificador digital que puede potenciar todos los sonidos que el procesador ya leyó. Un súper tweeter que brinda una nitidez incomparable a los sonidos del amplificador. Los audífonos son fantásticos. Tienen soporte ergonómico, sellado acústico y cojines de alivio de presión tanto para aislar el sonido, como para utilizarlos por largos periodos de tiempo sin que provoquen molestias. El resultado es un audífono comodísimo con un sonido muy natural de alta definición. La nueva propuesta de Sony consigue lo que parecía imposible, una solución completa que transporta intacta la música desde el estudio de grabación a nuestros oídos. www.sony.com.mx/hi-res
Audio de alta resolución
El producto que porta este logotipo ha sido diseñado para maximizar el rendimiento del sonido de audio de alta resolución*. *El audio de alta resolución generalmente se refiere a datos de música con un volumen de información que excede el de los CD.
THE HYDRO MECHANICAL HOROLOGISTS H1 | GOLD BLUE The H1 is the first timepiece ever to combine mechanical and liquid engineering. H1 is a proprietary Swiss movement - with a 65 hour power reserve and manual winding - driving a unique high-tech fluidic module. HYT - a new dawn in watchmaking. Limited edition of 10 pieces. BERGER JOYEROS, MASARYK Presidente Masaryk 438, Polanco Chapultepec 11560 Miguel Hidalgo, Mexico Tel. (52 55) 5281 4122
H Y T WATCH E S .COM
Serie X850B
Serie X900B Serie X950B
REVOLUCIÓN 4K DE SONY Sony Bravia 4K lleva la experiencia de la televisión a un nueva era. Las imágenes de alto detalle, los sonidos claros y potentes y su diseño vanguardista son la combinación perfecta de esta nueva generación de televisores. La clave de esta propuesta revolucionaria es la tecnología 4K de Sony. Las imágenes 4K contienen más de 8 millones de píxeles individuales. Cuatro veces más detalle que en Full HD. Gracias a su procesador de imagen 4K X – Reality PRO las imágenes proyectadas en el televisor son mucho más claras y definidas ofreciendo una calidad de imagen excelente. Las nuevas pantallas son capaces de reproducir una mayor gama de colores que un televisor LED convencional gracias a su tecnología Triluminos DISPLAY. El sonido es otro punto fuerte. El diseño de altavoces frontales reduce la distorsión; además los conos de las bocinas están realizados en fibra de vidrio, material que permite un rango de frecuencia más amplio, una respuesta rápida y una claridad de sonido general mucho mayor. Las nuevas pantallas, pensadas para disfrutar del cine en casa, tienen grandes dimensiones. Las Sony Bravia 4K están disponibles desde 49” hasta 85”. La fabulosa calidad de imagen y el gran tamaño de las pantallas crean una sensación inmersiva. La posibilidad de sentarse más cerca de la pantalla que logra ocupar completamente el campo de visión, la alta definición y el sonido envolvente del sistema ClearAudio+ producen la sensación de ser parte de la escena. Con Sony Bravia 4K el espectador experimenta una nueva forma de ver televisión. Así la realidad tiene un nuevo significado. sony.com.mx/4K
patchwords
dolcenero montiel Chocolatería de diseño I Arte efímero Salvador Dalí, Joan Miró y la fascinante fijación de ambos por la forma del huevo, son la base creativa de la peculiar chocolatería “dolcenero”, donde el chocolatero Mao Montiel plasma un entorno catártico que deja al descubierto su temor a la oscuridad. La decoración de la tienda, a la cual él denomina “galería”, es extraída directamente de sus sueños y pesadillas que en simbiosis con la sobriedad y elegancia del color negro crean un espacio acogedor con mucho carácter. Los deliciosos chocolates a los cuales llaman bombones (fina capa de chocolate que encapsula un relleno) tienen su protagonismo en pequeños espacios individuales. En los huevos de diseño la forma del huevo se rompe, se deconstruye, hace equilibrio o se coloca sobre piezas de chocolate con base arquitectónica. Los bombones pueden ser de glorioso chocolate con maracuyá, de praliné, de caramelo y tener superficies de luminosidad dorada, de centelleo plateado o un amplio repertorio colorido. Mao Montiel es discípulo del catalán Oriol Balaguer del cual aprendió el arte de manipular el chocolate en la pastelería de Balaguer en Barcelona. Además se especializó en escultura y modelado con la artista italiana Francesca Dalla Benetta. Mao trabaja en equipo con su mano derecha Josué Salgado, jefe de chocolatería, el diseñador industrial Rodrigo Brito y con Dorian Martínez, fotógrafo y diseñador web del proyecto. Vale la pena acercarse a la galería en el DF para admirar por un instante este inusual trabajo en chocolate con piezas como Gravedad, Staircase o Happiness meets Miró que muy pronto se desarman en la boca dejando una exquisita impresión de arte efímero. www.dolcenero.mx
patchwords
Visión nouveau A Vik Muniz le gusta la basura pero no por eso desprecia una buena botella de champagne francés, de esas que no se tiran. El documental Waste Land de 2009 difundió las obras de este artista brasileño realizadas con materiales sacados del vertedero “mais grande do mondo”. Vik Muniz se instaló durante tres años en este inmenso basural para realizar una serie de cuadros muy ingeniosos. Fotografió a los recicladores que viven de la basura y luego reconstruyó las imágenes con los objetos que ellos recolectan. El dinero que obtuvo por los cuadros fue repartido entre los cartoneros que sirvieron de modelo para las obras. Vik Muniz considera que solo la belleza puede redimir al mundo. Sin prejuicios, decidió sacar la bolsa de desechos a la calle y aceptó diseñar la botella de una edición limitada de Belle Époque Rosé de Perrier-Jouët. Desde 1811 la firma francesa produce el champagne más delicioso con un toque distintivo de Chardonnay. Perrier Jouët asocia sus bebidas con el estilo Art Nouveau, con la irresistible delicadeza y sensualidad, las curvas y el trabajo artesano de este movimiento artístico irrecuperable en el mundo actual. La botella de Muniz refleja el momento mítico, la edad de oro perdida alumbrada de un rosa etéreo. Anémonas, flores y colibríes intensifican la escena. La tentación es irresistible y para concretarla lo mejor es hacerlo cuando el champagne haya llegado a su belle époque de 10 o 12 °C. Una vez consumido, no tirar a la basura; mejor enmarcar. www.perrier-jouet.com
Absolutamente natural A estas alturas todos apreciamos las virtudes del agua pura y sus infinitas propiedades benéficas. Un nuevo producto en el mercado mexicano suma a estas cualidades sabores atractivos y muy naturales. Sec Soda es la única sparkling water de sabor con únicamente 28 calorías y solo 7 gramos de azúcar natural de caña. Se trata de una bebida premium que no contiene sodio, grasas, ni conservadores o saborizantes artificiales. El agua se extrae de un manto acuífero en Hidalgo, región que tiene una de las aguas más puras de México. La botella de vidrio es 100% reciclable. Cucumber tiene un original sabor a pepino, sutil y muy refrescante. La opción Tangerine ofrece un discreto y delicioso sabor a mandarina. El pepino contiene potasio, mineral que ayuda al buen funcionamiento del cuerpo y es imprescindible para el movimiento del miocardio. Por su parte, la mandarina es un limpiador natural y un alimento benéfico para los huesos por su aportación de calcio, magnesio y fósforo. Los dos sabores son versátiles, se pueden tomar a cualquier hora y acompañan delicadamente platos de alta cocina. Además, por la delgadez de la burbuja, Sec Soda es refrescante y agradable al paladar. El diseño elegante, natural y minimalista de las botellas es parte del encanto. Sec Soda actualmente está presente en tiendas gourmet como Bottega Culinaria, Dumas Gourmet y La Despensa.También en restaurantes del Grupo Anderson, Grupo Sinestesia, Grupo Suntory, Vintage café, Cafetería Segafredo, Kitchen 6, Le Mat, Mora Blanca, Second, Aurora y en Hoteles del Grupo Habita. www.secsoda.com
CREATION : DE STIJL - PHOTO : H. LEWIS
BOLT-68 SWISS MADE
THE BOLT-68 COLLECTION INCLUDES THE CHAIN AND MEDALLION FOR TURNING YOUR EXCLUSIVE TIMEPIECE INTO A DISRUPTIVE POCKET WATCH
EL PALACIO DE HIERRO • LIVERPOOL • BERGER JOYEROS • PEYRELONGUE CHRONOS • KRONOSHOP • TORRES JOYAS • EMWA • WATCH & CO AICM T1 Y T2 • WATCH MY WATCH • ZAZUETA & QUINTERO
WWW.BOMBERG.CH • FOLLOW US ON
CENTRO DE SERVICIO EN MÉXICO: ATTILA DISTRIBUTION GROUP - TEL: (55) 2978 - 0480
patchwords
Asombrosa normalidad Crear algo simple, funcional y al mismo tiempo bello es el reto eterno para un buen diseñador. “Amazing normality” es la idea rectora de la firma de anteojos Feb 31st que así lo sintetiza y lo logra. Los modelos asombran por los materiales, el diseño contemporáneo y lúdico, y lo elemental de las formas. Pero especialmente por la interminable y espléndida paleta de colores en la que se ofrecen. Feb 31st tiene su sede en Italia y se especializa en madera. Todos los anteojos se producen artesanalmente en madera natural certificada FSC y son muy livianos y cómodos. Pesan apenas 21 gramos y se amoldan perfectamente a la cara. La firma también ofrece anteojos a medida: se puede elegir el tipo de marco y el color y existe la posibilidad de grabar en su superficie lo que se prefiera. En colaboración con la firma de muebles Riva 1920, otra empresa italiana especializada en madera, crearon la Colección 48 000. Los anteojos de esta colección están hechos con la milenaria madera de kauri, una conífera inmensa. La apreciada madera se obtiene en lo profundo de la tierra, en yacimientos cenagosos en el norte de Nueva Zelanda y su antigüedad puede llegar a los 7000 a 50 000 años, lo que determina el color y la veta. El diseñador italiano Valerio Cometti sabe interpretar su tiempo. Con visión ecológica y respeto por la naturaleza los anteojos están diseñados para perdurar, para superar las tendencias, para ser atesorados por sus dueños. www.feb31st.it De venta en: Saks Fifth Avenue Plaza Santa Fe - Saks Fifth Avenue Plaza Carso - Óptica Terapia Visual, Newton #35, Polanco.
