biancoscuro r i v i s tA d ’ A r t e Numero 31 - dicembre ‘18 / gennaio ‘19 - Bimestrale d’Arte, Cultura e Informazione
In questo numero
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La metamorfosi di Picasso A Milano nelle sale di Palazzo Reale René Magritte Il genio surrealista Art Basel Miami Beach Oltre 200 tra le più importanti gallerie internazionali Pendulum Merci e persone in movimento World Press Photo Al Forte di Bard la 61ª edizione Oceano Pacifico: il triangolo della “Terra degli uomini”
Rainer Schoch
BIANCOSCURO Art Contest
il vincitore del BAC ‘18 nella sezione pittura the winner of the BAC ‘18 - painting section
Photograph taken at Cattle Depot
Participating Galleries # 10 Chancery Lane 303 Gallery 47 Canal
Massimo De Carlo de Sarthe Dirimart du Monde
A Miguel Abreu Acquavella Aike Alisan Anomaly Antenna Space Applicat-Prazan Arario Alfonso Artiaco Artinformal Aye
E Eigen + Art Eslite Gallery Exit Experimenter Selma Feriani Fortes D‘Aloia & Gabriel Fox/Jensen
B Balice Hertling Beijing Art Now Beijing Commune Bergamin & Gomide Bernier/Eliades Blindspot Blum & Poe Boers-Li Tanya Bonakdar Isabella Bortolozzi Ben Brown Gavin Brown Buchholz C Gisela Capitain Cardi Carlos/Ishikawa Chambers Chemould Prescott Road Yumiko Chiba Chi-Wen Sadie Coles HQ Contemporary Fine Arts Continua Paula Cooper Pilar Corrias Alan Cristea Chantal Crousel D Thomas Dane
G Gagosian Gajah gb agency Gladstone Gmurzynska Goodman Gallery Marian Goodman Gow Langsford Bärbel Grässlin Richard Gray Greene Naftali Karsten Greve Grotto H Hakgojae Hanart TZ Hauser & Wirth Herald St Max Hetzler Hive Xavier Hufkens I Ingleby Ink Studio Taka Ishii J Annely Juda K Kaikai Kiki Kalfayan Karma International Kasmin Sean Kelly
Tina Keng Kerlin König Galerie David Kordansky Tomio Koyama Kraupa-Tuskany Zeidler Andrew Kreps Krinzinger Kukje kurimanzutto L Pearl Lam Simon Lee Leeahn Lehmann Maupin Lelong Lévy Gorvy Liang Lin & Lin Lisson Long March Luhring Augustine Luxembourg & Dayan M Maggiore Magician Space Mai 36 Edouard Malingue Matthew Marks Mazzoleni Fergus McCaffrey Greta Meert Urs Meile Mendes Wood DM kamel mennour Metro Pictures Meyer Riegger Francesca Minini Victoria Miro Mitchell-Innes & Nash Mizuma Stuart Shave/Modern Art The Modern Institute mother‘s tankstation N nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder
Nadi Nagel Draxler Richard Nagy Nanzuka Taro Nasu neugerriemschneider nichido Anna Ning Franco Noero O Nathalie Obadia OMR One and J. Lorcan O‘Neill Ora-Ora Ota Roslyn Oxley9 P P.P.O.W Pace Pace Prints Paragon Peres Projects Perrotin Petzel Pi Artworks PKM Plan B R Almine Rech Regen Projects Nara Roesler ROH Projects Tyler Rollins Thaddaeus Ropac Rossi & Rossi Lia Rumma S SCAI The Bathhouse Esther Schipper Rüdiger Schöttle ShanghART ShugoArts Side 2 Sies + Höke Silverlens Skarstedt Soka
March 29 – 31, 2019
Sprüth Magers Starkwhite STPI Sullivan+Strumpf T Take Ninagawa Tang This Is No Fantasy + dianne tanzer Templon The Third Line TKG+ Tokyo Gallery + BTAP Tornabuoni Two Palms V Vadehra Van de Weghe Vitamin W Waddington Custot Wentrup Michael Werner White Cube White Space Beijing Barbara Wien Jocelyn Wolff Y Yavuz Z Zeno X Zilberman David Zwirner Insights A Thousand Plateaus Asia Art Center Bank Baton Beyond Dastan‘s Basement Don Empty Gallery Espace Fost Hunsand Space Yoshiaki Inoue
Johyun Richard Koh Mind Set Pifo Star Yuka Tsuruno Watanuki / Toki-noWasuremono Wooson Yamaki Discoveries 1335Mabini A+ Contemporary Sabrina Amrani Christian Andersen Capsule Château Shatto Commonwealth and Council Crèvecoeur Ghebaly High Art Hopkinson Mossman hunt kastner Jhaveri JTT Maho Kubota Emanuel Layr Michael Lett MadeIn mor charpentier Nova Contemporary Project Native Informant Société Tabula Rasa Tarq Vanguard
MARK
KO S T A B I
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BAC winter edition 18 Premi 18 Prizes:
6 Premi “Mostra Collettiva” assegnati dalla Commissione Critica 1 16 Prizes “Collective Exhibition” assigned by the critic committee 1 Premio “Mostra Collettiva” assegnato giuria popolare (Facebook+Instagram) 1 Prize “Collective Exhibition” assigned by popular jury (Facebook + Instagram)
1° Premio Copertina Biancoscuro assegnato dalla Commissione Critica 1° Prize Biancoscuro Magazine cover assigned by the critic committee
pittura painting scultura sculpture fotografia photography grafica graphic art
Tutte le opere saranno pubblicate sulla rivista BIANCOSCURO e sul nostro sito!
All the artworks will be published on the BIANCOSCURO magazine and on our website!
artcontest.biancoscuro.it INFO
BIANCOSCURO viale indipendenza 26, Pavia
artcontest@biancoscuro.com
biancoscuro r i v i s tA d ’ A r t e Bimestrale d’Arte, Cultura e Informazione
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Nicola Quici. Kunst muss sein:“L’arte, assolutamente”
L’Editoriale di Vincenzo Chetta L’arte e le sue irrealtà visibili. La metamorfosi di Picasso in mostra a Milano
Art Basel Miami Beach Oltre 200 tra le più importanti gallerie internazionali
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In copertina: (on the cover)
Il Neorealismo italiano La macchia in cerca di L’Italia del dopoguerra a New York definizione. La GAM di Torino ospita la sperimentazione pittorica Street Art. Al MAG, live performance e workshop René Magritte. Il genio surrealista Tiziano vs Richter. Il loro intimo dialogo artistico Il Romanticismo a Milano Più di quaranta opere mai esposte prima La storia della Vetreria Cappellin. Il design del vetro Nuova esposizione al MAST. Per l’anniversario, in mostra le Forte, sinuosa, scattante... immagini della Collezione bolognese che passione! L’auto in mostra al m.a.x.
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“... La cronaca che si fa storia del nostro tempo”. Al Forte di Bard la 61ª World Press Photo
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Rainer Schoch Il vincitore del BAC ‘18 nella sezione “pittura”. The winner of the BAC ‘18 - “painting” section
La Collezione Hansen. I ART Innsbruck 2019 capolavori francesi custoditi dal Museo Dal 17 al 20 gennaio 2019 danese di Ordrupgaard, a Padova
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Oceano Pacifico: il Triangolo della terra degli uomini nel cuore del mito di Paul Gauguin [8ª puntata] 028
Over the Cover: Federica Marin La vincitrice del BAC ‘18 nella sezione fotografia. The winner of the BAC ‘18 - photography section
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biancoscuro r i v i s tA d ’ A r t e
31 ISSUE December ‘18 / January 2019
Bimestrale di Arte, Cultura e Informazione
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Art Fair. Fiere ed esposizioni internazionali
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One Man’s dream. Il progetto “di fiducia” di Mattia Consonni
Musica per gli Occhi Experience. Oltre 4.000 vinili per 2 installazioni in una mostra unica
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Fiera Contemporanea. La 22ª edizione a Cesena PaviArt Talent. L’edizione natalizia della fiera pavese ART Salzburg 2018 ha trovato la location giusta Artissima 2018 spegne le candeline della 25ª edizione 29ª Arte Padova. Una location di oltre 30.000m2 Paolo Cutrano. Una carriera in continua ascesa Il colore e le sue forme. L’espressività di Monschauer Fu Wenjun. Tradizione o globalizzazione? Claudio Sivini. I riflessi dello specchio Fabio Castagna. L’intensa carriera dell’Artista Annette Tan. La sensibilità cromatica Due angeli di Blub a Pavia. “A sorpresa” a Pavia
Excellence Art Gallery & Art Caffè Laveri in un Fermo Immagine. Diano Marina lo accoglie al Palazzo del Parco
Grandi autori contemporanei a Varese. Da Showcases Gallery: Cella, Nucara e Volpati
Tre autori contro la Violenza. A Milano Peter Hide 311065, Ralph Hall e Michele Tombolini
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Dario Brevi. La mostra da Colossi Arte Contemporanea Balthus. Prima retrospettiva svizzera alla Beyeler
L’Ottocento Lombardo. Il secolo lungo della pittura italiana
I favolosi anni del boom economico. Aperto al pubblico l’ultimo capitolo della mostra
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Provocatoriamente “nulla”. Dada e Surrealismo
Omaggio al poliedrico Silvio Zanella. La celebrazione del centenario nel suo MA*GA
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Archeologia contemporanea. Dimitrakopoulou a Palermo Astrattismo concettuale. Le opere di Salvatore Alessi Josè Molina. Tema unico: l’acqua Leonor Antunes. La sua prima solo exhibition in Italia 102
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EDITORSHIP & GRAPHIC Liberementi viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.liberementi.it MANAGING EDITOR Daniela Malabaila CONTRIBUTORS Oxana Albot, Nina Baudelaire, Elena Cicchetti, Franco Crugnola, Vincenzo Chetta, Etienne de Bricassarde, Flavio Ennante, Mario Gambatesa, Lucia Garnero, Salvatore Mainardi, Daniela Malabaila, Rebecca Maniti, R.Molino, Giulia Sollazzo, Ettore Tiretto. PHOTOGRAPHERS Adele Arati, Antonio C., Vincenzo Chetta, Carlos Collado, Carlotta Coppo, Giuliano Koren, Cristiano Galbiati, Jean Gattone, Giorgio Giliberti, Luca Laversa, Liberementi, Simone Marello, Isabella Rigamonti, Stephenrour Murilo, Cecilia Vignato. PUBLISHER Biancoscuro viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.biancoscuro.it PRINTING Pixartprinting Srl Via 1° Maggio, 8 30020 Quarto d’Altino (VE)
Mario Merz al Pirelli HangarBicocca. Le sue opere più iconiche: Igloos
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BI-MONTHLY OF ARTS, CULTURE AND INFORMATION EDITOR IN CHIEF Vincenzo Chetta
Montreux Art Gallery. Arte sul lago di Ginevra
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BIANCOSCURO Art Magazine
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SOCIAL NETWORK Facebook.com/BiancoscuroArtMagazine Instagram.com/BiancoscuroMag Twitter.com/BiancoscuroMag Pinterest.com/BiancoscuroMag The publisher is available for persons entitled for any iconographic sources. Manuscripts, photos or other materials even if unpublished are not given back. In addition to the signed articles, texts published on Biancoscuro Art Magazine are taken from the mentioned sources or text available l under the creative commons license. s Reg. Trib. Pavia n.4 of 21/1/2014. ISSN 2385-1708 © BIANCOSCURO 2019. Reserved artistic and literary copyright. Reproduction in whole or parts is forbidden save with the written permission of the publisher.
BIANCOSCURO Rivista d’Arte NUMERO 31 dicembre ‘18 / gennaio 2019 BIMESTRALE DI ARTE, CULTURA E INFORMAZIONE DIRETTORE RESPONSABILE Vincenzo Chetta REDAZIONE & GRAFICA Liberementi viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.liberementi.it CAPOREDATTORE Daniela Malabaila COLLABORATORI Oxana Albot, Nina Baudelaire, Elena Cicchetti, Vincenzo Chetta, Franco Crugnola, Etienne de Bricassarde, Flavio Ennante, Mario Gambatesa, Lucia Garnero, Salvatore Mainardi, Rebecca Maniti, R.Molino, Giulia Sollazzo, Ettore Tiretto. FOTOGRAFI Adele Arati, Antonio C., Vincenzo Chetta, Carlos Collado, Carlotta Coppo, Giuliano Koren, Cristiano Galbiati, Jean Gattone, Giorgio Giliberti, Luca Laversa, Liberementi, Simone Marello, Isabella Rigamonti, Stephenrour Murilo, Cecilia Vignato. EDITORE Biancoscuro viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.biancoscuro.it STAMPA Pixartprinting Srl Via 1° Maggio, 8 30020 Quarto d’Altino (VE) SOCIAL NETWORK Facebook.com/BiancoscuroArtMagazine Instagram.com/BiancoscuroMag Twitter.com/BiancoscuroMag Pinterest.com/BiancoscuroMag L’Editore è a disposizione degli aventi diritto per eventuali fonti iconografiche non individuate. Manoscritti, foto o altri materiali inviati alla redazione anche se non utilizzati non verranno restituiti. Oltre agli articoli firmati, i testi pubblicati su Biancoscuro Rivista d’Arte sono tratti dalle fonti citate oppure da testi disponibili l secondo le licenze creative commons. s Registrazione al Tribunale di Pavia n.4 del 21/1/2014. ISSN 2385-1708 © BIANCOSCURO 2019. Tutti i diritti di produzione in qualsiasi forma, compresa la messa in rete, che non siano espressamente per fini personali o di studio sono riservati. Per qualsiasi utilizzo che non sia individuale è necessaria l’autorizzazione scritta dell’Editore.
December 6 – 9, 2018 The Wolfsonian–FIU, Miami Beach
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l’Editoriale di Vincenzo Chetta
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ensare che questo è già l’ultimo numero del 2018, porta un po’ di... Stupore! In questa società in continua accelerazione, siamo come sempre un passo davanti agli altri, il nostro ultimo numero del 2018, è anche il primo del 2019! Di solito dicembre è il momento per fare il bilancio dell’anno che volge al termine, per capire dove migliorarsi, per gioire dei traguardi raggiunti e per porsi davanti a nuovi orizzonti. Non posso che essere orgoglioso di tutto lo Staff BIANCOSCURO: una squadra che lavora gomito a gomito da ormai 5 anni, senza sosta, 12 mesi all’anno, per dare al mondo una rivista d’arte solida e concreta, che senza tanti giri di parole fa ripassare un po’ di storia dell’arte (e che in alcuni casi, ce ne forni-
sce un’altra versione...), introduce a nuove tecniche espressive, fa ricordare validi artisti dalla lunga carriera e dà nuove possibilità a chi sta iniziando un proprio percorso nel mondo dell’arte, sia esso come artista, appassionato o collezionista. Tutto questo ha portato BIANCOSCURO ad essere incluso nel circuito fieristico più importante della società artistica, a livello mondiale: Art Basel – Art Basel MIAMI – Art Basel HONG KONG. Tutto questo, è anche grazie a voi, che continuate a leggere, a collezionare e a regalare BIANCOSCURO. Che sia una buone fine d’anno, che sia un meraviglioso 2019 Buona lettura
Art Basel Miami Beach © Courtesy Art Basel
Vincenzo Chetta
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L’arte e le sue irrealtà visibili La metamorfosi di Picasso in mostra a Milano di
Mario Gambatesa
Pablo Picasso Nu couché (Nudo disteso) 4 aprile 1932 olio su tela, 130x161,7 cm. Paris, Musée National Picasso Ph:© RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) Adrien Didierjean/ dist. Alinari © Succession Picasso, by SIAE 2018
L
a metamorfosi di Picasso è il tema principale della mostra organizzata presso le sale di Palazzo Reale a Milano, ormai sede indiscussa di grandi mostre. Il progetto espositivo propone circa duecento opere, tutte provenienti dai più importanti musei europei (come ad esempio il Musée National Picasso
Parigi, il Musée du Louvre, i Musei Vaticani di Roma, il Museo Archeologico Nazionale di Napoli, il Musée Picasso Antibes, il Musée des Beaux-Arts di Lione, il Centre Pompidou ed il Musée de l’Orangerie di Parigi ed il Museu Picasso di Barcellona). Ai lavori del genio spagnolo si affiancano le opere d’arte antica di straordi-
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“
A dodici anni dipingevo come Raffaello, ci ho messo tutta una vita per imparare a dipingere come un bambino.
naria fattura, da cui il pittore, negli anni, ha acquisito la giusta ispirazione e la giusta trama pittorica. Il percorso espositivo, curato dalla direttrice dei Musei Civici di Avignone Pascale Picard, si suddivide in sei sezioni: “Mitologia del Bacio – Ingres, Rodin, Picasso”; “Arianna tra Minotauro e Fauno”; “Alla Fonte dell’Antico - Il Louvre”;
”
Pablo Picasso
“Il Louvre di Picasso: tra greci, etruschi e iberici”; “Antropologia dell’antico” e infine “L’antichità delle metamorfosi”. La mostra concede allo spettatore l’opportunità di approfondire il mondo multiforme di Pablo Picasso, la metamorfosi artistica, si concentra soprattutto sulla demolizione delle regole accademiche tradizionali che, in maniera
Pablo Picasso Joueur de diaule assis (Suonatore di flauto doppio seduto) 1958, assemblaggio di dodici lastre in argilla chamottata rosa; decorazioni a ingobbio, superfici graffite e incise 126,5x125,5x2 cm. Paris, Musée National Picasso Ph: © RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) Gérard Blot/ dist. Alinari © Succession Picasso, by SIAE 2018
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costante, dominavano in quel periodo, cercando in questo modo di sradicare il concetto dalla base: un’impresa complessa soprattutto per Picasso, data la sua formazione classica. Tuttavia Pablo, pur integrando tutte le tradizioni, è stato in grado di costruire altro, uscendo dagli schemi e proponendo qualcosa di totalmente nuovo e rivoluzionario. Altro aspetto fondamentale, che sin da subito si evidenzia come uno dei centri dell’opera di Picasso, è il suo rapporto con l’universo femminile. L’erotismo e
il sentimento amoroso sono infatti aspetti sempre presenti in tutto il suo lavoro. Si tratta quindi di penetrare nel laboratorio intrinseco e più intimo di Picasso alla luce delle fonti antiche che lo hanno ispirato, permettendo allo stesso tempo, di rivelare i meccanismi di una coinvolgente alchimia tra l’antichità e la modernità che avvolge completamente e inesorabilmente, l’arte del XX secolo. Promossa e prodotta da Comune di Milano - Cultura, Palazzo Reale e MondoMostreSkira, la mostra visitabile già dal
Pablo Picasso Nu au bouquet d’iris et au miroir (Nudo con bouquet di iris e specchio) 22 maggio 1934 olio su tela, 162x130 cm. Paris, Musée National Picasso Ph: © RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) René-Gabriel Ojéda © Succession Picasso - Gestion droits d’auteur
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18 ottobre scorso e aperta al pubblico fino al 17 febbraio prossimo, è accompagnata da un magnifico catalogo edito da Skira, così come la splendida riedizione (in fac-simile ed in tiratura limitata) delle Metamorfosi di Ovidio illustrate da Picasso con 30 acqueforti originali (primo libro della casa editrice del 1931), e l’imperdibile Picasso di Gertrude Stein. Il tema della metamorfosi diventa quindi una fonte di informazioni e innovazioni, colme di risorse rivoluzionarie che interagiscono con tutto il resto emozionandoci, ma soprattutto concedendo, a noi che la osserviamo, un tipo di arte composta e ricomposta a l sua volta da una irrealtà visibile. s
PICASSO Metamorfosi
VALENTINO BRUSCHI
18 ottobre 2018 – 17 febbraio 2019 Palazzo Reale, Milano INFO T. +39 02 92897755 Lunedì 14.30-19.30 Martedì, mercoledì, venerdì e domenica 09.30-19.30 Giovedì e sabato 09.30-22.30 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito
www.mostrapicassomilano.it
Pablo Picasso Femme à la mantille (Donna con mantiglia) 1949, argilla bianca: pezzo tornito e modellato; decorazione a ingobbio, 47x12,5x9,5 cm. Paris, Musée National Picasso Ph: ©RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) Béatrice Hatala © Succession Picasso - Gestion droits d’auteur Sotto: Pablo Picasso Visages de femme (Volti di donna) 1950, terracotta, 74,5x31x31 cm. Collezione privata Ph: Maurice Aeschimann, 2018
Quel che resterà - 2014 collage con smalti, acrilico e gesso su sabbia e iuta, 27,5x21,8 cm.
Valentino Bruschi vive in provincia di Arezzo dal 1981 e si è diplomato come maestro d’Arte presso l’Istituto di Anghiari. Ha iniziato a dipingere in quel periodo, la sua è una pittura non tradizionale, che entra nel cerchio della fantasia e si mescola al genere astratto, cercando di dialogare sempre con nuovi linguaggi ed espressioni. In continua evoluzione e sperimentazione, la sua ricerca ha come prerogativa l’uso di materiali riciclati (carta, cartone, iuta, plastica, legno ) attraverso i collage e i colori quasi puri con la loro forza. Dagli oli agli acrilici, dagli smalti ai pastelli per continuare con le chine e gli acquarelli, al fine di esaltare al massimo gli effetti e le cromie delle sue composizioni. Dal 2015 ha iniziato a esporre in mostre personali, una delle quali al Gran Caffè storico le Giubbe Rosse di Firenze, e a collettive in ambito regionale .
Una giornata al mare 2000, collage con oggetti e olio su sabbia, 70x50 cm.
