Historia del rock parte4

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CUARTA PARTE

LA ERA DEL ROCK

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CAPITULO 13

Haz el amor y la Guerra Flower power, psicodelia y los revivals

Es en este punto cuando los movimientos de protesta de los folkies y de los beatniks evolucionan al movimiento hippie, el de paz y amor, el del poder de la flor y no las armas. Una juventud más comprometida y consciente de las realidades, ellos creían que un mundo mejor era posible; Estados Unidos sin embargo ya tiene en Vietnam más de 400.000 soldados en una guerra no declarada. Miles de jóvenes buscaban otras experiencias a través de las drogas, la vida comunitaria, el desprecio por lo establecido y el amor libre. Surgen grupos como los Greateful Dead que no creían en el showbusiness, daban conciertos gratuitos y vivían en comunidad; otros como los Jefferson Airplane, protestaban contra la guerra y hablaban de las drogas abiertamente, pero también hubieron (cuando no) empresarios zagaces que vieron lo que se venía y convirtieron el sueño en negocio próspero.

Este final de la década del 60 vió la aparente decadencia del rock hacia experimentaciones psicodélicas y su mezcla ya irreconocible con cuanto instrumento había para tocar. Pero también vió su resurgir como el ave Fénix, con toda su gloria y poder. Esta época es también la de los grandes conciertos al aire libre, comenzando ya por los históricos encuentros de folk en Newport y después con Monterey (con una “r” y no con dos como la ciudad mexicana), Woodstock, Isla de Wight, etc. Aquí se quiso vivir un sueño, mostrarles al mundo que era posible meter miles de personas en un sólo lugar y que pudieran disfrutar sin diferencias de ningún tipo de la naturaleza, del amor y sobre todo, de la música como elemento unificador. Pero la realidad era más dura y funesta de lo que los jóvenes pensaban. Con la llegada de la nueva década, el ideal se perdió, el sueño se desvaneció. Muchos héroes cayeron, víctimas de su propia filosofía y estilo de vida. Pero la juventud es un duro hueso de roer, pronto se volvería a levantar y luchar por nuevos ideales...

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San Francisco, cuna del Acido A finales de los años 50, el distrito Haight-Ashbury de San Francisco fue “colonizado” por los beatniks. El área, rodeada por la Haight Street y la Ashbury Street, estaba impregnada de una atmósfera bohemia, se decía que “incluso los policías no llevaban municiones, sino chalecos de punto a prueba de balas”.

El escritor Ken Kesey se había asentado a comienzos de los 60 a disfrutar de los royalties de su obra “Atrapado sin salida” y fue uno de los primeros en convertirse a la causa del ácido lisérgico, más conocido como LSD. Kesey era un firme creyente en las propiedades del ácido de cambiar la vida. El veía a la droga como una llave mental, que abría las puertas de las percepciones, dandole al usuario diferentes planos de la realidad. Para 1965 ya estaba rodeado de gente que creía lo mismo, formando un grupo de pensadores y experimentado-

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res llamado “Los Alegres Traviesos”, de entre los cuales el también escritor Jack Kerouac, se inspiró para crear la novela “On The Road”, que fue la “biblia” de los beatniks y de los amantes de la vida sin ningún tipo de ataduras.

La misión de estos “Traviesos” consistía en predicar al mundo la revelación del ácido. Hacían enormes fiestas, donde todo era experimentación. En una de esas fiestas asistió un tal Augustus Owsley Stanley III, un genio químico que haría la primera producción en masa del LSD, la cual, en ese tiempo, era perfectamente legal.

Kesey tenía en su círculo de amigos a un grupo musical aún poco conocido llamado The Grateful Dead. Los muchachos rápidamente se metieron en la corriente de los “Traviesos”, tocando en sus fiestas, happenings y organizando conciertos gratuitos. Con los larguísimos “jams” que hacían los Dead creaban un ambiente propicio para los shows psicodélicos, estos festivales al aire libre tuvieron un salvaje suceso y se generalizaron rapidamente.

Para finales de 1966, la bahía de San Francisco se convirtió en la meca de una rápida expansión del movimiento “hippie”, con Jerry Garcia y Bob Hunter liderando a los “deadheads” del Ashbury.

El ácido no fue la primera droga que impulsaba un nuevo sonido; Charlie Parker y Miles Davies eran conocidos por sus exploraciones jazzísticas con la morfina, y las bandas británica solían usar ampliamente las anfetaminas, además de la marihuana que era por todos conocida, pero la expansión de la conciencia que lanzó el LSD los superó a todos.

El ácido era el corazón de la filosofía hippie. “Turn on, tune in and drop out” era una frase popular de ese tiempo, y todos los hechos de la forma de vida capitalista eran cuestionados y desafiados.

Para complicar las cosas, el gobierno de los Estados Unidos empezó a incrementar su participación militar en la guerra de Vietnam, pero todavía estaba indeciso y contradictorio en las cuestiones raciales y sociales. En este ambiente contestatario, la Costa Oeste lleva la delantera en la lucha contra el “sistema”. La protesta estudiantil nacida en la Universidad de

Berkeley (cerca de San Francisco) y desarticulada violentamente por la policía local, llevó las cosas a un estado de permanente tensión entre los que participaban y los que querían seguir con su estilo de vida.

Entre los que despreciaban la guerra y quemaban sus cartillas de reclutamiento, y los que se callaban la boca.

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The Grateful Dead Patriarcas del Acid-Rock

“Los Grateful Dead somos, básicamente, una pandilla de bribones perversos” – Bob Weir

La leyenda de los Dead comenzó mucho antes de vender ningún disco, lo que es más, son uno de los pocos grupos, sino el único, que autoriza las grabaciones piratas de sus conciertos. Fue el grupo símbolo del “flower power” de San Francisco, integrada originalmente por Jerry Garcia (guitarra y voz), Ron “Pigpen” McKernan (teclados y voz), Bob Weir (guitarra y voz), Phil Lesh (Bajo y voz), Bill Kreutzmann (batería).

Los Grateful Dead eran famosos por sus fanáticos y leales seguidores (los “deadheads”) y por sus larguísimos concier476

tos. Sus miembros vivían en comunidad y siempre estaban al margen del sistema comercial, es decir no vendían nada.

A comienzos de los años 60, Jerry García y Ron “Pigpen” McKernan, tocaban en una banda llamada The Zodiacs.

Pigpen además tenía una tienda de música donde García enseñaba banjo. García y Pigpen conocieron a Bob Weir en Palo Alto, California y en el año nuevo de 1964 decidieron formar una “jug band”, banda tradicional de folk blues.

Se llamaron Mother McCree’s Uptown Jug Champions. García tenía también un

amigo que tocaba la trompeta, un músico con perfecta entonación llamado Phil Lesh. Lo invitaron a aprender a tocar el bajo y a unirse a la banda. Le tomó sólo dos semanas. Poco después se unió Kreutzmann en la batería, definiendo la alineación del grupo.

A comienzos de 1965 se hicieron llamar los Warlocks y conocen al escritor Ken Kesey, quien vivía cerca de ellos, en Palo Alto. En ese tiempo el LSD aún no era ilegal y el hospital estatal solía utilizar personas para experimentar con drogas alucinógenas; Kesey fue una de ellas, y Bob Hunter, un poeta amigo de García, que llegó a ser compositor principal de los Dead, era otra. García contaba: “Ellos le daban a Hunter psylocibina y mescalina y lo ponían en una pequeña pieza blanca para observarlo. Le pagaban para que se ponga a volar!” –decía Pigpen–.

Kesey formó un grupo de bohemios y poetas llamados los “Merry Pranksters”, quienes empezaron a probar el ácido en Palo Alto en el verano de 1965. Hicieron una serie de fiestas donde los invitados podían “ponerse a volar” con el ácido y bailar toda la noche. García y sus amigos

tocaban más raro y más fuerte que cualquier otra banda de rock hasta ese momento. E hicieron un “gran trato” con el LSD. “De repente se rompió la caja de Mandala, era cualquier cosa que quisieras hacer. Sólo tomabas el LSD y de repente te encontrabas en otro plano de cosas, muchos otros planos, y la questión era extenderse hacia los límites, ir tan lejos como puedas. Probar el ácido significaba dejar atrás todo lo viejo, las viejas ideas, buscar algo nuevo”.

Entonces el grupo descubrió que ya existía otro grupo llamado los Warlocks.

García y Weir estando en casa de Phil, empezaron a pensar un nuevo nombre.

García tomó un gran diccionario, que no era un objeto raro en la casa de Phil el académico, y encontró las palabras GRATEFUL y DEAD juntas. Era una extraña pero maravillosa juxtaposición que encantó a García, e hizo que lo tomaran para el nombre de la banda.

“Yo pensé que las personas lo encontrarían muy mórbido” decía Weir. Pero García le dió otra vuelta de tuercas. De hecho es un término musicológico para las baladas folklóricas escocesas e ir-

Afiche de 1966, anunciando a los Dead en el Fillmore Auditorium de San Francisco.

Jerry García, Bob Weir y Phil Lesh en el Madison Square Garden, circa 1980.

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Jerry García durante la gira de los Grateful Dead por Gran Bretaña en 1972.

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landesas, tocadas cuando moría alguien, para limpiar el honor del fallecido.

En 1966 se mudaron juntos a su famosa casa en el 710 del Ashbury Street. Desde allí salían a tocar en cuanto concierto había, incluso lo hacían gratuítamente, por el solo placer de tocar en público y de compartir la experiencia.

Mickey Hart se unió a ellos en la batería en 1967, dejándolos tres años después, cuando su padre Lenny, dejó a la banda con una millonaria deuda.

A fines de setiembre de 1970, Keith Godschaux comenzó a tocar el piano con el grupo, y en abril su esposa Donna subió al escenario con los Dead por primera vez. “Pigpen”, cuyo teclado Hammond fue el elemento característico del sonido del grupo, murió en marzo de 1973, la difícil misión de remplazarlo recayó sobre Godschaux.

Los Dead tenían un estilo musical híbrido, que se centró en el countryrock a principios de los 70, con álbumes como “Working Man’s Dead” (1970) y “American Beauty” (1970). Después de “Wake Of The Flood” (1973). Una nueva visión creativa se ve aparentemente en “Blues For Allah” (1976), pero las carreras solistas de algunos miembros amenazaba con destruir la unidad del grupo.

Grateful Dead siguió grabando sin tener en cuenta su sello hasta que firmaron un nuevo trato con Arista Records.

Con sus contínuas giras, siguieron ganando a nuevas generaciones de fans, tras la muerte de Godchaux, ingresó Brent Mydland, quien le dió al grupo un aspecto más comercial, ellos estaban probando, en palabras de su álbum “Built To Last” de 1989 que estaban hechos para durar.

Jerry Garcia, el pariarca del rock, que había sobrevivido al ácido, la heroína y a un coma diabético, finalmente murió en agosto de 1995.

Jefferson Airplane Volando en las alas del Rock

La primera banda del área de la Bahía de San Francisco que recibió reconocimiento nacional fue Jefferson Airplane.

Paul Kantner y Marty Balin nombraron al grupo en honor al legendario blusero “Blind” Lemon Jefferson en 1965. Ellos fueron el centro de un círculo de músicos que incluía a ex-miembros de Moby Grape, Quicksilver Messenger Service y otros. La banda estaba formada originalmente por Kantner y Balin, Jorma Kaukonen, Jack Casady y Spik Spence.

Eran abiertamente influenciados por los Byrds, estando firmemente arraigados en la escena folk, pero se animaron a cruzar los límites entre el folk y el rock.

Anderson y Spence se retiraron tempranamente, y la vocalista Signe Toly Anderson tuvo que salir por causa de su embarazo. El baterista Spencer Dryden ingresó y la magnífica voz de Grace Slick fue el golpe maestro de Jefferson Airplane. Hicieron su álbum debut en 1966 sin mucho éxito. Pero consiguieron un contrato con la RCA Victor por 20.000 dólares, para realizar “White Rabbit” como su segundo single. “White Rabbit”, que hacía clara referencia a la droga, se convirtió en un éxito mudial instantáneo, cuando la tempestuosa voz de Slick, llevaba a la canción en un torbellino a su clímax.

Su segundo álbum, “Surrealistic Pillow”

Con la entrada de Grace Slick a la banda, Jefferson Airplane alcanzó la fama internacional.

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El segundo álbum del grupo es considerado uno de los mejores discos de la época.

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(1967) contenía el excelente “White Rabbit”, convirtiéndo al álbum en un clásico del folk-rock de la Costa Oeste.

Para el verano de 1967 la cultura alternativa de los hippies estaba en su apogeo.

Las ropas se hicieron más holgadas y largas, con colores brillantes y patrones psicodélicos, los cabellos crecían y se dejaban ver largas barbas. Las flores eran el símbolo de los nuevos tiempos y “Paz y Amor” eran las palabras favoritas. De este año es también el otro famoso single “Somebody To Love” y su aplaudida y recordada participación en el Monterey Pop Festival.

“After Bathing At Baxters” (1968), un ambicioso álbum-concepto, marcó la salida gradual de Balin de la banda. El hecho de que cada vez menos composiciones de Marty Balin se utilizaban, hizo que finalmente renunciara en 1970 después del rompedor “Volunteers” canción que se convirtió en todo un himno contra la guerra de Vietnam.

Durante un período de inactividad, Kaukonen y Casady forman la banda de blues-rock Hot Tuna y Dryden se retira.

El baterista Joey Covington se une en 1971, año en que realizan el pobre álbum “Bark” (en cambio el álbum “Sunfighter” realizado por Slick y Kantner, fue muy superior).

Después de un álbum en vivo bastante malo, la banda desaparece de la escena, para resurgir en 1974 como Jefferson Starship, liderados por Slick y Kantner.

Su “Dragonfly” (1974) se vendío bastante bien, Balin llegó a contribuir con el álbum, aún cuando ya no formaba parte de la banda. Slick deja el grupo en 1978, pero Kantner siguió manteniéndolo vivo hasta 1985, cuando él mismo lo deja.

Poco después Grace Slick retornó con una nueva versión de la banda, la llamó Starship, obteniendo un número 1 con el single “We Build This City” en 1985. Mientras tanto Kantner formó la KBC Band con Balin y Casady. En 1989 un reformado Airplane (con Slick, Kantner, Balin, Kaukonen y Casady) resurgió con un nuevo álbum, pero no fueron muy bien recibidos por la crítica y deshicieron la banda en 1990.

The Doors Las puertas de la experimentación La historia de uno de los grupos más importantes e influyentes de la historia del rock comienza con el nacimiento de James Douglas Morrison en la Florida el 8 de diciembre de 1943, desde muy joven se interesó el teatro y la lectura, su padre era oficial de la marina, por lo que siempre estuvo mudandose de una ciudad a otra. Tras unos años de búsqueda y de una pasada por la Universidad de Florida, finalmente viajó a California para estudiar teatro primero y luego cine en la UCLA, donde conoció al organista Ray Manzarek (nacido como Raymond

Daniel Manczarek en Chicago el 12 de febrero de 1939) quien en ese tiempo ya tenía una banda, formada junto a su hermano llamada Rick and The Ravens.

Fue a fines del verano de 1965 en Venice Beach cuando Jim y Ray se encontraron una tarde; Jim le recitó unos poemas que había escrito incluyendo “Moonlight Drive”, con melodía, Ray quedó bastante impresionado y le dijo que deberían formar una banda de rock.

Al poco tiempo Ray trajo a dos músicos más para que se unieran a la banda: John Densmore (n. 1 de diciembre

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Portada del primer LP del grupo, “The Doors” 1966.

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de 1944 en Santa Mónica) y Roby Krieger (nacido Robert Alan Krieger el 8 de enero de 1946 en Los Angeles), batería y guitarra respectivamente, quienes ya tocaron juntos en un grupo llamado The Psychedelic Rangers. Los cuatro se entendieron perfectamente, tanto en lo instrumental como en lo personal. Jim Morrison amaba los escritos de Aldous Huxley por lo que propuso el nombre The Doors por lo de “las puertas de la percepción”, todos aceptaron.

Los Doors consiguieron su primer trabajo en 1966, tocando en el London Fog. Una noche Ronnie Haran, quien trabajaba en el Whisky A Go Go, fue a verles y les consiguió que actuasen en ese conocido club, donde aparecían estrellas como The Byrds, Turtles, Them, Captain Beefheart, Love y otros. Al tiempo que tocaban en el Whisky A Go Go, Jim y Ray habían presentado su demo a Billy James, de Columbia Records, consiguiendo un contrato de seis meses.

Poco después Jac Holzman directivo de

Elektra fue a ver la actuación del grupo Love, pero quedó más impresionado con los Doors.

Jim Morrison empezó a ver al escenario como un escaparate para desarrollar sus cualidades vocales y dar rienda suelta a la expresión corporal; comenzó a jugar con el público, a hipnotizarles y sorprenderles con cada actuación. Jim exploraba al máximo las nuevas experiencias con drogas y alcohol, encontrándose muchas veces demasiado borracho como para subirse al escenario.

La música de los Doors era básicamente R&B clásico con toques jazzísticos de Manzarek, una guitarra muy rockera y blusera de Krieger y el ritmo envolvente de Densmore que con la voz profunda, magnética y sexual de Morrison daban forma al distintivo sonido del grupo. Los Doors no tuvieron un bajista permanente, en realidad Manzarek tocaba el bajo con los teclados por lo que en ese aspecto también se separaban de las demás bandas de esa era en Los Angeles.

Los Doors durante su gira europea.

Para ese tiempo los demás miembros del grupo comenzaban a acostumbrarse a las repentinas desapariciones y sorpresivas apariciones de Jim. Aún así seguían trabajando en el Whisky, pero una noche, interpretando “The End”, Jim cantó el famoso verso: “father I want to kill you, mother I want to fuck you”, produciendo un escándalo que hizo que el dueño del club los despidiera. También venció su contrato con Columbia sin haber editado nada. A pesar del mal momento, Holzman vuelve a aparecer para ofrecerles un nuevo trato que los Doors firmaron sin pensarlo dos veces.

LAS PUERTAS SE ABREN A los pocos días ya estaban en el estudio para grabar su primer álbum al que llamarían símplemente “The Doors”. En dos semanas ya habían grabado abundante material con Morrison en estado de vuelo la mayor parte del tiempo.

El disco resultó una joya, un álbum lleno de energía y rock and roll. El grupo ya hacía meses que tocaban esos temas, asi que el productor Paul Rothchild sólo

tomó esa vibración y sonido propio y los puso en el disco. El LP incluía “Light My Fire” uno de sus temas más conocidos. También estaban la hermosa “The Crystal Ship”, el soberbio “Break on Through” y “The End” (con la letra cambiada para evitar problemas), todos ellos clásicos de los Doors.

“Break On Through” destinada a ser single, era una incitación a probar el ácido, pero no era nada simple, pues la compleja instrumentación era una verdadera muestra de lo que el grupo era capaz de hacer. La disquera les obligó a cambiar la frase donde decía “She gets high” (ella se vuela) una frase demasiado explícita en cuanto al ácido, pero que en los conciertos en vivo, Morrison no dudaba en pronunciar. Lo mismo pasó con “The End”. En vivo, sus temas estaban en constante evolución, contínuamente improvisaban sobre ellos, añadiendo nuevos arreglos, etc. Manzarek asegura que nunca han tocado “The End” dos veces de la misma manera, esa era parte de su magia.

Todo el grupo le tenía fe a “Break On Through” por lo que comenzaron

Robbie Krieger, el espíritu de los Doors.

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No toques la tierra No veas el sol No hay nada que hacer más que correr, correr, correr.

Corramos.

La casa en la colina La luna reposa tranquila las sombras de los árboles atestiguan la brisa salvaje.

Ven, nena, corre conmigo.

Corramos.

Soy el Rey Lagarto Puedo hacer lo que quiera.

(Frag. The Celebration of The Lizard King)

a llamar a las radios para que pasaran el tema, no hizo falta mucho esfuerzo, pues al poco tiempo de su lanzamiento ya había alcanzado el puesto número 11.

En julio del 67 se lanza “Light My Fire” como segundo single del grupo, llegando enseguida al puesto número 7 y a las tres semanas al número 1.

La fama había llegado y Morrison seguía siendo el mismo, sólo que ahora tenía más dinero para gastar. Ya no podían extenderse demasiado en los conciertos, por consejo de los managers, pero al final hacían lo que querían, 484

dejándose llevar por los devaneos de su vocalista. Morrison conoce en esos días a la periodista Gloria Staver, quien es la autora de las fotos de estudio más conocidas de Jim (que figuran en casi todos los posters).

DIAS EXTRAÑOS Todo había pasado muy rápido y casi sin darse cuenta ya estaban de vuelta en los estudios para grabar su segundo LP. A pesar del éxito obtenido, no habían salido aún de California y tocar en

los clubes pequeños al que estaban habituados ya no era posible. Muchos temas del segundo disco los compusieron en el propio estudio, aparte de algunos otros que ya tocaban desde hacía tiempo, como “Moonlight Drive”, en este disco figuran también “When The Music’s Over”, un tema larguísimo en la misma tónica que “The End”. El tema principal “Strange Days” era como su nombre lo indica una canción demasiado extraña para los oídos poco acostumbrados, por lo que no resultó demasiado exitosa. Así mismo “People Are Strange” también era fuera de lo común, con tonalidades del folk europeo. Pero “Love Me Two Times” si era más digerible y prácticamente salvó el disco. Ya en los últimos días de 1967, los Doors consiguieron un disco de oro por su primer LP y ventas de más de un millón de copias de “Light My Fire”.

Cuando salió a la calle “Strange Days”, Morrison empezó a vestirse de cuero negro. Los Doors estaban en la cima y estaban haciendo una extensa gira por los Estados Unidos. En uno de los conciertos en New Heaven, Jim se había metido a los baños con Gloria Stavers, un policía los descubrió y sin saber quiénes eran empezaron a forcejear y Jim acabó rociado con spray picante. Morrison ya libre de su atacante, subió al escenario y contó la historia en medio de la canción “When The Music’s Over” sacándole la gorra a otro oficial, provocándo a la línea de policías que estaban al pie del escenario; se armó tal batalla que Jim acabó siendo detenido para salir recién al día siguiente.

Los Doors fueron invitados entonces al conocido show de Ed Sullivan. En los camerinos, el encargado de la producción les pidió que cambiaran la controvertida frase de “Light My Fire”, “nena no podrías estár más volada”. Durante la transmisión en directo, Morrison no sólo cantó la canción sin cambiarla, sino que la enfatizó a propósito. El grupo nunca

más volvió a actuar en el show aunque tenían firmado un contrato por varias apariciones.

ESPERANDO POR EL SOL Mientras los Estados Unidos seguía enviando tropas a Vietnam, se lanzó “Unknown Soldier” un canto a la paz, como adelanto del tercer LP de los Doors. Este tema contenía toda la energía del rock, tonalidades latinas, partes tranquilas y hasta efectos sonoros (el pelotón de fusilamiento, obra de Densmore y Krieger). El single fue acompañado de una filmación realizada en Venice Beach al estilo de los “video clips” actuales.

Los conciertos de los Doors eran toda una aventura, podían tocar en medio de

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“No hay nada más divertido que tocar ante un público, hay una bella tensión, hay libertad y al mismo tiempo obligación de hacerlo bien. Actuando me siento espiritual, actuar me da una máscara, un lugar para esconderme de mí mismo y donde encontrarme a mí mismo...”

John Densmore, el ritmo y latido de los Doors.

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una pelea, con un Morrison que sólo estaba interesado en causar emociones. No quería que nadie se quedara indiferente, aparte de cantar, bailaba, actuaba, recitaba poemas, hablaba con el público, hacía cosas que ningún otro vocalista había hecho jamás. Fue el primero en lanzarse al público desde el escenario.

La grabación de “Waiting for the Sun” se hizo muy dificultosa, debido a las constantes borracheras de Morrison.

Manzarek, Krieger y Densmore llegaron a contratar a Bobby Neuwrith para que fuera la sombra de Jim y evitar que llegara a estados lamentables. Jim ya era un alcohólico consumado, pero a pesar de sus problemas nunca dejó de escribir ni componer. Cualquiera supondría que debería estar todo el tiempo tirado en algún lugar sin hacer nada, pero no era así. El alcohol como cualquier droga habitúa a los adictos a sus efectos, por lo que cuando todos los demás se caían de borrachos, Morrison apenas estaba empezando a entonarse.

En julio de 1968 sale “Waiting For The Sun” que permaneció cuatro semanas en el número uno en los USA y la canción “Hello I Love You” logró otro tanto en la lista de singles. Ese año bastante agitado por los asesinatos de Martin Luther King y Malcolm X, las represiones raciales, los disturbios callejeros antibelicistas en los USA y en Europa, etc., vieron a Morrison convertirse en el cantante más popular de norteamérica. Tras el éxito del corto “Unknown Soldier”, los Doors recibieron una invitación de sus viejos compañeros de UCLA para filmar varios conciertos y los backstage para una película. Luego de unos conciertos más, Los Doors viajan a Europa para un tour con los Jefferson Airplane. Finalmente en Amsterdam tuvieron que tocar sin Jim porque éste había abusado del hachís y el alcohol teniendo que ser hospitalizado. Los médicos le recomendaron descanso, al día siguiente vuelven a los Estados Unidos, pero Jim se queda con su novia Pamela Courson en Londres, donde conoce al poeta Michael

McClure quien le anima a Morrison a publicar su primer libro de poemas.

Ya en 1969, de vuelta en los USA, Los Doors empiezan a preparar su próximo LP, en el cual querían incluir “The Celebration of The Lizard King” pero que finalmente quedó como poema para la contraportada del disco. Actúan en el Madison Square Garden y reciben otra invitación para actuar en el Dinner Key Auditorium de Miami. Allí el grupo empieza su actuación ante un público apretujado y drogado, Jim como no, sube al escenario con varias copas de más. El grupo deja de tocar porque Morrison deja de cantar para hablarle a la audiencia, incitándoles a que se desnudaran y subieran al escenario...“no estoy hablando de revolución, estoy diciendo que la pasemos bien juntos...Hitler está vivo y anoche me lo encamé... todos son un puñado de esclavos” se dice que incluso llegó a bajarse los pantalones y a simular una felación a la guitarra de Krieger. Todo esto resultó en la detención de Morrison y una citación ante el jurado de la ciudad. Pero el mismo Manzarek dijo: “Jim no hizo nada en Miami que no hubiera hecho ya antes”.

Tuvieron que suspender varias presentaciones y gastar millones en abogados. Sobre este concierto Jim declaró: “No hay reglas en un concierto de rock, todo es posible, en Miami intenté reducir el mito al absurdo, la gente no fue allí a escuchar música, hablé con cada uno de ellos y les pregunté lo que querían... creo que el juicio no me afectará porque no hice nada malo, la indignación ante eso no tiene sentido, estaba alimentando la imagen que se había creado a mi alrededor. Estaba probando los límites de la realidad, sentía curiosidad por ver qué pasaría, eso fue todo, pura curiosidad”. En aquellos meses saldrían a la venta sus libros “The Lords” y “The New Creatures”.

Ray Manzarek, la armonía y unidad de los Doors.

EL SUAVE DESFILE El single de su nueva producción lo presentaron en el programa televisivo Critique. “The Soft Parade” era un largo poema de Morrison que iba de una suave melancolía a un final muy rockero, con los cuatro miembros cantando a voz en cuello. El tema estaba inspirado en los desfiles que se realizaban casi a diario en el Sunset Boulevard. El disco salió a la venta en julio de 1969, acompañado del sorprendente “Touch Me”, otra pieza de Krieger que llegaría al número 1.

Para la gira de presentación del nuevo LP se encontraron con la sorpresa de tener que firmar una cláusula donde se estipulaba que se encargarían de cargar con los gastos de los desmanes que Jim Morrison llegara a ocasionar.

Además del amplio despliegue policial que las ciudades montaban en cada presentación del grupo (y eso que el disco era livianito). Uno de los primeros conciertos de esta gira se realizaría en la Plaza Monumental de la ciudad de 487

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“Nuestra música volvió a la antigua forma, usando sólo cuatro instrumentos.

Pensamos que habíamos ido demasiado lejos con la orquestación de “Soft Parade” y queríamos volver al formato básico original”.

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México, pero las autoridades represivas no veían con buenos ojos la presencia masiva de gente en un solo lugar, por lo que tuvieron que tocar en una sala pequeña. Después del concierto la banda permaneció en la ciudad durante una semana, donde Morrison se pasó leyendo y visitando museos, además de practicar el poco castellano que había aprendido años atrás. De vuelta en Los Angeles, Jim alquiló un departamento con una boutique en la planta baja para su novia Pam. Los dos seguían juntos a pesar de que mantenían relaciones con otros. Para la navidad, la disquera comenzó a presionar a la banda, querían un nuevo disco, pero no había problema, la banda aún tenía varios ases bajo la manga.

EL HOTEL MORRISON “Morrison Hotel”, la nueva producción de los Doors llegó al mercado cumpliendo con los pedidos de la disquera.

El Hotel Morrison era un lugar real, una pensión barata que al grupo le cayó en gracia. Este magnífico álbum muestra a la banda en todo su esplendor, con los habituales ingredientes de blues, rock y poesía.

Arrancaba con el espectacular funk de “Peace Frog”

y contiene además el genial “Roadhouse Blues”. Este disco alcanzó el millón de copias vendidas en los USA. Tras varias intentonas sin éxito de entrar al mundo cinematográfico, los Doors siguieron haciendo conciertos, y en enero de 1970, renuevan contrato con Elektra. Pero las presentaciones se hacían cada vez más esporádicas, pocos se atrevían a promover otro “Miami”, además la paciencia de Manzarek, Krieger y Densmore comenzaba a agotarse, acusando a Jim de estar arruinando su carrera; claro que sus carreras quizás no habrían sido posibles sin Jim. El sello Atlantic por su parte intentó hacer firmar a Morrison un acuerdo como solista, sin los Doors, cosa que rechazó de plano. Para colmo de males tuvo que enfrentar dos juicios por sus desmanes anteriores y enfrentar el hecho de que estaba gordo, barbudo y lejos de la creatividad que siempre le caracterizó. De hecho estaba viendo la decadencia de su estrellato.

En julio de 1970 salió a la venta “Absolutely Live” una compilación de sus pocas presentaciones en los seis meses anteriores. Muchas bandas habían tenido éxito con discos en directo, pero para los Doors esto era síntoma de estancamiento. Aunque el productor Rothchild odiaba el disco, Morrison opinó: “Creo que es un buen documento real de nues-

tros conciertos. No es desquiciadamente bueno, pero sí es un fiel retrato de lo que solemos hacer durante una buena noche”. Entre tanto Pamela Courson estaba en el pozo de la heroína, acompañado por un Jim que se dedicaba todo el tiempo a drogarse, a beber y a comer en exceso. El 8 de diciembre, día de su 27 cumpleaños se pasó en el estudio seis horas grabando sus poemas mientras bebía una botella de whisky. Gran parte de este material daría forma al álbum “An American Prayer”.

MUJER DE LOS ANGELES Al comenzar 1971, los Doors se reunieron para trabajar sobre su nuevo álbum. La amistad de antaño ya no era la misma, estaban juntos sólo profesionalmente, aunque no perdieron el contacto ni llegaron a enemistarse. Rothchild, su productor de siempre no quiso hacer el disco después de escuchar las canciones, por lo que el grupo decidió producirlo por su cuenta, con la ayuda del ingeniero de sonido Bruce Botnick. El local donde ensayaban se convirtió en estudio, destinando un baño para aislar la voz de los demás instrumentos. Sin duda, grabaron otra obra maestra de la historia del rock.

Hicieron “Raiders on the Storm” con efecto de tormenta en la que Morrison grabó dos versiones, una cantada normalmente y otra susurrada. Volvieron a sus raíces con “Love Her Madly” y un blues de John Lee Hooker “Crawling King Snake”, además de la magnífica experiencia musical que significa el tema que da título al álbum “L.A. Woman”. Durante la grabación del disco, varios de los miembros ni siquiera se hablaban, pero al escuchar el resultado no tuvieron más que felicitarse y despedirse amistosamente.

Luego de terminar el disco Jim y Pamela decidieron pasar una temporada en París. Después de pasar dos semanas

en un hotel, alquilaron un departamento cerca de La Bastilla. Pasaron los días visitando museos, cafés, cines y viajando. En ese tiempo Jim se afeitó la barba, perdió algo de peso y adoptó una apariencia más apacible; pero en París, tenía a su disposición más bares que en L.A. y clubes nocturnos donde corría la droga y la diversión sin límites. Cuentan que Jim amaneció varias veces en casas de gente que ni siquiera conocía y que llegaba a las tres botellas de whisky por día. Llegó a hablar con Densmore por teléfono y se mostró muy contento por las ventas de “L.A. Woman”, le contó que estaba escribiendo y preparando una ópera, pero todo era mentira, su estancamiento creativo le llevó a una intensa depresión. El día 2 de julio, Jim dijo a sus amigos que no se sentía bien (cosa muy extraña) y se retiró a su departamento. A la mañana siguiente Pamela descubrió a Jim Morrison muerto en la bañera con la cabeza recostada y una sonrisa en el rostro. Existen muchos

La decadencia de Jim.

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testimonios de la causa de la muerte y las circunstancias en que ocurrieron los hechos, pero es sabido por demás las exageradas experiencias de Jim con la heroína, la cocaína el ácido, el whisky y la comida, tal tremenda mezcla no podía sino pasarle la factura a su maltratado cuerpo tarde o temprano.

Jim fue enterrado en el cementerio de Père-Lachaise de París. Pamela volvió a los Estados Unidos totalmente destrozada y culpándose por la muerte de su amado. Pam murió por sobredosis en 1974 sumida en la heroína y ejerciendo la prostitución. Cuentan que los últimos tiempos se sentaba por horas al teléfono diciendo que Jim estaba vivo y que la iba a llamar en cualquier momento.

THE DOORS SIN MORRISON A finales de 1971 el trio sobreviviente intenta mantener la leyenda de los Doors y lanza “Other Voices” con la voz de Ray Manzarek, pero apenas entran en

Robbie, Ray y John siguen actuando hoy con la misma chispa que sus años mozos, pero ya sin la energía de Jim Morrison.

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los Top 40. Al año siguiente “Full Circle” se lanza con similar resultado. Pero la industria no deja pasar la oportunidad de obtener jugosos beneficios a través de la prensa, el merchandising, discos recopilatorios, videos, etc. llegando al tope con el lanzamiento del disco “An American Prayer” en 1978 con la musicalización de los Doors.

Manzarek se dedicaría desde entonces a la producción de discos y videos musicales entre los cuales destaca el grupo new wave “X”, Densmore se dedicaría a la actuación y Krieger a tocar ocasionalmente como guitarrista de sesión y a un efímero grupo los Butts Band.

En 1991 se lanza la exitosa película “The Doors” de Oliver Stone, con la actuación de Val Kilmer como Jim Morrison y Kyle McLachlan como Manzarek. Luego de más de 30 años de la desaparición de Jim Morrison, los Doors se han convertido en íconos del rock y la venta de sus discos, videos y merchandising están tan arriba como en sus mejores momentos.

Jimi Hendrix El extraterrestre que enseñó a tocar el rock

Jimi Hendrix es sin dudas el más importante instrumentista de la historia del rock, quien con su técnica innovadora para tocar la guitarra eléctrica, influenció todas las áreas de la música popular, aún a pesar de su prematura muerte en 1970.

Desde los años 80, su habilidad como letrista también se revalorizó al mismo nivel que su calidad interpretativa.

Cuando nació en Seattle, Washington en 1942, fue bautizado por su madre como John Allen Hendrix mientras su padre estaba en el ejército. Recién cuando terminó su servicio, éste rebautizó a su

primogénito como James Marshall Hendrix en 1946. Tenía sangre cherokee por parte de su madre y negra por su padre.

De pequeño, James era conocido como “Buster” por sus familiares y amigos, nunca fue muy buen alumno en la escuela, así que su padre decidió que era mejor que trabajase para ayudar a la débil economía familiar; tuvo que pasar una niñez y adolescencia muy dura a causa de esto y las constantes peleas entre sus padres, quienes finalmente se separaron, quedando James y sus hermanitos a cargo de su padre, quebrantando aún más

Sin dudas, Jimi Hendrix, es el mejor guitarrista de rock de todos los tiempos, su inspiración e imaginación llevó a su instrumento a nuevas dimensiones nunca antes exploradas.

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LA ERA DEL ROCK

Mitch Mitchell, Jimi Hendrix y Noel Redding, forman The Jimmi Hendrix Experience en 1966, ofreciendo una explosiva fórmula que arrasó la escena rockera londinense de la época.

la ya pobre situación. Al pasar los años, la situación mejora un poco y a los 16 años, James recibe de regalo su primera guitarra eléctrica, con la cual ingresa en el mundo de la música.

Hendrix toca en varias bandas locales como práctica hasta que ingresa al ejército en 1961. Según sus propias palabras, se alistó por no tener ni un centavo en el bolsillo (y porque tendría que cumplir el servicio tarde o temprano).