Y1.1 Touch La precisión del Ingenio Con Y1 Iperespresso illy, la firma hace honor a su tradición y avanza aún más en el campo de la innovación, el diseño y la funcionalidad. La moderna máquina de aluminio y vidrio serigrafiado blanco, rojo o negro es un objeto de diseño por sus líneas depuradas y por el encantador contraste de superficies brillantes y opacas. La Y1 Iperespresso illy fue galardonada con el premio Best of Best 2011 Red Dot Design Award en la categoría de electrodomésticos por su diseño asombrosamente minimalista y por su funcionalidad. Partimar, importador exclusivo de illy Café, en México desde 1996. www.partimar.com tel. (5255) 5566 3544
patchwords
Patricia Urquiola siempre La arquitecta y diseñadora Patricia Urquiola fue premiada por el gobierno español con la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes y fue elegida diseñadora del año por Elle Deco en 2003 y por Wallpaper en 2005. Es asturiana pero reside en Milán y diseña para las grandes firmas de interiorismo. Ha creado piezas espectaculares reinventado muebles que parecían ya explotados al máximo. Con Patricia Urquiola todo es posible e incesante. Sus diseños se identifican por la sutil mezcla de vanguardia con artesanía. Sabe combinar con emotividad las técnicas artesanales más tradicionales con nuevos materiales como el polipropileno, el caucho o tejidos de tecnología innovadora. La serie de sillones Crinoline que produjo para la firma italiana B&B es el perfecto ejemplo de su estilo sensual, relajado y exquisito. Los sillones están inspirados en los crinolines o miriñaques típicos del siglo XIX, falda armada que se utilizaba debajo del vestido y cuya estructura se hacía con crin de caballo. En las butacas la estructura es de tejido de polietileno entramado a mano. Muy victorianas, estas sillas naturalistas tienen formas orgánicas, colores de la tierra y una trama romántica que recrea jardines, campos africanos y el aspecto más encantador del mundo colonial con aire contemporáneo. www.bebitalia.com
patchwords
Diseñadores emergentes Los australianos Edward Linacre y Viktor Legin fundaron recientemente el estudio de diseño Copper Industrial Design. Allí crean objetos que van desde el campo de la iluminación hasta productos médicos. Viktor trabajó anteriormente en prestigiosas firmas de diseño de Melbourne en donde se capacitó y desarrolló una habilidad única en la construcción de objetos altamente sofisticados con terminaciones inmaculadas. La lámpara Droplet Pendant es un ejemplo de su talento. Su forma se basa en una gota de agua congelada y está disponible en aluminio negro o blanco con el detalle del listón central en madera de roble americano o en nogal. La inspiración de estos jóvenes diseñadores viene del minimalismo, la geometría y las formas depuradas. Con sentido pragmático, construyen muchos de sus objetos a partir de piezas clave que se repiten en los diferentes productos y que de acuerdo con cómo se ensamblan, combinan y con sus terminaciones generan objetos diversos de gran complejidad. Viktor asegura que su mayor motivación es crear piezas que formen parte de la vida cotidiana de la gente y que con una forma atractiva sean objetos útiles. Para él ser diseñador es ser inventor. www.copper-id.com
patchwords
Obsesión infinita La vida de Yayoi Kusama y su trabajo son las dos caras de la misma moneda: locura y creatividad. Los neurocientíficos explican que la forma de pensar desinhibida, aquella en la que la información fluye abundante y sin censura genera una creatividad especial como resultado de asociaciones de ideas originales, pero, al mismo tiempo puede conducir a la locura. Ejemplos sobran. Desde 1977 la octogenaria Yayoi Kusama vive por voluntad propia en un hospital psiquiátrico cercano a su estudio en su Japón natal. Un desorden obsesivo compulsivo la afecta desde la infancia; una infancia infeliz a cargo de padres perversos que Yayoi prefiere olvidar. Nació en 1929 y desde muy chica empezó a sufrir alucinaciones, sobre todo de naturaleza visual. A temprana edad Yayoi ya sentía un interés marcado por el arte y tomaba clases de dibujo. El primer dibujo en el que aparecen sus famosos lunares es de 1939, cuando la artista tenía apenas diez años. Con 19 años se trasladó a Kioto para asistir a la Escuela Municipal de Artes y Oficios en donde estudió pintura Nihonga, un riguroso estilo de arte japonés. A fines de los 50 se estableció en Seattle, donde estuvo un año adaptándose a la cultura estadounidense y luego llevada por la obsesión de conocer a Georgia O’Keeffe, una de las pintoras más celebradas de Estados Unidos, se mudó a Nueva York. En seguida ambas artistas se pusieron en contacto y se hicieron amigas. Durante los quince años que Kusama vivió en el epicentro del arte participó en protestas políticas, organizó happenings y realizó sus fantásticas pinturas infinitas y sus objetos cotidianos cubiertos de falos de tela. Logró notoriedad no solo por su talento sino por su comportamiento excéntrico. Escribió, por ejemplo una escandalosa carta abierta a Richard Nixon, ofreciéndole tener relaciones sexuales con él si este se ocupaba de detener la guerra de Vietnam. Nixon se habrá visto en un dilema, Yayoi era muy hermosa. Cansada por el urgente ritmo neoyorquino y la cantidad de recaídas psiquiátricas que venía padeciendo, en 1973 decidió volver a Kyoto. Será posible asomarse a su muy singular mirada sobre el mundo hasta el 18 de enero de 2015 en el Museo Tamayo de Arte Contemporáneo en la ciudad de México. La muestra, Obsesión infinita, ha viajado por el continente americano, pasando por Argentina y Brasil. La exposición presenta un recorrido exhaustivo a través de más de 100 obras creadas entre 1950 y 2013, que incluyen pinturas, trabajos en papel, esculturas, videos, slideshows e instalaciones. Si bien la misma Kusama muchas veces explotó su enfermedad para darse a conocer, su alucinante mundo simbólico puede disfrutarse al margen de sus trastornos psiquiátricos. Sus trabajos son ya independientes de ella y su belleza y profundidad se aprecian sin necesidad de conocer su accidentada biografía. www.museotamayo.org
IT BECOMES YOU™ CONTEMPORARY RESORTS AND URBAN HOTELS
FOR MORE INFORMATION, CONTACT YOUR TRAVEL AGENT, 01.800.831.4199 OR (52) 998.881.2500, OR VISIT ME-CANCUN.COM MEBYMELIA CABO
CANCUN
MADRID
LONDON
DUBAI (2015)
MILAN (2015)
MIAMI (2015)
IBIZA
MALLORCA
patchwords
Hacerse notar Con base en Estocolmo y compuesto por un refrescante equipo de diseñadores, el joven estudio Note Design se fundó en 2008. Con un estilo espontáneo y muy natural el equipo sueco realiza proyectos arquitectónicos, de interiorismo, de diseño industrial y de diseño gráfico. En el estudio la imaginación se derrama, así como la energía que está puesta en crear y en comunicar lo que hacen. Están en las redes sociales, tienen una eficiente y agradable webpage, colaboran con otros estudios, son abiertos y participativos. Efectivamente trabajan en conjunto; comparten no solo los intereses sino la autoría de sus diseños. No hay marcas individuales, nombres, firmas de sus miembros. “We are note”, en plural, es el eslogan del grupo.
En Hammarby Sjöstad, el nuevo distrito de Estocolmo que es modelo de desarrollo urbano sustentable, el restaurante FineFood es uno de sus trabajos de interior más emblemáticos. Para diseñar el restaurante se basaron en fotografías del Valle de la Muerte y utilizaron una paleta de colores tan apacible y a la vez vital que, de inmediato, se transformó en tendencia en todo el mundo. También diseñaron la tienda Camper en Malmö en donde el rojo intenso del logo de la firma de zapatos contrasta con muebles y detalles en colores pasteles. El efecto es dinámico y vivaz. Entre sus últimas creaciones están las lámparas M. C. Escher, inspiradas en ilusiones ópticas, el simplísimo candelabro Point of view, el sillón Rise con base de madera y la serie de los posters The beattle. Los trabajos de Note Design tienen la cualidad que tanto atrae del diseño nórdico: proyectos funcionales pero al mismo tiempo emotivos y cálidos. A estos atributos se suma a la inagotable capacidad del equipo de replantear las formas tradiciones.
71
patchwords
Note Design parece compartir la misma modalidad de trabajo que la Bauhaus, la escuela de diseño más influyente del siglo XX: la actividad comunitaria y anónima de los gremios, que a su vez la Bauhaus tomó de las construcciones medievales (las bauhütten). Pero a contrapelo de sus predecesores, el equipo sueco no busca evitar la aureola del reconocimiento, sabiendo, quizás, que la escuela de Walter Gropius fracasó estrepitosamente al volverse legendaria. Note Design pertenece al nuevo milenio; quiere y se hace notar. www.notedesignstudio.se
patchwords
Buen Viaje, auténtico y ancestral El mezcal artesanal es sucesor de una tradición milenaria, una bebida sagrada de la que se han encontrado vasijas que revelan su destilación hace más de 3500 años de antigüedad en el México prehispánico. Buen Viaje nace de la necesidad de rescatar lo artesanal y las raíces mexicanas, y se sostiene en el deseo de difundir en el mundo este elixir singular y con él una valiosa cultura milenaria. La particularidad del mezcal proviene también de la materia prima de donde se obtiene, el agave, una planta nilenaria de más de diez millones de años de existencia en este planeta y que fue considerada sagrada por los pueblos mesoamericanos por su utilidad diversa. Buen Viaje propone mezcales diferentes como Espadín, Bicuixe, Madrecuixe, Tobalá, Arroqueño, Tepestate, según la temporada. Los sabores son muy variados y complejos; dependen del tipo de agave, del añejamiento y de la maduración de la planta. Buen Viaje es un mezcal tradicional porque respeta sus tradiciones, artesanal porque está echo a mano y ancestral porque su planta es milenaria y lo usaban nuestros ancestros en ceremonias sagradas. Las botellas son tan atractivas como su contenido. El color es en homenaje al barro negro de Oaxaca con el que se producen las bellísimas artesanías de San Bartolo Coyotepec. El logotipo se inspira en el arte wixárika; una comunidad milenaria que hace artesanías con aquello que experimenta en sus sueños. La firma ha obtenido numerosos premios internacionales en reconocidos festivales de diseño de todo el mundo. Recientemente fue elegida por Presidencia, Secretaría de Economía y Pro México entre las marcas más innovadoras del país. Con productos de altísima calidad, la misión de Mezcal Buen Viaje es compartir el secreto mejor guardado de México: la antigua tradición del mezcal puro y el antiguo ritual para consumirlo, solo y en jícaras, la misma vasija que se utilizaba para beber otra gloriosa bebida de origen mexicano, el chocolate. www.mezcalbuenviaje.com
Diana López del Río, sabores vivos La exquisita cocina artesanal de Diana López del Río puede devorarse con la mirada en la gran cantidad de fotos que los comensales suben a Instagram. Por ejemplo las originales quesadillas de cacao, queso fresco, guacamole y flores de buganvilla o las simples y deliciosas papas gajo servidas con un aromático trío de salsas. Pero si uno quiere pasar a la acción y degustar estos apetitosos bocados puede acercarse a algunos de los dos restaurantes en los que la chef trabaja actualmente, Volver y Festin Food Studio. A la hora de cocinar Diana es “bioapasionada”, adora y respeta a la naturaleza y sus ciclos. El comensal, agradecido, puede disfrutar de platos especiados que incorporan plantas y flores, y que la chef realiza con ingredientes de estación, en su mejor momento. Además se orienta hacia una cocina con materias primas crudas o con poca cocción. Sus recomendaciones y la útil información que brinda sobre alimentación saludable pueden escucharse en Reactor 105.7 los martes a las 9 hs. A esta inclinación naturista se le suma su pasión por la cocina mexicana, una de las más creativas y singulares del mundo. La gastronomía de México no sólo reúne dos mundos, el mesoamericano y el europeo, sino que además es sumamente variada en su propio territorio. Una cocina libre en la que “Nada limita y todo nos une” explica la chef mexicana. Su estilo actualiza la cocina popular mexicana combinándola con las nuevas tendencias y reúne los conceptos de sano, gourmet, fresco y casero. Las posibilidades son infinitas y Diana López del Río se dedica a explorarlas con habilidad absolutamente natural. www.volver.co
Twitter: @Di_come y @Volver_co
75
coffee table
Os Gemeos
ocidos como Os Gemeos, vio y Gustavo Pandolfo, con Ota s elo gem los sil, carrera con Bra lo, Originarios de San Pab entaron en el inicio de su ffiti. Los hermanos experim propia y gra del ogía bol stas sim arti s una e cido tien son recono lo llamada pixacao, que Pab San iento de vim ana mo urb un a una modalidad artístic ad. Actualmente, lideran ndo ndo marginal de esa ciud mu mu el del a con alej se ada cion que rela ño clandestina y mucho folklore brasile pia pro d tida iden con o popular de arte callejer res el que dibujaron con colo encriptado del pixacao. la selección brasileña en de n r avió resa el ar exp pint de ar de s Fueron los encargado y piernas raquíticas. A pes nes sonajes de cara oblonga ncio per rve cos inte rísti sus acte ial, car soc ia sus vibrantes ramientas de denunc y de constituirse en her ntes por el contraste de pobreza y marginalidad s murales son sorprende rme eno Sus sil. Bra de o típic re aleg lo esti tienen un cas, que relatan. las historias, a veces fantásti ibición en el Instituto colores, los efectos 3D y licó en ocasión de la exh pub se eos Gem Os ss Pre gko Gin l Pedro Alonzo. oria de n Edit la cció El libro de 2 y cuenta con una introdu 201 de ton Bos de neo de Arte Contemporá
THE TRUE HIS TORY OF TEA
Del Este al Oeste, desde tiempos pasad os hasta el presen disciplina conocida te, el especialista en como sinología, Vic cultura china, tor H. Mair y el pe apasionante de la his riodista Erling Hoh toria del té. hacen un repaso El relato zambulle al lector en las jun glas del Sudeste As Tang de la China de iático, en el esplen l siglo VII y VIII y en dor de la dinastía el mundo formal de medieval. la ceremonia del té en el Japón Inspiradora y enigm ática, ninguna otra bebida ha tocado saben como transm la vida de tanta ge itir la mística del té nte. Los autores de forma amena, co e información técnic n datos curiosos, his a. Léase en compañ torias coloridas ía de una deliciosa taza de té ser vida en fina porcelana. www.thamesandhuds on.com
www.gingkopress.com
gs hník Drawin Manolo Bla
libro que atrae por nolo Blahník en un Ma de os cet eñador. bo n más de cie ceso creativo del dis & Hudson recopiló una invitación al pro de los mo la co a ece ble La editorial Thames ofr ara se una belleza equip exuberante y que muy vívidos logran les tal su calidad y colorido de n co y d da os con habili Los dibujos ejecutad ndé Nast. También ora artística de Co . ect dir ros r, de ou da int ver Yorker, W s na ato zap la moda An moda de The New obra del ícono de r de la sección de uce ito ed rod int el , s rts La introducción es no e be qu Ro l do en su estudio y oración de Michae jan lab ba co tra la ík sica ca hn Jes sta Bla ah de se ografías de rio Testino o Sar acompañado de fot de David Bailey, Ma va s ati rio cre nta d me ida cuyo artículo está co cal s la Lo . ido y dan cuenta de intimidad del artista un toque entreten n gratamente en la da le ík, hn Bla de miradores Parker, fer vientes ad . ista art del on.com
www.thamesandhuds
Japanese Wolf
lizadas, kawa parecen digita nes de Yumiko Kayu elan cio rev tra e ilus qu las le tal ón de rfecci devoción por el tal n Aunque por su pe co tas cu ujos eje dib o s turas en acrílic les y colorido en realidad son pin japonesa. Sus sensua y ista os art ne en orá jov mp a nte est co de és con los temas on la destreza singular jap a ng ma d. l oo de definidas cine de Hollyw combinan las líneas ujos animados y el ón como el rock, los dib rt o pueblo rural de Jap p-a eñ po qu l pe de es un lar en popu .UU.,Yumiko nació más antigua, EE esa en e on viv jap n te en igió lm rel Aunque actua En el sintoísmo, la i o espíritus de la eada de naturaleza. representan a los kam y y pasó su infancia rod ses dio los taurar la de mensajeros nco y su fin es res los animales son los tada por un lobo bla en res lf que la rep Wo es ese an sol l Jap de libro reúne la serie naturaleza. La diosa e Est . és— on jap —Japón en belleza de Nippon . ciendo desde 2006 du pro ne vie ista art m
www.gingkopress.co
York Humans of New
en la logró ser el número uno ción, Humans of New York o impreso libr El a. dur A una semana de su publica a tap en ión de bestsellers de no ficc n con lista del New Yor k Times fotógrafo Brandon Stanto ista del exitoso blog del rev imp ión te común gen de fías es una derivac gra foto lica uidores. Allí Stanton pub los casi dos millones de seg mpaña de las palabras que de Nueva Yor k y las aco es call las vuelta de una es gen que pasea por imá las a dan de su vida y que le de retratados cuentan acerca cuatrocientas fotografías el libro reúne cerca de g, blo el en o vidualidad irad indi la n bra tuerca. Insp cele que nes sus historias y reflexio ’s per sonas de la ciudad, con por la división St. Martin k. El ejemplar es publicado Yor eva Nu a uto es. y son un trib ent erg em se dedica a nuevos artistas Press de Macmillan, que
Jazz Life En 1960, el fo tógrafo William Claxton y el musicólogo ale célebre mán Joachim Berendt recorri Estados Unido eron los s siguiendo el ra str o del jazz. El re de su colabor sultado ación fue una asombrosa co fotografías y gr lección de abaciones de ar tistas legendario como de descon s, así ocidos músicos callejeros. El libro Jazz Life, fruto de estos tra bajos, se ha conv en un objeto er tido de colección m uy apreciado amantes del jaz entre los z y la fotografí a. El legendario W Claxton falleció illiam a los ochenta años en 2008 se volvió un pr y Jazz Life eciado libro de cu lto. El fotógrafo penetrar el ce supo rrado círculo de los grande como Char lie s músicos Parker, Duke Ell ing ton o John Co y se ganó su ltrane confianza. Déc adas más tard a esta intimida e y gracias d, podemos dis fru tar de las fab imágenes y de ulosas los iluminados textos de Bere fue miembro fu ndt, quien ndador de la Ra dio Alemana del Su (Südwestfunk) roeste y produjo más de doscientos discos. Su colec cincuenta ción de discos, lib ro s y documento jazz forman la base del Jazzin s de stitut Darmstadt murió en un ac . Berendt cidente en el añ o 2000.
