Historia del rock parte3

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TERCERA PARTE

CAPITULO 11

América despierta

The Byrds fue en su momento la respuesta más creíble al embate Beatles, Rollings, The Who. Con sus cuidadas armonías vocales y la guitarra clara y precisa de Roger McGuinn, lograron reivindicar y propulsar el “folk rock”.

A

nte la avalancha de grupos de la invasión británica, el gigante se despierta... en los USA, para contrarrestar lo foráneo, qué mejor que fomentar lo hecho en casa. Por ahí vino la mano cuando allá por 1964 comienza a resurgir el folk como música alternativa al “Mersey-beat”. Desde los bohemios cafés del Greenwich Village de New York, salen los “folkies” a reinvindicar un estilo musical más norteamericano. Por otro lado el rock evoluciona también, desde la música playera se avanza hacia la experimentación; surgen también como hongos en todo el país los “Garage Bands” o grupos de cochera, que inspirados por el sonido áspero, crudo y poco convencional de los Kinks o los Who, crean su propio estilo. En esos años también se crea el “Bubblegum-rock” (chicle) que no necesita de mucha poesía, pero sí de mucho jingle jangle, shing-a-ling, shang-a-lang, etc. Hay mucho color y vida, es decir se explota la alegría de ser joven.

Poco después las revistas como Crawdaddy, OZ o Rolling Stone aparecen para hablar de los nuevos tiempos que se vienen y sobre todo de la música que deberá dejar de ser mero entretenimiento para tomar conciencia social y difundir canciones de protesta en marchas pacíficas y universidades. El folk se “electrifica” por gracia o desgracia (según sea el gusto) dando lugar al folk-rock, las letras y melodías del folk son acompañadas por guitarras eléctricas y ritmo de rock. De este movimiento surgirán grupos casi míticos que rivalizarán a pleno derecho con las bandas venidas de la Gran Bretaña. Así tenemos a los Byrds, Lovin’ Spoonful, Buffalo Springfield, etc.

Adentrémonos pues a esta época dorada donde el amor por la vida una vez más desafiaba al establishment de los hipócritas, donde todavía la inocencia creía que si su país hacía una guerra, era por una buena causa.

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GARAGE BANDS

The McCoys hicieron de su “Hang On Sloopy” un clásico del rock de los 60.

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La ola de grupos ingleses contagió a los jóvenes norteamericanos el deseo de formar grupos, así en cada garage se formaba una banda. Los Kinks y los Who eran las influencias de innumerables bandas, quienes no tenían donde tocar ni un público ante quienes presentarse.

El garage-rock era simple, una versión cruda del rock and roll; siendo amateurs, el resultado era mucho menos refinado que sus inspiraciones, pero eso era justamente lo que lo hacía excitante. Muchas de las bandas enfatizaban su poco profesionalismo, tocando los mismos tres acordes, aporreando sus guitarras y aullando las letras. En muchas maneras, las bandas de garage eran verdaderos proto-punks. .

Miles de bandas de garage eclosionaron en todo el país y unos cientos tuvieron algunos hits, pero muchísimos estarían destinados a la oscuridad. De hecho la mayoría de las bandas ya estaban olvidadas a comienzos de los 70. El baterista Gene Lubin de una de estas bandas recuerda: “La primera vez que escuché “My Generation” de los Who en la radio... pensé que todo el infierno se había roto y que el FBI cerraría la estación en cualquier momento, era la mejor paranoia que había

tenido nunca. De hecho se escuchó la canción durante semanas en la radio y los Who tuvieron problemas en su primera gira por los USA, por supuesto, después de eso, cada garage band quería estar en un escenario”. El “Garage Rock” no existió sino hasta después de la invasión inglesa, nació hacia 1963 cuando los Kingsmen se presentaron en un escenario a tocar una maratón de su versión de “Louie Louie” durante una hora, la cual es hoy un clásico del rock and roll.

1965 fue el año en que las Garage Bands se hicieron muy populares, cada muchacho quería estar en una banda.

Ese fue el año en que Dick Clark hacía sus shows en diferentes lugares cada semana. Cada ciudad desarrollaba su propia escena musical, pero sólo unas pocas bandas se desarrollaban a nivel nacional.

Chicago tenía sus héroes con los McCoys, quienes con su fuerte introducción de cuerdas hicieron célebre su canción “Hang On Sloopy” (1965). Por su parte, en Nueva York los Strangeloves lanzaban su tribal “I Want Candy” (1965).

The Standells, formado en Los Angeles en 1961, también alcanzó fama con “Ed Cobb’s Dirty Water” (1966).

Los estados del sur no eran inmunes a esta revolución. “Keep On Dancing” (1965) de los Gentrys, fue uno de los febriles himnos de ese año; mientras de las afueras de Texas vinieron Kenny and the Kasuals con su “Journey To Tyme” (1965), una de las primeras instancias del sonido guitarrero distorsionado. Surgieron también Sir Douglas Quintet con “She’s About A Mover” (1965) y el más conocido Sam the Sham & The Pharaos con “Wooly Bully” (1965).

California produjo también muchísimas bandas amateurs y provocativas en 1966 como Count Five y su “Psychotic Reaction” (1966) Syndicate of Sound con “Little Girl” (1966), Music Machine con “Point of No Return” (1966) y “Talk

Talk” (1967). Irónicamente, iba ser una banda de músicos mexicanos, Question Mark and The Mysterians, quienes con su “96 Tears” (1966), popularizaron el sonido de la época con un pequeño órgano que proveía un vigoroso y animado fondo para los coros. Desde alemania venía el sonido de los Monks, formado por soldados norteamericanos, que hacían un primitivo y furioso rock and roll, algo entre el “You Really Got Me” de los Kinks y el punk-rock que vendría diez años después. “Black Monk Time” (Polydor, 1965) es unformidable ejemplo de la época.

Sam The Sham and The Pharaos, también contribuiría con “Wooly Bully” y su famosa intro... ‘uno dos, one two, tres cuatro”...

THE KINGSMEN

The Strangeloves fieles al espíritu vanguardista de Nueva York hacían una música que recordaba a las tribus africanas.

Los Kingsmen se formaron en Portland, Oregon en 1959, siendo aún adolescentes, tocaban en fiestas colegiales y bailes de toda clase. Como muchas bandas, copiaban lo que se escuchaba en la radio: Elvis, The Ventures, Country y R&B, llegaron a ser la banda más popular de Portland. Compartieron el liderazgo del lado Noroeste del país con los Sonics, quienes se caracterizaban por un explosivo rock and roll.

Los Kingsmen empezaron a grabar en 1963 y estaba integrado por Jack Ely (guitarra y voz), Mike Mitchell (guitarra), Dan Gallucci (teclados), Bob Norby (bajo) y Lynn Earton (batería). Durante un año construyeron una reputación de los duros del R&B con Paul Revere & The Raiders como sus únicos rivales. Hicieron su primer demo con “Louie, Louie” y el instrumental “Haunted Castle” para conseguir trabajo en un crucero. La compañía naviera los rechazó, pero el productor Jerry Dennon, imprimió unas cien copias del disco. “Louie” comenzaba a sonar en todas las radios y fue versioneada por numerosos grupos, sin embargo la versión original de los Kingsmen era la preferida. Dennon hizo entonces un trato

El primer álbum de los Monks decía: “No lo escuches.

Cuenta desde nueve hasta el despegue”. Con su particular corte de pelo (a lo monje) proclamaban el triunfo del amor sobre las mentiras de la sociedad.

Question Mark and The Mysterians, de origen mexico-norteamericano, fue otra de las bandas que fijó el sonido de las Garage Bands con su “96 Tears”.

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Se convirtieron en la banda número 1 en los USA, apareciendo en 1965 en un sinnúmero de conciertos y shows televisivos junto a los Rolling Stones, Zombies, Kinks, Dusty Springfield, Beach Boys, Righteous Brothers, Four Seasons, Isley Brothers, Shangri-Las y otros. Aparecieron también (como no) en una película playera, “How to Stuff a Wild Bikini.” Con dos separaciones durante la era psicodélica y la era disco, y varios cambios en su formación, los Kingsmen siguen actuando hasta hoy. con el sello Wand de New York para distribuir el single en masa. Rápidamente el single alcanzó las listas de éxito, llegando al número 2 de los Billboards en 1964. El primer LP fue resultado de una grabación en vivo que realizaron en el club nocturno The Chase. El sello Wand incluyó el tema “Louie” con un fondo de multitud para simular una versión en vivo. “Money”, su segundo single fue sacado también del LP. Muchas realizaciones más le siguieron, en ese punto los Kingsmen tenían dos singles y tres LP en las listas al mismo tiempo.

Los Kingsmen en 1964 posando con sus discos de oro por la exitosa “Louie Louie” 322

PAUL REVERE AND THE RAIDERS Paul Revere formó los Downbeats a finales de los 50 en una ciudad de Idaho.

Con unas cintas de demostración, Revere fue a Los Angeles a golpear todas las puertas. No tuvo mucho éxito hasta que llegó al Gardenia de John Guss. Éste no sólo acordó grabar un disco sino también le pareció estupendo el nombre de Paul Revere, y sugirió que el grupo se llamara Paul Revere and the Nightriders (por el famoso héroe norteamericano). Así salió el primer single llamado “Beatnik

Sticks” que Revere llevó a las radios de Idaho para promocionarlo. Pero recién fue el tercer sencillo, el instrumental “Like Long Hair” lo que les llevó a ser escuchados a nivel nacional y lograr entrar en las listas en 1961. En 1962 se une el baterista Mike Smith y con la banda renovada comienzan a tocar más duro y desarrollan un maniático estilo en escena. Con esas tácticas y la promoción de Roger Hart (su nuevo manager), Paul Revere & The Raiders consiguieron mucho éxito, rivalizando con los Kingsmen.

En 1963 graban también “Louie Louie”, aunque no logran el éxito de los Kingsmen. De todas formas a Columbia Records le agradó lo sufieciente la versión de los Raiders como para contratarlos. En eso, Revere y Mark Lindsay descubren en una tienda de disfraces de Portland donde estaban tocando, unos trajes de soldados coloniales. Esa noche con los trajes puestos se presentaron a tocar haciendo un número cómico-rockero que encantó a la audiencia.

Paul Revere & The Raiders siguieron tocando soportando la invasión británica.

Gracias al programa de TV de Dick Clark y una serie de giras nacionales, su primer álbum llegó las listas en 1965. En octubre de ese año, los Raiders sacan “Steppin Out” que sería uno de sus grandes clásicos junto a “Just Like Me” con el que consiguieron su primer Top 20. Sus siguientes simples “Kicks” y “Hungry” escritas por Barry Man y Cynthia Weil llegaron al

número 5. A partir de ahí el grupo decidió componer sus propias canciones.

El primer producto de ese desarrollo fue “The Great Airplane Strike” (1967) compuesta por Lindsay-Melcher llegando a los Top 20, pero “Good Thing” (1967) consigue el puesto número 5. El grupo entonces aparece en el programa de Ed Sullivan y promueven su siguiente simple “Him or Me - What’s It Gonna Be” otro Top 5.

Al tiempo que los Beatles sacaban Sgt. Pepper, los Raiders se dan cuenta del desarrollo de la concienca social de ese tiempo, y su sentir se expresó en su siguiente single “Peace of Mind” y en el título de su álbum “Revolution!”. Lindsay produjo el simple “Too Much Talk” consiguiendo el puesto número 10 a comienzos de 1968. Desafortunadamente

Paul Revere, llevaba el nombre de un gran patriota de la revolución norteamericana, aprovechó esto dándole personalidad a su grupo. Sus actuaciones llenas de humor y rock and roll agradaron al público, pero la música de protesta y la psicodelia les quitaron audiencia.

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The Sonics, uno de los “puristas” del sonido áspero, su tercer álbum se relanzó en 1970 como el grupo que originó el sonido Punk.

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Paul Revere & The Raiders empezaron a recibir menos atención por los medios y su éxito comenzó a decaer.

Queriendo hacer frente a los nuevos tiempos deciden cambiar su nombre a simplemente The Raiders. Lo que resultó una confusión cuando sacaron su primer simple “Just Seventeen” y su álbum “Collage”, llegando apenas al puesto 154 desanimando completamente a Lindsay. De todas formas el gran éxito de los Raiders todavía estaba por venir.

Graban entonces “Indian Reservation (The Lament Of The Cherokee Reservation Indian)” en noviembre de 1970, siendo su único número 1. Disputas

entre Revere y Lindsay hicieron que éste dejara los Raiders en 1975. Tras unos años de retiro los Raiders con Paul Revere siguen tocando hoy día explotando la vena nostálgica.

THE SONICS Era una de las garage bands más populares localmente, pero que inexplicablemente no tuvieron mucha repercusión a nivel nacional, quizás porque su sonido no estaba diluído para la consumisión de las masas. Concibieron su nombre inspirados en las factorías de la Boeing que se encontraban en Seattle, así como el sonido estruendoso tipo “jet” que se oía en ese momento. Sus textos inspirados en historias de terror, guitarras distorsionadas y fuertísimas, y los gritos histéricos de su vocalista hicieron de “(She’s a) Witch”, “Boss Hoss”, “Cinderella”, “Psycho” y “Strychnine” verdaderos clásicos del género. The Sonics se formaron en 1963 en Tacoma, Washington, con Gerry Roslie (voz principal piano y órgano), Andy Parypa (bajo), Larry Parypa (guitarra), Bob Bennett (batería), y Rob Lind (saxofón). Su primer álbum es una obra maestra, ruda, agresiva, distorsionada con un sudoroso y frenético rock and roll. Su segundo album no era tan alocado, pero aún era fantásticamente bueno (dicen que su “Louie

Louie” es la mejor versión jamás grabada). Su tercer álbum de 1967, se relanzó recién a fines de los 70 con el título “The Sonics’ Original Northwest Punk”. Su último single antes de la separación fue “Any Way The Wind Blows” en 1968.

THE BOX TOPS

Formado a mediados de los 60 por Alex Chilton (voz y guitarra), Billy Cunningham (bajo), Gary Telley (guitarra), Danny Smythe (batería) y John Evans (órgano). El grupo consigue con su primer single “The Letter” un número 1 en 1967, tema que sería su sello. El siguiente “Neon Rainbow” no tuvo el mismo suceso, pero “Cry Like A Baby” llegó al número 2. Conocidos como la respuesta de Memphis a los Young Rascals de New York, los Box Tops se revelaron con una producción altamente sofisticada; Smythe y Evans fueron reemplazados después del segundo single por Tom Boggs y Rick Allen.

Los Box Tops mantuvieron una esporádica presencia en los Top 40 de USA entre 1968 y 1969, pero recapturaron su estilo original con “Soul Deep”, que llegó al puesto 18 a fines de 1969 siendo su último gran éxito. Chilton dejó la actuación a comienzos de 1970, incapaz de seguir soportando la presión de los éxitos obtenidos (él sólo tenía 16 años cuando logró su primer millón de ventas) y el grupo se separa definitivamente.

THE YOUNG RASCALS Felix Cavaliere era un estudiante en la Syracuse University en 1963 y tocaba en un popular grupo del campus Felix & The Escorts, cuando fueron invitados como teloneros de Joey Dee & The Starliters (famosos por su “Pepermint Twist”) en una gira por Europa. Ahí el tecladista Felix conoce a Eddie Brigati y Gene Cornish, quienes dejarían a los Starliters para formar un nuevo grupo junto al baterista Dino Danelli. Entre 1964 y 1965, la invasión británica estaba en su mayor auge, pero en New York el Soul y el R&B eran más populares, así los Young Rascals se presentan. Sid Bernstein, quien promovió el famoso concierto de los Beatles en el Shea Stadium, les consiguió que actuasen como teloneros, no sin antes firmar como su manager.

El disco exitoso y el reconocimiento del público vino rápido, cuando el fundador de Atlantic, Ahmet Ertegun los vió actuar en un club de Westhampton ofreciéndoles un contrato. El ingeniero y productor de Atlantic Tom Dowd recalcó: “Los Rascals eran inusuales. Tocaban agresivamente, aún las baladas. Había mucha energía allí, una energía positiva.

Ellos lo ponían todo en sus shows y se divertían. Se dedicaron a ese concepto”.

Era una banda blanca de rock tocando soul negro, una nueva idea en 1965.

El primer trabajo para Atlantic “I Ain’t Gonna Eat Out My Heart Anymore” de 1965, no tuvo mucha repercusión, pero su tercer trabajo “Good Lovin” (1966) les

La música de los Rascals era etiquetada por los medios como “soul de ojos azules”, un término que a Cavaliere nunca le gustó:“Siempre odié esa etiqueta ya que creaba una separación entre la música blanca y la negra. Era más un concepto de ventas.

Yo ni siquiera tengo los ojos azules”.

Cuando aparecieron, nadie tenía el ritmo, la chispa y la onda renovada de los Rascals.

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hizo estrellas. La canción pronto alcanzó el primer puesto en los Billboards y se hizo disco de oro. Los siguientes “You Better Run” y “I’ve Been Lonely Too Long” llegaron a los Top 20 ese año.

El punto máximo para Cornish y Cavaliere les llegó en 1968 cuando “People Got To Be Free” llegó al número 1. “El mensaje de esta canción es importante ahora y lo será siempre”, decía Gene.

Fue escrita en reacción a los asesinatos de Martin Luther King y del presidente Kennedy ese año. Este fue el disco de los Rascals que más vendió y además fue su último número uno. Sus siguientes álbumes con matices jazzísticos como “Peaceful World” y “The Island Of Real” (disco que Cavaliere consideraba como el mejor) les dió poco éxito comercial.

Tommy James and The Shondells aportaron su recio sonido a la historia del rock con clásicos como “Hanky Panky” y “Mony Mony”.

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Las fricciones personales también comenzaron a crecer y eventualmente Brigati y Cornish salieron de la banda. Para 1972 los Rascals dieron el carpetazo. Brigati grabó con su hermano David un álbum solista en 1976. Cornish y Danelli empezaron una nueva banda llamada Bullfrog y después formaron parte de los Raspberries. Danelli, Cornish y Cavaliere se volvieron a reunir en 1988 para un tour por los USA, pero se tuvieron que separar por problemas legales con el uso del nombre de la banda. Cavaliere continuó produciendo y realizando álbumes y tocando en 1994 para la Ringo Starr’s All Star Band.

En 1997, Los Young Rascals fueron introducidos en el Rock Hall Of Fame.

TOMMY JAMES and THE SHONDELLS El cantante y compositor Tommy James comenzó su carrera en Niles, Michigan, con una banda de acompañamiento en 1959 con el nombre de Tom And The Tornadoes, con un líder y cantante solista que tenía sólo 12 años, pero en 1963 pasaron a ser los Shondells y muy pronto grabaron en el sello Snap una versión

del tema de Jeff Barry y Ellie Greenwich “Hanky Panky” que habían cantado originalmente los Raindrops sin mucha notoriedad. Los Shondells dejaron de existir, hasta que tres años más tarde, la copia fue llevada por un disc jockey de Pittsburg para tocarla en su programa. La reacción del público hizo que se solicitaran ochenta mil copias más. En junio de 1966 “Hanky Panky” llegó al número 1 en los charts nacionales.

La agrupación nunca cambiada de los Shondells estaba integrada por Tommy James (voz y guitarra), Eddie Gray (guitarra), Ronnie Rosman (teclados), Mike Vale (bajo) y Peter Lucia (batería). Esta alineación logró el millón de ventas con “I Think We’re Alone Now” (1967), “Mony Mony” (1968), “Crimson and Clover” y “Crystal Blue Persuasion” (1969).

Tommy James & The Shondells lograron 23 singles de oro y 9 álbumes de platino con más de 100 millones de copias vendidas alrededor del mundo.

James fue también el primer artista en utilizar el sintetizador en la producción de su clásico LP “Cellophane Symphony” en 1968. Además de producir videos musi-

cales, empezando con “Mony Mony” en 1968, treinta años antes de MTV. “Draggin The Line” fue otro suceso en 1971, al tiempo que James fuera de vacaciones después de una amigable separación de los Shondells. Todas sus canciones fueron luego versioneadas por cientos de artistas como Billy Idol, Joan Jett, Neil Diamond o The Monkees, por nombrar sólo algunos. En más de treinta años de carrera Tommy James ha dejado su indeleble marca en la industria musical y en su generación.

“Una noche estaba tocando “Hanky Panky” para unos veinte borrachos en un bar de Michigan y a la siguiente para 10.000 fans gritones en Pittsburg” — Tommy James

THE GUESS WHO Banda de garage canadiense, conocida inicialmente como Chad Allen & The Expressions, estaba integrada por Chad Allen, Randy Bachman, Bob Ashley y Gary Peterson. Cambiaron su nombre a Guess Who y graban su primer hit, un éxito del británico Johnny Kid and The Pirates “Shakin’ All Over” en 1965.

Aunque tuvieron cierto suceso en Canadá no eran conocidos fuera. Después de cambios en la formación, Allen es reemplazado por Burton Cummings 327

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Los Guess Who fueron una de las primeras bandas canadienses en conseguir miles de seguidores en su propio país y en los USA, con clásicos como “American Woman” o “These Eyes”.

en teclados y voz, se establecen en los Estados Unidos, allí cambia la cosa y graban “These Eyes”, “Laughing” y “No Time” todos entran en los Top 10 en 1969. “American Woman” su tema clásico, consolidó su éxito, consiguiendo el número 1 para el single y el 9 para el álbum. Bachman sale en 1970 para formar Bachman Turner Overdrive, otro grupo clásico. Nuevamente la banda cambia de miembros y logra otro Top 10 con “Share de Land”. Su éxito final lo logran con “Clap For The Wolfman” con el que llegan al puesto número 6 en agosto de 1974. Se separan al año siguiente con la salida de Cummings.

THE ASSOCIATION En 1965 Russ Gugiere (guitarrista), Brian Cole (bajista), Terry Kirkman (flautista), Gary Alexander (guitarrista), Jim Yester (saxofonista) y Ted Bluechel (baterista) deciden “asociarse” y crear una de las fórmulas de soft-rock más exitosas de esos años. Después del supuesto himno a la marihuana “Along Comes Mary” exitazo que llega al número 6 de

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las listas, llegan al número 1 y ganan tres Grammys con la romántica balada “Cherish” en 1966. Al año siguiente abren el Monterey Pop Festival, ganando valiosa credibilidad ante nuevo público. Ese año con el sello Warner, logran dos nuevos hits, “Windy” (nº 1) y “Never My Love” (nº 2). Luego de la partida de Gugiere y la muerte de Cole en 1973 finaliza la exitosa carrera del grupo.

Bubble Gum Rock OHIO EXPRESS Esta banda fue líder del “bubblegum (chicle) rock” a fines de los 60. Bajo la producción de Jerry Kasenetz y Jeff Katz, el grupo logró llegar varias veces a los charts con el sello Buddah Records, esparciendo la locura del “rock chicloso”.

Ohio Express liderado por Tim Corwin, debutó en 1967 con el single “Beg Borrow and Steal” luego arrasaron con “Yummy Yummy Yummy” y “Chewy Chewy” en 1968, con diez millones de copias vendidas. Los siguientes grandes hits incluían “Mercy”, “Down At Lulu’s” y “Sweeter Than Sugar”. Su último suceso fue “Sausalito (Is the Place to Go)” en 1969. Tres décadas después el recuerdo de los Ohio Express permanece brillante con su alegre música de los buenos

tiempos. Las letras suenan frescas y sus arreglos suenan mucho más divertidos hoy que cuando estaban en el tope de las listas. La banda aún sigue de gira ocasionalmente en los USA y en Europa.

THE ARCHIES Esta banda de dibujos animados presentaba con la voz de Ron Dante y Andy Kim, el himno del bubblegum-rock “Sugar Sugar” en 1968, llegando al tope de los charts norteamericanos y británicos, y vendiendo más de seis millones de copias alrrededor del mundo. Los personajes de Archie, Betty, Verónica y los otros databan de 1942 cuando el dibujante John L Goldwater los había creado como tira cómica. Renovados por Don Kirshner (el mismo que reunió a los Monkees) se le ocurrió la idea de lanzarlos como grupo musical. Las canciones, obras de Jeff Barry y Andy Kim, eran creadas en el Brill Building. Los Archies tuvieron dos Top 10 más, “Bam Shang-A-Lang” (número 2 en 1968) y “Jingle Jangle” (número 10 en 1969), además de varios temas olvidables, antes de regresar a las tiras cómicas. Los Archies comenzaron la tendencia que seguirían después grupos como los Jackson 5 y los Osmonds.

Eventualmente deberían grabar algún disco pero con músicos de sesión.

El “grupo” (todos excepto Jones tenían habilidad real para tocar algún instrumento), tuvieron un instantáneo suceso, llegando al tope de los charts con su primer simple “Last Train To Clarksville”, y lo repitieron con “I’m A Believer”, que también entró en las listas inglesas. Con semanas conectados a la serie de TV, el cuarteto alcanzó gran popularidad con siguientes grandes hits, además de su tercer número 1 “Daydream Believer” en 1967, y de grandes ventas de sus álbumes durante 1968, hasta que la serie se terminó.

Después de realizar un horrible film “Head” con Frank Zappa y otros actores desconocidos, el grupo se separó en 1970. Subsecuentemente, Nesmith se lanzó en una carrera solista como compositor y cantante explorando el country-rock, alcanzando el estatus de culto y entonces vino a ser pionero de la industria del video, mientras que Dolenz y Jones se lanzaron hacia la actuación.

En los 80 se reunieron nuevamente para algunas actuaciones nostálgicas.

La serie The Monkees estuvo en pantalla entre 1966 y 1968, el tiempo suficiente para que el cuarteto vendiera más de seis millones de singles gracias a canciones como “I’m A Believer”, que había compuesto Neil Diamond. “I’m A Believer” fue su segundo No. 1 en Estados Unidos y su primero en Gran Bretaña, abriendole las puertas de todo el continente europeo.

THE MONKEES Bert Schneider y Robert Rafelson, dos empresarios de Hollywood, idearon una nueva serie de TV acerca de cuatro adolescentes que soñaban con llegar a la fama. Empezaron su búsqueda poniendo avisos en revistas y periódicos, se presentaron más de 400 personas a las audiciones para los cuatro locos y salvajes que se necesitaban. Fue así que reunieron a David Jones (voz), Mike Nesmith (guitarra y voz), Peter Tork (guitarra y voz) y Michael Dolenz (batería y voz).

Los llamaron The Monkees.

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Los “Folkies” de Greenwich Village

Las bandas británicas cambiaron la forma en que el rock and roll se tocaba y los cantantes americanos de folk cambiaron la forma en que el rock and roll se consumía. La fusión de la música y la política ya ocurrió comenzados los 60 y tuvieron un efecto duradero en la naturaleza y el propósito de la música rock. El rock vino a ser el vehículo primario de expresión, disidente contra el “establishment” y más tarde el aspecto más relevante de la contracultura. Aún cuando el elemento político no era predominante, el rock adoptó la contracultura. El rock nuevamente era discriminado y el folk de protesta también, esto era ya una tradición que hacía del rock un fenómeno “underground” por naturaleza.

La juventud norteamericana todavía buscaba una identidad y la música underground proveyó de muchos caminos para lograr esa meta. Esta verdadera revolución salió sin duda del Greenwich Village, un barrio de New York pleno de jóvenes bohemios y bares donde bullían los sentimientos, poesías y música alternativa. Los fanáticos de la música under, repudiaban a los oyentes pasivos, típicos de la música pop (quienes canturreaban los temas que sonaban incesantemente en la radio e idealizando a las estrellas que eran publicitadas por los medios) y adoptaban una actitud más independiente y crítica hacia la música. Ellos preferían los músicos no tan famosos, no publicitados y cuya música no era simple. Desarrollaron una alternativa al sistema de comunicación, promoviendo éste fenómeno que era ignorado por los medios masivos.

Ser la minoría vino a ser algo de lo cual estar orgulloso, nada de que avergonzarse.

Estos eran discriminados por la sociedad adulta, pero a la vez simpatizaban con los otros discriminados como los negros y los extranjeros. Esto obviamente tenía sus consecuencias políticas, algunas veces muy explícitas.

La revolución comenzó con los cantantes folk que pronto fueron identificados como compositores a pleno derecho, representados en la persona de Bob Dylan. La trancisión de los cantantes folk a los compositores “eléctricos” creó una gran brecha para el desarrollo de oportunidades artísticas.

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comercial de TV, lo que hizo que el disco llegara al oro.

Fred Neil también fue uno de los artistas más originales de la época, compuso “Bleecker And McDougal” (1965) que también tenía influencias del blues y del jazz, además de un incipiente tinte psicodélico. Tim Hardin compuso “Reason To Believe” (1965), “If I Were A Carpenter” (1967) y “Hang On To A Dream” em la misma vena de blues-jazz.

SIMON & GARFUNKEL JESSE COLIN YOUNG Comenzó como cantante folk en los cafés bohemios del Greenwich Village a comienzos de los 60 y tuvo la oportunidad de grabar uno de los más innovadores álbumes de folk en 1964 “The Soul Of A City Boy” y luego “Young Blood” en marzo de 1965 acompañado por músicos de jazz. Luego de esto conoce al guitarrista Jerry Corbitt, al tecladista Lowell “Banana” Levinger y al baterista Joe Bauer, con quienes forman Los Youngbloods. Firmaron para la RCA y sacaron su primer sencillo “Grizzly Bear” que llega a los charts en noviembre del 66. Pero su tema más recordado es “Get Together” que también llegó a las listas en 1967.

Luego de dos álbumes, la RCA publica “Get Together” como simple después de haber sido utilizada en un

Paul Simon y Art Garfunkel eran amigos en la secundaria cuando decidieron hacer un dúo, en 1955 Simon compuso algunos temas, incluido “Hey, Schoolgirl” (el primer tema del dúo), presentándose como Tom & Jerry en 1957, “Hey, Schoolgirl” logró vender ese año 150.000 copias. pero no fue sino hasta mediados de los 60 con el boom folk que Simon comenzará a escribir una serie de éxitos.

Aunque las cosas parecían ir bien, las siguientes grabaciones fueron un fracaso y el dúo se separa. Más tarde se volvieron a reunir para grabar “Wednesday Morning, 3 A.M.” (1964) en el que se incluía la canción “The Sound Of Silence” con instrumentación acústica. El álbum fue un fracaso comercial y Paul Simon se fue a Inglaterra tratando de lograr el éxito como solista. En Londres grabó “The Paul Simon Songbook” (1965).

Su primer gran éxito sin embargo les llegó casi por accidente: mientras el dúo se encontraba de vacaciones, el productor Tom Wilson adicionó guitarras eléctricas y bajos para darle cuerpo a la canción folk “The Sound Of Silence”, oca-

Simon y Garfunkel eran Tom & Jerry en 1957.

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sionando que llegara al puesto número 1. Dado el éxito que logró la canción en 1965 tuvieron que grabar material del disco que Simon grabó en Inglaterra para completar el álbum. La canción volvió a superarse al ser utilizada en la banda sonora de la película “El graduado” de 1967 estelarizada por Dustin Hoffman y Ann Bancroft. Los Sonidos del Silencio definió un estilo basado en el folk y en el rock que entró en total sintonía con la gente y la época.

En 1966 colocaron 3 álbumes y cuatro sencillos entre los 30 más populares.

“I’Am A Rock” llegó a ser número 3 y “Homeward Bound” fue número 5. Lue-

Paul Simon fue el poeta que mejor capturó la psiquis de su generación. Mientras Dylan hacía de vocero de las marchas por los derechos y las protestas universitarias, Simon & Garfunkel representaban el término medio, de los chicos tímidos e introvertidos, solitarios en su cuarto, estresados por la sensibilidad de la post-pubertad. Simon no escribía cacniones de protesta rabiosas, sino suaves, frágiles, etéreas y melancólicas odas.

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go, vendrían éxitos mayores con los discos “Bookends” y “Bridge Over Troubled Water”. “Bridge Over Troubled Water”, contenía la canción del mismo nombre, una especie de himno a la amistad que cantó Garfunkel con su voz tan particular.

El éxito les sonrió nuevamente y empujó al álbum hasta la cima por 10 semanas y logró ventas por 13 millones de copias en todo el mundo, asegurando para el dúo el estatus de estrellas en 1970.

A pesar del éxito, incapaces ya de seguir adelante, Simon se separó de Art Garfunkel. Paul Simon enfatizó su música hacia lo étnico, haciendo una sublime fusión entre lo occidental con la tradición africana en “There Goes Rhymin’ Simon” (1973), “Heart And Bones” (1983), y su famoso y controversial “Graceland” (1986). Mientras tanto Garfunkel se dedicó a la actuación, pero logró dos números 1 como cantante con “I Only Have Eyes For You” de 1975 y “Bright Eyes” en 1979. El 19 de septiembre de 1981, Simon y Garfunkel se reunieron nuevamente para un concierto en el Central Park de New York. Allí, frente a 400.000 espectadores grabaron uno de los discos

en vivo más vendidos, tanto que el doble álbum estuvo en el Top 40 y se sigue publicando aún hoy. En ese momento circularon rumores sobre una reunión, pero cuando Simon mandó borrar todos los acompañamientos vocales de Garfunkel en su álbum “Hearts and Bones” de 1983, los rumores terminaron.

Sin embargo el dúo siguió reuniéndose ocasionalmente para ciertas actuaciones durante los 90.

“COUNTRY” JOE MCDONALD & THE FISH Políticamente hablando, Dylan tenía su contrapartida en la Costa Oeste, “Country” Joe McDonald, nativo de California, se hizo un legendario artista agitador, durante sus actuaciones en las manifestaciones de estudiantes de la universidad de Berkeley de 1964.

Liderando una banda fundamentalmente campestre, Joe pronto descubrió a los hippies de San Francisco y el LSD, convirtiéndose en un político visionario del acid-rock y formó Country Joe & The Fish. Después de grabar algunos EP para el sello Takoma y varios cambios en la formación de su grupo, realizan su primer álbum “Electric Music For Mind And Body” en 1967, seguido por dos similares “I Feel Like I’m Fixin To Die” y “Together”. El momento más celebrado de McDonald llegó mientras tocaba la canción “Fish Cheer” (...gimme an F, gimme and U...) durante el concierto de Woodstock, canción antibelicista que trataba irónicamente el tema de Vietnam.

En 1970, McDonald se hizo solista y se dedicó a varias actividades, entre ellas,

grabando música para películas. Para 1974, junto a Barry Melton salieron de gira por la Gran Bretaña, grabando “Paradise With An Open View” en 1975 con un reformado grupo. Después del poco inspirado “Reunion” de 1977, siguió grabando álbumes solistas en su propio sello discográfico.

TIM BUCKLEY Tim Buckley, sintetizó un nuevo género musical, fusionando el folk, el blues, el jazz, el rock-psicodélico y la música de cámara. Muy pocos rockeros poseían la monstruosa intensidad y la tierna lírica de su trabajo. Las canciones de Buckley eran viajes a través de la psiquis del cantante. Buckley estaba más interesado en espejar las emociones del alma, enfatizando la melodía. Era un reflujo hacia el inconciente. El prácticamente cambió la idea de cómo el folk o el rock debería

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LA ERA DEL ROCK

Tim Buckley envejeció velozmente. Con 21 años ya había dado lo mejor de sí.

Canciones como ‘Morning Glory’, ‘Love from Room 109’, ‘Phantasmagoria in two’, ‘Moulin Rouge’ o ‘Song slowly song’ son especiales, quizás de las mejores compuestas en las décadas de los 60 y 70.

ser. Tim Buckley además poseía una de las voces más originales, una combinación de canciones africanas, cantos tibetanos, expresiones del jazz y lamentos del acid-rock, una extraña combinación que creó un nuevo estándar para cualquier futuro vocalista. Él convirtió su voz en un instrumento de orquesta, no sólo un vehículo para las palabras.

Tim Buckley nace en 1947 y a menudo se habla de él como músico fracasado y extravagante. Debutó como artista en 1966 con un álbum maravilloso y mágico, como toda su mejor obra, cuando apenas tenía 19 años. Este excelente disco

ya contiene todos los puntos claves de su música posterior. Y además contiene algunos de sus clásicos. Sorprende ante todo su madurez, su energía, el sonido arreglado y

sensual, enérgico y evocador. Es, sin duda, uno de los debuts más destacados de los 60. Las dos primeras canciones, “I can’t see you” y la balada orquestada “Wings”, ya definen un estilo propio y estremecen por su fuerza. Al año siguiente aparece “Goodbye and Hello” (1967) y luego, “Happy Sad” (1968), dos de sus obras fundamentales y la razón de que Tim Buckley ocupe el lugar que ocupa en la historia de la música popular. Si “Goodbye and Hello”, producida por Jerry Yester de los Lovin’ Spoonful, fue calificado de una versión pobre del “Blonde on Blonde” de Dylan, el larguísimo “Happy Sad”, acuñó el etéreo sonido del folk-jazz que no tenía precedentes.

Después del más convencional “Blue Afternoon” (1969), Buckley realizó el intuitivo “Lorca” (1970), álbum dedicado al poeta granadino y una de las obras maestras del rock de todos los tiempos. Aquí 334

La música de Tim Buckley tiene un componente vital indescifrable. Puede sonar a muchas cosas a la vez, pero siempre conserva su identidad. La voz de Tim nos envuelve en un sueño que nos transporta hacia el infinito.

la música deja el mundo real para entrar en un paisaje onírico y metafísico. Buckley canta como si estuviera en coma.

Las melodías aparecen y desaparecen en una atmósfera de lúgubre suspenso.

Sin embargo “Starsailor” (1970) su disco más enigmático, que es formalmente su álbum más perfecto, estaba lleno de un inaccesible jazz que fue demasiado para sus fans, aunque contiene su canción más estremecedora y por la que es más reconocido, la inmortal “Song to the Siren”, versioneada hasta el cansancio.

Su lado más comercial comenzó con “Greetings form LA” (1972) y “Sefronia” (1973) volvió a sus raíces folkies, mientras que “Look At The Fool” (1974) reflejaba todos sus problemas personales.

Como muchos otros cantautores y artistas de los 60 perdió la vida prematuramente a causa de la droga. Tenía 28 años cuando murió a causa de una sobredosis accidental de heroina en julio de 1975.

Un doble álbum en vivo que no se había publicado anteriormente, realizado en Londres en 1968, fué lanzado por el sello Demon en 1990 recibiendo una buenísima crítica y el agradecimiento por parte de los tristes fans.

SCOTT McKENZIE Nació el 10 de enero de 1939 en Jacksonville, Florida, con el nombre de Philip Blondheim. Es mundialmente conocido gracias a su único gran éxito: “San Francisco (Be Sure to Wear Some Flowers in Your Hair)” el cual convirtió en un himno de aquella generación y logrando que Mckenzie obtuviera un resonante éxito popular, ya que el tema llegó al tope de las listas en el verano de amor de 1967.

Creció en Carolina del Norte y Virginia, en donde entabló amistad con John Phillips (de los Mamas & The Papas) con quien compartiría lugar en varias agrupaciones. A mediados de los años 50, cantó por corto tiempo con Tim Rose en la escuela secundaria, dentro de un grupo llamado The Singing Strings, y después con Phillips, Mike Boran y Bill Cleary formando una banda de estilo Doo wop, llamada The Abstracts. En Nueva York, los Abstracts se renombraron The Smoothies y grabaron dos discos sencillos para el sello Decca Records. En 1961, Phillips y McKenzie conocerían a Dick 335

LA ERA DEL ROCK

Weissman y conformaron el grupo de folk The Journeymen con el que grabarían tres albumes para Capitol Records.

Antes de la separación de The Journeymen en 1964, ambos hablaron sobre formar un nuevo grupo. Mckenzie prefirió seguir en solitario y John contactaría a Denny Doherty, Cass Elliot y a Michelle Phillips, su segunda esposa. El grupo pronto emigró a California. Dos años después, Scott viajo a Nueva York y firmó para el sello de Lou Adler, Ode Records.

Phillips escribió y produjo “San Francisco” para Scott y fue lanzado en 1967.

De inmediato el tema se convirtió en un éxito y en una especie de himno hippie logrando posicionarse en las listas de todo el mundo, dentro de los Top 10.

Fue una canción muy popular en todo

The New Christy Minstrels sigue siendo uno de los grupos folk surgidos en los 60 que han tomado preminencia y en el cual han militado conocidas figuras como Kenny Rogers, Gene Clark (de los Byrds), Kim Carnes, Barry McGuire, Nick Woods o Terry Williams.

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el mundo. Scott logró otro hit menor llamado “Like An Old”, también producido y escrito por John Phillips. Su primer álbum, “The voice of Scott McKenzie”, fue seguido por otro de nombre “Stained glass Morning”. Dejó de grabar a principios de los setentas, radicándose en Joshua Tree, California y en Virginia Beach.

BARRY McGUIRE Barry McGuire es el típico “cantante de protesta” folk, nacido en Oklahoma en 1935. A principios de 1960 se muda a Nueva York y comienza un derrotero por bares y clubes hasta que logra grabar su primer single, “The Tree” en 1961, el cual no tuvo notriedad pero formó un dúo con Barry Kane; ambos se sumaron al grupo The New Christy Minstrels en 1962 y con “Green, Green”, Barry logra el primer single de éxito de la banda. Finalmente deja el grupo para iniciar una carrera como solista y en 1965 pone a la venta “The Barry McGuire Album”, su álbum debut que tampoco tuvo éxito. Con el apocalíptico tema “Eve of Destruction”

(compuesto por su amigo P.F. Sloan), de su segundo álbum “Barry McGuire Featuring Eve of Destruction”, logró su primer gran éxito, llegando al número 1 en septiembre de 1965. Convertida en una de las más importantes canciones de protesta de la década de los 60, es un resumen de buena parte de la filosofía hippie con respecto a la situación del mundo.

De la misma vena es el tema “Sins of the Family” también de P.F. Sloan.

En 1966 graba su segundo álbum para el sello Dunhill “This Precious Time”, que incluye una versión de “California Dreamin’” con The Mamas and the Papas cantando en los coros. Barry también incursionó en otras áreas artísticas, apareciendo en la película “The President’s Analyst” de 1967 con James Coburn y haciendo un papel estelar en el musical de Broadway “Hair” en 1971. Ese mismo año se convierte en cristiano participando del Jesus Movement, un movimiento de renovación dentro de la música gospel que venía a ser como una respuesta cristiana al movimiento hippie que rozaba lo pagano. En 1973 se cambia al sello de música gospel Myrrh, realizando el álbum “Seeds”. Prosigue su nueva carrera con “Lighten Up” de 1974 que incluía una nueva versión de “Eve of Destruction”.

Realizó giras con 2nd Chapter of Acts y A band called David” en 1975, de las cuales saca un doble álbum en vivo “To the Bride”. Al año siguiente deja Myrrh y firma con el nuevo sello Sparrow con quienes publicaría “Cosmic Cowboy” en 1978.

Hasta comienzos de los 80 siguió haciendo giras y conciertos por los USA y Gran Bretaña; luego de lo cual se aleja de la escena musical asentandose en Nueva Zelanda, pero regresa a su país en los 90, grabando cuatro discos desde el 96 al 2000 con su amigo Terry Talbot. Actualmente reside en California y sigue tocando.

TRINI LOPEZ En 1937, nace Trinidad López III en la ciudad tejana de Dallas, más conocido como Trini Lopez, cantante y compositor cuyo mayor éxito fue su versión de un tema de Pete Seeger: “If I Had A Hammer” (Si yo tuviera un martillo). Era hijo de un cantante, bailarín, actor y músico mexicano que emigró con su familia a Texas en busca de una vida mejor. Vivían en un barrio de Dallas llamado “Little Mexico” (Pequeño México), allí nacieron sus hijos, a quienes enseñó el amor por la música… y a separarse de las malas compañías del barrio en que vivían.

Formó su primera banda a los 15 337

LA ERA DEL ROCK

Si bien no llegó a dominar las multitudes como Elvis Presley o Tom Jones, el mexicanoamericano hizo bailar a toda una generación con sus pegadizos tarareos mitad en español y mitad en inglés.

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años en Wichita Falls, Texas. Trini despuntó como cantante y grabó algunas canciones propias en pequeñas compañías y sin mucho suceso hasta que logró llegar a Hollywood. En un popular local nocturno llamado P. J.’s fue descubierto por el productor Don Costa, éste le ofreció un contrato de ocho años con el sello discográfico Reprise, del que era dueño uno de los artistas con los que trabajaba: Frank Sinatra. Su primer álbum se títuló “Trini Lopez at P. J.’s”, y fue un sorpresivo número 1 en el verano de 1963, vendió cerca de 10 millones de placas en todo el mundo y permaneció en el chart de los Estados Unidos durante dos años. El antes mencionado single “If I Had A Hammer” llegó al puesto Nº 3 y en Inglaterra el nº4. La canción fue compuesta por los patriarcas del folk Lee Hays y Pete Seeger en 1949, muy pocos utilizaban palabras como “paz” y “libertad” en aquellos lejanos tiempos, envueltas en un mensaje que decía que tenemos las herramientas para conseguirlo. Ese mismo año grabó La Bamba, el clásico de Ritchie Valens que de inmediato lo convirtió en un hit mundial.

Entre 1963 y 1968 grabó 14 álbu-

mes y 13 singles, todos exitosos. El punto fuerte de Trini López siempre fueron sus presentaciones en vivo, muchas de ellas terminaron convertidas en álbumes de buena repercusión. Trini López logró adosarle a los temas folk lo mejor de los ritmos latinos y con esta fórmula no tardó en imponerse en el mercado discográfico mundial. La popularidad de Trini comenzó a crecer a ambos lados del Atlántico, gracias a su facilidad para romper las barreras del idioma; Francia, Italia, España y Holanda deliraron con sus versiones personales de los viejos temas de rock & roll. En 1965 Trini López lanzó un nuevo hit, “Lemon Tree”, y volvió a los charts de nortemaérica nuevamente.

Además ese año viajó por primera vez a la Argentina donde ofreció dos shows a lleno total. Estando en la cima, decide hacer su incursión por el cine, participando en “The Dirty Dozen” y “Marriage On The Rocks”, pero esto no tuvo continuidad.

Después de los sesenta su presencia en las listas y la industria fue disminuyendo rápidamente, sólo grababa esporádicamente entre 1971 y 1972, pero siguió presentandose en clubes nocturnos de Las Vegas hasta bien entrados los 80.

DONOVAN La influencia de Bob Dylan también tuvo fuerza en Europa, donde la tradicion folklórica ya tenía matices parecidos, de todos los cantantes folk sobresalía el escocés Philip Leitch, mejor conocido como Donovan, representando la quintaescencia de los ideales hippies. La suave, melosa y bucólica balada “Fairy Tale” (1965) evocaba un mundo de paz y amor de las comunas que vivían en los bosques. Experimentó con la música occidental y el jazz en “Sunshine Superman” (1966), preparando el camino para el futuro acidrock y el rock progresivo. Donovan era el

alter-ego de Dylan, mientras que Bob era crudo y realista, Donovan era el soñador; Dylan pertenecía a un período histórico, mientras que Donovan vivía en un eden trascendente; Dylan era el cruzado envuelto en épicas misiones, Donovan era un hermitaño abrumado por la naturaleza; Dylan era el profeta visionario y Donovan era un humilde monje. Donovan fue proclamado por los medios como la respuesta británica a Bob Dylan, ya que mucho de sus pensamientos y material estaban dirigidos hacia el folk. Pero la música de Donovan fue mucho más accesible para el gran público que las profundas letras de Dylan.

Desde que abandonó el colegio, tuvo muchos empleos y recorrió Inglaterra “tocando por tocar y viajando por viajar”, Donovan llama a esa época la del “peregrinaje gitano”. Su suerte empezó a cambiar cuando es descubierto, mientras ofrecía un pequeño show en un pub, por Peter Eden y Geoff Stephens, quienes se convirtieron inmediatamente en sus representantes. A los pocos meses grabó un demo y apareció en el show televisivo “Ready, Steady, Go”, donde actuó durante tres semanas consecutivas.