Mientras se encontraba en el ejército, conoce a Billy Cox, un bajista de quien se hace amigo inmediatamente. Juntos forman The King Kasuals, grupo que siguió hasta que ambos cumplen su ser-

Hendrix con los King Kasuals en 1962 492

vicio en 1962. Hendrix tiene un espíritu inquieto y bastante desordenado, así que no se queda en un lugar por mucho tiempo, pero por la necesidad económica, comienza a tocar en cuanta banda consigue entrar. Así llega a formar parte de varias conocidas y desconocidas bandas del circuito de R&B y blues, llega a tocar con los Isley Brothers, Sam Cooke, Jackie Wilson, Curtis Manfield y el propio Little Richard, este último lo despidió por que llamaba demasiado la atención y por sus constantes desmanes con el horario y la férrea disciplina de la estrella.

Pero Jimi no estaba contento, el lo que quería era tocar por su cuenta, no depender de ningún jefe que le diga como hacerlo, estaba cansado de tocar siempre la misma fórmula. En 1964 decide probar suerte en Nueva York, va directo al Greenwich Village, hogar de los intelectuales y freaks de la época. Allí consigue tocar en un garito underground donde el cantante Curtis Knight lo descubre y lo invita a formar parte de los Squires. Nuevamente está en un grupo y nuevamente lo deja al poco tiempo. Pero aquí ya era

un poco más libre y ya se perfilaba su estilo poco común.

En 1966 vuelve a reencontrarse con su amigo Billy Cox y forma ahora su propia banda, Jimmy James & The Blue Flames. Mientras tocaba en el Greenwich Village hacia julio del 66, es escuchado por el bajista de los Animals, Chas Chandler, quien en ese tiempo hacía de cazatalentos, éste se ofreció como manager y a llevarlo a Inglaterra en busca de mejores horizontes. Como dato curioso, cuentan que en el pasaporte se transcribió por accidente su nombre a “Jimi” con el cual finalmente se quedó.

Hendrix deja la banda y viaja a Londres con Chandler a fines de septiembre de 1966, y en cuestión de una semana forma The Jimi Hendrix Experience con el baterista Noel Redding y el bajista Mitch Mitchell. Hacen sus primeros pinitos en Francia como acto de soporte al rockero Johnny Halliday. A su regreso a la Gran Bretaña, arrasan como un huracán en los clubes de la escena londinense. El toque incendiario de Hendrix incluía el total contro de su instrumento. Guitarristas de la talla de Eric Clapton, Jeff Beck, Pete Townshend y Jimmy Page, se sintieron seriamente amenazados al verlo tocar.

Nadie lo hacía como él. Realmente sacudió a toda la escena rockera de la época.

En diciembre, The Experience lanza su primer single “Hey Joe/Stone Free” el cual entró en las listas británicas y llegó al puesto número 10, lo que le valió una invitación al popular programa Top of The Pops. Ringo Starr le alquila un departamento a Jimi para que deje los hoteles y allí se intala con Chas Chandler y las novias de ambos. Muchos de las estrellas de la escena londinense pasaron por ese apartamento, incluyendo a Brian Jones y John Lennon. En este punto Hendrix comienza a aficionarse al alcohol y al LSD. Llega 1967 y Hendrix sigue arrasando en los clubes londinenses, donde la gente

es avasallada con las ideas musicales de Jimi, pero no son muchos los que logran asimilar esta nueva música, y sí muchos la consideran otra extravagancia del rock psicodélico. A pesar de todo “Hey Joe” sigue ascendiendo y alcanza el puesto número 6. Hendrix no deja de aparecer en cuanto show televisivo es invitado, dejando ver otra cara, más “tranquila” del “Wild Man” como era conocido; tampoco deja las giras y las sesiones de grabación, tocando no sólo con su banda sino on un sinnúmero de músicos de sesión y estrellas consagradas. En esta serie de conciertos Jimi hace por primera vez su famoso acto de prender fuego a la guitarra; después de haber ejecutado uno de sus caraterísticos solos, de tocar con wha wha y distorsión al máximo, con los dientes, a la espalda, entre las piernas, después de llegar al límite de lo que se puede hacer con la guitarra, lo único que le faltaba era... prenderle fue-

El Festival de Monterey Pop de 1967 aseguró la vuelta triunfal de Jimi Hendrix a los USA.

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LA ERA DEL ROCK

go. En mayo, la Jimi Hendrix Experience consigue otros dos números 10 con “Purple Haze” (que más tarde alcanza la tercera posición en las listas británicas) y “The Wind Cries Mary”.

El primer álbum del grupo “Are You Experienced?” sale a la calle también en mayo de 1967. Éste es una increible mezcla de poderoso blues psicodélico con letras inspiradas en Dylan, no tarda en alcanzar el puesto número 2, donde permanece por 33 semanas. En Europa ya eran estrellas consagradas, pero en los Estados Unidos seguían siendo unos desconocidos, por lo que en junio cruzan el Atlántico para participar en el Monterey Pop Festival, donde ofrece una inspirada interpretación (un álbum de su actuación sale en 1986 como “Jimi Plays Monterey”). Esta experiencia le da su primer gran éxito en su patria. Una vez terminado el festival, deciden dar una gira por todo el país a fin de ser conocidos y aumentar 494

las ventas de sus materiales. Jimi además aprovecha para tocar con diversos músicos y grabar abundante material, solo o acompañado. Su música revolucionaria para la época que se estaba viviendo en norteamérica, fue recibida con diversa crítica, en algunos círculos folkies y hippies, la excesiva distorsión, la quema y destrucción de sus guitarras no fueron muy aceptadas, pero esto no amilanó las ganas del grupo de seguir adelante. Recién en octubre de ese año se editan materiales de la Experience, “Purple Haze” tuvo un recibimiento flojo, pero el álbum “Are You Experienced?” llegó al puesto número 5; al fín el público norteamericano se rendía ante la evidencia de la genialidad incomprendida.

De vuelta en Inglaterra, la banda inmediatamente comienza a trabajar en su siguiente álbum: “Axis: Bold As Love” que aparecerá en diciembre de 1967.

Este trabajo es un poco más experimental que el primero, además de poseer una tremenda carga de rock psicodélico, quizás muy influido por el LSD, droga que “abría la mente”; el disco contiene el tema “Little Wing” una pequeña joya venerada por todos los guitarristas de rock.

Al terminar el año el grupo ya hizo más de 180 conciertos en Inglaterra y otros países, presentándose con grupos de la talla de The Who, The Move, Traffic, Eric Burdon & The Animals, Pink Floyd, Jeff Beck, etc, con lo que se colocaban en la cresta de la ola de la vanguardia musical.

Llegó 1968, el año de las revoluciones sociales, represiones estudiantiles y el asesinato de dos grandes luchadores por la igualdad de derechos, Martin Luther King y Malcolm X. Precisamente, la Experience se hallaba tocando con B.B. King y Buddy Guy cuando ocurrió lo de Martin Luther King, causando una gran consternación en Jimi.

El tercer álbum de la Experience, “Electric Ladyland” fue grabado en medio de

un intensivo tour por los Estados Unidos en 1968. Éste doble álbum, presenta una gran variedad de material, incluyendo la canción “All Along The Watchtower” compuesta por Bob Dylan, pero gracias a la tremenda versión de Hendrix, prácticamente la hace propia. Aún apesar del éxito, “Electric Ladyland”, vio el comienzo de la separación de la Experience; Hendrix era demasiado perfeccionista en las sesiones de grabación, haciendo que Mitchell y Redding estuvieran hartos de tantas tomas y tomas. Chas Chandler también renunció durante ese período, pero su influencia como productor hizo que Hendrix tomara total control de las sesiones. Finalmente el socio de Chandler, Mike Jeffrey se quedó como manager de Jimi.

Jeffrey quería que continuara la fórmula ganadora, empujando al grupo a tomar un intenso tour europeo y luego por los Estados Unidos en la primera mitad de 1969. Hendrix comenzó a cansarse de tener que repetir siempre lo que el público esperaba de él, impidiendole ir más allá con su música. En junio de 1969 la Jimi Hendrix Experience se separa para siempre y Hendrix se muda a su país, asentándose en Nueva York, donde más tarde construiría su propio estudio, la Electric Ladyland Studio, donde se encerraría por días para experiementar con

sus revolucionarias ideas. Hendrix trabaja en New York con los más diversos artistas, incluyendo a su viejo amigo Cox y a Mitch Mitchell, formando una nueva banda para tocar en el festival de Woodstock en agosto de 1969. Su famosa actuación incluía su atrevida, ruidosa, electrificada y poco comprendida versión del Himno Nacional de los Estados Unidos; la lluvia de notas y distorsiones mezclada con las conocidas notas, simbolizaban las bombas y el sufrimiento de soldados y civiles en Vietnam. A su regreso del memorable concierto, funda Band of Gypsies, con Cox al bajo y Buddy Miles en la batería. Juntos hacen su primer concierto importante en el Fillmore East en la fiesta de fin de año.

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LA ERA DEL ROCK

“Todo lo que quiero hacer es cantar y tocar la guitarra; quiero hacer música tan perfecta que se filtre a través del cuerpo y sea capaz de curar cualquier enfermedad.”

– Jimi Hendrix

Hendrix también hace grabaciones para su viejo jefe Curtis Knight, con quien había firmado un contrato de grabación que nunca había cumplido y que le trajo problemas legales, Jimi no lo pensó mucho y grabó el LP para solucionar el problema. La Band of Gypsies duró lo suficiente como para grabar un disco más, pues el ambicioso Jeffrey soñaba con una reunión de la Experience y presionaba a Jimi para realizar más giras.

Hendrix, Cox y Mitchell hicieron entonces otra cansadora gira por los Estados Unidos en 1970. Además Jimi siguió trabajando para otro doble álbum “First Rays Of The New Rising Sun”.

El último concierto de Hendrix la tierra que le dió fama fue en agosto de 1970 como invitado especial en el festival de la Isla de Wight, una especie de Woodstock a lo británico, pero de condiciones mucho más caóticas, hacía mucho frío, el público desbordó el lugar y hubo muchos 496

incidentes violentos. Tras su deslucida actuación, se embarca en una desastrosa mini gira por Dinamarca, Alemania y Suecia, esta acabó abruptamente cuando el bajista Cox enfermó y tuvo que ir a desintoxicarse a los USA. Hendrix decidió entonces regresar a Londres.

El día 16 de setiembre fue visto en público por última vez, tocando una jam junto a Eric Burdon en el club Ronnie Scott’s.

Al día siguiente se encuentra en el departamento de su novia Monika Danemann para cenar. Conversan y escuchan música hasta la 1:00 de la mañana, Jimi entonces decide salir un rato a encontrarse con unos amigos, Monika se queda a esperarlo. Jimi vuelve a eso de las 3:00 y su novia le prepara un sandwich; juntos van a la cama, ella se toma una pastilla y se queda dormida, poco después Jimi también se toma varias pastillas para dormir.

Domingo 18 de setiembre, Monika Despierta a eso de las 10:20 y lo ve a

Jimi con Noel en los estudios de Electric Ladyland.

Jimi profundamente dormido, pero nota que tiene rastros de vómito en su boca y nariz, al tratar de despertarlo no lo logra y llama a Chas Chandler para ver qué hacer. Una ambulancia llega cerca de las 11:20 y llevan a Jimi de urgencia al hospital, donde llega ya sin signos vitales. Los médicos encuentran grandes rastros de Seconol en su sangre pero no había razón para reportar un suicidio. Su deceso se habría producido por una explosiva mezcla de alcohol y pastillas para dormir, lo que hizo que se ahogara en su propio vómito. Jimi había estado bajo mucha presión por parte de Jeffrey que le pedía terminar el álbum y además que continuara con la Experience, pero Jimi quería seguir su propio camino, incluso su muerte fue un trágico accidente, pues según sus allegados en lo que menos pensaba era en morirse.

Desde entonces no han dejado de aparecer discos con su música, mucha de ella del inconcluso “First Rays Of The New Rising Sun”, el cual salió publicado en dos

álbumes póstumos “Cry Of Love” y “Rainbow Bridge”. Otra serie de discos salieron después de estos, hasta que el productor Alan Douglas tomó las riendas de la fortuna de Hendrix en 1974. Douglas lanzó dos nuevos álbumes de Hendrix al mercado “Crash Landing” y “Midnight Lighting”, que consistían en material grabado durante varias sesiones entre 1969 y 1970, con agregados instrumentales.

Aunque esos dos discos no tuvieron la fuerza deseada, el álbum “Nine To The Universe”, producida por Douglas, es una joya inestimable, una colección de magníficos jams instrumentales.

Los discos en vivo “Concerts” y “Live At Winterland” y la caja de cuatro compactos “Stages” son un fino documento de los conciertos de Jimi, además de “Radio One”, una compilación de la Experience grabada en la BBC en 1967. La lista de discos inagotable sigue manteniendo viva la llama de este artista incomparable, además de reclutar miles de nuevos fans.

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LA ERA DEL ROCK

Janis Joplin La Reina del Blues Psicodélico

Una de las legendarias estrellas del rock and roll, representa mejor que nadie el espíritu de los años sesenta pleno de excesos y ganas de experimentarlo todo. Logró trascender en un estilo tradicionalmente masculino; su espectacular estilo vocal, con sus gritos, gemidos y susurros además de su despliege en el escenario, su tormentosa vida y su prematura muerte a los 27 años la han elevado al estatus de mito.

Janis Lyn Joplin nació en Port Arthur, una pequeña ciudad industrial de Texas, el 19 de enero de 1943. Su padre trabajaba como ingeniero en la Texaco y su madre era ama de casa, tuvo dos hermanos menores, Laura y Michael. Janis

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tuvo una infancia cómoda y felíz, pero su inteligencia precoz y su espíritu libre e inconformista siempre chocó con la cerrada sociedad tejana. De adolescente abrazó abiertamente las causas sociales en especial contra la segregación racial y adoptó una manera de vestir completamente diferente a los cánones de Port Arthur, lo que le valió el rechazo de sus compañeros de escuela y la incomodidad en su ciudad natal. Se refugió en el ambiente beatnik de su ciudad, con un grupo de cinco compañeros que gustaban de leer libros, escuchar jazz, hacer fiestas en la playa y beber muchísima cerveza. Su mente abierta y extremadamente inteligente le ayudaron a obtener excelentes calificaciones y a poder ingresar a la universidad, algo que estaba esperando con ansias para alejarse de aquella gente mezquina e intolerante.

En el verano de 1961 luego de graduarse de la preparatoria viaja a Los Angeles donde toma contacto con los beatniks de la zona, gente de su condición en la vanguardia subterránea norteamericana, hecho que le dió un nuevo sentido de identidad a sus ideas y estilo de vida, dejándo de sentirse un bicho raro.

A parte del jazz y el folk, siempre se rodeó de la música blues de Bessie Smith o Leadbelly, sintiéndose más cómoda al interpretar sus clásicos de blues, por lo que cantaba siempre que podía en clubes y bares de la zona de los Angeles. Volvió a Texas para estudiar arte en la universidad de Lamar y vivía con un grupo de compañeros a unas calles del campus. Fue precisamente en una de

"Los jóvenes de hoy buscan sinceridad y pasarlo bien.

Quieren que la gente deje de mentirles, que cumplan sus promesas, no como los políticos y los padres.”

– Janis Joplin las improvisadas fiestas que se hacían en el departamento donde Janis conoció a Chet Helms, un estudiante de ingeniería quien jugaría más tarde un papel fundamental en su carrera musical. En el 62 Janis comienza su carrera musical con el grupo de bluegrass The Waller Creek Boys, con repertorio de blues clásico y folk. También toma contacto con las drogas por primera vez, algo que la acom-

pañaría de una u otra forma durante su corta vida.

De vuelta en Los Angeles trabaja como operadora telefónica y durante la noche canta en diversos clubes. Su estilo vocal desgarrado y profundamente sentimental comienza a ser conocido entre el público y músicos de la zona.

Fue en esa época también en que empezó a beber considerablemente.

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“Ella era como una descarga histérica de la cabeza a los pies, un acto de total exterminio. Era como si una invisible garra hubiese brotado de su garganta, con sus talones alzados como para despedazar a toda la audiencia.”

– Myra Friedman

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Tras una corta temporada en Nueva York y un vano intento por llevar una vida “normal” en la universidad de Lamar y en su hogar de Port Arthur, Janis es llamada por su amigo Chet Helms para unirse a un grupo de San Francisco, Big Brothers and The Holding Company en junio de 1966.

El sonido ronco y salvaje de Big Brother ayudó a Janis a convertir su ya fuerte voz en un increiblemente poderoso rugido blusero. El grupo se convirtió en una sensación en cada concierto, especialmente ganó fuerza después de su magnífica presentación en el Monterey Pop Festival de 1967 y de la grabación del segundo LP de la banda “Cheap Thrills”.

La periodista musical Myra Friedman, amiga de Janis describe uno de esos memorables conciertos: “Alcancé la hilera posterior justo cuando los Big Brother comenzaban a ocupar sus lugares en un escenario oscuro apenas iluminado por una luz azulada. Janis se encontraba inmóvil frente al micrófono ignorando a un fan que giraba en torno a ella. De re-

pente se inclinó y yo salté conmocionada cuando todo el lugar se partió en un estallido. ¡Nunca antes había escuchado un sonido como ese!. Arremetió con “Catch Me Daddy” en un infierno de luces de colores, alaridos, gemidos, quejidos y chillidos, estrellándose contra la distorsión de un enjambre de zumbantes avispas amplificadas de los instrumentos de los Big Brother. Joplin se estremecía, se movía y se vapuleaba en cada canción, provocando toda una gama de emociones. Entre canción y canción descansaba jadeante, exhausta, pero eso no le impedía sonreir al recibir el pandemónium que estallaba en su honor. Cuatro veces Big Brother tuvo que repetir antes de que el público los dejase marchar, de pie en los asientos se resistían a irse, al final Janis volvió al escenario y dijo jadeando: Los amo chicos, pero ya no me queda para más!”

Este memorable concierto en el Anderson Theatre dado el 17 de febrero de 1968 tuvo sus repercusiones en la prensa musical, donde los desbordados elogios convirtieron a Janis en la super estrella

que nunca pensó ser. Luego el grupo hizo una impresionante gira por Nueva York, Boston, Cambridge, Providence, Chicago y Detroit. Debido a la diferencia de renombre entre Janis y el resto del grupo, en setiembre del 68 acordaron separarse en términos amistosos. El guitarrista Sam Andrew la acompañaría en su nuevo proyecto.

El 15 de noviembre Janis y Big Brother ofrecen un último concierto a modo de despedida en el Hunter College de Manhattan. Por esas fechas Janis comenzó a experimentar con la heroína para probar otras sustancias a parte de su amado whisky. En 1969 la Kozmic Blues Band fue el siguiente grupo de Janis, pero a diferencia de los Big Brother, este era un grupo de músicos que eran solamente sus acompañantes. Janis no había tocado con ninguno de sus músicos excepto por Sam Andrews. La Kozmic Blues Band estaba integrada por Janis Joplin como voz principal, Sam Andrews en guitarra, Brad Campbell en bajo, Roy Markowitz en batería, Terry Clements en saxo tenor, Snooky Flowers en saxo barítono, Luis Gasca en trompeta y Richard Kermode en el órgano.

Después de dos semans y media de ensayo, la Kozmic tuvo su prueba de fuego el 11 de febrero del 69 en el Fillmore East de New York; Janis cayó sobre la audiencia como los cuatro jinetes del Apocalipsis, con el micrófono en mano. Sin embargo la sección de vientos chocaba con la clásica formación de rock. Junto al nuevo grupo, Janis grabaría su tercer disco, “I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama!”, un fantástico dico lleno de sentidos y enérgicos blues, probablemente uno de los mejores discos de su carrera. En abril Janis y la Kozmic viajan por primera y única vez a Europa, donde ofrecen conciertos en Copenague, Estocolmo, Amsterdam, Frankfurt, París y Londres. La gira fue muy positiva para

Janis y el grupo, en especial por el cariñoso recibimiento.

En agosto tuvo lugar uno de los acontecimientos más importantes en la historia del rock, el festival de Woodstock, el milagro hippie bajo el lema “tres días de paz y amor”. Por supuesto Janis Joplin no podía estar ausente. La actuación de Janis y su banda fue de las más aclamadas, pero Sam Andrews ya había sido remplazado por el guitarrista John Till. Luego de algunos incidentes con la policía en Florida, donde sus actuaciones fueron prohibidas por mal comportamiento, Janis tuvo que acudir al médico por la presión de algunos amigos que la veían muy maltratada por la heroína. En diciembre la Kozmic Blues Band dan un multitudinario concierto en el Madison Square Garden de New York, las entradas se agotaron de inmediato,

“Para mí es preferible tener diez años de un vivir pleno que llegar a los sesenta años sentada en un maldito sillón viendo la tele.”

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incluso se vendieron las localidades que se encontraban detrás del escenario.

Luego de una temporada de vacaciones, en abril de 1970 Janis forma su tercera y última banda, la Full Tilt Boogie Band, formada por Brad Campbell y John Till de la anterior banda con la adición de Clarck Pierson en batería, Ken Pearson en órgano y Rick Bell en piano. El manager de Janis, Albert Grossman quedó encantado con la nueva banda, ella también estaba emocionada por la excelente conexión entre los músicos y su voz. Al poco tiempo comenzaron una exitosa gira por los Estados Unidos y Canadá. Janis no paraba

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de beber, pero se cuidaba para sus presentaciones.

Los conciertos de esas giras fueron sencillamente maravillosos, gracias a la química con el grupo y la calidad de la voz de Janis. El 12 de agosto del 70 la Full Tilt dieron el último concierto de Janis en el Hardvard Stadium de Cambridge, Massachusetts. El 13 de agosto Janis regresa a Port Arthur para una reunión de su grupo de preparatoria, donde es acompañada por un séquito de periodistas para grabar todo lo que dijera en ese regreso triunfal a su ciudad natal. En setiembre se inició la grabación del que sería el último álbum de Janis, “Pearl” en los estudios Sunset Sound de Los Angeles. Pero ella ya no estaba bien, la palidez de su rostro evidenciaba que el alcohol y la heroína la estaban matando lentamente.

El sábado 3 de octubre luego de haberse inyectado una poca cantidad de una heroína pura, fue a los estudios a escuchar cómo iba la parte instrumental de “Buried Alive in The Blues”, al anochecer salió a tomar unas copas con los amigos.

A la mañana del domingo 4 de octubre de 1970 el asistente del productor Paul Rotchild, John Cooke fue a buscar a Janis para la grabación de la parte vocal, pero la encontró muerta en su habitación de hotel. El discreto funeral se realizó tres días después y sus cenizas fueron esparcidas en una playa de California.

“Pearl” salió luego de la muerte de Janis, fue el disco más vendido en los Estados Unidos durante nueve semanas y el single “Me and Bobby McGee” obtuvo un póstumo número 1 en las listas. En 1971 aparece “Janis In Concert” un recopilatorio de sus actuaciones en vivo con los Big Brother, la Kozmic Blues Band y los Full Tilt Boogie. En 1974 se realizó “Janis” un film documental sobre su vida y en 1979 Bette Midler protagoniza la película biográfica sobre la carrera de Janis Joplin “The Rose”.

Psicodélicos hasta la médula Bandas que marcaron la época Los Charlatans fueron una fuerte influencia para el rock psicodélico, jugando un papel importante en la escena musical de San Francisco en los años 60. Su producción discográfica fue pequeña, y su primer álbum de distribución nacional, “The Charlatans” no se realizó hasta 1969, mucho después de que la banda se había separado. La banda también significó el lanzamiento de Dan Hicks.

The Charlatans Hacia 1964 en la época folk de San Francisco y en plena Invasión Británica, muchos músicos cambiaron sus guitarras acústicas por otras eléctricas, tal es el caso de George Hunter que decidió formar The Charlatans ese verano. Lo acompañaron Richard Olsen (bajo), Mike Wilhelm (guitarra líder), Mike Ferguson (teclados), y Sam Linde (batería). Linde sería remplazado poco después por Dan Hicks.

The Charlatans son considerados como el primer grupo que tocó el ver-

dadero “Sonido de San Francisco”, otros los consideran la primera banda de rock-psicodélico, influenciando a bandas como Grateful Dead o Country Joe and the Fish. Pero ellos tocaban folk en sus primeros años, con acercamientos al fox-trot de los años 20. Esto fue lo que al principio les sacó público y aparecían muy poco. Pero hacia 1965 la fortuna del grupo cambiaría dramáticamente.

En junio del 65 se mudan a Virginia City en Nevada y se vuelven la banda principal del club “Red Dog Saloon”, justo en la frontera norte de California.

Esta permanencia de dos meses fue im503

LA ERA DEL ROCK

Dejando a un lado su escasísima discografía, The Charlatans se han ganado un sitial importante en la historia del Rock and Roll.

Siendo la primera banda realmente underground del área de San Francisco a mediados de los 60, influenciando a muchas bandas que emergieron más tarde.

El afiche que diseñaron para promocionarse en el Red Dog Saloon se puede considerar como el primer poster sicodélico para un concierto de rock. Esta idea fue copiada después por otros grupos del área de San Francisco y se convirtió en todo un arte clásico de la época.

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portante, los guitarristas Mike Ferguson y George Hunter producen y promocionan sus primeros conciertos de rock. El grupo también toma contacto con el LSD en ese club y sus performances se tornan alucinógenas. Otra característica del grupo era su forma de vestir, a la usansa del siglo 19 y portando armas y accesorios de la época de la Fiebre del Oro. The Charlatans regresan a San Francisco en el verano de 1965 y al inicio del año siguiente firman con la Warner Bros, donde empiezan a investigar las opciones de estudio. Pero el sello les quedaba grande y decidieron buscar otro, por lo que firman con Kama Sutra Records ese mismo año. El sello tenía a una de las primeras bandas folk-rock de éxito como lo eran The Lovin’ Spoonful. Los Charlatans pensaron que habían encontrado su lugar para explayar su música, pero luego de grabar 9 canciones, tuvieron una discusión con la disquera por el tema “Codine”, ellos querían lanzarlo como su primer single, pero el sello se negó a lanzarlo. Se van entonces a Kapp Records que realiza dos temas de las se-

siones anteriores, “The Shadow Knows” como el primer single de la banda (cuyo lado B era “32-20 Blues”). Pero el disco pasó totalmente desapercibido. Las otras siete canciones permanecieron guardadas hasta su lanzamiento en 1996, treinta años después de haberse grabado.

Mike Ferguson fue despedido de la banda en 1967 y Dan Hicks pasó de la batería a la segunda guitarra, hasta que también se fue en 1968 para armar su propia banda, primero “Dan Hicks” y luego Hot Licks. El fundador de The Charlatans, George Hunter también sale, dejando a Richard Olsen y Mike Wilhelm con la carga de rehacer la banda. A pesar de dos audiciones promisorias en 1967 y 1968, el grupo no logra un contrato de grabación hasta 1969. El álbum resultante llamado simplemente “The Charlatans” (1969), fue realizado en el sello Philips Records. Desafortunadamente para esa época, el sonido de la banda ya estaba desfasado y la nueva alineación no tenía la presencia de la banda original, su mejor época ya había pasado y para 1970 se separaron definitivamente.

Quicksilver Messenger Service Fue una de las bandas originales del rock psicodélico en el área de San Francisco en los 60. Tipificaban el estilo, la actitud y el sonido de esa era. La banda estaba compuesta por el guitarrista Dino Valenti, John Cipollina, también en guitarra, David Freiberg en bajo y voz, Jim Murray en voz y armónica, y el baterista Casey Sonoban. Alexander ‘Skip’ Spence también tocó un tiempo con la banda, hasta que lo reclutaron como baterista en Jefferson Airplane. Poco después de iniciado el grupo Dino Valenti fue arrestado

por posesión de marihuana y pasó los dos mejores años del grupo en la cárcel.

En 1965, la agrupación se fortalecería con la llegada del guitarrista Gary Duncan, y reemplazando a Sonoban, Greg Elmore. El grupo debutó a fines del 65 y tocaban en toda la área del West Coast californiano, se hicieron de una gran cantidad de seguidores, pero no pudieron conseguir un contrato de grabación.

A fines de 1967, a pesar de que la banda tuvo un gran recibimiento en el festival de Monterey Pop, Murray renuncia para actuar en la película hippie “Revolution”.

En ese período Quicksilver firma con la Capitol Records.

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Quicksilver en el estudio, hacia 1968.

Su excelente primer álbum llamado simplemente “Quicksilver Messenger Service” aparece en 1968 que fue seguido por la obra maestra del grupo, “Happy Trails”, hoy un clásico indiscutido y que incluía una versión en vivo de 25 minutos de la canción “Who Do You Love?” de Bob Diddley. 1969 trajo la partida de Duncan y la llegada del tecladista británico Nicky Hopkins, ex integrante de Steve Miller Band y de Jeff Beck Group.

Su contribución trajo nueva vida para el tercer álbum del grupo “Shady Grove”.

Duncan quien había salido para trabajar con Valenti, retornó con el a Quicksilver para su cuarto álbum “Just For Love” también de 1969, pero el declive del grupo ya era evidente.

En 1970 los conflictos personales hicieron resquebrajarse al grupo y tuvieron varios cambios de personal. A pesar de que “What About Me?” se convirtió en el cuarto álbum consecutivo en alcanzar los Top 30, la chispa se había apagado. El grupo finalmente se desintegra, pero las piezas las recoge Dino Valenti y sigue con una nueva formación 506

bajo el nombre de Quicksilver, lanzando algunos álbumes más como “Quicksilver” (1971) y “Coming Thru” (1972). En 1973 sale una recopilación, “Anthology” y en 1975 hace su último esfuerzo en “Solid Silver”.

John Cipollina falleció el 29 de mayo de 1989, el gran Nicky Hopkins nos dejó en septiembre de 1994 y Dino Valenti en noviembre del mismo año.

Big Brother & The Holding Company Dentro de la escena rockera de San Francisco a mediados de los 60, Big Brother estaba al frente del movimiento psicodélico musical. La banda fue formada por Peter Albin, Sam Andrew, James Gurley y Chuck Jonesen, en una vieja mansión del High Ashbury de San Francisco, propiedad del tío de Peter. Originalmente se llamaron Blue Yard Hill, con varios otros miembros entrando y saliendo, Big Brother se convirtió en realidad

en setiembre de 1965. El nombre fue seleccionado por el promotor de conciertos Chet Helms de una lista de nombres que la banda tenía considerados.

Tocaron su primer concierto oficial en enero de 1966 en el Open Theater de Berkeley, a partir de ahí comenzaron a desarrollarse una serie de leales seguidores. Su música era descripta por el propio Sam Andrew como un “progresivo-regresivo huracán de blues”. Algunos temas resaltan en esos primeros años, “Coo Coo”, “That’s How Strong My Love Is” y “Hall Of The Mountain King” con Peter Albin como vocalista, Peter también cantó en las primeras versiones de “Down On Me”, y “Summertime”.

En el invierno de 1966 Chuck Jones deja la banda y es remplazado por Dave Getz. La banda también decide buscar una voz principal femenina al estilo de los Jefferson Airplane y otras bandas de San Francisco. Chet Helms sugirió a Janis

Joplin, quien solía cantar en el área de la bahía antes de regresar a su casa en Texas. La banda decidió incluir a Janis poco después de regreso a San Francisco y luego de haberla escuchado en un par de canciones. Joplin debutó con Big Brother el 10 de junio de 1966 en el Avalon Ballroom. La mayoría de los seguidores de la banda aprovaron a la nueva integrante y Janis se convirtió en un éxito instantáneo.

Con Janis, la dirección musical de la banda empezó a cambiar. Anteriormente tocaban extensas improvisaciones, plenas de delicados vuelos. Ahora con Janis, el formato se volvió más estructurado para acomodar a la vocalista. En agosto del 66, Big Brother van a Chicago para tocar en el Mother Blues, uno de los mayores clubes de blues-rock. Allí logran su primer contrato con Mainstream Records. Casi un año después sale su primer álbum “Big Brother & The

"Big Brother and the Holding Company fue el primer ejemplo de una banda donde la química fue correcta, donde el todo era mejor que la suma de sus partes. No se podría manufacturar el “feeling” natural que tenía la banda.

Los Big Brother tocaban desde el alma y corazón yendo a conectarse directamente con su público.”

- Sam Andrew

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Holding Company”, su popularidad y audiencia continúan creciendo.

En junio de 1967 la banda es invitada a participar del Monterey Pop Festival, donde la portentosa y sexual voz de Janis, y la performance del grupo, le dan éxito nacional.

Después del festival, Big Brother consigue un mejor trato con Columbia Records y su segundo álbum “Cheap Thrills” alcanza un tremendo suceso, monopolizando el número uno de las listas por ocho semanas. La musicalidad del álbum no tiene paralelo. James Gurley, es llamado “el padre de la guitarra psicodélica” por la revista Guitar Player, y Sam Andrew lleva el duelo guitarrero a nuevas alturas. Rick Clark, en el libro “All Music Book” decía: “Nadie puede decir que los Guns N’ Roses son los maestros de la guitarra eléctrica del blues-grunge si no ha escuchado a James Gurley y Sam Houston Andrew de los Big Brother en 508

canciones como ‘Ball And Chain’, ‘Summertime’ y ‘Combination Of The Two’.”

A fines de 1968, Janis Joplin decide dejar la banda. Sam Andrew se une a ella en su nuevo proyecto llamado Kozmic Blues Band, Peter Albin y David Getz se van también para unirse a Country Joe & The Fish. Big Brother deja de existir por unos meses; pero en el otoño de 1969 la banda resucita. Peter, Sam, Dave y James se vuelven a juntar reclutando a otros integrantes como David Schallock (guitarra y voz), Nick Gravenites (voz), y Kathi McDonald (voz). Graban dos álbumes más en Columbia, “Be A Brother” (1970), y “How Hard It Is” (1971). Eventos y situaciones de esa época eventualmente llevaron a la banda a separarse nuevamente. Sus miembros siguieron siendo amigos e incluso llegaron a tocar juntos en otras bandas y proyectos musicales.

Entre 1971 y 1978 Big Brother se volvió a juntar sólo una vez para participar de un show organizado por Chet Helms en octubre de 1978 en el Greek Theatre de Berkeley. La resurrección de la banda ocurrió casi diez años después, coincidiendo con el 20 aniversario del Verano de Amor en 1987. Las audiciones para una vocalista femenina comenzaron en julio y comenzaron a tocar públicamente en agosto con la cantante Michel Bastian.

Desde su reunión, Big Brother ha despertado nuevamente el entusiasmo de su audiencia en todo el mundo. Los duelos guitarrísticos entre Andrew y Gurley, el rítmico bajo de Albin y la solida batería de Getz hizo a los críticos proclamar que sus sonido hoy es tan fresco como hace treinta años atrás.

Lisa Battle entró en la banda por dos años y en 1997 ingresó Tom Finch en la guitarra. En 1998 Big Brother and The Holding Company lanzan un nuevo álbum “Do What You Love”, el cual es imprescindible en cualquier colección completa.

Thirteen Floor Elevators Los 13th Floor Elevators fueron una banda underground, ampliamente reconocida como la primera banda realmente psicodélica. Originalemente formada en Texas por Roky Erickson, Dan Galindo, Ronnie Leatherman, Benny Thurman, Stacy Sutherland, Tommy Hall, John Ike Walton y Danny Thomas. Erickson era el vocalista, guitarrista y principal compositor del grupo, mientras que Hall daba el toque más famoso y distinguible de la banda con su amplificado “electric jug”.

Su sonido de garage reorientado al acid-rock, explota con el trepidante vigor de “You’re Gonna Miss Me”, dando un nuevo frescor al sonido moderno del rock y su primer hit al grupo. En 1966, sale su primer y más popular álbum, “The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators”, que marca la primera aparición de la palabra “psicodélica” en el título de un LP. Este disco es un gran ejemplo del uso apropiado de la batería en el rock, el baterista no puede ser remplazado por un

metrónomo por más complejo que éste sea. La contribución de Hall y Erickson en increíbles canciones como “Fire Engine,” “Splash 1” y “Reverberation” son únicas. ¿Son un hato de lunáticos? se preguntaban los “bienpensantes”, en parte, pero sólo en un buen sentido, los 13th Floor Elevators definitivamente tenían un complejo y coherente propósito para su extrema energía.

El siguiente trabajo fue “Easter Everywhere (1967), una experiencia musical integrada, pero no era precisamente un álbum concepto. Problemas con las drogas y con la ley, forzaron a la banda a separarse y a Erickson a internarse en un hospital mental a finales de la década. Después de un periodo de silencio, Erickson se recupera y continúa grabando esporádicamente hasta hoy. Los 13th Floor Elevators todavía se consideraron importantes como para aparecer en un panel del festival musical SXSW del 2005.