www.taschen.co
m
us.macmillan.com
77
FULL OWNERSHIP
Imรกgenes ilustrativas
Mobiliario y Equipamiento de lujo incluido Club de Playa Privado Restaurantes Gourmet
Cenote Natural Sin gastos de Mantenimiento y Servicios *
info: info@thef ives.com.mx tel:
(984) 877 27 53
/thef ivestm
DAVID HENDERSON Al infinito y más allá…
Fotos cortesía David Henderson
“Our feeblest contemplations of the Cosmos stir us -- there is a tingling in the spine, a catch in the voice, a faint sensation, as if a distant memory (…). We know we are approaching the greatest of mysteries.” "Nuestras más ligeras contemplaciones del cosmos nos hacen estremecer: sentimos un cosquilleo en la espalda, una voz muda, la fugaz sensación como de un recuerdo lejano (…) Sabemos que nos aproximamos al más grande de los misterios." Carl Sagan, Cosmos
Éole, fibra de vidrio, 2010
83
Moonlight on the Wabash, fibra de vidrio y pintura, 2011 A History of Aviation; fibra de vidrio, dracon, espuma, aluminio; 2010
S
uspendidas en la pared, de pie o como parte de una instalación, las esculturas de David Henderson parecen artefactos de otro mundo con formas extravagantes y sensuales. A los ocho años, el libro Skylark of Space, del escritor de ciencia ficción Edward Elmer Smith, cavó hondo en Henderson y lo animó a construir su propia nave espacial. Del cosmos a la escultura lo transportó, no una nave espacial, sino la decepción de no poder construirla. Los años pasaron y ante la imposibilidad de navegar el universo, David Henderson decidió crear naves escultóricas que construyeran su propio espacio. La idea parece rebuscada pero se enmarca dentro de las leyes más simples de la percepción visual. El escultor explica que la geometría de las curvas conduce al ojo inconsciente y automáticamente a completarlas. La figura que más utiliza Henderson es el torus, que se parece a un donut o a un bagel y cuyo centro atrae la mirada hacia su forma completa dando la impresión de ampliar y recrear el espacio alrededor de la figura. Así, sus esculturas si bien no se desplazan por el espacio lo transforman a través de la lógica de la geometría.
85
Ivy Mike, fibra de vidrio y pigmentos, 2005
Inconstante, fibra de vidrio y pigmentos, 2010
Todas esas curvas, además de producir efectos visuales engañosos, confieren a sus esculturas una sensualidad irresistible. Aéreas y al mismo tiempo monumentales, las esculturas de Henderson parecen desafiar la gravedad. El efecto no podría lograse sin materiales especialmente ligeros. Tanto los materiales como los métodos de construcción de la mayoría de las piezas son los mismos que se utilizan para la fabricación de aviones pequeños ultralivianos. El artista realiza el esqueleto de sus esculturas en espuma y luego lo recubre con fibra de vidrio y resina epoxi. Finalmente, para darles un acabado suave y delicado, lija las piezas con un tejido termo-retráctil. Henderson realiza todo el proceso a mano, meticulosamente, después de haber diseñado cada una de las piezas digitalmente. La instalación Breve historia de la aviación es singular dentro de su obra. Armada a partir de paneles curvilíneos, la escultura se inspira en el bellísimo techo gótico de la Abadía de Bath, del siglo XVI. Esta estructura, llamada “bóveda de abanico”, es típica de la arquitectura gótica inglesa. Los encantadores paneles de Henderson parecen alas desplegadas y constituyen un homenaje al arcaico deseo del hombre de volar. “Es extraordinario que alguien haya construido algo así en el siglo XV. Mi idea fue sacar esa estructura del contexto religioso y construirla en un ambiente moderno, con nuevos materiales” explica el artista. Las mágicas piezas de David Henderson conjuran nuestra inquietud ante los misterios del universo a través de la expresión de una belleza serena y sensual. Sus hechiceras formas ondulantes, que parecen tener vida propia, nos producen la impresión de que todo es posible y destacan el enorme poder de creación del hombre en el desconocido e inmenso universo.
Re-Statement of Romance, madera contrachapada, 2000
87
David Henderson
Artémise, fibra de vidrio y pigmentos, 2011
Agamemnon, fibra de vidrio y pintura, 2009
Yor k. Pasó sus años El artista: vive en Brooklyn, Nueva y a ant Atl en 6 195 en llege. Luego cur só David Henderson nació o escultor en el Bard Co com duó gra se y za, Sui en varias galerías formativos en Ginebra, Columbia. Ha expuesto de ad rsid ive Un la en ) EE.UU. desde Boston su especialización (MFA la aviación recorrió todo de oria hist ve Bre ión prestigiosas y su instalac hasta Alabama. www.davidhenderson.or
g
89
FALL HOUSE Desde el acantilado
Fotos de Joe Fletcher cortesía Fougeron Architecture
L
a costa Big Sur de California ocupa una franja de 150 kilómetros en las que el mar y las afiladas montañas se encuentran dramáticamente. La franja está protegida por su belleza natural, dificultando el acceso, de modo que Fall House es una de las pocas casas construidas en esta poco habitada zona de la costa oeste de EE.UU. La fabulosa ubicación sobre el acantilado que enfrenta al Pacífico dejó en claro a la arquitecta Anne Fougeron que no era cuestión de ponerse a competir con el entorno: “Las tensiones de la naturaleza son demasiado dinámicas y caóticas como para ser dominadas por el hombre”. Las escasas construcciones presentes en la zona son de materiales tradicionales como madera y piedra. En contraste, Fall House está hecha con acero, concreto, madera, vidrio y el material más audaz, cobre. Por este revestimiento de cobre que recubre las paredes y el techo, y por la forma algo zigzagueante en la que se desarrolla la estructura hacia el precipicio, Anne sugiere que Fall House se parece a una babosa amarilla típica de la zona a la que llaman “banana slug”.
91
93
Una de las premisas más importantes al momento de diseñar fue evitar que la casa se viera desde la famosa ruta Highway 1 que, bordeando el océano, recorre toda la costa californiana. El tramo que pasa por la franja de Big Sur es el más protegido. Allí la vista debe ser despejada para que se aprecie la naturaleza del lugar y por eso no se permiten construcciones que irrumpan en el paisaje. Por lo tanto, al llegar por la ruta la casa es invisible y, al acceder a pie, la estructura se va revelando lentamente con sus voladizos que parecen suspendidos en el peñasco cuya altura es de 250 m sobre el nivel del mar. La casa es un refugio en contraste con la aspereza y la escala inmensa del océano y el acantilado. El cuerpo principal de la vivienda se compone de dos cajas rectangulares comunicadas por una biblioteca de cristal. El acceso principal se encuentra en la parte alta del volumen superior y en él se localizan los espacios privados. La sala de estar, cocina y el comedor se encuentran en planos abiertos.
95
97
En el nivel inferior, el dormitorio principal se construyó en voladizo, es decir suspendido en el aire, y se proyecta como un promontorio sobre el océano, ofreciendo vistas espectaculares a través de sus muros de cristal de piso a techo. El vínculo entre la habitación principal y los otros dos dormitorios es la biblioteca de cristal. Este espacio es el corazón de la vivienda y une, también, el interior con el exterior tanto por su geometría como por su transparencia. La casa cuenta con varias soluciones ecológicas para reducir el consumo de energía, como losa radiante hidrónica o vidrios de control solar que reducen la cantidad de calor que absorbe la ventana. Pero el principal recurso ambientalista es su diseño. La ubicación de las habitaciones produce una ventilación natural con un benéfico efecto Stack generado por la presión de aire vertical. Además, cado uno de los espacios tiene luz natural y la orientación general de la casa fue pensada para aprovechar la luz natural lo máximo posible.
1985 Fougeron Architecture: sco, California, que desde o con base en San Franci udi est un ño es re dise el ctu hite con Fougeron Arc nes. Se identifica calidad de sus construccio la y o r mis uci pro red com a su par se destaca por todos naturales vos y el desarrollo de mé nue s iale ter ma de uso modernista, el el consumo de energía. www.fougeron.com
JoyerĂa de estudio Naye Quiros
Fotos gentileza Naye Quiros
101
Locaci贸n: Polyforum Siqueiros (La Marcha de la Humanidad) Ph: Blanka Hg Makeup & Hair: Angel Moncada
Locación: Polyforum Siqueiros (La Marcha de la Humanidad) Ph: Blanka Hg Makeup & Hair: Angel Moncada
E
n México, un país que se distingue por la calidad de la plata y de sus orfebres, la creadora Naye Quiros deslumbra con los diseños abstractos de sus joyas avant-garde. En sus piezas, NQ subraya las nociones de individualidad y creatividad, y refleja el cruce de la vanguardia, el diseño y el arte. Casi un siglo atrás su bisabuelo David Alfaro Siqueiros formó parte del muralismo, un movimiento artístico mexicano que resucitó la olvidada pintura mural en todo el mundo. Siqueiros integraba un grupo de audaces artistas que, luego de la Revolución Mexicana de 1910, decidieron socializar el arte y sacarlo del atelier a las calles. A esta herencia artística revolucionaria de Naye se le suma la experiencia de una década de eclécticos recorridos por el mundo. Se formó en prestigiosas instituciones, como el Istituto Marangoni de Milán, y estudió y diseñó joyas en Madrid y Nueva York. Luego vivió en Buenos Aires, al igual que su bisabuelo Siqueiros, que en los años 30 se vio forzado a exiliarse de México. Naye llegó a esta ciudad en el mismo momento en que fue rescatado del olvido un mural que David Siqueiros había pintado muchas décadas atrás en el sótano de la mansión de Natalio Botana, dueño de los medios periodísticos argentinos más influyentes de la época. La mansión de Botana terminó abandonada y el mural se fragmentó en siete partes y fue guardado en containers a causa de una disputa judicial que se resolvió cuando Naye puso sus pies en la Argentina.
Actualmente, Naye Quiros vive en México. Dirige su empresa e interviene de cerca en cada una de las etapas de la producción de sus joyas. Diseña, supervisa la fabricación y dirige las campañas publicitarias de sus colecciones. Su mirada revela un temperamento apasionado y al mismo tiempo la serenidad mundana de quien, a sus cortos 35 años, se siente cómoda con lo que hace después de haber superado muchos contratiempos. ¿Cómo te diste cuenta de que tenías talento para la joyería? Todo comenzó en las playas de la increíble Riviera Maya. No había tenido el deleite de vivir en mi país por demasiados años (mi infancia transcurrió en Miami, San Diego y Canadá) y cuando tuve la oportunidad, me acerqué de una manera muy lúdica. Inquieta y acostumbrada al viaje, me recorrí todo México, experimentando los sazones de cada pedacito del país. Compré piedras preciosas y metales, recolecté plumas de aves exóticas, observé técnicas de nuestros indígenas y comencé a crear con mis manos. Así perdí el miedo a expresarme a través de mis piezas. Cuando comprendí cómo fusionar el concepto con la pieza, logré mi sello característico y eso me dio valor para seguir creando.