Gracias al programa, Donovan adquirió una notable popularidad, siendo un músico que recién empezaba. Con 18 años, su armónica, su sombrero y chaqueta de jean, se presentaba al público televisivo semanalmente interpretando canciones de Woody Guthrie con su propio estilo.

Su primer hit “Catch The Wind” lo realizó en 1965, en respuesta al “Chimes of Freedom” de Dylan. El filme documental “Don’t Look Back” muestra a Dylan haciéndose amigo de Donovan, quien en ese momento acompañaba a Joan Baez, que a su vez grabó su canción “Colours” adquiriendo así sus propios seguidores en los Estados Unidos.

Con Mickie Most como productor, Donovan se “electrifica” en 1966 con

su tema “Sunshine Superman” y graba muchos extravagantes hits como “There Is A Mountain”, “Jennifer Juniper” y su éxito norteamericano “To Susan On The West Coast Waiting”. Para ese tiempo Donovan es identificado como el lider no-oficial del movimiento flower power inglés. En 1968 ayudó a Lennon y McCartney a completar su “Yellow Submarine” y Paul puede ser escuchado como acompañante en la canción de Donovan “Mellow Yellow”. “Barabajagal” de 1969, fue su último single exitoso en la Gran Bretaña, producido en colaboración con el guitarrista Jeff Beck. En los 70 no logró grandes sucesos a excepción de “7 tease” y el aporte a la música para la película “Brother Sun and Sister Moon”, sobre la vida de San Francisco de Asís. Sus canciones retuvieron la inocencia de la era hippie y aún sigue produciendo.

Donovan brilló en los 60 llevando un mensaje sencillo.

Fue visto por sus pares como un ingenuo, tal vez porque sus canciones eran demasiado optimistas, pero eran temas completos, con un gran aporte instrumental y una voz que recordaba a los trovadores de la edad caballeresca.

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LA ERA DEL ROCK

Folk Rock El matrimonio, aparentemente imposible, entre el folk y el rock vió nacer el “folkrock”. Este movimiento artístico, fue el invento de dos productores: Tom Wilson (uno de los que “electrificó” a Bob Dylan y a Simon & Garfunkel) y Terry Melcher (el que “electrificó” a los Byrds), el punto de partida fue la controvertida presentación de Bob Dylan en el Festival Folk de Newport en 1965, cuando el sonido de las guitarras eléctricas escandalizó al propio Bob Seeger y el público abucheó a Dylan tratándolo de traidor y vendido. Lo que sucedía era que el rock and roll era considerado por los “folkies” como algo puramente comercial, que no decía nada importante, a pesar de eso, muchos músicos consideraron esta opción de electrificar el folk como una nueva brisa. El folk-rock era una manera de interpretar el espíritu (sin reproducir el sonido) de las bandas del Mersey-beat en un contexto americano. Los Beau Brummels en San Francisco y los Byrds en Los Angeles fueron los pioneros del sonido “jinglejangle”, un frenético acompañamiento de guitarras eléctricas a las melodías folk, que ocasionalmente eran cantadas con armonías vocales múltiples al estilo Beach Boys).

THE BYRDS La omnipresente guitarra de McGuinn además de las complejas armonías vocales, dieron el sonido característico a los Byrds.

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The Byrds fueron la banda que co-desarrolló (y popularizó) el folk-rock, acidrock, raga-rock y el country-rock, siendo responsables más que ningun otro de crear el sonido “Americano” y más específicamente, el sonido “California” de mediados de los 60. Se formaron a comienzos de la década en Los Angeles durante la llamada “invasión británica” en 1964 y estaba integrado por Roger McGuinn (guitarra y

voz), Gene Clark (voz y percusión), David Crosby (guitarra y voz), Chris Hillman (bajo y voz) y Michael Clark (batería). Al principio eran los Jet Set que solían tocar en la escena folk, pero luego vieron un puente entre los Beatles y Dylan, que cruzaron para crear un nuevo concepto.

Firmaron contrato con Elektra como los Beefeaters, pero fue cuando firmaron con Columbia que se quedaron definitivamente con The Byrds. Ya que el grupo The Animals había tenido éxito con temas de Dylan, se les propuso grabar una versión de “Mr. Tambourine Man”.

Sus melódicas armonías vocales y el reconocimiento instantáneo de la guitarra eléctrica de 12 cuerdas de McGuinn les dió sus primeros dos números 1 en los USA, “Mr Tambourine Man” y “Turn Turn Turn” en 1965.

Se pueden diferenciar tres épocas de los Byrds: la época folk-rock, representada por “Feel A Whole Lot Better” (1965) y sobretodo por los covers de Dylan (“Tambourine Man”); la era psicodélica, anunciada por “Fifth Dimension” (1966) uno de los primeros álbumes psicodélicos, y perfeccionada por “Younger Than Yesterday” (1967), que era más compleja y erudita que lo común, prestando elementos del free-jazz y la música hindú (“Eight Miles High” inventó el raga-rock).

Cuando David Crosby dejó el grupo y vino Gram Parsons en su lugar, el sonido

se volvió hacia el viejo estilo de Nashville. “Notorious Byrd Brothers” (1968) era todavía una excéntrica mezcla de acid, raga, pop y country, pero “Sweetheart Of The Rodeo” (1968) fue uno de los dos álbumes acreditados como inventores del country-rock. Todas estas épocas tienen en común la guitarra de Roger McGuinn.

Disputas internas produjeron una serie de cambios en la formación durante el resto de la década, Crosby los dejó para formar Crosby, Stills & Nash, Hillman y Gram Parsons, que formaron parte de los Byrds desde 1968, dejaron el grupo para formar los Flying Burrito Brothers, y Gene Clark se hizo solista.

Para 1970, McGuinn era el único miembro original que quedaba, así, con el guitarrista Clarence White y el baterista Gene Parsons (no era pariente de Gram), continuaron los Byrds hasta 1973.

En 1973 Gram Parsons murió por abuso con las drogas y White murió en un accidente automovilístico. Se hicieron varios intentos de reunión a lo largo de los 70 pero de corta vida. Aún así los Byrds ya tienen el estatus de pioneros del folk-rock, la psicodelia y el country-rock. Gene Clark falleció en 1991, Crosby aún toca junto a Stills y Nash, y Hillman tiene una exitosa carrera como solista de country con su grupo Desert Rose Band. McGuinn continúa solo, pero a veces suele actuar junto a Tom Petty & The Heartbreakers.

El álbum “Sweetheart of the Rodeo” de 1968 es uno de los álbumes acreditados como inventores del Country-Rock, gracias a la intervención de Gram Parsons y la genial guitarra de McGuinn 341

LA ERA DEL ROCK

LOVIN’ SPOONFUL A comienzos de 1965 cuando la “invasión británica” dominaba la escena musical norteamericana, dos rockeros de Long Island, Steve Boone y Joe Butler, hicieron equipo con dos “folkies” del Greenwich Village, John Sebastian y Zal Yanovsky, para formar los Lovin’ Spoonful y empezar a grabar y cantar algunas de las canciones que llegaron a dominar los charts, estableciéndolos como uno de los grandes grupos de la época.

John Sebastian era miembro de la Even Dozen Jug Band.

Era maestro de la armónica y un maravilloso escritor de canciones.

Zal Yanovsky era miembro 342

de los Mugwumps (que tenía entonces a dos cantantes desconocidos, Cass Elliot y Denny Doherty, que luego formarían parte de Mamas and Papas). John le dijo a Zal que quería formar una banda americana que no sonara como los británicos.

John quedó muy impresionado con la interpretación de Zal en la guitarra y su forma de disfrutar el escenario. Steve Boone y Joe Butler le dieron al dúo la sección rítmica que faltaba. Pero Steve también tenía gran talento para componer y Joe una gran voz para acompañamiento vocal (llegó a ser voz líder en varias de las mejores canciones de los Spoonful).

Grabaron cuatro canciones para Electra Records. Además eran un número habitual en el Nite Owl Cafe en Greenwich Village.

Su primera grabación “Do You Believe in Magic?” casi fue producida por Phil Spector, pero Sebastian pensaba que él era demasiado para el grupo. La canción salió en agosto de 1965 y llegó al Top 10. El álbum llegó a entrar entre los Top 40. Varios exitosos singles y álbumes le siguieron. “Daydream” fue número 2 en 1966 y “Summer In The City” logró el éxito a fines de ese año.

Pero no todo era perfecto para los Lovin’ Spoonful. En 1967 comenzaron las rencillas entre Sebastian y Yanovsky, luego Steve Boone y Zal fueron arrestados por posesión de marihuana. Zal casi fue deportado por que era canadiense, pero logró zafarse de la condena. Los Spoonful fueron los “malditos” para los demás músicos contemporáneos. Finalmente Zal dejó el grupo siendo reemplazado por Jerry Yester para grabar el álbum “Everything Playing” de 1967. El futuro del grupo ya estaba sentenciado.

Zal Yanovsky hizo algunas grabaciones durante los 70, pero se dedicó a su restaurant en Ontario, hasta su muerte en 2002 a los 57 años. Los Lovin’ Spoonful se separaron definitivamente en 1968.

John Sebastian continuó su carrera solista, grabando varios álbumes. Apareció como invitado en el Festival de Woodstock (y en la película) de 1969.

Además acompaño a Jim Morrison y los Doors en el estudio, grabando las partes de armónica en la canción “Roadhouse Blues”. Pero fue su “Welcome Back” de 1976 el que le dió su mayor éxito, llegando al puesto número 1.

Jerry Yester, Steve Boone y Joe Butler todavía están de gira como los “Lovin’ Spoonful”. Los cuatro miembros originales aparecieron en escena para recibir su premio en el Rock and Roll Hall of Fame en 2000.

BUFFALO SPRINGFIELD Otra banda clásica de los Angeles con sus bases instrumentales y de guitarras casi neuróticas, eran los heraldos de una nueva era para el folk-rock. El grupo es-

taba formado por Richie Furay (guitarra y voz), Stephen Stills (guitarra y voz), Neil Young (guitarra y voz), Dewey Martin (batería) y Bruce Palmer (bajo).

Stills, que venía de fallar en la audición para los Monkees, conoce a Furay en New York en un club “a go-go” y se inspiraron en los Beatles para hacer un grupo pop en 1965. Young, Palmer y Martin, todos canadienses, se unieron al dúo cuando se mudaron a Los Angeles.

En aquel momento sus managers eran Sonny & Cher, quienes le consiguieron un contrato de grabación para Atlantic en 1966. La canción “For What It’s Worth” cantada por Furay e inspirada en la brutalidad policíaca en una marcha estudiantil, fue su primer éxito, llegando al número 7 en 1967. Palmer fue reemplazado entonces por Jim Messina. Pero la banda no era lo suficientemente grande para manejar a tres grandísimos talentos juntos, por lo que “Last Time Around”

Buffalo Springfield fue una banda capital en la evolución del folk-rock y del countryrock, además de que contaba con grandes personalidades del rock como Richie Furay, Stephen Stills, Neil Young o Jim Messina.

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LA ERA DEL ROCK

(1968) y el álbum “Buffalo Springfield Again” fueron grabados individualmente. El grupo se desintegró: Young se fue luego de que la banda se presentó en el festival de Monterey, David Crosby lo reemplazó temporalmente. Después de la separación final en 1968, Furay y Messina forman Poco, mientras Young y Stills se reagrupan con Graham Nash y David Crosby en 1969 para mezclar guitarras acústicas y eléctricas además de sus portentosas armonías vocales y recibir el beneplácito del público.

BEAU BRUMMELS

Los Brummels fueron una gran banda, a la altura de los Byrds o los Spoonful, pero no pudieron conseguir el éxito comercial.

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Liderados por el talentoso compositor y guitarrista Ron Elliott y el fenomenal cantante Sal Valentino, consiguieron introducir en sus temas pop, influencias beat, elementos sonoros del folk o el country, convirtiéndose en pioneros (tanto como The Byrds, Lovin’ Spoonful o Buffalo Springfield) aunque poco reconocidos en la historia del rock.

Influenciados por los Beatles y los Searchers, los Beau Brummels se formaron en la ciudad de San Francisco cuando Sal Valentino (Sal Spampinato)

se unió al guitarrista Ron Elliott, al bajista Ron Meagher y al batería John Peterson, los tres componentes de The Sparklers. A éstos, se añadió poco después un segundo guitarrista, Declan Mulligan, con quien conformaron el quinteto que adoptó finalmente el nombre de Beau Brummels.

Comenzaron su carrera actuando en diversos locales de la ciudad californiana, tocando temas de la ola británica que estaba haciendo furor en esa época. En uno de estos conciertos fueron descubiertos por el empresario y disc-jockey Tom Donahue, quien les ofreció un contrato con su compañía de discos Autumn Records, en donde publicaron su álbum debut “Introducing The Beau Brummels” (1965), un excelente disco con trazos de los Fab Four. Los magistrales singles “Laugh, Laugh” y “Just a little” demostraban la gran calidad del grupo que les llevó a cosechar muy buenos resultados en ventas, alcanzando los puestos número 15 y 8 respectivamente en las listas de éxito.

Su segundo LP, “Volume 2” (1965), contenía los sencillos “You tell me why” y “Don’t talk to strangers”, que a pesar de mantener la calidad no obtendrían los provechos comerciales de sus trabajos previos. Los problemas financieros

THE MAMAS & THE PAPAS

de Autumn Records y la imposibilidad de que Ron Elliott, pudiera salir de gira regularmente con la banda por padecer diabetes, hizo que los Beau Brummels sufrieran un período de incertidumbre en el que Mulligan abandonó la formación. Su segunda etapa se iniciaría en el sello Warner, que absorbió a su antigua compañía.

En la Warner y con la incorporación del nuevo guitarrista Don Irving, debutaron con “Beau Brummels 66” (1966), un álbum de covers que el sello les obligó a grabar en contra de sus deseos. Este disco fue realizado con el objetivo de intentar atraer ventas a través de hits populares de la época, la estrategia salió mal y resultó un descomunal fracaso, lo que provocó la marcha del baterista John Peterson y del guitarrista Irving. El trío restante sorprendió sin embargo con “Triangle” (1967), un álbum con toques de psicodelia y mucho más experimental. A pesar de la calidad del LP, los Beau Brummels no lograron el éxito merecido. Los dos miembros claves de la banda, Valentino y Elliott, prosiguieron como dúo y publicaron “Bradley’s Barm” (1968), lleno de gran country-rock que se alejaba de sus trabajos anteriores. A pesar de todo el esfuerzo, sólo cosecharon frías críticas y escasas ventas por lo que el dúo decidió separarse para proseguir en solitario. En 1974 los miembros originales intentaron nuevamente sin éxito la recuperación de la banda.

Este original grupo formado por Michelle Gilliam, “Mama” Cass Elliot, John Phillips y Denny Doherty venían de las bohemias playas californianas. Sus perfectas armonías vocales, arregladas por John, se desarrollarían cuando los cuatro se encontraron de vacaciones en las Islas Vírgenes en 1964. Phillips trabajaba entonces en New York como músico folk, pero como tenía muchas conexiones en compañias disqueras en Los Angeles, decidió mudarse.

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LA ERA DEL ROCK

The Mamas & The Papas fue una agrupación fundamental para el folk-rock de mediados de los 60. Intérpretes de verdaderos himnos de la época dorada del “flower power” como “California Dreamin” o “Monday Monday”.

Acompañados por músicos de sesión, el cuarteto realizó sus primeros dos singles “California Dreamin” y “Monday Monday” en 1966, ambos temas se convertirían en su marca registrada y la banda sonora de una época. Estos clásicos inmediatos fueron seguidos por otros éxitos internacionales como, “I Saw her Again”, “Dedicated To The One I Love” y “Creeque Alley” este último muy popular en Los Angeles, por tratarse de historias cortas muy reales del mundo farandulero. Phillips fue uno de los que organizó el Monterey Pop Festival de 1967, seguro de que la performance de The Mamas & The Papas en el evento haría crecer su reputación. Pero el divorcio de Phillips y Gilliam, además del uso y abuso de drogas por parte del grupo, finalmente terminó por separarlos en 1968. Los cuatro sin embargo siguieron en el negocio del entretenimiento, Michelle Phillips se hizo actriz, pero sólo “Mama” Cass Elliot tuvo éxitos musicales, principalmente en

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Inglaterra, donde murió en 1974.

Doce años después, Doherty y un más saludable Phillips, con McKenzie Phillips (la hija de John y Michelle) además de Spanky McFarlane como vocalistas femeninas, hicieron una nueva versión del grupo para actuar en números nostálgicos en una serie de conciertos.

Luego Doherty fue reemplazado por Scott McKenzie, que era recordado por su enorme éxito con uno de los himnos de la “flower power” “San Francisco (Be Sure To Wear Flowers In Your Hair)”, que había sido escrita por John Phillips.

SONNY & CHER Muchos me preguntarán qué hacen Sonny & Cher en estas páginas. Lo cierto es que son un poco inclasificables, hicieron tanto folk como rock and roll, música de variedades y comedia, finalmente hasta política (sin mencionar que fueron managers de Buffalo Springfield). Pero

la verdad es que estas “almas gemelas” son todo un símbolo de ésta época y su aporte a la música pop y al mundo del espectáculo como lo conocemos hoy es grandísimo.

Sonny Bono (Salvatore Bono) y Cher (Cherilyn Sarkasian LaPierre) se conocieron cuando Bono era asistente de Phil Spector y Cher estaba probando como acompañante vocal de las Ronettes en 1963. Bono era escritor y productor y así fue que tomó control de la carrera musical de Cher, con quien se casó en 1964.

Después de unos retoques salío a la venta su primer single “I Got You Baby” en 1965, convirtiéndose en un transatlántico número 1.

De la noche a la mañana se hicieron superestrellas, siguieron la racha con una serie de hits, grabando como dúo o como solistas. Con los cambios que ocurrían en la música, decidieron probar con el cine, pensando que su éxito en la música les traería idéntica suerte, pero no

fue así, el fracaso en el cine les lleva por otro camino. Hacia 1967 deciden dedicarse al entretenimiento en los circuitos de cabaret de Los Ángeles y Las Vegas.

Su simpatía y originalidad les valió una oferta para tener su propio programa televisivo de tono cómico-familiar-musical y de variedades a principios de los 70, su gran profesionalismo les valió un enorme éxito, además de sentar precedentes de cómo debería ser un programa como ése. Cher por su parte logró tener tres singles en el primer puesto entre 1971 y 1973. En 1974 la pareja se divorcia pero siguen trabajando juntos en un revival de su show televisivo en 1976. Sonny Bono deja el espectáculo para dedicarse a la política, consiguiendo el cargo de alcalde de Palm Springs y luego el de senador republicano, murió en 1998. Cher siguió dedicándose a la música junto a su nuevo marido, el rockero Greg Allman, pero sin mucho suceso hasta que “Take Me Home” logra un

Sonny & Cher, lejos de representar el triunfo del comercialismo, demostraron ser altamente profesionales.

Su simpatía, originalidad y calidad musical les valió un puesto especial en la historia de la música popular y del espectáculo en general.

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hit en 1979. Durante los 80, decide poner prioridad a su carrera de actuación y gana un oscar en 1987 por “Hechizo de Luna”. Regresa a la música en 1989 con el álbum “Heart Of Stone” que fué un éxito en USA y GB, y su “If I Could Turn Back Time” alcanzó entrar entre los Top 10. Cher continuó de gira durante todos los 90, realizando un inmenso espectáculo de despedida en el 2004.

THE GRASS ROOTS Unas de las voces más escuchadas en la radio a mediados de los 60 hasta principios de los 70 pertenecían a los Grass Roots liderados por el vocalista Rob Grill. Rob era nativo de Hollywood, California, poco después de terminar la escuela comenzó a trabajar en los estudios de la American Recording con algunos amigos músicos; Cory Wells y John Kay, quienes más tarde formaron parte de Three Dog Night y Steppenwolf respectivamente. Convencidos de empezar su propia banda forman The Grass

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Roots. Con el apoyo del exitoso productor Steve Barri (Mamas & Papas, Tommy Roe, Four Tops y Dusty Springfield). Su primer single exitoso “Where Were You When I Needed You” es un gran éxito en 1966. Luego hacen un canto a la libertad con “Let’s Live For Today” en marzo del 67 y vuelven al comericalismo con “Bella Linda” en 1969. Los Grass Roots metieron en los charts 29 singles, 13 de los cuales llegaron a disco de oro, seguidos por 2 álbumes de oro y 1 de platino, vendiendo más de 20 millones de discos en todo el mundo.

LOVE Banda mítica del rock, formado en Los Angeles en 1965 por Arthur Lee (guitarra y voz), Bryan McLean (guitarra y voz), John Echols (guitarra), Ken Forssi (bajo) y Alban Pfisterer (batería). Hicieron su álbum debut en 1966, que pasó sin mucho suceso. Para el segundo álbum, Michael Stuart se unió como baterista; Pfsisterer se encargó de los teclados y el saxo an-

tes de salirse de la banda. Su original sonido folk-rock, híbrido entre los Rolling Stones y los Byrds, se fue desarrollando incluyendo rock y jazz, culminando en el excelente “Forever Changes” (1967), álbum de culto del que todo rockero que se precie debería hacerse con una copia.

Changes” no tuvo en su momento el éxito esperado en los USA, y apenas logró entrar entre los Top 30 en la Gran Bretaña.

Su estilo se asentaba sobre un combinado de influencias, con elementos de rock and roll, rock de garage, folk y psicodelia.

En aquel año dorado, todos los críticos coincidieron en citar el álbum como una de las piezas maestras de la temporada.

Aquel registro era una especie de suite de canciones en las que se utilizaban con extraordinaria sensatez guitarras acústicas, cuerdas y metales, con un resultado que se hace difícil de catalogar. Una de las canciones más representativas de aquel proyecto fue una composición del desaparecido Bryan MacLean, “Alone Again Or”, que llegó a editarse como disco sencillo. A pesar de su excelencia, “Forever

Dos años después, el álbum “Four Sail” salió a la calle, en el cual sólo había participado el cantante Arthur Lee de la formación original. Tras otro álbum fallido, una nueva formación realiza “False Start” en 1970, donde Jimmi Hendrix toca como invitado. Lee, influenciado por el toque de Hendrix realiza “Vindicator” y luego aparece “Reel To Real” en 1974, ya con otra nueva formación.

Desde ahí empieza el declive; en 1982 la disquera MCA en un intento de relanzar Love, saca a la venta un álbum mitad en vivo, mitad en estudio de temas raros y no publicados anteriormente desde 1970, pero tuvo una escasa acogida. En 1992, Lee regresa con un álbum solista “Arthur Lee & Love” y lo promociona ampliamente en un tour por Europa.

El tercer álbum del grupo Love, “Forever Changes” es una de las obras maestras del rock hippie, álbum de culto que no debería faltar en la colección de todo buen rockero.

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THE TURTLES “Happy Together”, “She’d Rather Be With Me” y “Eleonore” Eran canciones de celebración de una nueva cultura, la cultura joven y les dieron a los Turtles éxitos internacionales durante 1967 y 1968, pero no pudieron repetir el suceso en el mercado de los álbumes.

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Otro grupo californiano que empezó originalmente como una banda de surf rock llamada The Crossfires from the Planet Mars; fue fundada en 1965 en Westchester (Los Angeles) por Howard Kaylan y Mark Volman. Con la ayuda del DJ y propietario del club Reb Foster, The Crossfires firmaron un contrato con White Whale Records. Pero decidieron dejar el surf-rock para aprovechar la tendencia musical del momento, se conviertieron en un grupo de folk-rock llamado ahora “The Tyrtles”, con un error de ortografía intencional inspirado en “The Byrds”.

Pero ese “error” lo corrigieron muy pronto. Lanzaron su primer single “It

Aint’t Me Baby”, un cover de Bob Dylan, alcanzando el puesto número 10 en los charts en el verano de 1965 siendo éste el sencillo principal del primer álbum de la banda el cual llevaba el mismo nombre.

The Turtles estaba formado por Howard Kaylan (después Kaplan), Mark Volman, Al Nichol, Chuck Portz, Jim Tucker y Don Murray. Siguieron en la corriente con un tema de P.F. Sloan “Let Me Be” (1966) que llego a ocupar un lugar dentro de las Top 30 durante el otoño. Su tercer hit, “You Baby” (escrito por P.F. Sloan y Steve Barri), estuvo en los Top 20 a principios de 1966.

A pricipios de 1967, la gira tan extenuante y la falta de éxitos en las listas de popularidad, motivaron un cambio de integrantes: el baterista Don Murray y más tarde el bajista Chuck Portz dejaron la banda y fueron reemplazados por John Barbata en la batería y Chip Douglas tomó el lugar del bajista.

El primer sencillo clave para su carrera (compuestos por Garry Bonner y Alan Gordon) “Happy Together” fue rechazado por diversos grupos, pero The Turtles lo grabaron. Los arreglos de la canción corrieron a cargo de Chip Douglas. Sin lugar a dudas esta es la canción más emblemática y decisiva del grupo, convirtiéndose también en una fiel representante de los 1960. Esta canción desbancó a la canción de los Beatles

“Penny Lane” en el primer lugar de la lista Billboard en la primavera de 1967. Su primer y único número 1 se mantuvo en ese puesto por 3 semanas. Otros singles como “She’s My Girl”, “You Don’t Have To Walk In The Rain” y “Love In The City” eran igualmente impresionantes, pero largamente ignorados. Luego realizaron el álbum “Turtle Soup” producido por Ray Davies de los Kinks, que tuvo un mejor recibimiento en Gran Bretaña. Debido a las diferente visión musical, los Turtles se separan a fines de la década. Kaplan y Volman (como Flo & Eddie) se unieron a la banda The Mothers Of Invention de Frank Zappa.

FAIRPORT CONVENTION La banda comenzó como sexteto en 1967. En su primera conformación estaba integrada por la cantante Judy Dyble, el cantante Ian Matthews, el guitarrista y cantante Richard Thompson, el guitarrista y vocalista Simon Nicol, el bajista Ashley Hutchings y el batería Martin Lamble. Tras lograr un notable grupo de seguidores en sus actuaciones en directo en clubes londinenses, el grupo hizo su

debut discográfico con “Fairport Convention” (1968), producido por Joe Boyd y editado en el sello Polydor Records. Este fenomenal disco, empieza con la versión de Merry-Go-Round “Time will show the wiser” y prosigue con temas valiosos como “Decameron” o “Sun Shade”.

Después de este álbum, que no fue un éxito comercial, Judy Dyble dejaría el grupo para formar Trader Horne. Su puesto sería ocupado por Sandy Denny. Esta incorporación sería clave para que el grupo acreciente su popularidad.

El primer trabajo con Sandy fue su debut en el sello Island, “What we did on our holidays” (1968), una excelente colección de canciones folk-rock que incluía temas como “Fotheringay”, “Meet on the ledge” y versiones de Joni Mitchell y Bob Dylan. Tras este álbum y en plena grabación de su tercer trabajo,

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en cuarteto estaba formado por Simon Nicol, Dave Mattacks, Dave Swarbrick y Dave Pegg. Ellos grabarían el conceptual “Babbacombe Lee” (1971), uno de los preferidos para muchos seguidores del grupo. Siendo toda una institución dentro del folk británico, el grupo perdería a Nicol tras este disco. Las constantes idas y venidas se sucedieron. Lo que afectó en la originalidad y ventas de sus siguientes álbumes. Con posterioridad la banda, con el constante cambio de miembros, proseguiría editando discos pero sin el interés inicial.

JOHNNY RIVERS Fairport Convention ha sido uno de los grupos más importantes en la historia del folk-rock británico, con un acercamiento sonoro a los grupos de la Costa Oeste estadounidense pero sin perder sus raíces que se confunden con el folklore celta.

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“Unhalfbricking” (1969) el grupo perdió a Ian Matthews, descontento con el sonido menos rockero y muy tradicional.

“Unhalfbricking” es uno de sus trabajos más inspirados y uno de sus discos mejor vendidos al alcanzar el puesto número 12 en las listas del Reino Unido.

“A sailor’s life”, pieza contenida en el LP, fue escrita por Richard Thompson, es una de las mejores canciones de su discografía. Para reemplazar a Matthews llegaría el cantante y violinista Dave Swarbrick, quien tocaría en “Leige and lief” (1969), otro destacado vinilo folk.

Luego de este disco hubo cambios en la formación, Sandy Denny y Ashley Hutchings decidieron dejar la banda.

Aún así en 1970 graban el sobresaliente “Full House” y el directo “Live at the L.A. Troubadour” (1970), un álbum que no aparecería editado hasta seis años después de su grabación. Poco después Richard Thompson, uno de los líderes de la banda, también sale.

A pesar de esta pérdida, el grupo no perdió su atractivo comercial sino todo lo contrario, su siguiente álbum “Angel Delight” (1971) llegó al 8º puesto de las listas y se convirtió en su LP de mayor éxito comercial en el Reino Unido.

Fairport Convention, ahora convertido

Uno de los cantantes solistas más exitosos de los sesenta fue Johnny Rivers, armado con una serie de éxitos del rock, con los que vendió más de 30 millones de discos. Se distinguía por su tono de voz agudo y nasal, y una guitarra llena de sentimiento con fuerte influencia del blues sureño. Su trabajo tenía una rara consistencia y versatilidad, desde sus comienzos con clásicos del R&B hasta sus trabajos propios.

John Henry Ramistella nació en noviembre de 1942 en New York. Cuando tenía cinco años el padre de John perdió el empleo y se mudaron a Louisiana. Allí tuvo su primer contacto con el rhythm and blues. Ya en la secundaria formó su primer grupo The Spades en 1956, tocando temas de Fast Domino, Little Richard, Larry Williams y otros. Llegaron a ser bastante populares e hicieron giras por varios estados del sur, además de grabar un single de éxito “Hey Little Girl”.

En 1957, John voló a New York a pasar las vacaciones escolares en la casa de una tía, pero con la idea de conocer al locutor Alan Freed. Cuando tuvo la oportunidad, se presentó ante el famoso DJ, contándole de su grupo y sus giras.

Alan quedó bastante impresionado con el joven, así que le dió una cita en sus oficinas en el Brill Building en Broadway.

John se presentó con su manager Jack Hooke y tocó cuatro o cinco canciones en la prueba. Hooke llamó al dueño de Gone End Records, quien tenía sus oficinas en el mismo edificio, y le ofrecieron a John un contrato de grabación. El legendario compositor Otis Blackwell, autor de “Don’t Be Cruel” y “Great Balls Of Fire” arregló el debut de John con “Baby Come Back” y “Long Long Walk”. Alan Freed además le sugirió al muchacho un nuevo nombre, hablando de su vida en Louisiana cerca del río Mississippi, se les ocurrió el nombre de Johnny Rivers.

“Baby Come Back” salió en marzo de 1958, luego grabó “Your First And Last Love” y más tarde “You’re The One” en 1959, pero ninguno tuvo éxito. Ese año regresa a su casa en Baton Rouge al sur, donde Rivers empieza a realizar giras en solitario y con el comediante Dave Gardner. En Alabama conoce a la viuda de Hank Williams y ésta le consigue un contrato de grabación en Nashville, pero el éxito se le vuelve a escapar.

Alrrededor de 1960 consigue actuar con Ricky Nelson en una pequeña gira y lo sigue a Los Angeles donde se radica en 1962, allí consigue trabajar en un concurrido club nocturno donde empieza a ser conocido. En 1964 el dueño del entonces nuevo y famoso club “Whisky A Go-Go”, ubicado en el Sunset Strip, le ofrece a Rivers y su banda un contrato de actuación. Allí por fín le sonríe la fortuna y comienzan sus éxitos con el sello Dunhill e Imperial Records.

Su debut discográfico “Johnny Rivers Live at the Whisky-a-Go-Go” (1964) incluyó los éxitos de Chuck Berry “Maybelline” y “Memphis” que llegó al puesto número 2. Al año siguiente vuelve a grabar en vivo en el club otro álbum, incluyendo su exitosa versión de “Seventh

Son” y el tradicional “Midnight Special”.

En los dos años siguientes, Rivers siguió cosechando lugares en las listas de éxito, gracias a temas como “Secret Agent Man” de la serie televisiva sobre espías; la elegía “Poor Side of Town” (co-escrita con Lou Adler) y un par de covers de Motown “Baby I Need Your Lovin” y “The Tracks of My Tears”. Pero luego del exito de “Summer Rain”, permaneció entre los Top 40 por el resto de la década. Durante los 70 vuelve a sus raíces, recobrando el éxito con “Rockin’ Pneumonia and the Boogie Woogie Flu” en 1972 y la hermosa balada rock “Swayin’ To The Music (Slow Dancing)” llega al Top 10 en 1977. En los 80 deja de lado las grabaciones para dedicarse a las giras, hasta entrados los 90. En 1998 vuelve a los estudios con un nuevo álbum “Last Train To Memphis”.

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El Acid-Folk y Los “Freaks” de la Contracultura THE FUGS

Los Fugs eran poetas de la generacion beat, que decidieron ponerse a tocar rock.

Su primer disco es bastante amateur, pero lleno de sátira mordaz contra el gobeirno, el “american way of living” y el conservadurismo. Los Fugs fueron la primer banda verdaderamente underground de la historia al hacer sus presentaciones en sotanos de librerías, cines y teatros en Nueva York.

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Eran la quintaescencia de los grupos satíricos-políticos de los años sesenta, los más grandes parodistas del Establishment y defensores de la contracultura.

Sus obscenas y agitadoras viñetas renovaron la tradición que databa de las historias de Chuck Berry y preparando el terreno a las operetas de Frank Zappa. Ed Sanders era dueño de una librería y editor de la revísta de poesía “Fuck You”, junto a su vecino y escritor beat Tuli Kupferberg solían escuchar a los Beatles y las Shangri-Las, lo que les despertó las ganas de participar de ello.

No eran precisamente jovencitos, rayando los 40 años y sin mucha formación decidieron formar los Fugs junto a Ken Weaver, quien era compositor, baterista y cantante (años más tarde trabajó como traductor de ruso para la CIA). Eran unos provocadores, quienes junto al poe-

ta Allen Ginsberg desafiaron al sistema estadounidense, exorcizando incluso al Pentágono. Grabaron canciones que iban desde lo extremadamente literario de “Swinburne Stomp” hasta la exaltación del placer carnal en “Supergirl”.

El uso y abuso de repeticiones constantes de una frase o sílaba y “collages musicales” iban mucho más allá de su tiempo.

En 1966, graban su segundo álbum “Virgin Fugs”: nunca nadie había pensado en usar el estudio para crear lo que era una pura tontería sonora. No sabían cantar, no sabían tocar, sus grotescas y anárquicas composiciones eran melódicamente penosas, pero las mismas están llenas de rabia, radicalidad, irreverencia, sarcasmo y un elevado sentido del humor. Sonidos folkies y rock’n’roll realizados por músicos amateurs que eran mas bien poetas de la escena beat, ubicados en una librería de New York, que deseaban pasarla bien y expulsar sus sátiras sociales y políticas mientras rasgaban mal una guitarra y tocaban la pandereta. Este disco, en el que están apoyados musicalmente por miembros de The Holy Modal Rounders, está compuesto de tomas desechadas de

su primer trabajo “The Fugs” (1965) y es un devaneo contínuo de temas divertidos como “New amphetamine shriek”, “Hallucination horrors”, “C.I.A. Man”, “Coca Cola Douche”, “Caca Rock” o “I saw the best minds of my generation rot”, una canción que contenía texto de Allen Ginsberg. Los Fugs pudieron transformar luego eso en una sorpresiva mejora musical, encontrando suficiente inspiración para sostener su “It Crawled Into My Hands” (1968) y sobre todo “Tenderness Junction” (1968), que es un álbum no convencional, muy liberal, ya que combina letras de alto contenido poético con baladas country, cantos gregorianos, rock’n’roll y psicodélica. “Tenderness Junction” es uno de los grandes discos de todos los tiempos, desastre absoluto, psiocdélia pura y locura beatnik.

Los Fugs serían responsables de influir a futuros grupos como los mismos Velvet Underground y los Mothers of Invention.

HOLY MODAL ROUNDERS Steve Weber y Peter Stampfel, amigos de los Fugs, saltan al ruedo como los Holy Modal Rounders en 1963, en el Greenwich Village de New York. Su audiencia era pequeña, ya que su música era demasiado extraña, lejos de lo que oyentes comunes pudieran disfrutar o entender. Su intención era renovar el viejo folk con un espíritu contemporáneo.

Comienzan a tocar como dúo en clubes y cofee-houses por todo el norte

del estado y graban varios discos. En 1967 se unen al pianista Richard Tyler y al baterista Sam Shepard, y graban el LP “Indian War Whoop” que contiene el single “If You Want To Be A Bird” para Elektra Records. El tema es incluído en la película “Easy Ryder”, resultando en un millón de copias vendidas.

En 1970, Robin Remailly y Dave Reisch se unen a la banda y se mudan a Boston, adicio-nando a Ted Deane, Roger North y Jeff “Skunk” Baxter (quien después tocaría con Steely Dan y con The Doobie Brothers).

Seguían de gira por toda la Costa Este, donde conocen la comuna hippie “Wavy Gravy and The Hog Farm”. Cuando la comuna es invitada a Estocolmo a una conferencia sobre medioambiente, los Rounders aprovechan para tocar como “músicos de la casa” y hacen una gira por Europa. De regreso a los USA, se consiguen un bus y se van nuevamente de gira durante seis años por los estados del sur de Canadá y se radican en Portland, Oregon, hasta su final separación en 1979.

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LA ERA DEL ROCK

FRANK ZAPPA & THE MOTHERS OF INVENTION El genio supremo de la contracultura de Los Angeles, era el compositor, arreglador, loco, impertinente y bromista Frank Vincent Zappa nació el 21 de diciembre de 1940 en Baltimore (Maryland), en el seno de una familia de ascendencia griega y siciliana. Su padre, amante de la guitarra, le inculcó la pasión melómana, que cultivó desde niño, escuchando todo tipo de sonidos, desde música clásica, rock’n’roll, dwo wop y R&B. Era más que un brillante y prolífico compositor. Era una nueva clase de compositor, uno que no tenía barreras estilísticas: tocaba rock, pop, rhythm and blues y jazz así como música clásica.

Zappa co-inventó el álbum concepto (llegó a realizar un doble álbum cuando muchos de los rockeros recién empezaban a hacer LPs), la ópera rock y el rock

Uno de los grandes de la historia del rock. Con elevadas ansias de experimentación sonora, un punzante sentido del humor y un apego a eclécticas formas músicales, que viajan desde el rock psicodélico, a la música clásica, el doo wop, el jazz o el pop, la productiva carrera de Frank Zappa constituye uno de los pilares más interesantes y vanguardistas de la música moderna del siglo XX. 356

progresivo. El fué el primer músico de rock que utilizó el estudio como un instrumento y no hacía ninguna distinción entre los comerciales de TV, Doo-wop, música de salón, ballet clásico, improvisación jazz o música disonante. Para mejor o peor, poseía una desigual pasión por las letras satíricas. Siempre veía a su arte primeramente como un instrumento satírico, y su música estaba repleta de eso. Su víctima favorita era la hipocresía de la sociedad, los televangelistas, corporaciones, políticos, y aún la gente común, como las “chicas católicas”, las “princesas judías” o los “tontos” que iban a bailar. No mostraba misericordia por la especie humana, exponiendo sus vicios y perversiones.

Frank Zappa & The Mothers of Invention debutaron con tres piezas maestras, que ponían de cabeza los estilos populares: el álbum concepto “Freak Out” (1966), la operetta rock “Absolutely

Free” (1967) y el collage experimental de “We’re Only In It For The Money” (1967), éste álbum satirizaba el mundo hippie, el flower-power, las drogas (Zappa estaba contra el consumo de cualquier estupefaciente) y contaba con una portada creada por Cal Schenkel, la cual parodiaba la del Sgt. Peppers de los Beatles. Es uno de sus trabajos más satisfactorios y uno de los de mayor éxito comercial, convirtiendoles en ídolos de la contracultura y abanderados de los freaks californianos. En el momento en que los Estados Unidos entraba de lleno en la guerra de Vietnam, Zappa y su grupo abiertamente desafiaban la ley, llamando a los jóvenes a ignorar las cartillas de reclutamiento. Pero la vena satírica no sólo estaba dirigida al gobierno, “We’re Only In It For The Money’, era una cínica expresión de su punto de vista de la asimilación de los valores hippies con el negocio del entretenimiento.

Pero las aguas se calmaron y Zappa se volvió más orquestal con “Lumpy Gravy” (1968), un disco instrumental influenciado por Igor Stravinsky y Edgard Varèse, firmado en solitario y grabado junto a la Abnuceals Emuukha Electric Symphony Orchestra. Este trabajó ensanchó sus posturas avant-gardé. Reafirmó esa idea con “Uncle Meat” (1969) y el tema de la película “King Kong” (1970). Zappa probó que podía ejecutar melódicos temas con una banda de jazz en “Hot Rats” (1969), disco que supuso su segunda incursión en solitario, con un clásico tema (“Willie The Pimp”) en el que aparecía su amigo Captain Beefheart. En esta obra se cimentaban sus posturas más jazzísticas,

The Mothers of Invention en 1966: Frank Zappa, Elliot Ingber, Ray Collins, Jimmy Carl Black y Roy Estrada.

que desarrollarían en trabajos posteriores. El excelente “Burnt Weeny Sandwich” (1970) y “Weasels Ripped My Flesh” (1970) fueron los últimos discos (de predominio instrumental) grabados con la primera formación de The Mothers of Invention, antes de incorporarse a la formación Mark Volman y Howard Kaylan (conocidos como Flo & Eddie), los dos ex integrantes del grupo Turtles. Junto a ellos se unieron a los Mothers el baterista Aynsley Dunbar, el bajista Jim Pons y los multiinstrumentistas Ian Underwood y George Duke.

Junto a su propio grupo, Frank Zappa también mantenía sus sellos independientes Bizarre y Straight Records, donde impulsó las carreras de gente como Alice Cooper, Captain Beefheart y Tim Buckley.

“Chunga’s revenge” (1970) fue el primer disco con los ex Turtles, en el que 357

LA ERA DEL ROCK

“We’re Only Here For The Money” parodiaba el Sgt. Peppers de los Beatles. Es uno de sus trabajos más satisfactorios y uno de los de mayor éxito comercial, convirtiendoles en ídolos de la contracultura y abanderados de los freaks californianos.

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acentuó su posición cómica.

El álbum en vivo “Fillmore East, June 1971” (1971) y la banda sonora de su película “200 Motels” (1971) fueron sus trabajos previos a un grave accidente que le provocó el novio celoso de una fan del genial artista, el cual, saltó al escenario en el Rainbow Theatre de Londres y empujó a Zappa, ocasionándole diferentes heridas y fracturas que le obligaron a postrarse durante nueve meses. Los trabajos publicados tras este accidente fueron “Waka/Jawaka” (1972) y “The Grand Wazzo” (1972), dos discos de fusión jazz-rock. Posteriormente aparecería el imprescindible “Over-nite Sensation” (1973), un disco de mayores tendencias rockeras. “Apostrophe” (1974) y el directo “Roxy & Elsewhere” (1974) continuaron la senda previa y lograron excelentes ventas. Su mezcla de rock y jazz alcanza uno de sus mejores momentos en “One Size Fits All” (1975), que contiene grandes temas como “San

Ber’dino”, “Inca Roads”, “Sofa nº1”, “Sofa nº2” o “Andy”. En “Bongo Fury” (1975) incluía temas en directo con Captain Beefheart. Tras la grabación del interesante “Zoot Allures” (1976), Zappa rompió relaciones con Herb Cohen y con la Warner, debido a diferencias contractuales. Para cumplir con su contrato les terminó cuatro discos: “Zappa In New York” (1978), un disco en directo con actuaciones realizadas dos años antes, “Studio Tan” (1978), “Sleep Dirt” (1979) y “Orchestral Favorites” (1979). Son trabajos bastante mediocres que la Warner publicó sin consentimiento de Zappa. El músico intentó en su día publicar los cuatro discos juntos bajo el nombre de “Lather”, pero no pudo llevarse a cabo en su tiempo. Apareció póstumamente en 1996.

Tras encontrar nuevos miembros para su banda grabó “Sheik Yerbouti” (1979), un Lp que incluía el hit “Bobby Brown goes down” y que se erigió como una de las mejores obras del Zappa de los 70. El siguiente proyecto de Frank Zappa fue la ambiciosa opera-rock de tres discos “Joe’s Garage” (1979), en donde el hábil compositor daba rienda suelta a su talento

en la guitarra, mientras narraba la historia de Joe, un músico de rock que intenta desarrollar sus ansias melómanas en un lugar en el que la música está prohibida.

Con la llegada de la década de los 80 se incorporó al grupo el fantástico guitarrista Steve Vai y el cantante Ray White.

El irregular directo “Tinsel Town Rebellion” (1981) fue continuado por “Shut up ‘n play yer guitar” (1981) tres discos con sus solos de guitarra, auténtico disfrute para los amantes e intérpretes de la seis cuerdas, que los podían conseguir en su época sólo por correo, a través de su sello Barking Pumpkin. Ese mismo año también presentó el magnífico “You are what you is” (1981), un doble Lp en el que enfatizaba sus posturas satíricas con la sociedad estadounidense.

“Ship arriving too late to save a drowning witch” (1983) contenía el tema “Valley Girl”, una canción de moderado éxito en la cual participaba su hija Moon Zappa. Otra pieza importante del disco es “Teen-age Prostitute”. Por esa época comenzaría a experimentar con la música digital y el synclavier, con el que grabaría “Francesco Zappa” (1984), un disco basado en música escrita por un supuesto antepasado de Zappa en el siglo XVIII, contemporáneo de Mozart.

En 1985 se inició una fuerte campaña en contra de las letras del rock, intentando censurar textos con contenido pornográfico o presuntamente violento.

Frank Zappa, que testificó ante un comité del Senado estadounidense no se quedó con la boca callada y levantó su voz crítica ante este tipo de censura, y publicó “Frank Zappa meets The Mothers Of Prevention” (1985), una burla a todo este embrollo político con el protagonismo del synclavier. Sus ambiciones orquestales, presente en buena parte de su obra, las colmó con su colaboración con la Orquesta Sinfónica de Londres en varios Lps durante la década de los 80.

Este genial artista de espíritu experimental e innovador, revolucionario y contestatario, fallecería a causa de un cáncer de próstata el 4 de diciembre de 1993 en la ciudad de Los Angeles. Tenía 52 años.

CAPTAIN BEEFHEART Posiblemente el más grande rockero de todos los tiempos y ciertamente el más original e influyente genio del siglo 20 fue Don Van Vliet, más conocido como el Captain Beefheart, borró completamente todos los dogmas musicales y simplemente reinventó la música en sus propios términos. Formalmente, su estilo unía el Delta blues, free-jazz, avant-garde y rock and roll, pero lo que es único en la música de Van Vliet es su oblícua, maníaca, impredecible y demencial estructura de sus composiciones. El desierto de Mojave donde creció, puede ser la clave para entender su arte más que cualquier otra influencia. Van Vliet también creó uno de los más originales estilos vocales. Sus gruñidos hacían más que expresar un estado de mente, más bien redefinía el estado de mente. El canto de Van Vliet era una fuerza de la naturaleza.

El “capitán” con su tétrico estilo durante una actuación en San Francisco en 1973.

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“Trout Mask Replica” (1969) es uno de los mejores álbumes del Captain Beefheart y no es coincidencia que él haya ido a la misma escuela que Frank Zappa. El tema estrella del álbum: “Neon Meat Dream of a Octafish”.

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Van Vliet que en su momento llegó a grabar con Frank Zappa y tomó el nombre de ese proyecto fallido “Captain Beefheart Meets The Grunt People”.

