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QUINTA PARTE
CAPITULO 16
El Rock se endurece Las raíces del Hard Rock y del Heavy Metal
Un género muchas veces sub-valorado, y en algunos casos, deliberadamente olvidado, como si el rock duro no hubiese existido, como si hubiese salido de la nada. El rock pesado no es un fenómeno aislado de los 80, pues sus orígenes se remontan hacia finales de los 60, cuando un puñado de grupos, cansados de los suaves sonidos del folk-rock, la exagerada psicodelia y del pop meloso, deciden endurecer sus guitarras y su actitud. El cambio fue paulatino, partiendo del blues eléctrico, primero en Inglaterra y poco después en los USA. Cuando Eric Clapton se alejó del blues progresivo de Cream, la posta pesada la tomaron los Yardbirds, con Jeff Beck y luego con Jimmy Page, los experimentos de éste último al final lo llevaron a formar el monstruo sagrado del Heavy Metal, Led Zeppelin. También Jimmi Hendrix con sus distorsiones y los Ten Years Af-
ter con su durísimo rock and roll jugaron un importante papel. En los Estados Unidos, desde los Angeles, Detroit y San Francisco, grupos como Blue Cheer, Iron Butterfly, Vanilla Fudge y Steppenwolf, con sus guitarras distorsionadas, órganos lacerados y baterías rapidísimas, dejaron su sello; cuando Grand Funk Railroad debutaba ante 100.000 jóvenes gritones en el Atlanta Pop Festival de 1969, para delicia de sus seguidores y el enojo de la crítica, ya había nacido un género. Al mismo tiempo otra vez en Inglaterra, surgen los otras dos patas donde se apoya el actual Heavy Metal, Black Sabbath y Deep Purple. Todos estos sentaron las bases de un movimiento musical nuevo, joven, violento, descarado, diferente... y como todo lo diferente, asusta, hace levantar la guardia a los pacatos que ven reflejados así todos los males de la sociedad. 613
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JEFF BECK Tan innovativo como Jimmy Page, de buen gusto como Eric Clapton y visionario como Hendrix, Jeff Beck nunca alcanzó el éxito comercial de sus contemporáneos, primeramente por causa de varios descuidos que cometió durante su carrera. Por ejemplo, rechazar la propuesta de aparecer en el festival de
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Woodstock, que fue plataforma de lanzamiento para muchos artistas. Después, Rod Stewart dejó el Jeff Beck Group en 1971, Beck nunca más trabajó con ese carismático cantante que pudo haberle ayudado a llevar su música a un público más amplio. Además, Beck era demasiado cambiante, se movía del hard-rock al jazz fusión en un abrir y cerrar de ojos. En los años 90, cuando su carrera volvía a surgir, estaba más interesado en los autos que en las guitarras, realizando un sólo álbum en esa década. Aún así, Jeff Beck sigue manteniendo el respeto de sus colegas guitarristas. Jeff Beck comienza su carrera musical después de un breve periodo en el London’s Wimbledon Art College, toca en pequeñas bandas como los Deltones y los Tridents, pero gana reputación al ingresar a los Yardbirds para remplazar en la guitarra a Eric Clapton. Beck se quedó con los Yardbirds por cerca de dos años, dejándolos a fines de 1966 con la pretensión de retirarse de la música. Varios meses después regresa para realizar el single “Love Is Blue” donde toca pobremente, porque realmente odiaba la canción. Después en marzo de 1967, luego del hit “Hi Ho Silver Lining” forma el Jeff Beck Group con Rod Stewart como vocalista, Ron Wood al bajo y Aynsley Dunbar en batería, remplazado poco después por Mickey Waller; el tecladista Nicky Hopkins se unió al grupo a comienzos de 1968. El grupo comenzó haciendo una dura versión de blues, haciendo duelos vocales y guitarreros, estableciendo un esquema para el futuro heavy metal. Debutan en abril del 67 en el Marquee Club, atrayendo gran cantidad de seguidores. Poco después realizan la obligada gira por los Estados Unidos, presentandose en televisión y en entrevistas personales, cosechando nuevos fans, especialmente con la aparición del sinle “Barabajagal” compuesta y cantada por Donovan.
Jeff Beck Group, con Aynsley Dumbar, Rod Stewart, Ronnie Wood y Jeff Beck, hacia 1967.
Ninguno de los álbumes de la banda, “Truth” (1968) o “Beck-Ola” (1969, grabado con el nuevo baterista Tony Newman), fueron particularmente exitosos, y la banda tendía a pelearse regularmente, especialmente en sus frecuentes giras por los USA. En 1970, Stewart y Wood se van para unirse a los Faces y Beck deshace el grupo. Beck intentó formar un potente trío con los ex-miembros de Vanilla Fudge, Carmine Appice (batería) y Tim Bogert (bajo), pero sus planes se truncaron cuando sufre un serio accidente automovilístico en 1970. Para el tiempo en que Beck ya estaba recuperado, Bogert y Appice estaban tocando en Cactus, así que el guitarrista forma un nuevo Jeff Beck Group. Presentando al tecladista Max Middleton, el baterista Cozy powell, el bajista Clive Chaman y el vocalista Bobby Tench, la nueva banda graba “Rough and Ready” (1971) y “Jeff Beck Group” (1972). Esta vez tampoco atrajeron mucha atención. Cactus se disolvió a finales de 1972, y Beck, Bogert y Appice forman finalmente el trío al año siguiente. La química se revelo intensa e inmediata, generando ensayos inspiradores, ideas para composiciones y shows antológicos. Lanzado en abril de 1973, el ál-
bum titulado con sus nombres, alcanzó ventas significativas en Inglaterra, Estados Unidos y Japón, empujado por el exitoso single “Superstition”, versión compuesta por Steve Wonder. Todavía en 1973 el trío lanzaría un disco en vivo grabado en Japón, otro clásico innegable, aunque muchos críticos lo menospreciaron. Cuando comenzaban los preparativos para su segundo álbum de estudio, los planes fueron abortados por la decisión de Jeff Beck de comenzar su carrera solista.
El álbum de estudio “Beck, Bogert & Appice” es un disco magnífico y obligatorio; el resultado de la unión de tres músicos únicos, leyendas y referencias en sus instrumentos.
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Durante 18 meses, Beck permaneció en silencio, re-emergiendo en 1975 con “Blow by Blow”. Producido por George Martin, el álbum era totalmente instrumental, tendiendo al jazz-fusión, alcanzando buenas críticas y numerosas entrevistas. Beck prosigue su carrera colaborando con Jan Hammer, extecladista de Mahavishnu Orchestra, para su “Wired” de 1976, y también tocaron juntos en una gira que fue documentada en el álbum de 616
1977, “Jeff Beck With the Jan Hammer Group Live”. Después de la experiencia con Hammer, Beck se vuelve a retirar a su casa en las afueras de Londres por tres años. Retorna en 1980 con “There and Back”, donde también colabora Hammer. Luego de realizarse la gira promocional de este nuevo trabajo, Beck se retira otra vez, retornando cinco años después con “Flash” producido por por Nile Rodgers. “Flash” es un álbum de pop-rock grabado con una variedad de vocalistas, y contiene dos únicos singles exitosos, “People Get Ready”, cantado por Rod Stewart y “Escape” que gana el Grammy por mejor pieza de rock instrumental. Durante 1987, Beck toca la guitarra en el segundo álbum solista de Mick Jagger, “Primitive Cool”. Otra vez hubo una larga espera entre “Flash” y “Guitar Shop” que salió en 1989, con la participación de Terry Bozzio y Tony Hymas. Aunque el álbum se vendió moderadamente, fue bien recibido por la crítica y también gana un Grammy por mejor álbum de rock instrumental. Beck acompañó al álbum con una intensa gira, acompañado por el guitarrista Stevie Ray Vaughan. Nuevamente, Beck se retira al completar la gira. En 1991 realiza junto a los Big Town Playboys, “Crazy Legs”, un tributo a Gene Vincent y a su guitarrista Cliff Gallup, pleno del más puro y clásico rock and roll de los 50. En 1992, Beck toca para el álbum de regreso de Roger Waters, “Amused to Death”. Tras otro período de silencio retorna con “Who Else!” en 1999 y “You Had It Coming” dos años después. Aún con su errático comportamiento y sus espaciados y poco comerciales trabajos, Jeff Beck sigue siendo una figura prominente del rock, especialmente venerado por una gran cantidad de guitarristas heavy.
CACTUS Cactus es una mítica banda de hardrock estadounidense que se concibió a finales de 1969 como un supergrupo compuesto por el bajista Tim Bogert y el baterista Carmine Appice del grupo Vanila Fudge, ambos se unirían con el guitarrista Jeff Beck y el cantante Rod Stewart. Sin embargo, Beck, quien era muy aficionado a tocar con Appice y Bogert, tuvo un accidente automovilístico y Stewart decidió unirse a Ron Wood en el grupo Faces. Por lo tanto Appice y Bogert buscaron nuevos miembros y reclutaron al guitarrista de blues Jim McCarty que tocaba en Mitch Ryder’s Detroit Wheels and The Buddy Miles Express, y el cantante Rusty Day (Russell Edward Davidson) de los Amboy Dukes, así se completó la primera y definitiva alineación de la banda. Rápidamente grabaron y lanzaron su álbum debut titulado simplemente “Cactus” que incluía una versión al rojo vivo del clásico blues de Mose Allison “Parchment Farm”, así como el “You cant judge a book” de Wilie Dixon donde demostraron un guitarreo demoledor. Cactus salió a la carretera en apoyo del álbum y pronto se hizo evidente que era una banda en directo, donde la genial sección rítmica de Appice y Bogert eran el perfecto trampolín para la dura guitarra blues-rock de McCarty y los gemidos de Rusty Day. Después de su primera gira corrieron rumores entre las filas de la élite del rock de “no siguan a esta banda en el escenario”, incluso los poderosos Led Zeppelin fueron muy prudentes a la hora de tocar en el mismo concierto con Cactus. El segundo álbum “One Way... Or Another”, capitalizó el éxito del álbum debut de la gira, pero implacablemente ya habían problemas en el seno de Cactus, principalmente debido a los egos fuera de control y el excesivo uso de drogas. A pe-
sar de ello y la falta de éxito del álbum en los charts, produjo varios notables temas incluido el que da título al álbum. Es interesante notar que el ingeniero de grabación de este álbum, así como el siguiente fue Eddie Kramer (quien trabajó con Hendrix y Led Zeppelin entre otros). El tercer álbum de la banda “Restrictions”, se realizó 8 meses después y fue el último clavo en el ataúd de la alineación original, pues el virtuoso guitarrista Jim McCarty deja la banda poco después. Casi al tiempo fue despedido Rusty Day del grupo. Para el cuarto y último álbum de Cactus “Ot ‘N’ Sweaty”, Werner Fritzschings se unió a la guitarra, Duane Hitchings en teclados y Peter French en voz. Pero la banda se desintegró al poco tiempo. Después de la disolución de Cactus en 1972, Bogert y Appice se unieron para formar con Jeff Beck, la superbanda Beck, Bogert y Appice. Después de un álbum de estudio (el auto titulado Beck, Bogert y Appice) y un álbum en directo (“Live In Japan”, publicado sólo en Japón) el grupo también se disolvió. La banda Cactus intentó ser reflotada en varias ocasiones sin los miembros originales, salvo la que intentó Rusty Day a finales de los 70, pero ninguna funcionó, Rusty falleció en un oscuro
El primer álbum de Cactus, contiene uno de los momentos más geniales del Hard-Rock y es un preludio también del Rock Progresivo venidero.
Elevados como los “Led Zeppelin Americanos”, Cactus fue el primer supergrupo de los USA, formados en 1970 por Tim Bogert, Carmine Appice, Rusty Day y Jim McCarty. 617
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Cactus contó con los miembros originales Appice, Bogert y McCarty, y además como vocalista se unió Jimmy Kunes y en armónica Randy Pratt. El grupo también lanzó un nuevo álbum, “Cactus V”.