Colección Orion
¿Cuál fue tu primera pieza? La recuerdo siempre con muchísima dilección ya que me marcó fuertemente al conciliar mi pasado y mi futuro, que estaban en conflicto. Diseñé dos esferas, una chica y otra más grande, y las uní con un tubo de metal creando una gargantilla en forma de símbolo de pregunta, delicado y muy futurista.
Colección Polyforum
Sabemos que diseñas cada pieza con meticulosidad obsesiva. ¿Cómo es el proceso de diseño? Cada una de mis colecciones es conceptual e, inevitablemente, me guío por mis vivencias. Nunca se sabe cuando aterriza una idea y hay que estar alerta a las señales. Puede ser un viaje, la ciudad, el mar o alguna idea que surge en una conversación y que luego cobra forma en el pensamiento. Primero la interpreto en mi cabeza, elaborando el concepto para que tenga coherencia. Luego viene el dibujo con bocetos e ilustraciones. Para finalizar el proceso creativo, se realizan renders a escuadra y una reflexión escrita que explica el concepto. Creo que la palabra es inseparable del diseño. Me gustan los nombres y los relatos; resignifican cada pieza. Otra etapa creativa fundamental es la presentación de las colecciones. Las campañas gráficas son importantísimas y me encanta ocuparme de ellas. Hay que mostrar lo que uno hace y hacerlo bien. Busco el fotógrafo que se adapta a esa visión en particular, defino los outfits de las modelos, peinados, maquillaje. Me esfuerzo para que la campaña resalte la colección y tenga personalidad.
¿Qué materiales usas en tus joyas? Soy muy ecléctica y es par te de la diversión. Me gusta examinar diferentes materiales, ponerlos a prueba y fusionarlos. Hace unos años realicé una colección de joyas en resina y oro para una reconocida marca de indumentaria. Cuando me radiqué en Buenos Aires fui seleccionada como diseñadora del Official Diamond Club en donde me facilitaron diferentes estilos, colores y cor tes de brillantes. Comencé a incrustarlos delicadamente en mis diseños. Si bien mi intención es producir belleza a través de la forma y el concepto y no través de quilates, sé apreciar cuando una pieza simple es resaltada por una piedra etérea. Creo en la simpleza, en que cuanto más directa y pura es la pieza, por su silueta, sus materiales o su concepto, más bella es e impacta directamente en el que la aprecia.
103
¿Cuál fue la joya más compleja que hiciste? Todos mis anillos son complicadísimos ya que estructuralmente tienen mucha ingeniería. Pura y Diamond, por ejemplo, son huecos. Por esta razón se realizan en tres partes que se sueldan. Visualmente son fantásticos, cómodos y se pueden usar todos los días. ¿Qué tipo de persona consideras a la hora de diseñar las piezas? Mis colecciones son unisex. Me inspiro en personas que saben lo que quieren. Oriento mis joyas a ese segmento de gente que valora una buena pieza y que no tiene la inseguridad de correr detrás de las tendencias sin distinguir lo que vale de lo que no. Ese es el público más difícil de convencer, el más aguzado y me gusta sorprenderlos con un guiño. Hacer una colección basada en algo que ellos van a saber reconocer. Cruces con la arquitectura, la música, movimientos artísticos, literatura. Si logro atraerlos, me doy por hecha.
Colección Pura
¿Hay algún material que prefieras? Trabajo con plata, oro (amarillo, blanco, rosa) y platino. Todas mis colecciones son realizadas en cualquiera de estos metales, dependiendo de dónde la voy a exponer, vender o para qué tipo de cliente está dirigida. ¿Cuánto tardas en hacer una pieza? Usualmente el proceso creativo lleva más tiempo que la producción en sí, que demora un mes. Cuando empecé, hacía las piezas artesanalmente y entonces tomaba más tiempo. Realizaba yo misma los prototipos en cera para después fundirlos en metal. Utilizaba las técnicas ancestrales de la joyería y todo lo que aprendí en Florencia cuando estudié allá. Luego reduje el tiempo gracias a métodos más industriales que cambiaron completamente el funcionamiento del estudio y la producción. Fue un paso importante de desarrollo. A la hora de diseñar, ¿qué estilos evitas instintivamente? Lo antiguo. Siento que estamos en una nueva era y no se puede volver atrás. Si bien no renuncio a los adornos creo que estos tienen que ser sutiles. Puedo adornar una joya sin necesidad de irme a extremos barrocos. Creo que es importante dejar a las próximas generaciones joyas que hayan marcado un espectro puro de diseño. Lo natural, lo limpio, lo arquitectónico, lo conceptual son la base de mis diseños. Es hora de marcar el cambio.
Colección Soumaya
Colección Orion
¿De dónde surgió el slogan de Arte Portable? Es un juego de palabras y conceptos. Es lo que me identifica. No veo las joyas como algo estático para ser admirado en un joyero, las visualizo como “Arte Portable”. Como piezas visualmente fantásticas que funcionan como espejos de la personalidad. Es decir, intento que cada joya tenga el poder de enfatizar quién es la persona que la usa. Estarás orgullosa de ser bisnieta de un gran artista. ¿Dedicaste alguna colección a Siqueiros? Mi próxima colección se llama Polyforum y es un tributo a David Alfaro Siqueiros. El nombre viene del Polyforum Siqueiros, un museo ubicado en el Distrito Federal creado para difundir y preservar la obra de mi bisabuelo. Vivo cerca y paso constantemente por la fachada de este poderoso edificio que parece una escultura. Es inspirador. Lo cierto es que actualmente, ya formada en lo mío y después de muchos logros en el arte de la joyería, recién ahora me siento cómoda con que me relacionen con Siqueiros. Ahora que tengo luz propia puedo relajarme y disfrutar de su legado artístico y no sentirlo ni como meta inalcanzable ni como un medio para llegar. Para Polyforum me inspiré en sus murales que cuentan la historia de México y de la lucha social, y también en la arquitectura del museo, en su forma de dodecaedro o diamante.
Llegaste a la Argentina justo cuando un mural de tu bisabuelo fue salvado del olvido y la destrucción. ¿Pudiste participar del rescate? Algunas sorpresas son grandiosas. Nunca estructuré mi destino, viví en muchos lugares distintos. Y justo cuando me mudé a Buenos Aires, ese preciso momento coincidió fortuitamente con el resurgimiento de un mural de Siqueiros que estaba abandonado. Fue inevitable que esto despertara mi pasión y me involucré. Además, la historia del mural es atrapante. Y la pintura del mural Ejercicio Plástico muy diferente a lo que mi bisabuelo hacía normalmente. Observé de cerca el proceso de restauración, conocí a Serrano y Guitina, los restauradores del mural. Me invitaron a par ticipar y conocer el espacio que estaban diseñando para exponerlo. Fue un momento muy emocionante porque la obra de Siqueiros me cautivó sincera e intensamente. ¿Cuál es tu última colección y en qué te inspiraste? Mi última colección, Orión, la hice en colaboración con Sony y se exhibió en Mercedes Benz Fashion Week. Está pensada para hombres y mujeres, sin distinción de género. Orión me sedujo porque es la constelación con más estrellas brillantes y la que más se destaca en el cielo nocturno. Trabajé los diseños con los conceptos de geometría estelar, abstracción y la belleza del cosmos y sus correlaciones. La idea de la trama infinita del universo me permitió jugar con las formas y las relaciones entre ellas. Las joyas son brazaletes, anillos, aretes, mancuernillas, pisacorbatas, pulseras, dijes y cadenas realizadas en oro o en plata con baño de oro e incrustaciones de brillantes. ¿Cuál es el mayor reto de ser la dueña de un estudio de joyería? ¿Qué nuevos proyectos tienes en mente? El mayor reto es ser auténtica y seguir mi intuición. Contribuir a cambiar el concepto de lo que es portar una joya. No seguir presentando piezas anticuadas, copias interminables con algunas variaciones. Me interesa el arte portable. Materiales nobles y creación. Otro reto es lograr visiones muy claras de cómo estructurar un concepto y ejecutarlo. En este momento me atrae la arquitectura. Armo colecciones con formas arquitectónicas, geométricas, basadas en el trabajo de cinco arquitectos reconocidos. Ya está lista la colección de joyas Soumaya como tributo a Fernando Romero, un genial arquitecto mexicano. Pronto presentaré Urbano Portable que también sigue esta línea arquitectónica. Estoy en un muy buen momento, las ideas fluyen y tengo la energía para llevarlas a cabo. Viajar es bueno, sentirme en mi lugar es mejor.
105
El Museo Soumaya Por Alfonso Miranda Márquez Fotos gentileza Museo Soumaya
El acto creativo no es ejecutado por el artista solamente: el espectador pone a la obra en contacto con el mundo exterior, descifrando e impregnando sus cualidades intrínsecas, y así realiza su contribución al acto creativo. Marcel Duchamp (1887-1968), artista francés, 1957
E
l Grupo CARSO ha buscado desarrollar integralmente las áreas fundamentales del ser humano: salud, educación, cultura, deporte, justicia, desarrollo humano y económico, medio ambiente y conservación. En sus veinte años, el Museo Soumaya de la Fundación Carlos Slim ha abrazado estos ideales a través del arte. Se aprende colectivamente. Esta sentencia abre múltiples lecturas a las colecciones, al museo y a los visitantes. Nuevos retos enfrentan los espacios culturales en la posmodernidad. Foros, debates, intercambio de ideas ponen en diálogo a la obra, al tiempo que reflexionamos sobre procesos de reconocimiento, de identidad y, más que de tolerancia, de respeto. El Soumaya ha instado a sus distintos públicos a alcanzar experiencias significativas; sensibilizar para ceñir una apreciación más rica a partir del empleo de todos los sentidos y así empatarse con la obra de arte, ahí donde el goce o disfrute estético permita una intensa experiencia personal. No obstante, el visitante no está solo. Hay un abrazo colectivo, único pero no unívoco, donde la obra se abre a las posibilidades de lectura y abordaje. El público general no existe. Cada individuo posee una carga simbólica. No entra al museo como una hoja en blanco que espera ser llenada por conceptos, colores y formas. La experiencia es la base para entender la obra y estimular intelectual y socialmente al visitante en un concierto donde todas las voces se escuchen. Bagaje cultural que suma en bitácoras colectivas, donde el museo propicia que la imaginación juegue un papel en la interpretación personal del arte al fomentar respuestas creativas por parte de los públicos, a partir del diálogo y la apropiación de cada pintura, escultura, fotografía, moneda, billete, vestido, mueble y objeto. Dejar que en el espacio fluyan las ideas. De ahí que sea necesario brindar atención especializada y actividades de aprendizaje, lúdicas y académicas, adecuadas a cada tipo de persona, siempre identificando su edad y capacidades físicas, intelectuales y afectivas.
107
Acción social. Compromiso. Resultados. Los programas emprendidos por la fundación fortalecen la relación con la comunidad. Remontando el vuelo A par tir del título de una escultura de Rodin en la Puerta del Infierno, este programa promueve actividades de integración para personas con y sin discapacidad aparente. Favorece proyectos de accesibilidad universal donde se suman ciegos y débiles visuales; sordos y débiles auditivos; personas con Síndrome de Down, con autismo y autismo profundo, con Alzheimer, con esquizofrenia y enfermos terminales, en un diálogo permanente con el ar te. Desarrolla investigaciones y su implementación al tiempo de expresar y comunicar ideas. Tocar esculturas y aprehenderlas con todos los sentidos. Señas que abrazan el sentido profundo de la pieza y su creador. Discapacidad intelectual que explora los procesos creativos. Calores y sonidos que derriban fronteras. Memoria rescatada a partir del museo. Una mañana o una tarde en el museo Sin duda, nuestros niños mexicanos son la base que
construye la realidad nacional y su apuesta futura. En el Soumaya se atienden a escuelas públicas de educación básica (preescolar, primaria y secundaria) de la Secretaria de Educación Pública. La educación por sí sola jamás puede producir arte, afirmó el arquitecto Walter Gropius. Sin embrago, desde el museo se permite la formación integral, contribuyendo al desarrollo de habilidades y competencias en los menores: respeto. Autoestima. Valores universales y cívicos. Derechos de los niños. Desarrollar una mayor capacidad de análisis a través de la observación detenida de las piezas. Todo para favorecer a partir del diálogo y la discusión en salas, una actitud crítica ante el entorno, al tiempo que se potencie su creatividad. Del mismo modo, centrar la atención en el educador. Docentes que ven en el museo un apoyo en su capacitación y desarrollo profesional para el empleo del arte como medio de conocimiento. Salir del aula para explorar nuevos espacios como los auditorios del museo. Equipado con tecnología de punta y con capacidad para 310 personas sentadas, más el espacio para sillas de ruedas, el Museo Soumaya de Plaza CARSO se convierte en un lugar de encuentro y debate.