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L’Arte di Valentino
www.lartedivalentino.it 19
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La Collezione Hansen I capolavori francesi custoditi dal Museo danese di Ordrupgaard, in mostra a Padova di
Daniela Malabaila
È
raro poter ammirare e raccontare una mostra come questa, composta da opere che difficilmente possiamo contemplare dal vivo: dobbiamo ringraziare per questa interessante operazione i lavori di restauro del Ordrupgaard Museum (situato a nord di Copenaghen). Finalmente giunte in Italia (precisamente a Palazzo Zabarella, a Padova), le opere d’arte della preziosa Collezione del Consigliere di Stato e filantropo Wilhelm Hansen e di sua moglie Henny, sono considerate
una delle più belle raccolte europee di arte impressionista. Parliamo di una collezione che ha le sue radici agli inizi del 1900, quando Hansen decide di creare una collezione di arte francese, fonda un consorzio per le acquisizioni e, sotto consiglio di uno dei più importanti critici d’arte del momento, Théodore Duret, acquista le opere destinate ad un reale aumento di valore (questa scelta spiega la presenza di una concentrazione così elevata di capolavori al suo interno). Troviamo opere di artisti precedenti gli Impressionisti, come
Daumier e Delacroix, e poi le opere acquisite da George Viau, tra le quali due tele di Gauguin “Paesaggio a Pont-Aven” e “Due vasi con fiori”, e il capolavoro di Berthe Morisot “Ragazza sull’erba (Mademoiselle Isabelle Lambert)”. Il consorzio riuscì ad acquistare all’asta dei beni di Degas, quadri per un valore di oltre mezzo milione di franchi; da non dimenticare l’acquisizione di ben 28 pezzi della celebre collezione di Alphonse Kann (le “Bagnanti” di Cézanne, “Le scogliere nei vicino a Étretat” di Courbet, “Adamo ed Eva” di Gauguin e la natura morta di Matisse “Fiori e frutta”). Il risultato fu un’eccezionale raccolta di opere d’arte degli impressionisti, degli artisti che li precedettero e dei loro due successori, Cézanne e Gauguin. Tutti gli artisti erano fra i nomi più eminenti della storia dell’arte francese del XIX secolo, l’intera collezione aveva una coerenza unica nel suo genere e la qualità delle singole opere era molto alta. Nel luglio 1918 giunse a Copenaghen la prima spedizione, e Camille Pissarro Alberi di prugne in fiore a Éragny (la casa dell’artista) 1894, olio su tela, 60x73 cm. Ordrupgaard, Copenhagen © Ordrupgaard, Copenhagen. Ph: Anders Sune Berg
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“
Un consiglio: non dipingete troppo dalla natura. L’arte è un’astrazione; prendetela dalla natura sognando al suo cospetto
Berthe Morisot - Ragazza sull’erba (Mademoiselle Isabelle Lambert) 1885, olio su tela, 74x60 cm. Ordrupgaard, Copenhagen © Ordrupgaard, Copenhagen. Ph: Anders Sune Berg
”
Paul Gauguin
Pierre-Auguste Renoir Ritratto di signora romena (Madame Iscovesco) 1877, olio su tela, 41x33 cm. Ordrupgaard,Copenhagen ©Ordrupgaard,Copenhagen. Ph: Anders Sune Berg
Hansen cominciò a pensare come esporli nella sua nuova galleria d’arte appena costruita a Ordrupgaard. Qui, ogni lunedì, il pubblico poteva entrare liberamente per ammirare ben centocinquantasei opere che tracciavano il percorso dell’arte francese da Ingres e Delacroix a Courbet e agli impressionisti, fino a Cézanne, Gauguin e Matisse. Quando, nel 1922, la più grande banca privata della Danimarca fallì, Hansen svendette i suoi dipinti francesi per evitare il tracollo, ma con la ripresa economica riuscì a ricostituire la Collezione, con qualche nuovo elemento in più. L’ultimo dei suoi acquisti fu un pastello di Degas, già stato precedentemente di Gauguin: da quel momento però, la Galleria pubblica che Hansen aveva aperto per far ammirare a tutti i grandi capolavori, chiuse definitivamente. Grazie a Henny Hansen, la moglie di Wilhelm,
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... Per il resto trascorro il tempo guardando quadri, ed è meglio che confessi ora, e non più tardi, che sono stato sconsiderato e ho fatto acquisti importanti. Ma so che mi perdonerai vedendo cosa ho preso; tutto di prima classe, con tanto di stelle. Ho acquistato Sisley, Pissarro, Claude Monet e Renoir. L’autoritratto di Courbet è meraviglioso, ma non l’ho acquistato... Wilhelm Hansen
la collezione d’arte e la casa/ museo sono state poi lasciate in eredità allo Stato danese e la casa è stata aperta nel 1953 come museo d’arte. Ed eccoci ai giorni nostri: ora possiamo ammirare i pezzi migliori di questa importante collezione in una mostra itinerante di scena a Padova fino al 27 gennaio prossimo: “GAUGUIN E GLI IMPRESSIONISTI. Capolavori dalla Collezione Orl drupgaard”. s GAUGUIN E GLI IMPRESSIONISTI Capolavori dalla Collezione Ordrupgaard 29 settembre 2018– 27 gennaio 2019 Palazzo Zabarella, Padova
”
Sopra: Claude Monet Il ponte di Waterloo, nuvoloso 1903, olio su tela, 65x100,5 cm. Ordrupgaard, Copenhagen © Ordrupgaard, Copenhagen. Ph: Anders Sune Berg
INFO T. +39 049 8753100 info@palazzozabarella.it Dal martedì alla domenica 10.00-19.00 Aperture straordinarie: 8, 24, 26 e 31 dicembre 2018 1, 6, 7, 14 e 21 gennaio 2019 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito
www.palazzozabarella.it
A sinistra: Paul Gauguin Ritratto di giovane donna, Vaïte (Jeanne) Goupil 1896, olio su tela, 75x65 cm. Ordrupgaard, Copenhagen © Ordrupgaard, Copenhagen. Ph: Anders Sune Berg
LUCA DI FEDE a r t i s t a 7 1 @ v i r g i l i o . i t
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Dagli elementi della natura giunge l’ispirazione per l’evoluzione spirituale
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La macchia in cerca di definizione La GAM di Torino ospita la sperimentazione pittorica degli artisti macchiaioli di
Lucia Garnero
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a Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino ospita, a partire dal 26 ottobre 2018 una nuova importante mostra dal titolo “I Macchiaioli. Arte italiana verso la modernità”; l’evento espositivo sarà aperto al pubblico fino al 24 marzo 2019. Si tratta di una grande esposizione che, attraverso oltre 80 opere, provenienti dai più importanti musei italiani, enti e collezioni private, offre un racconto intenso e completo su antefatti, nascita, stagione
iniziale e più felice della pittura macchiaiola, ossia il periodo che va dalla sperimentazione degli anni Cinquanta ai capolavori degli anni Sessanta dell’Ottocento. L’esposizione, organizzata e promossa da Fondazione Torino Musei, GAM Torino e 24 ORE Cultura si pone l’obiettivo di testimoniare il fecondo dialogo artistico venutosi a creare tra Toscana, Piemonte e Liguria nella ricerca sul vero. Curata da Cristina Acidini e Virginia Bertone, con il coordinamento tecnico-scientifico di Silvestra Bietoletti e France-
sca Petrucci, la rassegna mette in luce quanto l’esperienza dei pittori macchiaioli abbia costituito uno dei momenti più significativi della volontà di rinnovamento dei linguaggi figurativi, prioritaria alla metà dell’Ottocento. La cosiddetta “macchia” viene messa a punto a Firenze, tra i giovani frequentatori del Caffè Michelangiolo, ma a Torino riceve, nel maggio del 1861, la sua prima affermazione alla Promotrice delle Belle Arti. Nel 1862, in un articolo della “Gazzetta del Popolo”, Telemaco Signorini e i suoi sodali Telemaco Signorini - Giovani pescatori 1861 circa, olio su tela, 27,5x41 cm. Courtesy Galleria Berman
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Silvestro Lega - Una veduta in Piagentina 1863, olio su tela, 43,4x79,3 cm. Viareggio, Istituto Matteucci Ph: Istituto Matteucci Adriano Cecioni - Le faccende di casa 1869 circa, olio su tavola, 25,7x17 cm. Carpi, Collezione Palazzo Foresti
vengono etichettati, non benevolmente, con l’epiteto di “macchiaioli”: pittori che hanno ucciso il disegno per dare spazio esclusivo all’“effetto”. Scrive Acidini nel saggio in catalogo: “Univoco e conclamato era l’oggetto della loro avversione: l’Accademia di Belle Arti, intesa come istituto di formazione per futuri artisti e, altresì, come organismo ufficiale continuatore dell’antica Accademia del Disegno, deputato a impartire regole, a esprimere indirizzi, eventualmente a imporre veti in ogni campo delle arti”. Negli anni della sua proclamazione a capitale del Regno d’Italia, Torino vive una stagione di particolare fermento culturale. È proprio a questo periodo, e precisamente nel 1863, che risale la nascita della Collezione Civica d’Arte Moderna - l’attuale GAM - che ha il
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THE MACCHIAIOLI
Italian art moves towards modernity GAM, Torino October 26, 2018 – March 24, 2019
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he exhibition focuses on the antecedents, birth and highly successful debut period of Macchiaioli painting, spanning the experimentation of the 1850s and the masterpieces of the 1860s. “The Macchiaioli. Italian art moves towards modernity” is organized and promoted by Fondazione Torino Musei, GAM Turin and 24 ORE Cultura – Gruppo 24 ORE. The exhibition is curated by Cristina Acidini and Virginia Bertone, with Silvestra Bietoletti and Francesca Petrucci as technical and scientific coordinators, and the collaboration of the Istituto Matteucci di Viareggio. Over 80 works from major Italian museums, institutions and private collections will exhaustively document the history of the movement from its origins to 1870, also through compelling juxtapositions with paintings by coeval artists. The experimentation conducted by the Macchiaioli was a crucial step in the renewal of figurative languages that became a priority in the mid-19th century. These young artists met up at the Caffè Michelangiolo in Florence, and it was there
that they developed the concept of the macchia, or patch. Their bold experiments led to “modern” Italian art, which actually received its first recognition in Turin, at the Promotrice delle Belle Arti in May 1861. After being proclaimed the capital of the Kingdom of Italy that same year, the city experienced an extraordinary period of cultural ferment. Indeed, in 1863 Turin began to build its civic collection of modern art – now the GAM – with the aim of documenting the contemporary art of the time. The exhibition establishes a telling dialogue between Macchiaioli painting and the prestigious 19th-century collection at the GAM. In this respect, special attention is given to Antonio Fontanesi, the Piedmontese artists of the Scuola di Rivara and the Ligurians of the Scuola dei Grigi. New and original elements emerge from comparisons with the painting of Cristiano Banti, Giovanni Fattori, Telemaco Signorini and Odoardo Borrani, the leading lights of the all-important period under examination. The exhibition begins with a description of the Macchiaioli artists’ formation to enable visitors to fully appreciate their innovative contribution within the context of art history. Comparisons between works clearly reveal that the Macchiaioli received a traditional training which respected the great Renaissance mo-
dels. The exhibition also features works chosen for the first Promotrice di Belle Arti exhibition and the first National Exhibition in Florence in 1861. Visitors will be able to follow the dialogue that led artists from Piedmont, Liguria and Tuscany to conduct research “from life”. These were years of experimentation in which researches on colour and light carried out en plein air were the common denominator that linked the many painters, especially the Macchiaioli. The exhibition continue by examining the experiments with the Macchia to reinvigorate historical and landscape genres; it explore the figurative choices made by the Macchiaioli from the Unification of Italy to the appointment of Florence as the capital and the milieux in which their artistic language developed. On the last stage of this journey, the works are accompanied by two influential publications: Gazzettino delle Arti e del Disegno, published in Florence in 1867, and L’Arte in Italia, founded two years later in Turin, which followed developments in Italian art until 1873. The exhibition offers visitors not only the chance to appreciate absolute masterpieces of Macchiaioli painting, but also to gain a better understanding of their work by stressing the importance of the dialogue that united artists from different parts of Italy through research that aimed for the modern.
Cristiano Banti - Bimbi al sole 1859-60, olio su tavola, 41x32,5 cm. Piacenza, Galleria d’Arte Moderna Ricci Oddi
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Alfredo D’Andrade (1839 –1915) Ritorno dai boschi al tramonto, 1869 Olio su tela, cm 75,1 x 151 Genova, Museo dell’Accademia Ligustica di Belle Arti
compito di documentare l’arte allora contemporanea. In questa prospettiva, un’attenzione particolare viene restituita ad Antonio Fontanesi, nel bicentenario della nascita, agli artisti piemontesi della Scuola di Rivara (Carlo Pittara, Ernesto Bertea, Federico Pastoris e Alfredo D’Andrade) e ai liguri della Scuola dei Grigi (Serafino De Avendaño, Ernesto Rayper), individuando nuovi e originali elementi di confronto con la pittura di Cristiano Banti, Giovanni Fattori, Telemaco Signorini,
Odoardo Borrani, protagonisti indiscussi di questa cruciale stagione artistica. Ultimo capitolo della mostra, l’esperienza cruciale di due riviste: il «Gazzettino delle Arti del Disegno», pubblicata a Firenze nel 1867, e l’«Arte in Italia», fondata due anni dopo a Torino, che narrano le vicende artistiche italiane di quegli anni. A conclusione, il commento di Acidini e Bertone: “... Il pubblico condividerà con noi l’emozione di assistere all’autentico avvio della “modernità” nella pittura l italiana”. s
I MACCHIAIOLI.
Arte italiana verso la modernità 26 ottobre 2018 - 24 marzo 2019 GAM, Torino INFO T. +39 011 0881178 T. +39 011 2178540 info@fondazionetorinomusei.it Da martedì a domenica 10.00 - 18.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito
www.gamtorino.it
Giovanni Fattori - Bovi al carro. 1867 circa, olio su tavola, 46x108 cm. Firenze, Gallerie degli Uffizi. Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti
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René Magritte Il genio surrealista di
Mario Gambatesa
René Magritte - La chambre d’écoute 1958, olio su tela, 38x46 cm. Kunsthaus Zürich, Zürich Donazione Walter Haefner, 1995 © 2018 Prolitteris, Zurich
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l Museo d’arte della Svizzera italiana ha inaugurato, il 16 settembre scorso, la mostra intitolata “Magritte. La Ligne de vie”, un’esposizione tutta surreale, dedicata ad uno dei più grandi artisti novecenteschi. René Magritte, pittore di origine belga, è stato uno di quegli artisti che ha tentato di portare la sua arte a livelli altissimi. Attraverso un’eccezionale selezione di opere, si ripercorre tutta la carriera di René, comprendendo in questo modo l’origine
della sua pittura, le fonti di ispirazione che hanno portato questo grande artista a dipingere immagini partorite dalla sua mente stravagante, che si presentano come un continuo affronto alla realtà, situazioni impossibili, paradossali, che catturano l’attenzione di chi le osserva. Il filo conduttore della mostra è rappresentato dalla conferenza che Magritte tenne il 20 novembre 1938 al Musée Royal des Beaux-Arts d’Anversa. Questo evento, rappresentò una delle rarissime occasioni in cui l’artista si
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espresse in pubblico sul proprio lavoro. Nell’arco di un’ora, attraverso una ventina di immagini, Magritte rese omaggio ad André Breton e ai surrealisti belgi, ma soprattutto, cosa più importante, delineò la genesi della sua arte e illustrò i principi
che gli avevano permesso di trasformare oggetti quotidiani in qualcosa di sconvolgente. Il percorso espositivo, composto da una novantina di opere, prende inizio dalle creazioni dei primi anni venti. Alcune opere in mostra, raramente presentate al
René Magritte - La grande guerre 1964, olio su tela, 65x54 cm. Esther Grether Familiensammlung, Basel © 2018 Prolitteris, Zurich
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pubblico, evidenziano l’infatuazione giovanile di Magritte per il futurismo italiano da cui acquisì un cospicuo bagaglio culturale. Anche se, con il passare del tempo, sarà la metafisica ed in particolare l’opera di De Chirico, a offrire a Magritte, lo spunto decisivo per la definizione dalla propria poetica. In mostra viene presentato un eccezionale confronto fra “Les Plaisirs du poète” (1912) di De Chirico e la “Traversée difficile” (1926) di Magritte. A seguire, troviamo un’ampia selezione di lavori realizzati fra gli anni Venti e Trenta in cui si evidenziano i temi prediletti dell’artista. Come spiegato da Magritte ne La Ligne de vie, alla base dei dipinti realizzati dal 1925 al 1936 c’è la ricerca sistematica di un effetto poetico sconvolgente, raggiunto in primo luogo attraverso lo spaesamento di oggetti molto comuni, scelti affinché la loro decontestualizzazione producesse il massimo risultato. Il percorso espositivo documenta anche l’unica e breve divagazione di Magritte dal proprio inconfondibile stile, il periodo vache, letteralmente vacca: una serie di opere realizzate nel 1948 con colori sgargianti e pennellate molto libere che, René Magritte - La présence d’esprit 1960, olio su tela Collezione privata Essen, Museum Folkwang Deposito permanente da collezione privata © 2018 Prolitteris, Zurich
come annuncia l’espressione “vache”, fanno ironicamente il verso al fauvismo. Visitabile fino al prossimo 6 gennaio, realizzata con il sostegno della Fondazione Magritte, l’esposizione mostra la potenza estetica di René Magritte, che si basa su di una pittura indirizzata all’inconscio, alla psiche e alla possibilità di intravedere nelle sue opere, il mil sterioso ed inesorabile inganno della realtà. s
MAGRITTE. La Ligne de vie LAC, Lugano September 16, 2018 – January 06, 2019
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rom 16 September 2018 to 6 January 2019, the Museo d’arte della Svizzera italiana presents the exhibition René Magritte. La Ligne de vie, paying tribute to the Belgian master of surrealism with an exceptional selection of works that trace over his entire career, from his debut to the most famous paintings of the artist’s mature years. the exhibition offers visitors clues to understanding the origin and source of inspiration of an artist skilled like few others at inspiring the public. The common thread of the exhibition is the talk entitled Ligne de vie (The Line of Life) that René Magritte gave on 20 November 1938 at the Musée Royal des Beaux-Arts in Antwerp. It was one of the rare occasions during which the artist expressed himself in public about his work, referring to André Breton and to the Belgian Surrealists, his travel companions. Magritte used a series of images and examples to outline the genesis of his art, and he illustrated the principles that had allowed him to turn everyday objects into something that amazed the beholder. The exhibition, which includes some seventy works, begins with the artist’s creations from the early 1920s. These were experiments, in some cases far-removed from the paintings for which the Belgian master is more famous. Some of the works exhibited, which are rarely presented to the public, reveal Magritte’s youthful infatuation with Italian Futurism. While the pictorial style of these works is rather distant from that of his late works, the underlying spirit - i.e. the artist’s desire to contract bourgeois practices and artistic conventions - is the same as that which we find in his Surrealist compositions. However, it is Metaphysics, and particularly the work of Giorgio de Chirico, that offers Magritte the decisive stimulus for a definition of his poetics. The exhibition also documents Magritte’s sole, short-lived digression from his unmistakable style, the period known as vache, literally cow: a series of works made in 1948 with bold colours and very free brushwork that, as the expression “vache” tells us, ironically mimic Fauvism. The exhibition is completed with documents, photographs, and a series of posters the artist made when he was still young, illustrating the commercial side of his work. Moreover, the films he made in the 1950s will be screened as well. An accompanying exhibition catalogue will be published in English, Italian and French editions (Skira publishing house) with images of all the works showcased, contributions by the curators, Xavier Cannone, Julie Waseige e Guido Comis, and texts of Suzi Gablik and of the talk La Ligne de vie.
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MAGRITTE La Ligne de vie
16 settembre 2018 – 06 gennaio 2019 LAC, Lugano INFO T. +41 (0)91 815 7970 info@masilugano.ch Da martedì a domenica 10.00-18.00 Giovedì 10.00-20.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito
www.luganolac.ch
René Magritte - La recherche de l’absolu 1966, olio su tela, 54x45 cm. Collezione privata, Lugano © 2018 Prolitteris, Zurich
ROSA MARIA FALCIOLA
BIANCOSCURO Sul tavolo dello studio verde. In primo piano: vetri dipinti e tecnica mista su cartone 32 cm. RIVISTA d’ARTE falciola@rosamaria-falciola.it Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it
Walter Marin w a l t e r m a r i n . a l t e r v i s t a . o r g
L’attesa - 2009 - olio su tela - 140x140 cm.
waltermarinw@libero.it waltermarinpittore
Tina Lupo Galleria Wikiarte – Bologna - 8 / 30 dicembre 2018
“L’Ombra della luna rossa” - 2012 tela 79x120 cm.
www.kultrunmuseum.it
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Il Romanticismo a Milano Più di quaranta opere mai esposte prima di
Ettore Tiretto
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a prima mostra dedicata al contributo italiano al movimento che ha cambiato la sensibilità e l’immaginario del mondo occidentale, nel corso della prima metà dell’Ottocento: “Romanticismo”. Fino al 17 marzo 2019, presso Le Gallerie d’Italia – Piazza Scala, e presso il Museo Poldi Pezzoli, sarà possibile visitare questa interessantissima produzione espositiva. 200 opere ripercorrono il vivace confronto e dibattito culturale svoltosi tra l’Inghilterra, la Francia e i Paesi del Nord, a cui partecipò anche l’Italia. Di queste, 42 non sono mai state esposte prima d’ora, e 14 opere non sono mai state viste in Italia. Francesco Hayez La Meditazione, 1851 olio su tela, 92,3x71,5 cm. Verona, Galleria d’Arte Moderna “Achille Forti” Gabriele Smargiassi Veduta di Castellammare presa da Santa Maria di Pozzano, 1833 Collezione privata
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ROMANTICISMO Gallerie d’Italia, Piazza Scala and Museo Poldi Pezzoli October 26, 2018 – March 17, 2019
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allerie d’Italia and Museo Poldi Pezzoli present Romanticismo, a major survey of Romanticism in Italy. Opening on 26th October, the exhibition is the first to explore the Italian contribution to a movement that radically changed Western society during the first half of the Nineteenth Century. Romanticismo, curated by Fernando Mazzocca, will focus on Milan as centre of Romanticism, together with Turin and Naples and will explore their connections to the political and cultural debates sweeping through Europe at the time. Over 200 works will bring to life a fascinating and revolutionary period in Italy’s history that culminated in the unification of Italy, including works by Italian artists Francesco Hayez, Giuseppe Molteni, Domenico and Girolamo Induno, Giovanni Battista De Gubernatis, Giuseppe Pietro Bagetti, Giovanni Migliara, Luigi Basiletti, Angelo Inganni, Giuseppe and Carlo Canella, Ippolito Caffi, il Piccio, Natale Schiavoni, Salvatore Fergola. s l
In alto: Lancelot-Théodore Turpin de Crisse - Rocce sul mare con centauri 1836, Venezia, Gallerie dell’Accademia Al centro: Salvatore Fergola - Tifone nel Golfo di Procida 1842, Napoli, Polo Museale della Campania, Palazzo Reale In basso: Salvatore Fergola - Notturno a Capri 1848, Napoli, Polo Museale della Campania Certosa e Museo di San Martino
La rassegna prende in considerazione anche i fermenti pre-romantici e le ultime manifestazioni di una cultura che, almeno nel nostro Paese, avrà termine con l’Unità d’Italia e l’affermazione del Realismo, che del Romanticismo rappresenta l’antitesi. Come nel resto d’Europa, anche in Italia non è esistito uno stile romantico comune, ma linguaggi individuali di artisti tra loro molto diversi. La mostra vuole restituire questa diversità, vera forza del Romanticismo, i cui ideali di “spontaneità”, di “individualità” e di “verità interiore” hanno avuto una penetrazione più vasta di quella delle idee illuministe. La mostra è articolata in 21 sezioni (16 alle Gallerie d’Italia e 5 al Museo Poldi Pezzoli) che ripercorrono i temi più significativi dell’arte romantica. Assistiamo alla rottura nella gerarchia dei generi per cui alcuni prima considerati “minori”, come il paesaggio, il ritratto, la rappresentazione della vita del popolo, assumono lo stesso interesse e importanza della pittura sacra e della pittura di storia, per tradizione collocate al primo posto e anch’esse com-
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biancoscuro A sinistra: Eliseo Sala - Lucia Mondella che guarda dalla finestra se ritorna il suo fidanzato nel giorno stabilito per le nozze, 1843. Collezione privata
ROMANTICISMO
26 ottobre 2018 – 17 marzo 2019 Gallerie d’Italia / Museo Poldi Pezzoli, Milano INFO T. 800 167619 / + 39 02 794889 info@gallerieditalia.com / info@museopoldipezzoli.org Gallerie d’Italia Da martedì a domenica 9.30 – 19.30 - Giovedì 09.30-22.30 Museo Poldi Pezzoli Da mercoledì a lunedì 10.00 – 18.00 - Giovedì 09.30-22.30 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito
www.museopoldipezzoli.it
pletamente rinnovate dalla nuova sensibilità del Romanticismo. Nuove attribuzioni, opere inedite, ed una impegnativa campagna di restauri che ha riguardato molte delle opere esposte, amplificano il l contributo scientifico apportato dalla mostra. s
FRANCESCA PAVESI ATELIER PVia Montegrappa, N.2 20098 San Giuliano M.se (MI) n3387363097
M http://diversi-pinti.weebly.com/ h Instagram: pittricedinotte Facebook: Francesca Pavesi @divesipinti
ELLY, LA MUSA BIANCA 2018 - olio e pastelli su cartoncino 50 x 70
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E BIANCOSCURO francesca.pavesierl3@gmail.com
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Daniela FABBRI
La creazione - acrilico su tela - 2018 - 70x100 cm.
danielafabbri.62@outlook.it FB: Daniela Fabbri
MORBA
Senza titolo - 2017 - tecnica mista - 70x70 cm.
m o r b a . a r t e @ g m a i l . c o m
Guglielmo Meltzeid Studio e Galleria a Pianezza (Torino) e Santa Margerita Ligure (Genova)
I due gatti - acrilico su tela - 90x90 cm.
gmeltzeid@gmail.com
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Rainer Schoch
L’arte più vera del vero Art: more true than Truth di Vincenzo Chetta
BIANCOSCURO Art Contest 2018 Il vincitore del BAC ‘18 - sezione pittura The winner of the BAC ‘18 - painting section Qui sopra l’artista Rainer Schoch vincitore nella “sezione Pittura” al BIANCOSCURO Art Contest ‘18 mostra la targa ricevuta a MonteCarlo Above the artist Rainer Schoch winner in the “Painting section” at the BIANCOSCURO Art Contest ‘18 shows the plaque received in Monte-Carlo
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a sua pittura è fatta di un realismo minuzioso ed allo stesso tempo tenue, di colori armonici, di scene dal taglio fotografico, animate da protagonisti immaginari dallo stile unico. Tutto questo è Rainer Schoch, uno dei più talentuosi artisti figurativi svizzeri. Ha saputo fare la differenza nella sezione Pittura del BAC ‘18 - Biancoscuro Art Contest, risultando vincitore del prestigioso Premio Copertina assegnato dalla Giuria BIANCOSCURO il giorno 8 settembre 2018 al Monte-Carlo Bay, Resort del Principato di Monaco. Il suo obiettivo primario è il processo creativo, i colori e la forma, ma ciò che più gli interessa sono i linguaggi visivi dell’ “iper-realista” e dell’ “illusionista”, che creano nella mente dello spettatore un viaggio ad occhi aperti, una sorta di sogno cosciente. Al centro del suo lavoro ci sono dipinti iper-realistici realizzati prevalentemente ad olio su tela. Punto di partenza e obiettivo
del suo lavoro artistico è il Rinascimento italiano: gli artisti del Rinascimento, non solo imitarono modelli antichi, ma li resuscitarono nuovamente nello spirito del loro tempo. Ecco il modello a cui si ispira per ravvivare le immagini del nostro tempo. Rainer crea una nuova realtà visiva nello spirito dei più grandi pittori del Rinascimento combinando simbolismo e sociale. Riguardo questa serie di opere Rainer afferma: “Siamo tutti ancora gente del Rinascimento! Io creo una nuova realtà visiva, modellata nello spirito dei più grandi artisti rinascimentali: l’ideale umano del Rinascimento ha cambiato radicalmente il mondo. È diventato la molla principale dell’Illuminismo della modernità. Senza il desiderio di individualità, libertà e autodeterminazione, non ci sarebbe stata nessuna riforma, nessuna guerra religiosa, nessuna rivoluzione in Francia e nessuna dichiarazione dei diritti umani negli Sta-
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A sinistra: (On the left:) “Generation Jung und Alt” olio su tela (oil on canvas) 94x73 cm. Sotto: (Below:) “Kinderaugen” collezione privata (private collection) olio su tela (oil on canvas) 130x130 cm.
ti Uniti. Il mondo ha subito una drastica trasformazione negli ultimi 500 anni. Viviamo nell’era degli aerei supersonici, dei mercati globali e dei mass media. Comunichiamo tramite internet e telefono satellitare. Ma nel profondo dei nostri cuori siamo ancora “uomini” del Rinascimento. Gli artisti del tempo, quindi, non solo imitarono modelli antichi, ma li resuscitarono nuovamente nello spirito del loro tempo. È così ora che faccio rivivere le loro immagini: nello spirito del nostro tempo.” Un grande artista dalle elevate doti tecniche e creative, con una carriera in continua ascesa, un premio meritato al BIANCOSCURO Art Contest, siamo veramente fieri di Rainer Schoch. s
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rence in the Painting section of the BAC ‘18 - Biancoscuro Art Contest, winning the prestigious “Cover Award” awarded by the BIANCOSCURO Jury on September 8, 2018 at Monte-Carlo Bay, Resort of the Principality of Monaco. His primary goal is the creative process, the colors and the form, but what interests him most are the visual languages of the “hyper-realist” and of the “illusionist”, which create in the mind of the viewer a journey with open eyes. , a kind of conscious dream. At the center of his work there are hyper-realistic paintings made mainly in oil on canvas. The starting point and goal of his artistic work is the Italian Renais-
Rainer dipinge in modo così realistico che le sue opere possono essere distinte da una fotografia solo guardandole da vicino. Rainer paints so realistically that his works can be distinguished from a photograph by looking at them closely.
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is painting is made up of a meticulous and at the same time tenuous realism, of harmonic colors, of scenes with a photographic cut, animated by imaginary protagonists with a unique style. All this is Rainer Schoch, one of the most talented Swiss figurative artists. Rainer was able to make a diffe-
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“Inner line” olio su tela (oil on canvas) 100x100 cm.
“Havanna Man” collezione privata (private collection) olio su tela (oil on canvas) 160x160 cm.
sance: Renaissance artists not only imitated ancient models, but resurrected them again in the spirit of their time. Here is the model that inspires us to revive the images of our time. Rainer creates a new visual reality in the spirit of the greatest Renaissance painters by combining symbolism and socialism. Regarding this se-
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biancoscuro ries of works Rainer states: “We are all still people of the Renaissance! I create a new visual reality, modeled in the spirit of the greatest Renaissance artists: the human ideal of the Renaissance has radically changed the world. It has become the main spring of the Enlightenment of modernity. Without the desire for individuality, freedom and self-determination, there would be no reform, no religious war, no revolution in France and no declaration of human rights in the United States. The world has undergone a drastic transformation over the past 500 years. We live in the era of supersonic aircraft, global markets and mass media. We communicate via internet and satellite phone. But deep in our hearts we are still “men” of the Renaissance. The artists of the Renaissance, therefore, not only imitated ancient models, but resurrected them again in the spirit of their time. It is so now that I revive their images: in the spirit of our time.” A great artist with great technical and creative skills with a career in continuous ascent, a prize deserved to the BIANCOSCURO Art contest of which we are really proud. s l
Sopra: (Above:) “Ballet Dance” olio su tela (oil on canvas) 155x105 cm. A destra: (On the right:) “The End” olio su tela (oil on canvas) 105x75 cm.
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Sopra: (Above:) “That’s a catch once” olio su tela (oil on canvas) 60x90 cm.
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Rainer Schoch (Öhningen, 1957) Vive e lavora a Kaltenbach (Thurgau), Svizzera. Il suo talento artistico si presentò presto e così iniziò a dipingere all’età della scuola elementare. Dal 1978 al 1982 ha lavorato in Medio Oriente, dove ha realizzato copie di importanti opere europee commissionate dall’ex re saudita Faisal. Rainer Schoch è stato rappresentato in numerose fiere e fiere dal 1974. All’inizio espressionista, poi spesso pittura fotorealistica, esclusivamente con olio su tela. Progetta, tra le altre cose, il primo calendario sportivo per le Paraolimpiadi del 2002 a Salt Lake City, oltre a una serie di auto classiche e immagini di Formula 1. Le sue opere, considerate” artisticamente preziose “nelle competizioni artistiche internazionali sono in gran parte di proprietà privata di collezionisti d’arte europei “Negli ultimi tre anni, c’è stato un numero crescente di acquisizioni da parte di di musei. Rainer Schoch (Öhningen, 1957) Lives and works for many years in Kaltenbach (Thurgau), Switzerland. His artistic talent showed up early, and so he started to paint at elementary school age. From 1978 to 1982 he worked in the Middle East, where he made copies of important European works commissioned by the former Saudi King Faisal. Rainer Schoch has been represented at numerous exhibitions and trade fairs since 1974. At first expressionist, then often photo-realistic painting, exclusively with oil on canvas »Designed, among other things, the first disability sports calendar for the 2002 Paralympics in Salt Lake City, as well as a series of classic cars and Formula 1 pictures. His works, considered as” artistically valuable “in international art competitions are largely privately owned by European art collectors. In the last three years, there has been an increasing number of museum purchases
INFO Rainer Schoch Talacker 9, CH-8289 Kaltenbach - Switzerland info@art-schoch.ch
Sopra: (Above:) “Junges Mädchen” olio su tela (oil on canvas) 100x125 cm.