BLUE CHEER incidente con estupefacientes en 1982. Después de un largo paréntesis, Cactus reapareció en junio de 2006 con dos presentaciones en la ciudad de Nueva York: una aparición en la radio FM Free 92.3, y su primer show desde 1972 en el BB King’s Blues Club en Times Square. Este espectáculo fue un calentamiento para el concierto que provocó la reunión, una aparición en el Rock Festival en Suecia. La versión de 2006 de
Blue Cheer inventó el estilo americano para el Heavy Metal, que nació de las profundas estructuras del blues eléctrico a un potente volumen. 618
El poderoso sonido de Blue Cheer se originó en San Francisco en 1967, cuando los grandes conciertos exigían que el sonido sea más fuerte y se centraban en sólo tres instrumentos, la guitarra, el bajo y la batería, haciéndole sombra a todos los otros. Ese año, Blue Cheer decide convertirse en un trio, clásico y potente: Leigh Stephens en guitarra, maestro de la distorsión; Dickie Peterson en bajo y voz (ex integrante del Group B, con quienes llegó a grabar dos singles y a tocar
en el Fillmore) y Paul Whaley en batería. El trío transfirió al vinilo las pesadas ondas del blues eléctrico que dominaban Cream y la Jimmy Hendrix Experience, amplificado a increíble volumen. Su primer álbum, “Vincebus Ereptum”, salido en enero de 1968, era una erupción de fortísimo rock and roll y blues, contenía también su primer hit, un cover de Eddie Cochran “Summertime Blues”, trabajado en la herrería del trío, llevando el volumen al extremo en el que nadie había llegado antes. “Out of Focus”,”Doctor Please” y “Second Time Around”, todos temas originales de Dickie Peterson tenían la rabia y violencia suficiente para sostener la revolución metálica que se venía y para competir con la ola de tríos británicos. A pesar de las críticas, “Vincebus Eruptum” trepó a la posición número 11 en los charts de USA. Sus actuaciones en vivo son aún recordadas como demasiado escandalosas para la época, en términos de volumen sonoro; era impresionante como un trío de pequeños pelilargos podía hacer tamaño escándalo con su muro de altoparlantes. Aunque los Blue Cheer eran hijos de la escena “anti-establishment” y pacifista de San Francisco, nunca cedieron ante el flower power. Tampoco fueron queridos por la crítica de su tiempo, inclinados hacia lo que era más popular como Jefferson Airplane, Quicksilver o Grateful Dead. Muchos de los discos de Blue Cheer ni siquiera fueron tenidos en cuenta excepto el primero; el empresario Bill Graham llegó a cancelar sus conciertos y ni siquiera Hendrix, uno de los que más influenció en el grupo, nunca tuvo una opinión positiva de su estilo. El segundo álbum “Outside Inside” (Phillips 1968) cuenta con la participación del tecladista Ralph ‘Burns’ Kellogg, otro fanático del blues eléctrico, aporta al álbum unos toques psicodélicos que
pronto son cubiertos por la distorsionada guitarra de Leigh Stephens. En el álbum aparece el tema “Come and Get In” que es probablemente el primer ejemplo del Speed Metal de la historia del rock. La violencia generada en cada presentación hizo mella en el grupo y causó la salida de Stephens, quien más tarde confesó que se estaba volviendo loco, nadie podía parar esa reacción en cadena totalmente fuera de control. Hacia agosto de 1968, el lugar de Leigh Stephens fue tomado por el formidable Randy Holden, quien no estuvo mucho tiempo en Blue Cheer. Por alguna razón sólo tocó en la mitad de los temas para el tercer álbum del grupo, su disco más “intelectual” con el título “New! Improved!” que salió en marzo de 1969. El disco, un poco mas “tranquilo” que los anteriores ofrece varios de los pasajes más irresistibles de la historia del grupo, en especial en temas como “Peace of Mind” y “Fruit & Iceburgs”. Además se incluía hermosas baladas modernistas que quedaron como ejemplos para del género. Holden fue remplazado por Bruce Stephens (no estaba relacionado con Leigh) a comienzos
“Comenzábamos un violento y escalofriante viaje, cada uno de nuestros conciertos terminaba con la total destrucción de los instrumentos que era recibido con entusiasmo por el público, este era el momento más peligroso también. La gente se envolvía también en la misma violencia... A veces paraba de tocar y pensaba ¡Cristo, qué está pasando!”. – Leigh Stephens
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de 1969, también ingresó el tecladista Ralph Kelloggs, los dos ex-integrantes del grupo Mint Tatoo. Poco después de publicarse “New Improved!”, el baterista Paul Whaley también sale del grupo, y presumiblemente presionados por el showbusiness, el baterista profesional Norman Mayell ingresa al grupo. Dickie Peterson era al único miembro original que quedaba. La verdadera prueba para la nueva alineación vino con el cuarto álbum, “Blue Cheer”, realizado a finales del 69 por la Phillips. El grupo se volvió más comercial, perdiendo bastante de lo que los caracterizaba pocos años atras, pero su nuevo estilo llamó la atención de los puristas del West Coast con su rock más profesional y los toques progresivos del órgano de Kelloggs. En 1970 vuelven a las giras masivas, pero Bruce Stephens sale de la banda para formar Pilot, siendo remplazado por el guitarrista Gary Yoder, un experto músico y compositor. Del cual dependería en adelante el éxito de la banda. Alternando conciertos con trabajos en estudio, la nueva alineación graba el quinto álbum, “The Original Human Being” (Philips 1970), el cual muchos críticos conside-
BLUE CHEER son los legendarios héroes de culto de toda clase de rock and roll, la banda ayudó al desarrollo del Heavy Metal en los Estados Unidos. Empezaron en 1968 y todavía dan maza con un nuevo álbum salido en 2006, “The Beast is Back”. 620
ran como el mejor trabajo de Blue Cheer. En abril de 1971 el sexto álbum, “Oh! Pleasant Hope”, realizado por Phillips, es el disco más romántico, abundante en temas acústicos y de tono “hippy”, un estilo entre Grateful Dead y The Band. El tema que da nombre al disco,”Oh! Pleasant Hope” es una espléndida balada melancólica, conteniendo evocativas armonías vocales como, “I’m the Light”, “Hiway Man” y “Believer”. A pesar del excelente trabajo, las listas de éxito parecen muy lejanas para el grupo, por lo que los miembros deciden irse cada cual por su camino. Dickie Peterson reorganizó el grupo varias veces entre 1979 y 1985. Ese año Peterson, Whaley, y el guitarrista Tony Ranier realizan un nuevo álbum de Blue Cheer, “The Beast Is Back” que tuvo un buen recibimiento. La siguiente reunión data de 1988, año en que Peterson y Whaley con Andrew “Duck” MacDonald en guitarra se mudan a Alemania, hacen giras por Europa y graban en Gales el álbum “Highlights and Lowlives”. En 1991 Andrew MacDonald es remplazado por Dieter Saller y graban “Dinning with the Sharks” en junio de 1992.
IRON BUTTERFLY Iron Butterfly fue de los primeros grupos pesados en recibir una masiva presencia en las radios, y su más conocida canción de 17 épicos minutos “In A Gadda Da Vida” rompió con los estándares de tiempo de duración dentro del mercado radial, abriendo las puertas al mundo de las radios FM. La canción fue escrita por el vocalista y organista y líder de la banda Doug Ingle, que formó la primera encarnación de Iron Butterfly en 1966 en San Diego, junto al baterista Ron Bushy. Después que el grupo se muda a Los Angeles y empezó a tocar en clubes de la zona, aseguran un contrato y son conocidos nacionalmente al telonear a los Doors y a Jefferson Airplane. Luego de grabar su primer álbum “Heavy” de 1968, los miembros originales, Jerry Penrod (bajo), Darryl DeLoach (voz), y Danny Weis (guitarra) dejan la banda y son remplazados por el guitarrista Erik Brann y el bajista Lee Dorman. La nueva formación graba “In A Gadda Da Vida” a fines de 1968 y el disco pasa el año entero en los Top Ten, vendiendo siete millones de copias, siendo el primer álbum certificado como platino por la RIAA, además de ser el álbum más vendido de Atlantic de ese tiempo. El siguiente álbum, “Ball”, mostró nuevamente una variedad musical y se convierte en oro, llegando al número 3,
pero también marca el comienzo de la caída del grupo. Erik Brann deja el grupo y entran los guitarristas Mike Pinera y Larry “Rhino” Reinhardt, pero el éxito del grupo ya no era el mismo. Iron Butterfly se separa finalmente en 1971; Brann y Bushy intentaron reformar el grupo en 1975, pero su mejor momento ya había pasado. Iron Butterly no tenía el sex appeal de los grupos metaleros de los setenta y su estilo gótico ya no tenía la fuerza de atracción que en otros tiempos inspiraron.
“Queríamos un nombre diferente, que exprese sentimiento y también la dureza de nuestra música, algo así como una Mariposa de Hierro” – Danny Weis
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Explosivo rock’n’roll, música abrasiva y primaria con distorsión y feedback, cantantes desaforados y actitud rebelde contra lo establecido son algunos de las características del sonido Detroit, con los Stooges y MC5 a la cabeza. Su influencia es inmensa, especialmente en el punk, en el pop guitarrero, en el hard rock y en los sonidos garajeros más sucios y viscerales surgidos en décadas posteriores.
MC5
El clásico álbum de MC5 fue “Kick Out The Jam”, grabado en vivo en Detroit en 1968, contiene toda la fuerza y dureza de sus tiempos más combativos.
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Reclamado por los punks como uno de los precursores del movimiento, MC5 sigue siendo uno de los representantes del incipiente rock pesado del área de Detroit. Su intensidad sonora, sus actitudes sin compromisos y sus ideas políticas anti-establishment, fueron parte crucial de su música. Bajo la guía de John Sinclair (el infame fundador del partido de los “Panteras Blancas”), MC5 celebraba la santa trinidad del rock: sexo, drogas y rock and roll. Sus incendiarias presentaciones en vivo eran la total antítesis del “paz y amor” de los hippies. Además de las censuras de las compañías, la interferencia de los sellos y problemas legales, combinados con su lejanía de la notoriedad de la corriente principal, se convirtieron en influencias para las sucesivas generaciones de artistas del underground. El quinteto The Motor City Five (MC5) se formo en la ciudad de Detroit a finales de 1964 con el vocalista Rob Tyner, los guitarristas Fred “Sonic” Smith y Wayne Kramer, el bajista Pat Burrows y el baterista Bob Gaspar; al tiempo que todos
ellos estaban aún en el colegio, aparecían en fiestas y conciertos estudiantiles vestidos con sus uniformes. Smith y Kramer empezaron a experimentar con efectos de feedback y distorsiones, lo que ocasionó que Burrows y Gaspar salieran del grupo en el otoño de 1965; luego se adhirieron Michael Davis y Dennis Thompson un año después. La banda empezó a hacer conciertos más importantes y a desarrollar su estilo particular, llamando la atención de Sinclair, un profesor de inglés que fue llamado el “Rey de los Hippies de la Motor City”, también formador del White Panther Party, una facción política radical que defendía el total asalto a la cultura por cualquier medio necesario, incluyendo el rock and roll, las drogas y la invasión de las calles. A principios de 1967, Sinclair se hizo manager de los MC5, y en pocos meses graban su primer single, “I Can Only Give You Everything”. Como la banda oficial de los White Panthers, la música del grupo tomó el camino de la retórica política del partido, utilizando banderas americanas llamaban a una revolución, pasando por encima de la ley y provocando frecuentes peleas y manifestaciones violentas.
En el verano del 68, la banda aparece en Chicago para el Yippies’ Festival of Life, en abierta oposición a la Convención Nacional de ese año. Allí también, un ejecutivo de Elektra Records, Danny Fields firma con la banda. El álbum debut, el clásico “Kick Out the Jams” fue grabado en vivo en el Grande Ballroom el 30 y 31 de octubre de 1968. Aunque el álbum alcanzó los Top 30, la compañía rehusó hacer más copias hasta que se saque el grito de batalla de Tyner “Kick Out the Jams Motherfuckers!”. Esto hizo las delicias de la prensa y en contra de los deseos de la banda, Elektra publicó una versión censurada del álbum. Cuando la polvareda se aentó, MC5 fue despedida de Elektra, cuando Sinclair fue enviado a la cárcel por posesión de marihuana y la banda se quedó sin manager. Entonces consiguen un nuevo contrato con Atlantic, donde el productor Jon Landau les ayudó a realizar su segundo álbum, “Back in The U.S.A.” de 1970. Con Sinclair fuera de escena, la música del grupo toma una nueva dirección, alejándose de la política pero regresando a su lacerante sonido anterior. El nuevo disco dividió a sus fans y críticos, y su tercer álbum “High Time” de 1971 no logró entrar en las listas, Atlantic deci-
de romper su contrato y para colmo el grupo comienza a resquebrajarse por problemas con las drogas, a principios de 1972, Davis fue despedido del grupo por abuso de heroína. El bajista Steve Moorhouse se quedaría por poco tiempo y Tyner y Thompson anuncian su retirada de las giras; para el año nuevo de 1972, el grupo hace su último concierto en el Grande Ballroom de Detroit. Aunque MC5 desapareció, su influencia se hizo sentir fuertemente en el punk, hard rock y el power pop incluso en los 90. Luego de la separación, los miembros se pusieron a trabajar en proyectos propios: Tyner llegó a grabar varios discos con diferentes resultados, hasta su muerte por un ataque al corazón en 1991. Smith por su parte forma los Sonics Rendezvouz con otra leyenda de Detroit Scott Morgan, también murió de un ataque en noviembre de 1994. Después de pasar algunas décadas batallando contra la adicción a las drogas, incluyendo dos años en prisión, Kramer resurge en 1995 con un excelente álbum, “The Hard Stuff”, el primero de muchos lanzamientos del sello punk Epitaph. Menos éxito tuvo Davis, quien desapareció de la escena musical luego de algún intento fallido por realizar proyectos en solitario.
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IGGY POP & THE STOOGES “Hard-rock, Garage rock, proto-Metal y proto-Punk”, un poco de todo eso, The Stooges fue una formación revolucionaria y clave en el desarrollo de la música moderna. Surgida a finales de los años 60, mezclaban fieramente el rock, la psicodelia y el blues con temáticas directas sobre drogas y sexo para configurar un atractivo y arrebatador sonido, estableciendo muchas de las actitudes escénicas y posturas sónicas del Heavy metal, el punk y de la posterior música independiente. Creados en 1967, los Stooges (primero se hicieron llamar Psychedelic Stooges) estaban formados por el cantante James Newell Osterberg, alias Iggy Pop (“la iguana” nació el 21 de abril de 1947), el guitarrista Ron Asheton, el 624
bajista Dave Alexander y el hermano de Ron, Scott Asheton a la batería. Iggy es uno de los frontman más importantes e influyentes de la historia del rock, Iggy Pop y su audaz pujanza escénica le ha granjeado el apelativo de “Padrino del Punk”. Había formado parte de la banda de blues The Prime Movers y posteriormente de The Iguanas, grupo en el que tocaba la batería y de donde surgió su famoso apelativo. La primigenia y brutal capacidad sonora de los Stooges, ejemplificada en la guitarra de Ron Asheton y sobre todo, el imprevisible, feroz y salvaje comportamiento de Iggy encima del escenario con su torso desnudo cubierto de sangre o mantequilla, sus autolesiones con cristales y sus zambullidas entre el público asistente a sus espectaculares conciertos (fue el primero en realizarlo) supusieron una enorme publicidad entre el mundo melómano underground. Los Stooges se convirtieron en toda una sensación en la ciudad industrial de Detroit y al final pudieron fichar con un gran sello como Elektra para publicar su primer disco “Stooges” (1969), bajo producción de John Cale del grupo alternativo Velvet Underground (aunque la primera elección de Iggy fue Jerry Ragovoy, el productor de Dusty Springfield). El LP contenía grandes clásicos como “I Wanna Be Your Dog”, “1969” o “No Fun”, su música no estaba hecha para el consumo de la gran masa y vendió muy poco. Sus conciertos eran otra cosa, pues sus admiradores asistían sin falta a la orgía visual y sónica del grupo. Su segundo disco, “Fun House” (1970), producido por Don Gallucci y decorado con la presencia del saxo de Steven MacKay, a pesar de ser una obra maestra, tampoco logró colmar las expectativas comerciales de Elektra. Los siete grandes temas del disco (sin desperdicio alguno) presentaban a un Iggy todavía
más rabioso que en su álbum debut. El fracaso comercial de “Fun House” provocó su salida del sello Elektra y cambios en el grupo, el bajista Dave Alexander abandonó la formación y se incorporó el guitarrista James Williamson. Ron pasaría a tocar el bajo. Estas frustraciones a nivel de ventas que casi les lleva a su desaparición como banda y a que Iggy ahondara aún más en su adicción a las drogas, en especial a la heroína, no avistaban un óptimo futuro para el devenir de los Stooges. Tuvo que ser un gran fan del grupo como David Bowie el que inyectaría nuevos aires a la formación ahora denominada Iggy & The Stooges. Con producción de Iggy y mezclado por Bowie, los Stooges consiguieron grabar para la Columbia un nuevo disco al que titularon “Raw Power” (1973). Este trabajo, que contenía clásicos como
“Search And Destroy”, “Gimme Danger”, “Penetration” o “Raw Power”, fue mucho mejor recibido por la crítica de la época y se convirtió en otro trabajo esencial del cuarteto. A pesar de ello, la Columbia no renovó el contrato con los Stooges, alegando que sus miembros eran empedernidos adictos a las drogas. En 1974 la banda terminaría por separarse tras un caótico concierto de despedida en Detroit, con batalla campal incluída entre el grupo y una facción de los conocidos motoristas Hell Angels, que se encontraban asistentes al mismo y comenzaron a tirar de todo al escenario. Todo el desastre y la magnífica música en directo de este esencial grupo de culto se encuentra recogida en el posterior “Metallic K.O.”. Por su parte, Iggy Pop fue ingresado en una institución mental para recupe-
Iggy... la iguana (James Newell Osterberg, Jr.), llamado el padrino del punk rock, era conocido por sus actuaciones en vivo. Iggy se mutilaba, se untaba mantequilla de mani o vidrios rotos y popularizó lanzarse al público, tambien andaba por el escenario casi desnudo e insultaba al publico. Al pelearse con la banda The Stooges, la iguana ingresó a una institución mental para rehabilitarse, al recuperarse siguió su carrera, es un sobreviviente.