La guarida de los niños Un refugio. Un abrazo a los pequeños en situación de calle, atención a albergues temporales, casas hogar e instituciones de asistencia social de la Ciudad de México. En el Soumaya se apoya la formación de niños, jóvenes, madres solteras y personas violentadas, para que en los recorridos y talleres se impulse la apreciación y, si cabe, el proceso creador del arte, como un medio para expresar ideas, mejorar la calidad de vida e incorporarse a la sociedad. La Edad de bronce De nuevo, la colección de Rodin más importante fuera de Francia bautiza un programa de atención gratuita y especializada para grupos e instituciones de adultos mayores. El museo brinda a la población de la tercera edad alternativas de esparcimiento y desarrollo cultural, permitiendo su actividad mental y física, así como el fortalecimiento de su autoestima. Brinda oportunidades de expresión, al tiempo que la sociedad conoce y defiende sus derechos. Familiarízate con Museo Soumaya La familia como núcleo social se abraza en los programas de fines de semana. Comunicación y trabajo en equipo mediante talleres y actividades que cambian
constantemente para for talecer valores sociales y éticos. Los espacios permiten tener actividades en las que, por medio de la expresión corporal, las manualidades o el juego, apostemos por la reflexión e interpretación de obras donde familias de todo tipo construyen nuevos diálogos por medio del ar te. La eterna primavera Hechos, no desechos. Museo Soumaya se une a los programas de fomento a la educación ambiental y el desarrollo sostenible mediante los talleres que buscan generar conciencia sobre el problema de los residuos sólidos con la reflexión y práctica de ideas, lo que previene el deterioro y preserva la biodiversidad. Para integrar una política de ahorro de papel y evitar la impresión indiscriminada de materiales, se privilegia el uso de recursos electrónicos e Internet, lo que a largo plazo, creará una nueva cultura dentro y fuera de la institución. Lo anterior, reforzado con un programa de separación efectiva de residuos en todos los espacios del museo, que implica ir más allá de sólo orgánicos e inorgánicos, y que garantiza la reutilización del 80% de los materiales.
Museo Soumaya: un espacio para compartir y disfrutar Observar. Describir. Interpretar. Apropiar. Mediar. Criticar… Conceptos con los cuales el arte se resignifica mediante una relación personal y subjetiva. En las salas del museo las obras adquieren sentido a través de la mirada plural de sus visitantes. Fundación Carlos Slim, por medio de Museo Soumaya, apuesta a dialogar en recorridos capaces de despertar imaginarios y dinámicas adicionales planeadas en conjunto con los docentes o cursos para maestros. De manera gratuita, los programas ofrecen tanto la transportación como un refrigerio para grupos vulnerables. Esta experiencia estética nos permite asumirnos como minorías en un mosaico social y cultural; festejar la diversidad; construcción del aprendizaje que recuerda las palabras que Auguste Rodin legó en su testamento: Todo es bello para el artista, pues en todo ser y en cada cosa, su mirada penetrante descubre el carácter, es decir, la verdad interior que se transparenta bajo la forma. No duden en expresar lo que sienten [...]. El gran punto es conmoverse, amar, esperar, estremecerse, vivir. [...] El arte es más aún una magnífica lección de sinceridad. Entrada gratuita para todos y para siempre.
El Museo Soumaya. sus puertas en el centro cultural La Fundación Carlos Slim abrió en 1994. Su segunda sede fue y comercial de Plaza Loreto versión urbana de Plaza Carso inaugurada en el espacio de con cio proyectado por el arquitecto en marzo de 2011, con un edifi ente constituye un icono de Fernando Romero que actualm de se atienden 3000 visitantes la Ciudad de México y en don un nutrido acer vo de grandes diarios. La colección cuenta con os como El Greco, Tintoretto, maestros europeos y novohispan nach, Rubens,Villalpando, Páez Tiziano, Murillo, Zurbarán, los Cra del Impresionismo y las primeras y Cabrera; así como de artistas anne, Toulouse-Lautrec, Van vanguardias, Renoir, Monet, Céz a posee además la colección Gogh y Picasso. El Museo Soumay uste Rodin fuera de Francia. más importante del escultor Aug C.V. ciado en Historia y maestro Alfonso Miranda Márquez es licen la imagen visual, egresado del en Arte y decodificación de 2003 comenzó su trayectoria Instituto Cultural Helénico. En a en la sede del Museo Soumay como investigador y curador ctor se desempeña como Dire en Plaza Loreto. Desde 2006 eo. mus General de ambas sedes del www.museosoumaya.org
109
DORADO helĂŠnico Foto Sol Abadi Estilismo Federico Laboureau Retoque Diego Speroni Pelo Chino Burgos Make up Bettina Frumboli Asistente de foto Lucas Vazquez Modelos Yamila Pilo para Civiles, Francine para Visage
111
113
Concrete House II Quimera fara贸nica
Fotos de Luis H. Segovia cortes铆a estudio A-cero
115
C
on una superficie cubierta de 1.800 m2 y una arquitectura a gran escala que apunta a llamar la atención sin fingimientos, la casa Concrete House II del estudio de arquitectura A-cero es una obra fabulosa.
La filosofía de este estudio español se basa en el diseño de casas con lenguaje escultórico. La idea se aprecia perfectamente en sus vistas exteriores con la secuencia de muros verticales que se prolongan hacia el techo rodeando la casa por completo y que se alternan con superficies de césped en un espléndido contraste dado por los materiales y los colores. Los muros perpendiculares son de hormigón armado entablillado y teñido de gris oscuro. A pesar de su escala grandiosa, la casa presenta soluciones medioambientales como la instalación de una cubierta vegetal en la azotea y la presencia de colectores solares tubulares que permiten una importante autonomía energética. La vivienda se asienta en una sola planta en la que prácticamente discurre la casi totalidad de su superficie habitable. Por debajo, el sótano se reserva para garaje, sala de cine, cuarto de instalaciones y bodega.
En el interior, las líneas geométricas y los colores neutros respaldan la arquitectura escultórica. La mayor parte de la casa se abre a la parte posterior donde vuelcan el salón, el comedor, la biblioteca, el despacho y los dormitorios. En la fachada trasera se destacan los generosos paños de vidrio de las ventanas, los juegos de volúmenes y los voladizos también de hormigón sobre los porches. Sobre un terreno de 5.000 m2 ubicado en la periferia de Madrid, la casa ocupa gran parte de la parcela. El resto conforma un parque que se completa con una cancha de paddle y un pequeño lago. El paisajismo del jardín está diseñado con técnicas de xeriscaping, plantas que consumen poco agua, que refuerza la intención ecológica. El parque es autosuficiente con una adecuada elección de plantas crasas que requieren muy poco mantenimiento. La casa deslumbra no solo por sus dimensiones faraónicas y por el gris oscuro que resalta entre el verde vegetal sino, muy especialmente, por el uso del hormigón. El material de apariencia excesivamente fría, parece mucho más amable y plástico como consecuencia de un diseño audaz e imaginativo. 117
119
base en Madrid. Su arquitectura A-cero con de A-cero Arquitectura ipo equ del s ore dad ten gran admiración n Torres son los fun rbusier y Mies aunque sien Co Rafael Llamazares y Joaquí Le o com as nist der o y diseño de mobiliario. por los clásicos mo proyectos de interiorism a trabajo está influenciado n bié tam ica ded se o n Pawson. El estudi por el minimalismo de Joh www.a-cero.com
A Sabbatical For Your Senses. Long regarded as makers of one of the world’s finest high-end audio brands, Mark Levinson® allows listeners to experience audio the way the artists originally intended, with not one note or nuance lost. Now, this world-class audio brand brings you startling visual realism that complements the unsurpassed musical accuracy that critical listeners have grown accustomed to. Audiophiles and movie aficionados will enjoy the highest possible levels of performance from this elite home entertainment offering, which includes the extraordinary N°502 Media Console that defines the boundaries of the system’s overall potential. The N°53 Reference Monaural Amplifier delivers truly phenomenal depth and detail, setting a new standard for premium audio. Mark Levinson® Home Entertainment Fine tune your sensory experience.
marklevinson•com hdm-cinema.com
©2011 Harman. All rights reserved. Mark Levinson and the Mark Levinson logo are registered trademarks of Harman International Industries, Incorporated in the United States and other countries.
H D M info@hdm-cinema.com
121
Fuerza aborigen MarĂa Lavera
Fotos cortesĂa Laverart
El Decimo Mandamiento, oleo sobre tela 2,00 M x 1,50 M 123
Los Indios , oleo sobre tela, 2,50 x 2,00 m
L
a artista visual María Lavera vuelve a sorprendernos con su nueva serie cargada de imprevistas connotaciones telúricas. A las pinceladas contundentes y los colores explosivos, claramente la marca que identifica sus cuadros, esta nueva propuesta suma el calor y el poder expresivo de la tierra. Es que Lavera vuelca en esta serie toda la potencia de sus raíces mapuches. La artista es bisnieta de un cacique de la tribu originaria de Chile y una europea que, seducida por su opuesto, se dejó enamorar. La serie Los indios manifiesta la fuerza enigmática del acercamiento entre lenguajes alejados, como metáfora del encuentro imprevisto, infinitamente fecundo y al mismo tiempo destructor entre Europa y América. Del mismo modo, trazos casuales y manchas azarosas se cruzan con líneas meditadas. Colores naturales que evocan a los elementos contrastan con el negro de gruesos contornos y el tono de la carne expuesta a la furia abrasadora del entorno. Rostros crispados, sombras, llamaradas y siluetas que evocan formas vegetales se dibujan claramente sobre un fondo de cielo, de agua, de polvo, de pasto. Los gestos extremos instalan la rabia de un sitio que se resiste erguido a la fuerza abrasadora de lo otro. Nos interpela la marca intencional de los trazos hiperanchos sobrecargados de material, y nos compromete el grito silencioso de figuras decididas a todo sobre los fondos que despliegan todos los matices de la tierra. Esta llamada espera una respuesta. El observador queda ineludiblemente comprometido con la contundencia de la exclamación mapuche. Con su estilo característico, en lugar de concentrarse en el detalle la artista se entrega a la gran tela como un organismo cuyos ángulos interviene todos a la vez. Se hace necesario tomar distancia para captar la obra, escuchar el llamado, ofrecer una respuesta estética. La vista acompaña los trazos gestuales y poco a poco las formas se hacen más claras y expresivas. Como las pinturas y las artesanías mapuches, estas siluetas y símbolos cuentan una historia que se amasa lenta pero cargada de material, denso, espeso, como las pinceladas de Lavera, desde hace cinco siglos. Desdibuja los límites entre la abstracción y la figuración y desdibuja también la frontera entre lo mismo y lo otro, lo local y lo extranjero, lo artificial y lo natural. Lavera explora los límites para transgredirlos y forzar una relectura de la historia y de nosotros mismos. www.laverart.com
125
Tierra Verde, oleo sobre tela, 1, 20 x 2,00 m
Luna Negra, oleo sobre tela, 1,20 x 2,00 m
Lavera en Kavachnina Contemporar y y de Miami entre el 1 de diciembre en la galería Kavachnina Contemporar ndrá expo se ra Lave a Marí de s obra Una selección de edad oscura de la gentifricación”. Este sición “Robwyn-Hood. El graffiti en la expo la de e part o com que 2015 de o y el 31 de ener por otra de mayor poder adquisitivo iento de una población pauperizada lazam desp el na desig cido cono término poco toma su lugar. mito evolutivo del graffiti y el arte nuestra curiosidad intelectual hacia el tan orien stra mue la para reza: ados cion Los trabajos selec la exposición, el website de la galería ces y divertidas. A modo de lema de auda más icas técn las te”. iante nacis med que n, de la subversió ete en la leyenda para la cuadro, cambia tu nombre. Conviért lindo un pinta o, banc un roba es, “Traspasa los límit kavachnina.com
Sol Creciente, oleo sobre tela, 1, 20 x 2,00 m 127
Lynn Chadwick Geométrica exploración del estado animal
Fotos cortesía Blain/Southern Gallery
Stranger III (1959), bronce, 218 x 264 x 84 cm
129
Pyramid y Split (1966), fórmica sobre madera
E
n 1956, la comunidad artística se llevó una inmensa sorpresa. El inglés Lynn Chadwick (1914-2003), un escultor incipiente, sin ninguna educación artística formal, le arrebató al ya consagrado Alberto Giacometti, favorito indiscutido, el Premio Internacional para Escultura en la Bienal de Venecia de ese año. Casi seis décadas después de aquel hito, las galerías Blain Southern y Blain Di Donna le dedican tres muestras retrospectivas que constituyen la revisión más exhaustiva jamás realizada sobre la que fuera su prolífica carrera en tres ciudades en simultáneo: Berlín, Londres y Nueva York. Merecido homenaje. Lynn comenzó a coquetear con la expresión artística en la post guerra, creando móviles para decorar stands para exhibiciones cuando trabajaba para un estudio de arquitectura. La galería Gimpel Fils, de Londres, expuso un móvil de Chadwick en 1949 dando el puntapié inicial a su innovadora experiencia escultórica. Al agregar una base a los móviles los convirtió en stabiles, neologismo que alude a la estabilidad de las nuevas piezas y que lo acercan más a las que serían sus obras más distintivas. Chadwick se concentró cada vez más en la base de los stabiles hasta que finalmente éstas se convirtieron en esculturas y eliminó por completo las partes móviles de sus obras. En la Bienal de 1952, junto a otros artistas británicos, desbordó las expectativas de visitantes y jurados con materiales inéditos. En lugar de madera, mármol o piedra, elementos escultóricos por excelencia hasta entonces, intimidó a todos con sus estructuras de hierro, yeso y compuestos industriales con los que expresaba la angustia existencial de la postguerra europea. 131
Moon of Alabama (1957), bronce, 152 × 135 × 95 cm
