Biancoscuro Art Magazine #37

biancoscuro r i v i s tA d ’ A r t e Numero 37 - dicembre 2019 / gennaio 2020 - Bimestrale d’Arte, Cultura e Informazione

In questo numero

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ISSN 2385-1708

Hokusai, Hiroshige e Hasui Arte in Giappone tra Edo e Meiji Art Basel Miami Beach Nuova sezione “Meridians” Le declinazioni di Pinocchio Le mille sfaccettature del “burattino” di Collodi La fotografia di Man Ray Woman!

Passeggiando all’indietro Il Tibet

Gabriele Marchesi

Intervista all’Artista vincitore del Premio BIANCOSCURO

Photograph taken at Pérez Art Museum Miami (PAMM)

Participating Galleries Galleries # 303 Gallery 47 Canal A A Gentil Carioca Miguel Abreu Acquavella Altman Siegel Applicat-Prazan Alfonso Artiaco B Guido W. Baudach elba benítez Ruth Benzacar Bergamin & Gomide Berggruen Fondation Beyeler Blum & Poe Peter Blum Boers-Li Marianne Boesky Tanya Bonakdar Bortolami Luciana Brito Gavin Brown Buchholz C Canada Cardi Casa Triângulo David Castillo Ceysson & Bénétière Cheim & Read Clearing James Cohan Sadie Coles HQ Continua Paula Cooper Corbett vs. Dempsey Pilar Corrias Chantal Crousel D DAN DC Moore Massimo De Carlo Di Donna E Andrew Edlin frank elbaz Essex Street

F Konrad Fischer Foksal Fortes D‘Aloia & Gabriel Peter Freeman Stephen Friedman G Gaga Gagosian Galerie 1900-2000 Gladstone Gmurzynska Elvira González Goodman Gallery Marian Goodman Bärbel Grässlin Richard Gray Garth Greenan Greene Naftali Karsten Greve Cristina Guerra Kavi Gupta H Hammer Hanart TZ Hauser & Wirth Max Hetzler High Art Hirschl & Adler Rhona Hoffman Edwynn Houk Xavier Hufkens hunt kastner I Ingleby Taka Ishii J Alison Jacques rodolphe janssen Catriona Jeffries Annely Juda K Kalfayan Casey Kaplan Karma Kasmin kaufmann repetto Kayne Griffin Corcoran

Sean Kelly Kerlin Anton Kern Kewenig Peter Kilchmann Tina Kim Kohn David Kordansky Andrew Kreps Krinzinger Kukje kurimanzutto L Labor Landau Simon Lee Lehmann Maupin Tanya Leighton Lelong Leme Lévy Gorvy Lisson Luhring Augustine M Magazzino Mai 36 Maisterravalbuena Jorge Mara - La Ruche Matthew Marks Marlborough Mary-Anne Martin Philip Martin Jaqueline Martins Barbara Mathes Mazzoleni Miles McEnery Greta Meert Anthony Meier Menconi + Schoelkopf Mendes Wood DM kamel mennour Metro Pictures Meyer Riegger Victoria Miro Mitchell-Innes & Nash Mnuchin Modern Art The Modern Institute mor charpentier N nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder Nagel Draxler Edward Tyler Nahem

Helly Nahmad Francis M. Naumann Leandro Navarro neugerriemschneider Franco Noero David Nolan Nordenhake O Nathalie Obadia OMR P P.P.O.W Pace Pace/MacGill Parra & Romero Franklin Parrasch Peres Projects Perrotin Petzel Plan B Gregor Podnar Eva Presenhuber Proyectos Monclova R Ratio 3 Almine Rech Regen Projects Revolver Roberts Projects Nara Roesler Tyler Rollins Thaddaeus Ropac Michael Rosenfeld Lia Rumma S Salon 94 SCAI The Bathhouse Esther Schipper Thomas Schulte Marc Selwyn Jack Shainman Sicardi Ayers Bacino Sies + Höke Sikkema Jenkins Jessica Silverman Simões de Assis Skarstedt

Fredric Snitzer Société Sperone Westwater Sprüth Magers Nils Stærk Christian Stein Stevenson Luisa Strina T Templon Thomas Tilton Tornabuoni Travesía Cuatro V Van de Weghe Van Doren Waxter Vedovi Vermelho Vielmetter W Waddington Custot Nicolai Wallner Wentrup Michael Werner White Cube Z Zeno X David Zwirner Nova Antenna Space Barro blank Carlos/Ishikawa Central Fine Chapter NY Company Anat Ebgi Thomas Erben James Fuentes Ghebaly Mariane Ibrahim Isla Flotante JTT David Lewis Josh Lilley Linn Lühn Edouard Malingue moniquemeloche Morán Morán Nanzuka

Jérôme Poggi ROH Projects Anita Schwartz Tiwani Contemporary Positions Sabrina Amrani Christian Andersen Bendana-Pinel Maria Bernheim Callicoon Commonwealth and Council Cooper Cole Document Agustina Ferreyra M+B Madragoa Magician Space Project Native Informant Marilia Razuk Edition Cristea Roberts Crown Point Gemini G.E.L. Carolina Nitsch Pace Prints Paragon Polígrafa Susan Sheehan STPI Two Palms ULAE Survey 10 Chancery Lane acb Almeida Nicelle Beauchene Tibor de Nagy espaivisor Eric Firestone Hackett Mill Hales Pippy Houldsworth Instituto de visión Mitterrand Parker Louis Stern Venus Over Manhattan waldengallery

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Twilight embrace, 2018, 50x50cm.

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biancoscuro r i v i s tA d ’ A r t e Bimestrale d’Arte, Cultura e Informazione

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L’Editoriale di Vincenzo Chetta

Le declinazioni di Pinocchio. Le mille sfaccettature del burattino di Collodi

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Hokusai, Hiroshige e Hasui Arte in Giappone tra Edo e Meiji

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Vive la Révolution La nascita degli Impressionisti”

022

Van Gogh, Monet, Degas Le collezioni dei più importanti e raffinati mecenati del XX secolo

026

Gli Impressionisti ad Asti Palazzo Mazzetti ospita la Collezione Peindreen Normandie

030

Japonisme. L’interpretazione europea della cultura artistica giapponese

034

L’arte per l’arte Le vicende artistiche dei Macchiaioli

096

Art Basel Miami Beach Nuova sezione “Meridians” e oltre 260 importanti gallerie internazionali

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Artissima 2019 La migliore edizione degli ultimi anni Arte Padova 26.000 presenze alla 30ª edizione

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La fotografia di Man Ray: Woman! Da soggetti ritratti ad autrici, le Donne protagoniste

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Gradazioni di luce La mostra fotografica alla Fondazione Dino Zoli

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072 124

Passeggiando all’indietro: il Tibet. Introduzione ai Percorsi del mito [14ª puntata]

Street Art. L’arte di strada come vettore per far camminare le idee 072

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Gabriele Marchesi Grafite e pastelli per un segno di pura passione

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Il mondo incontaminato Francesco Bosso in mostra a Milano

Il mistero e l’ironia di Monna Lisa. La mostra a Pavia

038

In copertina: (on the cover)

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Over the Cover: Marcello Silvestre Il vincitore del BIANCOSCURO Art Contest nella sezione “Sculpture”

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biancoscuro r i v i s tA d ’ A r t e

37 ISSUE December 2019 / January 2020

Bimestrale di Arte, Cultura e Informazione

Art Fair. Fiere ed esposizioni internazionali

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Salvatore Mainardi. La personale a Firenze

SPECIALS

ART FAIRS

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Montreux ART Gallery. L’arte sul lago di Ginevra ART Innsbruck. Dal 16 al 19 gennaio la 24ª edizione Flashback. La settima edizione all’insegna dell’errare Bergamo Arte Fiera. A gennaio 2020 la nuova edizione

Musica per gli occhi “Experience”. In mostra a Montreux il progetto di Mattia Consonni

Giancarlo Delmastro Fantasie nell’etere: la mostra a Venezia

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Gianfranco De Palos Segni come note in uno spartito bianco

050

Viaggio nell’Arte. I capolavori selezionati dalla Johannesburg Art Gallery

Storia di un collezionista, alla Reggia. A Caserta, le opere degli antiquari Lampronti

EXHIBITIONS

La Madonna Litta. Torna a Milano dopo trent’anni India antica. Lo sguardo dell’occidente sull’arte indiana

Giulio Romano. Modi e metodi del grande artista

Veleni e pozioni anche nell’arte. Come si raccontava di cure e delitti

Inedito al Chiostro del Bramante. Da Bacon a Freud, espressioni di Carne e Distorsione

Chagall: sogno e magia. La sensibilità poetica del grande artista russo

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Hokusai Hiroshige Utamaro. I loro capolavori a Pavia Andy Warhol a Napoli. Icone, polaroid, acetati I significati profondi dell’Ornamento.

Tra arte e natura, la nostra storia

EDITORSHIP & GRAPHIC Liberementi viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.liberementi.it

CONTRIBUTORS Giuseppe Carnevale, Vincenzo Chetta, Franco Crugnola, Rebecca Delmenico, Flavio Ennante, Mario Gambatesa, Lucia Garnero, Daniela Malabaila, Rebecca Maniti, R.Molino, Ettore Tiretto.

PHOTOGRAPHERS Adele Arati, Luigi Caracappa, Vincenzo Chetta, Liberementi, Enrico Mangano, Isabella Rigamonti, Ruve Afanador, Bottallo, Mirko Colombo, Erich Dapunt, Anna Maconi, Ugo Mulas, Linda Nylind, Perottino, Piva, Marco Poma, Victoria Tomaschko, Emilio Tremolada, Andrea Valentini, Mathias Völzke, Matthieu Verdeil.

PRINTING Pixartprinting SpA Via 1° Maggio, 8 30020 Quarto d’Altino (VE) Printed on certified paper FSC® C147178 (www.fsc.org)

Dal 1960 al XXI sec. La Collezione Casamonti Giuseppe Uncini. La retrospettiva alla Fondazione Marconi Paola Risoli. Presa di conoscenza (e le sue difficoltà) Da Radice a Dorfles e Munari. L’Astrattismo in Italia Emilio Scanavino. Il legame tra uomo e artista Come hai speso il tuo Begrüssungsgeld?

Il progetto di Tommaso Bonaventura 108

EDITOR IN CHIEF Vincenzo Chetta

PUBLISHER Biancoscuro viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.biancoscuro.it

Personae. L’arte incisa in mostra a Carpi

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BI-MONTHLY OF ARTS, CULTURE AND INFORMATION

MANAGING EDITOR Daniela Malabaila

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BIANCOSCURO Art Magazine

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SOCIAL NETWORK Facebook.com/BiancoscuroArtMagazine Instagram.com/BiancoscuroMag Twitter.com/BiancoscuroMag The publisher is available for persons entitled for any iconographic sources. Manuscripts, photos or other materials even if unpublished are not given back. In addition to the signed articles, texts published on Biancoscuro Art Magazine are taken from the mentioned sources or text available l under the creative commons license. s Reg. Trib. Pavia n.4 of 21/1/2014.

ISSN 2385-1708 © BIANCOSCURO 2020. Reserved artistic and literary copyright. Reproduction in whole or parts is forbidden save with the written permission of the publisher.

BIANCOSCURO Rivista d’Arte NUMERO 37 dicembre 2019 / gennaio 2020 BIMESTRALE DI ARTE, CULTURA E INFORMAZIONE DIRETTORE RESPONSABILE Vincenzo Chetta REDAZIONE & GRAFICA Liberementi viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.liberementi.it CAPOREDATTORE Daniela Malabaila COLLABORATORI Giuseppe Carnevale, Vincenzo Chetta, Franco Crugnola, Rebecca Delmenico, Flavio Ennante, Mario Gambatesa, Lucia Garnero, Daniela Malabaila, Rebecca Maniti, R.Molino, Ettore Tiretto.

FOTOGRAFI Adele Arati, Luigi Caracappa, Vincenzo Chetta, Liberementi, Enrico Mangano, Isabella Rigamonti, Ruve Afanador, Bottallo, Mirko Colombo, Erich Dapunt, Anna Maconi, Ugo Mulas, Linda Nylind, Perottino, Piva, Marco Poma, Victoria Tomaschko, Emilio Tremolada, Andrea Valentini, Mathias Völzke, Matthieu Verdeil.

EDITORE Biancoscuro viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.biancoscuro.it STAMPA Pixartprinting SpA Via 1° Maggio, 8 30020 Quarto d’Altino (VE) Stampato su carta certificata FSC® C147178 (www.fsc.org) SOCIAL NETWORK Facebook.com/ BiancoscuroArtMagazine Instagram.com/BiancoscuroMag Twitter.com/BiancoscuroMag L’Editore è a disposizione degli aventi diritto per eventuali fonti iconografiche non individuate. Manoscritti, foto o altri materiali inviati alla redazione anche se non utilizzati non verranno restituiti. Oltre agli articoli firmati, i testi pubblicati su Biancoscuro Rivista d’Arte sono tratti dalle fonti citate oppure da testi disponibili l secondo le licenze creative commons. s Registrazione al Tribunale di Pavia n.4 del 21/1/2014.

ISSN 2385-1708 © BIANCOSCURO 2020. Tutti i diritti di produzione in qualsiasi forma, compresa la messa in rete, che non siano espressamente per fini personali o di studio sono riservati.

Per qualsiasi utilizzo che non sia individuale

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l’Editoriale di Vincenzo Chetta

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nche questo 2019 sta finendo e, come di consueto nello scrivere l’ultimo numero dell’anno, volgiamo uno sguardo indietro per gettare le basi per il nuovo anno che arriverà. Non voglio essere banale o retorico, ma non posso esimermi dal pensare ai fatti di novembre, un mese terribile per l’Italia per i disagi causati dal maltempo. I danni peggiori per il patrimonio artistico italiano si contano purtroppo a Venezia, dove un’alta marea così non si vedeva dal 1966.

L’acqua ha sommerso per diversi giorni tutta la città: le case, le chiese, i monumenti, i musei, inclusi gli spazi della Biennale e Piazza San Marco (dove si contano i danni maggiori).

Al momento di andare in stampa la situazione è ancora drammatica, ma bisogna andare avanti, rimboccarsi le maniche e pensare al futuro, ognuno deve fare la sua parte per ri-

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portare allo splendore anche le realtà meno battute dai turisti, anche l’ultimo dei mosaici. Venezia non deve essere notizia principale per i problemi, deve essere nelle prima pagine per la bellezza, la poesia che trasmette e per l’alto contributo artistico e culturale che porta al mondo intero (ad esempio la Biennale Arte ha chiuso con oltre 600.000 visitatori), per la sua unicità: un gioiello invidiato da difendere, sempre! Noi ci impegneremo ancora di più per diffondere l’arte italiana in tutto il mondo, grazie alle recenti collaborazioni con Art Basel tocchiamo concretamente anche Hong Kong e Miami Beach, e con la distribuzione EBSCO siamo nelle Accademie, Università, Musei, librerie e biblioteche di tutto il mondo. Che sia una buone fine d’anno con l’arte, che sia un ancor migliore 2020 con BIANCOSCURO! Buona lettura

Vincenzo Chetta

Piazza San Marco Venezia

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Hokusai, Hiroshige e Hasui a Torino Arte e occidentalizzazione in Giappone tra Edo e Meiji di Lucia Garnero

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ino a domenica 16 febbraio, la Pinacoteca Agnelli di Torino è felice di ospitare l’esposizione, inaugurata sabato 19 ottobre, “Hokusai, Hiroshige, Hasui. Viaggio nel Giappone che cambia”.

Protagoniste assolute dell’evento le silografie del Mondo fluttuante dei due più famosi paesaggisti giapponesi dell’Ottocento, Kat-

sushika Hokusai (1760 - 1849) e Utagawa Hiroshige (1797 - 1858), maestri dell’Ukiyo-e di epoca Edo (1603 ‐1868), confrontate con le stampe moderne di Kawase Hasui (1883-1957), esponente del movimento shin hanga, autore di silografie policrome nelle epoche Meiji (18681912), Taishō (1912-1926) e parte della Shōwa.

L’esposizione è curata da Rossel-

la Menegazzo, docente di storia dell’Arte dell’Asia Orientale dell’Università di Milano, e Sarah E. Thompson curatrice del Boston Museum of Fine Arts, ed è organizzata dalla Pinacoteca Agnelli in collaborazione con il Boston Museum of Fine Arts insieme a MondoMostre e FIAT. Il percorso espositivo, diviso in 4 sezioni tematiche, propone, con oltre 100 silografie del Museum

Katsushika Hokusai - Il ponte sospeso tra Hida ed Etchū (Hietsu no sakai tsuribashi) Serie: Vedute insolite di famosi ponti giapponesi di tutte le province (Shokoku meikyō kiran) 1834 circa, Ōban, silografia policroma (nishikie), 244x357 mm. Firma: Hokusai aratame Iitsu hitsu, Editore: Nishimuraya Yohachi (Eijudō)

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of fine Arts di Boston, un viaggio nei luoghi più suggestivi del Giappone, raccontando la produzione artistica e la cultura di un paese che, tra fine Ottocento e inizio Novecento, è sottoposto ad un’enorme trasformazione, a partire dalla massima fioritura della società in epoca Edo fino alla Restaurazione Meiji del 1868, con l’adozione di una costituzione di stampo europeo e la figura imperiale di nuovo al governo. Il percorso espositivo è stato ideato dalle curatrici in collaborazione con l’architetto Marco Palmieri, per comporre un racconto in grado di restituire al visitatore una visione complessiva ed unitaria della silografia policroma giapponese, entrata nell’immaginario artistico universale fino alle formulazioni di impronta contemporanea. Nelle 4 sezioni - Da Edo a Tokyo: vedute della Capitale Orientale, In viaggio lungo le vie del Giappone, Luoghi della poesia e, in ultimo, Vedute del Fuji -, le immagini dei luoghi celebri (meisho) della città scelta come “capitale orientale”, Edo, testimoniano le mode, gli usi e i costumi di una classe cittadina benestante, fino ai mutamenti, a livello sociale e urbanistico, con l’ampliarsi delle vie di comunicazione e la ricezione di valori e canoni europei applicati in ogni campo della produzione artistica.

In tale contesto espositivo, i visitatori possono vivere una esperienza completa: in primo luogo, speri-

Sopra: Utagawa Hiroshige, Shōno - Scroscio improvviso (Shōno. Hakuu) [Stazione 46] Serie: Cinquantatré stazioni di posta del Tōkaidō (Tōkaidō gojūsantsugi no uchi) 1833-1834 circa, ōban, silografia policroma (nishikie), 241x350 mm.

Firma: Hiroshige ga. Editore: Takenouchi Magohachi (Hōeidō)

A destra: Utagawa Hiroshige Il fiume Ayase e Kanegafuchi (Ayasegawa Kanegafuchi) Serie: Cento vedute di luoghi celebri di Edo (Meisho Edo hyakkei) 1857, settimo mese, ōban, silografia policroma (nishikie), 33,7x21,9 cm.

Firma dell’artista: Hiroshige ga Editore: Sakanaya Eikichi (Uoei)

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biancoscuro

mentando la meraviglia e l’emozione che all’epoca dovettero provare artisti come Monet, Van Gogh, Degas, Toulouse-Lautrec di fronte alla freschezza, alla

semplicità e al forte impatto delle opere di Hokusai e Hiroshige; poi, vedendo l’evoluzione di quelle immagini del Mondo Fluttuante traslate in epoca moderna,

attraverso la tecnica innovativa di Hasui, per la prima volta in confronto diretto con le opere dei pittori classici della tradiziol ne giapponese. s

Sopra: Kawase Hasui L’argine del Furukawa all’imbrunire (Kure yuku Furukawazutsumi), 1919, inizio estate (Taishō 8 sho natsu), silografia policroma, Nagaban orizzontale, 183x482 mm.

Firma dell’artista: Taishō hachi sho natsu Kawase Hasui Sigillo dell’artista: Hasui, Editore: Watanabe Shōzaburō A destra: Kawase Hasui La gola di Azuma (Azumakyō) 1947 (Shōwa 22 nen), silografia policroma, Ōban, 364x269 mm.

Firma dell’artista: Hasui Sigillo dell’artista: Kawase

HOKUSAI, HIROSHIGE, HASUI

Viaggio nel Giappone che cambia 19 ottobre 2019 – 16 febbraio 2020 Pinacoteca Agnelli, Torino INFO T. +39 011 00 62 615 info@pinacoteca-agnelli.it Da martedì a domenica 10.00 - 19.00 31 dicembre 10.00 - 14.00 1 gennaio 14.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.pinacoteca-agnelli.it

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HOKUSAI, HIROSHIGE, HASUI Journey through a Changing Japan

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Pinacoteca Agnelli, Torino October 19, 2019 - February 16, 2020

he Pinacoteca Agnelli of Turin presents, from Saturday 19 October 2019 to Sunday 16 February 2020, the extensive exhibition “Hokusai, Hiroshige, Hasui. Journey through a Changing Japan”. The exhibition will present works by the two great 19th‐century Masters of the “Floating World”, Katsushika Hokusai (1760‐1849) and Utagawa Hiroshige (1797‐1858), alongside modern prints by Kawase Hasui (1883‐1957), a key member of the shin hanga (“new prints”) movement, who developed the themes and techniques of woodblock colour print throughout the Meiji (1868‐1912) and Taishō (1912‐1926) periods, as well as part of the Shōwa period, right up to the mid‐1950s, when he was named a “living national treasure” in 1956.

The exhibition is curated by Rossella Menegazzo, professor of East Asian Art History at the University of Milan, and Sarah E. Thompson, curator of the Boston Museum of Fine Arts, and has been organized by Pinacoteca Agnelli in collaboration with the Museum of Fine Arts, Boston and MondoMostre. The project’s main partner is FIAT. Through a selection of more than 100 extraordinary woodblock color prints by these three masters, Katsushika Hokusai, Utagawa Hiroshige and Kawase Hasui, the exhibition will take visitors on a journey, divided into 4 thematic sections, through the most evocative places in Japan, both real and imaginary, illustrating the artistic

aspect of a country that underwent a huge transformation between the end of the 19th century and the beginning of the 20th century due to the influence of the West. Thus the Floating World made famous by the first two maestros adapted to the tastes of a society that aspired to European canons, as well as others, as demonstrated by Hasui. Visitors will experience a comprehensive narrative, starting from the wonder and emotion that artists such as Monet, Van Gogh, Degas and Toulouse‐Lautrec must have felt in their day when faced with the innovation, simplicity and impact of the work of Hokusai and Hiroshige, the two extraordinary landscape artists who contributed to revolutionising the language of painting in Paris at the end of the 19th century. They will then witness the evolution of the images of the Floating World transformed in the modern age through Hasui’s skill, nostalgia and innovative technique, seeing his works presented for the first time directly alongside the most important of those by the classic representatives of traditional Japanese art. These images become aesthetic points of reference for all the other artists of the time and those who have followed. Both Japanese and Western photographers who have found success in Japan make reference to the colours, framing and subjects of ukiyoe, confirming the status of those images as the foreign “image of Japan” that conquered and shook the European art world. s l

Sopra: Katsushika Hokusai Rihaku [Li Bai] (Rihaku) Serie: Specchio dei poeti giapponesi e cinesi (Shiika shashinkyō) 1833-1834 circa silografia policroma (nishikie), Nagaban verticale, 520x233 mm.

Firma: Saki no Hokusai Iitsu hitsu Editore: Moriya Jihei (Kinshindō) Sigillo di censura: Kiwame

Kawase Hasui Il laghetto al Santuario di Benten a Shiba (Shiba Benten ike) 1929 agosto (Shōwa 4) silografia policroma, ōban, 273x398 mm.

Firma dell’artista: Hasui Sigillo dell’artista: Kawas

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Vive la Révolution!

La nascita degli Impressionisti di

Mario Gambatesa

La nascita dell’Impressionismo non si riassume nell’elaborazione di una “nuova pittura”, ma è sostenuta anche dall’emergere di una “nuova” classe di collezionisti.

Provenienti da ambienti più o meno agiati, i primi appassionati, più che per la ricchezza si distinguono per la cultura e la volontà di far valere i propri gusti.

Claire Durand-Ruel e Marianne Mathieu

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ra il 15 aprile del 1874 quando, al 35 di Boulevard des Capucines di Parigi, nello studio fotografico del Sig. Gaspard (meglio conosciuto

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come Nadar), si inaugurò la mostra di un gruppo di pittori riuniti sotto i nome di “Societé anonyme des artistes peintres, sculpteurs, graveurs”. Erano le dieci del mattino e a Parigi si respirava aria di

rivoluzione. Boicottati dal Salon Ufficiale parigino, il gruppo degli Impressionisti, guidato da Claude Monet e composto da Cezanne, Degas, Pissarro e Renoir, decise di sfidare la massima

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Sopra e in basso a destra: alcune immagini dell’allestimento.

Ph. Gianfranco Fortuna A sinistra: Alfred Sisley Tournant du Loing à Moret. Printemps, 1886 Olio su tela, 54,2x73,6 cm.

Collezione Pérez Simón, Messico

istituzione artistica francese organizzando una mostra in proprio e, soprattutto, in anticipo rispetto a quella del Salon.

Si tratta quindi, di un gesto di rottura in linea con la portata rivoluzionaria della loro tecnica pittorica, che metteva in discussione i canoni classici della tradizione.

Il pubblico rimase profondamente scioccato dai loro lavori e la critica si scatenò ma, malgrado il cocente insuccesso, non si persero d’animo e, sostenuti da un piccolo numero di estimatori e mercanti d’arte dallo sguardo visionario, portarono avanti con passione la maggiore rivoluzione estetica dei loro tempi.

Ciò che sgomentò la critica dell’epoca, e che poi decretò il successo

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di questo stile pittorico, furono le sue principali caratteristiche: la scelta di soggetti tratti dalla quotidianità; un’immagine chiara, luminosa e variopinta, liberata dai toni bituminosi e terrosi dei pittori accademici; lo studio attento degli effetti della luce sugli esseri viventi e sulle cose e la frammentazione della pennellata finalizzata a tradurre al meglio le vibrazioni atmosferiche.

Il 6 ottobre scorso è stata inaugurata la grande mostra intitolata “Impressionisti Segreti” presso Palazzo Bonaparte (un edificio barocco in Piazza Venezia a Roma) da sempre utilizzato come residenza privata, oggi diventa accessibile grazie alla partnership tra Generali Italia e Arthemisia.

Sopra: Camille Pissarro Les grands hêtres à Varengeville, 1899 Olio su tela, 64,8x54 cm Collezione Pérez Simón, Messico

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IMPRESSIONISTI SEGRETI Spazio Generali Valore Cultura - Palazzo Bonaparte, Roma October 06, 2019 - March 08, 2020

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rom October 6th, 2019, Rome sees two additions to its cultural offer: the opening of Palazzo Bonaparte, Spazio Generali Valore Cultura, with the inauguration of its first exhibition entitled “Impressionisti Segreti” (Secret Impressionists), presenting a selection of famous but usually unseen masterpieces from the greatest international private collections. Palazzo Bonaparte is the splendid Baroque edifice in Piazza Venezia named after Napoleon’s mother Maria Letizia Ramolino who lived there until 1836: traditionally used as a private residence, today this building becomes accessible to the public by virtue of a partnership between Generali Italia and Arthemisia. In 1874, a group of artists rebelling against academic art set up its first exhibition in a few rooms made available by photographer Félix Nadar, at no.35 Boulevard des Capucines in Paris. Among these artists were Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Edgar Degas, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Armand Guillaumin and Paul Cézanne. Édouard Manet was the leading proponent of the group, even though his paintings were never displayed with those of the other artists. The sight of these artworks caused great shock among the viewers, and the reviews were very negative, but regardless of their fiasco, these artists did not get discouraged

and with the support of small group of estimators and forward-looking art merchants, continued with what was to become the greatest artistic revolution of their time. “Impressionisti Segreti”, the first exhibition ever held in Palazzo Bonaparte, is a unique opportunity to rediscover the history of Impressionism through fifty masterpieces by artists including Monet, Renoir, Cézanne, Pissarro, Gauguin, and many others, from the most important private collections, exclusively and generously on loan for this extraordinary occasion.