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Los Stooges en 1974 poco antes de separarse y otra foto más actual donde Iggy demuestra que puede dar todavía mucho más.
rarse de su adicción. Luego de esto, Iggy volvió a colaborar con su buen amigo Bowie, con el que grabó dos de sus mejores trabajos en solitario en Berlín y para la Virgin Records, “The Idiot” (1977), un LP muy influenciado por los experimientos electrónicos de Bowie en la capital alemana que incluía la popular “China Girl” y “Lust For Life” (1977), excelente trabajo con temas del calibre de “The Passenger”, “Sixteen” o la homónima del disco. Su tercer album fue el directo “T.V. Eye Live” (1978), en el cual se puede escuchar los teclados del propio David Bowie, que acompañó a Iggy en sus actuaciones en vivo. En 1979 publica “New Values” (1979), un muy buen disco grabado para Arista Records producido por Williamson y arreglado por Scott Thurston, que presentaba temas geniales como “Tell Me A Story”, “I’m Bored” o “Billy Is A Runaway”. En 1984 se casó con su segunda esposa, la japonesa Suchi Asano, a la que conoció en una gira por tierras niponas. Luego volvería a colaborar con David Bowie lo que supuso para la iguana de Detroit todo un empuje económico con “Blah Blah Blah” (1986), un disco de orientación pop que obtuvo considerables ventas tanto en Gran Bretaña como en los Estados Unidos, especialmente gracias al sencillo “Real Wild Child”, un 626
viejo tema rockero de los años 50. Tras el poco satisfactorio “Instinct” (1988), Iggy publicaría “Brick by Brick” (1990), un estupendo album producido por Don Was que incluía temas como “Candy”, un éxito a dúo con la cantante Kate Pierson de los B-52’s, “Home” o la propia “Brick by Brick”. En el disco también aparecía gente como John Hiatt o los miembros de Guns n’ Roses Slash y Duff “Rose” McKagan. Sus siempre excitantes actuaciones en vivo mantuvieron en lo más alto el nombre de Iggy Pop como uno de los grandes del espectáculo rockero. Además de su carrera musical, Iggy Pop ha realizado sus pinitos como actor en filmes como “El color del dinero” (1986) de Martin Scorsese, “Sid y Nancy” (1986), la biografía sobre Sid Vicious, “Cry Baby”(1990) de John Waters, “Atolladero” (1995) de Oscar Aibar, “Dean Man” (1995) de Jim Jarmusch, “The Crow: City of Angeles” (1996) de Tim Pope y en episodios de series televisivas como “Corrupción en Miami” o “Star Trek”. También tuvo tiempo para componer la banda sonora de la película debut como director de Johnny Depp “The Brave” (1997). En el año 2007 Los Stooges reaparecerían con un nuevo disco, “The Weirdness” (2007), álbum producido por Steve Albini en el que aparecía Mike Watt, al bajo como miembro oficial de la banda.
STEPPENWOLF John Kay nació como Joachim Kraudelat, en abril de 1944 y ciertamente vivió una vida de rebelde del rock and roll. Después de escapar de su natal Alemania del Este, creció escuchando los programas radiales de las fuerzas armadas e inspirado por los temas de Little Richard y Chuck Berry, a los 13 años, John decide hacer del rock and roll su vida. A los 14 años ya se encuentra con una guitarra en la mano en Toronto, Canadá. John aprende inglés escuchando a los discjockeys y de la música de su tiempo, al poco tiempo ya participa en pequeñas audiciones y shows radiales. Después del colegio, se gana la vida tocando en bares y coffe houses en la escena blusera de Toronto hacia 1965. Allí se une al grupo Sparrow, que migra de Toronto a New York y luego a San Francisco. Sparrow se separa en 1967, después de varios intentos con Columbia Records. Dos meses después, John forma una nueva banda que se llamó Steppenwolf, inspirado por la novela de culto de Herman Hesse (“El lobo estepario”).
El grupo se formó con John Kay en voz, Michael Monarch en guitarra, Goldy McJohn en órgano, Rushton Morave en bajo y Jerry Edmonton en batería. Sus primeros dos singles pasan desapercibidos, pero el tercero estaba destinado a ser un clásico del rock, “Born To Be Wild”, rompiendo los charts en el verano de 1968, y en esa línea, la canción “Heavy Metal Thunder”, en referencia al sonido de las motocicletas, dio nombre al nuevo estilo de música. “Born To Be Wild” fue inmortalizada en el film de Dennis Hopper “Easy Rider” de 1969. Su siguiente single, “Magic Carpet Ride” era una fusión entre el hard rock y la psicodelia pop, y fue el segundo millón de ventas para Steppenwolf. A raíz de varios desacuerdos durante la grabación de “At Your Birthday Party”, Morgan y Monarch son remplazados por Nick St Nicholas y Larry Byron, quienes tocan en el himno rebelde “Monster” de 1970, después son remplazados a su vez por Kent Henry y Geor-
Los Steppenwolf de John Kay son un emblemático grupo de los primeros tiempos del Hard Rock norteamericano, su legado más importante fue sin duda el clásico “Born To Be Wild” de 1968, aunque su mejor momento pasó, no han dejado de hacer giras hasta el dia de hoy, manteniendose como una de las leyendas del rock.
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ge Biondi. Desde ahí, la banda comienza a producir material más comprometido, política y socialmente hablando, consiguiendo buenas ventas y cientos de seguidores incondicionales. Steppenwolf continuó sus giras y grabaciones, pero se limitaban en los charts a los Top 40, con excelentes temas como “Rock Me”,“Move Over”, y “Who Needs Ya”, pero sin alcanzar el éxito anterior. En 1974 la banda se separa temporalmente y Kay se embarca en una carrera en solitario, realizando álbumes como “Forgotten Songs”, Unsung Heroes”, “My Sportin’ Life” y “All In Good Time”. A finales de los 70, John se da cuenta de que existen varios grupos que están utilizando el nombre de “Steppenwolf”, destruyendo su reputación, en 1980 Kay decide actuar y forma John Kay & Steppenwolf, con quienes logra reconstruir su legado en pocos años de gira y con cinco nuevos LP. En 1994, Kay regresa triunfalmente a su Alemania
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natal, donde se reúne con sus viejos amigos de infancia. Con ventas que exceden las 20 millones de unidades en todo el mundo (que se incrementa cada año) y con canciones que fueron utilizadas en 37 películas y 36 programas de TV, el grupo continúa enfocándose en el futuro. La banda realiza “John Kay and Steppenwolf, Live at 25”, un doble CD realizado en febrero de 1995. El álbum contiene 23 canciones, incluyendo muchos hits de los 60, 70 y 80, además de dos nuevas canciones. “Feed The Fire”, su primer single hecho en video sale en agosto de 1996. En marzo del 2001, John Kay realiza un álbum en solitario llamado “Heretics & Privateers”, en Cannonball Records. El CD con gusto blusero, presenta canciones con un punto de vista muy contemporáneo. Para el año 2005, Steppenwolf sigue teniendo una apretada agenda de giras en todos los Estados Unidos.
Deep Purple Pilar del Heavy Metal Banda mítica del Rock, pilar fundamental en el nacimiento del Heavy Metal; recordada por los poderosos riff de guitarra de Ritchie Blackmore, los durísimos vuelos melódicos del órgano de Jon Lord, el ritmo incansable de la batería de Ian Pace, el bajo metálico de Roger Glover y los altísimos alaridos de su vocalista Ian Gillian. Deep Purple sobrevivió a un sinnúmero de cambios y dramas a lo largo de su carrera, alzándose como toda una institución en la comunidad británica del hard rock; entró una vez en los records Guiness como la banda más ruidosa del mundo, además de ser plataforma para las carreras de grandes artistas como los propios Richie Blackmore, Ian Gillian y David Coverdale. Formados en Hertford, Inglaterra hacia inicios de 1968, el grupo
empezó como acompañamiento del ex baterista de los Searchers, Chris Curtis, se llamaron Roundabout y estaba integrado por Jon Lord en órgano, Bobby Woodman en batería, Blackmore en la guitarra, Nick Simper en el bajo y los hermanos Chris y Dave Curtis como vocalistas. Hacían un rock orientado a la psicodelia, muy de moda en ese momento, pero pronto decidieron tomar otro camino, los Curtis y Woodman se fueron y en su lugar ingresaron Ian Pace en batería y Rod Evans como vocalista. Hacia marzo del 68, hacen un tour de prueba por Dinamarca aun con el nombre “Roundabout”, poco después pensaron en “Fire”, pero ya había un grupo con ese nombre, por lo que Blackmore propone “Deep Purple”, un
Deep Purple con su primera formación, hacia 1968, cuando tenían aún una orientación al pop y la psicodelia. 629
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John Lord, Ian Pace, Ian Gillian, Ritchie Blackmore y Roger Glover, la formación más clásica de Deep Purple y la que llevó al grupo a la cima de su éxito.
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tema soul de Nino Tempo, que al resto del grupo no le convencía tanto, pero al final Blackmore se sale con la suya y el nombre queda fijado. Con su nuevo nombre lanzan su primer single “Hush”, un cover rockero del cantante country Joe South, que incluía un largo solo del órgano de Lord. “Hush” fue completado en solo dos tomas, durante la grabación de 48 horas del álbum “Shades of Deep Purple” con un estilo más bien pop. El single es lanzado en Gran Bretaña en junio del 68, pero pasa desapercibido, no así en los USA donde consigue llegar al puesto número 5 además de ganar
para el grupo un contrato con el sello Tetragrammaton. La banda mantuvo la misma fórmula para su segundo álbum, “The Book Of Taliesyn”, realizado en octubre de 1968. Dos singles contenidos en el LP, “Kentucky Woman” y “River DeepMountain High” lograron poner el disco entre los top 20. Su siguiente trabajo, titulado simplemente “Deep Purple” y realizado en los USA en junio del 69, fue su primer disco realmente “heavy”, a pesar del clásico “Hallelujah (I Am The Preacher)”, el álbum no logró el éxito comercial esperado. Sinembargo, en vivo la banda era otra cosa, fue en el escenario donde su música era explotada realmente y fue allí donde dejaron de ser un grupo más de pop rock. Una noche cuando teloneaban a los Cream en su tour de despedida por los USA, el público abucheó a las super estrellas y pidieron solo “Purple”. Con su guitarra chillando frente al amplificador, Blackmore se convirtió rapidamente en la estrella del show. No se contentaba sólo con tocar los temas perfectamente, sino que empujaba al grupo a explorar e ir más allá. El suceso de sus contemporáneos británicos Led Zeppelin y Black Sabbath demostraba que la fórmula nueva era aceptable, pero para lograr esto, la banda debería pasar por drásticos cambios. Así fue que Rod Evans
y Nick Simper se van para dar lugar al extravagante vocalista Ian Gillian y al bajista Roger Glover que era el anclaje que faltaba. La nueva alineación de Deep Purple debuta con el álbum “Concerto For Group And Orchestra” grabado en vivo en el Royal Albert Hall el 24 de septiembre de 1969 con la Royal Philharmonic Orchestra. Inaugurando un campo varias veces explorado luego por otras bandas de rock pesado al conjugar el sonido duro con los instrumentos clásicos. Pero la quintaescencia del sonido de Deep Purple, reconocido hasta hoy, se puede escuchar por primera vez en “Deep Purple In Rock” realizado en septiembre de 1970 en los USA. Este LP contiene muchos de los clásicos temas que todos asociamos con la banda. El disco es un suceso monstruoso a ambos lados del Atlántico, permaneciendo entre los Top 30 británicos por más de un año. El siguiente disco “Fireball” realizado en julio del 71, es otro super éxito comercial. Pero el álbum más grande de Deep Purple todavía estaba por llegar, y este aparece en marzo de 1972 con el nombre de “Machine Head”. Este fue la apoteósis
crítica y comercial de los Purple. No sólo por sus clásicos tracks, sino también por llegar al número 1 de las listas británicas y vender más de dos millones de copias en los USA, donde el himno “Smoke On The Water” alcanza otro Top 5. El génesis de “Smoke On The Water” comienza con la idea del grupo de realizar “Machine Head” en vivo en el Casino de Montreux, Suiza. El día antes de la presentación de Purple, Frank Zappa And The Mothers Of Invention estaban tocando en el casino, durante el concierto, uno de los equipos empezó a quemarse y en la confusión alguien lanzó una bengala al techo, iniciandose un fuego que consumió el viejo casino hasta los cimientos. Afortunadamente no hubo heridos graves, y los Purple tuvieron que quedarse en el Grand Hotel con las ganas de realizar el álbum en vivo y con todos sus equipos metidos en la habitación. Aún así decidieron comenzar su sesión de grabación y metieron tanto ruido que los vecinos llamaron a la policía local. Obviamente no abrieron la puerta hasta que el riff de Blackmore estuvo definido y la nueva letra de Gillian
“Tomamos prestado del jazz, el rock and roll a la antigua y los clásicos. Éramos buitres de la música” – Jon Lord
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que comenzaba con “We all went down to Montreux...” estuvo lista. En diciembre de 1972 sale un nuevo trabajo, “Who Do We Think We Are”, conteniendo el hit “Woman From Tokyo”, el disco consolida el estatus de la banda pero que marca el comienzo del final de la era de oro para Deep Purple. Grabado en parte en una villa en las afueras de Roma, donde una vez más incomodaron a los vecinos por el ruido (los airados locales preguntaron “quienes piensan estos que somos?”), también comenzaron las fricciones que llevaron al grupo al punto de ruptura. Aún así, sus últimas presentaciones en vivo, especialmente su tour por Japón y Alemania a fines de 1972 son los más memorables. Afortunadamente la banda registró esos shows finales en Japón, lo que resultó en el doble
El concierto de los Purple en Japón en 1972 y el consiguiente disco doble representó la cúspide de la fama del grupo, siendo el álbum más vendido de su historia. 632
álbum en vivo “Made In Japan”, realizado en diciembre de 1972, fue un enorme tributo al gran trabajo de la banda en el punto culminante de su poder. Ian Gillian y Roger Glover deciden ambos retirarse del grupo al mismo tiempo, hartos de los cambios de humor de Ritchie y las presionantes giras. Gillian se apartó totalmente del mundo musical, concentrandose en otros negocios hasta su reaparición tres años después con su propia banda. Glover por su parte decidió dejar las luces del escenario por la producción musical. En junio de 1973, los tres miembros remanentes de Deep Purple deciden seguir en carrera y admiten al vocalista David Coverdale y al bajista y vocalista Glenn Hughes. El primer álbum de esta versión de Deep Purple se tituló simplemente “Burn”, realizado en febrero de 1974. Fue un maravilloso retorno. La voz profunda y rica de Coverdale y el acompañamien-
Richie Blackmore, “The Man in Black” le decían, fue y sigue siendo uno de los héroes de la guitarra, respetado por sus colegas e idolatrado por millones de fans que lo siguen incondicionalmente.
to de Hughes, introdujo un sonido más “bluesy” al sonido de la banda, además de agregar nuevas capas de potencia. Temas como el frenético “Burn” y el sorpresivamente funky “Might Just Take Your Life”, abrió un soberbio nuevo campo para la banda. Cuando las brumas se disiparon, “Burn” fue reconocido como uno de los mejores trabajos del grupo desde “Machine Head”. En noviembre de 1974 sale “Stormbringer”, que a pesar del épico tema que da nombre al disco, falla en seguir la línea exitosa de “Burn”. Ritchie Blackmore se desencanta con la dirección musical que estaba tomando la banda, por lo que decide reservarse sus mejores canciones para su planeado álbum en solitario. El resultado fue la salida de Blackmore en abril de 1975, para fundar Rainbow con Ronnie James Dio. El resto de Deep Pur-
ple se negó a caer sin pelear, por lo que, ante la sorpresa de muchos, anuncian el remplazo del previamente considerado irremplazable “Man in black”. Su nombre era Tommy Bolin, y con el arribo de este joven guitarrista norteamericano se abrió un nuevo y excitante capítulo en la historia de la banda. El álbum resultante, “Come Taste The Band”, fue realizado en noviembre de 1975, mostrando una banda revitalizada, llevando el funk al extremo de su sonido hard rock. La influencia de Bolin fue crucial, y entusiasmado por el apoyo de Hughes y Coverdale, el guitarrista contribuyó con mucho material.“Gettin’ Tighter”, un tema de Bolin con letra de 633
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En 1975, Glenn Hughes, David Coverdale y Tommy Bolin dieron un giro sorpresivo pero efectivo a la dirección musical del grupo, pero la fórmula no duró y Deep Purple se separó finalmente en 1976.