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Strawberry Alarm Clock En lo mejor de la era del “Flower Power” y la música psicodélica de mediados de los sesenta, Strawberry Alarm Clock nos dejó uno de los momentos clásicos del rock con la memorable “Incense and Peppermints” de 1967. Originalmente conocidos como The Sixpence, este grupo californiano estaba formado por Ed King (guitarra líder), Lee Freeman (guitarra rítmica), Gary Lovetro (bajo), Mark Weitz (órgano), y Randy Seol (batería).

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El primer LP realizado por la banda, “Incense and Peppermints” es el único que impacta en las listas de álbumes llegando al puesto 11. El excelente disco contiene grandes pasajes instrumentales y delicadas armonías. El single “Incense and Peppermints” estaba destinado originalmente como lado B y el vocalista era un amigo del grupo, Greg Munford, de 16 años, quien no era miembro regular de la banda, pero terminó cantando la canción que se disparó al número 1 en las listas norteamericanas y vendió más de un millón de copias. A pesar del éxito Munford no volvió a integrarse al grupo.

Después de grabar este primer álbum, la banda agrega un segundo bajista, George Bunnell, quien además era un consumado letrista, cuya contribución realzó el estilo, uniendo los adornos hippies con encantadoras melodías e imaginativa instrumentación.

En el verano de 1967, el grupo contribuye con su música al filme “PsychOut”, además de aparecer en él. Strawberry comenzó a salir de gira por los USA, siendo uno de los más grandes shows de la época, pero la pobre dirigencia y la disención entre los miembros comenzó a hacer decaer al grupo.

El bajista Gary Lovetro se vá después de grabar el segundo álbum “Wake Up It’s Tomorrow” que también salió en 1967. Un segundo simple “Tomorrow” entró en los Top 20 en 1968.

Entre el álbum de 1968, “The World In A Seashell” y “Good Morning Starshine” de 1969, la banda pasa por varios cambios en su alineación e hizo que su música vaya por caminos indeterminados. Para colmo, el manager del grupo les lleva un doble registro, lo cual ocasiona severos problemas legales. Aún así Strawberry Alarm Clock permanece en pie hasta 1971, lanzan otro single, “Sit With The Guru” pero ya no alcanzan la anterior popularidad.

VANILLA FUDGE Vanilla Fudge fue uno de los pocos puentes norteamericanos extendidos entre la psicodelia y lo que sería el Heavy Metal. Mientras la banda grababa material original, eras más conocidos por su ruidosos y pesados arreglos de pop contemporáneo, explotándolos hasta épicas proporciones.

En 1967 América del Norte veía nacer un grupo psicadélico más. Los Vanilla Fudge entraban en escena y traían una nueva perspectiva al panorama musical americano. El grupo, constituido por Mark Stein (voz, teclados), Vince Martell (voz, guitarra), Carmine Appice (voz, batería), y Tim Bogert (voz, bajo), escojieron el nombre Vanilla Fudge basado en una sugerencia de una amiga de la banda que era apasionada de los helados de vainilla. Entre tanto, el sonido del grupo estaba lejos de ser un helado de vainilla, mas bien era un conjunto de sabores inciertos, misteriosos y místicos. La idea de los cuatro músicos era transformar canciones convencionales en largos épicos instrumentales, jugando con el contraste entre tonos suaves y ambientes ameanazadores.

Originalmente, Vanilla Fudge era un grupo de soul blanco llamados Electric Pigeons, formados en Long Island, New York en 1965. El organista Mark Stein, el bajista Tim Bogert y el baterista Joey Brennan acortaron su nombre a Pigeons al tiempo que aderían al grupo al guitarrista Vince Martell. Consiguieron muchos seguidores en sus conciertos por la Costa Este, además de conseguir dinero acompañando a diversos grupos de chicas. A comienzos de 1966, el grupo grabó una serie de demos que fueron lanzados varios años después como “While the Whole World Was Eating Vanilla Fudge”, acreditado a nombre de Mark Stein & The Pigeons.

Inspirados por los Vagrants, otra banda de las que había en el circuito de clubes, liderada por el guitarrista Leslie West, futuro Mountain, los Pigeons comenzaron a poner más esfuerzo en los arreglos de covers que hacían. Llegaron a ser muy elaborados y para fines de año el baterista Brennan fue remplazado por el más técnico Carmine Appice.

A principios de 1967, el manager del grupo convence al productor George “Shadow” Morton (que había producido a las Shangri-Las y a artistas folk) para grabarlos en vivo. Impresionado por su dura y pesada versión de “You Keep Me

Todos los grupos de rock progresivo y sinfónico de los años 70 y 80 le deben mucho a la gran contribución de Vanilla Fudge.

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Hangin’ On” de las Supremes, Morton les ofrece grabar un single; el resultado fue la firma con Atco, subsidiaria de Atlantic Records, que pidió al grupo un cambio de nombre. La banda se cambia a Vanilla Fudge, por ser su sabor de helado favorito. La banda graba su album debut “Vanilla Fudge”, conteniendo sus característicos covers, y acompañandolos con giras, lo que eventualmente amplió la cantidad de seguidores. Las cosas comenzaron a salir bien a comienzos de 1968, tocando como atracción principal en el Fillmore West con la Steve Miller Band, tocando “You Keep Me Hangin’ On” en el Ed Sullivan Show, y realizan su segundo álbum, “The Beat Goes On”. El álbum trepa a los Top 20. En el verano, Atco relanza “You Keep Me Hangin’ On” que esta vez alcanza los Top Ten. Este fue seguido por “Renaissance”, uno de

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los mejores álbumes de Vanilla Fudge, el cual también entra en los Top 20. La banda hace de telonera para Jimmi Hendrix y para los conciertos de despedida de Cream, además del naciente Led Zeppelin a finales de año. En 1969, la banda se mantiene en giras y realizan su primer álbum sin Morton, el expansivo y sinfónico “Near The Beginning”. Antes, parte de la banda tocó uno de los éxitos comerciales de Jeff Beck, con la idea de formar un “power-trio” al estilo de Cream. Extenuados por las contínuas giras, la banda decide que el tour por Europa de 1969 sería el último. Seguido de la grabación de su álbum final “Rock and Roll”, Vanilla Fudge tocó unas pocas fechas más hasta su disolución en 1970.

La corta carrera del grupo terminaría apenas cuatro años después de haber comenzado. La decisión fue en parte influenciada por el constante ritmo de desacuerdos, y por otro lado, debido a la cresciente popularidad del hard-rock, algo que llevó a Bogert y Appice a buscar otros proyectos. Después de la separación, Bogert y Appice primero forman el grupo de hard rock Cactus y después se unen a Jeff Beck y forman Beck, Bogert & Appice. Al fallar la formación, Appice se convierte en un activo músico de sesión, trabajando para numerosos artistas de rock. Vanilla Fudge se vuelve a reunir en 1984 para el pobremente recibido “Mystery” y varios conciertos nostálgicos.

Pink Floyd A la vanguardia de la psicodelia

El movimiento psicodélico no era exclusivo de los hippies del Ashbury Street de San Francisco, en las discotecas londinenses desde el 67 sonaban acordes similares, la experimentación visual, sonora y física era la norma, en escena los grupos actuaban rodeados de un juego de luces de colores y formas realmente alucinógenas. La moda también jugaba un papel fundamental, lejos de los andrajosos hippies, los jóvenes londinenses se vestían con la última moda, trajes de satén, botitas de medio caño bien lustrosas, camisas con bolados, collares, etc, y toda la parafrenalia posible existente en el Swinging London. Aquí surge el grupo psicodélico por antonomasia, se trata de Pink Floyd.

Primer grupo psicodélico inglés, crearon

un estilo totalmente anticonvencional de tocar y sus puestas en escena con luces dirigidas, trasparencias, humo y objetos colgantes que parecían volar, además del uso de los primeros sintetizadores, creaban una atmósfera nunca antes vista. Es una de las bandas más importantes de la escena rock con más de 200 millones de álbumes vendidos alrededor del mundo, incluyendo 74,5 millones sólo en los Estados Unidos.

Su historia comienza en el año 1965, de las cenizas de uno de las olvidadas bandas londinenses, Sigma Six, cuando el guitarrista Roger “Syd” Barret y su amigo Roger Waters, bajista, deciden formar “The Pink Floyd Sound” (el nombre provenía de la combinación de los nombres

Pink FLoyd hacia 1967.

Rick Wright, Roger Waters, Nick Mason y Syd Barret, experimentaron al máximo con los nuevos sonidos proporcionados por los primeros sintetizadores y la quadrafonía, así como luces y efectos visuales, lo que les llevó a la vanguardia del rock.

Ganaron popularidad gracias a su música psicodélica y con el paso del tiempo, fueron evolucionando hacia el rock progresivo y el rock experimental.

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de dos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council), con la ayuda del excelente tecladista Rick Wright y el poco convencional baterista Nick Mason, lanzandose en octubre de 1966. Barrett se reveló como el principal compositor del grupo, y pronto comenzó a escribir nuevas canciones con influencias del rock psicodélico de grupos como los Beatles, Donovan o Grateful Dead. En su primera aparición en la fiesta de la International Times, removieron la estantería de la escena underground londinense; proyectaban luces coloridas que parecía aceite y slides fotográficos mientras sonaba su música, eran efectos totalmente novedosos, que dejaban a la audiencia maravillada y desconcertada. Encontraron hogar en el club UFO del West End, pero fue en el prestigioso Queen Elizabeth Hall en mayo del 67 donde experimentaron por primera vez con un primitivo sonido quadrafónico, poniéndose nuevamente a la vanguardia de la experimentación so-

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nora. Pink Floyd se convirtió en una de las bandas favoritas del movimiento underground, tocando en lugares como el UFO Club, el Marquee Club y The Roundhouse londinenses.

Syd Barrett escribe los primeros dos sencillos de Pink Floyd, “Arnold Layne” y “See Emily Play”. El primero escaló hasta el puesto 20 en la lista de éxitos del Reino Unido, y el segundo llegó al número 6, dándole la oportunidad al grupo de aparecer por primera vez en la televisión nacional en el programa Top of the Pops en julio de 1967.

Syd Barrett, escribe canciones que capturan perfectamente la “experiencia del ácido” esto es patente en el album debut “The Piper At The Gates Of Dawn” que entró a los Top Ten en 1967. Este álbum representa lo mejor del rock psicodélico británico, uniendo cortas canciones con imágenes sonoras e improvisaciones instrumentales.

La música reflejaba la mejor tecnología electrónica de la época destacando el

uso del stereo panning, la edición de cinta, los efectos de eco y el uso de teclados eléctricos. Durante este periodo estuvieron de gira con Jimi Hendrix, que los ayudó a incrementar más su popularidad.

Para mediados de ese año, el abuso de drogas alucinógenas, acrecienta la enfermedad mental de Syd, dejándolo incapacitado para seguir tocando en la banda, se recluye en casa de su madre y eventualmente es remplazado por Dave Gilmour en febrero de 1968, aunque continuó componiendo por un tiempo.

Después del lanzamiento de dos álbumes en solitario (“The Madcap Laughs” y “Barrett”) en 1970 (co-producidos por Gilmour, Waters y Wright) de éxito moderado, Barrett se recluyó en su natal Cambridge, mejoró bastante y llevó una vida tranquila hasta su muerte el 7 de julio de 2006.

El cantante y bajista Roger Waters se convirtió gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los 70, la época de mayor éxito en

ventas de la banda. La banda también adoptó a Steve O’Rourke como manager, quien continuó con Pink Floyd hasta su muerte en 2003. A pesar de la partida de Barrett, la banda sigue manteniendo su particular éxito. Mientras Barrett fue el intérprete principal durante

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Debido a la creciente enfermedad mental de Syd Barret, su lugar fue ocupado gradualmente por Dave Gilmour (sentado). La idea era que Syd siga componiendo y Dave tocara en los conciertos y discos, pero la idea no prosperó y finalmente Syd abandonó la banda en 1968.

los primeros años, Gilmour, Waters y Wright se convirtieron en los principales compositores y voces dentro de la agrupación: Waters escribió la mayoría de las canciones, melodías con líneas dominantes y complejas letras simbólicas (siguiendo la línea anterior); Gilmour se inclinó por las improvisaciones bluesísticas, y Wright prefirió sonidos melancólicos y psicodélicos, aunque todos ellos preferían letras simples o que fuesen puramente instrumentales.

Durante este período, las ambiciosas giras, cimentan su reputación del grupo de rock más vanguardista en escena. Ahora sin su principal escritor, el realineado Pink Floyd completa su se516

gundo álbum, “Saucerful Of Secrets”, fue lanzado en junio de 1968, alcanzando el número 9 en el Reino Unido y se convirtió en el único disco de Pink Floyd que no entró en las listas norteamericanas. Aunque el álbum se vendió bien, los dos singles que salieron de él se fueron a pique. Música más experimental se introdujo por completo en el disco doble “Ummagumma” de 1969. El tema principal, de doce minutos de duración, se acerca a las épicas canciones por venir, pero el disco fue recibido fríamente por la crítica de esa época. “Ummagumma” está formado por un disco en directo (grabado entre Birmingham y Manchester) y otro con temas nuevos

de estudio. Cada uno de estos temas fue compuesto por uno de los miembros de la banda y ocupan la mitad de una cara de cada disco (unos 10 minutos cada uno). “Ummagumma” fue el álbum más exitoso de la banda hasta aquel entonces, alcanzando el 5º lugar en el Reino Unido y el 74º en EE.UU. 1970 ve llegar al puesto número 1 al disco “Atom Heart Mother”, la primera grabación de la banda con una orquesta sinfónica y su siguiente álbum de estudio, contó con la colaboración del músico Ron Geesin. En la cara A del disco aparece “Atom Heart Mother” una canción instrumental de 23 minutos, mientras que la otra presenta una canción compuesta por cada uno de los vocalistas de la formación (“If” de Waters, “Fat Old Sun” de Gilmour y “Summer ‘68” de Wright). Aunque el álbum fue considerado como un paso atrás de la banda y uno de sus trabajos más inaccesibles, alcanzó el puesto más alto. Desde entonces, ha sido calificado por Gilmour como “un montón de basura”, mientras que Waters dijo que no le importaría si fuera “tirado a la basura y nunca fuera escuchado por nadie”. La popularidad de este álbum hizo que la banda se embarcara en su primera

gira completa por los EE.UU. Antes de editar su siguiente trabajo de estudio, la banda publicó un álbum recopilatorio, “Relics”, que contiene varios sencillos y caras-B junto con una canción original de Waters llamada “Biding My Time”, que fue grabada durante las sesiones de “Ummagumma”.

Durante esta época, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar.

Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en un estilo único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía: “The Dark Side of the Moon” y “Wish You Were Here”. Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, y los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry tomaron parte importante en estas obras. Es en esta época en la que el ambiente de colaboración desapareció de la banda, y Waters tomó el timón compositivo. La última colaboración de Wright como compositor y vocalista se dio en “Time” y “Shine on You Crazy Diamond”, respectivamente.

“Dark Side Of The Moon” de 1973, fue el álbum que convirtió a la banda en superestrellas marcó un antes y un des-

Portada de Ummagumma, que en el ardid de los adolescentes de Cambridge significaba “sexo”.

Pink Floyd es una de las bandas más influyentes del rock, ha influenciado a diversos artistas de rock tanto de los '70 como David Bowie, Genesis y Yes; como contemporáneos, entre los cuales se encuentran Dream Theater, Tool, Radiohead, Porcupine Tree y Nine Inch Nails.

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Existe una famosa anécdota de un hombre gordo y con la cabeza y las cejas completamente afeitadas llegó al estudio mientras los Floyd estaban mezclando “Shine on You Crazy Diamond”. Ninguno de ellos fue capaz de reconocerlo, hasta que de repente uno de ellos se dio cuenta de que era Syd Barrett. Wright dijo: “Llegué al estudio y vi a este tipo sentado al fondo del estudio, no lo reconocí. Dije “¿quién es ese detrás tuyo?”

“Ese es Syd”. Y yo simplemente me vine abajo, no lo podía creer... Roger estaba llorando, creo que yo también.

Fue muy chocante... siete años sin contacto y entonces llega cuando estamos haciendo esa canción en particular.

No sé, coincidencia, karma, destino, ¿quién sabe? Pero fue muy, muy fuerte”.

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pués en su popularidad. Este álbum que incluye temas clásicos como “Money”, “Time”, “Us and Them” y “Dark Side Of The Moon”, se convierte en el primer número uno de la banda en los USA, y es uno de los más vendidos en la historia del rock, sobrepasando los cuarenta millones de copias. Además, permaneció en el Billboard 200 durante 741 semanas, récord en aquel momento, incluyendo 591 consecutivas desde 1976 hasta 1988, lo que significó otro récord mundial, y se estima que alrededor de una de cada cuatro familias británicas posee una copia del disco. También se mantuvo en las británicas durante 301 semanas, aunque nunca superó el segundo lugar.

También alrededor de esta época se publicó la primera película documental en directo del grupo, “Live at Pompeii”, grabado antes de la publicación de “The Dark Side of the Moon” en el anfiteatro de Pompeya, Italia. El concierto fue gra-

bado sin ningún tipo de público. Dirigido por Adrian Maben, se incluyen también entrevistas a los miembros de Pink Floyd y escenas detrás de los escenarios y durante la grabación de “The Dark Side” en los estudios Abbey Road.

En 1975, el rock aparenta estar ya agotado, sólo Pink Floyd aparece como un luz esperanzadora, llega “Wish You Where Here” que escribe otra gloriosa página en la historia del grupo, además de la preciosa canción de amor que da título al disco, la extática “Shine You Crazy Diamond” dedicada por Waters a “Syd” Barrett y “Welcome To The Machine” dan al disco ventas multimillonarias.

“Wish You Were Here” fue el primer álbum en alcanzar el primer puesto en el Reino Unido y en los EE.UU., y fue igual de alabado por la crítica que su anterior trabajo.

“Animals” (1977), disco conceptual donde el creciente pesimismo de Waters es evidente, sin ser el mejor trabajo del grupo, vende también millones de copias y es apoyado nuevamente por apoteósicos conciertos. La música de la banda comenzó a ser criticada por los seguidores del punk por ser demasiado pretenciosa al haber perdido la simplicidad del rock and roll. Muchos críticos no respondieron bien al álbum, calificándolo como “tedioso” y “sombrío”. La portada del álbum presenta a un cerdo inflable, al que los miembros de la banda le pusieron de nombre “Algie”, sobrevolando las chimeneas de la Battersea Power Station de Londres. Aún así es considerado como mucho más guitarrero que los anteriores.

Después de la gira de promoción de “Animals”, cada uno de los miembros de Pink Floyd se embarcaron en proyectos en solitario. Gilmour grabó y publicó el álbum “David Gilmour” en 1978, el mismo año en el que Rick Wright publicó “Wet Dream”, y Nick Mason trabajó brevemente en la producción del álbum “Steve” de

Roger Waters había tomado las riendas creativas del grupo, lo que causó roces con el resto de la banda hasta su salida en 1985. Aùn así es el autor de varios clásicos de Pink Floyd, incluyendo su célebre “The Wall”.

Steve Hillage. El único que se enfocó en Pink Floyd fue Roger Waters, quien compuso dos proyectos distintos: “The Pros and Cons of Hitch Hiking” y “The Wall”.

El resto de los integrantes eligió éste último como su siguiente álbum, y “Pros and Cons” se convirtió posteriormente en el primer álbum en solitario de Waters.

A comienzos de 1979 uno de los financistas de la banda se involucra en un escándalo económico y los miembros pierden unos millones de libras, debiendole al fisco, esto obligó al grupo a abandonar el país durante un año. En el exilio el grupo grabó “The Wall”, La funesta visión de Roger Waters de la alienación de la vida moderna.

La influencia de Waters, de oscuros pensamientos y más terrenal, además de material más vendible, calzó perfecto con el formato de single; “Another Brick in the Wall, Part II” fue número 1 en los USA y en Inglaterra. “The Wall” consiguió que Pink Floyd volviese a lo más alto de las listas de éxitos. También del álbum

se extrajo otros éxitos como “Comfortably Numb” o “Run Like Hell”, que se convirtieron en clásicos de la banda y de las emisoras de radio a pesar de no haber sido nunca publicados como sencillos. La producción para la gira de The Wall, incluía la construcción de un inmenso escenario entre la banda y la audiencia, que hasta el día de hoy, permanece como uno de los shows más ambiciosos jamás realizados. El éxito no se quedó en el surco, sino que avanzó a la película, llegando a las pantallas en 1982, dirigida por Alan Parker y protagonizada por Bob Geldof.

“The Wall” permaneció quince semanas en el número uno de las listas estadounidenses. Fue alabado por la crítica, y consiguió 23 discos de platino, vendiendo 11,5 millones de copias en los EE.UU. El espectacular éxito de “The Wall” hizo que Pink Floyd se convirtiese en el único grupo en conseguir el disco más vendi-

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do del año en dos ocasiones dentro de una década junto con los Beatles (en 1973 con “The Dark Side of the Moon” y en 1980 con “The Wall”).

Tal suceso no pudo contrarrestar la hostilidad interna del grupo, malentendidos largamente aguantados entre Waters y Wright hicieron finalmente que este último se vaya en 1979. Para comienzos de 1980, las relaciones no mejoraron.

La megalomanía de Waters, pretendiendo ser el único dueño de Pink Floyd, fricciones sobre asuntos financieros y créditos sobre composición dañaron el corazón de la banda. Cuando se le preguntó a Nick Mason la razón del porqué Pink Floyd estaba unido aún, respondió: “Porque no nos hemos acabado el uno contra el otro todavía”, para sorpresa de

Dave Gilmour se ocupó de la dirección creativa del grupo cuando Waters salió en 1985, y sigue siendo hasta hoy figura de referencia para cientos de guitarristas de rock.

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muchos, otro álbum aparece en 1983, “The Final Cut” un disco duro y sin humor, dominado totalmente por Roger Waters, con un deslucido Mason y un desinteresado Gilmour, la fragmentación del grupo fue evidente para todos.

En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd, pero el resto de los miembros, especialmente Dave Gilmour no estaban de acuerdo. En 1987, Mason y Gilmour trabajan nuevamente juntos bajo la bandera de Pink Floyd; Rick Wright retorna también como miembro asalariado y luego como miembro pleno. Roger Waters queda fuera. Éste prohíbe al resto de la banda a usar el nombre “Pink Floyd”, pero tras un tiempo de refriegas legales, finalmente logran quedarse con el nombre. Lanzan el álbum “A Momentary

Lapse Of Reason”, aunque poco inspirado, recupera más el sonido Pink Floyd que su precedente. Sin Waters, que había sido el principal motor compositivo, la banda se apoyó en compositores de fuera, lo que provocó muchas críticas.

Bob Ezrin y Jon Carin entraron como productores y ambos aportaron también sus composiciones. Carin además interpretó la mayoría de las partes de teclado a pesar de la vuelta de Wrightl. Se realiza un masivo tour que comienza en setiembre de ese año, culminando doce meses y 200 presentaciones después. Mientras tanto, Waters lidera una nueva banda con quienes realiza una extravagante adaptación de “The Wall” en los restos del muro de Berlín en 1990. Aunque masivamente televisado, el show falla en recuperar su fortuna pasada.

El siguiente álbum de estudio de Pink Floyd fue “The Division Bell”, publicado en 1994, compuesto ahora por todos los miembros del grupo ya no exclusivamente por Gilmour. Fue recibido con mejores impresiones que “A Momentary Lapse of Reason”, aunque se le siguió criticando por su falta de originalidad. Aún así fue el segundo disco de la banda en llegar al primer puesto a

ambos lados del Atlántico desde “Wish You Were Here”. Otra grandiosa gira se realiza con temas nuevos y viejos, estrenando un espectacular juego de luces, confirmando que el grupo ha sobrevivido a pesar de la pérdida de otro “miembro crucial” del grupo.

“The Division Bell” también de 1994, es otro álbum conceptual que representa temas parecidos a los que Waters había explorado en “The Wall”. Muchas de las letras fueron escritas por Polly Samson, la novia de Gilmour en aquel momento, con quien se casó poco después de la publicación de este trabajo.

Al año siguiente, la banda publicó un álbum en directo titulado “P.U.L.S.E”. que alcanzó el número uno en los EE.UU. También en 1995 la banda recibió su primer y único premio Grammy en la categoría de Mejor Interpretación Instrumental de Rock por “Marooned”.

El álbum “Pulse” registra perfectamente el éxito de la gira y se convierte en uno de los mejores discos en vivo. El 15 de septiembre del año 2008 Rick Wright falleció a los 65 años de edad a causa de un cáncer, con lo que se pierde otra de las grandes figuras del rock.

El legado de la música de Pink Floyd es irrefutable y es en alguna manera más grande que los miembros individuales que la crearon.

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Los Flamming’ Grovies en 1967 eran la mezcla perfecta del sonido de los Rolling Stones con el austero sonido de Sun Records de los años 50, esto los distanciaba radicalmente del acid rock de San Francisco.

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The Flamin’ Groovies Esta genial formación americana, es casi inclasificable, surgida a mediados de los 60 en la hippie San Franciso, en realidad no formaba parte de todo ese colectivo de paz y amor, sencillamente no encajaban en la época. Fueron una nueva revolución de rock and roll entre tanto pacifismo y psicodelia. Poco conocida entre la masa pero con un fuerte seguimiento por parte de un amplio sector de melómanos aficionados tanto al rock 'n' roll o R&B clásico como a las bandas beat primerizas de la Invasión Británica.

Los Flamin' Groovies surgieron en 1965 en la ciudad californiana de San Francisco y lo curioso es que al ser grandes amantes de los grupos de la British Invation (en especial de los Beatles y Rolling Stones) y del rock de gente como Chuck Berry o Little Richard su música

permanecía al margen de las modas psicodélicas y progresivas de su entorno, continuando así durante casi toda su existencia como grupo.

La banda, que comenzó llamándose Chosen Few y posteriormente Lost & Found, estaba liderada en su primera etapa por el guitarrista Cyril Jordan y el loquísimo cantante Roy Loney; junto a ellos se encontraban el guitarrista Tim Lynch, el bajista George Alexander y el baterista Danny Mihm. Con la fuerza de la guitarra de Cyril Jordan, los Groovies siguieron fieles no a las modas (la psicodelia que reinaba en Frisco), sino a la energía del Rhythm and Blues y al beat británico y a la belleza concisa del single de tres minutos.

The Flamin’ Groovies, producen ellos mismos su EP debut, “Sneakers” en 1968, años antes de que nazca el rock independiente. “Sneakers” vendió bastante bien a nivel underground lo que les llevó a firmar con Epic para grabar su primer LP titulado “Supersnazz” (1969). El disco, a pesar de su gran calidad no cumplió las expectativas comerciales y el sello decidió no renovarles el contrato. Sin caer en la desesperación, los Groovies entraron en la compañía Kama Sutra y grabaron un álbum de virulento rock and roll y pegadizas letras, “Flamingo” (1970), que se convertirá en una gran influencia para las futuras generaciones como progenitores del “power-pop”. Luego graban "Teenage Head" (1971), otro magnífico trabajo

lleno de rock, pop y R&B que no obtuvo su justa repercusión en ventas.

El conflicto entre los líderes Jordan y Loney se resolvió con la marcha del grupo de Loney que emprendió una carrera en solitario en 1971 dejando a Ciryl Jordan como principal dirigente de los Flamin' Groovies. Jordan estaba obsesionado con la figura de los Beatles y trasladó al grupo a las Islas Británicas con dos nuevos componentes: el nuevo cantante Chris Wilson y un nuevo guitarrista llamado James Farrell, que había sustituido en el puesto a Lynch.

Wilson se convirtió en el complemento ideal de Jordan en el aspecto compositivo ya que los dos eran fanáticos de los Fab Four y los Byrds. En tierras europeas, los Groovies consiguen la horma de su zapato y lograron incrementar notablemente su audiencia, convirtiéndose en una formación de culto, fundamentalmente en Francia, Alemania e Inglaterra, países en donde realizaban sus conciertos a lleno total. Su música ahora se asentaba aún más en los Beatles, Rolling Stones, Byrds y Lovin' Spoonful, pero sin olvidar sus raíces rockeras.

Con cambios en la batería (David Wright reemplazó a Mihm) comenzó lo que se puede denominar la segunda parte de la carrera de los Groovies. Firmaron con el sello Sire y bajo producción de Dave Edmunds (con quien habían publicado un Ep en 1972) grabarían "Shake some action" (1976), una obra maestra presentada a la antigua usanza del beat británico con soberbias canciones como "Yes, It's True", "You tore me down", "I'll Cry alone", "I can't hide", "I saw her" o la propia "Shake some action". Un disco sin duda, imprescindible y que influyó bastante al movimiento punk. Ese año salieron de gira por el Reino Unido con los Ramones.

Si "Shake Some Action" resalta por su singularidad y calidad, la continuación no se quedó atrás. "Now" (1978), un Lp

de nuevo producido por Edmunds que presentaba al nuevo guitarrista Mike Wilhelm en sustitución de Farrell contenía magistrales composiciones propias como "All I Wanted", "Yeah, My Babe", "Don't put me on" o grandes versiones de los Byrds ("I feel a whole lot better"), Rolling Stones ("Paint It Black) o los Beatles ("There's a Place").

Después de estos dos sensacionales trabajos, graban "Jumpin' in the Night" (1979), un disco de inferior calidad producido por el propio Jordan junto a Roger Bechirian que presentaba demasiadas versiones, entre ellas Byrds, Beatles o Bob Dylan.

El amor al sonido sesentero los había sumido casi en una banda revivalista y versionera, lo que provocó disputas entre los miembros. Los roces se saldaron con la salida de Chris Wilson, David Wright y Mike Wilhelm, prosiguiendo con los Groovies Cyril Jordan y George Alexander que terminaron por establecerse en Australia donde grabaron varios discos, muy inferiores a sus primeros trabajos. Ahora, disfrutan de su estatus de grupo legendario, cosechando cientos de fans entre los aficionados al rock y pop clásico.

“Fuimos más allá de la imagen y del significado. Eso era demasiado típico del rock. Somos una máquina de discos a todo volumen” – Cyril Jordan

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LA ERA DEL ROCK

Moby Grape tiene un poco de folk, pop, blues y toques de rock & roll, country y gospel.

Los cinco componentes eran compositores y cantantes excelentes, sus harmonías igualan a las mejores de los Beatles, sin exagerar. Otra de las características del sonido de la banda fue la acertada conjunción de tres guitarras.

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Moby Grape Esta extraordinaria formación surgió en Frisco en plena sicodelia y a pesar de los talentos combinados y su gran calidad, no consiguieron el éxito comercial, aunque su compañía discográfica los publicitó intensamente. Moby Grape estaba formado por el guitarrista canadiense Skip Spence (antes fue baterista en los Jefferson Airplane); el también guitarrista Peter Lewis (ex- The Cornells); el guitarrista Jerry Miller y el baterista Don Stevenson (ambos de The Franctics).

Poco después se integró el bajista Bob Mosley para completar la formación.

Todos ellos ya tenían experiencia y eran grandes músicos y cantantes, además de ser hábiles compositores. Su manager, Matthew Katz, les consiguió un contrato de grabación con el sello Columbia y el gran talento de la banda se vio reflejado en su primer álbum, “Moby Grape”

(1967). Disco imprescindible con grandes temas como “8:05”, “Omaha”, “Sitting By The Window”, “Lazy Me”, “Someday” o “Come In The Morning”, con base psicodélica y matices pop, rock, folk e incluso country y soul. Todo hacía suponer que iban camino a ser una de las bandas más importantes de Norteamérica, pero la inestabilidad emocional de sus componentes causó el rápido declive del grupo.

La gran calidad de su debut no tuvo la debida continuación pues las tensiones por problemas con su manager y los egos inflados impidieron mantener el profesionalismo. Sumado a esto, varios miembros del grupo fueron acusados de encontrarse con groupies menores de edad, lo que derivó en serios problemas legales. A pesar de todo reunen fuerzas para editar un segundo álbum en 1968, “Wow”, que no alcanzó la calidad de su predecesor. A este le acompaña “Grape Jam”, un disco de jams acusado por la crítica de aburrido y falto de originalidad.

Aún así, la disquera bombardea publicitariamente y consigue algunos éxitos en ventas. Después de esto, Skip Spence, que se hallaba pasando un mal momento con las drogas, y luego de peleas con la banda, decide salir del grupo para intentar una carrera en solitario.

Los demás miembros de Grape siguieron juntos para publicar un tercer disco llamado “Moby Grape 69” (1969), acá la cosa mejora y además contiene un excelente tema compuesto por Spence “Seeing”. Para promocionar el disco se van de gira por Europa, pero al regreso, el bajista Bob Mosley decide unirse a los Marines y también deja la banda. Miller, Lewis y Stevenson tuvieron que cumplir obligadamente el contrato con Columbia de cuatro discos y graban apuradamente un siguiente álbum ese mismo año, “Truly Fine Citizen” (1969). Al término de la grabación Moby Grape da el carpeta-

zo. Con el tiempo algunos miembros del grupo se volvieron a reunir en varias ocasiones pero no podían utilizar el nombre de Moby Grape, pues los derechos los poseía Matthew Katz, por lo que se presentaban como Maby Grape, The Grape u otros nombres. En 1971, vuelven a reunirse los cinco miembros originales para grabar “20 Granite Creek” (1971), donde vuelven a volcar sus talentos en un disco bastante logrado. Años después siguieron apareciendo y desapreciendo en diversos locales y clubes pequeños, convertidos en banda de culto y cosechando nuevos seguidores. Alexander ‘Skip’ Spence falleció el 16 de abril de 1999.

Williams (guitarra líder), James “Weasel” Spagnola (2a. guitarra), Mark Tulin (bajista y tecladista) y Michael “Quint” Weakley en batería, este último duró poco y fue remplazado por Preston Ritter. Dave Hassinger, ingeniero de sonido que había trabajado con los Rolling Stones, Grateful Dead, The Seeds y los Jefferson Airpla-

The Electric Prunes es una de las mejores referencias del garage y sicodelia de la costa oeste de los sesenta.

A finales de esta década se separan para volver a los escenarios cuarenta años después.

Electric Prunes La ciudad de Los Angeles también estuvo representada en el movimiento psicodélico por los Electric Prunes, ellos tenían un sonido garajero y psicodélico, plenos de viajes ácidos sonoros matizados con bellas melodías. Se formaron hacia 1965 con el cantante y guitarrista Jim Lowe, Ken 525

LA ERA DEL ROCK

ne, fue una pieza clave en el sonido que producirían los Electric Prunes. Hassinger manejaba su propio sello y fichó a la banda, produciendo para ellos su primer single, “Ain’t It Hard” en 1966. El éxito lo alcanzaron con “I Had Too Much to Dream (Last Night)” un tema pop al cual le dieron su enérgico toque sicodélico, convirtiéndolo en uno de los clásicos del género. El single alcanza el puesto número 11 en los charts. Su siguiente single “Get Me to the World on Time” consigue también buenas ventas y logra entrar en los Top 20.

Ambas canciones se inlcuyeron en su primer álbum llamado simplemente “The Electric Prunes” (1967). Este gran trabajo

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es seguido de otro mejor, “Underground” (1967), donde desarrollaron aún más su sonido sicodélico, el LP incluía grandes temas como “Dr. Do Good”, “The Long Banana Hoax”, “Hideaway”,”Children of Rain” y “Long Day’s Flight”. La mitad de los temas fueron compuestos por la dupla Jim Lowe y Mark Tulin. Por esta época el primer baterista del grupo adista) y Michael “Quint” Weakley vuelve para remplazar a Ritter.

A pesar de la calidad del nuevo disco, no tuvo su repercusión comercial, esto caló hondo en los ánimos de la banda, cambiando totalmente su alineación para su tercer LP. Hassinger ahora toma las riendas y produce “Mass in F Minor” (1968), un interesante experimento pseudo-religioso. Apoyado en los arreglos de David Axelroad, utilizó músicos de sesión como el cantante Mark Kincaid, el guitarrista Ron Morgan, el bajista Brett Wade y el baterista Richard Whetstone y algunos componentes del grupo The Collectors. El álbum poseía un aire religiosos-sicodélico con letras en latín y cantos gregorianos, totalmente alejado de los primeros discos.

Luego realiza la continuación con “Release Of An Oath” (1969), otro ambicioso proyecto de Hassinger y Axelroad, la crítica lo catalogó como mejor disco que el anterior, instrumentalmente es más complejo, más rico y no resulta tan desconcertante. El último disco de los Electric Prunes, conformados ahora por varios músicos de sesión que ya habían participado en los otros discos fue “Just Good Old Rock’n’Roll” (1969), un disco que señaló el final y que no estuvo a la altura de la genialidad impuesta por los miembros originales.

Tras varias años de silencio, el grupo original se volvió a reunir para volver a realizar giras, componer y producir un sorpresivo trabajo de gran calidad llamado “Artifact” (2001).

CAPITULO 14

El Blues Revival Vuelta a las raíces Quizás cansados ya de tanto ácido y manipuleo de la prensa, sobre todo la musical, que creaba y derrumbaba ídolos como si nada, un grupo de músicos, otra vez de Gran Bretaña retornarían a las raíces del rock, para inaugurar una era de “revivals” que duraría el resto de la década y pondría los fundamentos del Rock Duro y del futuro Heavy Metal.