Il Direttore di BIANCOSCURO Vincenzo Chetta con Rainer Schoch a Monte-Carlo, in occasione della cerimonia del BIANCOSCURO Art Contest 2018. The Director of BIANCOSCURO Vincenzo Chetta with Rainer Schoch in Monte-Carlo, on the occasion of the BIANCOSCURO Art Contest 2018 ceremony.
Inquadra il codice QR per collegarti al sito di Rainer Schoch: www.art-schoch.ch Shot the QR code to connect to the Rainer Schoch website: www.art-schoch.ch
A sinistra: (On the left:) “Illusion” olio su tela (oil on canvas) 50x80 cm.
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Federica Marin Riflessi e riflessioni
Sopra: (above) ALBA fotografia / photography 2017 100x70 cm.
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na solida formazione artistica, grafica e pubblicitaria, nonché architettonica, è la base fondamentale sulla quale si basa il successo di Federica Marin. Impossibile da definire, non è solo architetto, non è solo fotografa, non è solo artista: la Marin è tutto questo (e di più), in un unico sguardo. Lo studio della tecnica fotografica iniziato in giovane età, alle scuole superiori, si è sviluppato successivamente con corsi professionali e workshop al Politecnico di Milano con maestri di settore. Oggi conosce sia la tecnica più rigorosa, sia il modo di dimenticarla per cogliere gli attimi che nell’immediato colpiscono la sua sensibilità.
Le sue immagini sono frutto di un attento lavoro di ripresa, successivamente post-prodotto per enfatizzare i ritmi del movimento (colto sul fatto o solo frutto della nostra memoria storica), per aggiungere piani fisici, e di lettura, a quelli già esistenti nella realtà. La fotografia sarebbe di per sé una chiara e semplice visione reale, concreta: ciò che è, è ciò che viene impresso. Marin supera la razionalità nella tecnica (consciamente o meno), e ci propone mondi paralleli, a volte declinati attraverso riflessi ingannevoli, come in un continuo gioco di specchi, a volte saturi di cromie dominanti. La sua analisi fotografica è anche chiaramente influenzata da diverse culture e luoghi, sono
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Sopra: (above) IDENTITA’ CONTEMPORANEE fotografia / photography 2018 50x70 cm.
A sinistra: (on the left) LA VOCE DEL SILENZIO fotografia / photography 2018 55x90 cm.
infatti numerosi i luoghi visitati (Europa, India, America, Medio Oriente, Russia, Cina, Mozambico e Nord Africa). È sicuramente un’artista dedita alla ricerca ed allo studio, in continua evoluzione, sia tecnica che filosofica, in cui scomposizioni e riflessioni non sono mai fini a se stes-
se. Il suo talento non è rimasto in sordina, molte sono le esposizioni internazionali ed i riconoscimenti che hanno reso onore alla sua espressione artistica, avvalorando sempre di più il suo reale valore nel mondo dell’Arte. Daniela Malabaila
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Sopra: (above) DISSOLVENZA fotografia / photography 2018 50x50 cm.
A destra: (on the right) CRISTALLI fotografia / photography 2017 100x70 cm.
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Federica Marin
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solid artistic, graphic and advertising formation, as well as an architectural one, is the fundamental basis on which Federica Marin’s success is based. Impossible to define, it is not just an architect, it is not just a photographer, it is not just an artist: Marin is all this (and more), in one glance. The study of photographic technique started at a young age, at high school, has subsequently developed with professional courses and workshops at the Milan Polytechnic with masters of the sector. Today he knows both the most rigorous technique and the way of forgetting it to capture the moments that immediately affect his sensitivity. His images are the result of careful work of recovery, later post-produced to emphasize the rhythms of the movement (caught on the fact or just the result of our historical memory), to add physical and reading plans, to those already exi-
sting in reality . Photography itself would be a clear and simple real, concrete vision: what is, is what is impressed. Marin surpasses rationality in technique (consciously or not), and offers us parallel worlds, sometimes declined through deceptive reflections, as in a continuous play of mirrors, sometimes saturated with dominant colors. His photographic analysis is also clearly influenced by different cultures and places, there are in fact numerous places visited (Europe, India, America, Middle East, Russia, China, Mozambique and North Africa). It is certainly an artist dedicated to research and study, in continuous evolution, both technical and philosophical, in which decompositions and reflections are never ends in themselves. His talent has not remained quiet, there are many international exhibitions and awards that have honored his artistic expression, further validating its real value in the art world. s l
INFO federica.marin@fastwebnet.it www.studioarchfedericamarin.it
INSTAGRAM federica_archmarin
FACEBOOK federicmarin
Sotto: (below) ENERGIA fotografia / photography 2017 100x70 cm.
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Antonella La ganĂ INFO lagana2.al@gmail.com www.laganaantonella.it laganaanto
Eterno incanto - 2018 - acrilico su tela - 100x100 cm.
STEFANO ROSA
XXI SECOLO - FOTOMONTAGGIO DIGITALE - 2018 - 100X140 CM.
a r t e s t e f a n o r o s a @ l i b e r o. i t
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One Man’s dream
Il progetto “di fiducia” di Mattia Consonni di
Rebecca Maniti
Sopra: Mattia Consonni davanti al mappamondo dove sono segnate le location raggiunte dalle opere. Sotto: una delle quattro tele su Mary Rose, una barca a vela d'epoca, ad Antigua
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embra ieri. Eppure son passati quasi 2 anni da quando Mattia Consonni ci ha parlato del suo progetto legato al brano di Yanni “One Man’s Dream”. Musa ispiratrice, questa volta non solo
per la creazione dell'opera targata “Musica per gli occhi”, ma di tutta la filosofia e la progettazione dell'idea, bellissima e piena di fiducia, di Mattia. Il successo del progetto è tale che sembra quasi banale descriverlo, ma è così pieno di vita e di amore e speranza, di quel sogno che è il sogno dell'artista, da non potermi trattenere dal raccontarvelo. Il brano di Yanni si è diviso in quattro tele, ognuna corredata della propria flightcase, istruzioni in italiano ed in inglese ed un taccuino da viaggio, ognuna partita da una destinazione differente, accompagnata da compagni di viaggio diversi. Le notizie delle prime destinazioni raggiunte ci hanno informato che sono arrivate, separatamente, a Londra, Roma, New York e Las Palmas. E da lì hanno
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Central Park
continuato a viaggiare, ultimamente una è stata notata al Lago d'Iseo, un'altra a Miami, per non parlare di quella che ha percorso 7000 miglia nell'Oceano Atlantico su una barca a vela d'epoca! Quanti di voi staranno pensando che sia una pazzia affidare quattro opere di questa portata, senza poterne avere veramente il controllo, dovremmo invece non perdere di vista il fine di tutto: anche questa mancanza di supervisione è parte del piano. “One Man’s Dream” è un progetto sperimentale (credo fermamente che sia la prima volta che venga realizzata un'idea artistica/sociale di questo tipo) abbinato ad un’opera d’arte; vuole coinvolgere più persone possibili, di paesi e cultu-
Sopra: L’insieme delle quattro tele “One man’s dream” ispirate dall’omonimo brano di Yanni del 1993 “One man’s dream” A sinistra: una delle 4 tele a Central Park - New York Sotto: una parte di “One man’s dream” nel mezzo dell’Oceano Indiano
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Sopra: una tela a San Francisco
Sopra: una tela a Londra (Piccadilly Circus) Sotto: una tela al “MoMa” di New York
Sopra: una delle 4 tele di “One man’s dream” a New York (John Lennon Memorial - Strawberry Fields) Sotto: una parte di “One man’s dream” a Miami Beach
re differenti, incaricandoli custodi e testimoni delle tele, volutamente separate, con cui verranno in contatto. Il viaggio di ciascuna tela durerà complessivamente 3 anni, ed è possibile già seguire le varie tappe tramite la pagina social dedicata, a cui si collegano man mano i diversi compagni di viaggio, postando foto e piccoli ricordi, in attesa di scoprire tutto il contenuto dei taccuini e delle valigette: lettere, cartoline, istantanee, disegni... Cosa staranno lasciando i tanti custodi temporanei delle tele di “One Man’s Dream”? Tutto contribuirà a creare una storia per l’opera, ricca di umanità e di bellezza d’animo, in cui la fiducia nell’altro sarà un trionfo e la parola d’ordine: l condivisione! s Sotto: la cartina con le destinazioni delle quattro tele
Una delle 4 tele di “One man’s dream” al largo nell’Oceano Atlantico
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Musica per gli Occhi Experience Oltre 4.000 vinili per 2 installazioni in una mostra unica di Vincenzo Chetta
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ur non conoscendo Meda, non ho potuto sbagliare strada per arrivare alla Sala Civica Radio cittadina. Si vedeva da lontano la grandissima installazione di Mattia Consonni, "The Wall", brillava, impossibile non notarla, una scenografia che solo lui poteva creare. La grande attesa per l’apertura della nuova grande mostra dedicata all’arte di Mattia Consonni - Musica per gli Occhi, è stata pienamente ripagata. Più di duemila visitatori, un'inaugurazione gremita, un passaggio quotidiano da far invidia alle mostre nazionali più blasonate. Questo nuovo passo della carriera artistica di Mattia fa comprendere quanto lavoro ci sia dietro al successo di un Artista del suo calibro. Tutto è una citazione, tanti piccoli dettagli che coinvolgono completamente ogni tipo di visitatore, anche il più distratto è stato avvolto dalla magia dell'Arte, e del fare Arte, di Mattia. Inutile dire che siamo tutti in attesa della prossima sua solo exhibition, per fare il l pieno di bellezza e passione. s
Sopra: vista esterna della Sala Civica Radio - MEDA durante la mostra “Musica per gli Occhi Experience”. La parete è stata ricoperta dall’installazione “The Wall” di Mattia Consonni, ispirata dall’omonimo brano dei Pink Floyd “Musica per gli Occhi Experience” Sala Civica Radio - MEDA
A sinistra: l’interno della mostra “Musica per gli Occhi Experience” e l’installazione “Don’t touch near the water”, ispirata dall’omonimo brano dei Beach Boys
INFO
MATTIA CONSONNI Musica per gli Occhi
INSTAGRAM mattiaconsonni FACEBOOK Musica per gli occhi
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Forte, sinuosa, scattante... che passione! L’auto in mostra al m.a.x. museo di Chiasso di
Lucia Garnero
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Giuseppe Riccobaldi - FIAT (la rampa), 1928 manifesto pubblicitario, 131,5x192,7 cm. stampatore Barabino & Graeve, Genova. Collezione Bellenda Galleria L’Image, Alassio (SV)
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al 7 ottobre 2018 al 27 gennaio 2019, “Auto che passione! Interazione fra grafica e design” inaugura la nuova stagione espositiva del centro culturale a pochi passi dal confine italiano. La rassegna, curata da Marco Turinetto, del Politecnico di Torino, e da Nicoletta Ossanna Cavadini, direttrice del m.a.x. museo, è frutto di un attento studio sul tema automobile in cui grafica e design si intrecciano all’interno delle varie fasi storiche fino alla contemporaneità, rivolgendo uno sguardo anche al futuro. Si parte dai primi del Novecento passando per il Liberty, l’Art Déco, il Neorealismo fino al Postmodernismo. Vengono esposti circa trecento pezzi fra manifesti, grafiche pubblicitarie, disegni, cartoline, oggetti di design, realizzati da artisti quali Jules Chéret, Marcello Dudovich, Leopoldo Metlicoviz, Achille Mauzana, Plinio Codognato, Marcello Nizzoli, Max Huber, André Martin, Pierluigi Cerri. Una sezione a parte è dedicata a Carlo Biscaretti di Ruffia che è stato anche l’ideatore del primo museo dell’automobile a Torino. Inoltre, il percorso espositivo si arricchisce di una sezione, allestita nell’attiguo Spazio Offici-
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AUTO CHE PASSIONE! Interaction between graphics and design m.a.x. museum, Chiasso (Switzerland) 7 October 2018 - 27 January 2019
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na - fino al 9 dicembre 2018 -, che espone dodici tra le più iconiche auto d’epoca: 12 vetture per 12 orientamenti, fra prototipi, pezzi unici, serie limitate, dalla Prinetti & Stucchi del 1899 alla IsoRivolta Vision del 2017; dalla Bugatti T 35 del 1925 alla Pagani Huayra Coupé del 2016, dall’Alfa Romeo SS Villa d’Este del 1952 alla De Tomaso Pantera GTS del 1974, oltre al prototipo in legno “Voiture Maximum” del 1928, nato da un disegno di Le Corbusier. All’esterno del m.a.x museo, è allestito il “bosco di manifesti” composto da 32 pannelli - 16 manifesti bifronte di cui uno di testo e 15 di automobili -, di Andrea Zagato, in cui le grafiche di automobili, proposte in una visione di fronte-retro, mirano a indagare le frontiere del design l contemporaneo. s
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Carlo Biscaretti di Ruffia Itala - modello 61 cabriolet, 1927 disegno a tempera, 35x27 cm. Collezione Museo Nazionale dell’Automobile, Torino
AUTO CHE PASSIONE! Interazione tra grafica e design 7 ottobre 2018 - 27 gennaio 2019 m.a.x. museo, Chiasso - Svizzera INFO T. +41 58 122 42 52 info@maxmuseo.ch Da martedì a domenica 10.00 - 12.00 / 14.00 - 18.00 lunedì chiuso Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito
www.centroculturalechiasso.ch
he exhibition Auto che passione!, held at m.a.x. museum from October 2018 to January 2019, is the result of a careful study on the automobile theme in which graphics and design interweave within the various historical phases up to the contemporary, turning a look into the future. The beginning of the twentieth century brings with it a whole series of discoveries and changes that still affect our existence: the industrial revolution and with it the cultural revolution, which underlies it, have created the conditions for a different, rich world new opportunities. But it is definitely the theme of graphics and design that enshrines the new role of car bodywork, seen not only as functional objects, but elevated to a design product that effectively completes the daily way of conceiving life and intertwining with its practical and at the same time aesthetic needs. With the passing of the decades the development of the technologies proposes an unprecedented creative role realized through a wide range of body-cars with multiple shapes of frames, shells and pressed sheets. Therefore design, style and graphics, understood as expressive elements of the culture of an era, are catalyzed in the car which, in the hands of the designer, becomes a real cult object in which the spirit of the society of a historical period: from Liberty to Déco, from Neorealism to Postmodernism, all advertised in posters, postcards and various advertisements that identify the brand identity. In this context, the exhibition aims to investigate the way in which the car can be considered: not only, as is usual, in terms of history and technology, but also from an aesthetic, symbolic and sociological point of view, aspects that are of the modern industrial product, an object capable of arousing deep emotions. On show at m.a.x., the museum presents the paper materials of réclame made on behalf of the individual companies by great masters of graphic design: from Marcello Dudovich to Leopoldo Metlicovitz, from Achille Mauzan to Plinio Codognato, from Marcello Nizzoli to Max Huber, from Giulio Confalonieri to Pierluigi Cerri and to Carlo Biscaretti di Ruffia, the creator of the first museum dedicated to cars, based in Turin.. s l
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La storia della Vetreria Cappellin Il design del vetro tra gli anni Venti e Trenta di
Flavio Ennante
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ltimo mese per poter approfondire la storia della famosa vetreria M.V.M. Cappellin, grazie ad una interessante mostra alle Stanze del Vetro a Venezia. La rassegna ha voluto mettere in luce l’importanza della vetreria negli anni Venti e Trenta, mostrando anche il lavoro di un giovane Carlo Scarpa, architetto e designer veneziano, allora ancora studente dell’Accademia. Curata da Marino Barovier, l’esposizione ripercorre per la prima volta la storia della vetreria gestita da Cappellin nella sua complessità, focalizzandosi in particolare sul periodo 1925-1931, quando Scarpa entrò in azienda e iniziò così la sua lunga e rivoluzionaria carriera di design del vetro. Negli anni della sua attività, la fornace si
qualificò come la migliore alla pari della V.S.M. Venini & C. con cui rivaleggiò idealmente, realizzando una produzione di qualità eccezionale, sia per i tessuti vitrei impiegati (dai vetri trasparenti agli straordinari vetri opachi) sia per il design degli oggetti, caratterizzato da una elegante modernità. Se in alcuni casi Scarpa si fece interprete dello stesso Cappellin, ben presto riuscì ad assumere una certa autonomia nella progettazione dei modelli, che si distinsero soprattutto per il ricorrere di forme geometriche. La mostra Vaso in filigrana a reticello con canne rubino, verdi e gialle. Piede in vetro trasparente verde, 1927 ca. Ph. Enrico Fiorese
Vasi in vetro con decoro fenicio, 1928-29. Ph. Enrico Fiorese
Vaso in pasta vitrea rossa e coppa in pasta vitrea gialla e rossa, 1930 ca. Ph. Enrico Fiorese
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Vaso in pasta vitrea corallo e oro e vaso in pasta vitrea turchese e oro, 1929-31. Ph. Enrico Fiorese
presenta la ricchezza della produzione della vetreria che, grazie alle continue ricerche sulla materia vitrea e sulla forma, ha prodotto sempre nuove serie realizzando opere di qualità eccezionale, talvolta con risultati inediti. Una mostra che non si dovrebbe perdere, interessante sia dal punto di vista accademico che dal punto di vista dello stupore decorativo, per fare ancora una volta, un meraviglioso viaggio nel mondo delle trasparenze, l e delle opacità, del vetro. s
F A B I O BRAMBILLA
Vasi in vetro nero con applicazione di foglia d’argento e finiture in pasta vitrea corallo, 1930 ca. Ph. Enrico Fiorese
LA VETRERIA M.V.M. CAPPELLIN E il giovane Carlo Scarpa 1925-1931 10 settembre 2018– 6 gennaio 2019 Le stanze del vetro, Venezia INFO T. +39 041 5229138 info@lestanzedelvetro.org Vaso in pasta vitrea rossa e boccetta portaprofumo in pasta vitrea gialla, 1929-30. Ph. Enrico Fiorese
Dal giovedì al martedì 10.00 - 19 .00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito
www.lestanzedelvetro.org
Vaso in vetro lattimo con decoro fenicio corallo e applicazione di foglia d’oro, 1928-29. Ph. Enrico Fiorese
HORIZONS 16 2017 tecnica materica 80x100 cm.
Stratificazioni 2018 tecnica mista materica 120x60 cm.
x FabiobrambillaMz
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www.fabiobrambilla.it
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I favolosi anni del boom economico Aperto al pubblico l’ultimo capitolo della mostra dedicata alla Collezione Salce di
Rebecca Maniti
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i avvia verso la conclusione il ciclo delle “Illustri persuasioni”, il progetto a cura di Marta Mazza realizzato al Museo Nazionale Collezione Salce di Treviso. Fino al 17 marzo 2019 sarà possibile visitare “Verso il boom! 1950-1962”, mostra che
porta alla luce le parti più sorprendenti e meno conosciute della Collezione Salce. Il percorso espositivo va dal secondo dopoguerra al 1962, raccontando lo straordinario momento storico della ricostruzione e della ripresa produttiva, il preludio al vero boom economico e demografico degli anni successivi. “Passata la guerra, un incontenibile entusiasmo progettuale si diffonde capillarmente nel Paese”, scrive la curatrice Marta Mazza, che del Museo Nazionale Salce è il direttore,“La pubblicità riflette e anticipa, sottolinea, enfatizza questo sentimento, vivendo un momento di straordinaria effervescenza”. Le opere esposte sono create da artisti specializzati da tempo nella grafica illustrata, che ripropongono con caparbietà i fasti del cartellonismo delle origini (Dudovich, Boccasile, Edel), o che ne rinnovano radicalmente i modi (Carboni, Nizzoli), beneficiando di efficaci spunti progettuali, figli di una consapevolezza professionale complessa. Giovani geni come Huber, Noorda e il tedesco Engelmann, intercettano a Milano i fermenti generativi del design e della più emancipata cultura d’impresa, disegnando immagini così perfettamente attuali da essere oggi, a settant’anni di distanza, vive e storiche al contempo. Nel generale innamoramento per l’America (da cui arrivano bevande, detersivi e agenzie pubblicitarie) spicca il caso tutto italiano di Armando Testa: ispirato da Federico Seneca e alimentato da una grande cultura pittorica, si rivelerà capace di ineguagliabili traguardi di sintesi e di efficacia comunicativa. A sinistra: Jeanne Grignani - Necchi, 1955-1960 A destra: Armando Testa - Simmenthal è tutta carne scelta! 1955-1960
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A questa affascinante mostra sulla storia della pubblicità cartellonistica, il Museo Salce affianca questa volta un’ulteriore esposizione collegata al Treviso Comic Book Festival 2018. Si tratta della monografica di Riccardo Guasco intitolata “Punt e a capo, Manifesti Sostenibili 100% Bio”, curata da Nicola Ferrarese. Guasco è tra gli artisti contemporanei che meglio interpretano “il manifesto illustrato”, e per questa occasione di confronto ha scelto di proporre 8 suoi manifesti inediti, realizzati per l’occasione, sul tema della sostenibilità ambientale. Ridisegna uno stravolgimento parallelo a quello che i nuovi prodotti di consumo portarono nella vita degli italiani negli anni ‘50, puntando sul tema di fondo del nostro tempo: ecosostenibilità e biologico. La Collezione Salce non delude mai, porta sempre al visitatore nuovo stupore e nuova felice nostalgia, di quel tempo d’oro per il mondo della l pubblicità illustrata. s
VERSO IL BOOM! 1950 – 1962
29 settembre 2018– 17 marzo 2019 Museo Nazionale Collezione Salce, Treviso
Sopra: Armando Testa - Patatine fritte Pai, 1959-1960 Sotto: Paolo Federico Garretto - La nuova Lambretta, 1950-1955
INFO T. +39 0422 591936 pm-ven.collezionesalce@beniculturali.it Da mercoledì a domenica 10.00-18.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito
www.collezionesalce.beniculturali.it
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Tiziano vs Richter Il loro intimo dialogo artistico di
Flavio Ennante
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l grande pittore tedesco Gerhard Richter (uno dei più rilevanti protagonisti della scena contemporanea) rielabora il suo rapporto con la pittura di Tiziano, precisamente con il tema dell’Annunciazione. Questo interessante dialogo è concretamente visibile in una mostra concisa e preziosa: “Tiziano/ Gerhard Richter. Il Cielo sulla Terra”, a cura di Helmut Friedel, Giovanni Iovane e Marsel Grosso, a Palazzo Te a Mantova fino al 6 gennaio 2019. Ricordiamo gli eventi del 1972, quando, durante una visita alla Scuola Grande di San Rocco a Venezia, Richter viene folgorato dalle opere d’arte di Tiziano; da allora il dialogo con l’antico Maestro ispira il suo lavoro, che periodicamente sente il bisogno di tornare su questa preziosa e segreta fonte. Richter ha elaborato un percorso di 17 opere, direttamente uscite dal suo studio, nelle quali, con delicatezza e per allusioni, racconta una storia, tutta giocata sul segreto della visione. Una storia che racconta l’incontro con il tema misterioso dell’annuncio, che si riverbera in un ciclo di dipinti ad esso dedicati e nei modi in cui Richter rappresenta la presenza femminile nella sua vita d’artista. Una storia che racconta il pensiero e la pratica del colore, la reciproca trascendenza, le connessioni, e forse anche la trasparenza della visione nel rapporto con un “oltre” misterioso: una riflessione sul senso della pittura che accomuna Tiziano e Richter. A questo è dedicata l’ultima sala, nella quale Richter ha voluto presentare un suo specchio rosso, come la veste della vergine di Tiziano, a testimonianza di un riverbero che attraversa il tempo e custodisce segreti. Sulla scia di questo evento, altre istituzioni della città di Mantova ed il Museo Diocesano “Francesco Gonzaga”, hanno deciso di presentare una raccolta delle Annunciazioni presenti nelle collezioni della città,
Tiziano Vecellio - Studio per Angelo annunciante - 1559 ca. Gessetto nero e carboncino con rialzi di gessetto bianco su carta azzurra, 422x279 mm. Firenze, Galleria degli Uffizi, Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi. Su concessione del MiBAC/Galleria degli Uffizi Firenze
mentre la Diocesi di Mantova propone un percorso cittadino per ammirare le Annunciazioni presenti l nelle principali chiese. s
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TIZIANO/GERHARD RICHTER. Il cielo sulla Terra
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Palazzo Te, Mantova October 07, 2018 – January 06, 2019
erhard Richter draws new inspiration from Titian’s Annunciation. A leading exponent of the contemporary art scene, Gerhard Richter offers a new and exciting demonstration of his relationship with Titian’s art and the subject of the Annunciation in an incisive exhibition – “Tiziano/Gerhard Richter. Il Cielo sulla Terra”, curated by Helmut Friedel, Giovanni Iovane and Marsel Grosso – to be held at Palazzo Te in Mantua from 7 October 2018 to 6 January 2019. In 1972 while visiting the Scuola Grande di San Rocco in Venice, Richter saw the Venetian’s version of the painting and recognizing in Titian the quality “that makes art a work of art”, he decided to make a copy of it. Since then the great German painter’s dialogue with the old Italian master from Pieve da Cadore has inspired his work and periodically urged him to return to this precious and intimate source. Assisted by curators, the Fondazione Palazzo Te invited the German artist to express this intimate and long lasting dialogue through two of Titian’s masterpieces – the Annunciations of San Rocco and Museo Nazionale di Capodimonte. Gerhard Richter generously agreed to the proposal creating a series of 17 works, brought directly from his studio. The paintings subtly tell a story all played out through his encounter with the mystery of the Announcement. The story reverberates in a dedicated cycle of works illustrating Richter’s method of representing the female (Betty and Ella). It is a story that describes the theory and practice of colour, mutual transcendence, the connections between colours in their diversity, and perhaps even the transparency of the vision in relationship to a mystical beyond. Dedicated to this is the last room, where Richter displays a red mirror, the colour of the dress of Titian’s Virgin, as evidence of a reverberation that crosses time and safeguards secrets. The Fondazione Palazzo Te is privileged to host an exhibition of broad scope that allows Richter to speak of himself. The show includes two Annunciations and some preparatory works by Titian. The subject matter of the Annunciation and the feminine is defined in its ability to connect “the sky and the earth” in the work of artists so significant and so far apart in time. This unique event has prompted a response from other institutions in the city of Mantua and the Museo Diocesano Francesco Gonzaga has generously agreed to exhibit examples of Annunciations housed in the city’s collections, while the Diocese of Mantua is organising a tour of the Annunciations in the town’s main churches. The catalogue to be published by Corraini will include contributions from influential intellectuals such as Giulio Busi, Annarosa Buttarelli, Claudia Cieri Via, while Piero Lissoni took part in the exhibition design. The exhibition “Tiziano/Gerhard Richter. Il Cielo sulla Terra” is produced and realized by Comune di Mantova, Fondazione Palazzo Te and Museo Civico di Palazzo Te, with the patronage of Ministero dei beni e delle attività culturali, in collaboration with Diocesi di Mantova and Museo Diocesano “Francesco Gonzaga”, with the contribution of Fondazione Banca Agricola Mantovana and Banca Monte dei Paschi di Siena, and with the support of Amici di Palazzo Te e dei Musei Mantovani.. s
Sopra: Gerhard Richter - Opera astratta 2016, olio su tela, 70x70 cm. Collezione-privata Sotto: Tiziano Vecellio - Annunciazione 1540ca, olio su tela, 166x266 cm. Venezia - Scuola Grande Arciconfraternita di San Rocco
TIZIANO / GERHARD RICHTER Il cielo sulla Terra 07 ottobre 2018– 06 gennaio 2019 Palazzo Te, Mantova INFO T. +39 041 2719013 Lunedì 13.00-18.30 Da martedì a domenica 09.00-18.30 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito
www.fondazionepalazzote.it
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L’Ottocento Lombardo Il secolo lungo della pittura italiana di
Mario Gambatesa
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l 20 ottobre scorso, a Lecco, nelle sale del prestigioso Palazzo delle Paure è stata inaugurata la mostra dal titolo “L’Ottocento Lombardo”. Curata da Simona Bartolena, col patrocinio del Comune di Lecco, realizzata da ViDi – Visit Different, è aperta al pubblico fino al 20 gennaio prossimo. L’esposizione, composta da circa ottanta opere tra dipinti e disegni, propone un viaggio esplorativo e mistico nella pittura e nella cultura della Lombardia dell’Ottocento. Il cammino inizia respirando l’aria della stagione Romantica, con le opere del maestro Francesco Hayez che, con il suo talento, ha ispirato molti altri artisti. Insieme al pittore italiano, troviamo maestri contemporanei quali Massimo d’Azeglio e Giuseppe Molteni. Prose-
guendo, arriviamo alla sezione dedicata ai vedutisti e ai prospettici della prima metà del secolo come Migliara, Canella e Bisi, che raccontano la Milano ottocentesca attraverso scene di vita quotidiana. Nelle sale successive, si affronta il periodo delle Guerre d’Indipendenza, con straordinarie opere dedicate alle
In alto a destra: Federico Faruffini La toeletta del mattino 1865, olio su tela, 40x49,5 cm. Collezione privata A destra: Cesare Tallone Strada illuminata olio su tavola, 25x35 cm. Collezione privata Courtesy Quadreria dell’800, Milano
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tematiche risorgimentali, attraverso le OTTOCENTO LOMBARDO ricerche di artisti di livello come Gero- 20 ottobre 2018– 20 gennaio 2019 lamo e Domenico Induno. Andando Palazzo delle Paure, Lecco avanti troviamo la maestria di Giovanni INFO Carnovali (detto il Piccio), un artista T. +39 0341.286729 stupefacente, fondamentale per le risegreteria.museo@comune.lecco.it cerche artistiche di Tranquillo Cremona, Daniele Ranzoni e Giuseppe GranDa martedì a venerdì di, che insieme fonderanno in seguito 09.30-18.00 la Scapigliatura. Nella seconda metà del Sabato, domenica e festivi secolo, troviamo invece il genere del pa10.00-18.00 esaggio, che avrà una matrice del tutto romantica e che sottolineerà, a gradi Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito linee, i passi verso la pittura impreswww.museilecco.org sionista. Nell’ultimo quarto di secolo invece, nasce la pittura del Verismo sociale, subito dopo quella del Divisionismo, raccontata attraverso le opere di Segantini, Previati e Longoni. L’esposizione diventa quindi una pos- A sinistra: Gaetano Previati sibilità per imbattersi nel lungo secolo Il bacio su cartone, 63,5x43 cm. della pittura italiana, ricco di persona- tempera Collezione privata l lità artistiche tutte da scoprire. s Courtesy Quadreria dell’800, Milano
Petraq Pecani ART
GALLERY
IN
TIRANA
artpecani1@yahoo.com www.artgallerypecani.com petraqpecani
BIANCOSCURO RIVISTA d’ARTE Musicisti - 2016, olio su tela, 50x65 cm. Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it
Petraq Pecani 63
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Provocatoriamente “nulla”
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Dada e Surrealismo in mostra alla Fondazione Ferrero di Alba di
Flavio Ennante
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a Collezione del Museo Boijmans Van Beuningen è protagonista ad Alba, dove, alla Fondazione Ferrero, è in corso la mostra "Dal nulla al sogno. Dada e Surrealismo dalla Collezione del Museo Boijmans Van Beuningen". Curata dal professor Marco Vallora, si suddivide in nove sezioni, all’interno delle quali si susseguono opere di grande pregio e dal forte impatto. Le opere coesistono in un dialogo ora armonico, ora contrastante, seguendo una progressione prevalentemente tematica e prestando un’attenzione particolare alla cronologia degli eventi. I capolavori esposti riflettono alcune delle problematiche e dei temi che contribuiscono a segnare i confini tra la poetica nichilista del movimento [1]
Dada e quella più propositiva tipica del Surrealismo: il caso, la bruttezza estetica, il sogno, l’inconscio, la relazione con l’arte antica, il legame tra arte e ideologia. Attraverso la parola shock “nulla”, il titolo della mostra mira a sorprendere e affascinare, ma anche a perseguire uno dei capisaldi più radicali del programma dadaista. La parte della mostra dedicata ai sogni simboleggia una sorta di nuovo inizio dopo l’annichilimento e il rifiuto radicale dell’arte perpetrato dai dadaisti. Per questo motivo, la parola “sogno” significa qui libertà, spensieratezza, ma anche introspezione e penetrazione dell’inconscio. Un progetto espositivo da non perdere ed ammirare nella sua l completezza. s [1] Giorgio de Chirico - Il trovatore c. 1924. Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam. Ph. Studio Tromp ©Giorgio de Chirico by SIAE 2018 [2] Joan Miró - Monsieur et madame 1969. Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, photo Jannes Linders ©Joan Miró, Successió Miró, by SIAE 2018 [3] Salvador Dalí - Landscape with a Girl Skipping Rope, 1936. Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam. Ph. Studio Tromp © Salvador Dalí, Fundacio Gala Salvador Dalí, by SIAE 2018
DAL NULLA AL SOGNO.