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Hughes, se convirtió en un álbum que sería un favorito en los conciertos, tipificando la nueva dirección de la banda. Pero no todos los miembros estaban a gusto con esta nueva “soulera” dirección, especialmente cuando los problemas de Bolin con las drogas comenzaron a manifestarse, lo que produjo shows cancelados y giras perdidas. El final vino durante una gira por Gran Bretaña en marzo de 1976, después de que los miles de seguidores de Blackmore comenzaron a presionar
al nuevo guitarrista para dar la talla. Al final del show en Liverpool, durante su solo, los nervios de Bolin le fallaron y se dejó caer totalmente. Coverdale se retiró con lágrimas en sus ojos, lamentándose de que “Tommy siendo un brillante guitarrista, simplemente no puede ayudarse a sí mismo”. Coverdale se va del grupo para hacer surgir a otro gigante, Whitesnake, Jon Lord e Ian Paice crearían Paice, Ashton & Lord. Poco después, en diciembre de 1976, Bolin aún pudo concretar su segundo álbum en solitario, “Private Eyes”, cuando la verdadera tragedia se presentó. En Miami, durante el tour de Jeff Beck, Bolin fue hallado muerto en su habitación de hotel, la causa de la muerte: multiple intoxicación con drogas. Tenía solo 25 años. Esa noche, Ritchie Blackmore, de gira por Japón con Rainbow, le dedica una canción a su memoria. Con la llegada de los 80 y con supergrupos como Van Halen, Mötley Crüe e Iron Maiden dominando la escena, el nombre de Deep Purple estaba consignado a la historia. Asi que, cuando en abril de 1984 se anuncia el regreso de Blackmore, Gillan, Lord, Paice y Glover, la noticia fue tomada muy gratamente. Animados por el renovado boom dentro del Heavy Metal, la reencarnación de Deep Purple se hizo más fuerte que nunca con “Perfect Strangers”, el álbum que vuelve a meter a Deep Purple en las listas de éxito. Ciertamente cuando estas cinco personas estaban juntas en la misma habitación, emanaban una energía explosiva, pero ¿cuánto tiempo duraría esa energía antes de que sus egos la volvieran a apagar? No mucho. Su siguiente álbum luego de la reunificación fue “The House Of Blue Light” de 1987, donde ya se preveía que las cosas no volverían a ser como antes. Y para el tiempo en que se realizó el álbum en vivo “Nobody’s
Perfect” en el verano de 1988, Gillian vuelve a anunciar su salida. Muchos fans creyeron que el grupo volvería a separarse, pero quedaron sorprendidos cuando el una vez vocalista de Rainbow, Joe Lynn Turner es reclutado para grabar “Slaves And Masters”, realizado en octubre de 1990. Turner había cantado en varios grupos que imitaban a Deep Purple, de quien era gran admirador, además de pasar por Fandango y Rainbow de Blackmore. Cuando es llamado para remplazar a Gillian admitió: “un gran sueño de mi vida es por fin una realidad” Los 90 ven otra estampida en la alineación de Deep Purple, esta vez, Ritchie Blackmore deja otra vez la banda, siendo remplazado por el ex guitarrista de Kansas, Steve Morse. Su álbum más
reciente, “Abandon” de 1998, es suficientemente decente. En 1999, vuelven a realizar un memorable concierto en el Royal Albert Hall con acompañamiento orquestal de la sinfónica de Londres, gran coro y la participación de todos los miembros que alguna vez pasaron por Deep Purple. En el año 2001, Don Airey remplaza a Jon Lord en los teclados para formar la alineación que los devotos seguidores llaman “Deep Purple Mk VIII” A pesar de todo, Deep Purple sigue siendo un referente y es citado como la banda que dió forma al hard rock convirtiéndolo en un arte. Su último trabajo en estudio fue “Bananas” (2003), un álbum en el cual aparecía el nuevo tecladista Don Airey, quien había sustituido al mítico Jon Lord.
Deep Purple en 1990 resurge con la adición del excepcional vocalista Joe Lynn Turner.
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Led Zeppelin El monstruo sagrado del metal ¿La banda de rock más pesada, metalera, grandiosa y ruidosa de todos los tiempos? Led Zeppelin representa la banda de heavy por definición. No solo era su estruendosa interpretación de los blues, sino también cómo lograron incorporar mitología, misticismo y una gran variedad de otros géneros (más notable es la incorporación de música folklórica británica) en su sonido. Led Zeppelin tenía mística. Raramente ofrecían entrevistas, por lo que la prensa musical los detestaba. Consecuentemente, la única conexión que la audiencia tenía
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con ellos era a través de los discos y sobre todo, sus conciertos. Más que cualquier otro grupo, Led Zeppelin estableció el álbum concepto de rock, rompiendo las reglas al rehusarse a realizar las canciones más populares de sus álbumes como singles. También establecieron el formato dominante para el heavy metal, así como el sonido actual del género. Led Zeppelin sale de las cenizas de los Yardbirds. Jimmy Page se había unido esa banda casi al final de sus días, jugando un importante papel para su último álbum, “Little Games” de 1967, además de
traer al grupo al bajista, tecladista y arreglador John Paul Jones. Durante ese año los Yardbirds pasaron inactivos, lo que llevó a Page y Jones a volver a trabajar como músicos de sesión. Ambos fueron muy reconocidos, tocando para estrellas como The Kinks, Dusty Springfield y Van Morrison. Pero lo que Page quería era su propia banda. En el verano de 1968, Keith Relf y James McCarty dejan los Yardbirds, dejando a Page y al bajista Chris Dreja con los derechos del nombre asi como el cumplimiento de un tour para la disquera. Page inmediatamente se puso a buscar un cantante y un baterista. Primeramente contactó con Terry Reid y B.J. Wilson de los Procol Harum, pero ambos no querían dejar su banda por lo que le recomendaron como cantante a Robert Plant que en ese entonces estaba con los Hobbstweedle. Tan pronto como Page escuchó la poderosa voz de Plant, le pidió que se una a su banda en agosto del 68, ese mismo mes Chris Dreja también decide salirse del proyecto, en su remplazo entra John Paul Jones como bajista. Plant entonces recomienda al baterista de su anterior banda, John Bonham, a quien habría que convencer, pues estaba recibiendo varias ofertas considerablemente mejores económicamente. Afortunadamente para todos, para setiembre Bonham está deacuerdo en firmar con el renaciente grupo. El cuarteto, representados por Peter Grant, se complementó de inmediato y saldrían de gira por escandinavia con el nombre de los “New Yardbirds” para cumplir con los contratos previos. Luego del tour, decidieron volver a Inglaterra para escribir nuevo material. Page decidió adoptar el nombre de “Led Zeppelin”, recordando una frase de Keith Moon, baterista de los Who, quien les había dicho: “probablemente caerán como un zepelin de metal”. Luego del cambio de
nombre, graban su álbum debut en sólo 30 horas, y su manager Peter Grant les asegura un contrato con la prestigiosa Atlantic Records en los Estados Unidos antes del fin de año. Debido en parte a la apática audiencia británica, Led Zeppelin decide concentrar sus energías en el Nuevo Mundo, sabia decisión. A principios de 1969, Led Zeppelin organizan su primer tour americano, abriendo para Vanilla Fudge y promoviendo su álbum salido en enero. Dos meses después “Led Zeppelin”, su primer LP, producido y arreglado por Jimmy Page, hecho que repetiría en todos los discos de la banda, trepa a los Top Ten de los USA y se coloca en el primer puesto, estableciendo a la banda como los sucesores de Cream. Dos de sus temas, “Dazed and Confused” y “Communication Breakdown”, se
Foto promocional de la banda, ellos eran Jimmy Page, John Bonham, John Paul Johnes y Robert Plant, corría 1969 y nacía una leyenda.
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Los dos primeros LPs de Led Zeppelin reventaron las listas de éxitos en los USA y en Gran Bretaña, además de romper la vieja regla de publicar los temas preferidos en single.
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convierten instantpaneamente en clásicos. A través de 1969, la banda realiza intensas giras y presentaciones por los Estados Unidos e Inglaterra. Siendo su primer álbum un verdadero shock, pocos estuvieron preparados para su segundo álbum, “Led Zeppelin II”, realizado en octubre de 1969. Como su predecesor, “Led Zeppelin II” fue un inmediato éxito, liderando las listas americanas y británicas, permaneciendo siete semanas en el número uno. Los temas “Whole Lotta Love” y “You Need Love”, se convirtieron en clásicos del hard rock, y “Livin’ Lovin’ Maid (She’s Just A Woman)” y “Moby Dick”, fueron temas infaltables en el temprano repertorio del cuarteto. El disco establece a Led Zeppelin como atracción internacio-
nal por lo que el siguiente año se mantienen constantemente de gira. El sonido de Led Zeppelin comenzó a profundizarse con “Led Zeppelin III”, realizado en octubre de 1970, mostrando una fuerte influencia del folk inglés. Este lado pastoral de la banda no remplazó su lado “hard”, especialmente si tenemos en cuenta al célebre “Inmigrant Song”. La locura de lo celta y la mitología fructifican en su cuarto álbum, que salió sin título, pero con una inquietante portada en noviembre de 1971. Conocido como “Led Zeppelin IV”, “Runes” o “ZoSo”, fue el disco más variado, abarcando el rock pesado de “Black Dog” y “Rock and Roll” al folkie “The Battle of Evermore”, así como “Stairway to Heaven”, que fue el puente entre esos dos estilos. “Stairway
to Heaven” fue un inmediato hit radial, eventualmente la canción más tocada de la historia, sinembargo jamás se publicó como single. A pesar del hecho de que “Led Zeppelin IV” no llegó al número 1 en USA, fue su álbum más vendido, sumando más de 16 millones de copias. Nuevamente salen de gira para promocionar los dos últimos LP, concentrandose además en realizar larguísimos devaneos musicales y vocales para el beneplácito de sus seguidores. Después de completar su gira de 1972, la banda se retrae a los estudios para grabar su quinto álbum. Realizado en la primavera de 1973, “Houses of the Holy” continúa con la experimentación de la banda, conteniendo toques de funk, reggae además de sus inconfundibles temas de rock y folk. “Houses of the Holy” debuta como número 1 a ambos lados del Atlántico, y durante su gira de 1973, Led Zeppelin rompe todos los records de
ventas de entradas a través de los USA. El concierto en el Madison Square Garden realizado en julio fue filmado para lanzarlo tres años después como “The Song Remains the Same”. El año 1974 fue de descanso para el grupo, no sacaron nada nuevo ni realizaron presentaciones, pero fundaron su propio sello discográfico, Swan Records, que publicó todos los subsecuentes trabajos de Led Zeppelin, así como discos para Dave Edmunds, Bad Company, The Pretty Things y muchos otros. “Physical Graffiti”, un álbum doble realizado en febrero de 1975, fue otro inmediato suceso en USA e Inglaterra. El disco es reconocido como el definitivo legado de la banda, incluyendo otros dos clásicos, “Trampled Underfoot” y “Kashmir”. Los Zep estaban preparando una larga gira para el verano de 1975 cuando Robert Plant y su esposa
Aunque cualquier disco de Led Zeppelin resulta esencial, “Led Zeppelin IV” (1971), es uno de sus trabajos más importantes donde se ve el dominio y la comunión entre hard rock, folk y blues. El álbum incluye algunos de sus temas más conocidos, como “Black Dog”, “Rock and Roll” o “Stairway to heaven”.