Hacia 1966, la escena rock comenzará a cambiar, gracias a un puñado de amantes del blues más clásico del delta del Mississippi y los clubes de Chicago, practicamente olvidado por los nuevos músicos.

Cuando John Mayall realiza el álbum “Bluesbrakers” (1966), presentando al ex guitarrista de los Yardbirds, Eric Clapton, se define, de una vez por todas, un género de Rhythm and Blues tocado por europeos blancos, el epítome del “bluesrock”, vino a ser rápidamente una de las más fuertes influencias en la escena musical británica.

En los Estados Unidos un poco más tarde aparece la contrapartida de Mayall, Al Kooper, quien forma el Blues Project, una banda que mezclaba flautas y órganos, creando un atmosférico so-

nido, mezcla de blues, folk, pop y jazz, perfectamente palpable en “Projections” (1967). Mayall y Kooper inspiraron a numerosos artistas a ambos lados del Atlántico. En ese punto, tres bluseros británicos de corazón, Jack Bruce, Eric Clapton y Ginger Baker, forman Cream. Más que cualquier otro, Cream cambió la cara del rock británico. Ellos tomaron la fusión del blues y el rock para llegar a lugares que nunca antes se llegaron.

Fueron los primeros en utilizar riff lacerantes y distorsiones nunca escuchadas, choqueando a la audiencia, poniendo la piedra fundamental del hard-rock.

San Francisco por su parte tenía una gran audiencia blusera, influenciada por el acid-rock llegan los Big Brothers and The Holding Company, con la gran vocalista Janis Joplin, la más visceral de su tiempo. Steve Miller por su parte, también tomó la posta hasta que se volvió a lo comercial; finalmente esta Carlos Santana, quien fusionó hábilmente los ritmos afro-latinos con la guitarra de blues y los vuelos psicodélicos.

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John Mayall Diga Blues y nada más que Blues

“Nos tomamos el blues en serio, lo absorbimos profundamente y ahora es también parte nuestra, es un lenguaje universal” – John Mayall

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Quizás nombrando a algunos músicos que pasaron por las manos de John Mayall se pueda vislumbrar la gran influencia que tuvo sobre el rock: Eric Clapton, Jack Bruce (formaron Cream), John McVie, Mick Fleetwood, Peter Green (que formarían Fleetwood Mac), Mick Taylor (de los Rollings), Larry Taylor (bajista de Zappa y Canned Heat), etc. Es decir, por el blues de John Mayall y los Bluesbrakers han pasado algunas de las estrellas más grandes de la historia del rock.

John Mayall es uno de los padres del blues británico, nacido en Macclesfield, Inglaterra en 1933, heredó su afición a la música de su padre, cuyos discos

de jazz devoraba durante horas. El sólo aprendió a tocar la guitarra, la armónica e incluso el piano, y en 1955 forma su primer grupo, The Powerhouse Four con algunos compañeros de escuela.

En Londres, Mayall se reunió con John McVie, Bernie Watson y Peter Ward para formar los Bluesbrakers; de esta formación original, los miembros se han cambiado innumerables veces, por las más diversas razones. Resulta que Mayall era como un dictador en cuanto a cómo quería que suene el grupo, qué y cómo se debía tocar, etc. Sus “leyes” en cuanto al uso de drogas y alcohol eran demasiado estrictas para la vida casi siempre desordenada de los músicos, especialmente de los más jóvenes. Además, si podía conseguir a alguien mejor para el grupo no lo pensaba dos veces para sacar al que no funcionaba a su manera. El ejemplo más famoso es la sustitución de Bernie Watson por Roger Dean, quien finalmente fue cambiado por Eric Clapton por que Dean era demasiado “country”.

Clapton estuvo con los Bluesbrakers por 15 meses, para cuando se lanzó el álbum “Blues Breakers featuring Eric Clapton” en julio de 1966, ya fue cambiado por Peter Green. El disco “Blues Breakers” obtuvo gran éxito, lo cual ayudó a difundir la música de John Mayall y aún hoy es un disco de referencia del blues blanco.

Más tarde lanzó “A Hard Road” y “Crusade” (1967) discos que Mayall utilizó de plataforma para “predicar” el auténtico blues, y más tarde salió “The Blues Alone” también de 1967, álbum desde el cual Mayall pudo demostrar su

destreza en todos los instrumentos menos en la batería.

En 1968 según los críticos, lanza su mejor disco de la década, “Bare Wires” En ese disco explora aún más sus instrumentos de viento y se perfecciona en la composición de las letras de las canciones. Después de “Blues From Laurel Canyon” (1969) Mick Taylor deja los Blues Brakers para unirse a los Rolling Stones y John Mayall comienza a utilizar sólo su nombre, poniendo fin a la etapa de los Brakers.

A pesar de la pérdida, resurge con otro disco siguiendo la línea de “Bare Wires”, llamado “The Tourning Point” (1969), grabado en vivo. Hasta 1971 fue muy productivo para Mayall, armó una banda con músicos norteamericanos para hacer “USA Union” (1970) y una vuelta a las raíces con “Back to Roots” (1971), disco en el cual participó Eric Clapton y otros ex integrantes de Blues Brakers.

En los 90 resurge de las cenizas, sorprendiendo a todos con el álbum “A Sense of Place” (1990) y “Wake Up Call” de 1993, su disco más vendido y para muchos, su obra cumbre. Pero Mayall no se durmió sobre los laureles. En el 2003 sale nuevamente al escenario para feste-

jar su 70 cumpleaños en compañía de viejos amigos, entre ellos Eric Clapton, Chris Barber y Mick Taylor, con el consiguiente album doble que recoge mucho de los mejores momentos de su larga y prolífica carrera. ¡¡Larga vida al blues!!

El clásico disco de Los Blues Brakers de 1967, con un Eric Clapton totalmente distraido leyendo otro clásico de los 60, “Beano”.

Mayall posee ese supremo talento para formar, dirigir y liderar grandes bandas, dio al mundo del rock muchas de sus grandes estrellas. A sus 70 años, ya tiene más de 40 discos con su nombre, pero continúa en el largo y tortuoso camino del blues.

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Eric Clapton El primer dios de la guitarra

Los Yardbirds le deben su fama inicial al genio de Eric Clapton, pero su inquieta naturaleza y su amor por el blues hizo que Eric saliera en 1965 después de dos exitosos LPs.

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Eric Patrick Clapton nace el 30 de marzo de 1945 en Surrey, Inglaterra.

Tuvo una infancia difícil debido a que era hijo ilegítimo de Patricia Molly Clapton y Edward Fryer, un soldado canadiense estacionado en Inglaterra. Después de terminada la Segunda Guerra Mundial, Fryer retornó a Canadá con su esposa, entre tanto Patricia dejó al pequeño Eric al cuidado de sus abuelos Rose and Jack Clapp (el apellido Clapton es por el primer esposo de Rose, Reginald Clapton).

La dura moral social de la época obligaron al pequeño Eric a montar la comedia de que su madre era su hermana y sus abuelos maternos sus padres. Estos le llamaban “Ricky”. El era un niño callado, pero bien educado, por sobre el estudio, destacaba más bien en las artes.

La verdad sobre su verdadero origen le fue revelada cuando cumplió los nueve años; aún así cuando Eric fue visitado por su madre, el siguió pretendiendo que era su hermana.

Clapton tiene su primer contacto con el rock and roll cuando ve a Jerry Lee Lewis actuando en la televisión, durante su malograda gira británica. La explosiva presentación de Lewis se acopló perfectamente con el creciente amor de Eric por el blues y el R&B norteamericano, animándole a tocar la guitarra. A pesar de su frágil físico era muy tenaz y consiguió su primera guitarra para su cumpleaños número trece, encontrando un verdadero refugio en la música. Empezó sus primeros escarceos mamando de discos de Big Bill Broonzy, Muddy Waters, Howlin’ Wolf y muy especialmente de Robert Johnson, el legendario bluesman del Mississippi. Esas fueron sus primeras influencias. En esa época ingresa al Kingston College of Art, pero pronto es expulsado por tocar la guitarra en clase.

A los 17 años, Eric toma un empleo y pasa su tiempo libre incursionando en el mundo de la guitarra para poder arrancarle todos sus secretos. Ya para esa época logró convencer a sus abuelos que le regalen una guitarra eléctrica.

Gracias a su extraordinaria capacidad, logró unirse a varias bandas de blues, incluido The Roosters que fue la primera banda con quien grabó y actuó semiprofesionalmente.

Primero fue un chico como cualquier otro, luego fue el genio del blues, luego la “mano lenta”, llegó a ser “dios” y volvió a ser hombre.

Sea como sea, Eric Clapton es sin lugar a dudas el mejor guitarrista de blues de todo el mundo, su carrera estuvo marcada por excepcionales proezas musicales y profundas tragedias personales.

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LA ERA DEL ROCK

ERIC PROFESIONAL Tras unos meses de tocar con los Roosters, su genio era requerido para tocar con los Yardbirds, ingresando al mundo profesional en 1963. Este grupo se convirtió en una sensación por su bluesrock muy particular, además del virtuosismo del joven Clapton, quien pronto se convirtió en la figura central además de ganarse el apodo de “Slowhand” (mano lenta). Debido a su fuerte rasgeo frecuentemente soltaba las cuerdas de la guitarra, entonces mientras las cambiaba en el escenario, la multitud comenzaba un lento aplauso acompasado. El grupo se convirtió en residente permanente del Crawdaddy Club de Richmond, luego de que los Rolling Stones le dejaran su lugar a fines de 1963.

A pesar de la popularidad de los dos primeros álbumes de la banda “Five Live

Yardbirds” y “For Your Love”, Clapton se aleja en 1965 debido a que siente que los Yardbirds se estaban alejando demasiado del blues en favor de una corriente pop más comercial.

Ese año, Eric acepta la oferta de John Mayall de unirse a los Bluesbreakers donde su gran talento florece aceleradamente, definiendo la fuerza musical del grupo. En las paredes londinenses comenzaba a verse la inscripción “Clapton es Dios”, pintadas por fanáticos seguidores, quienes impulsaron al disco lanzado por los Bluesbreakers al número 6 de las listas británicas. Pero su inmenso talento y sus ideas no compatibilizaron con el fuerte carácter de Mayall, quien estaba perdiendo protagonismo en su propia banda, por lo que Eric se fué una vez más, dejando a otro grupo en la cima de su popularidad.

ERIC SUPERESTRELLA Pero Clapton ya tenía otro proyecto entre manos, a mediados del 66 aún antes de salir de los Bluesbreakers, había hecho amistad con el extraordinario bajista Jack Bruce y el baterista Ginger Baker, quien a la sazón era reconocido como el mejor baterista de la época. Fue así que al dejar a Mayall, los tres enormes talentos se unen para formar Cream (la crema de la crema). Clapton dijo que con esta agrupación “empezarían una revolución del pensamiento musical, para cambiar el mundo, para conmover a las personas y choquearlas”. Esa visión pronto se quedó corta, Cream se convirtió rápidamente en el trío más prominente de la escena rock de fines de los sesenta.

Cream fue pionera en varios aspectos, Ginger Baker revolucionó completamente la técnica de tocar la batería con el uso del doble bombo, Jack Bruce hizo lo propio con el bajo, incorporando al rock muchos aspectos del jazz,

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Cream, el primer Supergrupo del rock. La explosiva mezcla de los tres grandes egos de Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker no permitiría sinembargo que la banda durase mucho, pero aguantó lo suficiente para dejar un surco bien grande y marcar la pauta para el futuro hard rock.

todo esto encajaba perfectamente con la envolvente guitarra de Clapton, profunda, pesada y alucinante. Los riff de temas como “Crossroad” (cover del genial blues de Robert Johnson), “White Room” y muy especialmente “Sunshine of Your Love”, todos clásicos, ya iluminan el camino al hard-rock.

Con la fuerza de sus tres primeros albumes “Fresh Cream” (diciembre del 1966), “Disraeli Gears” (noviembre de 1967), y “Wheels of Fire” (agosto de 1968) y un extensivo programa de giras,

la banda alcanzó fama internacional, muy cercana a los Rolling Stones o los Beatles, al tiempo de que Clapton se volvía más y más poderoso en la mente de sus fans. Siete singles entraron en los Top 10 de Gran Bretaña y tres en los USA. El doble álbum “Wheels of Fire” recoge el inmenso talento de este poderoso trío de blues-rock. Uno de los discos presenta un acabado trabajo en el estudio, reflejando el alto nivel, la sofisticación y la variedad musical que creaban. “White Room” es el perfecto ejemplo de la fu533

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Cream actuando en el show de la televisión británica, Top of The Pops.

sión entre el rock-blues y pop, “Pressed Rat And Warthog” representa un viaje dentro de la excentricidad psicodélica y “As You Said” se aventura en el atmosférico sonido electrónico.

El otro LP es un electrificante sonido en vivo de la banda, grabado en el Fillmore de San Francisco. Con sólo cuatro temas, demuestra feacientemente el talento de Ginger, Jack y Eric donde se explayan en habilidosas improvisaciones.

Pero como nada dura para siempre, para finales de 1968, después de dos años de contínuos éxitos, el grupo se separa, debido a una combinación de abuso de drogas, egos super inflados y la presión de la fama. Los Cream dan un concierto de despedida el 26 de noviembre de 1968 y graban un último álbum “Goodbye Cream” que saldrá en marzo de 1969. En esa época en una entrevista 534

concedida a una revista musical británica, Clapton admite: “Estoy cansado de la limitación que supone una formación del tipo guitarra-bajo-batería, quiero algo más flexible. Me gustaría una banda con teclados y un nuevo enfoque. Al escuchar la grabación de “Music From Big Pink” de The Band, cambiaron mis ideas musicales, comprobé que Cream estaba pasado de moda”.

UNA FE CIEGA En diciembre de 1968, Traffic, otra banda británica de primera línea se disolvía, dejando a su tecladista y cantante Steve Windwood tan libre como Clapton de Cream. Los dos se ponen a ensayar en la magnífica mansión de Hurtwood Edge en Surrey, que Eric había comprado.

Aunque ambos artistas estaban tomando las cosas con calma, el manager de Clapton, Robert Stigwood, dueño de la RSO,

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LA ERA DEL ROCK

Blind Faith, Steve Windwood, Rick Grech, Ginger Baker y Eric Clapton.

vió una oportunidad demasiado jugosa como para dejarla pasar. Es así que Eric Clapton en guitarra y voz, Steve Windwood en órgano y voz, Ginger Baker en batería y Rick Grech en bajo, son comprometidos a ofrecer un concierto gratuíto (¡qué tiempos aquellos!) en el Hyde Park de Londres. El grupo elije el nombre de Blind Faith, expresión de una fe ciega en sus capacidades y talento musical. La expectación ante esta formación causó en el público fuertes reacciones: “el mejor grupo de todos los grupos”, decían las revistas musicales y sus delirantes y emocionados seguidores.

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Después de unos acelerados ensayos, el concierto gratuíto se realizó el 7 de junio de 1969 con la asistencia de más de 120.000 espectadores. Pero esta vez fue grande la decepción que causaron. Llovieron las críticas, “era un Stingwood con un grupo acompañante”, “no dieron lo mejor de sí” “fué débil y flojo” decían. El propio Clapton reconocería más tarde ante la revista Melody Maker: “no estábamos preparados, pero no teníamos otra alternativa más que hacerlo”. Quizás lo que pasó es que no resistieron la oportunidad de lanzarse como producto al mercado pero no ensayaron

lo suficiente. En el negocio de la música no hay muchos escrúpulos a la hora de ganar mucho dinero. Stingwood dejó bien en claro las cosas, se podía ganar mucha plata con Blind Faith, pero tenían que empezar a moverse para despertar el interés. También los medios colaboraron a endiosar demasiado rápido al grupo, prácticamente habían nacido en la cima, por lo que el único camino que quedaba era de bajada.

Editaron un único álbum “Blind Faith” que salió al mercado en agosto de 1969; el álbum cuya portada mostraba una adolescente con el pecho desnudo, sosteniendo un avión plateado en la mano, fue en ese tiempo “demasiado atrevida”, por lo que la casa de discos en un principiose negó a lanzarla así, pero el grupo quería un fuerte impacto y finalmente salió con esa portada.

En apoyo al álbum, el grupo inicia una serie de conciertos a lleno total en veinticuatro ciudades de los USA. Blind Faith hizo historia, pero el tremendo stress que produjo el mega tour y la incompatibilidad de caracteres hizo que el grupo se separara apenas a un año de haberse iniciado. Clapton admitió: “Creo que al público se le ha estafado con Blind Faith, porque nadie es tan bueno como dice su slogan o su hoja promocional. Ya es hora de que los grupos devuelvan a su público lo que éste nos ha dado”.

La controvertida portada del primer y único LP de Blind Faith. La compañía se negó a publicar el disco con esta portada, pero la voluntad del grupo era causar impacto y así salió.

ban junto a sus músicos de teloneros de las estrellas. Eric encontró irresistible la combinación de soul blanco y R&B que hacía el dúo, por lo que no dudó en unirse como un músico más, cansado de las presiones de la fama, se deleitaba tocando en una banda flexible, donde podía controlar la música desde el fondo sin ganar tanto protagonismo. “Eran sencillos, naturales, libres, nada engreídos, se notaba que disfrutaban hacer música”, todo lo contrario a las superestrellas de Blind Faith.

Eric Clapton, John Lennon, Mitch Mitchell y Keith Richards tocando “Yer Blues” en la filmación de la estravaganza “Rock and Roll Circus” de los Rolling Stones.

ERIC IDEALISTA Luego de la caída de Blind Faith, el inquieto Clapton no se queda con los brazos cruzados, se mantiene ocupado tocando en diversas bandas como músico invitado. Así llega a tocar en el concierto debut de la Plastic Ono Band con John Lennon y Yoko Ono en Toronto Canadá en septiembre del 69. Durante la gira con Blind Faith, Clapton se hace amigo de Delaney & Bonnie, un matrimonio que toca537

LA ERA DEL ROCK

Delaney & Bonnie y Eric en el Royal Albert Hall de Londres el 1 de diciembre de 1969.

Clapton literalmente se lleva al grupo de gira por Europa durante noviembre y diciembre quedando grabada la experiencia en el álbum en vivo “Delaney, Bonnie & Friends On Tour With Eric Clapton”, que sale en febrero de 1970. Desgraciadamente, estando la pareja en Inglaterra, codeándose con grandes figuras como George Harrison (quien llegó a compartir escenario con ellos) y el propio Clapton hizo que la fama se le subiera a la cabeza, desdeñando el padrinazgo de Eric, el matrimonio se regresa a los Estados Unidos dejándolo con cuentas que pagar y la confianza por los suelos.

Muchos criticaron a Clapton la excesiva fe que había depositado en Delaney & Bonnie y su extraña actitud de querer pasar desapercibido como un músico más del grupo.

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SU PLAN ES NO SOBRESALIR A pesar de esa nueva mala experiencia, musicalmente, Clapton gana en variedad, extendiéndose a otros estilos musicales que cultivará con éxito en años posteriores. En agosto de 1970 Eric se anima y lanza su primer proyecto en solitario, con la colaboración de algunos músicos de Delaney & Bonnie y en especial con la participación de Leon Russell. El álbum llamado simplemente “Eric Clapton” no tuvo demasiada repercusión en las ventas y en los seguidores, salvo por el tema “After Midnight” un cover de J.J. Cale que obtuvo un modesto éxito. El álbum con marcado sonido de rock sureño también tenía canciones de amor, que serían una constante en sus siguientes años.

Junto a tres ex integrantes de Delaney & Bonnie, Bobby Whitlock en teclados, Carl Radle en bajo y Jim Gordon en batería, Clapton da forma a su siguiente proyecto, Derek & The Dominoes (nuevamente se esconde tras un sobrenombre) y graban el doble álbum “Layla and Other

Derek and the Dominoes en 1970. La obra maestra de Clapton, “Layla and Other Assorted Love Songs” en su momento pasó totalmente desapercibida, lo que llevó a nuestro quebrantado Eric a sucumbir ante la heroína y pasar sus peores años temiendo por su vida.

Assorted Love Songs” en noviembre de 1970, con la contribución del destacado guitarrista Duane Allman (de los Allman Brothers). Este trabajo contiene entre otras canciones, la emblemática “Layla” un angustioso lamento por un amor no correspondido.

La canción fue inspirada en propias palabras de Clapton por Patti Boyd, esposa de George Harrison, quien llegó a ser el mejor amigo de Eric desde que se conocieron en 1967. Según se cuenta, Patti se valía de Clapton para darle celos a su marido, pero ese constante juego amoroso terminó por enamorarlo perdidamente.

El cómo, cuándo, porqué y quién de esa historia tiene muchas variantes, dependiendo del autor o la fuente; eventualmente Clapton y Patti se casan en 1979 pero ponen fin a esa historia de amor en 1988 por medio del divorcio. Dejando atrás este paréntesis de telenovela, “Layla” es una verdadera obra maestra, una joya de la historia de la música moderna.

Una apasionada canción de amor con un épico duelo final entre las guitarras de Eric y Duane. “Layla y otras canciones de

amor” sale a la calle en diciembre de 1970, pero no causó ninguna impresión, increíblemente pasó totalmente desapercibido, obviamente en su momento fue un fracaso comercial.

Este rechazo pudo deberse a que el grupo “Derek and the Dominoes” era desconocido, el álbum era doble, lo que significaba caro, tenía una bella portada, pero poco comercial y el nombre de Clapton no aparecía por ningún lado. Eric quería que el disco tuviera fuerza propia por la calidad de los temas, lamentablemente se equivocó.

Tantos problemas de amores no correspondidos y también el fracaso de su obra maestra hacen mella en el debilitado espíritu de Clapton y éste cae en una fuerte adicción a la heroína. Derek and the Dominoes sucumbe en el transcurso de una gira por los Estados Unidos abortándose también la grabación de un segundo álbum.

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LA ERA DEL ROCK

ERIC DROGADICTO

George Harrison llegó a ser el mejor amigo de Eric, se conocieron hacia 1967 y Clapton llegó a colaborar en el tema “While My Guitar Gently Weeps” del álbum blanco de los Beatles y en el álbum debut de Harrison, a parte de numerosos conciertos y participaciones en discos.

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La nueva década trae consigo varias desgracias personales para Eric, primero el fracaso de su disco, luego la muerte de sus amigos Duane Allman y Jimi Hendrix, y la de su abuelo “padre” Jack Clapp.

Sea el motivo que fuere, lo cierto es que Clapton se refugia en su casa de Surrey y pasa los primeros años de la década en la sombra, luchando contra su creciente adicción a la heroína. Aunque apenas podía mantenerse en pie en el escenario, el 1 de agosto de 1971 Eric acudió al pedido de su amigo George Harrison para participar en el concierto de ayuda a Bangladesh, terminado el compromiso volvió a su casa a encerrarse. A mediados de 1972, Eric se encontraba más enfermo de lo que los rumores decían, su adicción le costó gran parte de su dinero, fama, salud y por poco le cuesta la vida. La ayuda de la amistad, en concreto en la persona del guitarrista Pete Townshend lo sacaron del pozo en el que se encontraba. Pete se lo llevó a Clapton para un controversial pero efectivo tratamiento con acu-

puntura para comenzar su rehabilitación, le animó a participar en la película de los Who “Tommy” y a realizar dos conciertos en el Rainbow Theatre con el fin de reactivar su denostrada carrera. El 13 de enero de 1973 actuaron junto a Clapton, Steve Windwood, Pete Townshend, Ron Wood (de los Rolling Stones), Rick Grech, Jim Capaldi, Ree Bop y Jimmi Karstein. Nuevamente Clapton demuestra que tiene fuerte determinación y se propone dejar la droga y volver con todo a su música.

ERIC SOBREVIVIENTE En abril de 1974, luego de dos años de silencio, se dirige a Miami para grabar “461 Ocean Boulevard”, un excelente album marcado por una fuerte influencia de reggae, especialmente patente en el exitoso single “I Shot The Sheriff”, cover de Bob Marley. También incluye la hermosa “Let It Grow” que será un tema habitual en sus conciertos siguientes. El disco tiene un éxito inesperado, a pesar de algunas críticas que decían que había abandonado su estilo fuerte en favor de canciones facilonas.

El éxito animó a Clapton a preparar otro LP, “There’s One In Every Crowd”, que salió a la venta en abril de 1975.

Pero no tuvo el recibimiento que el anterior, quizás por que se le parecía mucho.

A la disquera no le hizo mucha gracia el resultado negativo (la plata es la plata) y exigió a Clapton que sacara un disco en directo, basado en el “461 Ocean”, Eric no se dejó amedrentar, no quería sacar un disco en vivo, pero le dió a la compañía un espectacular single “Knockin’ On The Heavens Door” de Bob Dylan, no fue suficiente. Eric claudicó y realiza “E.C. Was Here” un álbum en vivo que, como él mismo lo había predicho, no arregló la situación comercial.

Su siguiente trabajo “No Reason To Cry” salva la situación, este excelente ál-

bum que cuanta con la participación de varias estrellas como The Band al completo (el grupo por el que Clapton sentía gran admiración), George Harrison, Ron Wood, Billy Preston y el mismisimo Bob Dylan, con quien Eric tenía una gran amistad nacida ya en 1965. Publicado en agosto de 1976 “No Reason To Cry” devuelve a Clapton su prestigio y a RSO la sonrisa.

Llega inmediátamente al puesto número 15 en los USA y al Top Ten británico.

En 1977 los problemas matrimoniales de un donjuanesco George Harrison terminan con el divorcio, por lo que Patti Boyd se refugia en los brazos de su más grande admirador. Por fin a Eric Clapton se lo veía realmente felíz; en noviembre de 1977 se publica otro de sus mejores trabajos, “Slowhand”, un álbum excelente y completo. Posee varios temas emblemáticos incluídos “Cocaine” de J.J.Cale, que en la versión de Eric se convertiría en un clásico y “Wonderful Tonight”, otra genial canción inspirada por Pattie.

En junio de 1978, acompaña a Bob Dylan en una serie de conciertos por Europa y graba su siguiente disco, “Backless”, otro excelente material que incluye dos temas de Dylan. Tras una serie de conciertos promocionales, Clapton convence a Patti para formalizar su relación y se casan el 27 de marzo de 1979 en Tucson, Arizona. Para completar la felicidad de nuestro personaje, toca con su banda junto a su ídolo Muddy Waters la siguiente noche a lleno total.

ERIC ALCOHOLICO En diciembre del 79 Clapton da un memorable concierto en el Budokan de Tokio y se materializa en el álbum “Just One Night” publicado en 1980. El doble álbum en vivo le recuerda a los fans exactamente de qué estaba hecho el ídolo de la guitarra, pero en la vida real los cuentos de hadas no duran para siempre, duran-

te éste período Clapton se desliza poco a poco al alcoholismo, lo que hace de él un hombre irascible y malhumorado, incomprensiblemente llega a despedir a toda su banda, que lo había acompañado varios exitosos años, hecho del cual se arrepentiría muchas veces en los años siguientes. A pesar de esto, graba otro álbum, “Another Ticket” (1981), que es bueno, pero inferior a sus dos anteriores trabajos. Durante la gira promocional, tiene que ser ingresado de urgencia al hospital a causa de cinco úlceras que lo dejan parado por un largo tiempo.

Hombre experimentado en caídas, vuelve a enfrentar sus problemas y triun-

Ron Wood, Eric Clapton y Pete Townshend en el memorable concierto de reaparición en enero de 1973 en el teatro Rainbow de Londres.

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salen “Money and Cigarettes” (1983), “Behind the Sun” (1985), con la producción y colaboración de Phil Collins y los novedosos “August” (1986) y “Journeyman” (1989). En este período Clapton debe bajar la cabeza ante la poderosa Warner, que le impone un estilo mucho más comercial, totalmente ajeno a lo que siempre deseó para su música. A pesar de las críticas y decepciones de sus seguidores más puristas, su nivel musical y su leyenda no hizo más que crecer. Su influencia en las nuevas generaciones se hizo más que evidente cuando la Polygram editó en 1988 un pack de cuatro CDs, recorriendo su carrera desde sus días en los Yardbirds, se llamó “Crossroads”, el set se ganó un Grammy por Mejor Album Histórico y es sin dudas el mejor documento de la espectacular carrera de Clapton.

Eric en compañia de Patti Boyd, su gran amor e inspiradora de dos de las canciones más bellas de Clapton, “Layla” y “Wonderful Tonight” de 1977.

ERIC MADURO

fa una vez más sobre ellos. Resurge del pozo del alcoholismo con toda la fuerza de voluntad que siempre lo acompañó para realizar una serie de exitosos y consistentes discos. En 1982 deja la RSO para firmar con Duck/Warner Brothers, 542

En lo personal, sus contínuas disputas, rupturas y reconciliaciones con Patti Boyd, además de la relación que Eric mantiene con la modelo italiana Lori del Santo y del nacimiento de un hijo de ambos nacido en 1986, acaban con el divorcio de los Clapton en 1989. En 1990, la tragedia vuelve a sacudir al golpeado espíritu de Clapton, el guitarrista Steve Ray Vaughan, Colin Smythe y Nigel Browne, (todos amigos cercanos de Eric) mueren en un accidente de helicóptero mientras se dirigían a un cocncierto que realizarían juntos; y como remate, en marzo de 1991, Conor de cinco años, el hijo que tenía con Lori del Santo, cae del piso 53 del apartamento de la modelo en Manhattan. Esto terminó por destrozar a Eric, sumiéndolo en otra terrible depresión. Pero volvió a canalizar su inmensa tristeza a través de la música, compone la rompedora “Tears in Heaven”, como tributo a su amado hijo, que saldrá editado en el LP “Unplugged” en agosto

de 1992. El álbum gana ese año la inusual (y según algunos exagerada) suma de seis Grammys.

En 1994, vuelve a sus raíces bluseras una vez más con el álbum “From The Cradle”, marcando un retorno a los viejos blues para el beneplácito de críticos y seguidores. Clapton no daba señales de dejarse estar, impone su presencia en música para películas, contribuyendo en filmes como “Rush”, “Back To The Future”, “The Color Of Money” y “Lethal Weapon 3”. En febrero de 1997 gana los Grammys por Disco del Año y por Mejor Vocalista Pop Masculino gracias al tema “Change The World” que formó parte de la banda sonora de la pélícula “Phenomenon” protagonizada por John Travolta.

Al año siguiente viene el aclamado “Pilgrim”, que captura la nominación al Grammy por mejor álbum pop del 98.

Pero en el 99 sí logra ganar un Grammy por su interpretación de “The Calling” del disco “Supernatural” de Santana.

Clapton regresa al blues con su amigo y leyenda BB King en el 2000, en el disco multiplatino “Riding With The King”. Este mismo año Clapton sube

nuevamente a las listas de éxito con “My Father’s Eyes” y poco después obtiene una triple nominación al Rock & Roll Hall Of Fame por ser miembro de los Yardbirds y Cream y por artista solista. Eric Clapton continúa sorprendiendo y deleitando a un vasto espectro de amantes de la música. Su legado continúa con la realización de “Reptile”, el más reciente viaje a través de la vida y obra de un auténtico genio musical.

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Rockers con alma de Blues...

Johnny Winter Albino de piel, pero negrísimo de alma, Johnny Winter es una de las clásicas figuras del blues-rock más puro, su aspecto extraño, casi surreal, especialmente por los cientos de tatuajes y su pelo blanquísimo y lacio al estilo de los dioses nórdicos, abrazó sin embargo la música más negra. Su inmensa reputación como blusero y rockero, es respaldada por sus incendiarias interpretaciones.

Nacido en Beaumont, Texas, en febrero de 1944, John Dawson Winter III y su hermano Edgar, tres años más joven, fueron rodeados de música desde muy pequeños. Su padre cantaba en un cuarteto y en el coro de la iglesia, estimulando a Johnny a estudiar clarinete desde los cinco años. Un tiempo después, se pasó al ukulele y Edgar le acompañaba al piano.

Los hermanos comenzaron a presentarse

“El destino lo hizo nacer en una familia bastante blanca, no obstante, su garganta hace que olvidemos la catarata de pelo albino que le cruza el rostro cuando actúa. Ese grito desgarrado parece que brota de las entrañas de un trabajador de algodón de Alabama”.

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como dúo, ganado concursos y apareciendo en shows de la televisión local.

Cuando Johnny cumple los 11 años, los Winter Brothers viajan a New York para una audición televisiva. A los 14, Johnny forma su primera banda, Johnny & The Jammers. Al año siguiente, en 1960 ganan un concurso cuyo premio es grabar dos singles, “School Day Blues” y “You Know I Love You” ganando algo de notoriedad en su localidad. En ese tiempo, Johnny frecuentaba el Raven Club de Beaumont, donde vió por primera vez a Muddy Waters, B.B. King y Bobby Bland, siendo estos su primera influencia.

En 1963 graba “Eternaly” un tema con sabor pop y sección de vientos arreglado por su hermano Edgar. La canción fue un éxito en Texas y Louisiana, permitiéndole a Johnny abrir algunos shows de Everly Brothers y Jerry Lee Lewis, pero no lograba sobresalir más allá de las

fronteras mencionadas. Recién en 1968, luego de varias actuaciones en el Vulcan Gas de Austin y el Love Street Light Circus de Houston, llama la atención de un escritor de la revista Rolling Stone, Steve Paul, que escribe: “Aparte de Janis Joplin, lo más excitante aún se encuentra en Texas. Imagínate un albino bizco, con larga cabellera flotante, tocando blues con la guitarra más explosiva que jamás hayas oído. Se llama Johnny Winter, Mike Bloomfield dijo que era el mejor guitarrista blanco de blues. Yo lo confirmo”.

El artículo atrajo la atención nacional sobre el disco “The Progressive Blues Experiment” una colección de explosivos temas grabados en vivo que rápidamente fue editado por Imperial Records, lo que significó el principio de su ascenso. En el disco toca su hermano Edgar en teclados, Tommy Shannon en bajo y John Turner en batería.

Luego de un corto viaje a Inglaterra, Johnny regresa a Texas y se encuentra en medio de una guerra de compañías que intentaban contratarlo, finalmente venció Columbia Records. Su álbum debut “Johnny Winter” se lanzó a fines de 1968, en ese año participa también del prestigioso festival de Nieuport, California.

Rápidamente le sigue otro potente álbum de rock and roll-blues llamado “Second Winter” de 1969, ese año, su hermano Edgar más dado al jazz y al rock progresivo lo abandona para seguir su carrera en solitario.

En 1970, Johnny hace equipo con algunos ex-miembros de The McCoys (los de “Hang On Sloopy”), incluyendo al guitarrista Rick Derringer. La banda se llamó “Johnny Winter and...” con un estilo mucho más dado al hard-rock. Juntos lograron un disco de oro en 1971 por los álbumes “Live y Johnny Winter and...”, que incluyen por primera vez las espectaculares versiones de “Jumpin’ Jack Flash” de los Rollings y “Johnny B.

Goode” de Chuck Berry. Winter empieza a exagerar con las drogas, obligando a la banda a dejarlo para unirse a su hermano Edgar. Johnny debe pasar dos años visitando hospitales para su desintoxicación.

Renovado y “limpio” reaparece en 1973 con “Still Alive and Well”, recuperando a su mano derecha Rick Derringer y a Randy Hobbs.

En el álbum canta “Silver Train” escrita especialmente para Johnny por Mick Jagger y Keith Richards.

Los setentas fueron especialmente productivos, en 1974 sale “Saints and Sinners” y en 1976 se lanza “John Dawson Winter III” y “Capture Live”.

En 1977, Johnny se une al legendario bluesman, Muddy Waters para producir y tocar con el en uno de sus discos más aclamados por la crítica, “Nothing but the Blues”. Esto hizo que Johnny produzca también el siguiente álbum de Muddy,

The Progressive Blues Experiment, lanzado en 1969, atrajo la atención sobre su trabajo y significó el principio de su ascenso al Olimpo del rock.

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“Hard Again”, que ganó un Grammy por el single, “Blue Sky”. Sin dudas este par era un formidable equipo, consiguiendo más Grammys con “I’m Ready” en 1978, “Muddy, Mississippi Waters Live” en 1979 y “King Bee” en 1980.

Tomándose un descanso de cuatro años, Johnny firma con Alligator Records, el legendario sello de blues, para grabar “Guitar Slinger”, seguido de “Serious Business” en 1985. En 1986 vuelve a ser nominado para los Grammys con el tema “Third Degree”, que fue catalogado como parte de los 101 Albumes Esenciales de Blues por Robert Santelli, archivista del Rock and Roll Hall of Fame.

En 1992 sale “Hey, Where’s Your Bro-

ther?” (llamado así por ser la pregunta más frecuente que se le hacía a Johnny).