T
he From Nothingness to Dreams: Dada and Surrealism from the Collection of the Museum Boijmans Van Beuningen exhibition will take place at the Ferrero Foundation in Alba from 27 October 2018 to 25 February 2019. It is curated by Professor Marco Vallora and follows an exhibition logic that is reflective of Surrealist suggestions in the way works are showcased. In nine sections, works of high quality and impact follow one another. These works communicate with one another, in harmony or counterpoint, and follow a progression that is mostly thematic, paying particular attention to the chronology of events. The masterpieces on show reflects some problems and themes that help distinguish Dada’s nihilistic poetics from the more propositional ones typical of Surrealism: chance, aesthetic ugliness, dreams, the unconscious, the relation with ancient art, the connection between art and ideology.
[4] Paul Delvaux - Les phases de la lune III 1942. Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam. Ph. Studio Tromp ©Paul Delvaux Foundation by SIAE 2018 [3]
Dada e Surrealismo dalla Collezione del Museo Boijmans Van Beuningen 27 ottobre 2018 – 25 febbraio 2019 Fondazione Ferrero, Alba INFO T. +39 0173 295 259 info@fondazioneferrero.it
[4]
Da mercoledì a venerdì 15.00/19.00 Sabato e domenica 10.00/19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito www.fondazioneferrero.com
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Balthus Prima retrospettiva svizzera alla Fondazione Beyeler di
Rebecca Maniti
C
on la sua mostra “Balthus”, la Fondation Beyeler presenta uno degli ultimi grandi maestri dell’arte del XX secolo. Punto di partenza, il lavoro chiave di Balthus “Passage du Commerce-Saint-André”. Con la sua opera sfaccettata e ambigua, che ha suscitato riverenza e rifiuto, Balthasar Klossowski de Rola (1908-2001), noto come Balthus, ha intrapreso un percorso artistico distinto o addirittura contrario alle correnti delle avanguardie moderniste. Su questo percorso solitario, l’eccentrico pittore attingeva un certo numero di tradizioni e predecessori dell’arte storica, da Piero della Francesca a Poussin, Füssli, Courbet e Cézanne. Balthus è un artista di contraddizione e disturbo. Nei suoi dipinti, sia sereni che tesi, gli opposti si incontrano, unendo in modo unico il reale e l’onirico. Giocando con questi contrasti, Balthus combinava motivi artistici tradizionali con elementi derivati da illustrazioni nei libri per ragazzi popolari del XIX secolo. La retrospettiva di Fondation Beyeler è la prima presentazione in assoluto della sua opera nella Svizzera tedesca. Con 40 dipinti chiave di tutti i periodi della carriera dell'artista, dagli anni '20 agli anni '90, cerca di trasmettere l'essenza stessa di un'opera che, sebbene si estenda per un lungo periodo di tempo, comprende non più di 350 immagini. La mostra è visitabile presso la Fondal zione Beyeler sino al 1 gennaio 2019. s
BALTHUS
Fondation Beyeler, Riehen - CH 02 September 2018 - 01 January 2019
W
ith its Balthus exhibition, the Fondation Beyeler presents one of the last great masters of twentieth- century art. Starting point Balthus’ key work Passage du Commerce-Saint-André. With his multifaceted and ambiguous oeuvre, which has prompted both reverence and rejection, Balthasar Klossowski de Rola (1908–2001), known as Balthus, pursued an artistic path running distinct from, or even counter to, the currents of modernist avant-gardes. On this solitary path, the eccentric painter drew on a number of art historical traditions and predecessors, ranging from Piero della Francesca to Poussin, Füssli, Courbet and Cézanne. Balthus is an artist of contradiction and disturbance. In his paintings, both serene and tense, opposites meet, uniquely blending the real and the dreamlike. Playing with these contrasts, Balthus combined traditional artistic motifs with elements derived from illustrations in popular nineteenth-century children’s books. The Fondation Beyeler’s retrospective is the first presentation of his work in German-speaking Switzerland. Featuring 40 key paintings from all periods of the artist’s career, from the 1920s to the 1990s, it seeks to convey the very essence of an oeuvre that, though spanning a long period of time, comprises l no more than some 350 pictures. s
Balthus - Thérèse 1938, oil on cardboard on wood, 100,3x81,3 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York, Bequeathed by Mr. and Mrs. Allan D. Emil, in honor of William S. Lieberman, 1987 © Balthus Ph: The Metropolitan Museum of Art Art Resource/Scala, Florence
Balthus - La Partie de cartes 1948–1950, oil on canvas, 140x194 cm. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Madrid © Balthus
marco ferrari www.marcoferrariartist.com Facebook: www.facebook.com/marcoferrariart
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Mario Merz al Pirelli HangarBicocca Le sue opere più iconiche: Igloos
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irelli HangarBicocca presenta “Igloos”, la mostra dedicata a Mario Merz (Milano 19252003), tra gli artisti più rilevanti del secondo dopoguerra, riunendo il corpus degli igloo, datati tra il 1968 e l’anno della sua scomparsa. La pratica di Mario Merz si sviluppa a Torino fin dagli anni ‘50. Figura chiave dell’Arte Povera, è uno degli antesignani in Italia a utilizzare l’installazione, superando la bidimensionalità del quadro, inserendo tubi al neon nelle sue tele e in oggetti quotidiani come ombrelli e bicchieri. Attraverso il suo lavoro indaga e rappresenta i processi di trasformazione della natura e della vita umana, utilizzando elementi provenienti dall’ambito scientifico-matematico, come la spirale e la sequenza numerica di Fibonacci, e introducendo, a partire dal 1968, quello che rimarrà uno dei motivi ricorrenti e più rappresentativi della sua pratica per oltre trent’anni: l’igloo. Il progetto espositivo, curato da Vicente Todolí e realizzato in collaborazione
con la Fondazione Merz, si espande negli spazi delle Navate e del Cubo di Pirelli HangarBicocca e pone il visitatore al centro di una costellazione di oltre trenta opere di grandi dimensioni a forma di igloo, un paesaggio inedito dal forte impatto visivo. A cinquant’anni dalla creazione del primo igloo, la mostra offre l’occasione per osservare lavori di Mario Merz di importanza storica e dalla portata innovativa, provenienti da numerose collezioni private e museali internazionali (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid, la Tate di Londra, la Nationalgalerie di Berlino e il Van Abbemuseum di Eindhoven, il Kunstmuseum Wolfsburg e il Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen di Düsseldorf), raccolti ed esposti insieme per la prima volta in Italia. Queste opere, riconducibili visivamente alle primordiali abitazioni, diventano per l’artista l’archetipo dei luoghi abitati e del mondo e la metafora delle diverse relazioni tra interno ed esterno, tra spazio fisico e spazio concettual le, tra individualità e collettività. s
IGLOOS
Pirelli HangarBicocca, Milano 25 October 2018 - 24 February 2019
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irelli HangarBicocca presents “Igloos”, a show by Mario Merz (Milan, 1925–2003), bringing together his most iconic group of works: the igloos, dating from 1968 until the end of his life. Curated by Vicente Todolí, Artistic Director of Pirelli HangarBicocca and realised in collaboration with Fondazione Merz, the exhibition is hosted in the Navate and Cubo spaces of Pirelli HangarBicocca, placing the visitor at the heart of a constellation of over 30 large-scale works in the shape of an igloo: an unprecedented landscape of great visual impact.
Mario Merz - “Igloos” Veduta della mostra, Pirelli HangarBicocca, Milano, 2018. Courtesy Pirelli HangarBicocca, Milano Ph: Renato Ghiazza © Mario Merz, by SIAE 2018
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Laveri in un Fermo Immagine Diano Marina lo accoglie al Palazzo del Parco Flavio Ennante
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di
rtista presente sulla copertina di BIANCOSCURO per ben 2 volte (dicembre-gennaio 2013 e ottobre-novembre 2018), poliedrico e polidisciplinare, autore di performance, installazioni e creazioni, Laveri ha realizzato più di 300 eventi in Italia e nel mondo. Ora la Civiero Art Gallery, con il patrocinio del Comune di Diano Marina presenta, nella sala “R. Falchi” del Palazzo del Parco di Diano Marina, la mostra “Fermo immagine” di Giorgio Laveri. L’esposizione dianese si pone sicuramente come uno degli eventi più significativi nella stagione artistica del ponente ligure. I soggetti scelti da Laveri per le sue sculture provengono dall’ambito del quotidiano, Laveri è l’artista che ha ri-creato la ceramica in chiave cinematografica. La mostra sarà un percorso fra le opere di ultima concezione ed i soggetti più noti dell’artista, in una sorta di antologica in cui si integrano gusto, sapienza, gioco, ironia e divertimento.
Il visitatore passerà da una pista sulla sabbia che ospita le biglie "Giocare con...", dedicate ai grandi del Novecento, ad un’installazione di ciliegie che ricordano il titolo di una precedente esposizione “Una tira l’altra”; dai rullini fotografici, fonte di mille ispirazioni, fino ai “Truka”, rossetti che acquisiscono il ruolo di totem moderno. In esposizione anche “MollyWood”, le “Stylò”, la “Moka”, il fischietto di “Rigore!”: icone della contemporaneità quotidiana. Le opere esposte saranno raccolte nel catalogo “Giorgio Laveri - Fermo immagine”, disponibile l in mostra. s
Giorgio Laveri - Giocare con... 2016, ceramica smaltata e plexiglass,ø 41 cm. Giorgio Laveri - Truka SM 2017, ceramica smaltata con interventi al terzo fuoco, 22,5 cm.
GIORGIO LAVERI Fermo immagine
10 novembre 2018 - 6 gennaio 2019 Palazzo del Parco, Diano Marina
Da martedì a sabato 10.00/12.00 - 16.00/19.00
Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito www.civieroartgallery.com Giorgio Laveri - Stylò coupe 2018, ceramica smaltata con interventi al terzo fuoco in oro zecchino e platino 38x39x35 cm. Giorgio Laveri - Tita 2017, ceramica smaltata con interventi al terzo fuoco in oro zecchino, 61 cm.
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Grandi autori contemporanei a Varese Da Showcases Gallery: Cella, Nucara e Volpati di
Ettore Tiretto
Gianni Cella e Vincenzo Chetta
Gianni Cella e Franco Crugnola
Sopra: Showcases Gallery, alcuni momenti della mostra dedicata a Gianni Cella
I
l mese di ottobre scorso è stato ricco di appuntamenti, tra questi una vivacissima mostra ha catturato l'attenzione della società artistica: "Una vita lemme lemme". Ancora una volta la Showcases Gallery di Varese organizza una personale di tutto rispetto, ad uno degli artisti italiani più interessanti ed originali del nostro tempo. Dedicata a Gianni Cella, artista contemporaneo “storicizzato” con un percorso artistico personalissimo, spirito libero dissacrante, vicino alla componente dadaista dell’arte, la rassegna è stata il momento giusto per presentare il libro dello stesso artista. Un racconto/raccolta, un diario artistico dove a farla da padrone sono le sue idee, tradotte in bozzetti e frasi. Spiega Palmira Rigamonti: "Possiede l’estrosità del visionario e con il suo sguardo a volte grottesco e a volte malinconico, riesce a coniugare perfettamente l’intuizione creativa con il gioco conducendoci all’interno del “suo guardare”, popolato di personaggi fantastici e coloratissimi." Il suo universo pop, descrive con grande lucidità la contemporaneità, la cultura vuota ed allucinata della “cultura di massa”. Le sue opere uniscono la riflessione all’ironia, ci coinvolgono, ci emozionano e risvegliano il fanciullo che è in noi.
Dal 10 novembre scorso, una nuova mostra colora la galleria di Crugnola:"Il nostro studio-galleria è lieta di ospitare due tra i più famosi artisti italiani nel mondo quali Renzo Nucara e Carla Volpati. Il loro lavorare a quattro mani, partendo dalla loro storia e dal loro percorso individuale, scaturisce nella serie di lavori dal titolo “Arbre Magique”, qui presentati." Gli animali di Renzo Nucara ed i Puppet di Carla Volpati si uniscono sotto forma di sagome sospese e popolano e ricreano l'albero: Arbre Magique sorprende lo spettatore e al tempo stesso trasmettendo a chi lo guarda un messaggio di attenzione nei confronti della natura e salvaguardia della biodiversità. Dall’albero magico derivano i Magic Box, opere ‘suspendu’ dove fanno la loro comparsa anche astri e pianeti. La mostra si completa con i lavori solisti, che mettono in luce ed evidenziano le singolari peculiarità e contaminazioni di ciascuno all’interno del progetto comune “Arbre Magique”. Questa è sicuramente una delle occasioni espositive da non perdere, la possibilità di ammirare un corpus, sintetico ma coml pleto, non è da sottovalutare. s
ARBRE MAGIQUE. RENZO NUCARA E CARLA VOLPATI 10 novembre – 22 dicembre 2018 - Showcases Gallery, Varese INFO T. +39 0332 237529 - showcases.gallery@gmail.com Da lunedì a venerdì 09.00/12.30 - 15.00/17.00
Renzo Nucara - The Gadget
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Renzo Nucara e Carla Volpati - Magic Box
Carla Volpati - Puppet
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Dario Brevi La mostra da Colossi Arte Contemporanea
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a Galleria Colossi Arte Contemporanea di Brescia dedica all’artista Dario Brevi la mostra personale "… Altri racconti". Come i suoi antesignani Balla e Depero, Brevi ama riplasmare le forme con uno spirito ludico e decorativo, ama giocare sulla duplicità tra artificiale e naturale, meccanico e vivente, iconico e aniconico, con il ritmico dualismo di vuoti e pieni, dando vita a nuove modalità percettive dell’immagine. Le opere di Brevi sono costruzioni narrative che si dipanano sulla parete mediante lo studiato accostamento di addensamenti cromatici, dai profili “soffici”, dall’andamento curvilineo, intagliati e modellati all’interno del suo materiale d’elezione: l'MDF. Le sue sono iconografie fluide, dalle forme plastificate che si configurano tramite la suddivisione in masse definite ognuna da colori acidi, freddi che ci riportano all’artificialità del
materiale; anche se mascherate come sono da conformazioni organiche, ispirate alla natura (farfalle, alberi, la perdita della biodiversità), i loro soggetti ci riportano al mondo del consumismo e alle sue icone plastificate (i ritratti di Marilyn, Audrey Hepburn, James Dean), quello della Milano anni '80 in cui l’artista è cresciuto. La dimensione caleidoscopica di colori generata da Brevi si trova perfettamente in linea con la “società liquida” del post-moderno citata da Bauman, ma senza dimenticare l’eredità delle correnti artistiche che lo hanno l preceduto. s
DARIO BREVI
"... Altri racconti" 24 novembre 2018 – 15 febbraio 2019 Colossi Arte Contemporanea, Brescia Da martedì a sabato 10.00/12.00 - 15.00/19.00
Dario Brevi - Farfalle 2009, acrilico su mdf, 40x82 cm.
Omaggio al poliedrico Silvio Zanella La celebrazione del centenario nel suo MA*GA
I
l programma autunnale del MA*GA si apre con l’omaggio a Silvio Zanella, poliedrica figura di artista, designer, promotore culturale, uomo politico e sociale, nonché ideatore e fondatore del Museo gallaratese, in occasione del primo centenario della sua nascita. L’iniziativa dal titolo "Diari" presenterà, fino al 6 gennaio 2019, una serie di mostre, diffuse in varie sedi della città, in grado di restituire la sua arte come il suo indimenticabile universo immaginario. I mobili firmati da Zanella designer accanto ai dipinti, ai fogli, ai disegni, agli appunti, saranno gli elementi capaci di ricostruire il mondo di un autore che ha usato tutti i mezzi possibili per esprimere la propria visione del mondo. Da segnalare che al MA*GA sarà creato l’Ambiente Zanella: una stanza, collocata nel cuore del museo, che accoglie opere, arredi disegnati da
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Zanella, oggetti fortemente simbolici, dipinti, disegni, appunti, memorie. Proprio in occasione del primo centenario della nascita di Silvio Zanella, gli eredi hanno donato alla città e al museo una serie di importanti dipinti e disegni, che riconsegnano i momenti più significativi dell’artista, dagli anni della sua formazione all’Accademia di Belle Arti di Brera, alla pittura informale e segnica degli anni Cinquanta e Sessanta, fino alla ricerca di un colore libero, dinamico e lumil noso degli ultimi decenni. s
Silvio Zanella Paesaggio in azzurro (Ticino) 1967, olio su tela, 70x50 cm.
Silvio Zanella
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Tre autori contro la Violenza A Milano Peter-Hide 311065, Ralph Hall e Michele Tombolini di
Rebecca Maniti
L
o Spazio Mostre del Palazzo della Regione Lombardia, a Milano, ha ospitato, lo scorso novembre, le opere di tre grandi artisti contemporanei, Peter Hide 3110165, Ralph Hall e Michele Tombolini, uniti da un uno tema centrale: no alla violenza! Con la curatela di Vittorio e Marika Viola, la mostra “NOI NO. NOI NO, NOI! La violenza no” è patrocinata dalla Regione Lombardia; organizzata in sintonia con gli artisti contemporanei che da anni pongono attenzione a realtà presenti nella società attuale. Senza essere giudici, ma attenti osservatori, ne rimarcano le più cruente situazioni, con la consapevolezza che i Testimoni oramai consapevoli possono e devono attivarsi per migliorare e migliorasi. Assolutamente centrato, il testo critico che presenta la mostra, scritto da Martina Corgnati, le cui parole introduttive racchiudono il cuore dell'evento:“L’arte, la grande arte, è sempre stata responsabile nei confronti del mondo e dei suoi tragici avvenimenti: per ricordacelo basta pensare ai “Disastri” della guerra del grande
In questa pagina: alcune viste dell'allestimento della mostra "Noi no, noi no, noi! La violenza no!"
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Francisco Goya, oppure a “Guernica” di Picasso. Non è un caso, dunque, che oggi tre artisti prendano la parola per denunciare situazioni difficili, abusi e indifferenza, invitando perlomeno a prendere coscienza ad aprire gli occhi su un atto “di bellezza” che è, al tempo stesso, un atto d’accusa, talvolta sussurrato, talvolta ironico, ma sempre, fermamente etico. Si tratta di Peter Hide, Ralph Hall e Michele Tombolini; ciascuno di loro utilizza una sintassi diversa e un proprio, peculiare linguaggio creativo per puntare il dito verso una forma particolare di violenza o, se si preferisce, un’emergenza globale: le aggressioni contro le donne, il sesso femminile e i bambini per Tombolini, la violenza verso gli animali per Hall e gli abusi del capitale mal indirizzato e non accompagnato dagli scrupoli della morale e dell’umanità per Hide.” La rassegna si è conclusa il 25 novembre, nell'ambito della “Giornata Mondiale contro la violenza sulle donne”, con la speranza di aver spinto i visitatori ad una riflessione in più sulla società contemporanea e sulle sue dil sgrazie. s
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Archeologia contemporanea Dimitrakopoulou a Palermo
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a scultrice greca Venia Dimitrakopoulou torna ad esporre eccezionalmente in Italia con una importante mostra personale ospitata presso il Museo archeologico regionale “Antonino Salinas” di Palermo, sino al 3 febbraio prossimo. In esposizione sculture, carte e installazioni, alcune esposte per la prima volta in Italia, tra cui spiccano inedite realizzazioni site-specific, per una mostra-installazione, curata da Afrodite Oikonomidou e Matteo Pacini, che dialoga con i reperti archeologici esposti in permanenza nelle sale museali. Il Salinas, infatti, è il più antico museo dell’isola e la più importante istituzione museale pubblica dedicata all’arte greca e punica in Sicilia, che su indirizzo del Direttore Francesca Spatafora si è aperta negli ultimi anni ai linguaggi dell’arte contemporanea. In tutti i lavori esposti al Museo Salinas protagonista è la materia (dalla pietra lavica alla carta a mano cinese, dal bronzo al marmo, dal gesso alla terracotta) che
sottolinea quanto l’archeologia riviva nella contemporaneità e l’immersione nel passato serva a comprendere il presente. Spiega infatti la scultrice: "A Palermo espongo le pietre vulcaniche, le teste dei guerrieri caduti e degli eroi, così come le opere su carta cinese, le Vesti di Nesso, l’Armatura Segreta e le Linee di pensiero. È un dialogo tra fragilità e solidità, l’effimero e l’eterno. Una riflessione sul modo in cui l’archeologia svela la materia nel presente. La materia, quindi, è il tema principale". Accompagna la rassegna, il catalogo edito da Umberto Allemandi con l testo introduttivo di Franco Fanelli. s
Sopra: Venia Dimitrakopoulou - Linee di pensiero III 2018, inchiostro indiano su carta cinese, 142x71 cm.
Venia Dimitrakopoulou - Guerriero con elmo I 2009, pietra lavica, 45x40x50 cm.