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sufren un serio accidente automovilístico estando de vacaciones en Grecia. Los planes de gira se cancelaron y Plant pasó en resto del año recuperandose del accidente. La banda retorna a la acción en la primavera de 1976 con “Presence”, grabado en sólo 18 días. Otra vez debuta con el número 1 y su film “The Song Remains the Same” acompañado del consiguiente disco doble en vivo, es calurosamente recibido en el otoño de ese año. La banda finalmente vuelve a las giras en la primavera de 1977, demostrando su imbatible suceso comercial a pesar de ser el “año del Punk”. 640
Otra vez la desgracia cae sobre Plant, apenas dos meses de haber empezado el tour, Karac su hijo de seis años muere por una rara infección estomacal. Led Zeppelin inmediatamente cancela la gira y no dice nada de una vuelta, por lo que empieza a especularse sobre el futuro de la banda. Por un tiempo se decía que Led Zeppelin estaba acabado. Robert Plant, muy afectado, quedó recluído hasta buena parte de 1978. El grupo no volvió a trabajar en un nuevo álbum hasta fines del verano de 1978, cuando comienzan a grabar en los estudios del grupo ABBA, Polar Studios en Suecia. El año 79, Led Zeppelin
vuelven al escenario en Suiza, Alemania, Holanda, Bélgica y Austria. “In Through the Out Door”, su disco más “pop” sale finalmente en setiembre de 1979 con el consabido número 1 a ambos lados del Atlántico. El disco incluía la pegadiza balada “All my love” y la apertura rockera “In The Evening”, en donde el gran Jimmy Page, volvía a dejarnos otro magistral riff. En mayo de 1980, Led Zeppelin se embarca en el que sería su último tour europeo, tocando dos noches ante 400.000 personas en Knebworth con renovadas energías. El 25 de setiembre de 1980, mientras preparaban su tour americano, John Bonham es encontrado muerto en su cama, luego de una noche de bebidas, ahogado en su propio vómito. En diciembre de 1980, Led Zeppelin anuncia finalmente su separación, admitiendo que no podían continuar sin su querido amigo. Tras la ruptura, Page y Plant estuvieron a punto de unirse a los ex-miembros del grupo Yes, Alan White y Chris Squire, para formar la superbanda XYZ, pero finalmente el proyecto jamás se llevaría a cabo, dando inicio ambos sendas carreras en solitario. Por su parte, John Paul Jones se dedicó a la producción musical. Jimmy Page graba la banda sonora de “Death Wish II” y luego realiza una compilación de temas inéditos de Zeppelin llamado “Coda” que sale a fines de 1982. Ese mismo año, Robert Plant realiza su primer álbum en solitario “Pictures At Eleven” en 1983. En 1984, Page forma The Firm con el ex cantante de Bad Company, Paul Rogers y al baterista de Uriah Heep Chris Slade. Esta aventura solamente duraría hasta 1986. Al año siguiente Led Zeppelin vuelve a reunirse para tocar en el Live Aid de ayuda a los niños africanos, con la ayuda de Phil Collins y Tony Thompson el baterista de Chic; este hecho esparce el rumor de una reagrupación, pero esa
reunión nunca se materializó. De todos modos se volvieron a juntar en 1988 para tocar en el 40 aniversario de Atlantic Records. En 1994, Page y Plant realizan “Unledded” y “No Quarter” sin la presencia de Jones, fortaleciendo su relación musical con otro disco en 1998, “Walking into Clarksdale”, trabajos sin excesiva relevancia en su discografía, pero de todos modos interesante. A parte de su incuestionable suceso comercial, Led Zeppelin es ahora reconocido con todo derecho como una de las bandas de rock más influyentes de la historia.
Led Zep en 1980. Varias desgracias y contratiempos acompañaron a la banda durante su carrera, de las cuales siempre supieron sobresalir, pero la muerte del baterista y amigo Bonham en setiembre de 1980 acabó con el grupo.
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“¿No conoces a Grand Funk? ¿El bajo quebrantahuesos de Mel Schacher, Las letras descamisadas de Mark Farner y la habilidad en la batería de Don Brewer?” – Homero Simpson
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GRAND FUNK RAILROAD Varias veces citada como la primera de las bandas de Heavy Metal, Grand Funk Railroad estaba caracterizada por un blues-rock muy crudo y desprovisto de toda fineza, fueron profetas en su tierra, ya que pasaron casi desapercibidos en Gran Bretaña, sin embargo en los USA fueron rápidamente super estrellas, sobrepasando en ventas inclusive a los Beatles. El origen del grupo tuvo lugar en Flint, Michigan, donde el baterista Don Brewer y el guitarrista Mark Farner se conocieron en un grupo llamado The Pack hacia mediados de los años 60, éste estaba liderado por un conocido Dj de la zona llamado Terry Knight. Cuando este grupo se disolvió en 1968, Farner y Brewer decidieron fundar un nuevo grupo, así fue que invitan al bajista Mel Schacher para crear “Grand Funk Railroad”, inspirados en la marca registrada de Michigan, el Grand Trunk Railroad. Para ese tiempo,
Terry Knight estaba trabajando en Capitol Records en New York, pero aceptó la invitación de ser manager del trío. Después de una salvaje y exitosa presentación en el Atlanta Pop Festival en julio de 1969, la banda firma contrato con el sello Capitol e inmediatamente se ponen a crearse renombre en numerosos festivales y conciertos. Sus primeros singles tuvieron buen recibimiento, pero Grand Funk pronto probó que su fuerza real estaba en los álbumes. “On Time” alcanza el número 27 en 1969, seguido por el número 11, “Grand Funk” en 1970. Para el verano de ese año, ya eran una de las mayores atracciones en vivo y sus LP comenzaron a ser rutinarios en los Top Ten por los siguientes 4 años. El grandísimo suceso fue atribuido a las inteligentes movidas que realizaba su experto manager. En 1970 por ejemplo, Knight llegó a pagar 100.000 US$ en un inmenso cartel en medio del Time Square de New York para promocionar el LP “Closer To Home”, que subsecuentemente vino a ser su primer Top Ten, alcanzando el número 6 y reventándo
el tema principal en las radios. El disco “Live” de 1970 alcanza el número 5 e incluye un nuevo clásico radial, “Mean Mistreater”. En junio de 1971, Grand Funk fue el segundo grupo (después de los Beatles) en llenar el Shea Stadium de New York. Sus grabaciones se vendían como pan caliente, tanto que aún algunas radios ignoraban que había salido un nuevo disco. Este año ve la salida de “Survival” y el clásico “E Pluribus Funk”. Hacia el tiempo de la grabación del disco, el grupo decide cambiar de manager, primero llaman a Andy Cavalliere, pero se quedan después con John Eastman, padre de Linda McCartney. Los siguientes años pasaron en disputas legales por el nombre “Grand Funk Railroad” y royaltíes por las canciones. Eventualmente la banda se quedó con el nombre, pero tuvieron que pagar a Knight una abultada suma. En 1973, el grupo acortó oficialmente su nombre a “Grand Funk” y convierten su trío en cuarteto al agregar al tecladista Craig Frost. Producidos ahora por Todd Rundgren, finalmente alcanzan el número 1 de las listas de singles con “We’re An American Band”, una celebración de las giras realizadas por los grupos. En 1974, graban el álbum “Shinin’ On”, que incluye un cover “sixties” de Little Eva, “The Loco-Motion” el cual logra otro número 1, siendo la primera vez que un cover llega a esa posición. Más tarde ese año, meten en el Top 20 el hit “Bad Time (To Be In Love)”. Para cuando llega 1975 y la locura disco empieza a tomar la escena musical, la banda pierde mucho de su estilo y seguidores. Graban “Caught In The Act” un doble álbum en vivo y el interés en la banda comienza a decaer. Al año siguiente, el grupo vuelve a utilizar su nombre completo, Grand Funk Railroad y firma con MCA Records, para grabar “Born to Die”, que apenas entra en los
Top 40. Luego de esto la banda ya estaba para la ruptura, pero son convencidos por Frank Zappa para que graben un nuevo disco, “Good Singin’, Good Playin”, producido por él. A pesar de que el álbum es considerado como el mejor trabajo del grupo, falla nuevamente en las listas y sólo entra entre los Top 50, desencantado, Mark Farner decide dejar el grupo para realizar dos discos en solitario. Mientras Don Brewer, Mel Schacher y Craig Frost, agregan al guitarrista Billy Elworthy y forman un nuevo grupo llamado simplemente “Flint”. La nueva agrupación no logra el suceso comercial esperado con su solitario primer álbum.
El tecladista Craig Frost se unió a Farner, Brewer y Schacher en 1973, dándole nuevo colorido sonoro, ese año logran su primer número 1 y multimillonarias ventas como siempre con su “We’re an American Band” su tema más recordado.
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En 1981, Farner y Brewer sacan del baúl de los recuerdos al grupo y graban “Grand Funk Lives” y “What’s Funk?” con el bajista Dennis Ballinger, pero no logran recuperar sus viejas glorias, por lo que se vuelven a separar en 1983. Farner regresa a su carrera en solitario y graba tres álbumes de música cristiana antes de unirse a la banda llamada “Adrenalin”. Brewer y Frost por su parte se unen a la Silver Bullet Band de Bob Seger. En 1995, Mark Farner es invitado a formar parte de la “Ringo Starr’s All Starr Band” y durante el siguiente año, Mark, Don y Mel deciden resucitar a Grand Funk para tocar algunos conciertos de “reunion”. Howard Eddy Jr. es invitado a
completar el cuarteto y poco después la reunión es oficial. Grand Funk Railroad vuelve a las rutas en una extensa gira desde 1996 a 1998, año en que es considerado como el mejor grupo de gira del año. El nuevo milenio ve a los miembros originales Don Brewer y Mel Schacher unirse al cantante Max Carl (de los 38 Special), al guitarrista Bruce Kulick (12 años en KISS) y al tecladista Tim Cashion (que tocó con Bob Seger y Robert Palmer). Juntos crean una nueva, dinámica y multitalentosa banda de cinco miembros, para no solo seguir la tradición de los éxitos de Grand Funk, sino también para explotar el potencial de crear un nuevo capítulo en el legado de Grand Funk Railroad.
HUMBLE PIE
Greg Ridley y al batero Jerry Shirley. Los primeros meses de existencia del grupo pasó entre intensas prácticas en la mansión de Marriott en Essex. Firmaron con el sello Immediate y así Humble Pie rápidamente graba su single debut, “Natural Born Boogie”, que entra en los Top Ten británicos, llegando al puesto 4 y preparando el terreno para el primer LP del grupo, “As Safe as Yesterday Is”.
Mal conceptuado como simple plataforma para el ex-frontman de Small Faces, Steve Marriot y el virtuoso guitarrista Peter Frampton, Humble Pie supo poner bien alto su potente hard rock a partir de su formación en Essex, Inglaterra en 1969. El grupo incluía al bajista 644
Después de una gira norteamericana para promocionar su siguiente álbum “Town and Country”, que no logra el éxito esperado, Humble Pie retorna a su casa sólo para descubrir que Immediate está en bancarota. La banda recluta a un nuevo manager, Dee Anthony quien les ayuda a conseguir un nuevo contrato con A&M; a partir de ahí, Marriott decide endurecer la música del grupo, alejándose de las melodías acústicas que favorecían a Frampton. El crudo blues de Marriott comenzó a dominar los siguientes álbumes del grupo, incluyendo el “Rock On” de 1971. Luego de un recargado tour por USA y de la grabación del disco en vivo “Rockin’ the Fillmore”, Frampton se va del grupo para seguir una exitosa carrera en solitario. Después de la adhesión del excelente guitarrista Dave “Clem” Clempson para llenar el hueco, Humble Pie se endurece aún más, hecho patente en el disco “Smokin” de 1972, su álbum más exitoso. Luego, el ambicioso doble álbum en vivo “Eat It fell” de 1973, consigue otro Top Ten para el grupo. Pero “Thunderbox” de
1974 ya no convence al gran público y sólo alcanza a entrar entre los Top 40. Después de “Street Rats” de 1975, el cual no alcanza a entrar entre los 100 mejores y varios problemas personales, Humble Pie se separa. En 1980, Marriott y Shirley resucitan a Humble Pie con el ex-vocalista del Jeff Beck Group, Bobby Tench y el bajista Anthony Jones. Pero la suerte estaba echada; luego de “On to Victory”, “Go for the Throat” y un pro-
En sus últimos años, Steve Marriott, desilusionado de la industria musical, dio la espalda a las discográficas y se mantuvo con perfil bajo, dando conciertos en pequeños clubes de Londres y Essex. Murió en 1991 cuando un incendio, posiblemente provocado por un cigarrillo, destruyó su casa en Essex.
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blemático tour por los USA, Humble Pie se disuelve nuevamente eb 1981. A fines de 1990, Marriott comentó con Frampton para una nueva reunión del grupo, pero lamentablemente el 20 de abril de 1991, Marriott muere en el incendio de su mansión a los 44 años,dejando a miles de fans con la expectativa de volver a ver a sus ídolos juntos nuevamente. La música de Free estaba llena de un blues-rock electrico con mucho feeling, inspirados en Cream y Hendrix, fue una de las bandas claves en la evolución del rock a finales de los sesenta en Gran Bretaña. Ellos eran Andy Fraser, Paul Rodgers, Paul Kossoff y Simon Kirke.
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FREE Aunque nunca gozaron del éxito, la fama o la popularidad de Black Sabbath o Led Zeppelin, con el tiempo Free es reconocido como una de las bandas impulsoras del Hard Rock con más estilo y personalidad. Famosos por uno de los himnos del rock, “All Right Now”, Free ayudó a poner los fundamentos del naciente Hard Rock, tomando el sonido del
blues británico, llevándolo hasta lo tosco y minimalista, siendo pioneros del proto-metal, popularizado luego en los 70 por supergrupos como Bad Company, Foghat o Foreigner. Free empieza a tomar forma en Londres en 1968 cuando el virtuoso guitarrista de 17 años Paul Kossoff, entonces miembro de los Black Cat Bones, conoce al cantante Paul Rodgers de los Brown Sugar, y deciden crear su propia banda. Poco después reclutan al baterista Simon Kirke y al fenomenal bajista de 16 años Andy Fraser que estaba con John Mayall. Gracias al apoyo de Alexis Korner quien también les sugiere el nombre de Free, firman con Island, donde graban su blusero debut “Tons of Sobs” en 1968, año en el que consiguen salir de gira por los USA como teloneros de Blind Faith. En 1969 lanzan “Free” siguiendo la misma
línea musical e incluyendo rocks como “The Hunter” de Albert King y potentes baladas como “Lying in the Sunshine”. Aunque sus dos primeros álbumes tuvieron una pobre entrada en los charts, ya consiguieron una buena cantidad de incondicionales seguidores. En 1970 sale “Fire and Water” que se convierte en un tremendo éxito gracias a la fuerza de “All Right Now”, un número 2 magnificado por la ruda y visceral voz de Rodgers y la espectacular guitarra de Kossoff. Ese año son artistas principales en la segunda edición del Festival de la Isla de Wight, donde el grupo parece destinado al superestrellato del rock para la nueva década; pero el siguiente LP “Highway” no logra el éxito tan anticipado, y después de una agria gira y el disco “Free Live”, la banda se disuelve dejando egos lastimados y duras recriminaciones. Irónicamente el single “My Brother Jack” le da un segundo y póstumo hit en su patria. Mientras Rodgers se fue para formar Peace y Fraser funda Toby, Kossoff y Kirke se juntan con el bajista Tetsu Yamauchi y el tecladista John “Rabbit” Bundrick para grabar un solitario álbum llamado poco imaginativamente “Kossoff, Kirke, Tetsu and Rabbit”. Cuando ninguno de estos proyectos probaron ser exitosos, la alineación original de Free se reune nuevamente para grabar “Free At Last” en 1972 logrando el hit “Little Bit of Love”. Aunque la fór-
mula probó tener futuro, los problemas crecientes de Kossoff con la heroína y el alcohol, minaron la unidad del grupo. Al poco tiempo Fraser se va para formar Shark, dejando a Rodgers y Kirke grabando la mayor parte del LP “Heartbreaker” de 1973, con un Kossoff enfermo y sin fuerzas para participar. Pronto el grupo se separa nuevamente, esta vez para siempre: Rodgers y Kirke forman Bad Company y Kossoff forma los Back Street Crawler poco antes de su muerte por un ataque cardíaco, a consecuencia del abuso de drogas, el 19 de marzo de 1976.