En este álbum, Johnny Winter se explaya demostrando que todavía está en su mejor forma, mezclando lo mejor del blues y del rock and roll con su poder y pasión característicos, ayudándole a asegurar su puesto como una de las más indispensables y duraderas estrellas de blues y rock de todos los tiempos. Después de un paréntesis en las grabaciones, Johnny y su banda de hace mucho tiempo, graban “Johnny Winter Live In New York City ‘97” en abril de 1997 para Pointblank Records. Johnny pasa el resto de los 90 en giras por los USA. El año 2001 le trajo a Johnny algunos sinsabores, primero una cirugía y luego la muerte de su padre, pero también ese año está marcado por la realización del primer video/DVD que cubre sus más de 30 años de actuaciones en vivo, adecuadamente llamado “Pieces & Bits”. Una excelente recopilación llamada “The Best Of Johnny Winter” fue lanzada en el 2002 y él continúa de gira.

Al Kooper

Kooper sigue siendo hoy una de las personalidades más formidables, talentosas e inspiradas de la música rock.

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Al Kooper, nacido en Brooklyn en 1944, es por derecho propio uno de los gigantes del rock de los 60, no muy lejos de Bob Dylan o Paul Simon en importancia. Además de co-escribir uno de los clásicos del pop-rock de mediados de los 60, “This Diamond Ring”, era muy solicitado como músico de sesión en varios de los más importantes sellos discográficos de la época, llegó a tocar en “Like a Rolling Stone” de Bob Dylan y en dos de los clásicos discos de blues-rock de su amigo Mike Bloomfield. Al Kooper también se unió y formó dos grupos muy importantes: Blues Project y Blood, Sweat & Tears.

Como productor en Columbia, estuvo atento a la invasión británica, firmando con el grupo The Zombies y produciendo

uno de sus discos más exitosos; y poco después, Kooper descubre a los Lynyrd Skynyrd, uno de los grupos de countryrock más famosos de los años 70, ayudándoles a producir su mejor trabajo.

Aparte del hecho de que hizo y sigue haciendo música espectacular, en términos de reconocimiento público, a sido relegado a una posición de segundón, algo entre John Mayall y Steve Winwood, una verdadera injusticia.

De niño solía escuchar los discos de Bessie Smith que su padre tocaba, y eso le introdujo al blues y por extensión al gospel, R&B y soul, todos los estilos que dieron forma a su propia música. Igualmente importante, él se reveló como un músico natural, un día se sentó al piano y comenzó a tocar uno de los éxitos de los 50, sin tener entrenamiento previo.

Cuando rompió el rock and roll, formó un grupo de doo-wop y después se hizo profesional en 1959 con el grupo The Royal Teens (quienes tuvieron éxitos como “Short Shorts” y “Believe Me”) donde tocaba la guitarra. Para principios de los 60, comenzó a escribir canciones, y sus primeros esfuerzos resultaron en “I Must Be Seeing Things”, un gran éxito para Gene Pitney. En 1965, llegó a tocar con Bob Dylan la parte “eléctrica” en el controvertido Newport Folk Festival de ese año, y también en el álbum “Blonde On Blonde”.

Ese mismo año Kooper toca el teclado en una sesión para un nuevo grupo llamado Blues Project, al cual es invitado a unirse. Eventualmente se convierte en la voz principal y tres álbumes importantes y aclamados por la crítica coinciden con los años de su estadía en el grupo. Al tiempo que su pasión por Blues Project decaía, Kooper estaba listo para comenzar una nueva banda con sonido jazz y R&B, con una sección de metales incluída; el resultado fue Blood, Sweat & Tears. El grupo firmó con Columbia Re-

cords a fines de 1967, debutando con un álbum realizado enteramente con temas compuestos por Kooper, “The Child Is Father to the Man” es uno de los álbumes más importantes y atrevidos de los 60. Desafortunadamente, Blood, Sweat & Tears, aunque era demasiado bueno, generaba más prensa que ventas; presionado por el resto del grupo y por la compañía discográfica a tomar

Al Kooper con los AristoCats a fines de los 50 y más abajo, tocando el órgano eléctrico en la controvertida presentación de Bob Dylan en el Newport Folk Festival de 1965.

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un rumbo más comercial, Kooper decide dejar la banda. Vuelve a los estudios, donde toca en discos de Jimmy Hendrix, The Who y The Rolling Stones.

Después de producir para varios grupos en los 70 y 80, vuelve a realizar un disco propio después de 20 años, llamado “ReKooperation”, un álbum instrumental con mucho de jazz y rock.

MIke Bloomfield Mike Bloomfield fue uno de los primeros grandes guitarristas de blues-rock.

Sus trabajos en los dos primeros discos de Paul Butterfield son legendarios, señalando el camino a muchos artistas que le siguieron.

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Michael Bernard Bloomfield nació en Chicago en 1943. Se autodescribía como un estudiante indiferente y un foragido social, Bloomfield se sumergió desde muy joven en el multicultural mundo musical de su natal Chicago en los años 50.

Consiguió su primera guitarra a los 13 años y comenzó a imitar a sus primeros ídolos, Elvis y Scotty Moore, además de el blues electrificado de su gran ciudad.

Atraído por ese sonido, empieza a visitar los clubes del sur de Chicago con su amigo Roy Ruby, con quien va en busca de nuevos héroes como Muddy Waters, Otis Spann, Howling Wolf, y Magic Sam. No se contentó con quedarse entre la

audiencia y se lanzó a tocar sus primeros riff en el escenario. Bloomfield fue aceptado rápidamente en el South Side, tanto por su habilidad como por ser uno de los pocos blancos que tocaban blues en esa parte de la ciudad. Pronto Bloomfield se rodea de nuevos “foragidos” como él.

Jovenes guitarristas blancos como Paul Butterfield, Nick Gravenites, Charlie Musselwhite y Elvin Bishop, formaron parte de la camada de bluseros que harían historia. El trabajo de guitarrista de sesión de Bloomfield, llamó la atención del legendario productor de la CBS John Hammond, quien voló hasta Chicago y firma inmediatamente un contrato, pero aún la poderosa CBS no estaba tan convencida de grabar las canciones de su nueva adquisición ni de como promoverlo. Con apenas un contrato firmado, Bloomfield retorna al circuito de clubes de Chicago hasta que se encuentra con el productor Paul Rothchild, productor de los discos de la Paul Butterfield Blues Band. Mike es reclutado para tocar la guitarra slide y el piano para las primeras grabaciones de la banda, su adición dió a Paul Butterfield un músico de un calibre similar a él mismo

(ambos se inspiraron mutuamente, competían y compartían ideas). En medio de las sesiones de grabación, Bloomfield también tocó en el álbum “Highway 61 Revisited” de Bob Dylan y lo acompañó al polémico Newport Folk Music Festival en 1965. Después de declinar una oferta de Dylan para acompañarlo en una nueva gira, Bloomfield regresa al estudio con la Butterfield Blues Band para grabar sus dos primeros discos. Este trabajo y las sesiones con Dylan, establecieron firmemente a Bloomfield como uno de los más talentosos e influyentes guitarristas del país. La canción “East-West” compuesta por Bloomfield y grabada por la Butterfield Blues Band fue por mucho tiempo utilizada en la era de las largas y sicodélicas improvisaciones instrumentales. Bloomfield deja la banda de Butterfield a comienzos de 1967, dejandole “más espacio” al original estilo de Elvin Bishop.

Bloomfield forma entonces su propia banda, The Electric Flag, incluyendo al organista Barry Goldberg, el cantante Nick Gravenites, el bajista Harvey Brooks y el baterista Buddy Miles. La banda hizo su bautismo de fuego en el Monterey Pop Festival, pero poco después se separan por causa del abuso de drogas, egos inflados y un mala dirigencia. La vida de superestrella y las largas giras incomodaron a Bloomfield, por lo que regresó a San Francisco para producir a otros artistas y tocar en sesiones.

En una de esas toca para Al Kooper, a quien ya había conocido cuando trabajó para Dylan. El resultado de este encuentro fue “Super Session”, con Bloomfield tocando en el lado A y Stephen Stills en el lado B, nuevamente la figura de Bloomfield sale a la luz. El disco se hizo un clásico inmediato, amén de su excelente calidad y la talla de sus estrellas.

“Super Session” fue la grabación de más suceso en la carrera de Bloomfield, pero

después de este, se volvió a esconder de la fama en el estudio.

En los setentas, Bloomfield tocó en varias ocasiones ante gran público en el área de San Francisco, como Bloomfield And Friends. También ayudó en varias ocasiones con su nombre a algunos amigos en proyectos de grabación y propuestas de negocios, tales como la reunión de la Electric Flag en 1974 y el album del grupo KGB en 1976. Bloomfield se dedicó a grabar blues del puro en pequeños sellos, por lo que nunca sobresalía lo sufieciente como para convertirse en “superstar”, pero las drogas

Super Session, el álbum más exitoso para la carrera de Bloomfield, que también incluía a dos grandes del blues-rock, Al Kooper y Stephen Stills.

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hicieron mella en su salud y en su performance en escena. En el verano de 1980 viaja a Europa para una mini gira y regresa para tocar con Dylan en un nuevo concierto. Pero su comportamiento y salud ya estaban comprometidos por su adicción, la que finalmente le causó la muerte. Como toda leyenda, Michael Bloomfield tuvo un siniestro final, es encontrado muerto en su auto por causa de una sobredosis el 15 de febrero de 1981.

The Electric Flag Electric Flag fue formada en 1967 por Mike Bloomfield después de su salida de la Paul Butterfield Blues Band. Cuando Bloomfield salió se llevo al vocalista Nick Gravenites con él. El resto del grupo original era un conjunto de profesionales de algunas bandas con más éxito en América. El baterista Buddy Miles había hecho sesiones con Otis Redding y Wilson Pickett, el bajista Harvey Brooks estuvo con

Blommfield tocando con el bajista Harvey Brooks allá por 1967 con la Electric Flag.

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Bob Dylan, Phil Ochs y Judy Collins. El tecladista Barry Goldberg ya había tocado con Steve Miller y Mitch Ryder, Peter Strazza, saxo tenor, también había estado con Miller. Marcus Doubleday, trompetista, había tocado para The Drifters, Jan And Dean, y también para Bobby Vinton.

Herbie Rich, un experimentado hombre de sesiones, completa el grupo en saxo barítono.

Por su gran aprecio por el blues, soul y R&B, Mike Bloomfield quería crear un grupo de su propia característica, lo que él llamó “la música de América”. Él se inspiró no sólo en la gran banda de blues de BB King, T-Bone Walker, y Guitar Slim, sino también en los sonidos del soul contemporáneo de Otis Redding, Steve Cropper, Booker T. & the MGs, y otros artistas del sello Stax. También se inspiró en el country tradicional, gospel, y formas de blues. Inicialmente llamado The American Music Band, en la primavera de 1967, la Electric Flag no mucho tiempo después produjo unas sesiones con el armonicista de Chicago James Co-

Electric Flag tocando en el Fillmore de San Francisco.

tton que incluyó una sección de vientos.

Bloomfield decidió que su nueva banda también tendría vientos y desempeñaría una amalgama de esas músicas americanas que amaba. Él y Goldberg reunieron el grupo, bajo la dirección de Albert Grossman, en San Francisco y de inmediato comenzó a trabajar en su primer proyecto, la banda sonora de la película “The Trip”.

La banda hizo su debut en el Monterey Pop Festival, el primero de los años 60. Ahora conocidos como Electric Flag, el grupo fue bien recibido por una audiencia de 55.000 personas, aunque su rendimiento no estuvo a la altura de los altos estándares de Bloomfield. Después de Monterrey, The Flag procedió a un tour al noreste y presentarse en la zona de San Francisco, mientras trabajaba en una grabación para Columbia Records. A pesar del éxito de las críticas, The Flag siguieron siendo desconocidos para el público en general, debido en parte a la incapacidad del grupo para completar su primer disco.

A principios de 1968, el baterista Buddy Miles se había convertido en una fuerza dominante en la dirección estética

de The Flag. El repertorio del grupo por entonces incluía numerosos covers de soul contemporáneo y muchas canciones clásicas de blues.

La banda produjo menos de una docena de piezas originales, en su mayoría escritos por el vocalista Nick Gravenites, y el concepto de Bloomfield de una original “American music” pareció haberse reducido considerablemente. En mayo de 1968, sólo un mes después de la edición del acertadamente titulado “A Long Time Comin’”, Mike Bloomfield, debido a los conflictos con Buddy Miles, decide dejar el grupo, y aunque se esforzó para ir bajo la dirección de Buddy Miles, The Electric Flag estaba efectivamente terminado. Conflictos de personalidad, diferencias estéticas, y una serie de problemas de drogas aceleró la caída de la banda.

Una reunión tuvo lugar en 1974 con la edición de “The Band Kept Playing”, pero la grabación no fue un éxito comercial o de crítica y la banda se disolvió rápidamente después de varios meses de

Electric Flag era una de las primeras bandas en combinar el rock con una gran banda de jazz.

Concepto suficiente para que la banda fuera una de las anticipadas a su era.

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esporádicos conciertos. El 28 y 29 de julio de 2007, tuvo lugar un concierto en el Monterey County Fairgrounds en conmemoración del 40º aniversario del Monterey Pop Festival. Uno de los actos fue la reunión de The Electric Flag, presentando a los miembros originales Gravenites, Goldberg, y Hunter.

Paul Butterfield Blues Band En imposible sobrestimar la importancia de las puertas que Buttefield abrió: después de convertirse en prominente figura, otros músicos blancos empezaron a tratar al blues con respeto, temiendo convertirse en “poco auténticos”. Pero Butterfield también fue el mejor catalista para que el blues eléctrico de Chicago llegara a las audiencias blancas, que previamente consideraban al blues acústico del Delta como el único genuino.

Paul Butterfield Blues Band en 1965. Sentados, Paul Butterfield, armónica y voz; Billy Davenport, batería.

Parados, desde la izquierda, Jerome Arnold, bajo; Mike Bloomfield, guitarra líder; Mark Naftalin, teclados y Elvin Bishop, segunda guitarra.

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Paul Butterfield nació en diciembre de 1942 en el South Side de Chicago. Su padre, abogado y su madre pintora, alentaron los primeros estudios musicales de su hijo, tomando clases de flauta, llegando a ser en su adolescencia, primer flautista de la Orquesta Sinfónica de Chicago.

Para ese tiempo, sin embargo, Butterfield empezó a desarrollar un especial interés en el blues, música que era permanente en el South Side, él y un amigo del colegio, Nick Gravenites (futuro cantante, guitarrista y compositor) comenzaron a frecuentar los clubes del área en 1957.

Butterfield se enamoró de la guitarra y la armónica, y junto a Gravenites comenzó a tocar en fiestas escolares. Forzado a volver a los estudios, ingresa a la Universidad de Illinois, donde se hace amigo del guitarrista Elvin Bishop, Paul se convierte en un cantante decente y desarrolla su energía musical a través de la armónica, desarrollando su particular técnica. Pronto abandona nuevamente los estudios

para dedicarse a tiempo completo a la música. Butterfield y Bishop comenzaron a tocar en todos los clubes que podían, eran practicamente los únicos blancos presentes, pero fueron aceptados rápidamente por su tenacidad y entusiasmo.

En 1963 el club Big John’s contrata a Butterfield para tocar como conjunto estable del lugar; él recluta a la sección rítmica de Howlin’ Wolf, que incluía al bajista Jerome Arnold y al baterista Sam Lay, el conjunto se completó con su amigo Bishop en la guitarra. El nuevo cuarteto logró un inmediato suceso con sus potentes versiones de los clásicos blues. A fines de 1964, la Paul Butterfield Blues Band fue descubierta por el productor Paul Rothchild, quien después de la adición del guitarra líder Michael Bloomfield, firman con Elektra y graban numerosas sesiones para su álbum debut.

Apenas empiezan a salir de gira, comienzan las fricciones entre Butterfield y Bloomfield, debido a que el enorme talento que ambos demostraban en sus respectivos instrumentos, parecían competir constantemente. En el verano de 1965, vuelven a los estudios para continuar la producción de su primer álbum, agregando al organista Mark Naftalin como sexto miembro. Ese año Dylan al ver el buen recibimiento del blues urbano, contrata a la banda para acompañarlo en una parte de su show en el Newport Folk Festival; a finales del 65 logran al fin publicar su primer LP, “Paul Butterfield Blues Band”.

Hoy en día el álbum es un clásico, pero ya en su momento causó sensación debido a que el gran público blanco nunca había oído el estilo de blues eléctrico de Chicago hecho por blancos, salvo algunos grupos británicos. A comienzos de 1966 la banda ya tenía nuevo baterista, Billy Davenport, cuya agilidad y sofisticación encajó perfecto con la nueva expansión musical que Butterfield estaba

dando a la banda, ayudado por el interés de Bloomfield en la sitar hindú de Ravi Shankar.

El segundo LP de la banda, “EastWest” (1966), ofrecía una mezcla de blues eléctrico con rock and roll, psicodelia, jazz e incluso ragas de la India, alcanzando un éxito aún mayor que su primer trabajo; desafortunadamente Mike Bloomfield deja la banda en la cima de su éxito en 1967 y forma su propio grupo llamado Electric Flag con Nick Gravenites. Bishop toma nuevamente la posición de guitarra líder en el tercer álbum de la banda, “The Resurrection of Pigboy Crabshaw” (una referencia al sobrenombre de Bishop) de 1967. En este trabajo se despliegan una fuerte influencia soul y un nuevo cambio en la formación con el bajista Bugsy Maugh y el baterista Phil Wilson, además de una sección de metales. “Pigboy Crabshaw” probó ser un punto final de los días gloriosos de la Butterfield Band; el año de 1968 ve salir el disco “In My Own Dream” que no se compara con los trabajos anteriores y marca la salida de Bishop y Naftalin

Paul Butterfield fue el primer blanco en tocar la armónica de blues, desarrollando un estilo original y suficientemente poderoso como para llevarlo al panteón de los grandes del blues.

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Paul Butterfield acompañó con su portentosa armónica y voz en muchas ocasiones a uno de sus mentores y amigos, leyenda del blues, Moody Waters, durante las décadas del 60 y 70.

para finales del año. Elektra tenía todavía confianza en el éxito comercial de la banda, por lo que encargó al productor y compositor Jerry Ragoboy, un profesional de R&B, que tome las riendas de las grabaciones de Butterfield. Esto no le cayó nada bien a Paul, quien estaba tomando una dirección más jazzística; el resultado fue un inconsistente “Keep on Moving” de 1969, a pesar del regreso de Billy Davenport y un nuevo y talen-

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toso guitarrista de 19 años Buzzy Feiten.

A pesar de todo, la banda era todavía lo suficientemente popular como para ser invitada al festival de Woodstock.

Después de un álbum en vivo grabado en 1970 y el disco “I Just Feel Like Smilin’” de 1971, Butterfield deshace la banda y rompe con Elektra, cansado de las intensas giras y los constantes cambios de formación. En 1971 forma una nueva banda con Amos Garrett en guitarra, Chris Parker en batería, el dúo folk Geoff y María Muldaur, el tecladista Ronnie Barron y el ex bajista de Taj Mahal Billy Rich. En 1972 graban su primer álbum, “Better Days” estrenando a Albert Grossman como nuevo manager y a Bearsville como sello. El siguiente trabajo, “It All Comes Back” no llega a la calidad de los trabajos anteriores de Butterfield, pero es muy positivo en cuanto al favor de la crítica. A partir de 1975, Butterfield sigue su carrera en solitario, sacando “Put It in Your Ear” en 1976, un fallido intento por recuperar su pasado éxito, forzándolo a confinarse como músico de sesión en los años siguientes. En 1981 vuelve a intentar un regreso, pero el material conseguido es demasiado débil y burdo para el mercado.

Para ese tiempo, la salud de Butterfield iba en declive; años de forzar a su cuerpo con alcohol le ocasionó una grave peritonitis. En algún punto de su vida (secreto que tenía bien guardado), Butterfield también se afeccionó a la Heroína.

Con todo, siguió tocando en grandes conciertos en Los Angeles durante los 80, y en 1986 realiza su último álbum, “The Legendary Paul Butterfield Rides Again”. La desaparición de sus viejos amigos, Mike Bloomfield, Muddy Waters y su manager Albert Grossman y su creciente adicción, hicieron mella en el golpeado espíritu de Paul. En mayo de 1987, Butterfield muere de una sobredosis sin haber cumplido aún los 45 años.

La Steve Miller Band, cuando comenzaba a hacerse notoria en plena era psicodélica, hacia 1967.

Steve Miller Band Steve Miller fue otro de los pilares del resurgimiento del blues en los USA de mediados y finales de los 60, nació en Milwaukee en 1943 en el seno de una familia de músicos y cantantes. Les Paul, el inventor de la guitarra eléctrica y la grabación en multipista, y su esposa, la cantante Mary Ford, eran asiduos visitantes de la familia Miller. Les y Mary enseñaron al pequeño Steve sus primeros acordes y técnicas en la guitarra, que utilizaría ampliamente años después. La familia Miller se muda a Dallas en 1950, donde otros grandes músicos continuaban apareciendo en la casa, incluyendo al legendario bluesman T-Bone Walker.

The Marksmen fue la primera banda de Steve, cuando apenas tenía 12 años.

Esta banda de rock and roll fue muy popular en los circuitos de fraternidades y colegios de la zona, y continuaron tocan-

do durante cinco años. Ya en la secundaria, Steve invita a su amigo, William Royce “Boz” Scaggs para unirse a la banda como cantante. Su gran momento llegó cuando pudieron hacer de teloneros del heroe del blues Jimmy Reed.

A los 16 años Steve deja el colegio forzando a la banda a deshacerse. Pero regresa a la preparatoria para ingresar a la universidad donde forma otra banda, los Ardells. Poco después vuelve a salir para pasar un semestre en la Universidad de Copenhagen en Dinamarca.

Steve retorna a los USA y pasa el verano disfrutando de la escena blusera de Chicago. Cansado de los estudios decide mudarse a esa ciudad y tocar blues. Steve se vió pronto sobre el escenario, tocando con gente como Muddy Waters, Howlin’ Wolf y Buddy Guy, quienes le animaron a continuar tocando. Miller conoce entonces a Barry Goldberg que junto al bajista Roy Ruby y el baterista Maurice McKinley forman 555

LA ERA DEL ROCK

“Suelo escuchar mis temas durante seis meses antes de publicarlos. Es música para vivir con ella, como un par se zapatillas viejas” – Steve Miller

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The Goldberg-Miller Blues Band, con quienes tocan en casi todos los clubes de blues de Chicago. La banda consigue un contrato con el sello Epic y graban sus primeras canciones, incluyendo el single “The Mother Song”, que no logra ventas satisfactorias. Desilusionado, Steve regresa a Texas con la esperanza de tomar algunos cursos de música en Austin. Como no fue admitido en la Universidad, pone rumbo a San Francisco en una kombi Volkswagen usada. A su arribo, gasta sus últimos 5 dólares para ver a la Paul Butterfield Blues Band y Jefferson Airplane en el Fillmore Auditorium. Allí consigue tocar con Butterfield y anuncia su estadía definitiva en Frisco.

Estando en San Francisco, Steve contactó con Tim Davis, con quien ya había tocado en otra banda, invitándolo a unirse a James “Curley” Cooke y al bajista Lonnie Turner para formar la Steve Miller Blues Band. Durante bastante tiempo Steve tuvo que dormir en su kombi,

pero gracias a un primer concierto debut en el Avalon Ballroom en enero de 1967, consigue dinero para mudarse a un departamento y un inmediato suceso.

Continuaron tocando en el Avalon por lo menos por un mes, luego tocan en el Fillmore en abril, teloneando a Chuck Berry y son invitados al Monterey Pop Festival en junio. Después del festival, la banda firma con Capitol Records. Steve consigue uno de los contratos más lucrativos de la historia de la música, sentando nuevos estándares para artistas futuros.

Steve vuelve a contactar con su viejo amigo Boz Scaggs y lo invita a unirse a la banda. Jim Peterman reemplaza a Curley Cooke y la palabra Blues se quita del nombre del grupo.

The Steve Miller Band vuela a Inglaterra para grabar su primer álbum, “Children of the Future”, realizado en mayo de 1968, convirtiéndose en un suceso radial del país. Muchos están de acuerdo en que este es uno de los mejores discos debut de todos los tiempos. La banda no vio sin embargo su primer Top 40 hasta que salió “Sailor”, realizado en octubre de ese mismo año. Este álbum presenta el primer hit de Miller, “Living in the USA” y también el temazo “Gangster of Love”.

Poco después, Peterman se cansó de la vida en la ruta y Scaggs decidió seguir en solitario. Ben Sidran, quien había trabajado con Miller en los Ardells, es invitado a unirse. “Brave New World” es realizado en junio de 1969. Johns y Miller masterizan el disco en Inglaterra, lo que es aprovechado por Steve para participar en una sesión de grabación con los Beatles.

Miller a la guitarra y Paul McCartney al bajo y batería graban “My Dark Hour”, con el Beatle apareciendo bajo el alias de Paul Ramon. A parte de esta canción el nuevo LP de la Steve Miller Band incluye el exitoso tema “Space Cowboy”. “Your Saving Grace”, realizado en noviembre del 69, también entra en los Top 40.

Steve incrementó la participación en sus materiales de artistas que no eran de la banda, lo que creó tensiones en el grupo y marcó la salida de Lonnie Turner, quien fue remplazado por Bobby Winkleman.

Ben Sindram también deja la banda para seguir su carrera solista por lo que Steve Miller se ve obligado a rebuscarse entre anteriores grabaciones para completar su siguiente álbum, “Number 5”, que sale en julio de 1970 y que se convierte, a pesar de todo, en otro gran éxito.

Las giras se volvieron muy pesadas creando rencillas entre los miembros de la banda, además de la constante presión de la disquera, que demandaba constantemente nuevos álbumes. Al mismo tiempo, Steve Miller pasó por algunas dificultades personales, casándose y divorciándose en el mismo año. Como la Capitol seguía presionando, tuvieron que grabar un LP en una sola noche; el disco sale a la calle antes de su primera mezcla, por lo que Steve estuvo muy avergonzado por el álbum resultante. “Rock Love” sale en septiembre de 1971 teniendo una escasa repercusión.

El siguiente álbum, “Recall the Beginning...A Journey From Eden” fue trabajado por diversos músicos de sesión, realizado en marzo de 1972, no tuvo el impacto esperado, pero mostró un renovado rostro del grupo, con excelentes canciones como “Nothing Lasts”, “Journey From Eden” y “Love’s Riddle”. Ese año, Steve sufre un accidente de coche y además es atacado por una hepatitis, lo que lo mantiene recluído en la casa de sus padres en Dallas por 8 largos meses.

Una vez recuperado, regresa a California, donde emerge desde el estudio con un sonido mucho más amistoso y si se quiere, comercial. “The Joker” es realizado en octubre de 1973, y fue el primer álbum que Steve Miller produce integramente, logrando finalmente su primer número 1.

Después de un largo descanso, en mayo de 1976 sale “Fly Like an Eagle” y un año después publica “Book of Dream”, dándole a Steve Miller varias canciones exitosas y convirtiendo a los dos álbumes en cuadruples multiplatinos. Steve vuelve a tomar otro descanso luego de una intensa gira en 1978, se compra una estancia en Oregon y se vuelve a casar. En 1981 la Steve Miller Band que ya tuvo varios cambios en su formación, graban “Circle of Love”, que entra en los Top 20 y presenta el éxito “Heart Like a Wheel” que es su primer trabajo en video.

Con la adición de Kenny Lee Lewis y John Massaro en guitarras rítmicas, Steve vuelve a conseguir multiplatino con “Abracadabra” realizado en junio de 1982. Un álbum en vivo y otro video es ralizado el siguiente año. “Italian X Rays” es la primera grabación digital de la banda, realizada en noviembre de 1984, pero no tuvo buen recibimiento a pesar de ser probablemente uno de los mejores trabajos de Miller.

Luego de “Living in the 20th Century” de 1986, Steve vuelve a sus raíces en “Born 2B Blue” con una nueva banda en 1988. El álbum no obtuvo lugares en los charts pero fue bien recibido por la

Afiche para el concierto promocional del álbum “The Joker” de 1973, el primer número 1 de Steve Miller.

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Steve MIller al frente de su nueva banda, estrenando los ochenta con un super exitoso “Abracadabra”.

crítica. Ese año Steve es invitado por Les Paul para aparecer en un especial de televisión junto a B.B. King, David Gilmour, y Eddie Van Halen entre otros. Después del show es invitado a tocar en un concierto de los Pink Floyd invitado por el propio Gilmour. Steve decide que ya era tiempo de volver a las giras, y lo hace en 1989.

En junio de 1993 realiza un nuevo álbum, “Wide River”, con la participación del viejo amigo Ben Sindran. El disco manaba mucho rock, pop y blues, ejemplificando los primeros trabajos de Steve.

Miller revive la Steve Miller Blues Band a finales de 1995, actuando en nuemerosos shows por toda la costa oeste. Estas actuaciones fueron grabadas para un futuro álbum en vivo. También durante el verano del 95, Miller y Paul McCartney vuelven a trabajar juntos en varias canciones nuevas, algunas de las cuales aparecen en el álbum de Paul “Flaming Pie”. Continuando en la senda de los millones de discos vendidos, la Steve Miller Band siguió manteniendose 558

fuerte, hasta la sentida y repentina desaparición de Steve en el 2003.

Elvin Bishop Elvin Bishop nació en Glendale, California en 1942, creció en una granja de Iowa sin electricidad y sin agua corriente.

Su familia se muda a Oklahoma cuando cumple los 10 años. Como creció siempre en comunidades enteramente blancas, no estuvo expuesto a la música negra, excepto a través de la radio, a la que se prendía durante horas para escuchar las estaciones de blues, llamando su atención especialmente, la armónica de Jimmy Reed. Este choque le hizo preguntarse al joven Elvin, ¿qué es esta música?, ¿quién la hizo?, ¿dónde y cómo viven la gente negra?; finalmente logró juntar las piezas de este complejo rompecabezas.

Pero no fue sino hasta que logró una beca para la Universidad de Chicago en 1959, que logró encontrar las verdade-

ras respuestas a sus interrogantes. De repente se encontró en el corazón de la escena blusera de Chicago, fue como un sueño hecho realidad.

Después de dos años en la universidad, abandonó los estudios para dedicarse a la música a tiempo completo. El guitarrista de Howlin’ Wolf, Smokey Smothers se hizo amigo de Bishop y le enseñó los principios básicos de la guitarra de blues.

En los primeros 60 conoce y se une a Paul Butterfield para ser el núcleo de la Butterfield Blues Band. Aunque tocaba hace pocos años, Bishop no paraba de practicar día y noche el blues que tanto amaba. El y Butterfield tocaban juntos en casi todos los lugares posibles. Comenzaron a ser bien conocidos hacia 1963 cuando toman el trabajo en el Big John’s en el North Side de Chicago y donde nace la Paul Butterfield Blues Band.

Bishop ayudó a crear varios de los primeros álbumes del grupo (“The Pigboy Crabshaw”, tercer álbum de la banda, es precisamente una referencia al muchacho de campo que dejó atrás). Cuando deja la Butterfield Band después de grabar “In My Own Dream album” (1968), Bishop se muda a San Francisco donde no tarda en tocar en el Fillmore con artistas como Eric Clapton, B. B. King y Jimi Hendrix.

Graba para Epic cuatro álbumes y luego se muda al sello Capricorn en 1974.

Su canción “Traveling Shoes” del álbum “Let It Flow” llega a las listas, pero logra mayor éxito con la hermosa “Fooled Around and Fell in Love” de su álbum “Struttin’ My Stuff” en 1976. En los años siguientes su Elvin Bishop Group se disuelve. Realiza el obligado “Best Of...” en 1979; pero no se escucha demasiado de él después de firmar con el clásico sello blusero Alligator en 1988. Bishop realiza entonces “Big Fun” (1988) y “Don’t Let the Bossman Get You Down” (1991), que tuvieron buen recibimiento. También participó en el 20 aniversario del

sello Alligator en 1992 con una gira que cruzó los USA. En 1995 realiza “Ace in the Hole”.

Hoy en día vive con su esposa e hijos en el área de San Francisco, aunque prodigioso jardinero, continúa tocando cuando puede; vuelve a los estudios para sacar “The Skin I’m In” en 1998.

Luego hace “Hometown Boy Makes Good” y “That’s My Partner” en el 2000.

Después de unos años de silencio, Bishop vuelve a realizar otro álbum, “Gettin’ My Groove Back” en el 2005 para Blind Pig Records.

Elvin Bishop fue, y sigue siendo famoso por divertirse al máximo en el escenario, además de presentar un gran espectáculo y dar el mejor rock and roll. A través de los años Bishop ha contribuido en discos de muchos grandes bluesmen incluyendo a Clifton Chenier y John Lee Hooker, además de hacer una extensiva gira con B.B. King en 1995.

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Bob Seger Bob Seger es uno de los más sólidos cantantes de rock-blues, con su ronca y soulera voz, y autor de clásicas canciones que le hicieron ser respetado y admirado por millones. Varias veces criticado por sonar demasiado como Springsteen, podría ser sinembargo al revés, ya que Seger estuvo antes.

Nació en mayo de 1945 en Ann Arbor, Michigan. Su padre fue líder de una

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Big Band, pero dejó la música para trabajar en una fábrica, más tarde abandonó a su familia dejándo al pequeño Bob y su familia en total pobreza. Para 1961, Seger ya lideraba un trío llamado The Decibels. Poco después lo dejó para unirse a los Doug Brown and the Omens como organista, pero poco después se instaló como vocalista y compositor cuando su talento fue reconocido. El grupo cambia de nombre a los Beach Bums y graba un sencillo, “The Ballad Of The Yellow Beret”, parodiando al famoso cuerpo de boinas verdes que invadió Vietnam, el autor de “The Ballad Of The Green Beret”, sargento Barry Sadler, furioso querelló a Seger, dándole así publicidad extra, que éste aprovechó.

La banda se convierte en “Bob Seger and the Last Heard” y realizan poderosos singles, entre los que destacan, “East Side Story” (1966) y “Heavy Music” (1967). Para 1968 ya tenía cinco Top 10 en el mercado del medioeste de los USA, en Detoit llegó a desbancar en ventas incluso a los Beatles.

Seger estaba en el límite de romper los charts de 1967 cuando su sello Cameo cae en bancarrota y le hace un brusco alto a su creciente suceso. Bob trabajó duro para conseguir un nuevo contrato con Capitol Records en 1968, creando una nueva agrupación, The Bob Seger System, con quienes consigue un nuevo Top 20 ese año con “Ramblin’ Gamblin’ Man”, canción en la que participó entre otros el guitarrista Glen Frey que formaría más tarde los Eagles. Con el grupo se grabaron numerosos y excelentes temas de hard-rock, incluído el impresionante álbum “Mongrel”, pero Seger no logra impresionar al gran público y deshace la banda en 1971.

Luego de algunos años lejos de la música, regresa con su propio sello discográfico, Palladium, y tres fracasos discográficos le siguieron. Pero ganó una

considerable aclamación con el simple “Get Out Of Denver” de 1974, que más tarde se convertiría en un clásico cover.

Seger consiguió finalmente el suceso comercial una vez regresado al sello Capitol cuando “Beautiful Loser” entró en las listas de los USA y produce además un hit local de Detroit, “Katmandu”.

Ahora al frente de la Silver Bullet Band con Drew Abbott (guitarra), Robyn Robbins (teclados), Alto Reed (saxo), Chris Campbell (bajo) y Charlie Allen Martin (batería), Seger refuerza su popularidad en vivo con el exitante “Live Bullet”, seguido de “Night Moves”, su primer disco de platino. La canción que da título al álbum, alcanza los Top 5 en 1977, la azaña es repetida al año siguiente con “Still The Same”.

En 1983 Seger retorna a las giras con el agregado del ex baterista de Grand Funk, Don Brewer, y continúa creando éxitos con “Hollywood Nights”, “Old Time Rock ‘N’ Roll” y “We’ve Got Tonight”. Luego sale su clásico álbum “Against The Wind”, que alcanzó el número 1 en los USA, al tiempo que otro disco en vivo “Nine Tonight” le da la oportunidad de recargar su energía creativa. Poco después lanza nuevos exitosos singles como “Shame On The Moon”, “Understanding” del filme “Teachers” y el hit número 1, “Shakedown” utilizado en la banda sonora de “Beverly Hills Cop II”.

Seger realiza otro álbum recién en 1991, co-producido con Don Was, llega nuevamente a los Top 10. En 1996 realiza un enorme concierto en su ciudad natal llegando al record de 100.000 entradas vendidas en 57 minutos. En junio de 2000 es arrestado en Canadá por conducir ebrio, pero no le restó nada a su exitosa carrera, en el 2004 Bob trabaja duro nuevamente para sacar un nuevo álbum y es introducido también en el Rock & Roll Hall of Fame.

Bob Seger hoy sigue haciendo ese “Rock and Roll de los viejos tiempos”, con toda la fuerza y sentimiento de sus primeros años, catalogado a veces como “Rock de adultos”, sin embargo sigue captando adeptos en el público actual.