A fascinating journey across the most captivating and intriguing artistic movement in the history of art, with late nineteenth-century film stills of Paris, alluring portraits of women from the elite of the day, and vibrant light-infused paintings. The curatorship of the exhibition has been entrusted to two internationally affirmed professionals, Marianne Mathieu, scientific director of Musée Marmottan Monet, Paris, which holds the world’s greatest collection of Claude Monet’s works, and Claire Durand-Ruel, descendent of Paul Durand-Ruel, he who redefined the role of art merchant and who was the first supporter of the Impressionists’ creations. Impressionisti Segreti is an exhibition produced and organised

by Gruppo Arthemisia. Under the patronage of the Italian Ministry of Cultural Heritage and Activities and Touri-

sm, the Embassy of France in Italy, and Regione Lazio, this project is realized in collaboration with the Department of Cultural Development – Capitoline Superintendence for the Artistic Heritage of Rome and is supported by Generali Italia through Valore Cultura, a programme committed to assure greater accessibility to art and culture.

Special partner of the exhibition is Q8 that following its participation in the Pollock and Escher exhibitions, has confirmed its commitment towards supporting the values of art and culture. The exhibition Impressionisti Segreti is part of Arte della solidarietà (Art of solidarity), a project organised by Susan G. Komen Italia and Arthemisia to bring beauty into the lives of those less fortunate. This exhibition is supported by Generali Italia through Valore Cultura, the programme committed to making art and culture increasingly accessible to a wider public. With Valore Cultura, Generali Italia promotes art and culture across Italy to reach a broad audience with exhibition ticket reductions, theatre performances, events and artistic and cultural events and activities with the intention of creating a shared value. Hotel de Russie and Hotel de la Ville of the Rocco Forte Hotels group are hospitality partners of the event. The event is recommended by Sky Arte. Catalogue published

by Arthemisia Books. s l

Federico Zandomeneghi - Sul divano 1885-1890 circa, olio su tela, 44x87 cm.

Collezione privata, Italia

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biancoscuro

IMPRESSIONISTI SEGRETI 06 ottobre 2019 - 08 marzo 2020 Palazzo Bonaparte, Roma INFO T. +39 06 87 15 111

Da lunedì a venerdì 09.00 - 19.00 Sabato e domenica 09.00 - 21.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.mostrepalazzobonaparte.it

A sinistra: Pierre-Auguste Renoir - Bougival 1888, olio su tela, 54x65 cm.

Collezione Pérez Simón, Messico Sotto: Camille Pissarro Gardener standing by a Haystack, overcast sky, Eragny 1899, olio su tela, 60x73 cm.

Isabelle and Scott Black Collection

In esposizione sono presenti quei capolavori noti a tutti, ma nascosti nelle più grandi collezioni private del mondo. Da Monet a Renoir, da Cézanne a Pissarro a Gauguin e molti altri, sono circa 50 le opere in mostra, provenienti dalle importanti collezioni private e generosamente prestati solo per questa straordinaria occasione. L’esposizione è curata da due esperte di fama internazionale: Marianne Mathieu, direttrice scientifica del Musée Marmottan Monet di Parigi - sede delle più ricche collezioni al mondo di Claude Monet, e Claire Durand-Ruel, discendente di Paul Durand-Ruel, colui che ridefinì il ruolo del mercante d’arte e primo sostenitore degli impressionisti. La mostra (aperta al pubblico fino all’8 marzo prossimo) gode del patrocinio del Ministero per i beni e le attività culturali e per il turismo, dell’Ambasciata di Francia in Italia e della Regione Lazio ed è realizzata in collaborazione con l’Assessorato alla Crescita cul-

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turale-Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali di Roma Capitale, ed è sostenuta da Generali Italia attraverso Valore Cultura, il programma per rendere l’arte e cultura accessibili a un pubblico

sempre più ampio. Una mostra composta da opere segrete, non poteva che essere realizzata all’interno di un palazzo che fino a ieri era rimasto segreto: una ril velazione nella rivelazione! s

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biancoscuro

Van Gogh, Monet, Degas

In mostra una parte della Collezione di due tra i più importanti e raffinati mecenati del XX secolo di Flavio

Ennante

P A destra: Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 1839 – 1906) Victor Chocquet ca. 1877, olio su tela, 35,2x27,3 cm.

Virginia Museum of Fine Arts, Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon, 83.14.

Image © Virginia Museum of Fine Arts.

Sotto: Édouard Manet (Parigi 1832 – 1883) Sulla spiaggia, Boulogne-sur-Mer 1869, olio su tela, 32,4x65,4 cm.

Virginia Museum of Fine Arts, Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon, 85.498.

Image © Virginia Museum of Fine Arts.

alazzo Zabarella ospita, in esclusiva per l’Italia, oltre 70 capolavori di Edgar Degas, Eugène Delacroix, Claude Monet, Pablo Picasso e Vincent van Gogh e altri, che celebrano Paul e Rachel ‘Bunny’ Lambert Mellon, due tra i più importanti e raffinati mecenati del Novecento.

La mostra, curata da Colleen Yarger, capo dipartimento ad interim e curatrice del catalogo della Mellon Collection, presenta una preziosa selezione di opere provenienti dalla Mellon Collection of French Art dal Virginia Museum of Arts, che copre un arco cronologico che dalla metà dell’Ottocento, giunge fino ai primi decenni del Novecento, compreso tra il Romanticismo e il Cubismo, passando attraverso la straordinaria stagione dell’Impressionismo.

La mostra si apre con Théodore Géricault e Berthe Morisot, che definiscono la genesi della raccolta dei due coniugi (Mellon era un amante dei cavalli, Bunny si specchia nell’opera dell’artista francese

che ritrae il piacere semplice della vita domestica). E poi lavori di Van Gogh, Bonnard, Utrillo, che rivelano sia vedute famose che poco conosciute di Parigi, città a cui i coniugi Mellon rimasero intimamente legati per tutta la loro vita.

La figura umana ed il ritratto sono rappre-

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VAN GOGH, MONET, DEGAS

FRANCESCA PAVESI

The Mellon Collection of French Art from the Virginia Museum of Fine Arts 26 ottobre 2019 -01 marzo 2020 Palazzo Zabarella, Padova INFO T. +39 049 87 53 100 info@palazzozabarella.it Tutti i giorni 09.30 - 19.00 8 e 26 dicembre 09.30 - 19.00 24 e 31 dicembre 09.30 - 17.00 1 e 6 gennaio 09.30 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.palazzozabarella.it Sopra: Berthe Morisot (Bourges 1841 – Parigi 1895) Giovane donna che annaffia un arbusto 1876, olio su tela, 40x31,7 cm. Virginia Museum of Fine Arts, Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon, 83.40.

Image © Virginia Museum of Fine Arts.

Sotto: Eugène Boudin (Honfleur 1821 – Deauville 1898) Ingresso al porto di Le Havre 1888, olio su tela, 90x130,5 cm. Virginia Museum of Fine Arts, Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon, 85.495.

Image © Virginia Museum of Fine Arts.

sentati dai dipinti di Courbet, Degas, Monet, Renoir e Cézanne, per proseguire in una sezione con opere di Caillebotte, Boudin, Manet, Berthe Morisot che ritraggono la vita sulle spiagge d’inizio secolo scorso. Dal mare alla campagna francese, la mostra si chiude con una raffinata selezione di ope-

I coniugi Mellon

re impressioniste, con due paesaggi di Monet, un ritratto di Renoir e una delle famose ballerine di Degas. L’occasione di poter ammirare e studiare questa coll lezione è unica, da non perdere. s

IL MARE, LA MIA ULTIMA DIMORA - 2019 Olio su tela, cm 90X160

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E francesca.pavesierl3@gmail.com

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FRANCESCO FRANCESCO DE DE MOLFETTA MOLFETTA GINO GINO GINI GINI MARCO MARCO GRASSI GRASSI HACKATAO HACKATAO MASSIMO MASSIMO KAUFMANN KAUFMANN MARK MARK KOSTABI KOSTABI MAX MAX MARRA MARRA FABRIZIO FABRIZIO MOLINARIO MOLINARIO OLINSKY OLINSKY PETER PETER HIDE HIDE 311065 311065 ISABELLA ISABELLA RIGAMONTI RIGAMONTI MAX MAX HAMLET HAMLET SAUVAGE SAUVAGE CATERINA CATERINA TOSONI TOSONI BETTY BETTY ZOLA ZOLA MUSEO MUSEO CIVICO CIVICO FLORIANO FLORIANO BODINI BODINI VIA VIAMARSALA, MARSALA,1111-21036 21036GEMONIO GEMONIO (VA) (VA)

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tinaluposcultore@libero.it

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Gli Impressionisti ad Asti Palazzo Mazzetti ospita la Collezione Peindreen Normandie di

Daniela Malabaila

“

La natura…Che termine grandemente vago. Tutto è in essa, compresi gli esteti e i pittori che hanno guardato solo nei libri. Bisognerebbe semplicemente dire che di tutti i pittori, Claude Monet è quello che guarda con più fiducia e determinazione. Che sia a Venezia, in riva all’Oceano, davanti alle cattedrali, a Londra, a Vétheuil, a Giverny, Claude Monet tralascia la falsità umana, emotiva o pseudo-classica che tanti pittori innestano nei paesaggi.

L

a nascita del movimento impressionista in Normandia deve la sua forza nella luce che solo quei luoghi sapevano riflettere: “Monet e gli impressionisti in Normandia” racconta proprio di quelle sessioni di pittura en plein air a Dieppe, a Le Havre, sulla spiaggia di

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”

Octave Mirbeau, Claude Monet.“Venise”, Paris 1912

Trouville, a Honfleur a Deauville, o ancora al porto di Fécamp.

La mostra in corso ad Asti, a Palazzo Mazzetti, curata da Alain Tapié, racconta il movimento percorrendo le tappe salienti dell’Impressionismo con capolavori provenienti dalla Collezione Peindre en Normandie (una delle collezioni più rappresentative

del periodo impressionista, creata nel 1992 su iniziativa del Consiglio Regionale della Bassa Normandia e di privati), dal Musée de Vernon, dal Musée Marmottan Monet di Parigi e dalla Fon-

Eugéne Le Poittevin Bagno a Étretat 1858 ca., olio su tavola, 21x48,5 cm.

Collection Association Peindre en Normandie, Caen

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dazione Bemberg di Tolosa.

Il Presidente della Fondazione Asti Musei, Mario Sacco, presenta la rassegna: “Sulla scia dello strepitoso successo ottenuto con la mostra “Chagall. Colore e Magia”, Fondazione Asti Musei prosegue il proprio percorso, unitamente al Comune di Asti e alla Regione Piemonte, per consentire ad Asti di ergersi a città internazionale della cultura. La mostra approda a Palazzo Mazzetti dopo aver sostato negli Stati Uniti, in Giappone, in Croazia, in Slovenia, in Polonia, in Germania e nei Paesi scandinavi e baltici. Per la prima volta ad Asti sarà possibile ammirare tele di Monet, Renoir, Courbet, Bonnard, Morisot: una mostra che racconta il percorso e gli scambi dei più “grandi” dell’epoca che hanno reso la Normandia la dolce culla del movimento esaltandone gli aspetti paesaggistici e naturalistici.”

L’esposizione descrive dunque l’attrazione degli artisti per la Normandia, regione francese divenuta nell’Ottocento un vero e proprio laboratorio di idee; sono riuniti celebri artisti e altri autori meno noti che hanno rappresentato il paesaggio normanno fino all’inizio del XX secolo.

Cinque le sezioni che accompagnano il visitatore in una ideale passeggiata in quei luoghi che sono diventati fonte di espressioni artistiche di grande potenza, dove le atmosfere generate dal vento, dal mare e dalla bruma, sono intense, quasi fisiche, potenti ed espressive, così come i pittori le hanno catturate. La prima parte, “La fattoria SaintSiméon”, un luogo/musa che ha ispirato con i contrasti tra i lavoratori ed i turisti che visitavano la Côte de Grâce. Lontani

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Sopra: Eugène Boudin Trouville, il molo con l’alta marea 1888-1895 ca., olio su tavola, 27x21,8 cm.

Collection Association Peindre en Normandie, Caen

Sottto: Charles Angrand Il Ponte di Pietra a Rouen 1881, olio su tela, 80x124 cm.

Collection Association Peindre en Normandie, Caen

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MONET AND THE IMPRESSIONISTS IN NORMANDY Masterpieces from the Peindre en Normandie Collection

P

Palazzo Mazzetti, Asti September 13, 2019 - February 16, 2020

alazzo Mazzetti in Asti will be housing an outstanding collection of 75 works illustrating the Impressionist movement and its close links to Normandy. Thanks to the Fondazione Asti Musei, the exhibition “Monet and the Impressionists in Normandy. Masterpieces from the Peindre en Normandie Collection”, curated by Alain Tapié, retraces the key stages of this artistic current. Works such as The Sea from the Heights of Dieppe (1834) by Delacroix, The Beach at Trouville (1865) by Courbet, Camille on the Beach (1870) and Boats on the Beach at Étretat (1883)

by Monet, and Sunset, View of Guernesey (1893) by Renoir – masterpieces featured in the exhibition – illustrate the exchanges, mutual engagement and collaboration between some of the greatest painters of this epoch. With its dazzling nature, vibrant colours and sparkling vistas, Normandy was turned into a symbol of the joy of painting.

The exhibition revolves around the Peindre en Normandie Collection, one of the most representative collections for the Impressionist period. It also includes works from the Musée Alphonse-Georges- Poulain of Vernon, the Musée Marmottan Monet of Paris, and the Bemberg Foundation of Toulouse. When British watercolourists such as Turner and Parkes crossed the Channel to devote themselves to landscape painting, they transmitted their capacity to convey the vitality of nature to French artists. The works by these British painters express the light and rich forms of Normandy, providing an enhanced sensory and visual experience. Places like Dieppe, the Seine estuary, Le Havre, the beach at Trouville, the coastline between Honfleur and Deauville, and the harbour of Fécamp – portrayed in the works on display in Palazzo Mazzetti – became an avenue for compelling artistic expression.

These microcosms of wind, sea and mist possess an intense and expressive physical personality, which the French painters captured by painting en plein air, giving rise to the Impressionist movement. Mario Sacco, President of the Fondazione Asti Musei, states: “In the wake of the remarkable success of the exhibition ‘Chagall. Color and Magic’, the Fondazione Asti Musei, in conjun-

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ction with the Municipality of Asti and the Regional Government of Piedmont, is carrying forward its commitment to establish Asti as an international city of culture. The exhibition ‘Monet and the Impressionists in Normandy’ is now coming to Palazzo Mazzetti after being seen in Memphis (USA), Japan, Croatia, Slovenia, Poland, Münster (Germany), and Scandinavian and Baltic countries.

It is an honour and matter of pride for our city to host an exhibition of such artistic and cultural value. The project, co-organized with Prof. Vittorio Sgarbi, is based on a fruitful synergy with the local authorities and with Ponte – Organisation für kulturelles Management GmbH. The works – a grand total of 75 paintings – mostly come from the Peindre en Normandie Collection, as well as from the Musée Alphonse-Georges-Poulain of Vernon, the Musée Marmottan of Paris, and the Bemberg of Toulouse. They have been harmoniously arranged by curator Alain Tapié. For the first time, it will be possible to admire in Asti paintings by Monet, Renoir, Courbet, Bonnard, and Morisot. The exhibition illustrates the careers and mutual exchanges of some of the greatest artists from this epoch, who made Normandy the charming cradle of the Impressionist movement by bringing out the distinctive features of its natural landscape. I am confident that the great number of visitors to our area will not only add prestige to Asti, but will also contribute to local tourism, thereby fostering the development of the whole Langhe, Monferrato and Roero region. My heartfelt thanks go to the Gruppo Cassa di Risparmio di Asti, who have agreed to join us in this challenging and ambitious project which will promote Asti and our wonderful hills throughout the world.

The dream that started with Chagall reflects itself in the crystal-clear waters of Monet’s painting Bateaux sur la plage a l’Étretat”. The exhibition is produced

by Fondazione Asti Musei, Fondazione Cassa di Risparmio di Asti, the Regional Government of Piedmont, and the Municipality of Asti, in collaboration with Ponte – Organisation für kulturelles management GMBH. It is organized by Arthemisia, in collaboration with Gruppo Cassa di Risparmio di Asti, and with the contribution of Fondazione Cassa di Risparmio di Torino. s

dal clima accademico dei Salon, i pittori trovavano i loro soggetti nella campagna circostante o allontanandosi verso le spiagge.

La seconda sezione prosegue con queste ultime scene, “In riva al mare: svago, villeggiatura” propone il passaggio dal ritratto del tessuto sociale (protagonisti i lussuosi alberghi in riva al mare e le promenade) al naturalismo.

Monet abbandona i soggetti convenzionali e, scegliendo come suoi interlocutori Turner e Courbet, si rivolge al mare e alla luce, ne carpisce il coinvolgimento “fisico”. Ricordiamo un passaggio di Maupassant che parlando proprio di Monet disse: “Una volta prese a piene mani un temporale abbattutosi sul mare e lo gettò sulla tela. Ed era davvero pioggia quella che aveva dipinto...”.

E dopo i turisti e la forza naturale dell’elemento marino, gli artisti volgono lo sguardo ai lavori del luogo, dunque alle lavandaie e ai pescatori, agli stabilimenti balneari e ai ristoranti. Sarà ancora una volta Monet ad evolversi e riuscire a coniugare nelle sue opere il mare, la pesca, le regate, i vaporetti e la mondanità.

Claude Monet Barche sulla spiaggia di Étretat, 1883 Olio su tela, 65x81 cm Fondation Bemberg, Toulouse

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MONET E GLI IMPRESSIONISTI IN NORMANDIA

Capolavori della Collezione Peindre en Normandie 13 settembre 2019 - 16 febbraio 2020 Palazzo Mazzetti, Asti INFO T. +39 0141 530403 Da martedì a domenica 10.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.astimonet.it

Sopra: Claude Monet Étretat 1864 ca., olio su tela, 27x41 cm.

Collection Association Peindre en Normandie, Caen

Sotto: Pierre Bonnard Il Bacino degli Yachts a Deauville 1910 ca., olio su tela, 40x49,3 cm.

Collection Association Peindre en Normandie, Caen

La quarta sezione, dal titolo “Terra normanna”, racconta dell’entroterra, dopo le tante rappresentazioni della costa si passa dunque alle più rudi montagne, al paesaggio selvaggio ed ostile, lontani dalla spensieratezza dei lidi: l’antica Normandia contadina. Il percorso volge al termine “Lungo la Senna”, quando nel 1865 Renoir, Monet e Bazille fanno scoprire la periferia della modernità, i villaggi come Giverny, Bennecourt, Vétheuil.

Proprio Giverny accoglierà Monet e le sue due famiglie, qui arriverà a carpire ancora più profondamente i paesaggi, fino ad arrivare a scoprire che la natura, è uno spazio che può essere ril costruito mentalmente. s

Alessandra

Dieffe BIANCOSCURO La solitudine RIVISTA d’ARTE 2018 - grafica digitale - 68x38 cm.

Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it opera esposta a Palazzo Albrizzi Capello - Venezia

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Japonisme

L’interpretazione europea della cultura artistica del Giappone di Rebecca Maniti

A destra: Émile Gallé Vaso detto La Carpe 1878, vetro soffiato e modellato detto “clair de lune” Musée des Arts Décoratifs de Paris Sotto: Carl Moser Pavone con quattro ciliegie olio su tela, 1929 Sotto a destra: Kolo Moser Albero in fiore 1911, olio su tela Österreichische Galerie Belvedere, Vienna

É

Palazzo Roverella ad ospitare, fino al 26 gennaio prossimo, una completa ed accurata rassegna sulla “moda giapponista” esplosa intorno al 1860 e durata per circa cinquantanni, coinvolgendo praticamente due generazioni di artisti e di collezionisti e committenti.

“Giapponismo, Venti d’Oriente nell’arte europea. 1860 – 1915” è curata da Francesco Parisi, che ha deciso di raccontare questo particolare periodo attraverso quattro macro-sezioni che accompagnano il visitatore nel percorso che tocca nazioni (Inghilterra, Francia, Paesi Bassi, Germania, Austria, Boemia e Moravia, Italia) e momenti storici differenti, in una sorta di

lettura parallela a quella dei diversi modi in cui il gusto orientale è penetrato nelle arti occidentali.

Sarà grazie alle Esposizioni Universali che la magia ed il mistero del lontano Giappone iniziò ad affascinare le nuove generazioni, ed è dunque questo il motivo del progetto espositivo suddiviso in quattro piccole “esposizioni universali”: pittura, grafica, architettura, illustrazione, manifesti e arredi. Si parte dall’Expo londinese del 1862, dove debuttarono queste nuove creazioni; da questo momento gli artisti più coinvolti iniziarono ad inserire nelle loro opere, elementi del

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biancoscuro

“

Tutto l'Impressionismo è dovuto alla contemplazione e all'imitazione delle stampe luminose del Giappone

”

Edmond de Goncourt

Sopra: Giuseppe De Nittis Fra i paraventi Pescara, collezione privata Sotto: Anselmo Bucci La giapponese (il Kimono) 1919, olio su tela, Courtesy Matteo Mapelli / Galleria Antologia Monza

Paese del Sol Levante, spesso in maniera decontestualizzata, attratti dalla loro qualità decorativa. Le Esposizioni Universali di Parigi del 1867 e del 1878 continuarono a mostrare l’arte del Giappone, e in particolare la seconda portò alla ribalta il ventaglio, tanto che numerosi artisti italiani, francesi e inglesi si dedicarono alla decorazione di questo oggetto. L’imitazione delle stampe luminose giapponesi ebbe un peso notevole nel passaggio dal naturalismo all’impressionismo, sia per la scelta dei soggetti sia per l’abbandono dell’uso di colori bituminosi. La dimensione decorativa rivestiva sempre più un ruolo essenziale nella nuova concezione della pittura.

La moda giapponista raggiunse la Germania alla fine del XIX secolo, ma ebbe il suo massimo sviluppo con la Secessione viennese preceduta dall ‘Esposizione Universale di Vienna del 1873. Tra i maggiori interpreti internazionali della grafica e della xilografia giapponese ricordiamo Emil Orlik che realizzò centinaia di xilografie policrome sul modello dell’ukiyo-e.

Il Japonisme entrò anche nel dibattito artistico italiano sul modernismo nei primi del ‘900, la grafica ne venne sicuramente ammaliata, anche tramite Giacomo Balla, raggiungendo un notevole sviluppo nell’arte del manifesto.

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Fondamentale per la conoscenza dell’arte giapponese in Italia fu anche la grande Esposizione Internazionale di Roma del 1911. Il padiglione realizzato dal governo giapponese a Valle Giulia, un edificio in stile giapponese classico, presentava per la prima volta al pubblico più di cento opere d’arte tra sculture e pitture, soprattutto contemporanee, di artisti ormai pienamente “occidentalizzati” e altri ancora saldamente legati alla tradizione.

Interessante il corpus di opere esposte che comprende capolavori di Gauguin, Touluse Lautrec, Van Gogh, Klimt, Kolo Moser, James Ensor, Alphonse Mucha, Moore, Sir John Lavery e Dresser; degli italiani Giuseppe De Nittis, Chini, Plinio Nomellini, Balla, Mancini, Fontanesi e Michetti, e tanti altri.

Una mostra originale ed interessante, ricercata e di ricerca, che racconta di quanl to la globalizzazione sia senza tempo. s GIAPPONISMO

Venti d’Oriente nell’arte europea. 1860/1915 28 settembre 2019 - 26 gennaio 2020 Palazzo Roverella, Rovigo

A destra, dall’alto verso il basso: Fernand Khnopff Le Rose 1912, pastello su carta Emil Orlik Paesaggio con il monte Fuji 1908, Courtesy Daxer & Marschall Gallery, Monaco

INFO T. +39 0425 460093 info@palazzoroverella.com Da lunedì a venerdì 09.00 - 19.00 Sabato, domenica e festivi 09.00 - 20.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.palazzoroverella.com

Paul Gauguin Fête Gloanec 1888. Orléans, Musée des Beaux-Arts.

Marco

Sudati marco.sudati@libero.it www.marcosudati.it

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Cacciatori di nidi 2019 - acrilico su tela 100x40 cm.

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R.VERGA

biancoscuro

L’arte per l’arte Le vicende artistiche dei Macchiaioli di

Mario Gambatesa

Serafino De Tivoli - Villa Salviati 1856, olio su tela, 67x94 cm. Carpi, collezione Palazzo Foresti

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uella dei Macchiaioli è una storia del tutto originale e degna di nota.

Il movimento artistico italiano si è formato nella Firenze ottocentesca a partire dal 1855; la loro nascita è una reazione alla formalità accademica ed abbraccia radical-

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mente le ideologie risorgimentali nazionali. Quello dei Macchiaioli è stato il gruppo artistico più impegnato e costruttivo dell’epoca, al tempo rappresentava gli innamorati dell’arte, ed il loro amore sconvolgente e determinato aveva un giusto fine: l’arte per l’arte.

Fin da subito iniziarono a cercare e a studiare gli effetti del sole, del-

la pioggia e della giusta divisione fra luce e ombra. A forza di prove e bozzetti appena macchiati con le tinte di diversi colori sono riusciti nel tempo a generare la visione delle forme create dalla luce, dal chiaro e dallo scuro.

Dal 4 ottobre 2019 al 19 gennaio 2020, Palazzo delle Paure a Lecco, ospita una mostra interamente

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Sopra: Silvestro Lega - Il corsetto rosso 1890 circa, olio su tela, 50x40 cm.

Carpi, collezione Palazzo Foresti

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Sotto: Giovanni Fattori - Soldato a cavallo anni sessanta, olio su tavola, 13x36 cm.

Milano, Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia Leonardo da Vinci

dedicata ai Macchiaioli. L’esposizione, a cura di Simona Bartolena, rappresenta un nuovo capitolo dell’indagine sull’arte del XIX secolo, iniziata lo scorso anno con l’approfondimento dedicato all’arte lombarda. La rassegna, prodotta e realizzata ViDi – Visit Different, in collaborazione con il Comune di Lecco e il suo Sistema Museale Urbano Lecchese, presenta autori quali Telemaco Signorini, Giovanni Fattori, Giuseppe Abbati, Silvestro Lega, Vincenzo Cabianca, Raffaello Sernesi, Odoardo Borrani (solo per citarne alcuni), in grado di analizzare l’evoluzione di questo movimento, che è stato parte fondamentale per la nascita della pittura moderna italiana.