VENIA DIMITRAKOPOULOU
Futuro primordiale - Materia 16 novembre 2018 - 3 febbraio 2019
Museo Archeologico Regionale, Palermo Da martedì a sabato 09.30/18.00 Domenica e festivi 09.30/13.00
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Astrattismo concettuale Le opere di Salvatore Alessi
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alvatore Alessi nasce nel 1953 a Mazzarino, dove ancora vive e lavora. Diploma di maturità artistica conseguito presso il Liceo Artistico di Catania; Laurea in Architettura presso l'Università degli Studi "La Sapienza"
di Roma. Attività artistica, parallela a quella di architetto, rivolta alla ricerca espressiva del segno grafico e del colore. L'astrattismo concettuale di Salvatore Alessi rivela la sua capacità di tradurre i pensieri in colori e forme che sono vere e proprie metafore di un mondo interiore dalle molte sfaccettature e implicazioni. La tavolozza dai toni delicati conduce lo spettatore verso la comprensione del narrato in modo agevole e diretto e gli consente di godere dell'optimum artistico nella sua forma più garbata. Dino Marasà
Salvatore Alessi arcalessi@alice.it as.alex@tiscali.it [1] Life -2018, tecnica mista, 35x50 cm. [2] Nel blu - 2018, tecnica mista, 35x50 cm.
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Josè Molina Tema unico: l’acqua di
Rebecca Maniti
N José Molina “Fiore di mare” 2016, olio su tavola, 144x129cm. collezione Beloved Earth Ph. Ernesto Blotto
egli spazi espositivi del Museo Carlo Bilotti di Roma, all’interno della suggestiva cornice dell’Aranciera di Villa Borghese, è stata inaugurata il 29 novembre la mostra “L’acqua di Talete. Opere di Josè Molina”. L’esposizione è promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, ideata e curata da Roberto Gramiccia, patrocinata dall’Ufficio Cul-
turale dell’Ambasciata di Spagna in Italia e dall’Instituto Cervantes di Roma, e organizzata con il contributo della Galleria Deodato Arte. La mostra, come rivela il curatore Roberto Gramiccia, prende spunto dall’importanza che i giochi d’acqua hanno avuto nella storia del Museo Bilotti, infatti l’edificio fu ampliato e decorato verso la fine del Settecento con l’inserimento di fontane e ninfei in stile barocco. Da qui l’idea di allestire una personale di José Molina tutta dedicata al tema naturale dell’acqua, indagato dall’artista quale elemento primordiale che dà origine alla vita e fondamento archetipico sul quale poggia tutto il sistema del reale. Molina si confronta con il pensiero filosofico di Talete di Mileto, realizzando sculture e opere pittoriche su tela e su carta in cui
José Molina “Dolce acqua” 2015, olio su tavola con cornice 134x119cm. Collezione Beloved Earth. Ph. Ernesto Blotto
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José Molina al lavoro ph. Ernesto Blotto
L’ACQUA DI TALETE Opere di José Molina
10 settembre 2018– 06 gennaio 2019 Museo Carlo Bilotti Aranciera di Villa Borghese, Roma
29 novembre 2018 – 17 febbraio 2019
INFO T. +39 06 0608 Da martedì a venerdì 10.00-16.00 Sabato e domenica 10.00-19.00
predomina l’acqua stessa, che è anche evocata nelle fattezze metamorfiche e visionarie dei personaggi rappresentati, creando così, come evidenzia il curatore, un mondo fantastico che inesauribilmente rinasce da se stesso.
Inquadra con il tuo smartphone
Appositamente per la mostra romana il codice QR per collegarti al sito sono poi state realizzate due opere ine- www.museocarlobilotti.it dite, in cui forte è il richiamo all’acqua come elemento in cui si crea la vita e risorsa preziosa nonché indispensabile per l ogni essere vivente. s
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MASSIMO S O L D I
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Viale Indipendenza 26 27100 Pavia
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Leonor Antunes La sua prima solo exhibition in Italia
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irelli HangarBicocca presenta “the last days in Galliate”, la prima grande mostra personale in Italia di Leonor Antunes. Lo spazio espositivo è stato ripensato radicalmente come un unico ambiente scultoreo, dove opere e luce si integrano. Create sul modello di elementi esistenti, le sculture si caricano di storie e di memoria, diventano emblemi del tempo e di uno specifico contesto culturale, eludendo qualsiasi intento nostalgico a loro connesso. La mostra è concepita come una complessa installazione site- specific che invade i 1.400 metri quadrati dello spazio dello Shed: le opere, di cui molte create ex novo, entrano in dialogo con gli elementi strutturali e con la luce naturale per confluire in un’unica narrazione: l’apertura eccezionale di otto lucernari sul soffitto, porta luce naturale zenitale all’interno dell’ambiente, mentre quella artificiale, genera atmosfere l intime e di dimensione domestica. s
THE LAST DAYS IN GALLIATE
Pirelli HangarBicocca, Milano 14 September 2018 - 13 January 2019
Leonor Antunes - Villa Mallet-Stevens, 2011 Veduta dell’installazione, Fundação de Serralves, Porto, 2011. Courtesy dell’artista e Galerie Isabella Bortolozzi, Berlino. Ph: Teresa Santos & Pedro Tropa © Fundação de Serralves
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irelli HangarBicocca presents "the last days in Galliate", the first major exhibition in Italy of the work of Leonor Antunes. The exhibition space has radically been redesigned as a single sculptural site, where the lighting and the works intersect with one another. Created based on a model of existing elements, Leonor Antunes's sculptures brim over with stories and memories, they become the emblems of time and of a specific cultural context, eluding any nostalgic intention that might be connected to them. The exhibition hosted at Pirelli HangarBicocca is conceived as a complex site-specific installation that fills the 1,400 square meters of the space known as the Shed: the works, many of which created from scratch, converse with the location's structural elements and natural lighting, thus merging in a single narrative.
Leonor Antunes - The last days in Galliate Veduta della mostra, Pirelli HangarBicocca, Milano, 2018. Courtesy dell’artista e Pirelli HangarBicocca. Foto: Nick Ash
Gisele Grana www.giselegrana.com
Alter Ego - 2016 - olio - 65x80 cm. BIANCOSCURO
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VANCOUVER INTERNATIONAL ART FAIR
APRIL 25 - 28, 2019
VANCOUVER CONVENTION CENTRE
WWW.ARTVANCOUVER.NET INFO@ARTVANCOUVER.NET
biancoscuro
Due angeli di Blub a Pavia
Sono apparsi “a sorpresa” in vicolo degli Eruli, accanto allo studio-laboratorio dell'Artista Pupi Perati.
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soggetti ritratti dal mitico street artist sono sempre icone famose tratte dalla storia dell’Arte, tutti muniti di maschera subacquea e appartenenti ad una serie che l’artista ha chiamato L’ARTE SA NUOTARE: perché, se la crisi ci fa sentire con l’acqua alla gola, conviene imparare a nuotare. Pupi Perati, promotrice del progetto “Angeli in vicolo degli Eruli” è rimasta sorpresa e divertita nello scoprire che questo artista, misterioso e amante delle maschere un po’ come un moderno Zorro, ha lasciato un suo segno fra gli angeli del vicolo di Pavia attiguo
al suo studio. “Il messaggio di Blub si intona con le espressioni artistiche fiorite negli anni in vicolo degli Eruli”, commenta Pupi Perati, “le mie ALI PER VOLARE, come le maschere da sub, suggeriscono di trasformare le difficoltà in stimoli per crescere … una crescita spirituale ed l artistica che ci faccia diventare migliori …” s [2]
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[1] Una vista del vicolo degli eruli [2] Pupi Perati accanto agli angeli di Blub
Gianluca Giuseppe S E R E G N I santiepresepe@gmail.com
INVISIBLE SIGN tecnica mista su tela, 50×70 cm.
BIANCOSCURO RIVISTA d’ARTE Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it
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FLORA
TECHNIQUE,
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L ANGAGE,
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L'Artista FLORA con Philippe Daverio durante ARTE MILANO SOCIETY - FABBRICA DEL VAPORE - MILANO L'Artista FLORA con Bruno Gaspard durante la MOSTRA PRESSO L'AUDITORIUM RAINIER III - MONTE-CARLO a cura di GEMLUCART INFO www.flora-artiste-peintre.fr
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Excellence Art Gallery & Art Caffè Al via un nuovo progetto “cultural-culinario” di
Ettore Tiretto
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eguendo le orme di due italiani emigrati a Marbella, scopriamo un interessante progetto, recentemente avviato nella cittadina Andalusa i primi giorni di settembre: un nuovo spazio d’arte che unisce l’arte culinaria all’interno di una galleria d’arte contemporanea. Si tratta di una grande scommessa da parte dell’artista Massimo Cedrini che dopo alcuni anni dall’apertura della sua prima galleria (ancora aperta nella parte antica di Marbella), decide di alzare il tiro, proponendo uno spazio unico nel suo genere, una superficie di ben 250 m2 che unisce 2 attività differenti: un locale, “Art Caffè”, all’interno di una galleria d’arte: un sicuro successo! Gli ingredienti sono gli stessi del loro inizio, da un lato troviamo Massimo Cedrini la parte emozionale di un artista dall’altra la parte organizzativa del direttore artistico Giuseppe Carnevale. Per l’inaugurazione ufficiale del nuovo locale è stato scelto un titolo emozionalmente forte come “TI AMO ITALIA”, una mostra collettiva internazionale dove hanno preso parte gli artisti del gruppo Excellence Art Gallery provenienti dalla Spagna, Italia, Francia, Argentina, Finlandia, Svizzera, Germania con: Ana Buitron, Asuncion Muñoz, Betiana Bradas, Elena Oundjian, Ekatherina Savtchenko, Gabriela Ehrling, Josè Ramon Sala, Juan Vicente, Javier Jimenez, Leticia De Prado, Massimo Cedrini, Maiju Tirri, Noè Lozano, Paula Trull, Rafa Echeverria, Rosanna Moreno, Seija Veijonen, Xavi Garcia, Kitou, Zazzà d’Anna. Una curiosità legata al titolo della mostra che nasce dalle due opere di Massimo Cedrini e di Zazzà, l’uno rappresentando un grande cuore con la scritta
“Ti Amo”, l’altro, un opera che raffigura i cinque continenti con il testo della mitica Immagine dei Beatles, entrambe con un chiarissimo riferimento all’amore universale. Il nuovo progetto “cultural-culinario” vuole trasformare la galleria in un punto di riferimento per presentazioni editoriali, concerti musicali, riunioni con associazioni culturali, dibattiti ed incontri con gli artisti: il sogno di Massimo e di Giuseppe sta per realizzarsi. Il prossimo impegno della galleria “Excellence Art Gallery” è la mostra “Golden Mile Art Marbella” in programma durante le festività natalizie dall’8 dicembre al 6 gennaio, una grande festa artistica dove Excellence Art Gallery vuole avvicinare nuovi talenti, giovani e meno giovani da inserire e promuovere nelle loro mostre internazionali in giro per l’Europa attraverso fiere internazionali come ad esempio l’ultima, in ordine di tempo, che li ha visti ad Art l Zurich in Svizzera. s
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INFO Excellence Art Gallery www.excellenceartgallery.com Instagram.com/excellenceartgallery Facebook.com/excellenceartgallery [4] [1] Massimo Cedrini vicino alla sua opera “Ti Amo” [2] Momento del vernissage en “Art Caffè” [3] La terrazza di “Excellence Art Gallery” & “Art Caffè” [4] Il Cocktail di ricevimento [5] Gli artisti presenti al vernissage della mostra “Ti Amo” [6] Massimo Cedrini con il direttore artistico Giuseppe Carnevale [5]
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All images are © Courtesy Art Basel
Art Basel Miami Beach Oltre 200 tra le più importanti gallerie internazionali Over 200 of the most important international galleries by Vincenzo Chetta
Art Basel Miami Beach 2017 © Courtesy Art Basel
Galerie Urs Meile-Zhang Xuerui 216 201808, 2018 Courtesy of the artist and the gallery
Standard (Oslo) Torbjørn Rødland Frau mit Bleistift Nr. 1, 2002 Courtesy of the artist and the gallery Art Basel Miami Beach 2017 © Courtesy Art Basel
Aprirà al pubblico il 6 dicembre la 17a edizione di Art Basel Miami Beach, che si svolgerà nel recentemente rinnovato centro congressi di Miami Beach.
The 17th edition of Art Basel Miami Beach, which will take place in the recently renovated Miami Beach convention center, will open to the public on December 6th.
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ltre 200 gallerie leader di 35 paesi, di cui 29 ad Art Basel a Miami Beach per la prima volta. Anche quest’anno è forte presenza di gallerie e artisti latinoamericani, che riflettono l’importanza di Art Basel a Miami Beach. Art Basel, il cui Lead Partner è UBS, si svolgerà dal 6 al 9 dicembre 2018 all’interno della struttura all’avanguardia del centro congressi Miami, recentemente rinnovato, pronto a fornire una piattaforma di primo piano per le gallerie espositive. 268 le gallerie selezionate per il Miami Beach show. Gallerie da 35 paesi: Nord e Sud America, Europa, Asia, Medio Oriente e Africa, gli espositori presenteranno Arte Moderna e contemporanea, opere di artisti emergenti e affermati. Metà dei suoi galleristi hanno spazi espositivi nelle Americhe, infatti Art Basel a Miami Beach è la principale Fiera d’Arte. Quest’anno, la ristrutturazione del Miami Beach Convention Center (MBCC) sarà conclusa, mentre il completamento che prevede la realizzazione parchi verrà realizzata nei prossimi anni. Il settore principale comprende le principali gallerie del mondo che presenteranno opere di pittura, scultura, disegni, installazione, fotografia, lavori video e digitali di altissimo livello. Quest’anno, tornano a partecipare 12 gallerie che hanno precedentemente esposto nei settori di Nova, Positions o Survey dello show: Boers-Li Gallery, Canada, David Castillo Gallery, DC Moore Gallery, Essex Street, Tanya Leighton, mor charpentier, Proyectos Monclova, Ratio 3, Simões de Assis Galeria de Arte, Travesía Cuatro and Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois. Due gallerie della main section, Kayne Griffin Corcoran e Cardi Gallery, saranno completamente all’esordio, mentre Barbara Thumm tornerà nella main section dopo una breve interruzione. Tra le gallerie italiane ricordiamo: Alfonso Artiaco, Cardi Gallery, Galleria Continua, Massimo De Carlo, kaufmann repetto, Magazzino, Mazzoleni, Galleria Franco Noero, Lia Rumma e Tornabuoni. Queste sono solo alcune delle gallerie presenti, una fiera da non perdere, per l’elenco completo, visita il l sito: artbasel.com/miami-beach/galleries s
ver 200 leading galleries from 35 countries, including 29 at Art Basel in Miami Beach for the first time. Also this year there is a strong presence of Latin American galleries and artists, which reflect the importance of Art Basel in Miami Beach. Art Basel, whose Lead Partner is UBS, will be held from 6 to 9 December 2018 within the avant-garde structure of the newly renovated Miami downtown, ready to provide a leading platform for the exhibition galleries 268 selected galleries for the Miami Beach show. Galleries from 35 countries: North and South America, Europe, Asia, Middle East and Africa, exhibitors will present Modern and Contemporary Art, works by emerging and established artists. Half of its gallery owners have exhibition spaces in the Americas, in fact Art Basel in Miami Beach is the main Art Fair. Miami Beach Convention Center (MBCC) will be concluded, with expected completion of the parks as a next phase of the project to be realized in the coming years. The main sector includes the main galleries in the world that will present works of painting, sculpture, drawings, installation, photography, video and digital work of the highest level. This year, a strong list of returning participants is joined by 12 galleries that have previously participated in the show’s Nova, Positions or Survey sector: Boers-Li Gallery, Canada, David Castillo Gallery, DC Moore Gallery, Essex Street, Tanya Leighton, mor charpentier, Proyectos Monclova, Ratio 3, Simões de Assis Galeria de Arte, Travesía Cuatro and Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois. Two galleries in the main sector, Kayne Griffin Corcoran and Cardi Gallery, will be completely new to the show, while Barbara Thumm will return to the sector after a brief hiatus. Among the Italian galleries we mention: Alfonso Artiaco, Cardi Gallery, Galleria Continua, Massimo De Carlo, kaufmann repetto, Magazzino, Mazzoleni, Galleria Franco Noero, Lia Rumma e Tornabuoni. These are just some of the galleries in Art Basel Miami Beach, a fair not to be missed. For the full list, l please visit artbasel.com/miami-beach/galleries s
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Abraham Cruzvillegas, Autorreconstrucción To Insist, to Insist, to Insist Courtesy of The Kitchen, New York © Paula Court
Isla Flotante-Rosario Zorraquin, Alta Nueva Courtesy of the artist and the gallery
Galleria Lorcan O'Neill Roma-Luigi Ontani Perentorio, 2007 Courtesy Galleria Lorcan O’Neill
Bergamin & Gomide-Paulo Roberto Leal Entretela, 1975 Courtesy of Bergamin & Gomide. Photo Ding Musa
w w w. c a m m i n a c o n m e . c o mwww.arcipelagofotografico.com
photographer rome buenos aires
PATRIZIA DOTTORI
Art Basel Miami Beach 2017 © Courtesy Art Basel
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Fiera Contemporanea 2018 La 22ª edizione riproposta a Cesena di
Ettore Tiretto
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o scorso anno ci domandavamo se sarebbe stato confermato il cambio di location dell'affermata Contemporanea Forlì, la fiera d'arte moderna e contemporanea che aveva festeggiato nel 2016 i suoi primi vent'anni sul suolo forlivense. Approdata dunque nei padiglioni di Cesena Fiera, Contemporanea sta cambiando veste, sta maturando una sua identità, e le differenze con gli anni preAlcune foto della Fiera contemporanea nei nuovi padiglioni di Cesena Fiere Sotto: l’installazione “Come le foglie” di Ignazio Fresu A destra: un particolare dello spazio dedicato ad Ignazio Fresu.
cedenti sono evidenti. I punti cardine rimangono saldi: l'asta benefica di “Arte per La Nave”, “Spazio allo Spazio”, l'immancabile installazione di Ignazio Fresu (che quest'anno ha presentato per la prima volta “Come le foglie”), la mostra collaterale (“Andy Warhol - VIP Society”, quest'anno ospitata all'ingresso del padiglione), la splendida Francesca che dirige il tutto. Quest'anno tra gli espositori sono sembrati aumentati gli artisti indipendenti ed i collettivi, di solito presenti solo marginalmente in questa Fiera dedicata per lo più alle Gallerie. Che sia un segnale per il mondo del lavoro nel campo artistico, ed in particolare per i professionisti che dedicano le proprie capacità nel presentare in maniera l eccellente, gli Artisti? s
Maria Cavaggioni maria.cavaggioni@gmail.com
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Sono qui - 2018 - olio su tela (dipinto con l’uso delle dita), 60x80 cm.
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ART Innsbruck 2019 Dal 17 al 20 gennaio 2019, Padiglione 1, Fiere Innsbruck From 17 to 20 January 2019, Hall A, Fairground Innsbruck di
Flavio Ennante
Un buon inizio per il nuovo anno
A Good start for the new year
La 23ª ART INNSBRUCK che si svolgerà dal 17 al 20 gennaio 2019. Sarà l’inizio di un altro anno ART di successo.
The 23rd ART INNSBRUCK taking place from 17 to 20 January 2019. Will be the beginning of another successful ART year.
A
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ma correre, non solo in termini di sport, ma anche di affari. Per un quarto di secolo, Johanna Penz, CEO della ART Kunstmesse GmbH, ha organizzato almeno una fiera d’arte all’anno e, nel corso degli ultimi due anni, ce ne sono state anche due. Ma come fa? “Si tratta di tempismo perfetto e resistenza adeguata”, sorride Penz. Lei sa esattamente, di cosa sta parlando. La seconda edizione di ART SALZBURG CONTEMPORARY & ANTIQUE INTERNATIONAL, che è stata fondata solo lo scorso anno e si è svolta in contemporanea con il Classic Expo dal 19 al 21 ottobre di quest’anno, ha appena chiuso i battenti, mentre la pianificazione per l’ART INNSBRUCK sta iniziando. Fondando questa fiera, Penz è entrata nel business della fiera d’arte 24 anni fa e questo evento è diventato un progetto di vetrina di una fiera d’arte basata esclusivamente sull’impresa privata. “Nelle nostre fiere colleghiamo la diversità con l’internazionalità e sin dall’inizio abbiamo offerto un approccio di alta qualità e senza pretese all’arte moderna per i nostri visitatori”, spiega Penz. “Gestire una fiera d’arte che si concentri sulle élite pretese e per di più, chiede che il denaro dei contribuenti non sia arte, è una seccatura”, aggiunge la donna intelligente che sorride, ma vigorosamente. L’arte deve arrivare alla gente e non dovrebbe essere appesa solo nei musei, ma piuttosto nelle case delle persone. Questo è ciò che le fiere d’arte sono per. Tanto più che ci sono così tanti grandi artisti, che vivono e lavorano per la loro arte da acquistare. La direttrice d’arte impegnata, che è stata scelta come Imprenditrice dell’anno per il suo eccezionale spirito imprenditoriale all’inizio di quest’anno, si è sforzata ogni anno di presentare la migliore varietà possibile di espositori e di ispirare spettacoli al suo pubblico. “L’arte può fare qualsiasi cosa ma non deve rimanere ferma ed essere noiosa”, questo è il credo del corridore appassionato. Le fiere d’arte devono essere in continuo movimento. Dal 17 al 20 gennaio nella sala espositiva A di Innsbruck, Penz e il suo team faranno del loro meglio per dimostrare che questa affermazione è vera. Il programma della fiera d’arte si basa sul noto standard elevato e mostra un’entusiasmante gamma di espositori e artisti rinomati come Mel Ramos, Andy Warhol, Otto Mühl e Jakob Gasteiger. Vengono presentati anche giovani talenti emergenti come Michel Friess e Jürgen Norbert Fux. Offerte speciali e spettacoli speciali complel tano il programma. s More than 90 exhibitors from 10 nations exhibit international modern art, classical modernism. Paintings, works on paper, multiples, original graphics, sculptures, objects/installations, artist’s books, photography, new media as well as other treasures.
he loves to run continuously, not only in terms of sports, but also on business. For a quarter of a century, Johanna Penz, the CEO of the ART Kunstmesse GmbH, has organized at least one art fair a year, and during the last two years, there were even two of them. But how does she make it? “It’s all about perfect timing and appropriate endurance”, smiles Penz. She knows exactly, what she’s talking about. The second edition of the ART SALZBURG CONTEMPORARY & ANTIQUE INTERNATIONAL, which was founded only last year and took place simultaneously with the Classic Expo from 19 to 21 October this year, has only just closed its gates, as the planning for the ART INNSBRUCK is getting started. By founding this fair, Penz entered the art fair business 24 years ago, and this event has become a showcase project of an art fair purely based on private enterprise. “In our fairs, we connect diversity with internationality and right from the start we have offered a high-quality and yet unpretentious approach to modern art for our visitors”, explains Penz. “To manage an art fair that concentrates on the pretended elites and what’s more, asks for taxpayer’s money is not art, it is nuisance”, adds the smart business lady smiling, but vigorously. Art has to come to the people and should not hang only in museums, but rather in people’s homes. This is what art fairs are for. All the more since there are so many great artists, who live and work for their art to be purchased. The committed art fair manageress, who was chosen as Entrepreneur of the Year for her outstanding entrepreneurial spirit early this year, has endeavoured each year to present the best possible variety of exhibitors as well as inspiring special shows to her audience. “Art can do anything but stand still and be boring”, this is the credo of the passionate runner. Art fairs must keep moving. From 17 to 20 January in the Exhibition Hall A in Innsbruck, Penz and her team will do their best to show that this statement is true. The art fair program builds on the well-known high standard and shows an exciting range of exhibitors and renowned artists such as Mel Ramos, Andy Warhol, Otto Mühl and Jakob Gasteiger. But also younger emerging talents such as Michel Friess and Jürgen Norbert Fux are presented. Inspiring specials and special shows complete the l program. s 23rd ART INNSBRUCK 17 to 20 January 2019 Thu – Sat: 11:00 – 19:00, Sun: 11:00 – 17:00 Hall A Innsbruck, Entrance East, Claudiastraße 1, 6020 Innsbruck
Ramos Mel “Golden Delicious”, 2011
Juergen Norbert Fux “Dominant“, 2018
Kuno Vollet “Orbit 12”, 2018
Michel Friess “Mickey Lovespray“, 2018
Kaminski Paul “O.T”, 2014
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Antonio A R T E
PaviArt Talent L’edizione natalizia della fiera pavese "Alberi e foglie dorate" olio su tela, 1996, 70x80 cm.
“Ogni passo dell’artista Antonio Arte è una resa alla emozione e al sentimento. Le sue realizzazioni policrome sono perspicaci ma non leziose, suggestive ma non esaurientemente caricate di realtà. La sua risultante pittorica non può che essere un trionfo della natura, una realtà poetica e quotidiana che sa trasformarsi e assume toni di pacata leggenda, e di commovente evocazione. L’artista va al di là delle pure espressioni estetiche, per cercare di rappresentare con l’arte quel mondo composto da pura armonia intessuta da luce calda dotata di un grande gusto pittorico.”
di
Flavio Ennante
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l giorno 1 e 2 dicembre al Palazzo delle Esposizioni di Pavia, location già nota per l’edizione primaverile dell’importante mostra mercato PaviArt, si terrà la seconda edizione del PaviArt Talent, con partecipazione riservata a pittori, scultori, fotografi ed associazioni culturali. Lo scorso anno è stato un grande successo, sia per il pubblico accorso, sia per le vendite realizzate dai singoli artisti espositori. PaviArt Talent vuole educare il giovane pubblico all’Arte e all’acquisto di essa, ed il periodo scelto non a caso è quello di dicembre. Con queste premesse, la fiera pavese per l’arte accessibile diventa realtà, offrendo al tempo stesso l’occasione di avere una più ampia visione sulla realtà artistica l contemporanea. s
Espongono con BIANCOSCURO al PAT 2018: PaviArt Talent 2018 1 e 2 dicembre 2018 Palazzo delle Esposizioni Viale Europa 1 27100 Pavia Sabato 1 dicembre 2017 dalle ore 10:00 alle ore 20:00 Domenica 2 dicembre 2017 dalle ore 10:00 alle ore 20:00
Più di 100 spazi espositivi. Pittura, scultura, grafiche, fotografie e altri oggetti preziosi.
Salvatore Alessi Alessandro Alteo Andrea Bassani Diane Bonjour Nadia Buroni Alessandro Cinardo Patrizia Dottori Daniela Fabbri Rosa Maria Falciola Gaya Federico Gessi Leo Giampaolo Giorgio Gost Magda Hanna
Peter Hide 311065 Ivan Iliev Dan Jordan Stefania Lubatti Pierpaolo Mancinelli Gabriele Marchesi Roberta Mari Federica Marin Mauro Masin Lelio Menozzi Gramoz Mukja Sigrun Neumann Federico Odello Roberto Parmagnani
Laurent Pheulpin Giuseppe Portella Gian Reverberi Isabella Rigamonti Leonardo Rossi Giacomo Sansoni G.Giuseppe Seregni Massimo Soldi Laura Tarabocchia Chris Thomas Olivier Tops Rita Vitaloni Yulianus Yaps Gianna Zanafredi
"Il prato nel bosco" olio su tela, 1997, 70x80 cm.
taziarte@gmail.com 84
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Ornella De Rosa (in arte DRO)
Richiami di fiori - 2018 - acrilico su tela - 80x80 cm.