Canned Heat Banda clásica de boogie-rock y un blues eléctrico pegado a sus raíces originales, estaba formada originalmente por Bob Hite como voz principal, Alan Wilson en guitarra, armónica y voz, Henry Vestine en guitarra, Larry Taylor en bajo y Frank Cook en batería. Se juntaron hacia 1966 durante varias sesiones en clubes de Los Angeles, decidieron crear una banda estable y eligieron el nombre Canned Heat de un tema blues de su ídolo Tommy Johnson. Balanceando el

Larry Taylor, Henry Vestine, Bob Hite, Alan Wilson y Fito de la Parra.

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El grupo sufre su primera caída con la muerte de Wilson en 1970, y aunque reclutaron al guitarrista Harvey Mendel, no pudieron recuperar esa chispa que tenían con su desaparecido amigo.

En 1981, le toca el turno a Hite, quien muere de un ataque cardíaco, marcando el final del grupo. Aunque los restantes miembros del grupo quisieron recuperar la gloria pasada reclutando nuevos integrantes y haciendo nuevas grabaciones, la magia del boogie de Canned Heat lamentablemente ya se había desvanecido.

Carlos Santana

Los Canned Heat surgieron en plena era hippie, desafiando al rock psicodélico con su potente boogie-rock y blues elemental, su gran performance en escena y sus clásicos “On The Road Again”, “Goin’ Up The Country” y “Let’s Work Together” los convirtió en muy populares e infaltables en cualquier evento musical que se preciara.

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humor con la habilidad musical, mucho de su éxito en escena se lo debieron a la dispar naturaleza de sus frontmen, el voluminoso y jocoso “Bear” Hite y el intenso “buho ciego” Wilson con su grado de master.

Luego de un gran recibimiento en el Festival de Monterey Pop en 1967, lanzan un segundo álbum, “Boogie With Canned Heat”, que contiene el clásico “On The Road Again” que los lleva al éxito internacional. “Goin’ Up The Country” de 1969 y “Let’s Work Together” de 1970 son también éxitos arrolladores, además de convertirse en una banda infaltable en cuanto festival y concierto se hiciera, especialmente destacadas son su participación en Woodstock y en la Isla de Wight.

Santana es toda una leyenda del rock, logró sobresalir aún sin ser norteamericano de nacimiento, cosa ya de por sí heróica, sin mencionar el enorme talento por todos reconocido. Carlos Santana nació en una pobre villa mexicana llamada Autlan en 1947; su padre José lo introdujo a las rancheras y mariachis como violinista, enseñándole teoría musical desde muy joven. La familia se muda a Tijuana en 1955, donde Carlos empieza a tocar la guitarra, estudiando y emulando el sonido que escuchaba por la radio, lo que

Santana es hoy toda una institución musical, luego de pasar duros momentos en su niñez y adolescencia, logró imponerse en el dificil mercado norteamericano, metiendo en las raíces del blues el elemento latino.

él quería era hacer rock and roll. Pronto su sueño se hizo realidad, actuando en una banda local llamada The T.J.s, adicionando su personal estilo a las populares canciones de los 50. Luego de pasar por el entrenamiento de varias bandas, en 1961 se muda a San Francisco con su familia. El destino estaba de su lado cuando Carlos estuvo en el lugar exacto en el momento justo, plantándolo en medio de la fuerte influencia musical del área de la Bahía, así como el desarrollo de una nueva cultura artística y política.

En medio de ese clima inspirador, Carlos continúa envuelto en su estilo único, hasta que llega a su primera presentación en vivo con su Santana Blues Band en 1966. En los siguientes dos años, el grupo fue barrido por un torbellino de aclamaciones y popularidad, llevándolos al histórico concierto organizado por Bill Graham (no el predicador) desde el Fillmore West hasta Woodstock, donde en agosto de 1969, la banda de Santana expuso su fuerte rock con sabor latino y sus largos e inspirados solos de su “Soul

Sacrifice” entusiasmaron a las masas.

En 1969, la banda realiza su primer álbum, titulado simplemente “Santana”.

El single “Evil Ways” ayudó al disco a lograr un doble platino y fue seguido en 1970 por “Abraxas” donde aparecía el clásico “Black Magic Woman” y “Oye Como Va”. Estos éxitos siguieron con “Santana III” de 1971 presentando “Everything’s Coming Our Way” y en 1974 sale “Greatest Hits” bajo el sello de Columbia. Ese año graba también “Welcome” y “Borboletta” con una orientación más jazzística, mientras que “Amigos” (1976) muestra una fuerte influencia de los Earth, Wind & Fire. “Moonflower” de 1977 contiene un nuevo hit clásico “She’s Not There”.

Establecido como un creador de éxitos, Carlos fue elegido para grabar la banda sonora del filme “La Bamba” y participar en 1987 del “Rock’n Roll Summit”, el primer concierto realizado por Soviéticos y Norteamericanos juntos.

La Santana Band fue también la primera en ganar el “Crystal Globe 563

LA ERA DEL ROCK

La multi-cultural formación de Santana Blues Band allá por 1967 y abajo duante la apoteósica presentación de la banda en el histórico festival de Woodstock, donde su explosiva mezcla de bluesrock y ritmos afrolatinos hicieron delirar a la multitud.

Award”, entregado por la CBS por más de cinco millones de álbumes vendidos internacionalmente. En 1988 recibe también el Grammy por Mejor Rock Instrumental. Es reconocido como mejor guitarrista 10 veces en los Bay Area Music Awards y en 1996 la Billboard Magazine premia a Santana con el Century Award, además de ser inmortalizado en 1998 con una estrella en la célebre Hollywood Walk of Fame.

En 1999, Santana firma con Arista Records, donde se reune con su mentor Clive Davis, cuyo primer trabajo juntos “Supernatural” vende más de 10 millones de copias y es oficialmente certificado como ‘Dectillion Platinum’, estatus de Diamante por la R.I.A.A. Gana además 9 Grammys en la edición número 42 de la premiación anual en febrero del 2000, 564

incluyendo Album del Año, Mejor Album de Rock y Canción del Año por “Smooth”, la inolvidable colaboración de Santana con Rob Thomas. Carlos explicaba el tremendo suceso de la canción diciendo “Algunas canciones son como tatuajes en tu cerebro. Tu las escuchas y luego se te pegan”. “Smooth” probó su poder al permanecer 12 semanas consecutivas en el número 1 de los Billboards, marcando el single más longevo de 1999.

“Supernatural” también presentaba a varias estrellas invitadas como Lauryn Hill, Eric Clapton, Dave Matthews, Everlast y Maná, etre otros. El álbum es un puente cultural, generacional y musical, una fragua multi-dimensional y multicultural.

En los comienzos del nuevo milenio, Carlos Santana sigue estando en el pináculo de su remarcable carrera. Su música ya lleva cinco décadas de éxitos, ha vendido más de 50 millones de álbumes, ha tocado en vivo ante 30 millones de fans, ha ganado un sinnúmero de premios y reconocimientos, icluída su introducción al Rock ‘n Roll Hall Of Fame en 1998.

Fleetwood Mac Pocos grupos han experimentado cambios tan radicales en su estilo musical y han sobrevivido como Fleetwood Mac. Inicialmente nacido en Inglaterra como grupo de blues progresivo a fines de los 60, la banda gradualmente se transformó en un pulcro acto de pop-rock en la década siguiente.A través de los cambios, los únicos miembros consistentes fueron el baterista Mick Fleetwood y el bajista John McVie, la sección rítmica que proveyó a la banda de un nombre conocido por todo el mundo.

Las raíces de Fleetwood Mac se encuentran en John Mayall, la legendaria figura del blues inglés. John McVie fue uno de los primeros miembros de los Bluesbreakers en 1963. En 1966 Peter Green remplaza a Eric Clapton y un año después, Mick Fleetwood se une al grupo como batería. Inspirados por el suceso de Cream, los Yardbirds y Jimi Hendrix, el trío decide romper con Mayall en 1967.

Luego de su debut en el British Jazz Blues Festival, el guitarrista Jeremy Spencer se une a la banda. Fleetwood Mac está

completo en julio de 1967. Firman rápidamente con Blue Horizon, realizando su primer álbum un año después. Consiguen un enorme éxito gracias al blues boom existente en ese momento en Gran Bretaña y su primer hit “Albatross” llega al tope en 1968 y manteniendose en los Top 10 británicos por casi un año. A pesar de este éxito, son virtuales desconocidos en Norteamérica. Durante ese año, la banda agrega al guitarrista Danny Kirwan y al año siguiente graban “Fleetwood Mac” en Chicago con una variedad de bluesmen incluyendo a Willie Dixon y Otis Spann.

Luego de cambiarse de sello, realizan “English Rose” y “Then Play On” durante 1969, albumes que indican una apertura de la banda hacia nuevos horizontes musicales, saliendo de sus raices puristas de blues. Ese año las composiciones de Green “Man of the World” y “Oh Well” se convierten en dos grandes éxitos.

Pensando que su música era el espinazo de la banda, Peter Green celoso, intentó aún deshacer la banda, quizás perturbado por su adicción a las drogas alucinógenas, al final se va en la primavera de 1970, no sin antes dejar el mag-

Fleetwood Mac con su primera formación, en la época del blues boom de 1967.

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Con la adición de Christine Perfect, Lindsay Buckingham y Stevie Nicks, Fleetwood Mac alcanza el éxito comercial que tanto esperaban, y lo mantuvieron por más de dos décadas.

nífico “The Green Mahalishi” que le dió a la banda su cuarto hit en el Top 10.

Green realizó dos álbumes como solista en los 70, pero rara vez actuó en público después de dejar Fleetwood Mac. La banda lo remplazó con Christine Perfect, una vocalista y pianista que ya tenía una pequeña masa de seguiores, ella se casa con John McVie al tiempo que ingresa a la banda en 1971.

Durante la gira americana a comienzos de 1971, Spencer desaparece; más tarde se lo descubre como miembro de la secta religiosa los Niños de Dios, y obviamente deja la banda. Fleetwood Mac todavía estaba tratando de definir la dirección musical que tomarían, pero con la partida de Spencer la banda entra en confusión. Cristine McVie y Dan566

ny Kirwan toman las riendas y dirigen al grupo hacia un rock más comercial con “Future Games” de 1971, pero el nuevo guitarrista Bob Welch se convierte en una fuerte influencia especialmente en su disco “Bare Trees” de 1972. En 1974, un grupo manejado por Clifford Davis forman un Fleetwood Mac falso y comienzan a realizar giras por los USA. El grupo real demanda y gana la batalla legal contra los impostores, pero los deja fuera de la escena musical por poco más de un año. A finales de 1974, Fleetwood Mac se muda a California, con la esperanza de reiniciar su carrera. Welch deja la banda ese año.

A comienzos de 1975, el Fleetwood y McVie conocen al duo de soft-rock Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, y los invi-

tan a unirse a la banda reavivando la vena musical y el éxito comercial del grupo. La nueva formación de Fleetwood Mac realiza su impresionante regreso en 1975 y de a poco se convierte en un enorme suceso, logrando varios números 1 en 1976 con la fuerza de singles como “Over My Head,” “Rhiannon,” y “Say You Love Me.” El álbum pudo eventualmente vender más de cinco millones de copias sólo en los USA. Mientras Fleetwood Mac finalmente alcanza el tan buscado éxito comercial, la banda se desmoronaba detrás del escenario, Los McVie se divorcian en 1976 y el romance entre Buckingham y Nicks también se termina poco tiempo después.

Esas tensiones internas forman la base para las canciones de su próximo álbum.

Realizado en la primavera de 1977, “Rumours” se convierte en un arrollador siceso, copando los primeros puestos a ambos lados del Atlántico y generando los sencillos Top 10 ““Go Your Own Way”, “Dreams”, “Don’t Stop” y “You Make Loving Fun”. El álbum vende eventualmente alrededor de 17 millones de copias en los USA, haciendo del disco el segundo más vendido de todos los tiempos.

Fleetwood Mac apoyó el álbum con un exhaustivo y lucrativo tour y luego se retiran al estudio para grabar su siguiente material. Un excelente doble álbum ex-

Rumours es uno de los discos más exitosos de todos los tiempos, pero se grabó en una época de grandes tensiones para el grupo.

perimental concebido por Buckingham, “Tusk” (1979), que aunque no alcanzó el éxito de Rumours, llegó a ser multiplatino además de presentar dos simples exitosos, “Sara” y “Tusk”.

Después del éxito de “Tusk”, proyectos en solitario (cada miembro tenía su propio manager) y problemas personales vuelven a atentar contra el grupo, pero aún así realizan “Mirage” en 1982, más convencional que el anterior, pero logra alcanzar el número 1 gracias a canciones como “Hold Me” y “Gypsy.”

Luego de esto, cada uno vuelve a sus propios proyectos, de los cuales sobresalen los de Stevie Nicks, que se convierte en estrella por derecho propio.

Fleetwood Mac se vuelve a reunir para 567

LA ERA DEL ROCK

grabar un nuevo álbum en 1985. Buckingham, quien ya tenía una creciente frustración por las limitaciones musicales de la banda, decide que ese será su último proyecto juntos. El álbum resultante fue “Tango In The Night”, realizado recién en 1987, que vuelve a proveer a la banda de fuertes ventas, alcanzando los Top 10 y Top 20 con ““Little Lies”, “Seven Wonders” y “Everywhere”.

Buckingham deja definitivamente Fleetwood Mac luego de “Tango In The Night”, y el grupo se realinea con la inclusión de los guitarristas Billy Burnette y Rick Vito. La nueva agrupación lanza “Behind the Mask” en 1990, pero no llega al éxito comercial esperado. Poco después Nicks y Buckingham anuncian que seguirán grabando con el grupo pero no saldrán más de gira juntos. Una breve re568

unión de los miembros sucede en el lanzamiento de la campaña para la presidencia de Bill Clinton en 1993, donde utilizan la canción “Don’t Stop” (Thinking About Tomorrow), como himno. Fleetwood Mac sigue haciendo giras ya sin Bhristine y sin Stevie, pero con la misma fuerza arrolladora de su mejor época.

Ten Years After Ten Years After fue otra banda mítica del blues boom británico de los 60, su fortísimo blues-rock estaba basado en el virtuosismo del guitarrista y vocalista Alvin Lee, el teclado de Chick Churchill, el bajo de Leo Lyons y la batería de Ric Lee. Alvin Lee conoce a Lyons en su natal Nottingham y poco después se hacen amigos de Ric Lee formando los Jaybirds

en 1961. La banda viaja a Londres para buscar mejores horizontes y con el agregado de Chhurchill cambian su nombre a Ten Years After, haciéndose de fama mediante sus actuaciones en el Marquee Club. En 1967 consiguen un contrato con Deram, subsidiaria del importante sello Decca.

Su primer album no tuvo demasiada repercusión, pero con su segundo trabajo, “The Live Undead” (1968) contiene “I’m Going Home”, un blues endiablado de 6 minutos donde Alvin Lee despliega su gran talento en rapidísimos punteos, éste logra un entrar en los charts de Gran Bretaña y los USA. Esto llama la atención del productor Bill Graham (organizador de Woodstock), quien los ayuda a lanzarse con éxito en los Estados Unidos.

“Stonedhenge” (1969) vuelve a los Top 10 a comienzos de 1969, pero el verdadero golpe lo darían al participar en el

festival de Woodstock, donde su versión de 9 sudorosos minutos de “I’m Going Home” pleno de efectismo guitarrero, es captado para la película del festival y los catapulta a nivel mundial, con la consecuente seguidilla de agotadoras giras.

Su siguiente álbum, “Ssssh”, vuelve a entrar en los Top 20, y “Cricklewood Green” lleva el exitoso single “Love Like a Man”, que alcanza el número 4. Luego de terminar su contrato con Decca, firman con Columbia y toman una dirección más pop, tipificado por el disco de oro “A Space in Time” de 1971 y el single “I’d Love to Change the World”. Subsecuentes esfuerzos en esa dirección les trajo menos éxito que sus trabajos anteriores, lo cual aceleró la ruptura de Ten Years After luego de realizar “Positive Vibrations” en 1974.

Poco después Alvin Lee graba un álbum solista “In Flight” pero sin mucho éxito.

El virtuosismo y energía del guitarrista Alvin Lee es responsable en gran parte del enorme éxito que tuvo la banda Ten Years After y contribuyó sin duda a su leyenda.

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Quizás reacios a terminar de esa forma vuelven a reunirse en 1988 para ofrecer algunos conciertos en Alemania y Gran Bretaña y graban su primer álbum luego de 15 años de silencio, “About Time” en 1989.

Rory Gallagher A pesar de una carrera que fue corta por la enfermedad y la prematura muerte, el guitarrista, cantante y compositor Rory Gallagher ha contribuido en gran manera al mundo del blues. Aunque nunca hizo suficientes giras por los USA, pues pasó la mayor parte del tiempo en Europa, fue conocido por sus auténticos maratones musicales en clubes y 570

teatros alrededor de los Estados Unidos.

Gallagher nació en Ballyshannon, Irlanda, en marzo de 1948. Poco después de su nacimiento, su familia se mudó más al sur, donde a partir de los 9 años, quedó prendado de los cantantes de blues y folk norteamericanos que escuchaba por la radio. Como ávido coleccionista de discos, obtuvo una amplia gama de influencias, incluyendo a Leadbelly, Buddy Guy, Freddie King, Albert King, Muddy Waters, y John Lee Hooker.

Sus caminos en la música empiezan siendo aún adolescente, integra la banda The Impact en 1965 y pasa el año tocando en Hamburgo versiones de Chuck Berry. Al año siguiente forma Taste con John Wilson y John McCraken.Comenzó así su carrera discográfica después de mudarse a Londres. El disco debut de Taste fue realizado en 1969 en Inglaterra y después fue lanzado en los USA por la distribuidora Atco/Atlantic. Entre 1969 y 1971, con el productor Tony Colton detrás de los controles, Gallagher graba tres álbumes con Taste, de entre los cuales resalta “On The Boards” (1970), que logra entrar en las listas británicas, antes de la separación.

Gallagher siguió su carrera en solitario con su propio nombre y graba sus dos primeros discos en 1970 “Rory Gallagher” y “Deuce” para la Polydor, en ellos plasma magistralmente su fluido estilo blusero, basada en una innata sensibilidad y emoción. Su prolífica carrera con-

“Cuando voy a escribir una canción, trato de sentarme calmado y generalmente fluye suave y tristemente. Trato de encontrar diferentes enfoques, diferentes temas y tópicos que no haya tocado ya antes... hago canciones en diferentes estilos. Mi música puede ser muy tradicional, pero tu podrás ir hacia el futuro con las letras.”

– Rory Gallagher

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La formación clásica de Taste entre 1968 y 1970, Richard McCraken en bajo, Rory en guitarra y John Wilson en batería.

tinúa y graba “Live in Europe” en 1972 álbum que lo consolida como artista de primer nivel, llegando también a entrar en los Top 10. Luego graba “Blueprint” y “Tatoo” ambos de 1973, siguiendo una dirección más hacia el Hard-Rock.

Vuelve a su tierra natal en 1974 y de la experiencia sale un nuevo doble álbum, “Irish Tour 1974”, que como el anterior disco en vivo, captura el excelente trabajo y excitación de sus shows en vivo.

Este es seguido por “Calling Card” que graba para el sello Chrysalis en 1976, luego sale “Photo Finish” y “Jinx” para el mismo sello en 1978 y 1982. En este punto Gallagher ya ha realizado muchísimas giras mundiales y ha “predicado” su blues ganando nuevos adpetos, sin importar modas o tendencias, y aunque el éxito comercial siempre lo eludió, su influencia como guitarrista en las subsecuentes generaciones nunca fue subestimada. Extenuado, decide poner una pausa a su carrera, por lo que se toma unos años de descanso. Vuelve con renovadas energías en 1987 con otro álbum “Defender”. Su último disco, “Fresh Evidence”, fue realizado en 1991 en su propio sello, Capo, que eventualmente ayudaría a otros grandes talentos del blues. Ese año dió también 572

su último concierto en los USA, donde en una entrevista había admitido que era un guitarrista ávido por la reacción que sólo el público en directo puede proveerle. Gallagher falleció a consecuencia de complicaciones durante una operación de transplante de hígado el 14 de junio de 1995 a los 47 años.

Taj Mahal Una de las figuras más prominentes del blues del siglo 20, cantante y multiinstrumentista Taj Mahal ha jugado un importantísimo rol en revitalizar y preservar el blues acústico tradicional. No contento con esto, Mahal rápidamente se acercó como musicólogo en las raíces del folk y otras manifestaciones musicales alrededor del mundo, reggae y otras expresiones caribeñas, jazz, gospel, R&B, zydeco, varios estilos africanos, música latina e incluso hawaiana.

Taj Mahal nació como Henry St. Clair Fredericks en New York en 1942. Su padre, pianista, compositor y arreglador de jazz era de ascendencia jamaiquina, su madre era maestra de escuela de South Carolina y además era excelente cantante de gospel. Desde niño, Henry se pasaba horas escuchando con su pa-

Taj Mahal cantando con los Elektras en un recital universitario hacia 1961.

dre la música del mundo en su radio de onda corta, pero particularmente amaba el blues acústico y eléctrico, además del naciente rock and roll de Chuck Berry y Bo Diddley. Mientras estudiaba agricultura en la Universidad de Massachusetts, adopta el apodo musical de Taj Mahal (una idea que tuvo de un sueño) y forma Taj Mahal & The Elektras, con quienes toca en los circuitos universitarios a comienzos de los 60, convirtiéndose en toda una sensación. Después de graduarse, Mahal se muda a Los Angeles en 1964, y allí se hace de renombre en la escena folk-blues del área, forma los Rising Sons con el guitarrista Ry Cooder.

El grupo firma con Columbia y realiza un single, pero al sello no le interesa el adelantado “Americana”, que anticipa ade-

más sus futuras fusiones musicales, por lo que queda encarpetado hasta salir a luz recién en 1992.

Frustrado por este primer intento, Mahal deja el grupo, pero se queda en Columbia como artista solista. Su debut discográfico en solitario “Taj Mahal” aparece en 1968, donde despliega todo su bagaje de auténtico y tradicional blues sureño, haciendo de él una gran novedad para lo que se venía escuchando en la época. Luego le sigue “Giant Step” de 1969, convirtiéndolo en uno de los impulsores del blues revival de los 60 y en una figura influyente, siendo invitado a colaborar en varios eventos, giras y conciertos con otros prominentes artistas de rock y de blues.

Durante los primeros años 70, la 573

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música de Mahal empieza a aventurarse a otras latitudes, en 1971 sale “Happy Just to Be Like I Am”, que demuestra la fascinación por los ritmos caribeños y el siguiente álbum doble en vivo, “The Real Thing”, agrega el sabor de los metales de New Orleans. En 1973, realiza composiciones para la película Sounder y al año siguiente le mete duro al reggae con “Mo’ Roots”. Mahal se muda a Warner en 1976 donde graba tres álbumes, todos en 1977 (incluida la banda sonora para la película “Brothers”). Poco después el interés por su música decae, por lo que pasa los 80 lejos de los estudios en Hawaii, explorando una vez más otra tradición musical.

Mahal retorna en 1987 con “Taj”, un álbum donde se escucha su nuevo interés musical. Los siguientes años están plenos de giras, grabaciones y nuevas experiencias musicales, volviendo de cuando en cuando a sus raíces bluseras, en especial cuando gana un Grammy por “Señor Blues” en 1997. Seguidamente colabora en varios discos y llega a meterse en otras corrientes como el pop, el rock y la música hindú.

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Más recientemente forma los Taj Mahal & The Hula Blues Band con quienes lanza el disco “Hanapepe Dreams” con aires hawaianos. Su investigación africana, le llevó a explorar sus propias raíces étnicas, además de extender el blues hacia esas regiones. Aún hábil en tantos diferentes estilos, nunca se alejó demasiado del fundamento del blues.

CAPITULO 15

El nacimiento del Country-Rock

“Cuando aparecía en escena, John Fogerty era como esos profetas hirsutos del Antiguo Testamento” – Bruce Springsteen

En los USA, la reacción al folk político de Dylan y al acid-rock de San Francisco fue muy fuerte. Surge lo que se dió en llamar “realineación”, envolviendo a muchísimas bandas en un cambio repentino en el sonido y el formato musical. La música rock retornaría a canciones con buena estructura, cortas y melódicas, y al redescubrimiento de su tradición, la blanca (country) y la negra (blues). En 1968 el “cowboy cósmico”, Gram Parsons inventa el “country-rock”, primero con “Safe At Home”, realizado por la International Submarine Band y luego “Sweetheart of the Rodeo” por los Byrds, ambos interpretan material de Nashville y emplean instrumentos típicos del country conjuntamente con instrumentos de rock y una actitud hippie.

El country-rock de Parsons encuentra incontables imitadores como Seatrain, la nueva banda de Al Kooper, The Band, el grupo que solía acompañar a Dylan, que reinventó las raíces del rock, fusionando folk, gospel, country y rock. Los Creedence Clearwater Revival unieron los ritmos de los pantanos con las melodías de folk-rock, el fervor religioso, la fiebre rebelde del rock and roll y la ansiedad existencial de Dylan. Otro “super grupo” hace su movida con un sonido más suave: Crosby Stills Nash & Young, popularizando sus intrincadas armonías vocales, lánguidos contrapuntos y melosos ritmos. Con “Deja Vu” (1970), virtualmente inventan un nuevo género: un soleado, melancólico y profundo country-blues-soul, llamado después “El Sonido de la Costa Oeste”.

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GRAM PARSONS Con los International Submarine Band, The Byrds, y The Flying Burrito Brothers, Gram Parsons fue pionero del concepto de una banda de rock tocando música country, y como solista fué aún más lejos siendo artista de country: fusionó los dos géneros hasta el punto en que se volvían indistingibles entre uno y otro.

Mientras vivió, Parsons fue una figura de culto que nunca vendió muchos discos, pero influenció a incontables músicos.

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En los años siguientes a su muerte, su leyenda no hizo más que crecer, gracias a la contrbución de numerosos artistas de rock y de country.

Gram Parsons nació como Cecil Ingram Connor en noviembre de 1946.

Sus padres le legaron un profundo amor por la música de Hank Williams, por lo que aprendió a tocar el piano a los 9 años. Ese mismo año ve a Elvis Presley actuar en su escuela y decide convertirse en músico profesional. Cuando tenía 12 años, su padre se suicida, y poco después junto a su madre, se muda a Winter

Haven, Florida donde ella se vuelve a casar con Robert Parsons, quien adopta a Cecil cambiando su nombre legalmente por el de Gram Parsons.

A los 14 años, Parsons comienza a tocar en una banda de rock and roll local llamada The Pacers que se cambiaría de nombre a The Legends. Durante ese tiempo, The Legends incluía a Jim Stafford y Kent Lavoie, quien más tarde alcanzaría la fama con el seudónimo de Lobo. En 1965, Parsons se gradúa de la preparatoria y ese mismo año su madre muere por intoxicación alcohólica.

Después de esto, Gram Parsons se va a Hardvard para estudiar teología. Sólo estuvo un semestre en la universidad, donde se pasaba más tiempo tocando que asistiendo a clases. Durante ese tiempo forma la International Submarine Band con el guitarrista John Nuese, el bajista Ian Dunlop y el baterista Mickey Gauvin. Gram se muda a New York con su banda en 1966 y pasa el año en la ciudad desarrollando un rock and roll con una pesada influencia country además de grabar dos singles sin éxito para Columbia.

La banda se muda entonces a Los Angeles en 1967, donde aseguran un contrato de grabación con LHI, sello perteneciente a Lee Hazlewood. Su primer álbum “Safe At Home” fue realizado en 1968, pero cuando el disco llegó a las tiendas, la banda ya se había separado. En ese tiempo, Parsons conoce a Chris Hillman, bajista de los Byrds, que en ese tiempo se estaba reagrupando. Hillman convence a Roger McGuinn y Parsons se une a la banda.

Hacia la primavera de 1968, Parsons es el principal responsable de la dirección country que toman los Byrds, en especial con el álbum “Sweetheart of the Rodeo”.

Gram Parsons sólo estuvo unos pocos meses con los Byrds, de-

The International Submarine Band fue el primer grupo profesional de Gram Parsons y es donde comienza a desarrollar la mezcla de rock and roll y country.

jando la banda en el otoño de 1968 por causa de que no quiso acompañar al grupo a una gira por Sudáfrica, arguyendo su oposición al apartheid. Chris Hillman también dejó los Byrds poco después y juntos forman los Flying Burrito Brothers a fines de 1968. Parsons y Hillman alistan a Pete “Sneaky” Kleinow con su pedal steel y al bajista Chris Ethridge. Para completar la banda y grabar su primer álbum, contratan a una serie de bateristas de sesión. “The Gilded Palace of Sin”, su disco debut, sale en 1969. A pesar de que el álbum sólo vendió unas 40.000 copias, el grupo consiguió hacerse de un nutrido grupo de seguidores, incluso a muchos artistas de la talla de los Rolling

The Flying Burrito Brothers ayudó a forjar la conección entre el rock y el country, y con su álbum debut “The Gilded Palace of Sin”, virtualmente señalaron el camino a seguir para los cultores del countryrock. Después de la salida de Gram Parsons en 1970, el grupo siguió grabando y actuando hasta su separación en 1976. Se reunieron varias veces en los 80.

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“Gram fue una de las personas que me ayudó a cantar música country. Antes de eso, Keith y yo nos limitábamos a copiar discos”.

– Mick Jagger

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Stones. De hecho, para el tiempo en que se realizaba el álbum, Parsons solía frecuentar a los Rollings, haciéndose muy amigo de Keith Richards. También en ese tiempo Parsons comenzó a experimentar con las drogas y el alcohol.

Parsons graba con los Flying Burritos un nuevo álbum, “Burrito Deluxe” que aparecerá en 1970, pero ese año deja la banda para seguir en solitario. Poco después graba un puñado de canciones con el productor Terry Melcher, pero no llega a completar un álbum. Seguidamente a estas sesiones, Parsons decide vivir como un verdadero rock star, pasando mucho tiempo colgado con los

Stones o ingiriendo enormes cantidades de drogas y alcohol. En 1971, sale de gira con los Rollings Stones en Inglaterra, poniendo de su parte para la grabación del álbum “Exile on Main Street” de los Stones y firmando un contrato con el sello de la banda. A fines de 1971 regresa a Los Angeles pasando el resto del año y comienzos del siguiente escribiendo material para un disco solista. En 1972 conoce a la cantante country Emmylou Harris através de Chris Hillman, Parsons la invita a unírsele como músico acompañante y ella acepta. Para el verano de 1972, Gram se estaba preparando para entrar al estudio y grabar su primer álbum solista. Parsons ensambla una banda que incluía a Emmylou Harris, James Burton, Rick Grech, Barry Tashian, Glen D. Hardin, y Ronnie Tutt. El álbum “G.P.” fue realizado a fines de 1972 con muy buena crítica pero con pocas ventas.

Seguidamente a la realización de “G.P.”, Parsons se embarca en una gira con sus músicos que se dieron en llamar los Fallen Angels. Después de terminar el tour, regresan al estudio para grabar un segundo álbum, “Grievous Angel”, que incluye el famoso “Love Hurts” a dúo con Emmylou Harris. Después de terminado el trabajo, Gram se va de vacaciones a California, pasando la mayor parte del tiempo en su afición cada vez más peligrosa. El 19 de setiembre de 1973, cae a consecuencia de una sobredosis de morfina y tequila, es llevado de urgencia al Yucca Valley Hospital pero es declarado muerto al llegar. De acuerdo a los planes para el funeral, el cuerpo de Parsons debería volar a New Orleans para el entierro, pero su manager de gira, roba el cadaver y se lo lleva al desierto de Joshua Tree en California y manda cremar el cuerpo. Phil Kaufman reveló después que ese era el deseo de Parsons. Kaufman no fue arrestado por robarse el cuerpo, pero sí por robar y quemar el ataúd.

En el tiempo en que el rock estaba siendo alejado cada vez más lejos de la fuerza que alguna vez lo hizo posible, Creedence Clearwater Revival trajo de vuelta al rock a sus raíces con una concisa síntesis de rockabilly, swamp-rock, R&B y country.

CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL Incuestionablemente una de las más grandes bandas de rock de norteamerica de todos los tiempos, reedence Clearwater Revival serán siempre recordados por su sonido único del sur.

Si bien su música evoca el crudo sonido gospel del sur rural, Doug Clifford, Stu Cook, y los hermanos Tom y John Fogerty crecieron en El Cerrito, California, un pequeño pueblo cercano a Berkeley.

En 1960, mientras estaban en el colegio, los muchachos forman el grupo llamado Tommy Fogerty & the Blue Velvets y pasan la mayor parte del tiempo ensayando en el garage de los Fogerty. Cuatro años después, hacen una audición para Fantasy Records, en Berkeley, donde John Fogerty trabajaba como empleado.

Sin saberlo, un ejecutivo del sello, cambia el nombre del grupo a The Golliwogs, un nombre “más inglés” en concordancia con la invasión inglesa que se estaba llevando a cabo en ese tiempo.

Como los Golliwogs, graban siete singles, pero son prácticamente desconocidos por el gran público. Finalmente,

Fantasy realiza un último single, “Porterville”, bajo el nuevo nombre que la banda escogió: Creedence Clearwater Revival. Creedence era el sobrenombre de un amigo, Clearwater se sacó de un comercial de cerveza y Revival fue agregado para demostrar que la banda ahora tenía una nueva vida. Después de un par de años en el circuito de clubes de California, las cosas empezaron a sucederse muy rápido.

El álbum debut del grupo “Creedence Clearwater Revival” de 1967, fue paralelo al fenómeno musical hippie de la escena musical de San Francisco y tuvo sus repercusiones positivas, pues incluía unas versiones neo-psicodélicas de clásicos del rock and roll de los 50 como “I Put a Spell on You” y “Suzie Q” de Dale Hawkins, con John Fogerty ahora firmemente asentado como guitarrista, cantante, compositor y productor. Desde allí, los hits empezaron a venir. “Suzie Q” fue su primer gran hit, llegando a los Top 20, pero el pexito de la banda realmente explotó con “Proud Mary”, un single que

Un excelente material para conocer la obra de los Creedence es la colección de 20 éxitos llamada “Chronicle” vol. 1 y 2, imprescindible!.

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llegó al número 2 a comienzos de 1969 y fue versioneado cientos de veces hasta hoy. Ese fue el comienzo de un torrente de clásicos hits, inspirados en el canto de Little Richard en los siguientes dos años, incluyendo “Bad Moon Rising,” “Green River,” “Down on the Corner,” “Travelin’ Band,” “Who’ll Stop the Rain,” “Up Around the Bend,” y “Lookin’ Out My Back Door.”

Creedence también realizó excelentes álbumes, pero su fuerte eran los singles. Aún así consiguen llegar al oro con seis álbumes consecutivos: “Bayou Country”, “Green River”, “Willy and the Poor Boys”, “Cosmo’s Factory”, “Mardi Gras” y “Pendulum” en el período de 1968 a 1972.

Aunque el grupo no se metía en política, muchas de sus canciones, en especial “Fortunate Son” y “Who’ll Stop the Rain”, elocuentemente expresaban la resistencia de la contracultura a la guerra de Vietnam y una simpatía

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hacia los que iban a luchar, por lo que éstos los tomaron como himnos de esos problemáticos tiempos.

Para 1970, CCR era ya innegablemente la banda número uno del rock americano. El hombre responsable por esa exaltada posición era John Fogerty.

Adicionando sus composiciones y trabajos de producción para sus discos, John cantaba con un poderosa y cruda voz, que era el verdadero sonido Creedence.

El mismo genio responsable por la tremenda popularidad del grupo, también contribuyó a su eventual separación. Las contínuas decisiones que debían tomar el grupo en conjunto eran tomadas sólo por John, lo que produjo intensas tensiones entre los miembros. Al final llegaron a un acuerdo para hacer decisiones más democráticas, pero esto llegó muy tarde para Tom Fogerty.

En febrero de 1971, Tom, amargado por el dominio de su hermano menor John, anuncia su salida del grupo para hacerse solista. El grupo remanente siguió trabajando como trío. El primer single del reorganizado Creedence, “Sweet Hitchhiker” sale en julio del 71. La banda hace una enorme gira por los USA, Euro-

Stu Cook, Doug “Cosmo” Clifford y John Fogerty en la época del trío, ya sin la presencia de Tom.

pa, Australia y Japón que comenzó ese mes y terminó con una razonablemente buena recepción. Para su séptimo y último álbum de estudio, “Mardi Gras”, Stu Cook y Doug Clifford escribieron más de la mitad de las canciones del álbum. El disco alcanza el número 12 de las listas de los USA, más por la reputación de la banda que por el contenido del LP. En octubre de 1972, Creedence Clearwater Revival está oficialmente separada.

Tom Fogerty continuó su carrera sin mucho éxito comercial. Primeramente participó en un grupo informal que incluía a Jerry Garcia (de los Grateful Dead) y al organista Merle Saunders, antes de formar una nueva banda llamada Ruby, junto a Randy Oda (guitarra y teclados), Anthony Davis (bajo) y Bobby Cochran (batería).