Pronto comenzó a experimentar con la soldadura creando formas tridimensionales a partir de varas de acero. Lynn procedía luego a rellenar estas armaduras con “stolit”, una mezcla de hierro y yeso que al secarse ofrecía una textura a veces lisa, otras áspera. Las esculturas resultantes, siempre con las varas muy visibles, se convirtieron en las primeras construidas con esta técnica en Gran Bretaña y son marca registrada de Chadwick. Hacia 1955, Chadwick adoptó el bronce como medio para producir series de esculturas, apostando a la mayor durabilidad de este nuevo elemento. Utilizaba un acabado que le daba a las piezas distintos tonos de plateado, dorado o gris, de acuerdo con la intención expresiva en cada caso. También trabajó la fórmica, la madera, el oro y la plata. Como resultado de su extensa experimentación y al cabo de una producción muy abundante, se estabilizaron ciertos símbolos, señales, de un lenguaje que hoy consideramos distintivo del artista. Las cabezas masculinas, por ejemplo, son cuadradas y las femeninas triangulares. Una gran parte de las esculturas de Chadwick se encuentra en los jardines de Lypiatt Park, propiedad que Chadwick adquirió en 1958. Sus piezas integran las colecciones de los museos más prestigiosos del mundo, como el MoMA de New York, la Tate Gallery de London y el Centre Georges Pompidou de París. Cada una de las tres muestras dedicadas este año al emblemático artista ofrece un enfoque distintivo de su obra. En Nueva York se exhiben sus primeros trabajos, como Balanced Sculpture (1951), Untitled (1952), Iron Sculpture (1953) y Maquette II Inner Eye (1952-1953). Teddy Boy and Girl II (1957), constituye un examen del movimiento que evoca la danza. Dancing Figures III, (1954) y Conjunction II (1957) son también intentos del artista por capturar el movimiento. En Londres se exhiben bronces de los 50 y 60 tan influyentes como Teddy Boy and Girl (1955) – una de las obras que le valió el Premio de la Bienal de Venecia– así como el monumental Stranger III (1959). Los stabiles se apoyan sobre piernas alargadas y finitas que soportan cuerpos geométricos muy pesados. Todas las piezas rezuman el amor del artista por la geometría. En Berlín, el foco está puesto en las bestias de acero que Chadwick realizó en el período 1989-1991. Estas obras, compuestas por placas de acero triangulares soldadas alrededor de una armadura, ilustran el interés de Lynn por explorar las formas animales y llevar hasta un límite la posibilidad de reconocerlas. Los títulos de las piezas: Beast Alerted I, Howling Beast I, o Crouching Beast I las tres de 1990, nombran las posiciones, movimientos o más precisamente estados animales que el escultor exploraba. Chadwick consideraba inestimable el potencial expresivo del acero, que aun en los días más grises logra atrapar y reflejar la luz. Las ventanas en el techo del museo aprovechan al máximo ese potencial. Estas tres muestras retrospectivas parecen señalar que el lenguaje, la apuesta y la intención del artista son cada vez más claros, definidos, y sus obras cobran mayor peso en el mercado del arte. Sus formas angulares, sus reflejos, sus líneas y superficies rectas están emergiendo por debajo de las monumentales curvas del gigante que lo precedió, otro inglés: Henry Moore (1898-1986). www.blainsouthern.com
133
Head 1818 Arquitectura en progreso
Fotos de Adam Letch, cortesía estudio Saota
C
iudad del Cabo es el diamante más exuberante de Sudáfrica. Rodeada de un paisaje espléndido desde cada uno de sus puntos cardinales, el primer enclave colonial y en consecuencia la ciudad más antigua del país, tiene, sin embargo, una apariencia siempre fresca, joven y dinámica. Con el fin del apartheid en 1992, uno de los mayores retos de la arquitectura en Ciudad del Cabo ha sido lograr un crecimiento respetuoso de la belleza natural de la zona y a la vez fomentar nuevas formas de proyección urbana más inclusivas. Este edén urbano de Sudáfrica sigue creciendo y se extiende hacia los suburbios en donde, a diferencia de la conflictiva Johannesburgo, hay mayor diversidad étnica y las calles empedradas, los edificios coloniales y los contemporáneos se mezclan en armonía. Este año la ciudad fue distinguida como Capital Mundial del Diseño 2014. El reconocimiento es otorgado cada dos años por el Consejo Internacional de Sociedades de Diseño Industrial y se entrega a las urbes que han tenido éxito al implementar el diseño como medio para mejorar la vida cultural, económica y social. En esta atmósfera progresista se distingue el trabajo del estudio de arquitectura Saota cuyos proyectos son apreciados en todo el mundo. A la cabeza del estudio, Stefan Antoni es considerado uno de los arquitectos que más ha contribuido el nuevo estándar de diseño contemporáneo, profesionalidad y habilidad de gestión en la ciudad. A unos pocos kilómetros hacia el este del centro de Ciudad del Cabo se encuentra Fresnaye, uno de los suburbios más encantadores de la zona. Allí, el estudio Saota ha realizado muchos edificios bajos (no se permiten más que tres pisos) y casas particulares, entre ellas Head 1818 cuyo proyecto estuvo a cargo de Philip Olmesdahl, Stefan Antoni y Mark Bullivant.
135
Ubicada sobre una colina y con vista despejada al Océano Atlántico, la casa contribuye a afianzar la arquitectura moderna del suburbio. Por su enclave y por el tipo de construcciones que la rodean, las vistas laterales de la casa se sacrificaron a favor de grandes vidrieras en el frente con vista al mar y en la fachada trasera con vista a las montañas. El concepto de las aberturas que alterna el vacío de los ventanales inmensos con grandes superficies planas de hormigón y losas verticales provoca una atractiva tensión. Si bien se priorizaron las vistas hacia la cima Lion’s Head y hacia Sea Point, la privacidad de los dormitorios fue resguardada con vistas protegidas y más focalizadas. El proyecto se desarrolla en tres plantas que incluyen un nivel para el garage. En el nivel superior la habitación principal en suite es protagónica e inmensa y tiene una terraza con etérea baranda de vidrio y deck de madera. La acompaña un cómodo y funcional vestidor y un baño amplio que emula las dimensiones del dormitorio y que posee una maravillosa vista bidireccional. En el primer piso, al que se accede por un desnivel aterrazado, se desarrolla la zona de entretenimientos: el comedor, el living, la cocina y el desayunador. El espacio es abierto y esta amplitud generosa se extiende hacia el exterior, hacia el jardín, la piscina y las terrazas. Las divisiones en el interior están marcadas sutilmente por los materiales, en especial por los diferentes planos del cielo raso. Los materiales definen el carácter contemporáneo y anguloso del edificio. El concreto se contrapone con superficies pulidas, paneles perforados, muros con texturas y los pisos de largos tablones de madera o de losas de piedra natural. El contraste enfatiza la estética minimalista y produce un efecto audaz y musculoso que a su vez se equilibra con la vista panorámica de la ancha franja de playa y el azul intenso del mar. Las zonas verdes fueron diseñadas por Franchesca Watson y recrean el estilo de la casa con la elección de plantas arquitectónicas, robustas y crasas, de bajo consumo de agua y mantenimiento. El interior estuvo a cargo de Craig Kaplan que utilizó una paleta reducida de colores sobrios y tenues, y dispuso muebles clásico-modernos para reforzar la escena contemporánea que predomina en el proyecto. www.saota.com
137
139
e en Sudáfrica está SAOTA: hitects. El estudio con bas Arc en Tru ahl esd Olm i rketing. Los líderes a Stefan Anton Las siglas corresponden y el eficiente equipo de ma os nic téc s, ore ñad dise s, s arquitecto binación dinámica compuesto por 110 jóvene ché que generan una com Fou pe llip Phi y en Tru g , y además de las Olmesdahl, Gre son Stefan Antoni, Philip en Moscú, Sydney y Dubai lo, mp eje por an, baj Tra ón de diseño. itucionales y comerciales. y definen una potente visi ser vicios corporativos, inst en an aliz eci esp se s lare residencias par ticu
141
David LaChapelle Belleza que duele
Fotos cortesía de la Editorial Taschen, de los libros Artists and Prostitutes y Heaven to Hell.
“¿Qué vas a ponerte para tu muerte?” David LaChapelle
143
Jurassic Moment (2004)
L
aChapelle se ha atrevido a muchas cosas y las confiesa, como tener sexo por dinero cuando trabajaba en un bar gay o retratar a Jesús entre malas compañías. La mezcla del rock, las drogas y la religión definió uno de sus momentos artísticos. Por ejemplo, cuando parodió la escultura La piedad de Miguel Ángel con la muerte de Kurt Kobain por sobredosis. El músico yace como Jesús en el regazo de una voluptuosa Courtney Love en el lugar de la virgen. Su brazo exhibe las marcas de los pinchazos. Es fotógrafo, es declaradamente gay, es histriónico y a la vez dramático, hace videos de música y filma películas. Para él, el estilo surrealista no es más que una excusa para reflexionar con humor sobre las obsesiones del mundo contemporáneo y sus creencias. Con un estilo híper realista, glamoroso y teatral, plantea conflictos de la época relacionados con los géneros sexuales, el avance de la ciencia y la tecnología, espiritualidad y religión, y la inextinguible vanidad humana que parece crecer sin control abonada por los medios de comunicación y las redes sociales. Las inclinaciones artísticas de LaChapelle se manifestaron a los seis años cuando fotografió a su madre en un balcón de Puerto Rico, en bikini y con Martini en mano. Pero el gran golpe de gracia lo tuvo cuando, a los diecinueve, en 1982, el mismísimo Andy Warhol le echó el ojo y le consiguió su primer trabajo como fotógrafo en Interview Magazine. A pesar de la admiración que guarda por el genio del Pop-art, prefiere producir una belleza más comprometida, que ilumine nuestra compresión del mundo. LaChapelle tomó el último retrato de Warhol una semana antes de que el artista pop muriera. Como un presagio, lo retrató enmarcado entre dos Biblias y con el rostro beatíficamente iluminado. Por ese entonces Warhol, y desde el atentado que había sufrido, iba a misa todos los domingos. De ahí la inspiración de LaChapelle. Después de abrirse camino en la fotografía comercial retratando a las más espectaculares celebrities, en 2006 se produjo un quiebre y decidió retirarse a una granja en Hawaii para dejar lugar a fotógrafos más jóvenes y para huir del mundo de la fama. Aunque le debe a este ambiente toda su carrera, lo cierto es que gran parte de su obra es una intromisión descarada, pero piadosa, en el ambiente de los famosos, y de sus miserias. David LaChapelle cuenta una historia que conoce desde adentro, un círculo en donde, dice, nunca se sintió un par pero cuyas debilidades parece haber experimentado en carne propia aunque con espíritu subversivo. La crisis de Hawaii duró unos escasos meses, al cabo de los cuales decidió volver al ruedo con una actitud todavía más provocadora. Con la serie Star System (1995) inició su crítica a la vanidad humana encarnada en las estrellas del cine y la música. Retrató como muñecas de cera a Cristina Aguilera o Shakira y, la más representativa, Sarah Jessica Parker de Sex in the City abriéndose el tapado para exhibirse casi desnuda dentro de un subte de Nueva York muy en contraste con la gente común. Con Plastic People también puso en escena la obsesión por el cuerpo y el culto a la personalidad.
145
Maidenform (2006)
Retrato de Björk, compositora y música islandesa
La serie Accumulation denuncia el materialismo llevado al exceso en los tiempos que corren. Destruction & Disaster plantea escenas apocalípticas y desastres naturales. LaChapelle trabaja con imágenes tomadas del porno, de la cultura pop, del cine, la Biblia y de obras de artes clásicas. Last Supper (2003) fue la obra con la que homenajeó a Andy Warhol, que la había pintado en 1968 parodiando, a su vez, la pintura mural de Da Vinci. Esta vez, Jesús cena acompañado por raperos y delincuentes. La serie Still Life de 2012 surgió de la destrucción. El fotógrafo, al enterarse del acto de vandalismo que sufrió el Museo Nacional de Cera de Dublín viajó a Irlanda y tomó fotos de las figuras destrozadas. Los delincuentes habían desmembrado muy especialmente las figuras de los políticos y decidieron no profanar a sus favoritos: la princesa plebeya Lady Diana, el músico compatriota Bono, Jesús y los Apóstoles. Con la serie Still Life, LaChapelle pone el foco en el morbo del público que se regodea con la destrucción de sus ídolos. En ese mismo sentido, la serie La tierra se ríe en flores, inspirada en el poeta Ralph W. Emerson, expresa la fragilidad humana con imágenes diferentes a las que utiliza usualmente. Esta vez, el artista combina la clásica naturaleza muerta del barroco con imágenes de objetos cotidianos que la mirada descubre disimulados entre tallos y cabezas florales. Su pasión por la música se revela en fotografías como Burning Down the House, en honor al hit de Talking Heads o a Michael Jackson en el papel del ángel Miguel sometiendo al demonio. Realizó videos de Robbie Williams, Macy Gray, Moby y Christina Aguilera, entre otros. Así como el ambiente del pop lo inspira, este ambiente se inspira, a su vez, en él. Tanto que la cantante Rihanna tomó como modelo varias imágenes de LaChapelle para realizar el videoclip S&M. El parecido es tal que LaChapelle la demandó por plagio. Con su obra, LaChapelle se atreve a ponernos en evidencia. Obsesiones, vanidades, inseguridades que el nuevo milenio trae consigo. Cada una de sus fotografías es un relato que funciona como un cuento ilustrado. En palabras del fotógrafo, “El mensaje visual debe ser tan fuerte como la escritura”. 147
Maarten Baas Impertinente individualidad
Fotos cortesía Maarten Baas y Den Herder Production House
Este joven creador nacido en Alemania y formado en los Países Bajos es hoy reconocido en todo el mundo como un ícono del diseño moderno de muebles. Pertenece a una nueva generación de artistas decididos a producir piezas distintivas, con personalidad muy fuerte y en un lenguaje exclusivo de técnicas insólitas y materiales imprevistos. Si se trata de dar la nota, entonces Maarten Baas, diseñador del año 2009 en Design Miami, es el hombre del momento. El desarrollo de procesos de fabricación completamente nuevos y radicales y la reutilización de piezas preexistentes que reformula con su genio particular le ganaron el aplauso de la crítica especializada y del público más variado.