FB page: DRO ARTE - FB profile: Ornella De Rosa
www.ornelladerosa.it
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ornella627@gmail.com 85
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Special - MAG montreux 14th Contemporary Art Fair
November 7-11, 2018 - 2M2C - Av. Claude-Nobs 5, 1820 Montreux (Switzerland)
14ª Fiera Internazionale d’Arte Contemporanea
7-11 novembre 2018 - 2M2C - Av. Claude-Nobs 5, 1820 Montreux (Svizzera)
Montreux ART Gallery 2018 F E di
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Da sinistra: Jean-François Gailloud, Presidente del MAG, Marie-Hélène Heusghem, Direttore del MAG ed il Direttore di BIANCOSCURO, Vincenzo Chetta
Alcuni bambini osservano le opere presso lo stand di BIANCOSCURO
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i è conclusa l’11 novembre la 14ª edizione del MAG, cinque intensi giorni dedicati all’arte contemporanea. Presenti numerose gallerie svizzere, tedesche, francesi, austriache. Da sottolineare anche gallerie provenienti da America, Asia e Medio Oriente. BIANCOSCURO, presente con la sua selezione d’Arte contemporanea, ha documentato l’evento con tantissime foto, raccolte sulla nostra pagina Facebook e visibili anche in questa pagina! Ottima la riuscita delle mostre tematiche: la “Street Art” ha animato il MAG con performance uniche, e la fantastica sezione “ART ANIMALIER” ha fatto innamorare i visitatori. Non è mancato come di consueto il concorso interno fra gli indipendenti per l’assegnazione dei Premi MAG. Il MAG ci saluta con un arrivederci al 2019, la data fissata è dal 6 al 10 novembre sempre a Monl treux, sempre al 2M2C. s
2018 Media
Partne
r uro.it
artmagazine.biancosc
BIANCOSCURO, presente tra le gallerie, ha esposto le le opere di: Serafino Botticelli, Michaela Bräunche, Alessandro Cinardo, Khrissy, Rosa Maria Falciola, Serge Gauya, Leo Giampaolo, Magda Hanna, Federica Marin, Antonio Melchiorre, Karin Monschauer, Gramoz Mukja, Sigrun Neumann, Laurent Pheulpin, Gian Reverberi, Giacomo Sansoni, Gianluca Giuseppe Seregni, Olivier Tops, Michela Valenti, Sonia VishnudArt, Markus Willi, Gianna Zanafredi. Tra gli Artisti ha esposto singolarmente Gianni Depaoli, vincitore nella sezione scultura del BIANCOSCURO ART CONTEST 2018.
Sopra: Gianni De Paoli, vincitore del BAC’18 e Vincenzo Chetta, Direttore di BIANCOSCURO
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Special - MAG montreux 2018 14th Contemporary Art Fair
November 7-11, 2018 - 2M2C - Av. Claude-Nobs 5, 1820 Montreux (Switzerland)
14ª Fiera Internazionale d’Arte Contemporanea
7-11 novembre 2018 - 2M2C - Av. Claude-Nobs 5, 1820 Montreux (Svizzera)
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Prix MAG 2018
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Montreux Art Gallery 10 novembre 2018
I vincitori dell'edizione 2018 sono: [1] Valérie de Roquemaurel e Yann Oulevay - prix MAG 2018, stand personale per l'edizione 2018 [2] Annick Goecke prix BIANCOSCURO 2018, pubblicazione di un articolo redazionale completo sul numero 32 di BIANCOSCURO [3] Guy Muller prix BIANCOSCURO 2018, pubblicazione di un articolo redazionale completo sul numero 32 di BIANCOSCURO
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L’appuntamento con la 6ª BIENNALE di Montreux è fissato per l’estate 2019 www.biennale.ch L’appuntamento con la 15ª edizione del MAG è fissato per novembre 2019
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MASSIMO
SAVIO
m a s s i m o . s a v i o 5 3 @ g m a i l . c o m
1540 fori legno MDF, colori acrilici, cavi elettrici bianchi e neri 2017, 50x50x1,5 cm.
884 fori legno MDF, colori acrilici, cavi elettrici bianchi e viola, 2017 50x50x1,5 cm.
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Artissima 2018
Artissima spegne le candeline della 25ª edizione Artissima celebrates its 25th anniversary di Vincenzo Chetta
Artissima 2018
La riconferma di un grande evento in- The reconfirmation of a major internaternazionale dell’arte contemporanea. tional contemporary art event. Quasi 55.000 visitatori di cui oltre 5000 collezionisti internazionali, 35 Paesi rappresentati in fiera e 7 importanti premi. i è chiusa la venticinquesima edizione di Artissima, l’unica fiera italiana dedicata esclusivamente al contemporaneo, diretta per il secondo anno da Ilaria Bonacossa e sostenuta per il sedicesimo anno da UniCredit. Come sempre, a partire dal padiglione fieristico Artissima ha coinvolto l’intero territorio torinese in una grande kermesse internazionale. Nelle quattro giornate di apertura, Artissima ha totalizzato 54.800 visitatori, 2.800 persone in più rispetto allo scorso anno. La fiera si conferma protagonista tra gli appuntamenti d’arte contemporanea imprescindibili a livello mondiale e trampolino di lancio per i talenti emergenti e le gallerie di ricerca. A conclusione della manifestazione Ilaria Bonacossa ha detto:“Siamo felici e orgogliosi di questa edizione, in cui abbiamo festeggiato i primi 25 anni della kermesse raccontandone il percorso e rendendo omaggio a chi mi ha preceduto, ma anche proiettando lo sguardo verso il futuro. In questi giorni abbiamo sentito tutta l’energia di una manifestazione che mette l’Italia al centro della ricerca contemporanea e fa di Torino una tappa obbligata del mondo dell’arte”. Sette i riconoscimenti assegnati ad Artissima di cui alcuni storici a ribadire l’impegno concreto della fiera nel supporto della ricerca creativa. Premio illy Present Future: assegnato a Pedro Neves Marques, presentato dalla galleria Umberto di Marino (Napoli). Premio Sardi per l’Arte Back to the Future: assegnato ex aequo alle gallerie Thomas Bernard – Cortex Athletico (Parigi) e a ChertLüdde (Berlino) con un progetto su Rolf Julius e su Ruth Wolf-Rehfeldt. Premio Ettore e Ines Fico: assegnato a Georgia Sardi presentata dalla galleria Anthony Reynolds (Londra). OGR Award: assegnato a Tomás Saraceno con l’opera Radio Galena (2018), presentato dalla galleria Pinksummer (Genova). Premio Refresh Irinox: assegnato a Francesc Ruiz presentato dal García | Galería (Madrid). Campari Art Prize: assegnato a Rodrigo Hernández presentato dalla galleria Madragoa (Lisbona). The EDIT Dinner Prize: assegnato a Bruna Esposito presentata da FL Gallery (Milano). La vitalità di Artissima e la sua forza innovatrice si riverberano su tutto il territorio, grazie alla collaborazione attiva con numerose istituzioni pubbliche, musei, fondazioni, gallerie. La Camera di commercio di Torino ha verificato la rilevanza dell’impatto economico che Artissima ha avuto sulla città con un indotto pari a 3,7 mil lioni € ogni anno oltre al suo budget di spesa. s
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All images are of Artissima 2018 © Ph. Perottino – Piva – Bottallo
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Almost 55.000 visitors, over 5.500 collectors from all over the world, 35 countries represented and 7 important prizes. he 25th edition of Artissima, the International Fair of Contemporary Art and the only one in Italy dedicated exclusively to contemporary art, closed to the public on Sunday 4 November. The fair was directed for the second consecutive year by Ilaria Bonacossa, and realised with the support of main partner UniCredit for 16 years. During the four days of the fair, Artissima welcomed 54.800 visitors, 2.800 more than last year. Artissima confirms its leading role amongst influential contemporary art events with international visibility, providing a platform for emerging talents and innovative galleries. At the conclusion of the event, director Ilaria Bonacossa commented:“I am proud of this latest edition, in which we celebrated our 25th anniversary of the fair, narrating its history and paying tribute to those who came before us, while also projecting our vision into the future. During the days of the fair we have experienced all the energy of an event that puts Italy at the centre of contemporary research, continuing to make Turin an indispensable destination of the art world”. Seven awards were presented during the fair, reflecting Artissima’s commitment to the support of creative research. Premio illy Present Future: awarded to Pedro Neves Marques, presented by Umberto di Marino (Naples). Premio Sardi per l’Arte Back to the Future: awarded with equal merit to Thomas Bernard – Cortex Athletico (Paris) and ChertLüdde (Berlin) for their projects on Rolf Julius and Ruth Wolf-Rehfeldt. Premio Ettore e Ines Fico: awarded to Georgia Sardi, presented by Anthony Reynolds (London). OGR Award: awarded to Tomás Saraceno with the work Radio Galena (2018), presented by Pinksummer (Genova). Premio Refresh Irinox: awarded to Francesc Ruiz, presented by García | Galeria (Madrid). Campari Art Prize: awarded to Rodrigo Hernández, presented by Madragoa (Lisbon) The EDIT Dinner Prize: awarded to Bruna Esposito, presented by FL Gallery (Milan). The vitality of Artissima and its innovative force is spread across the region, thanks to active collaboration with many public institutions, museums, foundations and galleries. The Chamber of Commerce of Turin has estimated that the economic impact of Artissima on the city brought an influx equal to 3.7 million € in one year, l above and beyond the expenditure budget of the fair. s
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A destra: (on the right) Campari Art Prize: Claire Tancons, Abaseh Mirvali, Ilaria Bonacossa, Paolo Cavallo, Matteo Consonni, Lorenzo Fusi.
Artissima 2018
Sopra: la torta dei 25 anni con: (Above the cake of 25th years with:) Maurizio Cibrario, Fulvio Gianaria, Antonella Parigi, Ilaria Bonacossa, Sergio Chiamparino, Carla Mainoldi, Francesco Profumo, Vincenzo Ilotte, Francesca Leon
Ugo La Pietra “Audio Casco”, 1967
Christina Kubisch “The Greenhouse”, 2017
Artissima 2018
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Salzburg Contemporary T I N A Art Ha trovato la location giusta! MARTINO
Has found its place! di
Flavio Ennante
L’ART Kunstmesse GmbH e la direttrice Johann Penz sono riusciti a rendere la seconda edizione un successo strepitoso in termini di numero di visitatori e vendite. a soddisfazione degli espositori è stata raggiunta con un elevato numero di vendite, dice la direttrice Johanna Penz riguardo la seconda edizione di ART Salzburg Contemporary. Per la direttrice Penz, è stato un successo strepitoso. “Nessuno può aspettarsi che una nuova fiera d’arte si stabilisca già alla seconda edizione, inoltre, in un posto così impegnativo come Salisburgo. In una certa misura, ci stiamo ancora conoscendo”, afferma Penz. “Ma dopo questo fine settimana lo sappiamo per certo: l’ART SALZBURG CONTEMPORARY ha trovato il suo posto a Salisburgo, la grande risposta dei visitatori ha superato anche le nostre più alte aspettative.” Anche alla prima serata, centinaia di appassionati d’arte sono arrivati nella sala espositiva e il flusso di visitatori non si è fermato durante i giorni seguenti, sabato e domenica sono stati praticamente travolgenti. La collaborazione con il Classic Expo è stata un’ulteriore stimolo per l’evento artistico e soprattutto per l’atmosfera. “È un grande vantaggio per una fiera d’arte, quando c’è un evento che si svolge nelle vicinanze. Sono sicuro che molte persone, che non erano mai state in una fiera d’arte, sono venute qui per guardarsi intorno”. Durante la conferenze tenute dalla direttrice Johanna Penz, Hans Harrer, Otto Hans Ressler, il Prof. Siegfried Karrer e l’artista Jürgen Norbert Fux, è diventato chiaro che ci sono molte aree in cui economia e arte si sovrappongono ed è emerso un problema, su cui tutti erano d’accordo: gli acquisti d’arte dovrebbero essere deducibili dalle tasse. “Questo sarebbe il modo migliore e più efficace per promuovere l’arte”, dice Penz, che sta già preparando la sua prossima fiera d’arte a Innsbruck. La 22ª ART Innsbruck aprirà le sue porte l dal 17 al 20 gennaio 2019. s
L Senza titolo olio su tela
Pittrice nata ad Andria, ha condotto studi classici e insegnato per lunghi anni come docente di educazione artistica. La sua pittura richiama la realtà figurale della Metafisica, con un personale contributo cromatico che ne evidenzia la sua originalità. È presente sulla scena artistica, esponendo le sue opere, ottenendo premi e consensi dalla critica specializzata.
The operator ART Kunstmesse GmbH and their foundress and director Johann Penz managed to make the second edition a resounding success in terms of visitor numbers and sales. he exhibitors’ radiant faces and excellent sales figures are the splendid results presented by the ART director Johanna Penz after the second edition of the ART Salzburg Contemporary has closed its gates last Sunday, following three well visited days in the Exhibition Centre. For Penz, it was a roaring success. “Nobody can expect a new art fair to be established already at the second edition, moreover, in such a demanding place like Salzburg. To a certain extent, we are still getting to know each other”, says Penz. “But after this weekend we know for sure: the ART SALZBURG CONTEMPORARY has found its place in Salzburg, the great response from the visitors has exceeded even our highest expectations.” Even at the opening night, hundreds of art lovers surged into the exhibition hall and the flow of visitors did not stop during the following days, Saturday and Sunday were virtually overwhelming, tells Penz. The cooperation with the Classic Expo was an additional stimulation for the art event and above all for the atmosphere. “It is a great benefit for an art fair, when there is an event taking place nearby. I am sure that a lot of people, who had never been on an art fair before, came here to look around.” During the discussion the director Johanna Penz, Hans Harrer, Otto Hans Ressler, Prof. Siegfried Karrer and the artist Jürgen Norbert Fux, it became clear that there are many areas where economy and art overlap. There was one issue, on which all agreed: art purchases should be tax-deductible. “This would be the best and most efficient way to promote art”, says Penz, who is already preparing her next art fair in Innsbruck. The 22nd ART Innsbruck l will open its gates from 17 to 20 January 2019. s
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Dualismo olio su tela, 50x70 cm.
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29ª Arte Padova
Una location di oltre 30.000m2 che racchiude oltre 15.000 opere A location of over 30,000m2 with over 15,000 artworks
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di Vincenzo Chetta
Ad un passo dal 30o anno di attività
One step away from the 30th year of activity
Inaugurata il 16 novembre la 29° edizione di ArtePadova, 4 giorni d’arte per 15.000 opere distribuite su oltre 30.000 mq.
The 29th edition of ArtePadova, 4 days of art for 15,000 works on over 30,000 square meters, was inaugurated on November 16th.
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ltre 120 le gallerie partecipanti, un livello di proposte decisamente più alto degli anni passati, molti i capolavori che è stato possibile ammirare appesi alle pareti. Nelle parole del direttore Nicola Rossi, la sintesi: “Durante questa fiera la città di Padova ha a disposizione il più grande museo temporaneo, di arte moderna e contemporanea d’Italia.” Tornabuoni, Mazzoleni e Contini fanno la parte del leone: Tornabuoni con opere di Accardi, Boetti, Fontana, Dorazio, Biasi,De Chirico e Schifano; Mazzoleni con un magnifico “Concetto spaziale, Attesa blu” di Fontana, oltre ad un capolavoro di Burri, Vedova e dei bellissimi Alviani; Contini con proposte contemporanee del calibro di Galliani, Indiana, Gard, Arman, Mitoraj e Meneghetti. Altre gallerie, con un’offerta molto interessante, da citare: Santo Ficara, Bonioni Arte, Galleria Accademia, Galleria Lara e Rino Costa, Colossi Arte Contemporanea, Eidos Immagini Contemporanee, Galleria Stefano Forni, Galleria Poggiali, RossoVermiglioArte e Vecchiato Arte. Da citare la presenza dell’archivio Ezechiele Leandro, artista leccese scomparso nel 1981, definito “Il Primitivo dell’Arte” autore del “Santuario della Pazienza” a San Cesario di Lecce. Una nota: arrivando da un periodo di fiere estere, ho proseguito il trend del “saluto entrando nello stand”, ho subito smesso. In Italia non si fa, nelle fiere italiane non si saluta, nè entrando nè uscendo. C’è chi dice che questa sia maleducazione, ma io non credo sia questo il vero motivo, io credo questo sia solo il nostro retaggio. Nè buono nè cattivo, siamo fatti così, quando osserviamo l’arte non vogliamo essere disturbati, quindi perché interl rompere la magia con una parola? s
ver 120 participating galleries, a level of proposals decidedly higher than in the past, many masterpieces that could be admired hanging on the wall. Nicola Rossi has commented: “During this fair the city of Padua has the largest temporary museum of modern and contemporary art.” Tornabuoni, Mazzoleni and Contini make a stern voice: Tornabuoni with for example artworks of Accardi, Boetti, Fontana, Dorazio, Biasi,De Chirico e Schifano; Mazzoleni with a magnificent “Concetto spaziale, Attesa blu” of Fontana, over a masterpieces of Burri, Vedova and the beautiful Alviani; Contini with contemporary proposals of the caliber of Galliani, Indiana, Gard, Arman, Mitoraj e Meneghetti. Other galleries with a very interesting offer were: Santo Ficara, Bonioni Arte, Galleria Accademia, Galleria Lara e Rino Costa, Colossi Arte Contemporanea, Eidos Immagini Contemporanee, Galleria Stefano Forni, Galleria Poggiali, RossoVermiglioArte e Vecchiato Arte. To mention the presence of “archivio Ezechiele Leandro”, artist passed away in the 1981, defined as “Il Primitivo dell’Arte” autor of “Santuario della Pazienza” in San Cesario of Lecce. A note: coming from a period of foreign fairs, I continued the trend of “greeting” but I stopped immediately, in Italy don’t do that, in Italian fairs don’t say goodbye, entering or leaving, some say that this is rudeness, but I do not think this is the real reason, I believe this is just our heritage. We’re like that, when we look at art, we don’t want to be l disturbed, so why break the magic with a word? s [1] Galleria RossoVermiglio [2] Galleria Mazzoleni [3] Contini Contemporary [4] Tornabuoni Art [5]Stand BIANCOSCURO
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Loredana Boldini BIANCOSCURO RIVISTA d’ARTE Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it
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DISSOLVENZA - 2018, tecnica mista su tela con fondo a stucco, 60x80 cm.
Art Fair
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Fiere, manifestazioni ed esposizioni internazionali International fairs, exhibitions and exhibitions
Italia
BERGAMO Bergamo Arte Fiera 12-14 gennaio 2019 www.bergamoartefiera.it BOLOGNA Arte Fiera 1-4 febbraio 2019 www.artefiera.it
MILANO MiArt 5-7 aprile 2019 www.miart.it
Pavia Art Talent 1-2 dicembre 2018 www.patpavia.it Affordable Art Fair 25-27 gennaio 2019 www.affordableartfair.com Grand Art 8-10 novembre 2019 www.grandart.it StepArtFair ottobre 2019 www.stepartfair.com
FORLI’-CESENA Vernice ArtFair 15-17 marzo 2019 www.verniceartfair.it
PAVIA PaviArt 15-17 marzo 2019 www.paviart.it
MONTICHIARI (BS) Expo Arte 10-12 maggio 2019 www.expoartemontichiari.it
FIERA F CONTEMPORANEA
TORINO Artissima 1-3 novembre 2019 www.artissima.art
GENOVA Arte Genova 15-18 febbraio 2019 www.artegenova.com
PADOVA Arte Padova 15-17 novembre 2019 www.artepadova.com
PARMA ArtParma 2-3 e 8-9-10 marzo 2019 www.artparmafair.it PER INFORMAZIONI: SEGRETERIA ORGANIZZATIVA: +39 049 8800305
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AMSTERDAM (NL) Affordable Art Fair october 2019 www.affordableartfair.com BARCELONA (E) Loop Fair november, 2019 www.loop-barcelona.com BASEL (CH) Art Basel june 13-16, 2019 www.artbasel.com
Paratissima 1-3 novembre 2019 www.paratissima.it VENEZIA La Biennale di Venezia 11 mag.- 24 nov. 2019 www.labiennale.org
XXII edizione Arte moderna e contemporanea
Arte Forlì-Cesena Contemporanea 25-28 ottobre 2019 www.fieracontemporanea.it
Europe
Liste Basel june 10-16, 2019 www.liste.ch BERLIN (D) Berlin Art Week PRESS septemberRELEASE 11-15, 2019 | FEBRUARY | 6 | 2014 BASEL www.berlinartweek.de Art Berlinline-up of galleries at Art Premier september 12-15, 2019
VERONA ArtVerona ottobre 2019 www.artverona.it VICENZA ArteVicenza 13-14 aprile 2019 www.artevicenza.net
Art Basel today announced detail www.artberlinfair.com place June 19 to June 22, 2014. Th present works ranging from the M most contemporary artists of toda will present a geographically dive year Statements, Art Basel's secto alongside the Galleries sector, giv placement within the show.
Positions Berlin
With Statements being located in Ha september 12-15, renowned Basel2019 architects Herzog & www.positions.de for the Magazines sector and the au
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While galleries from Europe will con
exhibitors and artists from across the RIVISTA d’ARTE strong selection of exhibitors with sp Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it
The participating galleries have exhi
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BRUXELLES (B) Art Brussels april 25-28, 2019 www.artbrussels.com
MADRID (E) Art Madrid feb. 27 - mar.3, 2019 www.art-madrid.com
Brafa jan. 26-feb. 3, 2019 www.brafa.be
MARBELLA (E) Art Marbella july, 2019 www.marbellafair.com
CHESTER (ENG) Chester Arts Fair november 15-17, 2019 www.chesterartsfair.co.uk COLOGNE (D) Art Cologne april 11-14, 2019 www.artcologne.com
MONTE-CARLO (MC) Art Monte-Carlo april 26-28, 2019 www.artmontecarlo.ch MONTREUX (CH) Montreux Art Gallery november 6-10, 2019 www.mag-swiss.com
GENEVE (CH) Art Genève jan. 31-feb. 3, 2019 www.artgeneve.ch KARLSRUHE (D) Art Karlsruhe february 21-24, 2019 www.art-karlsruhe.de INNSBRUCK (A) Art Innsbruck january 17-20, 2019 www.art-innsbruck.at
PARIS (F) Fiac october 17-20, 2019 www.fiac.com Art Paris april 4-7, 2019 www.artparis.com
ISTANBUL (TR) CI contemporary istanbul – 20 GENNAIO 2019 september, 2019 O FIERA INNSBRUCK contemporaryistanbul.com
nsbruck.com
VIENNA (A) LONDON (ENG) Vienna Contemporary Frieze London september 26-29, 2019 october 2-6, 2019 www.viennacontemporary.at www.frieze.com ART SALZBURG CONTEMPORARY & ANTIQUES INTERNATIONAL ZURICH (CH) London Art19 Fair– 21 OTTOBRE Art International 2018 Zurich CENTRO FIERA DI SALISBURGO january 16-20, 2019 september 26-29, 2019 www.londonartfair.co.uk www.art-zurich.com Bild: Roman Träxler
rincipale A
CHICAGO (USA) Expo Chicago september 19-22, 2019 www.expochicago.com DUBAI (UAE) Art Dubai march 20-23, 2019 www.artdubai.ae
HONG KONG (CN) Art Basel march 29-31, 2019 www.artbasel.com Affordable Art Fair may, 17-19, 2019 www.affordableartfair.com MEXICO CITY (MEX) Zona MACO february 6-10, 2019 www.zonamaco.com
SALZBURG (A) Art Salzburg Contemporary october 18-20, 2019 art-salzburg-contemporary.com
A INTERNAZIONALE CONTEMPORANEA | 19°– 21° SECOLO
11.00 – 1900 – 1700
World
fiera internazionale d’arte contemporanea, classico moderno & antiquariato | 19° – 21° secolo
MIAMI BEACH (USA) Art Basel december 6-9, 2018 www.artbasel.com
MOSCOW (RUS) Cosmoscow september, 2019 www.cosmoscow.com
NEW DELHI (IND) India Art Fair jan. 31 - feb. 3, 2019 www.indiaartfair.in NEW YORK (USA) Art NewYork may 2-5, 2019 www.artnyfair.com ArtExpo NewYork april 4-7, 2019 www.artexponewyork.com
Affordable Art Fair september, 2019 www.affordableartfair.com SINGAPORE (SGP) Affordable Art Fair november, 2019 www.affordableartfair.com TOKYO (J) Art Fair Tokyo march, 2019 www.artfairtokyo.com TORONTO (CDN) Art Toronto october, 2019 www.arttoronto.ca VANCOUVER (CDN) Art! Vancouver april 25-28, 2019 www.artvancouver.net
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BIANCOSCURO In contemporanea alla più importante fiera austriaca di auto d‘epoca.
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94 Polinesia © Photo by Adele Arati
Dopo essere attraccati e mentre camminavo faticosamente al fianco di Emiri (la mia guida Kahuna), continuavo a ripetere quella definizione. Ci volle una quarantina di minuti per raggiungemmo il villaggio di Atuona. Mi sembrava di essere sulle Dolomiti, immersi nelle altissime e lussureggianti montagne a picco sull’Oceano Pacifico. Qui non trovai la Polinesia da turista, ma quella arcaica da viaggiatrice. Un po’ più in alto rispetto al villaggio, la tomba di Paul Gauguin ci aspettava al piccolo cimitero; una volta giunti lì, la mia prima domanda fu: “Ma i polinesiani da dove derivano, se questa è la Terra degli uomini?” Alla mia insolita interrogazione, Emiri per rispondermi sfilò dallo zaino un misterioso libro, colmo di simboli e scritture in una strana lingua, con a fianco la traduzione in francese, e incominciò a raccontare… “Sai Paul si faceva le tue stesse domande e vivendo qui prese appunti, anche lui ebbe la sua Kahuna, ma leggiamo cosa scriveva: Nell’isola ci sono siti archeologici che ci danno indicazioni su dove veniamo e chi siamo. Troviamo a est il villaggio di Puama’u (I’ipona) con i suoi Tiki, a sud Ta’a’Oa le rovine di un centro della Sapienza e a nord di Atuonaio i petroglifi di Tehueto scolpiti su basalto. Infine, a mezz’ora quello di Tohua Upeke, un quadrilatero megalitico immerso nella foresta: si tratta di una triplice cinta con tanti massi disposti su più livelli. Qui siamo difronte ad una misteriosa archeologia oceanica.” Emiri, mi guardò e sorrise, poi incamminandosi con passo veloce mi condusse a visitarli; un’elicottero ci aspettava, una volta decollati, dall’alto si potè ammirare un panorama mozzafiato, poi atterrammo per le mete prefissate…
[8ª puntata]
nel cuore del mito di Paul Gauguin
Oceano Pacifico: il Triangolo della terra degli uomini
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A
rrivammo al sito archeologico di Me’ae a Puama’u, che ospita il tiki più grande dell’isola: Taka’i alto 2.40 metri, immerso tra la lussureggiante vegetazione. Il sito conserva mura megalitiche che si prolungano in altezza nella foresta, e fanno pensare a un’antico insediamento come quelli del Perù o di Alatri, in Italia. Altri Menhir sono scolpiti nella roccia lavica in posizione meditativa, con una forma umanoide pesciforme e con grandi occhi rotondi. Vi è un altro particolare Tiki, il Maki’ i Taua Pepe: una scultura di un essere volante in posizione coricata, come quello nel sito archeologico Maya di Palenque. Tali raffigurazioni richiamano le statue di molte altre antiche culture mondiali, come quel menhir con figura antropomorfa che si trova in Sardegna, lateralmente alla piramide di monte Accodì. Credo che, dopo avere introdotto negli articoli precedenti le tecniche megalitiche e la loro collocazione temporale, voi lettori possiate seguirmi nelle prossime righe… Il termine Tiki si riferisce alla personificazione portatore di Mana, il soffio vitale, la coscienza di origine Megalitica Africana, diffusa in tutto il globo, sono utilizzati per marcare luoghi energetici significativi. Queste raffigurazioni sono presenti anche qui e considerate patrimonio dell’arte oceanica. Nella mitologia dell’oceano pacifico, Tiki è l’antenato di tutti questi popoli, il progenitore del genere umano. Tale narrazione rivela che Tiki si tuffò in uno stagno dove trovò Hine kau ataata (la prima donna nata sulla Terra) ed insieme navigarono i mari guidando i loro discendenti verso le isole delle ultime Terre degli uomini.