Il percorso espositivo prende avvio dalle opere di Serafino de Tivoli e di Filippo Palizzi, precursori della rivoluzione macchiaiola, che si confrontano con un lavoro giovanile di Silvestro Lega, dallo stile ancora purista, per giungere alle espressioni più mature della Macchia con Telemaco Signorini, Vincenzo Cabianca, Raffaello Sernesi, Odoardo Borrani, Cristiano Banti, che si allontanano defi-

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nitivamente dalla tradizionale pittura di paesaggio italiana, ma anche dalla lezione della scuola francese di Barbizon, particolarmente incline a indugiare in tendenze formalmente raffinate e legate al romanticismo, per scegliere un approccio più asciutto

e severo, cogliendo impressioni immediate dal vero. Nella vasta e ricca esposizione, non mancheranno i dipinti a soggetto risorgimentale, con i soldati di Giovanni Fattori, e quelli firmati dai protagonisti degli anni sessanta, periodo in cui la ricerca acqui-

sta delle note di stile diverso. Man mano la tendenza naturalistica si insinuerà, fino a diffondersi in tutta Europa, confermando con il passare degli anni, l’eredità l stessa della pittura. s I MACCHIAOLI

Storia di una rivoluzione d’arte 04 ottobre 2019 - 19 gennaio 2020

Cristiano Banti - Scena romantica olio su tavola, 24,5x38 cm. Collezione privata

Palazzo delle Paure, Lecco INFO T. +39 0341 286729 Da martedì a venerdì 09.30 - 19.00 Sabato, domenica e festivi 10.00 - 19.00 24 e 31 dicembre 10.00 - 15.00 26 dicembre e 1 gennaio 14.00 - 19.00 6 gennaio 10.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.vidicultural.com

Arianna Cox Arianna Cox Pittrice

arianna_cox_pittrice

L’URLO DEI BONZI - 2015 - ACRILICO A SPATOLA SU TAVOLE SCOMPOSTE - 110x50 cm.

Guglielmo Meltzeid

G. Meltzeid - Fiori di melograno nel vaso di famiglia - 2019, acrilico su tela, 80x100 cm.

S tudio e Galleria a Pianezza (To r in o ) e Sa n t a M a r g e r it a L ig u r e (Ge n o va )

g m e l t z e i d @ g m a i l . c o m

-

m e l t z e i d . c o m

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Gabriele Marchesi

Grafite e pastelli per un segno di pura passione di Vincenzo Chetta

BIANCOSCURO Art Contest 2019 Il vincitore del BAC ‘19 - sezione pittura Qui sopra l’artista Gabriele Marchesi mentre è all’opera nel suo studio

G

abriele Marchesi, con i suoi pastelli e le sue grafite su tela dense di un armonioso realismo e di una cura maniacale dei dettagli, riesce a rappresentare le nudità dei corpi (e delle anime) in maniera sobria, senza mai spingersi oltre i confini del pudore.

Allievo del maestro Fabio Aguzzi, Gabriele Marchesi è riuscito a creare uno stile personale e riconoscibile rimanendo al tempo stesso ancorato al figurativo: sono proprio queste le caratteristiche che gli hanno valso il primo premio nella sezione Pittura del BAC ‘19 - Biancoscuro Art Contest: è Marchesi il vincitore del prestigioso Premio Copertina assegnato dalla Giuria BIANCOSCURO a settembre al Monte-Carlo Bay, Resort del Principato di Monaco. Ho avuto la possibilità di chiacchierare con lui per conoscere meglio anche l’uomo che si cela dentro l’artista.

Vincenzo Chetta: Complimenti per il traguardo raggiunto al BAC 2019, hai meravigliato la Giuria con le tue opere!

Gabriele Marchesi: Ringrazio per il riconoscimento del tutto inaspettato. Ritengo che ricevere un premio così importante con un’opera figurativa è segno evidente che l’arte, anche quella di orientamento accademico, è ancora apprezzata.

V.C.: Raccontati, come hai scoperto la vocazione per l’Arte?

G.M.: La mia, più che una vocazione è una forte predisposizione al disegno che ho scoperto di avere fin da bambino quando anche la maestra delle elementari, notando questa dote, mi faceva illustrare poesie, racconti e favole, argomento di studio durante le ore scolastiche. (Questa raccolta di disegni, gelosamente custodita dall’insegnante, mi è stata restituita non molto tempo fa alla sua morte, dalla figlia. Inutile dire quanto sono rimasto stupito e onorato di questa cosa). Successivamente, l’insegnante di educazione artistica alle medie, mi ha spronato a coltivare questa dote affiancandomi in numerose sedute pomeridiane per approfondire la tecnica. Da allora, del tutto autonomamente, ho coltivato questa dote frequentando un corso di disegno presso la scuola del Castello Sforzesco di Milano e collaborando anche col maestro Fabio Aguzzi. Sono sempre rimasto affascinato dalla “Grande Pittura” del periodo rinascimentale e considero gli artisti di quell’epoca tra i più importanti ai quali ispirarmi.

V.C.: Molti si stupiscono di non saper indovinare la tua particolare tecnica, cosa rispondi a chi non crede alle tue spiegazioni?

G.M.: Si, è proprio così, molti personaggi e critici di fama nazionale e internazionale, trovandosi davanti ai miei dipinti esordiscono dicendo “…ottimo olio, ben eseguito!” e a quel punto mi trovo sempre in difficoltà perché devo svelare loro che non è affatto un olio ma sono matite colorate (pastelli).

Lo stupore è sempre molto evidente e lo sguardo di-

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“

Essere Artista, secondo me, significa esprimere se stessi con opere che mirano ad avere un valore estetico molto marcato.

venta indagatore e interessato ad approfondire la tecnica usata.

Non nego che utilizzare il pastello è piuttosto complicato, si lavora a velatura con continue sovrapposizioni di colore stese con mano sensibile e leggera fino al raggiungimento della tonalità e intensità desiderata. Uso pennelli vari, anche in caucciù, per amalgamare le tinte, raschio il colore e lo riprendo, lo fisso con apposite vernici e per finire passo alle ultime luci e alla firma che suggella la fine dell’opera.

Solamente piccole imperfezioni di forma e colore si possono correggere, mentre interventi più importanti comportano l’abbandono dell’opera e fortunatamente, questo è successo raramente.

Quando mi si chiede perché uso questa tecnica, rispondo che ho iniziato con matite e pastelli, sono

”

Gabriele Marchesi passato poi all’olio, all’acquarello e alle tempere acriliche, ma, insoddisfatto, sono tornato alle origini perché matite e pastelli mi danno sicurezza, facilità di tratto e ogni linea, per me, è un solco di pura passione e sentimento che si aggrappa alla tavola di legno.

V.C.: Nella creazione di un’opera d’Arte, quanto peso dai alla tecnica e quanto alla passione?

G.M.: Le mie opere sono ritratti di giovani donne e di persone anziane. Per le prime prendo ispirazione da mia moglie Simona, giovane, piena di vita, di amore e per me lei rappresenta uno stimolo continuo con la sua garbata critica costruttiva, mentre per i ritratti di persone anziane mi rifaccio ai volti che ogni giorno si incontrano per caso o, ancora di più, a quelli che fanno parte della sfera affettiva di ciascuno di noi e che segnano e hanno segnato la nostra vita.

“Sguardo sognatore” grafite e pastello su tavola 2018, 90x90 cm.

Sotto: uno scatto nello studio di Gabriele Marchesi, sul cavalletto un disegno preparatorio

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“Rapita da un piacevole sogno” grafite e pastello su tavola, 2017, 90x90 cm.

Alcuni soggetti sono del tutto casuali, frutto di ricerca nel web o di volti incontrati in una semplice passeggiata al mercato domenicale, che lasciano il segno per qualche particolare nei lineamenti riconducibili a diverse etnie, altri sono frutto di ricordi affettivi dei nonni coi quali ho vissuto e che mi hanno cresciuto.

Tornando alla domanda, come si può immaginare, la passione è alimentata dal contatto umano e dall’osservazione attenta del mondo intorno a me.

Questo mi permette di cogliere gli aspetti più intriganti ed emotivi che maggiormente mi interessano e influenzano le mie opere. La tecnica è importante, ma rimane un mezzo e un esercizio da approfondire e migliorare nel tempo con la ricerca e la sperimentazione di nuovi supporti e materiali.

V.C.: Come interagiscono nella vita quotidiana, l’uomo e l’artista?

G.M.: L’uomo (lavorativamente impegnato nella progettazione di opere infrastrutturali) e l’artista, quotidianamente si adattano l’uno all’altro. Gli impegni e le responsabilità sono sempre di alto livello oltre che appaganti, e la vita parallela come artista offre uno sfogo a tutto ciò, perché fare arte, dipingere, disegnare, ti rende libero e ti catapulta in un mondo unico senza barriere né imposizioni. Un mondo fatto di sogni, fantasia e libertà assoluta. Vedere in un’opera ultimata la realizzazione di quanto ho precedentemente immaginato e organizzato per il suo compimento, mi rende estremamente felice e orgoglioso e mi fa capire quanto tutto questo sia indispensabile per la mia vita.

V.C.: Nell’intervista pubblicata sullo scorso numero, Nanda Vigo spronava i giovani a studiare prima di asserire di essere Artisti. Tu come la pensi? Lo studio dell’Arte è fondamentale per sapere fare Arte, oggi?

G.M.: Essere artista per me significa esprimere se stessi con opere che mirano ad avere un valore estetico molto marcato, riconoscibile. Pertanto ritengo che essere artista non è cosa facile e il giudizio della professionalità raggiunta vada lasciato agli addetti ai lavori, critici, curatori, mercanti d’arte, etc. Perché, dal mio punto di vista, solo loro possono certificare il livello raggiunto e se la strada intrapresa porterà ad essere “artista”. Se dovessi dare un consiglio ad un giovane che si avvicina a questo mondo, gli direi di sperimentare, di sbagliare, di accettare le sconfitte e di rialzarsi con maggiore forza per dare più valore a ciò che fa. Gli direi di non limitare il suo mondo ai social ma di uscire a visitare i grandi musei sparsi in tutto il mondo, di ammirare, contemplare, emozionarsi e commuoversi di fronte agli innumerevoli capolavori e darsi la possibilità di capire e valorizzare la grandezza degli artisti che hanno donato un patrimonio unico a tutti noi.

V.C.: Veramente un ottimo consiglio Gabriele! É stato un piacere fare quattro chiacchiere con te, grazie per la tua disponibilità e ancora complimenti da parte di tutta la Redazione di l Biancoscuro! s

“Sarà di nuovo primavera”, grafite e pastello su tavola, 2015, 100x100 cm.

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Gabriele Marchesi Nasce negli anni ‘50 a Vidigulfo (PV) e durante il ciclo delle scuole elementari viene notato il suo dono naturale, tanto da spingere l’insegnante a fargli illustrare racconti e poesie del corso di studi. Ora questi piccoli tesori sono stati recuperati e con occhio imparziale, ma esperto, si vede quanto quel ragazzino biondo fosse dotato.

Pur non potendo proseguire gli studi artistici, continua nel suo percorso di autodidatta, frequenta negli anni ’80 un corso di pittura e disegno alla scuola del Castello Sforzesco di Milano e un corso serale di disegno nello studio di Fabio Aguzzi, per approfondire le conoscenze tecniche di questa nobile arte.

Negli anni ’70 iniziano le partecipazioni a gare e concorsi nazionali con lusinghieri consensi e le prime mostre sia personali che collettive.

Il genere figurativo si sviluppa fino ad arrivare ad un iperrealismo poetico e coinvolgente, aiutato anche dall’utilizzo delle matite colorate su carte pregiate.

Nel 2000 la svolta decisiva. Notando che “ANCHE LA PUBBLICITÀ È ARTE”, inizia lo studio e l’analisi delle immagini pubblicitarie che trova su riviste, giornali ed internet elaborandole poi a grafite in veste accademica e arricchite con soluzioni grafiche di alto pregio che donano eleganza all’opera.

Inizia così la serie di lavori intitolata “ANGELI DEL NOSTRO TEMPO”, dove la figura femminile proposta, viene sempre vista con eleganza, vivendola ed indagandola per definirne infine la forma e la sostanza.

Le recenti sfide intraprese, consentono quindi una nuova giovinezza artistica al talentuoso Gabriele Marchesi.

A destra: “Vorrei stringerti ora” grafite e pastello su tavola 2015, 80x80 cm.

Nella foto Vincenzo Chetta, direttore di BIANCOSCURO con Gabriele Marchesi vincitore nella “sezione Pittura” al BIANCOSCURO Art Contest ‘19 mostrano la targa consegnata a Monte-Carlo a settembre 2019.

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Fu Wenjun La voracità del silenzio

N Fu Wenjun - Silently Nurture Everything No.1 Digital Pictorial Photography, 2019

on è solo fotografia, non è solo pittura, non incarna solamente la tradizione artistica della sua madre patria, non è solo influenza occidentale: le nuove opere di Fu Wenjun spiazzano i fan della dicotomia. La sua è una tecnica ormai consolidata e personale, nessuno come lui trova il giusto equilibrio tra le varie tecniche artistiche e le varie epo-

che, dando sempre un risultato elegante e preciso, ma contemporaneamente creativo e ricco di messaggio.

Le nuove opere della serie “Silent nurture everything” sono un concentrato di emozioni.

“Il silenzio si nutre di tutto”, pensiamo a questa frase e osserviamo le immagini proposte da Fu Wenjun: ci stanno raccontando tante, tristi, vicende umane figlie dell’omertà e della paura. La testa

Fu Wenjun - Silently Nurture Everything No.6 Digital Pictorial Photography, 2019

Fu Wenjun - Silently Nurture Everything No.5 Digital Pictorial Photography, 2019

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Fu Wenjun (China 1955). Chinese contemporary artist, was graduated from Sichuan Fine Arts Institute. He creates principally through the art media of photography, installation, sculpture and oil painting, and has put forward the concept and practice of “Digital Pictorial Photography”. With his Digital Pictorial Photography, Fu Wenjun intends to turns away from the recording function of photography acknowledged by the public, and aims at exploring to place photography art in dialogue with other art media, like Chinese painting, oil painting, sculpture etc, as a result to extend the boundary of photography art in the current digital age. His works embody his thinking and reflection on many issues related to the Eastern and Western history, culture and humanity, including the relationship between different cultures in the age of globalization, the heritage of traditional Chinese culture in a rapidly changing society, industrialization and urbanization in Chinese cities.

His solo exhibitions were presented at National Art Museum of China, Museu Europeu de Arte Moderno, Guangdong Museum of Art, Old Summer Palace Museum (Beijing), Today Art Museum (Beijing), United Nations Headquarters (New York), Guangdong Museum of Art (Guangzhou) and at other international art organizations. His artworks are collected by Museu Europeu de Art Moderno, National Art Museum of China, Today Art Museum, the Old Summer Palace Museum, Tokyo Metropolitan Art Museum, Kennedy Family, World Council of Peoples for the United Nations, Dazu Grotto Museum, Chongqing Art Museum, Guangdong Museum of Art, Société Nationale des Beaux Arts of France, Egypt Ahmed Shawki Museum and other significant organization and collectors.

In alto a destra: Fu Wenjun - Silently Nurture Everything No.3 Digital Pictorial Photography, 2019 A destra: Fu Wenjun Silently Nurture Everything No.4 Digital Pictorial Photography, 2019 A sinistra: Fu Wenjun Silently Nurture Everything No.2 Digital Pictorial Photography, 2019

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che l’uomo nasconde fra le nuvole, il velo che mettiamo a soffocare l’indignazione per un comportamento intollerante, questo silenzio dal quale, storicamente, non abbiamo imparato nulla. Il messaggio sociale e di “sveglia” che vuole dare Fu Wenjun con questa nuova serie è la svolta che mancava nel suo percorso artistico. Innova il suo messaggio senza perdere la consueta eleganza nell’espressione, ancora di più possiamo vedere la fusione delle diverse influenze culturali che lo animano.

L’arte di Fu Wenjun diventa veicolo importante per la solidarietà, contro l’indifferenza, male moderno che inquina il mondo.

Vincenzo Chetta

INFO www.fuwenjun.com

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S t e f a n i a La Madonna Litta

C o m i n c i n i Torna a Milano dopo trent’anni in Russia di Ettore Tiretto

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ino al 10 febbraio abbiamo l’occasione di poter ammirare la famosa Madonna Litta di Leonardo da Vinci, tornata a Milano dopo quasi trent’anni. Nell’Ottocento era l’opera più rinomata di una delle più importanti collezioni milanesi, quella dei duchi Litta (da cui deriva il soprannome con cui è conosciuta in tutto il mondo), poi nel 1865 fu acquistata dall’Ermitage

Il Diario 2018 olio su tela 60x80 cm.

“Inebriante.

Il benessere che ci pervade quando si fa pace con se stessi.

L’angolo di mondo in cui fuggire per ritrovarsi.

Il contatto con la propria natura e con le sensazioni.

Questo è, per me, l’Arte.

Sublime, liberatoria, perché l’Arte è onesta, non mente”

di San Pietroburgo. Il celebre dipinto fa parte dell’esposizione “Leonardo e La Madonna Litta” in corso al Museo Poldi Pezzoli, con la cura di Pietro C. Marani e Andrea Di Lorenzo, ed è affiancato da una ventina di capolavori raffiguranti la Madonna, come “Madonna con il Bambino” di Giovanni Antonio Boltraffio (il migliore fra gli allievi di Leonardo a Milano), anch’essa facente parte nell’Ottocento della Collezione dei Litta. Grazie al sostegno di Fondazione Bracco è stata anche eseguita una campagna di analisi diagnostiche su alcune opere presenti in mostra, che hanno permesso di evidenziare i diversi modi di realizzare i disegni preparatori e i dipinti da parte degli artisti che operavano nella bottega di Leonardo.

Completa l’esperienza il catalogo edito l da SKIRA, curato e completo. s A sinistra: Francesco Galli detto Francesco Napoletano Madonna con il Bambino 1490 - 1499, olio su tavola, 41x30 cm.

Milano, Pinacoteca di Brera, inv. 307 Sotto: Leonardo da Vinci Madonna Litta 1490 circa, tempera e olio su tavola, trasferito su tela, 42x33 cm.

San Pietroburgo, Museo dell’Ermitage, inv. 249

LEONARDO E LA MADONNA LITTA 07 novembre 2019 – 10 febbraio 2020 Museo Poldi Pezzoli, Milano

stefania.comincini@gmail.com www.stefaniacomincini. altervista.org

Stefania Comincini Di racconti e di colori

INFO T. +39 02 794889 ferraris@museopoldipezzoli.it Mercoledì, giovedì, venerdì e domenica 10.00 - 18.00 Sabato 10.00 - 21.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.museopoldipezzoli.it

Stefania_comincini_art

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Guido

Mannini

“Metamorphosis”

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mannini.guido@gmail.com Guido Mannini -

guido_mannini

A destra: UOMO BLU - 2017, olio su tela, 80x60 cm Sotto: SULLA DUNA - 2018, olio su tela, 80x50 cm.

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India antica Lo sguardo dell’occidente sull’arte indiana di

Mario Gambatesa

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endrisio ospita la mostra “India antica” presso il Museo dell’Arte.

L’esposizione mette in luce uno degli aspetti culturalmente più importanti della penisola asiatica, cioè il rapporto con la divinità. La mostra, visitabile fino al prossimo 26 gennaio, è curata da Christian Luczanits uno dei massimi esperti del mondo indiano (formato all’Istituto di Studi tibetani e buddisti a Vienna, vanta un dottorato sotto la prestigiosa guida di Maurizio Taddei). Luczanits nel 2009 ha curato, insieme a Michael Jansen, la grande mostra sull’arte Gandhara al Centro mostre del Palazzo governativo di Bonn, poi alla Martin-Gropius-Haus di Berlino e, infine, al RietbergMuseum di Zurigo. Ultimamente ha lavorato in vari monasteri indiani e nepalesi alla creazione di spazi espositivi per le loro raccolte d’arte.

In mostra sono presenti oltre 70 sculture di piccole, medie e grandi dimensioni che mostrano una civiltà antica e affascinante. Si evidenzia l’interesse

dell’occidente sull’arte indiana, mettendo in mostra prevalentemente le immagini legate al Buddha. Il percorso espositivo si snoda in nove capitoli e pone lo sguardo su diverse regioni del territorio indiano storicamente percepito, quindi anche del Pakistan e dell’Afghanistan, e copre un arco temporale di 1.400 anni, cioè dal II secolo avanti Cristo al XII secolo dopo Cristo. Nonostante le divinità conservino il proprio nome, il loro significato viene continuamente rielaborato e cambiato. In mostra, sono presenti pezzi unici come ad esempio “BodhisattvaMaitreya”, Gandhara, II-III secolo d.C., uno splendida figu-

A destra: Bodhisattva - Gandhara III-IV secolo d.C., stucco, 40.5 cm.

Sotto: Tārā - Bihar meridionale XII secolo d.C, fillade, 28.5 cm.

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INDIA ANTICA

Capolavori dal collezionismo svizzero 27 ottobre 2019 - 26 gennaio 2020 Museo d’Arte, Mendrisio - CH INFO T. +41 058 688 33 50 museo@mendrisio.ch Giovedì e venerdì 14.30 - 18.30 Sabato, domenica 10.00 - 18.30 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.mendrisio.ch/museo

A sinistra: Gangā, dea del fiume - India centrale fine VIII - inizio IX secolo d.C., arenaria rossa, 46 cm.

ra che rappresenta il futuro Budda, oppure troviamo la “Scena dal MāndhātāJātaka” (AndhraPradesh, Amarāvatī, II secolo d.C.), un rilievo di ottima fattura e di stupefacente abilità tecnica, che rappresenta una delle vite precedenti di Budda Sakyamuni. Per finire, ma non ultima, “Vāgīśvarī”, UttarPradesh, fine IV secolo d.C., una statuetta in terracotta, raffigurante

Vāgīśvarī, “Signora del Discorso”, considerata come “...

La più splendida e la più antica rappresentazione databile di questa dea”. Una mostra che ci porta altrove e, come diceva il noto scrittore Tiziano Terzani: “L’India è un’arca di Noè in cui anche ciò che da tempo è morto altrove sopravvive… Qui sono conservati i semi l di tutto il meglio che l’uomo abbia mai pensato”. s

Francesca Moglia www.francescamoglia.com

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“Aurore” et “Dafne” - 2019 - tela, acrilico con gesso plastico, foglia oro e argento - 50x100 cm./cad Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it

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Viaggio nell’Arte

I capolavori selezionati dalla Johannesburg Art Gallery di

Flavio Ennante

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alla Johannesburg Art Gallery a Palazzo Sarcinelli (edificio rinascimentale sede della Galleria d’arte moderna e contemporanea): un lungo viaggio che ci permette di poter ammirare sessanta

opere d’arte di artisti come Boudin, Rossetti, Cézanne, Courber, Degas, Monet, Picasso e Turner.

“Dagli Impressionisti a Picasso” è il titolo della rassegna che porta a Conegliano i capolavori della Johannesburg Art Gallery, costituita grazie all’ingente apporto di donazioni fatte da collezionisti sudafricani, nell’intento di promuovere il museo come centro di aggregazione culturale di riferimento per il loro paese. Il nucleo di questa importante raccolta è il lascito di Lady Florence Phillips, appassionata collezionista che, grazie ai suoi prestigiosi contatti, riuscì ad acquisire capolavori immortali di celebri artisti europei tra la fine dell’Ottocento e la prima metà del secolo successivo.

Oggi sono molte le mostre riguardanti questo periodo, soprattutto quelle legate all’Impressionismo ed ai suoi protagonisti, ma grazie a questa selezione abbiamo la possibilità di guardare anche alla grande rivoluzione artistica successiva, oltre che di ammirare grandi capolavori non immediatamente fruibili dal vivo, compiendo un vero e proprio viaggio nella storia dell’arte europea e mondiale.

Diverse le sezioni nelle quali è suddiviso il percorso espositivo, si parte con l’Ottocento inglese e dunque Turner, ma anche i Preraffaelliti come John Everett Millais e Dante Gabriel Rossetti. Il percorso espositivo ci porta alla sezione successiva, con le innovazioni della pittura di fine secolo Dall’alto verso il basso: Eugene Louis Boudin - Il porto di Trouville 1893, olio su tela Gustave Courbet - Le scogliere a Etretat 1869, olio su tela, 63x76 cm.

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e i nuovi approcci al vero con le opere di Corot e Courbet, passando poi agli impressionisti Degas, Monet e Sisley.

In questo viaggio ideale la prossima tappa è quella dedicata alla scena post-impressionista con i capolavori di Cézanne, Van Gogh e Pierre Bonnard; si passa nel Novecento con Henri Matisse e poi Bacon, Moore e la pop art di Lichtenstein e Warhol.

Una selezione completa che ben racconta i cambiamenti dell’arte nel corso del tempo, un’evoluzione che ha cambiato il modo di riproporre realtà e sogni ed l il modo di comprenderli. s In alto: Henri Eugène Augustin Le Sidaner Henri-Eugen - La finestra sul fiume 1908, olio su tela, 79,5x98,4 cm.

In basso: Pablo Picasso - Testa di Arlecchino II 1971, matita e pastello su carta, 65,2x50,2 cm.

DAGLI IMPRESSIONISTI A PICASSO

Capolavori della Johannesburg Art Gallery 11 ottobre 2019 - 02febbraio 2020 Palazzo Sarcinelli, Conegliano INFO T. +39 351 809 9706 mostre@artika.it Da martedì a venerdì 10.00 - 19.00 Sabato, domenica e festivi 10.00 - 20.00 24 e 31 dicembre 10.00 - 19.00 1 gennaio 14.00 - 20.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.artika.it

Maria

Cavaggioni maria.cavaggioni@gmail.com Maria Cavaggioni

Parentesi rosa - 2019 - olio su tela - 60x80 cm.

Maria Cavaggioni

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Storia di un collezionista, alla Reggia A Caserta, le opere degli antiquari Lampronti di Ettore Tiretto

“

L’antiquario è colui che per primo entra in contatto con un’opera d’arte, selezionando il bello dal mediocre. Antiquario è chi è disposto a sacrificare la propria sfera privata per acquisire o difendere un’opera di cui è innamorato.

” F Cesare Lampronti

ino al 16 gennaio 2020 nella Sala degli Alabardieri, nella Sala delle Guardie del Corpo e nelle Retrostanze settecentesche degli appartamenti storici della Reggia di Caserta, saranno esposte opere meravigliose appartenenti al gallerista Cesare Lampronti.

Cesare Lampronti rappresenta la terza generazione di una consolidata famiglia di antiquari, vanta nel suo curriculum oltre cinquant’anni di esperienza nel mercato internazionale dell’arte. La Galleria fu fondata a Roma nel 1914 da nonno Cesare, specialista in pitture italiane del XVII e XVIII secolo, con un particolare riguardo per le vedute, i paesaggi e le nature morte, che spaziano attualmente, dal Caravaggio al Canaletto e ai loro seguaci.

La mostra nasce dall’idea di avvicinare il mondo del collezionismo privato e delle Gallerie d’arte a quello dei Musei, intesi come luoghi deputati alla fruizione e alla valorizzazione culturale per “pubbliA sinistra in alto: Canaletto - Prigioni olio su tela, 105,3x127,5 cm.

A sinistra: Bernardo Bellotto Canal Grande, Venezia, visto da est, Campo San Vio. olio su tela, 66x85.8 cm.

A destra, sopra: Jakob Philipp Hackert The Port of Salerno from Vietri olio su tela, 134,7x221,6 cm.

A destra: Paolo Anesi View of Villa Corsini and Villa Albani, Anzio olio su tela, 73,6x136,5 cm.