C
uando Maarten completó sus estudios en la prestigiosa Design Academy Eindhoven, en los Países Bajos, en 2002, no sospechaba que su proyecto de graduación se convertiría en un éxito instantáneo y lo encumbraría rápidamente a las grandes ligas del arte. Hablamos de la serie Smoke, que se impone hoy con toda la carga de una provocación descarada. Maarten quema muebles de estilo, literalmente los enciende con un soplete, y luego recubre a mano los esqueletos achicharrados con múltiples capas de resina Epoxy para convertirlos en piezas utilizables nuevamente. Siempre con la filosofía de dejar su marca, las piezas son únicas pues el fuego las trabaja en forma irrepetible cada vez. El gesto es dramático. El resultado, no menos categórico, cautivó inmediatamente a los grandes fabricantes y varios muebles de Smoke forman parte de la colección del vanguardista sello holandés Moooi. Smoke se impuso rápidamente en las salas de museos consagrados como el Victoria & Albert Museum de Londres, el Groninger Museum de los Países Bajos y el Montreal Museum of Fine Arts de Canadá y sus inconfundibles señales de humo se venden por enormes sumas como atesorables piezas de colección. La colección Grey Derivations fue realizada exclusivamente para la galería de Edward Mitterrand y Stéphanie Cramer, en Ginebra, Suiza y se inauguró el 20 de mayo del 2010. Está compuesta por bibliotecas, una silla, una lámpara y gabinetes, aunque sin dudas la estrella de la exhibición es un escritorio con dos “cuernos” que sostienen la tapa cuando se abre para servir de mesada.
149
La exhibición fue pensada en conjunto entre el artista y los galeristas suizos y encarna el principio estético de Baas que cuestiona las líneas de producción masiva. Baas, Mitterrand y Cramer decidieron que no habría ediciones posteriores de estos muebles únicos cuya fabricación con resina pigmentada en rojo y negro sobre una estructura de acero llevó cientos de horas de trabajo artesanal de altísima calidad. Los muebles de la serie Clay, por su parte, son de arcilla sintética con una estructura de metal en su interior que refuerza su estructura. Nada de moldes. Cada mueble de Clay, en negro, blanco, marrón, rojo, amarillo, azul, naranja o verde, es una pieza única que se fabrica a mano, en toda su atrevida singularidad. El trabajo físico detrás de las piezas, la operación artística sobre la arcilla, invoca la maniobra creadora por excelencia. Pueden admirarse y utilizarse en una instalación verdaderamente atractiva: Baas interpela directamente al público con lámparas y sillas dispuestas para su utilización en el restaurant del Groninger Museum en los Países Bajos.
En el Spazio Rossana Orlandi, durante la semana del diseño en Milan 2012, se presentó Plain clay, que representa una evolución a partir de la serie Clay original. Las lámparas, sillas, mesita, espejo y aparador de esta serie llevan la marca del proceso de su creación: es ostentosamente visible la huella digital del artista durante el amasado del material. No es otra cosa que la impronta de su compromiso con cada configuración en particular. Un tratamiento especial brinda resistencia al material pigmentado que no necesita ser laqueado para lucir su juguetona rusticidad en rojo, natural o negro. La reformulación de piezas preexistentes es la apuesta que Baas comparte con los diseñadores más notables de su generación. Así, en Hey, chair, be a bookshelf! Un meditado rejunte de objetos, cada pieza adquiere una nueva función. Los objetos reunidos están reforzados con poliéster y recubiertos a mano con poliuretano para asegurar su durabilidad. Al mismo espíritu reeditor pertenece Treasure furniture, silla creada a partir de deshechos de una fábrica de muebles que en la medida en que siga utilizando los mismos materiales y procesos y generando los mismos desechos, permitirá la continuidad de este proyecto. Las colecciones de Baas, impensadas, atrevidas, subvierten toda idea previa sobre lo que es bello pues, según él, sólo tienen valor los objetos con historia, los que exhiben la pátina del uso, los que han sido intervenidos directamente por el hombre y en los que puede entreoírse un lenguaje. Eso es arte. www.dhph.com
www.maartenbaas.com
desarrollan todos r Baas & Den Herder. Allí se o udi est el n Estudio Baas & den Herde aro cre tos r y jun casi artesanal de asoció con Bas den Herde entonces, dado el carácter ta has que es, En 2005, Maarten Baas se ion ecc col sus se en una escala y de allí salen las piezas de del estudio pueden pensar ión dac fun la de los productos de Maarten tir par a que en escala muy reducida y su fabricación, se producían vo taller creativo, argo. Holanda. Desde este nue de sur el en , sch mayor y fabricarse por enc nbo oge ‘s-Hert galerías, museos y dó a una granja cerca de enteras para restaurants, es ion ecc col En 2009, el estudio se mu o com os, bicios yectos cada vez más am Maarten Baas asume pro . o el mundo encargos privados de tod
151
El mapa no es el territorio Fotos Kathy Prendergast cortesía Kerlin Gallery www.kerlingallery.com Fotos Tiffany Chung cortesía de la artista y de Tyler Rollins Fine Art www.trfineart.com Fotos Lordy Rodriguez cortesía del artista www.sfelectricworks.com y www.lordyrodriguez.com
Los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo. Ludwig Wittgenstein
Crossing the Boundary at the Pass of Kel 1908, Tiffany Chung, 2010
153
Nagasaki, Tiffany Chung, 2010
Iraqi State Railways after Anglo Iraqi Treaty 1930 & Current Pipelines, Tiffany Chung, 2010
Arriba: Frontier of Tibet as Claimed by the Tibetans in 1914, Tiffany Chung, 2010 Abajo: Frontier of Tibet as Claimed by Nationalist Chinese in 1914, Tiffany Chung, 2010
“El mapa no es el territorio” metaforizó un oficial del ejército ruso cuando su batallón se encontró con una zanja que no figuraba en los mapas y que arruinaba los planes de avance. El oficial Alfred Korzybski, educadísimo aristócrata, reprimió la ira y expresó su frustración elegantemente con aquella frase. Cuando terminó la Primera Guerra Mundial, Korzybski se instaló en EE.UU y comenzó a desarrollar su teoría lingüística y filosófica parte de la cual se sintetiza en esa frase.
155
The Land Describes Itself, Kathy Prendergast, 2012
L
os mapas son útiles, no lo neguemos. Sin GPS estamos perdidos. Lo que el ingenioso Korzybski expresó es que de la misma manera que un mapa no es el territorio que representa, una palabra tampoco es el objeto al que se refiere. Y avanzó un poco más para afirmar que no experimentamos el mundo directamente sino que lo hacemos a través de abstracciones. Interpretamos la realidad según nuestros muy personales mapas mentales. Esta innovación, esta metáfora cartográfica que afirma que cada uno de nosotros tiene una mirada particular sobre las cosas, constituye la inspiración de algunos artistas que intervienen mapas reales para expresar su manera singular de interpretar el territorio, el mundo. Lordy Rodriguez, filipino radicado en California, Tiffany Chung, vietnamita de Saigón, y la irlandesa Kathy Prendergast de Dublín, son tres de los muchos artistas que utilizan mapas como lenguaje creativo. La última serie de Lordy Rodriguez fue encargada por la Comisión de Arte de San Francisco para venderse como posters. Cada imagen de la serie representa un barrio distinto de la ecléctica ciudad de San Francisco. Rodriguez reconfigura cada barrio, todos ellos enclaves turísticos, creando territorios de ficción que ilustran la forma en que esas zonas han ido volviéndose irreconocibles para, paradojalmente, hacerse más sencillas visualmente para los turistas que las recorren sin conocerlas. Según el artista,
cada uno de los barrios ha tenido que explorar una identidad social para ofrecer una cara distintiva y original a los extraños que pasean por sus calles. Los mapas de los seis barrios icónicos que dibuja parecen representar seis diferentes estados de ánimo. Desde Saigón, nos llega la obra de Tiffany Chung, muy lúdica y colorida. La distingue su técnica de bordado con arandelas, mostacillas y cuentas que producen efectos metalizados en contraste con zonas apagadas o mate y que forman parte de un código que la artista inventó para expresar distintas situaciones. Así, los países bordados con botones son miembros de la NATO y los círculos representan sectores importantes o monasterios. En sus mapas manifiesta los cambios culturales y económicos que han modificado Vietnam y otros países del mundo como consecuencia de la guerra, los desastres naturales, el progreso urbano y las migraciones. Su cartografía bordada hace foco en las sociedades post-industriales y en las consecuencias que tiene en algunas comunidades que son víctimas de conflictos. Algunos de sus títulos son Hiroshima, El muro de Berlín o Guerra Fría. La cartografía artística de Kathy Prendergast es delicada y sutil. Trabaja sus mapas con acuarelas y tinta sobre papel. Sin sopesar cuál es la intención de la artista, el resultado es sereno y bello.
En la encantadora serie Black Maps, la mágica vista del entramado de las infinitas constelaciones se superpone con el territorio de ciudades perdidas en esa misma lejana densidad. Mucho de su obra puede interpretarse como una crítica al colonialismo —recordemos que es irlandesa—, a la pérdida de identidad y a la soledad del hombre en una galaxia gigantesca y cíclica.
Chimborazo, Kathy Prendergarst, 2013
Fisherman’s Wharf, Strangerhood Series, Lordy Rodriguez, 2013
Haight-Ashbury, Strangerhood Series, Lordy Rodriguez, 2013
Los tres artistas plásticos que exploramos en este artículo trabajan con la idea del territorio asociado con el poder y la supervivencia, cada uno desde su propio mapa mental condicionado por el lugar en el que habita. La ensayista, catedrática y crítica de arte Estrella de Diego (Madrid, 1958) en su libro Contra el mapa explica que los mapas nos hacen creer que el mundo es abarcable. “El que controla el mapa tiene el poder", explica la escritora, "y a la vez todo lo que contiene es un misterio". Misterio y conflicto que muchos artistas ponen en evidencia al cuestionar la certeza con la que se marcan las fronteras y pertenencias en un mundo que, sabemos, está siempre en transición.
157
Kokomo 58.4 Forma y funci贸n Fotos cortes铆a Dubois Naval Architects Ltd.
159
C
on una eslora de 58,4 metros, Kokomo es el velero más largo construido en Nueva Zelanda. El diseño estuvo a cargo de la firma de ingenieros navales Dubois y fue fabricado en el astillero Alloy Yachts. De líneas esbeltas, quilla afilada y peso ligero, puede ser maniobrado con facilidad para acceder a las marinas y puertos. Su bellísima silueta de un negro lustroso se desliza con estabilidad y gracia contrastando con el impetuoso océano. El velero tiene un diseño moderno y simple que sobresale por el uso de nuevas tecnologías y de soluciones audaces, como el sistema de anclaje submarino que se guarda en la base del casco o el altísimo mástil de fibra de carbono de inéditos 75 metros. El mástil se acompaña de un set de velas Stratis de la firma Doyle Sails. La vela principal tiene nada menos que casi 900 m2, la Genoa 1100 y la Genakker asimétrica alcanza los 2200 m2.
A pesar de sus grandes dimensiones, los ingenieros lograron mantener un tonelaje total inferior a la marca de las 500 toneladas. El Kokomo pesa 495 toneladas y su desplazamiento con carga completa es de 595. Esto representa un hito en el diseño de barcos. Los cabestrantes, creados por Alloy Yachts, de mayor tamaño que lo común, logran mayor fuerza al jalar y representan un paso adelante en el desempeño de los veleros modernos. La superestructura blanca, el casco negro, los detalles en cromo y la superficie de la popa del navío en teka le dan el tono clásico y atemporal. El interior, diseñado por Redman Whiteley Dixon, extiende el concepto clásico-moderno de forma y función en la ambientación y la planta del Kokomo. Los muebles son de líneas puras y simples sin llegar al extremo del mobiliario ultra contemporáneo. Hasta diez huéspedes pueden descansar plácidamente en las cinco habitaciones en suite y hay espacio para doce tripulantes. Para disfrutar del exterior el fly bridge está separado de la cubierta principal y su superficie está enteramente destinada al ocio de los pasajeros. 161
El Kokomo 58.3 es el tercer barco creado especialmente para MCM de Peter Wilson y Nigel Ingram, prestigiosos competidores de regatas mundiales de grandes esloras. Se destaca por su elegancia y sus dimensiones extremas que de la mano de su ingenioso diseño y de la más desarrollada tecnología ofrecen una performance insuperable. www.duboisyachts.com
www.alloyyachts.co.nz
163
la petite cave Por José Andrés Gallego Coultas*
La palabra terroir se impuso en estos tiempos dentro del mundo del vino. Al hablar de terroir no solamente se hace referencia a las características climáticas, geográficas y geológicas de un lugar determinado. Se trata también de mostrar la diversidad de prácticas culturales, de tipos de vinificación, la concepción que subyace en la elaboración de un vino y, por sobre todas las cosas, la historia e idiosincrasia de las personas que habitan en cada lugar. En cuanto al territorio, la diferencia más evidente y general se da entre los denominados “vinos del viejo mundo”, como Francia o España, por ejemplo, y los “vinos del nuevo mundo”, aquellos que se producen en Argentina o en EE.UU. La ecuación no es tan difícil, con cientos de años de tradición vitivinícola la experiencia del viejo mundo es mayor y la identidad bien definida aunque la calidad de los vinos no sea necesariamente mejor. De hecho, el nuevo mundo avanza a pasos agigantados. La mejor manera de comprender el concepto de terroir es saborear los fabulosos vinos que les sugerimos y que son patrimonio de la humanidad. Cada uno de ellos rememora su lugar de origen. Así, beber es también una forma de viajar.