Formó después la Magic Band en 1964 y sacó un single “Diddy Wah Diddy” de Bo Diddley con el sello A&M. El remarcable “Safe As Milk” (1967) grabado en Buddah Records, presentó su lado dadaísta tomado del blues. Al año siguiente saca “Mirror Man” pero no se publicaría hasta 1970. Luego de “Strictly Personal” (1968), un álbum más “ácido” arruinado por el productor, Van Vliet compuso el álbum que más contribuyó a la música rock, “Trout Mask Replica” (1969). Esta obra maestra, realizada con Frank Zappa, era la más salvaje y excéntrica de su época, y la música era sólo el reflejo de lo que ocurría dentro de la mente del compositor, eran 28 canciones grabadas en 8 horas, lo que en algunas partes se notaba.

La crítica lo aclamó nuevamente gracias a “Lick My Decals Off, Baby” de 1970.

Se hizo más accesible con “Clear Spot” y “The Spotlight Kid” los dos de 1972, pero no fueron muy populares. “Uncon-

ditionally Guaranteed” y “Bluejeans An Moonbeams” continúo esa línea. Luego, produjo al menos dos álbumes brillantes, “Shiny Beast (Bat Chain Puller)” (1978) retornó a sus raíces. Entró en la nueva década con “Doc At The Radar Station” (1980) y “Ice Cream For Crow” (1982), pero problemas con la industria hizo que eventualmente desaparecería de la escena musical para dedicarse a la escultura y la pintura en su desierto natal. Dicen los que saben que la distancia que había entre el Captain Beefheart y el resto de la música rock es la misma distancia que hay entre Beethoven y los otros sinfonistas de su época.

THE VELVET UNDERGROUND Tachados en su época como mera banda sonora para las excéntricas puestas en escena del artista Andy Warhol, The Velvet Underground fue un auténtico ensayo sobre la vanguardia musical que demandó su lugar como alternativa a la cultura del flower-power de finales de la década de los 60, reivindicando la angustia de las grandes urbes.

Grupo de culto, más potentes en directo que en estudio, Velvet reivindicaba la calle, los sucios callejones de la ciudad de Nueva York, chocando frontalmente con las comunas campestres de los hippies de la costa oeste. Lou Reed era tan aficionado al rock and roll que sus padres le ingresaron en un centro psiquiátrico para que recibiera tratamiento de electroshock, para que “olvidara” la música del diablo. Con su amigo Sterling Morrison, asistía a la Universidad de Syracuse, los dos eran amantes del rock y estaban ansiosos de formar un grupo. Allí conocen a John Cale, nacido en Gales quien tocaba la guitarra desde niño. Lou y Sterling le propusieron formar una banda y John aceptó de inmediato.

En el verano de 1965 ya tenían grabada una cinta con cuatro temas de Lou Reed, entre los cuáles estaban la erótica “Venus In Furs” y el clásico “Heroin”.

Los tres, junto a la batería Maureen Tucker, debutaron por primera vez bajo el nombre de The Velvet Underground en noviembre de 1965. Un mes después, ya estaban tocando de diez de la noche a dos de la mañana en el Café Bizarre, sitio frecuentado por artistas bohemios, entre los cuales se encontraba Andy Warhol. El pintor albino vio en el grupo el acompañamiento perfecto para sus ideas, con lo que el cuarteto pasó a formar parte de “The Factory”, el lugar de trabajo de Warhol. Sólo existía un pequeño inconveniente Andy quería estrenar

“La Velvet”, la banda que tomó seriamente el camino del rock experimental a finales de los 60. Quizás no tengan una abundante discografía o hayan cosechado fortunas en ventas, pero su influencia es legendaria desde el punk hasta el grunge.

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LA ERA DEL ROCK

a una cantante asidua a The Factory de origen alemán llamada Nico. La banda entró a formar parte del espectáculo warholiano llamado “Exploding Plastic Inevitable”, donde la música, el cine y la danza se mezclaba en un ambiente psicodélico. La puesta en escena tuvo una importante repercusión en el underground neoyorquino y en marzo de 1967 se lanzaba “The Velvet Underground & Nico”, el primer álbum de la banda (el de la banana en la portada). La nula publicidad por parte de la compañía, la música demasiado revolucionaria y anticomercial (excepto los temas cantados por Nico), le dieron poca repercusión al disco. Finalmente, Reed y Cale se cansaron de las extravagancias de Andy

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Warhol, salieron de la Factory y viajaron a Boston para actuar en el Festival Tea Party y buscar nuevos horizontes.

El álbum “White Light / White Heat” (1967) ya sin Nico, fue grabado en tan sólo tres días y ha pasado a la historia como su trabajo más creativo y el más influyente. El disco pasó prácticamente desapercibido, y la colaboración entre Lou Reed y John Cale se deterioró considerablemente, sobre todo debido a la adicción a las drogas de Lou. El disco contenía la que para muchos es la mejor canción de The Velvet Underground, “Sister Ray” que duraba 17 minutos, una extravagancia que llevaría al rock a nuevos extremos. Velvet estuvo a punto de ser contratados por Brian Epstein, el manager de The Beatles, pero su repentina muerte truncó las aspiraciones del cuarteto. En septiembre de 1968 John Cale deja el grupo, él opinaba que Lou Reed perseguía el estrellato con canciones demasiado comerciales, fue sustituido por Doug Yule.

En Marzo de 1969 salió el tercer álbum de la banda, que se llamó simplemente “The Velvet Underground”, el cambio fue bastante radical debido a la sencillez y a las suaves melodías de Lou Reed que se incluían. Durante los conciertos de presentación, se grabó material para un disco en vivo que aparecería en 1974. En diciembre de 1970 salió a la venta “Loaded”, el cuarto disco, el más accesible y el que contenía las dos canciones más populares del grupo: “Sweet Jane” y “Rock & Roll”. La marcha de Lou Reed y de Sterling Morrison causó la desaparición de The Velvet Underground.

Lou Reed sin embargo regresó a los escenarios y se convirtió en uno de los compositores más aclamados de las últimas tres décadas. Irónicamente los Velvets nunca fueron reconocidos “oficialmente” como una de las bandas de rock más influyentes de la historia.

CAPITULO 12

Rock Around the World El rock en todo el mundo...

Al arribar a lejanos puertos de todo el mundo los primeros discos de Bill Halley, Elvis Presley, Chuck Berry y tantos otros, la juventud de esos lugares los absorbe como si fuera el combustible que estaban esperando desesperadamente. No podríamos explayarnos sobre cada grupo o moda que surgió en cada país del mundo, pero no podemos dejar de lado el hecho de que el fenómeno del rock and roll, no ocurrió solamente en los EE.UU. o Gran Bretaña, no se cantaba solamente en inglés, ni tampoco fué un fenómeno meramente occidental.

Rock en Español No podemos dejar pasar esos maravillosos años donde el Rock and Roll aprendió a hablar castellano. El Rock and Roll llegó a México entre 1956 y 1957 y provocó la pasión de varios jóvenes que formaron los primeros grupos que a la postre fueron los pioneros del Rock and Roll en español. Al principio estos grupos se limitaban a tocar versiones de los éxitos en inglés, pero poco a poco se fueron animando a utilizar su propio idioma. Entre los meses de febrero y abril de 1960 salieron al mercado los primeros cuatro discos de este movimiento, “La Batalla de Jericó” de Los Camisas Negras, “Yo no soy rebelde” de los Locos del Ritmo, “La Hiedra Venenosa” de Los Rebeldes del Rock y “Rock de la Cárcel” de Los Teen Tops. Estos discos tuvieron una respuesta explosiva que cautivó de inmediato a toda la juventud mexicana cansada de los chachachá, rumbas, y mariachis. Tras estos grupos aparecieron muchos más como: Los Hoolligans, Los Sinners, Los Boppers, Las Blue Caps, Los Juniors, Los Jockers, Los Hermanos Carrión, Los Apson, Crazy Boys, Los Gibson Boys, Los Rogers, Los Loud Jets y los Spuntnicks, entre otros. Este movimiento se extendió a todos las países de habla española y en cada lugar el Rock and Roll mexicano, dio la pauta para que surgieran artistas locales y gestaran su propio movimiento juvenil.

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El Rock explota en México La cultura estadounidense siempre ha sido una influencia de movimientos en boga para los mexicanos tanto por su cercanía con el país, así como por ser una potencia mundial. El nacimiento de los grupos de Rock and Roll en Estados Unidos, sirve de inspiración para que jóvenes que tenían acceso a esa cultura tomen el estandarte del rock mexicano y salgan a demostrar su música.

La primera agrupación mexicana a la cual podemos considerar como absolutamente rocanrolera se llamó “Los Espontáneos” y surgió en 1956. Se trataba de un dueto conformado por Sergio Martell en la armónica (ya fallecido) y Roberto Figueroa (voz). Con tan poca instrumentación, se presentaron en el programa de televisión Teleclub Deportivo que transmitía el canal 4, todos los

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dias al mediodía. Su repertorio estaba integrado por “Rock Around the Clock” y “See You Later Alligator”. Tocaban, además, “Dieciséis toneladas”. Al poco tiempo los hermanos Tena (quienes más tarde formarían los Rebeldes del Rock) se unieron a este pionerísimo grupo de rock mexicano.

En ese entonces (1958), surge otro grupo conocido como los Locos Del Ritmo que interpretaban la canción “Yo no soy un Rebelde” que sirvió de estandarte de una época. Junto a ellos nacieron los Teen Tops, los Rebeldes del Rock, Los Blackjeans, Los Crazy Boys, Los Hermanos Carrión, Los Boppers y los Sinners entre otros, que solían tocar los covers de grupos estadounidenses pero con las letras traducidas al español, esto ya implicaba una parte de la creatividad en la traducción de las canciones y su adaptación. Después surgirían otros grupos, salidos de concursos, como Los Hooligans y Los Rogers.

La compañía Orfeon tuvo en 1961 un gran acierto, al iniciar el programa televisivo más importante de los años sesenta: ‘Premier Orfeón’, luego ‘Orfeón A Gogo’, donde todos los días y durante diez años, presentó a sus artistas de moda.

Contando con este escaparate, la compañía de discos colocó en el mercado muchísimos discos de intérpretes juveniles de rock and roll, algunos con mucha promoción y gran demanda, y otros con popularidad breve y explosiva como sucedió con Los Glidders (“La rebeldona”), Los Beatniks (“Jinetes en el cielo”), Los Vicking Boys (“La Rebeldita”), Los Sinners (“La novia de mi mejor amigo”), Los Rogers (“Noche y dia perdidos”), y finalmente, otros que pasaron a formar parte de los experimentos de Discos Orfeón.

Los Locos del Ritmo Hacia 1958 el cantante Antonio de la Villa, el pianista Pepe Negrete, el guitarrista Jesús González, el baterista Rafael Acosta y el bajista Mario Sanabria, organizan una banda filarmónica de aficionados que intentaba interpretar canciones que por ese entonces eran éxitos en los Estados Unidos, como la contagiosa “C’mon Everybody” de Eddie Cochran, traducida y adaptada por ellos bajo el título de “Aviéntense todos”, o la explosiva “Tallahassee Lassie”, mejor conocida como “La chica alborotada”. Sin embargo, estos alegres muchachos también escribian sus propias composiciones, caso de la romanticona “Tus ojos” de Rafa Acosta y de “Yo no soy rebelde”, todo un himno generacional salida de la rockanrolera inspiración de Jesús González.

“Pepe y sus Locos del Ritmo” en 1958 ganan el concurso de “La hora internacional del aficionado” en el canal 2 de la TV mexicana, en parte gracias a la hinchada que llevaron. Como premio fueron a Nueva York a concursar al show

Los Locos del Ritmo en los estudios de Orfeon. Aunque los historiadores no se ponen de acuerdo si fueron éstos el primer grupo de rock mexicano, podemos decir sin temor a equivocarnos que fueron el grupo con más ritmo, energía y originalidad.

de Ted Mack donde obtuvieron el 2º lugar. Entre las piezas que interpretaban había covers como “Rip it up”, “High School confidential” y composiciones originales como “Pipapirapau” y “What to do” (Chucho’s guitar).

Entre diciembre de 1958 y enero de 1959 grabaron un LP para el sello Dimsa, el cual salió a la venta en 1960, cuando se vió que el rock & roll era buen negocio. “Los Locos del Ritmo” contenía 12 piezas, de las cuales seis eran composiciones propias, otra era “La Cucaracha” y cinco eran arreglos de canciones norteamericanas.

En 1962 salió su tercer disco basado en el twist, nuevo “ritmo de moda” grabado en Venezuela, contenía “Tengo una Novia”, “La Cucaracha Twist”, “La Bamba twist” y “Voy a buscarte”, composición propia. En 1963 su cuarta grabación tenía 11 versiones y una sola canción original. De ahí en adelante se siguió la tendencia de privilegiar las versiones, al igual que el resto de los grupos rockanroleros en México. Una 365

LA ERA DEL ROCK

de las causas fue la muerte de su cantante, Toño de la Villa, a los 21 años de edad. Su voz cantando “Tus ojos” (composición de Rafael Acosta) y “Yo no soy rebelde” (de Jesús González), han quedado como los clásicos de clásicos de la primera época del rock mexicano y de buena parte del siglo XX. Como muchos otros grupos de esta era, los Locos del Ritmo siguen actuando, probando que lo bueno no tiene tiempo.

Enrique Guzmán y los Teen Tops Quizás no fueron el primer grupo de rock en español, pero sí el que más influyó e hizo que adolescentes en todos los países de habla hispana se decidieran a hacer Rock and Roll en su idioma.

Los Teen Tops lo formaron en 1959 tres jóvenes amigos que se conocieron en el Club Deportivo Chapultepec, Jesus “Tuti” Martinez (requinto), su hermano Armando “Many” Martinez (batería y canto, autor de la mayoría de las letras del grupo), y Enrique Guzmán (bajo). A

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ellos se sumó Sergio Martel (piano), que venía de integrar el dúo Los Espontáneos.

Era tal su gusto y afición por el Rock and Roll que dedicaron todo su tiempo libre a la formación de su grupo musical. En un principio todo fue estudiar y ensayar.

Poco a poco, conforme fueron haciendo repertorio, empezaron a presentarse en fiestas familiares. Cantaban en inglés y obtuvieron cierto suceso, lo que les brindó la oportunidad de realizar una prueba en un programa radial llamado “La Hora Americana”. El día fijado Many se enfermó de la garganta, por lo que cantó Enrique Guzmán con tan buen desempeño que quedó confirmado como vocalista, incorporándose como bajista Rogelio Tenorio. Para completar los cambios, el grupo comenzó a interpretar temas en castellano.

Todo el año de 1959 fue de estudio, ensayo, radio y cada vez mas presentaciones en bailes y fiestas. A fin de ese año hicieron una grabación de muestra (demo) para llevarla los hermanos Martínez a Estados Unidos a donde viajaban de vacaciones. En los Angeles recorrieron todas las grabadoras importantes sin recibir ninguna oferta, hasta que llegaron a Liberty Records con Snuff Garret, quien se interesó por el grupo y les propuso de inmediato un contrato de grabación y un programa muy importante de promoción, pero los padres de los cuatro no les permitieron ir a radicar a Estados Unidos, pues apenas tenían entre 15 y 18 años de edad. Continuaron sus actividades en México, hasta el mes de abril que fueron buscados por Discos Columbia e invitados a hacer una prueba. Al término de la audición el señor André Toffel se dirigió al grupo y en tono de crítica preguntó: “¿Es todo lo que saben hacer?” Armando contestó: “Nosotros no los buscamos, ustedes nos mandaron llamar, y sí, lo único que hacemos es tocar Rock and Roll”.

José de Jesús Hinojosa, Jefe de Promo-

ción Radial intervino, diciendo: “Esto va a pegar muy fuerte, así que si no aceptan contratarlos, yo los grabo por mi cuenta y me lo descuentan de mi sueldo”. Así que aceptaron contratarlos y varios días después grabaron “Rock de la Cárcel”, “Confidente de Secundaria”, “La Plaga” y “Buen Rock esta Noche”. Hasta la fecha siempre habían cantado en inglés, así que les pusieron letra en español a estos números para grabarlos.

Su primer sencillo fue “Rock de la Cárcel” y “Confidente de Secundaria”, se empezó a escuchar de inmediato. De ahí a fin de año salieron cinco sencillos más para completar su primer LP del cual las 12 canciones fueron éxitos. A principios de año siguiente lanzaron su segundo LP con éxitos como: “Rock Nena Linda”, “Presumida”, “Anoche no Dormí”, “Pensaba en ti”, “Rock del Río Rojo” y “Bailando Twist”. A fin de ese año salió el LP, encabezado por “La Suegra” (Mother in Law), “Quien puso el Bomp” y “Popotitos”, que fue el último que hicieron con Enrique Guzmán. Por decisión de la compañía grabadora, Enrique Guzmán se alejó del grupo para iniciar su exitosa carrera solista. La movida fue muy positiva para el cantante, pero marcó el comienzo del fin para Los Teen Tops.

En 1963 hicieron su último LP “Los Teen Tops”, mas para llenar la demanda internacional en España y Latinoamérica que la mexicana. El contenido fueron refritos de otros grupos rocanroleros del país cuyas versiones eran desconocidas allá. El acetato les permitió un poco mas de popularidad fuera del país pero localmente fue un fracaso y la popularidad discográfica del conjunto se agotó. En toda su carrera grabaron cinco LP’s de los cuales tres fueron con la voz de Enrique Guzmán, los demás con Gastón Garcés y algunas canciones con Julio Carranza. Sin embargo, desde el retiro de su primer vocalista en 1962, la popularidad del grupo

se redujo drásticamente a pesar de los intentos por mantener la imágen. Tres medianos sucesos musicales cerraron su notable discografía: “Rascacielos”, “El Héroe Juan” y “Vueltas y Vueltas”. Con los años, el Rock and Roll en español se ha convertido en un ritmo clásico en México, no hay fiesta en la que no se baile Rock and Roll, sobre todo “La Plaga”, “Rock de la Cárcel”, “Presumida” y “Popotitos”.

Y los Teen Tops tienen ahora tanta demanda en los espectáculos como en sus primeros años.

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LA ERA DEL ROCK

Los Rebeldes del Rock El grupo comienza a fraguarse hacia 1957, los iniciadores de esto fueron Toño de la Villa quien después sería cantante de “Los locos del ritmo”; Guillermo Américo Tena requinto del grupo y Paco Dominguez pianista del mismo. En los inicios se llamaron “Los Reyes del Rock” y en octubre de 1959 cambian a “Los Rebeldes del Rock”. Los miembros originales de este grupo fueron: Johnny Laboriel vocalista, Waldo Tena guitarra de acompañamiento, Guillermo Tena guitarra líder, Polo Tena bajo, José María Silva Batería y Paco Domínguez teclados.

A principios de 1960 graban su primer LP gracias a la oportunidad que les dio Wille Samperio, éste contenía: “La hiedra venenosa”, “Recuerdas cuando”, “Un tonto como yo”, “Dulces tonterías”, “Danielito”, “Melodía de amor”, “Rock del angelito”, “Siluetas” y “Kansas City”.

La mayoría de las letras fueron hechas por los propios miembros. Este LP en su

momento fue todo un éxito que perdura hasta ahora, a los ocho días de haber sido grabado ya era un suceso en ventas.

Posteriormente grabaron otros cuatro LP, en el último figura “Muévanse todos”, que fue cantado por otro de sus grandes cantantes, Baby Moreno. Los Rebeldes del Rock en estos cinco LP obtienen 45 éxitos, que han vendido millones de discos y han participado en 7 películas alternado con los artistas más representativos de todo este tiempo.

En 1996 participan en un evento de rock and roll en la Plaza México teniendo una audiencia de 36.000 personas, esto habla del arraigo que siguen teniendo con la gente. Uno de los puntos importantes es que “Los rebeldes del rock” siguen conservando el sonido y estilo que les hiciera famosos desde un principio.

Su público no los olvida.

Los Black Jeans/Camisas Negras y Los Hermanos Carrión Diego de Cossio, pionero del rock en español, fué integrante fundador del conjunto de rock mexicano Los Black Jeans (más tarde castellanizaron el nombre como “Los Camisas Negras”) en 1958 junto a los Locos del Ritmo y los Teen Tops fueron los grupos iniciadores del rock en México. Los integrantes de los Camisas Negras eran Diego en la 1º guitarra, Cesar Costa 1ª voz y 2ª guitarra, Carlos Loftus en el bajo y en la bateria su hermano Juan Manuel de Cossio.

Actuan por primera vez en la estación de radio XERC de México, D.F., donde interpretan piezas instrumentales como “Tequila”, “La chica de los Ojazos” y “De buen humor”.

Ya con el grupo bien organizado empiezan a actuar en fiestas, bailes, radio y T.V. En 1960 graban para la compañia Peerless “La Cucaracha” y “La Batalla de Jericó” pero aunque el disco salió a la

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venta, esta grabadora no les dió el impulso necesario y ellos se vieron obligados a cambiar de sello. Fué el sello Musart quien los lanzó a la popularidad como “Los Camisas Negras” con su primera grabación “El Tigre”, a esta le siguieron muchas otras exitosas grabaciones (“La Marcha de los Santos”, “Ahora o Nunca” y “Tu me perteneces”) y muchos contratos haciendo una exitosa gira en el puerto de Mazatlán (México). Al finalizar el año 60 debido principalmente a que su cantante Cesar Costa inicia su carrera solista, el grupo se separa, pasando Diego a tocar la 1º guitarra con Los Sinners por poco tiempo, pues al finalizar 1961 se une a Ricardo (Bajo), Lalo y Hector Carrión (Primeras voces y guitarras acompañamiento) para formar los Hermanos Carrión en los que toca la bateria Ricardo Escasena (cubano de nacimiento). Se inicia aquí una carrera de grandes éxitos a traves de muchos años juntos (“Las cerezas”, “Que Inhumano”, “Niñas Niñas”, “Viva Lalo”, “Magia Blanca”, “Creo estar soñando” y “Fugitiva”, entre otras).

Siempre se le daba lugar a Diego para intercalar en los shows entre las melodías cantadas algunas instrumentales. Así, apoyado por los Carrión que le permiten seguir en el conjunto hace su debut como solista en 1962 grabando en dicho año su primer LP en el sello Orfeón-México, su segundo LP sale en 1965.

Entre las innumerables giras que realizaron dentro y fuera de México sobresale la relizada a Argentina en 1964 en donde actuaron en los bailes de la organización “Escala Musical” que incluía actuaciones en TV en el Canal 13 de la Capital Federal, siendo con los Teen Tops y Los Locos del Ritmo quienes llevaron el rock and roll es castellano a tierras porteñas. Ya separado de los Carrión, Diego de Cossio forma en 1968 el conjunto Los Barrocks con los que graba en dicho año un EP con Orfeón. Todavía sigue en carrera.

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LA ERA DEL ROCK

Los Loud Jets

Los Loud Jets se formaron en 1959 y surgieron a la fama en un concurso organizado por Radio Exitos en el D.F. en 1960. Desde 1962 se mantuvieron haciendo giras artisticas en el extranjero durante 15 años presentandose inclusive con el nombre de ‘Mexican Jets’.

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Fue en la Escuela Nacional Preparatoria No. 6 de la Ciudad de México donde se formaron Los Loud Jets, otro de los grupos consentidos de los años 60’s. Comenzaron tocando en fiestas, tardeadas y reuniones familiares con guitarras eléctricas fabricadas por ellos mismos; originalmente el grupo estaba integrado por los siguientes elementos: EDUARDO MUNGUIA CASTELLO (1ª guitarra y voz); ALEJANDRO MUNGUIA CASTELLO (2ª guitarra y voz); FRANCISCO GASTELLUM FLORES (Bajo); ALFREDO GARCIA PEREZ (Saxofón) y SERGIO BALDERAS CRESPO (Batería).

En sus inicios estuvieron acompañados del gruitarrista Víctor Constantino, quien al separarse de ellos fue requinto y cantante de ‘Los Playboys’.

Después, eventualmente acompañó a músicos de la talla de Chuck Berry o Bill Halley (ha sido el único músico mexicano que lo ha hecho).

En noviembre de 1960 participan en un concurso organizado por Radio Éxitos y discos CBS Columbia al lado de los Blue Caps, los Hooligans, los Sparks, y los Spitfires. Para los Loud Jets, 1961 fue

un año de éxitos discográficos. Con sus versiones a “Agítese, haga ruido y ruede”, “Hermosa Laura” y “Nena, ¿jugamos a la casita?” hicieron escuela de la que varios grupos tomaron sus modelos de interpretación, por su gran profesionalismo. Al año siguiente logran nuevos hits con “El Mosquito del Twist”, “Dulces a mi Nena” y “Chatanooga Choo Choo”.

A partir del 31 de marzo de 1962 inician una larga gira, al principio acompañados por las Mary Jets, quienes regresaron al cabo de dos años, recorriendo distintos países de Centro, Sudamérica y el Caribe, así como algunas ciudades de Estados Unidos donde alternaron en los importantes shows televisivos de Ed Sullivan y Johnny Carson con figuras de la talla de Pat Boone, Sammy Davis Jr., Maurice Chavalier, Johnny Mathis, Dean Martín, Tom Jones, Frank Sinatra, Peggy Lee, The Supremes, Rick Nelson, etc. Durante esos años grabaron para varias compañías disqueras e incluso para la marca Roulette de Nueva York bajo distintos nombres como: The Jumping Beans, The Mexican Jets y desde luego Los Loud Jets. En su gira internacional que duró varios años los mantuvo alejados de su patria, por lo que quedaron un poco relegados en la escena local, pero a su regreso en 1968 lanzaron nuevas grabaciones que los volvieron a colocar en las listas mexicanas, especialmente con el tema “Ya no como bananas”.

A su regreso definitivo a México en 1979, se presentan en los más reconocidos centros nocturnos y hoteles de las ciudades de México, Guadalajara y Acapulco. Los años siguientes se mantuvieron activos hasta la muerte de Eduardo Munguia ocurrida en el 2002. Actualmente la titularidad del nombre pertenece a su manager Gabriel Pardo Arzate, una figura de gran relevancia en toda la carrera artística de Los Loud Jets.

Los Hooligans La carrera de Los Hooligans inicia en Noviembre de 1960 cuando ganan un concurso organizado por Radio Éxitos y Discos Columbia. Originalmente estaban integrados por: RICARDO ROEL (voz), HUMBERTO CISNEROS (guitarra), ENRIQUE AMPUDIA (bajo), LUIS FELIPE CISNEROS (batería) y JAVIER DE LA CUEVA (piano). Del mismo concurso, surgieron también otros grandes grupos del rock’n roll como: Los Loud Jets, Los Spitfires, Los Sparks y Los Blue Caps.Teniendo este triunfo como base musical, sus grabaciones subsecuentes encontraron pronta demanda de los amantes del rock and roll; y cuando realizan la histórica grabación de “AGUJETAS DE COLOR DE ROSA” (Pink shoe laces) empezó a ser tocada en todas <las radioemisoras, la respesta de la juventud no se hizo esperar y esta melodía se convirtió en reina indiscutible de la popularidad durante varios meses.

En la primera etapa grabaron cuatro discos de larga duración para discos Columbia. De su primer LP colocaron nuevamente varios éxitos en los primeros lugares de popularidad: “Agujetas de color de rosa”, “Money Honey”, “Adiós a Jamaica”, “Hotel de los corazones rotos”, “Al final”, “Acapulco Rock”, “En medio de una Isla” y “No está aquí”.

Para su segundo disco de larga duración ingresan Johnny Ortega en el bajo y Alejandro Velázquez en el piano, aquí solo destacan con unos cuantos temas: “En el baile”, “Nena yo te quiero”, “Alley Oop“, “Silbando Rock” y “La pluma de mi tía”. En sus otros discos tuvieron solamente medianos éxitos, “Difícil de atrapar” y “Hooligan Twist”. En 1962 Ricardo Roel cambia su apellido por el de Roca y se lanza como solista/baladista destacando con varios temas como “Granito de Arena”, “Campanitas”, “Linda Muchachita”, “Sospechas”, etc.

A partir de 1963 el grupo entra en su segunda etapa y firma contrato con Discos Orfeón, ingresa también Micky Salas en la batería y nuevamente se colocan en los primeros lugares con Johnny Ortega como vocalista. “Despeinada”, “Bat Masterson” y “Para cuando Joven” son sus primeros hits de este periodo; les siguieron “El Secreto” (1964), “El Gato Loco” (1965), “Juanita Banana” (1966) y “Judy con Disfraz” (1968). Los Hooligans participaron en varias películas como “La Edad de la Violencia” y algunas otras, así como en innumerables programas de televisión destacando el legendario Discoteque Orfeón a Go Go. A lo largo de su vida artística desfilaron varios otros músicos en el grupo como John Richards (bajo), Jorge Vargas (acompañamiento), Adolfo Fito Girón (vocalista) y otros que hicieron del grupo uno de los favoritos en aquellos años maravillosos gracias a su perfecta interpretación y a su alegría en el escenario.

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LA ERA DEL ROCK

la fecha, Los Novels siguen tocando después de 38 años de su fundación y han grabado dos CD’s en Discos Denver.

Los Boopers

Los Novels Carlos Castillo, Sergio Ruiz y el creador del nombre del grupo, Jaime Martín, forman los Novels, y empezaron a tocar en todos los lugares donde se podía; a estos, se unieron tiempo después Toño Cisneros como 2º guitarra y Jorge Triana en la guitarra requinto. Esta fue la etapa más solida del grupo. Como eran amigos del grupo Los Hooligans, ensayaban en el mismo local y empezaron a buscar canciones de rock/pop español (de España) para cantarlas en México; así Los Novels estuvieron ensayando “Un sorbito de Champagne” y “Renacerá” de los Brincos, las cuales iban a ser sus “éxitos” pero los Hooligans se les adelantaron y de repente ya estaban sonando en el radio. Esto ocasionó que se pelearan y buscaran otro local para ensayar.

Infortunadamente de ese mismo local que encontraron se robaron todos los instrumentos posteriormente, motivo por el cual el grupo se deshizo en 1967.

Debido a todo esto, Toño se tuvo que ir del país y murió en un accidente de automovil en Perú.

Muchas canciones grabadas en Orfeón se quedaron enlatadas y fue imposible volver a reunir al grupo por la posterior muerte de Toño Cisneros. A 372

Son Los Boppers quienes tienen el dudoso honor de haber preparado, ensayado y grabado un disco de larga duración en solo nueve horas. Esto sucedió en 1960 cuando grupo se inicio con una pequeña marca discográfica llamada Coro, afortunadamente para ellos a partir de 1961 se conectaron con la compañía Peerles y empiezan sus éxitos discográficos. El grupo lo integraron Paco Cañedo (vocalista), Javier de la Cueva (Piano), Julio Cesar (Requinto), José López (bajo), Eduardo Sánchez (batería) y el líder, fundador, trompetista y pianista del grupo German González, quien cinco años después se integraría al grupo “El Clan” y posteriormente a “ La Fresa Ácida”. Su mejor cación: “Saco sport y un clavel rosado”. Después de dos discos, Paco Cañedo siguió su carrera como solista.

Los BlueCaps El grupo de “Los Blue Caps” no habiendo grabado ningún disco de larga duración y con un solo sencillo original de su bajista Armando Trejo y en la voz de Rene Ferrer, la inmortal “Vuelve primavera” de 1961, lograron uno de los éxitos mas fuertes del año, llegando inclusive a colocarse en los primeros lugares de Súdamerica, jamás tendrían otro éxito semejante, ni tampoco lo necesitarían para ser recordados hasta la fecha. El grupo se disolvió durante ese mismo año, Alberto Camilli el pianista y Tito Ahumada el baterista regresaron a la vida privada; el requintista Jorge Gutiérrez Michell se integraría posteriormente a “Los Ovnis”, Armando Trejo formaría a el grupo “Los Blue Kings”, y posteriormente al disol-

Los Blue Caps tuvieron una efímera carrera juntos, pero crearon uno de los clásicos del Rock en castellano: “Vuelve Primavera”.

verse este cambiaria el Rock & Roll por larga carrera de interprete en guitarra de canciones folklóricas; Rene Ferrer paso a formar parte del grupo norteño “Los Playboys”. Entre sus canciones están: “Tu y el Rock” (original del grupo), una excelente versión de “Patrulla americana/De buen humor” y “Por que te quiero tanto” (cover de “Why do I love you so?”).

El Rock sigue hacia el sur: Argentina y Chile En Argentina el rock and roll hizo su primera aparición hacia 1958 con los primeros discos de Bill Halley, Elvis Presley y sus películas, encontrando cierta resistencia en un público acostumbrado al folklore con los Chalchaleros, el mambo de Amelita Vargas, tangos, orquestas y boleros. Hacia 1960 los primeros “rocks” en castellano vienen de México, con los Teen Tops con sus hits “La Plaga” y “Popotitos”. Con ellos vinieron toda una serie de grupos del sello CBS (hoy Sony), que dominaba el mercado.

RCA (hoy BMG) era su mayor competencia, en los USA tenía a Elvis, pero no irían a desdeñar este nuevo mercado. Hacia 1962 reclutó a una serie de jóvenes artistas locales, que su subsidiaria VIK cata-

logó como “Nueva Ola”. Este verdadero fenómeno musical joven unió los gustos de todo público, algo que definían como “música para niños de 3 a 80 años”.

El nuevo “sonido adolescente” atrajo a nuevas figuras criollas como Eddie Pequenino y Sandro y Los de fuego que hacían un rock and roll más agresivo, Billy Cafaro con un rock más suave y divertido, y una docena de cantantes y grupos que lograron notoriedad a través de programas televisivos como “La cantina de la guardia nueva”, “Ritmo y Juventud” en canal 11 y “El Club del Clan” en canal 13. Al año siguiente se pusieron de moda las playas como la de Villa Gesell y Mar del Plata como centros de encuentro juvenil, algo así como “la dolce vita” a semejanza de los italianos y franceses. El twist también pegó de lleno con el “Limbo Rock” interpretado por el Indio Gasparino (conocido luego como Facundo Cabral) y sobre todo Palito Ortega y su “Despeinada”. El folklore nacional y los tangos estaban siendo dejados a un lado, sobre todo por el vasto segmento juvenil argentino.

Roberto Vicente Sánchez, Sandro, hizo su debut en 1961, usaba un look muy particular, con el pelo revuelto, campera negra, cuello levantado, botas de punta metálica y jeans ajustados. En 1962 se une al grupo Los de Fuego para grabar “Hay mucha agitación” que desató el éxito, grabaron juntos hasta 1966, año en que se decidió nuevamente como solista y cambiaría su orientación musical.

Billy Cafaro Después de una juventud dura y con muchos sinsabores, llegó el éxito para Luis María Cafaro (verdadero nombre de

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LA ERA DEL ROCK

Billy), y en 1959 dió un impulso decisivo a la música “moderna” en el país. Antes de que Columbia lo contratara, había cantado Jazz, baladas y algunos tangos, con la orquesta “Jazz Club” que dirigía en Zárate su primo Virgilio Expósito.

Su primer simple en Columbia incluyó “Pity Pity” y “Tú eres”, editado en los dos formatos de discos, el viejo “78” de pasta y el nuevo “33 irrompible”. La respuesta del público superó todo lo esperado, con una venta de casi 300.000 copias. Esta cifra se incrementó con sus siguientes éxitos: “Personalidad”, “Marcianita”, “Un Telegrama”, incluidos luego en el LP mencionado. Cada presentación suya en un club, en alguna radio o en la TV movía gran número de seguidores que cortaban las calles para ver a su ídolo.

Su segundo LP incluía dos temas compuestos por Lucio Milena para la película “La Patota”: “Bésame Pepita” y “Viento, Viento”. Entre otros temas hay también versiones castellanas de temas italianos, como la hermosa “Mira que Luna”, “Baby Rock” y “Clarito de Luna”.

En ese tiempo, en Italia la versión de Marino Marini de “Kriminal Tango”, de autores alemanes era un rotundo éxito.

Este tipo de tangos europeizados estaba muy de moda, pero cuando Billy grabó la versión castellana generó grandes polémicas en Argentina, en plena época de rechazo a la innovadora música de Astor Piazzolla por los amantes del tango tradicional. Hubo incluso algunos incidentes, lo que afectó las ventas de su tercer LP “OK Billy”.

Los temas de Billy se vendian bien en España, lo que motivó que en 1962 se radicara en ese país. Si bien llegó a grabar varios EP, no alcanzó el éxito deseado, y su regreso a Buenos Aires pasó desapercibido ante el auge del “Club del Clan”, donde alguna vez se presentó como invitado. Algunos fans hablaban 374

en ese entonces de una “conspiración” de las discográficas para mantenerlo alejado de las grabaciones. Durante unos años volvió a España, donde registró sus últimos EP entre 1965 y 1967. En los 90 Billy reapareció en espectáculos nostálgicos, cantando boleros y tangos. Aún hoy sigue plenamente activo.

Los Teen Agers Grupo cordobés formado en 1961.

Tuvo su origen en un trío que formaban los guitarristas Oscar Santa Cruz y Guillermo Horacio Araújo y el baterista Julio Roberto Rampoldi, jóvenes estudiantes de alrededor de 16 años, que residían en un barrio residencial de la ciudad de Córdoba. El locutor y animador más conocido de programas para la juventud cordobesa, Enrique Del Campo, pasó casualmente y los escuchó ensayando.

Por consejo suyo incorporaron a otros dos integrantes: el pianista Miguel Ángel Costerg y otro guitarrista y vocalista, Pedro Raúl Surdo. Del Campo estaba a cargo también de las relaciones públicas de Vértice Musical, principal comercio disquero cordobés, y tenía contactos con CBS, por lo que consiguió que viajaran a Buenos Aires y grabaran sus primeros temas. Hasta entonces cantaban en inglés, pero la grabadora prefirió que lo hicieran en castellano.

El primer LP, “Club de Baile”, editado en 1963, incluyó versiones en castellano de “Hermosos Ojos Azules” (“Pretty

Blue Eyes”); “Pera Madura”, de Pino Donaggio, y del éxito de The Cascades “El Ritmo de la Lluvia” (“Rhythm Of The Rain”); el resto de los temas eran de Guillermo Araujo (“Mi Corazón Agradecido”, “Mabel”, “Enamorado de Tí”), de Pedro Surdo (“Tú Eres mi Bombón”, “Matemáticas”, “El Último Tren”, “Twist en Blue Jeans”, “Liliana”) y una colaboración entre ambos (“No te Voy a Mentir”).

En 1964 apareció el segundo LP, “De Buen Humor”, con este tema clásico (el famoso “In the Mood” que popularizó Glenn Miller). Incluía además versiones en español de “Estoy Caminando” (“I’am Walking”, éxito de Fats Domino); “Surf City”, de los Beach Boys; “Que Tonto es el Amor (“Fools Rush In”) y “Buscando el Amor”. En esta época ingresaron Carlos Constantino y Alberto Boero en reemplazo de Costerg y Araújo.

Se disolvieron en 1966, pero no sin antes grabar varios simples y EP. Surdo falleció en 1992. Costerg se dedicó a la abogacía; Santa Cruz y Constantino a la ingeniería. Un admirador del grupo, Julio Bruzzone, reflotó Los Teen Agers, pero de los miembros originales solamente participó en ocasiones Guillermo Araújo, hasta que debió alejarse por una enfermedad, que causó su muerte en 2002.

Los Pick-Ups Fueron uno de los grupos más destacados de la primera mitad de los sesenta en la Argentina. Lo integraban Alberto Comte en la primera guitarra, Horacio Ascheri como cantante y segunda guitarra, Basilio Uhryniuk en bajo, Manuel Antonio López en teclados y Nestor Luis Trozzi en batería. Grabaron en Music Hall durante 1962 y 1963 los LP “Es la Locura”, “Con Todo” y “Buscados”. En 1964 Ascheri inició su carrera como solista, reemplazándolo Juan Manuel ‘Tony’ González, que venía de The Wonderful’s. También

se alejó Uhryniuk e ingresó en bajo Tonino Armentano. Esta formación grabó en 1964 el LP “Al Abordaje”, último del grupo. Posteriormente hubo nuevos cambios de cantante, incorporándose Cacho Barguini (o Borghini). Además de los temas incluidos en los LP, grabaron “La Pecosita”, “Palabras”, “Un Lugar en el Sol”, “Date Cuenta”, “Nunca Nadie Como Tú”, “Re Bueno”, “Es un Rayo”, “Ahora Sé que No”, “Tan Solo un Niño”, “Repican las Campanas”, “Santa Claus Viene a la Ciudad”, “Podemos Solucionarlo”, “Loco por las Muchachas”, “Así Como Yo”, “Los Muchachos Lloran”, “Musica de Rock And Roll”, y “He de Volver a Verte”.

Los Jets - Jackie y Los Ciclones Excelente grupo, uno de los mejores de la década de 1960. Precursores en la grabación de temas de The Beatles en

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LA ERA DEL ROCK

Los Jets: Memmo Campione, Guillermo Fuertes, “Jackie”, Héctor Ziblat y Martín ‘Chivo’ Etchemendy

JACKIE Y LOS CICLONES, grupo al estilo de los Teen Tops mexicanos, liderado por el cantante Jorge ‘Jackie’ Álvarez, que había sido el primer vocalista de Los Jets.

Cantaban en castellano éxitos americanos: “Corre González”, “Lección de Twist”, “Susy la Coqueta”, “Limbo Rock”, “Okey Chicas”. Jackie grabó posteriormente algunos discos como solista, mientras que algunos integrantes de Los Ciclones continuaron como grupo instrumental con el nombre de Les Eiffel.

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Argentina. También fueron los primeros de su estilo en presentarse en Brasil. El grupo tuvo su origen en el barrio de Flores y sus aledaños, donde Héctor Ziblat y Jorge ‘Jackie’ Álvarez formaron parte del grupo The Big Rockers, mientras Guillermo Fuertes con un hermano y un primo integraban The Young Hearts. Coincidieron entre Octubre de 1960 y Mayo de 1961 en Los Callejeros, integrado por Jackie (voz principal y trompeta), Héctor (contrabajo), Guillermo (guitarra y voz), Oscar ‘Chiche’ Tortoriello (piano), Leonardo Peusner (primera guitarra, precursor en el uso de la Fender Stratocaster en Argentina) y Héctor ‘Memmo’ Campione (batería). No llegaron a grabar comercialmente, registrando solo uno o dos acetatos. Disueltos Los Callejeros, en Junio de 1961 surgieron Los Jets, con Jackie (voz), Héctor (bajo), Guillermo (guitarra y voz) y Memmo (batería). En Noviembre de ese año incorporaron a otro gran baterista, Martín ‘Chivo’ Etchemendy, y

durante más de dos años el grupo contó con la característica única de utilizar dos baterías, instrumento al que dieron en las grabaciones un lugar mucho más destacado que el habitual en la época. Grabaron en el sello Opus cuatro temas: “La Paloma”, con Guillermo como primera voz; “Multiplicación” y “Lección de Twist”, cantando Jackie como primera voz, y “Okey Muchachos”, en el que se alternaron en el canto Guillermo, Jackie y el trío que ambos formaban con Héctor. “La Paloma”, “Lección de Twist” y “Okey Muchachos” fueron incluidos en el primer LP de Los Jets, “La Pecosita”, editado por Opus. El resto de los temas fue grabado por una nueva formación, dado que en Septiembre de 1962 Jackie abandonó el grupo para formar Jackie y Los Ciclones, ingresando como vocalista Jorge Omar Vidal. El LP salió a la venta en Julio de 1963. En su mejor momento, Los

Jets sumaron a las habituales presentaciones en clubes, actuaciones en televisión y giras por el interior: Córdoba, Santa Fé, Mendoza, La Pampa, Mar del Plata, Bahía Blanca y frecuentes presentaciones en Rosario. Se presentaron en São Paulo, en la sala de teatro de TV Globo, como artistas principales de un espectáculo de música juvenil que fué transmitido por televisión en directo. Además actuaron en la boite Oasis de esa ciudad. En 1964 formaron parte del estelar elenco de “Buenas Noches Buenos Aires”, en el Teatro Astral de Buenos Aires.

El alejamiento de Memmo Campione, en Abril de 1964, dejó a Martín como único baterista. Esta formación registró para Odeón el segundo LP del grupo, “Twist y Gritos”, que apareció a mediados de 1964. El disco incluyó “Ámame”; una linda versión del clásico “Allá en el Rancho Grande”, en la que los “bluyines” reemplazan a los calzones del original; “Quiero Tener tu Mano”; “Cocodrilo”; “Juana Luisa Valdez”; “Te han Visto el Domingo a la Noche”; “Las Mañanitas”; “Lana”; “Shuripep”; “Twist y Gritos”; “Total”; “Chin Chin”; “Sentirás Amor” y “El Torcido”. Un tercer LP fue grabado por Los Jets en Odeón, pero lamentablemente no salió a la venta y la grabación fue posteriormente borrada. Solo apareció un simple con “Niñito” y “Te Conseguiré”.

En estas grabaciones se agregó como guitarrista Oscar Islas, ex-integrante de Los Ciclones. Posteriormente, en Mayo de 1965, Jorge Vidal dejó el grupo, incorporándose en forma estable Oscar, mientras que Guillermo pasó a ser la voz principal hasta la disolución de Los Jets, en Febrero de 1966.

y musicos para crear un programa de TV que revolucionaría todo lo conocido hasta entonces. Fue la fábrica de música comercial juvenil más importante del momento. El show se emitía por canal 13 los sábados a las 20:30 hs. Se moldeaban a los artistas de acuerdo a su imagen y el tipo de música que interpretarían. Se llamó el “Club del Clan” y el show arrasó.

En esa época, antes de salir los sábados a la noche, religiosamente se encendía la TV para ver el programa. En cada casa se interrumpían los bailes, las comidas, los problemas, los amores, y se sintonizaba la ola que arrastraba al papá, la mamá, el hermanito y la abuela.

En el “Club del Clan” hacía su aparición Johnny Tedesco, el ídolo joven y rubio, réplica de Elvis, cantando las canciones en castellano como “Presumida” (de los Teen Tops) y ostentando un pullover llamativo, el cual incluso le tejían sus admiradoras. Luego estaba Nick Jones, un bajito de aspecto japonés, con camisas floreadas y guirnaldas de flores en el cuello, conocido como el “hawaiano”. Supo explotar su faceta cómica in-

Rocky Pontoni hacía temas de Paul Anka y Neil Sedaka en castellano, era “el feo de la voz linda”.

El “Club del Clan” Para capitalizar esta nueva corriente musical, directivos de la disquera RCA de Argentina, forman un núcleo de técnicos 377

LA ERA DEL ROCK

Fotos autografiadas de EL CLUB DEL CLAN del año 1963.

Palito Ortega, Perico Gómez, Jolly Land, Raúl Lavié, Johny Tedesco, Violeta Rivas, Nicky Jones, Lalo Fransen, Los Red Caps y Chico Novarro.

Cachita Galán hacía música tropical, su verdadero nombre era Leticia Noemí De León.

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terpretando “Sr. Contrabajo”, “Soy Popeye”, “Papa Om Mow Mow”, haciendo alarde de su ejecución del bajo en sus canciones. Lalo Fransen quien románticamente cantaba “El pañuelo manchado de rouge” y la “Media medalla”, y quien también se había retratado descalzo para la tapa de su LP (cosa inusual en la época), se convirtió en el “playboy” del grupo. También en la línea romántica estaba Raúl Lavié, que dejó el tango para dar la nota melódica y seria. Chico Novarro, dejó el dúo Los Novarro para encargarse del infaltable “toque tropical” omnipresente en la música popular.

Alternaba cumbias y merengues con boleros de primera. Su indiscutible talento se canalizaba hacia los temas más pegadizos como “El Camaleón”.