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ci” sempre più eterogenei.

Propone di mostrare il legame esistente tra le opere già presenti all’interno della collezione reale, esposta nelle sale della Reggia e i dipinti presenti nella Lampronti Gallery, nonché di esaltare il fascino della pittura del ‘600 e ‘700 nella sua globalità. In occasione della mostra è esposto per la prima volta a Caserta il “Porto di Salerno” di Hackert, che è il pezzo mancante della serie dei porti realizzata da Hackert per il re Ferdinando IV di Borbone.

La rassegna espositiva è così occasione per mostrare ai visitatori l’intera serie dei Porti del Regno recentemente restaurata. Le opere scelte sono suddivisibili in cinque aree tematiche differenti: pitture caravaggesche; pittura del ‘600; vedute; paesaggi e nature morte. Inoltre, un’ulteriore sala è dedicata al progetto “Immagini in cerca di autore”, una vera e propria sezione di quadri di autori ignoti, la cui attribuzione sarà oggetto di studio e dibattito da parte di studiosi e ricercatori.

La mostra è altresì occasione per dare risalto al ruolo che già da diverso tempo la Reggia di Caserta ricopre, grazie alla collaborazione con le università e gli istituti di cultura campani e con la rete di musei italiani, di centro di diffusione culturale e di luogo dedicato allo studio e alla ricerca.

La finalità didattico-scientifica viene promossa attraverso la realizzazione di giornate-studio che vedranno coinvolti esperti del mondo accademico con approfondimenti su tematiche quali: il mercato dell’arte; il legame tra il collezionismo privato e gli enti pubblici; la pittura napoletana del XVII e il XVIII secolo. Un’esposizione ricca di l contenuti, da non perdere. s DA ARTEMISIA A HACKERT

Storia di un antiquario collezionista alla Reggia

Piero Carozzi

“Serata” 2018, acrilico 50x70 cm.

16 Settembre 2019 - 16 Gennaio 2020 Reggia di Caserta, Caserta INFO T. +39 0823 448084 re-ce@beniculturali.it Tutti i giorni 08.30 - 19.30 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.reggiadicaserta.beniculturali.it

“Forme” 2018, acrilico 51x72 cm.

Le opere di Piero Carozzi sono state esposte nel Padiglione Europa (Palazzo Albrizzi Capello) durante la 58.biennale Arte di Venezia - 13 al 19 novembre 2019 -

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INFO daniel2000_1958@libero.it

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Giulio Romano Modi e metodi del grande artista, allievo di Raffaello di

Mario Gambatesa

È

stata inaugurata il 6 ottobre a Mantova, presso il Palazzo Ducale, la mostra “Con nuova e stravagante maniera” dedicata a Giulio Romano, una delle figure di spicco della storia dell’arte, ovvero il più talentuoso tra gli allievi della bottega di Raffaello.

Questa grande esposizione si articola nel particolare in tre sezioni che portano alla luce diversi aspetti dell’attività di Giulio Romano. La prima, intitolata “Il segno di Giulio”, è allestita al piano terra del Castello di San Giorgio, e analizza meticolosamente la produzione grafica di Giulio come progettista, designer e pittore.

Attraverso i disegni conservati presso il Musée du Louvre di Parigi, si evidenzia la creatività e il potere artistico simboli-

co, ma soprattutto il suo rapporto con le arti e il passaggio tra idea/progetto e la sua realizzazione. In questa sezione viene presentato un arazzo della serie “Giochi di putti” esposto accanto al disegno preparatorio e ad un frammento del cartone preparatorio oggi al Louvre.

Nella seconda sezione troviamo il tema “Al modo di Giulio”, che occupa la Corte Nuova e l’Appartamento di Troia, suggerendo un dialogo diretto tra i disegni dell’artista e la decorazione della residenza dei Gonzaga.

Il Palazzo Ducale fu certamente il cantiere nel quale Giulio Romano riversa la sua genialità e la sua capacità d’innovare. Ad esempio, nella Sala dei cavalli è esposto il disegno preparatorio per la decorazione del soffitto con la Caduta di

Nella pagina seguente: Giulio Romano e bottega, Orfeo ucciso dalle Baccanti, Torino, collezione privata

Giulio Romano e bottega, Diomede combatte contro i fratelli Ideo e Fegeo, Mantova, Complesso Museale Palazzo Ducale, Sala di Troia

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Antonio

ARTE Icaro. Nella terza ed ultima sezione intitolata “Alla maniera di Giulio”, viene approfondita la figura dell’artista architetto, analizzato attraverso i nume-

[1]

rosi disegni provenienti da prestigiose istituzioni europee, importantissima sarà la “Copia da Giulio Romano” di Andrea Palladio.

L’esposizione, aperta al pubblico fino al prossimo 6 gennaio 2020, ha avuto il patrocinio di Mantova Città d’Arte e Cultura e vanta un catalogo edito da Skira. Questa esposizione è l’occasione per osservare da vicino un genio poliedrico che è riuscito con qualità eccelsa, a far riscoprire il gusto per il nuovo attraverso l’uso delle varie discipline artistiche (pittura, architettura ed oreficeria), portando sempre ad alti livelli l’eredità artistica, quest’ultima consegnata a testimonianza dal suo Maestro, concedendo a noi spettatori una lettura chiara di una cultura di stile, che sarà la chiave di volta per comprendere al meglio ciò che avverrà l nei secoli successivi. s

[2] Tutte le immagini relative alla mostra sono © Ministero per i Beni e le Attività culturali, Complesso Museale Palazzo Ducale di Mantova [1] Complesso Museale Palazzo Ducale - Galleria dei Mesi Ideata da Giulio Romano, costituisce un raro esempio superstite di ambiente cinquecentesco appositamente progettato come museo di antichità.

[2] Complesso Museale Palazzo Ducale - Sala di Troia Deve il suo nome agli affreschi della sala principale concepiti da Giulio Romano e realizzati, tra 1538 e 1539, dalla sua bottega.

[3]

[3] Complesso Museale Palazzo Ducale - Sala di Manto Dedicata alla celebrazione della mitica fondatrice della città, la profetessa Manto, che la tradizione greca vuole figlia dell’indovino tebano Tiresia. La sala costituisce il fastoso ingresso all’Appartamento Grande di Castello.

CON NUOVA E STRAVAGANTE MANIERA

Ginestre in Toscana Antonio Arte, artista italiano, inizia la sua carriera da giovane come autodidatta; le sue opere fanno riferimento alla natura con ricerca di una propria luminosità speciale e di uno stile che prescinde da una metafisica chiarezza. Ponendosi tra gli artisti di cultura globale, non manca di un continuo rinnovamento stilistico che porta armonia ed equilibrio compositivo. Nei paesaggi e nelle nature morte si nota potenza luminosa con pennellate dense e corpose.

L’artista ha affinato con il tempo le sue esperienze in Toscana e Liguria, conducendo un viaggio, quasi un esilio, in cui le sue opere convivono con forza e intensità nelle nuove tematiche legate ai diversi luoghi. Un rinnovamento profondo lo pone fra gli artisti dell’arte contemporanea, evoluto, diventato sempre più preminente nella sua mutata arte, entrato in una essenza intima dove gli elementi della natura assumono aspetti luminosi , classici e raffinati. Gli ultimi premi assegnati all’artista sono stati: Casanova-AWARD to the Artist 2016 (Venezia, Palazzo Flangini); The Best-Modern and Contemporary by Salvatore e Francesco Saverio Russo; Premio Novecento 2017 dedicato a Guttuso (Bagheria - Palermo).

Giulio Romano a Mantova 06 ottobre 2019 - 06 gennaio 2020 Palazzo Ducale, Mantova INFO T. +39 0376 224832

Da martedì a domenica 08.15 - 19.15 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.mantovaducale.beniculturali.it

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Piante dietro la muraglia

taziarte@gmail.com

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Veleni e pozioni, anche nell’arte Come si raccontava di cure e delitti di

Daniela Malabaila

U

na rassegna espositiva che non si limita a mostrare pregevoli opere d’arte, ma che le coinvolge in un tema misterioso e magico: “Veleni e magiche pozioni. Grandi storie di cure e delitti” indaga leggende, storie e tradizioni popolari.

La cura è affidata ad una archeologa e ad una esperta di storia della Farmacia, Federica Gonzato e Chiara Beatrice Vicentini, che insieme danno un preciso senso a favolose spiegazioni che nel passato hanno dato lo spunto per la creazione di tante leggende: “Nostro obiettivo è proporre al pubblico prospettive ed approcci diversi all’affascinante mondo dei veleni e della storia della farmacopea, in riferimento alle varie epoche storiche, dall’antichità, lungo il medioevo e il rinascimento fino all’età odierna, ricostruendo il percorso di questo fondamentale aspetto della vita sociale attraverso le fonti scritte, la arti visive, fonti classiche e letteratura moderna, proponendo in mostra oggetti e riferimenti demoetnoantropologici che si legano strettamente alla storia del nostro quotidiano”.

Ed ecco che al Museo Nazionale Atestino ad Este, tra le tante curiosità, possiamo scoprire che già nel Paleolitico gli uomini sapevano utilizzare determinate sostanze per curarsi (come ad esempio l’o-

In alto a destra: Domenico Scattola Giulietta nel prendere il sonnifero olio su tela, 137x113,5 cm.

Verona – Fondazione Cariverona A sinistra: Confezione di Tubocurarina.

Il farmaco moderno, formulato dal curaro, coadiuvante nell’anestesia A destra: Arikawa Taira no Sadami Inrō in lacca rossa intagliata Giappone, XVIII sec. MAO Ve

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cra, che ha proprietà antisettiche, ed il propoli), mentre nel Neolitico dell’Europa continentale si faceva già uso di oppio. Interessante anche la parte dedicata ai veleni di origine animale, vegetale e minerale, che possono spiegare scientificamente la nascita di alcune leggende, ad esempio i metallurghi erano deformi o ipovedenti a causa dei fumi velenosi emessi dalle fusioni, mentre chi veniva tacciata di stregoneria molto probabilmente era solo intossicata dalla segale cornuta che infestava le farine rendendole allucinogene. Si parla anche di Paracelso e della prima definizione di dosaggio, elemento che può fare di un farmaco un veleno piuttosto che una cura: il simbolo usato ancora oggi dai farmacisti, il bastone alato con due serpenti, rappresenta proprio questo concetto. Accanto a rari reperti archeologici troviamo anche confezioni storiche di veleni e di farmaci, dipinti che raccontano magie e miti, manoscritti e rare edizioni che trattano di magie, esoterismo e alchimia. Pregevole la sezione dedicata al materiale provenienti dal Giappone, che racconta una storia analoga a quella occidentale, seppur con un’ottica diversa.

Da segnalare la presenza in mostra dell’opera di Domenico Scattola, “Giulietta nel prendere il sonnifero” e quella di Pietro Bellotti “Medea ringiovanisce Esone”, che toccano due argomenti

Fabiana Macaluso

ORISSA IL DESIDERIO DELLE DONNE 2019, olio su tela 100x90 cm.

In alto: Lekythos da Adria rappresenta Atena con lo scudo con testa di Medusa, VI-V sec a.C. Sopra: Scatola in lacca per il betel Cina, Dinastia Qing (1644-1912). MAO Ve A sinistra: Pietro Bellotti Medea ringiovanisce Esone olio su tela, 119x134 cm.

Rovigo, Pinacoteca dell’Accademia dei Concordi

di questo affascinante tema espositivo, rafforzandone i concetti, e che con la loro presenza fanno capire quanto l’arte sia sempre una risorsa per indagare l e comprendere il passato. s VELENI E MAGICHE POZIONI

SHIVA CALPESTA KALÌ O KALÌ CALPESTA SHIVA? 2019, olio e acrilico su tela 90x100 cm.

Grandi storie di cure e delitti 19 ottobre 2019 - 02 febbraio 2020 Museo Nazionale Atestino, Este INFO T. +39 0429 2085 polomusealeveneto.beniculturali.it

Da lunedì a sabato 9.00/13.00 - 14.30/19.30 Domenica 14.30 - 19.30

www.macalusofabiana.it fabiana19802@gmail.com

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fabiana19802 Fabiana Macaluso

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Inedito al Chiostro del Bramante Da Bacon a Freud, espressioni di Carne e Distorsione di

Lucia Garnero

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elle sale del Chiostro del Bramante a Roma, fino al 23 febbraio, sono esposte le preziose tele di autori che hanno cambiato il corso della pittura britannica del ventesimo secolo: Francis Bacon (1909) e Lucian Freud (1922-2011), per la prima volta insieme in un evento italiano.

Bacon/Freud. La Scuola di Londra offre al pubblico 46 opere: oltre ai lavori dei due protagonisti e portavoce del realismo espressionista, sono presenti le creazioni di Michael Andrews, Frank Auerbach, Leon Kossoff e Paula Rego, ad utilizzare la pittura per raccontare i molteplici aspetti del vivere. Aspetto comune a tutti gli artisti qui raccolti, la città di Londra, evocata anche nel titolo, luogo-simbolo dove vivere, lavorare, emigrare. Bacon, che nasce e cresce in Irlanda, arriva in Inghilterra quindicenne; Freud vi approda scappando dalla Germania nazista; analoga sorte tocca, anni dopo, ad Auerbach; Andrews è norvegese e Freud sarà suo professore d’arte; Kossoff, invece, nasce a Londra, ma da genitori ebrei russi; Rego invece è portoghese. Le opere del-

la mostra, curata di Elena Crippa e nata grazie alla collaborazione tra DARTChiostro del Bramante e Tate e, sono prestiti della Tate di Londra: dipinti, disegni e incisioni che, posti sotto lo sguardo attento dello spettatore, hanno il potere di divorare lo spazio fisico intorno. Numerosi i temi affrontati: gli anni della guerra e del dopoguerra, storie di immigrazione, tensioni, miserie e, insieme, desiderio di cambiamento, ricerca, dibattito culturale e riscatto sociale. Al centro di tutto questo la realtà. Le stesse opere di Bacon e Freud, una ventina complessivamente, sono accomunate, al di là delle indiscutibili differenze, da una forte componente autobiografica: introspezione e realismo ne sono i protagonisti. La "distorsione" ricercata da Bacon - "distorcere la cosa ben oltre l’apparenza" ad obiettivo della sua opera - e la "carne" inseguita da Freud - nell'affermazione "voglio che il dipinto sia fatto di carne" il focus della sua produzione pittorica - posti l'uno accanto all'altro e interpretati, in modi altrettanto inconsueti, dagli altri artisti presenti, rendono questo evento l espositivo assolutamente senza precedenti. s

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BACON, FREUD AND THE SCHOOL OF LONDON - Works from TATE Chiostro del Bramante, Rome September 26, 2019 - February 23, 2020

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wo giants of painting, Bacon and Freud, together for the first time in an Italian exhibition. One of the most fascinating, extensive and significant moments in world art history. A revolutionary period in an amazing city. In addition to Bacon and Freud, the show features a group of artists who have marked an epoch, inspired generations, and used painting to illustrate life: Michael Andrews, Frank Auerbach, Leon Kossoff, and Paula Rego. The exhibition at the Chiostro del Bramante in Rome features works from Tate and covers over seven decades, from 1945 to 2004. In a direct and striking way it reveals the human condition, with all its frailty, energy and contradictions; its excesses, lack of filters, and truths. Especially relevant themes in the age of social networks, Instagram aesthetics, and #nofilter. This remarkable loan consists of over fifty paintings, drawings and engravings by artists working in London in the aftermath of World War II and connected to the “School of London”. Francis Bacon (1909–1992), Lucian Freud (1922–2011), the history of British art and the spirit of a city, from autumn 2019 to spring 2020, in an exhibition curated by Elena Crippa, Curator of Modern and Contemporary British Art, Tate. The rigorous architecture of Bramante becomes the setting for works executed using different approaches and techniques to reflect on personal experiences and portray individuals, places, and life. Through a chronological and thematic approach, the exhibition illustrates the frailty and vitality of the human condition. These works offer a raw and unfiltered view on existence: the artists’ perception scans lives and places. Bacon, Freud and the School of London.

Works from TATE springs from a collaboration between DART-Chiostro del Bramante and Tate. s

In alto: Francis Bacon - Study for a Portrait 1952, olio e sabbia su tela, 661x561x18 mm. 880x740x73 mm. © The Estate of Francis Bacon. All rights reserved By SIAE 2019 Foto: © Tate, London 2019

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BACON, FREUD, LA SCUOLA DI LONDRA Opere della TATE

26 settembre 2019 – 23 febbraio 2020 Chiostro del Bramante, Roma INFO T. +39 066 88 09 035 info@chiostrodelbramante.it Da lunedì a venerdì 10.00 - 20.00 Sabato e domenica 10.00 - 21.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.chiostrodelbramante.it

A sinistra: Lucian Freud - Girl with a White Dog 1950-51, olio su tela, 762x1016 mm. 954x1200x92 mm. © Tate A destra: Francis Bacon - Study for Portrait on Folding Bed 1963, olio su tela, 1981x1473 mm. 2198x1690x82 mm. © The Estate of Francis Bacon. All rights reserved By SIAE 2019 Foto: © Tate, London 2019

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Chagall: sogno e magia

La sensibilità poetica del grande artista russo in un corpus di 160 opere rare e straordinarie di

Flavio Ennante

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na prima volta a Palazzo Albergati di Bologna, quella di una mostra dedicata al grande artista russo naturalizzato francese, Marc Chagall. “Chagall. Sogno e Magia” vede il patrocinio del Comune di Bologna ed è prodotta e organizzata dal Gruppo Arthemisia e curata da Dolores Duràn Ucar, con catalogo edito da Skira.

In scena fino a marzo 2020, la mostra conta 160 opere (dipinti, disegni, acquerelli ed incisioni) che raccontano l’originale lingua fiabesca e sognatrice di Chagall, svelando quanto della sua anima sia nelle sue creazioni.

In lui coesistevano tre differenti culture, quella ebraica (il suo credo religioso era molto profondo), quella russa (da cui prendeva icone e immagini popolari) e quella

occidentale (da cui arrivavano le influenze dei grandi pittori): su tutto ha sempre prevalso l’Amore. Per descrivere al meglio il mondo di Chagall, si è scelto un corpus di opere rare e straordinarie, provenienti da collezioni private e quindi di difficile accesso per il grande pubblico.

Grazie alle diverse sezioni e alla presentazione cronologica, è possibile ripercorrere il percorso ar-

Marc Chagall - Villaggio russo - 1929, olio su tela, 73x92 cm.

Private Collection, Swiss © Chagall ® by SIAE 2019

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CHAGALL

Sogno e magia

20 settembre 2019 - 01 marzo 2020 Palazzo Albergati, Bologna INFO T. +39 051 030141 info@palazzoroverella.com Tutti i giorni 10.00 - 20.00 8 / 25 / 26 dicembre 10.00 - 20.00 24 e 31 dicembre 10.00 - 17.00 1 e 6 gennaio 10.00 - 20.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.palazzoalbergati.com

Marc Chagall Poèmes 1968, incisione 13, 373x293 mm.

Xilografia a colori © Chagall ® by SIAE 2019

tistico dell’artista addentrandosi nei suoi temi principali.

Nelle cinque sezioni sono riassunti tutti i temi cari a Chagall: la tradizione russa legata alla sua infanzia, dalla quale non si allontanò mai; il senso del sacro e la profonda religiosità che si riflettono nelle creazioni ispirate alla Bibbia; il rap-

porto con i letterati e i poeti; l’interesse per la natura e gli animali e le riflessioni sul comportamento umano che trovarono espressione nelle acqueforti delle Favole; il mondo del circo, che lo affascinava sin dall’infanzia per la sua sete di libertà; ultimo, ma in realtà onnipresente, l’amore.

Da non perdere la proiezione olografica ideata da Display Expert in collaborazione con Arthemisia, che offre un’esperienza immersiva per far sperimentare nuove prospettive sull’opera, cercando di simulare l’idea multidimensionale dell’artista durante la creazione.

Alla fine della visita sarà chiaro quanto non sia classificabile l’arte proposta da Chagall, quanto il suo stile unico e poetico non possa essere ricondotto a nessuno dei movimenti a cui potrebbe avvicinarsi (cubismo, fauvismo e orfismo), quanto sia davvero stata intrisa di stupore e meral viglia, la vita, ai suoi occhi. s

Giovanna CAPRARI

w w w . c s a r t . i t Gio Vangogh

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RIVISTA d’ARTE INTERIOR - 2013 - olio su tela a spatola - 80x80 cm.

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PETER WALL

Wenn der Faden abgebrannt - 2017 - 100x100 cm.

w w w . p i c t u r e w a l l . e u

DAL 2003 2003 DAL

PETER HIDE 311065 311065 L’INIZIATORE L’INIZIATORE DELLA DELLA “MONEY “MONEY ART” ART”

RUGGERO ROTONDI

BALLERINA - olio su masonite - 70x80 cm.

ruggerugo@gmail.com

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Personae L’arte incisa in mostra a Carpi di

Ettore Tiretto

I

Musei di Palazzo dei Pio di Carpi, in occasione della Biennale di xilografia contemporanea, giunta alla sua XIX edizione, ospitano la mostra “PERSONAE”, che presenta le opere incise nel legno di quattro maestri dell’arte del Novecento, quali Pablo Picasso, Ernst Ludwig Kirchner, Georges Rouault, Marc Chagall.

La rassegna, curata da Enzo Di Martino e Manuela Rossi, ideata e prodotta dal Comune di Carpi – Musei di Palazzo dei Pio, col contributo di Fondazione Cassa Risparmio di Carpi, Assicoop Modena & Ferrara, è parte del PERSONAE

Picasso, Kirchner, Chagall

13 settembre 2019 - 6 gennaio 2020 Musei di Palazzo dei Pio, Carpi INFO T. +39 059 649955 Martedì e mercoledì 10.00 - 13.00 Da giovedì a domenica e festivi 10.00/13.00 - 15.00/19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.palazzodeipio.it

programma di FestivalFilosofia che quest’anno aveva come tema “la persona”.

La scelta delle opere è ricaduta su xilografie e quindi più ampiamente su grafica, che sviluppano il tema delle iconografie delle maschere (in latino, personae) africane che sono state di ispirazione per gli artisti europei del filone del Primitivismo.

Il percorso espositivo prende idealmente avvio con le 47 xilografie di piccolo formato di Ernst Ludwig Kirchner. La mostra prosegue con “Le chef-d’oeuvre inconnu di Honoré de Balzac” di Pablo Picasso e poi con le 105 xilografie Georges Rouault tratte della “Réincarnations du Père Ubu”. L’esposizione si chiude con le acqueforti che Marc Chagall realizzò per illustrare Le anime morte di Nicolas Gogol. Nel far emergere la Russia della sua infanzia, sono i personaggi della “commedia umana”, grotteschi, comici e dolenti a un tempo, i veri protagonisti della storia, i cui volti dai tratti e dalle espressioni forti, che rimandano alla più profonda essenza dell’essere l umano. s

Georg Heym Umbra vitae con 47 xilografie originali di Ernst Ludwig Kirchner Kurt Wolff Verlag Munchen 1924. Copertina Sotto: Honoré de Balzac Le chef-d’oeuvre inconnu acqueforti originali e disegni incisi su legno di Pablo Picasso Paris Vollard 1931 Xilografia di testata3

Loredana BOLDINI w w w . l o r e d a n a b o l d i n i . i t l_bold28graphic

BIANCOSCURO

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RIVISTAPAXd’ARTE - 2017, T.M. su tela con fondo a stucco, 70x80 cm.

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FIORELLA MANZINI “... Cerca relazioni tra un elemento e l’altro come se uno stesso flusso li rendesse vivi e vulnerabili, animati da una stessa energia …”

2006, Livia Compagnoni

"Dal profondo" - 2018 - 100x70 cm.

fiorellamanzini@libero.it

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w w w. f i o r e l l a m a n z i n i . i t

Hokusai Hiroshige Utamaro I loro capolavori a Pavia di

Rebecca Maniti

Anna Bellinazzi

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e Scuderie del Castello Visconteo di Pavia ospitano una mostra che pone a confronto il fascino delle stampe giapponesi di autori quali Katsushika Hokusai, Utagawa Hiroshige e Kitagawa Utamaro con quelle di artisti come Edouard Manet, Henri Toulouse Lautrec, Pierre Bonnard, Paul Gauguin, Camille Pissarro e altri.

La rassegna “Hokusai, Hiroshige, Utamaro.

Capolavori dell’arte giapponese”, curata da Tara Weber, registrar della Johannesburg Art Gallery, Laura Aldovini, conservatore dei Musei Civici di Pavia, e Paolo Linetti, direttore del Museo d’Arte Orientale Collezione Mazzocchi di Coccaglio, vuole mostrare le meraviglie delle ukiyo-e, ovvero le raffinate incisioni a colori su legno sviluppatesi nel Paese del Sol Levante a partire dal XVII secolo, e la profonda influenza che ebbero sulla storia dell’arte europea, soprattutto francese, del XIX secolo.

Un’occasione da non perdere per addentrarsi l dentro il confronto tra Oriente e Occidente. s Dall’alto verso il basso: Hokusai Katsushika - La [grande] onda al largo presso la costa di Kanagawa - da Le 36 Vedute del Monte Fuji XXI secolo, xilografia policroma tradizionale su carta da gelso, 264x386 mm.

LUCE NELLE TENEBRE 2009, acrilico su tela con applicazione di piume naturali, 80x80 cm.

“... I suoi soggetti recano tutta la forza espressiva della loro autrice, mostrando allo spettatore la colorata personalità dell’artista; sono spesso fiabeschi o fantastici e permeati della sottile magia in cui la pittrice s’immerge quando inizia a creare le proprie opere” Patrizia Dall’Occhio

Hokusai Katsushika - Il villaggio di Sekiya sul fiume Sumida - n.32 dalla Serie Le 36 Vedute del Monte Fuji nishiki-e 1829-1833 ca., xilografia policroma su carta da gelso, 250x376 mm.

Utamaro Kitagawa - Ritratto di Tomimoto Toyohina – della serie Le rinomate beltà delle sei migliori case 1790, xilografia policroma su carta da gelso, 390x258 mm.

HOKUSAI, HIROSHIGE, UTAMARO Capolavori dell’arte giapponese 12 ottobre 2019 - 09 febbraio 2020

Scuderie del Castello Visconteo, Pavia

MISTERO 2010, acrilico su tela, 60x70 cm.

INFO T. +39 02 36638600 info@scuderiepavia.com Da martedì a venerdì 10.00/13.00 - 14.00/18.00 Sabato, domenica e festivi 10.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.scuderiepavia.com

www.ninfeaviola.altervista.org ninfea.viola@hotmail.it ninfea.art

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Ninfea.Art

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Andy Warhol a Napoli Icone, polaroid, acetati: il suo mondo Pop di

Flavio Ennante

S

arà visitabile fino al 23 febbraio prossimo, presso la Basilica della Pietrasanta a Napoli, una grande retrospettiva dedicata a Andy Warhol. Prodotta e organizzata dal Gruppo Arthemisia con Eugenio Falcioni in collaborazione con l’Associazione Pietrasanta Polo Culturale Onlus e Art Motors, è curata da Matteo Bellenghi.