El grupo grabó tres álbumes, el último de ellos fue precedido por un disco final de Tom como solista, “Deal It Out”. Tom Fogerty se muda a Flagstaff, Arizona a mediados de los 80. Muere a consecuencia del Sida el 6 de setiembre de 1990.

John Fogerty por su parte, comienza su carrera en solitario en 1972, con un disco donde él toca todos los instrumentos y hace de vocalista, bajo el seudónimo de Blue Ridge Rangers, con material basado en gospel y country. En 1973 logra dos hits con un remake de Hank Williams, “Jambalaya” y otro de Otis Williams, “Heart of Stone. Ese año comienzan las discusiones y peleas con el sello Fantasy, John desea deshacer su contrato, pero el sello tiene derecho a ocho álbumes más. Fogerty no acepta grabar nuevo material y las cosas siguieron sin resolverse hasta que David Geffen y Asylum Records hace un trato por un millón de dólares con Fantasy, para que John grabe con Asylum, pero los problemas con los sellos no terminaba aún.

Fogerty regresa al estudio para grabar un nuevo disco solista, “John Fogerty” que es aclamado por la crítica pero falla comercialmente, a pesar de que incluía clásicos como “Rockin’ All Over

A pesar de tantos éxitos obtenidos, Tom Fogerty se va de la banda en 1971 para seguir una poco brillante carrera en solitario.

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Deshacerse del gran peso que significaba haber sido parte de una de las más grandes bandas de rock no fue fácil para John Fogerty, quien a puro pulmón consiguió el éxito por sí mismo, lo que demuestra su gran talento como músico y su calidad como artista.

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The World” y “Almost Saturday Night”.

Los traumas sicológicos de las batallas legales hicieron mella en John dejándolo decaído y alejado de sus altos estándares musicales, el álbum “Hoodoo” nunca fue publicado. Fogerty decide tomarse las cosas con calma y esperar hasta que sus problemas legales sean resueltos antes de volver a su carrera; su alejamiento tomó casi una década.

En 1984, Fogerty comienza a trabajar en un nuevo álbum de retorno, lanzado por la Warner Brothers al comenzar 1985. Esta vez el álbum causó sensación en la crítica y en el público comprador.

Además de proveer dos singles exitosos, “Centerfield” y “Rock and Roll Girl” mientras que el álbum llegaba al puesto número 1. El LP también incluye un duro rock “Mr. Greed” y el experimental “Zantz Kan’t Danz” que era un ataque personal al director del sello Fantasy, Saul Zaentz. El cual respondió con una demanda por 142 millones de dólares, clamando que había sido humillado en “Centerfield”. Fantasy no se quedó allí, volvió a demandar a Fogerty por el tema

“The Old Man Down The Road”, acusando de plagio de una canción que el propio Fogerty había escrito en los tiempos de Creedence, “Run Through The Jungle”.

Finalmente en 1995, John Fogerty emerge victorioso.

En setiembre de 1986, John lanza un segundo álbum para la Warner, “Eye Of The Zombie”, que no alcanzó la altura de su predecesor, pero mantuvo a Fogerty en su primera gira después de 14 años, pero rehusando incluir las canciones que lo hicieron famoso con Creedence.

A finales de los 80, Fogerty mantiene un bajo perfil. Su único brillo lo consigue actuando para los veteranos de Vietnam en 1987, donde esta vez sí incluye las canciones de Creedence que no había cantado desde 1972.

En 1993 Creedence es ingresado al Rock and Roll Hall Of Fame, pero en el acostumbrado concierto homenaje, John Fogerty se niega a tocar con sus antiguos compañeros.

Fogerty regresa en 1997 con la realización de su quinto álbum solista, el ganador del Grammy y aclamado por la crítica “Blue Moon Swamp”. Seguido de un tour por los USA y Escandinavia, muchas apariciones en los medios y finalmente un álbum en vivo. Por otro lado, la sección rítmica de Creedence, Stu Cook y Doug Clifford, siguieron juntos en varios proyectos, incluyendo a The Don Harrison Band, Southern Pacific y The Sir Douglas Quintet. En 1995, ellos crean una banda llamada “Creedence Clearwater Revisited” con tres músicos adicionales, haciendo giras y tocando todos los éxitos del pasado.

CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG Las superestrellas del Country-Rock.

El último de los supergrupos originales, David Crosby, Stephen Stills, Graham Nash y Neil Young fueron todos miembros de grupos muy exitosos antes de unir fuerzas en el otoño de 1968.

Crosby venía de tocar con los Byrds desde 1964, además de una breve e infructuosa carrera solista y de producir el álbum debut de Joni Mitchell en 1968.

Stephen Stills por su parte, tocaba la guitarra en Buffalo Springfield, quien tuvo un memorable éxito con “For What It’s Worth”, antes de separarse en Mayo de 1968. Graham Nash era miembro de The Hollies, uno de los grupos ingleses más exitosos de la época de la invasión británica; y finalmente Neil Young, quien también formó parte de Buffalo Springfield, pero que había salido en 1967 poco después del Monterey Pop Festival.

Cuando Buffalo Springfield se separó, Stills y Crosby comenzaron a hacer jams juntos en fiestas y encuentros,

poco después se les uniría Nash, los tres cantarían juntos por primera vez en una fiesta en casa de Mama Cass Elliot.

La tentación de formar un nuevo grupo fue irresistible y el trio logra un contrato de grabación y lanzan su primer trabajo, “Marrakesh Express”, un tema que los Hollies habían rechazado. Las hermosas armonías vocales ayudaron a que el tema alcanzara los Top 30 en los USA, lo que fue seguido poco después por “Suite: Judy Blue Eyes”, una canción escrita por Stills acerca de la cantante folk Judy Collins, alcanzando el puesto 21.

Queriendo expandir el trío, le ofrecieron participar a John Sebastian, amigo de todos, pero éste rechazó la oferta, la cual finalmente aceptó Neil Young, quien aportó su guitarra más rockera y su canto más penetrante a tiempo para presentarse en el Festival de Woodstock en agosto de 1969, consolidando el grupo (el bajista Greg Reeves y el baterista Dallas Taylor completaron la formación).

El primer álbum del cuarteto “Deja Vu”, se llevó dos meses de trabajo y alcanzó el oro poco tiempo después de salir a las tiendas. El LP contiene sus

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El primer álbum del grupo, “Deja Vu” de 1970 es el más representativo del trabajo de Crosby, Stills, Nash & Young, éste se convierte rápidamente en un tremendo éxito.

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primeros tres exitosos singles, “Woodstock”, compuesta por Joni Mitchell, “Teach Your Children” y “Our House”.

Justo después de publicarse el álbum, La Guardia Nacional mata a cuatro estudiantes en la Kent State University en Ohio, en la tristemente célebre manifestación contra la guerra de Vietnam. Neil Young respondió con “Ohio”, que a pesar de ser boicoteado en varias radios, el tema alcanza el puesto 14 en 1970 y prácticamente se convirtió en un himno.

Los cuatro se embarcaron en una intensa gira en el verano de 1970, pero para el tiempo de la realización de su segundo álbum “Four Way Street” (1971), los egos inflados y tensiones entre los miembros causaron la separación de la banda. Crosby publica su aclamado disco solista “If I Could Only Remember My Name” y poco después se une a Graham Nash para trabajar

como dúo, grabando álbumes juntos así como tocar en diversos lugares durante los primeros años 70. Young continuó solo, así como Stills, quien en 1971 logra un moderado hit con “Love The One Your With”. En 1974 se vuelven a juntar para una gira, pero Young insistió en viajar por separado. Ese año sale también el disco recopilatorio “So Far”, que como sus predecesores llega al tope de las listas de álbumes en los USA. Stills y Young realizan por su parte el álbum “Long May You Run” en 1976 y nuevamente Young sorpresivamente se va por su cuenta durante la gira de ese año.

El trío remanente, Crosby, Stills y Nash, realizan un nuevo disco que se convierte en cuadruple platino, “CSN”, el cual contiene el hit “Just A Song Before I Go” que llega al puesto número 7 en 1977.

Otra vez se embarcan en una gira juntos para promocionar el nuevo trabajo. Su siguiente LP tuvo que esperar hasta 1982, cuando “Daylight Again” produce dos singles exitosos, “Wasted On The Way” (Nº 9) y “Southern Cross” (Nº 18).

David Crosby tuvo algunos problemas con la ley en 1985, acusado de andar armado y estar en posesión de cocaína. Estuvo nueve meses en prisión hasta completar un programa de rehabilitación que le llevó cinco años completos. Durante la apelación a su caso, él apareció con sus antiguos compañeros en el “Live Aid” , además de componer el hit “Long Time Gone”.

Los cuatro vuelven a reunirse en 1989 para grabar la canción de Young, “American Dream” que llega al puesto Nº 16, poco después, en los comienzos de la nueva década, la obra de Neil Young y su propia persona consiguen nuevos y jóvenes seguidores quienes le llaman el “Padrino del Grunge”. Graham Nash por su parte está muy ocupado dirigiendo su compañía de publicaciones “Nash Editions” así como su propio programa tele-

El innegable talento de Crosby, Stills, Nash y Young, y sus grandes éxitos no lograron consolidar la formación por mucho tiempo, de hecho, según algunos autores, fue increíble que con sus diferencias musicales, estilísticas y su fama individual, hayan resistido tanto tiempo juntos.

visivo. Crosby, un viejo abusador de drogas, sufre un trasplante de hígado en 1994, pero por el lado positivo, graba y lanza con su hijo adoptivo tres álbumes con dispar resultado. Por instigación de Stephen Stills, el supergrupo se vuelve a reunir en 1999 para grabar el aclamado por la crítica, “Looking Forward”, además de salir de gira por primera vez juntos desde 1974.

THE BAND El “grupo” por antonomasia del folk y country rock. The Band recuperó aquellos estilos americanos más humildes como las canciones folklóricas de los Apalaches, los tradicionales gospels del sur y los gemidos de los bluesmen. Al mismo tiempo, remojaban esos estilos en una austera composición, cercana a la música de cámara, en una atmósfera íntima y quieta, casi religiosa. La interconexión entre el baterista Levon Helm, el bajista Rickie Danko, el pianista Richard Manuel, el organista Garth Hudson y el guitarrsita Robbie Robertson era única en un balance de tonos épicos.

A finales de los años 50, el cantante Ronnie Hawkins se traslada a Canadá y allí contacta con un grupo de músicos locales que se hacían llamar The Hawks.

Tras grabar varios singles y girar sin descanso interpretando versiones de

los grandes clásicos del rock’n’roll, los Hawks rompieron relaciones musicales con Ronnie Hawkins en 1963, ese año decidieron emigrar a los USA, trasladandose a Nueva York y ampliando su sonido hacia el blues, country y soul. En ese período Levon Helm pasó a ocupar el puesto de vocalista principal y lider de la formación, no en vano el nuevo nombre que adoptaron fue Levon Helm and The Hawks.

En 1965 cuando actuaban de acompañantes del hijo de John Hammond, los integrantes del grupo (los canadienses Jamie Robbie Robertson, Garth Hudson “el profesor”, Richard Manuel, Rick Danko y el norteamericano Levon Helm) conocen a Bob Dylan. En ese tiempo ya tenían gran experiencia como acompañantes del anteriormente mencionado Ronnie Hawkins.

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LA ERA DEL ROCK

Poco valorada su capacidad de original conjunción de músicas tradicionales americanas y su habilidad lírica, The Band se constituye como uno de los grandes grupos rock surgidos en los años 60.

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Antes de la gira conjunta de 1966 y rebautizados como The Band, Levon Helm decidió no participar como simple músico acompañante de Dylan y abandonó el grupo, siendo sustituido por Mickey Jones. Pero en breve tiempo, Helm retornaría a la banda y colaboraría en las sesiones llevadas a cabo en la casa que Dylan compartió con The Band en Woodstock. De ahí surgiría la histórica grabación “The Basement Tapes”.

Combinando sus enormes talentos con el rock, el folk, jazz, country, psicodelia y gospel, el grupo contrata al perspicaz manager de Bob Dylan, Albert Grossman, quien comprobando el potencial como músicos y compositores de la banda, les consiguió un contrato discofráfico con la Capitol Records para publicar su primer Lp como The Band titulado “Music from big pink” (1968). Un disco totalmente fuera de las modas de la época. Grandiosos temas como “The Weight”, “Tears of Rage”, “Chest Fe-

ver”, la versión de “I Shall Be Released” o “This Wheel’s On Fire”, compuesta por Rick Danko y Dylan son algunos temas realmente notorios de este disco debut que mostraba en la portada una pintura realizada por el propio Dylan.

Adorados por la crítica estadounidense, The Band presentó al año siguiente su segundo trabajo en formato Lp. “The Band” (1969) reafirmó su gran talento para la unificación de formas musicales tradicionales con el rock. Su impresionante estilo lo desarrollaron en sus siguientes discos “Stage Fright” (1970), “Cahoots” (1971) y el disco en vivo “Rock of ages” (1972). “Moondog Matinee” (1973), un disco lleno de versiones fue su primer tropezón, pero aún así seguían teniendo una legión de seguidores acérrimos. En 1973 actuaron en el Watking Glen Festival y en el 74, convertidos en grandes estrellas, vuelven a apoyar a Bob Dylan en sus conciertos y a colaborar en la grabación de “Planet Waves”.

Por esa época comenzaron a surgir los primeros roces en el seno de la formación, principalmente derivados del consumo de drogas y de tensiones internas sobre el liderazgo, que la prensa culpó a Robbie Robertson. Concientes de que se iban volviendo reiterativos, decidieron separarse tras ofrecer un espectacular concierto de despedida denominado “The Last Waltz” histórico concierto realizado el 25 de noviembre de 1976, en el teatro Winterland de San Francisco.

Bastaría con nombrar las estrellas que los acompañaron: Bob Dylan, Ronnie Hawkins, Neil Young, Bobby Charles, Van Morrison, Johni Mitchell, Eric Clapton, Dr. John, Neil Diamond, Muddy Waters, Stapple Singers. Todo fue puesto en el film “The Last Waltz” bajo la dirección de Martin Scorsese, en esta película se refleja con un sentimiento único y un dejo de tristeza la separación de un gran grupo, como cuando se dice que “es mejor dejarlo así, ahora que todavía está bueno”. El disco triple con el mismo nombre, salido en 1977 no tiene desperdicio.

Más tarde Robertson y Helms intentaron componiendo música para cine, mientras que Danko cantó en solitario.

Luego de un intento de reunión, Richard Manuel se ahorcó en su hotel, víctima de un proceso depresivo. La actividad de Robertson y los demás miembros se vio

incrementada pocos años después, con la participación en el album “Beauty” (1989) de Ryuichi Sakamoto, el mega concierto “The Wall” en Berlín, 1990 y la grabación de “Jericho” en 1993. El gran músico Rick Danko falleció mientras dormía en 1999. Levon Helm por su parte padeció un cáncer de garganta en los años 90. Tras muchos años alejado de la música, retornaría al directo y al estudio en el año 2006.

THE NITTY GRITTY DIRT BAND Formado en California en el año 1965, The Nitty Gritty Dirt Band es el grupo que más ha durado de entre los grupos de country-rock de su era. The Nitty Gritty Dirt Band comenzó con dos folkies de la costa oeste, Jeff Hanna (guitarra y voz) y Bruce Kunkel (guitarra y bajo). Fue en una tienda de guitarras donde conocen a Ralph Barr (guitarra y bajo), Les Thompson (voz, mandolina, bajo, guitarra, banjo y percusión), Jimmie Fadden (armónica, voz, batería) y Jackson Browne (guitarra y voz). Esta alinea587

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ción comenzaron a tocar inmediatamente en clubes de la zona de Santa Mónica hacia 1966, tocando temas de vaudeville al estilo de las jug bands de los años 20 y 30. En ese tiempo, California estaba pasando por un renacimiento musical, con el movimiento folk-rock que estaba en crecimiento. A los pocos meses, Jackson Browne salió para seguir su carrera solista y es remplazado por John McEuen.

Ese año consiguen contrato con el sello Liberty Records y realizan su álbum debut, “The Nitty Gritty Dirt Band”, en abril de 1967. Su primer single, “Buy for Me the Rain”, logra un modesto éxito, pero le da a la banda la oportunidad de apa-

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recer en la TV. Su segundo álbum, “Ricochet”, realizado siete meses después, fue un éxito en la crítica, pero tampoco obtuvo buenas ventas. Fue allí cuando el grupo se da cuenta de que su folk estaba agotado y deciden hacer un cambio en su dirección musical, romper un poco las tradiciones y hacerse “eléctricos” y además agregar una batería para mediados de 1968.

Su primer álbum electrificado, “Rare Junk” realizado en junio del 68, fue otro fallo comercial, pero la banda no perdía la esperanza. Hacen un nuevo intento y lanzan “Alive!” en mayo de 1969, pero fue otro desastre comercial, por lo que the Nitty Gritty Dirt Band decide cerrar este ciclo. Los miembros estuvieron erráticos durante un tiempo, pero luego de seis meses, deciden darse otra oportunidad con unos cambios en la alineación. Ésta incluía a McEuen, Hanna, Fadden, Thompson, y Jim Ibbotson (guitarra, acordeón, batería, percusión, piano y voz). Retornan a su compañía disquera pero bajo la condición de tener ellos el

control de sus grabaciones, felizmente el sello no se opone.

Bill McEuen se convierte en el productor y manager del grupo, produciendo el primer disco de esta nueva etapa, “Uncle Charlie & His Dog Teddy” en 1970. Dejando de lado su viejo estilo de opereta, el álbum al fin consigue un éxito parecido al que habían tenido en 1967, en especial gracias a su más conocido single “Mr. Bojangles”.

Su siguiente álbum, “All The Good Times”, realizado a principios de 1972 sigue manteniendo esa línea que los llevará al éxito definitivo. Para esa época, The Nitty Gritty Dirt Band decide mudarse a Nashville (la Meca del Country) y por sugerencia de su manager, lanzan un triple álbum homenaje al country y bluegrass más tradicional, “Will the Circle Be Unbroken” lanzado en enero de 1973. Al fin logran su primer millón en ventas, además de unas excelentes críticas, tanto del mundo country como del rock.

Después de “Stars & Stripes Forever” (1974) y “Dream” (1975), lanzan en 1976 otro álbum triple “Dirt, Silver & Gold”, recopilatorio de sus trabajos anteriores. Ese mismo año, Jim Ibbotson deja la banda y es remplazado por el músico de sesión Bob Carpenter. Para esa época el grupo acorta su nombre a The Dirt Band y toma un giro más comercial con un sonido más pop y suave, con Jeff Hanna en los controles. Sus discos perdieron su excentricidad, pero siguieron siendo populares. En 1980 lanzan “An American Dream” y “Make a Little Magic” en 1981, ambos con buenas ventas. Pero para 1982, la banda decide volver a sus raíces country, vuelven a utilizar el nombre “The Nitty Gritty Dirt Band”, y Jim Ibbotson vuelve a tocar otra vez. “Let’s Go” es realizado a mediados de 1983, liderando su regreso al country pero con un sonido menos electrificado. En 1984 después de 17

años, cambian de sello discográfico y firman con la Warner Bros., y ese mismo año vuelven a aparecer en la prensa como la primer banda de rock que va de gira a la Unión Soviética.

En 1989 aunque el mundo de la música ha cambiado bastante, el grupo decide lanzar un nuevo álbum tradicional, pero con arreglos modernos. Entonces aparece “Will the Circle Be Unbroken Vol. 2”. El disco es adornado con grandes estrellas del country como Johnny Cash, Chris Hillman y Ricky Scaggs.

Este disco gana el Grammy por mejor Performance Vocal de Country y el primer premio de la Asociación de Música Country de 1989. The Nitty Gritty Dirt Band sigue tocando en vivo y grabando álbumes regularmente sin abandonar sus verdaderas raíces musicales de country y bluegrass, manteniendo viva la llama de la tradición verdaderamente norteamericana.

Los miembros de la Nitty Gritty Dirt Band, han jugado una parte de igual importancia que sus contemporáneos The Byrds en la transformación del folk-rock al country-rock, y han sido gran influencia para bandas como los Eagles o Alabama.

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LA ERA DEL ROCK

POCO

Poco en 1968, Randy Meisner, Rusty Young, Jim Messina, George Grantham y Richie Furay.

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Después de que Buffalo Springfield se separó, en agosto de 1968, los guitarristas Richie Furay y Jim Messina deciden formar una nueva banda; ambos alistaron a un músico de sesión llamado Rusty Young, quien llegó a grabar las partes de guitarra steel en algunos temas de la anterior banda. Este trajo al baterista George Grantham y poco después el bajista Randy Meisner deja su grupo, The Poor, para formar el quinteto. Empiezan a tocar y grabar demos para conseguirse un contrato con alguna disquera. Se llamaron a sí mismos “Pogo” (con g) y debutaron un mes después en el Fillmore West, abriendo para la Steve Miller Band y Sly & The Family Stone. Después de conseguirse unos cuantos seguidores debieron cambiar su nombre por causa de una historieta que llevaba el mismo nombre. Se quedaron con “Poco” en parte porque sonaba casi como el anterior nombre que ya los fans comenzaban a conocer.

Mientras estaban tocando una noche en el club Trobadour, los directores de Columbia Records, A&M y Atlantic estaban presentes, el presidente de Columbia se interesó en ellos y en diciem-

bre de 1968 les consigue un trato con Epic Records, una subsidiaria de la gran compañía. Al poco tiempo comienzan la grabación del que sería su primer álbum, “Pickin up the Pieces.” En ese tiempo Randy Meisner anuncia su partida para trabajar con otras figuras como Rick Nelson, Linda Rondstadt y finalmente con los Eagles en 1971.

Poco continuó como cuarteto, lanzando su primer disco “Pickin’ Up the Pieces” que llegó a vender algo más de 100.000 copias. Con Timothy B. Schmit como nuevo miembro, Poco graba dos LPs más, uno con el nombre de la banda y otro en vivo llamado Deliverin’ antes de la salida de Jim Messina, quien renunció cansado de las giras infructuosas en 1970. Después encontraría el éxito cuando se une a Kenny Loggins y forman uno de los dúos más populares de los 70.

Messina es remplazado por Paul Cotton, quien se quedó con el grupo durante tres modestos álbumes. Frustrado por que la banda no logra alcanzar el éxito esperado, Richie Furay también renuncia después de lanzar “Crazy Eyes” en 1973 para seguir una errante carrera en solitario, pero finalmente dirige su atención a la religión y se convierte en predicador.

A pesar de que la partida de Furay dejó a Poco un hueco importante, sus siguientes cuatro álbumes venden mucho mejor que sus esfuerzos anteriores.

En 1978, el baterista George Grantham también deja el grupo y con Rusty Young como el único miembro original, la banda realiza el álbum “Legend” que trepa hasta el puesto número 14 y entra en los Hot 200 de la Billboard. El grupo ahora contaba con el tecladista Kim Bullard y un par de “englishmen”, Steve Chapman y Charlie Harrison. Esta fue la alineación de Poco que finalmente logra el éxito comercial en 1979 con “Crazy Love” y “Heart Of The Night”, ambos en-

tran en los Top 20. Desafortunadamente, tan rápido como trepó a las listas, Poco vuelve a caer, volviendo a sus niveles anteriores hasta su separación final en 1984.

En 1989 la alineación original de Poco, Furay, Messina, Young, Grantham y Meisner, se reúnen para grabar el exitoso “Legacy” que produjo además dos Top 40, “Call It Love” y “Nothing To Hide”, el grupo sale de gira en 1990 pero nuevas tensiones volvieron a disolverlo. Hasta hoy siguen dando conciertos con nuevos miembros entrando y saliendo. (i a d) Timothy Schmit, Richie Furay, George Grantham, Rusty Young y Paul Cotton.

Poco fue uno de esos ejemplos en que la calidad de los músicos y su obra no era lo suficientemente comercial para el gusto del consumidor compulsivo, por lo que gran parte de su trabajo es apenas conocido, salvo las grandes figuras que pasaron por la banda.

STEELY DAN La historia de Steely Dan comienza en el otoño de 1967 en el Bard College de Nueva York, donde el tecladista Donal Fagen y el bajista Walter Becker se conocen. Ambos comienzan a actuar juntos en varios grupos pequeños antes de mudarse al centro de la ciudad en 1971 y hacerse compositores profesionales. La idea era vender sus canciones y se dirigieron al célebre Brill Building, hogar de muchos compositores musicales hasta el día de hoy. Después de tocar algunas de sus composiciones, son contratados por una pequeña compañía, pero eso era mejor que nada. Fagen y Becker se unen a la banda del sello llamada “Jay and The Americans”, bajo los seudónimos de Gus

Marker y Tristan Fabriani. Con la banda consiguen un Top 20 con ‘Walkin’ In The Rain’ (1969) y también graban los albumes “Wax Museum” y “Capture The Moment”.

Después de esto, en 1971, el cantante David Palmer, el guitarrista Jeff ‘Skunk’ Baxter, el baterista Jim Hodder y el guitarrista Denis Dias se unen a Fagen y Becker para su siguiente proyecto. Con el productor Gary Katz se preparan para grabar su primer material como banda estable, toman el nombre Steely Dan de un personaje aparecido en una novela de William Burroughs. En 1972 sacan “Can’t Buy A Thrill” un disco que graban en algunas semanas, pero que está llena de melodías trabajadas y maestría instrumental. Imbuido de jazz, soul y blues, el inusual álbum fue un éxito sorpresivo, 591

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Steely Dan en 1972, justo después de la grabación de “Can’t Buy A Thrill”, de izquierda a derecha: Jim Hodder, David Palmer, Denny Dias, Donald Fagen, Jeff Baxter y Walter Becker.

consiguiendo dos singles en los Top Ten, “Do It Again” y “Reeling in the Years”. Desafortunadamente, el primer tour de la banda fue un desastre, comenzando con la salida del cantante Palmer. El siguiente disco “Countdown To Ecstasy” de 1973, continuó con la mala racha y terminó siendo un fracaso comercial. Pero el grupo no se desanima y para el siguiente trabajo, “Pretzel Logic” logran revertir la situación. El álbum consigue entrar en los Top Ten, esta vez, Fagen y Becker le dan al disco un toque más jazzístico y el single ‘Rikki Don’t Lose That Number’ sube al número 4 de las listas.

Otra vez los conflictos internos aparecen durante un tour y Steely Dan hace su última aparición en vivo en julio de 1974.

Baxter y Hodder también se van. Baxter reaparece con los Doobie Brothers, con quienes ya había trabajado y Hodder se hace músico de sesión. Por su parte Fagenm Becker y Dias no se quedan y reclutan a nuevos miembros, Michael 592

McDonald (teclados y voz) y Jeff Porcaro (batería) para grabar “Katy Lied”, donde también ayudarían el guitarrista Rick Derringer y el saxofonista Phil Woods. A pesar de la calidad de los músicos, el álbum tiene pocas ventas y no hacen giras para promoverlo. Luego de este nuevo fiasco, McDonald se va también para cantar con los Doobie Brothers y Dias y Porcaro se van a trabajar a un estudio de grabación.

Fagan y Becker continúan y consiguen un modesto éxito con “Haitian Divorce”.

Su álbum “Aja” tiene mejor suerte donde nuevamente se aprecia el excelente trabajo de los músicos. El álbum consigue buenas críticas y ventas, en especial gracias al single “Peg” que alcanza el puesto número 5 en las listas de éxito. Ya en 1980, Steely Dan graba “Gaucho”, álbum que crea un serio conflicto con la disquera por su alto costo de producción, pero éstos se calman rápidamente cuando el disco logra ventas millonarias y un nuevo Top 10 con el single “Hey Nineteen”. A pesar de esto, al año siguiente, cansados de su trabajo y de las tensiones, Becker y Fagen anuncian su separación definitiva.

phs. Después de la secundaria, el guitarrista Kaukonen tiene que mudarse con sus padres (empleados del gobierno) a las Filipinas, pero retorna a los USA a tiempo para la psicodelia y se mudan a San Francisco donde forma parte de la fundación de los Airplane en 1965. El bajista Cassady por su parte, se une al grupo poco después y juntos ayudan al grupo a consolidar su éxito durante los últimos años 60.

Hot Tuna (originalmente se llamaría Hot Shit), comenzó a grabar en

Tras varios trabajos en solitario y como productores musicales para artistas y filmes, Steely Dan vuelve a reunirse como grupo en 1993 y graban un nuevo disco, “Citizen Steely Dan” y lo más notorio de todo es que salen de gira promocional después de casi 20 años. Al año siguiente, siguen dando pelea y sacan el álbum “11 Tracks Of Whack”, seguido por “Alive In America” en 1995. En febrero del 2001, “Two Against Nature” realizado el año anterior, gana sorpresivamente cuatro Grammys, ese mismo mes son introducidos al Rock N’ Roll Hall Of Fame.

HOT TUNA Dispensando una poco ortodoxa forma de las raices del rock y una versión más bluesy y ligera de The Band, Hot Tuna surgió alrededor de las figuras de excelentes músicos y locos por el blues, Jack Casady y Jorma Kaukonen, quienes, paralelamente a su trabajo con el super grupo Jefferson Airplane emergieron como un acto en vivo muy popular durante los tours en los 70.

Ambos músicos eran amigos de años, crecieron juntos en Washington D.C. y tocaron en su primer grupo, The Trum593

LA ERA DEL ROCK

1969 en el sello RCA, cuando Kaukonen y Cassady aún estaban en Airplane. Al dúo se unió el harmonicista Will Scarlet y ocasionalmente también otros dos miembros de Airplane: Marty Balin y Spencer Dryden.

Hot Tuna debuta en 1970 con su album homónimo ofreciendo un blues tradicional y ragtime, grabado en vivo en el New Orleans House de Berkeley. Al año 594

siguiente hacen un álbum orientado más al rock “First Pull Up, Then Pull Down” donde incluyen al violinista Papa John Creach y al baterista Sammy Piazza. En 1972 realizan su tercer álbum que sería, según sus acerrimos seguidores, su mejor trabajo: “Burgers”; luego con la aparición del disco “The Phosphorous Rat” de 1974, Kaukonen y Cassady salen definitivamente de Jefferson Airplane. Esos dos álbumes contienen temas compuezstos en su mayoría por Kaukonen, piezas guitarrísticas que son de las más delicadas y poéticas.

En 1975 se endurecen con “America’s Choice” logrando un éxito importante, pero el baterista Piazza sale del grupo ese año. Sin perder el tiempo el grupo saca otro álbum, “Yellow Fever” y luego en 1976 “Hoppkorv”. En 1978 entra al grupo el tecladista Nick Buck y graban el que sería su último álbum “Double Dose”. Hot Tuna llega a su fin como un buen experimento (según sus críticos), pero no sin antes dejarnos el excelente “Final Vinyl” de 1979. Tras pasar por diversas agrupaciones, Kaukonen y Cassady vuelven a reunirse para tocar en varios clubes bajo el nombre de Hot Tuna, reformándose más seriamente en 1986. Para 1990 vuelven al estudio para grabar su primer álbum en años, “Pair a Dice Found”, con nuevo material y luego sacan dos álbumes en vivo: “Live at Sweetwater” en 1997 y “Splashdown Two” en 1999.

A lo largo de los años, se han sumado a Hot Tuna una serie de talentosos músicos: bateristas, armonicistas, tecladistas, cantantes, violinistas, mandolinistas, y más, todo un gran acompañamiento para Jorma y Jack que en la actualidad siguen brillando en el espectro musical.

Y a lo largo del camino no hay lista de destacados guitarristas que no incluya a Jorma, ni hubo quien pensó que en serio haya un mejor bajista que Jack.

THE ALLMAN BROTHERS BAND A comienzos de los años 60, dos hermanos, Gregg y Duane Allman comienzan a tocar en bailes escolares en los alrededores de Daytona Beach donde vivían desde 1959, tocaban todos los éxitos del momento, pero lo que a ellos les gustaba era el rock and roll y el blues. Su primera banda se llamó The House Rockers, pero pronto se cambiaron por The Allman Joys. Consiguieron mejores oportunidades y salieron de gira por bares del Sureste e hicieron su primer single, un remake del blusero Willie Dixon, “Spoonful”.

Para finales de los 60, el grupo se va a Los Angeles y consiguen contrato con Liberty Records, donde les rebautizaron

como The Hourglass. Según el propio Gregg, este fue el punto más bajo en la carrera del grupo. Las notas explicativas de su primer álbum decían: “Su música es un fenómeno psicótico, desde un rhythm and blues hasta unos fuertes toques psicodélicos. Y soul mucho soul”, la música de los hermanos era demasiado compleja para los amantes de las playas y los folkies. Además la banda no tenía ningún control de su material. Como decía Duane: “ellos nos enviaban una caja con demos y decían, OK, elijan su próximo LP”. Y eran presionados por la disquera para no contrariar al sistema.

Desilusionado, Duane regresa a la Florida, pero las cosas mejorarían pronto. Conoció al baterista Butch Trucks y también es invitado a tocar en una banda local llamada Second Comming. En ese tiempo, el joven Duane se hace de

Considerados por muchos como los creadores del Southern-Rock, en especial por la genialidad de los hermanos Gregg y Duane Allman para combinar magistralmente el blues más tormentoso con sonoridad country y la fuerza del rock.

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El destino nos arrebató al gran Duane Allman, quien se encontraba en su mejor momento artístico y creativo, fallece en un accidente de moto en 1971, privándole al grupo de su líder y al mundo de uno de los mejores guitarristas de rock.

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renombre como guitarrista destacado y es muy solicitado como músico de sesión; su exclusivo toque adornaba las producciones de artistas como King Curtis, Percy Sledge, Aretha Franklin y Wilson Pickett. Pero Duane siempre podía retornar a su casa en Jacksonville para tocar con sus amigos, Dicky Betts, el bajista Berry Oakley, Jai Johanson y el baterista Trucks y formar el núcleo de la futura banda. El siguiente paso fue hacer un llamado a su hermano Gregg, que aún se encontraba en California, para una vuelta a casa y completar la formación del Allman Brothers Band.

Con la llegada de 1970, la banda es reclutada por Phil Walden, quien actúa de manager y presidente de su sello discográfico. Aunque Duane resaltaba por su reputación musical y por ser fundador de la banda, siempre insistió en que su hermano Gregg esté a su misma altura.

El album debut del grupo “The Allman Brothers Band” grabado en 1969 en el sello Capricorn Records, obtuvo excelentes críticas. Animados por los buenos resultados iniciales, los Allman salen en su primera gira nacional para apoyar el disco en 1970. Su segundo álbum “Idlewild South” es aún más energético y vende muy bien. Los Allman Bros. Se encuen-

tran muy ocupados en giras durante ese año, participan del Second Annual Atlanta International Pop Festival donde actúan frente a 200.000 espectadores y también participan del Festival de la Isla de Wight en Gran Bretaña en 1970. Tom Dowd, el productor de su segundo álbum, fue llamado a producir un nuevo disco para Eric Clapton; cuando Duane se enteró inmediatamente quizo participar. Ambos guitarristas tenían mutua admiración asi que Duane puso lo mejor de sí en el “Layla and Other Love Songs” de Clapton. Uno de los mejores solos de la historia del rock obra de Duane Allman, puede escucharse en el emblemático tema “Layla”.

Los Allman Brothers Band eran los favoritos del promotor Bill Graham en el concierto organizado en el Fillmore East en marzo de 1971, allí se graba el que sería su tercer álbum, “The Allman Brothers Live At Fillmore East”. Cuando el álbum alcanza los Top Ten y el estatus de “oro”, los Allman Brothers ya son alzados a la altura del mejor grupo de rock and roll de los Estados Unidos. Pero estando en las estratósfera del éxito, el destino le da un durísimo golpe al grupo, en octubre de 1971, Duane Allman muere en un accidente de moto, cuando trató de esquivar un camión fuera de control, cerca de la ciudad de Macon, Texas. El grupo tocó en su funeral y decidió continuar a pesar de la gran pérdida. El LP “Eat a Peach”, contenía tres temas que habían sido grabados por Duane antes de su muerte, el resto fue completado con material en vivo y lanzado como disco doble, entrando en los Top Ten y llegando al puesto número 4. Pero la tragedia parecía perseguir al grupo, pues en noviembre de 1972, el estupendo bajista Berry Oakley también fallece en un accidente de motocicleta, sólo tres cuadras antes del lugar donde había muerto Duane un año antes.

Pero, el show debe continuar dicen, asi es que Dickey Betts, por ese tiempo

líder no oficial de la banda, compone y canta el single “Ramblin’ Man”, el primer gran éxito de la banda que alcanza el puesto número 2 en 1973. “Brothers and Sisters” logra el número 1. Sus ventas se disparan, logrando el doble que los trabajos anteriores. El grupo regresa a la carretera después de dos años. En Watkins Glen, New York, 600.000 personas asisten a un concierto ofrecido por Allman Brothers Band, los Grateful Dead, y The Band en julio de 1973, demostrando su gran arrastre como grupo.