Entre las chicas, figuraban a la cabeza, Jolly Land, rubia y simpática, mostrando una imagen a la vez ingénua y provocativa al estilo Brigitte Bardot, con temas como “Mi perro pequinés”, “Una cebra a pintitas”, “Renato”, y como broche coqueteaba con Chico y Raúl. Violeta Rivas cantaba “Nadie estará estrujando la flor de mi boca” y se dedicó a hacer temas

traducidos del italiano, especialmente de Mina y luego de Rita Pavone. El Club se completaba con otros artistas como Rocky Pontoni, que se especializaba en hacer temas de Neil Sedaka en español, Cachita Galán hacía música tropical, Galo Cárdenas que con su bel-canto hacía las veces del Mario Lanza del grupo. También aparecían Horacio Molina y sus boleros, Perico Gómez, Raúl Cobian “Tanguito”, Pino Valenti y por supuesto Palito Ortega.

Palito Ortega ya interpretaba rock and roll bajo el nombre de Nery Nelson, pero cambió de nombre e imagen al ingresar al Club del Clan. Al principio estuvo a la sombra de Johnny Tedesco, con su cara triste y seria, cantando canciones con letras cotidianas, muchas co-escritas con Dino Ramos. Pronto pasó a primer plano. A partir de “Camelia” siguió con innumerables éxitos que le dieron fama internacional.

En ese momento se une a Johnny, Lalo y Nicky para formar Los Red Caps (siguiendo la “onda grupera” que se veía a nivel mundial). Juntos graban “La mantequilla” (“Move-it” de Cliff Richard). Palito se convirtió en el ídolo masculino indiscutido del grupo. Pese a que la figura de Jolly Land

era muy promocionada e interpretaba los temas más pegadizos (dicen las malas lenguas que por ser esposa del director). En una ausencia de Jolly, Violeta Rivas tuvo la oportunidad de demostrar sus dotes artísticas superiores y comparable a la famosa Estela Raval de los 5 Latinos. Su gran talento contribuyó a su enorme éxito.

Así, Palito y la “Viole” eran los ídolos del momento, pero su imagen no era precisamente de “superestrellas” sino más bien de chicos como cualquier otro, como el “vecino de al lado”.

El golpe que produjo el “Club del Clan” tuvo mucho que ver con la promoción que hacía la RCA y el hecho de sacar a la venta los LP del programa a un precio mucho más accesible que los otros discos... todos tenían el suyo. El éxito continuó hasta que los principales exponentes, Palito, Johnny, Lalo, Nicky, Chico y Violeta se mudaron al canal 9 para hacer “Sábados Continuados” en 1964. Aunque se intentó reflotar el “Club del Clan” varias veces, incluso en los años 70, su éxito ya no fue el mismo.

La competencia y el mensaje En la mejor época del “Club del Clan”, ninguno de los otros canales pudieron desbancar el emporio formado

por la RCA. Entre tanto otros artistas como Tony Vilar, Ricky y los Solitarios, Los Wonderfulls, Los Five Rockers, Los Flamantes, The Lonely Boys, Los Jaque Mate, Sósimo y los Demonios, etc. se disputaban el resto del público, sólo Juan Ramón en Disc Jockey conseguía imponerse, para luego ser absorbido por la RCA y desaparecer de la popularidad. El sello CBS lanzó sin embargo el competidor más serio de Palito Ortega: Leopoldo Dante Tévez, natural de un pueblito de Santiago del Estero. Con el nombre de Leo Dan, comenzó a sacar a partir de “Celia” una serie de canciones con nombre de mujer que tuvo muchísimo éxito.

Poco a poco el “Club del Clan“ se volvió tan popular que muchos jóvenes argentinos comenzaron a calificar al programa y a sus adeptos de “mersas” o sea gente de baja clase social y altamente consumista. Para 1964 con el embate de los Beatles y los Rolling Stones un gran segmento de la juventud se cansó de estos artistas considerados prefabricados y muy comerciales y empezaron a buscar otro tipo de sonido, más duro, más realista, más acorde con la realidad que vivían los jóvenes del momento. No es que esas canciones no hablaran de los temas juveniles, sino que los matices eran distintos, en los primeros años

Leo Dan surgió como una de las respuestas más efectivas a los ídolos del Club del Clan, con temas inolvidables como “Como te extraño” y “Celia”.

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LA ERA DEL ROCK

Pero poco a poco la onda inglesa se iba filtrando y vendrían los discos de los Beatles, Rolling Stones, Los Hollies, Dave Clark Five y los flequillos, botitas y pantalones ajustados ya se veían en Buenos Aires.

Fuiste mía un verano, Ella ya me olvidó, Quiero aprender de memoria, Y quizás le regale una rosa, todos temas que reventaron en la radio y TV, a cargo de otro de los cantantes y actores más reconocidos de la época que no eran del CLub del Clan, Leonardo Favio.

Los jovenes se van a la costa

60 la población gozaba de una bonanza económica, los jóvenes sólo se preocupaban de salir y bailar. Temas como “De qué me sirve el latín”, “Qué Suerte” de Violeta Rivas o “Twist del Recluta”, “Sabor a Nada” de Palito Ortega y los Red Caps se centraban en la escuela, el servicio militar, la familia, el hogar y por supuesto el amor. Pero después de 1965 con el auge de los Beatles y los Rolling Stones el gusto juvenil comenzaría a cambiar.

El nuevo sonido “beat”

Los Beatniks, grupo pionero del movimiento rockero argentino.

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Pasando el tiempo, se empezaba a escuchar rumores de cuatro muchachos ingleses, aparecía alguna foto por ahí, se decía que en Inglaterra las faldas dejaban ver las rodillas, y que estos muchachos usaban flequillo...¡¡flequillo, que horror!!. El sello EMI-Odeón lanzó un LP “El monstruo despierta” presentándolos como “Los grillos” y el canal 9 se comprometía a traerlos al país. Al final hubo que aclarar que se trataba de los “American Beetles”, la gente aún no le prestaba mucha atención, seguía con Paul Anka, Neil Sedaka, Trini López y Rita Pavone.

Corre aproximadamente el año 1964 época en que muchos jóvenes de pelo largo se vuelcan hacia las playas más desconocidas y salvajes como una forma de reencuentro con la naturaleza para algunos o siguiendo alguna línea intelectual llegada desde el exterior, para otros, lo importante es que la juventud comienza a tomar partido por un cambio de vida.

Una de las playas más visitadas es Villa Gesell, lugar que sin proponérselo se volvería un referente juvenil, por allí deambulaba Pajarito Zagurí y sus canciones de protesta, lo que le traería problemas con el comisario de Villa Gesell. También por allí andaba Mauricio Birabent, conocido después como Moris, quien había puesto una boîte llamada Juan Sebastian Bar, allí tocaba ya con el baterista Javier Martinez (futuro fundador de Manal). Moris, Javier, Rocky Rodríguez e Iván hacen la primera formación de Los Beatniks. Cantan canciones de los Beatles y algunos temas en castellano como el clásico “Rebelde”.

Cuando termina el verano de 1965 los Beatniks se separan, Moris y Javier se van para Buenos Aires a seguir caminos distintos.

Como reflejo de la Beatlemanía, los pelos largos comenzaron a aparecer y la imagen sufrió cambios notables. Pero el gran cambio no pasaba simplemente por el aspecto: en bares, plazas, pensiones y otros puntos de encuentro, el rock en castellano comenzaba a ser una realidad.

En 1965 llegan desde el Uruguay Los Shakers, de los hermanos Fattorusso, quienes cantaban en inglés covers de

los Beatles y también temas propios. La EMI los contrató y su fama rápidamente traspasó las fronteras, contagiando a los jóvenes argentinos.

De vuelta a Buenos Aires Poco a poco todos los músicos atraídos por esta nueva corriente comenzaron a converger en “Passarotus”, la hoy recordada Cueva de la avenida Pueyrredón seguía siendo un lugar sólo para aquellos fanáticos del Jazz ó músicos de este género. Las reuniones que un par de años después serían tan comunes, por estos días solo se daba entre los músicos de Jazz como Bernardo Baraj, Ricardo Lew, Jorge Navarro, el “gordo” Cáceres y Nestor Astarita. Junto con la Perla de Once, Plaza Francia, el Instituto Di Tella y algunos otros pocos sitios marginales o casi desconocidos fueron el centro del incipiente movimiento. En ese pequeño antro con espacio para poco más de 50 personas, que olía mal, donde el sonido era malo y el whisky era peor, se empiezan a juntar “los naufragos” del rock: Moris, Pajarito, Javier Martínez, Pipo Lernoud, Billy Bond y otros. Las primeras épocas fueron realmente duras: carentes de medios, perseguidos por la policía, ignorados por los productores y radios, incomprendidos por la prensa escrita y por el resto de los jóvenes.

En ese entonces aparece en escena Miguel Peralta, que venía del interior cantando folklore con su hermana, pronto trabó amistad con Lernoud y se asomó un día por La Cueva. Aceptó como desafío y a modo de repudio cantar “Vidala del angelito”. Lo aplaudieron a reventar. Muy pronto se haría llamar Miguel Abuelo.

Pero Buenos Aires no era el único lugar con jovenes inquietos que veían en la música una forma de llevar su mensaje a la gente. En Rosario, provincia de

Moris fue uno de los pioneros del rock argentino y precursor de grupos como Los Beatniks y más tarde de toda la corriente rockera. Se consagró como autor de clásicos como “El oso”, “Ayer Nomás”y “De nada sirve”.

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LA ERA DEL ROCK

Los “WILD CATS”, Ricardo Bellini, Guillermo Romero, Juan Ciro Fogliatta, Ruben Rojas y Juan Carlos Pueblas. En la foto junto a Ambar La Fox, Maurice Jouvet y Tito Veliz.

(Agosto de 1963).

Los Seasons con Moris.

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né el colegio para dedicarme a la música. Había en Rosario muchos conjuntos (como en todos lados) influenciados por grupos Mexicanos de rock and roll. Aquí lo comercial eran los Pick Ups, Jackie y Los Ciclones... y tenía para elegir entre eso y las canciones de Enrique Guzmán con los Teen Tops. Los Wild Cats precisaban un cantante, pero yo no era lo que ellos esperaban, querian que modulara como Elvis Presley o Gene Vincent...

Pero finalmente Ciro Fogliatta me vino hablar y me metí con ellos, me volví loco porque ese era el conjunto número 1 de Rosario.”

Santa Fé, a unos 300 kms de Buenos Aires, ya había una fuerte banda de músicos, que contaba con seguidores propios. Ellos eran los Wild Cats, la banda número uno de Rosario, que jugaría un importante papel en la formación de un compositor y músico con experiencia, pero muy joven todavía, tenía solo trece años, se llamaba Litto Nebbia y lo que más deseaba era pertenecer a los Wild Cats, Litto lo cuenta así: “... Yo empecé a laburar profesionalmente a los 8 años, con mis viejos. Cantábamos boleros de la época de Agustín Lara y tangos melódicos viejísimos y a los 13 años abando-

Las primeras grabaciones Esa época de experimentación y búsqueda miraba a la música como un estilo de vida, pensar en grabar era como un sueño lejano, pero muy pronto empresarios avispados se dieron cuenta de que esta era la posta. Comienza 1965 y Moris se reencuentra con su viejo amigo Pajarito Zaguri, a quién conoce desde hace más de una década. En la pensión Norte (hoy demolida), Moris y algunos músicos de Jazz de La Cueva habían aceptado integrar una nueva versión de Los Beatniks,

se preparan ensayando para un futuro regreso. Su consigna era: PAZ, AMOR LIBRE Y ANTI-MILITARISMO. Ahora eso es muy común, pero en ese momento atrajeron a revistas, gente y medios a ver que había ahí, quienes eran estos tipos que cantaban canciones de protesta y de amor libre. Decía Moris: “Era raro, la gente no hablaba de eso. Nosotros queríamos vivir la vida, hacer nuestra la experiencia y no teníamos ninguna idea de grabar, tener éxito o dar entrevistas... era todo muy novedoso y aparte no éramos copia de los Beatles ni de los Rolling Stones, teníamos el pelo corto y nos vestíamos con sandalias, camperas de plástico negro y pantalones de corderoy”. Por ese tiempo aparece Pipo Lernoud, que se dedicaba a la poesía y a la escritura (el primer poeta del rock argentino), fue él quién le alcanza a Morís el bosquejo musical y la letra del tema “Ayer Nomás”, tiempo después sería partícipe en la formación de Los Abuelos de la Nada.

Mientras tanto Moris y Pajarito después de mucha insistencia consiguen entrevistar al “Capo” de la CBS, uno de los sellos discográficos mas importantes de esos días. De esta reunión consiguen un apoyo leve de parte de la compañía para la salida de su primer simple en 1966, hoy piedra fundamental del Rock Argentino, con los temas “No finjas más” y “Rebelde” que en su letra decía: “Porque la gente quiere luchar aproximando la guerra nuclear / Cambien las armas por el amor / Y haremos un mundo mejor / Rebelde me llama la gente / Rebelde es mi corazón / Soy libre y quieren hacerme esclavo de la tradición / Todo se hace por interés porque este mundo esta al revés”.

Después de algunas discusiones en el seno de los Beatniks, unos querían dejar los temas de protesta y Moris quería ir mas lejos aún. Todo esto sumado a

que las ventas no fueron muy buenas, apenas 200 copias, termina por quebrar al grupo y se separa después de un ciclo de recitales en el teatro del Altillo.

Moris se decanta por seguir su carrera en solitario.

Los Seasons fueron otro de los tantos grupos argentinos que tocaba canciones de los Beatles, allá por 1966.

Con la formación de Alejandro Medina (futuro Manal), Carlos Mellino (con los seudónimos Max y Rodney, para aparentar ser ingleses) y un baterista llamado Freddy, llegaron a registrar una placa con covers, titulada “Liverpool at B.A.” (1966). Por su parte Miguel Abuelo y Pipo Lernoud deciden crear Los Abuelos de la Nada.

En realidad, recorrieron el camino inverso que cualquiera de las bandas de la época. Abuelo acompañó a Lernoud a la compañía discográfica y, repentinamente, el manager le preguntó si él tenía algún grupo. Ahí nomás, Abuelo inventó el nombre y acordó grabar a los tres meses con la CBS. Debió, entonces, encontrar los músicos que lo secundaran: El guitarrista Claudio Gabis no aceptó unirse a Los Abuelos, pero sí accedió a grabar con ellos. Luego entraría un joven loco por el blues, Norberto “Pappo” Napolitano como guitarrista estable. Esa primera formación quedaría integrada, entonces, con Miguel Abuelo (voz), Héctor “Pomo” Lorenzo (batería), Alberto Lara (bajo), Micky Lara (guitarra), Eduardo “Mayoneso” Fanacoa (teclados) y Pappo (guitarra).

El simple que lograron grabar incluía “Diana Divaga” y “Tema en flu sobre el planeta”, pero el disco no se editó, sino que solamente tuvo alguna pobre difusión en radios. Logran grabar un LP y la CBS se prepara para lanzar a “Los Beatles Argentinos”, la campaña previa fue muy movida, pero los Abuelos se disolvieron al poco tiempo.

“SOLO ME IMPORTA TENER PARA EL SUBTE CUANDO NO TENGO PARA EL TAXI”. Así resumía su filosofía de vida, “Pajarito” Zaguri, integrante del conjunto “La barra de choclolate”, autor de canciones de gran éxito como “Gigante”, “Alza la voz” y “Llámala”, es un ídolo de los jóvenes de Buenos Aires, líder de “La barra de chocolate”, no cree que la fama sea importante y admira a George Harrison y a Elvis Presley.

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LA ERA DEL ROCK

A fines de 1966 y principios de 1967 se reunían en La Perla de Once, Litto Nebbia, Miguel Abuelo, Tanguito, Alejandro Medina, Javier Martínez, Pipo Lernoud, Moris, El Gordo Martínez (manager de Los Gatos) Ciro Fogliatta, Pajarito Zaguri, Hernán Pujó (autor de la letra de “Amor de primavera) y Miguel Grimberg. Se juntaban a tocar y a cantar en el baño de caballeros porque decían que la acústica del lugar era excelente. Venían de “La Cueva”, donde se vivía el ambiente bohemio y musical de la época. En La Perla fueron compuestos, además de “La Balsa”, “Jugo de tomate frío”, “Todo el día me pregunto” (ambos de Javier Martínez, Manal), “Madre escúchame”, “El vagabundo” y “El rey lloró” (Los Gatos).

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La Cueva cambia A todo esto otro personaje llamado Billy Bond (Giuliano Canterini) comienza a hacer de las suyas en La Cueva: “Cuando Los Guantes Negros (banda imitación de los Beatles formada por Ricardo Lew, Willy Verdaguer Walde y Billy Bond) estaban en lo mejor época de su suceso, yo frecuentaba un lugar en la calle Pueyrredón que se llamaba “La Cueva de Passarotus”, que era un lugar donde se encontraban los músicos de Jazz. En una de esas idas conocí al encargado del lugar, de nombre Bravo, entonces con él, Carlitos Carnaza, que era bajista de Las Sombras y con un peluquero amigo mío que no tenía nada que ver con nada, hicimos una especie de sociedad

para explotar ese lugar y hacer una Cueva Beat. Ahí reformamos La Cueva entera, pasamos papel en las paredes, las pintamos, etc. Carnaza y este chico amigo decidieron traerlo a Sandro para que viniera a frecuentar el lugar y Sandro se hizo amigo nuestro. Nosotros hacíamos eso porque como Sandro era famoso, conseguíamos notas. Ahí viene la famosa historia de que Sandro era dueño de La Cueva y se sacó unas fotos allá.

Al principio de La Cueva tocaban Las Sombras y Sandro. Empiezan a venir Los Shakers, Pajarito Zaguri, Morís, Javier Martínez, etc. Terminábamos de tocar a eso de las 5, 6 de la matina. Tanguito también aparecía, pero no entraba mucho a La Cueva porque era menor de edad.

Llegó un momento que la policía venía todos los días, se puso insoportable y los chicos, en vez de parar en la esquina empezaron a encontrarse en La Perla del Once (pizzeria que se encontraba frente a la estación de tren Miserere)”.

Empiezan a ganar espacios Otra leyenda de la primera época del Rock Argentino es sin dudas “Tanguito” cuyo verdadero nombre era José Alberto Iglesias, conocido también con otros seudónimos (Donovan y Ramsés VII).

Dejó el colegio temprano, lo suyo era la guitarra y el divague. La oportunidad le llegó en 1963 cuando entró a cantar al grupo Los Dukers a los 18 años. Al año siguiente, su amigo Horacio Martínez obtiene un contacto en la RCA Victor; con la esperanza de grabar un disco solista deja a los Dukers, pero el disco no llega a realizarse. Luego gracias a Martínez hace su primer contacto con la gente de la Cueva de Passarotus. Allí traba inmediatamente amistad con los abitués del lugar, pero como era menor de edad no siempre le permitían entrar al club. La onda creativa casi mesiánica que había lo atrapó com-

pletamente, en la Cueva y la pizzería de Once compone sus más famosos temas, de todos los cuales “La Balsa” es el más célebre. El 18 de enero de 1968, en días en que “La Balsa” era la canción más difundida y vendida del verano, Tanguito grabó dos temas propios en los estudios RCA, acompañado por la orquesta de Horacio Malvicino. “La princesa dorada”, escrita en colaboración con Pipo Lernoud, y “El hombre restante”, coautoría con Javier Martínez, fueron los únicos que realizó profesionalmente como solista. El 4 de abril fue editado el simple de Ramsés VII por el sello RCA Víctor. Pero sin apoyo de difusión de la compañía, y sin interés visible de su responsable, la edición tuvo poco vuelo y fue un fracaso comercial. En ese momento podría ubicarse el final de sus días buenos.

Un pequeño hito en esta historia lo pone Miguel Grinberg, periodista, crítico musical y poeta, conoce a Moris y Pajarito luego de uno de los recitales de los Beatniks en el Altillo. Por medio de éstos llega a la Cueva y toma contacto con Tanguito y Los Seasons; entusiasmado decide rentar el Teatro la Fábula para organizar una serie de presentaciones llamadas “Aquí, allá y en todas partes”. Los días 7, 12 y 14 de diciembre de 1966, Moris, Tanguito y Los Seasons, se unieron a un músico argentino que vivía en los USA, Bob Vincent, que hacía temas de Dylan y Susana una cantante con voz muy dulce que hacía temas de Facundo Cabral al estilo de Joan Baez. En ese espectáculo, se contaba la historia del rock and roll y lo que se sabía, Tanguito, bajo el nombre de “Donovan el Protestón”, cantaba en un inglés inventado, dos temas ya clásicos del primer rock’n’roll, “Tutti Frutti” y “Perro Feroz” popularizados por Elvis Presley. Aunque no tuvo casi ningún apoyo de la prensa, logró abrir una nueva brecha para el movimiento y comienzan a ganar nuevos espacios.

LOS GATOS transforman todo 1966 sería el año de la separación de Los Gatos Salvajes, debemos tener en cuenta que el grupo era usado al máximo, con mas de 30 representaciones por mes. Y todo por el mismo sueldo. Ya habían editado varios simples con temas propios y como lados ‘B’ versiones de The Animals, The Beatles y The Hollies.

Tras la separación Litto Nebbia y Ciro Fogliatta, deciden quedarse en Buenos Aires para probar suerte y comienzan viviendo en una pensión, ganándose la vida como músicos de acompañamiento en pequeños clubes. Es en este momento que llega a oído de Litto los comentarios, sobre un lugar especial donde relacionarse con jóvenes que tenían ideas muy distintas al resto y se podía escuchar buena música, sí estamos hablando de La Cueva, allí conoce a todos los personajes del ambiente y pasa a la onda bohemia. Al poco tiempo le piden a Litto que arme un grupo para tocar todos los jueves con la posibilidad de cobrar un pequeño sueldo. Para lo cual Litto tuvo que llamar a Rosario pidiendo refuerzos para poder armar la banda, y bajan de Rosario Oscar Moro y Kay Galiffi, quienes junto a Ciro Fogliatta quedará conformada la formación de “Los Gatos”.

Esta nueva chance de trabajo les durará unos 7 u 8 meses. El sueldo por

Los Gatos Salvajes en 1965, al año siguiente se separan y de sus cenizas renacerán “Los Gatos” con Litto Nebbia y Ciro Fogliatta; uno de los grupos fundamentales del Rock Argentino.

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LA ERA DEL ROCK

El hito definitivo del rock argentino fue el grupo Los Gatos, banda que creó su propio material. Después de tocar en «La cueva» durante un par de meses, la banda lanzó el 3 de julio de 1967 un simple: «La balsa», una canción compuesta por Tanguito y Lito Nebbia, en el Lado A y «Ayer no más», en el Lado B. El disco fue un éxito masivo y vendió en torno a las 250.000 copias. Al año siguiente se publicó el primer número de la revista de rock Pinap, y se fundó el primer sello discográfico argentino de rock: Mandioca.

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tocar en La Cueva, no era muy bueno pero la posibilidad de tocar y zapar todas las noches no la tenía cualquier grupo.

El problema mayor se sucedió cuando a raíz de distintos hechos violentos como la explosión de un par de bombas de estruendo en el lugar, sumado al acoso policial que todas las noches vienen a llevarse preso a alguien, terminará por decidir al dueño a cerrar el local.

De los ensayos en la Cueva y la amistad con Moris y Tanguito, saldrán los temas que serán éxitos rotundos. Pero el éxito no llegaría de no ser por la mediación y la insistencia del “gordo” Martínez para hacer una prueba en la RCA. En 1967, Los Gatos graban “La Balsa” (compuesta originalmente por Tanguito y luego completada por Nebbia) y “Ayer nomás” (compuesta por Pipo Lernoud y Moris, pero con algunos cambios en la letra) en dos canales en los estudios TNT, se imprimieron solo 500 copias porque los directivos no tenían fe en el producto. A los 5 meses y gracias a la difusión del simple se comienza a vender en forma totalmente impensada 5.000, 10.000 y hasta llegar a las 200.000 copias. El rock argentino tenía así su primer

éxito masivo, y entonces el movimiento cobró fuerza. Comenzaron los festivales, los productores prestaron mayor atención al fenómeno, apareció la revista “Pinap” y la legión de jóvenes se engrosó considerablemente, nuevos músicos se atrevieron a mostrar lo suyo.

Ese mismo año Los Gatos editan sus dos primeros LP: “Los Gatos” (1967) y “Viento dile a la lluvia” (1968). Previamente, se editó como simple un adelanto del segundo LP: “Viento dile a la lluvia”, que alcazó a vender cerca de 100.000 copias.

Esta banda, si bien aún con inocencia y timidez, comenzó a delinear un lenguaje propio para el rock argentino. “Ninguno de nosotros se dio cuenta en ese momento de que éramos el nacimiento de un movimiento”, reconoce Oscar Moro. “Jamás pensamos que el tema podía pegar tanto y que íbamos a ser uno de los grupos pilares del rock de acá. No nos dábamos cuenta, lo vivíamos de otra manera; nunca pensamos que se podría convertir en algo tan grande”. En septiembre de 1968 salieron de gira por Sudamérica: Paraguay, Bolivia, Uruguay y el Festival de la Canción de Río de Janeiro. Allí presentaron “Seremos amigos”, el tema que daría nombre al tercer disco (1968), más moderno, rozando casi con lo psicodélico. Paralelamente los primeros hippies comienzan a mostrarse en Córdoba, Rosario, y en Buenos Aires, plaza Francia se transforma en centro de reunión. Los jóvenes de pelo muy largo, pantalones vaqueros, sandalias, etc, ya no era un fenómeno exclusivo de los USA. A comienzos de 1969 la banda se separó momentáneamente. Durante nueve meses, todos los integrantes de la banda, con excepción de Nebbia, viajaron por Estados Unidos, conociendo la música local y escuchando a los “grandes del momento”. En el interín, Nebbia inició su carrera solista, filmando la película “El extraño de pelo largo” y lanzando su primer LP. Los Gatos retomarían el cami-

no al año siguiente con “Beat Nº1”, con Pappo Napolitano en el lugar de Kay. En este álbum se notan claramente los dos estilos: el melódico de Litto (en “Sueña y corre”) y el rockero que imponía Pappo (“Hogar”). “Rock de la mujer podrida” era el título para el siguiente LP, pero por problemas de la censura sería cambiado por “Rock de la mujer perdida” (1970).

Este último será el álbum más rockero y, para muchos, el mejor.

A mediados de 1970 Pappo ya abandonó la agrupación para formar su propia banda. Nebbia pasará a tocar el bajo y Toth ocupará el lugar del guitarrista.

Sin embargo un disco simple de baja repercusión y una serie de recitales sin la fuerza acostumbrada consignaron el adios definitivo a Los Gatos. A partir de ese momento, Litto Nebbia continuaría su exitosa carrera como solista, explorando otros estilos musicales, incluyendo el folklore, el jazz y el tango.

Lo “beat” se vuelve comercial Paralelamente al movimiento underground, el rock argentino todavía

era denominado “Música Beat” y con el ejemplo del éxito de Los Gatos, los empresarios aprovechan la oportunidad para introducir nuevos productos al mercado para el consumo masivo, alejado del idealismo de sus primeros cultores. El grupo La Joven Guardia hizo un himno del tema “El extraño de pelo largo” que incluso fue tema para una película, interpretada por Litto Nebbia.

Otros grupos que traducían o hacían sus versiones en inglés eran Los In, Carlos Bisso y su Conexión Nº5, Pintura Fresca, Los Walkers, Trocha Angosta, Los Tíos Queridos, Solvente, etc. Acompañando a estos surgían programas radiales como “Modart en la Noche”, “Música con Tompson y Williams” y por TV, “Sótano Beat”, “Alta Tensión” o “Música en Libertad”, donde los jóvenes bailaban y disfrutaban de los éxitos del momento y donde no se hacía mucha diferencia entre lo pop, rock o progresivo, todo era “beat”, pero sentando las bases de lo que sería considerado después como “Pop” para diferenciarlo del “Rock”.

En lo comercial surgieron nuevas figuras para todos los gustos, entre los

En 1969 Los Gatos toman un rumbo musical más rockero con la adición de “Pappo” Napolitano, pero no duraron mucho juntos. Para mediados de 1970 la agrupación se disolvió definitivamente.

Pappo se va para formar el mítico “Pappo’s Blues”

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LA ERA DEL ROCK

que se destacaban Donald y su “Tiritando”; Tormenta con “Cebando mate”; Quique Villanueva con “Dime linda chiquilina”’, Barbara y Dick, Juan y Juan, Sabu, y otros. Los medios impresos no se quedaron atrás; aparecen revistas especializadas como “JV”, “Pinap” (que organizó el primer festival de la canción beat y pop en 1969) y la revista “Pelo”.

El “beat” tuvo su apogeo con Francis Smith, productor de la CBS, que con sus discos copó totalmente el mercado comercial, desplazando a la RCA. Su reinado se extendió incluso hasta 1972, con una larga cadena de éxitos puramente bailables con grupos como Los Náufragos (“Zapatos rotos”, “Tequiero ver bailar”, “De boliche en boliche”), Safari (“Estoy hecho un demonio”), Industria Nacional (“La tarde que te amé”), Katunga (“El que no baila es un aburrido”), etc.

MANAL que cae de arriba Otro grupo pilar del movimiento rockero argentino fue sin dudas Manal, formado por Javier Martínez (batería, voz), Claudio Gabis (guitarra) y Alejandro Me388

dina (bajo), allá por 1967. Originariamente bautizados “Ricota”, este trío interpretaba un blues marcadamente influenciado por Cream (el grupo de Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce) y se presentaban casi diariamente en La Cueva.

Javier Martínez venía de tocar batería y componer canciones en Villa Gesell, junto a Moris integró fugazmente los primeros Beatniks y luego se mudó a Buenos Aires, formando parte de los “náufragos de La Cueva de Passarotus”. Precisamente allí traba amistad con Alejandro Medina que formaba parte del grupo Los Seasons. Por su parte Claudio Gabis había formado su primer grupo (“Bubblin Awe”) en 1967 a los 18 años, con el que participó en los happenings del Instituto Di Tella, epicentro del movimiento vanguardista de los Sesenta, allí conoce a Javier Martínez y comparten su amor por el blues, un género que en argentina era como “extraterrestre”, símplemente no se conocía. Los tres deciden poner en marcha el proyecto Manal.

Ante varios rechazos de demos, fue necesario que Jorge Álvarez (un famoso productor de la época y amigo de la ban-

Manal, trío fundamental del Rock Argentino, cultores de un blues urbano original y con letras que reflejaban la vida de obreros y gente común de las grandes ciudades. Con temas como “Jugo de Tomate”y “Avellaneda Blues” probaron al mundo que se puede hacer buen blues en castellano.

da) creara junto a Pedro Pujó su propia compañía discográfica, el sello Mandioca, para que Manal pudiera sacar el primer simple: “Qué pena me das” / “Para ser un hombre más” (1968).

Las primeras presentaciones del trío tuvieron lugar en la sala Apolo. Junto a la primera formación de Los Abuelos de la Nada tocaron en Mar del Plata en el verano de 1969. Pappo participó como segunda guitarra en algunos shows. El segundo simple fue “No pibe” / “Necesito un amor”. La consagración fue el Festival Pinap, organizado para fines de 1969.

Ese año la banda se había presentado casi a diario, con lo que habían logrado una justeza instrumental admirable. “Fue el día más glorioso de mi vida artística”, recuerda Gabis, “A Javier se le rompió la batería, a Alejandro se le rompió el bajo, a mí se me rompió no se qué, pero seguimos tocando y la gente deliraba. Terminamos los tres cantando en un micrófono: Alejandro con la guitarra, Javier con los palillos y yo con la armónica y la gente delirando. Manal se consagró ese día, se

hizo un grupo grande.

Ese día entró a la historia”. Con “Manal”, su primer LP (1970), rompió con el tabú que no se podía hacer blues y rhythm & blues en castellano, “Jugo de tomate” y “Avellaneda Blues” son una prueba de ello. Una gran oferta de la RCA convenció a Martínez de emigrar a una discográfica “comercial”, y fracasaron con el segundo disco, “El león” (1971), que no produjo la misma sensación que el anterior.

La poca calidad de los subsiguientes trabajos y la baja considerable en las ventas terminó de zanjar las diferencias entre los integrantes del trío (especialmente entre Martínez y Gabis) y los condujeron a la separación final. Ante el éxito obtenido por Almendra y su retorno tantos años después, Manal siguió el mismo camino, en 1980. “Todo lo inició Almendra, recuerda Alejandro, los pro389

LA ERA DEL ROCK

ductores decidieron que si ellos se reunían, Manal tenía que hacer lo mismo, y así fue que nos llamaron”. Realizaron cuatro presentaciones en el estadio de Obras, editaron el LP “Reunión” (1981) con material nuevo, giraron por las ciudades más importantes del interior del país para culminar nuevamente en Obras con “Chau Manal”, recitales que fueron posteriormente editados como “Manal en Obras” (1981).

El grupo apareció fugazmente en el panorama local nuevament en agosto de 1987, bajo el mando de Javier Martínez, pero sin Claudio Gabis. “La idea es formar un nuevo Manal, que no sea un mero revival. Que mantenga el espíritu del viejo Manal, pero que tenga constancia, que perdure en el tiempo”, decía Martínez. Al baterista y a Medina se le sumaron Claudio Rodríguez en guitarra y Carlos Vidal en teclados.

ALMENDRA: El tercer pilar Los cuatro integrantes de la banda eran compañeros del Instituto San Román. De la unión de las bandas Los Sbirros y Los Larkings (formadas por compañeros de distintas divisiones) nació Almendra allá por 1967. Integrada por Emilio Del Guercio en bajo y coros, Rodolfo García en batería, Edelmiro Molinari en guitarra y coros, y Luis Alberto Spinetta en guitarra y voz principal. Este grupo es considerado miembro de la trilogía inicial del rock argentino, junto a Los Gatos y a Manal.

Su primer simple, “Tema de Pototo” / “El mundo entre las manos”, fue lanzado en septiembre de 1968 con el sello VIK, subsidiaria de la RCA. La repercusión inmediata provino del estilo refinado, los arreglos vocales poco comunes y la poesía lírica de las letras, que contrastaban con los estribillos del beat de moda. Los primeros shows fueron en 390

Rosario y Córdoba, acompañando a Johnny Tedesco. “Nos mandaban a tocar a clubes donde la gente quería ver a Los Iracundos o a Jolly Land y nosotros ibamos vestidos con camisetas, cuando los otros tipos iban con trajecitos y corbatita. Para nosotros era como una cruzada abriendo orejas”, relata Del Guercio.

El “Tema de Pototo” (“Para saber como es la soledad”) tuvo mejor rédito para Leonardo Favio que lo incluyó en su álbum debut. El segundo simple de Almendra, “Hoy todo es hielo en la ciudad” tampoco tuvo demasiado impacto en su momento. En 1969 llegó la consagración, con innumerables presentaciones en vivo, entre las cuales sobresalen la temporada veraniega en Mar del Plata, el Festival de la Canción de Lima, Perú, y el Festival Pinap, organizado por la revista homónima. Todo este éxito los catapultó a grabar el primer LP (“Almendra”, 1969, hoy antológico y objeto de culto.) y, casi inmediatamente, el segundo disco, de doble duración, en 1970. Esta repercusión repentina los condujo a interminables giras y shows, que desgastaron la relación entre los músicos.

Motivados por obras conceptuales y la ópera rock de los Who “Tommy”, Spinetta y el grupo empezaron a trabajar en su propia ópera rock, que lamentablemente no llegó a ver la luz, pues a fines de 1970, Almendra se disolvía. Sin embargo, el éxito del primer LP y la cantidad de material grabado, motivó a la compañía disquera para lanzar un nuevo álbum de Almendra conocido como el “álbum doble”. Una de sus últimas presentaciones fue en el B.A.Rock de 1970, ante 10.000 personas.

Luego de la separación, Spinetta vagó sin rumbo fijo durante un tiempo, participó en numerosas bandas como La Pesada del Rock and Roll que dirigía Billy Bond, luego tocó con los futuros Color Humano y Aquelarre. Después de una temporada en Europa, regresa con renovadas ideas y da forma a otros grupos no menos importantes como Pescado Rabioso junto a David Lebón e Invisible junto al bajista Macci y el baterista Pomo.

En 1977 arma la banda “Spinetta” y graba uno de sus álbumes más celebrados “A 18 minutos del sol”. En diciembre de 1979 se produjo el reencuentro. A ins-

tancias del productor Alberto Ohanián se organizaron dos presentaciones en el estadio de Obras (en los cuales se registró un disco en vivo y se filmó para una película que nunca llegó a lanzarse) y una gira nacional que abarcó las grandes ciudades del interior. La prensa especializada calificó despectivamente al regreso de Almendra como “comercial”. Almendra tuvo un segundo regreso hacia fines de 1980, cuando grabaron “El valle interior” y lo presentaron en el estadio de Obras los días 7 y 8 de diciembre como prólogo a una gira nacional que resultó verdaderamente apoteósica. La última presentación fue en el Festival de La Falda, el 15 de febrero de 1981, todo registrado en un álbum doble.

Después forma Spinetta-Jade y tras su disolución intenta un trabajo en conjunto con Charly García, del que sobrevive “Rezo por Vos”. En 1986 trabaja en otro proyecto con Fito Páez “La la lá” y nuevamente se embarca en solitario. A partir de allí graba cinco álbumes excelentes incluyendo la trilogía “Privé”, “Téster de Violencia” y “Pelusón of Milk”. Todavía sigue en carrera.

Luis Alberto Spinetta “El Flaco”, nació el 23 de Enero de 1950 en la Capital Federal.

Comenzará tempranamente a cantar y a tocar la guitarra, debutando en TV a los 14 años, pero el descubrimiento de los Beatles cambiará su vida. Hacia 1967, junto con otros compañeros de escuela, formó Almendra, banda en la cual volcaría su enorme caudal poético y musical.

Este grupo marcaría a fuego la historia del rock argentino.

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LA ERA DEL ROCK

El rock en Chile antes de la “nueva ola”

Los primeros discos que traían los marineros chilenos eran Long Plays con temas recopilados de varios artistas, con éxitos del momento.

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Los orígenes del rock en Chile son imprecisos. Si bien los primeros discos del género circularon a mediados de la década de 1950, en la interpretación de Elvis Presley, el primer hito significativo fue la exhibición en este país de la película “Semilla de maldad” (Blackboard jungle), que incorporó en su banda sonora un tema de rock and roll: “Rock around the clock”, interpretado por Bill Haley y sus Cometas. El sonido y la imagen de este nuevo ritmo se transformaron, paulatinamente, en la preferencia musical de los jóvenes chilenos.

Sergio “Pirincho” Cárcamo, quien fuera uno de los primeros presentadores de videos musicales en “The midnight special”, y locutor de radio Futuro, fue uno de los afortunados que estuvo presente en la Plaza Victoria, el día en que el rock nació en Chile. Cuenta que

una tarde de 1956, la Plaza Victoria de Valparaíso (ciudad portuaria y pionera en muchos avances técnicos y sociales para Chile) estaba llena de padres e hijos que buscaban pasar un buen momento de entretención. Varios números de variedades para la familia pasaron por un escenario montado en el lugar, antes que William Red and The Roll Kings, tomaran posición sobre la tarima y comenzaran a hacer historia, al tocar los primeros compases de un ritmo aún desconocido en el país. La banda tocó el hoy universalmente famoso “Rock around the clock”, junto a otros títulos de Bill Haley y sus Cometas. Antes que los ánimos volvieran a calmarse, Harry Show & The Rock Times también tocaron sus temas; ambos formaban la incipiente escena, en donde el rock & roll había sido otro bien llegado a estas tierras como contrabando de marinos mercantes y de guerra. “Pirincho” cuenta que los primeros discos en arribar a puerto, más que los pequeños vinilos de 45 revoluciones por minuto, eran unos larga duración recopilatorios de

grandes éxitos. Estos elepés contenían todos los hits que sonaban en Estados Unidos y fueron la base que utilizaron los pioneros locales para sacar, de oído, su repertorio, tocándolos una y otra vez en los tocadiscos. La radio fue otro medio de difusión del nuevo ritmo. En esto destacó radio Portales, en donde hubo algunos programas que tocaban las canciones de Bill Haley, Elvis Presley y otras estrellas de los primeros años del rock.

Con el tiempo, el rock y sus variantes evolucionarían notablemente en la región, aportando nombres fundamentales para el movimiento nacional, como Los Mac’s, Los Jaivas, Congreso, Álvaro Peña Rojas, Tryo, Belial, Ocho Bolas o La Floripondio, entre varias bandas y solistas que proyectarían a lo largo de casi 50 años, el impulso de aquel día en que los pioneros de la Plaza Victoria le regalaron el rock a Chile, casi al mismo tiempo que en las grandes urbes de la Tierra. En 1961 llega a Chile, Bill Halley y sus Cometas, con todos sus éxitos. El volumen y la puesta en escena dejó una marca profunda en los jóvenes chilenos y en especial a los músicos que fueron a verlo y a absorver todo lo que podían.

sentó en Santiago y Concepción, además de Valparaíso.

El primer disco de Elvis editado en el país es una historia muy curiosa. Fernández era muy amigo de “Don Roy”, alias de Rodrigo Martínez, un vasco que era el director artístico de la RCA. Roy le confesó que le había llegado un disco de un cantante nuevo llamado Elvis, pero que “no pensaba sacarlo porque ese señor era la antimúsica.”

El sencillo de 45 RPM correspondía a “Heartbreak Hotel” y “That’s all right mama” en el reverso. Fernández le manifestó a Roy que Elvis era una locura en Estados Unidos y que era el niño mimado de la RCA, a lo que Don Roy le respondió que eso era “envenenar musicalmente a la juventud de acá”. Sin embargo, fueron tantas las presiones desde la sede del sello, que Don Roy terminó editando un single con su cantante favorito Perry Como, con “Somebody up like me”, y con “Heartbraker Hotel” de Elvis al reverso. Esa gracia significó que hoy los coleccionistas lleguen a pagar “fácilmente los 50 mil dólares”

Peter Rock, de padres austriacos, fue el primer rocker chileno en grabar éxitos de Elvis.

Elvis reina en Chile

“Santiago vive en estos momentos el impacto del rock & roll y el cha-cha-cha.

Fuerza irresistible que arrasa con todas las edades y condiciones sociales de los que se sienten impelidos de danzar con gestos malabarísticos y desenfrenados”, comentaba la desaparecida revista Zig Zag en 1956, cuando la fiebre del rock invadía al país. Según el productor musical y mentor de la Nueva Ola, Camilo Fernández, una de las “influencias más grandes que hubo en Chile fue la de Elvis Presley. Como uno de los fundadores de radio Portales, también fue responsable de la venida de Bill Haley, quien se pre393

LA ERA DEL ROCK

por esa rareza. Otro dato no menos importante es que la Nueva Ola se inició con Presley, cuando Peter Rock llegó a la radio Agricultura vestido de negro y la guitarra en bandolera. Peter Rock fue el primer artista chileno en grabar un disco de rock con un cover de Elvis.

Rock & Roll made in Chile

Peter Rock en 1958.

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Elvis Presley, Bill Haley y otros le gritaban al mundo: ¡el rock se canta sólo en inglés! Las disqueras en Latinoamérica, obviamente en Chile también, obedecieron. Pensar en un rock en español

era considerado casi un pecado mortal.

En Chile la onda Elvis Presley pisó fuerte.

El primer nacional en imitarlo fue un estudiante del colegio Lastarria, Peter Mociulski von Remenjik, que se hizo llamar Peter Rock. Sus temas más fuertes eran “Baby I don’t care” y “Love me tender”.

Pero la decisión de ser doble de un famoso no fue fácil. Corría 1959, el promisorio cantante era parte de la agrupación Peter Rock y Los Lyons, que lideraba Jorge Pedreros. El periodista Camilo Fernández y el ingeniero en sonido Luis Torrejón le ofrecieron a este descendiente austríaco el proyecto solista. Peter Rock se arriesgó. ¡Fue todo un éxito!. En 1962 comenzó a cantar en castellano, “Entre la arena y el mar”, un bolero de Pedreros arreglado en forma de rock ‘n’ roll. Actualmente organiza los conciertos nostálgicos de “El Clan de la Nueva Ola”, en los que se presenta con otros intérpretes de los sesenta. Como su reemplazo, llegó a la banda un joven del San Pedro Nolasco, ¿su nombre? Luis Dimas, al que luego sucedió un argentino, Nery Nelson, quien más tarde sería conocido como “Palito” Ortega. El rock en inglés made in Chile ya era toda una fuerza propia. Todos los artistas elegían nombres gringos: Javier Astudillo fue “Danny Chilean”; Reynaldo Rojas, “Larry Wilson”; Ricardo Toro, “Buddy Richard” y Patricio Nuñez, “Pat Henry”.

Luis Dimas y Los Twisters. Luis Misle Troncoso, conocido como Luis Dimas “El Rey del Twist”. Nació el 11 de Diciembre de 1943. Se inició como cantante en el grupo The Lyons, del que se había alejado tiempo antes Peter Rock para cantar como solista. The Lyons modificaron su nombre a Los Twisters y realizaron con Luis una exitosa carrera. Comenzó grabando para Philips temas en inglés, siendo sus primeros éxitos “The Twist” y “Let’s Twist Again”. En 1963 empezó a registrar temas de autores chilenos como

Jorge Pedreros (“Caprichitos”, “Sueña”, “Ser”, “Como una Sombra”), Fernando Allende (“Me Recordarás”, “Confidencias”) y de su propia autoría (“Penas Juveniles”, “Señorita Desconocida”, “Amiga Mía”, “Éxito”, “Mirando las Estrellas”, “Ese Cantante”, “Historia de un Bohemio”), además de versiones castellanas de éxitos internacionales: “Llévame Volando a la Luna”, “Muñequita”, “No Te Comparto”, “Escándalo en la Familia”, “Mi Chaqueta Blanca”, “Zum-Zum”, “Cuando Murió el Poeta”. En 1965 se radicó en Buenos Aires, donde se presentó en televisión y grabó para Music Hall. Los Twisters se disolvieron en 1966, por lo que fue acompañado en su última etapa en Argentina por las orquestas de Roberto Lar y Marito Cosentino. Regresó a Chile en 1967, pero dos años después volvió a marcharse, primero a Perú, luego a Canadá y USA. Volvió a su país en 1984 y actualmente incursiona en política, sin abandonar sus actuaciones en espectáculos dedicados a la música nuevaolera.

Danny Chilean, Su nombre real es Javier Astudillo. Llegó a Santiago en 1961, procedente de Antofagasta, donde había comenzado su carrera en radios locales. Su primer gran éxito fue “Verónica”, y a partir de allí siguió una serie de temas como “Norma”, “Josefina”, “Susy o Lucy”, “Corina, Corina”, “Rita... que linda eres” incluidos entre las doce canciones con nombres de mujer (antes que Leo Dan hiciera lo mismo en Argentina) que incluía su primer LP, que llevó el nombre de “Cuál de Ellas?”. Realizó exitosas presentaciones en Buenos Aires a partir de 1962. Continúa activo, realizando frecuentes presentaciones en Chile y en otros paises.

Ahora se entiende lo que dicen Llegó el año del Mundial en Chile, 1962. Germán Casas y Los Ramblers

le daban duro con el tema “El rock del mundial”. La canción rotó una y otra vez en las radios chilenas. Los expertos, los que juraban que el rock era sólo en inglés se callaron, porque en sólo meses el disco single -con el tema en ambos lados- alcanzó ventas cercanas al millón de unidades. Todo un récord para la época, especialmente para una letra en castellano. Paralelamente, también en 1962, Peter Rock grabó “Entre la arena y el mar”, un bolero compuesto por Jorge Pedreros pero interpretado al estilo rock & roll. También se arriesgaron con esto de cantar en castellano, los Carr Twins con “Vida mía” y “Verónica” de Danny Chilean.