Lungo il percorso espositivo possiamo ammirare più di 200 opere che danno una

visione completa dell’arte del grande artista americano che con la sua factory ha sicuramente rivoluzionato il concetto di opera d’arte. Sono sette le sezioni che separano i diversi argomenti trattati da Warhol, partendo con le “Icone”, le sue prime lattine Campbell’s Soup ad essere “criticate” come “piatte e provocatorie” da chi non si domanda il perché un artista sia arrivato a quell’intuizione, perché un oggetto o un simbolo o un volto comune e riconoscibile da chiunque sia stato no-

Andy Warhol Mickey Mouse 1981, serigrafia e polvere di diamante su carta, 96,5x96,5 cm.

124/200 Collezione privata © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts Inc. by SIAE 2019 per A. Warhol Nella pagina successiva, in basso: Andy Warhol The Velvet Underground & Nico 1967, LP originale autografato Collezione privata © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts Inc. by SIAE 2019 per A. Warhol

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ANDY WARHOL

26 settembre 2019 - 23 febbraio 2020 Basilica della Pietrasanta – Lapis Museum, Napoli INFO T. +39 081 1865941

Nicoletta Faggion

Tutti i giorni 10.00 - 20.00 8/25 e 26 dicembre 10.00 - 20.00 24 e 31 dicembre 10.00 - 17.00 1 e 6 gennaio 10.00 - 20.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

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Alcune Immagini dell’allestimeto

bilitato in un’opera d’arte, senza però avere più la caratteristica dell’unicità.

La seconda sezione è titolata “Ritratti”, e come è semplice intuire è qui che troviamo Mick Jagger, Sylvester Stallone, Liza Minelli e tanti altri personaggi famosi. In “Disegni” si racconta della sua primaria attività di grafico pubblicitario; Warhol disegna gioielli, accessori di moda, mazzi di dollari arrotolati che esprimono chiaramente la sua ossessione per il denaro, ma anche soggetti più semplici come vasi di fiori stilizzati, da cui nascerà la celebre serie serigrafica “Flower”.

La quarta sezione è dedicata al suo rapporto con l’Italia, conosciuta prima a Ferrara in occasione di una mostra a Palazzo dei Diamanti nel 1975 e poi a Napoli dieci anni dopo, dove presentò al Museo di Capodimonte la serie “Vesuvius”, ovvero il vulcano in eruzione con colori pop-espressionistici e antinaturalistici. Si prosegue poi con una sezione dedicata al “Brand”, ben sintetizzata da una sua frase: “Ho cominciato come artista commerciale e voglio finire come artista del business”; si continua con la parte dedicata alla musica, in qualità di disegnatore di album musicali. L’ultima sezione. “Polaroid e acetati”, che parla nella necessità della fotografia istantanea, per lui strumento indispensabile per il ritratto serigrafico. Una mostra completa sul gel nio della Pop Art, da non perdere. s

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“Rilievo nero su bianco” 2019, tecnica mista PLA su acrilico, 30x40 cm.

“Rilievo su giallo” 2019, PLA su acrilico tecnica mista, 40x50 cm.

nicolettafaggionart faggion.nicoletta@gmail.com

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I significati profondi dell’Ornamento Tra arte e natura, la nostra storia di

Ettore Tiretto

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n esposizione per dare un significato profondo all’ornamento, non visto più come un abbellimento di superficie (sia concretamente che concettualmente). Dal 16 novembre 2019 all’8 marzo 2020, Palazzo Magnani e i Chiostri di San Pietro di Reggio Emilia sono la location della mostra “What a wonderful world. La lunga storia dell’Ornamento tra arte e natura”, che propone un viaggio attraverso i secoli, per comprendere quanto la decorazione e l’ornamento raccontino della nostra storia. L’esposizione è curata da Claudio Franzoni e Pieluca Nardoni, frutto di un lavoro importante del Comitato Scientifico della Fondazione Palazzo Magnani, presieduto da Marzia Faietti e composto da Gerhard Wolf,

Vanni Codeluppi, Marina Dacci e Walter Guadagnini. Promossa dalla Fondazione Palazzo Magnani, in collaborazione con Comune di Reggio Emilia, Provincia di Reggio Emilia, Regione Emilia Romagna e Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo, si compone di oltre 200 opere provenienti da importanti collezioni private e da istituzioni museali nazionali e internazionali, tra le quali il Victoria&Albert Museum di Londra, il Museo Ermitage di San Pietroburgo, il Musée du quai Branly di Parigi, Le Gallerie degli Uffizi di Firenze, il Museo di Arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, la Collezione Peggy Guggenheim di Venezia, la Galleria Nazionale di Arte Moderna di Roma. Come detto prima, l’intento è quello di dare il giusto peso alla decorazione, e per farlo

Keith Haring, Untitled (Egypt), 1982, acrilico su carta, 100x130 cm, Milano, Collezione Consolandi © Roberto Marossi

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viene sviluppato il discorso anche attraverso l’arte del Novecento e quella del nuovo millennio, in cui i temi ornamentali sono stati ripresi.

Troviamo dunque alcuni pezzi della protostoria, per poi attraversare forse più di duemila anni di storia dell’ar-

te. Abbiamo la possibilità di ammirare opere di Dürer, Leonardo da Vinci, William Morris, Mucha, Moser, Escher, Pablo Picasso, Henri Matisse, Giacomo Balla, Gino Severini, Sonia Delaunay, Victor Vasarely, Arman, Warhol, Keith Haring, Peter Halley, Enrica Borghi, Claudio Parmiggiani, Kirk, e molti altri.

Attraversando le diverse sezioni della mostra, si passa dall’ornamento di piante e animali (che si modificano per ragioni temporanee o definitive) al quello dell’uomo che da sempre modifica il proprio aspetto esteriore. Una sezione descrive l’evoluzione del motivo ornamentale vegetale, poi quello dei grovigli e dei nodi, un’altra contestualizza l’attuale visione dell’ornamento, perfezionatasi tra Ottocento e Novecento, infatti dalla seconda metà del Novecento, fino ai nostri giorni, si assiste a una rivincita delle forme ornamentali. In chiusura si indaga sulla musica con un approfondimento preciso.

Da visitare per darci la possibilità di vel dere l’arte con un altro punto di vista. s Disegno di Leonardo da Vinci, incisore milanese Nodo vinciano 1497/1500, incisione su rame, 250x198 mm.

Milano, Veneranda Biblioteca Ambrosiana, Pinacoteca Shirin Neshat - Women of Allah 1994, fotografia, 52,5x41,5 cm.

Milano, Collezione Consolandi © Shirin Neshat

WHAT A WONDERFUL WORLD La lunga storia dell’Ornamento tra arte e natura

Alby

Milano

“L’albero solitario”

“This is the story of one of us, said the singer Celentano, and this is my story. I ’m Alberto Milano, aka Alby Milano, I like sport, walking in the mountains and breathing the fresh air, but my most important passions are music and painting. I got my diploma from the artistic high school and in fact, as you can see recently I have been focusing on oil painting on canvas. Just as a poet chooses the right words for their poem, in my painting I use the brush like a musical instrument and I put my melodies and chords together to give light and shade to my painting”.

Alby Milano

16 novembre 2019 - 8 marzo 2020

Palazzo Magnani - Chiostri di San Pietro, Reggio Emilia INFO T. +39 0522 444446 info@palazzomagnani Da martedì a venerdì 10.00/13.00 - 15.00/19.00 Sabato e festivi 10.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

“The rubbish in the sea”

www.palazzomagnani.it

Alby Alberto Milano albydance@hotmail.com

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Le declinazioni di Pinocchio

Le mille sfaccettature del “burattino” di Collodi di Daniela

Malabaila

C

urata da Lucia Fiaschi, nella splendida cornice di Villa Bardini, “Enigma Pinocchio. Da Giacometti a LaChapelle” racconta il personaggio collodiano (e le sue metafore e contrapposizioni) attraverso 50 capolavori di arte contemporanea provenienti da tutto il mondo. Grazie anche al lavoro dell’Archivio Venturino Venturi, sono stati coinvolti importanti musei come la GNAM di Roma, la Fondazione Nazionale Carlo Collodi, la Fondazione Guggenheim di Venezia, il Zurcher Hochschule der Kunste/ Museum flur Gestaltung di Zurigo, la Fondazione Giacometti

di Parigi, insieme a molte collezioni private e gli studi degli artisti coinvolti nel progetto.

Il percorso espositivo si suddivide in sette parti per poter raccontare al meglio le diverse sfaccettature di Pinocchio, uscito ormai dalle pagine di un libro per appropriarsi di una sua tridimensionalità sempre più concreta.

Si tocca il tema della metamorfosi (dal pezzo di legno alla creatura viva) e quello della morte (è di legno, come può morire?), il titolo delle diverse sezioni esprime perfettamente ciò che è (e non è) il protagonista della mostra: “Pinocchio (non) è un Re”; “Pinocchio (non) è un burattino”; “Pinocchio (non) è un uomo”; “Pinocchio

Francesco de Molfetta - Bird Reich 2013, fusione in bronzo a cera persa dipinta e laccata a forno (esemplare unico), 155x30x50 cm.

Archivio Autorettifica De Molfetta A sinistra: alcune immagini dell’allestimento.

Ph. Michele Monasta

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ENIGMA PINOCCHIO

David LaChapelle David Bowie: face masks, 1995 Chromogenic print, 66,04x50,08 cm David LaChapelle, 1995

Sopra: Luigi Ontani - Pinocchio 1972, fotografia Collezione Fabio Sargentini

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(non) è morto”; “Pinocchio (non) è Pinocchio”; “Pinocchio (non) è una maschera”; “Pinocchio (non) è un bambino”.

L’esposizione mostra così le diverse sensibilità degli artisti coinvolti, con i loro differenti modi di esprimere il tema declinandolo attraverso sculture in legno, ferro e cartapesta, dipinti, bronzi, foto e video: Oliviero Toscani, Alberto Giacometti, Francesco De Molfetta, Sophie Taeuber-Arp, David LaChapelle, Bruno Munari, Paladino, Alexander Calder, Luigi Ontani, Paul McCarthy, Gionata Francesconi, Jim Dine, Buster Keaton, Venturino Venturi e tanti altri hanno fatto di Pinocchio l’interprete delle inquietudini della contemporaneità, l’icona del nostro tempo.

Lungo il percorso troviamo anche delle installazioni multimediali che, messe in dialogo con le opere esposte, coinvolgono lo spettatore nelle Avventure di Pinocchio.

Pinocchio non è soltanto Pinocchio, ma specchio del volto l di ciascuno di noi. s

Da Giacometti a LaChapelle 22 ottobre 2019 - 22 marzo 2020 Villa Bardini, Firenze INFO T. +39 055 26 38 599 Da martedì a domenica 10.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.villabardini.it

Sotto: Oliviero Toscani - Pinocchi 1991, stampa digitale, 45x70 cm.

Collezione Oliviero Toscani © Oliviero Toscani by SIAE 2019

A destra: Alcune immagini dell’allestimento.

Ph. Michele Monasta

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Il mistero e l’ironia di Monna Lisa La mostra a Pavia di Vincenzo Chetta

A

nche Pavia celebra Leonardo da Vinci nell’anno del cinquentesimo anniversario della scomparsa, e lo fa con una mostra accattivante sia nel titolo che nel progetto: “Looking for Monna Lisa. Misteri e ironie attorno alla più celebre icona Pop”. L’esposizione è promossa e organizzata dal Comune di Pavia con il sostegno della Fondazione Banca del Monte di Lombardia, la cura è affidata a Valerio Dehò e

sarà visitabile sino al 29 marzo del prossimo anno. La mostra si divide in diverse sedi, tra le più importanti dedicate all’arte a Pavia.

Dalla chiesa sconsacrata di Santa Maria Gualtieri che accoglie interamente il progetto multimediale “Monna Lisa who?”, realizzata dallo studio di multimedia design Karmachina (allestimento progettato da Studio Dune), allo Spazio Arti Contemporanee del Broletto, fino al Castello Visconteo,

[1]

Gianni Cella - Bat Lisa 2019, terracotta policroma, 45x25x25 cm.

Proprietà dell’artista

[2] [3]

[1] Fabio De Poli - Monnalisa 2015, acrilici su legno sagomato in cassetta di legno, 36x28x10 cm. Collezione Carlo Palli, Prato [2] Stefano Bressani - Giokonda 2019, sculture vestite, scultura e stoffe di abbigliamento, 135x115x15 cm. 01572445807 [3] Ben Vautier - Inachevé 1998, assemblaggio di oggetti e scrittura su tavola, 75x55 cm. Collezione Carlo Palli, Prato

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LOOKING FOR MONNA LISA Misteri e ironie attorno alla più celebre icona Pop

AA.VV. - Riviste Bizzarre e La Joconde 1959, rivista, 27x19x0,7 cm. Archivio Leonardismi, Vinci

24 novembre 2019 - 29 marzo 2020

Castello Visconteo / Palazzo Broletto / Santa Maria Gualtieri / Piazza del Municipio, Pavia INFO T. +39 331 6422303 leonardopavia@comune.pv.it Da mercoledì a lunedì 10.00 - 18.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.vivipavia.it

dove troviamo anche un altro progetto multimediale “La visione di Leonardo a Pavia”, sviluppato da Way Experience, startup milanese specializzata nella creazione di prodotti innovativi che utilizzano le tecnologie della realtà aumentata e virtuale. Possiamo ammirare oltre quaranta opere di reinter-

pretazione del capolavoro vinciano mediante diverse tecniche e correnti, tra le quelle realizzate per l’occasione sono da ricordare la “Bat Lisa” di Gianni Cella, realizzata in terracotta policroma, la scultura vestita “Giokonda” di Stefano Bressani e “Frammento del paesaggio retrostante” di

Virgilio Rospigliosi. Oltre a queste, fanno parte del percorso espositivo le opere di: Aitiani, Albani, Banana, Baroni, Benedetti, Julien Blaine, Carlo Cantini, Myriam Cappelletti, Carrega, Cavallarin, Riccardo Cocchi, De Poli, Giovanni Fontana, Fossi, Claudio Francia, Galeano, Gerbi, Kolar, Sean Mackaoui, Roberto Malquori, Lucia Marcucci, Margat, Miradario, Montesano, Ori, Orlan, Vania Paolieri, Luigi Petracchi, Pisani, Lorenzo Puglisi, Raffaelli, Sarenco, Trinkewitz, Vautier, Giuseppe Veneziano ed Elisa Zadi. Conclude il percorso la “Giant sculpture”, un’imponente scultura collocata nella Piazza del Municipio, realizzata in gesso e resina dagli artisti Eleonora Francioni e Antonio Mastromarino. Completa la rassegna il catalogo a cura di Valerio Dehò l edito da Silvana Editoriale s

M a r i a Te r e s a G u a l a

YESTERDAY - 2019 - acrilico su tela - 70x100 cm.

mariateresaguala@libero.it

circle-arts.com/?s=maria+teresa+guala

SILVIA BATTISTI “1519-2019: l’uomo non è cambiato, ha solo cambiato sembianza”

Leonardo e il mio presente - 2019 - tecnica mista su tela, 80x80 cm.

battisti.silvia@gmail.com

www.silviabattisti.com

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Dagli anni ‘60 agli inizi del XXI secolo La Collezione Casamonti di

Rebecca Maniti

Anish Kapoor - untitled (orange) 2015, acciaio laccato, 139x22 cm diam.

A

perta al pubblico il 25 marzo dello scorso anno, la Collezione Casamonti allestita al Piano Nobile di Palazzo Bartolini Salimbeni, si è rinnovata totalmente per mettere a disposizione dei visitatori il meglio della collezione personale del noto gallerista fiorentino in 40 anni di appassionate ricerche.

In esposizione l’arte della seconda parte del secolo con proposte che confermano il progetto all’altez-

za delle maggiori istituzioni museali: l’elenco degli artisti presenti è da manuale. Partendo con l’Arte Povera, possiamo ammirare Penone, Ceroli, Zorio, Merz, Pistoletto, Kounellis, Gilardi, Boetti, Calzolari, fino ad arrivare a Pascali. Mentre Biasi, Colombo e Bury testimoniano l’Arte Cinetica o Programmata, Agnetti e Paolini sono testimonial dell’Arte Concettuale. Per il Nouveau Réalisme la scelta è caduta su Cesar, Arman, Spoerri, Klein, Hains, Christo, mentre Nam June Paik e Chiari testimoniano il movimento

Sopra: Keith Haring - untitled 1983, acrilico su pelle 112x150 cm.

A sinistra: Jean-Michel Basquiat - untitled 1984, acrilico, pastelli grassi e serigrafia su tela 223,5x198 cm.

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Maurizio Cattelan - untitled (croce rossa) 1997, neon e plexiglass 2/3, 60x75x20 cm.

Jannis Kounellis - senza titolo 1989, ferro, legno, pietre e lampada a petrolio, 200x180x23 cm.

Fluxus. Si prosegue con Schifano, Angeli, Festa, Tacchi, Mambor e Lombardo; la Land Art è rappresentata da Long, il New Dada da Rauschenberg e Dine.

Gilbert&George, Ontani, Marina Abramovič, Vanessa Beecroft interpretano la Body Art, opere affiancate dal video di Bill Viola. Non possono mancare la Pop e Graffiti Art, presenti con Andy Warhol, Keith Haring e Basquiat. Possiamo ammirare anche opere di Paladino, Melotti, Pomodoro, Parmiggiani, Adami, Cattelan, Isgrò, e altri ancora. La selezione non è museale, artisti e opere rispecchiano solo il gusto personale del collezionista, ma essendo un collezionista di livello, questa “discrezionalità” di scelta, diventa realmente un valore.

Nel racconto di mezzo secolo d’arte, essa ci ri-

conduce a visioni e passioni, storie e amicizie che hanno tracciato la lunga storia del gallerista e del l collezionista. s

Antonella Pecoraro “NINNI”

a n t o n e l l a @ a r t e c u l t u r a . n e t

DAGLI ANNI ’60 AGLI INIZI DEL XXI SECOLO Palazzo Bartolini Salimbeni, Firenze INFO T. +39 055.602030 info@collezionerobertocasamonti.com Da mercoledì a domenica 11.30 - 19.00

INVERNO - 2017 - acrilico su tela - 120x60 cm.

Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.collezionerobertocasamonti.com

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“Nudi rami danno origine ad un susseguirsi di liquidi colori freddi, un invito a provare le suggestioni dell’inverno, del clima rigido, dell’umidità che scioglie le forme in aspetti eterei.

L’opera di Ninni evoca le sensazioni che l’artista prova davanti alla realtà, cercando attraverso il colore di comunicarle allo spettatore, suggerendogli un aspetto particolare della realtà nel tentativo di renderlo universale.”

Iacaruso Domenico

Pecoraro Antonella

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Giuseppe Uncini La retrospettiva alla Fondazione Marconi di

Flavio Ennante

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ondazione Marconi ha il piacere di presentare la mostra “Giuseppe Uncini. La conquista dell’ombra”, dedicata al lavoro dell’artista marchigiano tra il 1968 e il 1977. Questo progetto espositivo, in collaborazione con l’Archivio Uncini, mira a documentare l’evoluzione della lunga e approfondita indagine dell’artista sul tema delle ombre.

Punto di partenza è la mostra, intitolata appunto “Ombre”, che ha luogo nel 1976 allo Studio Marconi e per la quale l’artista realizza Grande parete Studio Marconi MT 6, espressamente progettata per la galleria milanese.

Quest’opera rientra nel periodo in cui Uncini decide di spostare la sua attenzione dalla “costruzione di oggetti” alla “costruzione dell’ombra”, dalla forma reale dell’oggetto costruito, alla sua forma virtuale. In questa nuova ottica egli trasforma ciò che è da sempre percepito come ambiguo e labile in un elemento sostanziale

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dell’opera, qualcosa di stabile, visibilmente e tattilmente concreto.

Luce e ombra vengono così poste allo stesso livello di valore e considerate “materie” alla stessa stregua, permettendo una nuova e inedita lettura dell’opera. Questa scoperta, motivo dominante della sua ricerca fino agli anni Ottanta, lo porta anche a riflettere sulle antinomie luce-ombra, pieno-vuoto, presenza-assenza. È dunque lo spazio a farsi materia dell’atto costruttivo dell’artista e non esiste più distinzione tra il fare pittura e il fare scultura.

La mostra presenta un nucleo di opere, comprese tra il 1968 e il 1977, con l’obiettivo di fornire un excursus completo sulla produzione creativa di Uncini in questo arco temporale. Vengono così passate in rassegna tutte le principali declinazioni di quell’assidua necessità dell’artista di indagare la dimensione virtuale della proiezione dei volumi: dalle prime “Sedia con ombra” e “Finestra con ombra” (1968), alle “Co-

Ombra di due parallelepipedi T.5 1973, cemento e laminato legno 220x105x45 cm.

Sotto: Giuseppe Uncini. La conquista dell’ombra.

Installation view at Fondazione Marconi.Ph. Fabio Mantegna. Courtesy Fondazione Marconi

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lonne con ombra” (1969), “Ombra di un cubo sospeso” (1973) e “Muro con ombra T.23” (1976).

A questi si aggiungono alcuni significativi lavori provenienti dal fondo dell’Archivio Uncini: “Mattoni con ombra n. 12” del 1969, “Parete interrotta” (1971), “Ombra di due parallelepipedi T.1” (1972), “Ombra di un parallelepipedo M.29” e “Ombra di tre quadrati M.30” del 1975. Accanto alla Grande parete sono esposte la maquette originale dell’opera, realizzata in cemento e laminato di legno (1975-1976), alcune foto documentarie scattate durante l’esecuzione dell’opera e una selezione di disegni eseguiti negli stessi anni, visto che in Uncini il disegno ha rivestito, sin dagli inizi della sua attività, un ruolo di primaria importanza per la progettualità del suo lavoro: “Nella nostra cultura, nella nostra storia, penso che il disegno sia il nostro linguaggio, il nostro modo di memorizzare le cose, di costruire.

Ritengo che sia molto difficile pensare senza il disegno…” (G. Uncini, 1998).

Farà seguito alla mostra un volume sul tema delle ombre, a cura di Bruno Corà, e in collaborazione con l’Archivio Uncini.

Chiudo con un pensiero di Gillo

“

Una sera a Piazza Navona mi accorsi, in questo grande spazio, che il vuoto era più importante del pieno e che le ombre, oltre a essere più affascinanti e presenti con il buio della sera e l’illuminazione artificiale, avevano un’importanza notevole, esse ci appartengono come i nostri corpi, come i nostri spazi…

”

Giuseppe Uncini

In alto: Milano, Studio Marconi, 1976 Uncini mentre realizza le opere che esporrà nello Studio Marconi nello stesso anno A destra: Colonne con ombra 1969, mattoni e cemento 205x70x25 e 205x42x20 cm.

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GIUSEPPE UNCINI The Conquest of Shadow

F

Fondazione Marconi, Milano October 18 - December 21, 2019

ondazione Marconi is pleased to present the exhibition Giuseppe Uncini: The Conquest of Shadow, dedicated to works from 1968 to 1977 by the Marche artist. The exhibition, in collaboration with Archivio Uncini, comes four years after the 2015 exhibition of Uncini’s drawings and aims to document the evolution of the artist’s long and concentrated study of shadows. The starting point was the Shadows exhibition held in 1976 at Studio Marconi, for which Uncini created Great Wall Studio Marconi MT 6, a site-specific work for the Milan gallery from the period in which Uncini decided to shift his attention from the ‘construction of objects’ to the ‘construction of the shadow’: from the physical form of the constructed object to its virtual form. From this new perspective he transformed what has always been perceived as ambiguous and fleeting into a tangible element of the artwork, something stable, both

visibly and tactilely concrete. In this way light and shadow share the same standard of value and are considered equally as ‘materials’, which allowed a new, original interpretation of the artwork. This discovery, the dominant motif of Uncini’s research until the 1980s, also led him to reflect on the opposites light/shadow, full/empty and presence/absence. Thus space becomes the material of Uncini’s production and the distinction between painting and making sculpture no longer exists.

The exhibition presents a nucleus of works from 1968 to 1977 to provide a comprehensive overview of Uncini’s creative production within this time frame. The exhibition will present all the major results of Uncini’s assiduous dedication to investigating the virtual dimension of the projection of volumes. The exhibition will be followed by the publication of a book on the theme of shadows, by Bruno Corà and in collaboration with Archivio Uncini. s

Dorfles: “L’ombra, questa fuggevole essenza, questa negatività del segno, che troppo spesso viene ignorata o passata sotto silenzio, doveva invece costituire, a un certo punto, il centro delle indagini dell’artista; non già come artificio per una resa prospettica o naturalistica, ma l come ‘messa in luce”. s GIUSEPPE UNCINI

La conquista dell’ombra 18 ottobre – 21 dicembre 2019 Fondazione Marconi, Milano INFO T. +39 02 29 419 232 info@fondazionemarconi.org Da martedì a sabato 11.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.fondazionemarconi.org

l

Patrizia Balzamo Patriza Balzamo Patriza Balzamo www.patriziabalzamo.it pat.balzamo@gmail.com

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DAVIDE ROMANÒ

NEL BLU - 2019 - olio su tela - 100x100 cm.

ABITO LEI - 2019 - olio su tela - 200x80 cm.

Davide Romanò

dave.roma05

davide@davideromano.it - www.davideromano.it

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Paola Risoli a Napoli Presa di conoscenza (e le sue difficoltà)

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a Shazar Gallery presenta la nuova personale di Paola Risoli: Atto originale. L’artista di Ivrea torna con un progetto in cui la scelta consapevole della conoscenza, e delle difficoltà ad essa annesse, viene articolata tra video, fotografie, sculture e installazione site specific. I lavori in mostra rappresentano il punto di partenza di una ricerca a cui la Risoli si dedica dal 2014 e conducono verso la consapevolezza che la scelta della conoscenza è anche un atto di coraggio e di ribellione. Così la suora che come Eva morde la mela, nel

trittico fotografico Incipit e nel video Thanks Eva, dà inizio alla Storia, alla possibilità di vivere il bene e il male, tra sconfitte ed opportunità. Un’opera site specific che invade gli spazi della galleria attraverso il flusso di coscienza dei racconti del bene e del male che l’artista ha raccolto da diversi testimoni e che ha scritto con un unico segno grafico.

E se la conoscenza implica una scelta rischiosa prevede anche una riflessione, una mediazione che appare nelle frasi incise sulle sculture in ferro che si riflettono l in una lucidissima resina nera. s

PAOLA RISOLI Atto originale

16 novembre - 23 dicembre 2019 Shazar Gallery, Napoli INFO T. +39 081 18126773 info@shazargallery.com Da martedì a sabato 14.30 - 19.30 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.shazargallery.com

A sinistra: Paola Risoli Atto originale 2019, photo rag ultra smooth 305 gsm 59x89 cm.

Sotto: Paola Risoli Contact frame 5, 2019, 25x45 cm.

GRAZIELLA PALETTA

“ M Y S TA R ” w w w . m y - s t a r . i t BIANCOSCURO RIVISTA d’ARTE Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it

GENESIS - 2009/2019 - tempera su cartoncino e su tela - 100x100 cm.