José Andrés Gallego Coultas es director de la vinoteca-boutique El pasillo, Panamericana, ramal Pilar, Km 37,5, Tortuguitas. www.vinotecaelpasillo.com Tel.: 54 11 02320 629 554
1- Martín Codax, Albariño, 2013 Empezamos el viaje en España, en el Valle de Salnés, cerca del mar. La variedad albariña ofrece a la vista un vino de color amarillo, brillante, con leves burbujas que dan cuenta de su juventud. En nariz sobresalen las notas florales, del estilo del jazmín, integradas con frutas cítricas, como el pomelo. Sobre el final, encontramos también un dejo de manzana. Una vez en boca se torna envolvente, con marcada acidez; se percibe la fruta blanca y cítrica. Recomendación: probar platos regionales (en este caso mariscos) cerca de donde nace el vino. Un secreto que no falla.
2- Príncipe de Viana, Rosado Garnacha, 2013 Sus viñedos están distribuidos por toda la ribera de Navarra. Uno de los lemas de la bodega es el respeto por la naturaleza. De esta forma, se asegura que la uva llegue en buenas condiciones a la hora de vinificar. Su vista es intensa, de color rosa brillante. En la fase olfativa es de gran persistencia aromática: se pueden percibir claramente la frambuesa y la cereza, con pequeñas notas de rosas. Impregna el paladar de guinda y frutos rojos, es redondo y equilibrado, con un final largo en boca. Recomendación: acompaña perfectamente con ensaladas y embutidos.
3- Marqués de Arienzo, Crianza, 2011 La bodega Herederos del Marqués de Riscal es mundialmente conocida. Sus viñedos se encuentran ubicados en Laguardia y Elciego (Álava). Este blend está conformado por tempranillo, mazuelo y graciano. Luego de la fermentación (proceso que transforma el azúcar de la uva en alcohol), pasa 18 meses en barricas de roble americano. Su fase visual presenta un vino de color rojo intenso. En nariz, se percibe frutado. La vainilla, el coco y los frutos negros se fusionan perfectamente. En boca es estructurado y de gran cuerpo. Recomendación: la comida típica española le sienta muy bien.
4- Angélica Zapata, Malbec, 2010 Alejandro Vigil, junto a la bodega Catena Zapata, sigue creciendo y difundiendo la cultura vitivinícola de Argentina en el mundo. Las uvas de este vino provienen de diferentes viñedos mendocinos, que dan como resultado una obra de arte. A la vista su color es violeta oscuro profundo. Una vez que el vino se abre, expresa lo mejor de sí: sus aromas se entremezclan con frutos negros maduros, notas minerales y un delicado matiz de clavo de olor. En boca tiene cuerpo, pero no llega a ser empalagoso. Recomendación: su estructura es compatible con la salazón de un jamón crudo; aunque, cabe aclarar, es la mejor elección a la hora de acompañar carne argentina.
5- Eggo Filoso, Pinot Noir, 2013 Los hermanos Michelini y su bodega Zorzal son el fiel reflejo de Gualtallary (Mendoza, Argentina). Respeto por la naturaleza desde el viñedo, libertad, creación y hermandad son algunos valores representados por este Pinot Noir. A la vista es de color rojo rubí, de intensidad media. En nariz la tiza y el grafito hablan del suelo calcáreo del Valle de Uco. Tiene una gran amplitud aromática, con delicados matices de frutillas. En boca, su entrada es dulce y vertiginosa, de cuerpo filoso, como su nombre lo indica. Un vino lleno de vida. Su final es largo y de gran persistencia en el paladar. Recomendación: le van muy bien las pastas con salsa de tomate o el pescado a la crema.
6- El Vínculo Crianza, Tempranillo, 2009 Alejandro Fernández elabora vinos ampliamente reconocidos por su excelencia. El mismísimo gurú del vino, Robert Parker, lo menciona como el creador de uno de los mejores vinos del mundo. Con uvas provenientes de Castilla y La Mancha (España), nos encontramos ante un verdadero Tempranillo. Su fase visual es de color rojo intenso. Su nariz es muy compleja e intensa. Los aromas frutales congenian con la vainilla, nota típica de su paso por roble americano durante 18 meses. En boca es carnoso, potente, amplio, con gran equilibrio de acidez y muy sabroso. Recomendación: es un vino que acompaña muy bien una tabla de achuras, o cualquier comida con alto contenido graso.
165
7- Louis Max Bourgogne, Beaucharme, Pinot Noir, 2012 Borgoña, se encuentra al centro-noroeste de Francia. Dentro de esta región, se presentan diferentes departamentos, como Côte de Beaune, Côte de Nuits, Beaujolais, entre otros. La misma cepa Pinot Noir adquiere diferentes características según las zonas de donde provenga. Visualmente, este clásico Pinot se presenta de color rojo vivo, con reflejos violáceos de intensidad media. En nariz sobresalen la frambuesa y la cereza. La fase gustativa está marcada por una buena acidez, equilibrada con la fruta por delante de la madera. Es importante controlar la temperatura a la hora de beberlo, que debe asemejarse a la de un vino blanco. Recomendación: ideal para acompañar una tabla de quesos.
8- Barton & Guestier, Muscadet Sèvre et Maine, 2013 Valle del Loira, en Francia, con su arquitectura, paisajes y cultura, nos transporta directamente a tiempos pasados. La cepa Muscadet presenta a la vista un color amarillo pálido, con reflejos verdosos. En nariz asoman aromas frutales, como la manzana y la pera, así como una pequeña nota a manteca. En boca se percibe muy buen equilibrio entre acidez y untuosidad. Recomendación: Combina muy bien con toda clase de pescados.
9- Calvet, Chaeauneuf-du-Pape, 2010 Este blend está conformado por Grenache, Syrah, Mourvèdre y Cinsault. El refutado es un vino de color oscuro y profundo. Aromas tostados, florales y especiados resultan de las características que cada una de las cepas aporta a esta botella. En boca es estructurado, pero capaz de entrar al paladar suavemente, como todo buen vino francés. Sus taninos son delicados y deliciosos. El final es persistente, corolario de aquellos grandes vinos que invitan a seguir bebiendo. Recomendación: ideales para acompañar toda clase de comidas y ciertos tipos de quesos, como el Brie o el Camembert.
10- Marcelo Pelleriti Reserva, Malbec, 2010 Marcelo Pelleriti es una de las personalidades que promueven el vino argentino en el mundo entero. Trabaja junto con Michell Rolland, uno de los enólogos más importantes, tanto en Monteviejo como en Francia. Su vino Château La Violette 2010 -elaborado en Chateaux Le Gay- logró la calificación más alta en el ranking de puntos Parker y se convirtió en el primer y único argentino en obtener dicho puntaje. Este vino, que lleva su nombre, es complejo y elegante. Su color es rojo intenso, con reflejos púrpura. Los aromas típicos de un buen Malbec están presentes en esta botella: ciruela, pimienta negra y notas leves de nuez moscada. En boca es estructurado y armonioso. Su final es largo, persistente y extraordinario. Recomendación: Ideal para tomar antes y durante la comida, o aquellos que prefieran llegar al postre con una copa de buen vino.
11- Santi, Sortesele, Pinot Grigio, 2013 Este Pinot gris, italiano y mundialmente conocido, es una gran sorpresa. Con uvas provenientes del valle Adige, adquiere un color amarillo pálido. Su aroma frutado evoca la manzana y el melocotón, con notas de pera y rosas frescas. En boca presenta un cuerpo medio y una buena acidez que le otorgan frescura y un final largo y delicioso. Recomendación: su maridaje perfecto: el clásico risotto.
12- Santi Le Caleselle, Valpolicella Clássico, 2010 Un Blend conformado por cepas poco conocidas en el nuevo mundo: corvina, rondinella y molinara. En la fase visual, nos encontramos con un vino de color rubí profundo. En nariz, sus aromas a frutas rojas, como la cereza, se combinan con alguna nota sutilmente especiada. En boca es estructurado, carnoso, con un final largo y agradable. Recomendación: una buena compañía gastronómica podrían ser las pastas con salsas de carne.
13- Tenimenti Ca Bianca, Barolo, 2009 Este Barolo, cuyos viñedos se encuentran ubicados en las colinas de La Morra, está compuesto enteramente por la cepa nebbiolo. En vista se nos presenta en color rojo granate, con tonos rubí. En la fase olfativa nos encontramos con un perfume intenso, con aromas de especias, vainilla, avellanas tostadas, regaliz, cacao y rosa silvestre. Llena la boca por completo, es elegante y de buen cuerpo, con recurrentes sensaciones olfativas. Recomendación: a la hora de combinar otros sabores, los platos con trufas le sientan muy bien.
14- Melini San Lorenzo, Chianti, 2012 Melini es una de las más antiguas e importantes bodegas de la Toscana. Ubicada en Gaggiano, produce para el mundo el famoso Chianti, un vino que se elabora principalmente sobre la base de uva sangiovese. Visualmente, este vino se presenta de color rubí brillante. En su fase olfativa aparecen las zarzamoras y las frambuesas. En boca es sabroso y muy bebible. Recomendación: acompaña muy bien las pizzas o cualquier comida con salsa de tomate.
15- Bilusama, Entre Lobos Blend, 2012 Bodegas Bilusama nació hace muy poco tiempo; sin embargo, desde sus inicios está dando que hablar en el mercado local e internacional y hasta ha sido premiada. Situada en San Rafael (Mendoza, Argentina), la joven bodega crece a cargo del enólogo Eduardo Vidal, quien supo trabajar con Paul Hobbs y Marcelo Pelleriti, entre otros. En la fase visual, este blend presenta un color rojo, con tonalidades violáceas. Su aroma es complejo: aparecen notas de frutas rojas y negras maduras, algo especiado y con el toque sutil de vainilla, otorgado por su paso por roble. En boca es intenso, con taninos redondos. Es necesario esperar hasta que el vino se abra para que manifieste todo su potencial. Recomendación: con carnes o pastas con salsas complejas va muy bien.
16- Baron B, Extra Brut, 2010 Moet & Chandon tienen una larga tradición en nuestro país. Están presentes en Argentina desde 1960; basta con recorrer la bodega y conocer a sus enólogos para desmitificar ciertos prejuicios. Onofre, uno de los enólogos responsables de los espumantes, trabaja en la empresa desde hace varias décadas. A la vista nos da un color amarillo dorado. Sus burbujas muy finas y delicadas dan cuenta del método de elaboración tradicional. En su fase olfativa aparecen las frutas cítricas y el durazno, combinados con notas de pan tostado y almendras. En boca es fresco, frutado, redondo y muy suave. Su final es amplio y nítido. Recomendación: funciona muy bien como aperitivo y a la hora de combinar con postres.También acompaña de la mejor manera cualquier tipo de comida.
17- Trapiche, Gran medalla, 2009 Sus uvas provienen de viñedos ubicados Lulunta, Tupungato y San Carlos (Mendoza, Argentina). Daniel Pi es su enólogo. Este vino -que pasó por dieciocho meses de roble francés- es intenso, de color púrpura y con bordes violáceos. En la fase olfativa nos encontramos con frutas rojas, vainilla, tabaco y cerezas. En boca se percibe bien estructurado: taninos firmes, dulces y de agradable acidez hacen que sea un vino equilibrado. Lo mejor está en el final, largo y sabroso. Recomendación: tiene suficiente cuerpo como para acompañar carnes de caza.
18- Mendel, Malbec, 2010 Roberto de la Mota proviene de una familia de bodegueros. Raúl, su padre, ha marcado un hito en la historia del Malbec argentino, según Michell Rolland. La bodega Mendel se encuentra ubicada en Luján de Cuyo (Mendoza, Argentina). A la vista, este vino es de color rojo con reflejos violáceos bien marcados. En la fase olfativa se vuelve intenso, frutado y maduro en nariz; con notas a ciruelas secas, pasas de uva y violetas. En boca tiene muy buen volumen y cuerpo. Los taninos redondos y una equilibrada acidez logran que uno no se canse de beber. Su final es largo y persistente. Recomendación: contradiciendo el manual del maridaje perfecto, es una linda prueba acompañarlo con una cazuela de mariscos.
167