LOS CARR TWINS, fue el dúo formado por los mellizos Juan y Carlos Ca-

Luis Dimas con Los Twisters en 1965.

Danny Chilean, 1962 395

LA ERA DEL ROCK

empapelaban las habitaciones con fotos de sus estrellas, que les cantaban al oído en castellano y las hacían bailar.

Los Carr Twins, dos hermanos que aprovecharon el primer impulso del rock cantado en castellano.

La “nueva ola” inmortal

rrasco Martínez. Se iniciaron en 1959 cantando en inglés, hasta que en 1962, impulsados por el éxito de “El Rock del Mundial” de Los Ramblers, comenzaron a interpretar temas en castellano, con éxitos como “Dedicado”, “Vida Mía” y “Chiquilla Revoltosa”. En Argentina tuvieron varios éxitos en 1964/65 con “Un Gran Amor” (identificado con la curiosa denominación de Twist-Malambo), “Okey”, “Lo Que Siento” y “Mi Confesión”, uno de sus mayores sucesos.

Entre 1962 y 1966, los cantantes criollos dominaron a su gusto la escena musical. Luis Dimas, Pat Henry, Danny Chilean o los hermanos Zabaleta convertían todas la canciones que les entregaban creadores como Jorge Pedreros, Gustavo Arriagada y Hugo Ramírez en éxitos. Entre las mujeres, voces privilegiadas y personalidades carismáticas como Gloria Benavides, Luz Eliana, Cecilia y Fresia Soto lograban y se turnaban en las preferencias del público, que las elevó a la categoría de “ídolos”. Ellas rompían los corazones de sus seguidores. Muchos les declaraban por carta su amor eterno. Cuando se las escuchaba cantar, no había quién no delirara. En cuanto a los rockers masculinos, eran el sueño de miles de adolescentes que 396

Al iniciar los sesentas, cuando los padres disfrutaban de la voz de Lucho Gatica, un puñado de algo más de 50 intérpretes, entre grupos y solistas, inundaban el mercado disquero criollo, copaban la programación de las radios, realizaban exitosas giras y se convirtieron, sin darse cuenta, en ídolos. Sus seguidores, en especial las mujeres (que la prensa bautizó como “calcetineras”, porque se arrojaban a los pies de los artistas) eran capaces de cualquier sacrificio por tocarlos, saludarlos, besarlos y conseguir el mayor trofeo: un autógrafo. La revista “Ritmo” llenaba sus páginas con chismes de los artistas de la Nueva Ola. Sus portadas se convertían casi siempre, en tapas de cuadernos y posters de los fieles compradores que deliraban al saber algún detalle íntimo de sus ídolos. La locura era total. A mediados de los sesentas figuras como Lalo Valenzuela, Cecilia, Fresia Soto, Gloria Aguirre, Luis Dimas, Sergio Inostrosa y Carlos González disputaban palmo a palmo, y hasta ganaban, los primeros lugares de las listas de popularidad y ventas a extranjeros de la talla de Los Beatles, Elvis Presley, Neil Sedaka y Paul Anka.

Los sellos discográficos no lo podían creer. Sus apuestas locales les llenaban los bolsillos de monedas. En los estudios de la desaparecida RCA, se concentraba la mayor parte de la grabaciones de la Nueva Ola. Las sesiones de grabación eran en vivo y de corrido: había que tratar de no equivocarse.

Sin dudarlo la radio y las revistas juveniles (especialmente “Ritmo”) fueron pilares importantes de la Nueva Ola. Ambos medios se convirtieron en verdaderos portavoces de los cantantes que

dejaban loquitas y loquitos a los jóvenes de la época. Las páginas de las publicaciones escarbaban en los aspectos más íntimos de la vida de los famosos, convirtiéndolos en figuras tan grandes como las lejanas estrellas de Hollywood. Uno de los grandes acontecimientos sociales que cubrió en exclusiva Revista Ritmo fue el matrimonio entre Gloria Benavides y Pat Henry. También organizó campeonatos de fútbol, paseos y fiestas con famosos y afortunadas lectoras.

Por su parte, las radios emitían a los cuatro vientos los últimos éxitos y chismes de la Nueva Ola. Las emisoras se disputaban los derechos de transmitir en exclusiva los temas recién salidos de los estudios de grabación. Y no se quedaban sólo ahí. Las emisoras como Portales, Corporación y Minería en sus estudios gigantes, organizaban presentaciones en vivo en las que el público tenía contacto directo con sus astros. También producían giras por todo el país y los bailes de fin de semana. Para todos estos eventos las colas eran muy largas y se formaban, generalmente, uno o dos días antes.

Por las ondas de la amplitud modulaba, la voz de Raúl Matas con su exitoso programa Discomanía -en que se presentaban los mayores éxitos musicales del mundo- hacía retumbar el corazón y el alma de sus fieles auditores a través de Radio Minería.

En cualquier discoteca chilena hasta el día de hoy se puede escuchar entre los temas actuales alguna composición de la Nueva Ola. Puede ser “Caramelo de menta”, “Caprichito”, “Twist del recluta”, “El rock del mundial” o “Muñequita”, entre otras. Además del éxito de emisoras radiales especializadas en esta época y su éxito en festivales nostálgicos. Es que hoy, cuando ya han pasado cerca de 40 años desde que fueron éxito, siguen teniendo la misma fuerza. ¿La razón? Letras romanticonas, fáciles de aprender,

mezcladas con algún grado de humor, picardía y sobre todo, un ritmo bien pegadizo. Los sellos se preocuparon de tener en su elenco a estos nóveles intérpretes de gran arrastre; el disco se transformó en un bien preciado, dependiendo del contenido sonoro y de la foto de su carátula, y, el propio movimiento superó su naturaleza musical para transformarse en un verdadero fenómeno social.

Hacia fines de la década de 1960, el rock chileno comenzó a asumir características contestatarias y rebeldes. Muchos jóvenes empezaron a usar ropas estrafalarias, dejarse el pelo largo y a cantar agresivamente y con estruendosos sonidos sobre el escenario. El meloso rock de la Nueva Ola daba paso a la rebelde sicodelia, a la propuesta pop contracultural y agresiva, representada en conjuntos como Los Jockers. Pero aún el movimiento no asumía, completamente, una identidad propia.

Luz Eliana arriba y Fresia Soto arrancaban los suspiros de los jóvenes chilenos seguidores de la Nueva Ola.

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Sin duda, uno de los más importantes grupos chilenos, si no el más grande fueron Los Jaivas. Combinando el rock progresivo, los ritmos del norte, centro y sur de chile e incluso el new wave, crearon un sonido único que los hace inmediatamente reconocibles.

Si bien en el aspecto técnico no son muy pulcros, en vivo tenían una energía envidiable que hacía, literalmente, bailar a toda la concurrencia.

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El año 1970 fue un hito en este sentido. En primer lugar, un grupo proveniente de Valparaíso editó su primer disco larga duración; Los Jaivas lanzaron al mercado su LP “El Volantín”, con mínima difusión y donde mezclaban instrumentos y ritmos chilenos y latinoamericanos, con las variables propias de la música rock anglosajona. Fue el inicio de la carrera discográfica del más célebre de los grupos de rock chileno, y el paradigma del rock con identidad nacional. En segundo lugar, el mismo año se realizó en Santiago el “Festival de Piedra Roja”, evento multitudinario y juvenil que perfiló al rock chileno como una realidad social efectiva, digna de prestarle atención.

La proliferación de grupos durante los primeros años de la década de 1970 fue notable. Sin embargo, el proceso tuvo su quiebre con el golpe de Estado del 11 de septiembre de 1973. La represión significó el fin de espectáculos nocturnos, de reuniones masivas y el deterioro creciente de la industria discográfica nacional. Si bien siguieron existiendo

conjuntos, su difusión fue mínima y su impacto en el país, prácticamente nulo.

La escena era subterránea, underground.

El resurgimiento evidente comenzó a partir de la década de 1980. La industria musical chilena, a veces con reticencia, empezó a dar cabida a distintos grupos de jóvenes cuyo emblema lo constituyeron Los Prisioneros. Se construyó así un nuevo movimiento, bautizado por la misma industria como pop latino.

El rock se expande por sudamérica Uruguay, domina el sonido “beat” Uno de los primeros grupos uruguayos que ganó notoriedad fueron LOS MOCKERS, formado por Jorge Fernández (primera guitarra), Esteban Hirschfield (teclados y armónica), Julio Montero (bajo), Alberto ‘Beto’ Freigeda (batería) y Jorge ‘Polo’ Pereyra (vocalista y segunda guitarra). Comenzaron a tocar juntos hacia 1962 en el Instituto Zorrilla de Montevideo. Con el nombre de Teddy Boys interpretaron hasta 1965 temas de Elvis Presley, Little Richard, The Shadows y The Beatles. Luego cambiaron su nombre a Los Encadenados, hasta que en 1966 adoptaron su denominación definitiva. Obtuvieron cierto éxito en Argentina grabando para EMI y Microfón hasta 1968. Luego estaban LOS DELFINES, formado en 1962 por Julio ‘July’ Fontenla y Jorge ‘Coyo’ Abuchalia en guitarras, Mario Aguerre en bajo, Esteban Hirschfeld en órgano y Jorge´’Chocho’ Vila en batería. Comenzaron cantando en inglés (“You Gotta Do It”), después lo hicieron también en castellano, generalmente temas originales de July Fontenla.

Pero el grupo que “rompió con todo” fueron LOS SHAKERS, grupo liderado

por los hermanos Hugo y Osvaldo Fattorusso (guitarras y voz), Roberto ‘Pelin’ Capobianco (bajo) y Carlos ‘Caio’ Vila (batería). Formado en Montevideo en 1963, copiaron de los Beatles su vestimenta, estilo musical y hasta el corte de pelo, pero se caracterizaron por interpretar temas propios en inglés. El primer tema que registraron fue “My Bonnie”, el que Tony Sheridan cantó con The Beatles, entre tanto la agrupación hacía un promedio de 15 shows por semana, con mucho éxito en su país.

El grupo se consagró en 1965 con un simple editado en Argentina por EMI Odeón, “Rompan Todo” (Break it all) y “Mas”, temas propios cantados en inglés, al que siguió otro muy exitoso con “Sigue buscando” y “Solo en tus Ojos”. Su primer LP “Los Shakers” también se grabó en Argentina, pero con nuevas técnicas de sonido aún no exploradas en el país.

Para el segundo LP se nota una evolución, cierto estilo propio: “nosotros en el comienzo eramos una consecuencia de The Beatles. Luego, con el tiempo, fuimos adquiriendo nuestra propia personalidad con las composiciones nuestras”, recuerda Caio.

Luego de un receso se edita lo que es considerada su obra cumbre: “La conferencia secreta del Toto’s Bar” (1969). El Toto’s Bar era el equivalente a La Cueva, pero en Punta del Este. Inspirada en “Sgt. Pepper’s” de los Beatles, la obra presenta arreglos instrumentales inéditos. En realidad, el material había sido grabado a mediados del año anterior, con la separación del grupo ya decidida. Si bien la placa no contó con apoyo de la discográfica y las ventas, por consiguiente, fueron escasas, los especialistas de la época la definieron como “el Sgt. Peppers del Río de la Plata”. Se separaron en 1970.

Los hermanos Fattorusso se radicaron en USA, Pelín en Brasil y Caio en Venezuela, permaneciendo siempre vinculados a

las actividades musicales.

El sello inglés Big Beat publicó en 2000 el CD “Por Favor!”, excelente compilación con 32 temas.

LOS BULLDOGS, formados por Nengo (guitarra líder), Kano (segunda guitarra y voz), Jorge (bajo), Ricardo (batería). Grabaron en 1964 con el nombre de The Epsilons un single en el sello Clave de Montevideo y luego cambiaron su nombre a Los Bulldogs. Se radicaron en Buenos Aires, donde realizaron varios simples con covers en inglés, como “Black is Black”, de Los Bravos, incluido en “Los 16 Hits

Los Shakers fueron el grupo uruguayo “beat”más famoso de los sesenta. Aunque demasiado parecidos, no cantaban temas de los Beatles, sino de su propia autoría, eso sí, cantaban en inglés.

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del Momento”, un LP de varios intérpretes de RCA en 1966. Después de grabar dos LP comenzaron a presentarse como Kano y los Bulldogs, obteniendo cierto éxito con “Sobre Un Vidrio Mojado” en 1969. Problemas internos forzaron al grupo a dividirse y retornar al Uruguay, donde editaron para Sondor su último LP (“Carita con Carita”) en 1972.

LOS IRACUNDOS: Empezaron como todos, haciendo covers de grupos mexicanos y traducciones de temas en inglés.

Hacia 1961 se hacían llamar Blue Kings, pero para 1963, época en que sale su primer disco ya eran conocidos como Los Iracundos. Sus integrantes al inicio de la carrera del grupo fueron Eduardo Franco, cantante y compositor de muchos temas de la banda, Jesús María Febrero (Febro) en los teclados, Juan Bosco a cargo de la segunda guitarra, Leonardo Franco se ocupaba de la primera guitarra, Juan Carlos Velázquez en la batería y Hugo Maria Burgeño en el bajo.

Gracias a su estilo personal, rapidamente llamaron la atención y fueron contratados para realizar numerosas presentaciones en vivo y se presentaron en una cadena radial de Montevideo, donde

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miles de espectadores los esperaban para conocerlos. Después de presentarse en la radio aparecieron en el Festival De La Canción De Parque Del Plata, un certamen de verdadera importancia pues allí se presentaban artistas de nombre reconocido. Viajaron por Argentina invitados por Palito Ortega y mas tarde con RCA- Victor obtuvieron un disco de oro en seis meses. El primer trabajo incluyo temas como “Despierta Lorenzo” y “Caravana” e inmediatamente se volvió un éxito. El disco se vendía como pan caliente y entonces radicados en Buenos Aires comenzaron las giras nacionales y en 1964 aparece el segundo trabajo que llevaba el titulo de “Sin Palabras” que era instrumental. En este disco aparecieron “El Hombre Del Brazo De Oro” y “Serenata A La Luz De La Luna” entre otros. El tiempo transcurría y el éxito iba en aumento y en 1965 otro disco nuevo y su primera aparición en el cine, en la película “Una Ventana Al Éxito”.

A continuación el primer viaje a Europa, donde conocieron artistas de la talla de Aznavour quien le cedió el tema “Reten La Noche”, Mina, Rita Pavone, Morandi y Celentano entre otros y además grabaron un disco en Italia. Su estilo rockero fue dejado de lado por uno más “tranquilo”, en especial se hicieron fuertes con temas románticos al gusto del gran público.

Empezaron a recorrer varios países llevando su música, Ecuador, Colombia, Chile y Perú entre otros, y tambien acompañaron a grandes artistas de la época como Charles Aznavour, Gianni Morandi y otros muchos mas en sus presentaciones en Uruguay. Regresan una vez mas a la Argentina y continúan las giras y grabaciones y es cuando aparece el tema “Puerto Montt” del disco “La Lluvia Terminó” (1969) y que fue disco de oro.

“Puerto Mont” su tema más recordado, fue escrito por Eduardo Franco, cantante del grupo fallecido en 1989. 1967 y

Definitivamente la importancia de Los Iracundos dentro de la música de los sesenta y setenta ha sido de gran valor para los seguidores de esta música y por supuesto para Latinoamérica.

que recibió reconocimiento mundial y en la década de los 70 fue la agrupación más popular en America del Sur y Central, ellos trascendieron fronteras con un abrumador éxito y aún hoy al reaparecer todos los recuerdan con la misma aceptación que en sus inicios.

Colombia, entre la cumbia y el rock

1970 fue una etapa de mucha importancia para ellos y también participaron una vez mas en el cine en este caso fue en “Este Loco Verano” y aquí aparece el tema “Chiquilina”. Su popularidad ya se había extendido por Ecuador, Colombia, Perú y el resto de Latinoamérica. Su carrera continuó con mucho éxito en las décadas siguientes y en 1989 ya llebavan publicados 40 discos. Un año antes habian contratado a Jorge Gato que se ocupaba de remplazar a Eduardo cuando este estaba enfermo y no podia actuar. Los Iracundos son la única banda uruguaya

El rock llega a Bogotá, como a las demás ciudades latinoamericanas, a través de los medios de comunicación (cine, prensa, radio y televisión) subordinados a la industria cultural norteamericana.

Como manifestación de rebeldía juvenil, el rock encuentra un terreno abonado por la presencia de los movimientos políticos de izquierda, principalmente entre los universitarios, y por el nadaísmo, de corte intelectual y literario.

La radio fue la plataforma de lanzamiento para el rock en Colombia. En 1957 lo presentó por vez primera Carlos Pinzón en su programa de radio Monitor de Caracol, con el éxito “Rock around the clock” (Rock al compás del reloj) de Bill Haley y sus Cometas. La película de esta canción se estrenó poco después del 401

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lanzamiento del disco, en el teatro El Cid de Bogotá, inaugurando de paso todo el alboroto y destrozos de vidrios y butacas que habrían de sobrevenir.

A finales de los 50 llega el rock en español de los Teen Tops con Enrique Guzmán quienes llegaron con gran éxito a todo el continente y a España.

Esa corriente inspiró a gente de los medios de comunicación, como Alfonso Lizarazo y Carlos Pinzón, quienes convirtieron la Radio 15 de Caracol en la emisora de moda entre la juventud, dedicada a los nuevos ritmos. Radio 15 organizó festivales que alcanzaron una gran popularidad entre los jóvenes de las clases medias y bajas de la ciudad, y que fueron plataforma de lanzamiento para cantantes como Harold (“Mickey Mouse”) y Oscar Golden (“Cabellos largos”, ideas cortas”, “Boca de chicle” y “Zapatos pompón”).

En Colombia, debido a sus fuertes raíces folklóricas y al éxito nacional e internacional de grupos como Cuarteto Imperial o La Sonora Dinamita, el rock and roll tardó un poco en afianzarse, y es difícil decir cuál fue el primer disco

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de rock colombiano, aunque podríamos remontarnos al “Very, very well” de Antonio Fuentes (finales de los 50) y éxitos como “El twist del esqueleto” y “El twist del guayabo” de los Golden Boys (comienzos de los 60), que hicieron furor en medio del auge de la cumbia; y el no menos importante merecumbé-rock’n’roll apropiadamente titulado “Carlos Pinzón” de Lucho Bermúdez; en un sentido estricto, el primer disco colombiano de rock apareció en 1965: un sencillo de 78 RPM de los Speakers, editado por Discos Vergara, con “La Bamba” y “El golpe del pájaro” (tema de surf de los Trashmen, banda de Minneapolis).

Ya bien entrados los sesentas, surgen otros grupos como los DANGER TWIST y los TEEN AGERS, grupo formado en Medellín por el guitarrista Juan José Vélez y su hermano Hernán, acompañados por Luis Jaramillo, Francisco Zapata, Enrique Aguilar y el vocalista Gustavo ‘El Loco’ Quinteros.

Más tarde llega también la onda británica con la que surgen THE YOUNG BEATS, formado en 1965. Su repertorio incluía versiones de temas de The Animals, Gerry & The Pacemakers, Dave Clark Five, The Rolling Stones, Bob Dylan y Them. Llamaron la atención de Alfonzo Lisarazo, que los contrató para su programa “Juventud Moderna”, en TV Nacional. Se presentaron además en las principales discotecas de Bogotá. En 1966 sacan “Ellos Estan Cambiando Los Tiempos”. Fueron identificados como los Rolling Stones colombianos, para diferenciarlos de Los Flippers y

The Speakers, más identificados con los Beatles. The Young Beats se acabó en 1967, porque los tiempos cambiaron, eran más propicios para otras ideas que agitaban la escena musical mundial.

LOS FLIPPERS, con Arturo Astudillo, Carlos Martinez, Miguel Durier y Edgar Dueñas. Grabaron dos LP para el sello Zeida: “Discotheque” (1966) y “Psychodelicyas” (1967), con temas propios, covers en inglés y versiones en castellano de temas de The Beatles como “Sargento Flippers” y “La Ayuda de la Amistad”.

THE SPEAKERS, quinteto formado por Rodrigo García, Humberto Monroy, Oswaldo Fernández, Luis Dueñas y Fernando Latorre. Se iniciaron en 1965 en el sello Vergara, con un LP que llevó el nombre del grupo. Al año siguiente firmaron para Bambuco, donde registraron ese año “La Casa del Sol Naciente” y “Tuercas, Tornillos y Alicates”, modificando en este último su nombre a Los Speakers, que fue también el título de un LP de 1967.

En Colombia, el Club del Clan empezó como programa radial en 1966, era una versión del programa televisivo argentino, impulsado por Guillermo Hinestroza, de Todelar. Fue la emisora popular por

excelencia, de donde surgirían estrellas como Las Mellizas, César Augusto, Jaime Alonso, Mariluz y Vicky, figuras que al lado de otros y de Radio 15, generaron lo que se llamó la generación del “ye-ye” y el “go-go”, que tenían como superéxitos las mismas canciones del programa argentino, que se convirtieron en himnos de la primera generación rockera de nuestro país.

El Club del Clan no fue sólo radio sino también televisión. Se emitía cuatro veces a la semana en el horario cuando hay más personas viendo la tele. Fue uno de los dos primeros programas de música juvenil en la TV colombiana, el otro era “Juventud Moderna”, dirigido por Alfonso Lizarazo. El primero era la prolongación del cuerpo de El Club del

Los Speakers, grupo colombiano que marcó época.

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Clan Radio, y el otro, era el equivalente de Radio 15 llevado a la televisión. El nuevo canal local TV9 Tele-Bogotá (más conocido como Teletigre) competía con Shinding, programa de una hora de programación semanal donde melenudos cantantes de rock-and-roll y de twist se sucedían unos a otros. Luego vendría Ye Ye Teletigre, en 1967. Fue tal la importancia que tuvo El Club del Clan en el nacimiento del sonido rockero en el país, que además de la radio y la televisión, tuvo una revista bautizada con el mismo nombre. La ola go-go pasó rápidamente al olvido, ante la invasión de la psicodelia y el hippismo.

Venezuela busca sonido propio 1965, la cultura Pop ha tomado el mundo. La beatlemanía es un hecho y comienza la diversificación de géneros dentro del universo Rock. Venezuela poco a poco se va poniendo al día. Se estrena en Caracas ‘A Hard Days Night’ el primer film de los Beatles. El título que se le dio aquí fue: “Yeah, yeah, yeah, Paul, John, George y Ringo”. Eduardo Morell se adelantó a la fiebre Beatles en

Los Darts en el Show de Renny (Renny Ottolina).

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el país, radiando entre el 1964-65 ‘She Loves You’. En un espacio tan distinguido como lo fue el Teatro Municipal se logró concentar lo más destacado del movimiento juvenil: Los Supersónicos, Los Dangers, Los Impala y Los Dinámicos.

La televisión local multiplicó la presencia juvenil y su música. Cada planta de televisión tuvo su programa dirigido a la juventud. Desde esos tempranos 60 la feroz competencia tomó partido: Venevisión propuso un programa conducido por el joven Gilberto Correa, ‘Ritmo y Juventud’. También estuvieron allí como animadores Franklin Vallenilla, Edgar Jiménez y Winston Vallenilla, quien un año mas tarde sacó su propio programa ‘Al compás de lo nuevo’. Radio Caracas Televisión lanzó ‘El Club Músical’ de Alfredo José Mena. La estación de Los Ruices, VTV, no se quedó atrás y ‘los pavos’ Richard Herd y José Hernández-llamados Los Brothers-, más ‘la pavita’ Rosario Prieto asumieron la responsabilidad de ‘El Club del Clan’. Valencia en esos tiempos tuvo su canal identificado con el número 13 y pasó un enlatado ‘Hollywood a Go Go’ presentado por los nacionales Winston Vallenilla y Capy Donzella. Sigue

Los Impala, grupo fundamental del rock venezolano en 1966.

la invasión de los enlatados juveniles y Radio Caracas Televisión metió en programación semanal ‘Shinding’, uno de los programas vitales de la cultura pop de los 60. Por allí pasaron todos los artistas importantes del momento y gracias a él se pudo ver en Venezuela la actualidad de la música Pop. Al igual que en Hollywood a Go Go, Shinding llevó una presentación nacional que estaba en manos del desaparecido hombre de TV, Oscar Martínez. Posiblemente éste fue uno de los mejores momentos del Rock en cuanto a su presencia en TV. Todos los canales tuvieron su segmento juvenil y en ese momento Rock (llámese Nueva Ola, Surf o Go-Go y Ye-Ye) fue sinónimo de juventud. El Show de Renny presentó en este período histórico al Rey del Rock español, Miguel Ríos, y también a Brenda Lee, según la prensa especializada norteamericana ‘la mejor cantante pop del mundo’. El programa Gran Casino animado por Luis Turmero logró transmitir

imágenes de los Beatles durante varias emisiones.

El año 1965 representó el despegue difinitivo de la ‘Era Dorada del Pop en Venezuela’. Existió un posicionamiento del segmento juvenil en la TV y en las radios.

Fue normal observar grupos POP y Rock en TV, como Los Impala, Los Supersónicos, Los Dinámicos, Los Clippers, Los Dangers, Los Claners. Reventó el boom de los solistas dentro de una línea de Nueva Ola o música moderna: Nancy Ramos, Cherry Navarro, Trino Mora (que tuvo pasantía por la banda Los Duendes), Diego Bolaños, Andrés Trigo, Miosotti, Tania, Armando Biart, El Eéctrico Luque (más adelante ‘El Zigui’), etc. Y tambén estuvieron los grupos vocales como Los Diones o Los Hermanos O’Brien (posteriormente Las Cuatro Monedas).

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Perú tuvo su “Nueva Ola”

Los Doltons, grupo pionero de rock and roll peruano, en sus dos épocas.

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En términos musicales, la Nueva Ola Peruana significó la llegada de una nueva tendencia; la aparición de gran número de cantantes y conjuntos que rápidamente se ganaron el aprecio del público y se convirtieron en ídolos juveniles. En este contexto aparecen Los Doltons, el grupo que con el correr de los años se convertiría en el más importante de la década de los 60, y cuyas canciones aún se escuchan en las radios locales.

LOS DOLTONS, grupo formado en el barrio limeño de Breña por Walter Bolarte en primera guitarra, Roberto Andía en guitarra rítmica y Javier Román en bajo.

Incorporaron al baterista Fernando Bolarte, primo de Walter, y más adelante al cantante Gerardo Rojas (conocido como Gerardo Manuel), pero este se alejó para formar parte de Los Shain’s. Lo reemplazó César Ychikawa, ídolo de una generación, porque a partir de la presencia de este cantante nissei, el grupo comenzó su carrera ascendente hasta conseguir el ansiado renombre. Con la producción del músico argentino Enrique Lynch, director artístico de Sono Radio, lograron su primer suceso con “Visión de Otoño”. En los dos años siguientes tuvieron varios éxitos: “La Ventana”, “Gloria”, “Espérame”, “No puede ser”, “Teresa”, “Tema: El Amor”, “Hombre Solitario”, “Negro es Negro” y especialmente “El

Último Beso”. El éxito alcanzado con los discos se constituyeron en peldaños hacia una carrera promisoria e inmediatamente hizo que sus vidas cambiaran.

Comenzaron a ser reconocidos y en el escenario se hizo una costumbre escuchar los gritos de la gente proferidos por sus admiradoras.

Las visitas a los programas radiales de Brani Zavala en Radio Atalaya y Enrique Llamosas en Radio Miraflores se multiplicaron, la gente que los escuchaba quería conocerlos y recogiendo el clamor popular, el conjunto comenzó a presentarse en los programas “Cancionísima” con la conducción del recordado Pablo de Madalengoita y la “Revista de los Sábados”.

La popularidad del conjunto subió como la espuma, al punto que Panamericana Televisión los contrató como artistas exclusivos por dos años. Pero no sólo cantaron en español. Uno de sus temas, “Estrella en la Noche”, fue una adaptación de la canción japonesa “Umi Sono Ai” del popular cantante Yuzo Kayama.

Cuando la escucharon, Los Doltons decidieron presentarla a Enrique Lynch quien dio el visto bueno para su grabación. El producto final fue un tema, mitad en japonés y la otra en castellano.

Los Doltons se separaron en 1968, cuando acordaron poner fin a una actividad que había comenzado como hobby, pero que los iba absorbiendo demasiado.

Dieron prioridad a sus estudios univer-

sitarios, aún cuando siguen ligados a la música. La “Nueva Ola” peruana empezó con Enrique Lynch músico argentino radicado en Perú, quien ocupó el cargo de director artístico de Sono Radio. Desde esa posición, introdujo al país ese estilo tan particular y popular de música para todo público, descubriendo e impulsando la carrera de varios intérpretes como DANNY VALDY (Miguel Dennis Falvy Valdivieso), quien logró su primer gran éxito con “Sácate los Ruleros” / “Muchachita de Ojos Azules”, grabado en el sello Sono Radio en 1964. En 1965 registró para la disquera El Virrey su único LP, obteniendo un nuevo hit con “Se te Corre la Media”, tema tan popular que incluso se utilizó para un comercial.

JIMMY SANTY, Santiago Rogelio Farfán Holguín, “El Muchacho de la Eterna Sonrisa” lanzó su primer simple en julio de 1963, con la orquesta del Maestro Enrique Lynch, incluyendo “Mira Cómo Me Balanceo” y “Donde Nace la Vida”. Su segundo simple contuvo su primer éxito, “Sabor a Sal”. Después de grabar dos LP, en 1966 fue contratado junto con su pareja sentimental, la vedette argentina Mabel Luna, para presentarse en México, donde obtuvo gran suceso.

GIUSEPPE ‘PEPE’ CIPOLLA nació en Nápoles, y llegó al Perú siendo un niño.

En 1963 se consagró en “Cancionísima”, programa del Canal 13 Panamericana TV, interpretando el éxito “La Balada del Hombre sin Rumbo”. Promocionado como el “teenager” de la Nueva Ola Peruana, de la que fué el más joven integrante, firmó contrato con Odeón, donde grabó entre otros temas “Carolina Bésame”, “Escalera al Cielo”, “Te Daré Platita” y “Marisa”.

Posteriormente pasó a “El Clan del 4”.

Después de la decadencia del movimiento nuevaolero, Pepe se destacó como actor teatral y protagonizó, en los años ochenta, varias telenovelas, murió en 1992.

PEPE MIRANDA, “El Rey de la Nueva Ola Peruana” nacido, en Lima. Integró como cantante el cuarteto “Los KitKat’s”. A fines del año 62 triunfó como solista en el certamen “Buscando al Ídolo de la Nueva Ola 63”. Firmó contrato con la disquera El Virrey, grabando el simple “Dame Felicidad” / “Te has Quedado Sola”. Su segundo disco, “La Pera Madura”, le dio la consagración definitiva, coincidiendo con su presentación en “Cancionísima”, en el Canal 13. Grabó algunos LP de gran suceso y viajó a Buenos Aires, donde se presentó en el “Tropicana Club” de Canal 9. Grabó para CBS Argentina. Regresó a Lima después de cuatro años y continuó con su actividad discográfica.

RULLI RENDO: Julio Edgardo Barrera Larriega, se inició en el canto siendo un niño. En 1964 Raúl del Mar, director artístico de la disquera El Virrey, creó el seudónimo que lo acompaña hasta el presente, uniendo los apellidos de dos jugadores argentinos de la época (Juan Carlos Rulli y Alberto Rendo). Fue figura destacada de la Nueva Ola peruana, con temas como “Pagarás”, “Qué te Mate el Tren”, “La Duda” y especialmente “Dile que la Quiero” (versión castellana de “Tell Laura I Love Her”).

YOLY, Rosa Yolanda Gutiérrez Matos, limeña, nacida en 1950, se destacó desde niña en las fiestas escolares. En 1966 se inició como cantante y conductora de “Ritmo en el 4”, programa nuevaolero del que surgieron entre otros Kela Gates y Claudio Fabbri. Excelente bailarina y comediante, grabó para Odeon sus grandes éxitos: “Señor Disc-Jockey”, “Chica Ye Ye”, “Romeo y Julieta”, “Playboy”. En 1969, trabajó en el programa sabatino “El Botón”, con la dirección musical del recordado maestro Jaime Delgado Aparicio. Se casó en Marzo de 1970, y su segunda hija siguió sus pasos.

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En Paraguay se impusieron los bailes

Neneco Norton, líder de los Caballeros del Ritmo, era uno de los personajes más recordados de las noches paraguayas.

Muchos abuelos movieron el esqueleto al ritmo de los Big Boys Serenaders, con Nery Bedoya como cantante, allá por principios de los años 60.

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En el Paraguay la llegada de las nuevas olas tardó un poco más. A principios de los años 50 lideran el mundo de las fiestas las Orquestas Típicas como la de Florentín Giménez, la Típica Barreto, Lorenzo Alvarez y su Orquesta, la Típica Orrego o la de Neneco Norton y los Caballeros del Ritmo. Luego con la proliferación de radioemisoras y la difusión de ritmos internacionales hizo que aparecieran las orquestas mixtas “Típica y Jazz”. En la Típica -dice el maestro Luis Szarán- utilizaban violines, bandoneones, piano vertical, contrabajo y cantante. Al pasar a grupo de Jazz, que eran los mismos músicos, se cambiaban de indumentaria y se incorporaban trompetas, saxo o clarinetes, piano eléctrico, guitarra eléctrica, batería y bajo eléctrico, como la Casablanca Jazz de Carlos Villagra, Athos Bernal y sus Estrellas Paraguayas del Jazz, la Orquesta de Jazz de Kurt Lewinson, Alberto Evans, los Yesterboys, Papi Barreto, Thide Smith y sus Cinco. También son recordados la San Louis de Rodolfo Vázquez, The Jokers, de Luis A. Torreani; la Big Boys Serenaders (Los Jóvenes Grandes Serenateros) de Benjamín Benza, con Nery Bedoya como cantante, el guitarrista Edgar “Chongo” Báez Recalde, el compositor, arreglador y tecladista Antonio Medina Boselli y el saxofonista / flautista Ernesto “Chulo” Bigordá. La Big Boys Serenaders fue creada por Politeo “Thide” Smith y tuvo varias conformaciones, entre quienes están los ya mencionados y otros como el Dr. Milciades “Pequeco” Cabrera, el también doctor Carlos “Baby” Báez Rehnfeld y Gumersindo “Piteca” Rojas, quienes actuaban de fines de los cincuenta e inicios de los sesenta en los mejores salones de Asunción. Kike Krona también formó parte del grupo como

cantante en su última época. El gran violinista Lorenzo Alvarez y su Orquesta de Ritmos Internacionales, innovó el repertorio al crear las selecciones de polkas, logrando imprimir un toque vibrante y emotivo en sus exitosas presentaciones a lo largo y ancho del país a principio de los 60. A estos siguieron otras agrupaciones como Los Latinos, The Premiers, el Columbia Jazz, Los Teenagers, Los Ritmos del Caribe, Los Estudiantes, Ambassador, La Baby Jazz de Rudy Heyn, era la banda de twist formada por niños en la que Riolo Alvarenga con 10 años tocaba la batería y Gerkin Daniel de 8 hicieron sus primeras armas en la música.

Hacia fines de la década del 60 las orquestas comienzan a introducir los primeros instrumentos electrónicos, con el primer órgano electrónico incorporado por los Hobbies de Werner Förster, y la nueva tendencia de interpretar las canciones en inglés. Se dió comienzo así a una especie de “guerra tecnológica” en la que los principales grupos que animaban fiestas, debían contar con los equipos más sofisticados, instrumentos y sistemas de amplificación de última generación. Similar situación se presentó con el repertorio, llegándose al extremo de que aquellos grupos que imitaban mejor las versiones originales, resultaban ser los más cotizados. En ese clima en el año 1970 se logra realizar el “Primer Festival Beat del Paraguay”. Toda la movida musical pop se aprestó a participar de esta primera manifestación masiva de la música beat y pop en el Paraguay; el festival se realizó en el viejo estadio Comuneros y estaba dirigido por el conocido locutor Arturo Rubín.

Participaron 30 grupos nacionales, entre orquestas y grupos de la escena underground, de donde saldría años después toda la movida rockera. El primer lugar se lo llevó The Vips, un cuarteto que en las noches tocaba en la conocida discoteca Mau Mau (una especie de “la Cue-

va” paraguaya). El grupo tocaba éxitos de Creedence, Stones, Beatles, Animals y algunas canciones propias. El segundo lugar se lo llevaron Los Aftermad’s que eran el preferido del público y los medios de prensa. Y eso fue todo, tras el festival Los Vips se desmembraron y la escena beat dio paso a otros estilos. Pero para salvar del olvido a este hito histórico del rock nacional, se logró editar un LP en el sello RCA de Argentina en agosto de 1970. Se incluyó a ocho de los mejores grupos, entre los que figuraban The Vips (“Date prisa”), Aftermad’s (“Reflejos del Silencio” y “Espacios de Ilusión”), Les Escarbots (“Queriendo Olvidar”), Los Mau Mau (“Hippie Soy Yo”), Los Relámpagos (“Un nuevo día”), Super Equipo 87, Los Harmonys y Los Topos.

Club Alemán, el Sajonia o el Centenario, con gran aceptación en la gente joven de todo el país. Aunque muchos “rockeros” de hoy menosprecian a estas agrupaciones por ser “ultracomerciales”, son sin duda la base fundamental del rock nacional, no sólo por ser uno de los eslabones importantes de nuestra música popular sino por la gran calidad de los músicos que participaron en ellas.

Con el nombre de The Ravens, nació en 1966 una orquesta formada por José Marín, Jorge Larán, Andrés Alsina y Carlos Báez, a quienes se sumaron en 1967, Raúl Fusilo y Pastor Centurión.

Ese año también adoptaron una nueva denominación con la que pasaron a la historia, The Aftermads, aunque sus actuaciones no iban más allá de fiestas domiciliarias y cumpleaños. En 1968, se retiraron nuevamente Fusilo y Centurión, siendo reemplazados por Ricardo Candia y John Balwin, y empezaron a actuar en clubes como el Mau-Mau, muy de moda entonces, y a participar del Primer Festival de Música Beat, realizado en el estadio Comuneros, en el cual consiguieron un debatido segundo puesto, ya que al jurado les convenció más Los Vips. En 1973 se sumó al grupo

Los Aftermads en 1980.

Las Orquestas “bailables” Hacia finales de los años 60 y principios de los 70 el panorama musical en el Paraguay se vería ampliado y la gran mayoría del público joven se sintió más identificada con el pop extranjero y bailable que con el jazz o las orquestas folklóricas, así nacen las legendarias orquestas de baile. Dichos grupos tenían un repertorio propio, pero combinaban con éxitos pop de grupos en boga para animar fiestas en clubes y colegios, como el 409

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Los bailes en los clubes sociales como el Alemán, el Sajonia o el Centenario, era la forma en que la juventud se sentía libre de las ataduras de una sociedad apática y autoritaria. (fotos de abc color).

Los Hobbies en los años 70. (foto abc color).

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Lobito Martínez y Candia y Balwin fueron reemplazados por Oscar Elizeche y Fernando Velázquez. También formó parte del plantel el recordado compositor y vocalista Rodolfo Kramer, recientemente desaparecido. Algunos de sus temas más recordados son: “Siembra de abril”, “Días” y “Color de universo”. Luego de varios simples, lanzaron su primer LP en enero de 1978, “After the Battle”. Luego publicaron “Vivamos el Show” (1979), “Sensaciones reales” (1981), “Honey”, entre otros discos.

Otra importante orquesta de esa época fue Los Hobbies, conjunto musical formado en 1964 y que tomó ese nombre porque sus componentes se reunían a tocar música por “hobby”, todos los sábados a la noche, en el Club Alemán.

Los componentes originales de esta orquesta fueron Werner Förster, Gerardo Müller, Carlos Fingst y Fritz Vollrath, a quienes luego se sumaron Carlos Strubing, Alfredo Wentzensen, Juan Carlos Facetti, Ernesto Britos Bray, Oscar Cabrera y Nino Pereira. Con el correr de los años, los músicos originales fueron siendo reemplazados por otros, hacia 1974 se formó con Emiliano Aiud (guitarra), Víctor D’Stefano (batería), Fredy

Pérez (bajo) y Emilio García (cantante); posteriormente se sumaron Luis Alvarez, Tommy Centurión y Juan Carlos Rojas (tecladista). También formaron parte de Los Hobbies uno de los mejorers bajistas del país, Nene Salerno; Riolo Alvarenga, Charly Meyer y Cachito Verdecchia, entre otros. Algunos de sus discos son “Gaviota”, “Soledad”, “Qué se hizo de ti”, “Jesucristo”, entre otros, pero sus temas más recordados son de la década del 80 como son “San Bernardino”, “Mi Paraguay”, “Una estúpida idea”, “Yo quiero el corazón de María” o “Ni frío ni calor”.

Los Hobbies se separaron en 1999. Otro grupo con repercusión fueron Los Foxies (ex Relámpagos) con Julio Centeno (guitarra), Abillio Rolón (teclados), “Pompe” (bateria), “Yagua Piru” Fernandez (cantante) y Gustavo Díaz (bajo). El Super Equipo 87, llamado así porque desde los Estados Unidos habían venido 87 instrumentos y accesorios destinados al grupo. Adolfo Monges, en aquel entonces músico de la banda, sugirió a los demás ponerle ese nombre, ya que tenían contrato, pero no nombre para promocionar en las fiestas. Los otros integrantes originales del grupo fueron Ricardo Orrego y Tito Orrego, Rubén Antonio Gómez, Lucho Brosa, Adolfo Monges y Riolo Alvarenga. Los Tommy’s Superstars contaban con uno de los mejores bateristas nacionales, Victor “Toti” Morel (también tocó en Equipo 87), también el gran showman Dany Durand como voz principal, el genial guitarrista Carlos Candia y José Carlos Mendoza, en teclados; la cantante Valencia también pasó por los Tommys como cantante hacia 1977-78, antes estuvo en otra recordada orquesta Shamba Show conformada por Lobo Martínez, Gerkin Daniel y Jorge Cáceres. Abraxas era un grupo más “under” orientado hacia el rock de Led Zeppelin o Deep Purple, incluía a Pecos Sandoval en guitarra, Gustavo “Cheval” Caballero

también en guitarra y Corbeta en batería; Los Pussycats de los hermanos Barreto, formó escuela. Los Búfalos, formados en 1968 con Luis Almada, en primera voz y segunda guitarra, Félix Mendieta, en primera guitarra y segunda voz, Luis Mendieta, en bajo, y Nicolás Duarte, en batería. El nombre del grupo surgió de un recuerdo que tuvo Félix cuando la revolución de Santo Domingo en 1958, vinieron a llevar “prestados” a soldaditos paraguayos, que eran llevados en aviones Hércules y Búfalos. El grupo tiene 36 años de actividad haciendo rock clásico, además de composiciones de su propia autoría dentro del mismo género.

Otros recordados grupos fueron los Underground, los Tauros de Caacupé, los Gypsys, Los Freedom, Los Bravos, que lo integraban Alcides “Rock” Parodi (Alcy Rock) y Ramón Domínguez (Rando); y por supuesto Los Jokers, quienes además de música bailable y divertida, hacían una excelente fusión de Afro Soul, Jazz, Rock y Pop. Se habían iniciado en 1962, con el doctor Telmo Aquino, Lovera y Palito Miranda. Por aquella época Kike Krona entró como baterista y cantante. Gladis Cañete cantaba en el grupo, pero ella se estaba retirando, por una cuestión particular. En ese entonces los Jokers lo conformaban Hugo Nacimiento, en la guitarra; Angel Fanego en batería,

Harry Arriola en la trompeta, en el bajo Hugo Lonjaric y piano Coco Vera. Muchos otros pasaron por los Jokers: Kuki Rey, Lobito Martínez, en teclados; Lobo Martínez, Oscar Fernández, Fernando Granada, que era todo un showman, etc.

Los Jokers incrementaron su fama con la entrada de Miguel Angel Bernardes, allá por 1968, con su “Aeropuerto”, lo que les llevó a entrar en uno de los exclusivos clubes capitalinos, prácticamente como orquesta estable. Los años 60, 70 y 80 fueron la época de oro de las orquestas.

Después del año 1980 incursionaron las discotecas con sus correspondientes Disc Jockeys, así aparecieron: Disc Jockey Show (de Rubén Rodríguez), Fantasía ( de Ricardo Rodas Vil), Hola Música, con Bruno Masi, Lennon Record, de Mario Ferreiro, Metropolis Sounders, Stylus, etc... Esa situación obligó a las orquestas a buscar actividades alternativas. Hoy en díalas orquestas de baile siguen animando espectáculos nostálgicos y llevando su alegría y diversión a las nuevas generaciones, uno de los grupos que precisamente llevan esa consigna es la Retroband, formada hacia el año 2000, esa integrado por Nene Salerno (bajo), Luis Alvarez (teclados y dirección 411

LA ERA DEL ROCK

Los Teenagers paraguayos, hacia 1959 hacían bailar a los asuncenos al ritmo del rock and roll y luego del twist.

Los Tres Sudamericanos en 1959, presentandose en Radio Comuneros.

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musical), Emilio García (voz y guitarra), Zenón Vidaurre (guitarra), César Cipolla (batería) y como invitado Kike Krona, vocalista.

tuno. En 1969 modificaron su nombre a Team Agers y firmaron con Music Hall, obteniendo gran éxito en Argentina con “La Piba del Minishort”.

Grupos y Personajes

LOS 3 SUDAMERICANOS: Trío formado en 1959 por Alma María Vaesken, Casto Darío Martínez y Johnny Torales.

Este último había sido enviado siendo niño por su familia a Buenos Aires, para que cursara sus estudios. Comenzó allí su carrera musical y regresó luego a Asunción. Grabó como solista un par de LP, uno con la orquesta de Lucio Milena y otro con la Orquesta Nóvel, para el sello Guarania. Cantaba temas paraguayos en guaraní y castellano, y también versiones en inglés de temas popularizados por Frank Sinatra y Bing Crosby. Casto Darío se destacó desde niño como intérprete de armónica y luego se volvió a la guitarra. En 1956 integró en Asunción el quinteto The Harmony Club. El grupo debió disolverse por oposición de los padres de sus integrantes, y cuatro de ellos volvieron a sus estudios. Darío, en cambio, se decidió por la música. Alma María era una quinceañera estudiante de magisterio, conocida de Darío, que solía tocar el piano y cantar en fiestas familiares. Darío la presentó a Johnny Torales y pronto se inició un romance entre Alma María y Johnny. Los tres grabaron un acetato para regalar a un tío de Alma, con “Las Mañanitas” y “Nochecita Enamorada”. Johnny llevó una copia a una radio y comenzaron a sonar los temas en las emisoras asuncenas. Aún el trío no tenía nombre, y la gente comenzó a conocerlo como “El Trío Fantasma”.

El nombre de “Los 3 Sudamericanos” lo adoptaron cuando fueron convocados por Columbia Argentina para grabar en Buenos Aires un LP, con gran suceso, aunque en Paraguay recibió algunas críticas porque los temas tradicionales paraguayos fueron interpretados con arre-

LOS TEENAGERS paraguayos, el grupo formado en 1959 por Lucho Brossard (guitarra), Juan Carlos Avila (voz), Adolfo Monges (teclados), Carlos Alvarenga (saxo), Gustavo Barrios (bajo) y Ruben Antonio Gomes Achón (bateria y voz).

Se separaron después de grabar un LP para Disc Jockey en 1964, en el que interpretaban clásicos como “El Rock de la Carcel” o “Angelito”, temas de The Beatles y polcas paraguayas. Regresaron en 1967 para un nuevo LP, en el sello Nep-

glos modernizados. Decidieron radicarse en Argentina, pero antes de viajar Alma y Johnny debieron casarse, ya que ella era menor de edad.