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Salvatore Mainardi La personale a Firenze

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rande successo per la mostra personale a Firenze dell’artista italo-svizzero Salvatore Mainardi, presso la Galleria Immaginaria. Durante il vernissage si è potuto ammirare Mainardi che, oltre ad esporre quadri, sculture ed istallazioni site specific, si è esibito in una delle sue suggestive live performance, come sempre culminan-

ti con la distribuzione di parti di opere riprodotte con cioccolato svizzero. La grande mostra personale a lui dedicata è stata un evento unico, assolutamente da non perdere per poter rivedere, finalmente, in Italia l’Arte di Salvatore Mainardi e per lasciarsi coinvolgere nella sua filosofia artistica dal ritmo delle sue l opere originali e mai scontate. s Alcuni momenti dell’inaugurazione della mostra e della performance di Mainardi Sotto: Salvatore Mainardi e Francesco Giannattasio

Sigrun Neumann

moonlight over the mountains digital art (60x 40)

www.sigrun-neumann-sineu.com 84

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Michela Patania

Il posto segreto - 2018 - olio su tela - 80x80 cm.

Michela Patania Pittrice

michela-patania@libero.it

Luigi Mapelli “MAPO” info@artemape.com

-

w w w. a r t e m a p e . c o m

L.Mapelli “Mapo” - Il Dormiente - olio su tela, 90x70 cm.

L.Mapelli “Mapo” - Contenitori - tecnica mista 3D anaglifo, photoshop, olio su tela, 120x100 cm.

Da Radice a Dorfles e Munari Lo sviluppo dell’Astrattismo in Italia

U

ltimi giorni per visitare la mostra in corso al Museo MA*GA di Gallarate: l’esposizione presenta opere provenienti dalla Collezione del museo e da istituzioni come la Fondazione Angelo Bozzola di Novara, la Manifattura JSA di Busto Arsizio, Moshe Tabibnia Galleria e il Centro di Ricerca d’Arte Tessile di Milano, relative al periodo dello sviluppo e dell’affermazione dell’Astrazione geometrica in Italia, tra gli anni trenta e sessanta.

Il progetto “Un’utopia lontana”, curato da Alessandro Castiglioni, mette in luce la natura multidisciplinare, utopica e capace di superare i confini delle arti visive del progetto concretista.

La seconda sezione si sofferma sulla nascita del MAC nel 1948 a opera di Gillo Dorfles, Bruno Munari, Atanasio Soldati e Gianni Monnet. Il corpus di lavori relativi al MAC delinea un panorama dettagliato e di grande valore critico e documentario di quello che fu un momento storico di straordinaria importanza per la nascita del linguaggio pittorico astratto concreto in Italia e per le sue connessioni con il design, l’architettura e la rifondazione estetica del gusto. Gli sviluppi del MAC sono documentati nella sezione successiva che racconta della sua trasformazione tra 1952 e 1953 e dello sviluppo dell’astrattismo in Italia fino al definitivo scioglimento del movimento nel 1958.

In questo contesto si esploreranno le relazioni con il nascente design industriale, l’arredo e la produzione oggettuale a partire da autori ibridi come Bruno Munari e Angelo Bozzola fino a designer come Magistretti, Sambonet, A destra: Atanasio Soldati - Ambiguità composizione, 1951, olio su tela, 115x80 cm.

Sotto: Bruno Munari - progetto per negativo positivo 1950, disegno e tempera su carta, 35x50 cm.

Aurora

Coppolino

Sottsass, Campi.

L’itinerario si chiude con un focus dedicato alla produzione tessile. Saranno qui presi in considerazione alcuni interventi di astrattisti italiani che hanno collaborato con industrie lombarde alla produzione di preziosi materiali tessili utilizzati soprattutto nell’ambito dell’arredo, come Bruno Munari con la Manifattura JSA e Luigi Veronesi con l’Atelier d’Arte Tessile.

La mostra sarà visitabile solo fino al 29 diceml bre, da non perdere!s

Mediterraneo acrilico su tela, 30x30 cm.

“Volare verso l’universo solare e siderale per ritornare alla ricerca dei tesori sottomarini”

UN’UTOPIA LONTANA

Astrazione geometrica in Italia (1930-1965) 22 settembre – 29 dicembre 2019 Museo MA*GA, Gallarate INFO T. +39 0331 706011 info@museomaga.it Da martedì a venerdì 10.00/13.00 - 14.30/18.30 Sabato e domenica 11.00 - 19.00

Una finestra sul mondo acrilico su tela, 50x70 cm.

“Aprire la finestra e sognare un mondo diverso”

Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.museomaga.it

aurora.coppolino.5

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EXCELLEN CE ARTGALLERY

MASSIMO CEDRINI

Call for all artists and art lovers We attended… the inauguration for the latest exhibition ‘Call for Artists’ at Art Caffé Marbella.

We enjoyed… meeting the artists from Italy, Egypt, the north of Spain and Poland, all who were exhibiting for the first time in Marbella and hearing each of them speak about their works.

We loved… the combination of delicious food and divine art by talents including Pilar Sagarra, Mayfee Hernandez, Consuelo Buesa, Tancredi De Aguilar, Giuliano Zorloni, Joan Mañe, Nicolas Delgado, Miquel Prat and Annabel Encontra.

Congratulations and a big thanks to…

Massimo Cedrini and Giuseppe Carnevale, owners of Art Caffé for giving a voice to an array of art through the free exhibitions in Marbella.

INFO facebook.com/Excellenceartgallery instagram.com/excellenceartgallery www.excellenceartgallery.com

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Musica per gli occhi “Experience” In mostra al Montreux Art Gallery il progetto di Mattia Consonni di Daniela

Malabaila

Sopra: Mattia Consonni davanti alle sue opere.

Sotto: un particolare dell’opera “The blue”

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opo il recente successo medese del nuovo progetto di installazioni a tema animalesco (il primo esemplare è “Mucca Melody” di cui abbiamo parlato sullo scorso numero di BIANCOSCURO), Mattia Consonni ha conquistato anche la Svizzera con una esposizione personale al 2M2C di Montreux (luogo in cui si tiene il Montreux Jazz Festival): la location perfetta

per esportare il suo progetto MUSICA PER GLI OCCHI, per condividere con collezionisti e art lovers il suo percorso creativo, la sua passione per la musica e per l’arte. Mattia è ormai un riconosciuto artista nell’attuale panorama internazionale dell’Arte Contemporanea, fortemente connesso all’interpretazione dei brani musicali preferiti, diventati ormai la sua cifra stilistica.

A partire dal vernissage del MAG di Montreux, le opere di Consonni sono diventate “Musica Per Gli Occhi Experience”: i visitatori hanno potuto ammirare le sue opere e, grazie al QR code posto sotto ad ogni opera, ascoltare il brano musa, così da potersi lasciar coinvolgere completamente nelle sue opere d’arte, avvolti dalla musica non solo nel modo più canonico: un’esperienza artistica a tutto tondo. Molti sono stati i complimenti fatti all’artista per l’originalità del progetto (oltre che per l’artisticità estetica delle singole opere) e per la genialità che sta dietro alle sue azioni artistiche:la parete da record con oltre 4000 dischi in vinile sulla facciata della Sala Civica del Comune di Meda, le installazioni per la salvaguardia dell’ambiente, le ultime creazioni animalesche: Mattia

BIANCOSCURO 90

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biancoscuro l Consonni è una fucina di idee, inesauribile.s

M

attia Consonni, artist from Meda (Italy) after the recent project of the “Melody Cow”, of which we spoke in the last issue of BIANCOSCURO, dedicated an entire personal exhibition in the 2M2C of Montreux (location of Montreux Jazz Festival), the perfect location for his project MUSICA PER GLI OCCHI, a project with the aim of sharing with collectors and art lovers his creative path, his passion for music and art, mattia is now a recognized artist in the current international Contemporary Art scene and strongly connected precisely to the interpretation of favorite music tracks.

The MAG Montreux vernissage was held on Wednesday 6 November at 5pm and the works of Mattia Consonni became “Musica Per Gli Occhi Experience” where visitors could admire his works and thanks to the QR code placed under each work listen the inspirational piece and to be able to immerse the visitor in his works of art, where full of music for the eyes have also filled the ears with music. Many were the compliments made to the artist for the originality of the project and for the consistency with which he carries out his works, we recall in fact the previous personal exhibition where he set up a record wall covering the facade with over 4000 vinyl records of the civic l hall of the Municipality of Meda.s

A sinistra: alcune delle opere esposte a Montreux Sotto: un particolare dell’opera “An angel falls”

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Special - MAG montreux 15th Contemporary Art Fair

November 6-10, 2019 - 2M2C - Avenue Claude-Nobs 5, 1820 Montreux (Switzerland)

15ª Fiera Internazionale d’Arte Contemporanea

6-10 novembre 2019 - 2M2C - Avenue Claude-Nobs 5, 1820 Montreux (Svizzera)

2019 Media

Partne

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S

i è conclusa il novembre la 15ª edizione del MAG, cinque intensi giorni dedicati all’arte contemporanea. Presenti numerose gallerie svizzere, tedesche, francesi, austriache. Da sottolineare anche gallerie provenienti da America, Asia e Medio Oriente.

BIANCOSCURO, presente con la sua selezione d’Arte contemporanea, ha documentato l’evento con tantissime foto, raccolte sulla nostra pagina Facebook e visibili anche in questa pagina!

Ottima la riuscita delle mostre tematiche: la “Street Art” ha animato il MAG con performance uniche, e la fantastica sezione “ART ANIMALIER” ha fatto innamorare i visitatori. Non è mancato come di consueto il concorso interno fra gli indipendenti per l’assegnazione dei Premi MAG. Il MAG ci saluta con un arrivederci al 2020, la data fissata è dal 4 al l’8 novembre sempre a Monl treux, sempre al 2M2C. s

BIANCOSCURO, ha esposto le le opere di: Aldo Basili, Massimiliano Bellinzoni, Gianluca Calicchio, Flora Castaldi, Alessandro Cinardo, Paolo Cutrano, Rosa Maria Falciola, Davide Ferro, Francesca Loconsole, Tina Lupo, Giovanni Mangiacapra, Federica Marin, Giorgio Melis, Vincent Messelier, Alby Milano, Luigi Minguzzi, Mariella Muller, Umberto Pettene, Bianca Prettau, Consolata Radicati di Primeglio, Umberto Salmeri, Hanna Scheriau, Gianluca Giuseppe Seregni, Fiorenzo Sernacchioli, Massimo Soldi, Simona Veronica Verzichelli, Mario Voria, Odile Weidig, Bernhard Witsch.

Stand Personale di Mattia Consonni, in esposizione 11 opere del progetto MUSICA PER GLI OCCHI

Da sinistra: Vincenzo Chetta, Daniela Malabaila e Mattia Consonni - Musica per gli occhi

L’ingresso del Salone d’Arte di Montreux, con le opere di Fernando Greco

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uro.it

artmagazine.biancosc

Montreux ART Gallery 2019 F E di

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Special - MAG montreux 2019 15th Contemporary Art Fair

November 6-10, 2019 - 2M2C - Avenue Claude-Nobs 5, 1820 Montreux (Switzerland)

15ª Fiera Internazionale d’Arte Contemporanea

6-10 novembre 2019 - 2M2C - Avenue Claude-Nobs 5, 1820 Montreux (Svizzera)

[1]

Prix MAG 2019

Montreux Art Gallery - 9 novembre 2019 I vincitori dell'edizione 2019 sono: [1] Sébastien Pridmore - prix MAG 2019, stand personale per l'edizione 2020 [2] Khryssy Clement prix BIANCOSCURO 2019, pubblicazione di un articolo redazionale completo [2] sul numero 38 di BIANCOSCURO

L’appuntamento con la 7ª BIENNALE di Montreux è fissato per l’estate 2021 www.biennale.ch L’appuntamento con la 16ª edizione del MAG è fissato dal 4 all’8 novembre 2020 www.mag-swiss.com

Guarda tutte le foto su Facebook.com e su www.biancoscuro.it Oppure inquadra con il tuo smartphone il codice QR

PIO SCHENA

Time is gold - The wall of Time - 2019, art installation, mix media

www.pioschena.com

info@pioschena.com

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pio.schena

Gianluca Giuseppe

SEREGNI

"SECRET ILLUMINATION" mixed media on canvas 80 x 80 cm.

s a n t i e p r e s e p e @ g m a i l . c o m

Flora Castaldi

Flora Castaldi con Vincenzo Chetta, sullo sfondo l’opera “RECIF 3” - acrilico su tela, 100x100 cm.

OPERA ESPOSTA NELLO SPAZIO BIANCOSCURO ART EXHIBITION AL MONTREUX ART GALLERY 2019

FLORA est une Artiste Peintre Française. Née en Italie, vit et travaille en régionToulousaine - HauteGaronne (France). Le parcours artistique de Flora débute en 1981 et se poursuit depuis présente sur le marché de l’Art International depuis 1983. Flora expose en Europe, Suisse, Monaco, Japon, Emirats Arabe Unis, Canada, Russie, Etats Unis d’Amérique.

Maître Franco -Italien de l’Art Contemporain, créatrice du “LangageStyl Cosmogéologique”© 1993, l’art de Flora est reconnu et fait l’objet de multiples expositions Internationales: Castello Estense, Ferrara; Espace Pierre Cardin, Paris; Musée Ferrari, Maranello; Auditorium Rainier III, Monaco; Palazzo Pretorio, Gubbio; Milano Art Gallery, Milan; Galleria Farini, Bologna; Agora Gallery, New York. Novatrices, les créations de Flora prennent pour ancrage des réflexions sur le monde, ses origines, son evolution et ont pour raison. Un autre langage de la peinture.

w w w . f l o r a - a r t i s t e - p e i n t r e . f r

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Art Basel Miami Beach Nuova sezione “Meridians” e 260 tra le più importanti gallerie internazionali di Vincenzo Chetta

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Art Basel Miami Beach 2018

Anormally Strolls II, 2018, installation view at Tate Liverpool © SCAI The Bathhouse

Art Basel Miami Beach 2018

Tomás Saraceno, Cirrus spissatus cumulonimbogenitus, 2019 Courtesy the artist and Esther Schipper - Berlin.

Photo © Studio Tomás Saraceno

rt Basel ha annunciato le 269 principali gallerie internazionali selezionate per la sua edizione 2019 a Miami Beach. 12 gallerie delle Americhe partecipano per la prima volta alla fiera: Barro Arte Contemporáneo di Buenos Aires; Document, moniquemeloche e Mariane Ibrahim Gallery di Chicago; M + B and Parker Gallery di Los Angeles; Nicelle Beauchene Gallery, Company Gallery e Karma di New York; Galería Agustina Ferreyra di Città del Messico; Central Fine da Miami Beach e Cooper Cole di Toronto.

La novità del 2019 sarà “Meridians” che fornirà una nuova piattaforma per gallerie ed i loro artisti, per mostrare opere che sppostano i confini della tradizionale fiera d’arte. A cura di Magalí Arriola, direttore del Museo Tamayo, il settore sarà allestito nella nuova Grand Ballroom dell’MBCC, uno spazio espositivo senza colonne di quasi 6.000 metri quadrati che è direttamente collegato alle sale espositive.

Le altre sezioni saranno: “Galleries”, il settore principale delle caratteristiche dello spettacolo; “Positions”, che consente a curatori, critici, collezionisti e visitatori di scoprire nuovi talenti da tutto il mondo; “Nova”, che fornisce una piattaforma per le gallerie per presentare nuove opere di un massimo di tre artisti; “Survey”, con 16 presentazioni mirate di opere create prima del 2000 e “Edition”, il settore presenta 11 leader globali nel campo delle stampe e delle opere in edizione.

“Nell’edizione inaugurale di Meridiani, dominano sculture, dipinti e installazioni video su larga scala, alcune delle quali rivisitano narrative culturali che affrontano temi come la razza, il genere e il territorio. Data l’unicità di ciascun progetto, Meridians articola uno scambio molto organico di idee e posizioni, svelando sovrapposizioni concettuali, temi e interessi emersi dalla forte selezione di progetti di quest’anno”, ha affermato Magalí Arriola, curatrice di Meridians.

I punti salienti includeranno: l’installazione immersiva di Laure Prouvost “DEEP TRAVELS Ink”, un’agenzia di viaggi pseudo-funzionale di Miami completa di refrigeratori d’acqua, piante, poster, scrivanie, area di attesa e informazioni aziendali; “Dance of Malaga”, l’ultimo video prodotto e diretto da Theaster Gates e l’installazione di nove film di Isaac Julien “Lina Bo Bardi - A Marvellous Entanglement” che esplora i più iconici edifici dell’architetto e designer visionario modernista Lina Bo Bardi e la loro eredità.

Per l’elenco completo degli eventi e delle gallerie l visita il sito: artbasel.com/miami-beach s

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rt Basel announced the 269 leading international galleries selected for its 2019 edition in Miami Beach. 12 galleries from the Americas are participating in the fair for the first time: Barro Arte Contemporáneo from Buenos Aires; Document, moniquemeloche, and Mariane Ibrahim Gallery from Chicago; M+B and Parker Gallery from Los Angeles; Nicelle Beauchene Gallery, Company Gallery and Karma from New York; Galería Agustina Ferreyra from Mexico City; Central Fine from Miami Beach and Cooper Cole from Toronto.

The novelty of 2019 will be “Meridians” will provide a new platform for galleries and their artists to show work that pushes the boundaries of the traditional art fair layout. Curated by Magalí Arriola, Director of Museo Tamayo, the sector will be staged in the new Grand Ballroom of the MBCC, a column-less exhibition space of almost 6,000 square meters that is directly connected to the exhibition halls.

Other section will be: “Galleries”, the main sector of the show features; “Positions”, allowing curators, critics, collectors, and visitors to discover new talents from across the globe; “Nova”, providing a platform for galleries to present new work by up to three artists; “Survey”, featuring 16 focused presentations of work created before 2000 and “Edition”, the sector presents 11 global leaders in the field of prints and editioned works.

“In the inaugural edition of Meridians, large-scale sculptures, paintings and video installations dominate, some of them revisiting cultural narratives that deal with issues such as race, gender and territory.

Given the uniqueness of each project, Meridians articulates a very organic exchange of ideas and positions, unveiling conceptual overlaps, themes and interests that have emerged from this year’s strong selection of projects”, said Magalí Arriola, curator of Meridians.

Highlights of the sector include: Laure Prouvost’s immersive installation “DEEP TRAVELS Ink”, a pseudo-functional Miami travel agency complete with water coolers, plants, posters, office desks, waiting area and corporate infomercials; “Dance of Malaga”, the latest video produced and directed by Theaster Gates and Isaac Julien’s nine-screen film installation “Lina Bo Bardi - A Marvellous Entanglement” that explores the visionary modernist architect and designer Lina Bo Bardi’s most iconic buildings and their legacy.

For the complete list of events and galleries please l visit: artbasel.com/miami-beach/galleries s

Art Basel Miami Beach 2018 All images are © Courtesy Art Basel

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ART Innsbruck 2020 Dal 16 al 19 gennaio la 24ª edizione di

Flavio Ennante

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ernissage fissato per mercoledì 15 gennaio alle ore 17,30 momento in cui le personalità e gli appassionati d’arte del capoluogo tirolese si danno appuntamento, come ormai da 24 anni a questa parte, per vedere le novità delle gallerie internazionali e le provocazioni degli artisti, più le due importanti mostre collaterali.

Il merito di questo longevo successo a va alla direttrice Johanna Penz, coadiuvata come sempre dal suo team, e BIANCOSCURO conferma anche per quest’anno il sodalizio partecipando per la setl tima edizione consecutiva. s

ernissage set for Wednesday, January 15 at 5.30 pm when the personalities and art lovers of the Tyrolean capital come together, as they have been for the past 24 years, to see the news of international galleries and artists’provocations, plus the two important collateral exhibitions.

The merit of this long-lasting success goes to the director Johanna Penz, assisted as always by her team, and BIANCOSCURO confirms this year the association by participating for the l seventh consecutive edition. s

24ª ART INNSBRUCK dal 16 al 19 Gennaio 2020 Gio. – Dom.: 11:00 – 19:00 Padiglione A, Ingresso Est, Claudiastrasse 1, Innsbruck

24th ART INNSBRUCK 16 to 19 January 2020 Thu – Sun: 11:00 – 19:00 Hall A, Entrance East, Claudiastraße 1, Innsbruck

M. Bellinzoni “Perseo cattura Medusa”

BIANCOSCURO, esporrà ad Art Innsbruck le opere di: Vincenzo Bartoli, Massimiliano Bellinzoni, Serafino Botticelli, Mattia Consonni - Musica per gli occhi, Paolo Cutrano, Rosa Maria Falciola, Marco Ferrari, Cecilia Flaten, Sidrah Hakim, Elena Lagun, Alberto Milano, Sigrun Neumann, Gianluca Giuseppe Seregni, Christiane Tureczek, Armando Velardo.

A. Velardo “Amiche inseparabili”

M. Consonni “Figlio della luna”

E. Lagun “Abstract IV”

P. Cutrano “Dolly sheep”

V. Bartoli “Geometrie metafisiche”

R. Falciola “Cerchio Bianco”

C.Flaten “The power of light”

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LIVIA LICHERI in arte LIV

Flashback

La settima edizione di Flashback nasce e cresce all’insegna dell’errare di

Rebecca Maniti

F

SBOCCIARE 2019 TECNICA MISTA ACRILICO E OLIO SU TELA 100x100 CM.

“Ognuno di noi ha dentro la sua primavera che si rinnova puntualmente e naturalmente, pronta a farci vivere nuove e meravigliose stagioni dell’esistenza.”

LIV

lashback ha chiuso l’edizione 2019 con un numero di visitatori in crescita, una forte partecipazione di collezionisti, direttori di musei e addetti ai lavori e importanti vendite riportate dai galleristi presenti.

Oltre 17.000 i visitatori che hanno scoperto i 50 espositori, ciascuno considerato “specialista” del suo settore, nei 4.000 metri quadrati all’interno del Pala Alpitour di Torino disegnato da Arata Isozaki, caratterizzato da soffitti altissimi e molta luce, luogo ideale per ospitare le gallerie e le grandi installazioni d’arte contemporanea come la mostra dedicata a Eva Marisaldi e Hidetoshi Nagasawa “Cambiando dimora” a cura di Michela Casavola o il grande arazzo di Kentridge a cura di Untitled.

Andrea Isola, il co-fondatore dello studio Startarch, spiega l’accattivante allestimento di quest’anno: “Partendo dal tema della fiera, (Gli Erranti), il progetto di allestimento è stato concepito in modo tale che il visitatore sia invitato ad errare, senza temere l’errore. L’ArtGate di ingresso è uno stargate che dà l’accesso ad uno spazio atemporale, in cui tutte le opere diventano contemporanee.

Il percorso interno, studiato nelle giuste proporzioni per garantire un'esperienza piacevole e accomodante per galleristi e collezionisti, si presenta come una maglia di sentieri che si biforcano, un labirinto corallino che diverte e incuriosisce i visitatori.”

La formula di “Flashback” si è riconfermata un unicum che unisce il mercato dell’arte ad un programma culturale di promozione dell’arte stessa di cui sono stati parte attiva anche i progetti Flashback ed il percorso di visita - ideato e realizzato dallo studio di archil tetti Startarch. s

F

lashback closes with a growing number of visitors, a strong participation of collectors, museum directors and professionals and important sales reported by the gallery owners present.

Over 17,000 visitors who discovered the 50 exhibitors, each considered “specialist” in its sector, in 4,000 square meters inside the Pala Alpitour in Turin designed by Arata Isozaki, characterized by very high ceilings and lots of light, an ideal place to host the galleries and large contemporary art installations such as the exhibition dedicated to Eva Marisaldi and Hidetoshi Nagasawa “Changing house” by Michela Casavola or the great tapestry by Kentridge by Untitled.

Andrea Isola, the co-founder of the Startarch studio, explains this year’s captivating exhibition: “Starting from the theme of the fair, (Gli Erranti), the exhibition design was conceived in such a way that the visitor is invited to wander , without fearing the error. The entry ArtGate is a stargate that gives access to a timeless space, in which all the works become contemporary. The internal path, designed in the right proportions to guarantee a pleasant and accommodating experience for gallery owners and collectors, looks like a mesh of forking paths, a coral labyrinth that amuses and intrigues visitors.”

The formula of “Flashback” has been reconfirmed a unicum that unites the art market to a cultural program of promotion of the art itself of which Flashback projects have also been an active part and the visit itinerary - conceived and realized from the firm of archil tects Startarch. s

www.livialicheri.artista.com

livialicheri@gmail.com Livia Licheri Livia Licheri

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Artissima 2019 La migliore edizione degli ultimi anni di

Flavio Ennante

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rtissima, l’unica fiera italiana dedicata esclusivamente al contemporaneo, chiude la ventiseiesima edizione e si riconferma tra i grandi appuntamenti internazionali dell’arte contemporanea. 55.000 i visitatori all’Oval di Torino. Diretta per il terzo anno da Ilaria Bonacossa e sostenuta per il diciassettesimo anno da UniCredit. Come sempre, Artissima ha coinvolto l’intero territorio torinese in una grande kermesse internazionale sull’arte del nostro tempo.

La fiera conferma la propria centralità tra gli appuntamenti d’arte contemporanea a livello mondiale e nei prossimi mesi proseguirà il suo cammino digitale con #ArtissimaRewind, un ricco calendario di appuntamenti virtuali.

A conclusione della manifestazione Ilaria Bonacossa ha detto:“Artissima, alla sua ventiseiesima edizione, si riconferma un appuntamento di qualità e ricerca, l’unico in Italia dedicato esclusivamente al contemporaneo. Sono particolarmente soddisfatta per l’alto livello delle proposte e per essere riuscita a portare a Torino gallerie, alcune delle quali assenti da tempo, di cui rispetto il lavoro. I commenti positivi dei collezionisti e degli addetti ai lavori me lo confermano: alla fiera sono stati riconosciuti un’energia creativa senza precedenti e un’attenzione particolare verso le pratiche sperimentali. Molti l’hanno definita la migliore edizione degli ultimi anni. [...] Mai come quest’anno Artissima è -issima in tutti i sensi!”.”.

Sei i riconoscimenti assegnati ad Artissima di cui alcuni storici a ribadire l’impegno concreto della fiera nel supporto della ricerca creativa.

Premio illy Present Future: assegnato a aaajiao, presentato dalla galleria House of Egorn (Berlino).

Premio Sardi per l’Arte Back to the Future: assegnato alla galleria Sokyo (Kyoto) con un progetto di Kimiyo Mishima.

Premio Ettore e Ines Fico: assegnato a Guglielmo Castelli, presentato dalle gallerie Francesca Antonini (Roma) e Rolando Anselmi (Berlino, Roma).

OGR Award: assegnato a Yuri Ancarani, presentato dalla galleria Isabella Bortolozzi (Berlino).

Premio Refresh Irinox: assegnato a Sheroanawe Hakihiiwe presentato dalla galleria ABRA (Caracas).

Campari Art Prize: assegnato a Julian Irlinger presentato dalla galleria Thomas Schulte (Berlino).

Sul tema del 2019, desiderio-censura, Artissima ha stimolato una riflessione aggiornata ed eterogenea su ambizioni e utopie contemporanee, su impulsi che plasmano i tempi e sulle narrazioni che li attraversano.

La vitalità di Artissima e la sua forza innovatrice si riverberano su tutto il territorio, grazie alla collaborazione attiva con numerose istituzioni pubbliche, musei, fondazioni, gallerie.

La prossima edizione di Artissima si terrà dal 6 a l ll’8 novembre con preview il 5 novembre 2020. s

A

rtissima, the International Fair of Contemporary Art closes the twenty-sixth edition and is reconfirmed among the great international events of contemporary art. 55,000 visitors at the Turin Oval. The fair was directed for the third consecutive year by Ilaria Bonacossa, and realised with the support of main partner UniCredit for 17 years. As always, Artissima has involved the entire Turin area in a great international event on the art of our time.