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Emiri sorridendo aggiunse che anche sugli Urali, il 24 gennaio del 1890 nella torbiera di Šigir, delle popolazioni nordiche alla ricerca dell’oro, costruirono totem in legno. Ne è stato trovato uno ed è stato chiamato Shigir. È una monumentale scultura all’incirca di 3 metri di altezza come i Tiki. L’archeologo Thomas Terberger nel 2015 lo sottopose alla
Emiri riprese a leggere il diario di P. Gauguin: "Nelle terre di mia madre in Perù,il mio bisnonno materno Mariano Tristan y Moscoso, il quale discendeva da Montezuma II (erede di Ahuitzotl azteco e sovrano della città di Tenochtitlán e tlatoani), ci lasciò delle leggende locali: dopo una grande inondazione dal nord, delle alte genti dalla pelle bianca, dai capelli rossi oro, con lunghe barbe e grandi occhi rotondi, portarono una lingua e una scrittura chiamata Setzar. In un primo momento furono incomprensibili, ma poi costruirono delle piramidi, insegnarono le scienze e la storia. Chiamati inizialmente KonTiqui (KonTiki) e poi Viracochas, ad un certo momento se ne andarono su imbarcazioni che apparentemente si muovevano da sole. Credo siano arrivati ad insediarsi qui". (Mi sentii una viaggiatrice dello Spazio_Tempo, con molti dubbi da chiarire e con domande rimaste aperte.)
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spettrometria di massa (AMS) rilevando che risaliva a 11.600 anni fa, come il complesso turco di Göbekli Tepe. Questo dimostra che le genti a est degli Urali avevano già sviluppato le stesse capacità artistiche dell’Anatolia e dell’Oceania. Potrebbe essere possibile che anche questi Tiki siamo così vecchi, come quelli più famosi dell’isola di Pasqua, dati gli stessi tratti somatici. Un’altra camminata nella foresta e ci dirigemmo a Nord di Atuona a visitare i petroglifi di Tehueto. Durante la marcia Emi (ormai eravamo in confidenza), mi raccontò che c’era un’altra isola che aveva altre incisioni simili: Maupiti a soli 40 Km da Bora Bora. Essendo poco conosciuta, mostra ancora i siti archeologici intatti. All’improvviso un temporale ci colpì all’interno della valle, la pioggia evidenziò le sagome scolpite di cerchi con un punto al loro centro, spirali e una scimmietta con la coda attorcigliata; mi sembrò di essere tornata in Italia, dal Salento alla Val Camonica.
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Senza più parole dallo stupore, strappai il misterioso taccuino dalle mani di Emi e iniziai a leggere sottovoce, era in francese, ma riuscivo a capirlo: "Tehueto: in queste incisioni rupestre si racconta il mito, ed è fondamentale conoscerlo per capirle, ci sono popolazioni ancora oggi viventi che lo conservano, una di queste abita qui ed è oracolato attraverso l’art’è dai Kahuna… Da generazioni all’Origine il mito narra che all’inizio di tutte le cose, quando l’universo ed il tempo non esistevano vi era solo un’entità, Ta’aroa Dangma, ed era in Ta’Abzu, le acque primordiali, era la fredda e immobile perfezione assoluta, Ta’vahbavs. La Fonte d’amore che viveva chiusa in una conchiglia, il suo cuore batteva in piena solitudine. Fu proprio questo sentimento che la spinse a creare i due mondi, decidendo di trasformare un suo Ta’utahd in tutte le cose e così potere dire non sono più sola. Spezzò la sua conchiglia ovale immersa nel nulla, si divise in due e si trasformò in due corazze simili ma opposte, simile al dorso delle tartarughe e incominciò il suo cammino alimentando all’infinito il tunnel spiraliforme tra le due parti. La parte superiore Avaiki, il luogo IO degli alberi, della coppia Rangi e Atuana, e quella inferiore fu la Terra degli Uomini, della femmina TU - A."
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Il racconto continuava ma Emiri mi riprese il libro, vietandomi di continuare a leggerlo. Per avere un quadro pù preciso mi rimaneva di vedere Ta’a’Oa e Tohua Upeke, i quadrilateri megalitici, ma le pagine del quaderno di Paul ci condussero ai bastioni di Kamuihei nella vicina isola di Nuku Hiva. All’arrivo la baia è un gigantesco anfiteatro vulcanico dominato da altissime scogliere in cui scendono cascate. I due siti principali si trovano nella folta foresta e sono la valle di Taipivai (il Tiki seduto) e le rovine nei pressi del villaggio di Hatiheu. Antiche città con strade lastricate e piattaforme megalitiche. Con enormi pietre incastrate alla perfezione come quelle dell’area Mediterranea o
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[...] continua sul prossimo numero di BIANCOSCURO
Peruviana e coppelle come nell’Appennino Tosco-Emiliano. Inoltre presentano sculture pesciformi con una marcata somiglianza a quelle asia-africane e centro-americane: esseri dall’aspetto serpentiforme, emblemi di una storia cancellata dal tempo. Era evidente che Paul G. era stato a contatto con il Reale mito e non c’è da stupirsi se nelle ultime pagine di quel libro scrisse: "La stirpe polinesiana, assomiglia a quella africana, qui i tiki sono inquietanteMente simili alle teste Olmeche che ricordano i Moai dell’isola di Pasqua,e che sorvegliano i Marae, ma cosa vuole raccontarmi il Mito Oceanico e perché è così profondamente legato a queste enormi triplici cinte? Una cosa è certa, questo era il loro senso di vivere." Il mio viaggio negli Oceani non finì, tornando verso Tahiti, toccammo Raiatea, Bora Bora, Rangiroa e molte altre, in particolare Rapa Iti, dove lasciai la mia conchiglia, per poi arrivare nell’Oceano Atlantico. Emiri in seguito mi rivelò che il suo nome significa “Dono”, come i doni che si lasciano sui marae, ora qui voglio farvi il Dono dell’11 Punto, un’altro nodo Aka della mia linea art’è: "Il Cuore del Mito è un racconto tramandato verbalmente da generazioni Matriarcali di fatti accaduti." Esso si rifà ad un’origine comune che si dispiega in mille altri modi ma che parte dall’art’è di vivere. Se poi arriveremo a compararlo con le varie culture Mondiali della Storia troveremo delle analogie importanti. Focalizzarlo significa andare nel cuore, alla radice della nascita di una società comune. Esso cela verità, ma se vogliamo ricercare le nostre radici, il dialogo che si può instaurare tra i vari racconti dovrà poi passare dall’analisi scientifica. Deve diventare confronto basato sulla confutazione. Dunque il mito svolge per i popoli una funzione importante, ossia definisce la storia di cui siamo orfani. Per questo dobbiamo scavare per trovare ciò che ne rimane in questa nostra terra, e solo l’arte essendo libera può riuscirvi. Torneremo negli Oceani e alle piramidi (gli attuali Marae oggi smontati). Della piramide dell’Isola di Tahiti, rimane solo un disegno in un libro del 1799 (Il viaggio di McDuff) e un mucchio di pietre. Ma cosa è oggi un Marae e cosa simboleggiano i suoi Doni? Eravamo così diversi da ciò che siamo oggi? Quali erano e sono stati i percorsi del mito e del suo cammino Piramidale, per arrivare a essere ciò che siamo contemporaneamente? P. Gauguin ci diede importanti indicazioni... Adele Arati
Testi LiberaMente tratti dai miei Futuri Romanzi Fanta ma Scientifici e dalle mie Opere; il racconto è inventato, il mito è quello ascoltato dai locali e i riferimenti scientifici sono reali. Polinesia © Photo by Adele Arati
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Le opere di Nicola Quici saranno in mostra a Spreitenbach (Svizzera) 7 dicembre 2018 - 8 febbraio 2019. Mostra a cura di Salvatore Mainardi
Nicola Quici
Kunst muss sein:“L’arte, assolutamente” di Salvatore
Mainardi
“Amicizia” wood, 25x25x87 cm.
Above: “Gente” oil and mixed media on canvas 100x150 cm. On the right: “Promenade” oil and mixed media on canvas 100x160 cm .
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e provate a domandare a Nicola Quici: “Perché l’Arte?”, credo proprio che vi risponderà: “Perchè l’Arte deve esserci”, anzi forse, come è solito fare, la risposta ve la darà in tedesco: “Kunst muss sein!”. Conosco Nicola da più di vent’anni e sono ormai convinto che, così come nella vita, anche nell’arte, la sua visione delle cose è ben precisa, e non solo per ciò che lo circonda e lo motiva. Nei rapporti con l’esterno non bada mai a preamboli, sia i suoi consensi che i suoi rifiuti, sono netti; lui non usa mai i forse, i magari, gli eventualmente o probabilmente, puoi sempre contare su un “Sì, non c’è problema” o un netto “No” assoluto, ed è forse questa la chiave di lettura che può aiutarci a comprendere l’insieme di tutta la sua attività artistica. Quasi tutte le sue opere (che spaziano dalla pittura, alla scultura, al disegno, etc.) danno un’idea ben precisa dei sentimenti che prova, che esprime, e che ritiene di poterci sicuramente trasmettere con la sua arte. Fiero delle sue conoscenze pittoriche e didattiche, da molti anni, nella tedesca Rheinfelden, sul lato est del Reno, vive e lavora accanto al suo multifunzionale atelier; dirige inoltre una scuola d’arte da lui fondata, che offre a numerosissimi allievi la possibilità di apprendere tutto ciò che concerne il pianeta Arte. Nella fiorente cittadina renana, Quici è conosciutissimo sia per le belle parole dei suoi allievi, che per la sua presenza artistica nella scena culturale del posto. Presenza più che tangibile, basti pensare che vi si può trovare anche un luogo detto il “Quicihügel” (Collina di Quici) a lui dedicato, dove si possono ammirare numerose sue opere, per lo più sculture. Possiamo dire che a Rheinfelden vi sono numerose attività artistiche e culturali, che portano l’impronta di Quici. Bisogna sottolineare che la sua presenza artistica non si limita solo alla regione renana del Baden
Württemberg, ma oltrepassa anche i confini nazionali, sono infatti numerosissime le sue opere che arricchiscono varie collezioni pubbliche e private di mezzo mondo. Oltre alle sue infinite mostre personali e collettive, delle quali spesso ne è stato anche il promotore, ha anche partecipato a tante fiere internazionali come: Art Basel Miami Beach (USA), MAG - Montreux Art Gallery (CH), Art Sindelfing (D), Art Ending (D), RegioArt Lörrach (D), Art Innsbruck (AT) e Art Salzburg (AT), dove ebbi il piacere, e l’onore, di fare la sua conoscenza. L’artista Quici rimane uno degli ultimi creativi che definiscono l’arte come quel mezzo che ci permette di esprimere e manifestare le proprie emozioni, utilizzando i materiali a nostra disposizione e i mezzi dei quali conosciamo l’uso, ma, affinché ciò possa essere messo in pratica, la conoscenza e la padronanza degli strumenti è fondamentale. È per questo che l’ossessionata ricerca della qualità tecnica lo spinge sempre più a focalizzare l’elemento pittorico; i suoi continui viaggi artistici poi, ne arricchiscono il bagaglio tecnico. Quici ritiene fermamente di non essere un astrattista e di non perseguire in nessun modo questa corrente pittorica, ma, se passiamo ad un’accurata analisi delle sue ultime opere, non possiamo non notare (anche se inconsciamente) la presenza di spazi irrazionalmente creativi, che diventano momenti astratti ad arricchire l’insieme dell’opera stessa, pur mantenendola figurativa. L’uomo Nicola Quici vive e lavora alla Maurice Sadorge Strasse 33 di Rheinfelden, dove organizza spesso vari art-workshops. Da anni è felicemente sposato con Susanne, con la quale ha un figlio, David-Nicola, ormai maggiorenne, e due figlie, Marcel e Tanja. Un artista, un uomo, un Maestro: nel nome l dell’Arte. s
Artworks by Nicola Quici will be at Spreitenbach (Switzerland) 7 december 2018 - 8 february 2019. Curated by Salvatore Mainardi
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Nicola Quici
Kunst muss sein“Art, absolutely” by Salvatore
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Mainardi
f you try to ask Nicola Quici: “Why art?”, I do think he will answer: “Absolutely”, or maybe, as he usually does, he will answer in German: “Kunst muss sein!”. Nicola and I have been knowing each other for more than twenty years and I am now convinced that, as long as in his daily life and as in his artistic work, his world vision is very precise, not only concerning what surrounds him and motivates him. When in contact with others, he never gives space to preambles, indeed his consents as long as his rejections are clearly stated, he does not use words as ‘maybe’, ‘possibly’, ‘sooner or later’, ‘probably’, you can always count on a “Yes, no problem” or a clear and absolute No and this is maybe the key to interpret him that can help us understanding his whole artistic work. All his art works indeed (a broad range of picture, sculpture, drawing, etc.) give a very precise idea of the feeling he has, expresses and believes he can transfer to us via his art. Proud of his figurative and didactical knowledge, since many years in the German town of Rheinfelden on the East side of river Rhine where he lives and works close to his multi-functional atelier, he manages an art school he founded that offers to many pupils the possibility of learning all what concerns the ART world. In the flourishing Rhenish town, not only is Quici known for the positive reputation spread by his students but also and especially because his artistic presence in the cultural scene of that region is very concrete, at the point that there exists even a place called “Quicihügel” dedicated to him, a hill where many of his works, mainly sculptures, are displayed. We could almost say that in Rheinfelden every artistic or cultural activity brings Quici’s touch. We must add though that his artistic presence is not limited only to
the Rhenish area of Baden Württemberg but it spreads well beyond the national frontiers. Many of his works indeed enrich different public and private collections, not only German ones but many in different other countries. Apart from the great number of personal and collective exhibitions dedicated to him, of which he has often been the promoter, he has taken part to many international events such as: Art Basel Miami Beach (USA), MAG - Montreux Art Gallery (CH), Art Sindelfing (D), Art Ending (D), RegioArt Lörrach (D), Art Innsbruck (AT) e Art Salzburg (AT) where I had the pleasure of meeting him for the first time. Quici, as artist, is one of the few bastions promoting the idea that art is indeed a medium that allows us to express and show our own feelings by using materials we have at our disposal and the media we are able to use, but moreover that, in order to put all this into practice, knowledge and technical know-how and the use of those media is fundamental. For this reason his obsessive effort towards technical quality pushes him to focus more and more on the pictorial element and his frequent journeys he undertakes for artistic reasons enrich his own technical background. Quici strongly believes that he is not an abstract artist and he does not pursue at all this trend; on the other hand if we accurately analyze his last work we have to notice that, even though subconsciously, the presence of irrationally creative spaces become abstract moments that enrich his artistic work, which is anyway mainly visual. Quici, as private man, lives and works in Maurice Sadorge Strasse 33 in Rheinfelden where he often organizes art workshops. He is married with Susanne, with whom he has a son, David-Nicola, now of age, and two daughters, Marcel and Tanja. l An artist, a man, a teacher: in the name of Art. s
“Spiritual soul” alluminuim, granite and marble 60x40x225 cm.
INFO Nicola Quici Atelierquici DA. Maurice-Sadorge Strasse 33 D-79618 Rheinfelden n.quici@t-online.de www.atelierquici.com
“Violine” oil on canvas, 60x80cm.
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Paolo Cutrano
Un percorso di crescita artistica, una carriera in continua ascesa di Vincenzo Chetta
Sopra: Cavallo di pezza tecnica mista su tela 150x100 cm Qui sotto l’artista Paolo Cutrano illustra una sua opera durante l’ultima mostra personale
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ono molto contento di aver potuto chiacchierare nuovamente con Paolo Cutrano, artista già presente su BIANCOSCURO nel 2016, con una meritatissima pubblicazione in copertina. Qualche domanda per riscoprire l’Artista e l’Uomo, sinceramente orgoglioso di lui e della sua carriera artistica in continua ascesa. Vincenzo Chetta: Ciao Paolo Bentornato sulle pagine di BIANCOSCURO, sei pronto a rispondere alle domande? I lettori sono ansiosi di leggere le risposte e conoscere le tue novità Paolo Cutrano: Buongiorno Direttore, bentrovato. Per me è sempre un piacere poterVi aggiornare sulle mie novità e rispondere alle Vostre domande V.C.: Ci sono progetti a cui stai lavorando attualmente di cui vorresti raccontarci qualcosa? P.C.: Diversi, ultimamente sto lavorando per cercare
di unire la mia vena artistica con quella creativa da cui nascono delle opere dipinto/scultura vedi la serie di cavalli, auto e busti con diverse applicazioni sul dipinto (lego, bottoni, pellame, luci, adesivi e sotto bicchieri vari, cartoni di riciclo, bollato da imballo) V.C.: Il tuo stile, a prima vista, sembra cambiato nella tua ultima serie di dipinti... P.C.: Per un profano sì, per me invece, il cambiamento non è altro che un percorso di crescita, anche perché ho la necessita continua di provare e creare qualcosa di nuovo che possa conciliare la creatività, il gusto del bello e l’armonia dell’insieme. V.C.: Cosa che ti ispira? P.C.: La fantasia, che non mi manca, associata alla creatività dirompente, e il piacere di poter riempire una parete bianca. V.C.: Senti la responsabilità del tuo lavoro di artista? P.C.: Sinceramente no, perché se la sentissi la vivrei come un vero lavoro fatto di regole, orari e costrizio-
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Paolo Cutrano, pittura segnica.
Un dettaglio dell’opera Cavallo internazionale
Sopra: Cavallo internazionale tecnica mista su tela,150x100 cm A sinistra un dettaglio dell’opera A destra: Cavallo abbottonato tecnica mista su tela 150x100 cm
ni, quando creo mi sento libero e spensierato staccandomi da tutto il contesto che mi circonda. V.C.: C’è una serie o un pezzo a cui tieni particolarmente? P.C.: Si, diversi, della vecchia serie sicuramente “A MUSO DURO” e “ACQUARI” che hanno rappresentato una rottura del mio passato oltre ad avere un profondo significato del mio percorso artistico; della nuova serie i cavalli e le auto. V.C.: Cosa, in una tua opera, mette meglio a fuoco la tua personalità artistica? P.C.: Sicuramente, i colori forti, vivi, la creatività, l’utilizzo della resina che li esalta, le grandi dimensioni, e nell’ultima serie le applicazioni che li rendono spiritosi e armonici al tempo stesso. V.C.: Cosa trasmettono a te, i tuoi dipinti? P.C.: Emozioni, spensieratezza, armonia, vitalità, caparbietà, bellezza, forza. V.C.: Ora vorrei farti due domande che ti avevo già posto 2 anni fa e vedere se hai cambiato opinione o punto di vista, la prima è “Come ti vedi fra 10 anni?” P.C.: Resto della stesa opinione di quanto ho già risposto due anni fa (In pensione dall’attuale Lavoro, con più tempo, più energia e più forza da dedicare alla mia arte. Tanti sono ancora i sogni nel cassetto che vorrei realizzare, finalmente Potrò dedicare ad essi quel
tempo che oggi non ho), con un sogno in più quello di poter appendere tutti i miei dipinti nelle pareti libere nel mio show room e poterli osservare con serenità. V.C.: La seconda domanda, già posta, è “Cosa consiglieresti ad un giovanissimo che volesse intraprendere la strada dell’Arte? P.C.: Anche a questa domanda avevo già risposto due anni fa nella precedente intervista, resto della stessa opinione, consigliandogli di provare, tentare e spaziare, cercando di andare oltre, lasciando libero l’estro, la fantasia e la creatività. Ricordando sempre che ogni traguardo raggiunto non è che l’inizio di un nuovo ciclo; consiglio a tutti i giovani artisti di partecipare al concorso BIANCOSCURO ARTCONTEST perché il confronto nell arte é fonte di ispirazione. V.C.: Grazie Paolo per la tua gentilezza e ancora complimenti per la tua arte, spero di reincontrarti presto! l P.C.: Grazie a Voi, farò in modo di risentirci presto. s
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Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti alla pagina Facebook dell’artista Paolo Cutrano. VOLKSWAGEN T1 tecnica mista su tela con inserti luminosi, 100x100 cm.
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Il colore e le sue forme L’espressività artistica di Karin Monschauer
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l colore è un mezzo di esercitare sull’anima un’influenza diretta. Il colore è un tasto, l’occhio il martelletto che lo colpisce, l’anima lo strumento dalle mille corde”. È sulla base di queste parole che Vasilij Kandinsky costruì, a ridosso dei primi anni del 900, tutto il suo mondo artistico. Allo stesso modo, l’arte di Karin
Monschauer, dopo più di un secolo, si fa padrona di questi versi, richiamandoli e trasformandoli in pura realtà attraverso le sue opere. Nel 2015, dopo aver acquisito una buona dimestichezza artistica e sperimentativa, introduce nel suo operato la tecnica della computer grafica, iniziando a produrre il ciclo geometrico e cromatico dalla vorace espressività, confermando e ripropo-
nendo degli stili nati intorno agli anni sessanta, come ad esempio la Op Art. Nelle opere di Karin, il colore è il protagonista, si propone in tutte le sue sfaccettature, composto e ricomposto attraverso accostamenti cromatici che vedono la forma, se pur bidimensionale, stravolgere la realtà fino ad arrivare ad una condizione del tutto tridimensionale e ripetitiva. Un vero e proprio ingresso
Guazzabuglio, 100x80 cm, 2018, arte digitale su tela
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verso un altro mondo, uno stargate psichedelico fatto di forme geometriche e colori, dall’accostamento stravagante, concedendo a chi le osserva, una percezione nuova, di stile. L’occhio osserva, vibra, si trasforma e si evolve, in un ritmo continuo e senza sosta attraverso canali cromatici alti, che si ricamano in vortici dalle innumerevoli sfaccettature. Nelle opere di Monschauer seguiamo le forme e le trame fatte di percorsi, una pseudo scrittura che si ripete all’infinito e che certamente incanta. Il ruolo di Karin diventa fondamentale, come lo è la sua preparazione prettamente matematica, evidente nei suoi lavori. Oltre alle svariate mostre personali e collettive che le hanno di certo fornito un confronto ad alti livelli, ricordiamo la mostra a Lussemburgo, oppure quella svoltasi in Svizzera con Digital Art, Stampa su tela al Lycée de
GarçonsEsch/Alzette e Digital Art, Stampa su tela allo Spazio Ambiente Locarno, rispettivamente nel 2016 e nel 2017. Attualmente le sue opere sono presenti permanentemente presso l’European Art Museum, Frederiksvaerk Danimarca e presso il Museo Le Bois Du Cazier, Charleroi Belgio. Senza ombra di dubbio, l’arte di Karin Monschauer vuole stupirci, liberarci, ma allo stesso tempo intrappolarci in strane visioni, che, nella loro ripetitività, si formano e si fondono in una pratica attiva, tutta contemporanea che si lega stretta al tempo in cui viviamo. Si tratta di una strana forma di viaggio: questo è ciò che ci aspetta quando entriamo in contatto con le opere di Karin, un percorso infinito tra le forme, i colori e le magie, espresse e tradotte nella lingua più bella, quella dell’arte. Mario Gambatesa
Senza nome, 80x80 cm, 2018, arte digitale su tela
Fissazione, 80x80 cm, 2018, arte digitale su tela
Senza nome, 60x60 cm, 2018, arte digitale su tela
INFO kar.mon@bluewin.ch www karinmonschauer.ch LinkedIn:karin-monschauer KarMonArtista karinartista Senza nome, 60x60 cm, 2018,arte digitale su tela
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Fu Wenjun Tradizione o globalizzazione?
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rtista contemporaneo cinese, figlio degli anni cinquanta, Fu Wenjun si è ormai affermato nel mondo per le sue particolari opere fotografiche, immagini multiple e moltiplicate dalle prospettive multidimensionali. La sua passione per l’arte non l’ha fatto fermare al mezzo fotografico, ma l’ha spinto a cercare altri mezzi per esprimersi, dalla classica pittura ad olio, alle grandi installazioni contemporanee. Il tema di fondo delle opere di Wenjun è sicuramente da ricercare nella storia e nella cultura orientale, di come cambia rapidamente la società e di come interagisce con le culture occidentali. Come interagisce l’antica tradizione orientale con la globalizzazione occidentale? Come riesce a trovare connessioni che non intacchino il patrimonio tipico, ma che al contempo non facciano rimanere indietro l’evoluzione? Lui esprime il suo parere attraverso le sue opere, cromie forti e prospettive fuorvianti riescono a trasmettere l’inquietudine del nostro tempo. Ecco che troviamo dunque in Fu
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Wenjun, se non le risposte definitive, almeno un approccio serio e ragionato sul tema, l’arte come mezzo per definire la società del momento, l’arte per ricordare la società del passato. Daniela Malabaila A destra: (on the right:) Fu Wenjun “First-class Hospital” 2017-2018, digital pictorial photography 100x100cm.
Sopra: (above:) Fu Wenjun “Back to the Garden of Eden” -2017-2018, digital pictorial photography, 100x100 cm.
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Sopra: (above:) Fu Wenjun “Eight Thirty in the Morning” 2017-2018, digital pictorial photography, 100x100 cm.
Sopra: (above:) Fu Wenjun “What They Have Seen” 2017-2018, digital pictorial photography, 100x100 cm.
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u Wenjun, born in 1955, Chinese contemporary artist, was graduated from Sichuan Fine Arts Institute. He creates principally through the art media of photography, installation, sculpture and oil painting, and has put forward the concept and practice of “Digital Pictorial Photography”. With his Digital Pictorial Photography, Fu Wenjun intends to turns away from the recording function of photography acknowledged by the public, and aims at exploring to place photography art in dialogue with other art media, like Chinese painting, oil painting, sculpture etc, as a result to extend the boundary of photography art in the current digital age. His works embody his thinking and reflection on many issues related to the Eastern and Western history, culture and humanity, including the relationship between different cultures in the age of globalization, the heritage of traditional Chinese culture in a rapidly changing society, industrialization and urbanization in Chinese cities. His solo exhibitions were presented at National Art Museum of China, Museu Europeu de Arte Moderno, Guangdong Museum of Art, Old Summer Palace Museum (Beijing), Today Art Museum (Beijing), United Nations Headquarters (New York), Guangdong Museum of Art (Guangzhou) and at other international art organizations. His artworks are collected by Museu Europeu de Art Moderno, National Art Museum of China, Today Art Museum, the Old Summer Palace Museum, Tokyo Metropolitan Art Museum, Kennedy Family, World Council of Peoples for the United Nations, Dazu Grotto Museum, Chongqing Art Museum, Guangdong Museum of Art, Société Nationale des Beaux Arts of France, Egypt Ahmed Shawki Museum and other significant organization and collectors.