Ya instalados en Buenos Aires se presentaron en teatros, radios y televisión, y registraron varios LP, entre ellos “El Cantar de Sudamérica”, que incluía una versión cantada de “Pájaro Campana” (tema instrumental tradicional al que Eduardo Rayo compuso una letra especialmente para el trío). Los temas de Los 3 Sudamericanos se difundieron por toda América y tuvieron muy buena repercusión en España. Después de tres años en Argentina el trío firmó un contrato para tres meses de actuación en España, adonde arribaron a mediados de 1962. Rivalizaron con otros conjuntos y solistas por hacerse con un puesto privilegiado en las listas de éxitos, y lo consiguieron. El éxito que lograron fue tan grande que desde entonces han residido en ese país, grabando hasta 1964 para CBS y luego para Belter.

Casto Darío regresó al Paraguay en 1985, reemplazado por Daniel Barrera y desde 1990 al presente por Dioni Velázquez.

se dedicó a la música popular. En 1965 fundó en Asunción el conjunto Los Blue Caps, agrupación que alcanzó los más altos niveles de popularidad, en Buenos Aires, Argentina donde se estableció por más de una década. Se presentaban periódicamente en clubes y boites, combinando temas propios con covers y cantaban en castellano. Música para bailar sin mayores pretensiones, con la formación característica del beat: bajo, batería, guitarra y órgano. Entre sus integrantes figuraban: Rodolfo “Rudy” Heyn Micheletto en piano, Carlos “Charly” Gómez Solalinde en guitarra, Gustavo “Panchi” López Moreira en bajo, Rolando Percy en voz, Kuky Caggia en batería y por supuesto Aníbal Riveros en guitarra.

Editan tres LPs con una docena de temas cada uno. “Dejame Mirate” en 1969, “Cuando te Miro” en 1970 y “Sensacional eres tú” en 1971. Disuelto el conjunto, Aníbal Riveros integró varias agrupaciones, y en 1978 fundó el sello

LOS BLUE CAPS: Aníbal Riveros, compositor y arreglador, nació en Paraguarí el 1 de abril de 1945. Desde muy joven 413

LA ERA DEL ROCK

discográfico Blue Caps. Es autor de unas 50 composiciones, la mayoría, canciones de éxito como: “Volverás mi amor”, “Déjame mirarte”, “Pronto te arrepentirás”, “Sensacional eres tú”, y otras.

“Rudy” Heyn en su juventud militó en varios grupos y fue el primero en construir una guitarra eléctrica en el Paraguay.

“Papi” Barreto, fue uno de los baluartes del jazz y maestro de numerosos músicos paraguayos.

RUDY HEYN: Nació en Villeta en 1929. Su verdadero nombre es Rodolfo Heyn Cartes. En 1945 se inició profesionalmente como integrante del conjunto folklórico de Andrés Filippi Costa. A los 14 años formó parte del Coro Polifónico del maestro Herminio Giménez y al año siguiente organizó su primer conjunto.

Luego se sumó a la orquesta de Galeano Morel con la que estrenó la primera guitarra eléctrica fabricada en el Paraguay.

Durante la revolución de 1947, viajó a la Argentina, como integrante del conjunto de Diosnel Chase. Regresó al Paraguay en 1949 y se integró a la orquesta “Los Caballeros del Ritmo” de Neneco Norton. En 1951 formó el grupo “Rudy Heyn y su Conjunto de Jazz”, integrado en su primera época por Pedro Burián, Tyde Smith, Adolfo Vallejos, Paco Gómez y los cubanos Eugenio y Germán Cubas.

En 1951 con su grupo Swing, consiguió 20 años de sucesos ininterrumpidos.

En 1960 creó la célebre Baby Jazz, con Riolo Alvarenga, Gerkin Daniel, Zenón Vidaurre y Mickey Heyn. Es autor de las canciones premiadas: “Asómate” y “Sueño Fugaz”, además de “Con M de Madre”, “Amor que se fué”, “La nube y tu vida”, “Ven a mí”, “Tuyo” y otras. En los últimos años se dedica a la docencia, formando a centenares de guitarristas y publicó varios volúmenes con su método de guitarra.

LOS IODIS: Dirk y Jörn Wenger: Este duo de hermanos, hijos de alemanes, se hicieron llamar IODI por las iniciales de sus nombres. Fueron pioneros en Paraguay al armar un estudio de grabación donde ellos sobregraban los intrumentos

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y sus voces, usaban sintetizadores mini moog, toda una novedad para la época. No pertenecían a la onda “under” ni tampoco conformaron una orquesta “bailable”, pero sí eran respetados en el ambiente musical. No hacían presentaciones en vivo pero si grabaron bastante material, en su propio estudio y también en Argentina, donde fueron contratados por el sello EMI-Odeon. Vivían en Asunción y solo viajaban para grabar.

Su primer material aparece en 1971, un single con el nombre de “Iodi” y empiezan a grabar sus canciones en películas de 16 mm, al modo de los modernos video-clips. Entre otros, publican los simples “Despierta”, “Luna Amarilla”, “Bonjour Tristesse”, “Besa primero a la madre”, etc. Mas tarde se publica su primer LP “Pops de Vanguardia”, editado por Philips/Phonogram de Argentina, compuesta integramente de temas propios y en inglés, pues la intención era impulsarlo para las ventas afuera del país.

Hacia 1974 cambian al sello EMI y lanzan su simple más exitoso, la balada pop “Yo pienso en tí” / “Dime porqué”.

PAPI BARRETO: Wladimir Barreto, más conocido por todos como “Papi” nació en Asunción en 1933. Trompetista, compositor, arreglista y director de or-

questa, Papi marcó su paso en el ambiente, como uno de los grandes referentes en los años de gloria de las orquestas bailables y el jazz. Hijo de padre músico, Papi integró la Típica Barreto (dirigida por su padre Fortu-i Barreto) y fue, junto con su hermano, el baterista “Nene”, uno de los grandes difusores del jazz. Tocó con Neneco Norton y fundó la Habana Jazz.

Dirigió a las Estrellas Paraguayas del Jazz, y se instaló en Buenos Aires, donde se perfeccionó e integró varias agrupaciones. A su regreso en 1971 creó la “Orquesta Papi Barreto y Los Millonarios”, y luego a “Los Pussycats” de gran trayectoria en el campo de la música bailable y por donde pasaron Toti Resquín, Juan Carlos Facetti y Zenón Vidaurre, entre otros. Los Pussycats era como una escuela de música, porque el que entraba ahí iba a aprender.

Papi siempre sobresalió en el ambiente de las orquestas y del jazz, fue muy renombrado en su tiempo, de una categoría de primera. Siempre se hablaba de Papi Barreto y Los Millonarios. Fue un paradigma de la música jazz, con su hermano Nene, lejos el mejor baterista que tuvo el Paraguay. En los últimos años enseñó en el Conservatorio Nacional de Música, falleció en 2005.

ALMED: Alfonso Medina el popular “Almed” fue director de Los Impagables Angeles, grupo que tuvo mucho éxito entre los años sesenta y setenta. El grupo grabó un disco a mediados de los sesenta en el estudio de la antigua radio Chaco Boreal que dirigía Gerardo Torcida en aquella época. El grupo había grabado una serie de canciones en una noche, en forma directa, pero faltaba una para completar el disco. Entonces grabaron “Soy algo fácil de olvidar”, que originalmente es una canción norteamericana, a la que Roberto Yanés le daba su toque particular, y que Los Impagables hacían con sus

propios arreglos, más dentro del estilo beat de la época. Esa canción que entró de relleno se convirtió en el éxito del grupo. El tema fue rescatado hace unos años para ser incluido en la película “Miramenometokei” (2002) de Enrique Collar, y fue reversionada por Rolando Chaparro, en un formato más pop. Medina también es el primer luthier de guitarras eléctricas en Paraguay. Asimismo, se ha dedicado a la construcción de bajos y de baterías. En los años de oro de las orquestas, reparaba los instrumentos de los músicos, además de construir instrumentos sobre pedido. Hoy está retirado del mundo de la música.

El Rock & Roll en la Madre Patria El rock and roll arrasa España cuando llegan los discos mexicanos, especialmente de los Teen Tops, pero al contrario de lo que se cree, no es del todo cierto que los mexicanos fueran los primeros en cantar rock en español, ya antes lo habian hecho El Dúo Dinámico a finales de los 50 y a principios de los 60; Bruno Lomas con Los Milos y Los Pantalones Azules, estos dos de Valencia, ademas del rock and roll al estilo italiano con Los Pájaros Locos de Barcelona (pero la norma era que el rock se cantaba en inglés).

Enseguida los españoles se pusieron a rockear en castellano, sorprendiendo a la masa juvenil con un nuevo ritmo y expresiones propias, enfrentando a la dura moral franquista.

El Dúo Dinámico El Dúo Dinámico, nace como tal en Barcelona en 1958 y eran dos adolescentes locos por la música y la ingeniería: Manuel de la Calva y Ramón Arcusa.

La primera actuación ante público ocu415

LA ERA DEL ROCK

El Dúo Dinámico alcanzó un extraordinario éxito sin precedentes en España, sus discos y cualquier cosa que tuviera sus fotos se vendían como agua. Aquí vemos una postal donde aparece el Dúo junto a otra cantante española de gran éxito “Marisol”.

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rre en el programa “La comarca nos visita” de Radio Barcelona. Ellos quieren llamarse “THE DINAMIC BOYS” pero el presentador del programa, Enrique Fernández, dice no saber inglés y los presentará como “DÚO DINÁMICO”. Ellos aceptan el nombre y así queda. Ése día, firman los primeros autógrafos. Despúes de varias actuaciones en radios y shows, en el verano de 1959 reciben su primer contrato para cantar en un conocido restaurante. Al final del verano dejan su

trabajo en la empresa industrial para dedicarse por completo a la música.

Graban su primer disco en el otoño de 1959, “Little Darling”, “Cowboy”, “Alone” y “Recordándote” forman un EP que rápidamente alcanza gran difusión en la radio y casi inmediatamente, grandes ventas. Las máximas ventas posibles, ya que en la España pobre de final de los 50 no habían casi tocadiscos. En el 2º disco que graban, su primera canción: “Linda muñeca”, obtendrá otro gran éxito. A partir de entonces, los nombres de De la Calva/Arcusa, ya como autores, figurarán en casi todos sus discos.

El fenómeno de las fans está latente en todo el mundo. Elvis y Paul Anka en EE.UU. y Cliff Richard en el Reino Unido, despiertan la locura entre las chicas mas jóvenes. El Dúo tiene también suerte en eso. Cantan un tipo de canción con un estilo nuevo, casi revolucionario, dicen cosas para los jóvenes por primera vez en este país, su vestuario es informal, y los jóvenes se identifican con ellos. “Quince años tiene mi amor” hace estragos. Todas las “teenagers” del país tienen la fotografía o un póster del Dúo Dinámico en sus habitaciones. Los clubes de fans del DD se forman de una manera espontánea por toda la geografía, y allí por donde van a actuar, desatan las emociones de las colegialas y las iras de los padres, que no entienden lo que pasa.

Más y más discos ocupan los primeros lugares de las listas de éxito con cada canción que graban. Salen en la portada de mas de 200 revistas. La editorial Bruguera, lanza un comic con el D.D. que alcanza la tirada de casi 100.000 ejemplares semanales. En giras por América actúan mano a mano con los grandes de entonces: Los Platters, Chubby Checker, Lucho Gatica... y filman cuatro películas como protagonistas. El Dúo se hace imprescindible en los festivales de canción que se prodigan por toda España.

La historia de Manuel de la Calva y Ramón Arcusa, el Dúo Dinámico, es sin duda, una historia fascinante y atípica.

Hijos de familias humildes, (vascos y aragoneses respectivamente), encontraron en su Barcelona natal todo lo necesario para el éxito, que exportaron inmediatamente a toda España y Sudamérica.

Hacia 1972 el Dúo decide retirarse.

El último disco grabado en Londres, con todos los medios posibles y hasta con la colaboración del productor de los Beatles, George Martin como asesor, no tiene el éxito de ventas al que estaban acostumbrados, y deciden dejar el negocio. La música va por otros derroteros. En España soplan los vientos de protesta, preludio natural de un cambio político, y nacen por doquier cantantes de música folk y de protesta. Admitiendo el cambio, y desplazada la música de diversión de su sitio, el Dúo Dinámico se va, pero no para siempre.

Miguel (Mike) Ríos Sin Miguel Ríos, es imposible entender el rock español. Nació en Granada en

1944. De adolescente encontró trabajo en el departamento de discos de unos grandes almacenes, donde se acercó a una música que nunca abandonaría: el rock and roll. Todo fue muy rápido. Se presenta en un programa de Radio Granada, graba una cinta de demostración como cantante y viaja a Madrid para realizar su primer disco. Era 1962, tenía 17 años y le dieron 3.000 pesetas. Era Mike Ríos, “el rey del twist”. En el disco, un rock: “Pera madura”, del italiano Pino Donaggio, comenzaba la historia del rock español. Una historia que continúa a comienzos de 1963, cuando debuta en las legendarias matinales del Circo Price junto a Los Relámpagos.

Durante la década de los 60 llegaron canciones en clave rock como “Popoti417

LA ERA DEL ROCK

Miguel Ríos, figura fundamental de la historia del rock español. Su versatilidad le condujo por diversos caminos, desde el rock and roll de los inicios, coqueteos con el pop y el twist y la canción iberoamericana hasta volver a su gran amor, el rock.

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tos” (1962), “La pecosita” y “Da-do-ronron” (1963) o “El rock de la cárcel”, mezcladas con ritmos del momento (Twist, Madison, Locomotion), tendencias USA (Surf), canciones francesas (“El ritmo de la lluvia”).

También italianas (“Oh mi señor”), bandas sonoras de películas (“Serenata bajo el sol”), acercamientos a Los Beatles (“Yesterday”), versiones de clásicos (“Unchained melody”) y retor-

no a los orígenes (“Vuelvo a Granada”).

Después de esto deja el rock para experimentar con la canción romántica, lo que no le será de mucho provecho durante años, hasta 1969.

Ese año, Miguel Ríos publica el single “Himno a la alegría”, una adaptación del cuarto movimiento de la 9º Sinfonía de Beethoven dirigida por Waldo de los Ríos. En la cara B del single, una canción de Jimi Hendrix. Vendió siete millones de discos en todo el mundo, copando los primeros lugares de las listas de éxitos en Estados Unidos, Reino Unido, Francia, etc... También en 1969, Miguel Ríos publica su primer LP después de alcanzar un buen número de éxitos con sus EP y singles. En 1972, comienza a abrir brecha creando una nueva infraestructura para el rock español con sus “Conciertos de rock y amor”. En el repertorio de esta gira y del disco, clásicos como “Hound dog”, “Tutti frutti” y “Rock de la cárcel”. Miguel Ríos vuelve a los orígenes.

En 1979, Miguel Ríos saca “Los viejos roqueros nunca mueren” y en 1980 con “Rocanroll bumerang” (disco de oro y “Santa Lucía” como canción tótem) y, sobre todo, el doble LP “Rock & Ríos” (1982), que vendió 400.000 ejemplares, situó el rock español en el ámbito internacional en todos los aspectos.

Un año más tarde llegó “El rock de una noche de verano”, con vocación antinuclear y una gira de 32 conciertos multitudinarios. La vocación latinoamericana

Gracias a su talento y calidad Miguel Rios ha perdurado durante décadas, dando fundamento al dicho: “Los viejos rockeros nunca mueren”.

y solidaria de Miguel Ríos se puso de manifiesto en 1986 cuando organizó los primeros “Encuentros de Rock Iberoamericano”. Durante tres días, actuaron en el Palacio de los Deportes (Madrid) lo mejor del rock mexicano, argentino, chileno, brasileño, venezolano y español, ofreciendo por primera vez al público español la oportunidad de acercarse a artistas sepultados por el poderío económico del rock anglosajón. Fue una apuesta impagable por la identidad latina, que todavía hoy continúa dando frutos.

En 1996 el artista granadino regresó con “Como si fuera la primera vez”, su primer disco para Virgin Records España, un producto admirable lleno de frescura y de madurez interpretativa. En mayo de 1998 lanza Rock & Ríos Records, sello independiente que crea un espacio en el que respira el rock en todos sus mestizajes y estilos, siendo la latinidad su territorio. Este mismo año durante la gira con su Big-Band, grabó en el Teatro de la Maestranza de Sevilla su nuevo disco, BIG-BAND RIOS y realiza otra enorme gira por Latinoamérica en 1999. Miguel Ríos entra en el estudio después de cinco años para hacer un disco con algunos

compañeros que forman parte del firmamento del Rock Latino. “Miguel Ríos y las Estrellas del Rock Latino” es el título que lleva este nuevo álbum que contiene nueve colaboraciones con Joaquín Sabina, Manolo García, Rosendo, Fher (MANÁ), El Tri, Aterciopelados, La Ley, Charly García y Fito Páez además de tres temas inéditos.

The Rocking Boys Finalizando la década de los cincuenta, aparece uno de los grupos pioneros dentro de la nueva ola musical que se estaba desarrollando, The Rocking Boys, se originó en un pueblo cerca de Cádiz, en el Campo de GIbraltar. Después de muchos ensayos, José Gómez (guitarra y voz), Ricardo Oliveira (bajo y voz) -antes y por un breve período estuvo Pepe Belizón-, Carlos Jaime (piano y saxo) y Agustín Martínez (batería y voz solista), deciden lanzarse al ruedo musical y co419

LA ERA DEL ROCK

The Rocking Boys tocaban rock and roll y calypso, slow rock y otros géneros de moda a pincipios de los años 60. Tenían fama de dar un gran espectáculo. Saltaban a la pista y enseñaban a bailar a la audiencia los nuevos ritmos. Desbordaban simpatía y además, sonaban muy bien en directo. Como decían en “Twist Sensacional” -su primera grabación- “¡¡Hey, Rocky, os va bien este ritmo del twist!!”.

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mienzan sus presentaciones por Andalucía, hasta que en una presentación en Ceuta, José Garzón (una especie de Coronel Parker andaluz) se convierte en su manager. Les ofrece un contrato y en 1961 aparecen en el “Primer Certamen Internacional de Conjuntos Españoles” en Madrid, logrando un honorable segundo lugar, junto a Nelo Costa, Los Pekenikes, Los Telco y otros. Ya con cierta experiencia, sus apariciones en Madrid y Barcelona son repetidas, viajan a Portugal, Francia y Marruecos y en 1962 la casa Belter decide ficharlos para sus primeras grabaciones. En la mitad de de la década de los sesenta, la disquera comenzó a imponerles temas y estilos que no ayudaban a mejorar su competitividad nacional; pero el grupo no se detuvo y con temas como “El Bicile” siguieron adelante con sus apariciones en festivales, cosa que los estaba condenando al fracaso, independientemente de su gran calidad y excelentes trabajos en vivo.

Después de varias formaciones, que crearon inestabilidad, la falta de una casa discográfica de envergadura y la carencia

de temas propios, pusieron punto final al grupo en octubre de 1968. Durante los años de trabajo dejaron sesenta y cuatro canciones, que se recogieron en dieciséis EP, hoy difíciles de encontrar. La formación inicial de la banda fue José Gómez, guitarra y voz, Ricardo Oliveira en el bajo y voz, Carlos Jaime en el piano y el saxo y Agustín Martínez batería y voz solista.

Los Pekenikes Los Pekenikes grupo pionero del pop en España, empezaron muy jóvenes, pues todos habían nacido alrededor de 1945 y solo contaban con quince años en sus inicios, por lo que les llamaban “peques” y de ahí el nombre de Pekenikes.

El grupo Los Pekenikes se formaron en Madrid, en Marzo de 1959 y ya para el siguiente año salio al mercado su primer trabajo donde incluyeron temas instrumentales como “Madrid” de Agustín Lara y “Apache” de Lordan. En 1962 apareció su segundo trabajo discográfico donde solo incluyeron covers, y no es hasta 1964 que apareció su primer trabajo vocal propio titulado “Eso Fue Tu Amor”. Este año también con otro arreglo en este caso de un tema popular logran un disco de oro y fue con “Los Cuatro Muleros”. Este éxito fue un gran paso de avance para ellos. Esta fue su primera etapa discográfica aunque sus

Sin duda, Los Pekenikes, fueron los reyes de la música instrumental y de los pocos que se dedicaron a este trabajo junto a sus competidores más cercanos que fueron Los Relámpagos.

integrantes iniciales Eddie Guzmán vocalista y batería, Ignacio Martín Sequeros en el bajo, Lucas Sainz en la guitarra, Alfonso Sainz en el saxo y Tony Luz en la guitarra fueron de los mas estables, pues ya Juan Pardo, Junior, José Barranco y Pepe Nieto habían partido.

Siempre trataron de mantener un vocalista, pero finalmente en su segunda etapa como instrumentistas también fueron excelentes. Esa etapa comenzó en 1966 y de ese año es su mejor tema “Hilo De Seda”, en contacto con el cine y fueron autores de temas musicales para películas como “Los Chicos Del Perú” en 1967, y en 1970 “La Tonta Del Bote”. Esto les pareció poco y también crearon su sello discográfico bajo el nombre de “Guitarra”.

Como otro dato de interés en 1983 se realizó un concierto llamado “Ahí Viene La Plaga” con artistas formados en los primeros años del rock en España.

En 1996 apareció el último CD de Los Pekenikes.

Los Bravos que se publicó incluso en Estados Unidos, México y en países de Europa llegando al numero uno. Más tarde apareció “Sombras y Rejas”. Los Pekenikes disfrutaron de gran fama hasta 1969; pero lograron sobrevivir hasta 1973 donde se agotó su formula y éxito y con “El Tiempo Vuela” dijeron adiós, dejando tras de si temas como “Frente A Palacio”, “Robin Hood”, “Hechizo”, “Nostalgia” y otros.

El trabajo de Los Pekenikes no solo se centró en hacer su música, sino que también acompañaron a la cantante Karina e incluso para ella escribieron “Ya Verás” y “Amanecer”, además entraron

Se inició en 1966 con miembros de agrupaciones existentes con anterioridad, como Los Sonor (Madrid) y Los Runaways (Mallorca) lo que significaba que sus miembros ya gozaban de experiencia. Sus integrantes fueron: Mike Kennedy (Michael V. Kögel) como voz solista, esto dio un nuevo giro a la música en España, pues introdujeron una voz principal para cantar, además, Mike sabía inglés, era alemán y su figura rápidamente se convirtió en el centro; Manuel (Manolo) Fernández en el órgano, lo que era otra aportación en la música pop de España, pues hasta ese momen421

LA ERA DEL ROCK

Los Bravos se hicieron archi famosos con el tema “Black is Black”, aparecido en 1966, el cual no solo fue éxito en España, sino que además fue número 2 en Gran Bretaña y los USA, siendo el primer grupo de rock español en lograr esta hazaña.

to solo usaban guitarras y batería; Antonio (Tony) Martínez en la guitarra solista; Miguel Vicens en el bajo; y Pablo Sanhelli en la percusión. El grupo debuto con el tema “No se mi nombre”, que los productores utilizaron para lanzar una campaña para hallar el nombre para el grupo. Finalmente de los nombres enviados por los fanáticos se eligió “Los Bravos” El productor del grupo era Alain Milhaud, un francés con experiencia en el mercado musical que preparó una estrategia no usada con anterioridad en el país, pues el sueño de todos era entrar en el mercado anglosajón y lo logró con “Black Is Black” de 1966; pero no fue fácil, pues para esto viajó a Inglaterra y de allá trajo la letra, los arreglos y la música; Los Bravos entraron en el hit-parade inglés por primera vez, hazaña nunca lograda antes por un 422

conjunto no asociado a la lengua inglesa. El tema “Black is Black” se hizo rápidamente popular en España y desplazó a Los Brincos con su tema “Un Sorbito De Champagne” del primer lugar, esto los condujo a una rivalidad que duró alrededor de un año y en Gran Bretaña y Estados Unidos logró llegar hasta el lugar número dos.

Con este tema finalmente lograron disco de oro y platino en varios países y fue el principio y el fin del éxito. Del otro lado del disco apareció la versión inglesa de “No Se Mi Nombre”, bajo el nombre de “I Want A Name”. Ese año también graban el tema “La Moto”. En 1967 la carrera de Los Bravos comienza a sufrir tropiezos pero lanzan su segundo LP y la película “Los Chicos Con Las Chicas” donde se destacaron además del tema homónimo, con un toque melódico y romántico: “Al Ponerse El Sol”, “El Loco Soy Yo”, “Sympathy” y “Te Quiero Así”.

Después de algunos discos sin éxito, ocurre otra desgracia más, el suicidio del tecladista, tras el accidente sufrido la noche de bodas, donde falleció su compañera. Jesús Gluck ocupa el puesto de Manolo y entonces aparecen temas más orquestados, mayormente en inglés y de escasa aceptación que ayudan aun más al declive de la agrupación. En 1969 el golpe mortal lo da Mike al anunciar su salida del grupo.

Los Brincos Nacidos en 1964 fueron una copia de Los Beatles, pero con temas propios. Antes de integrarse en esta aventura musical, algunos de sus miembros ya contaban con experiencia en grupos anteriores. Fernando provenía del grupo Los Estudiantes y Juan Pardo y Antonio (Júnior) Morales de Los Pekenikes. La productora Mariní Callejo no dudo al verlos y estaba convencida de que estos

muchachos podían lograr mucho, y aunque sus versiones inglesas, francesas e italianas recorrieron Europa y gustaron, no alcanzaron el éxito de Los Bravos. El primer LP que editaron entre 1964 y 1965 mostró gran nivel musical, junto al conocimiento del pop y el arma fundamental de la agrupación, la calidad de las voces.

En este disco aparecieron temas claves como “Cry” y “Flamenco”, donde realizaron una perfecta combinación del pop y la música española.

En el año 1965 apareció otro LP de lujo por dentro y por fuera.

Aquí estaban “Walking Alone”, “Borracho”, tratando de repetir el éxito logrado con “Flamenco”, pues era en la misma tónica, “I Try To Find”, “Tu Me Dijiste Adiós”, balada-pop al estilo brinco, y “Mejor”, otro éxito dentro de su sonido clásico.

Después de este disco Los Brincos ya estaban en la cima de su carrera en España y logrando éxitos menores en Europa. También dieron importancia al vestuario y en ocasiones para dar a entender su procedencia el uso de las capas fue parte infaltable de su vestimenta. En 1966, tras dos años de total éxito, editan “Un Sorbito De Champagne”, “Renacerá” y “Giuletta”, y aquí empiezan a surgir los primeros problemas internos.

Hasta aquí llego una carrera increíble por el éxito logrado en tan corto tiempo.

Juan y Júnior deciden tomar otro camino y forman un dúo; pero la inclusión de dos hermanos menores de Júnior, Miguel y Ricky que venían de Los Pekenikes, el grupo resurge con el tema “El Pasaporte” y después “Lola” que fue un éxito dentro de la línea de canción del verano. Con estos temas logran finalizar el tercer LP, titulado “Contrabando” esto ya en 1967.

Desde 1967 hasta 1971 Los Brincos lograron mantenerse entre los conjuntos de primera con temas como “Amiga Mía”,

“Las Alegres Chicas De San Diego” y “Nadie Te Quiere Ya”. Otro gran tema antes de decir adiós fue “Vive La Realidad”. Aun no dispuestos a deshacer el grupo, se inscribieron dentro de la música progresiva de los 70 y editaron un nuevo disco en ingles “World, Evil And Body” y en español titulado “Mundo, Demonio y Carne”. Finalmente tras lograr doce temas en primer lugar, dijeron adiós y cada cual tomo su rumbo.

Los Estudiantes Los Estudiantes fueron uno de los primeros grupos que dominaron y adaptaron al gusto español los ritmos del “rock and roll”. En sus inicios, a finales de los 50, Jose Barranco y su amigo Alberto Gosalvez comienzan a hacer música emulando a su ídolo Elvis Presley. Durante 423

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una fiesta en la facultad de Medicina se les acerca Rafa Aracil al que no conocían y les ofrece su guitarra eléctrica para la actuación, instrumento nuevo para todos. Como José Barranco no estaba acostumbrado a las cuerdas de metal, termino la actuación con las manos ensangrentadas, pero el evento fue todo un éxito.

Su primera actuación oficial tuvo lugar en Alicante en la sala El Palmeral, allí estuvieron dos meses tocando todas las noches cobrando 600 pesetas por show. Al volver a Madrid entra en el grupo Adolfo Abril que se hace cargo del contrabajo, adoptando así el nombre de

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Los Cuatro Estudiantes y participando en una película: “Pasa la Tuna”, tras la cual Adolfo Abril deja el grupo para seguir sus estudios. En el año 1959 se incorpora Fernando Arbex tocando la batería pasando Jose Alberto Gosalvez al bajo.

También entra en el grupo Jose Luis Palacios con su curiosa guitarra en forma de ancla. Con esta formación pasaron a llamarse Los Estudiantes. Actuaron en el programa “Boite” de Radio Intercontinental, también lo hacen en “Cabalgata Fin de Semana”. Su repertorio estaba formado por temas de Chuck Berry, Buddy Holly, Elvis, etc.

Cuando Rafa Aracil se va a Inglaterra, su puesto lo ocupa Luis Arbex hermano de Fernando. También en 1959 les surgió un contrato con el sello Philips, grabando así su primer disco, en sistema mono y en una pista. Dicho disco contenía 4 temas: “Ready Teddy”, “La Bamba”, “Whoo-hoo” y “Me Enamoré de un Ángel” un tema inspirado en un romance anónimo del siglo XII, idea de adaptación y letra original de los hermanos Arbex. Ruedan su segunda película, La Corista volviendo al grupo Rafa Aracil y entrando como segunda guitarra Luis Sartorius, y Luis Arbex pasa a tocar el bajo. Graban su segundo disco, que contiene: “It’ll Be Me”, “Guitarra Tango”, “Una Estrella Fugaz” y “Colette”, las dos últimas instrumentales compuestas por ellos mismos. El éxito parece sonreirles y continúan en giras por todo el país.

Desgraciadamente poco antes de la Semana Santa de 1964 moría Luis Arbex mientras hacía el servicio militar. Otra desgracia azotó al grupo, Luis Sartorius que volvía a su casa en su Seat 600 tuvo un accidente contra una farola y murió. Así el grupo pionero del Rock and Roll español decidió dejarlo. Fernando comenzó a preparar otro grupo, y José Barranco se unió a Los Pekenikes.

Los Mustang Los Mustang que se habían iniciado en 1960 fueron pioneros de la música pop en España y aunque no lograron una posición preponderante, siempre fueron muy populares. El grupo lo componían Marco Rossi en la guitarra solista, Miguel Navarro con el bajo y Antonio Mercadé en la guitarra rítmica, luego se integran Santiago (Santy) Carulla como voz principal, quien más tarde se convertiría en el centro del quinteto debido a su imagen y profesionalismo. Finalmente la entrada de Antonio Mier en la batería redondeó la formación y ya para 1962 las grabaciones y ventas lograron un ritmo casi inalcanzable.

El primer disco que sacaron a la calle incluía entre lo mas destacado “Quinientas Millas”, una versión de “500 Miles” de Peter, Paul and Mary. En 1963 destacó “Telestar”, un instrumental repleto de efectos sonoros, algo avanzado para la época, original de The Tornados. Las versiones de temas franceses, ingleses e italianos de sus inicios tuvieron muy buena acogida, en esos años destacaron “Yo Que No Vivo Sin ti” (Donaggio), “Mi Vida” (Alain Barriere) y “El Mundo” (muchos consideran esta versión mejor que el original de Jimmy Fotana); pero donde realmente se lucieron fue con la discografía de The Beatles.

En 1964 sacan cuatro discos repletos de versiones de The Beatles y aquí podemos mencionar “Please, Please Me” y “Conocerte Mejor”. En el año siguiente mantuvieron la misma tónica, temas extranjeros convertidos a versiones en español, “Nadie Respondió”, “Un Billete Compró” (The Beatles) y “Capri Se Acabó” (Herve Vilard) entre otras. La versión que realizaron del tema “Submarino Amarillo” vendió 130 mil copias solo en España y eso fue una muestra de su acogida popular. Los Mustang continuaron

su camino de igual forma, acaparando versiones; pero ya comenzada la década de los 70 deciden arriesgar y apuestan fuerte con temas inéditos y dentro de la línea sicodélica, aquí apareció “Mustang, Reino Prohibido Del Himalaya” (partes I y II), estas son canciones conceptuales, donde hablan de civilizaciones avanzadas y anteriores a la nuestra, basándose en las teorías de Horbiger y Michael Peissel. En 1973 expira el contrato con la disquera EMI y ellos desaparecen; pero en la década de los 80 vuelven tras el revival del pop y graban un nuevo álbum donde incluyeron una vez mas a su estilo, versiones de “oldies” y así se han mantenido realizando presentaciones como la de 1998 junto a sus archirivales Los Sirex.

En el Club San Carlos de Barcelona, se reunían los jóvenes músicos inspirados por la nueva ola musical, allí muchos grupos comenzaron dando sus primeros pasos, entre ellos Los Mustang, que alcanzaron éxito y popularidad gracias a sus excelentes versiones de temas ingleses, especialmente de los Beatles.

Los Sirex Los Sirex, como muchos grupos de Barcelona, nacieron tras darse a conocer en el Club San Carlos y aunque no llegaron a la popularidad deseada, tuvieron el honor de competir con Los Brincos hasta que Los Bravos hicieron su aparición. A pesar de que debutaron con versiones de temas extranjeros, rápidamente incorporaron sus propias composiciones, pues contaron con un compositor muy afortunado.

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El quinteto estuvo formado por Antonio (Leslie) Miguel Cervero, como vocalista, Luis Gomis en la batería, José Fontsere en la guitarra rítmica, Guillermo Rodríguez Holgado en el bajo y composición y Manolo Madruga en la guitarra solista, todos de Barcelona.

Junto a la aparición de versiones como “Si Yo Tuviera Un Martillo” (If I Had A Hammer), “Please, Please Me” y “Jambalaya”, aparecieron sus primeros trabajos como fue el caso de “Muchacha Bonita” y “San Carlos Club”, este ultimo dedicado al bastión musical de Barcelona, que era el equivalente a los existentes en Londres, donde la muchedumbre juvenil se apretujaba para ver en vivo y en directo actuar a sus músicos favoritos. Estas primeras grabaciones aparecieron en 1964. Al siguiente año con “La Escoba” y “Que Se Mueran Los Feos”, logran alcanzar su mayor popularidad, la que logran mantener con temas como “Yo Grito” y “Estrella Fugaz” en 1966. El año 1967 fue otro de 426

buena fortuna para ellos y de esta época son “Brindis” y “Faldas Cortas, Piernas Largas”, un tema inspirado en la minifalda, muy de moda en esos años.

Algo muy destacable de Los Sirex fue que su música no era copia de nadie, pues todo su trabajo fue idea propia y en sus presentaciones en directo no defraudaban a sus seguidores. A finales de 1967 la magia de Los Sirex comenzó a desaparecer volviendo a los temas extranjeros. De aquí son “Soy Tremendo”, “Fuego’ y “Judy Con Disfraz” versión del tema “Judy In Disguise (With Glasses)”, versiones de una calidad increíble; pero que no sirvieron para devolverlos a la cumbre y se vieron en la necesidad, después de entrar por la puerta ancha, salir por el fondo, despidiéndose con el tema “Soy La Hierba Que Tu Pisas”. En 1978, tras la reaparición de grupos como Los Gatos Negros o Los Mustang, Los Sirex decidieron regresar y hasta el momento han estado activos, presentándose en muchas ocasiones junto a Los Mustang e incluso realizando algunas grabaciones incluyendo nuevas composiciones.

Los Salvajes Hablar de Los Salvajes, es hablar de los Rolling Stones españoles, la respuesta dura, distinta, al sonido de los Brincos, los Mustang o los Sirex, es hablar de una banda que ha dejado alguno de los mejores temas que se escucharon durante aquellos maravillosos años. En 1962, Francisco Miralles (guitarra), su amigo Delfín Fernández (batería) y Gabriel Alegret, que empezó como guitarrista, y acabo siendo la voz, deciden formar un grupo. Poco después se integran Andy González y Enric Canals. Empezaron a tocar sin mucho exito por los clubes de Barcelona, bajo el nombre de The Savages. Finalmente, Enric Canals dejaría el bajo a Sebastián Sospedra.

Poco a poco el grupo empieza a despuntar y durante una de sus actuaciones, un cazatalentos alemán llamado Bernard Schram se fija en estos cinco chicos y les ofrece un contrato. En 1964 graban su primer disco, un EP que incluía “Hoy comienza la vida”, “Nada ha cambiado”, “Con el corazón” y una versión en castellano del tema de los Beatles, “Boys”.

Este disco, por medio de Schram, les hizo introducirse en el mercado alemán, país donde estarán durante seis meses, actuando nada menos que en míticos clubes como el Star Club de Colonia, o el Star Palace de Kiel. Durante su primer viaje a Hamburgo, el batería Delfín quien sólo tenía 15 años, tuvo que marcharse y fué sustituido por un baterísta alemán.

Al regresar a España, fueron contratados para actuar de teloneros de los Moody Blues en el Palacio de los Deportes, y es ahí, cuando la todopoderosa discográfica EMI los ficha.

Los siguientes EP’s de Los Salvajes (ya editados por EMI Regal), fueron todo un éxito. En 1965 sacan un EP que incluía temas como “Siluetas”, versión del “Silhouettes” de los Herman’s Hermits, o “Goodbye my Love”. En 1965 llegó otro magnífico trabajo, el EP “Satisfacción”, que incluía la versión del “Satisfaction” de los Rolling Stones. En 1966, el fantástico grupo catalán sacaría al mercado tres EP’s. En éstos se incluyeron algunos de los grandes exitos del grupo, en el primero, destacan los temas “Todo Negro”, versión del “Paint it Black” de los Stones, “Una chica igual que tu”, de los Troggs, y “Es la edad”. El segundo EP, incluía entre otros, el tema instrumental “Al Capone”. El ter-

cer EP de 1966, estaba encabezado por otra versión de un éxito de los Rolling Stones, “La Neurastemia” (“19th Nervous Breakdown”), también incluía “Soy así”, uno de los himnos de la banda. Entramos en 1967, y encontramos un Ep que incluía otro tema legendario de la banda, “Mi bigote”, uno de sus primeros temas psicodélicos. En 1967, publican también su primer y único LP, donde incluyen lo mejor de lo mejor: “Vivir sin ti”, “Soy así”, “Al Capone”, la simpatica y psicodélica “Las Ovejitas”, “Mi Bigote” y “Todo Negro”.

Los Salvajes fueron la nota dura y tosca del rock español, se alejaron de la canción pop para dominar otro segmento de la juventud más identificada con los Rolling Stones, Los Who, Los Troggs, etc.

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Durante 1968, los siguientes simples de Los Salvajes tuvieron mucho éxito en Latinoamerica, como “Los Platillos Volantes”, “Vuelve Baby” o “Judy con disfraz”. Ya en 1969 publican su último single, “Nana” con “I need your Loving”.

Con este ultimo single de Los Salvajes, se avecina el final del grupo, Andy debe ir al servicio militar (siendo sustituido por Fran Mercader), pero la cosa no parece tener solución. En abril de 1970 el grupo se disuelve, Sebastián se va a los Lone Star, Delfín y Andy dejaron la música, Miralles se fué a Los Jóvenes y Gaby se metió a promotor, productor y manager musical.

Micky y los Tonys No podemos dejar atrás los orígenes del rock en España sin mencionar a esta agrupación que si bien no alcanzó

Hablar de Micky y Los Tonys, es hacer referencia a uno de los grupos pioneros del panorama musical español de los 60.

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la fama de los anteriores mencionados, dejó su huella indeleble. Los integrantes se conocen en el año 1960 en el Club Santiago Apóstol, su debut fue el 12 de Octubre de ese mismo año en el cine Alcalá de Madrid, teniendo siempre como figura estelar a Miguel Angel Carreño, alias Micky, que desde muy pronto es conocido como el “hombre de goma” por sus famosas contorsiones.

La formación inicial de Los Tonys estaba compuesta por: Miguel Ángel Carreño ‘Micky’ (voz), Antonio del Corral ‘Tony’ (guitarra solista), Fernando Martín de Argenta (guitarra rítmica), Juan María Fuster (bajo) y Enrique Modolell (batería).

Los primeros dos años se llamaban simplemente Los Tonys, pero Micky luego se convirtió, poco a poco, en líder de la banda por lo que el nombre cambió a Micky y Los Tonys. Lograron muy

pronto unos duraderos contratos en la parrilla del Hilton de Madrid y en la base de Torrejón.

En 1963 graban su Primer LP, con la discográfica Zafiro, donde tocaron versiones en español de Billy J. Kramer & The Dakotas, una canción principal fue “No me dejes”, donde tuvieron un pequeño impacto en la escena española.

En 1964, llegan a la fama con versiones en castellano de The Hollies y canciones propias como “la luna y el toro”. En 1965 siguen teniendo bastante éxito, no solo en España, sino fuera de sus fronteras y, aparte de música, también incursionaron en el cine. Interpretaron “Maratón ye-ye”, filme de Jesús Yagüe, y aquí comenzó su escalada. No sólo la

película es seguramente una de las notables de todo el cine pop español sino que además en ella Los Tonys interpretaron sus mejores temas: “Shala” y “Ya no estás”. Después vinieron “No se nadar”, “La gallina”, “No comprendemos como no somos millonarios” y otras ironías por el estilo. Con el paso del tiempo y las modas, el grupo comenzó a decaer, Micky se dedicaba más a cosas propias y en 1970 se deciden separar. Micky comenzó a ser solista, contratado por la RCA. Canciones como “El Chico De La Armónica” o “Soy Así”, fueron uno de sus primeros éxitos. Una de sus principales canciones “Bye, Bye Fraeulein”, se convirtió en numero uno en varios países de Europa.

ROCK ‘N’ SAMBA

Recién nacido en los USA, el rock and roll pegó de lleno a la juventud brasilera, como al resto del mundo, por sorpresa, pues hasta entonces los jóvenes no tenían un ritmo musical propio ni tenían acceso a los grandes salones de baile, donde las mamás y los papás oían boleros, samba-canción, tangos y los más radicales oían a las Big Bands, Frank Sinatra y Doris Day. Así, cuando el rock and roll llegó al Brasil hacia 1955, comenzó a incendiar fiestitas y cines, presionando a las disqueras para realizar nuevos lanzamientos. Esto coincidió también con el boom del Bossa Nova, una de las mayores revoluciones musicales del Brasil. Era la música de la burguesía no de la clase trabajadora, también dejó atrás al submundo del Samba, que era más tradicional. De hecho el Bossanova rápidamente vino a ser el estilo favorito de la mayoría, y los que gustaban del Bossa, tildaban a los “rockeiros” de escuchar música inferior, facilona y sobre todo foránea.

Pioneros del rock brasilero Aunque el rock and roll era una música de adolescentes, quienes primero tocaron y cantaron el nuevo “alocado” ritmo fueron irónicamente las orquestas de jazz y cantantes tradicionales como Nora Ney, Cauby Peixoto o Carlos Gonzaga. Intérprete de sambas-canciones, Nora Ney cantó el primer rock (en inglés) “Ronda das Horas/Rock Around the Clock”, lanzado en noviembre de 1955, por el sello Continental, que inmediatamente pasa a ocupar el primer lugar de las listas de la “Revista do Rádio e TV”. La película “Ao Balanço das Horas” (Rock Around the Clock), que se pudo ver a fines de 1956 en las principales salas del país, se encargó de esparcir el nuevo género musical, provocando tamaña confusión, que llevó a diversas

“La sorpresa en el programa de César de Alencar, del otro día fue Nora Ney cantando en inglés una melodía que estaba siendo lanzada en un filme”, así decía la Revista Do Radio en su edición de noviembre de 1955. La “melodía” que menciona no es otra que ‘Rock Around The Clock’ lanzada por el sello Continental. En una semana ya ocupaba el primer lugar en las listas de éxito. Así nacía el primer rock grabado en Brasil, con la voz de Nora Ney, una cantante de samba y samba-canción de mucho éxito por entonces.

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Cauby Peixoto

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autoridades a pedir su prohibición. Para completar el cuadro tragicómico, el Juez de Menores de São Paulo, catalogó al filme como prohibido para menores de 18 años, argumentando, con irónica precisión que, “el nuevo ritmo divulgado por el americano Elvis Presley es excitante, frenético, alucinante y provocativo, que causa extrañas sensaciones y produce hechos exageradamente inmorales”.

Al iniciar 1957, el hijo del violinista Josué Barros (descubridor y acompañante de Carmen Miranda), Betinho & Seu Conjunto, graba el primer rock con guitarra eléctrica, “Enrolando o Rock”, banda sonora del filme “Absolutamente Certo”. En la misma época, Miguel Gustavo (compositor del himno de la Copa del Mundo de 1970) compone el primer rock con letra en portugués “Rock and Roll em Copacabana”, interpretado por Cauby Peixoto, por entonces el cantante más popular del país. Siguiendo en 1957, el también popular cantante Agostinho dos Santos mete uno de los principales sucesos de la primera fase del rock brasilero, su versión de “Até Logo, Jacaré” (“See You Later, Alligator”, de Bill Haley, traducida por Júlio Nagib).

La canción fue lanzada en enero por el sello Polydor. En mayo, Carlos Gonzaga graba “Meu Fingimento”, versión de “The Great Pretender” de los Platters.

En octubre la cantante Lana Bitencourt también consigue un éxito con “Little Darling” y, a inicios de 1958, Bolão e Seus Rockettes registran “Short Shorts”, inaugurando la fase instrumental.

En junio de 1958, llega a las tiendas el histórico 78 RPM “Forgive Me / Handsome Boy” (compuesto por Mário Gennari Filho con letra de Celeste Novaes) interpretado por los hermanos Tony y Celly Campello, venidos del interior de São Paulo. A partir de la entrada en escena de los hermanos Campello, la historia del rock brasilero pasa a ganar identidad, abriendo espacios para el surgimiento de programas de radio y televisión, como “Crush em Hi-Fi”, conducido por los dos nuevos ídolos y por Sergio Murilo. Poco después, en São Paulo, nace el primer sello nacional de rock and roll, el sello Young, que lanza al grupo The Avalons, uno de los pioneros del rock instrumental en el Brasil.

Celly Campello, nacida en 1942, alcanzó el éxito muy joven, sus primeros sucesos fueron “Estúpido Cupido” y “Banho de Lua”, versiones portuguesas del clásico de Neil Sedaka “Stupid Cupid” y el éxito italiano “Tintarella di Luna”. “Estupido Cupido” fue el título de su primer LP, salido en 1959. Le siguieron “Broto Certinho” y “A Bonequinha que Canta”, en 1960 y “Brotinho Encantador” y “A Graça de Celly e as Músicas de Paul Anka”, en 1961. Después de su casamiento en 1962 disminuyó su actividad, retirándose diez años después.

Además de los grandes centros, en Rio Grande do Sul, por ejemplo, la ausencia de intérpretes juveniles locales también es suplida por orquestas de baile. Es el caso de Poposky & Seus Melódicos, que reproducía el estilo visual y musical de Bill Halley & His Comets.

Hasta el final de la década del 50, surgen nuevos intérpretes como Demétrius, Sonia Delfino, Baby Santiago (“el Chuck

Los hermanos Tony y Celly Campello fueron los primeros “teen idols” del rock brasilero. Celly fue la respuesta local a la arrolladora aparición de Connie Francis y Brenda Lee.

Berry brasilero”), Wilson Miranda y Ronnie Cord entre otros, que se dividen el panteón de héroes de la primera fase del rock brasilero.