The fair confirms its centrality in the world of contemporary art events and in the coming months it will continue its digital journey with #ArtissimaRewind, a rich calendar of virtual appointments.

At the conclusion of the event, director Ilaria Bonacossa commented:“Artissima, at its twenty-sixth edition, reconfirms itself as an appointment of quality and research, the only one in Italy dedicated exclusively to the contemporary. I am particularly satisfied for the high level of proposals and for having managed to bring galleries to Turin, some of which have been absent for some time, of which I respect the work. The positive comments from collectors and experts confirm this: unprecedented creative energy and special attention to experimental practices were recognized at the fair. Many have called it the best edition in recent years. [...] Never before has Artissima been very much in every sense!”.

Six awards were presented during the fair, reflecting Artissima’s commitment to the support of creative research.

Premio illy Present Future: awarded to aaajiao, presented by House of Egorn (Berlino).

Premio Sardi per l’Arte Back to the Future: awarded to galleria Sokyo (Kyoto) for the project of Kimiyo Mishima.

Premio Ettore e Ines Fico: awarded to Guglielmo Castelli, presented by Francesca Antonini (Roma) e Rolando Anselmi (Berlino, Roma).

OGR Award: awarded to Yuri Ancarani, presented by Isabella Bortolozzi (Berlino).

Premio Refresh Irinox: awarded to Sheroanawe Hakihiiwe, presented by ABRA (Caracas).

Campari Art Prize: awarded to Julian Irlinger, presented by Thomas Schulte (Berlino).

On the subject of 2019, desire-censorship, Artissima has stimulated an up-to-date and heterogeneous reflection on contemporary ambitions and utopias, on impulses that shape the times and the narratives that cross them.

The vitality of Artissima and its innovative strength reverberate throughout the territory, thanks to the active collaboration with numerous public institutions, museums, foundations, galleries.

The next edition of Artissima will be held from 6 to 8 l November with a preview on 5 November 2020. s

All images are of Artissima 2019 © Ph. Perottino – Piva – Bottallo

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Arte Padova 26.000 presenze alla 30ª edizione di Ettore Tiretto

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biettivo dei 26.000 visitatori centrato!” Così, Nicola Rossi ideatore e direttore artistico di ArtePadova, commenta a caldo l’esito della 30ª edizione che nei quattro padiglioni della Fiera di Padova che, dal 15 al 18 novembre, ha visto l’adesione di 300 gallerie giunte da tutta Italia oltre che da Danimarca, Francia, Gran Bretagna, Iran, Spagna, Turchia.

Nel Contemporary Art Talent Show, che ha avuto per madrina l’artista russa Ludmilla Radchenko, si sono tenuti tre premi: l’8° Premio Contemporary Art Talent vinto dallo scultore Thomas Pacher di Milano, davanti ai veronesi Alketa Bercaj Delishaj e Denis Gambaretto; il Premio Mediolanum (promosso dallo sponsor di ArtePadova) vinto da Maurizio Rosella di Orvieto (Tr); il Contest Show and Tell Pensa, Crea, Mostra per il miglior progetto espositivo di artisti e curatori under 30 è stato vinto da Cristina Materassi.

In quattro giorni ArtePadova ha ospitato diversi incontri, performance, anteprime internazionali e mostre personali dedicate ai disegni di Fabio Civitelli illustratore storico di Tex, alle ceramiche giganti di Giorgio Laveri, all’artista della luce Jorrit Tornquist, al cantante Ivan Cattaneo e al critico musicale Red Ronnie che ha proposto 40 sue foto scattate ai big della musica internazionale.

“Nonostante la drammatica coincidenza con i disastri climatici che hanno colpito il Veneto la manifestazione ha richiamato molti visitatori soprattutto nel week-end con soddisfazione dei galleristi che come noi continuano a promuovere un settore come l’arte moderna e contemporanea capace di arricchire ancora di più il patrimonio culturale italiano”, conclude Nicola Rossi l presidente di Nord Est Fair srl. s

“T

arget of the 26,000 visitors centered!” Thus, Nicola Rossi, the creator and artistic director of ArtePadova, commented warmly on the outcome of the 30th edition that in the four pavilions of the Fiera di Padova from 15 to 18 November saw the accession of 300 galleries from all over Italy as well as from Denmark, France, Great Britain, Iran, Spain, Turkey..

In the Contemporary Art Talent Show, which had as its godmother the Russian artist Ludmilla Radchenko, three awards were held: the 8th Contemporary Art Talent Award won by the sculptor Thomas Pacher of Milan, before the Veronese Alketa Bercaj Delishaj and Denis Gambaretto; the Mediolanum Award (promoted by the ArtePadova sponsor) won by Maurizio Rosella from Orvieto (Tr); the Show and Tell Contest - Think, Create, Exhibition for the best exhibition project of artists and curators under 30 won by Cristina Materassi. In four days, ArtePadova hosted several meetings, performances, international previews and solo shows dedicated to the drawings of Fabio Civitelli, historical illustrator of Tex, to the giant ceramics of Giorgio Laveri, to the light artist Jorrit Tornquist, to the singer Ivan Cattaneo and to the music critic Red Ronnie who proposed 40 of his photos taken from the big names in international music.

“Despite the dramatic coincidence with the climatic disasters that hit the Veneto, the event attracted many visitors especially during the weekend with the satisfaction of the gallery owners who, like us, continue to promote a sector such as modern and contemporary art that can enrich even more the Italian cultural heritage”concludes Nicola l Rossi president of Nord Est Fair srl. s

AMBRA CERAGIOLI

ambraceragioli@virgilio.it Ambra Ceragioli

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BIANCOSCURO La danza scarlatta - 2015 - acrilico su tela - 70x50 cm.

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Bergamo Arte Fiera A gennaio 2020 la nuova edizione di

Flavio Ennante

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a mostra mercato BAF, giunta alla sua sedicesima edizione, si svolgerà dall’11 al 13 gennaio 2020 offrendo ampio spazio alle esposizioni delle gallerie e al settore dell’editoria e delle istituzioni. La vernice ufficiale è fissata per venerdì 10 gennaio alle ore 18.30.

Di grande interesse i talk curati da Cesare Biasini Selvaggi, saggista e giornalista, e l’area dedicata alla fotografia. Per coinvolgere maggiormente il pubblico, sabato 11 gennaio si potrà assistere alla performance di streetart di Leonardo Gambini, artista milanese noto come Tunus, che negli anni ha trasformato la sua arte urbana, realistica e immediata, in opere più concettuali, fino a sfociare nel minimalismo.

“Come da piacevole tradizione – dichiara Fabio Sannino, presidente di Ente Fiera Promoberg - il nuovo anno di manifestazioni alla Fiera di Bergamo si apre a gennaio nel segno della bellezza dell’arte a tutto tondo, grazie a Bergamo Arte Fiera (BAF).

Con l’inserimento di eventi, che sempre più si avvicinano all’interesse delle nuove generazioni, Promoberg conferma la volontà di coinvolgere una platea l sempre più vasta di appassionati d’Arte” . s

T

he Bergamo Art Fair, now in its sixteenth edition, will take place from 11 to 13 January 2020, offering ample space for gallery exhibitions and the publishing and institutional sector. The official paint is set for Friday 10 January at 18.30 Of great interest are the talks curated by Cesare Biasini Selvaggi, essayist and journalist, and the area dedicated to photography. To involve the public more on Saturday 11 January, you will be able to watch the streetart performance of Leonardo Gambini, a Milanese artist known as Tunus, who over the years has transformed his realistic, immediate urban art into more conceptual works, leading to minimalism.

“As a pleasant tradition – says Fabio Sannino, president of Ente Fiera Promoberg - the new year of exhibitions at the Bergamo Fair opens in January in the sign of the beauty of art in the round, thanks to Bergamo Arte Fiera (BAF). With the inclusion of events, which increasingly come closer to the interest of the new generations, Promoberg confirms its willingness to involve an ever wider audience of l art lovers”. s

KHRISSY CLEMENT

BIANCOSCURO

RIVISTA d’ARTEkhrissymus@hotmail.com Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it

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Art Fair

biancoscuro

Fiere, manifestazioni ed esposizioni internazionali International fairs, exhibitions and exhibitions

Italia

BARI ArteBari maggio 2020 www.artebari.com BERGAMO Bergamo Arte Fiera 11-13 gennaio 2020 www.bergamoartefiera.it BOLOGNA Arte Fiera 24-26 gennaio 2020 www.artefiera.it

MILANO MiArt 17-19 aprile 2020 www.miart.it

Mia Photo Fair 19-22 marzo 2020 www.miafair.it Affordable Art Fair 7-9 febbraio 2020 www.affordableartfair.com Grand Art ottobre 2020 www.grandart.it

FORLI’-CESENA Vernice ArtFair 20-22 marzo 2020 www.verniceartfair.it

MONTICHIARI (BS) Expo Arte 9-11 maggio 2020 www.expoartemontichiari.it

Arte Forlì Contemporanea novembre 2020 www.fieracontemporanea.it

PADOVA Arte Padova novembre 2020 www.artepadova.com

GENOVA Arte Genova 14-17 febbraio 2020 www.artegenova.com

Pavia Art Talent 23-24 novembre 2019 www.patpavia.it TORINO Artissima 6-8 novembre 2020 www.artissima.art

Europe

AMSTERDAM (NL) Affordable Art Fair october, 2020 www.affordableartfair.com BARCELONA (E) Loop Fair november, 2020 www.loop-barcelona.com BASEL (CH) Art Basel june 18-21, 2020 www.artbasel.com

Paratissima 6-8 novembre 2020 www.paratissima.it VENEZIA La Biennale di Venezia mag. - nov. 2021 www.labiennale.org

Liste Basel june 18-21, 2020 www.liste.ch BERLIN (D) Berlin Art Week september, 2020 www.berlinartweek.de Art Berlin september, 2020 www.artberlinfair.com

VERONA ArtVerona 16-18 ottobre 2020 www.artverona.it PARMA ArtParma 29 feb.- 8 mar. 2020 www.artparmafair.it PER INFORMAZIONI: SEGRETERIA ORGANIZZATIVA: +39 049 8800305

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PAVIA PaviArt 4-5 aprile 2020 www.paviart.it

Positions Berlin september, 2020 www.positions.de

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BRUXELLES (B) Art Brussels april 23-26, 2020 www.artbrussels.com

MADRID (E) Art Madrid feb. 27-mar. 3, 2020 www.art-madrid.com

Brafa jan. 25-feb. 2, 2020 www.brafa.be

MARBELLA (E) Art Marbella august, 2020 www.marbellafair.com

CHESTER (ENG) Chester Arts Fair november, 2020 www.chesterartsfair.co.uk COLOGNE (D) Art Cologne april 23-26, 2020 www.artcologne.com

MONTE-CARLO (MC) Art Monte-Carlo may 1-3, 2020 www.artmontecarlo.ch MONTREUX (CH) Montreux Art Gallery november 4-8, 2020 www.mag-swiss.com

GENEVE (CH) Art Genève jan. 30-feb. 2, 2020 www.artgeneve.ch KARLSRUHE (D) Art Karlsruhe february 13-16, 2020 www.art-karlsruhe.de INNSBRUCK (A) Art Innsbruck january 16-19, 2020 www.art-innsbruck.at

PARIS (F) Fiac october 22-25, 2020 www.fiac.com Art Paris april 2-5, 2020 www.artparis.com

VIENNA (A) LONDON (ENG) Vienna Contemporary Frieze London september 24-27, 2020 october 8-11, 2020 www.viennacontemporary.at www.frieze.com ART SALZBURG CONTEMPORARY & ANTIQUES INTERNATIONAL ZURICH (CH) London Art19 Fair– 21 OTTOBRE Art International 2018 Zurich CENTRO FIERA DI SALISBURGO january 22-26, 2020 october 1-4, 2020 www.londonartfair.co.uk www.art-zurich.com Bild: Roman Träxler

11.00 – 1900 – 1700

DUBAI (UAE) Art Dubai march 25-28, 2020 www.artdubai.ae HONG KONG (CN) Art Basel Hong Kong march 19-21, 2020 www.artbasel.com

Affordable Art Fair may 17-19, 2020 www.affordableartfair.com MEXICO CITY (MEX) Zona MACO february 5-9, 2020 www.zonamaco.com

fiera internazionale d’arte contemporanea, classico moderno & antiquariato | 19° – 21° secolo

NEW DELHI (IND) India Art Fair jan. 30 - feb. 2, 2020 www.indiaartfair.in NEW YORK (USA) Art NewYork may 7-10, 2020 www.artnyfair.com ArtExpo NewYork april 23-26, 2020 www.artexponewyork.com

Affordable Art Fair march 26-29, 2020 www.affordableartfair.com SHANGHAI (CN) Shanghai Art Fair september, 2020 www.sartfair.com SINGAPORE (SGP) Affordable Art Fair november, 2020 www.affordableartfair.com TOKYO (J) Art Fair Tokyo march 20-22, 2020 www.artfairtokyo.com

MIAMI BEACH (USA) Art Basel Miami Beach december 5-8, 2019 www.artbasel.com

ISTANBUL (TR) CI contemporary istanbul – 20 GENNAIO 2019 september, 2020 O FIERA INNSBRUCK contemporaryistanbul.com

nsbruck.com

CHICAGO (USA) Expo Chicago september 24-27, 2020 www.expochicago.com

SALZBURG (A) Art Salzburg Contemporary september, 2020 art-salzburg-contemporary.com

A INTERNAZIONALE CONTEMPORANEA | 19°– 21° SECOLO

rincipale A

World

MOSCOW (RUS) Cosmoscow september, 2020 www.cosmoscow.com

TORONTO (CDN) Art Toronto october, 2020 www.arttoronto.ca VANCOUVER (CDN) Art! Vancouver april 16-19, 2020 www.artvancouver.net Per visualizzare l’elenco completo aggiornato inquadra con il tuo smartphone il codice QR e collegati al nostro sito ufficiale: w w w.b ian c o s c u ro.it /ar t -fai r s

In contemporanea alla più importante fiera austriaca di auto d‘epoca. www.art-salzburg-contemporary.com

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103 18.09.18 18:44

tavolta non di fronte, ma alle mie spalle, arrivò la guida che stavo attendendo, per trama di fantasia lo chiamerò ShuiShé (serpente d’acqua), perché come Hydrus arrivò strisciando non solo sul fiume ma anche via terra. ShuiShé mi consigliò di prendere il treno per arrivare in Tibet, la difficoltà maggiore era quella dell’adattamento all’altezza e con quel mezzo mi assicurò che ci sarei arrivata gradualmente. Arrivammo da Xi’An a Xining alla Railway station, più simile nell’aspetto ad un aeroporto che ad una stazione di treni. Il paesaggio che si presentava era delineato da algidi grattacieli e tutto era di una pulizia asettica, i treni di acciaio verde percorsi da una linea gialla, erano l’unica nota che sembrava animata. La mia anima si era inaridita, ma queste erano solo sensazioni personali. Salita sul treno, sapevo che mi aspettavano 22 ore di viaggio. Ma appena fuori da Xining in direzione della principale destinazione del Tibet, Lhasa, qualcosa di inaspettato mi lasciò senza fiato. Paesaggi montani con lande immense alle pendici che ospitano grandi pale eoliche, luoghi incontaminati: il grande e salato Namtso, detto “lago celeste”, che si trova a un’altezza di 4718 metri e presenta sulle rive rocce simili a Menhir. I laghi in Tibet sono considerati sacri dagli abitanti e sono meta di pellegrinaggi, come avviene anche in altre parti del mondo per laghi e mari interni: Turkana, mar Morto, mar Caspio, lago Titicaca e tanti altri (in sintesi un’unica cultura geomagnetica preistorica di fondo).

Il Tibet è stata una delle ancestrali vie per la nascita della Cina, una delle più antiche civiltà, che appunto affonda le sue

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Tibet © Photo by Adele Arati

“Ero sul fiume giallo in prossimità di Xi’an, dovevo incontrare una guida cinese per entrare in Tibet (per accedervi si deve passare obbligatoriamente dalla Cina): ero sulle orme dei proto-sino-tibetani o di quello che poteva rimanerne. Davanti a me Hydrus, una barca con uno strano nome per trovarsi in Cina, i proprietari non del luogo, ma con la pelle bruciata dal sole, si muovevano agitatamente e mi guardavano da lontano. Il vento proveniente da est mi si infilava nei capelli, l’ombra del sole disegnava la mia sagoma sul terreno. Nel mentre leggevo l’antico libro ereditato dal mio avo e pensavo: “Impronte… Da sempre viaggiatrice sulle tracce di antiche civiltà e del loro Bi_Uni_Verso...”.

Ormai ero certa che l’errore era nelle note sulle argille: la forma ottagonale ne era una chiave. Ero sicura che anche quei luoghi avrebbero in parte confermato le mie ipotesi. Le idee nascono dai bisogni, questi nascono dalle situazioni vissute, per diventare motivazioni e trasformarsi in seguito in azioni.

Dunque le azioni generano vita e fabbricano le opere necessarie a fare fronte ai nostri bisogni. Su questo si è fondata la nostra società, abbiamo un’origine comune che ha utilizzato lo stesso meccanismo psicologico per arrivare alla contemporaneità di oggi (bisogna però distinguere il reale bisogno da quello indotto). Solo il libero pensiero dell’arte ci può venire in aiuto. Il Mito racconta che la prima era umana fu quella dell’oro, ma ora più che mai necessitavo di una mappa per l’anima, il diciasettesimo punto da definire in questa Tela da ridipingere…”

[14ª puntata]

Le terre di mezzo, i percorsi del mito, il cammino piramidale dell’essere

Passeggiando all’indietro: il Tibet

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radici nel gruppo progenitore proto-sino-tibetano. Come abbiamo già detto la cultura cinese è essenza di una saggezza collettiva proveniente dalle narrazioni indiane passate dal Tibet (come le sue piramidi testimoniano). Ma nel 213 a.C., Qin Shi Huang, per paura che la tradizione dei territori raggruppati arrivasse a minacciare il suo potere, fece bruciare tutta l’esistente letteratura scritta e seppellì vivi gli intellettuali, mettendo le basi della contemporanea situazione di espansione dei grandi Imperi, come similmente avvenne ai Diari di Paul Gauguin nel Pacifico e alle tradizioni dei Guanci nelle isole Canarie.

In quei luoghi esistono però antichi oracoli che raccontano di tavolette ancora preservate, ed io ero sulle loro impronte (i miei viaggi non sono convenzionali, non sono una turista seriale, ma una ricercatrice, per questo tratto di arte, ossia di origine e cultura degli abitanti, dei luoghi in cui transito, dopotutto le guide turiste sono ormai facilmente reperibile e ben strutturate).

Il primo bisogno in questo viaggio è stato riprendere fiato, letteralmente: sul treno ci sono ancora oggi dei bocchettoni per l’ossigeno, tutto all’interno è pulito e confortevole, l’adattamento all’ambiente in modo non conforme deve avvenire prima dell’arrivo. In genere gli abitanti delle pianure non sono (come me) idonei ad abitare alle alte altitudini, ma molti popoli delle vette di tutto il mondo, sì. Cosa li caratterizza e dove ha origine questo adattamento? Per esempio, secondo uno studio della University of Utah pubblicato su Nature genetics nell’agosto del 2014, ottomila anni fa il gene EGLN1 ha subito una modificazione puntiforme nella sequenza del DNA. Tale trasformazione è atta a contrastare la riduzione del 40% di ossigenazione dei tessuti indotta dall’alta quota; questa variazione ha quindi interessato anche le popolazioni dell’altopiano tibetano, che sono stanziati tra i 4000 e i 6000 metri sul livello del mare. Mi mancava ancora qualche notizia, sapevo che le sequenze di ascendenze ancestrali compongono il 6% del patrimonio genetico tibetano (costituendo aplotipi unici in alcune regioni genomiche) ed esse derivano da intrecci preistorici di Denisoviani, Neanderthal, antico Siberiano e di un’etnia sconosciuta. Dunque la questione è molto più antica e risale secondo le mie ultime ricerche a circa 3 milioni di anni fa ed è Tibet © Photo by Adele Arati

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riscontrabile nelle caratteristiche caucasiche – Berbere delle mummie della valle del fiume Tarim, nel nord-ovest della Cina. Questo conferma che le nostre origini sono molto più complesse di quelle semplificate dei libri di storia.

Tutto questo, a livello culturale, quali conseguenze ha “Crea_r_Evoluto” ed espanso, e cosa accomuna popoli così lontani tra loro? Dovevo fare una passeggiata all’indietro, dalla Cina al Tibet, dal Tibet all’India, e intrecciare dei fili ancorati a Punti già fissati. La cultura del Tibet è fondamentale, e sarà doveroso approfondire nel tempo i discorsi che sotto vi accenno. Partendo da Lhasa e dal suo maestoso Tempio di Jokhang (che combina elementi tradizionali cinesi della dinastia Tang con quelli ottagonali, tavolette in cilindri ruotanti di derivazione africana, siberiana, indiana, sumera, etc.), spostandomi di 70 km al lago Yamdrok, giunsi nell’unico monastero guidato da una Tulku matriarcale e dalle sue conchiglie incise. Gusci simbolo di Tara, la saggia Dea Madre che si manifesta in forme pacifiche: lo yin e la sacralità della potenza della luna sulle acque (proprio come per Botticelli la nascita di Venere, era il principio femminile). Passai poi dai laghi alle vette dell’Himalaya altrettanto sacre, simbolo dell’unione con l’aldilà, quella montagna di derivazione marina, l’Everest, il Kailash; considerati alcuni dei tanti centri del mondo. Qui torna il discorso dell’ossessione nei confronti dell’immortalità di Qin Shi Huang, emule del leggendario eroe Gilgamesh della città sumerica di Uruk, e della mitologica montagna dell’immortalità di Penglai che, mai trovata, portò alla costruzione di molteplici piramidi artificiali.

Ricordiamo che anche per i Guanci (di origine Berbera), come per i Tibetani, il Teide era l’ubicazione dell’aldilà.

Arrivai sino a Shigatse, una delle città di frontiera sulla strada dell’amicizia che la collega a Kathmandu in Nepal, a circa 260 km a sud-ovest di Lhasa (dove la Teosofa Elena Petrovna von Hahn giunse nel 1849, da sempre alla ricerca di antiche civiltà e dei resti di culture arcaiche). Seguii uno studioso, mi fece entrare in un tempio: la mitologia locale racconta che qui nacque l’etnia Tibetana, da un Supremo sotto le sembianze di scimmia e da una gigantessa e nella biblioteca di Sakya vi è conservata una conchiglia destrogira e il simbolo del nodo infinito.

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[...] continua sul prossimo numero di BIANCOSCURO

Qui nel 2003 furono trovati, dietro a un muro lungo 60 metri, circa 84.000 rotoli e tavolette, oggi ancora in fase di studio. Ero dunque arrivata ad una delle mete per soddisfare i miei bisogni di conoscenza, in fondo vi è un bisogno comune alla vita riscontrabile all’origine, il non vivere più soli nell’eterno.

Nel 16° punto avevo scritto: “Quando le tradizioni dei popoli antichi saranno riportate alla memoria dell’attuale società, diventerà difficile o impossibile non riconoscerne le motivazioni e il significato dei loro aspetti culturali. Dunque il mito svolge per i popoli una funzione importante, ossia definisce la storia di cui siamo orfani.

Per questo dobbiamo scavare per trovare ciò che ne rimane, e solo l’art’é essendo libera può riuscirvi.”

Oggi il 17° punto serve per definire una mappa per arrivare all’anima di questa Tela da ricostruire; solo allora mi rendevo conto di quanto fossero importanti le parole del manoscritto cinese Ottagonale (proveniente dall’India tramite il Tibet) di Emiri. A quelle ho aggiunto dei concetti presi dall’antico libro ereditato dal mio avo e da alcune incisioni trovate in Tibet con ShuiShé: “Centrale nella trasformazione è Xin, il cuore, perché al suo interno un’altro cuore è presente. Esso è codice numerico che da vita alle parole, da cui ha origine l’energia vitale. Il Qi, il soffio vitale che tutto permea e che dirige le destinazioni. Essenza primordiale serpentiforme da cui ha avuto origine l’esistenza, non più infinita, ma divenuta finita in complessi processi di differenziazione infiniti, scanditi da nodi. Da questo vento, un simil suono matematico è nato il Mito dell’Origine comune e delle sue possibilità.”

Questo è l’articolo introduttivo per i prossimi Punti del 2020, molti dei vasti argomenti li riprenderemo per confrontarli con altri, in attesa dei Romanzi Fanta ma Scientifici in elaborazione.

Adele Arati

Testi LiberaMente tratti dai miei Futuri Romanzi Fanta ma Scientifici e dalle mie Opere; il racconto è inventato, il mito è quello ascoltato dai locali e i riferimenti scientifici sono reali.

Tibet © Photo by Adele Arati

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Giancarlo Delmastro Fantasie nell’etere: la mostra a Venezia

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l Movimento Arte del XXI Secolo, nell’ambito della 58. Biennale d’Arte di Venezia, dedica a Giancarlo Delmastro, architetto di chiara fama, una mostra personale allestita da Licinia Visconti. La mostra è stata inaugurata lo scorso 6 ottobre 2019 con la presentazione del Prof. Aldo Ma-

Giancarlo Delmastro AMAZZONIA

ria Pero, a Palazzo Zenobio, e si è conclusa il 3 novembre. Il Maestro romano ha cominciato ad esporre nel 2002 ed ha rapidamente scalato la china della notorietà anche come pittore, applicando un senso di equilibrio che, se gli deriva dal retaggio professionale, possiede un vero e proprio carattere rabdomantico nell’istintiva ricerca di momenti dialettici che investono le successive invenzioni dettate, con qualche sosta seguita da formidabili riprese, dalle risorse di una fantasia accesa e magnanima che lo ha tratto via via da forme di espressionismo astratto all’astrazione pura.

Le dieci opere di questa personale, non particolarmente ricca di tele, ma molto densa di contenuti, sono appunto il frutto dell’ultima di tali resurrezioni, create

Giancarlo Delmastro ATOMI NELLO SPAZIO

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di getto in uno sforzo unitario passato dall’uno all’altro lavoro, nel corso di questa estate, che la memoria riconduce agli analoghi mesi del 1907 trascorsi quasi in trance da Rainer Maria Rilke, visitata la grande retrospettiva dedicata a Paul Cézanne, scrisse di essere stato sconvolto dalla rassegna espositiva, che definì lo stimolo di una nuova generazione di artisti, primo fra tutti lui stesso che lavorò per mesi in uno stato di febbrile eccitazione.

Basta guardare anche distrattamente le tele di Delmastro per comprendere che anche lui, come Rilke, ha attraversato una stagione di creatività febbrile, il che impedisce di riservare uno sguardo distratto al suo lavoro, che costituisce (uso

un termine plebeo) una “mazzata” per chiunque lo guardi, anche se ignaro del concetto fondamentale che lo sottende: la volontà di rappresentare in linee e colori la curvatura fondamentale dell’universo secondo l’intuizione di Albert Einstein, come risultato delle titaniche energie prodotte dai buchi neri.