Nuevamente el abuso de las drogas y del alcohol destruyen una prometedora carrera, Paul Kossoff, un virtuoso guitarrista que llegó a ser considerado entre los grandes del Hard Rock no pudo mantener unido a los Free, truncando acaso un futuro grande para la banda y para él mismo. 647
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Black Sabbath Los brujos del metal Black Sabbath ha sido la gran influencia en el desarrollo del heavy metal, así como la fuerza que definirá el estilo. El grupo tomó el blues-rock de finales de los 60, de grupos como Cream, Blue Cheer y Vanilla Fudge, llegando a su propia conclusión, reduciendo el tempo, acentuando el bajo y enfatizando los chillones solos de guitarra, así como también los “aullidos” vocales con letras que expresaban aires misteriosos y macabras fantasías, que siempre causaban el espanto de los “protecores de la juventud” pero las delicias de sus seguidores. Como sus predecesores claramente venían de
El primer LP de los Sabbath es quizás la más misteriosa de la historia del rock, así lo afirman quienes investigaron la casa y a la dama que aparece retratada, estas aparentemente no dejaron rastros de su existencia, cierto o no, son esas cosas que molestan a los críticos y que miles de adolescentes disfrutan.
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la tradición de electrificar el blues, Black Sabbath llevó esa tradición hacia una nueva dirección, dando nacimiento a un estilo musical que continuó atrayendo a millones de fans en todo el mundo durante las décadas siguientes. Black Sabbath nació gracias a cuatro amigos adolescentes de Aston (cerca de Birmingham), Inglaterra: Anthony “Tony” Iommi (nacido el 19 Febrero, 1948), guitarra; William “Bill” Ward (n. 5 Mayo, 1948), batería; John “Ozzy” Osbourne (n. 3 Diciembre, 1948), voz principal; y Terence “Geezer” Butler (n. 17 Julio, 1949), bajo. Se llamaron inicialmente Polka Tulk Jazz-Blues Band, pero poco después se cambiaron a Earth, tocando extensivamente por Europa. A comienzos de 1969
deciden cambiar nuevamente su nombre cuando los confundieron con otro grupo también llamado Earth. Butler había escrito una canción que había tomado el título de una novela ocultista escrita por Dennis Wheatley, Black Sabbath, al grupo le encantó y adopta este nombre desde entonces. Así como sus llamativas presentaciones en vivo, el grupo captó la atención de varias compañías disqueras, al final firman con la Phillips Records en 1969. Para enero de 1970, la subsidiaria de Phillips, Fontana Records, realiza su single debut, “Evil Woman (Don’t Play Your Games With Me)”, un cover del grupo Crow que ya había sido hit en los USA. En febrero, otra subsidiaria, Vertigo, lanza el primer álbum del grupo, “Black Sabbath”, que tiene mejor suerte que el single y entra en los Top 10 británicos. El éxito tardó un poco en llegar a los USA, pero para mayo de 1970 el álbum ya alcanzó los Top 40 y permaneció allí por casi todo el año, obteniendo además millonarias ventas.
Al comenzar los años 70, la música popular estaba pasando por una época turbulenta, la mayoría de los grupos estaban tomando un camino más tranquilo, más discreto, explotando las baladas románticas y un rock suave, como James Taylor o los Carpenters; por su parte, Led Zeppelin o Grand Funk Railroad tomaron un curso radicalmente diferente, consiguiendo miles de militantes. Black Sabbath tomó un camino aún más extremo que el blues-rock basado en el folk inglés de Zeppelin. Aunque atacados por la prensa musical, la banda descubre una nueva audiencia, ambrienta de su aire sin compromiso. Black Sabbath rápidamente saca su segundo álbum, “Paranoid” en septiembre de 1970. El single del mismo nombre publicado poco antes llega a los Top 5 en G.B., y el álbum alcanza el número 1 poco después. En los USA entra en los Top Ten recién en marzo de 1971, vendiendo 4 millones de co-
El segundo LP, Paranoid, marcó la entrada del Black Sabbath en el mercado masivo de ventas a nivel mundial, convirtiendo la canción “Iron Man” en un clásico inmediato y al álbum en el más vendido de toda la carrera del grupo.
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pias, por lejos el álbum más vendido del grupo (estas ventas estaban estimuladas por el clásico “Iron Man”, que en los USA llegó a los Top 5).“Master of Reality”, su tercer álbum, apareció en agosto de 1971, siendo Top Ten a ambos lados del Atlántico y vendiendo más de un millón de copias. “Black Sabbath, Vol. 4” (Septiembre 1972) fue otro Top Ten que alcanza el millón de ventas. Para “Sabbath Bloody Sabbath” (Noviembre 1973), la banda trae a Rick Wakeman (del grupo Yes) para tocar en una canción, señalando un cambio en la dirección musical del grupo. Este clásico y controvertido álbum, fue otro Top Ten millonario. En 1974 por causa de varias
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disputas con los managers, el grupo se paraliza por un largo período. Cuando regresan a la acción en julio de 1975 con su sexto álbum, “Sabotage”, fueron muy bienvenidos en su casa, pero en los USA el clima musical había cambiado, haciendo más dificil entrar en las listas de éxito a un grupo de estilo pesado. La casa discográfica responde con un doble LP de compilación, “We Sold Our Soul for Rock ‘n’ Roll” (Diciembre de 1975) que alcanza el millón de ventas, pero el grupo ya contempla un cambio en su estilo musical. Esto trajo desacuerdos entre el guitarrista Tony Iommi, quien quería incluir nuevos instrumentos en su música, incluidos trompas, pero el cantante Ozzy Osbourne se resistía a una variación de la fórmula, los malentendidos comenzaron a corroer la unidad del grupo. “Technical Ecstasy” (Octubre de 1976), adoptó algunas de las innovaciones de Iommi, lo que terminó de frustrar a Ozzy y éste sale de la banda en noviembre de 1977. Esta pérdida parecía irreparable, pero el puesto de cantante se lo dieron a Dave Walker y el grupo vuelve a trabajar al comenzar 1978. En septiembre de ese año se lanza “Never Say Die!”, su octavo álbum, con un moderado éxito. En junio de 1979 el ex cantante de Rainbow, Ronnie James Dio (nacido el 10 de junio de 1949), ingresa al grupo ( en la misma época el tecladista Geoff Nichols viene a ser parte regular de la banda, tocando en grabaciones y actuando, pero no fue considerado miembro oficial hasta tiempo después). La nueva alineación se tomó un tiempo para entrar en el estudio, no realizando ninguna grabación hasta abril de 1980 con “Heaven and Hell”. El resultado fue un resurgimiento comercial. En los USA, el álbum vende más de un millón de copias, en Gran Bretaña, alcanza el Top Ten gracias a dos singles exitosos, “Neon Knights” y “Die Young.” Al mismo tiempo la vieja disquera de Black Sabbath lanza
un disco en vivo del grupo no realizado previamente, “Live At Last” con buenas ventas y un Top Five en las listas. En ese tiempo el baterista Bill Ward deja Black Sabbath por problemas de salud y es remplazado por Vinnie Appice. La alineación de Iommi, Butler, Dio y Appice graban “Mob Rules” (en noviembre de 1981), que tiene casi el mismo éxito que su predecesor: En Estados Unidos llega al oro y en Gran Bretaña alcanza los Top 20 y mete además dos singles en los charts, “Mob Rules” y “Turn Up The Night”. El siguiente es un álbum en vivo, “Live Evil” aparecido en enero de 1983, pero desacuerdos entre Iommi y Dio hacen que éste salga del grupo y se lleve a Appice con él. El grupo se negó a dar el carpetazo, por lo que se reorganizó persuadiendo a su baterista original Bill Ward a retornar, además de sorprender a sus fans metaleros reclutando al cantante Ian Gillian ex de Deep Purple. Esta nueva alineación graba “Born Again” realizado en septiembre de 1983. Black Sabbath sale de gira ese año para promocionar el nuevo trabajo con el baterista Bev Bevan sustituyendo a Ward, quien regresa en la primavera de 1984. El álbum llega a los Top Five en G.B. pero solo alcanza los Top 40 en USA. Gillian permanece con Black Sabbath hasta marzo del 84, cuando regresa con sus viejos compañeros de Deep Purple, en su lugar entra el cantante Dave Donato, pero sólo se queda hasta octubre sin llegar a grabar nada. Black Sabbath convence a Ozzy Osbourne para reunirse y tocar en el célebre Live Aid en julio de 1985, pero poco después de la actuación, el bajista Geezer Butler también deja el grupo, dejando a Sabbath como un mero vehículo para Iommi, el hecho fue enfatizado por el siguiente álbum, “Seventh Star”, realizado en enero de 1986 y acreditado a “Black Sabbath presentando a Tony Iommi”. En
Ronnie James Dio ha sido considerado como la voz de oro del metal durante décadas, su aporte en célebres bandas como Deep Purple, Rainbow y Black Sabbath ha sido siempre inestimable, gracias a su potente voz y a la energía que pone en cada canción. El gran “Elfo” debido a su baja estatura es sin embargo una de las figuras más grandes de la historia del rock, desde 1983 lleva adelante su carrera cosechando éxitos con sus discos en solitario.
este disco, la alineación estaba compuesta por Iommi (guitarra); otro ex cantante de Deep Purple, Glenn Hughes; Dave Spitz (bajo); Geoff Nichols (teclados); y Eric Singer (batería). El álbum tuvo un modesto éxito comercial, y la banda comenzó a fragmentarse una vez más. Con Black Sabbath ahora consistiendo en Iommi y sus “empleados”, los cambios de personal fueron moneda corriente. “The Eternal Idol” (Noviembre de 1987), falla en las listas británicas y norteamericanas,
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Tony Iommi y Ozzy Osbourne en el último concierto de “reunión” de Black Sabbath durante el Ozzfest de 2001, el tema más celebrado, por supuesto fue “Paranoid”.
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pero “Headless Cross” (abril 1989) consigue un mejor puesto en su país, con el single del mismo título liderando las listas durante una semana. Otro cambio en la alineación y otro álbum sin mucho éxito, “Tyr” (agosto 1990), solo consigue entrar en los Top 40 de G.B. y ni siquiera entra en las listas de USA. A pesar de todo, Iommi consigue reunir la alineación de 19791983, que consistía en Iommi, Butler, Dio y Appice para grabar su siguiente trabajo, “Dehumanizer” aparecido en junio de 1992, lo que vuelve a Sabbath a las listas de USA, alcanzando los
Top 50 por primera vez en nueve años, mientras que en G.B. el tema “TV Crimes” consigue un hit en los Top 40 luego de una década. En noviembre de 1992, Iommi, Butler y Appice se vuelven a reunir con Ozzy Osbourne para un concierto de despedida del cantante. Pero poco después se anuncia la vuelta de Ozzy a Black Sabbath. Esto en realidad no ocurrió, Dio y Appice salen nuevamente, Iommi los remplaza con Tony Martin y el baterista Bob Rodinelli. “Cross Purposes” (Febrero de 1994) tuvo un éxito modesto y el siguiente “Forbidden” (Junio de 1995), vuelve a traer a los músicos Cozy Powell, Geoff Nichols, y Neil Murray, además de Iommi y Martin. El disco sólo permanece una semana en las listas británicas, demostrando quizás que Black Sabbath era ya una fórmula agotada. En vista de esa realidad, Sabbath sigue los pasos de grupos como Eagles y Fleetwood Mac, juntando a sus más populares miembros para un álbum en vivo y un par de nuevas canciones de estudio. Grabado en su hogar de Birmingham, Inglaterra en diciembre de 1997, el álbum doble presenta a Iommi, Osbourne, Butler y Ward. El trabajo que sale en octubre de 1998 no tuvo mucho impacto en G.B., pero en los USA entra en los Top 10, llega a disco de platino y la canción “Iron Man” gana un Grammy por mejor Performance de Metal. La banda reunida sale de gira durante 1999 finalizando en Birmingham en diciembre. En febrero de 2001, Black Sabbath vuelve a reunirse en pleno para la sexta edición del famoso “Ozzfest”, festival anual de verano de Osbourne, tocando en 29 ciudades de USA. Más sorpresivo es el anuncio de un álbum con canciones nuevas y la participación de los miembros originales, pero el álbum no llega a concretarse y la banda queda dormida mientras Osbourne cosecha éxitos con su serie de TV.
Frank Anthony Iommi Urian, es considerado unos de los guitarristas más influyentes en la historia del rock, y el padre de muchos de los riffs utilizados en el rock, hard rock y heavy metal. Es de los pocos “dinosaurios” que evolucionan y se rejuvenecen álbum tras álbum y concierto tras concierto. Tiene la fortuna de haber fundado una banda que hoy por hoy es reconocida como el pilar fundamental del HEAVY METAL, de liderarla y de ser el pionero (al igual que Jimi Hendrix) en revolucionar el sonido de la guitarra. – Carlos Zaldívar
(crítico de rock)
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¡Fesivales! La reunión de las tribus ORIGENES “DESENCHUFADOS” Sobre el origen de los festivales musicales como siempre, hay controversias, pero lo más aceptado por los historiadores del rock sobre los orígenes nos dicen que se remonta a los históricos festivales folk de Newport, que desde 1959 se realizan en esa ciudad nortemaericana. El Primer Festival Folk de Newport fue organizado por George Wein y Albert Grossman, productor y manager de varias estrellas como Peter, Paul and Mary, Janis Joplin y del propio Bob Dylan. Ciertamente Newport no presentaba rock, ya que sólo se escuchaban los sones de protesta y contenido social “folkies” además de buen blues y jazz, el rock era considerado algo impuro, instrumento del consumismo y de la juventud alienada. El patriarca era sin dudas Pete Seeger, acompañado de su inseparable banjo, varias veces perseguido y hasta encarcelado por sus ideas consideradas comunistas. Los festivales de Newport comenzaron a ganar notoriedad a nivel país, a partir de la entrada en escena de Joan Baez y sobre todo de Bob Dylan. En 1963, Bob hace su aparición con una serie de canciones que muchos aún desconocían, su actuación marcó un hito en la historia, según el crítico musical Anthony Scaduto, “el público fue a participar de un movimiento y encontraron a su profeta”. Por primera vez un festival sirve para lanzar un mito y no sería la última; los astutos empresarios empezaron a ver a los festivales como un “termómetro del éxito”, donde se podían probar los nuevos productos musicales y donde el público hacía las veces de compradores potenciales, pues con su aprobación o decontento podían lanzar al estrellato o al basurero a un artista o a un grupo. Atrás em654
El fin de la década de los 60 es considerada por los viejos idealistas como el fin de un sueño, el sueño de la juventud por un mundo más justo, igualitario y sobre todo sin mentiras, utilizando como principal vehículo de su mensaje a la música. Los Festivales de música “moderna” fueron el punto culmi-
nante de ese sueño, miles de personas reunidas sin distinción de razas, credos o nacionalidad, compartiendo en paz y amor la esperanza y la música. Quizás este final sea un poco fatalista, pero en las décadas que siguieron no se ha vuelto a ver semejante movimiento juvenil a ese nivel tan amplio. pezaba a quedar el idílico ambiente donde los jóvenes convivían en un ambiente de paz, vestidos con jerseys indios, vaqueros y sandalias, acompañados de sus guitarras acústicas y panderos, cantando canciones de contenido social, blues y gospel; eran años en los que la vida parecía tener una finalidad y en el que cada uno podía ser trascendental y aportar lo suyo para que las cosas pasen. Personajes casi ancestrales como Pete Seeger, Taj Mahal y Ramblin Jack Elliot, cantaban con las nuevas figuras, Joan Baez, Bob Dylan y Mimi Farina “We Shall Overcome” o “Blowin’ In The Wind”. Pero todo comenzaría a cambiar a partir de 1965, con el movimiento folk ahogado por la “Beatlemanía”. 1965 es un fatídico año para el folk más purista, en la edición del Newport Festival de ese año, Bob Dylan hace su aparición con la “diabólica” gitarra eléctrica, es el nacimiento oficial del folk-rock, acompañado por una nueva banda que incluye a Mike Bloomfield y Al Kooper. Como todo nacimiento, no se hizo sin dolores de parto, el público abucheó a Dylan, lo trataron de vendido, se dice que Pete Seeger quizo cortar la electricidad en plena actuación, airado por ese chirrido infernal. Dylan tuvo que retirarse para volver más tarde “desenchufado”, pero el folk ya estaba herido de muerte, ya se había lanzado una nueva música, que sería explorada y explotada poco después por un sinnúmero de grupos y solistas.