Los años del yé yé Los comienzos de la década del 60 estuvo marcada fuertemente por la presencia del rock instrumental y sus derivados, como el surf-music y el Hully Gully, influenciado por los Shadows ingleses y los Ventures norteamericanos, así surgen The Clevers (después Incríveis), The Jordans, The Jet Blacks, The Rebels, etc., quienes marcaron la escena musical preBeatles. El más famoso de estos grupos, The Clevers, era un quinteto formado en São Paulo en 1962 por Waldemar Mozena “Risonho” (Primera Guitarra), Domingos Orlando “Mingo” (guitarra rítmica), Dermeval Rodrigues “Neno” (Bajo), Luiz Franco Tomaz “Netinho” (Batería) y el español Antonio Rosas Sánchez “Manito” (Saxo). Fueron lanzados por el productor Antonio Aguilar en su programa “Ritmos Para a Juventude”, en Rádio Nacional de São Paulo e inmediatamente comenzaron a grabar para el sello Continental. Hacían principalmente temas instrumentales, aunque en ocasiones Mingo cantaba. En 1965 Nenê reemplazó a Neno y como existía un grupo americano llamado The Clevers debieron modificar su nombre, adoptando el de Os Incríveis, aunque mucha gente continuó llamándolos por su vieja denominación.

Mezclándose con el rock instrumental y el surf-music, el rock de tres acordes todavía contó con la incursión de artistas tan diversos como Ronnie Cord y el grupo carioca Luizinho e Seus Dinamites, con el álbum “Choque que Queima”, quienes ya promovían una especie de transición entre la fase puramente instrumental y el rock cantado entre 1961 y 1964. En otro aspecto el multifacético Jô Soares, también grabó el simple “Vampiro / Volks do Ronaldo” en 1963.

A partir de 1964, La música jóven brasilera estaría marcada por dos corrientes principales, La “Jovem Guarda” y la “Tropicália”, ambos fundamentales para el desarrollo de un lenguaje musical joven en el país. La Jovem Guarda, era el reflejo de los nuevos sonidos derivados del rock and roll como el Twist

The Clevers, después Os Incríveis fue uno de los pioneros en el Brasil del rock and roll pre Beatles.

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y de la beatlemanía. Por su parte la Tropicália, más amplia, introdujo el discurso político y la búsqueda de nuevas sonoridades dentro de la música tradicional brasilera.

“A Jovem Guarda”

Ronnie Cord

Cuatro décadas después, el movimiento comandado por Roberto Carlos, Erasmo Carlos y Wanderléa continúa siendo un fenómeno de público, llegando hasta la generación de la era digital. Discos son reeditados, espectáculos atraen multitudes y DVDs alcanzan ventas sorprendentes. Las músicas están en el corazón de la gente, siendo parte de sus vidas, romances y memorias de juventud.

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Con el surgimiento de los Beatles, el rock brasilero explotó con el movimiento llamado la Jovem Guarda, que se desbordó en programas de televisión, el más importante de todos ellos, en la TV Record.

Liderada por Roberto Carlos, Wanderléa y Erasmo Carlos, el éxito de estos shows envolvió a la juventud de todo el Brasil, promoviendo el surgimiento de fuertes movimientos locales, especialmente en Porto Alegre, Belo Horizonte, Salvador, Brasília, y el Nordeste del país, fuera de

los grandes centros de São Paulo y Rio de Janeiro. Además de esos tres representantes más importantes de la Jovem Guarda, se destacaron también los grupos Renato e Seus Blues Caps, The Fevers, The Brazilian Bitles y The Sunshines, entre otros, y los dúos vocales y solistas como Os Vips, Deny & Dino, Albert Pavão, Jerry Adriani, Eduardo Araújo, Wanderley Cardoso y Sérgio Reis.

ERASMO CARLOS, cuyo nombre real es Erasmo Esteves, nació en Río de Janeiro en 1941. Se inició en 1958 en el grupo The Sputniks, formado en Tijuca con Roberto Carlos, Tim Maia, Arlênio Lívio, Edson Trindade y China. Cuando Tim y Roberto iniciaron sus carreras solistas, el grupo pasó a llamarse The Snakes, que se disgregó finalmente cuando Erasmo

se integró a Renato e Seus Blue Caps.

En 1964, ya solista, logró un gran suceso con “Festa de Arromba”, uno de los muchos éxitos que compuso con Roberto Carlos, con quien también condujo el programa de TV Jovem Guarda, acompañados por Wanderléa. En este programa comenzó a ser conocido como ‘O Tremendão’, sinónimo de lo más grande, lo mejor, seudónimo que le dió su amigo Roberto Carlos y que lo acompaña desde entonces.

Grabó su primer LP en 1965, con el título de “A Pescaria con Erasmo Carlos”, que incluyó además versiones de “School Day” de Chuck Berry (“Dia de Escola”) y del clásico “Ain’t She Sweet” (“No Tempo da Vovó”). En 1966 apareció el LP “Você Me Acende”, pero más exitoso resultó su LP de 1967, “O Tremendão”, con la canción del mismo título. Durante 1969 y 1970 Erasmo acompañó a Roberto en films y grabó el LP “Erasmo Carlos e Os Tremendoes”. La exitosa carrera de Erasmo ha proseguido sin interrupciones, dado que aun cuando comenzó a espaciar sus grabaciones no

En 1965, cinco jóvenes se juntaron e hicieron la Banda de Rock de mayor éxito en la década del 60 en Rio de Janeiro. Su programa en TV Excelcior los sábados, (con un 2º lugar en audiencia) se llamaba "Brazilian Bitles Club" y sirvió para lanzar a varios artistas y bandas al escenario nacional.

cesaron sus presentaciones en vivo y una fértil labor como compositor.

RENATO E SEUS BLUE CAPS, este grupo carioca, fue el más exitoso de la Jovem Guarda. Se especializaron en versiones de éxitos americanos e ingleses, 433

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entre ellos “Boogie do Bebê” (“Baby Sittin’ Boogie”), “O Lobo Mau” (“The Wanderer”), “Menina Linda” (“I Should Have Known Better”), “Não te Esquecerei” (“California Dreamin”), “Feche dos Olhos” (“All My Loving”), y grabaron también temas de autores brasileños (“Pra Sempre”, Memórias”, “Sexo Frágil”, “O Fogo Ainda Não Apagou”, “Sonhos de Amor”), muchos de ellos del propio Renato, que además tradujo y compuso para Roberto Carlos y otros intérpretes.

Empezaron a fines de los 50 y tras pasar una temporada de práctica, adoptaron el nombre con el que se consagraron, como homenaje a Gene Vincent & his Blue Caps. A partir de 1960 trabajaron para el sello Ciclone, acompañando al grupo vocal Os Adolescentes y a Tony Billy. Llamaron la atención del productor Carlos Imperial, que los llevó al sello Copacabana, donde grabaron su primer LP, “Twist”, en 1962. El grupo estuvo formado en esa ocasión por Renato como primera guitarra, Edson en guitarra rítmica, Paulo Cézar en bajo, Roberto Simonal (hermano de Wilson) en saxo, Cláudio en batería, Iván en piano y Reynaldo Rayol y Cleide Alves como vocalistas. En algunos coros participaron Wilson Simonal,

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Roberto Carlos y Os Cariocas. Después del primer LP, Edson abandonó el grupo, iniciando su carrera solista como Ed Wilson. Para el segundo LP, que como la mayoría de los del grupo se llamó simplemente “Renato e Seus Blue Caps”, Imperial lo reemplazó con Erasmo Carlos.

Erasmo tuvo a su cargo la guitarra rítmica y fue el vocalista, junto a Renato, Paulo Cézar, Roberto Simonal y el nuevo baterista Toni.

Con su primer LP en CBS (“Viva a Juventude” de 1965) se consolidó la formación que grabaría los cuatro LP siguientes, llevándolos a ser el grupo favorito de la Jovem Guarda. Ese mismo año apareció “Isto é Renato e Seus Blue Caps”, con varias versiones de temas de The Beatles. En 1966 alcanzaron su máximo nivel de ventas con “Um Embalo com Renato e Seus Blue Caps” y en 1967 mantuvieron su suceso con otro LP que llevó el nombre del grupo.

Adecuándose a los nuevos estilos musicales, para el LP “Especial”, de 1968, se incorporó Mauro Motta en teclados.

El disco fue el segundo más vendido del grupo, pero Paulo Cézar, Carlinhos y Motta se alejaron después de grabarlo, obligando a una modificación sustancial.

Grabaron dos LP con el nombre de “Renato e Seus Blue Caps” en 1969 y 1970, manteniendo su buen nivel de ventas. En esa línea siguieron tocando durante los 70 y 80, hasta que con el resurgir de

la Jovem Guarda a mediados de los 90 motivó nuevas grabaciones, en las que reeditaron sus viejos éxitos con nuevos arreglos.

ROBERTO CARLOS, nació en Cachoeiro de Itapemirim, en el estado de Espírito Santo, el 19 de Abril de 1941.

Su familia se radicó en Niterói en 1955, donde Roberto formó en 1957 el grupo “Os Sputniks” con sus amigos Tim Maia y Erasmo Carlos. El grupo participó en el programa Clube do Rock, de Carlos Imperial, que vió las condiciones de sus integrantes para lanzarlos como solistas.

La primera grabación de Roberto fue en 1959 para Polydor, un 78 con dos temas de Carlos Imperial: “Fora do Tom” y “João e Maria”. El disco fracasó y puso fin a su vinculación con ese sello.

Pasó a Columbia, donde debutó en 1960 con otro 78, “Canção do Amor Nenhum” y “Brotinho Sem Juízo”. En 1961 grabó su primer LP, “Louco Por Voce”, un excelente disco con algunos temas de Carlos Imperial y varias canciones en castellano. Al año siguiente registró dos simples, uno con “Malena”, de Rossini Pinto, y “Fim de Amor” (versión portuguesa de “Run Around Sue”). El segundo incluyó un tema de su autoría, “Susie”, y “Triste e Abandonado”. Con “Splish Splash”, LP de 1963, inició una sucesión de grabaciones que continúa hasta el presente. En 1964 ganó gran popularidad conduciendo con Erasmo y Wanderléa el programa televisivo “Jovem Guarda”, título también de un exitoso LP que grabó en 1965. Obtuvo varios éxitos durante los sesenta: “O Calhambeque”, “Eu Estou Apaixonado por Voce”, “É Proibido Fumar”, “Maria, Carnaval e Cinzas”, “Namoradinha de um Amigo Meu” y “Nossa Cançao”; estos dos últimos temas los grabó también en italiano. Su creciente prestigio hizo que fuera invitado al Festival de San Remo 1968, donde cantó

Roberto Carlos, ídolo indiscutido de la “Jovem Guarda”, supo mantener su calidad, convirtiéndose en un símbolo de la música popular del Brasil hasta hoy.

“Canzone per Te” obteniendo el primer puesto. A partir de esta época se volcó decididamente a las baladas románticas y su éxito fue indetenible.

WANDERLÉA: La “Reina de la Jovem Guarda”, Wanderléa Salim, nació en el estado de Minas Gerais en 1946. La familia se radicó en 1948 en la ciudad mineira, Lavras, donde Wanderléa inició su 435

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con romances promocionales incluidos.

Entre 1965 y 1968 los tres condujeron el programa dominical de la TV paulista “Jovem Guarda”, mientras se sucedían los éxitos discográficos: “Ternura” (del que surgió su apodo “Ternurinha”), “Boneca de Cera, Boneca de Pano”, “Boa Noite, Meu Bem”, “Pare o Casamento”, “Prova de Fogo” y muchos más. Hasta 1970 continuó en la cima del éxito. Luego se retiró del mundo del espectáculo para dedicarse a su familia.

Wanderléa en 1962 logra la consagración.

Una nueva revolución

actividad artística con solo tres años. Se hizo conocida por su hermosa y potente voz y se convirtió en una pequeña estrella local. En 1952 los Salim se trasladaron a Río de Janeiro, donde Wanderléa ganó varios concursos de aficionados y apareció con frecuencia en programas radiales y televisivos. Su primer disco apareció en 1962 con “Meu Anjo da Guarda” y un tema en inglés, “Tell me How Long”. Este último era el favorito de la cantante, pero “Meu Anjo da Guarda” fue el que la consagró. Ese mismo año apareció el segundo simple, con “Ao Nascer do Sol”, versión de “Cuando Calienta el Sol”, que era un gran éxito en todos los países de habla hispana.

En Enero de 1963 apareció su primer LP, “Wanderléa” y en su segundo LP “Quero Você”, de 1964, contó con el acompañamiento de Renato e seus Blue Caps. Para ese entonces ya era “A Rainha de Juventude” y había comenzado sus giras y presentaciones con sus compañeros de sello Roberto y Erasmo Carlos, 436

Por influencia del movimiento hippie, las corrientes psicodélicas y progresivas pasaron a ocupar su espacio, produciendo numerosos grupos como Liverpool, Spectrum, Módulo 1000, Moto Perpétuo, Vímana, Som Imaginário, A Tribo, A Barca do Sol, etc., abriendo nuevos caminos sonoros en la consolidación de una identidad propia. Pero fue el movimiento conocido como “Tropicália” el que alcanza a ser una verdadera revolución.

Al final de la década, por un lado estaban los músicos populares, herederos

del bossa nova y por el otro, los jóvenes traductores del “yé yé”, la música extranjera. Al electrificar la MPB (música popular brasilera), el Tropicalismo superó los conflictos entre esas dos facciones. Los tropicalistas deglutieron el pop internacional, aprovechando las informaciones culturales más avanzadas para la fabricación de un producto nacional nuevo y original, de exportación. El movimiento tropicalista nace en el Festival de Musica Popular Brasileira (MPB) de 1967.

“Alegría Alegría” de Caetano Veloso y “Domingo no Parque” de Gilberto Gil, redefinen las convenciones de la música brasilera. El nuevo movimiento rápidamente expande sus ideales hacia la poesía, la pintura, el teatro y el cine.

Las tres reinas del pop brasilero también son influenciadas por esta nueva generación de músicos y poetas: Gal Costa, Maria Bethania y Elis Regina se suman al incipiente grupo. Fue en ese clima de revolución estética que sale en julio de 1968 el LP colectivo del movimiento tropicalista y que marcaría un antes y un después en la música brasilera, “Tropicália ou Panis et circensis”. El disco reunió a todos los participantes del movimiento: Gilberto Gil, Caetano Veloso, Gal Costa, Tom Zé, Os Mutantes y Nara Leão. Además del maestro Rogério Duprat, quien

junto a Júlio Medaglia y Damiano Cozzella, componen el trío de arregladores de vanguardia de las grabaciones tropicalistas. Y los letristas Torquato Netto, Capinan y Rogério Duarte, integran el elenco de pensadores.

Los tropicalistas buscaban actualizar y universalizar la cultura en el Brasil, Gilberto Gil y Caetano Veloso se volvieron los principales agentes de esa modernización. Hacia finales de 1968, la canción “Divino, maravilhoso” compuesta por los dos artistas e interpretada por Gal Costa gana popularidad y sirve de título para el primer programa televisivo del grupo tropicalista en la TV Tupi, para el escándalo de los conservadores.

Infelizmente, los osados experimentos televisivos de Caetano, Gil y compañía, no van lejos y para la navidad de 1968, “Divino, maravilhoso” es cortado. Era el prelúdio de algo peor, pues la dictadura militar cortó las libertades de artistas, intelectuales y ciudadanos en general. La colorida mañana que resplandeciente se levantaba para los tropicalistas, cayó en oscuridad por la dictadura. Pero pasados los peores momentos, la Tropicália, terminó por unificar todas las tendencias musicales juveniles nacionales y extranjeras, con una fuerza que ha permanecido hasta hoy.

Por su parte, la psicodélia jugó también un importante papel dentro del revolucionario movimiento, explorado princpalmente por el grupo Os Mutantes, conjunto vocal e instrumental formado en 1966 en São Paulo, por Arnaldo Dias Batista en piano y contrabajo, Sérgio Dias Batista en guitarra y Rita Lee en flauta y arpa, comezó

Hacia 1966 nada hacía parecer que dos nuevos artistas, Gilberto Gil y Gal Costa, serían parte de uno de los movimientos musicales más influyentes de la música brasilera de este siglo.

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Hacia 1968, los tropicalistas fusionaron la música popular brasilera con las nuevas corrientes internacionales, creando una revolución que se hace sentir aún hoy. En estas imágenes vemos a sus representantes más importantes, Gilberto Gil, Os Mutantes (con Rita Lee), Caetano Veloso y Gal Costa

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con el nombre de Wooden Faces, pasando más tarde a llamarse Six Sided Rockers, con seis integrantes. Se presentaron en programas de televisión, como Astros do Disco y Jovem Guarda.

Com la salida de tres integrantes, el grupo cambió su nombre a O Conjunto, y más tarde a Os Mutantes, estrenándose con ese nombre en el programa O Pequeno Mundo de Ronnie Von, en 1966. Después de esa experiencia, fueron invitados para acompañar a Gilberto Gil en el tema “Domingo no parque” en 1967. Ese mismo año, lanzan por la Polydor su primer simple “O relógio”, y en 1968 participan del LP “Tropicália ou Panis et circensis”. Poco después graban su primer LP “Mutantes”, con composiciones de Gil y Caetano además de las propias.

A partir de 1970 se vuelven más crí-

ticos con el tema “Ando meio desligado” donde exponen la violencia dictatorial y además integran a la música efectos de disparos y explosiones. En 1972 con la salida de Rita Lee para seguir su carrera solista, el grupo se vuelca a un sonido más progresivo y poco a poco su popularidad irá decreciendo, manteniendose en la escena musical a través de reuniones, conciertos nostálgicos, homenajes y relanzamientos de sus viejos éxitos.

PARÍS SE REBELA La tradición cultural e intelectual del arte francés mantuvo al rock relegado por considerarse simplista e incluso degradante, pero con el arribo de artistas como Gene Vincent o Vince Taylor, a comienzos de los 60, se desató la locura.

Con ellos tocan y surgen los primeros grupos de rock and roll y twist como Les Playboys, Les Champions o Les Sunlights. Pero son Johnny Hallyday, Dick Rivers (con los Chats Sauvages) y Eddy Mitchell (con los Chaussettes Noires), el legendario trío de cantantes franceses que en los sesentas popularizaron la mezcla del rock and roll de Elvis y Gene Vincent con la lengua de Moliére.

Johnny Hallyday (Jean Phillipe Smet) fue la primera super estrella del rock en Francia, y lo ha sido durante treinta años.

La duración de su carrera ha sorprendido a más de uno, especialmente considerando la casi carencia de repertorio original.

El hecho es que, cuando al otro lado del Atlántico existían cientos de estrellas de rock más interesantes, Johnny se mantenía como la única auténticamente francesa, el único artista que tenía a sus fans en la palma de la mano como los teen idols del otro continente. En 1960 mientras el rock and roll se va diluyendo en los USA, en Francia surge con fuerza. Johnny Hallyday se da a conocer principalmente a través de una emisión radial de Paris Cocktail y varios simples con adaptaciones de éxitos de rock norteamericano.

Rubio, bien parecido, de aspecto salvaje, con voz potente y peleón, el Rey del rock and roll francés, introduce a los jóvenes franceses los clásicos de Chuck Berry, Elvis, Eddie Cochran o Ricky Nelson, traducidos a su idioma, incluso antes de que los originales sean escuchados, contribuyendo fuertemente a la penetración del rock and roll en Francia. Se convirtió en líder de una rebelión de camperas de

cuero negro, motos, conciertos-peleas, escándalos privados, etc. Pero al poco tiempo el sistema comercial lo amansó, casándose con la estrella femenina del movimiento “yé yé” (tipo “Nueva Ola”) Sylvie Vartan, se vuelve a las películas sosas y a la música de variedades, provocando el declive de su éxito. Resurge recién en los 80 con una carrera más original y seria, que le han permitido reconquistar el aprecio de nuevas generaciones.

Gene Vincent con Les Champions, 1962

Johnny Hallyday, el Rey del rock francés. Introdujo el rock and roll clásico en Francia y fue una de las estrellas recurrentes del famoso programa radial “Salut Les Compains” de la estación Europe 1.

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En 1960, en Nice, Hervé Fornieri (conocido después como Dick Rivers, nombre que llevaba Elvis en el filme “Loving You”), con sus amigos Jean-Claude y Gérard Roboly, guitarristas, y Gérard Jacquemus al bajo, forman el grupo llamado Les Chats Sauvages. Al año siguiente, el grupo se va a París y después de subidas y bajadas logran grabar su primer single con el sello Pathe Marconi. Éxitos como “Ma petite amie est vache”, “Twist à Saint-Tropez” y “Est-ce que tu le sais”, introducen una nueva etapa más original del rock francés y su estrellato se acrecienta con cientos de conciertos a lleno total. A pesar del éxito del grupo, Dick Rivers quizo embarcarse en Menos famoso que Johnny Hallyday o que Eddie Mitchell, Dick Rivers ha mantenido una exitosa carrera en solitario por más de treinta años, marcando su nombre con un indiluído y auténtico rock, sin haberse apartado nunca de su primer amor.

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una carrera en solitario. En el otoño de 1962 realiza el single “Baby John” y logra vender 200.000 copias. Llegó al tope de las listas y se mantuvo durante semanas.

Ahora tenía un nuevo grupo acompañante, los Krewcats y para fin de año ya tenía en la calle su primer LP. Acentuando su imagen de crooner rockero, consigue varios éxitos durante 1963 y en 1964 lanza su primer LP con material original, “Rien que toi”, con tremendo suceso.

Para 1965 ya había puesto sus ojos en Canadá y en 1967 recibe un disco de oro por “Viens me faire oublier”. Después de vender más de cinco millones de discos, Dick Rivers se va a los USA en 1967 para grabar su mejor álbum del período “Dick Rivers Story” con algunos de los mejores músicos de rhythm‘n’blues. A fines de los sesentas, la onda yé yé se había ido y el movimiento hippie en plena expansión, forzó a músicos como Rivers a quedarse al margen.

Pero su popularidad en Canadá le ayudó a mantener su carrera a flote durante los 70s.

El tercer pilar de la primera oleada de rock francés fue Eddy Mitchell (Claude Moine) al frente de Les Chaussettes Noires, estableció su carrera musical gracias a una de sus famosas composiciones y el estilo de Nashville.

El amado Monsieur Eddy ha sido inspiración para muchos músicos a ambos lados del Atlántico, mientras él generalmente está con la música country de los USA, el cantante sigue firmemente atado a la tradición de la “chanson” francesa.

A fines de los años cincuenta, Claude descubre el nuevo rock and roll que llega de norteamérica. Sus estrellas favoritas eran Bill Halley y Gene Vincent. La juventud en París estaba abierta a escuchar la nueva música, en clubes como el ahora legendario Le Golf Drout, abierto en 1956. Claude, quien era conocido como “Schmoll”, deja su trabajo de ordenanza en el Crédit Lyonnais, y con su amigo Jean-Pierre Chicheportiche y dos músicos más crean su primer grupo. Después de un tiempo de ensayos y actuaciones en el Golf Drout, empezaron a buscar un sello discográfico. Para finales de 1960, Claude Moine se convierte en Eddy Mitchell y su grupo Les Chaussettes Noires, su nombre era un tributo a Eddy Constantine y el grupo fue inspirado por un comercial de calcetines Stemm, marca que los patrocinó con un primer contrato.

Fueron un éxito instantáneo. En 1961, realizan seis singles y venden dos millones de discos, incluyendo 800.000 copias de “Daniela”. En marzo del 62, Mitchell es llamado al servicio militar, pero siempre encontró tiempo para seguir grabando y actuando con su grupo, al tiempo que el productor Jean Fernández ya tenía en mente la carrera en solitario de Eddy. Al finalizar su servicio militar, en agosto de 1963, estaba disponible para dedicarse de lleno a su prometedora carrera solista. En octubre viaja a Londres para grabar nuevo material con músicos ingleses (incluido un jovencísimo Jimmy Page). El resultado fue “Eddy In London”, un álbum con versiones de varios de sus héroes como Eddie Cochran, Elvis Presley, Gene Vincent y Bill Halley. En 1964 vuelve a grabar en Londres su segundo

álbum “Panorama”. Su tercer LP titulado “Toute la ville en parle, Eddy est en ville” sale ese mismo año y fue su primer material totalmente original, pues hasta el momento se había contentado con hacer versiones francesas de temas en inglés.

Después Eddy descubre el soul de James Brown y Otis Redding y cambia su dirección musical, en 1965 saca “Du rock ‘n’ roll au rhythm ‘n’ blues”. Aún se aferra sin embargo al movimiento yé yé, que cada vez va perdiendo notoriedad.

A fines de los sesenta logra su sueño de grabar en los USA y su carrera se orienta hacia el country. En los setenta su pasión por la música norteamericana le cuesta la pérdida de su gran éxito inicial, pero aún así consiguió distinguirse en la escena francesa gracias a varios discos muy elaborados y presentaciones en vivo impresionantes. Hoy es más que un superviviente, siendo toda una referencia en la historia del rock mundial.

El rubio Eddie Mitchell y sus Chaussettes Noires, son otro de los pilares fundamentales de la formación del rock and roll en Francia. Eddie Mitchel es una figura irremplazable que sigue brillando aún hoy.

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Las Chicas Ye-Yé Fabricadas para las masas

Sylvie Vartan era el prototipo de las chicas ye-yé, nacida en Bulgaria, emigró con su familia a Francia donde apenas adolescente conquistó todo un continente con sus temas más recordados “La más bella del Baile y “Si yo canto”.

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Se tiene por hecho que el movimiento ye-yé tuvo sus orígenes en el programa de radio francés “Salut les copains”, creado por Lucien Morisse y presentado por Daniel Philipacci, que se empezó a emitir en la emisora Europe 1 en 1959.

El programa resultó un éxito inmediato y una de sus secciones, “Le Chouchou de la Semaine” se convirtió en el punto de partida a una carrera exitosa para muchos ye-yés. Todas las canciones presentadas como “chouchous” iban directas a los primeros puestos en las listas. El fenómeno Salut les copains continuó con la publicación de una revista del mismo título, publicada por primera vez en Francia en 1962. Esta revista fue más tarde publicada también en Alema-

nia, España e Italia, con éxito similar. La emisión de radio era seguida por media Francia y la revista alcanzó una tirada de un millón de ejemplares mensuales. En la revista, las fotos de Jean Marie Périer ilustraban las últimas aventuras de Sylvie Vartan, Sheila y Françoise Hardy. Pronto, toda una serie de publicaciones la imitaron: Age Tendre, Bonjour Les Amis, Best, Formidable (RTL), Extra y Nous Les Garçons Et Les Filles. La nueva música francesa estaba en su mejor momento.

Había tanta demanda por esta música que sellos como Vogue, RCA o Philips comenzaron a fabricar en serie nuevos cantantes; para su repertorio, buscaban entre la vastísima producción Norteamericana y la adaptaban al contexto na-

El yé-yé es un estilo de música pop, popularizado en Francia y en España en la década de los 1960. Al principio, el origen de todo este fenómeno estaba claro: la nueva juventud francesa. Pero la moda empezó a saltar fonteras rápidamente y para 1962, el género se empezaba a diversificar tanto que, casi cualquier

cional. El proceso era sencillo y barato: seleccionaban unas cuantas canciones relacionadas con el rock and roll y el soul, se hacían versiones con buenos músicos de estudio franceses, se elegía a un chica (o un chico) con presencia atractiva y se realizaba una pequeña campaña publicitaria. Si había suerte, el disco vendía unos cuantos miles de copias y la artista volvía a grabar. Si no, se volvía a repetir el proceso con otra joven promesa. En Gran Bretaña y en otros países europeos se estaba haciendo lo mismo, e inclusive Australia, Nueva Zelanda y Japón se lanzaron a esta moda.

Las Chicas ye-yés en Francia El pop francés de 1958 a 1968 tuvo una identidad propia y dio lugar en Pa-

chica joven europea que cantase era considerada una “chica ye-yé”. Siempre había un productor artístico-manager a la sombra y las canciones estaban influenciadas por el soul, el pop y sobre todo por las girl groups (grupos de chicas) de Norteamérica, como The Ronettes, The Shirelles, The Shangri Las, etc...

rís a un joven, intenso e innovador movimiento cultural que giró en torno a la revista ‘Salut Les Copains’ y que abarcó música, cine y vida social. La música ye-yé supuso una novedad en muchos sentidos. Para empezar, fue el primer movimiento musical encabezado mayoritariamente por chicas: las jóvenes de la época se vieron reflejadas, por primera vez, en sus ídolos; las cantantes eran adolescentes como ellas, y las letras de las canciones hablaban de temas que les tocaban directamente. Esto supuso una renovación en la música europea (aunque tuvo también gran éxito en Canadá y en Japón; de hecho suele considerarse que la música yeyé forma parte del origen del Shibuya-kei (estilo de Shibuya), estilo musical surgido a finales de la década de los 80 y originario del distrito

Intérprete de suave voz y dotada compositora de inclinación sentimental, sofisticada y melancólica, Françoise Hardy es la gran diva en la historia del pop francés.

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Las Chicas Ye-Yé

Tres divas inolvidables, France Gall, Françoise Hardy y Sheila.

A parte de su carrera como modelo y actriz, Brigitte Bardot también incursionó en la música.

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del mismo nombre en el que se mezclan jazz, pop y electropop con una estética sesentera.

Las chicas ye-yés eran muy jóvenes (France Gall tenía sólo 14 años cuando grabó su primer disco) e inocentes; la mayoría de las canciones hablaban del primer amor como “Tous les garçons et les filles” de Françoise Hardy o “Un jour comme un autre” de Brigitte Bardot. Pero también tenían unas pequeñas dosis de sensualidad. Serge Gainsbourg denominaba a France Gall “la Lolita francesa”, y de hecho compuso para ella la canción “Les sucettes” (Las piruletas) como un medio para poner a prueba la ingenuidad de la cantante. Otra de las chicas ye-yés, Sylvie Vartan, alcanzó la fama tanto por su música como por su matrimonio con el rockero francés Johnny Halliday. Sin embargo, no supo evolucionar musicalmente y el fin de la época ye-yé supuso también para ella un declive progresivo en su carrera musical. Fue Françoise Hardy la que, desde que comenzó su carrera en el verano de 1962, se coló en las listas británicas, holandesas, alemanas e italianas. Y no deja

de ser curioso que así sucediera porque Françoise Hardy no se ajustaba al patrón de la chica yé - yé clásica, era otro tipo de artista más moderna, que componía sus propios temas. Pero el caso es que universalizó el género. A partir de ese momento, si una chica era europea, cantaba y estaba a la última moda, era una chica ye-yé de pleno derecho.

Además de las mencionadas, otras exponentes de la música ye-yé en Francia fueron Clothilde, Jane Birkin, Stella, Ria Bartok y Anna Karina. En 1969, el programa Salut Les Copains dejó de emitirse, la música pop empezó a ser tomada demasiado en serio y a perder su componente lúdico y, en fin, las cantantes evolucionaron o, simplemente, se retiraron.

Las ye-yés en Europa El movimiento ye-yé, aunque nacido en Francia, se expandió por toda Europa. En Italia, Mina representó a un nuevo tipo de ye-yé: componía sus propias canciones y tenía influencias del rock y del jazz. Por su parte, Rita Pavone representaba a la chica ye-yé tradicional, con

Las Chicas Ye-Yé su rostro aniñado y sus éxitos cargados de ingenuidad como “Che m’importa del mondo” o “Come te non c’è nessuno”.

En España, al principio la música ye-yé fue en cierto modo reprimida (se cuenta que en concierto de los Beatles en Madrid en 1967 multitud de chicas fueron amonestadas por la policía por “vestir provocativamente”), pero aun así alcanzó un gran éxito que duró incluso más que en el resto de los países, en 1968 Massiel ganó Eurovisión con “La, la, la”, compuesta por El Dúo Dinámico; Karina por su parte, con la canción “Me lo dijo Pérez”, gana el primer premio del II Festival Internacional de la Canción de Mallorca de 1965 y Mejor Cantante YeYé en 1966. Otras representates de la música yeyé en España fueron Marisol, Rosalía, Jeanette y Gelu.

Los chicos ye-yés Aunque el movimiento ye-yé estaba encabezado por chicas, también tuvo sus representantes masculinos; la ma-

Rita Pavone, la máxima representante italiana de las chicas ye-yé, logró llevar su simpatía y talento a casi todo el mundo.

yoría de las veces se trataba de chicos de aspecto romántico e inocente, como Jacques Dutronc, Richard Anthony, Michel Polnareff o el propio Johnny Halliday. Pero en cuanto a la música, los chicos no demostraban la actitud de dulzura en inocencia que caracterizaba a las chicas yeyés. En España el ye-yé masculino estuvo representado por grupos como Los Brincos, El Dúo Dinámico, Los Diablos o Fórmula V. Marisol empezó siendo niña en la música, al crecer se hizo estrella de cine. Karina era la chica y-yé española típica de finales de la décda y Gelu (María de los Ángeles Rodríguez), fue una de las primeras chicas ye-yé españolas de los años 60. Su mejor momento llegó en 1963 cuando grabó, junto a Los Mustang “El partido de fútbol”, traducción al castellano de la canción “La partita di pallone” de Rita Pavone.

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ROCK DEL LEJANO ORIENTE La explosión del rock and roll tuvo un rápido y masivo alcance, el lejano oriente (que incluía culturalmente al sudeste y este asiático), no fue la excepción. Los puertos libres de Singapur o Hong Kong eran lugares activos donde los viajeros y buques mercantes iban y venían, trayendo sus éxitos populares desde casa. Los soldados norteamericanos y británicos también trajeron su música a Vietnam y alrededores.

Malasia, Singapur y Hong Kong La escena local era un campo fértil, en Malasia y Singapur hubo una explosión de bandas instrumentales y cantantes. Algunos de los primeros grupos exitosos que cantaban en inglés fueron:

The Quests fueron el grupo de Singapur más exitoso de la década del 60 y comienzos del 70, su fama alcanzó casi todo el Sudeste asiático e influenció a cientos de bandas locales.

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Susan Lim & The Crescendos, Naomi & The Boys, Heather & The Thunderbirds, Shirley Nair & The Silver Strings, The Quests, The Jets y The Trailers.

En particular, The Quests se llevan un reconocimiento especial por ser la banda más prolífica y exitosa. Aunque no estuvieron a la altura de la locura beatlemaníaca, tuvieron también su Questmanía!... la era dorada de los grupos locales. La formación clásica de The Quests fue: Reggie Verghese (guitarra líder), Jap Chong (guitarra rítmica), Henry Chua (bajo) y Lim Wee Guan (batería). Raymond Leong fue el líder original, pero no llegó a grabar con el grupo. The Quests firmaron con EMI en 1964 y el lado A del simple “Shanty” una canción instrumental original del grupo rápidamente trepó al número 1 en Singapur y Hong Kong, “La perla del Oriente”, ciudad donde decidieron asentarse. Cuando el vocalista Keith Locke, británico descendiente de jamaiquinos, se une al grupo graban una hermosa versión de “Don’t Play That Song (You Lied)” que dejó una marca indeleble en la escena musical local. La fama y fortuna de la banda continuó creciendo y con “Roller Coaster Man” alcanzaron los charts de Malasia, Brunei, Thailandia y Singapur, llegando al pináculo de su carrera local que siguió por muchos años.

The Blue DIamonds fue el dueto, compuesto por Ruud (“Rudy”) y Riem de Wolff, representantes del Rock y del folklore Indonesio que en su momento fue designado con el nombre de Indo-Rock,

en la época en que todavía había reminiscencias de colonia holandesa. Cuando emigraron a Holanda, consiguieron colocar “Ramona”(1960), un tema que fue éxito en las listas de popularidad del mundo entero y el tema “Sukiyaki” (del cantante japonés Kyu Sakamoto) cantado en español los hizo conocidos en España y Latinoamérica. El éxito notable les llevo a efectuar actuaciones por toda Europa y parte de América y Oceanía en donde fueron considerados grandes figuras.

La popularización de sus canciones en inglés les abrió la puerta para interpretarlos en otros idiomas. En Español grabaron para Discos Phillips una serie de discos long play que inmediatamente les

colocaron en el gusto de la juventud hispanoparlante, llegando a mantener en las distintas radioemisoras de habla hispana diversas canciones que pronto se convirtieron en clasicas de la programación musical.Hacia 1965 Ruddy contrajo matrimonio con la destacada cantante mexicana Leda Moreno, pero tiempo después se separarían. En el mes de diciembre del año 2000, Ruddy murió a causa de un mal cardiaco. Riem se retiro por breve tiempo de los escenarios. Pero fue en el año 2001 cuando debido a la petición de sus fans retomo el rumbo efectuando actuaciones y grabaciones al lado de su hijo Steffen creando “Los Nuevos Diamonds”.

The Blue Diamonds se consagraron primero en su patria Indonesia, influenciados por el rock and roll y el twist occidental, emigraron a Holanda y desde allí mostraron al mundo su arte, alcanzaron el éxito en Europa, Norteamérica y Latinoamérica, a quienes cantaban en su idioma, ya sea holandés, alemán, inglés o castellano.

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Dara Puspita (Flower Girls), fue una de las bandas formadas enteramente por chicas que sabían rockear, más exitosas de Indonesia. Comenzaron como grupo vocal acompañante de varios otros artistas, hasta que se lanzan como grupo independiente hacia 1964.

A diferencia de cientos de farsantes, tocaban realmente sus instrumentos y escribían sus propias canciones.

La banda estaba liderada por las hermanas Titiek Adji Rachman (Titiek A.R.) en guitarra y Lies Soetisnowati Adji Rachman (Lies A.R.) en bajo; también estaban Susy Nander en batería y Ani Kusuma en guitarra rítmica. En abril de 1965, Lies deja la banda para terminar el colegio y es remplazada por Titiek Hamzah en el bajo. Cuando Lies regresa toma el lugar de Ani y con esa formación Dara Puspita se dispuso a conquistar el mundo. Lo-

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graron el status de superestrellas en su país y su éxito alcanzó a toda la región, incluídos Tailandia y Malasia.

El sonido de Dara Puspita, es realmente emocionante, tosco, con instrumentos tocados con fuerza y empleando altas dosis de fuzz y efectos de eco, verdaderas representantes del rock de garage. Aparece endulzado solo por las armonías vocales. El claro sonido de garage de Dara Puspita hubiera sido imposible de lograr si no hubieran sido “amateurs” con conocimientos muy básicos de ejcución. Estaban influenciadas por The Beatles y The Rolling Stones, y el movimiento de la British Invasion.

En 1967 graban su material “A Go Go” que contiene un cover del clásico de The Bee Gees, “To love somebody”, en la versión más underground y plagada de fuzz que se ha escuchado. En 1968 deciden irse a Europa una temporada y estuvieron de exitosa gira por Inglaterra, Holanda, Francia, bélgica, España y Alemania. Llegaron a tocar incluso en Turquía e Irán. Mientras estaban en Europa grabaron dos singles en la CBS y otro para Philips en Holanda. A finales de 1971 la banda retorna a Indonesia y después de algunos conciertos a lleno total se separan definitivamente.

The Fabulous Echoes, fueron una de las bandas más populares en Hong Kong, Singapur y Malasia a comienzos de los 60, con temas como “A Little Bit Of Soap,” “I Know,” “Dancing On The Moon,” y “The Wedding.” La formación clásica la integraban Tony Ruivivar (guitarra), Bert Sagum (voz, percusión), Terry Lucido (teclados), Stan Robertson (bajo), Danny Ruivivar (batería) y Cliff Foenander (voz líder). Gracias a su éxito consiguen un contrato para tocar en Las Vegas y son invitados al Show de Ed Sullivan. En 1968 cambian su nombre a Society of Seven y se mudan a Honolulu, Hawaii, donde permanecen tocando

hasta hoy, alternando con Las Vegas.

The Crescendos & Susan Lim fueron otro de los grandes grupos seguidores del rock y el twist, quienes eran el ingrediente infaltable en todas las fiestas y conciertos. El cuarteto de cantantes estaba compuesto por Susan Lim, John Chee, Raymond Ho (voces rítmicas) y Leslie Chia (voz líder) al mejor estilo de los Platters. The Crescendos firman con Philips (Phonogram) en 1962, en la infancia de la escena musical local, tenían la originalidad que nadie aún había alcanzado. Su primer disco “Mr. Twister”, sorpresivamente se agotó aún antes que la versión de Connie Francis. Esto convenció a los sellos internacionales acerca del potencial comercial de los

artistas locales. Siguieron grabando y cosechando éxitos hasta 1970.

Nancy Sit fue la teen idol más popular de los 60, conocida como la “Quinta Princesa” de la película adolescente “Las Siete Princesas Cantonesas” rodada en Hong Kong en 1965.

Luego a los 17 años consigue su primer protagónico en el musical “Bunny Girl” (1967) y solidificó su fama con “Teddy Girls” en 1969. Nancy fue una popular chica A-GoGo (Hala Hala en Oriente), realizando una cadena de exitosos covers de temas populares ingleses como “Hippy hippy shake”, “Love potion #9”. “Hang on sloopy”, “Day tripper”, “Wooly Bully”, “I’m a believer” y otros.

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Petrina FUNG en 1967, una de las Princesas Cantonesas de la canción adolescente.

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Fung Po Po (Petrina Fung o Bobo Fung) fue la Shirley Temple y la Brenda Lee de Hong Kong. También estuvo en la película musical “Las Siete Princesas Cantonesas”, donde ella fue la séptima.

A parte de su carrera en el cine fue también una gran cantante popular, interpretando éxitos occidentales en inglés y en chino, algunos de los más exitosos fueron: “Hanky panky”, “Hey Carrie Ann”, “I should have known better”, “San Francisco” y “My lonely heart”.

Rocky Teoh, nacido en Taiping, fue mejor conocido como el Elvis Presley de Malasia, imitando a la perfección el estilo y actos del Rey. Rocky Teoh & The Fabulous Falcons, tuvieron gran éxito en Malasia, Singapur y Tailandia desde 1965 a 1967. En 1965, Rocky realiza su primer EP exitoso, dedicado a su novia de infancia que luego fue su esposa. “Jacqueline” llega al número 1 en los charts radiales locales. La canción estaba basada en una tonada popular china “Yeh lai siang”. Otros temas memorables de Rocky fueron “Selina“ y “Thinking of you”.

Rocky también grabó con muchas otras bandas como The Voltaires (Jacqueline), The Castinos, The Mirages, Los Indians y otros. The Fabulous Falcons lo conformaban: Christopher Choong (guitarra líder), Thomas Ham

(guitarra ritmica), Tommy Ong (bajo) y Tony Lee (bateria).

China y Corea La escena pop en China también fue vibrante. Wong Ching Yian “el chico de oro” del pop y Maurice Patton & The Melodians pisaron fuerte; Maurice Patton & The Melodians influenciaron a toda una generación de musicos chinos y de otros países del Lejano Oriente. A parte de sus discos grabados en EMI, los Melodians actuaron de soporte para numerosos cantantes chinos. Maurice usaba el efecto de “eco” de una forma que practicamente creó un estilo beat chino copiado por muchos otros grupos.

La influencia ye-yé que venía de Malasia floreció también en la milenaria China.

Teddy Robin & The Playboys y numerosas bandas extranjeras hicieron base en Hong Kong (como The Fabulous Echoes) desde donde esparcían su rock and roll divertido y adolescente a toda Asia.

Sakura Teng fue otra de las chicas A GoGo que grabó muchos éxitos pop ingleses traducidos al mandarín. Su primer single con “Like I do” y “Sad movie” fue un hit instantáneo. Así como Rita Chao, otra cantante de estilo y fama similar, se hacía acompañar por el grupo top de Singapur The Quests. Conocida

The Melodians eran una banda profesional que servían de acompañamiento a varios cantantes solistas, pero también tuvieron gran éxito como grupo independiente con la voz del baterista Simon Junior y fueron la gran influencia de los grupos chinos venideros.

por su “yodeling” al cantar, Sakura Teng cantó una serie de inolvidables versiones en mandarín de temas como “If tomorrow never come (The shepherd boy)”, “Lemon tree”, “Stupid cupid”, “My bonnie”, “Boom, boom”, “I need you”, “Party feve”r y “Morningtown ride”. Junto a Rita Chao cantaron numerosos duetos y fueron conocidas como “La pareja de Pájaros Cantores de Asia”. Sakura llegó a grabar con The Surfers y su repertorio multilingue incluía el mandarín, cantonés, inglés, japonés y malayo.

Foo Soo Yin (Henry Fu), fue otro de los pioneros del rock en chino (mandarín) y uno de los ídolos pop de los 60.

También hacía temas instrumentales promocionales para la subsidiaria de la

EMI en China, tocando y produciendo para las “A Go Go Queens” como Rita Chao y Sakura Teng. Suyin hizo carrera propia y alcanzó gran popularidad como cantante acompañado de The Quests. Algunos de sus hits incluían “Ramona”, “Green Green Grass Of Home”, “Love At First Sight”, “Lady Jane”, “House Of The Rising Sun”, “Yesterday”, entre otros.

Corea del Sur, también siguió la corriente venida de China y sobre todo de Norteamérica. Luego de la guerra con el Norte, la presencia norteamericana fue una influencia muy fuerte en todas las áreas de la sociedad, incluyendo la música por supuesto. El rock llegó de

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LA ERA DEL ROCK

Shin Jung Hyun, el “Padrino del Rock Coreano”, virtuoso de la guitarra eléctrica, formó el legendario Add4 y alcanzó la fama, mas tarde se volcó al rock psicodélico y sus hijos y nietos siguen sus pasos dejando huella en el rock de ese país. En los circuitos de bares y clubes del ejército norteamericano en Corea le conocían como “The Kinetic Jackie and His Electric Guitar”, por su rapidez y contorsiones al mas puro estilo Hendrix.

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seguro con los discos de la soldadesca y ahí estaba Shin Jung-Hyun, “el padrino del rock coreano” para absorber todo el rock and roll que pudo. Empezó su carrera a mitad de los años cincuenta y pronto estuvo tocando para los soldados americanos que se quedaron impresionados con su estilo dándole la posibilidad de grabar discos. Su primer trabajo data de 1959 y está compuesto íntegramente por versiones de canciones tradicionales coreanas. En 1962 forma los Add 4, la primera banda de rock propiamente dicho, con un estilo similar a The Ventures. Más tarde se pasará a la onda sicodélica, siendo otra vez pionero en su patria, su cover de “In-A-GaddaDa-Vida” de los Iron Butterfly es un disco legendario.

Japón En junio de 1966, los Beatles visitan Japón para realizar una serie de conciertos en el legendario Budokan Hall de Tokio. Como en el año anterior con la visita de The Ventures, se creó una excitación nacional entre los adolescentes y de la noche a la mañana empiezan a formar grupos, tocando sus instrumentos y adoptando las modas y estilos.

Ciertamente la influencia de los Beatles y otros grupos ingleses ya llegaron antes de 1966 (había un grupo llamado The Tokyo Beatles, quienes grababan en japonés varias canciones de los Beatles desde 1964), pero la oportunidad de ver en vivo a sus ídolos fue la chispa que inició la explosión del rock en Japón.

Esta nueva ola fue llamada “Group Sounds”, pues a los japoneses les resultaba muy difícil pronunciar correctamente “rock and roll”. El nuevo término fue acuñado supuestamente en el programa de Yuzo Kayama en 1964; debido a que la nueva música se pronunciaba “Lock ‘n’ Lorr”, Kayama sugirió “Porqué no lo podemos llamar Group Sounds?” A partir de ahí los medios y los fans de todo el Japón comenzaron a usar el nuevo término. El primer disco de los Group Sounds (GS) fue “Furi, Furi” (“Sacúdete”), realizado por Crown Records en mayo de 1965,

por un reciente grupo de “rockabiri” llamado The Spiders. Luego en marzo de 1966, el grupo Jackey Kichikawa and the Blue Comets realizan “Aoi Hitomi” (“Ojos Azules”) para la CBS, disco que eventualmente alcanzó la venta de un millón de copias. Estos dos discos tuvieron un gigantesco impacto en la escena rockera japonesa, así como en la industria de la música. Los Blue Comets, son aún hoy uno de los tesoros nacionales del Japón, y continúan tocando ocasionalmente en shows televisivos. Comenzaron hacia 1963 como grupo instrumental, pero añadieron también a cantantes como Akira Fuse en su hit “Let’s Do the Swim”. Los rostros sonrientes, el toque del flautista/saxofonista Tadao Inoue y el guitarrista Tasunaki Mihara permanecen como recuerdo inborrable de la época dorada del NHK-TV. Gracias a su tema “Blue Chateau” fueron invitados al show de Ed Sullivan en los USA donde cosecharon gran aclamación con una versión mitad en inglés y mitad japonés.