INFO www.fuwenjun.com fu1955@qq.com - fustudio@qq.com
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Rita Vitaloni
IL COLORE DEGLI SFRATTATI
opere del progetto “IL COLORE DEGLI SFRATTATI” rita.vitaloni@yahoo.it
Espressione magica Digital Photo stampata su allumino + acrilico e vetro, 2017, 60×40 cm. Impariamo a riflettere e guardarci Digital Photo stampata su allumino + acrilico e vetro, 2017, 60×40 cm.
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Claudio Sivini I riflessi dello specchio
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a passione per l’Arte si nota sin dalla giovane età, negli anni ‘60 si diploma all’Istituto Statale d’Arte per l’Arredamento e la Decorazione della Nave e degli Interni “Enrico Nordio” di Trieste, e, ancora studente, colleziona importanti collaborazioni con gli Architetti Boico, Cervi, Frandoli e Nordio. Dal 1964 ha partecipato a più di 350 mostre in Italia e all’estero, collettive e personali, conseguendo premi e riconoscimenti. Dal 2000 fa parte del gruppo “Arte Struktura” di Milano, partecipa con successo a svariati concorsi per opere decorative di strutture pubbliche e private. L’esclusiva e personale tecnica dell’Artista, affinata in oltre 40 anni di approfondite sperimentazioni, ha come base imprescindibile lo specchio. La superficie speculare e vitrea offre all’osservatore attento un mondo in continuo divenire e una “personalizzazione” dell’opera che muta con il cambiare del fruitore che, immancabilmente, vi viene rispecchiato. Chi guarda il quadro può mettere “a fuoco” la propria immagine e l’ambiente riflesso oppure annullare l’effetto specchio, concentrando la propria attenzione esclusivamente
Sopra: Rifrazione multipla specchio e vetri dipinti e sabbiati, 2017, 75x75 cm. Sotto a sinistra: Dopo la pioggia... Finestre rosse taglio laser su alluminio 5mm, verniciato in forno, 2015, 70x70x4 cm.
sulla parte strutturale dell’opera. Oltre allo specchio, varie stratificazioni di vetro e altri materiali opportunamente impiegati e distanziati tra loro, creano, per l’osservatore in movimento, un lieve effetto cinetico, caratteristica questa di tutta la “Op Art”. Le cornici, progettate e personalmente costruite, sono parte integrante dell’opera e risultano indispensabili per l’assemblaggio di tutti i materiali che formano il quadro. La continua ricerca nel campo dell’Optical Art è sfociata anche in un personale genere di scultura a struttura variabile. Su basi marmoree e metalliche opportunamente predisposte vengono assemblate lastre di cristallo colorato, sabbiato, o di metallo che, una volta posizionate, possono essere manipolate dal fruitore. Chiunque può, pertanto, in maniera guidata e controllata, intervenire sull’opera, modificandola a suo piacimento. Recentemente l’uso dell’alluminio e del taglio-laser hanno aperto all’Artista nuovi orizzonti. La luce, sia artificiale che solare, filtra attraverso l’elaborato creando delle ombre che, in definitiva, l risultano parte integrante dell’opera. s INFO www.artesivini.com c.sivini@virgilio.it FB: siviniclaudio
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Fabio Castagna L’intensa carriera dell’Artista
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rtista eclettico, inizia la sua carriera come paesaggista ed affreschista, ma è anche noto come scultore e mosaicista. Nel 2000 fonda e teorizza il movimento artistico del “Sovrapposizionismo” (primo Movimento Artistico del XXI° secolo) e nel artmea@yahoo..com 2003 quello dell’ “Alfatecnismo”. Nel 2012 www.artmea.altervista.org fonda ill “Gruppo Attila” (ArTisTi Internazionali della LunigianA) e nel 2014 idea il “Premio Ligures”.Ha esposto in Svizzera, Giappone, Francia, Montecarlo, Slovacchia, Germania, Slovenia, Estonia, Belgio, Stati Uniti, Gran Bretagna, Austria, oltre che in Italia. La sua Arte ha vinto molti riconoscimenti, tra cui: Premio Presidenza del Consiglio dei Ministri; Premio del Ministero per i Beni e le Attività Culturali; Premio Presidenza della Regione Marche ed il Premio Provincia di Fermo. Castagna ha partecipato alla Triennale Di Roma nel 2011 ed alle Biennale di Palermo nel 2013 e nel 2015. Alcune sue opere fanno parte di collezioni museali italiane ed estere (“Eduard Vilde Muuseum” a Tallinn, “Latino Art Museum” di Los Angeles ed il “MAMAG Modern Art Museum” di Blin[1] L’ultimo treno denmarkt-Vienna), oltre che in Fondazioni ed 2016, olio e acrilico su tela, 30x30 cm. Associazioni e collezioni private in Italia, Europa e Stati Uniti. Pubblicato in diversi libri di [2] Giungla metropolitana Storia dell’Arte e su riviste del settore, hanno 2011, olio su tela, 80x100 cm. scritto di lui critici d’arte come Radini Tede[3] Pensa e ripensa schi, Sgarbi, Pinto, Ambrosi, Playner, Moza, l 2017, olio e acrilico su tela, 60x30 cm. Lanzarotti, Serradifalco e Barbagallo. s
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clectic artist, he began as a landscape artist and fresco painter, but also a sculptor and mosaic artist. In 2000 he founded and theorizes the current artistic of the “Superimpositionism” (first Artistic Movement of the XXI century) and in 2003 that of “Alphatechnism”. In 2013 he founded the “Group Attila” (International Artists of Lunigiana) and in 2014 is the Creator of the “Ligures Prize”. Participate in competitions and international exhibitions in Switzerland, Japan, France, Montecarlo, Slovak Republic, Germany, Slovenia, Estonia, Belgium, United States, Great Britain, Austria and in Italy. Winner of national and international awards, including: Prize Office of the Prime Minister; Award of the Ministry of Heritage and Culture, Prize President of the Marche Region, Prize Province of Fermo and Prize of the Embassy of the Slovak Republic. He participated in the Three-year Rome 2011 and the Biennale of Palermo 2013 and 2015. Some of his works are part of collections Museum (“Eduard Vilde Muuseum” in Tallinn, “Latino Art Museum” in Los Angeles and “MAMAG Modern Art Museum” in Blindenmarkt-Wien), Foundations and Associations and private collections in Italy, Europe and the USA. Has published several in books of art history and art magazines. Art critics have written about him: Radini Tedeschi, Sgarbi, Pinto, Ambrosi, Playner, Moza, Lanzarotti, Serradifall co and Barbagallo. s
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Six lies about life and nothingness - c-prints on aluminum, polyptych - 2018 - 100x145 cm.
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Annette Tan La sensibilità cromatica
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nfiniti orizzonti e luci intense per atmosfere sempre diverse, ma comunque intime. É la visione artistica di Annette Tan, artista di origini cinesi, stabilitasi poi negli Stati Uniti negli anni ‘50. L’innata passione per l’Arte l’ha portata a dedicarcisi completamente a metà degli anni ‘90: impressi sulla tela i colori dei tramonti, il vociare delle foglie in un bosco, l’intensità della luce novembrina all’imbrunire, lungo un fiume. Negli ultimi anni, Annette ha partecipato a numerose mostre collettive e personali, in pregiate gallerie sia negli Stati Uniti che fuori dai suoi confini abituali. Da annoverare il suo impegno anche sociale per l’arte, è infatti membro attivo della National League of American Pen Women, associazione per il supporto e la promozione dei creativi professionisti, in particolare per il supporto alle donne nel mondo dell’Arte. Una donna ed un’artista, dalla sensibilità unica. Daniela Malabaila
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orn in China, Annette came to the United States in 1957 and settled in the San Francisco Bay Area after she got married. She started taking interest in painting in the mid 1990’s, and her passion has led her to a prolific body of colorful landscape panoramas and floral. Her inspiration comes from the works of old masters and the beauty of God’s creation. In recent years, Annette has participated in many solo and gallery group shows both in the States and abroad. She is a member of the National League of American Pen Women.
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Bibliography International Contemporary Masters Internationsl contemporary Artists American Art Collector Magazine Important World Artists ATIM Top Masters Award Southwest Art Magazine Gallery Representation Artists Haven Gallery, Florida Amsterdam Whitney International Fine Art, Chelsea, New York LagunaART.com Artexpo 2013 New York 2016 [2]
www.annettetan.com annettesart2007@yahoo.com [1] Afterglow 2018, acrilico su tela, 18” x 23” [2] Birch in the Fall 2018, acrilico su tela, 16” x 20” [3] Misty river 2014, acrilico su tela, 11” x 14” cm.
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Mimmo Jodice - Napoli, Manifestazione a Piazza Garibaldi 1967, stampa ai sali d’argento, 19,3x29 cm. © Mimmo Jodice
Nuova esposizione al MAST Il quinto anniversario del Centro si festeggia con le immagini della Collezione bolognese di
Ettore Tiretto
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n occasione dei 5 anni di apertura dell’omonimo Centro culturale multifunzionale, la FONDAZIONE MAST espone una selezione di opere dalla propria collezione. Oltre 250 immagini storiche e contemporanee, scattate da 65 artisti di tutto il mondo, mostrano la genialità e l’energia che negli ultimi due secoli hanno spinto gli uomini a progettare mezzi e
infrastrutture per muovere merci, persone e dati. La nuova mostra, curata come di consueto da Urs Sthael, è allestita negli spazi espositivi della PhotoGallery. La proposta è ancora una volta riflessiva, ci si interroga sul tema della velocità che caratterizza l’attuale società globale. Il pendolo simboleggia questo moto perenne del mondo e dei suoi abitanti nello spazio e nel tempo: simbolo di cambiamen-
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ti improvvisi, di traffico pendolare e dello scambio di merci a fronte di altre merci, di denaro, di promesse. A questo dinamismo incessante si contrappone un fenomeno di segno opposto come spiega Urs Stahel:
Helen Levitt N.Y. (metropolitana), dalla serie “Metropolitana” 1975, stampa ai sali d’argento, 19,4x29,4 cm. © Film Documents LLC, courtesy Galerie Thomas Zander, Cologne
“Da decenni si continua ad aumentare il ritmo e la velocità: la crescente accelerazione dei processi economici e sociali è iniziata ai primordi della rivoluzione industriale fino a toccare oggi livelli vertiginosi. Il
Floto + Warner Sala verniciatura dell’Eclipse, Eclipse Aviation, Albuquerque, NM USA 2007, stampa a pigmento, 40,6x50,8 cm. © Floto + Warner
E.O. Hoppé - King George V’s Docks, London, England, 1934 © 2018 Curatorial Assistance, Inc. / E.O. Hoppé Estate Collection
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solo fenomeno che ci spinge a rallentare il passo, a cercare persino di fermare tutto, è quello delle migrazioni. Le uniche barriere esistenti sono quelle che frenano i perdenti locali e globali della modernità.” La mostra illustra visivamente le energie contrastanti e diametralmente opposte che si sprigionano da questi due fenomeni: da una parte la forza prorompente dei motori, dall’altra il rallentamento, la brusca, violenta frenata, il blocco dei flussi di persone che migrano. Interessante la video instal-
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Merci e persone in movimento Mast Gallery, Bologna 4 October 2018 - 13 January 2019
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o celebrate the fifth anniversary of the opening of its cultural centre, the MAST Foundation presents a new selection of works from its collection of photographs, video-installations, and photo-albums on industry and labour. Over 250 historic and contemporary images by 65 artists from throughout the world – celebrated masters like Robert Doisneau, David Goldblatt, Helen Levitt, and Mario De Biasi as well as younger authors such as Richard Mosse, Ulrich Gebert, and Sonja Braas –show the talent and energy that have driven people to design means and infrastructures for moving goods, people, and data over the last two centuries. A multifaceted reflection on the theme of speed characterising today’s society, the exhibition, which has the pendulum as its visual metaphor, illustrates the contrasting energies issued from two phenomena that dominate our present: on the one hand, the unbridled power of engines, an enormous increase in speed, means of transport transformed into the fetish of our times, permanent connection as an absolute necessity; and on the other, a slowing down, a sharp braking, a barrier to the flows of migrating people, the only limit to the myth of global mobility.
A sinistra: O. Winston Link - Licenza al treno a doppia trazione 1959, stampa ai sali d’argento, 39x48,8 cm. © O. Winston Link, courtesy Robert Mann Gallery A sinistra: Rudolf Holtappel Condotto di gas d’altoforno (Regione della Ruhr) 1958-1962, stampa ai sali d’argento, 34,5x34 cm. © Estate of Rudolf Holtappel
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PENDULUM Merci e persone in movimento Immagini dalla collezione di fondazione Mast 04 ottobre 2018 – 13 gennaio 2019 MAST Gallery, Bologna INFO T. +39 051 6474345 info@fondazionemast.org Da martedì a domenica 10.00-19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito
www.mast.org
Nella pagina precedente, a destra: Alexey Titarenko Stazione della metropolitana Vasileostrovskaya (Variante Folla 2) dalla serie “Città delle ombre”, 1992 © Alexey Titarenko, courtesy of Nailya Alexander Gallery, New York
lazione di Jacqueline Hassink, che ritrae i pendolari moderni e mostra come ognuno di loro si muova i due modi: prima verso la propria destinazione, il posto di lavoro, e contemporaneamente in un perenne viaggio virtuale con il telefono cellulare o il tablet su cui tutti, senza eccezione, tengono gli occhi puntati. Richard Mosse invece associa il commercio globale alle migrazioni: nell’opera lunga sette metri, centinaia di container occupano un’area portuale. Lungo il margine sinistro dell’immagine la sua termocamera, uno strumento ottico in grado di rilevare differenze di calore a trenta chilometri di distanza, fotografa il trasporto di merci lungo le rotte mondiali, mentre sulla destra, gli stessi container sono impiegati come abitazioni per i migranti. Il pendolo si è rotto: le persone sono rimaste bloccate e non possono andare avanti né tornare indietro. Un’ul nica immagine che condensa tutto il sistema. s Sotto: Jakob Tuggener Treno espresso a La Napoule, Costa Azzurra, 1960 © Jakob Tuggener Foundation, Uster
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“... La cronaca che si fa storia del nostro tempo” Al Forte di Bard la 61ª edizione del World Press Photo di
Lucia Garnero
D Venezuela Crisis ® Ronaldo Schemidt, Agence France-Presse White Rage - USA ® Espen Rasmussen, Panos Pictures, VG
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al 7 dicembre al 6 gennaio, il Forte di Bard torna ad ospitare le foto premiate nella nuova edizione di uno dei più importanti riconoscimenti nell’ambito del fotogiornalismo, il World Press Photo, dando seguito alla preziosa collaborazione tra il Forte di Bard e la World Press Photo Foundation di Amsterdam. La mostra è tra gli eventi più attesi nell’ampia programmazione espositiva del Forte valdostano. L’esposizione del World Press Photo 2018, infatti, non è soltanto una galleria di immagini sensazionali, ma è un documento storico che permette di rivivere gli eventi cruciali del nostro tempo. Il suo carattere internazionale, i milioni di persone che ogni anno nel mondo visitano la mostra, sono la dimostrazione della capacità che le immagini hanno di trascendere differenze culturali e linguistiche per raggiungere livelli altissimi e immediati di comunicazione. In occasione della 61esima Mostra di World Press Photo, i paesi partecipanti sono stati 125, con 4.548 fotografi e 73.044 immagini proposte. Una giuria internazionale indipendente ha selezionato, tra queste, 312 immagini, in otto categorie di 42 fotografi
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WORLD PRESS PHOTO 2018 Bard (AO), Fortress of Bard 7 December 2018 - 6 January 2019
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he collaboration between the Bard Fort and the World Press Photo Foundation in Amsterdam continues. The Forte will host from 7 December 2018 to 6 January 2019, the photos awarded in the new edition of World Press Photo, one of the most important awards in the field of photojournalism. Every year, for over 60 years, an independent jury, made up of interna-
provenienti da 22 paesi. Vincitore assoluto del World Press Photo 2018 è il reportage “Crisi del Venezuela” del venezuelano Ronaldo Schemidt, fotografo della Agence France-Presse. Il suo scatto raffigura un giovane in fuga, avvolto dalle fiamme, nel giorno della manifestazione contro il presidente Nicolás Maduro, a Caracas nel maggio 2017. I vincitori delle sezioni concorrenti alla foto dell’anno sono: “Crisi Rohingya” di Patrick Brown, Australia, campagna per l’Unicef; “Boko Haram ha attaccato le bombe suicide, è contro di loro. In qualche modo queste ragazze adolescenti sono sopravvissute. – Aisha, 14 anni” di Adam Ferguson, Australia, per il New York Times; “Testimoniare le conseguenze immediate di un attacco nel cuore di Londra” di Toby Melville, Regno Unito, Reuters; “La battaglia per Mosul – Allineati per una distribuzione di aiuti” di Ivor Prickett, Irlanda, per il New York Times. Nella rosa dei vincitori compaiono anche cinque talenti italiani: Luca Locatelli, nella categoria Ambiente – reportage; Fausto Podavini, nella categoria Progetti a lungo termine; Giulio di Sturco, nella categoria Storie d’attualità – foto singola e Francesco Pistilli, nella categoria Notizie genera-
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tional experts, is asked to express itself on thousands of requests for participation sent to the World Press Photo Foundation in Amsterdam by photojournalists from all over the world. The photo of the year 2018, chosen in the Spot News category, is by Ronaldo Schemidt (Caracas, 1971), Venezuelan photographer of Agence France Presse. To be awarded, a shot that depicts a boy fleeing, wrapped in flames, during an event in May 2017, against President Nicolás Maduro, in Caracas. In the 2018 edition the jury,
which divided the works into eight categories, including the new category on the environment, appointed 42 photographers from 22 countries. Among the five winners are Italian: Alessio Mamo, second in the People - single category; Luca Locatelli, second in the Environment - stories category; Fausto Podavini, second in the Long-Term Projects category, Giulio di Sturco, second in the Contemporary Issues category - singles and Francesco Pistilli, third in the General News category - stories.
Amazon_Paradise Threatened ® Daniel Beltraü The Battle for Mosul - Lined Up for an Aid Distribution ® Ivor Prickett, for The New York Times
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WORLD PRESS PHOTO 2018 7 dicembre 2018 - 6 gennaio 2019 Forte di Bard, Bard (AO) INFO T. +39 0125 833811 prenotazioni@fortedibard.it Dal 7 al 23 dicembre Da martedì a venerdì 10.00 - 18.00 Sabato e domenica 10.00 - 19.00 Lunedì chiuso - 24 e 25 dicembre chiuso Dal 26 dicembre al 6 gennaio Da lunedì a venerdì 10.00 - 18.00 Sabato, domenica e festivi 10.00 - 19.00 31 dicembre 10.00 - 17.00 1 gennaio 13.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito
www.fortedibard.it
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Hunger Solutions ® Luca Locatelli, for National Geographic
li – reportage. Nata nel 1955, la World Press Photo Foundation è un’istituzione internazionale indipendente per il fotogiornalismo con sede ad Amsterdam. Il sito ufficiale www.worldpressphoto. org presenta i dettagli e una galleria di immagini di tutti i lavori
premiati. A commento dell’evento, quanto si legge nella presentazione della mostra: “Un’occasione unica, per vivere attraverso gli occhi dei più grandi fotoreporter di oggi e i loro scatti sensazionali, la cronaca che si fa storia del nol stro tempo”. s
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La tratta - Antico mestiere del mare - 18 giugno 2015 - fotografia -60x80 cm.
Marina Carlini
fotografie@marinacarlini.it - www.marinacarlini.it x marina_carlini
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Il Neorealismo italiano L’Italia del dopoguerra in mostra a New York di
Mario Gambatesa
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al 6 settembre scorso, al prossimo 8 dicembre, la Grey Art Gallery, Museo delle Belle Arti della New York University, con grandi spazi espositivi in Washington Square, ospita la mostra “NeoRealismo: The New Image in Italy, 1932-1960”. Attraverso 180 scatti di sessanta artisti italiani, la rassegna vuole analizzare, per la prima volta in maniera approfondita, il ruolo cruciale della fotografia nel Neorealismo italiano. L’esposizione, curata da Enrica Viganò e organizzata da ADMIRA di Milano, si arricchisce di pubblicazioni originali, libri fotografici, cataloghi, poster, oltre che di spezzoni tratti da film diretti da Vittorio De Sica e Roberto Rossellini. Oltre alla New York University, partecipano alla rassegna il Metropolitan Museum of Art e la Howard Greenberg Gallery. Il percorso espositivo è suddiviso in cinque capitoli, si parte con il “Realismo in epoca fascista”, in cui il linguaggio fotografico semplice, era utilizzato per raggiungere
la popolazione, che in quel periodo aveva un tasso di analfabetismo altissimo. Proseguendo, troviamo il tema “Miseria e ricostruzione”, il periodo successivo la fine della secondo conflitto mondiale, che vedeva l’Italia in una condizione di profonda devastazione. La sezione “Indagine etnografica” invece, cerca di stabilire l’identità collettiva nell’Italia del dopoguerra, un paese che ha subito forti squilibri, economici e sociali, ma che cerca in tutti i modi di risollevarsi. Sono i fotografi italiani tra cui Franco Pinna, Ando Gilardi, Renzo Chini, Nino Migliori, Enzo Sellerio, Arturo Zavattini e molti altri, a far conoscere il bel paese, con grandi reportage da tutte le regioni d’Italia, attraverso la fotografia di strada che riesce a cogliere e a documentare gli aspetti di una vita vera [5]
[1] Nino Migliori - Gente dell'Emilia, Emilia Romagna, 1959 © Fondazione Nino Migliori [2] Gianni Berengo Gardin - Puglia [4]
Puglia, 1958 © Gianni Berengo Gardin [3] Cesare Barzacchi - Ragazzini di borgata Roma, 1937 © Eredi Cesare Barzacchi [4] Cecilia Mangini - Il pranzo è in arrivo Lipari, 1952 © Cecilia Mangini [5] Istituto Luce - Arsia oggi Croazia, 1942 © Istituto Luce
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e reale. Proseguendo, troviamo il “Fotogiornalismo e rotocalchi”, in cui la carta stampata utilizza la tecnica del rotocalco offrendo così dei veri foto-racconti, con questa innovazione, il ruolo del fotografo diventa sempre più, parte integrante del sistema editoriale. La mostra si chiude con la sezione “Tra arte e documento”, che presenta le opere di quelli che allora erano ancora fotoamatori, e che avrebbero donato a breve, un lascito importantissimo alla nostra Italia, tra cui ricordiamo Tranquillo Casiraghi, Pietro Donzelli, Paolo Monti, Mario Giacomelli, Mario Ingrosso. Interessante il catalogo pubblicato da DelMonico Books•Prestel, in co-edizione con Admira Edizioni, che contiene un testo inedito del regista Martin Scorsese, appassionato di l Neorealismo italiano. s
NEOREALISMO The New Image in Italy 1932-1960 Grey Art Gallery, New York 6 September - 8 December 2018
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[6] Tranquillo Casiraghi - Gente della Torretta Sesto S.Giovanni, Milano, anni ’50 © Eredi Tranquillo Casiraghi [7] Stefano Robino - Alla partenza della “Cristoforo Colombo” Genova, 1957 © Archivio Stefano Robino [8] Piergiorgio Branzi - Piazza Grande a Burano Venezia, 1957 © Piergiorgio Branzi [9] Alfredo Camisa - La falce, Toscana 1955 © Archivio fotografico Alfredo Camisa [10] Mario Cattaneo - dalla serie Vicoli a Napoli Napoli, 1951-58 © Eredi Mario Cattaneo
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he research on Italian cultural movement “Neorealismo” has concentrated mostly on the literature and cinema with little acknowledgement of the the field of photography from the era.But it is exactly in photography where it has probably produced its higher and most coherent expression. “Neorealism – the new image in Italy 1932-1960” analyses the existing relationship between photography and other fields of art, such as cinema and literature. The inspiration and reasons that drove the various authors are addressed in order to show the way they worked. Although they started from many diverse points of view and cultural approaches, their work led to an outcome which became coherent. This project also introduces a new interpretation of the phenomenon based upon the idea that the roots of neo-realism can be found in the fascist period. The exhibition unfolds through different sections, starting from the privileged standpoint of photography with nearly 300 items of diverse typology. Next to the mostly vintage photographic prints are the original forums through which they were transmitted, such as illustrated magazines, photo-books and catalogues of exhibitions that have deeply influenced the evolution of the photographic expression. The section devoted to the literature of the period illustrates the works that marked and influenced the epoch and presents profiles of the major authors. The world of cinema is represented with the most renowned movie posters and through significant film cuts of the period, acting as didactic material throughout the exhibition. Three DVDs have been created specifically by Professor Gian Piero Brunetta in conjunction with the department of Film Studies of the University of Padova for this exhibition. All images and additional materials, such as related publications are organized in themes in order to highlight the main characteristics of the neo-realistic image and to present the work of the photographers who were operating at the time in the right perspective. Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito
greyartgallery.nyu.edu
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Street ArT Street ArT
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MAG '18
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MAG '18
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n collaborazione con l’associazione Chromatix, MAG ha presentato al suo pubblico una “City of Street Art”, dove molti artisti, provenienti da diverse parti della Svizzera e dall’estero, hanno incrociato le loro esperienze ed i loro stili, imparando gli uni dagli altri nuove tecniche. Inoltre, i visitatori sono stati invitati a partecipare a workshop, art battle o murales a più mani. I vari workshop sono stati guidal ti dall’Associazione Chromatix. s In collaboration with the Chromatix association, MAG presented to the public a “City of Street Art”, where many artists from different parts of Switzerland and abroad have crossed their experiences and styles, learning from each other new techniques. In addition, visitors were invited to participate in workshops, art battle or multi-handed murals. The various workshops were l led by the Chromatix Association. s
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Artwork by: Anthéa Missy, Boris, Dahflo, DESAN21, Dru Egg, Gérard, Gregch and Made by Stern.
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17a edizione
Artisti e Associazioni Culturali in Fiera
15.16.17 marzo 2019 Da 17 anni la manifestazione per gli Artisti dove l’Arte è Accessibile a tutti! www.verniceartfair.it Organizzazione Via Punta di Ferro, 2 - 47122 Forlì - tel. 0543 798466 - 777420 francesca@romagnafiere.it - cell. 346 5050521
Bruno Munari
I COLORI DELLA LUCE a cura di Miroslava Hajek e Marcello Francolini
PROGETTO XXI FONDAZIONE DONNAREGINA PER LE ARTI CONTEMPORANEE IN PARTNERSHIP CON FONDAZIONE PLART
Fondazione Plart 29 novembre 2018 > 20 marzo 2019
vernissage 29 novembre 2018 - ore 19:00
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‘18 / gennaio ‘19 - Bimestrale d’Arte, Cultura e Informazione
Sonja VisnhudArt
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la vincitrice del BAC ‘18 nella sezione scultura the winner of the BAC ‘18 - sculpture section
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