EL PODER DE LA FLOR Al Newport Folk Festival, le siguieron otros festivales no menos importantes como el Monterey Jazz Festival en California y el primer festival de rock de la historia, conocido como el “Human Be-In” realizado en San Francisco, concretamente en el Golden Gate Park el 14 de enero de 1967, como parte del recién inaugurado movimiento hippie y bajo el lema “Una Reunión de Tribus”, una celebración al “ser” humano. San Francisco, que desde 1965 había arrebatado a New York el puesto de ciudad protagónica, cuna de la contracultura underground y del ácido, 655
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¡Festivales!
La histórica presentación de Hendrix en el Monterey Pop de 1967 donde realiza toda una ceremonia incendiando su guitarra... un clásico.
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donde las universidades tomaron la posta de la protesta social, parecía propicia para esta primera manifestación multitudinaria. Desde temprano unas 20.000 personas ya estaban reunidas para compartir una manera de vivir y expresarse, lo más extraño es que no se veía ni un policía. Hicieron su aparición Jerry Rubin, dirigente hippie que despotricó contra la guerra de Vietnam, luego el pope de la contracultura, Allen Ginsberg y otras figuras como Tim Leary o Gary Snyder compartieron con el público sus poemas y cantos budistas y por supuesto hicieron su aparición los principales grupos del momento, Grateful Dead, Jefferson Airplane y los Quicksilver Messenger Service. La ciudad de San Francisco se convirtió en el centro
de todo lo que pasaba en esos años, proliferaron las salas de concierto, como el Fillmore West o el Winterland, manejados hábilmente por el promotor de rock número uno de los USA, Bill Graham (no el predicador), quien también era manager de varias figuras como Jefferson Airplane, Grateful Dead o Santana. En los barrios y calles aledañas al High Ashbury proliferaban los “freaks” y los amantes del amor libre, todo el tiempo podías ver a la gente reunirse a disfrutar de un concierto gratuito, fumarse un “porrito” y pasarla bien con otros de su misma “especie”. Pero el evento que se establecería como un hito en la historia del rock es el “Monterey International Pop Festival”, celebrado los días 16 al 18 de junio de
¡Festivales! 1967, que muchos consideran, como el primer festival de la historia, hecho que como hemos visto no es del todo cierto. El festival nace de la mente de un cuarteto de pesos pesados de la industria musical, el promotor Alan Pariser, el agente Benny Shapiro, el publicista Derek Taylor y John Phillips de The Mamas and The Papas. Lo que se había concebido como una modesta aventura comercial, se convertirá en una masiva muestra de la contracultura. Prominentes nombres como Paul McCartney y Mick Jagger se unen a la lista de organizadores de la lucrativa empresa. Este primer mega concierto donde asisten más de 50.000 personas no se queda atrás en figuras, en la lista de participantes están: Country Joe & The Fish, Quicksilver Messenger Service, The Paul Butterfield Band, The Blues Project, Canned Heat, Al Kooper, The Electric Flag, The Mamas & The Papas, Laura Nyro, Otis Redding, Booker T & The MG´s, Hugh Masekela, Ravi Shankar, Simon & Garfunkel, The Byrds, The Association, Eric Burdon & The Animals, Buffalo Springfield, Jefferson Airplane, Grateful Dead, Big Brother & The Holding Company con Janis Joplin, Moby Grape, The Who y Jimmi Hendrix. Una verdadera Vía Láctea plena de estrellas de primera bajo el título “Music, Love and Flowers”. El toque exótico lo puso Ravi Shankar con una improvisación de casi tres horas y la consiguiente ovación de cinco minutos de duración. Y el clímax llegó con la actuación incendiaria de Jimi Hendrix donde en un arrebato prende fuego a su guitarra creando un acto delirante (preparado o no) que sería su sello. El Monterey Pop fue algo realmente indescriptible, pero podemos hacernos una idea gracias a las palabras de Myra
Friedman, secretaria y biógrafa de Janis Joplin: “Nunca más habrá un festival semejante al que tuvo lugar ese fin de semana de junio de 1967. Nunca más habrá otro acontecimiento en el que más de treinta grupos de rock se hincharon de gozo al compartir con una audiencia embelezada y por la adrenalina de la actuación en sí misma. Se multiplicarán por diez las multitudes de gente que invadirán los siguientes festivales de rock, pero no habrá más otro Monterey. Ese fin de semana fue excesivamente intoxicante, excesivamente radiante, excesivamente puro”. El escritor Nik Cohn expresa el espíritu de ese año de 1967: “Por todos 657
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¡Festivales! lados se paseaban chicos y chicas vestidos de arco iris, llevando cascabeles y flores en el pelo, usando términos “groovies”y llenando sus casas de palillos de incienso y lámparas de colores. Flirteban con el tema de la “nueva sociedad”, era el verano de amor y todos la pasaban bien. El punto álgido fue el Festival Pop de Monterey, donde la gente no rompía nada y no provocaba disturbios, la música era ininterrumpida y maravillosa. Todos se amaban, volaban en parte por la marihuana y en parte por el puro idealismo. Algunos periodistas y gente que llegaba para criticar, se sentían atraídos y hasta empezaron a creer en aquello. Al cabo de tres días hasta la policía llevaba flores. Inmediatamente, cuando el festival acabó y todos se marcharon a sus casas, a sus vidas cotidianas, a su triste realidad, todo se apagó. Hubo otros esfuerzos por conseguir el mismo entusiasmo, pero la primera vez es siempre la única. Cuando llegó el otoño y el sol se escondió, todo se vino abajo. Monterey puede decirse que fue al mismo tiempo, principio y fin”.
LA GENTE DEL MAÑANA QUE PUDO SER... El final de la década sería marcada a fuego por la turbulencia social y política. 1968 fue el año marcado por las protestas anti-racistas y las consecuentes represiones policiales. El mayo francés, donde miles de estudiantes universitarios y obreros con manifestaciones y huelgas ponen en jaque al gobierno, tuvo su repercusión en américa con la matanza de estudiantes en México, quienes reclamaban más democracia al gobierno militar. Praga es arrasada por el ejército soviético, tanques mediante para sofocar un alzamiento democrático conocida como la “Primavera de Praga”. La guerra de Vietnam estaba en su apogeo con la matanza de niños, mujeres y ancianos vista en directo por la TV; el regreso sin gloria de los combatientes al “mundo” sólo hacía más grande la herida de la poderosa nación de norteamérica; asesinan al dirigente negro Martin Luther King y a otro Kennedy (Robert) y hay más protestas estudiantiles. Fue el fin de la utopía. A partir de entonces nunca ha vuelto a existir una conmoción social de tal envergadura, nunca se ha vuelto a levantar una fuerza tan rotunda para desestabilizar al sistema constituído; jóvenes y trabaja658
¡Festivales! dores tuvieron la audacia de creer que era posible cambiar las cosas para mejor. Pero se perdió, desde ese momento el “Poder” se hizo más fuerte, más alienante y más camaleónico. 1969 no se queda atrás, el hombre conquista la luna, pero pierde la tierra; los Beatles ya están desmembrados, comienza la dolorosa y lenta retirada de tropas norteamericanas de Vietnam. En agosto la sociedad norteamericana y mundial es sacudida por la horrorosa matanza ritual de la actriz Sharon Tate y otras cuatro personas, perpetrada en los Angeles por la secta satánica dirigida por el tristemente célebre Charles Manson, luego de consumir LSD y escuchar obsesivamente el tema “Helter Skelter” (“sálvese quien pueda”) de los Beatles, donde supuestamente había un mensaje para él. El gobierno de Nixon es abiertamente desafiado y presionado por miles de manifestantes que copan Washington, los jóvenes norteamericanos esta-
ban perdiendo gradualmente la inocencia y descubriría los efectos perversos de las decisiones militares y diplomáticas de sus gobernantes.
LA NACIÓN WOODSTOCK A pesar de este tétrico panorama se habre un resquicio de esperanza, un remanente de gente que todavía cree en la humanidad, el amor, el entendimiento y la paz, la “Nación Woodstock”. El último pataleo de una era dorada que duro sólo tres maravillosos días. El evento, que a la larga costó cerca de dos millones y medio de dólares, fue el proyecto de John Roberts, estudiante de 23 años, Michael Lang y Joel Rosenmann de 26, locos y amantes del rock. Eran gente de dinero y querían invertir en interesantes y legítimas propuestas de negocios. Finalmente se les ocurrió una idea: un gran concierto de rock, combinado con una exposición gigante. En marzo de 1969
Charles Manson, dirigente de la secta hippie-satánica “La Familia”, se hizo célebre por el sangriento asesinato de la conocida actriz Sharon Tate y otras cuatro personas más. Causó estupor cuando confesó como mataron a sangre fría a esas personas, supuestamente siguiendo un mensaje directo para ellos que se encontraba en la canción “Helter Skelter” de los Beatles. Aún está en la cárcel e irónicamente ha grabado varios discos con discursos y canciones idealistas.
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¡Festivales! empezó la búsqueda del lugar ideal para hacer el concierto. Los corredores de bienes raíces de Nueva York ofrecían el alquiler de grandes extensiones de terreno por unos pocos meses. Los pastos de Wallkill resultaban ideales: eran amplios, estaban cerca de la carretera y había luz y agua. El régimen de la tierra, que estaba destinada a un futuro establecimiento de industrias, admitía exposiciones y conciertos. Los promotores habían dicho a las autoridades que no esperaban una asistencia de más de 50.000 personas, para un concierto de jazz y músicos folk. Empezaron los trámites municipales pero no obtuvieron los permisos. A pesar de este primer revés, consiguen que un viejo granjero de la zona les alquilara su ahora célebre Granja Yasgur, en Bethel, no tan cerca de Woodstock como uno podría pensar, dentro del estado de New York, próxima al lago White Lake. A mediados de abril empezó la campaña publicitaria en los medios adecuados, sobre todo la revista Rolling Stone. Para entonces se empezó a pensar en que Woodstock debía ser algo más que montar escenarios y vender entradas. Sería una muestra de la cultura de la juventud y un signo de los tiempos. El lema “tres días de paz y música” básicamente buscaba unir el movimiento anti-bélico con la música. Al principio ningún grupo quería firmar un
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contrato con estos jóvenes dementes que organizaban un festival epicureísta en un potrero lejano. El dinero lo solucionó todo. Pagando cantidades inéditas para la época, los primeros contratados fueron los Jefferson Airplane, la banda sicodélica por excelencia. Luego vinieron The Who y los Creedence Crealwater Revival. El festival se salvó de ser un gigantesco fracaso, no se suponía que iba a ser tan monstruoso... Como los promotores no alcanzaron a cerrar el perímetro en el que se iba a llevar a cabo el concierto, la gente penetró en masa. El caos comenzó cuando algunas estaciones de radio de la ciudad de Nueva York, empezando por la famosa WNEW, dieron la noticia de que el espectáculo era gratuito. Las vías de acceso, a casi cuarenta kilómetros del lugar, se taponaron. Además, Bethel se convirtió temporalmente en la tercera población más grande del estado de Nueva York. La historia cuenta que cerca de un millón de personas llegaron al festival pero solo 500.000 se quedaron como espectadores del festival de tres días y poco más. De este medio millón de asistentes, apenas unos 125.000 entraron
pagando. La música empezó a las cinco de la tarde del viernes 15 de agosto de 1969 y se terminó el lunes 18, a media mañana. Los músicos que escribieron esta historia: Joan Baez; Blood, Sweat and Tears; The Paul Butterfield Blues Band; The Band; Creedence Clearwater Revival; Canned Heat; Country Joe McDonald & The Fish; Crosby, Stills, Nash; Joe Cocker; Arlo Guthrie; The Grateful Dead; Tim Hardin; Jimi Hendrix; Richie Havens; Keef Hartley; The Incredible String Band; Janis Joplin; The Jefferson Airplane; The Joshua Light Show; Melanie; Mountain; Quill; John Sebastian; Ravi Shankar; Sly and the Family Stone; Bert Sommer; Santana; Sweetwater; Ten Years After; Johnny Winter y The Who. Los casi 500 mil asistentes, los más de 30 grupos de rock que se presentaron, además de la excelente película documental y la masiva publicidad de los medios, elevaron a este festival al nivel de acontecimiento épico. Pero Woodstock 69 fue excesivamente mitificado, comenzando por el hecho de que no fue un festival altruista, el motor principal fue por supuesto ganar dinero y mucho. Que se haya declarado abierto llegado 661
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¡Festivales! un punto, fue más por obligación y por falta de organización que otra cosa, por que los organizadores se vieron completamente desbordados por la cantidad de gente, no pudiendo ejercer el más mínimo control en las entradas. A pesar de ese contratiempo, no se perdió dinero, habían vendido más del triple de entradas de lo que se había planeado, además estaban las regalías que vendrían por las películas y discos. Otro hecho que enturbia un poco el mito, es la actitud de varios grupos supuestamente revolucionarios y progresistas, como los Who, los Grateful Dead o los Airplanes, quienes no quisieron tocar sin tener asegurado su dinero en mano por adelantado. Así de crudo, así de real. Woodstock 69 forma parte ya de la imaginería popular, cada vez que escuchamos ese nombre se nos viene las imágenes ya clásicas de fotos y películas de todo tipo, y en especial del documental “Woodstock” dirigida por Michael Wadleigh, donde puede verse los pormenores de lo vivido por esa multitud de
jóvenes embarrados, mojados, cubiertos con mantas y plástico, desnudos o pintarrajeados, ataviados con las más diversas manifestaciones de la moda. Pelo muy largo, cantos budistas, corrillos formados en torno a una guitarra o dos, acompañados por una rudimentaria batería; un personaje vestido con pijama enterizo rojo y sombrero de copa; tipis indios y niños desnudos correteando; gente bañándose en un lago cercano, así como Dios los trajo al mundo; pompas de jabón y humo de cigarrillos de marihuana e incienso, lluvia y barro, mucho barro. Gente subida a las torres de parlantes, autobuses de muchos colores, jóvenes contoneándose con la música alucinante, policías que miran impávidos, son muy pocos comparados con la multitud, pero no son necesarios, se respira un aire de fraternidad y salvo poquísimos incidentes no pasa nada grave. Hay 500.000 jóvenes en Woodstock, juntos, soñando un mundo mejor, al mismo tiempo hay 500.000 jóvenes combatiendo en Vietnam, ironías del fin de la década.