Nelle tele del Maestro romano non ci sono buchi neri, ma la palpitante, dinamica, prorompente energia delle linee curve che s’intersecano e si dilatano con un’energia che si proietta oltre i margini dei quadri, troppo esigui per contenere tanta cosmica vitalità. Una mostra completa che descrive Giancarlo Delmastro l e le sue opere di pura astrazione. s

A sinistra: Giancarlo Delmastro FIORE BIACO A destra: Giancarlo Delmastro VIBRAZIONI CROMATICHE

Giancarlo Delmastro CAOS

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Aurelio Nicolazzo SUPPLETISMO

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Gianfranco De Palos

Segni come note in uno spartito bianco

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racce bianche. Un delicato rilievo come nei plastici che gli studenti di Architettura portano all’università, passando tra la folla del metrò con le loro opere fragili e traballanti, eppure bellissime. Si indovina questo spirito nelle ultime pitto-sculture di Gianfranco De Palos: bassorilievi bianchi, non fragili come i plastici degli studenti, ma di una tenera maestosa solidità. De Palos è stato allievo dello scultore Ettore Calvelli e rivela una cultura, un pensiero vivo, che si traduce nelle forme classiche delle sue opere. Non importa che evochino un battistero ottagonale, ventagli di meduse, cupole, visioni aeree di case, giardini e orti ben allineati, De Palos domina la musica e il numero come in uno spartito: note bianche. E come per la musica nulla di tutto ciò che viene oggettualizzato nelle sue opere, nulla di ciò che viene pronunciato in forma visibile e riconoscibile, esiste davvero. Niente è concreto in queste tavole dipinte. Iconizzate. Tutto è gioco e pura astrazione, frutto dell’homo faber e dell’homo ludens che convivono in De Palos. “Nel gioco serio al pari di un lavoro” scriveva Pascoli, e senza pretese Palos gioca con bastoncini e sfere di legno che fissa su tavole quadrate intrise di colore bianco, con lo stesso significato metafisico dell’oro nelle sacre icone: sfonda il finito, trasforma il legno in materia “altra”. Alta. Il colore bianco agisce come la neve che cancellando restituisce ad ogni cosa la sua forma più vera e più sacra, la forma del silenzio. De Palos scopre e riproduce, pur lavorando in positivo, l’impronta fossile, materna, negativa e originaria delle cose (il negativo da cui il positivo è tratto), rivelando le forme archetipiche, quelle visibili solo al microscopio che nelle mani dell’artista diventa caleidoscopio. Frammenti antichi di vetrate ridotti allo splendore astratto delle loro inattese geometrie, segni irriconoscibili, ma che fanno parte dell’alfabeto umano. Un alfabeto ricostruito dall’artista filtrando il visibile attraverso la sua “fantasia pensate”. Le opere di De Palos possono far pensare ai frontespizi futuristi di Marinetti portati alla terza dimensione, così che il “libro” diventa una scatola vuota da aprire e riempire di sogni. La dimensione paziente, umile e artigiana di De Palos fa del suo lavoro la dimostrazione che l’essenza della poesia è effettivamente la “poiesis”,

cioè letteralmente il “fare” degli antichi greci. Nell’epoca del “crollo delle evidenze” (Ratzinger), le bianche tavole di De Palos salvano la materia impedendole di decadere. Una materia povera, certo, ma che De Palos sa mettere in campo in modo sontuoso, così che per una strana associazione queste tavole fanno venire in mente il settecentesco “Cristo velato”, opera in marmo dello scultore Giuseppe Sanmartino, in cui un velo di marmo (come il bianco di De Palos) aderisce perfettamente al corpo morto che rivela. Il velo di marmo (come la neve e la vernice bianca) assume la forma dell’oggetto e ne rivela la verità. La stessa operazione compie De Palos nei suoi assemblages.

Non Cristo, ma la struttura delle cose, non è in fondo la stessa cosa? Si può dirlo nel marmo o nel legno, con fede o senza fedee, ma la verità delle cose affiora così per tutti, attraverso il velo dell’arte. A riprova che anche nell’apparente semplicità dell’homo ludens si nasconde un’anima profonda, senza ritornare bambini è impossibile fare arte. Il valore dell’artista De Palos (e qui vorremo usare la parola “artigiano”, parola antica, nobilissima,

White Surface - 2017, legno multistrato, colori acrilici, stoffa, 100x75x1,5 cm.

come la “poiesis”) è la sua capacità di inventare una realtà parallela al reale, genuinamente astratta. Un mondo di segni, abbiamo già detto, scomposti e ricomposti secondo una grammatica che l’artista ha inventato e a cui resta fedele nel tempo. Una “lingua” che aggancia con la sua contemporaneità, avvince e convince.

Alfredo Tradigo INFO g.depalos@libero.it

White surface - 2016, legno multistrato, colori acrilici, ecopelle, cocco gommato, 75x75x1,4 cm.

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La fotografia di Man Ray: Woman!

Da soggetti ritratti ad autrici, le Donne protagoniste di

Lucia Garnero

P

rotagonista indiscusso delle fotografie in mostra a Camera, Torino, per la speciale mostra “wo/Man Ray. Le seduzioni della fotografia”, inaugurata 17 ottobre e visitabile fino al 19 gennaio, un tema classico riletto in una prospettiva del tutto nuova.

L’esposizione presenta circa duecento fotografie, realizzate a partire dagli anni Venti a Parigi, dove Man Ray diviene protagonista indiscusso delle stagioni dadaista prima e surrealista poi; fotografie tutte dedicate a un preciso soggetto, la donna, tema fondamentale della sua fotografia, al centro della sua poetica, non semplicemente come oggetti da ritrar-

re, ma come irrinunciabile fonte di ispirazione.

Filo conduttore di tutto l’evento, dunque, il rapporto tra Man Ray e l’universo femminile: nel dare vita ad una continua metamorfosi di forme e significati - da forma astratta a oggetto di seduzione oppure rappresentazione realista -, l’artista reinventa interamente, attraverso rayographs, solarizzazioni e doppie esposizioni, la rappresentazione del corpo e del volto, nei generi del nudo e del ritratto fino a creare autentici “cunei nel linguaggio fotografico tradizionale”. Tuttavia, come ha sottolineato Walter Guadagnini, Direttore di Camera, non è mai accaduto prima d’ora che fosse messo in rilievo il fatto che molte modelle siano state, in momenti diversi, anche assistenti dell’artista e spesso, a loro volta, protagoniste del clima surrealista e che abbiano intrapreso, analogamente al loro maestro, un’attività di successo. Man Ray è il mentore di due tra le maggiori fotografe del periodo, Berenice Abbott e Lee Miller, inizialmente sue assistenti, ma che arrivano ad affermare il loro autonomo linguaggio. Le modelle diventano così grandi artiste, in una mostra entro la quale è possibile scoprire i legami biografici tra le persone ritratte, intessuti nel tempo nelle opere che immortalano la Parigi della prima metà del Novecento. E poi Dora Maar, Meret Oppenheim, Nusch Éluard, Juliet - l’ultima moglie a cui è dedicato il portfolio The Fifty Faces of Juliet (1943-1944): artiste, modelle, amiche, compagne; allo stesso modo, le protagoniste della Parigi degli anni Venti e Trenta, Gertrude Stein, Nancy Cunard, Sylvia Beach, Youki Foujita Desnos. Tutte, in modi diversi, legate per periodi più o meno lunghi a Emmanuel Radnitzky, detto Man Ray - nato a Philadelphia nel 1890 -, arrivato nella Ville Lumière nel 1921.

Non viene lasciata in secondo piano neppure la storia e, in particolare, il Surrealismo: un’intera sala è dedicata alla documentazione dei manichini dell’Exposition International Surréaliste del 1938, Man Ray - Resurrection des mannequins (Mannequin di André Masson. Mannequin with a bird cage over her head.), 1938/1966, stampa vintage ai sali d’argento, 43x33 cm.

Collezione privata, Parma © Man Ray Trust by SIAE 2019

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Man Ray - The Fifty Faces of Juliet 1941/1943, 39,5x34x2,7 cm. Collezione privata.

Courtesy Fondazione Marconi, Milano T® Man Ray Trust by SIAE 2019 Man Ray - Exposition “Man Ray, l’oeuvre photographique” à la Bibliothèque nationale de France.

Catalogo della mostra con stampa ai sali d’argento in copertina.

Collezione privata, Parma © Man Ray Trust by SIAE 2019

“Les mannequins. Résurrection des mannequins”, evento epocale nell’arte del XX secolo.

Una mostra unica, dunque, per le fotografie esposte e per il taglio innovativo nell’accostamento insieme biografico e artistico dei protagonisti. Curata da Walter Guadagnini e Giangavino Pazzola, è nata dalla collaborazione di istituzioni e gallerie nazionali e internazionali, tra cui lo CSAC di Parma, l’ASAC di Venezia, il Lee Miller Archive del Sussex, il Mast di Bologna e la Fondazione Marconi di Milano.

In ragione di tema affrontato ed approccio esposi-

tivo, è significativo riportare quanto affermato da Emanuele Chieli, Presidente di Camera: “Si tratta non solo della prima mostra di Camera dedicata a un grande maestro della storia della fotografia mondiale del XX secolo, ma anche dell’approccio nuovo a un tema così attuale come quello del ruolo della donna all’interno di ogni ambito della società, compreso l quello artistico”. s

wo/MAN RAY

Le seduzioni della fotografia 17 ottobre 2019 – 19 gennaio 2020

CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia, Torino INFO T. +39 011 08 81 150 camera@camera.to Lunedì, mercoledì, venerdì, sabato e domenica 11.00 - 19.00 Giovedì 11.00 - 21.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.camera.to

Man Ray - The Fifty Faces of Juliet 1941/1943, 39,5x34x2,7 cm. Collezione privata.

Courtesy Fondazione Marconi, Milano T® Man Ray Trust by SIAE 2019

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Gradazioni di luce La mostra fotografica alla Fondazione Dino Zoli di

Rebecca Maniti

D Luca Marianaccio - Autodromo di Vallelunga (XXI sec), Roma, photo 2019

Un momento dell’opening. Ph. Cristina Patuelli

opo il successo riscosso a Singapore, in occasione del Gran Premio di Formula 1, il progetto “Gradazioni di luce. Geografie di sguardi tra storia e contemporaneità” è arrivato alla Fondazione Dino Zoli di Forlì, presentandosi nella sua interezza. Un pubblico numeroso e interessato ha partecipato all’inaugurazione della mostra, visitabile fino al 19 gennaio 2020, ed erano presenti al vernissage: Gian Luca Zattini (Sindaco del Comune di Forlì), Dino Zoli (Fondatore Gruppo Dino Zoli), Monica Zoli (Amministratore Unico DZ Engineering), Roberto Grilli (Direttore Generale DZ Engineering), Gigliola Foschi e Nadia Stefanel (curatrici), Alessandra Baldoni, Luca Gilli, Cosmo Laera, Luca Marianaccio, Lucrezia Roda e Pio Tarantini, fotografi italiani che si sono fatti portavoce nel mondo della cultura, della sto-

ria e della ricchezza dei luoghi che caratterizzano il nostro paese. Nadia Stefanel spiega: “I sei autori sono stati invitati dalla DZ Engineering e dalla Fondazione Dino Zoli, punto di riferimento culturale di Dino Zoli Group, a fotografare dodici siti storici e contemporanei illuminati dalla DZ Engineering, da Castel del Monte e dal Mausoleo di Galla Placidia alle architetture del Polo chimico di Ferrara e del Mapei Stadium di Reggio Emilia. Un lavoro su commissione, volutamente affidato ad artisti appartenenti a diverse generazioni, che si è trasformato in “altro”: ogni autore ha messo infatti in questi scatti la sua ricerca e la sua arte, offrendo lo spaccato di un Paese capace di guardare al futuro senza dimenticare la propria storia».

Il percorso espositivo comprende anche numerosi pannelli esplicativi che illustrano i siti di interesse sotto il profilo storico-artistico e architettonico, ma

Due viste dell’allestimento. Ph. Cristina Patuelli A destra: Luca Gilli - Mapei Stadium 1994, Reggio Emilia, photo 2019 #2

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anche attraverso gli interventi e i progetti realizzati dalla DZ Engineering. Monica Zoli e Roberto Grilli concludono: “Ci auguriamo che la mostra sia in grado di suscitare l’interesse dei visitatori, dimostrando

loro come l’illuminazione possa fare la differenza nella valorizzazione di diverse location». Una parte della mostra, ad aprile 2020, volerà in Vietnam, paese in cui la Formula 1 l farà il suo esordio.s

Lucrezia Roda - Polo chimico (dal 1936), Ferrara, photo 2019

Cosmo Laera - Canne della Battaglia (II sec AC), Barletta, photo 2019

GRADAZIONI DI LUCE

Geografie di sguardi tra storia e contemporaneità 19 ottobre 2019 – 19 gennaio 2020 Fondazione Dino Zoli, Forlì INFO T. +39 0543 755770 info@fondazionedinozoli.com Da martedì a giovedì 09.30 - 12.30 Da venerdì a domenica 09.30/12.30 - 16.30/19.30 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.fondazionedinozoli.com

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Il mondo incontaminato Francesco Bosso in mostra a Milano di

Flavio Ennante

F

rancesco Bosso è uno dei maggiori interpreti italiani del paesaggio e della natura selvaggia in bianconero. Sarà possibile ammirare le sue opere ancora fino al 14 dicembre alla Galleria delle Stelline a Milano.

“Il paesaggio è in realtà una vi-

sione dove si fondono in un unicum atmosfere e stati d’animo”, afferma l’autore, e questa frase è sicuramente la giusta accompagnatrice in questa mostra intitolata “Primitive Elements”, a cura di Filippo Maggia e realizzata in collaborazione con l’autore negli spazi della Galleria delle Stelline.

La personale propone una sintesi della ricerca fotografica di Bosso, condotta negli ultimi 15 anni in zone del mondo ancora incontaminate, pure e primitive come appaiono ai nostri occhi.

Oltre quaranta fotografie ed un video documentario ci mostrano scenari e paesaggi naturali fatti di ghiacciai, scogliere, oceani, isole vergini, foreste pluviali: ritratti di una terra ideale, luogo incontaminato ormai in via di sparizione che non siamo in grado di lasciare in eredità alle generazioni future. La scelta delle foto in mostra vuole stimolare nel pubblico la consapevolezza, sempre più urgente, della necesIn alto: Francesco Bosso - Diamond #10 2015, Greenland.

Courtesy: Photo & Contemporary A sinistra: Francesco Bosso - Over the Cliff 2018, Portugal.

Courtesy: Photo & Contemporary A destra: Francesco Bosso - Cliff Sentinell 2012, Iceland Courtesy: Photo & Contemporary

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FRANCESCO BOSSO Primitive Elements

23 ottobre - 14 dicembre 2019 Galleria delle Stelline, Milano INFO galleriearte@creval.it Da martedì a venerdì 14.00 - 19.00 Sabato 10.00 - 12.00 Chiuso il 7 dicembre Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

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Francesco Bosso - Golden Arch 2015, Spain Courtesy: Photo & Contemporary

sità di tutelare l’ambiente e di promuovere con convinzione un cambiamento culturale che affondi le sue radici nell’uso responsabile delle risorse naturali e in particolare dell’acqua, elemento centrale del paesaggio naturale e antropico su cui Bosso ha lavorato intensamente realizzando immagini in tutto il mondo.

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Particolarmente significativi, in questo senso, gli scatti realizzati dall’autore in ambiente Artico, dove il riscaldamento globale sta facendo sentire i suoi effetti in modo drammatico, a testimonianza dello stato di emergenza a cui siamo giunti. Interessante l’allestimento in cui si alternano isole di luce e coni d’ombra

profonda, atmosfere che ricreano la condizione del fotografo nel momento dello scatto.

La mostra è accompagnata da un’esaustiva pubblicazione edita da Silvana Editoriale, che comprenderà alcuni contributi critici sul lavoro di Francesco Bosso e la riproduzione di tutte l le opere esposte. s

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Emilio Scanavino Il legame intrinseco tra uomo e artista di

Mario Gambatesa

“

I detriti che si accumulano nei luoghi dove la nostra civiltà industriale raccoglie le sue scorie, mi raccontano cose incredibili.

P

alazzo Pigorini dal 10 novembre scorso ha aperto le porte ad Emilio Scanavino (1922-1986), con la mostra intitolata “Genesi delle forme. Artista poliedrico”. Scanavino ha assorbito in tutta la sua carriera di artista numerose esperienze che hanno contribuito nel tempo a far crescere il suo nome a livelli internazionali e ad essere protagonista indiscusso nella stagione italiana della pittura informale degli anni Cinquanta.

Dopo aver conseguito il diploma artistico, si iscrive alla Facoltà di Architettura dell’Università di Milano nel 1942, ma interrompe gli studi a seguito della chiamata alle armi. Nel 1947 si reca a Parigi, durante la sua permanenza lì rimane affascinato dalla scrittura di Eduard Jaguer e dalla pittura e fotografia di Wols. Negli anni cinquanta, trascorre un periodo a Londra in cui frequenta Francis Bacon ed espone alla Whitechapel Gallery. Emilio Scanavino si lega molto hai suoi contemporanei, ma la sua più profonda amicizia sarà con Lucio Fontana.

La mostra, curata da Cristina Casero ed Elisabetta Longari è realizzata in collaborazione con l’Archivio Emilio Scanavino e il sostegno del Comune di Parma. Aperta al pubblico fino al prossimo 15 dicembre, offre una lettura inedita delle sue opere, in mostra sono presenti dipinti, ceramiche, sculture e più di cento fotografie provenienti presso l’archivio dell’artista.

Intorno a questo nucleo di immagini è costruita, con un taglio innovativo, la mostra, che chiarisce quindi come la pratica fotografica sia stata parte integrante, sin dalla fine degli anni Cinquanta, della ricerca dell’autore. Dal confronto tra gli scatti e la produzione artistica si evidenzia anche l’affermarsi

”

Emilio Scanavino

Sopra: Emilio Scanavino al MoMA Museum of Modern Art di New York City, 1961.Archivio Scanavino Emilio Scanavino, Germoglio, esemplare unico, 1967, terracotta, altezza 17,3 diametro 26,5. Collezione Scanavino

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di un differente modo di concepire l’immagine pittorica o scultorea da parte di Scanavino, che affermava: “A me piace fotografare. Ma non cerco belle immagini, mi piace andare in giro e ritrarre lo scheletro della natura, certi buchi, certi solchi che i secoli hanno scavato nelle montagne. I detriti che si accumulano nei luoghi dove la nostra civiltà industriale raccoglie le sue scorie mi raccontano cose incredibili”.

Nelle sue fotografie Scanavino immortala brani di realtà: corde, innesti, insetti, muri, nodi, pietre, tutti elementi che qui diventano forme primarie, archetipi, il cui senso va oltre il loro significato letterale. La fotografia diventa un tramite per evidenziare la materia nel particolare, come se si volesse a tutti i costi indagare la sua struttura interna.

Un legame intrinseco che lega occhio e obbiettivo all’indagine, cogliendo quel qualcosa che la percezione umana da sola non afferra.

Si tratta di una vera e propria ricognizione sulla realtà, utilizzando il filtro comunicativo dell’arte ed il linguaggio fotografico, un connubio perfetto per l un clima culturale più contemporaneo. s Emilio Scanavino - Studio 1980, acrilico su cartone, 50x70 cm. Collezione privata, Bergamo Emilio Scanavino - Il muro 1954, olio su tela, 46x55cm. Archivio Scanavino Emilio Scanavino - Senza titolo stampa vintage in bianco e nero, anni 60, 10,3x14,7 cm.

Archivio Scanavino

EMILIO SCANAVINO Genesi delle forme

10 novembre - 15 dicembre 2019 Palazzo Pigorini, Parma INFO T. +39 0521 218967 Giovedì e venerdì 14.30 - 18.30 Sabato, domenica 10.00 - 18.30

Berardino

Mastropasqua info@lamiaarte.net - www.lamiaarte.net

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Come hai speso il tuo Begrüssungsgeld?

Il progetto di Tommaso Bonaventura di

Rebecca Maniti

“T

ommaso Bonaventura - 100 marchi - Berlino 2019”, è un progetto artistico del fotografo Tommaso Bonaventura, con la curatela di Elisa Del Prete, creato in occasione dei 30 anni dalla caduta del muro di Berlino (9 novembre 1989).

La mostra propone il racconto del Begrüssungsgeld, il denaro di benvenuto che dal 1970 al dicembre 1989 i cittadini della DDR ricevevano quando entravano nella Germania Ovest per la prima volta. L’esposizione è frutto di

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una collaborazione tra diverse istituzioni e si articola in più sedi: a Torino, a CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia e al Museo del Risparmio, a Trento, nella sede Le Gallerie della Fondazione Museo storico del Trentino e a San Vito al Tagliamento nella chiesa di San Lorenzo grazie alla collaborazione con il CRAF - Centro Ricerca e Archiviazione della Fotografia.

La semplice domanda “Ricordi come hai speso il tuo Begrüssungsgeld?” posta a un campione di tedeschi della ex DDR di generazioni differenti, intervistati nel corso

del 2018 e 2019, ha rappresentato il punto di partenza per un viaggio nella memoria, oggi ancora poco condivisa, di queste persone che hanno vissuto un cambiamento totale, sia da un punto di vista materiale, lavorativo, sociale ed economico, sia politico.

Se la caduta del muro di Berlino ha posto le basi per un nuovo assetto politico e geografico mondiale segnando la fine della Guerra Fredda, la riunificazione tra GerTutte le immagini sono: Tommaso Bonaventura da 100 marchi - Berlino 2019 2019

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TOMMASO BONAVENTURA 100 marchi - Berlino 2019 30 ottobre 2019 - 06 gennaio 2020

CAMERA / Museo del Risparmio, Torino INFO camera@camera.to info@museodelrisparmio.it

mania Est e Germania Ovest rimane ancora oggi un fenomeno complesso e poco discusso nei suoi aspetti più profondi. L’esito della ricerca è un racconto fotografico che, intrecciandosi alla narrazione di queste biografie, si propone di

restituire una Berlino contemporanea fatta di volti, luoghi e storie non scontati, rimasta simbolo di uno degli eventi più significativi della storia recente, ancora viva e presente nel tessuto cittadil no, urbano e sociale. s

CAMERA: da mercoledì a lunedì 11.00 - 19.00 Giovedì 11.00 - 21.00 Museo del Risparmio: da mercoledì a lunedì 10.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

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09 novembre 2019 - 26 gennaio 2020 Fondazione Museo storico del Trentino, Trento INFO info@museostorico.it 18 gennaio - 22 marzo 2020 CRAF - Chiesa di San Lorenzo, San Vito al Tagliamento INFO info@craf-fvg.it

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Marco Salvatore

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Maria - 2007 - olio su tela, 60x70 cm.

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KOBRA celebra Ayrton Senna al MAICC La Street comealvettore per far camminare le idee.

Lo street artistArt brasiliano lavoro sulla facciata del museo Le opere sono state realizzate davanti al monastero di multimediale dell’autodromo di Imola.

Sant’Antonio da Milu Correch, Alice Pasquini e UNO. di Flavio Ennante di Flavio Ennante

INFO IL MURO DELLA SPERANZA A RIVELLO UN MURALE DI 100 METRI NATO NEL SEGNO DI ANGELO VASSALLO www.murodellasperanza.eu

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i chiama “Il muro della Speranza”, rientra nell’ambito del programma “Basilicata for Hope”, e vuole essere il luogo simbolo del protagonismo delle giovani generazioni di lucani. Realizzato dal Comune di Rivello con il sostegno della Regione Basilicata e la direzione artistica di Rocco Cantisani, la grande struttura si sviluppa nell’area antistante il monastero di Sant’Antonio in Rivello.

Il progetto rappresenta il contributo della comunità di Rivello per un’Europa capace di rispondere alle sfide della globalizzazione, grazie al protagonismo delle giovani generazioni. Il progetto nasce come concorso pensato per le scuole: 27 i Comuni dell’area sud occidentale della Basilicata coinvolti, 10 gli Istituti Comprensivi chiamati in causa, per un totale di oltre 2500 alunni partecipanti.

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Accoglienza e integrazione sono i temi in concorso per le tre sezioni di gara in cui il concorso si è snodato: poesia, narrativa, disegno. L’elaborato vincitore del concorso è la poesia “La strada del nostro cuore”, scritta da Sofia D’Ambrosio dell’Istituto Comprensivo di Lagonegro. Ed è proprio questa poesia che ha ispirato parte dei murales realizzati sul muro.

Ma cos’è “Il muro della Speranza”? È una struttura realizzata nell’area antistante il monastero cinquecentesco di Sant’Antonio in Rivello. È una struttura removibile, in ferro, contenente un’anima di pannelli in cartongesso levigati con trattamento per esterno. È lunga 100 metri e alta 2.

Su questi pannelli sono stati chiamati a realizzare l’imponente murales tre artisti di fama internazionale: l’argentina Milu Correch, che nei primi 50 metri di muro illustra la storia della Basilicata, dalle origini sino alla

celebrazione di Matera Capitale Europea della Cultura 2019; gli italiani Alice Pasquini e UNO che, per la propria opera, si ispirano in maniera originale alla poesia vincitrice del concorso.

Nato nel segno di Angelo Vassallo, il “sindaco pescatore” di Pollica (in prima linea per la difesa della tutela dell’ambiente, della legalità e dell’integrazione, ucciso in un attentato il 5 settembre 2010), il progetto, come spiega il direttore artistico Rocco Cantisani, è stato il modo per “seminare il seme della speranza anche in Basilicata e fare di Rivello luogo simbolo del protagonismo delle giovani generazioni”.

In arrivo c’è anche un docufilm, un film documentario dal titolo “Il Muro della Speranza - dall’idea al murales” che ripercorre, col favore della telecamera e di una voce narrante, le varie fasi del progetto. s l

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Prossimamente Canova. Eterna bellezza Carlo Scarpa. Vetri e disegni. 1925-1931 Divisionismo.

La rivoluzione della luce Il tempo di Giacometti.

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R Almine Rech Regen Projects Nara Roesler ROH Projects Tyler Rollins Thaddaeus Ropac Rossi & Rossi Lia Rumma S SCAI The Bathhouse Esther Schipper Rüdiger Schöttle ShanghART ShugoArts Side 2 Sies + Höke Silverlens Skarstedt Société Soka Sprüth Magers Star Starkwhite STPI Sullivan+Strumpf T Take Ninagawa Tang Templon The Third Line TKG+ Tokyo Gallery + BTAP Tornabuoni Two Palms

March 19 – 21, 2020

Y Yavuz Z Zeno X Zilberman David Zwirner Insights A Thousand Plateaus Asia Art Center Bank Baton Beyond Empty Gallery Hunsand Space Yoshiaki Inoue Johyun Kogure Richard Koh Leo MadeIn Jan Murphy Nova Contemporary Pifo Misa Shin The Third Gallery Aya Axel Vervoordt Watanuki / Toki-noWasuremono Wooson Discoveries A+ Contemporary Bangkok CityCity Capsule Château Shatto Commonwealth and Council Crèvecoeur Don Fine Arts, Sydney Green Art

High Art Jhaveri JTT Maho Kubota Emanuel Layr David Lewis mor charpentier P21 Project Native Informant Jessica Silverman Park View / Paul Soto Southard Reid Gregor Staiger Tabula Rasa Yuka Tsuruno Vanguard

Henry Moore with his sculpture Seated Woman at ART 01, 1970 by Kurt Wyss (Above); David Zwirner at Art Basel Hong Kong 2019 (Below)

YEARS

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2019 / gennaio 2020 - Bimestrale d’Arte, Cultura e Informazione

Marcello Silvestre

Il vincitore del Premio BIANCOSCURO nella sezione “Scultura”