Para ese tiempo, los desacuerdos comenzaron a crecer sobre la dirección musical y las presentaciones. Aún así sacan varios álbumes exitosos y Gregg también graba algunos álbumes en solitario.

En 1975, viviendo una vida farandulera, Gregg se casa con la famosa cantante y actriz Cher, de la cual se divorciaría en 1979. Pero la verdadera bomba estallaría en 1976, cuando Allman es llamado a testificar contra Scooter Herring, su manager personal durante las giras, bajo cargos de venta de narcóticos. Herring es sentenciado a 75 años de prisión y el resto de la banda ven a Gregg como a un traicionero, por lo que deciden dejarlo plantado y nunca más trabajar con él.

Después de un desastroso álbum con Cher, reforma el Gregg Allman Band, sin

la participación de ninguno de los miembros anteriores, y graba “Playin’ Up a Storm” en 1977 con una escasa repercución, hasta que en 1978, se vuelven a juntar los viejos compañeros y reforman los Allman Brothers Band, con la participación del gran guitarrista sureño Dan Toler y el bajista Rook Goldflies. Juntos graban “Enlightened Rogues”, que llega al puesto número 9 en 1979 y se convierte en oro dos semanas despúes de su lanzamiento, pero el grupo vuelve a separarse en 1980. En 1989 se vuelven a juntar Allman, Betts, Johanson y Trucks, saliendo de gira y grabando nuevo material que es acogido con respeto por las nuevas generaciones. En 1995 el grupo es incluído en el Rock and Roll Hall of Fame.

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LA ERA DEL ROCK

EAGLES

Eagles, uno de los Supergrupos de los 70 con su primera formación: Bernie Leadon, Glenn Frey, Don Henley, Randy Meisner y Don Felder.

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Con cinco singles número 1 y cuatro álbumes en el primer puesto, los Eagles eran uno de los más famosos Supergrupos de los 70, que incluían a dos grandes compositores, Don Henley y Glenn Frey, originalmente inspirados por Crosby Stills & Nash, le dieron al country-rock un sentido más personal y a la vez universal, desde las melancólicas viñetas vaqueras de Desperado (1972) hasta el robusto hard-rock de Hotel California (1976).

Aunque muchos de sus miembros provenían de las afueras de California, el grupo fue identificado como de country y folk cuando se iniciaron en Los Angeles a finales de los años 60, y tocando con bandas como Flying Burrito Brothers y Poco, bandas que aportaron miembros para los Eagles. Pero la banda también surgió del rock and roll tradicional, estilo

que a finales de su carrera ayudó a definir popularmente como Rock Clásico. Esto a su vez ayudó a los Eagles a alcanzar un perfil permanente en varias generaciones de fans que continuaron comprando sus discos por muchos años después de su separación, hecho que inspiró una nueva reunión a mediados de los 90.

La banda se formó en Los Angeles por músicos que provenían de diversas partes de los USA. El cantante y bajista Randy Meisner (nacido en 1946) se mudó a L.A. en 1964 como parte del grupo Soul Survivors. En 1968 fue miembro fundador del grupo Poco, pero se alejó antes de realizarse el primer álbum de la banda. Bernie Leadon, cantante, guitarrista y mandolinista nacido en Minneapolis en 1947, arribó a L.A. en 1967 donde formó parte del grupo Flying Burrito Brothers.

Don Henley, nacido en Texas en 1947, se mudó a L.A. en junio de 1970 con su

banda Siloh, quienes llegaron a grabar su álbum homónimo antes de su separación poco después. Glenn Frey, nacido en Detroit en 1948, actuaba en su ciudad y fue músico de Bob Seger antes de mudarse a Los Angeles en el verano de 1968.

En la primavera de 1971, Frey y Henley fueron de gira como acompañantes de la banda de Linda Rondstat. Meisner y Leadon también participaron durante el tour de verano, pero los cuatro sólo tocaron juntos en uno de los conciertos en Disneylandia en Julio. Sin embargo en septiembre, Frey, Henley, Meisner y Leadon se juntan y con su manager David Geffen, firman contrato con su sello Asylum Records, poco después adoptan el nombre de Eagles. En febrero de 1972, viajan a Inglaterra y pasan dos semanas grabando su álbum debut “Eagles” con el productor Glyn Jhons. El disco es lanzado en Junio, alcanzando los Top 20 y convirtiéndose en oro en poco tiempo.

El disco contenía tres hits hoy clásicos, “Take It Easy”, “Witchy Woman” y “Peaceful Easy Feeling.” A lo largo del año y hasta comienzos de 1973 hacen varios conciertos para luego regresar a los estudios y grabar su segundo LP, Desperado, un álbum conceptual acerca de los foragidos del viejo oeste. Realizado en abril de 1973, alcanza los Top 40 y lue-

go el oro en menos de un año y medio.

Contenía el single “Tequila Sunrise” y la canción “Desperado” que nunca fue lanzada como single vino a ser la canción más reconocida del grupo e incluída en su primer disco recopilatorio.

Después de ir de gira para apoyar el LP, los Eagles vuelven al estudio con Glyn Johns para su tercer álbum. Pero esta vez deciden hacer un rock más duro, chocando con el sentido que tenía su productor sobre una banda de country-rock, asi que la banda despide a Johns después de grabar dos temas, “You Never Cry Like a Lover” y “The Best of My Love.” Después de esto, a comienzos de 1974, invitan al guitarrista Joe Walsh a tocar y su productor Bill Szymczyk ayudaron a que el álbum “On the Border” se completara. Szymczyk también trajo al guitarrista de sesión Don Felder, un viejo amigo de Bernie Leadon, quien impresionó tanto al resto de la banda que lo invitan a formar parte.

“On the Border” fue realizado en marzo de 1974, llegando al oro y alcanzando los Top Ten en junio, fue el álbum que más rápido se vendió. La canción “Already Gone” alcanza los Top 20 ese mismo mes. Pero la canción que tuvo más suceso del LP fue sin dudas “The Best of My Love”, lanzado como single en

Quizás el gran logro de esta banda norteamericana fue el llevar la música "country & western" hacia las grandes audiencias. El reconocimiento vino rápido porque rescataron el sonido sureño mezclándolo con la maestría de sus guitarras y un rock suave.

Abrieron el camino para que muchos músicos mezclaran el "country" con el "rock" y lograran preciosas baladas, algo de rock pesado y algunos himnos inolvidables.

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LA ERA DEL ROCK

Los Eagles en 1977 con la adición del espectacular guitarrista Joe Walsh.

En diciembre de 1976 sale a la calle el álbum que se convertirá en el más famoso del grupo, “Hotel California”, que llega a vender con el tiempo más de 25 millones de copias.

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noviembre, escala rápidamente las listas hasta llegar al tope en marzo de 1975.

El cuarto álbum de los Eagles, “One of These Nights” fue todavía más exitoso. Realizado en junio de 1975, llega al oro (por 1 millón de discos vendidos) el mismo mes y llega al número 1 en julio.

El disco además contiene tres singles que llegan a los topes del ranking: “Lyin’ Eyes”, “Take It to the Limit” y “One of These Nights”. El primero gana un Grammy y el álbum es nominado como disco del año. Ese año el grupo hace un tour mundial comenzando en USA y Europa. Pero en diciembre de 1975 se anuncia la salida de Bernie Leadon. Joe Walsh fue llamado a reemplazarlo e inmediatamente se une al tour que continúa por el lejano oriente a comienzos de 1976. Con Joe vino la influencia del rock pesado a la banda. Como el grupo estaba muy ocupado por el tour, no tenían planes para un nuevo álbum, por lo que se lanzó un recopilatorio “Eagles: Their Greatest Hits 1971-1975” en febrero de 1976. Es el primer álbum certificado como platino, domina en las listas y tiene

un éxito fenomenal, eventualmente llega a vender más de 25 millones de copias, compitiendo con el Thriller de Michael Jackson por el álbum más vendido de todos los tiempos.

En ese momento los miembros de la banda podían considerarse superestrellas. Pero con la salida de su quinto álbum (Hotel California) el grupo se disparó. A los Eagles le tomó 18 meses después del lanzamiento de “One of These Nights” realizar “Hotel California”. Lanzado en diciembre de 1976 El LP fue armado fudamentalmente en el estudio durante todo un año y fijó un nuevo estándar en materia de composición y mezcla musical. Salió a la calle en diciembre de 1976 y es, sin incluir discos de éxitos, su álbum más vendido. De ese álbum se extrajo una frase que se integró al lenguaje popular norteamericano: “vivir en la vía rápida” (Life in the fast lane).

Fue certificado platino en una semana y llega al número 1 en enero del 77 y vende más de 10 millones de copias.

Los singles “New Kid in Town” y “Hotel California” llegan al número 1 y “Life in

the Fast Line” logra entrar en los Top 20.

“Hotel California” gana el Grammy en 1977 por disco del año y es nominado como canción del año. Los Eagles vuelven a realizar un tour mundial ese año finalizando el mismo con grandes presentaciones en estadios por todos los USA. En setiembre, al finalizar el tour, Randy Meisner deja la banda y es remplazado por el bajista y cantante Timothy B. Schmit, ex integrante de Poco.

El siguiente álbum es una repetición exitosa, “The Long Run” es lanzado en septiembre de 1979. Es otro número uno y es certificado eventualmente como multi-platino. Contiene otros grandes singles: “Heartache Tonight”, “I Can’t Tell You Why” y “The Long Run” que alcanzan los topes de los charts y“Heartache Tonight” gana otro Grammy. Las tensiones dentro del grupo comienzan a sentirse, pero igual realizan una gira en 1980, que incluía una serie de presentaciones en el Santa Monica Civic Auditorium, donde graban un disco en vivo. El doble LP lanzado en noviembre de 1980, “Eagles Live” entra en los Top Five y se convierte en otro multi-platino con tres temas inéditos: “Seven bridges road”, “Life’s

been good” y “All night long”. “Eagles live” es un LP de gran calidad y ha sido calificado como uno de los discos en directo mejor hechos hasta ahora. Con Eagles colabora Joe Vitale en la percusión y sintetizadores.

Hacia octubre del 81, corren fuertes rumores de que los Eagles se iban a separar, ya que el grupo estaba lleno de enfrentamientos y excesos. En el concierto de despedida los técnicos tenían que bajar el sonido de los micrófonos porque los miembros de la banda se amenazaban entre las canciones. Su separación oficial se anuncia recién en 1982, a pesar de ser la banda de rock que mas cobraba (un millón de dólares por concierto), pero los cinco ya estaban haciendo trabajos en solitario, los más exitosos fueron Glenn Frey, cuyos singles “The Heat is On” y “You Belong to the City” llegan al puesto número 3 en 1985, y Don Henley logra colocar cinco singles entre los Top Ten. Durante todos los 80 la banda recibe lucrativas ofertas para reunirse, pero los ex miembros las rechazan, hay un rumor que dice que Frey y Henley dijeron que “los Eagles se reunirán el día que el in-

“On a dark desert highway Cool wind in my hair Warm smell of colitas Rising up through the air Up ahead in the distance I saw a shimmering light My head grew heavy, and my sight grew dim I had to stop for the night There she stood in the doorway I heard the mission bell And I was thinking to myself This could be Heaven or this could be Hell Then she lit up a candle And she showed me the way There were voices down the corridor I thought I heard them say...

Welcome to the Hotel California”

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La última formación antes de su separación en 1982, Don Felder, Timothy B. Schmit, Don Henley, Glen Frey y Joe Walsh.

En el 94 volvieron a reunirse triunfalmente y aún siguen dando batalla.

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fierno se congele”, cosa que al parecer ocurrió, porque en 1990 los dos vuelven a tocar juntos con Schmit y Walsh en conciertos benéficos durante la primavera de ese año, pero eso fue todo.

Recién después de cuatro años la reunión se materializó. En 1994 Glenn Frey anunció, al inicio de uno de sus conciertos, que “las vacaciones de 14 años del grupo habían terminado”. “Vemos esto no como una reunión, sino como un retomar”, dijo en aquella oportunidad. En la primavera de 1994, los Eagles graban un concierto acústico en la cadena de televisión MTV que es recogido en un álbum y un DVD llamado “Hell Freezes Over”, que hace referencia al comentario que hizo Henley unos años antes.

Tiene cuatro temas nuevos en estudio: “Get Over It”, “The Girl From Yester-

day”, “Learn to be Still” y el número 1 “Love Will Keep Us Alive”. También se lanzan a un tour que finalizaría en agosto de 1996. “Hell Freezes Over” volvió a liderar las listas y se consiguió otra venta multi millonaria.

The Eagles en pleno, incluyendo a Leadon y Meisner, se presentaron en el show de introducción al Rock and Roll Hall of Fame en 1998 y al año siguiente en diciembre del 99 celebran un concierto llamado “THE MILLENIUM CONCERT”, en el Staples Center de Los Angeles. Del mismo se hicieron grabaciones que se incluyeron en un set recopilatorio “Selected Works 1972-1999” en noviembre del 2000. En el 2002 se edita un álbum de grandes éxitos que se titula: “THE VERY BEST OF THE EAGLES” para conmemorar los 30 años de la edición de su primer disco.

LYNYRD SKYNYRD Inicialmente el grupo estaba integrado por Ronnie Van Zant (vocalista), Allen Collins (guitarra), Gary Rossington (guitarra), Larry Junstrom (bajo) y Bob Burns (batería), quienes se conocieron en la liga de menores de baseball, se juntaron para formar su primera banda en Jacksonville, Florida en 1964. Usaron varios nombres como “Noble Five”, “Wildcats”, “Sons Of Satan” y “My Backyard”, y llegaron a realizar un single, ‘Need All My Friends’, en 1968, antes de quedarse con el nombre definitivo de Lynyrd Skynyrd. Este era el nombre de un profesor de educación física, Leonard Skinner, quien constantemente molestaba a los muchachos por su pelo largo. Ya con el nuevo nombre graban otro single, ‘I’ve Been Your Fool’, en 1971, antes de grabar algunos demos en Alabama. El grupo fue descubierto en Atlanta en 1972 por el músico y productor Al Kooper, quien en esa época había formado Blood, Sweat and Tears, y estaba en busca de nuevos talentos para su sello Sounds Of The South. Los contrató por 9.000 dólares, y al grupo se unió Leon Wilkerson quien remplazó a Jungstrom en el bajo. Kooper produjo así el primer álbum del grupo, “Pronounced Leh-Nerd SkinNerd”, donde presentaron al ex guitarrista de Strawberry Alarm Clock, Ed King y el tecladista Billy Powell. Esta alineación de tres guitarras atrajo mucha atención, además de una combinación fresca de country rock con toques de blues y boogie. De este álbum se desprende el que sería su verdadero himno, “Free Bird”, que compusieron como tributo a Duane Allman.

Incluía un soberbio final de guitarras, mientras que su gran calidad sería demostrada por sus frecuentes reapariciones en los charts durante años.

Pero había más por venir; en 1974 el grupo disfruta su primer gran hit en los USA con ‘Sweet Home Alabama’,

una sentida e irónica respuesta a las canciones “Southern Man” y “Alabama” compuestas por Neil Young, que criticaba a los sureños. Después de realizar su segundo álbum, “Second Helping”, el baterista Bob Burns es remplazado por Artimus Pyle.

El alto costo de la fama, ahora le empezaría a pasar factura al grupo por su duro modo de vida y Ed King es la primera víctima de los excesos que se retira en mayo de 1975. Van Zant por su parte pasa regularmente por la comisaría y los tabloides. En medio de esto, un nuevo LP, “Gimme Back My Bullets” sale a la calle. Para septiembre de 1976, Gary Rossington sufre un serio accidente de coche, mientras Steve Gaines rem603

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La extraña portada del álbum “Street Survivors” fue para muchos macabramente premonitoria. Pues estando ya para salir a la venta ocurre el accidente de avión donde la banda pierde a su líder.

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plaza a King. A pesar de todo, los discos de oro siguen acumulándose cada año y una serie de exitosas giras son realizadas hasta que la banda decide descansar a finales de 1977. Como si fuera poco, una gran tragedia se avecina y cae con todo el 20 de octubre de 1977. El líder Ronnie Van Zant, Gaines, su hermana Cassie (cantante de apoyo del grupo) y su manager personal Dean Kilpatrick mueren en un accidente de avión, a bordo del cual toda la banda se dirigía a Baton Rouge, Louissiana.

Rossington, Collins, Powell y Wilkeson sufren serias heridas, pero ellos logran recuperarse. Ese mismo mes, el nuevo álbum del grupo “Street Survivors”, sale a la venta con un nombre premonitorio y una portada particularmente macabra que no fue intencional, con la foto del grupo rodeado de llamas.

Los sobrevivientes, algunos de ellos temporalmente lisiados, física como emocionalmente, se reúnen en enero de 1979 para una aparición especial en el “Charlie Daniel’s Volunteer Jam V” donde tocan una versión instrumental de “Free Bird” como un sentido homenaje a sus camaradas caídos en desgracia. Aunque Lynyrd Skynyrd dejó de presentarse como banda, los miembros sobrevivientes siguieron trabajando juntos. En 1987 en el décimo aniversario del accidente, hicieron un concierto tributo donde invi-

taron a Johnny Van Zant, el hermano menor de Ronnie como cantante. Poco después, Johnny había dicho: “originalmente, la reunión era para hacer una sola presentación, pero se dio la oportunidad de hacer algunos shows más y gracias al apoyo de los viejos y nuevos fans, me animé y lo siguiente que supe era que ya estaba en la banda”. Fue una experiencia hasta si se quiere medio aterradora el hecho de que el nuevo y talentoso cantante era demasiado parecido en voz y en aspecto a su hermano mayor fallecido. Al comienzo fue “escalofriante” decía Johnny, “pero después de algunos años, estuve en paz y orgulloso de mi trabajo”.

En el verano de 1996 la banda vuelve a reunirse con una nueva alineación que integraban: Rossington, Van Zant, Wilkeson, Powell y Hale, además de la participación de dos de los mejores guitarristas norteamericanos Rickey Medlocke y Hughie Thomasson. Salen en una intensa gira y graban nuevo material en vivo. En 1997 sale “Twenty”, donde como tributo a su hermano perdido, Johnny canta a dúo “Travelin’ Man”, con la cinta original de la voz de Ronnie, alternando los versos y con una nueva instrumentación, pero sin abandonar jamás sus raíces musicales. El álbum y las giras han conseguido para el grupo un éxito contínuo hasta hoy. Lynyrd Skynyrd entró en el “Rock and Roll Hall of Fame” en marzo de 2006.

MARSHALL TUCKER BAND The Marshall Tucker Band es una de las bandas más importantes del SouthernRock y tuvo su origen en Spartanburg, South Carolina, formada en 1971 por Doug Gray (vocalista), los hermanos Toy (guitarra) y Tommy Caldwell (bajo), George McCorkle (guitarrra), Paul Riddle (bateria) y Jerry Eubanks (flauta). El estilo del grupo combinaba rock, country y jazz, desarrollando intensos pasajes instrumentales donde la guitarra líder de Tommy Caldwell brillaba.

En 1973 la banda consigue un contrato de grabación con el sello Capricorn Records y realizan su primer LP “The Marshall Tucker Band”, aparecido en marzo de 1973. Empiezan a ganar reconocimiento a través de un tour con los ALlman Brothers y alcanzan gran éxito durante los años 70, alcanzando varias veces el oro con sus álbumes. Su mayor éxito lo logran con el álbum “Carolina Dreams”, alcanzando el millón de ventas y que contiene el single “Heard It in a Love Song” que alcanza el puesto número 15 en 1977.

Según sus seguidores, la colección de sus primeros tres LPs va más allá del simple country-rock, es toda una experiencia musical. “Can’t You See”, “Fire on the Mountain”, “Heard It in a Love Song” e incontables otros favoritos de MTB permanecen como un hito importante en la historia del rock and roll.

La banda empezó a decaer con la muerte de Tommy Caldwell en un accidente de coche en 1980 y después de 1982 su presencia en las listas de álbumes también empezó a desaparecer, no así en las listas de singles de Country. Por esa época Toy Caldwell sale del grupo para seguir en solitario y la primera alineación de Marshall Tucker se desban-

da en 1983. Más tarde ese mismo año Doug Gray y Jerry Eubanks contratan unos músicos de estudio en Nashville y salen de gira. Pocos meses después, una nueva formación de la Marshall Tucker Band está nuevamente de vuelta en el ruedo. Estando en su pueblo natal Gray y Eubanks contratan al guitarrista Rusty Milner, al bajista Tim Lawter, al baterista Ace Allen, y al también guitarrista Stuart Swanlund. Con esta nueva formación, la banda se mantuvo en constantes giras por todo el país, flirteando con el blues y el pop contemporáneo. La última gran pérdida ocurre con el fallecimiento de Toy Caldwell en 1993. Marshall Tucker Band se mantuvo aún “on the road” y

Comparado con otros pioneros del Southern-Rock y compañeros de sello como los Allman Brothers, Marshall Tucker tiene una mayor influencia del country & western y con la característica principal de tener un flautista en la alineación.

“Can’t You See”, “Fire on the Mountain”, y “This Ol’Cowboy” son sus temas más recordados.

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Aunque los libros de hisoria del rock no los suelen reconocer, The Marshall Tucker Band es una de las bandas más importantes del Southern-Rock, con un feeling sureño muy especial, gracias a sus delicadas armonías y una instrumentacion y arreglos de gran calidad.

grabando esporádicamente, incluso graban un álbum completo de gospel en 1999 y mantienen una legión de leales fans. En 2007 lanzan un nuevo álbum de estudio “The Next Adventure”, con el cual siguen dando batalla tras más de 30 años de carrera.

BLACK OAK ARKANSAS Jim Dandy era el carismático líder de B.O.A. su provocativo estilo en escena, su actitud de modelo y su voz áspera, hacían las delicias de la prensa musical.

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Era una de las bandas de rock con acento sureño más emblemáticas del estilo, en la vena de Lynyrd Skynyrd o The Marshall Tucker Band, liderada por el carismático cantante y frontman Jim “Dandy” Mangrum (nacido el 30 de marzo de 1948 en Black Oak, Arkansas), quien junto a un grupo de amigos poco amantes de la institución escolar y si del rock’n’roll, decidieron formar en su adolescencia un conjunto musical en donde poder expresarse abiertamente.

Esos amigos eran los guitarristas Ricky “Ricochet” Reynolds, Harvey “Burley” Jett y Stan “Goober” Night, el bajista Pat Dougherty y el batería Wayne Evans.

A finales de la década de los 60 y

tras muchas dificultades (fueron arrestados en varias ocasiones por robo, único medio con el que contaban para conseguir dinero y pagar sus instrumentos) consiguieron establecerse en la ciudad de Nueva Orleans bajo el nombre de Knowbody Else. Allí publicaron un Lp homónimo en 1969 en la compañía Stax, que pasó sin pena ni gloria tanto en la radio como en las tiendas de discos.

Con el cambio de decenio, Knowbody Else volvió a trasladarse de localidad, mudándose a la soleada ciudad de Los Angeles, en donde se rebautizaron de nuevo, ahora con el nombre definitivo

de Black Oak Arkansas, derivado del lugar de nacimiento de Mangrum. El cambio resultó afortunado, ya que en breve firmaron con el sello Atlantic y publicaron “Black Oak Arkansas” (1971), un notable disco producido por el miembro de Iron Butterfly Lee Dorman que contaba con temas del calibre de “Hot and nasty”, “Uncle Elijah” o “Lord, have mercy on my soul”. Sus conciertos también aumentaron espectacularmente de audiencia, siendo seguidos por un buen número de fans que deseaba contemplar el fibroso, sensual y potente espectáculo ofrecido por Mangrum y su banda, ubicados ya en sonidos boogie, country-rock, algún toque de hard-rock y principalmente rock sureño.

Su segundo Lp como Black Oak Arkansas sería “Keep the faith” (1972), un álbum que proseguía con las constantes sonoras y líricas de su disco debut.Después de este trabajo, el baterista Wayne Evans abandonaría el grupo, siendo reeemplazado por Tommy Aldridge, quien ya partició en la grabación de “If an angel came to see you, would you make her feel at home?” (1972) tercera entrega del conjunto de Arkansas que fue producida (al igual que el anterior) por Tom Dowd, esencial personaje del southern rock que ya había trabajado con los Allman Brothers y lo haría también con los Lynyrd Skynyrd.

A pesar de que todos sus discos habían obtenido un respetable resultado comercial, “Raunch ‘n’ roll live” (1973), un Lp en directo y “High on the hog” (1973), su mejor trabajo en estudio confirmaron a la banda en 1973 como uno de los puntales dentro del género. En “High on the hog” viene incluída su canción más popular y exitosa, “Jim Dandy to the rescue”, una enérgica versión de Lavern Baker cantada por Mangrum y Ruby Starr.

Posteriores trabajos de la banda

como “Street Party” (1974), “Ain’t life grand” (1975) -en donde versionaban el “Taxman” de los Beatles- “X-Rated” (1975), “Live! Muta” (1976), “10 year overnight success” (1976), “Race with the devil” (1977) o “I’d rather be sailing” (1978) resultaron más irregulares que “High on the hog”, pero en algunos temas contenían buenos retazos de su brioso estilo. En esa época los Black Oak Arkansas cambiaron en varias ocasiones de personal, incorporando a los guitarristas James Henderson, Greg Reding y Jack Holder, al bajo Andy Tanas y en batería Joel Williams, permaneciendo en esa época el rubio Mangrum como único miembro original de la banda. En 1980 y a raíz de un ataque al corazón sufrido por su líder, que le imposibilitaba para proseguir su carrera artística, los Black Oak Arkansas se separaron.

Con fortuna, Jim “Dandy” Mangrum se recuperó de sus achaques cardiacos y regresó al mundo de la música para grabar en solitario y con posterioridad recuperar a su conjunto en la grabación de “The Wild Bunch” (1999), un aceptable disco en donde se volvían a reunir parte de los componentes originales de este importante grupo de southern rock.

Black Oak Arkansas son bastante conocidos en los ambientes nostálgicos, pero muy poco entre el gran público. En parte porque fuera de los USA no fueron muy escuchados; el enorme suceso de bandas como Lynyrd Skynyrd le echaron una sombra difícil de superar y por último, la voz del vocalista era particularmente molesta para algunos. De todas formas, Black Oak Arkansas fue una de aquellas grandes pero raras bandas sureñas que hicieron grandes canciones.

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LINDA RONSTADT Nacida como Linda Susan Marie Ronstadt, el 15 de julio de 1946 en Tucson, Arizona. Luego de terminar el colegio decide dedicarse a la música y que mejor lugar que Los Angeles y el Club Trobadour para iniciarse. Comenzó cantando música folk con la banda The Stone Poneys con el músico Kenny Edwards, desde mediados de los 60 hasta 1968. The Stone Poneys se convirtió en una atracción taquillera en el circuito de folk de California, grabando su primer álbum en 1967. Ese año entran en las listas con el tema “Different Drum” pero al año siguiente se separan.

Linda ya se ha hecho de un nombre en la escena musical local y lanza su carrera en solitario con el disco “Hand

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Sown... Home Grown” de 1969 y con “Silk Purse” de 1970, se gana la imagen de “chica campesina”, logra ese año su primer éxito con el tema “Long, Long time”. Luego reforzaría su imagen de chica country con “Linda Ronstadt” (1972) álbum donde le acompañaron los músicos que luego formarían los Eagles.

Pero fue con la llegada de los productores Peter Asher (del dúo sesentero Peter & Gordon) y David Geffen, que los álbumes de Ronstadt comenzaron a vender, dándole a Linda una imagen más suave y sexy. Su primer álbum para el sello Asylum, “Don’t Cry Now” llegó al oro en 1973. “Heart Like A Wheel” de 1974, fue el primer álbum en llegar al tope de las listas, además de conseguir un puesto 3 con el single “You’re No Good”, un cover de Betty Everett y otro tanto con “When Will I Be Loved”. A esto les siguieron otros exitosos discos, “Prisioner In Disguise” (1975), “Hasten Down The Wind” (1977), “Simple Dreams” (1977) y “Living In The USA” de 1978, todos números 1 de las listas. Su álbum de mayor ventas de todos los tiempos sin embargo fue la compilación “Greatest Hits” de 1976, premiada siete veces con platino en el 2001.

Durante los 70 obtuvo gran reputación tanto por su calidad artística como por su colaboración con varios músicos respetados del ambiente rockero. Sus éxitos más conocidos son versiones de temas de Rolling Stones, Tom Petty & the Heartbreakers, Everly Brothers, Flying Burrito Brothers, Neil Young, Betty Everett, Buddy Holly y Elvis Costello. Para finales de la década ya había obtenido ocho discos de oro y cuatro de platino, con lo que se la conocía también como “la mujer mejor pagada del rock”.

En 1980 lanzó un álbum de versiones new wave de artistas como Elvis Costello y The Cretones, un álbum que entró en la Billboard album charts en los 5 prin-

cipales su primera semana y continuó su racha de éxitos con “Hurt So Bad”, “How Do I Make You”, y “I Can’t Let Go”. Durante este periodo ella fue quizás el principal Sex symbol en la música rock, alcanzando su pico de atención en 1976 cuando la revista Rolling Stone publicó una colección de fotografías tomadas por Annie Leibovitz. Pero tanta atención le hacía sentir incómoda, pues ella en el fondo no se sentía una “rock star”. Luego de esto, dió un vuelco a su carrera, apareciendo en la película “Pirates Of Penzance” y lanzando una trilogía de discos con un canto convencional acompañado de una orquesta.

Aún así su carrera de cantante estaba plena de éxitos, cosechando nuevas audiencias a principos y mediados de los 80. En 1987 vuelve a sus raíces country y ella además de dos estrellas del country, Dolly Parton y Emmylou Harris, graban su tan esperado álbum “Trio” que incluía un “revival” de Phil Spector, “To Know Him Is To Love Him”. El álbum ganó un Grammy y engendró 4 singles top-ten del country, el cual continuaron con un segundo álbum “Trio 2” en 1999. En 1988 Linda saca “Canciones de Mi Padre”, un álbum con canciones mexicanas, y en 1989 graba “Cry Like A Rainstorm, Howl Like The Wind”, que incluye exquisitos duetos con Aaron Neville, uno de ellos “Don’t Know Much” que le devuelve los primeros puestos en las listas de éxitos.

En 1996 vuelve a experimentar con otros estilos musicales y graba “Dedicated to the One I Love”, un álbum de música para niños. En una carrera de cuatro décadas, ha grabado más de cuarenta álbumes, el último con el retorno a sus raíces con baladas pop-rock. Sigue grabando regularmente y también se metió al mundo de la producción.

Linda Ronstadt es considerada como la popularizadora de las baladas rock. Ella fue la artista femenina mejor pagada y al mismo tiempo más criticada de los años 70 y mostró un rock mezclado con varios tipos de música, incluyendo el country, el folk y el pop con un fuerte ingrediente comercial.

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ZZ TOP En los más de 30 años que llevan juntos, ZZ Top ha pasado de ser una banda de rock puro a icono de la cultura pop norteamericana. Algunos podrían decir que son visionarios que se apropiaron de la escena de MTV y del rock mezclado con lo bailable durante los 80, hasta dar la impresión de que iban a apoderarse del mundo.

ZZ Top toca boogie y blues tejano e indudablemente nadie lo hace mejor que “la pequeña banda de Texas”. Mucho de su atractivo se debe a esa presencia rústica y áspera, que también se siente en sus canciones.

Bill Gibbons (guitarra), Frank Beard (batería) y Dusty Hill (bajo) reconocen que sus mayores influencias vienen de intérpretes del blues de la talla de Muddy Waters o John Lee Hooker. Su arran610

que como banda de blues rockera cautivó audiencias en el sur de Estados Unidos durante los setenta y ochenta. Han escrito sobre autos, ropa, medias y hasta de anteojos de sol. Sus apariciones en MTV no fueron casualidad, las largas barbas de Hill y Gibbons engancharon directamente con la generación de los ochenta.

ZZ Top arrancó en 1969 con la banda de blues psicodélico de Gibbons que por entonces se llamaba “Moving Sidewalks”.

Gibbons se hacía acompañar por Lanier Greig en el bajo y Dan Mitchell en la batería. Debutaron con el sencillo “Salt Lick”, luego del cual Greig fue despedido. En su lugar llegó Bill Ethridge. Más tarde el bajista fue reemplazado con Dusty Hill y el baterista con Frank Beard.

Aunque produjeron un par de discos como “American Blues” y abrieron para Hendrix en una de sus presentaciones, todavía necesitaban algo que los uniera creativamente. Fue en febrero de 1970 que ZZ Top debutó como tal, pero ahora unidos por el amor al blues, el boogie, el rock y un entrañable cariño por Texas.

Su primera casa disquera fue London

Records de la que formaban parte los Rolling Stones. Sus primeros dos álbumes, “ZZ Top’s First Album” (1970) y “Rio Grande Mud” (1971) les permitieron sacar su blues sin complejos. “Francene” fue su primer sencillo exitoso que sirvió para ampliar su base de admiradores.

El sonido de la banda terminó de tomar forma en “Tres Hombres” de 1973 grabado en Memphis. Musicalmente la unión de sonidos de Memphis y Texas hizo que ZZ Top lograra un sonido distintivo que se materializó en el sencillo “La Grange”, que alcanzó a colocarse entre las 50 más populares de Billboard.

En 1974 fue su primer “Texas-Size Rompin’ Stompin’ Barndance And BarB-Q”, una actividad masiva a la que asistieron 85 mil personas y que rápidamente su convirtió en un acto de culto a la banda. La cantidad de gente fue tal que la Universidad de Texas no volvió a organizar eventos similares en sus instalaciones hasta 20 años después.

La base de admiradores del grupo se armó por medio del boca a boca y eso sirvió para que sus presentaciones se

llenaran y los discos empezaran a venderse. “Tres Hombres” llegó a ser número ocho en la lista de álbumes y fue el primero de una serie de 11 discos de oro y platino. Los discos subsiguientes, “Fandango!” de 1975 y “Tejas” de 1977, estuvieron en las posiciones 10 y 17 respectivamente. “Tush” una canción que venía en el disco “Fandango!” se convirtión en el primer Top 40 de ZZ Top. En ese momento ZZ Top se lanza en una gira ambiciosa llamada “Worldwide Texas Tour: taking Texas to the People”.

Era un espectáculo con 75 toneladas de equipo y animales tejanos, y un escenario que tenía la forma del estado.

Cuando terminaron la gira en 1977 se tomaron un año sabático.

El descanso sirvió para reavivar la vena creativa, negociar con una nueva disquera (Warner) y presentar un cambio de apariencia completamente involuntario. Para ese momento Gibbons y Hill se habían dejado crecer una barba largísima, lo curioso es que ninguno de los dos sabía que el otro lo estaba ha-

Las largas barbas de Bill Gibbons (guitarra) y Dusty Hill (bajo), además del ritmo de Frank Beard (batería) son ya legendarios, y uno de los íconos más recordados del siglo. Pueden decir que no saben los nombres, pero esas barbas (hoy ya canosas), son conocidas en todo el mundo.

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ciendo. Las barbas largas se convirtieron en un sello distintivo para el grupo.

Retomaron los escenarios en 1979 con el disco “Deguello”. En el venían canciones como “Cheap Sunglasses”, “Fool for Your Stockings”, “I’m Bad, I’m Nationwide” y el refrito de Sam y Dave “I Thank You”. A este disco le siguió “El Loco” de 1981 que incluía el sencillo “Tube Snake Boogie”, tema que los preparó para la explosión de popularidad que estaba por venir.

En los ochenta ZZ Top descubrió el sintetizador casi al mismo tiempo en que MTV descubrió a ZZ Top. El nuevo sonido de la banda con sintetizador llamó la atención de los adeptos al blues, el rock, el boogie, el disco y el New Wave. “Eliminator”, que sería su disco más importantes con ventas acumuladas a 1996 por 10 millones de copias, encontró su título el Ford Cupé de 1934 rojo de Gibbons.

El disco produjo tres sencillos, “Gimme All Your Lovin” (#37), “Sharp Dressed Man” y “Legs” (#8) que fueron éxitos en 612

la radio, la televisión y las discotecas.

Desde el lanzamiento de “Eliminator” en 1983 hasta la salida de los “Grandes Éxitos” de las listas en 1993, ZZ Top se convirtió en una banda de importancia internacional. “After Burner” en 1985 y “Recycler” en 1990 completaron el ciclo iniciado en el 83 con diverso suceso.

En julio de 1992, ZZ Top anunció que se iba de Warner Bros. a RCA. Desde entonces han grabado cuatro álbumes adicionales “Antenna” (1993), “Rhythmeen” (1996), XXX (1999) y “Mescalero” (2003); hasta la fecha siguen siendo uno de los actos en vivo más impresionantes que se pueden ver en el escenario.

A través de los años, una de las fortalezas de ZZ Top ha sido su constante calidad en las presentaciones en vivo que les ha llevado a lograr marcas impresionantes en sus ingresos en los Estados Unidos. Además, Gibbons, Hill y Beard han mantenido esa imagen excéntrica y colorida apoyada en sus anteojos y sombreros texanos.