“¿Fuimos peregrinos o moribundos? ¿Fue aquello el principio de una civilización o el síntoma de una moribunda? ¿Estuvimos a punto de crear una zona liberada o de penetrar en un campo de concentración?” – Abbie Hoffman (“Woodstock Nation”)
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¡Festivales! Afiche promocional de la película documental dirigida por Michael Wadleigh, la misma se convirtió con los años en pieza de culto para los nostálgicos de una era de “paz y amor” que llegó a su fin.
Además de la película ya mencionada, Atlantic editó primeramente un triple álbum con las mejores actuaciones de los participantes, incluyendo canciones de Joan Baez, Butterfield Blues Band, Canned Heat, Joe Cocker (con su clásica interpretación de “A Little Help of My Friends” de los Beatles), Country Joe & The Fish (y el célebre cantico anti-guerra de Vietnam coreado por el público), Crosby, Stills & Nash, Arlo Guthrie, Richie Havens, Jimi Hendrix (incendiario como siempre, tocando su particular interpretación del himno nacional), Jefferson Airplane, Country Joe McDonald, Santana (con un sudoroso jam aclamado por la audiencia), John Sebastian (más tranquilo pero críticamente ácido), Sha Na Na, Sly & The Family Stone, Ten Years After (blues a mil), The Who, además del sonido ambiente. Como el triple LP se vendió más que bien, permaneciendo un mes en las listas de USA,
Atlantic decide sacar un doble álbum (dedicado a Hendrix) con más material de Hendrix, Baez, Melanie, Mountain y otros. Lamentablemente en ningún material aparecen las actuaciones de Janis Joplin (entonces bajo el sello CBS) o de Creedence Clearwater Revival (Fantasy) que aunque participaron del Festival, no hubo acuerdos entre disqueras con la Atlantic por los derechos de sus canciones. Pero años más tarde se lanzaría otro recopilatorio de cuatro compactos y un librito, conocido como “The Lost Performances” que haría justicia. El gran ausente: Bob Dylan, quien vivía en esa época muy cerca del lugar del concierto, todos esperaban que actuara pero no apareció. Las malas lenguas dicen que no fue porque estaba Joan Baez, pues en ese tiempo no quería verla ni en cajita de fósforos. Dylan saldría recién de su madriguera al año siguiente, para el Festival de la Isla de Wight en Inglaterra. 663
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DE AMERICA A EUROPA En Europa a principios de los 60 arrasó la moda de los Festivales al estilo Newport, en distintos puntos se celebraban encuentros musicales al aire libre como los de Montreaux y Antibes, con música folk y jazz. Pero uno de los más famosos fue sin duda el concierto gratuíto de Hyde Park en Londres en julio de 1969, con la asistencia de 250.000 personas y la actuación de grupos como Third Ear Band, Richie Havens y Donovan, las estrellas eran los Rolling Stones y los Blind Faith, el nuevo supergrupo formado por Eric Clapton, Ginger Baker, Steve Winwood y Rich Greg, pero con su deslucida actuación de poco más de una hora decepcionaron totalmente a sus fans. Seguidamente, la presentación de los Stones en memoria del recientemente fallecido y fundador del grupo Brian Jones, salvó la fiesta. La actuación empezó con un emotivo acto donde Jagger, totalmente de blanco (de luto oriental), lee un poema de Shelley “Adonais”, muy apropiado para el momento, y luego se dejan en libertad miles de mariposas blancas, cientos de esas mariposas ha664
bían muerto en sus cajas y sobre el escenario, lo que dejó un toque de ironía y muchos vieron en eso un “mensaje”. Después de Woodstock, otra vez en Europa, se celebra el Primer Festival de la Isla de Wight a partir del 30 de agosto de 1969, otros “dos días de paz, amor, música y...bla bla bla”. Un calco de Woodstock pero al estilo británico, donde ahora el concepto de separación de la sociedad alienante era más patente por
¡Festivales! Bob Dylan, el gran ausente en Woodstock 69, apareció en la Isla de Wight junto a The Band para una presentación de una hora, los presentes querían más... pero eso fue todo.
que se realizaría precisamente en una isla. El gancho publicitario: Bob Dylan. El primer día actúan The Who, Moody Blues, Joe Cocker y King Crimson, no pasa mucho, es mero calentamiento para tomar los mejores lugares. La atención estaba al día siguiente, el domingo 31 donde donde aparecería “él”. Todos esperaban a Dylan, desde aquellos 200.000 rostros anónimos que llegaron de diversos rincones del mundo, hasta conocidos músicos y personalidades de la industria musical. Los medios afirmaban “El día de Dylan”. Pero Bob no se lo tomaba muy en serio, apareció tres horas tarde acompañado por su esposa y unos amigos. Llegó y cantó acompañado por The Band y algunos temas en solitario durante una hora, todos esperaban mucho más, pero eso fue todo. El Festival de Wight no tuvo la magia de Woodstock, estaba claro que la mo-
tivación comercial era lo primero, pero de todas formas la prensa vuelve a la mitificación, comparando el festival como una gran peregrinación religiosa... cosas del negocio. Debido al relativo éxito del Festival de la Isla de Wight, los ávidos empresarios decidieron hacer una segunda edición en 1970. Publicitado hasta el hartazgo como un nuevo renacer de los ideales perdidos y anunciado como el mega festival que duraría cinco días... aquí se aprendió que con tres días bastaban. La organización del festival dividió el predio en dos sectores con enormes alambrados, el sector barato y el VIP, declarando abiertamente discriminativo al encuentro. No se previeron instalaciones higiénicas ni duchas, la aglomeración sin 665
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ningún tipo de comodidad ocasionaron nuevamente el caos, lo que pudo haber sido un bello recomenzar fue un verdadero desastre, sólo le faltó el homicidio. Definitivamente, con el fin de los años sesenta todo había cambiado.
GOLPES, MUERTE Y MALAS VIBRAS La siguiente cita se daría en medio de una desolada ruta norteamericana cerca de la localidad de Altamont en California, donde los Rolling Stones luego de una mastodóntica gira por los USA, terminarían por todo lo alto con un masivo concierto gratuito “de agradecimiento a sus fans norteamericanos”. Sería el 666
duro despertar a la realidad y el punto final al sueño dorado. Mick Jagger quería realizar a toda costa el mega concierto, con importantes invitados y realizar una película sobre el mismo para salir antes del inminente estreno de la película sobre Woodstock, es decir, lo de gratuíto era más una jugada comercial que otra cosa, de ahí la mala organización por el apremio del tiempo. La mala onda empezó con la elección apurada del lugar, pues Mick Jagger quería realizar el recital sí o sí, donde sea. Luego los Stones aceptan la sugerencia del grupo Grateful Dead para contratar a los Hell’s Angels (un grupo de motoqueros nada amistosos)
¡Festivales! como seguridad y para mantener el orden en el concierto... mala idea. Desde el primer momento la desacertada elección del lugar y su peor acondicionamiento empiezan a enardecer los ánimos, el mal humor, la impaciencia y malas vibras se hacen sentir. Incluso antes de la presentación de los Stones ya estalla la violencia, el cantante de los Jefferson Airplane es brutalmente apaleado por la “seguridad”, el ácido de mala calidad se consume como agua, las intoxicaciones y la enfermería malísimamente acondicionada agrian la fiesta. Carlos Santana recuerda: “Podíamos ver desde el escenario a los Hell Angels reprimiendo prepotentes a todo el mundo, y vimos un tipo blandiendo un puñal buscando pelea constantemente”. Cuando llegan los Rollings, incluso Jagger es atacado por un Hell Angel borracho. Ya repuesto, Mick se hace esperar, juega al divo sin tomar conciencia de la impaciencia de los asistentes ni de los ánimos caldeados. Cuando al fin sale al escenario, el cual estaba demasiado bajo y ni siquiera tenía vallas, el público estalla como si fuera una fiera enjaulada, la actuación es constantemente interrumpida por el caos, la invasión del escenario y las peleas entre la gente. Todo es confusión, hasta que ocurre la tragedia. Meredith Hunter, un joven negro es acuchillado por un Angel del Infierno a pocos metros del escenario, mientras, como toque siniestro, Jagger cantaba “Sympathy For The Devil”. Las cámaras logran captar el suceso y después durante el montaje para la película, la escena se ralentizaría y se repetirá obsesivamente (cosas del cine). Según algunos testigos, Hunter portaba un revólver, no se sabe si era para atentar contra Jagger o para defenderse de los
agresivos Hell’s Angels. Según otros, Meredith solamente cometió el “pecado” de ir acompañado por una hermosa muchacha blanca. Con todo, la tragedia sirvió como un estatequieto para todos, una toma de conciencia masiva 667
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de la violencia generalizada. Ante el asesinato del hombre, siguió un silencio impotente, por lo menos por parte del público. El concierto de los Stones continuó poco más y luego se largaron en su helicóptero rápidamente. Al día siguiente comenzaron los ataques de la prensa, columnistas, escritores, idealistas y hasta astrólogos que decían que no se había consultado con los astros para elegir el día del concierto, ¡como se había hecho en Woodstock!. El escritor Roy Carr decía: “Altamont tenía que haber sido el Woodstock del Oeste y en cambio significó la pérdida del paraíso. El mal ácido, la desorganización, la aglomeración, la deshumanización y la muerte de una persona eran el reflejo de una América violenta que la contracultura pretendía rechazar. ¡El público estaba tan alterado, tan nervioso que es inexplicable que no hayan sacrificado a los Stones!”. Analizando hoy los hechos con una perspectiva más amplia, no podemos 668
quedarnos con la fórmula facilona: Woodstock = bueno, Altamont = malo o Woodstock = fiesta, Altamont = desastre. Luego de años de tejes y manejes, opiniones y “revelaciones”, podemos decir que Woodstock y Altamont en realidad son parte de un todo, un único acontecimiento con resultados diferentes, de hecho en Woodstock no todo fue color de rosa, reinaba una tensión nerviosa muy similar, que no llegó a estallar; por lo que fue un milagro que no ocurriese ninguna tragedia. Hubieron muchos puntos negativos también, la lluvia que creaba un peligro real de electrocución para los artistas, la presión del público por ingresar gratis, la organización que se desbordó, etc. Richie Havens recuerda sobre Woodstock: “reinaba allí una tensión apenas soportable”, experiencia que pudieron compartir todos los músicos que actuaron allí. En realidad no hubo tal cosa como el bueno y el malo, lo cierto es que la América joven ya no era la misma y los viejos ideales ya estaban fuera de moda.
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“El arte tiene que levantarte de la silla. Te tiene que mover de un sitio a otro. Y si no te mueve, entonces no es arte, es un gran fracaso” – Bob Dylan
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Crocknología 1960 Elvis Presley regresa al ruedo musical después de su servicio militar en Alemania. Muere Eddie Cochran en un accidente a los 22 años, con el viajaba Gene Vincent que quedó gravemente herido y se apartó de la música varios años. Russ Solomon abre la primera Tower Records en California,la primera mega tienda de música.
1961 Comienzan los éxitos para el Soul, en especial del sello Motown. Se funda la revista musical “Mersey Beat”en Liverpool. El sello Stax comienza a producir discos de soul en Memphis
1962 El Twist despega gracias al éxito de un desconocido Chubby Checker. Arranca el Surf Rock en las costas californianas, Los Beach Boys lanzan “Surfin Safari”. Bob Dylan lanza su primer álbum. Los éxitos del Brill Building dominan el Pop. Los Beatles hacen su primer show en The Cavern. Comienza la era dorada de los Girl Goups.
1963 El Surf music domina en las radios. Los Beatles consiguen su primer número 1 con “Please, Please Me”. Se lanza la Beatlemanía.
1964 Los Beatles golpean a los USA y comienza la “invasión británica”. Sale en la TV británica la primera emisión de “Top of the Pops”. Robert Moog comienza a vender su sintetizador.
1965 Bob Dylan enchufa su guitarra eléctrica en el Newport Folk Festival causando horror a los puristas. La versión de los Byrds de “Mr Tambourine Man” inventa el “folk-rock”. John Mayall y sus Bluesbreakers, con Eric Clapton, importan el rhythm and blues de Chicago a Gran Bretaña convirtiéndose en el epitome del “blues-rock”. Las bandas de garage explotan en Norteamérica. Bill Graham abre el “Fillmore” como lugar de lanzamiento de nuevas bandas en el área de San Francisco. El DJ Alan Freed, acuñador del término Rock and Roll muere a los 47 años por enfermedad hepática.
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años 60
1966 Los Beatles dan su último concierto en vivo en San Francisco. Boom del blues revival en Gran Bretaña. CREAM el primer “power-trio” vende millones de copias de su primer disco. Frank Zappa lanza “Freak Out” el primer álbum doble del rock. Los Holy Modal Rounders inventan el “acid-folk”.
1967 El Monterey Pop Festival da comienzo al concepto de festivales de Rock. Se lanza el Sgt. Pepper de los Beatles. Cream, con Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce son el primer supergrupo del rock. Sale el primer número de la revista “Rolling Stone” Jimi Hendrix debuta en escena. Caetano Veloso y Gilberto Gil fundan el movimiento “Tropicália”. “Red Red Wine” de Neil Diamond es el primer hit reggae de un artista pop. Otis Redding muere a los 26 años.
1968 Se publica la lista de los 100 más Hot del Billboard, basado en las ventas de discos, emisiones radiales y de jukebox. Don Kirshner abre las oficinas para compositores en el Brill Building de New York que se convertiría en la fuerza más poderosa de la música pop. Gram Parsons inventa el “country-rock” junto a la International Submarine Band. Los Steppenwolf lanzan el éxito “Born To Be Wild” que contiene la expresión “heavy metal” un nuevo término que definirá todo un estilo. Toots And The Maytals lanzan “Do The Reggae” lanzando el reggae en los USA. El musical “Hair” abre en Broadway, es el primer musical que utiliza música Rock. 10.000 personas asisten al Primer Festival de la Isla de Wight en Inglaterra.
1969 El Woodstock Music & Arts Festival reúne a unas 500.000 personas, poniendo el broche de oro a una década de cambios. Se estrena la ópera rock “Tommy” de los Who. En Altamont, California, ocurre el primer gran trauma del rock, varias personas resultan intoxicadas, heridas y hay un muerto en confusos tumultos durante el concierto organizado por los Rolling Stones. King Crimson lanza “The Court Of The Crimson King” y Frank Zappa saca “Uncle Meat”, ambos inauguran la era del Rock Progresivo. Led Zeppelin lanza su primer álbum e inaugura el Hard-Rock.
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