The Spiders son conocidos también como pioneros de los Group Sounds, se formaron en 1961 de la mano del baterista Shochi Tanabe, quien llegó a trabajar como músico acompañante de varios grupos ingleses. En sus comienzos tocaban Country & Western, pero con

la adición del joven vocalista Jun Inoue, los Spiders comenzaron a tomar vuelo, gracias a su gran calidad musical. Para el año 1964, el grupo tenía, además de la batería, dos guitarristas, dos vocalistas (uno de ellos Masaaki Sakai, logró gran suceso en el cine y la TV) y un organista, adoptaron el estilo de las bandas británicas como The Animals, Beatles, Kinks y Rolling Stones, abriendo conciertos en tours de bandas como The Beach Boys, The Ventures, The Animals y The Astronauts. A partir de 1966 empiezan a sacar álbumes con composiciones propias y covers, entre las que destacan: “Chibi No Julie”, “Narebaii (Upside down)” y el hit “Nanntonaku Nantonaku”. En 1967, al más puro estilo Beatles/Monkeys, se

The Spiders fueron una de las tres mejores bandas de la era Group Sounds. Todos sus miembros aún siguen activos en el mundo del espectáculo.

The Blue Comets 453

LA ERA DEL ROCK

dedican por completo a filmes musicales como “WILD SCHEME-A-GO-GO”, y en 1968 “GO FORWARD”, “THE ROAD TO BALI” y “BIG COMMOTION”. Para 1969 sin embargo la carrera de los Spiders con los Group Sounds llega a su final.

Yuzo Kayama, es uno de los músicos y actores de cine y TV más populares del Japón, nacido en 1937, hijo de un famoso actor de los años 30 Ken Uehara, Yuzo se hizo una gran estrella en los 60 gracias a los filmes “Wakadaishô” y “Young Guy”. Como guitarrista, al mando de su grupo “The Launchers” (Osamu Kitajima, 2a. guitarra, Yuzo Watanabe, bajo y Ei Kitajima en batería), se inspiró en los Ventures y comenzó tocando surf rock con su toque personal y su querida guitarra Mosrite. Se paseaba por Osaka con su aire de surfista (incluida la tabla) aunque no estuviera cerca de la playa.

Dos de sus grandes éxitos instrumentales “Black Sand Beach” y “Yozora No Hoshi” fueron grabados por los propios Ventures, dejando en claro la calidad del artista nipón. Yuzo Kayma es también acreditado como el que acuñó el término “Group Sounds (GS)” en un show televisivo en 1964.

Como cantante es muy recordado en su patria por la balada “Kimi To Itsumademo” que salió en 1965 y vendió más de 3 millones de copias; además de otros grandes hits como “Boomerang Baby” (en inglés) y “Mafuya No Kaerimichi”. Sigue actuando a pesar de los años y recogiendo los aplausos como siempre.

Kyu Sakamoto (“Kyu chan”) fue otro cantante que tiene la distinción de ser el único artista japonés en haber alcanzado un éxito internacional con la canción “Ue o muite aruko” (conocida en occidente como “Sukiyaki”), aunque cantado 454

completamente en japonés, llega al número 1 de los Billboards en 1963. La canción es la historia de un chico con el corazón roto, aunque en la canción no se menciona en ningún momento al “sukiyaki”, se necesitaba de un término pronunciable en el occidente y asociado con el Japón.

Kyu viajó a los USA para presentarse en el famoso show televisivo de Steve Allen, donde presentó su tema y divirtió a la audiencia con su simpatía. En años posteriores, Kyu Sakamoto dedicó su vida a cuidar ancianos y minusválidos, alejándose de la música. Otra de sus recordadas canciones fue “Ashita ga Aru Sa” (”Siempre hay un mañana”), que fue elegida como tema principal de las Olimpiadas Especiales de Tokyo en 1964.

Emy Jackson, nació en Japón pero creció en Inglaterra, realizando el super exitoso “Crying in a storm” en 1966 con el que alcanzó la fama, en plena época de los Group Sounds. Le acompañaron en la grabación The Smashmen, quienes tocaban surf rock al estilo de The Ventures quienes fueron la gran influencia de los grupos japoneses. “Crying in a storm” tuvo tal éxito que fue versioneado por otras cantantes y grupos como la china Rita Chao y los tailandeses The Quests.

Previamente al surgimiento de los Group Sounds, los aspirantes a compositores debían firmar exclusivamente con compañías discográficas y sumirlos en agotadoras sesiones y prácticas con directores. Pero el escritor del éxito de los Blue Comets, Jun Hashimoto, era “freelance”, y con el éxito de su canción se rompieron las reglas establecidas en la industria musical japonesa. A partir de ahí, los grupos de GS comenzaron a desarrollar su propio estilo distintivo, caracterizado por disonantes melodías orientales y la tendencia de ir desde una suave balada a un enérgico pop, dejando de lado la mera imitación.

En 1967, bandas con nombres “mod” como the Spiders, the Tempters, the Carnabeats, the Jaguars, y the Tigers, hacían sus primeras grabaciones. Estos llegaron al tope de la popularidad con sus correspondientes escenas salvajes de histeria a semejanza de la beatlemanía. También hicieron filmes orientados al público adolescente, similares a las películas de rock británicas y norteamericanas. “Wild Scheme A-Go-Go (1967), “Go Forward!” (1968), “Big Commotion!

(1968) y “Hey You, Go! (1968), tenían sosos argumentos pero muy buenas can-

ciones. Los Spiders, incluso viajaron a los USA y Gran Bretaña para grabar y llegaron a actuar en el programa de TV británico “Ready, Steady, Go!”, pero aunque no logaron el éxito afuera, se hicieron de status en el Japón. Por el lado negativo, las bandas de GS eran muy controladas por sus productoras, una de las más grandes, Watanabe Productions, que tenía en su poder a The Tigers, utilizaba durísimas cláusulas y largísimos contratos.

A pesar del hecho de que los mayores éxitos de las GS eran suaves tonadas románticas, sin canciones de tono político o social, las generaciones mayores veían con malos ojos a estos grupos, especialmente cuando los jóvenes se escapaban de sus casas y colegios para asistir a los conciertos de sus ídolos y creando escandalosas escenas de histeria colectiva.

Durante 1967 y 1968, muchos colegios japoneses empezaron a expulsar a los alumnos que iban a los conciertos de los GS y las comunidades locales comenzaron a prohibir sus conciertos.

Para finales de 1967, la NHK (entidad de control de grabaciones) censuró a los “pelilargos” de las ondas radiales. En un

The Tempters

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LA ERA DEL ROCK

intento de congraciarse con la juventud, la NHK llegó a presentar al grupo Bluecomb como ejemplo de lo que debía ser una banda de GS, pelo corto, ropa conservadora, sin movimientos sugestivos, etc. Naturalmente, esto casi destruye la carrera del grupo, pues los jóvenes los consideraban traidores, llegando incluso a boicotear sus conciertos y discos.

A pesar de los esfuerzos del “establishment” de erradicar la “amenaza”, hacia 1969 ya existían en Japón más de 2.000 bandas de GS y la competencia de las disqueras se volvió incontenible, reduciendo la calidad musical en favor del comercio. Fue entonces cuando los fans comenzaron a abandonar a las GS en favor de grupos mas “hard”, influenciados por Hendrix y Led Zeppelin, quienes practicaban el llamado “New Rock” o de melosos cantantes-compositores muy de moda en los primeros setentas. Para 1971 la mayoría de los grupos de GS se habían separado y muchos ex miembros se dedicaron a la conducción de programas de variedades y actuaciones al más puro estilo de Las Vegas.

Bandas clave de Group Sounds

The Tigers fueron una de las bandas más grandes de la era “group sounds”, y fue el trampolín para la carrera del legendario entertainer Kenji Sawada.

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A parte de los ya mencionados anteriormente, hablaremos un poco de otras bandas no menos importantes de esta era dorada. The Tigers fueron la banda más popular de la era de los Group Sounds. El grupo incluyó al cantante y entertainer Kenji Sawada al cual el grupo le sirvió de trampolín a la fama cuando se dedicó a su carrera solista.

Anteriormente se llamaban The Funnies, actuaban en cafés de jazz (jazz kissa) de Kyoto pero no consiguieron nada hasta mudarse a Osaka; allí consiguieron su primer contrato en 1966 con la poderosa Watanabe Productions lo que les dió el empujón que necesitaban. En su primera aparición televisiva en 1967 cam-

bian definitivamente su nombre a The Tigers. El 24 de enero de 1971 dan su último concierto en el Budokan Hall y se separan. Después de esto, Sawada forma el primer Super Grupo de rock japonés, PYG en 1971.

The Golden Cups otra de las grandes bandas que estaban en la movida a fines de los 60. La banda que incluía al cantante Dave Hirao, al guitarrista Eddie Ban y al bajista Masayoshi “Mabo” Kabe, hacían un estilo bluesy un tanto diferente a otras bandas, consiguiendo varios exitosos singles, de los cuales el más notable es su versión de “Hey Joe” que apareció en varias recopilaciones y sigue cosechando admiradores entre jóvenes músicos aún hoy, lo que explica el éxito en 2005 de un filme documental sobre los Golden Cups.

The Mops fueron la banda representativa del sonido psicodélico y de garage japnés, activos desde finales de los 60 y principios de los 70. The Mops se formaron en 1966 por un grupo de compañeros de secundaria: Mikiharu Suzuki (batería), Taro Miyuki (guitarra), Masaru Hoshi (guitar), y Kaoru Murakami (bajo).

Comenzaron como grupo instrumental tipo The Ventures, pero cambiaron de estilo cuando entra como vocalista el hermano de Mikiharu, Hiromitsu Suzuki.

El grupo se inclinó hacia el rock psicodélico al estilo de grupos hippie de San Francisco como Jefferson Airplane e inspirados en The Animals. En noviembre de 1967 lanzan su primer single “Asamade Matenai” que entra en los Top 40.

En abril del 68 lanzan su primer álbum “Psychedelic Sound in Japan” con covers de Jefferson Airplane, The Animals y The Doors. No obtuvo gran éxito comercial, pero los medios de prensa le dedicaron mucha atención por ser el primer grupo psicodélico del Japón. En 1969 firman con Liberty/Toshiba/EMI y se embarcan hacia un sonido más blues rock, cosechando nuevos hits con “Gekko Kamen (Moonlight Mask)” y “Goiken Muyo (No Excuse)” ambos de 1971. Despupes de varios álbumes el grupo se separa en 1974. Después de la separación, Hoshi y Suzuki prosiguieron su carrera como arreglistas y productores musicales.

The Carnabeats es otro de los grupos más conocidos de esta era, conocidos incluso fuera de sus fronteras por sus excelentes versiones japonesas de hits de

grupos como The Zombies, The Who o The Loving Spoonful. El núcleo de la banda era el baterista Ai Takano que por entonces tenía apenas 16 años, y su amigo, el guitarrista Jiro Kitamura, con quien comenzaron a tocar a comienzos de 1967 en Yokohama.

Ambos no se decidían a unirse a ninuna banda profesional por lo que decidieron hacer la suya.

Kitamura llama a sus amigos, el guitarrista Hiroshi Koshikawa y el cantante Keichi Usui de Nagoya; se les une más tarde Tadao Oka en el bajo. Deciden llamarse primeramente “Robin Hood”, pero luego adoptaron el nombre de Carnabeats, inspirados en la famosa calle londinense Carnaby Street. El repertorio consistía mayormente en covers, pero en 1967 consiguen su primer gran hit en lengua japonesa con “Sukisa, Sukisa, Sukisa (I Love You)”, cover de The Zombies. El single consigue un masivo suceso que catapulta al grupo a la fama. Su siguiente simple “Koioshiyoyo Jenny” también consigue gran éxito. Le siguieron “Suteki Ni Sandy” que llegó a aparecer en recopilados extranjeros como “I Love You

Los Carnabeats sólo se mantuvieron vigentes unos dos años y su sonido quizás suene muy kitsch hoy en día, pero no cabe duda que fueron uno de los grupos más conocidos y exitosos, incluso fuera del Japón.

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LA ERA DEL ROCK

Sandy” y un original “Chu! Chu! Chu! (Kiss, Kiss, Kiss)” que era un tema sin muchas pretensiones pero de todos modos fue otro gran suceso para la banda.

Tras una seguidilla de éxitos vino el desbande y finalmente se separan en 1969 tras grabar un solo álbum. Después de ésto Takano se va a formar parte de The Golden Cups.

The Tempters se formaron en un suburbio de Tokyo en 1965 gracias a dos amigos del colegio, el guitarrista Toshio Tanaka y el bajista Takaku Noburo. Empiezan a ensayar e invitan a otro guitarrista amigo, Yoshiharu Matsuzaki, con quien consiguen actuar en pequeños clubes, versioneando a The Ventures.

En eso conocen al cantante Keizo Hagiwara, que luego adoptó el nombre artístico de Kennichi Hagiwara, conocido también con el sobrenombre de Shoken. Con un vocalista en la banda, expanden su estilo y modernizan su sonido, interpretando temas de los Rolling Stones. En 1967 firman con Spiduction (hoy Tanabe Agency), quienes manejaban a los Spiders. Ese año la alineación se completa con el baterista de 16 años

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Hiroshi Oguchi, con quien realizan su primer simple que fue todo un hit, “Wasureenu Kimi”/ “Kyo wo Ikiyo ( Let’s Live For Today)”. Su segundo simple “Kamisama Onegai”/ “Namida o Egaoni”, llega al puesto número 2 en las listas. Ambos temas fueron compuestos por Matsuzaki. Su primer número 1 lo consiguen con una balada a la cual no le tenían mucha fe: “Emerald - No Densetsu” (“Legend of the Emerald”), realizada en julio de 1968 se mantuvo en el primer puesto por dos semanas y se mantuvo en el Top 10 por otras 13 semanas, logrando ventas por más de un millón de copias. Ese año lanzan su primer LP, que también alcanza el éxito. En ese tiempo las bandas de Group Sounds estaban en la mira de los moralistas y eran considerados peligrosos. The Tempters intentan tranquilizar a las mamás con su tierna “Okaasan (Mi Mamá)”, pero cuyo lado B era un guiño a las hijas adolescentes “Himitsu no Aikotoba (Palabra Secreta)”. En 1969 graban dos álbumes más y un tercero lo realizan en diciembre en Memphis, EE.UU. Para diciembre de 1970 The Tempters dan el carpetazo y sus miembros se reparten entre varias agrupaciones. Sus dos miembros clave, Oguchi y Hagiwara son hoy actores de gran éxito.

The Jaguars estaban formados originalmente por Yukio Miya (batería), Hisayuki Okitu (1a. guitarra), Koichi Miyazaki (2a. guitarra), Sin Okamoto (voz), Yasuji Sato (teclados), Mikio Morida (bajo). Los Jaguars fueron también muy queridos. Su debut lo hacen con “Want You See Again (Kimi ni Aitai)”, el primero de varios éxitos movidos y pegadizos. También incursionaron en el cine, protagonizando su propia película, “Jaguars Tekizen Jyouriku” en 1968, una comedia inspirada en “Help!” de los Beatles. A pesar del éxito, el líder y baterista Miya sale del grupo por conflictos internos y forma un nuevo grupo lla-

mado New Jaguars quienes hacen unos pocos singles sin mucha relevancia. Para 1971 las GS ya habían pasado de moda y los Jaguars así como otros grupos pasaron a otra cosa.

ROCKIN’ ROMA A fines de los 50 y comienzos de los 60, Italia estaba dominada por las baladas románticas, il canto popolare, el rock suave y profusamente orquestado de Paul Anka, Neil Sedaka (que incluso tenían sus versiones traducidas al italiano) y estilos como el de los Teen Idols, quienes en su mayoría eran descendientes de italianos venidos a los EE.UU. Así estaban Little Tony, quien se había iniciado cantando para los turistas norteamericanos, grabó éxitos como “Princess” o “Rock per Judy” hacia 1961; en una línea más orquestada y divertida estaba Giorgio Gaber e la sua Rolling Crew, pero ambos no se pasaban de revoluciones.

Por esa época, reivindicando el sonido rockero italiano apareció el que sería el pionero de los cantantes-compositores de rock and roll, Piero Ciampi, quien se cambió luego a Piero Italiano en 1963.

Pero el primer genuíno “rocker italiano” fue Adriano Celentano quien se consagró en el primer festival de Rock & Roll que se realizó en Italia, precisamente en el Palazzo del Ghiaccio de Milano, en 1957. En 1958 grabó sus primeros temas, clásicos del Rock & Roll que interpretaba en un inglés muy particular: “The Stroll”, “Jailhouse Rock”, “Blueberry Hill”, “Tutti Frutti”. En 1959 comenzó a interpretar temas propios y de otros autores italianos: “I Ragazzi del Juke Box”, “Il Tuo Bacio é Come un Rock”, “Movimento di Rock”, “Blue Jeans Rock” y “Personality”.

Se presentó en 1961 en el Festival de San Remo, obteniendo el segundo puesto con “24.000 Baci”, que vendió más de un millón de copias. Otros éxitos de

ese año fueron “Non Esiste L’ Amor” y “Buona Sera Signorina”. En 1962 fundó “Clan Celentano”, su propio sello grabador, y protagonizó su primera película, “I Frenetici”. Durante toda la década sigue colocando sus temas entre los más vendidos: “Si è Spento il Sole”, “Grazie, Prego, Scusi”, “Peppermint Twist”, “A New Orleans”, “Stai Lontana Da Me”, “Il ragazzo della via Gluck”, “Una Notte Vicino al Mare”, “Ciao ragazzi”, “Sabato Triste”, “Azzurro”. Siguió su carrera como cantante y artista de cine y TV.

En Italia, los años del “Ye Ye” etaban dominados por cantantes al estilo de Paul Anka o Neil Sedaka, pero también tuvieron sus rockers como Adriano Celentano, quien aparece en esta postal de 1960.

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LA ERA DEL ROCK

KRAUT ROCK

Gerd Böttcher dejó la jardinería por el rock y se convirtió en uno de los primeros ídolos adolescentes alemanes.

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El rock and roll propiamente dicho vino directamente de los USA a la Alemania Federal, por influencia principalmente de los soldados de los ejércitos de ocupación luego de la Segunda Guerra Mundial. La popularidad de bandas como Bill Halley y Sus Cometas lograron impulsar la formación de varios cantantes y grupos similares, hoy casi olvidados si no desconocidos.

Entre los pioneros del rock and roll y twist alemán estaban Gerd Böttcher uno de los primeros “rockeros de secundaria”. Este profesional de la jardinería decidió tomar clases de canto, que alternaba con apariciones en una orquesta de baile de Berlín. El productor y director de orquesta de Werner Müller, le consiguió un contrato de grabación con Decca en 1960. Müller produjo con Böttcher hasta 1965 veintidós placas, incluyendo seis hits en los diez primeros lugares en el hit parade alemán. Sus primeras grabaciones fueron en su mayoría versiones en inglés de éxitos como Jambalaya, o “It’s now or Never” de Elvis.

Böttcher consigue su mayor éxito en 1962 con “Geld wie Heu”, versión de “Johnny Will” de Pat Boone, se colocó en el tope de las listas por 25 semanas.

A éste le siguió “Für Gabi tu ich alles” (número 4 y 23 semanas). En el otoño de 1967 fue la última vez que una de sus canciones lega a las listas. Grabaciones con otros sellos no tuvieron éxito, y a eso se sumó la adicción al alcohol y problemas fiscales. Aún así logró sobreponerse para regresar a mediados de los 80. El número total de su historial de

ventas ascendió a 8 millones de discos vendidos.

Quizás más famoso aún era Ted Herold, quien hacia 1958 se convirtió en el Rey del Rock e ídolo para toda una generación. Harald Walter Bernhard Schubring comenzó a interesarse por la música de Elvis, Chuck Berry, Bill Halley y Buddy Holly estando en la secundaria.

Allí convenció a un grupo de amigos para formar su primer banda. En 1958 consigue su primer contrato profesional con el sello Polydor y ese mismo año graba sus primeros dos singles, temas de Elvis en lengua alemana con el productor y director de orquesta Bert Kaempfert.

Fue también en los estudios de Polydor en Hamburgo que cambia su nombre a “Ted Herold”. Grabó numerosos temas y participó en 15 películas para adolescentes desde 1958 hasta 1965 obteniendo el favor del público adolescente. “Moonlight” es una canción de culto y su mayor éxito. La convocatoria del Ejército fue el

Peter Kraus obtuvo su primer éxito con “Tutti Frutti” en 1957 y tras 50 años de carrera todavía sigue dando batalla compitiendo con bandas mucho más jóvenes. Otra ídola del rock adolescente fue Conny Froboess quien apareció en dos películas super taquilleras al lado de Peter Kraus y los convirtió a ambos en LA pareja del pop alemán.

final de su carrera. Con la reactivación de rock and roll de los años 80 Ted Herold ha tenido más éxito que nunca y es garantía de gran espectáculo en cada una de sus presentaciones hasta hoy.

Otro de los ídolos incombustibles hasta nuestros dias es sin duda Peter Kraus, personaje que se encuentra en la conciencia colectiva alemana en un 90%.

Cantante y actor, Peter Kraus fue apodado “el Elvis alemán”. Hijo del director austriaco y artista de cabaret Fred Kraus ya había tomado lecciones de canto y actuación durante su años de escuela. Después de su primer single, “Tutti Frutti” (1957) de Little Richard, se convirtió en el primer rock star adolescente. Entre 1957 y 1964 tuvo muchos éxitos incluyendo “Susi Rock” (1957), “Sugar Baby” (1958) y “Tigre” (1959). Desde entonces, sigue haciendo giras y discos como “Rock ‘n Roll is Back” (2004) y “I Love Rock and Roll” (2007). Peter Kraus vendió más de 17 millones de discos hasta la fecha.

Otra de las estrellas alemanas de esa primera época del rock and roll, era Cor-

nelia Froboess, Conny para sus fans; cualquier similitud con la Connie Francis norteamericana no es pura coincidencia. “Die kleine Cornelia”, se convirtió en ídolo adolescente tras el éxito de “Diana” (de Paul Anka) que grabó en 1958 alcanzando el número 2 en los Hit Parades de Alemania Federal; más tarde se convertiría en una respetada actriz de cine, teatro y TV. Sus películas musicales con cantantes como Peter Alexander fueron satisfactorias. Pero sus comedias con Peter Kraus como “Wenn die Conny mit dem Peter” (1958) los convirtió en “la pareja soñada” del mundo musical alemán. Su “Conny und Peter machen Musik” (1960) fue el mayor éxito de taquilla de ese año. Se retiraría de la música hacia mediados de los 60 pero no del mundo artístico.

Pasando esa primera ola de rock, el rock alemán fue evolucionando rápidamente y produjo bandas innovadoras e influyentes en diversos géneros como el New Wave, Electrónica, Heavy Metal, Punk e Industrial.

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LA ERA DEL ROCK

DUTCH ROCK

El Indo-Rock es el género más conocido dentro del rock holandés, que floreció entre 1958 y 1963, y que fue introducido por inmigrantes de las ex colonias holandesas de Indonesia. Andy Tielman (Tielman Brothers), The Blue Diamonds y los Crazy Rockers, estaban en la punta. En esos días, docenas de singles fueron lanzados por las bandas de Indo-Rock con gran éxito en Holanda, Bélgica e incluso Alemania.

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En 1955 la escena rocanrolera de los USA emerge también en Holanda gracias a los discos que entraban por el puerto de Rotterdam, que es el más grande de Europa. Pero fue entre los años 1956 y 1957 cuando ocurrió la verdadera explosión; las Melody Sisters lanzan “Rock Around The Clock” de Bill Halley, las seguían Andy Field con “On The Beach Of Bali Bali / Oh Oh Marie”, De Jonkers & De Joffers con “Bellow’s Rock & roll”, The Bee Bee Sisters con “Rock And Roll Waltz / Dungaree Doll”, Cees de Lange con “Rock & Roll”, De Spelbrekers hicieron una versión en holandés de “Rock Around The Clock”, Eddy Christiani y su “Ik Fluit De Rock & Roll”, De Drie Kleine Kleuters con “Opa’s Rock And Roll”, Rudy Wairata & The Hawaiian Minstrels con “Rock And Roll And Breezes” y “Honolulu Rock-A Roll-A”.

En 1958 ocurrió un gran cambio en la escena rockera holandesa. Hasta entonces quienes hacían ese alocado y humoristico ritmo eran adultos y profesionales de la música, pero a partir de ese año, despertó la conciencia adolescente (como en todos los otros países), ellos tomaron la escena por asalto, rempla-

zando los “novelty” por el “Highschool Rock and Roll”. También se crearon tres corrientes en la escena local: el rock “blanco”, hecho por holandeses naturales (“nederrock”); el “blue/black” rock & roll, hecho por inmigrantes de las ex colonias holandesas de Indonesia, más conocido como “Indo Rock” y el más pequeño “Surirock” de los jóvenes provenientes de Surinam, cuyos mayores representantes fueon Max Woiski Jr., Marius Monkau y Los Crazy Rockers, formados en 1960, liderados por Prakasha Rampersad quien invitó al excelente y reconocido guitarrista Woody Bruning (por entonces de 16 años) llevando al grupo a un estatus internacional.

A The Tielman Brothers (indo rock) les corresponde el honor de ser los primeros holandeses en grabar un simple de rock and roll adolescente, “Rock Little Baby Of Mine / You’re Still The One” ambos temas propios, registrados en el sello Fernap Records de Bruselas en 1958.

A partir de 1959 le siguieron la manada: Peter Koelewijn & Zijn Rockets, Ria Valk (la “Elvis” holandesa), The Black Dynamites, Fred Franken & The Rocking Diamonds, Shirley Zwerus (la Connie Francis holandesa), The Fouryo’s (primer grupo vocal adolescente), Lydia & The Melody Strings, Pim Maas (el Elvis de Holanda) & De Presley Cats, Rein de Vries y muchos otros... Pero fueron pocos los que lograron verdaderos hits: Peter Koelewijn con “Kom Van Dat Dak Af” (el primer hit en idioma holandés) y Ria Valk en 1960 con “Hou Je Echt Nog Van Mij Rocking Billy?”. Lydia (Tuinenburg) tuvo un masivo suceso en 1959 con una canción country pero al estilo Indo, “Send Me The Pillow”.

Recién en 1960 la industria disquera holandesa (Philips, Decca, Fontana, Omega, Delta, CNR, Imperial) vio al rock and roll como negocio. Por esa época llegan los indonesios Blue Diamonds

arrasando con su hit “Ramona”, a ellos siguieron otra larga lista de rockers adolescentes como Harry Bliek, quien tuvo un éxito con un cover de Ricky Nelson “Hello Mary Lou”. A partir del 62 entran en escena los “Teen Idols” locales, Rob de Nijs (“Ritme Van De Regen”) y Johnny Lion. Mientras tanto muchos grupos se volcaban a tocar como los ingleses Shadows y Cliff Richard. Entre los más conocidos destacan René & The Alligators, The Jumping Jewels, Electric Johnny & The Skyrockets, Johnny & The Cellar Rockers y Willy & The Giants.

Lentamente la escena “beat” iría desplazando al primigenio rock and roll, trayendo los aires beatlemaniacos para renovarlo. Esto fue más patente entre los grupos “blancos” (nederrock) quienes se sentían más identificados con el nue-

vo estilo, no así los del “indo rock”. Esto duró hasta 1966, cuando el último disco de rock and roll fue registrado y la escena musical local cambiaba con la época.

EUROPA DEL ESTE

Algunos representantes de las corrientes rockeras en Holanda: The Fouryo’s, Peter Koelewijn, The Crazy Rockers, Lydia & The Melody Strings, Willy & The Giants y The Torero’s.

Durante la Guerra Fría, la Cortina de Hierro, impuesta por los soviéticos, no impidió que el rock and roll penetrara también en los países del este de Europa, y otra vez son los puertos comerciales y los marineros quienes ayudaron involuntariamente (o no) a este fenómeno. Quizás tardó un poco más en llegar y los gobiernos comunistas evitaban por todos los medios la influencia capitalista, pero los jóvenes no dejaron pasar la oportunidad de expresarse de la única forma que podían.

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Checoslovaquia y Hungria

los Olympic fueron la banda top en la Checoslovaquia comunista.

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Como en otros países, quienes primero se prendieron al rock and roll y twist eran las orquestas de jazz, que amenizaban los bailes con su nuevo ritmo, destacaron en Checoslovquia bandas como Karel Vlach and His Orchestra, Gustav Brom, Ladyslav Bezubka and His Orchestra, Josef Vobruba Orchestra y sobre todo la Slàva Kunst Dance Orchestra dirigida por Sláva Kunst celebrado director de orquesta checo y que junto a su grupo acompañó a muchos cantantes en los 60; lograron grabar numerosos discos en los más variados estilos musicales, incluyendo rock and roll y twist, cosechando gran suceso en su país y en otros de la Europa del Este.

El guitarrista Karel Duba destacó en la orquesta de Kunst y luego con su propio grupo como uno de los mejores instrumentistas de rock and roll de los 60.

En otro ámbito, los Olympic fueron la banda top en la Checoslovaquia comunista. Comenzaron como una banda

de rock and roll, pero a fines de los 60 se vuelcan al rock progresivo. Otros checoslovacos fueron The Matadors y The Flamengo Group.

Omega es una de las bandas de rock húngaras más exitosas. Formados en Budapest en 1962 por el trompetista y tecladista László Benks (“Laci”) y el guitarrista y cantante János Kóbor (“Mecky”).

Empezaron haciendo covers de bandas inglesas y norteamericanas y cambiaron varias veces de miembros. A partir de 1967 empiezan a crear sus propios temas y graban tres LP muy influenciados por los Beatles, pero con una mirada visionaria hacia el rock psicodélico y progresivo. Omega ha conseguido un gran éxito internacional a través de grabaciones en varios idiomas y de giras por Inglaterra y Alemania a finales de los 60 y principios de los 70. Su canción “Gyöngyhajú lány” (“Pearls In Her Hair”) de 1969, se convierte en un hit internacional y es versioneado en varias ocasiones, inclusive por los Scorpions en 1995. Siguieron tocando y grabaron 10 LP más hasta 1987. Después de varios años de inactividad vuelven a reunirse en 1994. Siguen saliendo de gira hasta hoy por toda Hungría, Eslovaquia, Alemania y Rumania.

Por su parte países más cerrados a las influencias occidentales como Yugoslavia o Rumania tenían menos movimien-

Omega en 1967, banda húngara de culto formada en 1962. Alcanzaron la fama internacional en 1969 gracias a una gira por Inglaterra y Alemania Federal.

to rockero, la música occidental se dirigía más hacia el jazz e incluso al tango, pero aún así destacaron los yugoslavos Siluete con una onda Rolling Stones, los rockeros Crveni Koralji, Bijele Strijele y el cantante Matt Collins. En Rumania la tendencia rockera arrancó gracias al filme británico “The Young Ones (1961)” protagonizada por Cliff Richard. surgieron algunos grupos como Uranus (1961), Cometele (Los Cometas, 1962) y Entuziastii (Los Entusiastas en 1963). Estos eran parte

de lo que hacían llamar “Grupos de Guitarras Eléctricas” (Formatii de Chitare Electrice) porque en esa época en Rumania (como en otros países del Este) era prohibido y hasta peligroso llamar a esa música “rock and roll”.

Polonia El primer grupo polaco, que se arriesgó a la propagación del rock se llamó simplemente Rhythm and Blues, fue fundado en 1959 por Bogusław Wyrobek (voz y líder) y el papel de “cortina” lo hacía Marek Zielinski, cantando al estilo folklórico. El 24 de marzo de 1959 en el club “RUDY Kot” en Gdansk, se realizó el primer concierto en Polonia, de una banda de rock and roll. No tenían repertorio propio, cantaban temas de Elvis Presley, Bill Haley, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Paul Anka y Tommy Steele. A pesar de la aceptación del público, su existencia fue muy breve. Las actividades del grupo sólo duraron 7 meses e incluyó 39 eventos. Pero nadie dudaba de que sería sólo el comienzo.

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En la Polonia comunista de los sesenta dos grupos se alzaron con la popularidad juvenil Czerwono Czarni (rojos y negros) y Niebisko Czarni (azules y negros), ambos lograron destacarse a pesar de la dura represión, ya que alternaban el twist con música folklórica.

Czerwono Czarni (Los Rojos Negros) siguió la tradición y el repertorio del grupo Rhythm and Blues, pero con un nombre diferente para no llamar la atención de las autoridades. Dejaron también de utilizar el término “rock’n’roll” y los sustituyeron por “Big Beat” (Mocne Uderzenie). El primer concierto, anunciado por Jacek Fedorowicz, fue celebrado el 23 de julio de 1960 en el estudiantil Club Costa “JMS” en Gdansk, pero luego las autoridades culturales de la ciudad se endurecieron y siguiendo las instrucciones del gobierno, prefirieron no dar permiso para conciertos de rock’n’roll.

Con todos los problemas, el grupo se disolvió, pero volvió a la carga en 1961 con gran éxito. El equipo ha cambiado con frecuencia de integrantes, y también

Otro grupo polaco que logró grabar era Dzikusy.

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cambió la naturaleza de su música, pero durante muchos años el Czerwono Czarni tuvo una enorme popularidad tocando en Polonia, Alemania, Grecia, Checoslovaquia, Canadá e incluso los USA. En Polonia durante los 60 sucedía algo realmente extraño, la escena musical existía, pero sin discos. Por ese entonces había una sola compañía disquera controlada por el estado, Polskie Nagrania, que lanzaba los poquísimos discos bajo el nombre de Pronit o Muza. Poco a poco se fue abriendo el panorama con la introducción del sello Veriton (también estatal) que lanzó discos para adolescentes entre 1964 y 1966, impulsando (sin quererlo) a bandas beat como Dzikusy y Chocholy.

Entre 1964-70, destacaron tres bandas de jóvenes “salvajes”. Uno de ellos actuaba bajo los auspicios del club HADES Empresas Municipales de Economía. Originalmente llamada Kawaliry, más tarde cambió su nombre por el de “Bach-elors luna”. El segundo grupo era Dzikusy (salvaje en polaco); El tercer equipo era más bluesero y se hacían llamar Blaszance. Otra de las grandes bandas polacas de los 60 fue Czerwone Gitary quienes dejaron su huella bien profunda en la juventud de su época.

Jerzy Kossela inició el grupo en 1965 en la ciudad portuaria de Gdansk (el mayor

puerto de Polonia). Esa ciudad, a diferencia del resto del país, estaba siempre abierta a absorver nuevas ideas, por culpa (cuando no) de los marineros que viajaban por el mundo trayendo discos occidentales y reportando lo que ocurría del otro lado de la Cortina de Hierro. La formación clásica de Czerwone Gitary estaba compuesta por Jerzy Kossela, Krzysztof Klenczon (voz y guitarra), Bernard Dornowski (voz y guitarra), Seweryn Krajewski (bajo) y Jerzy Skrzypczyk (batería).

Los dos últimos usaban nombres falsos porque en esa época aún estaban en el colegio y era prohibido que tocaran en una banda profesional. Juntos realizaron numerosos conciertos por toda la zona con el slogan “Somos los que tocamos y

cantamos más fuerte en toda Polonia” Su enorme popularidad le ayuda a que accedan al estudio para grabar un disco para las radios. En 1966 graban su primer EP (que era el formato estándard en Polonia en ese tiempo, los discos de 45 RPM eran mucho más raros que en occidente). El éxito fue tal que para finales de año ya tienen listo su primer LP, “To wlasnie my” lanzado en 1967. Su segundo album “2” logra vender 260.000 copias y la banda arrasa en todos los rankings y competencias. Su mayor influencia fueron desde luego los Beatles, en cuyo tren continuaron hasta la llegada de la psicodelia en 1969. A pesar del gran suceso alcanzado, Kossela deja la banda y lo mismo Klenczon se va en 1970 para formar Trzy Korony, un grupo mucho más hard.

La banda continuó pero se alejó bastante del rock para finalmente terminar definitivamente en 1979.

Otro destacado representante del beat polaco, originado en 1962 en Gdansk son los Niebiesko Czarni (Azules y Negros), compuesto por: Tadeusz Gluchowski (batería), Wojciech Korda (voz), Zbigniew Podgajny (teclados), Miroslaw Polarek (saxo tenor), Janusz Poplawski (guitarra), Krzysztof Potocki (bajo), Ada Rusowicz (voz) y Wieslaw Zakowicz (saxo alto). En su rica historia,

Maciej Kossowski uno de los mejores trompetistaa polacos y que militó en Czerwono-Czarni en 1966.

Más tarde emigró a los USA donde tocó en numerosas bandas de jazz

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el grupo también incluye el cultivo del blues y del rhythm and blues. Los intentos de explotar estos estilos empezaron tímidamente en diciembre de 1964, cuando registran “Blues” una pista instrumental para la radio. Luego graban “I Alamost Lost My Mind” (sic) y, en el año siguiente, la canción “Powiedzcie jej (Dilo)”. “Alarm” sale en 1967, que situó al grupo y al blues en un alto status en Polonia. El grupo se disolvió en junio de 1976 tras el final de una larga gira por la Unión Soviética.

En 1968 se hacía claro que Polonia necesitaba de un equipo capaz de salir de los límites y establecer contacto con el gran rock mundial, este equipo fue Breakout. Tadeusz Nalepa, talentoso compositor y músico, y Mira Kubasinska, de gran voz y experiencia, son los responsables y garantías de su éxito. El 27 de febrero 1968 se celebró en Varsovia, el debut oficial de la nueva formación y poco después consiguen realizar una gira por los Países Bajos, al lado de ban-

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das históricas como John Mayall, Frank Zappa, Jethro Thull, Blue Cheer, The Doors, Jefferson Airplane y Led Zeppelin. En noviembre del 68 tocan en Rotterdam y son elogiados por la prensa holandesa como superiores a los británicos Small Faces. Polonia hizo furor en un único gran esfuerzo que tenía letras originales, fuerza y expresión. Entre sus discos destaca el LP “Al otro lado del arco iris”, fue considerado “el álbum del año”. Tadeusz Nalepa también se ha ganado el título de “padre del blues polaco».

Alemania Oriental Después de la Segunda Guerra Mundial, muchas personas en el lado Este de Alemania (ocupada por los rusos), entraban a Berlín para conseguir discos de rock and roll de gente como Gene Vincent, Bill Haley, Jerry Lee Lewis y otros, pues sólo se conseguían en las grandes ciudades; aunque habían bandas locales no grababan discos y las tiendas orientales no poseían material “capitalista”.

Después de 1963, cuando el infame muro de Berlín fue levantado, los jóvenes alemanes orientales no tenían ya más posibilidad que escuchar las radios FM “ilegales” del occidente. El rock era prohibido, secreto e ilegal, pero la presión de la juventud y algunas instituciones fue demasiado para el gobierno, por lo que se autorizó a lanzar algunos sencillos de

los Beatles bajo el sello Amiga, más tarde se lanzó un LP de los Fab Four. Y vino lo inevitable, la “nueva juventud” empezó a formar bandas y se abrieron clubes con típicos nombres socialistas hacia 1965, llamaban a su música “Big Beat” para evitar el nombre que recordaba demasiado al capitalismo. Aparecieron las primeras bandas como Die Sputniks, Franke-Eco Quintet, Die Butlers, Theo Schumann y otros, que tocaban versiones alocadas de los Ventures o los Shadows, con una mezcla de tonadas folkloricas.

La banda más grande por aquellos días era sin dudas Die Sputniks, quienes lograron grabar algunos 45 RPM utilzando acompañamiento de voces conocidas en el ambiente. Die Sputniks cosechó muchos éxitos en la Alemania Oriental y se consideraron como “los Beatles de Oriente”. Grabaron también twist con Ruth Brandin en el sello Amiga, justo antes de la prohibición en la RDA, al tiempo en que esta banda totalmente inocua políticamente también fue prohibida.

Otro músico recordado fue Theo Schumann quien también consiguió sacar varios discos, instrumentales en un 60%, con la pomposa frase de “música bailable para las nuevas generaciones”. A finales de 1965, por causa de ciertos escándalos protagonizados por los Rolling Stones, el gobierno se endureció contra los boliches rockeros, se cerraron locales y se quitaron las licencias a los músicos semi-profesionales (si, licencias para

tocar), por lo que la escena Beat estaba practicamente muerta. Hasta Theo Schumann tuvo que amoldarse y seguir su carrera como un nuevo pop star (vigilado) de la República Democrática Americana, RDA; así uno de sus peores temas vocales, “Es war ein Lacheln vor Dir” fue seleccionado como single y llegó a ser un gran hit en 1966. Todas las grabaciones posteriores (1966-69) fueron controladas por una comisión de control artístico. Aún así tenían fuerte influencia del beat occidental. Thomas Natschinski, líder de los Team Four, fue uno de los héroes de aquella oscura época, su único álbum “Die Strasse”, fue lanzado con muchas dificultades, hasta

Los Sputniks de la RDA haciendo twist con la cantante Ruth Brandin.

Theo Schumann y su Combo hacían un divertido rock and roll que sacudía los boliches de moda, hasta que llegó la prohibición.

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Thomas Natschinski y su grupo, originalmente llamados Team Four, tuvieron que agachar la cabeza y aceptar las condiciones del gobierno, pero aún así fueron héroes del movimiento rockero en la alemania comunista.

que fue boicoteado por que se utilizaba la palabra americana “Team”. El grupo no se amilanó y volvió a lanzar el mismo álbum bajo el nombre de “Thomas Natschinski und seine Gruppe”, consiguiendo ser uno de los más vendidos de la RDA. El álbum incluye un par de temas sosos de folk (cantadas por una chica) en un estilo Beatle/Byrds, pero también incluye el excelente “Ich hab lhr ins Gesicht gesehn” (que también fue el primer single de los Team Four), el tema cuenta la historia de un muchacho enamorado pero no correspondido, pero de repente la chica se fija en él... lógicamente la canción se convierte en una especie de himno para la juventud. Las armonías vocales son excelentes y los sonidos “nuevos” de las guitarras eléctricas suenan como los Beau Brummels, ¡mucho jingle-jangle!. Después de este éxito el grupo cambió su sonido a un pop mas diluído para desaparecer.

Otro gran grupo fue The Satelliten from Gera. Un grupo de jóvenes, talentosos e inexpertos chicos que ganaron un concurso de aficionados y con ello la

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oportunidad de grabar dos canciones en los estudios de Amiga. ¡Y eso fue todo!

Hubo un 45 en el mercado, pero es sorprendente que un año más tarde estas dos pistas se encontraron en un dico de compilación Orquestal, que no sería gran cosa si no fuera por la canción “Unheimliche Nacht” (“Scary Night”). Un increíblemente rápido ritmo de surf penetrado por un agresivo saxo. Probablemente no se les permitió grabar más, ya que podría haber sido demasiado bueno. De todos modos, en aquellos días después de 1965, las buenas bandas se convirtió en cosas raras, debido a las estrictas leyes, y que casi sumerge a la juventud de la RDA en un pop flojo y un falso sentimentalismo. Gracias a Dios que tienen sus vecinos dentro del telón de acero...

El vecino comunista que tenía menos presión sobre sus artistas en los años 60, eran los checoslovacos The Matadors o The Olympics. Aunque la censura era completa en la RDA a finales de los años 60, sorprendentemente muchas bandas del vecino país tienen permisos para realizar conciertos en Alemania oriental.

Solían tocar en la RDA y se les permitía cantar en Inglés, también (¡aunque a veces no se entendía una palabra!).

Tras la apertura de las fronteras en 1989, algo realmente increíble sucedió: Todo el mundo quería deshacerse de su colección de discos locales, sólo los productos occidentales eran “buenos.”

Tal vez cientos de miles de viejos 45 de Amiga y Lps simplemente se tiraron.

Dos años más tarde, coleccionistas alemanes descubren la era “Big Beat”. A principios de los años 90, BMG adquirió la totalidad del repertorio del sello Amiga, incluyendo sus programas de radio inéditos. El primer CD fue lanzado a principios de 1993 por BMG, y de repente las viejas canciones de mediados de los años 60 fueron revalorizadas. Los Sputniks incluso se reformaron y registraron

un nuevo sencillo. También realizaron un par de conciertos y siguen en carrera.

Unión Soviética, folk y beat El Rock and roll llegó a la Unión Soviética después de el Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes realizado en 1957, pero pronto el Estado se dio cuenta de su “peligrosidad”. En la década de 1960 la música rock era subterránea, quedando una pequeña porción de pudientes que estableció contacto personal con el Occidente y tuvo la oportunidad de obtener un registro del rythm & blues y del beat británico, principalmente las de los Beatles y los Rolling Stones. Pero antes de eso, la música en la Unión Soviética estaba dividida en dos grupos: La música publicada por el sello Melodya y otros menores; y el segundo grupo lo componían los “bardos”, músicos y compositores folk underground.

Estos bardos folkies como Vladimir Vysotsky y Bulat Okudzhava crearon un estilo que se llamó “avtorskaya pesnya” (canciones de autor), mucha de ella solo acompañada por una guitarra y caracterizada por un acento fuerte y líricas frecuentemente subversivas e inteligentes, que tomaba por sorpresa al gobierno y ganaba masiva popularidad.

Mientras tanto el sello Melodya sacaba a la luz alguna de la música beat occidental. Así, a mediados de los años 60 aparecieron las primeras bandas beat de Rusia como Slavyane, Stranniki, Mify y Skomorokhi en Moscú; Avangard y Lesnye Bratya en San Petersburgo; y Pesnyary en Minsk. Para obtener un estado legítimo y el acceso a público en general los primeros grupos de rock se disfrazaban como “Artistas Soviéticos de Variedades”, de esta manera llegó a existir decenas de conjuntos vocales e instrumentales, Vesyelye Rebyata, Poyushchie Gitary y el conjunto semi-folklórico

Pesnyary. Al mismo tiempo, la música rock se expandía, a través de intercambios culturales por el mundo socialista.

A finales del decenio de 1960 el amor de juventud soviética por el beat Inglés y la música americana se convirtió en epidemia. En los colegios y universidades de las grandes ciudades existió un boom de grupos de rock de aficionados que tocaban las canciones de sus ídolos británicos, grupos americanos y europeos (por ejemplo, el super popular hit “Venus” del grupo de rock belga Shocking Blue).

El primer festival propiamente de rock en este país se celebró en 1971 en la ciudad de Gorki (Nizhni Novgorod). Tuvo especial éxito Alexander Gradsky con su grupo Skomorokhi de Moscú y Ariel de Chelyabinsk. Estuvo también representada la variedad oficial soviética de rock en su etapa más superficial, como Chyorny Kot, Koroleva Krasoty, y otros.)

La evolución continuó restringida hasta la llegada de la Perestroika en los 80 cuando el rock ruso empieza a salir de sus escondites para alcanzar la libertad tan esperada, pero esa ya es otra historia.

Vladimir Vysotsky fue uno de los “bardos” folkies más queridos de la ex Unión Soviética, sus canciones de protesta con letras inteligentes y atrevidas tomaba por sorpresa a las autoridades y cosechaba cientos de seguidores.

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